19. gadsimta beigas – 20. gadsimta sākums iezīmējās ar kultūras un kultūras daudzveidību. mākslas parādības, stili un virzieni. Milzīga ietekme uz pasaules māksla ietekmē afroamerikāņu kultūru, galvenokārt izmantojot mūziku un jaunumus mūzikas žanri un tādi stili kā džezs, blūzs, ragtime. Pamatojoties uz jauna mūzika un Āfrikas kustības, rodas jaunas dejas un deju stili - “Shimmy”, “Black Bottom”, “Charleston”, “Two-step”, “cakewalk” utt.
Visas šīs dejas vieno vieglums, vieglums un, varētu teikt, muļķība. Pamatojoties uz šīm dejām, vēlāk parādās jauni deju stili un apakštipi. Piemēram, dažu profesionālo balles deju veidu - fokstrota, džive un kvikstepa - rašanās ir cieši saistīta ar keikwalk, divpakāpju, šimī dejām ( Shimmy) un Black Bottom. 20. gadsimta sākuma deju stils ir atrodams D. Šostakoviča baletā “Zelta laikmets”, I. Kalmana operetē “Bajadera” un citās izrādēs.
Pamazām džeza deja iegūst teatrālas formas, kas noved pie jauna stila - Brodvejas džeza - rašanās. Termins Brodvejas džezs cēlies no teātra nosaukuma, kas atrodas uz tāda paša nosaukuma ielas Ņujorkā. Brodvejas džezs galvenokārt sastopams mūziklos, bet to var redzēt arī kino, dažādos šovos un dramatiskās izrādēs.
Horeogrāfam un režisoram Bobam Fosam ir liela ietekme uz Brodvejas džeza attīstību. Viņa filmas “Cabaret”, “Sweet Charity”, “All That Jazz” u.c., kā arī dejas tām gūst lielus panākumus mūsdienās. Muzikālās filmas “Saldā labdarība” sižets veidots pēc F.Fellīni filmas “Kabīrijas naktis” motīviem. Bobs Fose atklāj cilvēku raksturus no augstākā sabiedrība, kas nav raksturīgi garīgā pasaule- Viņiem ir tuva lietu un materiālo vērtību pasaule. Šī ideja ir izteikta ļoti precīzi deju kustības kas atklāj varoņu personības.
20. gadsimta sākumā radās arī jūgendstils un brīvās dejas stili. Pirmā dejotāja, kas iestājās pret klasiskā baleta stingrajām formām, bija amerikāniete Isadora Dankana. Viņas dejas bija brīvas, vieglas un tajās bija sengrieķu pozu un žestu elementi. Angļu režisors Gordons Kreigs par viņu rakstīja: “Kas viņā bija, izņemot šo, neviens nekad nevarēs noteikt. Viņa bija priekštece. Lai ko viņa darīja, viss tika izdarīts ar lielu vieglumu – vismaz tā likās. Tas viņai piešķīra spēka izskatu. Viņa ielaida deju mūsu pasaulē, stingrā pārliecībā, ka rada kaut ko lielisku un patiesu.
Arī brīvā deja tika attīstīta, pateicoties amerikāņu dejotājai Rūtai Sendenisai un viņas vīram aktierim un horeogrāfam Tedam Šonam. Ruth Saint Denis uzstājās eksotiskos tērpos ar greznām dekorācijām, kas padarīja viņas koncertus iespaidīgākus. Starp viņas iestudējumiem bija balets "Radha" pēc L. Delibes mūzikas (1906), kurā izmantoti indiešu tempļu dejas motīvi. Lūk, kā viņa runāja par deju: "Es redzu deju kā saziņas veidu starp dvēseli un dvēseli, paužot visu, kas ir ļoti dziļš, ļoti smalks, ko izteikt vārdos." 1915. gadā Rūta St Denisa kopā ar savu vīru Tedu Šonu Losandželosā noorganizēja Denishawn trupu un deju skolu. Šī skola apmācīja daudzas modernās dejas vadošās figūras, tostarp Martu Greiemu, Dorisu Hamfriju un Čārlzu Veidmenu.
Atšķirīgās iezīmes deja un modernais stils ir tiešās, klasiskās līnijas un veidojas par labu dabiskākiem, “dabiskākiem”, kā arī interese par visu jauno. Šis stils bija populārs ne tikai dejošanā, bet arī glezniecībā, tēlniecībā, arhitektūrā un pat apģērbā un interjera dizainā. Jūgendstila iezīmes ir atrodamas G. Klimta, A. Mučas, L. Baksta, A. Benuā, M. Vrubela un citu darbos, jūgendstila mākslinieki iedvesmu smēlušies no Japānas mākslas, Senā Ēģipte un citas senās civilizācijas.
20. gadsimts ir krievu baleta ziedu laiki. Djagiļeva balets “Krievu gadalaiki” radīja patiesu sensāciju Parīzē un visā pasaulē. Tas nebija tikai balets, tas bija unikāls horeogrāfijas, mūzikas, dekorāciju un dejotāju meistarības apvienojums. “Krievu gadalaiku” trupā mirdzēja Anna Pavlova, Tamāra Karsavina, Vaslavs Ņižinskis, Sergejs Lifārs un citi. “Krievu gadalaiku” trupā uzplauka horeogrāfu Mihaila Fokina, Leonīda Mjasina un citu radošums Benuā, Baksts, Serovs, Pikaso, un mūziku baletiem sarakstījuši Igors Stravinskis, Ēriks Satī, Sergejs Prokofjevs, Klods Debisī un citi.
Pikaso "Krievu gadalaiki". Kostīms baletam “Cacked Corner”
Koko Šanele sadarbojās arī ar Djagiļeva trupu - viņa veidoja kostīmus baletam “Zilais ekspresis”. Tie bija klasiskie treniņtērpi, svītraini džemperi un ceļgalu zeķes, kā arī tenisa tunikas. Protams, “krievu gadalaiki” bija visa jaunā, modernā un progresīvā personifikācija, un tāpēc franču sabiedrība sajūsmā un šokā kļuva traka.
Balets “Zilais ekspresis” Djagiļeva portrets (mākslinieks V. Serovs)
Ar Djagiļevu sadarbojās arī izcilais 20. gadsimta horeogrāfs Džordžs Balančins. Viņš iestudēja baletus Apollo Musagete krievu gadalaikiem pēc Igora Stravinska mūzikas un Pazudušais dēls"Sergeja Prokofjeva mūzikai. Abi baleti bija veiksmīgi, taču drīz Džordžs Balančins pameta “Krievijas sezonas” un vispirms devās uz Londonu un Kopenhāgenu, bet vēlāk uz ASV. Kopā ar slaveno mākslinieci L. Keršteinu Balančīna izveido amerikāņu baleta skolu un pēc tam profesionālu grupu, kas tagad visiem pazīstama kā Ņujorkas balets. . Šeit viņš noliek savu slavenie baleti- “Serenāde” Čaikovska mūzikai, “Concerto Baroque” pēc Baha koncerta divām vijolēm, “Simfonija Do mažorā” mūzikai. Bizē simfonijas, "Brilliant Allegro" mūzikai. 3. Čaikovska klavierkoncerts, “Karakols” mūzikai. Mocarts, "Epizodes" par mūziku. Vēberns un citi Balanchine deva milzīgu ieguldījumu klasiskās dejas tradīciju attīstībā Amerikā. Viņa baleti ir klasiskas horeogrāfijas apvienojums ar jaunu pozu estētiku, deju rakstiem un muzikāliem akcentiem. Balanchine radīja jaunu dejas stilu “neoklasicisms”, kas kļuva tuvs daudziem horeogrāfiem - Džeromam Robinsam, Aleksejam Ratmanskim, Bendžaminam Millepiedam un citiem.
Balanchine un viņa trupa. Foto autors Duane Michels
Krievu (padomju) baleta attīstību 20. gadsimtā lielā mērā ietekmēja horeogrāfs un režisors Rostislavs Zaharovs. Zaharova baleti ir pilnīgi dramatiski darbi, kas ir kompetenti strukturēti no režijas viedokļa. Īpaša uzmanība ir pelnījis baletu “Bahčisarajas strūklaka” Asafjeva mūzikā, ko izpilda divas leģendāras balerīnas - Gaļina Ulanova un Maija Plisecka. Balets pretstata Zaremas (Plisecka) autoritāti un kaislību Marijas (Ulānovas) maigumam un garīgajai izsmalcinātībai. Divu pretstatu būtība tiek nodota ne tikai caur aktiermāksla, bet arī caur horeogrāfa izdomātajām kustībām un pozām, kā arī caur aizraujošo Asafjeva mūziku.
Balets "Bahčisarajas strūklaka"
Gaļina Ulanova un Maija Plisecka
Lielais horeogrāfs Jurijs Grigorovičs atstāja milzīgas pēdas krievu baleta vēsturē. Viņa baleti “Romeo un Džuljeta”, “Spartaks”, “Mīlas leģenda” un citi veido zelta izrāžu kolekciju. Lielais teātris. Grigoroviča baletiem raksturīgs gara spēks, mērogs un varonība, kas atspoguļojas horeogrāfijā, dekorācijās un mūzikā. Grigorovičs sadarbojās ar teātra dizaineri Simonu Virsaladzi, kurš veidoja visus viņa baletus. Grigorovičs lielāku uzmanību pievērš mūzikai. Viņa baleti pārraida ne tikai sižeta saturu, bet arī mūzikas saturu. Viņš cieši sadarbojās ar komponistiem S. Prokofjevu, A. Meļihovu, A. Hačaturjanu, D. Šostokoviču un citiem V. Vanslovs atzīmē mūzikas, horeogrāfijas un citu apbrīnojamo vienotību dekorēšana Grigoroviča baleti: “Ju.N. izrādēs. Grigorovičs panāca neparasti organisku mākslas sintēzi. Grūti nosaukt citus skatuves veidojumus, kur mūzika, horeogrāfija, vizuālā māksla, horeogrāfija un izpildītājmāksla parādītos tik pārsteidzošā saplūsmē, it kā viss nāktu no viena avota un izliets no viena radītāja, it kā vienā elpas vilcienā. Mākslu sintēzes padziļināšana - plastika, skatuves, jebkura cita - arī ir viena no tendencēm mākslinieciskā kultūra XX gadsimts".
Grigoroviča baletos spīdēja Jekaterina Maksimova un Vladimirs Vasiļjevs, Māris Liepa, Natālija Bessmertnova un citi, kuri radīja jaunus tēlus un jaunus tēlus baletā. Par to V. Vanslovs raksta: “Grigoroviča izrādēs jauns tips dejotājs-aktieris, kurš prot iemiesot dziļu dramatisku un psiholoģisku saturu sarežģītā dejas daļā. Grigoroviča baletos uzveduma stilu raksturo nevis tehniska virtuozitāte ārpus tēla un nevis tēls ārpus dejas izteiksmības, bet gan aktiermākslas organiska saplūšana ar attīstītu un bagātīgu deju.
balets "Spartaks"
Scenogrāfs baletam “Ivans Briesmīgais”
Mūsdienu krievu horeogrāfa Borisa Eifmana baleti izceļas ar horeogrāfijas mērogu un dziļumu. Viņa baleti, kuru pamatā ir Tolstoja, Dostojevska, Čehova un citu darbi, ir īsti mākslas darbi. Baleti ir piesātināti ar dziļu filozofiju, un Eifmanu sauc par “horeogrāfu-filozofu”. Eifmana izdomātās horeogrāfiskās pozas var salīdzināt ar izcilu mākslinieku gleznām un skulptūrām, un plastikai ir savs unikāls stils, kas apvieno klasiskās dejas pamatu ar mūsdienu tendences. Tehniskās spējas dejotāji pārsteidz un iepriecina baleta mākslas cienītājus. “Skolotājs Eifmans (un viņa nopelns šajā ziņā nav mazāks par horeogrāfu) izaudzināja jauna tipa universālu dejotāju, kurš spēj visu. Eifmana dejotāji peld gaisā, it kā viņiem būtu liegta gravitācija. Viņi nezina ierobežojumus sava ķermeņa kontrolei. Viņi var tikt galā ar vissarežģītākajām lietām akrobātiskie triki un visneiedomājamākie soļi. Dejā tiek iesaistītas ne tikai rokas un kājas, bet viss ķermenis. Eifmana balerīnas ir bez kauliem un ēteriskas: duetos viņas apvij savu partneri kā vīnogulājus; braši dejo Čārlstonu kā īsti kabarē dejotāji; viņi stāv uz puantām un, nolaistām acīm, peld pa skatuvi tā, it kā nekad nebūtu dejojuši neko, izņemot “Gulbju ezeru”,” raksta Bella Jezerskaja.
Balets "Sarkanā Žizele". Horeogrāfe B. Eifmane, fotogrāfijā Vera Arbuzova (Foto: Ņina Aļoverta)
Balets "Anna Kareņina"
Eifmans īpašu uzmanību pievērš baleta korpusam, kā raksta Bella Jezerskaja: “Eifmans radīja baleta korpusu, kas ir retums savā sinhronitātē, izteiksmībā un katras kustības precizitātē. Ekstras viņa izrādēs iegūst vai nu grotesku asumu, kā, piemēram, revolucionāro plebu demonstrēšanas ainā “Sarkanajā Žizelē”, vai skulpturālu ekspresivitāti, kā Mocarta “Rekviēmā”, vai klasisku pabeigtību, kā “Čaikovskis. ” Pārsteidz beigu aina balets "Anna Kareņina", kurā mākslinieki precīzi atainoja vilciena kustību, ar horeogrāfijas palīdzību, kā arī Eifmana baletiem raksturīgo izsmalcināto un izsmalcināto horeogrāfijas, tērpu un dekorāciju garšu.
Runājot par Rietumu baletu, tur baleta mākslas likteni izšķīra izcili horeogrāfi: Hosē Limons, Džons Kranko, Rolands Petits, Moriss Bežārs, Jiri Kylians, Džons Neumeiers uc. Viņi visi atstāja savu unikālo pēdu vēsturē, sasniedzot skatītāju sirdis ar saviem iestudējumiem un radot savu unikālo un neaizmirstamu dejas stilu, kas radīts uz klasiskā pamata ar papildinājumu mūsdienu horeogrāfija.
Īpašu uzmanību vēlos pievērst Jiri Kylian darbam. Viņa horeogrāfija satur vieglumu, pozu un modeļu precizitāti un neticamu muzikalitāti. Kā rakstīja Rūdolfs Nurejevs: “Ir Jiri Kylian, kuram, es teiktu, ir visvairāk “zelta” ausis. Viņš metaforas pārvērš kustībās: Kilians dzird mūziku un redz kustības." Bieži vien viņa darbi ir piepildīti ar humoru, palaidnībām un kustību veiklību. To var redzēt viņa iestudējumos “Sešas dejas”, “Simfonija D”, “Dzimšanas diena” u.c. Tā ir liela priekšrocība horeogrāfam, jo humors ir vajadzīgs un vajadzīgs cilvēkam un mākslai. Radošumā vieta ir gan bērnu baletam "Bērns un maģija", gan nopietna dramatisks darbs“Stāsts par karavīru” sarežģītai Stravinska mūzikai.
Balets "Bērns un maģija"
"Sešas dejas"
20. gadsimta otrajā pusē radušās postmodernisma koncepcijas ļoti ietekmēja dejas mākslu. Par postmodernās mākslas galveno un vienīgo vērtību tiek uzskatīta neierobežota mākslinieka vārda brīvība, domas un jaunrades brīvība. Tas viss bija raksturīgs arī dejas mākslai, kas ietvēra postmodernisma pamatprincipus. Postmodernā māksla, kurai nebija ierobežojumu un skaidras robežas, radīja daudzus stilus un jaunas mākslas tendences. Dejās tās ir laikmetīgās, kontaktimprovizācijas, hiphopa dejas, popdejas, mušu likums u.c.
Laikmetīgā deja ir saistīta ar tādiem nosaukumiem kā Roberts Danns, Anna Halprina, Saimons Forti, Deivids Gordons, Triša Brauna, Stīvs Pakstons, Debora Heja, Lūsinda Čaildsa un Meredita Mūka u.c. Par postmodernisma aizsākumu dejā jāuzskata dejas darbs. Judsona baznīcas teātris (Judson Dance Theatre). Džudsona baznīcas teātrī piedalījās eksperimentālo dejotāju grupa, kas uzstājās Ņujorkā Džadsona memoriālajā baznīcā Griničvilidžā, mākslas galerijas, muzeji kopš 1962. gada
Jaunu deju eksperimentu pamatā bija improvizācijas un modernas horeogrāfijas principi; tos ļoti ietekmēja komponists Džons Keidžs un horeogrāfs Merss Kaningems. Džons Keidžs interesējās par dzenbudismu un radošajā procesā aizstāvēja nejaušības principu.
Šo pašu principu aizstāvēja Merss Kaningems, uzskatot, ka, komponējot skaņdarbus, tas ļauj atbrīvoties no sižeta un stereotipiskajiem risinājumiem (lai gan, mūsuprāt, sižeta neesamība horeogrāfijā ir izlaidums). Taču mūsdienu dejā bieži vien svarīgs ir deju radīšanas process, nevis rezultāts .
Arī konceptuālais mākslinieks Roberts Moriss sadarbojās ar Judson Theater: “Mēs tikāmies ar maza grupa dejotāji, gleznotāji, mūziķi un dzejnieki svētdienas vakaros un studijā eksperimentēja ar skaņu, gaismu, valodu un kustību. Šī bija mana pirmā iesaistīšanās ar deju saistītos pētījumos. Kad 1961. gadā pārcēlos uz Ņujorku, šīs aktivitātes man vēl bija svaigā prātā, tāpēc Judson Open Meeting uzrunāja mani – lai gan es neatceros, kā tieši es ar tām saistījos” (R. Moriss).
Roberts Moriss, Lūsinda Čaildsa, Stīvs Pakstons, Ivonna Rainere, Debora High, Tonijs Holders, Sallija Grosa, Roberts Raušenbergs, Džūdita Danna un Džozefs Šlihters.
Vēl veidojās līdzīgas grupas, kas ievēroja līdzīgus principus, piemēram, Grand Union, Living Theatre, Open Theatre uc Šīs apvienības arī aizstāvēja nejaušības idejas, un nereti svarīgāks bija deju tapšanas process par rezultātu. Viens no grupas dalībniekiem bija Stīvs Pakstons, kontaktimprovizācijas stila radītājs, kura ideja slēpjas spontānā cilvēku ķermeņu saskarsmē.
Stīvs Pakstons
Kas attiecas uz hip-hop deju, tā radās 60. gadu beigās afroamerikāņu nelabvēlīgajos Ņujorkas rajonos. Sākotnēji hiphopa kultūra un deja bija vērsta uz ballītēm un atpūtu (skrāpēta Jamaikas dīdžeju mūzika un rečitatīva), vēlāk hiphopa kultūra tika piesātināta ar agresīvi izaicinošiem sociālā repa tekstiem, kas atspoguļo skarbo realitāti ( 90. gadu gangsta reps) un pamazām iekļuva masās, ieejot šovbiznesā. Attiecīgi hip-hop dejas tiek sadalītas vecajā skolā (vecās skolas hip-hop) un jaunajā stilā ( jauna skola). Vecajā skolā ietilpst popping, locking, breakdance, un jaunā skola pārstāv vairāk komerciālu hip-hopu, pievienojot dažādus horeogrāfijas stilus - džeza dejas, laikmetīgās dejas, popdejas u.c. Hiphopu raksturo brīvība, ritms, un kustību virziens zemē, kā arī ceļgalu atslābināšana un ķermeņa šūpošana, tā saucamā “kach” deja mūsdienās ir ļoti populāra un redzama visur – dažādos šovos, mūzikas video, izrādes utt. Pamatojoties uz sarežģītiem trikiem un akrobātiku, to ir diezgan grūti izpildīt. Tagad labākie hiphopa dejotāji ir deju duets Les Twins, kā arī var nosaukt franču dejotāju Dedsonu un Amerikāņu dziedātāja Kriss Brauns.
Vecās skolas hiphops
20. gadsimta un 21. gadsimta sākuma dejas kultūra ir ārkārtīgi bagāta un daudzveidīga. Jaunu mūzikas un mākslas virzienu ietekmē deja un horeogrāfija tika bagātinātas ar jauniem stiliem un tendencēm. Gadsimta gaitā ir mainījusies uztvere, redzējums un pieeja dejai un horeogrāfijai. Turpina dzīvot, attīstīties un klasiskā deja, kas bagātināts ar modernām kustībām, saglabājot klasisko stilu un gadsimtiem ilgas vēstures likto pamatu. Un tas ir pareizi, jo ir iespējams un nepieciešams iet līdzi laikam, neaizmirstot par savu pagātni.
Secinājums:
Horeogrāfijas māksla ir daudzšķautņaina un unikāla. Horeogrāfija caur noslēpumaino un mīklaino cilvēka ķermeņa valodu nodod mums saturu un noteiktu nozīmi, ko dejotājs vai horeogrāfs ir noteicis. Kā teica Marta Grehema: "Deja ir dvēseles slepenā valoda" un "ķermenis runā to, ko vārdi nevar pateikt."
Pētījuma laikā mēs izsekojām, kā deja mainījusies gadsimtu vēsturē, kādas iezīmes tā ieguvusi un kādu lomu tā spēlēja cilvēku dzīvē. Katrs vēstures periods dejas mākslā ir atstājis savu unikālo un neatkārtojamo zīmi. Deja vienmēr ir vienojusi cilvēkus, kalpojusi kā cilvēku savstarpējās komunikācijas veids, kā arī pašizpausmes un enerģijas atjaunošanas līdzeklis. Par to stāsta horeogrāfe Alla Rubina: “Deja ir pašizpausme. Tas ir, cilvēks caur deju izsaka sevi, savas domas, savu dzīvi un dzīves izpratni. Tās ir skaistuma zināšanas, sevis izzināšana, kas rodas gan tajos, kas dejo, gan tiem, kas skatās... Dejojot tu uzkrāj enerģiju un atjauno sevi. Jebkura kustība ir enerģijas lauka atjaunošana. Tā ir tīri medicīniska funkcija...”
Dejas izrāde nav iespējama vai ļoti nabadzīga bez scenogrāfijas, kostīmiem un mūzikas. Vēstures gaitā deja un vēlāk arī balets ir bijusi cieši saistīta ar mūziku un vizuālo mākslu. J. J. Nevers identificēja svarīgās baleta izrādes sastāvdaļas: “Skatuves, tā teikt, ir audekls, uz kura horeogrāfs tver savas domas; ar pareizu mūzikas, dekorāciju un kostīmu izvēli viņš piešķir bildei savu krāsu, jo horeogrāfs ir tas pats gleznotājs. V. Vanslovs arī raksta par mūzikas un dejas attiecībām: “Dejas rašanās būtu bijusi neiespējama, ja plastiskajā mākslā nebūtu nākusi palīgā mūzika. Tas pastiprina dejas plastikas izteiksmīgumu un piešķir tai emocionālu un ritmisku pamatu.” Tas viss liecina, ka horeogrāfija ir sintētiska mākslas forma, kas apvieno vairākus mākslas veidus.
Dejas māksla nemitīgi sevi bagātina un virzās uz priekšu, uzsūcot visas sabiedrības pamatnoskaņas, kā arī atspoguļojot svarīgu vēstures notikumi, sociāli kultūras un politiskā dzīve. Man bija interesanti sekot līdzi dejas attīstības procesam, atšifrējot tā nozīmi un nozīmi vēstures gaitā.
Izmantotās literatūras saraksts:
1. Thino Arbaud “Par deju un mūziku”
2. V. Vanslovs “Par mūziku un baletu”
3. Ju Bahrušins “Krievu baleta vēsture”
4. Vera Krasovskaja “Rietumu baleta vēsture”
5. S. Hudekovs “Dejas vēsture”
6. Deja “Modern” http://www.ortodance.ru/dance/style_modern1
7. V. Vanslovs “Grigoroviča baleti un horeogrāfijas problēmas” http://bolshoi-theatr.com/articles/596/part-2/
8. Hiphops http://vsip.mgopu.ru/data/2401.htm
9. Luciāns “Traktāts par deju”
10. Baleta enciklopēdija http://www.krugosvet.ru/
20. gadsimts ir evolūcijas un progresa laiks. Šo periodu var salīdzināt ar milzīgu lēcienu zinātnes un tehnoloģiju jomā. Taču progress skāra ne tikai zinātni vai tehnoloģijas, bet arī civilizāciju kopumā. Tik strauja un dinamiska sabiedrības attīstība notika pat neskatoties uz diviem pasaules kariem un daudziem citiem notikumiem, kas nesa pilnīgu iznīcību. Taču cilvēces tieksme pēc pilnības un pašattīstības ir veicinājusi cilvēka kā kultūras sabiedrības daļas neticamo evolūciju. Dejošana bija viens no spēcīgākajiem pašrealizācijas un sevis pilnveidošanas instrumentiem. Tie ienesa prieku, laimes sajūtu un harmoniju 20. gadsimta cilvēku dzīvē, kad zinātnes un tehnikas progress gandrīz pilnībā izspieda garīgumu un aizstāja to ar pragmatismu. “Skaistā” trūkuma dēļ šajā periodā dejas kultūra vienkārši “uzsprāgst”, parādās kolosāli daudz jaunu horeogrāfijas veidu un stilu.
20. gadsimta deju "kaleidoskops".
No daudzveidīgā un raibā 20. gadsimta dejas stilu “kaleidoskopa” var izdalīt tādus kā rumba, hiphops, lambada, laikmetīgais un daudzi citi. Šāda deju dažādība apliecina, ka 20. gadsimts ir lēciens ne tikai zinātnes un tehnoloģiju jomā, bet arī milzīgs solis uz priekšu kultūrā, mākslā un sabiedrības attīstībā kopumā.
Salsa ir viena no visvairāk populāri veidi deja 20. gadsimtā. Šī Latīņamerikas deja radās Kubā 20. gados un kopš tā laika ir bijusi populārākā horeogrāfiskā kompozīcija. Salsa ir iemantojusi tādu pasaules mīlestību, pateicoties tās neticami ugunīgajam, graciozajam un pārsteidzošajam ritmam. Šī deja var likt jums izbaudīt dzīvi un redzēt pasauli tikai tajā spilgtas krāsas. Salsai ir vairāki virzieni: cha-cha-cha, rumba, bocacha, mambo un citi.
Salsa
Tango ir neticami skaists un kaislīga deja ar Argentīnas saknēm. Kopš tā pirmsākumiem, proti, 19. gadsimtā, tas ir kļuvis par populārāko un iecienītāko horeogrāfisko iestudējumu visā Argentīnā, Londonā, Parīzē, Ņujorkā utt. Šī deja drīz vien “izgaismoja” visu Eiropu, Ameriku un visu pasauli. Tango 20. gadsimtā bija pat sava veida kults – tika radīti veseli ansambļi, īpaši tam veltītas ballītes un īpaši tango rakstītas muzikālas kompozīcijas.
Tango
Vēl viena fantastiski populāra un unikāla 20. gadsimta deja ir rokenrols. Šis horeogrāfiskais priekšnesums radīja īstu revolūciju kultūrā, mākslā un sociālajā dzīvē. Rokenrols parādījās 50. gados Amerikā. Tās pirmsākumi, pirmkārt, sākās ar mūziku, kas deva impulsu šāda veida dejas rašanās. Rokenrols ir iekarojis jauniešu sirdis visā pasaulē ar savu sparu, “dzirkstelīti” un neticamo dinamismu. Šai dejai raksturīgi ļoti sarežģīti pacēlumi, lēcieni, metieni un zināma neuzmanīga partnera attieksme pret partneri. Rokenrola sauklis izklausījās kā “sekss, narkotikas un rokenrols”, tāpēc pārmērīgas atklātības un pat vulgaritātes dēļ šāds dejas veids tika uzskatīts par amorālu un aizliegtu. Bet tas viņam netraucēja palikt ārkārtīgi populāram 20. gados un pat mūsu laikos.
20. gadsimta sākuma gados, pirms Pirmā pasaules kara uzliesmojuma, dejas attīstībā bija divas acīmredzamas tendences. It kā kaut kādā veidā viņi apzinājās tuvojošos katastrofu, Eiropas un Amerikas bagātās sabiedrības nodarbojās ar izklaidi, no kurām viena no galvenajām bija tāda. ātra dejošana kā valsi un galopi. Tajā pašā laikā tika mēģināts atdzīvināt tādas viduslaiku dejas kā menuets, gavote un pavāne, lai gan tas izrādījās diezgan vājš. Taču gandrīz nekad nav bijuši tik traki jaunu formu meklējumi, tik radikāla nozīmju maiņa, kas iepriekš tika uzskatīta par pašsaprotamu, tik liela visu valstu jauniešu aizraušanās ar individuālu izpausmi un dinamiskāku dzīvesveidu. Visas mākslas ir dziļi ietekmējusi straujā atklājumu uzkrāšanās fiziskajā un sociālās zinātnes, kā arī pieaugošā izpratne par sociālajiem jautājumiem.
Kopumā tas bija neticami aizraujošs laiks dejas attīstībai: vēl nekad agrāk nebija ģenerēts tik daudz jaunu ideju un tik daudz cilvēku piesaistīja dejai. Balets tika pilnībā pārveidots krievu impresārija Sergeja Djagiļeva (1872-1929) vadībā. Balets ir iedvesmojis dažus no visvairāk izcili komponisti un tā laika māksliniekiem, kļūstot par galveno bāzi lielākajai daļai dejas mākslas darbu. Citas modernās dejas reformu kustības piekritēji, kas balstīti uz amerikāņu balerīnas Isadoras Dankanas dejām, sāka mēģināt attālināties no konvencijām, kas bija kļuvušas obligātas romantiskā baleta laikā.
Šī jaunā kustība īpaši enerģiski attīstījās Vācijā, kur tās ekspresionistiskās formas sauca par Ausdruckstanz (“ekspresionistiskā deja”). Balles dejas ir diezgan daudz mainītas, pievienojot svaigas Dienvidamerikas, kreoliešu un Āfrikas kultūras. Pēc spēcīga izaugsme afroamerikāņu džeza popularitāte, viss gars un stils sociālās dejas radikāli mainījās, un turpmākajās desmitgadēs viņi kļuva daudz brīvāki, mierīgāki un “intīmāki”.
Atjaunota interese bija arī par tautas dejām, kas bija pašizpausme parastie cilvēki pagājušajos gadsimtos. To daļēji veicināja gan īpašas tautas deju biedrības, gan dažādas jauniešu kustības, kas redzēja, ka šīs dejas var palīdzēt jaunu sociālo sajūtu veidošanā. Visu veidu teātra dejas, kas tika veidotas no stilizētām gadsimtiem senām austrumu dejām, sasniedza jaunas popularitātes virsotnes.
1830. un 1840. gados romantiskā kustība noveda pie tā, ka baleta skatuvi pārņēma dabas gari, fejas un silfs. Balerīnas kults aizstāja dejotājas kultu, kura pēdējais un lielākais pārstāvis bija franču dejotājs Itāļu izcelsme Gaetins Vestris (1729–1808). Sieviešu deju tehnikas tika ievērojami uzlabotas. Svārku garums tika vēl vairāk saīsināts, tika ieviestas baleta kurpes, kas ļāva dejot uz pirkstiem. Horeogrāfi turpināja tiekties pēc izteiksmīgākām kustībām un savu dejotāju individuālo īpašību akcentēšanas.
Balets Silfīds (1836) lieliski demonstrēja romantiskā baleta galveno tēmu - cīņu starp reālā pasaule un garīgo pasauli. Šī tēma tika izvērsta filmās Žizele (1841) un Ondine (1843). Tajā laikā Parīze un Londona bija garšas radītāji, un tieši Londonā 1845. gadā notika pirmizrāde “Pas de quatre” - badet iestudējums, kura izrādei 4 cēlienos franču horeogrāfs Žils Pero uzaicināja četrus no tā laika izcilākās balerīnas: Marija Taglioni (1804–84), Karlota Grisi (1819–99), Fanija Serito (1817–1909) un Lūsila Grana (1819–1907).
Pēc tam Romantiskais balets ātri samazinājās, vismaz šajās pilsētās. Tomēr Kopenhāgenā tas turpināja uzplaukt 1860. gadu sākumā, pateicoties horeogrāfam Ogistam Burnonvilam, kura repertuāru 20. gadsimta otrajā pusē pārņēma Dānijas Karaliskais balets. Krievijai tolaik, pateicoties franču izcelsmes horeogrāfam Mariusam Petipam (1819–1910) un viņa krievu asistentam Ļevam Ivanovam (1834–1901), izdevās izveidot savu pasaulslavenu baleta kultūru. Sākotnēji krievu teātra tradīcijas bija cieši saistītas ar Parīzi, bet pamazām izveidojās viņu pašu baleta kultūra. Labākā stunda klasiskais balets cariskajā Krievijā tika sasniegts tādos Sanktpēterburgas iestudējumos kā Guļošā skaistule (1890), Riekstkodis (1892) un Gulbju ezers"(1895), kurai mūziku komponējis Pjotrs Iļjičs Čaikovskis, kā arī Aleksandra Glazunova (1865–1936) "Raimonda" (1898). Kamēr balets uzplauka Sanktpēterburgā un Maskavā, Parīzē tas samazinājās. Balerīnas sāka parādīties pat gadā vīriešu lomas, piemēram, “Coppelia” (1870).
19. gadsimtā arī nepieredzēti pieauga ceļošana un starpkultūru ietekme. Pateicoties tam, uz Rietumu skatuves parādījās daudzi “eksotiski” deju stili. Uz izstādēm Parīzē ieradās trupas no Indijas un Japānas, kas izraisīja lielu interesi par tautas un etniskajām dejām. Romantiskā baleta balerīnas apceļoja visu Eiropas pilsētas: no Milānas un Londonas uz Maskavu. Austriešu dejotāja Fanija Elslere 1840. gadu sākumā veica divu gadu turneju pa Ziemeļameriku un Dienvidameriku. Uz visām pilsētām brauca arī lieliski horeogrāfi. Dejas valoda kļuva par īstu starptautiskās komunikācijas veidu, jo tā nebija atkarīga no valsts vai tajā runātās valodas.
Dejošana ASV 19.gs
19. gadsimtā Eiropā milzīgu popularitāti ieguva arī citas deju izklaides, kas bija “vieglākas” par klasisko baletu. Parīzē sieviešu kankans kļuva par modes virsotni. Viņa trakā enerģija, degsme un flirts līdz nedienai kļuva par īstu atklājumu sabiedrībai. Pēc 1844. gada šī deja kļuva par mūzikas zāļu, reviju un operešu iezīmi. Žanru izstrādājis operetes komponists Žaks Ofenbahs (1819–80), un to spilgti attēlojis gleznotājs Anrī de Tulūza-Lotreks (1864–1901).
Londonā šajā laikā uzplauka Alhambra un Imperial Ballets, kas galvenokārt iestudēja klasiskos baletus. dažādas tēmas. Bet visplašāko deju dažādību nodrošināja Amerika, kurā pēc kara uz patriotiskā viļņa fona pēc Brīvības kara sāka masveidā parādīties dejas. dažādas dejas par brīvības tēmu, kā arī atdzīvinot dejas no Amerikas kolonizācijas laikmeta.
Atsevišķi jāatzīmē, ka 19. un 20. gadsimtā Amerikā populāri kļuva minstrel šovi, ekstravagances, burleskas un vodeviļi. Tie pārstāvēja plašu deju un teātra ietekmju klāsta saplūšanu, īpaši no melnādainās kultūras. Baltie cilvēki sāka dejot “melnās dejas”, krāsojot melnas sejas, bet tumšādaini vīrieši balināja seju un dejoja baltās dejas. IN teātra iestudējumi Sāka parādīties visdažādākās dejas, sākot no no Eiropas ievestiem baletiem līdz pilnīgi autentiskām vietējo indiešu sieviešu dejām, kas bija uz striptīza robežas. Amerikāņu dejotāji sāka baudīt labu reputāciju gan Amerikā, gan Eiropā. Balerīna Augusta Meivuda (1825–1876) bija pirmā amerikāņu dejotāja, kas uzstājās Parīzes operā.
19. gadsimtā strauji pieauga arī publisko deju zāļu un citu ar deju saistītu iestāžu skaits strauji augošajās ASV rietumu pilsētās. Šeit sāka atdzīvināt Amerikas pamatiedzīvotāju lauku dejas, ļoti ātru divsoļu gājienu un kūku. Pirmo reizi Eiropa Jaunajā pasaulē atrada kaut ko jaunu, no kā mācīties deju ainu. Arī tajā laikā deju temps ievērojami paātrinājās, iespējams, atspoguļojot paātrināto dzīves tempu un lielu sociālās pārmaiņas gadsimtā.
20. gadsimta sākuma dejas
20. gadsimta sākuma gados, pirms Pirmā pasaules kara uzliesmojuma, dejas attīstībā bija divas acīmredzamas tendences. It kā kaut kādā veidā būtu apzinājušies tuvojošos katastrofu, Eiropas un Amerikas bagātās sabiedrības nodevās izklaidēm, no kurām viena no galvenajām bija tādas ātras dejas kā valsi un galopi. Tajā pašā laikā tika mēģināts atdzīvināt tādas viduslaiku dejas kā menuets, gavote un pavāne, lai gan tas izrādījās diezgan vājš. Taču gandrīz nekad nav bijuši tik traki jaunu formu meklējumi, tik radikāla nozīmju maiņa, kas iepriekš tika uzskatīta par pašsaprotamu, tik liela visu valstu jauniešu aizraušanās ar individuālu izpausmi un dinamiskāku dzīvesveidu. Visas mākslas dziļi ietekmēja straujā atklājumu uzkrāšanās fiziskajās un sociālajās zinātnēs, kā arī pieaugošā sociālo problēmu apziņa.
Kopumā tas bija neticami aizraujošs laiks dejas attīstībai: vēl nekad agrāk nebija ģenerēts tik daudz jaunu ideju un tik daudz cilvēku piesaistīja dejai. Balets tika pilnībā pārveidots krievu impresārija Sergeja Djagiļeva (1872-1929) vadībā. Balets iedvesmoja dažus tā laika ievērojamākos komponistus un māksliniekus, kļūstot par pamatu lielai daļai darbu dejas mākslā. Citas modernās dejas reformu kustības piekritēji, kas balstīti uz amerikāņu balerīnas Isadoras Dankanas dejām, sāka mēģināt attālināties no konvencijām, kas bija kļuvušas obligātas romantiskā baleta laikā.
Šī jaunā kustība īpaši enerģiski attīstījās Vācijā, kur tās ekspresionistiskās formas sauca par Ausdruckstanz (“ekspresionistiskā deja”). Balles dejas ir diezgan nedaudz pārveidotas, pievienojot svaigas Dienvidamerikas, kreoliešu un Āfrikas kultūru ietekmes. Pēc straujās afroamerikāņu džeza popularitātes pieauguma viss sabiedriskās dejas gars un stils radikāli mainījās un nākamajās desmitgadēs kļuva daudz brīvāks, mierīgāks un intīmāks.
Atjaunota interese arī par tautas dejām, kas pagātnē bija parastu cilvēku pašizpausme. To daļēji veicināja gan īpašas tautas deju biedrības, gan dažādas jauniešu kustības, kas redzēja, ka šīs dejas var palīdzēt jaunu sociālo sajūtu veidošanā. Visu veidu teātra dejas, kas tika veidotas no stilizētām gadsimtiem senām austrumu dejām, sasniedza jaunas popularitātes virsotnes.
20. gadsimta 20. gados Čārlstonas deja kļuva īpaši populāra. Tiek uzskatīts, kaČārlstona(Čārlstona) ir afroamerikāņu saknes, un tā sākotnēji ir no Čārlstonas pilsētas (Dienvidkarolīna).Vai tas tā ir, nav droši zināms. Šīs dejas ritms bija tik ugunīgs, ka visa pasaule sāka dejot Čārlstonu. Deja neiekrita uzreiz, daudzas tās kustības pat tika uzskatītas par nepiedienīgām, taču laika gaitā tā ieguva milzīgu popularitāti, 1926. gadā. režisors Ernests Lubičs, kurš uzņēma filmu “Šī ir Parīze”, tajā ievietoja grandiozu numuru - “Masku balle”, kurā 2500 dalībnieku dejoja Čārlstonu.
30. gados Amerikas kontinentā un Eiropā parādās jaunu deju vilnis. Viens no tiem irLindija apiņa(Lindy Hop). Šis balles dejas ar lēcieniem savu nosaukumu ieguva par godu slavenajam pilotam Lindbergam, kurš pirmais pārlidoja Atlantijas okeānu. Džeza iespaidā Lindy hop pamazām pārtapa svingā, un sākumu iezīmēja temperamentīgas melnās melodijasboogie-woogie. Amerikā šo deju sauca biežākjitterbug(Jitterbag), Britu salās -džive. Tagad mēs zinām šo deju kārokenrols.Pati jitterbug, apvienojot Lindy Hop un Charleston kustības, izraisīja disko kā deju stila rašanos.
50. gadu sākumā pasaulē uzliesmoja rokenrola drudzis.^ 1954. gadā Eiropas ekrānos tika demonstrētas filmas “Rock Around the Clock” un “Seed of Violence” ar Bila Heilija piedalīšanos, kas veicināja dejas popularitātes pieaugumu. Līdz 60. gadu sākumam pirmais rokenrola vilnis bija norimis. Ir pienācis laiksvērpjot, kaklā, mazlietun citas dejas. Dejas atgriešanās sākās 1968. gadā, un tā bija saistīta ar Bītlu darbību. Kopš 1974. līdz 1975. gadam rokenrols tiek uzskatīts par vienu no modernākajām dejām, un tagad to sauc par modernajām sporta dejām.
70. gados gūstot popularitātidisko dejas. Elektronisko instrumentu parādīšanās varēja tikai ietekmēt mūzikas raksturu un izpildījuma veidu.. Īstu disko bumu izraisīja 1977. gadā iznākusī filma. filma "Sestdienas nakts drudzis". Tajā Džons Travolta dejo diskotēku ar visiem tam laikam raksturīgajiem elementiem. Filmā "Glory" 80. gados piecpadsmit simti cilvēku dejoja diskotēku uz ielas. Mūsu valstī diskotēkas stila lielo popularitāti veicināja VDR televīzijas baleta “Frīdrihštates pils” izrādes.Mūsdienās disko kustības izmanto gandrīz visi pop un modernās dejas izpildītāji.
Jo bagātāka un daudzveidīgāka kļuva mūzika, parādoties jauniem elektromūzikas instrumentiem, jo vairāk radās dažādi mūzikas virzieni, un līdz ar tiem dažādi stili dejot.
80. gadu beigās un 90. gadu sākumā līdz ar video parādīšanos daži stili ieguva popularitāti. Maikla Džeksona darbs, kurš tolaik bija pazīstams kā popmūzikas karalis un deju karalis, radīja jauna veida priekšnesumu - “a la Džeksons". Viņa slavenākajos videoklipos no albumiem “Thriller”, “Bad”, izmantoti disko, breika, hiphopa kustības.
Popularitāte Latīņamerikas dejas dzemdēja tādus masu dejas Kālambada Un Makarēna. Uzliesmojošas melodijas ar raksturīgu izpildījuma manieri radīja noteiktu kustību kopumu, kas kļuva ļoti populāras dejas - Lambada un Makarēna.
^ Pārtraukums (Pārtraukt dejot) Un Hiphops (Hip- hop) stilus. Deja, kas ir ļoti līdzīga breikam, bija pazīstama verdzības laikā. Ņūorleānā viņi to sauca par Kongo kvadrātveida deju. Šo nosaukumu viņš ieguvis no laukuma nosaukuma – Kongo laukums, kur kādreiz pulcējās vergi. Tur viņi ne tikai komunicēja un atpūtās, bet arī sacentās dejas mākslā. Tur bija vergi dažādas tautības: afrikāņi, latīņamerikāņi uc Sadalījums “komandās” pēc etniskās piederības piešķīra konkursam īpašu aktualitāti. Akrobātikas elementi dejā ir sastopami daudzu tautu vidū. Pauzē ir afrikāņu deju elementi, brazīliešu fragmenti cīņas māksla vergi - “capoeira” un daudz kas cits.
Pati pārtraukuma vēsture sākās 1962. gadā. Dienvidbronksā. Par dibinātāju tiek uzskatīts DJ Cool Herk. Viņš ieradās Bronksā no Jamaikas un atnesa sev līdzi labākās Kingstonas tradīcijas ielu dejas. Viņš to izdomāja 1969. gadā. termins "B-Whoa" ir no saīsinājuma "break boy", kas nozīmē "puisis, breika dejas" No dejotāju pūļa uz skatuves kāpa labākie no labākajiem dejotājiem un rādīja savas prasmes. Tā sauktās “breika cīņas”.
Aptuveni tajā pašā laikā, 1969. DJ Africa Bambaata izdomāja terminu “Hip-hop” kā visas kultūras apzīmējumu jaunākā paaudze. Viņš ietvēra ne tikai deju, bet arī teksta lasīšanas mākslu pie mūzikas (repu) un grafiti (krāsošanu uz sienām ar aerosola krāsu).
60. gadu beigās laušana pastāvēja divu formā deju stili: Ņujorkas akrobātiskais stils (apakšā vai lūstošs) un Losandželosas mīmikas stils (augšējais vai "elektriskais bugis"). Mainoties mūzikas tendencēm, breika dejas tehnikas mainās un kļūst sarežģītākas.. 80. gados iznāk filmas par breiku un hiphopu: “Savvaļas Stils», « Stils Kari», « Beat iela», « Grafiti Roks" Gadu vēlāk Sanfrancisko baleta teātris atklāja sezonu ar svinīgu 46 breiku koncertu. Simtiem breiku dejoja Losandželosas olimpisko spēļu noslēguma ceremonijā.
Breiks Krievijā ienāca 80. gadu beigās - filmas “Kā kļūt par zvaigzni”, “Kurjers” u.c. Breika deju festivāli notika Sočos, Maskavas apgabalā utt. Tad breika mode norima. 1995. - 1997. gadā Breaking atkal ir kļuvis modē: enerģiskāks, pilns ar akrobātikas un spēka elementiem, ātras gaitas un lēcienus. Sāka parādīties starptautiskas cīņas - komandu sacensības.
Labākais tehniķis (Karsts
augšpusē-
tehno)
tulkojumā no angļu slenga šī ir karstās kustības tehnika. Stils parādījās 70. gados - 80. gadu sākumā. Veidojies mūsdienu džeza un citu skolu iespaidā. Ir ielas stils deja, ietver disko, flash, street jazz elementus. (Bonnie M, Afrique Simon, Milli Vanilli u.c.)
Uzmanīgi aplūkojot mūsdienu dejotāju stilus un paņēmienus, tajos var viegli saskatīt kustības, kurām ir analogi tautas dejā. Katrs stils savas veidošanās laikā sevī sevī sevī iesūcas nacionālajai videi vai izpildītāja tautībai raksturīgo īpatnību.
Nevarētu teikt, ka visi deju stili jau ir pilnībā izveidojušies. Katrs izpildītājs, horeogrāfs, režisors viņiem visu laiku kaut ko nes. Dejas popularitāti nodrošina liela kolektīvu un individuālo dejotāju sniegums. Profesionāliem un ielu dejotājiem bija milzīga ietekme uz daudzu stilu veidošanos. Mūsdienu deja– Šī ir ne tikai moderna deja, bet arī ielu deja.
Mūsdienu deja ir sinonīms izteicienam " tautas deja", "popdejas". Mūsdienu deja var būt pop, bet estrādes deja ne vienmēr ir moderna.
Termins “popdejas” ir laicīgās mākslas vēstures produkts un atspoguļo, pirmkārt, vietu, kur izpildītājs ienāk. Tas ir, nevis teātra skatuve, bet estrādes norises vieta vai koncertzāle. Jēdziens "popdeja" ietver arī tautas deju stilizācijas, sporta dejas, demiklasiskā, dejas ikdienas horeogrāfijas stilos, steps, šobrīd uz skatuves redzam diezgan daudz iestudējumu, kas tiek izpildīti, izmantojot džeza dejas vai modernās dejas līdzekļus. Tādējādi jēdziens “popdeja” apvieno diezgan daudz horeogrāfiskās mākslas jomu. Taču šobrīd daudzās universitātēs un kultūras un mākslas institūtos ir “pop” dejas nodaļas. Diemžēl ar šo terminoloģisko neskaidrību neko nevar darīt.
Rezumējot, šobrīd ir 4 galvenās dejas SISTĒMAS; klasiskā deja, modernā džeza deja, modernā deja un tautas deja. Tās ir tās dejas jomas, kurām ir sava vēsture, sava skola, sava izpildītāju sagatavošanas sistēma, savs vārdu krājums.
Vienlaikus pastāv un attīstās dejas mākslas virzieni. Tie ietver balles dejas, stepa dejas, flamenko, sociālās vai ikdienas dejas.
Tomēr iekšā pēdējos gados Arvien vairāk parādās jauktas dejas tehnikas, kas apvieno visas galvenās sistēmas. Horeogrāfi savos iestudējumos cenšas, pirmkārt, atrast kaut ko jaunu un neparastu, neatkarīgi no leksiskās piederības. Horeogrāfs domā ar kustību, un, tā kā profesionāli horeogrāfi pārvalda daudzas dejas tehnikas, aizņemšanās un apvienošanas process ir neizbēgams. Un pēdējos gados ir radies termins - LAIKMETĪGĀ DEJA, dejas virziens, ko nevar attiecināt uz kādu stilu vai sistēmu. Un šis dabisks process integrācija.