Taniec popularny na początku ubiegłego wieku. Jakie są rodzaje tańców? Nazwa rodzajów tańca

11.04.2019

Koniec XIX - początek XX wieku charakteryzował się różnorodnością kulturową i kulturową zjawiska artystyczne, style i kierunki. Ogromny wpływ na sztuka światowa wpływa na kulturę afroamerykańską, przede wszystkim poprzez muzykę i nowości gatunki muzyczne i style takie jak jazz, blues, ragtime. Na podstawie Nowa Muzyka i ruchy afrykańskie, pojawiają się nowe tańce i style tańca - „Shimmy”, „Black Bottom”, „Charleston”, „Two-step”, „cakewalk” itp.

Wszystkie te tańce łączy lekkość, swoboda i, można by rzec, wygłupy. Na podstawie tych tańców pojawiają się następnie nowe style i podtypy tańca. Na przykład pojawienie się niektórych rodzajów profesjonalnego tańca towarzyskiego - foxtrot, jive i Quickstep, jest ściśle powiązane z tańcami cakewalk, dwuetapowymi, shimmy ( Koszulka dziecka) i Czarny dół. Styl tańców z początku XX wieku odnaleźć można w balecie „Złoty Wiek” D. Szostakowicza, w operetce „Bayadera” I. Kalmana oraz w innych przedstawieniach.

Stopniowo taniec jazzowy przybiera formy teatralne, co prowadzi do powstania nowego stylu – jazzu na Broadwayu. Termin Broadway jazz pochodzi od nazwy teatru mieszczącego się przy ulicy o tej samej nazwie w Nowym Jorku. Jazz na Broadwayu występuje przede wszystkim w musicalach, ale można go także zobaczyć w kinie, w różnych przedstawieniach i przedstawieniach dramatycznych.

Choreograf i reżyser Bob Fosse ma ogromny wpływ na rozwój jazzu na Broadwayu. Jego filmy „Cabaret”, „Sweet Charity”, „All That Jazz” itp., a także tańce dla nich, cieszą się dziś dużym powodzeniem. Fabuła filmu muzycznego „Sweet Charity” powstała na podstawie filmu F. Felliniego „Noce Cabirii”. Bob Fosse odkrywa charaktery ludzi z Wyższe sfery, co nie jest typowe świat duchowy- Świat rzeczy i wartości materialnych jest im bliski. Idea ta została przekazana bardzo precyzyjnie ruchy taneczne które ujawniają osobowość bohaterów.

Na początku XX wieku pojawił się także styl secesyjny i taniec wolny. Pierwszą tancerką, która sprzeciwiła się surowym formom baletu klasycznego, była Amerykanka Isadora Duncan. Jej tańce były swobodne, lekkie i zawierały elementy starożytnych greckich póz i gestów. Angielski reżyser Gordon Craig napisał o niej: „Co w niej było innego niż to, nikt nigdy nie będzie w stanie ustalić. Była prekursorką. Cokolwiek zrobiła, wszystko zostało zrobione z wielką łatwością - a przynajmniej tak się wydawało. To właśnie nadawało jej wygląd siły. Wpuściła taniec do naszego świata z niezachwianą pewnością, że tworzy coś wielkiego i prawdziwego.

Taniec swobodny rozwinął się także dzięki amerykańskiej tancerce Ruth St. Denis i jej mężowi, aktorowi i choreografowi Tedowi Shawnowi. Ruth Saint Denis występowała w egzotycznych strojach z luksusowymi dekoracjami, co czyniło jej koncerty bardziej widowiskowymi. Wśród jej przedstawień znalazł się balet „Radha” do muzyki L. Delibesa (1906), w którym wykorzystano motywy indyjskiego tańca świątynnego. Tak mówiła o tańcu: „Postrzegam taniec jako sposób komunikacji duszy z duszą, poprzez ekspresję wszystkiego, co jest bardzo głębokie, bardzo subtelne do przekazania słowami”. W 1915 roku Ruth St. Denis wraz z mężem Tedem Shawnem zorganizowała trupę i szkołę tańca Denishawn w Los Angeles. Szkoła ta wyszkoliła wiele czołowych osobistości tańca współczesnego, w tym Martę Graham, Doris Humphrey i Charlesa Weidmana.

Cechy charakterystyczne taniec i styl nowoczesny to odrzucenie bezpośredniego, klasyczne linie i formy na rzecz bardziej naturalnych, „naturalnych”, a także zainteresowanie wszystkim, co nowe. Styl ten był popularny nie tylko w tańcu, ale także w malarstwie, rzeźbie, architekturze, a nawet w ubiorze i wystroju wnętrz. Cechy secesji odnaleźć można w twórczości G. Klimta, A. Muchy, L. Baksta, A. Benoisa, M. Vrubela i innych. Artyści secesji czerpali inspiracje ze sztuki Japonii, Starożytny Egipt i inne starożytne cywilizacje.

XX wiek to okres rozkwitu rosyjskiego baletu. Balet „Pory roku rosyjskie” Diagilewa wywołał prawdziwą sensację w Paryżu i na całym świecie. To nie był zwykły balet, to było wyjątkowe połączenie choreografii, muzyki, scenografii i umiejętności tancerzy. Anna Pavlova, Tamara Karsavina, Wasław Niżyński, Serge Lifar i inni błyszczeli w trupie „Rosyjskie pory roku” Kreatywność choreografów Michaiła Fokina, Leonida Myasina i innych rozkwitła w trupie „Rosyjskie pory roku”. Innowacyjne kostiumy i scenografię stworzyli artyści Benois, Bakst, Serow, Picasso, a muzykę do baletów napisali Igor Strawiński, Erik Satie, Siergiej Prokofiew, Claude Debussy i inni.

„Rosyjskie pory roku” Picassa. Kostium do baletu „Cocked Corner”

Coco Chanel współpracowała także z trupą Diagilewa - stworzyła kostiumy do baletu „Blue Express”. Były to klasyczne dresy, swetry w paski i podkolanówki oraz tuniki tenisowe. Naturalnie „rosyjskie pory roku” były uosobieniem wszystkiego, co nowe, modne i postępowe, dlatego francuska publiczność oszalała z zachwytu i szoku.

Balet „Blue Express” Portret Diagilewa (artysta V. Serov)

Z Diagilewem współpracował także wybitny choreograf XX wieku George Balanchine. W sezonach rosyjskich wystawiał balety Apollo Musagete do muzyki Igora Strawińskiego i Syn marnotrawny„do muzyki Siergieja Prokofiewa. Obydwa balety odniosły sukces, ale wkrótce George Balanchine opuścił „rosyjskie sezony” i udał się najpierw do Londynu i Kopenhagi, a później do USA. Wraz ze słynnym artystą L. Kersteinem Balanchine tworzy amerykańską szkołę baletową, a następnie grupę zawodową, znaną dziś wszystkim jako New York City Ballet . Tutaj umieszcza swoje słynne balety- „Serenada” do muzyki Czajkowskiego, „Concerto Baroque” do muzyki Koncertu na dwoje skrzypiec Bacha, „Symfonia C-dur” do muzyki. Symfonie Bizeta, „Genialne Allegro” do muzyki. III Koncert fortepianowy Czajkowskiego „Caracol” do muzyki. Mozart, „Odcinki” o muzyce. Webern i inni Balanchine wnieśli ogromny wkład w rozwój tradycji tańca klasycznego w Ameryce. Jego balety to połączenie klasycznej choreografii z nową estetyką póz, układów tanecznych i akcentów muzycznych. Balanchine stworzył nowy styl tańca, „neoklasyczny”, który stał się bliski wielu choreografom - Jerome'owi Robbinsowi, Aleksiejowi Ratmanskiemu, Benjaminowi Millepiedowi i innym.

Balanchine i jego trupa. Zdjęcie: Duane Michels

Na rozwój baletu rosyjskiego (radzieckiego) w XX wieku duży wpływ miał choreograf i reżyser Rostisław Zacharow. Balety Zacharowa to dzieła kompletne dramatyczne, kompetentnie skonstruowane pod względem reżyserskim. Specjalna uwaga zasługuje na balet „Fontanna Bakczysaraja” do muzyki Asafiewa w wykonaniu dwóch legendarnych baletnic - Galiny Ulanowej i Mayi Plisetskiej. Balet kontrastuje autorytet i pasję Zaremy (Plisieckiej) z czułością i duchowym wyrafinowaniem Marii (Ulanovej). Natura dwóch przeciwieństw jest przekazywana nie tylko poprzez gra aktorska, ale także poprzez ruchy i pozy wymyślone przez choreografa, a także poprzez ekscytującą muzykę Asafiewa.

Balet „Fontanna Bakczysaraja”

Galina Ulanova i Maya Plisetskaya

Wielki choreograf Jurij Grigorowicz odcisnął ogromne piętno na historii rosyjskiego baletu. Jego balety „Romeo i Julia”, „Spartakus”, „Legenda miłości” i inne tworzą złoty zbiór spektakli Teatr Bolszoj. Balety Grigorowicza cechuje siła ducha, skala i heroizm, co znajduje odzwierciedlenie w choreografii, scenografii i muzyce. Grigorowicz współpracował z scenografem teatralnym Simonem Virsaladze, który zaprojektował wszystkie jego balety. Grigorowicz większą uwagę poświęca muzyce. Jego balety przekazują nie tylko treść fabuły, ale także treść muzyki. Ściśle współpracował z kompozytorami S. Prokofiewem, A. Melichowem, A. Chaczaturianem, D. Szostkowiczem i innymi. V. Vanslov zauważa niesamowitą jedność muzyki, choreografii i dekoracja balet Grigorowicza: „W przedstawieniach Yu.N. Grigorowicz osiągnął niezwykle organiczną syntezę sztuk. Trudno wymienić inne kreacje sceniczne, w których muzyka, choreografia, sztuki wizualne, choreografia i umiejętności performerskie powstałyby w tak niesamowitej fuzji, jakby wszystko pochodziło z jednego źródła i wylewało się od jednego twórcy, jakby jednym tchem. Pogłębianie syntezy sztuk – plastycznej, scenicznej i każdej innej – to także jeden z trendów kultura artystyczna XX wiek”.

Ekaterina Maksimowa i Władimir Wasiliew, Maris Liepa, Natalya Bessmertnova i inni błyszczeli w baletach Grigorowicza, który stworzył nowe obrazy i nowe postacie w balecie. Pisze o tym V. Vanslov: „W przedstawieniach Grigorowicza nowy typ tancerz-aktor, który w złożonej partii tanecznej potrafi zawrzeć głębokie treści dramatyczne i psychologiczne. To nie wirtuozeria techniczna poza obrazem i nie obraz poza ekspresją taneczną, ale organiczne połączenie kreatywności aktorskiej z rozwiniętym i bogatym tańcem charakteryzuje styl wykonawczy baletów Grigorowicza.

Balet „Spartakus”

Scenografia do baletu „Iwan Groźny”

Balety współczesnego rosyjskiego choreografa Borisa Eifmana wyróżniają się skalą i głębią choreografii. Jego balety, oparte na dziełach Tołstoja, Dostojewskiego, Czechowa i innych, to prawdziwe dzieła sztuki. Balety przepojone są głęboką filozofią, a Eifmana nazywa się „choreografem-filozofem”. Wymyślone przez Eifmana pozy choreograficzne można porównać z obrazami i rzeźbami wielkich artystów, a plastyka ma swój własny, niepowtarzalny styl, łącząc podstawy tańca klasycznego z nowoczesne trendy. Zdolności techniczne tancerze zadziwiają i zachwycają koneserów sztuki baletowej. „Nauczyciel Eifman (a jego zasługi są w tym nie mniejsze niż zasługi choreografa) wychował nowy typ uniwersalnego tancerza, który może wszystko. Tancerze Eifmana unoszą się w powietrzu, jakby pozbawieni grawitacji. Nie znają ograniczeń w kontrolowaniu swojego ciała. Potrafią poradzić sobie z najtrudniejszymi rzeczami akrobatyczne akrobacje i najbardziej niewyobrażalne kroki. W tańcu angażują nie tylko ręce i nogi, ale całe ciało. Baleriny Eifmana są pozbawione kości i eteryczne: w duetach owijają się wokół partnera jak winorośl; odważnie tańczą Charlestona jak prawdziwi tancerze kabaretowi; stoją na pointach i ze spuszczonymi oczami płyną po scenie, jakby nigdy nie tańczyli niczego poza „Jeziorem łabędzim”” – pisze Bella Yezerskaya.

Balet „Czerwona Giselle”. Choreograf B. Eifman, na zdjęciu Vera Arbuzova (fot. Nina Alovert)

Balet „Anna Karenina”

Eifman szczególną uwagę poświęca corps de ballet, jak pisze Bella Yezerskaya: „Eifman stworzył corps de ballet, który jest rzadki pod względem synchroniczności, wyrazistości i precyzji każdego ruchu. Statyści w jego przedstawieniach zyskują albo groteskową ostrość, jak np. w scenie demonstracji rewolucyjnego plebsu w „Czerwonej Giselle”, albo rzeźbiarską wyrazistość, jak w „Requiem” Mozarta, albo klasyczną kompletność, jak u „Czajkowskiego”. ” Zadziwia końcowa scena balet „Anna Karenina”, w którym artyści wiernie przedstawili ruch pociągu za pomocą choreografii, a także wyrafinowanego i wyrafinowanego smaku choreografii, kostiumów i scenografii właściwych baletom Eifmana.

Jeśli chodzi o balet zachodni, to tam o losach sztuki baletowej zadecydowali wybitni choreografowie: Jose Limon, John Cranko, Roland Petit, Maurice Bejart, Jiri Kylian, John Neumeier itd. Wszyscy pozostawili swój niepowtarzalny ślad w historii, docierając do serca publiczności poprzez swoje produkcje i stworzenie własnego, niepowtarzalnego i zapadającego w pamięć stylu tanecznego, stworzonego na bazie klasyki z dodatkiem nowoczesna choreografia.

Szczególną uwagę chciałbym zwrócić na twórczość Jiriego Kyliana. W jego choreografii kryje się lekkość, precyzja póz i układów oraz niesamowita muzykalność. Jak napisał Rudolf Nureyev: „Jest Jiri Kylian, który, powiedziałbym, ma najbardziej „złote” uszy. Zamienia metafory w ruchy: Kilian słyszy muzykę i widzi ruchy.” Często jego prace przepełnione są humorem, psotami i zręcznością ruchu. Widać to w jego produkcjach „Sześć tańców”, „Symfonia w D”, „Urodziny” itp. To wielka zaleta dla choreografa, bo humor jest potrzebny i niezbędny człowiekowi i sztuce. W twórczości jest miejsce zarówno dla baletu dziecięcego „Dziecko i magia”, jak i na powagę dramatyczna praca„Historia żołnierza” do skomplikowanej muzyki Strawińskiego.

Balet „Dziecko i magia”

„Sześć tańców”

Duży wpływ na sztukę tańca wywarły koncepcje postmodernizmu, które pojawiły się w drugiej połowie XX wieku. Za główną i jedyną wartość sztuki postmodernistycznej uważa się nieograniczoną swobodę wypowiedzi artysty, wolność myśli i twórczości. Wszystko to było także charakterystyczne dla sztuki tańca, która uwzględniała podstawowe zasady postmodernizmu. Nie mając żadnych ograniczeń i wyraźnych granic, sztuka postmodernistyczna dała początek wielu stylom i nowym nurtom w sztuce. W przypadku tańców są to taniec współczesny, improwizacja kontaktowa, taniec hip-hopowy, taniec pop, prawo latania itp.

Taniec współczesny kojarzony jest z takimi nazwiskami jak Robert Dunn, Anna Halprin, Simon Forti, David Gordon, Trisha Brown, Steve Paxton, Deborah Hay, Lucinda Childs i Meredith Monk itp. Za początek postmodernizmu w tańcu należy uznać dzieło Judson Church Theatre (Teatr Tańca Judson). W Judson Church Theatre wystąpiła grupa tancerzy eksperymentalnych, która wystąpiła w Nowym Jorku w Judson Memorial Church w Greenwich Village, w galerie sztuki, muzea od 1962 roku

Nowe eksperymenty taneczne opierały się na zasadach improwizacji i współczesnej choreografii; duży wpływ na nich wywarł kompozytor John Cage i choreograf Merce Cunningham. John Cage interesował się buddyzmem zen i bronił zasady przypadku w procesie twórczym.

Tej samej zasady bronił Merce Cunningham, wierząc, że przy komponowaniu kompozycji pozwala to na pozbycie się fabuły i stereotypowych rozwiązań (choć naszym zdaniem brak fabuły w choreografii jest przeoczeniem). Ale w tańcu współczesnym często ważny jest proces tworzenia tańca, a nie wynik .

Z Judson Theatre współpracował także artysta konceptualny Robert Morris: „Spotkaliśmy się z mała grupa tancerze, malarze, muzycy i poeci w niedzielne wieczory i eksperymentowali w studiu z dźwiękiem, światłem, językiem i ruchem. To był mój pierwszy kontakt z badaniami związanymi z tańcem. Kiedy w 1961 roku przeprowadziłem się do Nowego Jorku, te działania były jeszcze świeże w mojej pamięci, więc zwróciło się do mnie Judson Open Meeting – choć nie pamiętam dokładnie, jak się z nimi związałem” (R. Morris).

Robert Morris, Lucinda Childs, Steve Paxton, Yvonne Rainer, Deborah High, Tony Holder, Sally Gross, Robert Rauschenberg, Judith Dunn i Joseph Schlichter.

Powstawały kolejne podobne grupy, wyznające podobne zasady, jak Grand Union, Living Theatre, Open Theatre itp. Stowarzyszenia te również broniły idei przypadku, a często sam proces tworzenia tańców był ważniejszy niż wynik. Jednym z członków grupy był Steve Paxton, twórca stylu contact improwizacji, którego idea polega na spontanicznym kontakcie ciał ludzi.

Steve'a Paxtona

Jeśli chodzi o taniec hip-hopowy, narodził się on pod koniec lat 60. w afroamerykańskich dzielnicach Nowego Jorku znajdujących się w niekorzystnej sytuacji. Początkowo kultura i taniec hip-hopowy skupiały się na imprezach i relaksie (porasowana muzyka jamajskich DJ-ów i recytatyw), później kultura hip-hopowa została przesiąknięta agresywnie wyzywającymi tekstami społecznego rapu, odzwierciedlającymi trudną rzeczywistość ( gangsta rap z lat 90.) i stopniowo przedostała się do mas, wchodząc do show-biznesu. Odpowiednio taniec hip-hopowy dzieli się na oldschoolowy (oldschoolowy hip-hop) i nowy styl ( Nowa szkoła). Stara szkoła obejmuje popping, lock, breakdance, a nowa szkoła reprezentuje bardziej komercyjny hip hop z dodatkiem różnych stylów choreograficznych - taniec jazzowy, taniec współczesny, taniec pop itp. Hip-hop charakteryzuje się swobodą, rytmem, i kierunku ruchów w ziemię, a także rozluźnienia kolan i kołysania ciała, tzw. taniec hip-hopowy jest obecnie bardzo popularny i można go zobaczyć wszędzie - w różnych przedstawieniach, teledyskach, występy itp. Oparty na skomplikowanych akrobacjach i akrobacjach, jest dość trudny do wykonania. Teraz najlepszymi tancerzami hip-hopu jest duet taneczny Les Twins, można też wymienić francuskiego tancerza Dedsona i Amerykańska piosenkarka Chris Brown.

Oldschoolowy hip-hop

Kultura tańca XX i początku XXI wieku jest niezwykle bogata i różnorodna. Pod wpływem nowych nurtów muzycznych i nowych nurtów w sztuce taniec i choreografia wzbogacały się o nowe style i nurty. Na przestrzeni stulecia zmieniło się postrzeganie, wizja i podejście do tańca i choreografii. Nadal żyje, rozwija się i taniec klasyczny, wzbogacony nowoczesnymi ruchami, zachowujący styl klasyczny i fundament położony przez wieki historii. I jest to słuszne, ponieważ możliwe i konieczne jest nadążanie za duchem czasu, nie zapominając o swojej przeszłości.

Wniosek:

Sztuka choreografii jest różnorodna i niepowtarzalna. Choreografia przekazuje nam treść i pewne znaczenie, jakie tancerz czy choreograf nadawał poprzez tajemniczy i enigmatyczny język ludzkiego ciała. Jak powiedziała Martha Graham: „Taniec jest tajemnym językiem duszy”, a „ciało mówi to, czego nie mogą wyrazić słowa”.

W trakcie badań prześledziliśmy, jak taniec zmieniał się na przestrzeni wieków, jakie nabył cechy i jaką rolę odgrywał w życiu ludzi. Każdy okres w historii pozostawił swój niepowtarzalny i niepowtarzalny ślad w sztuce tańca. Taniec od zawsze jednoczył ludzi, służył jako sposób komunikacji między ludźmi, a także środek wyrażania siebie i odnowienia energii. Choreografka Alla Rubina mówi o tym: „Taniec to wyrażanie siebie. Oznacza to, że poprzez taniec człowiek wyraża siebie, swoje myśli, swoje życie i rozumienie życia. To wiedza o pięknie, samopoznanie, które występuje zarówno u tańczących, jak i u tych, którzy patrzą... Tańcząc, gromadzisz energię i odnawiasz się. Każdy ruch jest odnowieniem pola energetycznego. Jest to funkcja czysto medyczna…”

Bez scenografii, kostiumów i muzyki spektakl taneczny nie jest możliwy lub bardzo ubogi. Na przestrzeni dziejów taniec, a później balet, był ściśle kojarzony z muzyką i sztukami wizualnymi. J. J. Nover zidentyfikował istotne elementy spektaklu baletowego: „Scena jest, że tak powiem, płótnem, na którym choreograf utrwala swoje myśli; poprzez odpowiedni dobór muzyki, scenografii i kostiumów nadaje obrazowi koloryt, gdyż choreografem jest ten sam malarz.” O związkach muzyki i tańca pisze także V. Vanslov: „Pojawienie się tańca nie byłoby możliwe, gdyby muzyka nie pomogła sztukom plastycznym. Zwiększa wyrazistość plastyczności tańca i nadaje mu emocjonalną i rytmiczną podstawę. Wszystko to wskazuje, że choreografia jest syntetyczną formą sztuki, łączącą w sobie kilka rodzajów sztuk.

Sztuka tańca stale się wzbogaca i posuwa do przodu, wchłaniając wszystkie podstawowe nastroje społeczne, a także odzwierciedlając ważne wydarzenia historyczne, życie społeczno-kulturalne i polityczne. Ciekawie było dla mnie śledzić proces rozwoju tańca, rozszyfrowywać jego znaczenie i znaczenie na przestrzeni dziejów.

Lista wykorzystanej literatury:

1. Thino Arbaud „O tańcu i muzyce”

2. V. Vanslov „O muzyce i balecie”

3. Yu Bakhrushin „Historia baletu rosyjskiego”

4. Vera Krasovskaya „Historia baletu zachodniego”

5. S. Chudekov „Historia tańca”

6. Taniec „Modern” http://www.ortodance.ru/dance/style_modern1

7. V. Vanslov „Balety Grigorowicza i problemy choreografii” http://bolshoi-theatr.com/articles/596/part-2/

8. Hip-hop http://vsip.mgopu.ru/data/2401.htm

9. Lucian „Traktat o tańcu”

10. Encyklopedia baletu http://www.krugosvet.ru/

Wiek XX to czas ewolucji i postępu. Okres ten można porównać do ogromnego skoku w sferze naukowo-technologicznej. Ale postęp dotknął nie tylko naukę i technologię, ale także cywilizację w ogóle. Tak szybki i dynamiczny rozwój społeczeństwa nastąpił nawet pomimo dwóch wojen światowych i wielu innych wydarzeń, które przyniosły całkowite zniszczenie. Jednak ludzkie pragnienie doskonałości i samorozwoju przyczyniło się do niesamowitej ewolucji człowieka jako części społeczeństwa kulturowego. Taniec był jednym z najpotężniejszych narzędzi samorealizacji i samodoskonalenia. Wnieśli radość, poczucie szczęścia i harmonii w życie ludzi XX wieku, kiedy postęp naukowy i technologiczny niemal całkowicie wyparł duchowość i zastąpił ją pragmatyzmem. Z powodu braku „pięknego” w tym okresie kultura tańca po prostu „eksploduje” i pojawia się kolosalna liczba nowych typów i stylów choreografii.

Taniec „kalejdoskop” XX wieku

Z różnorodnego i pstrokatego „kalejdoskopu” stylów tanecznych XX wieku można wyróżnić takie jak rumba, hip-hop, lambada, taniec współczesny i wiele innych. Taka różnorodność tańców udowadnia, że XX wiek to skok nie tylko w sferze nauki i technologii, ale także ogromny krok naprzód w kulturze, sztuce i rozwoju całego społeczeństwa.

Salsa jest jedną z najbardziej popularne typy taniec XX wieku. Ten taniec latynoamerykański powstał na Kubie w latach dwudziestych XX wieku i od tego czasu jest najpopularniejszą kompozycją choreograficzną. Salsa zdobyła światową miłość dzięki swojemu niesamowitemu ognistemu, pełnemu wdzięku i niesamowitemu rytmowi. Ten taniec może sprawić, że będziesz cieszyć się życiem i widzieć świat tylko w żywe kolory. Salsa ma kilka kierunków: cha-cha-cha, rumba, bocacha, mambo i inne.

Salsa

Tango jest niezwykle piękne i namiętny taniec z argentyńskimi korzeniami. Od momentu powstania, czyli w XIX wieku, stało się najpopularniejszą i najbardziej lubianą produkcją choreograficzną w całej Argentynie, Londynie, Paryżu, Nowym Jorku itp. Taniec ten wkrótce „rozświetlił” całą Europę, Amerykę i cały świat. Tango w XX wieku było wręcz swego rodzaju kultem – powstawały całe zespoły, dedykowane mu imprezy i kompozycje muzyczne pisane specjalnie do tanga.

Tango

Kolejnym niezwykle popularnym i wyjątkowym tańcem XX wieku jest rock and roll. Ten występ choreograficzny dokonał prawdziwej rewolucji w kulturze, sztuce i życiu społecznym. Rock and roll pojawił się w latach 50. w Ameryce. Jego początki rozpoczęły się przede wszystkim od muzyki, która dała impuls do powstania tego rodzaju tańca. Rock and roll podbił serca młodych ludzi na całym świecie swoim zapałem, „iskrą” i niesamowitą dynamiką. Taniec ten charakteryzuje się bardzo złożonymi podniesieniami, skokami, rzutami i pewną nieostrożnością partnera wobec partnera. Hasło rock and rolla brzmiało jak „sex, drugs and rock-n-roll”, dlatego też ze względu na nadmierną szczerość, a nawet wulgarność, ten rodzaj tańca uznano za niemoralny i zakazany. Ale to nie przeszkodziło mu pozostać niezwykle popularnym w latach dwudziestych, a nawet w naszych czasach.

Na początku XX wieku, jeszcze przed wybuchem I wojny światowej, w rozwoju tańca można było dostrzec dwa wyraźne nurty. Bogate społeczeństwa Europy i Ameryki, jakby w jakiś sposób zdały sobie sprawę z nadchodzącej katastrofy, oddawały się rozrywkom, do których jedną z głównych była m.in. szybki taniec jak walce i galopy. W tym samym czasie podejmowano próby wskrzeszenia takich tańców średniowiecznych, jak menuet, gawot i pawan, choć wyszło to raczej słabo. Jednak prawie nigdy nie było tak gorączkowego poszukiwania nowych form, tak radykalnej zmiany znaczeń, które wcześniej były uważane za oczywiste, takiej pasji wśród młodzieży wszystkich krajów do indywidualnej ekspresji i bardziej dynamicznego stylu życia. Szybka kumulacja odkryć fizycznych i fizycznych wywarła głęboki wpływ na całą sztukę nauki społeczne, a także rosnącą świadomość problemów społecznych.

Ogólnie rzecz biorąc, był to niezwykle ekscytujący czas dla rozwoju tańca: nigdy wcześniej nie zrodziło się tak wiele nowych pomysłów i tak wielu ludzi nie przyciągnęło do tańca. Balet został całkowicie przebudowany pod kierunkiem rosyjskiego impresario Siergieja Diagilewa (1872-1929). Balet zainspirował niektórych z najbardziej wybitni kompozytorzy i artystów tamtych czasów, stając się główną bazą dla większości dzieł sztuki tańca. Zwolennicy kolejnego ruchu reformującego taniec nowoczesny, wzorowanego na tańcach amerykańskiej baletnicy Isadory Duncan, zaczęli próbować odchodzić od konwencji obowiązujących w okresie baletu romantycznego.

Ten nowy ruch szczególnie energicznie rozwinął się w Niemczech, gdzie jego formy ekspresjonistyczne nazwano Ausdruckstanz („taniec ekspresjonistyczny”). Taniec towarzyski został znacznie zmieniony poprzez dodanie świeżych wpływów z Ameryki Południowej, kreolskiej i Kultury afrykańskie. Po silny wzrost popularność afroamerykańskiego jazzu, całego ducha i stylu taniec towarzyski zmieniły się radykalnie i w kolejnych dekadach stały się znacznie bardziej swobodne, spokojne i „intymne”.

Odnowiło się także zainteresowanie tańcami ludowymi, które były wyrazem siebie zwykli ludzie w minionych wiekach. Częściowo ułatwiły to specjalne towarzystwa tańca ludowego, a także różne ruchy młodzieżowe, które dostrzegły, że tańce te mogą pomóc w kształtowaniu nowych uczuć społecznych. Tańce teatralne wszystkich typów, które powstały na bazie stylizowanych wielowiekowych tańców Wschodu, osiągnęły nowy szczyt popularności.

W latach trzydziestych i czterdziestych XIX wieku ruch romantyczny doprowadził do tego, że scena baletowa została opanowana przez duchy natury, wróżki i sylfy. Kult baletnicy zastąpił kult tancerza, którego ostatnim i największym przedstawicielem była tancerka francuska Włoskie pochodzenie Gaetin Vestris (1729–1808). Techniki tańca kobiet uległy znacznej poprawie. Długość spódnicy jeszcze bardziej skrócono i wprowadzono baletki, które umożliwiały taniec na palcach. Choreografowie w dalszym ciągu dążyli do bardziej wyrazistych ruchów i podkreślania indywidualnych cech swoich tancerzy.

Balet Sylfida (1836) doskonale ukazał główny temat baletu romantycznego – walkę pomiędzy prawdziwy świat i świat duchowy. Temat ten został rozwinięty w Giselle (1841) i Ondine (1843). W tym czasie Paryż i Londyn były kreatorami smaku i to właśnie w Londynie w 1845 roku odbyła się premiera „Pas de quatre” – przedstawienia badetowego, do wykonania w 4 aktach, do którego francuski choreograf Jules Perrault zaprosił czterech największe baletnice tamtych czasów: Marie Taglioni (1804–84), Carlotta Grisi (1819–99), Fanny Cerrito (1817–1909) i Lucile Gran (1819–1907).

Po tym balet romantyczny szybko podupadł, przynajmniej w tych miastach. Jednak w Kopenhadze na początku lat 60. XIX wieku nadal kwitł za sprawą choreografa Auguste'a Bournonville'a, którego repertuar został przyjęty przez Królewski Balet Duński w drugiej połowie XX wieku. W ówczesnej Rosji, za sprawą urodzonego we Francji choreografa Mariusa Petipy (1819–1910) i jego rosyjskiego asystenta Lwa Iwanowa (1834–1901), udało się stworzyć własną, słynną na całym świecie kulturę baletową. Początkowo rosyjskie tradycje teatralne były ściśle związane z Paryżem, stopniowo jednak rozwinęła się ich własna kultura baletowa. Najlepsza godzina klasyczny balet w carskiej Rosji został osiągnięty w przedstawieniach petersburskich, takich jak Śpiąca królewna (1890), Dziadek do orzechów (1892) i jezioro łabędzie„(1895), do którego muzykę skomponował Piotr Iljicz Czajkowski, a także „Rajmondę” (1898) Aleksandra Głazunowa (1865–1936). Podczas gdy balet rozkwitł w Petersburgu i Moskwie, w Paryżu podupadł. Baleriny zaczęły pojawiać się nawet w role męskie, np. w „Coppelii” (1870).
W XIX wieku nastąpił także bezprecedensowy wzrost liczby podróży i wpływów międzykulturowych. Dzięki temu na scenie zachodniej pojawiło się wiele „egzotycznych” stylów tańca. Na wystawy w Paryżu przyjechały zespoły z Indii i Japonii, które wzbudziły duże zainteresowanie tańcami ludowymi i etnicznymi. Baleriny z Baletu Romantycznego koncertowały po całym mieście Miasta europejskie: z Mediolanu i Londynu do Moskwy. Na początku lat czterdziestych XIX wieku austriacka tancerka Fanny Elssler odbyła dwuletnie tournée po Ameryce Północnej i Południowej. Wielcy choreografowie podróżowali także do wszystkich miast. Język tańca stał się realnym sposobem komunikacji międzynarodowej, ponieważ nie był zależny od kraju i języka, w którym się mówi.

Taniec w USA w XIX wieku

W XIX wieku w Europie ogromną popularność zyskały także inne rozrywki taneczne, „lżejsze” od baletu klasycznego. W Paryżu kankan damski stał się szczytem mody. Jego szalona energia, zapał i flirtowanie aż do faulu stały się dla publiczności prawdziwym objawieniem. Po 1844 roku taniec ten stał się elementem scen muzycznych, rewii i operetek. Gatunek ten został opracowany przez kompozytora operetek Jacquesa Offenbacha (1819–80), a obrazowo przedstawiony przez malarza Henriego de Toulouse-Lautreca (1864–1901).

W tym czasie w Londynie rozkwitły Alhambra i Balety Imperialne, w których wystawiano głównie balet klasyczny różne tematy. Ale najszerszą różnorodność tańców zapewniła Ameryka, gdzie po wojnie, na tle patriotycznej fali po wojnie o niepodległość, zaczęły masowo pojawiać się różne tańce na temat wolności, a także odradzające się tańce z epoki kolonizacji Ameryki.
Osobno należy zauważyć, że pokazy minstreli, ekstrawagancje, burleski i wodewile stały się popularne w Ameryce w XIX i XX wieku. Reprezentowali fuzję szerokiego asortymentu wpływów tanecznych i teatralnych, zwłaszcza zaczerpniętych z kultury czarnej. Biali ludzie zaczęli tańczyć „czarne tańce”, malując twarze na czarno, a ciemnoskórzy mężczyźni wybielali twarze i tańczyli białe tańce. W produkcje teatralne Zaczęły pojawiać się wszelkiego rodzaju tańce, od baletów sprowadzonych z Europy po całkowicie autentyczne tańce kobiece miejscowych Indian, ocierające się o striptiz. Amerykańscy tancerze zaczęli cieszyć się dobrą opinią zarówno w Ameryce, jak i Europie. Balerina Augusta Maywood (1825–1876) była pierwszą amerykańską tancerką, która wystąpiła w Operze Paryskiej.

W XIX wieku w szybko rozwijających się miastach zachodniej części Stanów Zjednoczonych nastąpił także ogromny wzrost liczby publicznych sal tanecznych i innych obiektów związanych z tańcem. Tutaj zaczęto odradzać wiejskie tańce rdzennych Amerykanów, bardzo szybki dwuetapowy taniec wykonywany do marszów i cakewalk. Po raz pierwszy Europa znalazła w Nowym Świecie coś nowego, z czego mogła się uczyć dla swojej sceny tanecznej. Również w tym czasie tempo tańców znacznie przyspieszyło, być może odzwierciedlając przyspieszające tempo życia i wielkości zmiana społeczna wiek.

Tańce początku XX wieku

Na początku XX wieku, jeszcze przed wybuchem I wojny światowej, w rozwoju tańca można było dostrzec dwa wyraźne nurty. Bogate społeczeństwa Europy i Ameryki, jakby w jakiś sposób zdały sobie sprawę z nadchodzącej katastrofy, oddawały się rozrywkom, a jedną z głównych były szybkie tańce, takie jak walce i galopy. W tym samym czasie podejmowano próby wskrzeszenia takich tańców średniowiecznych, jak menuet, gawot i pawan, choć wyszło to raczej słabo. Jednak prawie nigdy nie było tak gorączkowego poszukiwania nowych form, tak radykalnej zmiany znaczeń, które wcześniej były uważane za oczywiste, takiej pasji wśród młodzieży wszystkich krajów do indywidualnej ekspresji i bardziej dynamicznego stylu życia. Na całą sztukę duży wpływ miała szybka kumulacja odkryć w naukach fizycznych i społecznych, a także rosnąca świadomość problemów społecznych.

Ogólnie rzecz biorąc, był to niezwykle ekscytujący czas dla rozwoju tańca: nigdy wcześniej nie zrodziło się tak wiele nowych pomysłów i tak wielu ludzi nie przyciągnęło do tańca. Balet został całkowicie odnowiony pod kierunkiem rosyjskiego impresario Siergieja Diagilewa (1872-1929). Balet zainspirował niektórych z najwybitniejszych kompozytorów i artystów tamtych czasów, stając się podstawą większości prac w sztuce tańca. Zwolennicy kolejnego ruchu reformującego taniec nowoczesny, wzorowanego na tańcach amerykańskiej baletnicy Isadory Duncan, zaczęli próbować odchodzić od konwencji obowiązujących w okresie baletu romantycznego.

Ten nowy ruch szczególnie energicznie rozwinął się w Niemczech, gdzie jego formy ekspresjonistyczne nazwano Ausdruckstanz („taniec ekspresjonistyczny”). Taniec towarzyski uległ znacznym zmianom poprzez dodanie świeżych wpływów z kultur Ameryki Południowej, kreolskiej i afrykańskiej. Wraz z silnym wzrostem popularności afroamerykańskiego jazzu, cały duch i styl tańca towarzyskiego zmienił się radykalnie i w kolejnych dziesięcioleciach stał się on znacznie bardziej swobodny, zrelaksowany i „intymny”.

Odnowiło się także zainteresowanie tańcami ludowymi, które w minionych wiekach były sposobem wyrażania siebie zwykłych ludzi. Częściowo ułatwiły to specjalne towarzystwa tańca ludowego, a także różne ruchy młodzieżowe, które dostrzegły, że tańce te mogą pomóc w kształtowaniu nowych uczuć społecznych. Tańce teatralne wszystkich typów, które powstały na bazie stylizowanych wielowiekowych tańców Wschodu, osiągnęły nowy szczyt popularności.

W latach 20. XX wieku szczególną popularność zyskał taniec Charleston. Uważa się, żeCzarleston(Charleston) ma afroamerykańskie korzenie i pochodzi z miasta Charleston (Karolina Południowa).Czy tak jest, nie wiadomo na pewno. Rytm tego tańca był tak ognisty, że cały świat zaczął tańczyć Charlestona. Taniec nie od razu się przyjął, wiele jego ruchów uznano nawet za nieprzyzwoite, jednak z czasem zyskał ogromną popularność, bo w 1926 roku. reżyser Ernest Lubitsch, który nakręcił film „This is Paris”, umieścił w nim wspaniały numer – „Ball in Masquerade”, podczas którego 2500 uczestników tańczyło Charleston.

W latach 30 Na kontynencie amerykańskim i w Europie pojawia się fala nowych tańców. Jeden z nich -Lindy Hop(Lindy Hop). Ten taniec towarzyski ze skokami otrzymał swoją nazwę na cześć słynnego pilota Lindbergha, który jako pierwszy przeleciał przez Atlantyk. Pod wpływem jazzu Lindy Hop stopniowo zmienił się w swing, a początkiem były pełne temperamentu czarne melodieBoogie Woogie. W Ameryce taniec ten nazywano częściejpanikarz(Jitterbag) na Wyspach Brytyjskich -jive. Teraz znamy ten taniec jakorock'n'roll.Sam jitterbug, łączący ruchy Lindy Hop i Charleston, dał początek dyskotece jako stylowi tańca.

Na początku lat 50. na świecie wybuchła gorączka rock and rolla.^ W 1954 r Na europejskich ekranach pokazywane były filmy „Rock Around the Clock” i „Seed of Violence” z udziałem Billa Haleya, co przyczyniło się do wzrostu popularności tańca. Na początku lat 60. pierwsza fala rock and rolla wygasła. Nadszedł czasskręt, szyja, ugryzieniei inne tańce. Powrót tańca rozpoczął się w 1968 roku i wiązał się z twórczością Beatlesów. Od 1974 do 1975 roku rock and roll uznawany jest za jeden z modnych tańców i obecnie nazywany jest nowoczesnym tańcem sportowym.

W latach 70 zyskuje popularnośćtaniec dyskotekowy. Pojawienie się instrumentów elektronicznych nie mogło nie wpłynąć na charakter muzyki i sposób jej wykonania.. Prawdziwy boom na dyskotekę spowodował film wydany w 1977 roku. film „Gorączka sobotniej nocy”. John Travolta tańczy w nim dyskotekę ze wszystkimi elementami charakterystycznymi dla tamtych czasów. W filmie „Chwała” z lat 80. tysiąc pięćset osób tańczyło dyskotekę na ulicy. W naszym kraju dużą popularność stylu disco ułatwiły występy baletu telewizyjnego NRD „Pałac Friedrichstadt”.Obecnie ruchy disco są używane przez prawie wszystkich wykonawców muzyki pop i tańca współczesnego.

Im bogatsza i bardziej różnorodna stawała się muzyka wraz z pojawieniem się nowych instrumentów elektromuzycznych, tym bardziej pojawiały się różne trendy muzyczne, a wraz z nimi różne style taniec.

Pod koniec lat 80. i na początku 90., wraz z pojawieniem się wideo, popularne stały się pewne style. Twórczość Michaela Jacksona, znanego wówczas jako króla muzyki pop i króla tańca, dała początek nowemu rodzajowi wykonań - „a la Jackson”. Jego najsłynniejsze teledyski z albumów „Thriller”, „Bad” wykorzystywały ruchy disco, break, hip-hop.

Popularność Tańce latynoamerykańskie urodziła takie masowe tańce Jaklambada I Macarena. Zapalające melodie o charakterystycznym sposobie wykonania dały początek pewnemu zestawowi ruchów, które stały się bardzo popularnymi tańcami – Lambadą i Macareną.

^ Przerwa (Przerwa taniec) I Hip hop (Biodro- chmiel) style. Taniec bardzo podobny do łamania znany był już w czasach niewoli. W Nowym Orleanie nazywali to tańcem kwadratowym Kongo. Nazwę tę otrzymał od nazwy placu – placu Kongo, na którym niegdyś gromadzili się niewolnicy. Tam nie tylko porozumiewali się i relaksowali, ale także rywalizowali w sztuce tańca. Byli niewolnicy różne narodowości: Afrykanie, mieszkańcy Ameryki Łacińskiej itp. Podział na „zespoły” ze względu na pochodzenie etniczne nadał konkurencji szczególną pilność. Elementy akrobatyki w tańcu występują u wielu narodów. Przerwa zawiera elementy tańców afrykańskich, fragmenty brazylijskiego sztuki walki niewolnicy - „capoeira” i wiele więcej.

Historia samego przełomu rozpoczęła się w 1962 roku. w południowym Bronksie. Za założyciela uważa się DJ Cool Herk. Do Bronxu przyjechał z Jamajki i przywiózł ze sobą najlepsze tradycje Kingston taniec uliczny. Wymyślił to już w 1969 r. termin „B-Whoa” pochodzi od skrótu „break boy”, co oznacza „facet, breakdance" Z tłumu tancerzy na scenę wyszli najlepsi z najlepszych tancerzy i pokazali swoje umiejętności. Tak zwane „walki na przerwę”.

Mniej więcej w tym samym czasie, w 1969 r. DJ Africa Bambaata ukuł termin „hip-hop” jako określenie całej kultury Młodsza generacja. Obejmował nie tylko taniec, ale także sztukę czytania tekstu do muzyki (rap) i graffiti (malowanie ścian farbą w sprayu).

Pod koniec lat 60. łamanie istniało w postaci dwóch style taneczne: styl akrobatyczny Nowego Jorku (na dole lub przerywany) i styl pantomimy z Los Angeles (na górze lub „elektryczne boogie”). Wraz ze zmianami trendów muzycznych techniki breakdance zmieniają się i stają się bardziej złożone.. W latach 80 Wychodzą filmy o breaku i hip-hopie: „Dziki Styl», « Styl Wojny», « Pokonać ulica», « Graffiti Głaz" Rok później San Francisco Ballet Theatre otworzył sezon galowym koncertem 46 łamaczy. Setki breakersów tańczyło podczas ceremonii zamknięcia Igrzysk Olimpijskich w Los Angeles.

Breaking przybył do Rosji pod koniec lat 80. - filmy „Jak zostać gwiazdą”, „Kurier” itp. Festiwale breakdance odbywały się w Soczi, w regionie moskiewskim itp. Potem moda na łamanie opadła. W latach 1995 - 1997 Breaking znów stał się modny: bardziej energiczny, pełen elementów akrobatycznych i mocy, szybkich chodów i skoków. Zaczęły pojawiać się międzynarodowe bitwy - zawody drużynowe.

Najlepszy technik (Gorący szczyt- techno) przetłumaczone z angielskiego slangu, jest to technika gorącego ruchu. Styl pojawił się w latach 70. i wczesnych 80. Powstał pod wpływem współczesnego jazzu i innych szkół. Jest styl uliczny dance, zawiera elementy disco, flash, street jazzu. (Bonnie M, Afrique Simon, Milli Vanilli itp.)
Jeśli przyjrzysz się bliżej współczesnym stylom i technikom tancerzy, z łatwością dostrzeżesz w nich ruchy, które mają odpowiedniki w tańcu ludowym. Każdy styl w trakcie swojego powstawania wchłaniał specyfikę charakterystyczną dla środowiska narodowego lub narodowości wykonawcy.

Nie można powiedzieć, że wszystkie style taneczne są już w pełni ukształtowane. Każdy wykonawca, choreograf, reżyser cały czas coś do nich wnosi. Popularność tańca zapewniają występy dużej liczby grup i indywidualnych tancerzy. Tancerze profesjonalni i uliczni mieli ogromny wpływ na ukształtowanie się wielu stylów. Taniec nowoczesny- To nie tylko taniec modny, ale także taniec uliczny.

Taniec nowoczesny jest synonimem wyrażenia - „ popularny taniec„, „taniec popowy”. Taniec współczesny może być popowy, ale taniec popowy nie zawsze jest nowoczesny.

Termin „taniec pop” jest wytworem świeckiej historii sztuki i odzwierciedla przede wszystkim miejsce, do którego wkracza wykonawca. To nie jest scena teatralna, ale miejsce występów rozrywkowych lub hala koncertowa. W pojęciu „taniec popowy” mieszczą się także stylizacje tańców ludowych, Sport taneczny, półklasyczny, tańce w stylach choreografii codziennej, step, obecnie na scenie możemy zobaczyć całkiem sporo przedstawień wykonywanych przy użyciu środków tańca jazzowego czy tańca współczesnego. Zatem koncepcja „pop dance” łączy całkiem sporo dziedzin sztuki choreograficznej. Jednak obecnie wiele uniwersytetów oraz instytutów kultury i sztuki ma wydziały tańca „popowego”. Niestety, z tym zamieszaniem terminologicznym nic nie da się zrobić.

Podsumowując, obecnie istnieją 4 główne SYSTEMY tańca; taniec klasyczny, nowoczesny taniec jazzowy, taniec nowoczesny i taniec ludowy. Są to te dziedziny tańca, które mają swoją historię, własną szkołę, własny system szkolenia wykonawców, własne słownictwo.

Jednocześnie istnieją i rozwijają się kierunki sztuki tańca. Należą do nich taniec towarzyski, step, flamenco, taniec towarzyski czy codzienny.

Jednak w ostatnie lata Istnieje coraz więcej technik tańca mieszanego, które łączą w sobie wszystkie główne systemy. Choreografowie w swoich przedstawieniach starają się odnaleźć przede wszystkim coś nowego i niezwykłego, niezależnie od przynależności leksykalnej. Choreograf myśli ruchem, a ponieważ profesjonalni choreografowie opanowują wiele technik tanecznych, proces zapożyczania i łączenia jest nieunikniony. A w ostatnich latach pojawił się termin - TANIEC WSPÓŁCZESNY, kierunek tańca, którego nie można przypisać żadnemu stylowi ani systemowi. I to naturalny proces integracja.