Pintura holandesa, en bellas artes.
Aproximadamente la mitad de la mesa 16. entre los pintores holandeses existe el deseo de deshacerse de las deficiencias del arte nacional (su angulosidad y sequedad góticas) estudiando a los artistas italianos del Renacimiento y combinando sus modales con las mejores tradiciones de su propia escuela. Este deseo ya es visible en las obras del citado Mostert; pero el principal difusor del nuevo movimiento hay que considerarlo Jan Schorel (1495-1562), que vivió durante mucho tiempo en Italia y más tarde fundó una escuela en Utrecht, de la que procedieron varios artistas contagiados por el deseo de convertirse en Rafaeles holandeses. y Miguel Ángel. Siguieron sus pasos Maarten van Van, apodado Gemskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, apodado. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Haarlem (1562-1638) y otros pertenecientes al siguiente período de la escuela italiana, como, por ejemplo, Abraham Bloemaert (1564-1651), Gerard Gonthorst (1592-1662), fueron más allá de los Alpes para imbuirse de las perfecciones. de las luminarias de la pintura italiana, pero cayeron, en su mayor parte, bajo la influencia de representantes del declive de esta pintura que se iniciaba en ese momento, regresaron a su tierra natal como manieristas, imaginando que toda la esencia del arte reside en la exageración de los músculos, en la pretensión de los ángulos y el garbo de los colores convencionales. Sin embargo, la pasión de los italianos por la pintura, que a menudo llegó a los extremos en la época de transición de Georgia, trajo una especie de beneficio, ya que aportó a esta pintura un dibujo mejor y más erudito y la capacidad de gestionar la composición con mayor libertad y audacia. Junto con la antigua tradición holandesa y el amor ilimitado por la naturaleza, el italianismo se convirtió en uno de los elementos a partir de los cuales se formó el arte original y altamente desarrollado de la época floreciente. El inicio de esta era, como ya hemos dicho, debe fecharse a principios del siglo XVII, cuando Holanda, tras lograr la independencia, comenzó a vivir una nueva vida. La dramática transformación de un país pobre y oprimido ayer mismo en una unión de estados políticamente importante, cómoda y rica fue acompañada por una revolución igualmente dramática en su arte. De todas partes, casi a la vez, aparecen en innumerables números. artistas maravillosos, llamados a la actividad por el auge del espíritu nacional y la necesidad de su trabajo que se ha desarrollado en la sociedad. A los centros artísticos originales, Haarlem y Leiden, se suman otros nuevos: Delft, Utrecht, Dortrecht, La Haya, Amsterdam, etc. En todas partes, las antiguas tareas de la pintura se están desarrollando de una manera nueva bajo la influencia de demandas y puntos de vista cambiantes. , y sus nuevas sucursales, cuyos inicios apenas se notaron en el período anterior. La Reforma expulsó las pinturas religiosas de las iglesias; No era necesario decorar palacios y cámaras nobles con imágenes de dioses y héroes antiguos y, por lo tanto, la pintura histórica, que satisfacía los gustos de la rica burguesía, abandonó el idealismo y recurrió a una reproducción fiel de la realidad: comenzó a interpretar acontecimientos del pasado. como los acontecimientos del día que tuvieron lugar en Holanda, y en especial se hizo retrato, perpetuando en él los rasgos de la gente de esa época, ya sea en figuras individuales o en extensas composiciones de varias figuras que representan sociedades de fusileros (schutterstuke), que desempeñaron un papel tan destacado en la lucha por la liberación del país: los directores de sus instituciones caritativas (regentenstuke), capataces y miembros de diversas corporaciones. Si decidiéramos hablar de todos los retratistas talentosos de la época floreciente de la Galia. arte, entonces simplemente enumerar sus nombres con una indicación de sus mejores obras ocuparía muchas líneas; por ello, nos limitamos a mencionar sólo a aquellos artistas que destacan especialmente desde series generales. Se trata de: Michiel Mierevelt (1567-1641), su alumno Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572? - 1657), predecesores de los tres más grandes retratistas de Holanda: el hechicero del claroscuro Rembrandt van Rijn (1606-69), dibujante incomparable que tenía un sorprendente arte de modelar figuras con luz, pero algo frío en carácter y color, Bartholomew van der Gelst (1611 o 1612-70) y sorprendente con la fuga de su pincel Frans Gols el Viejo (1581-1666). De ellos, el nombre de Rembrandt brilla especialmente en la historia, al principio muy apreciado por sus contemporáneos, luego olvidado por ellos, poco apreciado por la posteridad, y sólo en el siglo actual elevado, con toda justicia, al nivel de mundial. genio. En su característica personalidad artística, todo está concentrado, como si estuviera enfocado. mejores calidades G. la pintura y su influencia se reflejaron en todos sus tipos: retratos, pinturas históricas, escenas cotidianas y paisajes. Los más famosos entre los estudiantes y seguidores de Rembrandt fueron: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 o 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (c. 1620-54), Salomon y Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († más tarde 1645), Gerard Dou (1613-75) y Samuel van Googstraten (1626-78). Además de estos artistas, para completar la lista de los mejores retratistas y pintores históricos del período que nos ocupa, conviene nombrar a Jan Lievens (1607-30), compañero de estudios de Rembrandt de P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72). ) y Pieter Nazon (1612-91), trabajando, aparentemente, bajo la influencia de V. d. Gelsta, imitador de Hals Johannes Verspronck (1597-1662), Jan y Jacob de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) y Nicholas de Gelta-Stokade (1614-69). La pintura doméstica, cuyos primeros experimentos aparecieron en la antigua escuela holandesa, se remonta al siglo XVII. suelo especialmente fértil en la Holanda protestante, libre, burguesa y satisfecha de sí misma. Los cuadros pequeños, que representaban ingenuamente las costumbres y la vida de diferentes clases de la sociedad local, a muchas personas les parecían más entretenidos que las grandes obras de pintura seria y, junto con los paisajes, más convenientes para decorar acogedoras casas privadas. Toda una horda de artistas satisface la demanda de este tipo de imágenes, sin pensar mucho en la elección de los temas, pero reproduciendo concienzudamente todo lo que se encuentra en la realidad, mostrando al mismo tiempo amor por su familia y luego buen humor, con precisión. caracterizando las posiciones y rostros representados y refinado en el dominio de la tecnología. Mientras algunos se ocupan de la vida de la gente común, escenas de alegría y tristeza campesina, borracheras en tabernas y tabernas, tertulias frente a posadas de carretera, vacaciones rurales, juegos y patinaje sobre el hielo de ríos y canales helados, etc., otros se ocupan de el contenido de sus obras proviene de un círculo más elegante: pintan elegantes damas en su ambiente íntimo, el cortejo de caballeros dandys, amas de casa dando órdenes a sus criadas, ejercicios de música y canto en el salón, la juerga de la juventud dorada en las casas de placer, etc. En la larga serie de artistas de la primera categoría destacan Adrian e Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 o 1606-38), Jan Stan (c. 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, apodado Bambocchio en Italia (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, apodado Sorg (1621-82), Claes Molenaar (anteriormente 1630-76), Jan Minse-Molenar (alrededor de 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) y algunos. etc. Del número igualmente significativo de pintores que reprodujeron la vida de la clase media y alta, generalmente suficiente, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), Francia c. Miris la Vieja (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer de Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony y Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38), etc. La categoría de pintores de género incluye artistas que pintaron escenas de la vida militar, ociosidad de los soldados en las casetas de vigilancia. , campamentos, escaramuzas de caballería y batallas enteras, doma de caballos, así como escenas de cetrería y caza de perros similares a escenas de batalla. El principal representante de esta rama de la pintura es el famoso y extraordinariamente prolífico Philips Wouwerman (1619-68). Además de él, su hermano de este maestro, Peter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), a quien pronto conoceremos entre los paisajistas, el mencionado Palamedes, Jacob Leduc (1600 - más tarde 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717), etc. Para muchos de estos artistas, el paisaje juega un papel tan importante como las figuras humanas; pero paralelamente a ellos, trabaja una masa de pintores, fijándolo como su tarea principal o exclusiva. En general, los holandeses tienen el derecho inalienable de estar orgullosos de que su patria sea la cuna no sólo del género más nuevo, sino también del paisaje en el sentido en que se entiende hoy. De hecho, en otros países, p. En Italia y Francia, el arte tenía poco interés por la naturaleza inanimada, no encontraba en ella ni una vida única ni una belleza especial: el pintor introdujo el paisaje en sus cuadros sólo como un elemento secundario, como decoración, entre los que se encontraban episodios de drama humano o Se representa la comedia, y por tanto la subordina a las condiciones de la escena, inventando líneas y lugares pintorescos que le son beneficiosos, pero sin copiar la naturaleza, sin dejarse imbuir de la impresión que ésta inspira. Del mismo modo “compuso” la naturaleza en aquellos raros casos en los que intentó pintar un cuadro puramente paisajístico. Los holandeses fueron los primeros en comprender que incluso en la naturaleza inanimada todo respira vida, todo es atractivo, todo es capaz de evocar el pensamiento y excitar el movimiento del corazón. Y esto era bastante natural, porque los holandeses, por así decirlo, crearon la naturaleza que los rodeaba con sus propias manos, la atesoraban y admiraban, como un padre atesora y admira su propia creación. Además, esta naturaleza, a pesar de la modestia de sus formas y colores, proporcionó a coloristas como los holandeses abundante material para desarrollar motivos de iluminación y perspectiva aérea debido a las condiciones climáticas del país: su aire saturado de vapor, suavizando los contornos de objetos, produciendo una gradación de tonos en diferentes planos y cubriendo la distancia con una bruma de niebla plateada o dorada, así como la variabilidad de la apariencia de las áreas determinada por la época del año, la hora del día y las condiciones climáticas. Entre los paisajistas del período de florecimiento, los holandeses. Se respetan especialmente las escuelas que fueron intérpretes de su carácter doméstico: Jan V. Goyen (1595-1656), quien, junto con Esaias van de Velde (c. 1590-1630) y Pieter Moleyn el Viejo. (1595-1661), considerado el fundador del Goll. paisaje; luego este estudiante de maestría, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (c. 1600 - más tarde 1679), amante de los efectos del mejor arte luminoso. d. Nair (1603-77), el poético Jacob v. Ruisdael (1628 o 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) y Cornelis Dekker († 1678). Entre los holandeses también hubo muchos paisajistas que emprendieron viajes y reprodujeron motivos de carácter extranjero, lo que, sin embargo, no les impidió mantener un carácter nacional en su pintura. Alberto V. Everdingen (1621-75) representó vistas de Noruega; Jan Ambos (1610-52), Dirk v. Bergen († más tarde 1690) y Jan Lingelbach (1623-74) - Italia; Ian V. d. Mayor el Joven (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) y Jan Griffir (1656-1720) - Reina; Jan Hackart (1629-99?) - Alemania y Suiza; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) y un grupo de sus seguidores pintaron paisajes inspirados en la naturaleza italiana, con ruinas de edificios antiguos, ninfas bañándose y escenas de una Arcadia imaginaria. En una categoría especial podemos destacar a los maestros que en sus pinturas combinaron paisajes con imágenes de animales, dando preferencia al primero o al segundo, o tratando ambas partes con la misma atención. El más famoso entre estos pintores del idilio rural es Paulus Potter (1625-54); Además de él, Adrian debería incluirse aquí. d. Velde (1635 o 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) y numerosos artistas que buscaron temas preferente o exclusivamente en Italia, como: Willem Romain († más tarde 1693), Adam. Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Weick (1616? -77) Frederic de Moucheron (1633 o 1634-86) y otros Estrechamente relacionada con el paisaje está la pintura de vistas arquitectónicas. artistas holandeses Comenzó a practicarse como una rama independiente del arte sólo en la mitad del siglo XVII. Algunos de los que desde entonces han trabajado en esta área han representado sofisticadamente las calles y plazas de la ciudad con sus edificios; estos son, entre otros, menos significativos, Johannes Bärestraten (1622-66), Job y Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d. Heyden (1647-1712) y Jacob v. pueblo Yulft (1627-88). Otros, entre los que destacan Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 o 1617-92), escribieron vistas internas iglesias y palacios. El mar tenía tal importancia en la vida de Holanda que su arte sólo podía tratarlo con la mayor atención. Muchos de sus artistas que se ocuparon del paisaje, géneros e incluso retratos, rompiendo por un tiempo con sus temas habituales, se convirtieron en pintores marinos, y si decidimos enumerar a todos los pintores holandeses. escuelas que representan un mar en calma o embravecido, barcos meciéndose en él, puertos llenos de barcos, batallas navales, etc., entonces obtendríamos una lista muy larga que incluiría los nombres de Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. y J. Ruisdal, A. Cuyp y otros ya citados en líneas anteriores. Limitándonos a señalar a aquellos para quienes la pintura de especies marinas era una especialidad, debemos nombrar a Willem v. de Velde el Viejo (1611 o 1612-93), su famoso hijo V. v. de Velde el Joven (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) y Julius Parcellis († más tarde 1634). Finalmente, la dirección realista de la escuela holandesa fue la razón por la que en ella se formó y desarrolló un tipo de pintura que en otras escuelas hasta entonces no se había cultivado como una rama especial e independiente, a saber, la pintura de flores, frutas, verduras, seres vivos, utensilios de cocina, vajillas, etc. - en una palabra, lo que ahora se llama comúnmente "naturaleza muerta" (naturaleza muerta, Stilleben). En esta zona entre el Los artistas más famosos de la época floreciente fueron Jan-Davids de Gem (1606-83), su hijo Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630). -93), Willem V. Aalst (1626-83), Willem Geda (1594 - más tarde 1678), Willem Kalf (1621 o 1622-93) y Jan Waenix (1640-1719).
período brillante pintura holandesa No duró mucho: sólo un siglo. Desde principios del siglo XVIII. Su declive se acerca, no porque las costas del Zuiderzee dejen de producir talentos innatos, sino porque la sociedad se está debilitando cada vez más identidad nacional, el espíritu nacional se evapora y los gustos y puntos de vista franceses de la pomposa época de Luis XIV echan raíces. En el arte, este giro cultural se expresa en el olvido por parte de los artistas de aquellos principios fundamentales de los que dependía la originalidad de los pintores de generaciones anteriores, y en un llamamiento a principios estéticos, traído de un país vecino. En lugar de una relación directa con la naturaleza, el amor por lo nativo y la sinceridad, el predominio de las teorías preconcebidas, las convenciones y la imitación de Poussin, Lebrun, Cl. Lorrain y otras luminarias de la escuela francesa. El principal propagador de esta lamentable corriente fue el flamenco Gerard de Leresse (1641-1711), afincado en Ámsterdam, artista muy capaz y culto en su época, que ejerció una enorme influencia en sus contemporáneos y en la posteridad inmediata tanto con su amanerado pseudo -pinturas históricas y con obras de su propia pluma, entre las cuales una - " Gran libro pintor" ("t groot schilderboec") - sirvió durante cincuenta años como código para los artistas jóvenes. El famoso Adriano también contribuyó al declive de la escuela. de Werff (1659-1722), cuya elegante pintura con figuras frías, como talladas en marfil, con un color apagado e impotente, alguna vez pareció el colmo de la perfección. Entre los seguidores de este artista, Henryk v. gozaba de fama como pintor histórico. Limborg (1680-1758) y Philip V.-Dyck (1669-1729), apodado "el pequeño V.-Dyck". De los otros pintores de la época en cuestión, dotados de indudable talento, pero contagiados del espíritu de la época, cabe señalar Willem y Francia v. Miris la Joven (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) y Carel de Maur (1656-1738). Cornelis Trost (1697-1750), principalmente caricaturista, apodado holandés, dio algo de brillo a la escuela moribunda. Gogarth, el retratista Jan Quincgard (1688-1772), el pintor decorativo e histórico Jacob de Wit (1695-1754) y los pintores de la naturaleza muerta Jan V. Geysum (1682-1749) y Rachel Reisch (1664-1750).
La influencia extranjera pesó sobre la pintura holandesa hasta los años veinte del siglo XIX, habiendo conseguido reflejar más o menos en ella los cambios que experimentó el arte en Francia, empezando por la confección de pelucas en la época del Rey Sol y terminando con el pseudoclasicismo de David. Cuando el estilo de este último quedó obsoleto y en toda Europa occidental, en lugar de la fascinación por los antiguos griegos y romanos, surgió un deseo romántico, dominando tanto la poesía como las artes figurativas, los holandeses, como otros pueblos, volvieron su mirada hacia su antigüedad, y por tanto a su gloriosa pintura pasada. El deseo de devolverle el brillo con el que brilló en el siglo XVII comenzó a inspirar a los artistas más nuevos y los devolvió a los principios de los antiguos maestros nacionales: a una estricta observación de la naturaleza y a una actitud ingeniosa y sincera hacia las tareas en mano. Al mismo tiempo, no intentaron excluirse por completo de la influencia extranjera, pero cuando fueron a estudiar a París o Dusseldorf y otros centros artísticos de Alemania, solo se llevaron a casa un conocimiento de los éxitos de la tecnología moderna. Gracias a todo esto, la resucitada escuela holandesa volvió a adquirir una fisonomía original y atractiva y hoy avanza por el camino que conduce a un mayor progreso. Puede contrastar fácilmente muchas de sus figuras más recientes con los mejores pintores del siglo XIX en otros países. La pintura histórica en el sentido estricto de la palabra se cultiva en él, como antaño, de forma muy moderada y no tiene representantes destacados; pero en parte genero historico Holanda puede estar orgullosa de varios maestros recientes importantes, como: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (n. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (n. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) y el talentoso Lawrence Alma-Tadema (n. 1836), que desertó a Inglaterra. En cuanto al género cotidiano, que también estaba incluido en el círculo de actividad de estos artistas (a excepción de Alma-Tadema), se pueden señalar varios pintores excelentes, encabezados por Joseph Israels (n. 1824) y Christoffel. Bisschop (n. 1828); Además de ellos, son dignos de ser nombrados Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (n. 1826), Teresa Schwarze (n. 1852) y Valli Mus (n. 1857). El objetivo más nuevo es especialmente rico. pintura de paisajistas que trabajaron y trabajan de diversas maneras, a veces con esmerada terminación, a veces con la amplia técnica de los impresionistas, pero fieles y poéticos intérpretes de su naturaleza nativa. Entre ellos se incluyen Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (n. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (n. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (n. 1837), Lodewijk Apol (n. 1850) y muchos otros. etc. Herederos directos de Ya. D. Heyden y E. de Witte, aparecieron pintores de opiniones prometedoras, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gowe (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880), etc. Entre los pintores marinos más nuevos de Holanda, el La palma pertenece a Jog. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (n. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) y Henrik Mesdag (n. 1831). Finalmente, Wouters Verschoor (1812-74) y Johann Gas (n. 1832) mostraron gran habilidad en la pintura de animales.
Casarse. Van Eyden u. van der Willigen, "Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw" (4 volúmenes, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (tomos 2 y 3, 1882-1883); Waagen, "Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen" (1862); Bode, "Studien zur Geschichte der holländischen Malerei" (1883); Havard, "La pintura holandesa" (1880); E. Fromentin, "Les maîtres d"autrefois. Belgique, Hollande" (1876); A. Bredius, "Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam" (1890); P. P. Semenov, "Estudios sobre la historia de la pintura holandesa a partir de sus muestras ubicadas en San Petersburgo". (apéndice especial de revista "Vestn. Bellas Artes", 1885-90).
Detalles Categoría: Bellas artes y arquitectura de finales de los siglos XVI-XVIII Publicado el 06/02/2017 15:37 Vistas: 2667Nuestro artículo se centrará en dos artistas: Jan van Goyen Y Jacob van Ruisdaele.
Ambos vivieron durante la época de la liberación de Holanda del yugo extranjero, y esta fue la Edad de Oro de la pintura holandesa. Fue en el arte de Holanda donde comenzaron a desarrollarse los siguientes géneros: retrato, paisaje, género cotidiano, naturaleza muerta. Esto no se observaba entonces ni siquiera en los centros artísticos más destacados: Italia o Francia. Arte holandés del siglo XVII. Se convirtió en un fenómeno único en el mundo artístico de Europa en el siglo XVII. Los maestros holandeses abrieron el camino a artistas de otras escuelas de arte nacionales europeas.
Jan van Goyen (1596-1656)
Terborch "Retrato de van Goyen" (c. 1560)
Jan van Goyen es uno de los primeros artistas que representó la naturaleza de forma natural, sencilla y sin adornos. Es el creador del paisaje nacional holandés. La naturaleza de su país le proporcionó suficientes temas para toda su vida.
Jan van Goyen nació en 1596 en la ciudad de Leiden en la familia de un zapatero.
Aunque Jan van Goyen pasó algún tiempo en su juventud en París, en Francia no se conocía el amor por el paisaje sencillo, por lo que no vale la pena hablar de la influencia de los representantes de la pintura francesa en su obra.
En su tierra natal tuvo varios profesores de pintura, pero sólo pasó un año en el taller de Isaiah van de Velde y se comunicaba aún menos con los demás mentores.
Jan van Goyen "Paisaje con dunas" (1630-1635). Museo Kunsthistorisches (Viena)
Creación
En un principio, Goyen pintó pueblos holandeses o zonas aledañas con su vegetación, luego empezaron a predominar en sus cuadros las vistas costeras, donde el cielo y el agua ocupaban la mayor parte de los cuadros.
Jan van Goyen "Vista del río" (1655). Mauritshuis (La Haya)
Los árboles, las chozas o los edificios de la ciudad juegan un papel secundario en sus pinturas, pero tienen un aspecto muy pintoresco, así como pequeños barcos de vela y de remos con figuras de pescadores, timoneles y pasajeros.
Las pinturas de Goyen son en su mayoría monótonas. Al artista le encantaba la sencillez del color, pero al mismo tiempo sus colores eran armoniosos. Aplicó la pintura en una capa ligera.
Jan van Goyen "Vista del Merwede cerca de Dordrecht (c. 1645). Rijksmuseum (Ámsterdam)
Las últimas obras del artista se distinguen por una paleta casi monocromática y el suelo translúcido les confiere una profundidad especial y un encanto único.
Jan van Goyen, Paisaje con dos robles (1641). Rijksmuseum (Ámsterdam)
Sus cuadros resultan agradables precisamente por su sencillez y realismo. El artista creó muchos lienzos artísticos, pero su trabajo no siempre fue recompensado de manera digna. Por tanto, Goyen tuvo que ganar dinero de otras formas: comerciaba con tulipanes, se dedicaba a la valoración y venta de obras de arte, bienes inmuebles y terrenos. Pero los intentos de emprender por lo general no condujeron al éxito.
Jan van Goyen "Escena de invierno sobre hielo"
Ahora su trabajo es apreciado y cualquier museo considera sus pinturas como exhibiciones valiosas.
En el Hermitage también se encuentran varios cuadros de Jan van Goyen: “Vista del río. Maas, cerca de Dortrecht", "Orilla de Scheveningen, cerca de La Haya", "Paisaje invernal", "Vista del río. Maas”, “Vista del pueblo”, “Paisaje con roble”, etc.
Jan van Goyen "Paisaje con un roble"
Además de pintar, Goyen se dedicaba al grabado (un tipo de grabado sobre metal) y al dibujo.
En 1632, Goyen y su familia se trasladaron a La Haya, donde vivió hasta el final de su vida, hasta 1656.
Jacob van Ruisdael (1628/1629-1682)
Jacob Isaacs van Ruisdael nació y murió en Haarlem (Países Bajos). No se han conservado retratos exactos de él. Este retrato es sólo especulativo.
Actualmente, Ruisdael es considerado el paisajista holandés más importante, pero durante su vida su talento no fue suficientemente apreciado. Su maestro podría haber sido su tío, el artista Solomon van Ruisdael.
Ruisdael también era cirujano en ejercicio y trabajaba en Ámsterdam.
Creación
El artista transmitió hábilmente las emociones humanas a través del paisaje. Y para él, cualquier componente del paisaje era importante: la rama de un árbol doblada por una ráfaga de viento, una brizna de hierba aplastada, una nube de tormenta, un camino transitado... Y todos estos componentes se combinaban armoniosamente en sus pinturas en un solo NATURALEZA.
Escribió con pequeños trazos. Le encantaba pintar matorrales de bosques, pantanos, cascadas, pequeñas ciudades o pueblos holandeses y, sobre todo, un cielo triunfante. Los paisajes de Ruisdael son comprensibles para cualquier persona de cualquier nacionalidad, porque expresan la unidad con la naturaleza común a todas las personas.
Ruisdael creó alrededor de 450 pinturas. Otras fuentes indican la cifra de 600. La mayoría de sus paisajes están dedicados a la naturaleza de su Holanda natal, pero también pintó bosques de robles Alemania y cascadas en Noruega.
Los artistas holandeses hicieron una gran contribución al trabajo de los maestros, que comenzaron su actividad en el siglo XVII y no se detuvieron hasta nuestros días. Sin embargo, influyeron no sólo en sus colegas, sino también en profesionales de la literatura (Valentin Proust, Donna Tartt) y de la fotografía (Ellen Kooi, Bill Gekas y otros).
Comienzo del desarrollo
En 1648 Holanda obtuvo la independencia, pero para la formación de un nuevo estado, los Países Bajos tuvieron que soportar un acto de venganza por parte de España, que mató a unas 10 mil personas en la ciudad flamenca de Amberes en ese momento. Como resultado de la masacre, los habitantes de Flandes emigraron de los territorios controlados por las autoridades españolas.
Partiendo de esto, sería lógico reconocer que el impulso de los artistas holandeses independientes provino precisamente de la creatividad flamenca.
Desde el siglo XVII se han producido ramas tanto estatales como artísticas, lo que llevó a la formación de dos escuelas de arte, separadas por nacionalidad. Ellos han tenido origen común, pero los signos diferían bastante. Mientras Flandes permaneció bajo las alas del catolicismo, Holanda experimentó un florecimiento completamente nuevo, comenzando con siglo XVII.
cultura holandesa
En el siglo XVII, el nuevo estado acababa de emprender el camino de su desarrollo, rompiendo por completo los vínculos con el arte de la época pasada.
La lucha con España fue amainando poco a poco. El sentimiento nacional comenzó a notarse en los círculos populares a medida que se alejaban de la religión católica previamente impuesta por las autoridades.
El gobierno protestante tenía una visión contradictoria de la decoración, lo que llevó a una reducción en las obras sobre temas religiosos, y en el futuro solo le hizo el juego al arte secular.
Nunca antes se había representado con tanta frecuencia en pinturas la realidad real que nos rodea. En sus obras, los artistas holandeses querían mostrar la vida cotidiana sin adornos, los gustos refinados y la nobleza.
La explosión artística secular dio lugar a direcciones tan numerosas como el paisaje, el retrato, el género cotidiano y la naturaleza muerta (cuya existencia desconocían ni siquiera los centros más desarrollados de Italia y Francia).
La propia visión del realismo de los artistas holandeses, expresada en retratos, paisajes, obras de interior y bodegones, despertó el interés por esta habilidad en todos los niveles de la sociedad.
De este modo, arte holandés El siglo XVII recibió el sobrenombre de "Edad de Oro de la pintura holandesa", lo que le aseguró el estatus de la época más destacada de la pintura en los Países Bajos.
Es importante saber: existe la idea errónea de que la escuela holandesa representaba sólo la mediocridad de la existencia humana, pero los maestros de aquellos tiempos destruyeron descaradamente el marco con la ayuda de sus obras fantásticas (por ejemplo, "Paisaje con Juan Bautista" por Bloemaert).
Artistas holandeses del siglo XVII. Rembrandt
Rembrandt Harmensz van Rijn es considerado una de las figuras artísticas más importantes de Holanda. Además de su actividad artística, también se dedicó al grabado y fue considerado con razón un maestro del claroscuro.
Su legado es rico en diversidad individual: retratos, escenas de género, naturalezas muertas, paisajes, así como pinturas sobre temas de historia, religión y mitología.
Su capacidad para dominar el claroscuro le permitió potenciar la expresividad emocional y la espiritualidad de una persona.
Mientras trabajaba en retratos, trabajó en expresiones faciales humanas.
Debido a los desgarradores y trágicos acontecimientos de su trabajos tardíos se llenaron de una luz tenue que expuso las experiencias profundas de las personas, como resultado de lo cual las obras brillantes dejaron de interesar a nadie.
En aquella época estaban de moda. belleza externa sin intentos de profundizar, además del naturalismo, que está reñido con el realismo absoluto.
El cuadro "Regreso" hijo pródigo"Todo amante ruso puede ver con sus propios ojos bellas artes, porque este trabajo Ubicado en el Hermitage de San Petersburgo.
Frans Hals
Frans Hals es un gran artista holandés y un importante retratista que contribuyó a introducir el género de la escritura libre en el arte ruso.
La obra que le dio fama fue el cuadro titulado “El banquete de los oficiales de la Compañía de Fusileros de San Jorge”, pintado en 1616.
Sus retratos eran demasiado naturales para esa época, lo que contrastaba con la actualidad. Debido a que el artista quedó incomprendido, él, como el gran Rembrandt, terminó su vida en la pobreza. "La Gitana" (1625-1630) es una de sus obras más famosas.
Jan Steen
Jan Steen es a primera vista uno de los artistas holandeses más ingeniosos y alegres. Burlándose de los vicios sociales, le encantaba recurrir al arte de la sátira de la sociedad. Mientras entretenía al espectador con imágenes inofensivas y divertidas de juerguistas y damas de fácil virtud, en realidad advertía contra ese estilo de vida.
El artista también tenía pinturas más tranquilas, por ejemplo, la obra "Morning Toilet", que a primera vista parecía una acción absolutamente inocente. Pero si te fijas bien en los detalles, te sorprenderás bastante con sus revelaciones: se trata de rastros de medias que previamente apretaban las piernas, y un orinal lleno de algo indecente por la noche, así como un perro que se permite tener razón. en la almohada del dueño.
en el mejor obras propias el artista se adelantó a sus colegas en su elegante y hábil combinación paletas de colores y dominio de las sombras.
Otros artistas holandeses
Este artículo enumera solo tres personas brillantes entre docenas que merecen estar en la misma lista que ellos:
Entonces, en este artículo conocerás a los artistas holandeses del siglo XVII y sus obras.
Nota. Además de los artistas de los Países Bajos, la lista también incluye pintores de Flandes.
Arte holandés del siglo XV.
Las primeras manifestaciones del arte renacentista en los Países Bajos se remontan a principios del siglo XV. Primero pinturas, que ya pueden clasificarse como monumentos del primer Renacimiento, fueron creados por los hermanos Hubert y Jan van Eyck. Ambos, Hubert (fallecido en 1426) y Jan (alrededor de 1390-1441), jugaron papel decisivo en la formación del Renacimiento holandés. Casi no se sabe nada sobre Hubert. Jan era, aparentemente, una persona muy educada, estudió geometría, química, cartografía y realizó algunas misiones diplomáticas para el duque de Borgoña, Felipe el Bueno, a cuyo servicio, por cierto, tuvo lugar su viaje a Portugal. Los primeros pasos del Renacimiento en los Países Bajos se pueden juzgar por las pinturas de los hermanos, realizadas en los años 20 del siglo XV, entre ellas "Mujeres portadoras de mirra en la tumba" (posiblemente parte de un políptico; Rotterdam, Museo Boijmans van Beiningen), “La Virgen en la Iglesia" (Berlín), "San Jerónimo" (Detroit, Instituto de Arte).
Los hermanos Van Eyck ocupan un lugar excepcional en el arte contemporáneo. Pero no estaban solos. Al mismo tiempo, también trabajaron con ellos otros pintores que estaban relacionados estilística y problemáticamente con ellos. Entre ellos, el primer lugar pertenece sin duda al llamado maestro Flemal. Se han hecho muchos intentos ingeniosos para determinar su verdadero nombre y origen. De ellas, la versión más convincente es que este artista recibe el nombre de Robert Campin y una biografía bastante desarrollada. Anteriormente llamado Maestro del Altar (o "Anunciación") de Merode. También hay un punto de vista poco convincente que atribuye las obras que se le atribuyen al joven Rogier van der Weyden. De Campin se sabe que nació en 1378 o 1379 en Valenciennes, recibió el título de maestro en 1406 en Tournai, vivió allí, actuó además de pinturas muchos decorativos, fue maestro de varios pintores (entre ellos Rogier van der Weyden, del que hablaremos más adelante, de 1426, y Jacques Darais, de 1427) y murió en 1444. El arte de Kampen conservó características cotidianas en el esquema general "panteísta" y, por lo tanto, resultó estar muy cerca de la siguiente generación de pintores holandeses. Las primeras obras de Rogier van der Weyden y Jacques Darais, un autor que dependía en gran medida de Campin (por ejemplo, su “Adoración de los Magos” y “El encuentro de María e Isabel”, 1434-1435; Berlín), revelan claramente Aparece un interés por el arte de este maestro, en el que sin duda la tendencia del tiempo.
Retrato de una mujer joven, 1445. galería de imágenes, Berlín
San Ivo, 1450, National Gallery, Londres
San Lucas pintando la imagen de la Virgen, 1450, Museo Groningen, Brujas
Rogier van der Weyden nació en 1399 o 1400, se formó con Campin (es decir, en Tournai), recibió el título de maestro en 1432 y en 1435 se trasladó a Bruselas, donde fue el pintor oficial de la ciudad: en 1449– En 1450 viajó a Italia y murió en 1464. Con él estudiaron algunos de los artistas más importantes del Renacimiento holandés (por ejemplo, Memling), y gozó de gran fama no sólo en su tierra natal, sino también en Italia (el famoso científico y filósofo Nicolás de Cusa lo llamó el mejor artista; más tarde su trabajo fue notado por Durero). La obra de Rogier van der Weyden sirvió de base nutritiva para una amplia variedad de pintores de la siguiente generación. Baste decir que su taller, el primero de este tipo ampliamente organizado en los Países Bajos, tuvo una fuerte influencia en la difusión sin precedentes del estilo de un maestro en el siglo XV, finalmente redujo este estilo a una suma de técnicas de estarcido e incluso jugó El papel de freno a la pintura a finales de siglo. Y, sin embargo, el arte de mediados del siglo XV no puede reducirse a la tradición de Rohir, aunque está estrechamente relacionado con ella. El otro camino se resume principalmente en las obras de Dirik Bouts y Albert Ouwater. Ellos, como Rogier, son algo ajenos a la admiración panteísta por la vida, y su imagen del hombre está perdiendo cada vez más contacto con las cuestiones del universo: cuestiones filosóficas, teológicas y artísticas, adquiriendo cada vez más concreción y certeza psicológica. Pero Rogier van der Weyden, un maestro del sonido dramático intensificado, un artista que buscaba imágenes individuales y al mismo tiempo sublimes, estaba interesado principalmente en la esfera de las propiedades espirituales humanas. Los logros de Bouts y Ouwater residen en el ámbito de realzar la autenticidad cotidiana de la imagen. Entre los problemas formales, estaban más interesados en cuestiones relacionadas con la resolución no tanto expresiva, sino tareas visuales(no la nitidez del dibujo y la expresión del color, sino la organización espacial de la imagen y la naturalidad, naturalidad del entorno luminoso).
Pero antes de pasar a considerar la obra de estos dos pintores, conviene detenerse en un fenómeno a menor escala, que muestra que los descubrimientos del arte de mediados de siglo, siendo a la vez una continuación de la tradición de Van Eyck-Kampen y un alejamiento de la ellos, estaban profundamente justificados en ambas cualidades. El pintor más conservador Petrus Christus demuestra claramente la inevitabilidad histórica de esta apostasía, incluso para artistas no inclinados a descubrimientos radicales. A partir de 1444, Christus se convirtió en ciudadano de Brujas (murió allí en 1472/1473), es decir, vio las mejores obras de Van Eyck y fue influenciado por su tradición. Sin recurrir al agudo aforismo de Rogier van der Weyden, Christus logró una caracterización más individualizada y diferenciada que la de van Eyck. Sin embargo, sus retratos (E. Grimston - 1446, Londres, National Gallery; monje cartujo - 1446, Nueva York, Metropolitan Museum of Art) al mismo tiempo indican una cierta decadencia de la imaginería en su obra. En el arte, el anhelo por lo concreto, lo individual y lo particular se hacía cada vez más evidente. Quizás estas tendencias se manifestaron más claramente en la obra de Bouts. Más joven que Rogier van der Weyden (nacido entre 1400 y 1410), estaba lejos del carácter dramático y analítico de este maestro. Sin embargo, los primeros Bouts provienen en gran medida de Rogier. El altar con “El Descendimiento de la Cruz” (Granada, Catedral) y varias otras pinturas, por ejemplo “Entierro” (Londres, National Gallery), indican un estudio profundo de la obra de este artista. Pero la originalidad aquí ya se nota: Bouts da más espacio a sus personajes, no le interesa tanto el entorno emocional como la acción, el proceso mismo de la misma, sus personajes son más activos. Lo mismo ocurre con los retratos. En el excelente retrato de un hombre (1462; Londres, National Gallery), con ojos levantados en oración, aunque sin exaltación alguna, una boca especial y las manos cuidadosamente cruzadas, tienen un colorido tan individual que Van Eyck no conocía. Incluso en los detalles se puede sentir este toque personal. Una reflexión algo prosaica, pero inocentemente real, se encuentra en todas las obras del maestro. Es más notable en sus composiciones de múltiples figuras. Y especialmente en su obra más famosa: el altar de la iglesia de San Pedro de Lovaina (entre 1464 y 1467). Si el espectador siempre percibe la obra de van Eyck como un milagro de creatividad, creación, entonces, ante las obras de Bouts, surgen diferentes sentimientos. El trabajo compositivo de Bouts dice mucho sobre él como director. Teniendo en cuenta los éxitos de este método “director” (es decir, un método en el que la tarea del artista es disponer personajes característicos, como extraídos de la naturaleza, para organizar una escena) en los siglos siguientes, se debe prestar atención a este fenómeno en la obra de Dirk Bouts.
La siguiente etapa del arte holandés abarca las últimas tres o cuatro décadas del siglo XV, una época extremadamente difícil para la vida del país y su cultura. Este período se abre con la obra de Joos van Wassenhove (o Joos van Gent; entre 1435-1440 - después de 1476), un artista que desempeñó un papel importante en la formación de nueva pintura, pero en 1472 se fue a Italia, se aclimató allí y se involucró orgánicamente en el arte italiano. Su altar con la “Crucifixión” (Gante, Iglesia de San Bavón) indica un deseo de narrativa, pero al mismo tiempo un deseo de privar a la historia de un frío desapasionamiento. Esto último quiere lograrlo con la ayuda de la gracia y la decoración. Su altar es una obra profana en la naturaleza con una combinación de colores claros basada en refinados tonos iridiscentes.
Este período continúa con el trabajo de un maestro de talento excepcional: Hugo van der Goes. Nació hacia 1435, se convirtió en maestro en Gante en 1467 y murió en 1482. Las primeras obras de Hus incluyen varias imágenes de la Virgen y el Niño, que se distinguen por el aspecto lírico de la imagen (Filadelfia, Museo de Arte, y Bruselas, Museo), y el cuadro “Santa Ana, María y el Niño y el Donante” (Bruselas). , Museo). Desarrollando los hallazgos de Rogier van der Weyden, Hus ve en la composición no tanto una forma de organizar armoniosamente lo representado, sino un medio para concentrar e identificar el contenido emocional de la escena. Una persona es notable para Hus sólo por la fuerza de sus sentimientos personales. Al mismo tiempo, Gus se siente atraído por sentimientos trágicos. Sin embargo, la imagen de Santa Genoveva (en el reverso de la Lamentación) indica que, en busca de la emoción desnuda, Hugo van der Goes comenzó a prestar atención a su significado ético. En el altar de Portinari, Hus intenta expresar su fe en las capacidades espirituales del hombre. Pero su arte se vuelve nervioso y tenso. Las técnicas artísticas de Hus son variadas, especialmente cuando necesita recrear el mundo espiritual de una persona. A veces, como al transmitir la reacción de los pastores, compara sentimientos cercanos en una secuencia determinada. A veces, como en la imagen de María, el artista describe las características generales de la experiencia, según las cuales el espectador completa el sentimiento en su conjunto. A veces, en las imágenes de un ángel de ojos entrecerrados o de Margarita, recurre a técnicas compositivas o rítmicas para descifrar la imagen. A veces, la misma elusividad de la expresión psicológica se convierte para él en un medio de caracterización: así juega el reflejo de una sonrisa en el rostro seco y descolorido de Maria Baroncelli. Y las pausas juegan un papel muy importante, tanto en la decisión espacial como en la acción. Brindan la oportunidad de desarrollar mentalmente y completar el sentimiento que el artista describió en la imagen. El carácter de las imágenes de Hugo van der Goes siempre depende del papel que se supone que deben desempeñar en su conjunto. El tercer pastor es realmente natural, José es completamente psicológico, el ángel a su derecha es casi irreal y las imágenes de Margarita y Magdalena son complejas, sintéticas y construidas sobre gradaciones psicológicas extremadamente sutiles.
Hugo van der Goes siempre quiso expresar y encarnar en sus imágenes la dulzura espiritual de una persona, su calidez interior. Pero, en esencia, los últimos retratos del artista indican una crisis creciente en la obra de Hus, ya que su estructura espiritual fue generada no tanto por la conciencia de las cualidades individuales de una persona, sino por la trágica pérdida de la unidad del hombre y el mundo durante el artista. EN último trabajo– “La muerte de María” (Brujas, Museo) – esta crisis resulta en el colapso de todas las aspiraciones creativas del artista. La desesperación de los apóstoles es desesperada. Sus gestos no tienen sentido. Flotando en un resplandor, Cristo, con su sufrimiento, parece justificar su sufrimiento, y sus palmas perforadas se vuelven hacia el espectador, y una figura de tamaño indefinido viola la estructura a gran escala y el sentido de la realidad. También es imposible comprender el alcance de la realidad de la experiencia de los apóstoles, porque todos tenían el mismo sentimiento. Y no es tanto de ellos sino del artista. Pero sus portadores siguen siendo físicamente reales y psicológicamente convincentes. Imágenes similares revivirán más tarde, cuando a finales del siglo XV en la cultura holandesa llegó a su fin una tradición centenaria (en El Bosco). Un extraño zigzag forma la base de la composición del cuadro y lo organiza: el apóstol sentado, el único inmóvil, mirando al espectador, inclinado de izquierda a derecha, María postrada de derecha a izquierda, Cristo flotando de izquierda a derecha. . Y el mismo zigzag en la combinación de colores: la figura de la persona sentada se asocia con el color de María, la que yace sobre una tela azul opaca, con una túnica también azul, pero de un azul extremo, extremo, luego etéreo, Azul inmaterial de Cristo. Y por todas partes están los colores de las vestiduras de los apóstoles: amarillo, verde, azul: infinitamente fríos, claros, antinaturales. El sentimiento en “La Asunción” es desnudo. No deja lugar a la esperanza ni a la humanidad. Al final de su vida, Hugo van der Goes ingresó en un monasterio, su mayor últimos años se vieron afectados por una enfermedad mental. Al parecer, en estos hechos biográficos se puede ver un reflejo de las trágicas contradicciones que definieron el arte del maestro. El trabajo de Hus era conocido y apreciado, y atrajo atención incluso fuera de los Países Bajos. Jean Clouet el Viejo (Maestro de Moulins) estuvo muy influenciado por su arte, Domenico Ghirlandaio conoció y estudió el retablo de Portinari. Sin embargo, sus contemporáneos no lo entendieron. El arte holandés se inclinaba constantemente hacia un camino diferente, y vestigios aislados de la influencia del trabajo de Hus sólo resaltan la fuerza y la prevalencia de estas otras tendencias. Aparecieron de manera más completa y consistente en las obras de Hans Memling.
Vanidad terrenal, tríptico, panel central,
Infierno, panel izquierdo del tríptico "Vanidades terrenales",
1485, Museo bellas artes, Estrasburgo
Hans Memling, aparentemente nacido en Seligenstadt, cerca de Frankfurt am Main, en 1433 (fallecido en 1494), el artista recibió una excelente formación de Rogier y, tras mudarse a Brujas, adquirió allí gran fama. Ya relativamente primeros trabajos descubrir la dirección de su búsqueda. Los principios de la luz y lo sublime recibieron de él un significado mucho más secular y terrenal, y todo lo terrenal, una cierta euforia ideal. Un ejemplo es el altar con la Virgen, santos y donantes (Londres, National Gallery). Memling se esfuerza por preservar la apariencia cotidiana de sus verdaderos héroes y acercarles a sus héroes ideales. El principio sublime deja de ser una expresión de ciertas fuerzas mundiales generales entendidas panteístamente y se convierte en una propiedad espiritual natural del hombre. Los principios de la obra de Memling emergen más claramente en el llamado Floreins-Altar (1479; Brujas, Museo Memling), cuyo escenario principal y el ala derecha son esencialmente copias libres de las partes correspondientes del altar de Munich de Rogier. Reduce decisivamente el tamaño del altar, corta las partes superior y lateral de la composición de Rogier, reduce el número de figuras y, por así decirlo, acerca la acción al espectador. El evento pierde su alcance majestuoso. Las imágenes de los participantes pierden su representatividad y adquieren rasgos privados, la composición adquiere un tono de suave armonía y el color, aunque mantiene la pureza y la transparencia, pierde por completo la sonoridad fría y aguda de Rogirov. Parece temblar con matices claros y claros. Aún más característica es la Anunciación (hacia 1482; Nueva York, colección Lehman), donde se utiliza el esquema de Rogier; A la imagen de María se le dan rasgos de suave idealización, el ángel está vestido de manera significativa y los elementos del interior están pintados con el amor de Van Eyck. Al mismo tiempo, los motivos del Renacimiento italiano (guirnaldas, amorcillos, etc.) están penetrando cada vez más en la obra de Memling, y la estructura compositiva se vuelve más mesurada y clara (tríptico con “La Virgen y el Niño, el ángel y el donante”, Viena). El artista intenta borrar la línea entre el principio concreto, burgués y mundano, y el idealizador y armonioso.
El arte de Memling lo atrajo mucha atención amos de las provincias del norte. Pero también estaban interesados en otras características, aquellas que estaban asociadas con la influencia de Hus. Las provincias del norte, incluida Holanda, quedaron rezagadas con respecto a las del sur en ese período, tanto económica como espiritualmente. La pintura holandesa temprana generalmente no iba más allá del modelo provincial y medieval tardío, y el nivel de su artesanía nunca alcanzó el arte de los artistas flamencos. Sólo en el último cuarto del siglo XV la situación cambió gracias al arte de Hertgen tot sint Jans. Vivió en Haarlem, con los monjes juanitas (a los que debe su apodo - sint Jans significa San Juan) y murió joven - veintiocho años (nacido en Leiden (?) hacia 1460/65, fallecido en Haarlem en 1490- 1495). Hertgen percibió vagamente la ansiedad que preocupaba a Hus. Pero, sin llegar a sus trágicos descubrimientos, descubrió el suave encanto del simple sentimiento humano. Está cerca de Hus en su interés por el mundo interior y espiritual del hombre. Entre las obras más importantes de Goertgen se encuentra un retablo pintado para los johannitas de Harlem. De él se conserva el ala derecha, ahora aserrada por ambos lados. Su cara interior representa una gran escena de duelo con varias figuras. Gertgen logra ambas tareas planteadas por la época: transmitir calidez, humanidad y crear una narrativa vitalmente convincente. Esto último se nota especialmente en el exterior de la puerta, donde se representa la quema de los restos de Juan Bautista por parte de Julián el Apóstata. Los participantes en la acción están dotados de un carácter exagerado y la acción se divide en una serie de escenas independientes, cada una de las cuales se presenta con una vívida observación. En el camino, el maestro crea, quizás, uno de los primeros arte europeo nueva época de retratos de grupo: construido sobre el principio de combinación simple características del retrato, anticipa la obra del siglo XVI. Su “Familia de Cristo” (Ámsterdam, Rijksmuseum), presentada en el interior de una iglesia, interpretada como un entorno espacial real, aporta mucho para comprender la obra de Geertgen. Las figuras en primer plano siguen siendo significativas, no muestran ningún sentimiento y mantienen su apariencia cotidiana con tranquila dignidad. El artista crea imágenes que son quizás la naturaleza más burguesa del arte de los Países Bajos. Al mismo tiempo, es significativo que Gertgen entienda la ternura, la dulzura y cierta ingenuidad no como signos característicos externos, sino como ciertas propiedades del mundo espiritual de una persona. Y esta fusión del sentido de vida burgués con una profunda emocionalidad es una característica importante del trabajo de Gertgen. No es casualidad que no haya dado a los movimientos espirituales de sus héroes un carácter sublime y universal. Es como si deliberadamente impidiera que sus héroes se volvieran excepcionales. Por eso no parecen individuales. Tienen ternura y no tienen otros sentimientos ni pensamientos extraños; la misma claridad y pureza de sus experiencias los aleja de la vida cotidiana. Sin embargo, la idealidad resultante de la imagen nunca parece abstracta o artificial. Estos rasgos distinguen también una de las mejores obras del artista, “Navidad” (Londres, National Gallery), un pequeño cuadro que esconde sentimientos de excitación y sorpresa.
Gertgen murió temprano, pero los principios de su arte no quedaron en el olvido. Sin embargo, el maestro del díptico de Braunschweig (“San Bavón”, Braunschweig, Museo; “Navidad”, Amsterdam, Rijksmuseum) y algunos otros maestros anónimos más cercanos a él, que son más cercanos a él, no desarrollaron tanto los principios de Hertgen. así como darles el carácter de una norma generalizada. Quizás el más significativo entre ellos sea el Maestro de Virgo inter virgines (llamado así por la pintura del Rijksmuseum de Ámsterdam que representa a María entre las santas vírgenes), que gravitó no tanto por la justificación psicológica de la emoción, sino por la agudeza de su expresión en figuras pequeñas, bastante cotidianas y, a veces, casi deliberadamente feas ( "Entierro", San Luis, Museo; "Lamentación", Liverpool; "Anunciación", Rotterdam). Pero también. su obra es más una evidencia del agotamiento de una tradición centenaria que una expresión de su desarrollo.
Un fuerte descenso en el nivel artístico se nota también en el arte de las provincias del sur, cuyos maestros se inclinaban cada vez más a dejarse llevar por los detalles cotidianos insignificantes. Más interesante que los demás es el propio Maestro narrativo de la Leyenda de Santa Úrsula, que trabajó en Brujas en los años 80 y 90 del siglo XV ("La Leyenda de Santa Úrsula"; Brujas, Convento de las Hermanas Negras), el desconocido autor de retratos de los esposos Baroncelli que no carecen de habilidad (Florencia, Uffizi), y también un maestro brujense muy tradicional de la leyenda de Santa Lucía (Altar de Santa Lucía, 1480, Brujas, Iglesia de Santa Lucía). James, también políptico, Tallin, Museo). La formación de un arte vacío y mezquino a finales del siglo XV es la antítesis inevitable de la búsqueda de Huss y Hertgen. El hombre ha perdido el principal apoyo de su cosmovisión: la fe en el orden armonioso y favorable del universo. Pero si la consecuencia común de esto fue sólo el empobrecimiento del concepto anterior, entonces una mirada más cercana reveló características amenazadoras y misteriosas en el mundo. Para responder a las preguntas insolubles de la época, se utilizaron alegorías medievales tardías, demonología y predicciones sombrías de las Sagradas Escrituras. En condiciones de contradicciones sociales cada vez más agudas y conflictos severos, surgió el arte de Bosch.
Hieronymus van Aken, apodado Bosch, nació en 's-Hertogenbosch (murió allí en 1516), es decir, lejos de los principales centros de arte Países Bajos. Sus primeras obras no están exentas de cierto primitivismo. Pero ya combinan de forma extraña un sentido agudo e inquietante de la vida de la naturaleza con un frío grotesco en la representación de las personas. Bosch responde a la tendencia del arte moderno, con su ansia de lo real, con su concreción de la imagen de una persona, y luego, la reducción de su papel y significado. Lleva esta tendencia hasta cierto límite. En el arte del Bosco aparecen imágenes satíricas o, mejor dicho, sarcásticas del género humano. Esta es su “Operación para quitar las piedras de la estupidez” (Madrid, Prado). La operación la realiza un monje, y aquí aparece una sonrisa malvada hacia el clero. Pero aquel a quien se le hace mira fijamente al espectador, y esta mirada nos involucra en la acción. El sarcasmo crece en la obra de Bosch; imagina a las personas como pasajeros en el barco de los tontos (la pintura y el dibujo se encuentran en el Louvre). Recurre al humor popular y bajo sus manos adquiere un tono oscuro y amargo.
El Bosco viene a afirmar la naturaleza lúgubre, irracional y vil de la vida. No sólo expresa su visión del mundo, su sentido de la vida, sino que le da una valoración moral y ética. "Haystack" es una de las obras más importantes de Bosch. En este altar, un sentido desnudo de la realidad se fusiona con la alegoría. El pajar alude al viejo proverbio flamenco: “El mundo es un pajar: y cada uno toma de él lo que puede agarrar”; la gente se besa a la vista y toca música entre un ángel y alguna criatura diabólica; criaturas fantásticas tiran del carro, y el papá, el emperador, lo sigue alegre y obedientemente. gente común: algunos corren hacia adelante, se precipitan entre las ruedas y mueren aplastados. El paisaje a lo lejos no es fantástico ni fabuloso. Y sobre todo, sobre una nube, hay un pequeño Cristo con las manos en alto. Sin embargo, sería un error pensar que El Bosco gravita hacia el método de las comparaciones alegóricas. Por el contrario, se esfuerza por garantizar que su idea se plasme en la esencia misma de las decisiones artísticas, de modo que aparezca ante el espectador no como un proverbio o parábola encriptada, sino como una forma de vida incondicional y generalizada. Con una sofisticación de imaginación desconocida en la Edad Media, Bosch puebla sus pinturas con criaturas que combinan de manera extraña varias formas animales, o formas animales con objetos del mundo inanimado, colocándolos en relaciones obviamente increíbles. El cielo se tiñe de rojo, pájaros equipados con velas vuelan por el aire, criaturas monstruosas se arrastran por la faz de la tierra. Los peces con patas de caballo abren la boca y, junto a ellos, hay ratas que llevan sobre sus espaldas troncos de madera vivos de los que nacen personas. La grupa del caballo se convierte en una jarra gigante y una cabeza con cola se cuela en algún lugar sobre patas delgadas y desnudas. Todo se arrastra y todo está dotado de formas afiladas y raspantes. Y todo está infectado de energía: cada criatura, pequeña, engañosa, tenaz, se ve envuelta en un movimiento enojado y apresurado. El Bosco da a estas escenas fantasmagóricas la mayor persuasión. Abandona la imagen de la acción que se desarrolla en primer plano y la extiende al mundo entero. Imparte a sus extravagancias dramáticas de múltiples figuras un tono inquietante en su universalidad. A veces introduce en la imagen la dramatización de un proverbio, pero no queda nada de humor en ella. Y en el centro coloca una pequeña figura indefensa de San Antonio. Tal es, por ejemplo, el altar con “La Tentación de San Antonio” en la puerta central hecho de Museo de Lisboa. Pero entonces El Bosco muestra un sentido de la realidad desnudo, agudo y sin precedentes (especialmente en las escenas de las puertas exteriores del mencionado altar). En las obras maduras del Bosco el mundo es ilimitado, pero su espacialidad es diferente: menos rápida. El aire parece más claro y húmedo. Así está escrito “Juan en Patmos”. En el reverso de este cuadro, donde se representan en círculo escenas del martirio de Cristo. paisajes asombrosos: transparente, limpio, con amplias extensiones de ríos, cielos altos y otros - trágicos e intensos (“Crucifixión”). Pero cuanto más persistentemente piensa Bosch en las personas. Intenta encontrar una expresión adecuada de su vida. Recurre a la forma de un gran altar y crea un espectáculo grandioso, extraño y fantasmagórico de la vida pecaminosa de las personas: el "Jardín de las Delicias".
Las últimas obras del artista combinan extrañamente la fantasía y la realidad de sus obras anteriores, pero al mismo tiempo se caracterizan por un sentimiento de triste reconciliación. Se encuentran dispersos coágulos de criaturas malvadas que antes se extendían triunfalmente por todo el campo de la imagen. Individuales, pequeños, todavía se esconden debajo de un árbol, aparecen en tranquilos arroyos de ríos o corren por colinas desiertas cubiertas de hierba. Pero disminuyeron de tamaño y perdieron actividad. Ya no atacan a los humanos. Y él (todavía San Antonio) se sienta entre ellos: lee, piensa (“San Antonio”, Prado). A Bosch no le interesaba la posición de una persona en el mundo. San Antonio en sus obras anteriores está indefenso, lamentable, pero no solo; de hecho, está privado de esa parte de independencia que le permitiría sentirse solo. Ahora el paisaje se refiere específicamente a una persona, y en la obra de Bosch surge el tema de la soledad del hombre en el mundo. El arte del siglo XV termina con El Bosco. La obra del Bosco completa esta etapa de intuiciones puras, luego búsquedas intensas y decepciones trágicas.
Pero la tendencia personificada por su arte no fue la única. No menos sintomática es otra tendencia asociada con el trabajo de un maestro de una escala inmensamente menor: Gerard David. Murió tarde, en 1523 (nacido alrededor de 1460). Pero, como Bosch, cerró el siglo XV. Ya sus primeras obras (“La Anunciación”; Detroit) son prosaicamente realistas; obras de finales de la década de 1480 (dos pinturas sobre el argumento del proceso de Cambises; Brujas, Museo) revelan una estrecha conexión con Bouts; mejores que otras son las composiciones de carácter lírico con un entorno paisajístico activo y desarrollado (“Descanso en el vuelo a Egipto”; Washington, Galería Nacional). Pero la imposibilidad del maestro de ir más allá de los límites del siglo se ve más claramente en su tríptico con el “Bautismo de Cristo” (principios del siglo XVI; Brujas, Museo). La cercanía y la naturaleza en miniatura de la pintura parecen estar en conflicto directo con la gran escala de la pintura. La realidad en su visión está desprovista de vida, castrada. Detrás de la intensidad del color no hay tensión espiritual ni sensación de la preciosidad del universo. El estilo del esmalte de la pintura es frío, autónomo y desprovisto de propósito emocional.
El siglo XV en los Países Bajos fue una época de gran arte. A finales de siglo se había agotado. Nuevo condiciones históricas, la transición de la sociedad a otra etapa de desarrollo provocó una nueva etapa en la evolución del arte. Se originó a principios del siglo XVI. Pero en los Países Bajos, con la combinación original del principio secular con criterios religiosos en la evaluación de los fenómenos de la vida, característica de su arte, que proviene de Van Eyck, con la incapacidad de percibir a una persona en su grandeza autosuficiente, fuera de las preguntas. de comunión espiritual con el mundo o con Dios - en los Países Bajos hay una nueva era que inevitablemente tuvo que llegar sólo después de la crisis más fuerte y grave de toda la cosmovisión anterior. Si en Italia el Alto Renacimiento fue una consecuencia lógica del arte del Quattrocento, en los Países Bajos no existía tal conexión. La transición a una nueva era resultó especialmente dolorosa, ya que implicó en gran medida la negación del arte anterior. En Italia, ya en el siglo XIV se produjo una ruptura con las tradiciones medievales, y el arte del Renacimiento italiano mantuvo la integridad de su desarrollo durante todo el Renacimiento. En los Países Bajos la situación era diferente. El uso del patrimonio medieval en el siglo XV dificultó la aplicación de las tradiciones establecidas en el siglo XVI. Para los pintores holandeses, la línea entre los siglos XV y XVI estuvo asociada con un cambio radical en su cosmovisión.
Arte holandés del siglo XVI.
El barroco "burgués" en la pintura holandesaXVII v. – representación de la vida cotidiana (P. de Hooch, Vermeer). Naturalezas muertas "lujosas" de Kalf. Retrato de grupo y sus rasgos de Hals y Rembrandt. Interpretación de escenas mitológicas y bíblicas de Rembrandt.
Arte holandés del siglo XVII.
En el siglo XVII Holanda se ha convertido en un país capitalista modelo. Llevaba a cabo un amplio comercio colonial, tenía una flota poderosa y la construcción naval era una de las industrias líderes. El protestantismo (el calvinismo como su forma más severa), que suplantó por completo la influencia de la Iglesia católica, llevó a que el clero en Holanda no tuviera la misma influencia en el arte que en Flandes, y especialmente en España o Italia. En Holanda, la iglesia no desempeñaba el papel de cliente de obras de arte: las iglesias no estaban decoradas con imágenes de altar, ya que el calvinismo rechazaba cualquier atisbo de lujo; iglesias protestantes Eran de arquitectura simple y no estaban decorados en absoluto.
El principal logro del arte holandés del siglo XVIII. - en pintura de caballete. El hombre y la naturaleza fueron objetos de observación y representación de los artistas holandeses. La pintura doméstica se está convirtiendo en uno de los géneros principales, cuyos creadores recibieron en la historia el nombre de "Pequeños holandeses". Pintura sobre los evangelios y historias bíblicas también está representada, pero no en la misma medida que en otros países. En Holanda nunca hubo conexiones con Italia y el arte clásico no jugó un papel tan importante como en Flandes.
El dominio de las tendencias realistas, el desarrollo de una determinada gama de temas, la diferenciación de géneros como un proceso único se completaron en los años 20 del siglo XVII. Historia de la pintura holandesa del siglo XVII. Demuestra perfectamente la evolución de la obra de uno de los mayores retratistas de Holanda, Frans Hals (hacia 1580-1666). En los años 10-30, Hals trabajó mucho en el género de los retratos de grupo. De los lienzos de estos años asoma gente alegre, enérgica, emprendedora, confiada en sus capacidades y en el futuro (“Gremio de fusileros de San Adrián”, 1627 y 1633;
"Gremio de Fusileros de St. Jorge", 1627).
Los investigadores a veces llaman retratos individuales de Hals retratos de género debido a la especial especificidad de la imagen. El estilo esquemático de Hulse, su escritura atrevida, cuando la pincelada esculpe tanto la forma como el volumen y transmite color.
En los retratos de Hals del período tardío (años 50-60), la destreza despreocupada, la energía y la intensidad de los personajes de las personas representadas desaparecen. Pero fue en el último período de la creatividad cuando Hals alcanzó la cima de la maestría y creó las obras más profundas. El color de sus pinturas se vuelve casi monocromático. Dos años antes de su muerte, en 1664, Hals volvió de nuevo al retrato de grupo. Pinta dos retratos de los regentes y regentes de una residencia de ancianos, en uno de los cuales él mismo encontró refugio al final de su vida. En el retrato de los regentes no hay espíritu de camaradería de composiciones anteriores, los modelos están desunidos, impotentes, tienen miradas apagadas, la devastación está escrita en sus rostros.
El arte de Hals fue de gran importancia para su época; influyó en el desarrollo no sólo de los retratos, sino también de los géneros cotidianos, los paisajes y las naturalezas muertas.
Es especialmente interesante el género paisajístico de la Holanda del siglo XVII. Holanda está representada por Jan van Goyen (1596-1656) y Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670).
El apogeo de la pintura de paisajes en la escuela holandesa se remonta a mediados del siglo XVII. El mayor maestro del paisaje realista fue Jacob van Ruisdael (1628/29-1682). Sus obras suelen estar llenas de profundo dramatismo, ya sea que represente matorrales de bosques (“Forest Swamp”),
paisajes con cascadas (“Cascada”) o un paisaje romántico con un cementerio (“Cementerio judío”).
La naturaleza de Ruisdael aparece en la dinámica, en la eterna renovación.
El género animal está estrechamente relacionado con el paisaje holandés. El motivo favorito de Albert Cuyp son las vacas en un abrevadero (“Puesta de sol en el río”, “Vacas en la orilla de un arroyo”).
La naturaleza muerta logra un brillante desarrollo. La naturaleza muerta holandesa, a diferencia de la flamenca, es una pintura de carácter íntimo, modesta en tamaño y motivos. Pieter Claes (c. 1597-1661), Billem Heda (1594-1680/82) representaron con mayor frecuencia los llamados desayunos: platos con jamón o pastel en una mesa servida relativamente modestamente. Los “desayunos” de Kheda son reemplazados por los lujosos “postres” de Kalf. Los utensilios sencillos son sustituidos por mesas de mármol, manteles de alfombra, copas de plata, vasijas de conchas de nácar y copas de cristal. Kalf logra un virtuosismo asombroso al transmitir la textura de melocotones, uvas y superficies de cristal.
En los años 20-30 del siglo XVII. Los holandeses crearon un tipo especial de pintura de pequeñas figuras. Los años 40 y 60 fueron el apogeo de la pintura, que glorificaba la tranquila vida burguesa de Holanda y la existencia cotidiana mesurada.
Adrian van Ostade (1610-1685) describe inicialmente los lados oscuros de la vida del campesinado (“La lucha”).
Desde los años 40, las notas satíricas de su obra han sido sustituidas cada vez más por notas humorísticas (“En una taberna de pueblo”, 1660).
En ocasiones estos pequeños cuadros están coloreados con un gran sentimiento lírico. "El pintor en el estudio" de Ostade (1663), en la que el artista glorifica el trabajo creativo, se considera legítimamente una obra maestra de la pintura de Ostade.
Pero el tema principal de los “pequeños holandeses” todavía no es la vida campesina, sino la vida burguesa. Por lo general, se trata de imágenes sin ningún argumento fascinante. El narrador más entretenido en películas de este tipo fue Jan Stan (1626-1679) (“Revelers”, “Game of Backgammon”). Gerard Terborch (1617-1681) logró un dominio aún mayor en esto.
El interior del “pequeño holandés” se vuelve especialmente poético. El verdadero cantante de este tema fue Pieter de Hooch (1629-1689). Sus habitaciones con la ventana entreabierta, con zapatos arrojados accidentalmente o una escoba olvidada, a menudo se representan sin figura humana.
Una nueva etapa de la pintura de género comienza en los años 50 y está asociada a la llamada escuela de Delft, con los nombres de artistas como Carel Fabricius, Emmanuel de Witte y Jan Wermeer, conocido en la historia del arte como Wermeer de Delft (1632-1675). ). Las pinturas de Vermeer no parecen ser originales en modo alguno. Son las mismas imágenes de la congelada vida burguesa: leyendo una carta, un caballero y una dama conversando, criadas haciendo tareas domésticas sencillas, vistas de Ámsterdam o Delft. Estas pinturas son simples en acción: “Niña leyendo una carta”,
"El caballero y la dama de la espineta"
“El oficial y la niña que ríe”, etc. - están llenos de claridad espiritual, silencio y paz.
Las principales ventajas de Vermeer como artista están en la transmisión de luz y aire. La disolución de los objetos en un ambiente luminoso, la capacidad de crear esta ilusión, determinaron principalmente el reconocimiento y la gloria de Vermeer precisamente en el siglo XIX.
Vermeer hizo algo que nadie hizo en el siglo XVII: pintó paisajes del natural (“Calle”, “Vista de Delft”).
Se les puede llamar los primeros ejemplos de pintura al aire libre.
El pináculo del realismo holandés, resultado de los logros pictóricos de la cultura holandesa en el siglo XVII, es obra de Rembrandt. Harmens van Rijn Rembrandt (1606-1669) nació en Leiden. En 1632, Rembrandt partió hacia Amsterdam, el centro de la cultura artística de Holanda, lo que naturalmente atrajo joven artista. Los años 30 fueron la época de su mayor gloria, cuyo camino le abrió al pintor un gran cuadro encargado en 1632: un retrato de grupo, también conocido como "La anatomía del doctor Tulp" o "Lección de anatomía".
En 1634, Rembrandt se casó con una chica de una familia adinerada, Saskia van Uylenborch. Comienza el período más feliz de su vida. Se convierte en un artista famoso y de moda.
Todo este período está envuelto en romance. La visión del mundo de Rembrandt de estos años se transmite más claramente en el famoso “Autorretrato con Saskia de rodillas” (hacia 1636). Todo el lienzo está impregnado de franca alegría de vivir y júbilo.
El lenguaje barroco es el más cercano a la expresión de buen humor. Y Rembrandt durante este período estuvo en gran medida influenciado por el barroco italiano.
Los personajes del cuadro de 1635 “El sacrificio de Abraham” aparecen ante nosotros desde ángulos complejos. La composición es muy dinámica, construida según todas las reglas del barroco.
En los mismos años 30, Rembrandt comenzó a dedicarse seriamente a los gráficos, principalmente al grabado. Los grabados de Rembrandt son principalmente temas bíblicos y evangélicos, pero en sus dibujos, como verdadero artista holandés, a menudo recurre a ese género. En el cambio del período inicial de la obra del artista y su madurez creativa, aparece ante nosotros una de sus pinturas más famosas, conocida como "La ronda de noche" (1642), un retrato grupal de la compañía de fusileros del Capitán Banning Cock.
Amplió el alcance del género, presentando una imagen más bien histórica: ante una señal de alarma, el destacamento de Banning Cock emprende una campaña. Algunos están tranquilos y confiados, otros están emocionados anticipando lo que está por venir, pero todos expresan una expresión de energía general, entusiasmo patriótico y triunfo del espíritu cívico.
El retrato de grupo bajo el pincel de Rembrandt se convirtió en una imagen heroica de la época y la sociedad.
La pintura ya se había vuelto tan oscura que se la consideraba una representación de una escena nocturna, de ahí su nombre incorrecto. La sombra proyectada por la figura del capitán sobre la ropa clara del teniente demuestra que no es de noche, sino de día.
Con la muerte de Saskia en el mismo 1642, se produjo la ruptura natural de Rembrandt con los círculos patricios ajenos a él.
Los años 40 y 50 son una época de madurez creativa. Durante este período, a menudo recurre a obras anteriores para rehacerlas de una manera nueva. Este fue el caso, por ejemplo, de “Danae”, que pintó en 1636. Al recurrir a la pintura en los años 40, el artista intensificó su estado emocional.
Reescribió la parte central con la heroína y la criada. Haciendo a Dánae un nuevo gesto de levantar la mano, le transmitió una gran emoción, una expresión de alegría, esperanza y atractivo.
En los años 40 y 50, el dominio de Rembrandt creció constantemente. Elige para su interpretación los aspectos más líricos y poéticos de la existencia humana, esa humanidad eterna, totalmente humana: el amor maternal, la compasión. La Sagrada Escritura le proporciona el mayor material y, a partir de ella, escenas de la vida de la Sagrada Familia, Rembrandt describe la vida sencilla, la gente corriente, como en el cuadro "La Sagrada Familia".
Los últimos 16 años son los más trágicos de la vida de Rembrandt; está arruinado y no tiene órdenes. Pero estos años estuvieron llenos de una asombrosa actividad creativa, como resultado de lo cual se crearon imágenes pintorescas, excepcionales en su carácter monumental y espiritualidad, obras profundamente filosóficas. Incluso las obras de pequeño tamaño de Rembrandt de aquellos años dan la impresión de una grandeza extraordinaria y una auténtica monumentalidad. El color adquiere sonoridad e intensidad. Sus colores parecen irradiar luz. Los retratos del difunto Rembrandt son muy diferentes de los retratos de los años 30 e incluso de los 40. Se trata de imágenes extremadamente simples (de medio cuerpo o generacionales) de personas cercanas al artista en su estructura interna. Rembrandt logró la mayor sutileza de caracterización en sus autorretratos, de los cuales nos han llegado un centenar. La última pieza en la historia de los retratos de grupo fue la representación de Rembrandt de los ancianos del taller del fabricante de telas, los llamados "síndicos" (1662), donde, con escasos medios, Rembrandt creó tipos humanos vivos y al mismo tiempo diferentes. pero lo más importante es que pudo transmitir el sentimiento de unión espiritual, comprensión mutua e interconexión entre las personas.
Durante su madurez (principalmente en los años 50), Rembrandt creó sus mejores grabados. Como grabador, no tiene igual en el arte mundial. En todos ellos las imágenes tienen un profundo significado filosófico; hablan de los misterios de la existencia, de la tragedia de la vida humana.
Él dibuja mucho. Rembrandt dejó 2.000 dibujos. Estos incluyen bocetos del natural, bocetos para pinturas y preparativos para grabados.
En el último cuarto del siglo XVII. Comienza el declive de la escuela de pintura holandesa, la pérdida de su identidad nacional, y desde el principio Siglo XVIII Se acerca el fin de la gran era del realismo holandés.