Jan Damel białorusko-polski artysta litewski początku XIX wieku. Przedstawiciel klasycyzmu. Malarstwo rozpoczął w 1799 roku na Uniwersytecie Wileńskim u Franciszka Smuglewicza i Jana Rustema. Po ukończeniu kilku kursów i zdaniu egzaminów uzyskał tytuł magistra sztuk wyzwolonych, a później został nauczycielem gimnazjum. W 1809 roku został mistrzem malarstwa i prorektorem.
Jan Damel pisał głównie w tematy historyczne: „Śmierć mistrza krzyżowców Ulricha von Jungingena w bitwie pod Grunwaldem”, „Śmierć księcia Poniatowskiego”, „Paweł I uwalnia Kościuszkę z niewoli”, „Pokonane wojska Napoleona w Wilnie”, „Przeprawa Francuzów za Berezynę” itp. Znane są jego prace o tematyce religijnej („Pochówek”, „Chrystus i Samarytanka”), portrety księcia D. Radziwiłła, hrabiów Joachima Chreptowicza, pejzaże Mińska i okolic („ Młyn Wodny”, „Drzewa pod wodą”), rysunki i szkice na tematy codzienne mieszkańców Syberii. Ponadto Damel, podobnie jak wielu artystów tamtych czasów, złożył hołd rysunkowi pejzażowemu. Twórczość artysty ukształtowała się pod wpływem klasycyzmu, jednak w wielu jego pracach można wyczuć pragnienie romantycznego przedstawienia rzeczywistości. Portrety Damela mają subtelną cechę psychologiczną.
Wańkowicz Walentij-Wilhelm Białoruski malarz, przedstawiciel romantyzmu. Urodzona w średnio zamożnej rodzinie szlacheckiej (szlacheckiej) sędziego Melchiora Wankowicza i Scholastyki Góreckiej, siostra słynnego polskiego poety Antoniego Góreckiego. Studiował w petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych (od 1824). Kreatywność kojarzy się z życie artystyczne Białoruś i Rosja
Twórczość Pierwszym nauczycielem malarstwa Vankovicha był przyszły generał zakonu jezuitów, Gabriel Gruber, miniaturysta. Pochodzący z Wiednia, dużo malował dla króla polskiego Stanisława Augusta. Młody Wańkowicz w wolnych chwilach od nauki czytał stare księgi zgromadzone w bibliotece jezuickiej i kopiował obrazy znajdujące się w klasztorze. Zanim skończył szóstą klasę, wiedział już, jak malować miniatury i portrety w oleju, doskonaląc swój rysunek i kolor. W Petersburgu zyskuje coraz większe uznanie. Po czterech latach żmudnych studiów wraca na Uniwersytet Wileński ze złotym medalem. Po 1830 roku malarstwo miniaturowe przestało interesować artystę; pociągały go już wyłącznie tematy historyczne i tylko w tym kierunku chciał pracować. Wpływ nauki Andrzeja Towiańskiego dotarł jednak także do jego majątku w Ślepiance. Na początku jego dawny entuzjazm był wciąż żywy. Wańkowicz był ambitnym człowiekiem, ale jego sukcesy w Wilnie i Petersburgu nie trwały. Jednak w czterdziestoletnim artyście na nowo obudziło się pragnienie nowych sukcesów. Opuścił dom i kraj i udał się do Paryża, gdzie ponownie związał się z Adamem Mickiewiczem.
Napoleon Orda Białoruski i polski pisarz i kompozytor, muzyk, artysta, rzeźbiarz, pedagog. Od 1833, mieszkając w Paryżu, pobierał lekcje rysunku w pracowni F. Gerarda. Jeżdżę po Europie i Afryka Północna, wykonał wiele szkiców krajobrazów, głównie miejskich. Na Białorusi znany jest z albumu widoków guberni grodzieńskiej, mińskiej, kijowskiej itp., do którego materiał zbierał podczas swoich podróży.
Napoleon Horda i Ukraina Do dziś zachowało się 177 dzieł artysty przedstawiających krajobrazy architektoniczne Ukraina. Jego rysunki wykorzystano przy opracowywaniu projektów renowacji następujących obiektów: Twierdza w Kamieńcu Podolskim Zamek Podgoretski
Zamek Ostrog A także takie zabytki architektury jak: · Cerkiew św. Andrzeja w Kijowie, · Cerkiew Jana Chrzciciela w Białej Cerkwi, · Zamek Dubenski, · Zamek Leticzewski.
Horda Napoleona i Białoruś Wśród białoruskich dzieł Hordy: „Pałac Wołożyna”, „Zamek Geraneński”, „Osiedle Dyatłowskie”, „Osiedle Zakozelskie”, „Park Logojisk”, „Pałac Rużański”, „Pałac Skokowski”, „Mińsk. Plac Katedralny„, „Świsłocz”, „Grodno”, „Oswieja”, „Zamek Krewski”, „Nowogródek” (1850–1870). Na podstawie jego rysunków i akwareli w latach 1873-1883 powstały litografie (260 arkuszy graficznych w 8 seriach) (artysta A. Misurowicz) i wydane w Warszawie. Ciekawy. Każdy Białorusin może zobaczyć dzieło Napoleona Hordy „Zamek Radziwiłłów w Nieświeżu” na banknocie 100 000 rubli białoruskich. Ciekawy. Każdy rysunek Hordy ma mały szczegół - ludzie są przedstawiani przypadkowo, jakby przez przypadek.
Chrucki Iwan Fomicz Artysta białoruski, malarz, szlachcic herbu Leliv. Znany z martwych natur i portretów grupowych. Urodzony 27 stycznia 1810 roku w rodzinie księdza greckokatolickiego, szlachcica Tomasza Hruckiego. Chrucki otrzymał średnie wykształcenie artystyczne w Wyższej Szkole Połockiej. W 1827 przybył do Petersburga. Tutaj do 1829 roku pobierał lekcje u angielskiego malarza J. Doe i jednocześnie studiował w Akademia Cesarska sztuka Skopiowano w Ermitażu. W 1830 r. Chrucki wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych. Tam uczył się u takich mistrzów jak A. G. Varnek, F. A. Bruni.
Twórczość Iwan Fomicz Chrucki jest znany jako artysta działający w zgodzie z rosyjską szkołą akademicką. Wpisał się do historii sztuki swoimi martwymi naturami. Pierwsze datowane szkice artysty – „Martwa natura z wazonem” i „Martwa natura z ptakiem” – pochodzą z 1832 roku. Głównym kierunkiem twórczości Chruckiego w tym okresie była praca nad martwą naturą „Martwa natura z wazonem” (1832) „Martwa natura z ptakiem” (1832)
24 września 1839 r. I. F. Chrucki „za doskonałą pracę w portrecie, pejzażu, a zwłaszcza malarstwie owoców i warzyw” otrzymał tytuł akademika malarstwa. Od tego czasu Chrucki przestał malować spektakularne martwe natury. Obraz „Stara kobieta robiąca skarpetę” (1838) przybliża go do artystów, którzy nie mieli wykształcenia akademickiego, na przykład do A. G. Venetsianowa, a zwłaszcza V. A. Tropipina. W 1838 r. Za tę pracę, a także za martwą naturę „Kwiaty i owoce” Iwan Chrucki otrzymał mały złoty medal „Stara kobieta robiąca na drutach skarpetę” (1838). Kolejnym kierunkiem twórczości artysty w tym czasie był reprezentowane przez przedstawienie wnętrz – rodzaj gatunku „w pokojach”: „W pokoju” (1854) i inne.
W zeszłym tygodniu zakończyła się wystawa i sprzedaż prac młodych artystów „Salon Jesienny z Belgazprombankiem”. Dla większości kosztowna praca(w tym roku okazało się, że jest to fotografia) autor zażądał 77 tysięcy rubli – czyli ponad 35 tysięcy dolarów. Na drugim miejscu pod względem kosztów znajduje się instalacja za 62 tysiące rubli, a na trzecim obraz olejny zatytułowany „Życie”, który kosztuje 42 tysiące rubli. Najwięcej prac budżetowych sprzedano za 195 rubli. Z pięciuset dodatkowa praca W tym roku sprzedano 56 prac. Najdroższym ze sprzedanych dzieł jest obraz Alesia Bogdanowa. Kosztowało kupującego ponad 6000 rubli.
W tym roku zaprezentowano 176 autorów – mówi kurator bankowej kolekcji dzieł sztuki Alexander Zimenko . - Opublikowane prace kosztują około miliona dolarów. W porównaniu do roku ubiegłego udało nam się zwiększyć wolumen sprzedaży.
„Komsomolska Prawda” spacerowała po mińskich galeriach, przeglądała strony internetowe, dowiedziała się, za ile można kupić obrazy białoruskich artystów i jak mieszkańcy Mińska wybierają dzieła sztuki.
Mówią, że nie można rozmawiać o trendach, dziś awangarda jest w promocji, gatunek działa lub krajobrazy. Nie, to nieprawda, mówią o preferencjach kupujących w galerii Predmestie w domu U Troitsky. Pierwszym kryterium, którym się kierujemy przy wyborze obrazu jest to, czy pasuje on do wnętrza. Cóż, albo po prostu, że ci się podobało, jak to mówimy, sprawa Jego Królewskiej Mości.
Obrazy bezdomnego homelskiego artysty można kupić w internecie
Na Białorusi nie ma ani jednej strony internetowej, na której artyści mogliby wystawiać swoje obrazy, a kupujący mogliby zapoznać się z ich dziełami. Najliczniejszy pod względem liczby dzieł jest chyba bel-art.by. Oto prace autorów z Białoruskiego Związku Artystów. Można je zobaczyć na żywo w galerii przy ulicy Karola Marksa 4. Znajdują się tu obrazy do wyboru: realizm i abstrakcja, akwarela i oryginalne grafiki drukowane, batik i gobelin, rzeźba i ceramika. Pejzaże miejskie, widoki białoruskiej przyrody, martwe natury, surrealistyczne kompozycje... W dodatku malarstwo nowoczesne i grafiki, sprzedawane są dzieła klasyków sztuki białoruskiej połowy XX wieku. Galeria podaje, że co tydzień pojawiają się tu nowe prace. Większość obrazów z nowości można kupić za niecałe 3000 rubli. Być może jednymi z najbardziej przyjaznych dla budżetu są obrazy Ekateriny Sumarevy - „Ryba cesarza Tan” lub „Naliwka” za 91 rubli oraz „Odbicie” lub „Jezioro” za 144 ruble. Do najdroższych należą dzieła słynnego białoruskiego artysty Aleksandra Kiszczenki. Obraz „Siostry” z 1966 r. kosztuje 5100 rubli, a „Odbicie” z 1962 r. – 6900 rubli.
Jedną z niewielu platform w Internecie, na której można nie tylko obejrzeć, ale i kupić prace, jest artclub.by. Na stronie możesz zobaczyć jak obraz prezentuje się we wnętrzu i zamówić co Ci się podoba. Jedynym minusem jest to, że na stronie reprezentowanych jest tylko 12 autorów – około 120 prac. Koszt - od 130 do 5600 rubli. Sprzedawane są tu także prace bezdomnego homelskiego artysty Walerija Laszkiewicza. Najtańsze jego dzieło można kupić za 210 rubli, a najdroższe za 2600.
I nie potrzebuję 100 arcydzieł, muszę zrobić chociaż jedno dzieło, które zapisałoby historię, problemy moralne i pomogłoby chociaż komuś te problemy zrozumieć. Nie na próżno już żyję, jeśli wykonywałem taką pracę” – cytuje się na stronie homelska artystka.
Obraz Aleksandra Kiszczenki można kupić za prawie 17 tysięcy rubli
Galeria „Mastatstva”, mieszcząca się przy Alei Niepodległości 12, sprzedaje obrazy klasyków XX wieku i współczesnych. Wśród znane nazwiska-Leonid Szczemelew (jego imię nosi galeria na Górnym Mieście) i Aleksander Kiszczenko. Nawiasem mówiąc, dzieła Kiszczenki są tutaj jednymi z najdroższych. Koszt większości z nich zaczyna się od 10 000 rubli. Najbardziej budżetowy obraz autora znany artysta- „Portret A. Obodowskiego” – 6689 rubli. Za najdroższy - „Portret baletnicy I. Kolpakowej” trzeba będzie zapłacić 16 724 rubli. Grafikę można kupić od 117 do 858 rubli. Najdroższa będzie „Noc i dzień” Marii Bonet. Można tu także wybrać rzeźbę. Są to kompozycje wykonane z brązu, kamienia, drewna i innych materiałów, trójwymiarowe przedmioty ceramiczne oraz panele. Galeria ma pewność, że rzeźba z łatwością wpisze się w każde wnętrze mieszkania czy biura. Najtańsza rzeźba będzie kosztować 160 rubli - jest to brązowo-marmurowa „Ropucha” Pavla Leonova, ale za dzieło Olega Varvasheniego proszą nawet o ponad 10 tysięcy rubli.
Można wybrać obraz białoruskiego artysty i – nieoczekiwanie – w centrum handlowe„Centrum Dana”. Niedawno otwarto tu galerię-salon „Art Chaos”. W jasnym pomieszczeniu wisi kilkadziesiąt prac; jest ich znacznie więcej, ale nie są zawieszone. Dlatego lepiej tu przyjechać, jeśli jasno wiesz, jaką pracę chcesz kupić. Spośród znanych nazwisk prezentowane są tu prace Anny Silivonchik, Borysa i Iwana Semiletowów oraz Walerego Shkarubo. Najdroższe są dzieła słynnego rzeźbiarza Aleksandra Shappo - około 14 tysięcy rubli. A spośród obrazów najwięcej trzeba będzie zapłacić za „Martwą naturę z pawiem” Nikołaja Bushchika i „Jesienną wodę” Walerego Shkarubo - zarówno jedno, jak i drugie dzieło kosztują ponad 7000 rubli. To prawda, że ani jeden, ani drugi obraz nie jest prezentowany parkiet handlowy. Najdroższy obraz, który można obejrzeć osobiście, „Wróżenie” Tatyany Grinevich, kosztuje ponad 5 tysięcy rubli.
W galerii sztuki współczesnej „Ў” reprezentowanych jest kilkudziesięciu autorów. Znajdują się tu stale zmieniające się wystawy. Teraz można na przykład zobaczyć prace Michaiła Gulina, ale nie są one na sprzedaż. Można kupić na przykład fotografie jednego ze zwycięzców Salonu Jesiennego Aleksandra Veledimowicza – jedno zdjęcie kosztuje 92 ruble.
Białoruski Związek Artystów liczy ponad tysiąc osób. Na czyją twórczość warto zwrócić uwagę? szczególną uwagę? O wybranie pięciu nowoczesnych poprosiliśmy krytyczkę sztuki Nadieżdę Usową i kuratorkę wystawy Annę Karpenko artyści krajowi które każdy Białorusin powinien wiedzieć.
„Każdy krytyk sztuki ma nie 5, ale 25 ulubionych artystów” – mówi Nadieżda Usowa. Wybierając piątkę, wykluczyła przyjaciół artystów („mam do nich słabość”), a także młodsze pokolenie eksperymentujące z formą.
— Nie podejmuję się tego oceniać, bo – jak mi się wydaje – to wymaga czasu. Pokolenie 30-latków jest zdolne do tworzenia arcydzieł (Theodore Gericault napisał „Tratwę Meduzy” w wieku 28 lat!), a być może powinni je znać ich współcześni. Ale jesienią liczą kury... W tej pierwszej piątce moim zdaniem powinni znaleźć się dojrzali artyści, którzy mają coś do powiedzenia i których prace, moim zdaniem, powinny trafić do muzeów na Białorusi. Dlatego podejście jest wyłącznie subiektywne: zjawisko artystyczne.
Kto? Aleksander Sołowjow, malarz, artysta teatralny
„Patriarcha białoruskiej awangardy” u szczytu sowieckiej stagnacji zwrócił się w stronę abstrakcjonizmu i stworzył niepowtarzalne medytacje kolorystyczne.
Dlaczego? Wyjątkowa osobowość, patriarcha białoruskiej awangardy, prawdziwy fenomen, nie została jeszcze w pełni doceniona, choć otrzymał tytuły honorowe i medal Franciszka Skaryny. Ma 91 lat. Były partyzant, żołnierz pierwszej linii, absolwent Szkoły Muchinskiego, instytutu teatralno-artystycznego w Mińsku.
Aleksander Sołowjow, „Biała harmonia”. Źródło: news.vitebsk.cc 
Aleksander Sołowjow, „Martwa natura”. Źródło: news.vitebsk.cc
W 1965 r. Sołowiew przybył do Witebska, gdzie przez wiele lat pracował jako scenograf, później główny artysta Teatru Jakuba Kolasa. Kiedyś grupa ta wybrała się na tournée do Moskwy, a jej dekoracje, podobnie jak dzieła Lwa Baksta, natychmiast po podniesieniu kurtyny nagrodzono owacjami na stojąco. W latach 70., u szczytu sowieckiej stagnacji, zwrócił się w stronę abstrakcjonizmu i zaczął tworzyć rzeczy uderzające filozoficzną obrazowością i nasyceniem kolorów – oryginalne medytacje kolorów – i wystawiać je. Pod koniec lat 70. słyszałem oczywiście same obelgi i przekleństwa pod moim adresem. Wystawy były zamknięte, a on był zdziwiony: jakiego rodzaju obalenie ideologii odkryto w jego płóciennych przestrzeniach?
Mimo wszystko znalazł odbiorców. I to nie 50 lat po śmierci, jak sądził sam artysta, ale za jego życia. W 2016 roku przekazał Narodowemu Muzeum Sztuki w Mińsku kilkadziesiąt swoich prac, które zostały tam pokazane na wystawie indywidualnej. Myślę, że już niedługo jego prace będą ozdobą i marzeniem każdego muzeum.
Ludmiła Kalmajewa, malarka i graficzka
Dlaczego? Za oryginalność myślenia i niesamowite umiejętności, twórczą różnorodność. Ma niewyczerpaną siłę witalności, oryginalności, niesamowitego wyczucia nowoczesności i naturalnej europejskości. I nie dlatego, że od wielu lat mieszka w Holandii (jej zmarły mąż jest Holendrem). Ludmiła Kalmajewa jest moim zdaniem także fenomenem białoruskiej artystki, swobodnie oddawanej w takiej czy innej formie. Coraz częściej pojawia się i organizuje wystawy w Mińsku.
Malarstwo fantastyczne Ludmiły Kalmaevy. Źródło: kalmaeva.weebly.com 
Grafika: Ludmiła Kalmajewa. Źródło: kalmaeva.weebly.com 
Z cyklu „Mnóstwo do zrobienia”. Źródło: kalmaeva.weebly.com 
Z cyklu „Mnóstwo do zrobienia”. Źródło: kalmaeva.weebly.com
Jej plakaty teatralne z lat 80. stały się klasyką, która wywarła wpływ na plakat białoruski drugiej połowy XX wieku. Wiele z nich weszło do mieszkań inteligencji i studentów, stanowiąc modną i wymowną dekorację wnętrz. Uchwyciła wówczas pewne kody białoruskości i potrafiła je symbolizować w przenośni. Kalmaeva to generator szalonych pomysłów. Jest zawsze ciekawa, nieprzewidywalna, zarówno jako uważna blogerka, jak i analityk, i jako pedagog, i jako portrecistka realistyczna, i jako grafik. Od skandalicznego „serialu toaletowego” – artystycznego przekomarzania się, którego na Białorusi nie odważyli się wystawiać (choć Chińczycy chętnie kupowali), po niesamowite „akty” – cykle aktów. Zwykle przyzwyczajamy się do tego, że artysta od wielu lat pracuje w jednym kierunku, można go rozpoznać po charakterystyce pisma. Przełamuje utarte schematy i zawsze zaskakuje. Ludmiła Kalmajewa ma jasne stanowisko i szczególny pogląd. To sprawia, że się zakochujesz, zaskakuje, zachwyca i budzi szacunek.
Kto? Andriej Worobiow, rzeźbiarz
Dlaczego? Andrey Vorobyov od dawna przyciąga uwagę. Można by pomyśleć, że jest to reinkarnacja jego własnego nauczyciela – Władimira Żbanowa – w środowisku miejskim Mohylewa (rzeźbiarz mieszka w Mohylewie. – przyp. TUT.BY). Ale to absolutnie nie jest prawdą.
Podoba mi się, że jest wynalazcą, marzycielem, patriotą swojego miasta i dba o rodzinny Mohylew. A on jest inny. Z jednej strony potrafi twórczo podejść do zlecenia urzędowego – jest jego autorem słynny pomnik- „Ogórek Szklowski” - i monumentalne „Lwy Mohylewskie” na moście na Dnieprze. Z drugiej strony ma kameralne rzeźby filozoficzne o oryginalnej płynnej plastyczności, które skłaniają do refleksji nad sensami życia.
„Ogórek Szklowski” Zdjęcie: Anżelika Wasilewska, TUT.BY To rzeźbiarz ironiczny, groteskowy, intrygujący. Stara się unikać patosu, choć zdarzają się takie prace. Oglądanie go zawsze jest interesujące. Andrey Vorobyov jest autorem niesamowitych fantasmagorycznych pomysłów i projektów. Na przykład chciałem zbudować tunel w pobliżu muzeum sztuki nazwany na cześć Maslenikowa. Dorosły może wejść do tunelu z jednej strony, ale nie będzie mógł przez niego przejść, ponieważ z drugiej strony wejście do tunelu ma postać ciała dziecka. Konceptualne obiekty Worobiowa pretendują do bycia wizytówką miasta, np formacja artystycznaśrodowisko miejskie, w tym turystyka.
Kto? Wiaczesław Pawłowiec, akwarelista
Posługuje się techniką akwareli, którą „w swej lakoniczności i emocjonalnej spontaniczności można porównać do techniki japońskiej”. Tworzy unikalne białoruskie akwarelowe haiku.
Dlaczego? Kamerton absolutnego gustu i umiejętności we współczesnej białoruskiej akwareli. Udało mu się sformułować Białoruski krajobraz czyniąc z tego zjawisko czysto estetyczne. Wiaczesław Pawłowiec jest osobą bardzo skromną, pracuje jako redaktor artystyczny w czasopiśmie „Mastatstva”. Pod jego rządami magazyn nabrał stylowego europejskiego wyglądu.
Przy takim nakładzie pracy udaje mu się tworzyć pejzaże techniką akwareli zaskakująco białoruską w nastroju i charakterze, porównywalną z japońskimi pod względem lakoniczności i emocjonalnej spontaniczności. To rodzaj białoruskiego haiku. W tych akwarelach możemy usłyszeć melodię naszego kraju od strony, z której nie była ona jeszcze rozważana. Są absolutnie harmonijni i absolutnie białoruscy. Pawłowiec, można powiedzieć, gloryfikował i wyniósł białoruski bezsłoneczny „szary dzień” do rangi poetyckiej metafory. Jego prace dotykają duszy. To, nie boję się powiedzieć, czysta poezja w akwareli.
"Drzewo". Z archiwum Narodowego Muzeum Sztuki Teraz, w przeciwieństwie do Europy, akwarela jest tutaj niepopularna: niewiele osób rozumie i docenia wyrafinowanie tej techniki. Wielu urodzonych grafików zdradza się i zajmuje się malarstwem, na które jest większy popyt na rynku sztuki. Wiaczesław Pawłowiec jest jednym ze strażników tradycji, kilku mistrzów, którzy ją kultywują wysoki poziom Białoruska szkoła akwareli.
Paweł Tatarnikow, ilustrator
„Wyjątkowy talent w dziedzinie europejskiej ilustracji książkowej”, poszukiwany i odnajdywany przez wydawców z całego świata.
Dlaczego? Jeden wygląd książki z jego romantycznymi ilustracjami sprawiają, że chcesz się uczyć Historia Białorusi. Bardzo chciałbym zobaczyć jego ilustracje w podręcznikach do historii Białorusi klasy młodsze. Jest romantykiem, wirtuozem techniki i oczywiście skrupulatnym badaczem.
Te cechy przyniosły mu sławę i prestiżowe nagrody na konkursach książkowych zarówno na Białorusi, jak i na całym świecie: japońscy wydawcy chcieli całkowicie wykupić prawa do ilustracji do książki „Księżniczka w podziemnym królestwie” zaprosił go tajwański wydawca (a białoruski!) do zaprojektowania na podstawie jego ilustracji księgi chińskiego eposu „Niebiański cesarz i dziesięć słońc” przedstawienie kukiełkowe « Królowa Śniegu„w Kopenhadze księża małej włoskiej wioski w Alpach powierzyli mu niezwykłe zlecenie – stworzenie książki poświęconej 1700-leciu wsi. A artysta mieszkał w tej wsi przez kilka dni, słuchał wspomnień, szukał w archiwach, jak kilka wieków temu wyglądał tamtejszy krajobraz i architektura.
"Paranoja." Źródło: tatarnikov.com 
„Czyste ulice”. Źródło: tatarnikov.com 
„Garodnia. 1601". Źródło: tatarnikov.com
Tak naprawdę na świecie nie ma wielu ilustratorów, a Tatarnikow jest jednym z najlepszych. Jest znajdowany i poszukiwany przez wydawców na całym świecie. Teraz może wybrać to, co go interesuje. To wspaniale, że wykłada w Mińsku, jest profesorem nadzwyczajnym Akademii Sztuk Pięknych. Jest od kogo uczyć się umiejętności i przede wszystkim podejścia do pracy.
Kurator wystawy Anna Karpenko ostrzega: jej opinia najprawdopodobniej nie będzie zbieżna z mainstreamem, „ale w kontekście naszych czasów bardzo ważna jest znajomość nazwisk tych artystów”.
Kto?Żanna Gładko
Udało się pokazać, jak osobista trauma ukazuje rozkład władzy zarówno w rodzinie, jak i na poziomie społecznym.
Dlaczego? Zhanna robi duże, poważne projekty. Pracuje z drażliwymi tematami społecznymi i związanymi z płcią. Niestety, nadal nie miała osobistej wystawy na Białorusi.
Uwielbiam jej absolutnie niesamowity projekt, bardzo osobisty, nawiązujący do jej własnej historii relacji z ojcem. Ujawnia ciekawą strategię. Z jednej strony artystka eksponuje bolesne, intymne tematy związane na przykład z epizodem, w którym ojciec zdemontował jej ulubiony fortepian, co było dla Joanny bardzo ważne. Zrozumiałe, że było to dla niej traumatyczne.
Zhanna Gladko, cykl „Nie Alain Delon”, w cyklu autoportrety artysty w postaci Alaina Delona, wystawa zbiorowa QAI/by, galeria sztuki współczesnej „Ў”, Mińsk, 2016 
Zhanna Gladko, cykl autoportretów, wystawa zbiorowa XXY, Galeria Sztuki Współczesnej „Ў”, Mińsk, 2014 
Z drugiej strony poprzez osobiste historie, historię swojej rodziny artystka ukazuje ważne powiązania płciowe na poziomie społecznym: jak rozkładają się w społeczeństwie klasyczne relacje patriarchalne, kiedy ojciec – taka freudowska postać – nie tylko zarządza procesami materialnymi, kontroluje przepływ pieniędzy w rodzinie, ale ma także ważny status symboliczny. Nie ingerując w życie Żanny, poprzez swoje działania pośrednio wpływa na jej światopogląd. To opowieść o tym, jak osobista trauma odsłania rozkład władzy zarówno w rodzinie, jak i na poziomie społecznym.
Kto? Masza Światogor
Dlaczego? Masza pracuje w ciekawej technice fotokolażu. Pracuje zarówno z historią osobistą, jak i archiwami rodzinnymi.
Nie tak dawno temu Masza miała osobistą wystawę w Centralnym Centrum Wystawowym, która nosiła tytuł „Kurasousszczyna - moja miłość”. To doskonały przykład na to, jak jedna z dzielnic Mińska, a nie najbardziej prestiżowa, może stać się obiektem atrakcji estetycznej. Ma także serię zachwycających kolaży, z których tworzy żartobliwy projekt z zakresu historii sztuki. Wykonuje zdjęcia modelki i podmienia jej twarze ze słynnych klasycznych obrazów.
„Portret żony z kwiatami i owocami”, 1838
Chrucki uważany jest za twórcę rosyjskiej martwej natury. Jako siedemnastoletni chłopiec on, syn unickiego księdza, uczeń liceum religijnego, wyjechał samotnie do Petersburga, aby zająć się rysunkiem. I, jak widać, nie na próżno. Chruckiemu udało się tak rozwinąć swój talent, że w XX wieku jego martwe natury znajdowały się w prawie każdym domu. Oczywiście nie oryginały, tylko kopie – większości ludzi nie było stać na prawdziwe obrazy. Ty i ja codziennie obserwujemy twórczość Chruckiego - tysięczny banknot rosyjski ozdobiony jest fragmentem obrazu Chruckiego „Portret żony z kwiatami i owocami”. Najsłynniejszy obraz artysty przedstawia młodą kobietę przy stole wypełnionym koszami owoców, karafką z wodą i bukietem w ceramicznym wazonie.
Projekt artystyczny „Fragmenty Wieży Babel”
Laureat Nagrody Państwowej Białorusi i kierownik Centrum sztuka współczesna Dziś Wiktor Olszewski częściej wystawia za granicą niż na Białorusi. Prace Victora, wyróżniające się głęboką symboliką i figuratywnością, znajdują się w galeriach i kolekcjach prywatnych na Białorusi, we Włoszech, w Niemczech, Izraelu, Polsce, Szwecji, Szwajcarii, USA, Francji, Turcji i innych krajach. A jego słynny projekt „Fragmenty Wieży Babel” w ogóle zdołał objechać pół świata: Nowy Jork, Berlin, Budapeszt, Gdańsk... Projekt składa się z 13 płócien - 13 fragmentów Wieży Babel, na których widoczne są elementy kultur narodów świata: Starożytny Egipt i Chiny, Iran i Kambodża, piramidy Majów i kuranty Kremla, polska Warszawa i białoruski świat.
Marc Chagall (1887-1985) „Nad miastem”, 1914
Chagalla często nazywa się Francuzem, bo po prostu nie można uwierzyć, że taki artysta – awangardowy, innowacyjny, emocjonalny i fantastycznie utalentowany – mógł urodzić się w małym kraju i nie każdy słynna Białoruś. Pochodzący z Witebska dosłownie podbił świat swoimi niezwykłymi pejzażami, portretami i kompozycjami gatunkowymi. Co ciekawe, prawie każde pociągnięcie na płótnie lub papierze Chagalla dotyczy miłości. O miłości do czułej i kochanej żony i muzy Belli. Cechą charakterystyczną artysty są postacie jego i Belli, a czasem także innych osób, które na obrazach latają, ignorując wszelkie prawa grawitacji i fizyki. Jednym z najbardziej znanych dzieł artysty jest „Nad miastem”. Małe domy, pochyłe deski, codzienne sceny... I kochankowie, których lotu nie utrudnia żadna prozaiczna natura życia.
Andriej Smolak (ur. 1954). Projekt „Żywe obrazy”, 2010
Artysta jest znanym mistrzem nie tylko pędzla, ale także szokującego stylu. Ideą jego popularnego projektu „Żywe obrazy”, który rozpoczął się trzy lata temu, jest chęć zjednoczenia sławnych, utalentowanych i zasłużonych Białorusinów poprzez sztukę malarską. Istotą projektu jest to, że politycy i artyści, poeci i biznesmeni, reżyserzy i sportowcy „przymierzają” wizerunki bohaterów twórczości artysty. Na obrazach Smolyaka znalazły się już piosenkarka Larisa Gribaleva i aktorka Vera Polyakova, tenisista Maxim Mirny i biathlonistka Daria Domracheva, Artysta Ludowy Anatolij Jarmołenko i wielu innych. Prace artysty znajdują się dziś w kolekcjach publicznych i prywatnych na Białorusi, a także we Francji, Włoszech, USA, Belgii, Rosji i Holandii.
Kazimierz Malewicz (1879-1935) „Czarny kwadrat”, 1915
Wielki artysta, artysta awangardowy, który zmienił świat i przepowiedział przyszłość budowli architektonicznych, ojciec suprematyzmu, twórca teatru futurystycznego, „artysta-filozof” – tak o Malewiczu można przeczytać w każdym encyklopedia papierowa lub elektroniczna. Jeszcze jednym obowiązkowym dodatkiem do wszystkich regaliów artysty jest autor słynnego „Czarnego kwadratu”. Według samego artysty obraz malował kilka miesięcy. Ktoś żartuje, że artysta po prostu nie zdążył dokończyć obrazu na czas i pokrył go czarną farbą. Jednak znawcy sztuki widzą w obrazie głęboki sens. znaczenie filozoficzne. Następnie Malewicz wykonał kilka kopii „Czarnego kwadratu” (według niektórych źródeł siedem). Malewicz namalował także „Kwadrat Czerwony” w dwóch egzemplarzach i jeden „Kwadrat Biały”.
Chaim Soutine (1893-1943) „Tusza mięsna”, ok. 1923 r.
Jako dziesiąte dziecko w biednej rodzinie żydowskiej z małej białoruskiej wioski Smilowicze, Chaim od dzieciństwa miał nieodpartą chęć rysowania, choć Żydom było to zabronione. Mimo przeszkód stopniowo osiągnął swój cel: najpierw uczył się w prywatnej szkole Jakuba Krugera, następnie przez trzy lata studiował w Wilnie. I wreszcie Paryż! Lata cierpienia, fermentacji, głodu, chorób... Warto było, żeby cały świat mówił o Soutine'u, żeby jego wyraziste, szalone, przypominające huragan obrazy wyceniano na aukcjach w milionach dolarów. Na przykład na niedawnej majowej aukcji Christie's jego obraz „Mały cukiernik” poszedł pod młotek za 18 milionów dolarów. A wśród szczęśliwych posiadaczy jego dzieł znaleźli się Isabella Rossellini, rodzina Chaplin, wydawca Gallimard, potomkowie Chagalla! , Francis Ford Coppola... Lee nie najbardziej słynny obraz Artystę można uznać za ekspresyjną „tuszę mięsną”, ukazaną w latach dwudziestych ubiegłego wieku.
Gdy rozmowa schodzi w stronę znanych białoruskich artystów, rzadko kiedy wykracza poza kilka nazwisk. I nie dlatego, że w naszym kraju nie było więcej utalentowanych artystów, po prostu o sztuce białoruskiej nie mówi się zbyt wiele. Twórcy o międzynarodowej sławie pozostają na bieżąco z trendami, a liderzy sztuki narodowej pozostają w cieniu. Postanowiłam naprawić to niedopatrzenie i opowiedzieć o wspaniałych białoruskich artystach, o których warto wiedzieć.
Iwan Chrucki(1810-1885) - znany z martwych natur i portretów zbiorowych, działał zgodnie z rosyjską szkołą akademicką. Urodzony na obwodzie witebskim w rodzinie księdza greckokatolickiego. Średnie wykształcenie artystyczne zdobył w Połocku. W wieku 17 lat przeprowadził się do Petersburga, gdzie pobierał lekcje u angielskiego malarza George'a Dowa, jednocześnie studiując w Cesarskiej Akademii Sztuk.
Najsłynniejszym obrazem artysty jest „Portret nieznanej kobiety z kwiatami i owocami” (1838), którego fragment przedstawiony jest na banknocie 1000 rubli z 2000 r.
Po śmierci ojca Chrucki został zmuszony do opuszczenia stolicy kulturalnej, bo bez główne wsparcie pozostawił matkę i pięciu młodszych braci i siostry. Artysta zabiera chłopców do Petersburga, gdzie nadal ciężko pracuje, utrzymując się z malowania portretów. A potem wraca do rodzinnego domu i kupuje ziemię pod Połockiem, gdzie buduje dom według swojego projektu i zakłada ogród. Jeśli spojrzysz dalsze wydarzenia w życiu malarza można stwierdzić, że wiele tajemnic jego biografii nigdy nie zostało ujawnionych.
Iwan Chrucki. „Portret chłopca w słomkowym kapeluszu” Leona Baksta(1866-1924) – artysta, scenograf, ilustrator i projektant, jeden z twórców europejskiej mody na egzotykę, członek słynnego stowarzyszenia World of Art. Swego czasu wywołał prawdziwą sensację we Francji. A urodził się w Grodnie, w ortodoksyjnej rodzinie żydowskiej. Po ukończeniu szkoły średniej wyjechał do Petersburga i był studentem-wolontariuszem Akademii Sztuk Pięknych. W czas wolny oświetlony księżycem jako twórca ilustracje książkowe. Potem na Baksta czekał cały łańcuch wydarzeń: wystawy sztuki, życie w Paryżu, komunikacja z ludźmi o podobnych poglądach, nauczanie malarstwa dzieci wielkiego księcia Włodzimierza, małżeństwo z córką słynnego założyciela Galeria Trietiakowska i związane z tym przyjęcie innej wiary, rozwód i powrót do judaizmu...
Leona Baksta. „Starożytny horror” (1908). Jeden z najbardziej słynne obrazy artysta Od 1910 roku Bakst mieszka w Paryżu, gdzie ujawnia swój talent w tworzeniu scenografii teatralnej.
Szkic do baletu Siergieja Diagilewa „Szeherezada” (1910) 
Projekt kostiumu dla Ognistego ptaka do baletu „Ognisty ptak” (1922). Jedna z nielicznych prac artysty powróciła do ojczyzny, Białorusi
Jazep Drozdowicz(1888-1954) – jeden z najbardziej niezwykłych białoruskich mistrzów XX wieku. Urodzony w biednej rodzinie szlacheckiej na farmie Punki w regionie Globokoe. Studiował w Wileńskiej Szkole Rysunkowej u profesora malarstwa Iwana Trutniewa. Służył w wojsku, pracował jako nauczyciel plastyki w stołecznym gimnazjum żeńskim, jako ilustrator aktywnie współpracował z magazynami i gazetami. Pisał dywany, zbierał pieśni ludowe i przetworzone słownictwo do słowników język miejscowy. Opublikował popularną książkę o astronomii „Sky Runs” i napisał serię graficznych obrazów o tematyce kosmicznej.
Yazep Drozdovich „Krajobraz Saturna” (1931) Powyższe fakty uprawniają do twierdzenia, że Jazep Drozdowicz był osobowością wszechstronnie rozwiniętą. Dziś porównuje się go do Konstantina Ciołkowskiego, Mikalojusa Ciurlionisa, a nawet Leonarda da Vinci. Jednak niezwykły i wieloaspektowy talent artysty nie został zrozumiany przez współczesnych. Zmarł w wieku 65 lat w skrajnej biedzie.
Witold Białynicki-Birulia(1872-1957) - pejzażysta koniec XIX- pierwsza połowa XX w., reprezentatywna dla ruchu lirycznego. Pochodzi z obwodu mohylewskiego. Urodzony w rodzinie małego lokatora. Ojciec chłopca pracował w Żegludze Dniepru i często zabierał go na rejsy wzdłuż Dniepru, Prypeci i Soża. Białynicki-Birulia studiował najpierw w Kijowskim Korpusie Kadetów, a następnie przeniósł się do Kijowskiej Szkoły Rysunkowej. Później wszedł Szkoła moskiewska malarstwo, rzeźbę i architekturę. W Moskwie poznał Izaaka Lewitana i pracował w jego warsztacie. Pod wpływem nauczycieli zainteresowałem się krajobrazami.
Witold Białynicki-Birulia. " Zimowy sen„(1911) Artysta stopniowo zdobywał popularność, prezentując swoje obrazy na różnych wystawach, zdobywając wysokie tytuły i nagrody. Mistrz spędził większość swojego życia w małej posiadłości w prowincji Twerskiej zwanej „Czajką”, którą sam odbudował. Białoruski pisarz Wiktor Karamazow napisał opowiadanie „Dachy na ziemi i na niebie”, poświęcone życiu i ścieżka twórcza malarz.
Witold Białynicki-Birulia. " Wczesna wiosna„(1913) Witalij Cwirko (1913—1993) — Malarz białoruski i pedagog, laureat Nagrody Państwowej BSRR. Urodzony na Homlu w rodzinie wiejskich nauczycieli. Do powstania duży wkład wniósł ojciec przyszłego artysty gust artystyczny od syna: na ścianach domu rodziny Tsvirko wisiały reprodukcje dzieł takich rosyjskich artystów, jak Wasilij Perow, Ilja Repin, Iwan Kramskoj. Kiedy przeprowadzili się do Mińska, rysunki Witalija Cwirki zostały zauważone przez nauczycieli szkolnych, którzy zaczęli udzielać mu prywatnych lekcji. Szczególny wpływ na rozwój osobowość twórcza Artystę nawiasem mówiąc zapewnił białoruski pisarz, poeta i dramaturg Kondrat Krapiwa.
Witalij Cwirko. „Zimowy krajobraz” (1976) W 1929 roku przyszły artysta wstąpił do Witebskiej Szkoły Artystycznej, a po ukończeniu studiów mieszkał i pracował w Mińsku. Kolosalny sukces na wystawie w Moskwie prowadzi go do Moskiewskiego Instytutu Sztuki im. Surikowa, gdzie studiuje znani mistrzowie Rosyjski krajobraz. W 1944 Tsvirko wrócił do Mińska i aktywnie zaangażował się w twórczość i nauczanie.
Witalij Cwirko. „Lato indyjskie” (1980) Michaił Sawicki(1922-2010) – postać kultowa w sztuce białoruskiej. Urodzony we wsi Zwieniacze, powiat tołoczyński, obwód witebski. Młodzież przyszłości Artysta Ludowy Białoruś zbiegła się z krwawymi wydarzeniami Wielkiego Wojna Ojczyźniana. W wieku 20 lat brał udział w bitwach o Sewastopol, przeszedł przez kilka obozów koncentracyjnych - wydarzenia te miały ogromny wpływ na światopogląd Savitsky'ego, co później znalazło odzwierciedlenie w jego twórczości. Edukacja artystyczna otrzymał po demobilizacji: ukończył Mińsk szkoła artystyczna w 1951 r., następnie studiował w Moskiewskim Instytucie Sztuki im. V.I. Surikowa. Mieszkał i pracował w Mińsku. Jako pierwszy w kraju został odznaczony Orderem Franciszka Skaryny (w 1997 r.).
Savitsky jest twórcą wyjątkowej serii obrazów „Liczby na sercu” poświęconej więźniom obozów koncentracyjnych. „Klątwa faszyzmu” (1979) – jeden z obrazów z tej serii) 
Michaił Sawicki. „Partyzancka Madonna” (1978). Jeden z słynne dzieła mistrzowie Wiele dzieł Michaiła Sawickiego zyskało światową sławę. W centrum twórczości artysty znajdowały się zarówno historyczne, jak i nowoczesne motywy. Ujawniał je dziennikarsko, ekspresyjnie. W 2012 roku został otwarty w Mińsku Galeria sztuki Michaił Savitsky, z którego wystawą Adukar radzi się zapoznać.
Powielanie materiałów z serwisu możliwe jest wyłącznie za pisemną zgodą redaktora.