Des natures mortes intéressantes. Natures mortes. Nous dessinons ce qui est à portée de main. Le Britannique Cecil Kennedy

Passons à la dernière étape de cette série d'articles sur le genre des natures mortes. Il sera consacré au travail d'artistes russes.

Commençons par Fiodor Petrovitch Tolstoï (1783-1873). Graphiques de natures mortes de F.P. Tolstoï, célèbre sculpteur, médaillé, dessinateur et peintre russe, constitue probablement la partie la plus remarquable et la plus précieuse de son héritage créatif, bien que l'artiste lui-même ait déclaré avoir créé ces œuvres « pendant son temps libre après des études sérieuses ».

La principale propriété des natures mortes de Tolstoï est leur caractère illusoire. L'artiste a soigneusement copié la nature. Il a essayé, selon ses propres mots, « de transmettre avec une stricte clarté de la vie au papier la fleur copiée telle qu'elle est, avec tous les moindres détails appartenant à cette fleur ». Pour tromper le spectateur, Tolstoï a utilisé des techniques illusionnistes telles que l'image de gouttes de rosée ou de papier translucide recouvrant le dessin et contribuant à tromper l'œil.

Ilya Efimofich Repin (1844-1930) s'est également tourné plus d'une fois vers un motif de nature morte comme les fleurs. Ces œuvres incluent le tableau « Bouquet d'automne » (1892, Galerie Tretiakov, Moscou), où l'artiste représente avec la même attention paysage d'automne, une jeune femme debout sur un fond d'arbres dorés, et un modeste bouquet de fleurs jaunes et blanches dans les mains.

I. Repin. Bouquet d'automne. Portrait de Vera Repina. 1892, Galerie Tretiakov

L'histoire du tableau « Pommes et feuilles » est quelque peu inhabituelle. La nature morte, combinant des fruits et des feuilles, a été mise en scène pour l'élève de Repin, V.A. Sérova. Le professeur a tellement aimé la composition de l'objet qu'il a décidé de peindre lui-même une telle nature morte. Les fleurs et les fruits ont attiré de nombreux artistes, qui ont notamment préféré ceux-ci, qui montraient le monde naturel de la manière la plus poétique et la plus belle. Même I.N. Kramskoy, qui dédaignait ce genre, a également rendu hommage à la nature morte en créant le tableau spectaculaire « Bouquet de fleurs ». Phloxes » (1884, Galerie Tretiakov, Moscou).

Valentin Alexandrovitch Serov (1865-1911) est connu de la plupart d'entre nous comme un artiste qui a prêté attention dans son travail au paysage, au portrait et à la peinture historique. Cependant, il convient de noter que le sujet de son œuvre a toujours joué un rôle important et a souvent occupé la même position égale que les autres éléments de la composition. Un peu plus haut, j'ai déjà évoqué son ouvrage d'élève « Pommes sur feuilles », 1879, achevé sous la direction de Repin. Si vous comparez cette œuvre avec une œuvre écrite sur le même sujet par Repin, vous constaterez que la nature morte de Serov ressemble plus à une étude que la peinture de son professeur. L'artiste novice a utilisé un point de vue bas, donc les premier et deuxième plans sont combinés et l'arrière-plan est réduit.

Le tableau «Fille aux pêches», connu de tous depuis l'enfance, dépasse le genre du portrait et ce n'est pas un hasard s'il s'appelle «Fille aux pêches» et non «Portrait de Vera Mamontova». On voit que les traits du portrait, de l'intérieur et de la nature morte se conjuguent ici. L'artiste accorde la même attention à l'image d'une jeune fille vêtue d'un chemisier rose et à quelques objets savamment regroupés. Des pêches jaune pâle reposent sur une nappe blanche, feuilles d'érable et un couteau brillant. D'autres objets en arrière-plan sont également peints avec amour : des chaises, une grande assiette en porcelaine décorant le mur, une figurine de soldat de plomb, un chandelier sur le rebord de la fenêtre. La lumière du soleil entrant par la fenêtre et projetant des reflets lumineux sur les objets confère à l'image un charme poétique.

Mikhaïl Alexandrovitch Vroubel (1856-1910) a écrit : « Et encore une fois, ça me frappe, non, ce n'est pas le cas, mais j'entends cette note nationale intime que je veux tant capter sur la toile et dans l'ornement. C’est la musique d’une personne entière, non démembrée par les distractions de l’Occident ordonné, différencié et pâle.

À l’Académie des Arts, le professeur préféré de Vroubel était Pavel Chistyakov, qui enseignait au jeune peintre à « peindre avec la forme » et affirmait que formes volumétriques Ils ne doivent pas être créés dans l’espace avec des ombres et des contours, ils doivent être construits avec des lignes. Grâce à lui, Vrubel a appris non seulement à montrer la nature, mais aussi à mener avec elle une conversation intime, presque amoureuse. La merveilleuse nature morte du maître « Rose Hip » (1884) a été réalisée dans cet esprit.

Sur fond de draperies exquises aux motifs floraux, l'artiste a placé un élégant vase rond peint de motifs orientaux. Le délicat fleur blanche les cynorhodons, ombragés par un tissu bleu-vert, et les feuilles de la plante se confondent presque avec le col noir faiblement chatoyant du vase. Cette composition est remplie d'un charme et d'une fraîcheur inexprimables, auxquels le spectateur ne peut s'empêcher de succomber.

G.N. a acquis une grande habileté dans la création de « fausses » natures mortes. Teplov et T. Oulianov. Le plus souvent, ils représentaient un mur de planches sur lequel étaient dessinés des nœuds et des veines de bois. Divers objets étaient accrochés aux murs ou glissés derrière des rubans cloués : ciseaux, peignes, lettres, livres, cahiers de musique. Horloges, encriers, bouteilles, bougeoirs, plats et autres petits objets sont placés sur des étagères étroites. Il semble qu'un tel ensemble d'éléments soit complètement aléatoire, mais en réalité c'est loin d'être le cas. En regardant de telles natures mortes, on peut deviner les intérêts des artistes qui jouaient de la musique, lisaient et s'intéressaient à l'art. Les maîtres ont représenté avec amour et diligence des choses qui leur étaient chères. Ces peintures touchent par leur sincérité et leur spontanéité de perception de la nature.

Boris Mikhaïlovitch Koustodiev (1878-1927) a également consacré une grande partie de son œuvre au genre des natures mortes. Sur ses toiles joyeuses, on peut voir des tissus satinés brillants, des samovars en cuivre étincelants, l'éclat de la faïence et de la porcelaine, des tranches rouges de pastèque, des grappes de raisin, des pommes et de délicieux cupcakes. L'un de ses tableaux remarquables est « La femme du marchand au thé », 1918. Il est impossible de ne pas admirer la splendeur lumineuse des objets présentés sur la toile. Un samovar pétillant, une pulpe rouge vif de pastèques, des pommes brillantes et des raisins transparents, un vase en verre avec de la confiture, un sucrier doré et une tasse posée devant la femme du marchand - tout cela ajoute une ambiance festive à l'image.

Dans le genre des natures mortes, une grande attention a été accordée aux soi-disant « natures mortes truquées ». De nombreuses natures mortes sont « fausses », même si elles tâche principale a induit le spectateur en erreur, ont des mérites artistiques incontestables, particulièrement visibles dans les musées, où, accrochées aux murs, de telles compositions ne peuvent bien entendu pas tromper le public. Mais il y a des exceptions ici. Par exemple, « Nature morte avec des livres », réalisé par P.G. Bogomolov, est inséré dans une « bibliothèque » illusoire et les visiteurs ne se rendent pas immédiatement compte qu’il ne s’agit que d’un tableau.

« Nature morte au perroquet » (1737) de G.N. Teplova. À l’aide de lignes claires et précises se transformant en contours doux et lisses, en ombres claires et transparentes et en nuances de couleurs subtiles, l’artiste montre une variété d’objets accrochés sur un mur de planches. Le bois est magistralement rendu, ses nuances bleutées, roses et jaunâtres contribuant à créer une sensation presque réelle de l'odeur fraîche du bois fraîchement raboté.

Les « fausses » natures mortes russes du XVIIIe siècle indiquent que les artistes ne sont pas encore assez habiles à transmettre l'espace et les volumes. Il est plus important pour eux de montrer la texture des objets, comme si elle était transférée de la réalité sur la toile. Contrairement aux natures mortes hollandaises, où les objets absorbés par l'environnement lumineux sont représentés en unité avec celui-ci, dans les peintures des maîtres russes, les objets peints avec beaucoup de soin, voire de minutie, vivent comme par eux-mêmes, quel que soit l'espace environnant.

DANS début XIX siècle, l'école d'A.G. Venetsianov, qui s'opposait à la stricte distinction des genres et cherchait à enseigner à ses élèves une vision holistique de la nature.

A.G. Venetsianov. Aire de battage, 1821-23

L'école vénitienne a ouvert un nouveau genre pour l'art russe : le design d'intérieur. Les artistes ont montré différentes pièces d'une maison noble : salons, chambres, bureaux, cuisines, salles de classe, chambres de domestiques, etc. Dans ces œuvres, une place importante était accordée à la représentation d'objets divers, même si la nature morte elle-même n'intéressait presque pas les représentants de l'entourage de Venetsianov (en tout cas, très peu de natures mortes réalisées par les étudiants de peintre célèbre). Néanmoins, Venetsianov a exhorté ses étudiants à étudier attentivement non seulement les visages et les figures des gens, mais aussi les choses qui les entourent.

Un objet dans la peinture de Venetsianov n’est pas un accessoire ; il est inextricablement lié au reste des détails du tableau et constitue souvent la clé pour comprendre l’image. Par exemple, une fonction similaire est remplie par les faucilles dans le tableau « Les Faucheurs » (seconde moitié des années 1820, Musée russe, Saint-Pétersbourg). Les choses dans l'art vénitien semblent impliquées dans la vie tranquille et sereine des personnages.

Bien que Venetsianov, selon toute vraisemblance, n'ait pas peint lui-même de natures mortes, il a inclus ce genre dans son système d'enseignement. L’artiste a écrit : « Les choses inanimées ne sont pas soumises à ces diverses modifications qui sont caractéristiques des objets animés ; elles se tiennent debout, se tiennent au garde-à-vous, immobiles devant un artiste inexpérimenté et lui donnent le temps de fouiller plus précisément et plus judicieusement, de scruter les relations d'une partie. à l'autre, tant en lignes qu'en ombre et lumière avec la couleur elle-même, qui dépendent de l'espace occupé par les objets”.

Bien entendu, la nature morte jouait un grand rôle dans le système pédagogique de l’Académie des Arts au XVIIIe siècle. XIXème siècle x (dans les salles de classe, les élèves faisaient des copies de natures mortes de maîtres hollandais), mais c'est Venetsianov, qui encouragea les jeunes artistes à se tourner vers la nature, qui introduisit dans son programme de première année une nature morte composée d'objets tels que des figures en plâtre, plats, chandeliers, rubans multicolores, fruits et fleurs. Venetsianov a sélectionné des sujets pour les natures mortes éducatives afin qu'ils soient intéressants pour les peintres débutants, compréhensibles dans la forme et beaux dans les couleurs.

Dans les peintures créées par les talentueux étudiants de Venetsianov, les choses sont véhiculées avec vérité et fraîcheur. Ce sont les natures mortes de K. Zelentsov, P.E. Kornilov. Dans le travail des artistes vénitiens, il y a aussi des œuvres qui ne sont pas essentiellement des natures mortes, mais le rôle des choses y est néanmoins énorme. On peut citer, par exemple, les tableaux « Bureau à Ostrovki » et « Reflet dans le miroir » de G.V. Pies conservées dans la collection du Musée russe de Saint-Pétersbourg.

G.V. Pie. «Bureau à Ostrovki.» Fragment, 1844, Musée russe, Saint-Pétersbourg

Les natures mortes dans ces œuvres n'apparaissent pas indépendamment, mais comme des parties de l'intérieur agencées de manière unique par le maître, correspondant à la structure compositionnelle et émotionnelle générale de l'image. Le principal élément de liaison ici est la lumière, qui se déplace doucement d’un objet à l’autre. En regardant les toiles, vous comprenez à quel point il est intéressant le monde qui nous entoure un artiste qui a représenté avec amour chaque objet, chaque petite chose.

La nature morte présentée dans le « Bureau à Ostrovki », bien qu'elle occupe une petite place dans la composition globale, semble inhabituellement significative, soulignée par le fait que l'auteur l'a clôturée du reste de l'espace avec un haut dossier du canapé, et coupez-le à gauche et à droite avec un cadre. Il semble que Soroka ait été tellement emporté par les objets posés sur la table qu'il a presque oublié les autres détails de l'image. Le maître a soigneusement tout écrit : plume d'oie, crayon, boussole, rapporteur, canif, boulier, feuilles de papier, bougie dans un chandelier. Le point de vue d'en haut permet de voir toutes choses, sans qu'aucune ne bloque l'autre. Des attributs tels qu'un crâne, une montre, ainsi que des symboles de « vanité terrestre » (une figurine, des papiers, un boulier) permettent à certains chercheurs de classer la nature morte comme un type de vanité, bien qu'une telle coïncidence soit très probablement purement fortuite ; l'artiste serf a profité de ce qui se trouvait sur la table de son propriétaire.

Le célèbre maître des compositions d'objets du premier moitié du 19ème siècle siècle, il y avait un artiste I.F. Khrutsky, qui a peint de nombreux et beaux tableaux dans l'esprit des Néerlandais nature morte XVII siècle. Parmi ses meilleures œuvres figurent « Fleurs et fruits » (1836, Galerie Tretiakov, Moscou), « Portrait d'une femme avec des fleurs et des fruits » (1838, Musée d'art Biélorussie, Minsk), « Nature morte » (1839, Musée de l'Académie des Arts, Saint-Pétersbourg).

Dans la première moitié du XIXe siècle en Russie, la « nature morte botanique », qui nous vient de Europe occidentale. En France à cette époque, des ouvrages de botanistes sont publiés. belles illustrations. L'artiste P.Zh est devenu très célèbre dans de nombreux pays européens. Redoute, considéré comme « le peintre de fleurs le plus célèbre de son temps ». Le « dessin botanique » était un phénomène important non seulement pour la science, mais aussi pour l’art et la culture. Ces dessins étaient présentés sous forme de cadeaux et d'albums décorés, ce qui les mettait ainsi sur un pied d'égalité avec d'autres œuvres de peinture et de graphisme.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, P.A. accorde une grande attention à la représentation des objets. Fedotov. Bien qu’il n’ait pas réellement peint de natures mortes, le monde des choses qu’il a créé ravit par sa beauté et sa véracité.

Les objets des œuvres de Fedotov sont indissociables de la vie des gens ; ils participent directement aux événements dramatiques représentés par l'artiste.

En regardant la photo " Monsieur frais» (« Le lendemain de la fête », 1846), on est émerveillé par l'abondance d'objets soigneusement peints par le maître. Une véritable nature morte, surprenante par son laconisme, est présentée dans le célèbre tableau de Fedotov « Le Matchmaking du Major » (1848). Le verre est véhiculé de manière concrète et réaliste : des verres à vin à pied haut, une bouteille, une carafe. Le plus fin et le plus transparent, il semble émettre un doux tintement cristallin.

Fedotov P.A. Matchmaking du major. 1848-1849. Galerie Tretiakov

Fedotov ne sépare pas les objets de l'intérieur, les choses sont donc montrées non seulement de manière authentique, mais aussi avec une subtilité pittoresque. Chaque objet ordinaire ou peu esthétique qui prend place dans l'espace commun semble surprenant et beau.

Bien que Fedotov n'ait pas peint de natures mortes, il a montré un intérêt incontestable pour ce genre. Son instinct lui disait comment disposer tel ou tel objet, de quel point de vue le présenter, à quoi ressembleraient les choses à côté de lui, non seulement logiquement, mais aussi expressivement.

Le monde des choses, qui contribue à montrer la vie humaine dans toutes ses manifestations, confère aux œuvres de Fedotov une musicalité particulière. Tels sont les tableaux « Ancre, une autre ancre » (1851-1852), « Veuve » (1852) et bien d'autres.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, le genre de la nature morte a pratiquement cessé d'intéresser les artistes, même si de nombreux peintres de genre incluaient volontiers des éléments de nature morte dans leurs compositions. Les choses acquièrent une grande importance dans les peintures de V.G. Perova (« Tea Party in Mytishchi », 1862, Galerie Tretiakov, Moscou), L.I. Solomatkine (« Les Esclaves de la ville », 1846, Musée historique d'État, Moscou).

Des natures mortes sont présentées dans scènes de genre A.L. Yushanova (« Voir le chef », 1864), M.K. Klodt (« Le musicien malade », 1855), V.I. Jacobi (« Le Colporteur », 1858), A.I. Korzukhina (« Avant la confession », 1877 ; « Dans l'hôtel du monastère », 1882), K.E. Makovsky (« Alekseich », 1882). Toutes ces peintures sont aujourd'hui conservées dans la collection de la galerie Tretiakov.

K.E. Makovsky. « Alekseich », 1882, Galerie Tretiakov, Moscou

Dans les années 1870-1880, la vie quotidienne reste le genre phare de la peinture russe, même si le paysage et le portrait occupent également une place importante. Les Vagabonds, qui cherchaient à montrer la vérité de la vie dans leurs œuvres, ont joué un rôle énorme dans le développement ultérieur de l'art russe. Les artistes ont commencé à s'attacher grande valeur travaillant d'après nature et donc de plus en plus tournés vers le paysage et la nature morte, même si beaucoup d'entre eux considéraient ces dernières comme une perte de temps, une passion insensée pour la forme, dépourvue de contenu interne. Donc, I.N. Kramskoï a évoqué le célèbre peintre français, qui n'a pas négligé les natures mortes, dans une lettre à V.M. Vasnetsov : « Une personne talentueuse ne perdra pas de temps à représenter, disons, des bassins, des poissons, etc. C'est bien pour les gens qui ont déjà tout, mais nous avons beaucoup à faire.

Néanmoins, de nombreux artistes russes qui ne peignaient pas de natures mortes les admiraient en regardant les peintures des maîtres occidentaux. Par exemple, V.D. Polenov, qui était en France, a écrit à I.N. Kramskoy : « Regardez comment les choses se passent ici, comme sur des roulettes, chacun travaille à sa manière, de la manière la plus efficace possible. diverses directions, ce que tout le monde aime, et tout cela est valorisé et payé. Pour nous, ce qui compte le plus, c'est ce qui est fait, mais ici, c'est la manière dont cela est fait. Par exemple, pour une bassine en cuivre avec deux poissons, ils payent vingt mille francs, et en plus ils considèrent ce chaudronnier comme le premier peintre, et peut-être non sans raison.

Après avoir visité l'exposition à Paris en 1883, V.I. Surikov admirait les paysages, les natures mortes et les peintures de fleurs. Il écrit : « Les poissons de Gibert sont bons. La bave de poisson est rendue magistralement, colorée, en mélangeant ton sur ton. Il y a dans sa lettre à P.M. Tretiakov et ces mots : « Et les poissons de Gilbert sont un tel miracle. Eh bien, vous pouvez vraiment le prendre en main, c’est écrit jusqu’à la tromperie.

Polenov et Surikov pourraient devenir d'excellents maîtres de la nature morte, comme en témoignent les objets magistralement peints dans leurs compositions (« Malade » de Polenov, « Menchikov à Berezov » de Surikov).