Kultura 19. stoletja je kultura obstoječih buržoaznih odnosov. Do konca 18. stol. kapitalizem kot sistem je dokončno oblikovan. Zajela je vse sektorje materialne proizvodnje, kar je povzročilo ustrezne preobrazbe v neproizvodni sferi (politika, znanost, filozofija, umetnost, izobraževanje, vsakdanje življenje, družbena zavest).
Za kulturo tega obdobja je značilen odsev notranjih protislovij meščanske družbe. Spopad nasprotujočih si teženj, boj glavnih razredov - buržoazije in proletariata, polarizacija družbe, hiter vzpon materialne kulture in začetek odtujevanja posameznika so določili naravo duhovne kulture tistega časa.
V 19. stoletju dogaja se radikalna revolucija t, povezana s pojavom stroja, ki človeka odtuji od narave, razbije običajne predstave o njegovi dominantni vlogi in človeka spremeni v od stroja odvisno bitje. V razmerah vse večje mehanizacije gre človek na obrobje duhovnega življenja, se odcepi od svojih duhovnih temeljev. Mesto obrtnega dela, povezanega z osebnostjo in ustvarjalnostjo mojstra, je prevzelo monotono delo.
Duhovna kultura 19. stoletja. razvila in delovala pod vplivom dveh pomembnih dejavnikov: uspehov na področju filozofije in naravoslovja. Vodilna dominantna kultura 19. stoletja. obstajala je znanost.
Različne vrednostne usmeritve so temeljile na dveh izhodiščih: vzpostavljanju in afirmaciji vrednot meščanskega načina življenja na eni strani in kritičnem zavračanju meščanske družbe na drugi strani. Od tod nastanek tako različnih pojavov v kulturi 19. stoletja: romantika, kritični realizem, simbolizem, naturalizem, pozitivizem itd.
Posebnosti pogleda na svet Evropska kultura 19. stoletja. je odsev tistih protislovnih načel, ki jih predstavlja razvita meščanska družba, vendar pa ji ni para v globini prodiranja v bivanje in duhovni svet človeka ter ustvarjalni napetosti v znanosti, literaturi, filozofiji in umetnosti.
V prvi polovici 19. stol ruski likovna umetnost razvija v okviru akademske šole slikanje. Zgodovinski in bojni žanri postajajo vse bolj razširjeni, kar je povezano z zmago v domovinski vojni leta 1812 in vzponom nacionalno identiteto. Od sredine 60. let 19. stoletja so Rusi umetniki Obračajo se k temam ljudskega življenja, v likovni umetnosti pa se pojavlja socialno-vsakdanji žanr. IN zadnja desetletja stoletju ga delno nadomesti krajina v impresionističnem slogu, v slike ruskih umetnikov pojavijo se poteze neoklasicizma in modernizma.
Akademska šola slikanje v začetku 19. stoletja je zasedla močan zakonodajni položaj umetniški slogi in navodila. Glavna metoda je bil klasicizem, glavni žanri so bili portret, dekorativna krajina in zgodovina slikanje. mlada umetniki bili nezadovoljni z neizprosnim konzervativizmom Akademije in, da ne bi pisal slike na svetopisemske in mitološke teme ter se usmeril v portretni žanr in krajino. V njih so se vedno bolj pojavljale poteze romantike in realizma.
V portretu slikanje O. A. Kiprenskega je veliko romantičnih podob: portret dečka A. A. Chelishcheva (1810-1811), zakonca F. V. in E. P. Rostopchin (1809), zakonca V. S. in D. N. Khvostov ( 1814), E. S. Avdulina (1822)
Portreti V. A. Tropinina napisano na realističen način. Upodobljenec je v njih osrednja podoba, vsa pozornost je usmerjena vanj. Številke in poteze obraza so narisane z anatomsko jasnostjo in pristnostjo (portreti grofov Morkov, 1813-1815; "Bulakhov", 1823; "K. G. Ravich", 1823).
Čopiči V. A. Tropinina pripada enemu najbolj znanih portretov A. S. Puškina - tistemu, kjer je pesnik položil roko na sveženj papirja in se zdelo, da posluša svoj notranji glas.
IN slika K. P. Bryullova "Zadnji dan Pompejev", napisan po vseh kanonih akademske šole slikanje, odražal razvoj ruske družbene misli, pričakovanje sprememb, ki je bilo povezano z dvigom narodne samozavesti. Slikanje simbolizira pogum ljudi, ki se soočajo s strašno katastrofo. Druge znane slike K. P. Bryullova vključujejo "Italijansko jutro", "Italijansko popoldne", "Konjenica", "Bathsheba". V teh in mnogih drugih slike umetniku Enako nadarjen mu je uspelo ujeti lepoto človeškega telesa in lepoto narave.
Ideje za duhovno prebujenje ljudje so se odražali v delu A. A. Ivanova. Nad najbolj znanimi slikanje, »Prikazovanje Kristusa ljudstvu«, je delal približno dvajset let. Jezus naprej slika je upodobljen v daljavi, v ospredje pa je postavljen Janez Krstnik, ki ljudem kaže na bližajoči se Odrešenik. Obrazi ljudi, ki čakajo na Jezusa, se razsvetlijo, ko se približa, njihove duše se napolnijo z veseljem.
Umetniki A. G. Venetsianov in P. A. Fedotov sta v prvi polovici 19. stoletja postavila temelje social vsakdanji žanr V slikanje. A. G. Venetsianov v svojem slike idealiziral življenje kmetov, poudarjal lepoto in plemenitost ljudi, ne glede na socialni status(»Gumno«, »Na žetvi. Poletje«, »Na njivi. Pomlad«, »Kmečka žena z rožicami«)
Od 50. let 19. stoletja glavna smer Ruska likovna umetnost postane realizem, glavna tema pa prikaz življenja navadnih ljudi. Odobritev nove smeri je potekala v trdovratnem boju s privrženci akademske šole slikanje. Trdili so, da mora biti umetnost višja od življenja, v njej ni prostora za rusko naravo ter družbene in vsakdanje teme. Vendar so bili akademiki prisiljeni popustiti. Leta 1862 vse zvrsti likovna umetnost bili enakopravni, kar je pomenilo, da so se ocenjevale samo umetniške odlike slike, ne glede na temo.
17. Ruska umetnost prve polovice - sredine 19. stoletja. Romantika, sentimentalizem - smeri klasicistične umetnosti.
Po domovinski vojni 1812.: vedno večje zanimanje za ljudsko življenje; človeški individualnosti je privedlo do oblikovanja novega ideala, ki je temeljil na ideji duhovno neodvisne osebe, ki globoko čuti in strastno izraža svoja čustva. Ta ideal se je odražal v delu predstavnikov novega ustvarjalnega koncepta - romantike, katere uveljavitev je potekala hkrati z izumiranjem klasicizma.
Pri slikarstvu je bilo opaziti odmiranje klasicizma ter uveljavitev romantike in realizma
romantika- smer v umetnosti prve polovice 19. stoletja, ki je izpostavljala individualnost in jo obdarila z idealnimi težnjami.
Toda pravi uspehi slikarstva so bili, vendar v drugo smer - romantiko. Najboljša stremljenja človeške duše, vzpone in padce duha je izražalo takratno romantično slikarstvo, predvsem pa portret. V žanru portreta vodilno mesto je treba dati Orestu Kiprenskemu (1782-1836).
Kiprenski je študiral, začenši s Pedagoško šolo, na Akademiji za umetnost, kjer je študiral v razredu historično slikarstvo. Umetnik uporablja drzne barvne učinke, ki vplivajo na modelacijo forme; impasto slikanje spodbuja izražanje energije in krepi čustvenost slike. Pošteno je reči D.V. Sarabjanova, ruska romantika nikoli ni bila tako močno umetniško gibanje kot v Franciji ali Nemčiji. V njem ni ne skrajnega vznemirjenja ne tragičnega brezupa. V romantiki Kiprenskega je še vedno veliko harmonije klasicizma, subtilne analize "zasukov" človeške duše, tako značilne za sentimentalizem. »Sedanje stoletje in preteklo stoletje«, ki sta se združila v delu zgodnjega Kiprenskega, ki se je pojavil kot ustvarjalna osebnost v najboljših letih vojaških zmag in svetlih upov ruske družbe, sta sestavljala izvirnost in neizrekljiv čar njegovih zgodnjih romantičnih portretov. .
V poznoital zaradi številnih okoliščin osebne usode je umetniku le redko uspelo ustvariti kaj enakovrednega zgodnja dela. Toda tudi tukaj lahko takšne mojstrovine označimo za enega najboljših življenjskih portretov Puškin(1827, Tretjakovska galerija), ki ga je umetnik naslikal v zadnjem obdobju svojega bivanja v domovini, ali portret Avduline (ok. 1822, Državni ruski muzej), poln elegične žalosti.
Neprecenljiv del dela Kiprenskega- grafični portreti, narejeni pretežno z mehkim italijanskim svinčnikom z barvanjem v pastelu, akvarelu in barvnih svinčnikih, je že sama po sebi značilna pojava hitrih svinčnikov, značilnost novega časa: z lahkoto zabeležijo vsako bežno spremembo obraza, kakršno koli čustveno gibanje. Toda v grafiki Kiprenskega je tudi določena evolucija: v njegovih kasnejših delih ni spontanosti in topline, ampak so bolj mojstrska in bolj prefinjena v izvedbi (portret S. S. Ščerbatove, italijanska umetnost, Tretjakovska galerija).
Doslednega romantika lahko imenujemo Poljak A.O. Orlovskega(1777-1832), ki je 30 let živel v Rusiji in v rusko kulturo prinesel teme, značilne za zahodne romantike (bivaki, konjeniki, brodolomi. »Vzemi hitri svinčnik, riši, Orlovski, meč in klanje,« je zapisal Puškin). Na ruskih tleh se je hitro asimiliral, kar je še posebej opazno v njegovih grafičnih portretih. V njih je skozi vse zunanje atribute evropske romantike z njenim uporom in napetostjo vidno nekaj globoko osebnega, skritega, intimnega (Avtoportret, 1809, Tretjakovska galerija). Orlovski je odigral tudi določeno vlogo pri »utiranju« poti v realizem, zahvaljujoč njegovim žanrskim skicam, risbam in litografijam, ki prikazujejo peterburške ulične prizore in tipe, ki so oživeli znameniti četverico
Končno se romantika izrazi v pokrajini. Silvester Ščedrin (1791-1830) je svojo ustvarjalno pot začel kot učenec svojega strica Semjona Ščedrina s klasicističnimi kompozicijami: jasna delitev na tri načrte (tretji plan je vedno arhitektura), ob straneh prizorov. Toda v Italiji, kjer je zapustil peterburško akademijo, se te lastnosti niso okrepile in niso postale vzorec. V Italiji, kjer je Ščedrin živel več kot 10 let in umrl na vrhuncu svojega talenta, se je izoblikoval kot romantični umetnik in postal eden najboljših slikarjev v Evropi skupaj s Constablom in Corotom. Za Rusijo je prvi odkril pleneristično slikarstvo. Res je, tako kot Barbizonci, je Ščedrin na prostem slikal le skice, sliko (»okrašeno« po njegovi definiciji) pa dokončal v ateljeju. Vendar pa sam motiv spremeni poudarke. Tako Rim na njegovih platnih ni veličastne ruševine starih časov, temveč živo sodobno mesto navadnih ljudi - ribičev, trgovcev, mornarjev. Toda to običajno življenje pod Ščedrinovim čopičem je dobilo vzvišen zvok.
Pristanišča v Sorrentu, nabrežja Neaplja, Tibera pri gradu sv. Angela, ljudje, ki lovijo ribe, se samo pogovarjajo na terasi ali se sproščajo v senci dreves - vse se prenaša v kompleksni interakciji svetlobno-zračnega okolja, v čudoviti fuziji srebrno sivih tonov, ki jih običajno združuje pridih rdeče - v oblačilih in pokrivalih, v zarjavelem listju dreves, kjer se je izgubila ena rdeča veja. V zadnjih Ščedrinovih delih je bilo vse bolj očitno zanimanje za svetlobne in senčne učinke, kar je napovedovalo val nove romantike Maksima Vorobjova in njegovih učencev (na primer "Pogled na Neapelj v mesečni noči"). Podobno kot portretist Kiprenski in bojni slikar Orlovski tudi krajinar Ščedrin pogosto slika žanrske prizore.
O.A. Kiprenski(1782-1836), portretist, najbolj živo utelešal romantični ideal. Njegov slog je vsrkal značilnosti klasične harmonije in sentimentalizma. Portreti razkrivajo vse najboljše in pomembno v človeku: njegovo aktivno in romantično naravo; premišljenost in gorečnost mladeniča, ki še spoznava svet. V zadnjem obdobju je nastal najboljši življenjski portret A.S. Puškin - portret velikega pesnika je zgodovinsko specifičen in hkrati obstaja želja dati kolektivno podobo idealne ustvarjalne osebnosti.
S.F.Ščedrin(1791-1830), krajinski slikar. Prvi je odkril »pleneristično slikarstvo«, »Novi Rim«; "Pogled na Sorrento pri Neaplju."
V.A.Tropinin, vnaša elemente romantike v žanrske portrete. Vzgojen na sentimentalistični tradiciji poznega 18. stoletja. Izkusil romantični vpliv zgodnjega 19. stoletja. (portreti sina; A. S. Puškin; avtoportret). V podobah kmetov je utelešal ne le duhovno čistost, ampak tudi plemenitost. Podrobnosti o gospodinjstvu in delovna dejavnost približujejo žanrskemu slikarstvu (»Klekljarica«, »Zlatar«).
Zgodovinsko slikarstvo 30-40-ih: presečišče klasicizma in romantike.
Rusko zgodovinsko slikarstvo 30-40-ih let razvil v znamenju romantike. En raziskovalec (M. M. Allenov) je Karla Pavloviča Bryullova (1799-1852) imenoval "genij kompromisa" med ideali klasicizma in inovacijami romantike. Slava Bryullova je prišla še na akademiji: že takrat je Bryullov navadne skice spremenil v dokončane slike, kot je bilo na primer z njegovim "Narcisom" (1819, Ruski ruski muzej). Po zaključku tečaja z zlato medaljo je umetnik odšel v Italijo. V svojih preditalijanskih delih se Bryullov obrača na svetopisemske teme (»Prikaz treh angelov Abrahamu pri hrastu Mamre«, 1821, Ruski muzej) in starodavne (»Ojdip in Antigona«, 1821, Tjumenski regionalni krajevni muzej ), se ukvarja z litografijo, kiparstvom, piše gledališke scenografije in riše kostume za produkcije. Slike »Italijansko jutro« (1823, lokacija neznana) in »Italijansko popoldne« (1827, Ruski muzej), zlasti prva, kažejo, kako blizu je bil slikar problemom plenerizma. Sam Bryullov je svojo nalogo opredelil takole: »Model sem osvetlil na soncu, pri čemer sem predvideval osvetlitev od zadaj, tako da sta obraz in prsni koš v senci in se odbijata od vodnjaka, osvetljenega s soncem, zaradi česar so vse sence veliko bolj izrazite. prijetno v primerjavi s preprosto osvetlitvijo skozi okno.”
Naloge plenerističnega slikarstva so tako zanimale Bryullova, a je umetnikova pot vendarle vodila v drugo smer. Od leta 1828, po potovanju v Pompeje, Bryullov dela na svojem enakem delu - "Zadnji dan Pompejev" (1830-1833). Pravi dogodek starodavna zgodovina- smrt mesta med izbruhom Vezuva leta 79 našega štetja. e. - dal umetniku možnost pokazati veličino in dostojanstvo človeka pred smrtjo. Ognjena lava se bliža mestu, zgradbe in kipi se rušijo, a otroci ne zapustijo svojih staršev; mati pokrije otroka, mladenič reši svojo ljubljeno; umetnik (v katerem se je upodobil Bryullov) odnaša barve, a ko zapusti mesto, gleda na široko z odprtimi očmi, poskušal ujeti strašen prizor.
Tudi v smrti človek ostane lep kako lepa je v središču kompozicije ženska, ki so jo pobesneli konji vrgli iz voza. Brjulovljevo slikarstvo je jasno razkrilo eno bistvenih značilnosti njegovega slikarstva: povezavo med klasicističnim slogom njegovih del in značilnostmi romantike, s katero Brjulovljev klasicizem združuje vera v plemenitost in lepoto. človeška narava. Od tod neverjetna »življivost« plastične forme, ki ohranja svojo jasnost, risba najvišje profesionalnosti, ki prevladuje nad drugimi izraznimi sredstvi, z romantičnimi učinki slikovite osvetlitve. In sama tema neizogibne smrti, neizprosne usode je tako značilna za romantiko.
Kot določen standard, ustanovljena umetniški diagram, je klasicizem v marsičem omejeval romantičnega umetnika. Konvencije akademskega jezika, jezika »šole«, kot so imenovali akademije v Evropi, so se v Pompeju v celoti manifestirale: gledališke poze, geste, obrazna mimika, svetlobni učinki. Vendar moramo priznati, da si je Bryullov prizadeval zgodovinska resnica, ki je poskušal čim bolj natančno reproducirati posebne spomenike, ki so jih odkrili arheologi in ki so osupnili ves svet, vizualno zapolniti prizore, ki jih je opisal Plinij Mlajši v pismu Tacitu. Slika, ki je bila najprej razstavljena v Milanu, nato v Parizu, je bila leta 1834 pripeljana v Rusijo in je doživela izjemen uspeh. Gogol je navdušeno govoril o njej. Pomen dela Bryullova za rusko slikarstvo določajo znane besede pesnika: "In" zadnji dan Pompejev "je postal prvi dan za ruski čopič."
K.P. Bryullov- predstavnik historičnega slikarstva, v čigar delu so se prepletali elementi klasicizma in romantike. "Zadnji dan Pompejev"
"Konjenica", avtoportret.
P.A.Fedotov- žanrski slikar Globoko razume življenje in njegovo dramatično bistvo. Njegov talent se je najbolj razkril v žanrskem slikarstvu, kjer je napredoval od karikiranih motivov (»Sveži kavalir«, »Izbirčna nevesta«), do tragičnih in lakoničnih podob (»Vdova«), do metaforičnosti figurativnega sistema. Njegova umetnost je bila vzor več generacijam umetnikov: Popotniki so prevzeli in razvili kritični patos njegovega dela, umetniki na prelomu 19. - 20. stoletja. privlači drama in metafora;
A.A.Ivanov- »Prikaz Kristusa ljudem« - slika, iz katere so se učili vse naslednje generacije ruskih umetnikov, je odražala najintimnejši pomen evangelija in bistvo duhovnih teženj ljudi.
A. E. Martynov, krajinski slikar in graver, je dokončal eno prvih litografiranih serij "Zbirka pogledov na Sankt Peterburg in njegovo okolico".
Od začetka 19. stol. v ruski likovni umetnosti taka smer se razvija kot sentimentalizem(iz angleščine sentimentalno - občutljivo) - gibanje v umetnosti 18. stoletja. Pripravila jo je kriza izobraževalnega racionalizma. Vendar pa so bili elementi sentimentalizma v delu ruskih mojstrov običajno združeni z elementi klasicizma ali romantike. Značilnosti sentimentalizma so bile najbolj utelešene v delih izjemnega umetnika A.G. Venetsianova, ki je ljubeče pisal srednjerus vaške pokrajine, portreti kmetov.
Značilnosti ruskega sentimentalizma:
Pozornost na človeška osebnost;
Kult občutka in domišljije;
Razvoj družinskih psiholoških zapletov;
Podoba narave.
Pravi ustanovitelj vsakdanjega žanra je bil Aleksej Gavrilovič Venecianov(1780-1847). Po izobrazbi je bil geodet, Venetsianov je zapustil službo zaradi slikanja, se preselil iz Moskve v Sankt Peterburg in postal študent Borovikovskega. Prve korake v "umetnosti" je naredil v žanru portreta, kjer je ustvaril neverjetno poetične, lirične, včasih romantične podobe v pastelu, svinčniku in olju (portret B. S. Putjatina, Tretjakova galerija). Toda kmalu je umetnik opustil portretiranje za karikature in za eno akcijsko karikaturo, »Plemič«, je bila prva številka »Revije karikatur za leto 1808 v osebah«, ki jo je zasnoval, zaprta. Jedkanica Venecianova je bila pravzaprav ilustracija za Deržavinovo odo in je upodabljala prosilce, ki se gnetejo v sprejemni sobi, v ogledalu pa je bil viden plemič v objemu lepotice (domneva se, da gre za karikaturo grofa Bezborodka).
Na prelomu 10. in 20. let prejšnjega stoletja je Venetsianov zapustil Sankt Peterburg v provinci Tver, kjer je kupil manjše posestvo. Tu je našel svojo glavno temo, posvetil se je prikazovanju kmečkega življenja. Na sliki »Mlatilnica« (1821-1822, Ruski muzej) je prikazal prizor dela v notranjosti. Da bi natančno poustvaril ne samo poze delavcev, ampak tudi osvetlitev, je dal celo izrezati eno steno mlatilnice. Življenje, kakršno je, je hotel prikazati Venetsianov, ko je slikal kmete, ki lupijo peso; posestnik, ki daje nalogo dvorišču; speča pastirica; deklica z malo veverico v roki; kmečki otroci občudujejo metulja; prizori žetve, košenja sena itd. Seveda Venetsianov ni razkril najbolj akutnih konfliktov v življenju ruskega kmeta, ni izpostavil "bodečih vprašanj" našega časa. To je patriarhalno, idilično življenje.
Toda umetnik vanj ni vnesel poezije od zunaj, si ga ni izmislil, ampak črpal iz samega ljudskega življenja, ki ga je slikal s tako ljubeznijo. V slikah Venetsianova ni dramatičnih zapletov ali dinamičnih zapletov, nasprotno, so statični, v njih se "nič ne zgodi". Toda človek je vedno v enotnosti z naravo, v večnem delu, zaradi česar so slike Venetsianova resnično monumentalne. Ali je realist? V razumevanju te besede umetnikov druge polovice 19. stoletja je malo verjetno. Njegov koncept ima veliko klasicističnih idej (spomniti se velja njegove »Pomlad. Na oranem polju«, Tretjakovska galerija), predvsem pa sentimentalističnih (»Na žetvi. Poletje«, Tretjakovska galerija) in v razumevanju prostora. obstajajo tudi romantični. In kljub temu je delo Venecianova določena stopnja na poti do oblikovanja ruskega kritičnega realizma 19. stoletja in to je tudi trajni pomen njegovega slikarstva. To določa njegovo mesto v ruski umetnosti kot celoti.
Venetsianov je bil odličen učitelj. Venetsianova šola, Venetsianovites, je cela galaksija umetnikov 20-40-ih, ki so delali z njim tako v Sankt Peterburgu kot na njegovem posestvu Safonkovo. To je A.V. Tyranov, E.F. Krendovski, K.A. Zelencov, A.A. Aleksejev, S.K. Zaryanko, L.K. Plakhov, N.S. Krylov in mnogi drugi. Med učenci Venetsianova je bilo veliko kmečkih okolij. Pod čopičem beneških umetnikov se niso rodili samo prizori kmečkega življenja, ampak tudi mestni: peterburške ulice, ljudski tipi, pokrajine. A.V. Tyranov je slikal notranje prizore, portrete, pokrajine in tihožitja. Benečani so imeli še posebej radi »družinske portrete v notranjosti« - združevanje konkretnosti slik s podrobnostmi pripovedi, prenašanje vzdušja okolja (na primer slika Tyranova »Umetniška delavnica bratov Chernetsov«, 1828, ki združuje portret, žanr in tihožitje).
18. Problem akademizma v ruskem slikarstvu druge tretjine 19. stoletja.
Akademizem- smer v evropskem slikarstvu 17.-19. Akademsko slikarstvo je nastalo v obdobju razvoja umetniških akademij v Evropi. Slogovna osnova akademskega slikarstva na začetku 19. stoletja je bil klasicizem, v drugi polovici 19. stoletja pa eklekticizem. Akademizem je rasel ob sledenju zunanjim oblikam klasične umetnosti. Privrženci so ta slog označili kot odraz umetniške oblike starodavnega antičnega sveta in renesanse. Akademizem je pomagal pri urejanju predmetov v likovni vzgoji, dopolnjeval tradicijo starodavne umetnosti, v kateri je bila podoba narave idealizirana, hkrati pa je nadomestila normo lepote.
Za ruski akademizem prve polovice 19. st stoletja zaznamujejo vzvišene teme, visoka metaforičnost, vsestranskost, večfigurnost in pompoznost. Bili priljubljeni svetopisemske zgodbe, salonske krajine in svečani portreti. Kljub omejeni tematiki slik je dela akademikov odlikovala visoka tehnična spretnost. Predstavnik - K. Bryullov ("Konjenica").
Sredi 19. stol. začel se je uveljavljati realizem v trdovratnem boju proti akademizmu, ki ga je zastopalo vodstvo Akademije umetnosti. Voditelji akademije so študentom vcepili, da je umetnost višja od življenja, za ustvarjalnost pa so predlagali le svetopisemske in mitološke teme. Štirinajst študentov zgodovinskega razreda ni želelo slikati na predlagano temo iz skandinavske mitologije in je oddalo peticijo za izstop iz akademije. Uporniki so se združili v kamuno, ki jo je vodil Kramskoy.
In leta 70 je bilo ustanovljeno Društvo popotnikov. Peredvižniki" so bili enotni v zavračanju "akademizma" z njegovo mitologijo, dekorativnimi krajinami in pompozno teatralnostjo. Hoteli so upodobiti živeti življenje. Žanrski (vsakdanji) prizori so zavzemali vodilno mesto v njihovem delu. Posebej simpatije do »popotnikov« je uživalo kmečko ljudstvo. Perov ("Trojka", "Stari starši na grobu svojega sina", "Čajanka v Mitiščih"). S. A. Korovina "Na svetu" Myasoedov "Kosilnice". Kramskoj - portreti Nekrasova, Tolstoja, "Kristusa v puščavi", tudi Mjasoedova, Savrasova, Ge.
19. Društvo potujočih razstav
V 70. letih progresivno demokratično slikarstvo pridobi javno priznanje. Ima svoje kritike - I.N. Kramskoj in V.V. Stasov in njegov zbiratelj - P.M. Tretjakov. Prihaja čas razcveta ruskega demokratičnega realizma v drugi polovici 19. stoletja.
V tem času v središču uradne šole- Akademija za umetnost v Sankt Peterburgu - pripravlja se tudi boj za pravico umetnosti, da se obrne na resnično, resnično življenje, kar je leta 1863 povzročilo tako imenovani "upor 14-ih". Številni diplomanti Akademije so zavrnili programsko sliko na eno temo skandinavskega epa, ko je bilo okoli toliko vznemirljivih sodobnih problemov, in ker niso dobili dovoljenja za svobodno izbiro teme, so zapustili Akademijo in ustanovili »St Artel umetnikov« (F. Žuravljev, A. Korzuhin, K. . Makovski, A. Morozov, A. Litovčenko itd.). "Artel" ni obstajal dolgo. In kmalu sta Moskva in Sankt Peterburg napredovala umetniške sile združeni v Društvo potujočih umetniških razstav (1870). Te razstave so poimenovali potujoče, ker so bile organizirane ne le v Sankt Peterburgu in Moskvi, ampak tudi v provincah (včasih v 20 mestih med letom). Bilo je kot »iti k ljudstvu« umetnikov. Družba je obstajala več kot 50 let (do leta 1923). Vsaka razstava je bila velik dogodek v življenju provincialnega mesta. Za razliko od Artela so imeli peredvižniki jasen ideološki program - odražati življenje z vsemi njegovimi akutnimi družbenimi problemi v vsej njegovi pomembnosti.
Myasoedov je trdil, da je uspeh prve izvedbe bi moral v marsičem vnaprej določiti prihodnjo usodo Partnerstva - in izkazalo se je, da je imel prav. najprej občni zbor Društvo, ki je potekalo 6. decembra 1870, je predvidelo odprtje razstave "15. septembra prihodnjega leta 1871 in najkasneje 1. oktobra." Toda tega roka ni bilo mogoče izpolniti: prva razstava se je odprla šele 29. novembra 1871 in zaprla 2. januarja 1872. Tako je bil na ogled na voljo nekaj več kot mesec dni. Toda ta mesec je bil ključen pri presoji nove organizacije. Razstava je takoj prinesla prepoznavnost, čeprav je le 16 umetnikov na njej v Sankt Peterburgu pokazalo 47 del. Že to jo je razlikovalo od akademskih razstav, ki so bile po številu eksponatov obsežnejše.
"Partnerstvo ima cilj," pravi § 1 Listine, - organiziranje, z ustreznim dovoljenjem, potujočih umetniških razstav na naslednje načine: a) omogočanje zainteresiranim prebivalcem province, da se seznanijo z rusko umetnostjo in spremljajo njene uspehe, b) razvijanje ljubezni do umetnosti v družbi, c ), kar umetnikom olajša prodajo njihovih del."
Umetnost Peredvižnikov je bila izraz revolucionarne demokratične ideje v domači umetniški kulturi druge polovice 19. stoletja. V evropskem žanrskem slikarstvu 19. stoletja ga odlikuje socialna naravnanost in visoko državljanstvo ideje.
Partnerstvo je nastalo na pobudo Myasoedova, ki ga podpirajo Perov, Ge, Kramskoj, Savrasov, Šiškin, brata Makovski in številni drugi "ustanovni člani", ki so podpisali prvo listino Partnerstva. V 70-ih in 80-ih so se jim pridružili mlajši umetniki, med njimi Repin, Surikov, Vasnetsov, Jarošenko, Savicki, Kasatkin in drugi. Od sredine 80-ih so na razstavah sodelovali Serov, Levitan in Polenov. Generacija »starejših« Peredvižnikov je bila večinoma različnih družbenih položajev. Njegov pogled na svet se je razvil v ozračju 60. let. Vodja in teoretik Potepuškega gibanja je bil Ivan Nikolajevič Kramskoj(1837-1887), ki je leta 1863 vodil »upor štirinajsterice«, izjemen organizator in izjemen likovni kritik. Zanj je bila značilna neomajna vera, predvsem v vzgojno moč umetnosti, ki naj bi oblikovala državljanske ideale posameznika in ga moralno izboljšala. Teme Kramskojevega lastnega dela pa niso bile značilne za Potepuhe.
Redko je slikal žanrske slike, se je obrnil na evangelijske zgodbe. Ampak njegovo Kristus v puščavi" - misel o globoko osamljeni osebi, ki sedi na ozadju zapuščene skalnate pokrajine Kristus, njegova pripravljenost, da se žrtvuje v imenu najvišjega cilja - vse to je bilo razumljivo populistični inteligenci 70. let. Tudi v žanru portreta ga zaposluje vzvišena, visoko duhovna osebnost. Kramskoy je ustvaril celo galerijo slik največjih osebnosti ruske kulture - portrete Saltykova-Shchedrina, Nekrasova, L. Tolstoja. Za Kramskojev umetniški slog sta značilni določena protokolarna suhost in monotonost kompozicijskih shem. Najboljši glede na značilnosti svetlosti je portret L.N. Tolstoj, napisan po naročilu Tretjakova, v katerem gledalca preseneti pronicljiv, vsevedni in vsevidni pogled mirnih sivo-modrih oči. Portret A. G. Litovčenka odlikuje slikovito bogastvo. Kramskoj je bil umetnik-mislec. V svoji ustvarjalnosti je konservativen.
Poleg Kramskoya med tistimi, ki so podpisali Listino o partnerstvu je bil še en umetnik, ki so ga zanimale krščanske teme - Nikolaj Nikolajevič Ge(1831-1894). Diplomiral na akademiji, pridobil naziv major zlato medaljo za sliko "Saul pri čarovnici iz Endorja". Leta 1863 je izvedel svojo prvo veliko samostojno delo"Zadnja večerja". Svetloba in senca, dobro in zlo, trk dveh različnih principov ležijo v središču Gejevega dela. To poudarjajo svetlobni in senčni kontrasti ter dinamika ekspresivnih postav. »Zadnja večerja« je izrazila umetnikovo željo po posplošenosti umetniška oblika, do njene monumentalizacije, do velike umetnosti, ki temelji na izročilu velikih mojstrov preteklosti. Ni naključje, da so mu za to sliko podelili naziv profesorja.
Ge je veliko slikal portrete. Njegovi portreti se od Kramskojevih del razlikujejo po svoji čustvenosti, včasih dramatičnosti, kot je portret Herzena: na obrazu modela je mogoče prebrati grenkobo dvoma, mučenje misli, ki segajo do bolečine. Portret zgodovinarja N.I. Kostomarova je nenavadno temperamenten, svež in svobodno napisan. Ge je, tako kot Kramskoy, eden od organizatorjev Partnerstva. Na prvi razstavi leta 1871 je pokazal zgodovinsko sliko "Peter I zaslišuje carjeviča Alekseja Petroviča v Peterhofu." Umetnik si je prizadeval podati čim večjo konkretnost situacije. Vsa Gejeva dela zadnjih let so prežeta z moralno in religiozno idejo o prestrukturiranju sveta. Tudi formalne probleme rešuje na svojevrsten, nov način - iskanje barve, svetlobe, teksture. Pogumno krši akademske kanone, pogosto uporablja fragmentarne kompozicije, ostre svetlobne in barvne kontraste, piše čustveno in ekspresivno. (»Kalvarija«, »Kaj je resnica? Kristus in Pilat«)
Organizatorji Kramskoy's Peredvizhniki in Ge v svojem delu hodita po drugačni poti kot njuni tovariši v društvu, žanrski umetniki. Obračajo se na krščanske teme, imajo drugačno figurativno in slikovno-plastično strukturo, bolj verjetno gravitirajo k tradiciji umetnosti prve polovice 19. stoletja: v Ge - romantičnemu, v Kramskemu - racionalno-klasičnemu. .
Vasilij Maksimovič Maksimov(1844-1911) že v prvi večfiguralni kompoziciji - "Prihod čarovnika na kmečko svatbo" - pride do svoje glavne teme - prikaza kmečkega življenja, ki ga je sam, kmečki rojen, odlično poznal. dobro. Naslednje slike so brez vsakršnega prazničnega občutka. V njih se v vsej svoji goloti pojavi podoba obubožane poreformne Rusije (»Družinska delitev«, »Drzava tašča«, »Vse je v preteklosti«).
Potepuhi 70-ih v okviružanru uspelo dvigniti najpomembnejše, najbolj akutne težave javnem življenju, kot se je Grigorij Grigorijevič Myasoedov(1834-1911) v filmu "Zemstvo ima kosilo." Iskrenost vere ruskih kmetov je prikazal Konstantin Apolonovič Savitski (1844-1905) v veliki sliki »Srečanje ikone«. Mojster večfiguralnih kompozicij. "Popravila na železnici", "V vojno".
Nikolaj Aleksandrovič Jarošenko(1846-1898): "Stoker" in "Jetnik", od katerih je "Stoker" prva podoba delavca v ruskem slikarstvu, "Jetnik" pa je najpomembnejša podoba v letih burnega populističnega revolucionarnega gibanja. »Študent« je tipski portret.
Vladimir Egorovič Makovski- "V čakalnici pri zdravniku", "Obisk revnih", "Čakanje", "Obsojenec", "Propad banke", "Zmenek", "Na bulvarju". Makovsky se je uspel odzvati na številne teme. Njegove slike razkrivajo dramatične usode ne le posameznih ljudi, temveč celih plasti in generacij. Makovsky se ni vedno izogibal sentimentalnim in melodramatičnim situacijam (na primer njegovemu "Ne pustim te noter!"), vendar je v svojih najboljših delih ostal zvest resnici življenja in presenetil s popolnostjo slikovite zgodbe, celovitost slike, ki je zrasla iz vsakdanjih vsakdanjih prizorov, ki jih opazi njegovo ostro oko.
20. Vsakdanji žanr
Žanrski prizori v srednjeveški umetnosti specifična opazovanja vsakdanjega življenja so nastala praviloma z razvojem posvetnih humanističnih teženj v okviru prevladujočega verskega pogleda na svet in so bila pogosto vtkana v religiozne in alegorične kompozicije. Pogosti so na slikah, reliefih in miniaturah - ruskem slikarstvu 17. stoletja.
V Rusiji je razvoj vsakdanjega žanra v 2. polovici 18. st. povezan (z izjemo "domačega odra" I. Firsova Mladi slikar") z zanimanjem za kmeta; in tu je idiličnosti idealiziranih podeželskih prizorov (I. M. Tankov) nasprotovala ljubeča in natančna upodobitev tradicionalnega kmečkega življenja na slikah M. Šibanova, ostra, brezkompromisna resničnost prikaza kmečkega revščina v akvarelih I. A. Ermenjeva.
V 19. stoletju demokratskih umetnikov nagovoril vsakdanjemu žanru kot programski umetnosti, ki je omogočala kritično vrednotenje in izpostavljanje socialni odnosi in moralne norme, ki so prevladovale v meščansko-plemiški družbi, in njihove manifestacije v vsakdanjem življenju, braniti pravice delovnih, zatiranih ljudi, narediti gledalca neposrednega očevidca družbenih nasprotij in konfliktov, ki so polnili vsakdanje življenje. V 1. polovici 19. stoletja je nastala resnična, a enostranska, očarljiva s poetično nedolžnostjo in ganljivo iskrenostjo upodobitev svetlih, brez oblakov življenja kmečkih in mestnih demokratičnih slojev (A.G. Venetsianov in beneška šola v Rusiji). ) je imela pomembno vlogo pri estetski afirmaciji vsakdanjega življenja.
V vsakdanjem žanru ruskega kritičnega realizma satirično izpostavljanje tlačanstva in sočutje do zapostavljenih so dopolnjevali globok in natančen prodor v duhovni svet likov, podrobna pripoved in natančen dramski razvoj zapleta in odnosov likov. Te značilnosti so se jasno pojavile sredi 19. stoletja. v slikah P. A. Fedotova, polnih žgočega posmeha in bolečine, v risbah A. A. Agina in ukrajinskega umetnika T. G. Ševčenka, ki je združeval neposredno in ostro publicistiko z globokim liričnim doživljanjem življenjskih tragedij kmetov in mestnih revežev.
Na tej podlagi zrasel ob komponiranju nova etapa, vsakdanji žanr Popotnikov, ki je imel vodilno vlogo v njihovi umetnosti, ki je izključno celovito in natančno odsevala ljudsko življenje 2. polovice 19. stoletja, intenzivno dojemala njegove temeljne vzorce. Podrobno, tipizirano sliko življenja vseh plasti ruske družbe so podali G. G. Mjasoedov, V. M. Maksimov, K. A. Savitski, V. E. Makovski in - s posebno globino in obsegom - I. E. Repin, ki je prikazal ne le barbarsko zatiranje ljudstva, ampak tudi močne življenjske sile, ki se skrivajo v njej, in junaštvo borcev za njeno osvoboditev. Takšna širina nalog je žanrsko sliko pogosto približala zgodovinski kompoziciji. Na slikah N. A. Jarošenka, N. A. Kasatkina, S. V. Ivanova, A. E. Arhipova v poznem 19. - začetku 20. st. odražala protislovja kapitalizma, razslojenost podeželja, življenje in boj delavskega razreda in podeželskih revežev.
Gospodinjski žanr 1860-70. odobren je bil tudi nov tipžanrsko slikarstvo, ki je v mnogih pogledih povezano z impresionizmom in so ga v Franciji razvili E. Manet, E. Degas, O. Renoir, A. Toulouse-Lautrec. V ospredje prihaja lepota vsakdanjega življenja, preoblikovanega z umetnostjo, ekspresivnost na videz naključnega, fragmentarnega, nepričakovanega vidika življenja, hipno ujetih situacij, spremenljivih razpoloženj in stanj, ostra specifičnost videza in običajnih gibov likov, in zanimanje za ljudi, ki stojijo zunaj družbenih norm. Številne slogovne značilnosti te vrste žanrskega slikarstva so v mnogih državah prevzeli mojstri vsakdanjega žanra, ki so skušali združiti širino dojemanja ljudskega življenja s svežino in nepričakovanimi vidiki (V. A. Serov, F. A. Malyavin, K. F. Yuon v Rusiji). ).
V sovjetski umetnosti je vsakdanji žanr dobil nove značilnosti, pogojena z nastajanjem in razvojem socialistične družbe - zgodovinski optimizem, afirmacija nesebičnega svobodnega dela in novega načina življenja, ki temelji na enotnosti družbenih in osebnih načel. Od prvih let sovjetske oblasti so umetniki (B. M. Kustodiev, I. A. Vladimirov) poskušali ujeti spremembe, ki jih je v življenje države prinesla revolucija. V delu A. A. Deineke in Yu. I. Pimenova, ki sta bila del združenja OST, se je začela določati značilna in kasneje zanju vesela, energična struktura slik, posvečenih gradbeništvu, industrijskemu delu in športu. Iskanje mojstrov AHRR in OST je organsko vstopilo v veselo, življenjsko potrjeno umetnost tridesetih let prejšnjega stoletja. Slikarji S. V. Gerasimov, A. A. Plastov, T. G. Gaponenko, V. G. Odintsov, F. G. Kričevski, kipar I. M. Čajkov so ujeli svetle, barvite plati mestnega in kolektivnega življenja.
V sovjetskem vsakdanjem žanru. odražalo se je tudi težko frontno in zaledno življenje vojnih let s svojimi žalostmi in radostmi (slike Yu. M. Neprintseva, B. M. Nemenskega, A. I. Laktionova, V. N. Kostetskega; grafike A. F. Pakhomova, L. V. Soifertisa) in duhovno stremljenje. , navdušenje nad kolektivnim delom in družabnim življenjem, tipične značilnosti vsakdanjega življenja v povojnih letih(slike T. N. Yablonskaya, S. A. Chuikov, F. P. Reshetnikov, S. A. Grigoriev, U. M. Japaridze, E. F. Kalnyn, gravure L. A. Ilyina). Od 2. polovice 1950-ih. Sovjetski mojstri. B.f. Prizadevajo si razširiti krog opazovanj sodobnega življenja, pokazati pogum in voljo sovjetskih ljudi, ki se krepijo v ustvarjalnem delu, pri premagovanju težav. Na slikah G. M. Korzheva, V. I. Ivanova, E. E. Moiseenka, Yu. P. Kugacha, T. T. Salahova, G. S. Khandzhyana, E. K. Iltnerja, I. A. Zarina, I. N. Klycheva, v gravurah G. F. Zakharova, V. M. Yurkunasa, V. V. Tollyja je vsakdanje življenje ljudi se zdi bogato in kompleksno, polno velikih misli in izkušenj.
Ruska umetnostna kultura je v prvi polovici 19. stoletja dosegla velik uspeh. V tem času so ustvarjali Puškin, Gogol, Lermontov, Gribojedov, Žukovski, Krilov. Ta hiter razcvet umetniške kulture je bil povezan z dvigom narodne samozavesti v naprednih krogih ruske družbe med domovinsko vojno leta 1812. Boj za osvoboditev domovine pred tujim posredovanjem, ki je povzročil val visokih domoljubnih čustev, ni mogel vplivati na pojave ruske umetnosti.
Napredna ruska ideologija tistega časa se je oblikovala pod neposrednim vplivom domovinske vojne leta 1812 in plemenitega revolucionarnega gibanja, ki se je oblikovalo v dekabrističnem programu.
Domovinska vojna je dvignila samozavest ljudi, čustva domoljubja in narodnega ponosa na nenavadno visoko raven. Ljudski značaj vojne in domoljubni podvigi navadnih ruskih ljudi so dolgo časa pritegnili pozornost napredne javnosti Rusije in povzročili nekakšno prevrednotenje estetskih vrednot: ljudske podobe in narodni predmeti so zasedli izjemno pomembno mesto v ruski umetnosti, nesorazmerno z epizodno vlogo igrali so v delih večine mojstrov 18. stoletja. Poziv k ljudstvu je ruski umetniški kulturi vlil novo moč. Napredni ustvarjalni trendi so temeljili na nizu idej, ki jih je podala plemenita revolucionarna misel.
Takratna kritika je kazala na »močno usmeritev sodobnega genija k ljudstvu« na vseh področjih umetnosti. »Nacionalizem« je postal osrednji problem napredne ruske kulture v dvajsetih in tridesetih letih prejšnjega stoletja. Celo reakcionarni publicisti so poskušali uporabiti koncept narodnosti in ga vključiti v uradno formulo vladne politike (»pravoslavlje, avtokracija, narodnost«). V nasprotju z uradno interpretacijo narodnosti v naprednejših umetniških krogih se je razvilo povsem drugačno razumevanje narodnosti, ki ga je v zgodnjih tridesetih oblikoval eden od teoretikov napredne umetnosti: »Z narodnostjo razumem tisto domoljubno animacijo likovne umetnosti, ki hrani na domače vtise in spomine, odseva v svojih delih domača blagoslovljena nebesa, domačo sveto zemljo, domača dragocena izročila, domače običaje in moralo, domače življenje, domačo slavo, domačo veličino.«
Prva polovica 19. stoletja je bila svetla stran ruske kulture. Vse smeri - literatura, arhitektura, slikarstvo te dobe zaznamuje cela plejada imen, ki so ruski umetnosti prinesla svetovno slavo. V 18. stoletju je v ruskem slikarstvu prevladoval stil klasicizma. Klasicizem je igral pomembno vlogo na samem začetku 19. stoletja. Vendar pa je do leta 1830 tej smeri postopoma izgublja družbeni pomen in se vse bolj spreminja v sistem formalnih kanonov in tradicij. Tako tradicionalno slikarstvo postane hladna, uradna umetnost, ki jo podpira in nadzoruje Sanktpeterburška akademija umetnosti. Naknadno koncept "akademizma" začeli uporabljati za označevanje inertne umetnosti, ločene od življenja.
V rusko umetnost je prinesel nove poglede romantika- evropsko gibanje, ki se je razvilo na prelomu 18. - 19. stoletja. Eden glavnih postulatov romantike v nasprotju s klasicizmom je potrditev človekove osebnosti, njegovih misli in pogleda na svet kot glavne vrednote v umetnosti. Zagotavljanje človekove pravice do osebne neodvisnosti je vzbudilo posebno zanimanje za njegov notranji svet, hkrati pa je predpostavljalo umetnikovo svobodo ustvarjalnosti. V Rusiji je romantika dobila svojo posebnost: v začetku stoletja je imela junaško barvanje, in v letih Nikolajevske reakcije - tragično. Hkrati je bila romantika v Rusiji vedno oblika umetniškega mišljenja, ki je po duhu blizu revolucionarnim in svobodoljubnim čustvom.
Romantika, ki je imela za svojo posebnost poznavanje določene osebe, je postala osnova za poznejši nastanek in oblikovanje realne smeri, ki se je v umetnosti uveljavil v drugi polovici 19. stoletja. Značilnost realizma je bila njegova privlačnost k temi sodobnega ljudskega življenja, vzpostavitev nove teme v umetnosti - življenja kmetov. Tukaj je najprej treba opozoriti na ime umetnika A.G. Venetsianova. Najbolj realna odkritja prve polovice 19. stoletja so se odražala v 1840-ih v delih P.A. Fedotova.
Splošno kulturno življenje v tem obdobju je bilo dvoumno in raznoliko: nekatere prevladujoče smeri v umetnosti so nadomestile druge. Zato raziskovalci, ko podrobneje obravnavajo umetnost prve polovice 19. stoletja, običajno delijo na dve obdobji - prvo in drugo četrtino stoletja. Vendar je treba opozoriti, da je ta delitev pogojna. Poleg tega o klasicizmu, romantiki in realizmu v tem obdobju ni treba govoriti v čisti obliki: njihova diferenciacija, tako kronološko kot po značilnostih, ni absolutna.
Slikarstvo je v prvi polovici 19. stoletja dobilo veliko večji pomen v družbenem življenju kot v 18. stoletju. Razvoj narodne zavesti, ki ga je povzročila zmaga v domovinski vojni leta 1812, je dvignil zanimanje ljudi za nacionalne kulture in zgodovino, domačim talentom. Tako so se v prvi četrtini stoletja prvič pojavile javne organizacije, katerih glavna naloga je bil razvoj umetnosti. Med temi organizacijami so bile tudi take npr Svobodno društvo ljubiteljev slovstva, znanosti in umetnosti, Društvo za spodbujanje umetnikov. Pojavile so se posebne revije, prvi poskusi zbiranja in prikazovanja ruske umetnosti. Tako je v izobraženih krogih postal znan majhen zasebni "Ruski muzej" P. Svinina, leta 1825 pa je bila v cesarskem Ermitažu ustanovljena Ruska galerija. Umetniška akademija je že od začetka stoletja vključevala občasne razstave, ki so pritegnile številne obiskovalce. Hkrati je bil velik dosežek sprejem navadnih ljudi na te razstave ob določenih dnevih, kar pa je povzročilo ugovore nekaterih revijalnih kritikov.
Za izjemne dosežke ruske umetnosti zgodnjega 19. stoletja so značilni portretiranje. Skozi stoletje bo ruski portret tisti žanr slikarstva, ki je umetnike najbolj neposredno povezoval z družbo, z izjemnimi sodobniki. Konec koncev, kot veste, so umetniki prejeli veliko število naročil posameznikov posebej za portrete.
OREST KIPRENSKY (1782-1836)
Orest Kiprenski, eden največjih slikarjev prve polovice 19. stoletja - Avtoportret (1). Umetnost tega umetnika, tako kot vsakega velikega mojstra, je heterogena. V svojih ustvarjalnih težnjah je Kiprensky podvržen pod vplivom romantike in klasicizma. Dela umetnikov tudi iz istega obdobja so si pogosto različna. Najboljše slike Kiprenskega poudarjajo romantično razumevanje človeške osebnosti. V svojih delih umetnik daje človeku duhovne lastnosti- inteligenca, plemenitost, značaj, sposobnost razmišljanja in čustvovanja. Zato je v svojih portretih predvsem Kiprenski portretiranci ali vidnejši sodobniki– med njegovimi deli so portreti Puškina, Batjuškova, Žukovskega, junakov domovinske vojne 1812, ali vaši bližnji prijatelji. Galerija portretov, ki jih je ustvaril, je ponos ruske likovne umetnosti. Takoj po diplomi na Akademiji umetnosti Kiprensky v celoti posvetil portretiranju. Eno najboljših del tedaj mladega umetnika je bilo portret Davidova (2). Kiprenski je ustvaril podobo ruskega častnika, značilnega za to dobo - udeleženca boja za neodvisnost svoje domovine. Visoka umetniška spretnost Kiprenskega se je pokazala v čustveni vznesenosti portreta in njegovem barvnem bogastvu. V drugih portretnih delih in v celi seriji risb s svinčnikom je umetnik ujel podobe vojnih udeležencev, častnikov in milic, ki jih je osebno dobro poznal. V vseh portretih Kiprenskega je poleg značilnosti romantične vznesenosti jasno videti želja po realnem razkritju človeške psihologije. Izrednega pomena je portret A. S. Puškina (3), ki resnično zajame podobo velikega pesnika za prihodnje generacije. Pomen Kiprenskega, subtilnega risarja in kolorista, v ruski umetnosti prve polovice 19. stoletja je ogromen.
Sodobniki so njegova dela primerjali z zvrstmi lirike, pesniškega posvetila prijateljem, kar je bilo v Puškinovem času zelo pogosto. Portreti Kiprenskega so vedno obdarjeni z globoko premišljenostjo; zdi se, da zrejo v svet. Kiprensky je v mnogih pogledih odkril nove možnosti zase v slikarstvu. Vsak njegov portret odlikuje nova slikovna struktura, dobro izbrana svetloba in senca, razgiban kontrast – "Neapeljska deklica s sadjem" (4), "Ciganka z vejo mirte" (5), "Dekle v makovem vencu z nageljnom v roki (Mariuccia)" (6), "Mladi vrtnar" (7), »Portret E.P. Rostopchina" (8). Z resničnim prenosom individualnih značilnosti svojih modelov je K. v svojih najboljših portretih uspel utelešiti veliko družbeno vsebino, pokazati človeško dostojanstvo in globino duhovne kulture upodobljencev: za njihovo zunanjo mirnostjo se vedno čutijo živi človeški občutki.
Reakcija Nikolajeva, ki je sledila porazu dekabristov, je umetnika prisilila, da je leta 1828 znova odšel v Italijo, kjer je umrl.
VASIL TROPININ (1776-1857) – (9)
Pomemben pojav v zgodovini ruskega slikarstva je bilo delo V. Tropinina, izjemnega realistični umetnik, pomemben del mojega življenja bivši podložnik.
Vasilij Andrejevič Tropinin je bil celo nekoliko starejši od Kiprenskega, vendar so neugodne okoliščine dolgo časa odložile razvoj njegovega talenta.
V tistih letih, ko je Kiprenski ustvaril portret Davidova, ki je pomenil vrhunec ruskega romantičnega slikarstva, je bil Tropinin še neznan podložni umetnik na ukrajinskem posestvu grofa Morkova in je združeval naloge slaščičarja in višjega lakaja s slikarstvom. Zaradi muhe veleposestnika ni mogel dokončati šolanja na Akademiji umetnosti. Tropinin je mladost preživel v samouku, kljub oviram, obvladanju tehničnih veščin in doseganju profesionalne odličnosti. Pri študiju je izbral pot, po kateri so običajno hodili umetniki samouki njegovega časa: delal je trdo in veliko iz življenja ter kopiral slike v zasebnih umetniških zbirkah, do katerih je imel dostop po zvezah svojega veleposestnika. Slikarskih tehnik se ni učil v akademski delavnici, temveč iz lastnih izkušenj in iz del starih mojstrov, življenje v Ukrajini pa mu je, kot je kasneje dejal sam umetnik, nadomestilo potovanje v Italijo.
Ta sistem samoizobraževanja, z vsemi svojimi pomanjkljivostmi, bi vendarle lahko imel nekaj pozitivnih plati za umetnika z velikim in izvirnim talentom. Svoboda od rutinskega akademskega poučevanja je delno pomagala Tropininu ohraniti nedotaknjeno čistost in izvirnost njegovega umetniškega dojemanja. Živahno komuniciranje z naravo in poznavanje ljudskega življenja, podprto z nenehnim delom iz življenja, je prispevalo k razvoju realističnih teženj, ki so značilne za Tropininov talent. Toda v mladih letih, na silo ločen od umetniškega okolja, še ni bil na ravni naprednih nalog umetnosti svojega časa. Tropininovo delo tudi ob koncu 1810-ih je bilo po slogu bližje ne delom njegovih vrstnikov, temveč umetnosti 18. stoletja.
Dolgo pričakovana svoboda od tlačanstva je prišla šele leta 1823, ko je bil Tropinin star že sedeminštirideset let; V tem času sega razcvet njegovega talenta. V tem obdobju je nastal njegov lasten, samostojen umetniški sistem, ki je svojevrstno predelal dediščino klasicizma in slikarske tehnike 18. stoletja, dokončno pa se je oblikoval Tropinin. žanr intimnega vsakdanjega portreta. Strokovnjaki imenujejo Tropininove portrete "antipod" portretov Kiprenskega, saj njegove slike prikazujejo svobodno, neovirano, "domačo" osebo.
"Portret osebe je naslikan v spomin ljudem, ki so mu blizu, ljudem, ki ga imajo radi," je rekel sam Tropinin; Ta nekoliko naivna izjava vsebuje v bistvu celoten program, ki označuje Tropininove naloge in njegov odnos do resničnosti. V Tropininovih portretih se prenaša intimen, »domač« videz ljudi njegove dobe; Tropininovi liki ne »pozirajo« pred umetnikom in gledalcem, ampak so ujeti taki, kot so bili v zasebnem življenju, okoli družinskega ognjišča.
Tropinin se je obrnil k žanrskim motivom, posvetil upodobitev preproste delovne osebeštevilna dela. V svojih delih posveča veliko pozornosti študiju narave - vsi njegovi portreti resnično reproducirajo življenje okoli umetnika, v njih ni nič namernega ali izmišljenega - "Deklica z lutko" (10), "Stari kočijaž, ki se naslanja na bič" (11), "Čipkarica" (12).
Njegove mehko naslikane portrete odlikujejo visoke slikovne vrednosti in lahkotnost zaznavanja, človeške podobe se dojemajo kot značilne resnicoljubnost in umirjenost brez večjega notranjega vznemirjenja .
Nekatera od teh del imajo kljub precej očitnemu realističnemu značaju značilnosti sentimentalizma - "Dekle z loncem vrtnic" (13), "Ženska na oknu. (Blagajnik)« (14).
Konec leta 1826 se je S. A. Sobolevsky, Puškinov tesen prijatelj, obrnil na Tropinina s predlogom, da bi naslikal pesnikov portret. Atributi »domačnosti« - ogrinjalo, odpet srajčni ovratnik, razmršeni lasje - se ne dojemajo kot dokaz intimne lahkotnosti pozerja, temveč kot znak tiste »poetične motnje«, s katero je romantična umetnost tako pogosto povezovala ideja navdiha "Puškinov portret" (15). V svoji figurativni strukturi portret Puškina odmeva dela sodobnega romantičnega slikarstva Tropinina, hkrati pa je Tropinin uspel ustvariti romantično podobo, ne da bi žrtvoval realistično natančnost in resničnost slike. Puškin je upodobljen sede, v naravni in sproščeni pozi. Obraz, osenčen z belino reverja srajce, je najintenzivnejša barvna točka na sliki in je tudi njeno kompozicijsko središče. Umetnik ni želel "olepšati" Puškinovega obraza in ublažiti nepravilnosti njegovih potez; vendar jo je ob vestnem sledenju naravi uspel poustvariti in ujeti visoka duhovnost. Sodobniki so soglasno prepoznali brezhibno podobnost s Puškinom na Tropininovem portretu. V primerjavi s slavnim Puškinovim portretom Kiprenskega se portret Tropininskega zdi bolj skromen in morda intimen, vendar mu ni slabši niti v izraznosti niti v slikovni moči.
V prvi četrtini 19. stoletja so na tem območju potekali pomembni procesi SLIKANJE KRAJINE.Če so bile pokrajine nekdanjih umetnikov v veliki meri konvencionalne in načrtno konstruirane in so bile praviloma slikane v ateljeju, brez narave ali pa so imele zelo malo opraviti z njo, zdaj krajinarji v svoje delo vnesejo veliko več. življenjska resnica, natančno opazovanje in čustveni začetek. Najpomembnejše mesto pri tem seveda pripada Silvestru Ščedrinu.
SILVESTER ŠČEDRIN (1791-1830)
Mojster ruske krajinske romantike in lirične interpretacije narave. Delo Silvestra Feodosijeviča Ščedrina je zaznamovalo mejo med starim in novim v zgodovini ruske pokrajine. Umetnik je pripeljal do popolnosti, za kar so si prizadevali njegovi predhodniki, in postavil temelje za nov realistični razvoj ruskega krajinskega slikarstva. Njegova dela jasno kažejo vztrajno delo iz življenja. Bil je prvi ruski slikar, ki se je posvetil plenerizmu. Vse njegove pokrajine natančno prenašajo značaj narave. Tudi Ščedrin v svoje krajine uvaja ljudi, vendar ne več v obliki brezličnih figur za merilo, kot je bilo prej, ampak živi ljudje, ki so resnično povezani z naravo. V svojih najboljših delih je uspešno in resnično presegel konvencionalni, »muzejski« okus prenašal naravno stanje narave- nianse sončne svetlobe, svetlo modra meglica v daljavi, nežni odtenki modrega neba. Imel je subtilen lirično čutenje narave.
Po diplomi na Akademiji za umetnost v Sankt Peterburg, leta 1818 prispel v Italijo in živel več kot 10 let. Za tiste čase si je zaslužil nekaj neverjetnega. priljubljenosti med Italijani Tisti, ki so želeli kupiti njegove slike, so morali včasih napisati veliko kopij njihovih najuspešnejših del, ki so se hitro razprodale. Njegova znana dela so »Novi Rim »Grad svetega angela« (17), promenada Mergellina v Neaplju (18), veliko pristanišče na otoku Capri (19) in drugi, ko je Ščedrin presegel tradicijo »herojske pokrajine« in na Akademiji umetnosti razvito razumevanje narave kot razloga za zgodovinske spomine, se obrnil k živi, sodobni realnosti in resnični naravi. shema za umetniško rešitev krajinske teme.
Ker je živel kratko, a ustvarjalno življenje, se Ščedrin nikoli ni mogel vrniti v Rusijo. Veličastne italijanske pokrajine so odsevale vso edinstveno lepoto narave te regije, ki so si jo mnogi ruski umetniki predstavljali kot raj - obljubljeno deželo - »Grotto v Firencah« (20), »Italijanska pokrajina. Capri" (21), "Mesečina v Neaplju" (22), "Pogled na jezero Nemi v bližini Rima."
V tem majhnem platnu, ki pripada najboljša bitja V ruskem krajinskem slikarstvu so glavne značilnosti Ščedrinovega novega umetniškega sistema prikazane s polno jasnostjo. »Pogled na jezero Nemi« je tuj tistim premišljenim učinkom, ki sestavljajo samo bistvo akademske krajine. V ščedrinski pokrajini ni klasičnih gajev, slapov, veličastnih ruševin; idealizacijo nadomesti živo in resnično poustvarjanje podobe narave. Osnova nove metode ni »kompozicija« pokrajine, temveč neposredno in natančno opazovanje narave.
Ozka pot, obdana s starimi drevesi, se vije ob obali in vodi gledalčev pogled v globino slike. V ospredju je več figur: dve kmečki ženi se pogovarjata na obali, menih se sprehaja, voznik pa za seboj pelje osla. Dalje se vidi mirna, svetla voda jezera; v globini, zakrivajoč obzorje, modri visoka gora, pokrita z gozdom. Mehka razpršena svetloba preplavi sliko, sončni bleščavi padajo skozi veje dreves na peščeno pot, voda se srebrno lesketa na soncu, prozorna zračna tančica pa ovija bližnje in oddaljene predmete.
Realistično obvladovanje prostora je eden od Ščedrinovih glavnih dosežkov v tem filmu. Ni zakulisja, ni objektnih oznak, ki bi označevale globino. Linearna perspektiva je zamenjala zračno perspektivo. Resda so na sliki še ohranjeni trije tradicionalni tlorisi, vendar jih cesta, ki gre globlje, povezuje in naredi prostor neprekinjen. Umetnik se ne zadovolji več z resnično reprodukcijo posameznih detajlov; doseže celovitost celotnega vtisa in organsko enotnost vseh elementov, ki sestavljajo pokrajino. Prepustnost svetlobe in zraka, enotnost osvetlitve, ki povezuje objekte in prostorske načrte, je glavno sredstvo, s katerim slika pridobi to celovitost.
Slikarski sistem, ki ga je Ščedrin razvil na podlagi proučevanja narave na prostem (tako imenovano plenersko slikarstvo), odpira novo stran v zgodovini krajine. Ni presenetljivo, da inovativnost ruskega mojstra ni bila takoj cenjena in je povzročila proteste konzervativne umetnostne kritike. Ideologom akademske umetnosti se je zdelo, da se Ščedrin »drži suženjskega posnemanja narave in ne dopušča odstopanj niti v korist elegantnega«. Umetnik se je namreč zavestno odpovedal konvencionalnim in fiktivnim učinkom, ki so v krogih blizu Akademije za umetnost veljali za »elegantne«. Seveda pa je bil zelo daleč od pasivnega kopiranja narave. Njegovo slikarstvo ne zajema le resničnega videza obrežja jezera Nemi, temveč z globoko in pristno prodornostjo razkriva poezijo italijanske narave, njeno sončno spokojnost in svetlo, mirno harmonijo.
Umetnika je zanimal še en motiv - terasa, porasla z grozdjem, s pogledom na morje. "Veranda, prepletena z grozdjem" (24).
ALEKSEY VENECIANOV (1780-1847) – (25)
Imenuje se Venetsianov ustanovitelj ruskega žanrskega (vsakdanjega) slikarstva. To ni povsem res - imel je predhodnike že v 18. stoletju. Začne pa se z Venetsianovom vzpon realnih trendov v ruski umetnosti, ki ga spremlja poziv k svetu narodnih in ljudskih podob ter povečanje zanimanja za sodobno življenje.
Ustvarjalnost Venetsianova je prežeta z domoljubjem in pristnostjo demokratična drža. Obdobje družbenega vzpona, povezano z domovinsko vojno, je umetniku odprlo oči za globoke moralne lastnosti preprostega ruskega človeka iz ljudstva, za njegovo junaštvo in človeško dostojanstvo. IN Ruski podložni kmetje Venetsianov, umetnik-humanist, je bil sposoben razbrati poteze ne sužnja, ampak, nasprotno, višjega človeškega tipa.
Čudovit Rus žanrski slikar in portretist Aleksej Gavrilovič Venecianov prvič v ruskem slikarstvu kombinirane podobe kmečke in narodne narave. Venetsianov - ustvarjalec celotne galerije kmečki portreti - "Speči pastir" (26).
Slika "Speči pastir" zavzema vidno mesto v tem ciklu. Je ena najbolj poetičnih stvaritev Venetsianova. S posebno toplino in lirično vznesenostjo je umetnik upodabljal kmečke otroke. Čistost in harmonična jasnost njegovega likovnega mišljenja je odlično ustrezala nalogam poustvarjanja otroškega sveta. Nihče od ruskih mojstrov njegovega časa ni dosegel takšne pronicljivosti, tako ostre resnicoljubnosti in hkrati takšne moči pesniškega občutka pri prikazovanju otroških podob in izkušenj iz otroštva. S tem pa vsebina »Spečega pastirja« ni izčrpana. Tu se jasno in jasno pokažejo vse glavne značilnosti umetniškega jezika Venetsianova, celotna struktura njegovega domišljijskega mišljenja, vse progresivne plati njegove umetnosti, a hkrati zgodovinsko razložljive omejitve njegovega realizma. V Speči pastirici ni akcije. Upodobljen je kmečki fant, ki zaspi na polju; sedi na bregu ozke reke, naslonjen na deblo velike stare breze, za njim pa se v ozadju slike odpira tipična ruska pokrajina z razmajano kočo, redkimi jelkami in neskončnimi polji, ki se raztezajo do obzorje. Toda v ta preprost zaplet je vgrajena globoka čustvena vsebina. Slikarstvo Venetsianova je prežeto z občutkom miru in spokojnosti, lirične ljubezni do narave in človeka.
Glavna tema slike je harmonično zlitje človeka z naravo in Venetsianov tukaj nedvomno odmeva sentimentalizem poznega 18. stoletja. V »Pastirici« ni sledi premišljenega poziranja, celoten videz spečega dečka zaznamujejo poteze živahne in sproščene naravnosti. Venetsianov še posebej skrbno poudarja nacionalni ruski tip v njem in daje njegovemu obrazu izraz pristne ganljive duhovne čistosti. Kritiki so Venetsianovu včasih očitali nekoliko manirno držo pastirice, a ta očitek je nepravičen - prav poza spečega dečka s svojo posebno otopelostjo, ki dobro izraža stanje spanja, priča o umetnikovem ostrem opazovanju in bližina njegovih podob živi naravi. Pokrajina ima na sliki posebno pomembno vlogo. Ne postane več »ozadje« za podobo človeka, temveč neodvisno in bistveno sredstvo pri podajanju občutkov in gradnji podobe. V pokrajini je Venetsianov deloval kot ustanovitelj nove smeri, ki jo je kasneje močno razvila ruska umetnost 19. stoletja. Venetsianov se je obrnil k preprosti, "neokrašeni" naravi svoje domovine in jo poustvaril ne le s skrbno natančnostjo, temveč tudi z globokim liričnim občutkom.
Podoba narave, tako kot podoba človeka, v umetnosti Venetsianova postane nosilec idiličnega pogleda na svet.
"Vedeževanje s kartami" (27), "Kosci" (28), "Kmečka ženska s koso in grabljami (Pelageya" (29), "Kopalci" (30), "Na njivi. Pomlad" (31) . V svojih likovnih delih slikar izraža svoje idejno in estetsko stališče. pokazal Venetsianov duhovna privlačnost kmetov, uveljavil svojo osebnost in s tem branil svoje človekove pravice. V svojih delih, ki prikazujejo kmete, je umetnik skušal razkriti duhovna in fizična lepota preprostega ruskega človeka. Slikar je globoko sočustvoval s kmečko usodo, si zelo prizadeval ublažiti položaj podložnih umetnikov, hkrati pa je bil daleč od družbene kritike. Na delo Venetsianova je močno vplivala klasična dediščina: v svojih delih se ni bal uporabljati sredstev starega slikarstva. Hkrati pa je bil v svojih težnjah realist, poleg vzvišene harmonije klasicistov, blizu spoštovanje individualnosti, značilno za romantiko. Široka privlačnost »očeta ruskega žanra« do kmečke teme je bila za tisti čas pravo umetniško razodetje in je bila toplo sprejeta v vodilnem delu ruske družbe.
Inovativnost Venetsianova se ni pokazala le v tem, da se je obrnil na niz podob, ki so bile nove v ruskem slikarstvu, ampak tudi v tem, da je za njihovo izvedbo razvil nova realistična vizualna sredstva. Venetsianov je odkrito prekinil s staro konvencionalno umetnostjo Akademije in poklicani učiti se od življenja, od narave, jo preučevati in posnemati.
Velik pomen Venetsianova kot učiteljica. Na posestvu Safonkovo je ustvaril umetniško šolo, v kateri se je izobraževala cela galaksija slikarjev, tako imenovanih Benečanov. Ti umetniki so po zapovedih svojega učitelja delovali predvsem na žanrskem področju, kjer so upodabljali domače življenje, ulične prizore, delo kmetov in rokodelcev ter podeželske krajine.
Previsoki stroški, povezani s potrebo po vzdrževanju šole in oskrbi njenih učencev, so močno obremenili posestvo. Na koncu je bil prisiljen posestvo zastaviti skrbniškemu svetu. V želji, da bi nekako izboljšal svoj finančni položaj, je Venetsianov prevzel naročeno delo. Večinoma so bili to portreti in ikone za cerkve. 4. decembra 1847, ko je dokončal skice ikon za eno od tverskih cerkva, jih je želel osebno odpeljati v Tver. Na poti navzdol po strmi gori so konji začeli drseti, Venetsianova je vrglo iz sani in se je zapletel v vajeti. Trojka je že brez življenja odvlekla v vas Poddubye.
KARL BRYULLOV (1799-1852) - (32)
Karl Petrovič Bryullov - izjemen ruski zgodovinski slikar, portretist, krajinar, avtor monumentalnih slik; dobitnik častnih nagrad: velike zlate medalje za slike "Prikaz treh angelov Abrahamu pri Mamrejevem hrastu" (1821) in "Zadnji dan Pompejev" (1834), red Ane III stopnje; Član milanske in parmske akademije, akademije svetega Luke v Rimu, profesor peterburške in firenške akademije umetnosti, častni brezplačni sodelavec pariške Akademije umetnosti.
V družini akademika za okrasno kiparstvo P. I. Brullo je bilo vseh sedem otrok umetniških talentov. Pet sinov: Fedor, Aleksander, Karl, Pavel in Ivan so postali umetniki. Toda slava, ki je padla na Karla, je zasenčila uspehe drugih bratov. Medtem je odraščal kot šibek in slaboten otrok, sedem let praktično ni vstal iz postelje in bil tako izčrpan zaradi škrofuloze, da je »postal predmet gnusa svojih staršev«.
Bil je Karl Pavlovič Bryullov eden najsvetlejših, in hkrati kontroverzni umetnik v ruskem slikarstvu 19. stoletja. Bryullov je imel briljanten talent in neodvisen način razmišljanja. Kljub težnjam časa (vpliv romantike) se umetnik ni mogel popolnoma znebiti klasicističnih kanonov. Morda je bilo zato njegovo delo visoko cenjeno na daleč napredni peterburški akademiji umetnosti: v mladosti je bil njen študent, pozneje pa je postal zaslužni profesor. Vendar z izjemo Fedotova umetnik ni imel učencev s pomembnim talentom. Njegovi privrženci so večinoma postali površni salonski slikarji, ki so prevzeli le nekatere zunanje tehnike Bryullova. Kljub temu Bryullova ali »velikega Karla«, kot ga je poimenovala elita, v času svojega življenja niso častili le v Rusiji, ampak tudi številni ugledni ljudje v Evropi. V drugi polovici 19. stoletja, v času razcveta realizma, so umetniki in kritiki v Bryullovu videli le predstavnika »akademske« smeri, ki jim je bila nesprejemljiva. Minilo je veliko let, preden je umetnik zavzel svoje pravo mesto v zgodovini ruske umetnosti.
Bryullov je bil človek ogromnega talenta, ki ga je pokazal v najrazličnejših žanrih umetnosti. Razvoj Rusko zgodovinsko slikarstvo, portret, risba, dekorativno slikarstvo veliko dolguje svojemu delu. V vsakem od teh žanrov je virtuozna veščina tega izjemnega umetnika pustila globok pečat.
Po prvotni izobrazbi od svojega očeta, profesorja na Akademiji za umetnost, in nato na sami Akademiji, je Bryullov že v mladosti odkril izjemne umetniške sposobnosti.
Ko je bil upokojenec v Rimu in je študiral klasično dediščino, je ustvaril dela, ki so takoj razkrila ne le zrelost njegovega talenta, temveč tudi plodnost njegovega iskanja realne izraznosti umetniške podobe. Takšne slike Bryullova kot "Italijansko jutro" (33), "Opoldne" in nekateri drugi, posvečeni življenju italijanskega ljudstva, so pri zagovornikih klasicizma v Sankt Peterburgu vzbudili očitke zaradi pretirane predanosti mladega umetnika resničnemu življenju. To Bryullova sploh ni motilo in z velikim navdušenjem je nadaljeval delo na svojem največjem platnu. "Zadnji dan Pompejev" (34), kar mu je prineslo slavo najboljšega slikarja dobe. Potem ko je opravil ogromno predhodnega dela, je ustvaril resnično dramatičen ep, katerega romantična vznesenost podob je na njegove sodobnike naredila ogromen vtis. Ta slika je bila zmagoslavje ruske likovne umetnosti, prepričljiv dokaz njene zrelosti.
Razumevanje zgodovinske teme, izražene v »Zadnjem dnevu Pompejev«, neposredno odmeva z vrsto zgodovinskih idej, ki jih je razvila napredna ruska literatura in družbena misel 1820-1830.
V nasprotju s prejšnjim zgodovinskim slikarstvom s kultom herojev in poudarjeno pozornostjo do posameznika, nasproti neosebni množici, je Bryullov "Zadnji dan Pompejev" zamislil kot množična scena, v katerem edini in pravi junak bi bilo ljudstvo. Vsi glavni liki v filmu so skoraj enakovredni eksponenti njegove teme; Pomen slike ni utelešen v prikazu enega samega junaškega dejanja, temveč v skrbnem in natančnem prenosu psihologije množic. Delo na "Zadnjem dnevu Pompejev" se je vleklo skoraj šest let.
Tematika slike je vzeta iz stare rimske zgodovine.
Pompeji (ali bolje rečeno Pompeji) - starodavno rimsko mesto ob vznožju Vezuva - 24. avgusta 79 našega štetja je bilo zaradi močnega vulkanskega izbruha napolnjeno z lavo in prekrito s kamni in pepelom. Dva tisoč prebivalcev (skupaj jih je bilo okoli 30.000) je umrlo na ulicah mesta med stampedom.
Več kot tisoč let in pol je mesto ostalo zakopano pod zemljo in pozabljeno. Šele ob koncu 16. stoletja so med izkopavanji po naključju odkrili kraj, kjer je bila nekoč izgubljena rimska naselbina. Od leta 1748 so se začela arheološka izkopavanja, ki so se še posebej okrepila v prvih desetletjih 19. stoletja.
V središču slike je ležeča figura mlade ženske, ki je v smrt padla z voza. Lahko se domneva, da je Bryullov v tej figuri želel simbolizirati celoten umirajoči starodavni svet; Namig na takšno interpretacijo najdemo tudi v ocenah sodobnikov. Ni naključje, da je umetnik poleg osrednje figure umorjene upodobil čudovitega otroka, kot simbol neizčrpne moči življenja. Na sliki sta tako poganski duhovnik kot krščanski duhovnik, kot da poosebljata odhajajoči starodavni svet in krščansko civilizacijo, ki nastaja na njegovih ruševinah.
Bryullov je kot slikar velikega talenta s svojimi deli uničil ozek okvir akademskih kanonov. Njegova dela je vedno odlikovala konceptualna širina.
V svojem delu predvsem umetnik posvečal pozornost osebi, razkril moč njegovega uma in potrdil plemenitost njegovih teženj. V vsakem delu Bryullova, v katerem koli njegovem platnu in v kateri koli njegovi risbi sta vedno utelešena ljubezen in spoštovanje do človeka - "Genij umetnosti" (35), "Narcis, ki gleda v vodo" (36), "Speča Juno" (37).
Umetnikovi dosežki na področju portretiranja niso naključni. Bryullov je natisnil celo vrsto slik svojih sodobnikov. Ob uradnih naročenih portretih nam je zapustil vrsto globokih realističnih podob umetnikov, ljudi svojega kroga - pisateljev, umetnikov, igralcev - “Konjenica” (38), “Vedeževanje Svetlana” (39), “Portret princese Volkonske” (40), “Turkinja” (41), “Sanje o nuni” (42), “Profil Glinkine glave” (43).
ALEKSANDER IVANOV (1806-1858)
Nova in še pomembnejša stran v zgodovini ruskega slikarstva je bilo delo Aleksandra Ivanova. Ob prejemu likovna vzgoja v Petrogradu je bil Ivanov kot upokojenec Društva za vzpodbujanje umetnosti poslan v Italijo na izpopolnjevanje in študij klasične umetnosti.
Ivanov, ki ga je vzgojil oče, profesor zgodovinskega slikarstva na Akademiji za umetnost, v tradiciji ruskega klasicizma, je močno občutil zaton tega sloga v novih zgodovinskih razmerah in propad estetskih idealov in idej, ki so pred kratkim prevladovali. Za cilj vsega svojega življenja si je zadal vrniti umetnosti njen družbeni pomen. Po njegovem mnenju bi morali biti ustvarjalni dosežki velikih klasičnih umetnikov povezani z novimi naprednimi idejami ruske družbe.
"Združiti Raphaelovo tehniko," je zapisal, "z idejami nove civilizacije - to je naloga umetnosti v tem času." »Kristusovo prikazanje Mariji Magdaleni« (44),
- spada v zgodnje obdobje dela Ivanova in ima vse značilnosti, značilne za klasicizem: uravnoteženo kompozicijo, porazdelitev figur in predmetov po načrtih, gladek vzorec in lokalno barvo, čustveno ekspresivnost v interpretaciji tradicionalnih mitoloških in evangeličanskih tem. Vodilna vrednost za Ivanova so podobe umetnosti italijanske renesanse. Dokonča zgodnje obdobje ustvarjalno umetniško slikanje "Apolon, Hiacint in Cipresa, ki se ukvarjajo z glasbo in petjem"
(44a), ki jo je Ivanov ustvaril že v Rimu in ki se odlikuje z nenavadno pretanjeno kompozicijsko in koloristično ubranostjo ter poetično vzvišenostjo interpretacije podob antičnega mita. To je antika, dojeta skozi renesanso. Zdi se, da umetnik razkriva skriti božanski pomen narave. Veliki ruski umetnik Aleksander Andrejevič Ivanov je z globino obogatil rusko in evropsko slikarstvo 19. stoletja filozofska misel . V svojem delu je Ivanov izpostavil številne probleme sodobnega življenja: umetnik je bil prvi v ruskem slikarstvu, ki je izpostavil. Njegov pogled na svet se je oblikoval pod vplivom N. V. Gogola, s katerim je umetnik v teh letih prijateljeval. Gogol je močno vplival na ideje Ivanova o vzgojnih nalogah umetnosti. je spoznal Ivanov vzgojna in preroška vloga umetnika, je verjel, da mora umetnost služiti preobrazbi in moralnemu izboljšanju človeštva. Umetnik je skušal razumeti
Kriza podložništva upočasnjuje razvoj kapitalističnega sistema. V posvetnih krogih se pojavljajo svobodoljubne ideje, poteka domovinska vojna leta 1812, pa tudi ruske čete, ki sodelujejo pri osvoboditvi evropskih držav od Napoleona, decembristična vstaja leta 1825 proti carizmu, vse to vpliva na slikarstvo.
Kakšna je razlika med slikarstvom v dobi genija A.S. Puškin?
Verjetno utelešenje svetlih in humanih idealov svobodoljubnega ljudstva ...
Vzporedno s klasicizmom se razvija romantika, oblikuje se realizem.
Romantična smer ruskega slikarstva je v naslednjih desetletjih postala začetek razvoja realizma. Tako poteka zbliževanje ruski umetniki, romantike z resničnim življenjem, kar je bilo bistvo umetniškega gibanja tega časa. Široka razširjenost razstav hkrati govori o zbliževanju ruskega ljudstva s svetom umetnosti, ljudje vseh slojev si prizadevajo obiskati razstave. Menijo, da je slika K.P. Bryulov "Zadnji dan Pompejev" je služil kot takšno zbliževanje. Peterburški ljudje vseh slojev so jo poskušali videti.
Rusko slikarstvo postaja večnacionalno, slike dobivajo nacionalne odtenke, na Akademijo sprejemajo študente različnih narodnosti. Tukaj študirajo domačini Ukrajine, Belorusije, baltskih držav, Zakavkazja in Srednje Azije.
V prvi polovici 19. stoletja je bilo slikarstvo zastopano v vseh žanrih: portret, krajina, tihožitje, zgodovinsko slikarstvo.
Znani ruski umetniki prve polovice 19. stoletja:
Mojstrovine ruskega slikarstva
- Slika Bryullova K.P. "Zadnji dan Pompejev"
- Slika Aivazovskega I.K. "Deveti val"
- Slika Brunija F.A. "Bakrena kača"
- Slika Venetsianova A.G. "Tla hleva"
- Slika Tropinina V.A. "Čipkarica"
Slikarstvo prve polovice 19. stoletja
Začetek 19. stoletja tradicionalno imenujemo zlata doba ruske kulture. To je čas, ko je zasijal genij A. Puškina, A. Gribojedova in N. Gogolja, ruska slikarska šola v osebi K. Bryullova pa je dobila evropsko priznanje. Mojstri tega zgodovinskega obdobja so si kljub dramatičnim življenjskim okoliščinam v umetnosti prizadevali za vedro harmonijo in svetle sanje, pri čemer so se izogibali prikazovanju zemeljskih strasti. To je bilo v veliki meri posledica splošnega razpoloženja razočaranja nad aktivnim bojem, ki je vladal v Zahodni Evropi in Rusiji po propadu idej Velike francoske revolucije. Ljudje se začnejo »umikati vase« in se prepuščati samotnim sanjam. Prihaja obdobje romantike, ki je v Rusiji sovpadalo z začetkom vladavine novega cesarja Aleksandra I. in vojne z Napoleonom.
Portretna umetnost zgodnjega 19. stoletja odseva skriti svet čustvenih doživetij, melanholije in razočaranja. Glavni predstavnik romantične smeri v ruski portretni umetnosti je bil Orest Adamovič Kiprenski (1782–1836). Kiprenski, diplomant peterburške akademije umetnosti, je živel burno življenje, v katerem je bilo vse: nori romantični vzgibi, strastna ljubezen, vzpon slave in smrt v revščini v tuji deželi. Iz prvega, peterburškega obdobja njegovega življenja je ostala dragocena zapuščina - briljantne slike v portretnem žanru (»Portret A. K. Shvalbeja«, »Portret E. V. Davidova«, »Portret grofice E. P. Rostopchina«, »Portret D. N. Khvostova «, itd.). Junaki portretov Kiprenskega so izrazito zadržani, ne kažejo svojih čustev, a na obrazu vsakega od njih leži pečat »pripravljenosti« na preizkušnje usode, pomen človeške osebnosti, značilne za romantiko, ne glede na razred. , spol in starost.
V prvih letih 19. stoletja je iz napoleonske Francije v Rusijo prišel stil empire - nova vrnitev klasicizma. Racionalna jasnost, harmonično ravnovesje, veličastna resnost, premagovanje zemeljskih strasti zaradi idealov domoljubne hrabrosti - vse te značilnosti klasicističnega sloga so bile v povpraševanju med domovinsko vojno z Napoleonom. Najbolj izrazit predstavnik klasicizma v ruskem slikarstvu je bil Fjodor Petrovič Tolstoj (1783–1873), čudovit kipar, slikar in risar. V njegovih očarljivih tihožitjih se sadje in cvetje pojavljajo kot »biseri stvarstva«, kot starodavni ideal harmonične popolnosti, očiščene vsega »zemeljskega« in naključnega.
Moskovski požar, partizansko gibanje, zmagovit konec vojne z Napoleonom - vse to je prvič prisililo plemstvo, da je na ljudi pogledalo po novem, spoznalo svoj položaj in priznalo njihovo človeško dostojanstvo. V delih Alekseja Gavriloviča Venecianova (1780–1847) se prvič pojavi svet podložnega kmečkega ljudstva. Ta umetnik je šel proti ustaljeni akademski rutini - začel je slikati ne po akademskih shemah, ampak "a la narava", kar je bil v tistih časih velik pogum. Njegovi podložniki, prebivalci vasi Safonkovo v provinci Tver, so pozirali Venetsianovu. Kmečki svet na slikah Venetsianova je viden kot iz okna romantičnega plemiškega posestva: v njem ni mesta za kritiko socialne krivice ali preobremenjenosti. Venetsianov svet je poln harmonične popolnosti, tihega, čistega miru, enotnosti ljudi in narave. V pesniško konvencionalni kmečki žanr Venecianova prvič prodre skromen, tih čar tihe severnoruske narave, kar je poseben čar njegovih slik. Z lastnimi sredstvi je Venetsianov na svojem posestvu ustanovil šolo za umetnike, ki jih je rekrutiral predvsem iz podložnega razreda. Nekateri njegovi učenci so dostojno nadaljevali njegovo umetniško pot. Tako so poetične notranjosti Kapitona Aleksejeviča Zelencova (1790-1845), krajine Grigorija Vasiljeviča Soroke (1823-1864) in Evgrafa Fedoroviča Krendovskega (1810 - po 1853) vredne pozornosti. Po A. Benoisu je "Samo Venecianov vzgojil celotno šolo, celotno teorijo in zasejal prva semena ruskega ljudskega slikarstva."
Najboljši diplomanti Akademije za umetnost so dobili pravico do pripravništva v Italiji - državi "žive" antike in čudovitih mojstrovin renesanse. Mnogi umetniki, ki so odšli v Italijo, so ostali v tej državi že mnogo let Ker se niso želeli vrniti v Rusijo, kjer je vladal duh vladne ureditve umetnosti, so bili slikarji odvisni od ukazov cesarskega dvora.
Zgodaj umrli nadarjeni umetnik Mihail Ivanovič Lebedev (1811–1837) je svoje najboljše romantične krajine naslikal v Italiji. Očarljiva italijanska narava in radodarno južno sonce sta navdihnila najbolj nadarjenega krajinarja te generacije, Silvestra Feodosijeviča Ščedrina (1791–1830). Ščedrin je leta 1818 odšel na upokojensko potovanje v Italijo in tam zaradi bolezni živel do svoje smrti leta 1837. Večkrat je ponovil iste motive - veličastne panorame Rima, spokojne poglede na skale in morje na južni obali Italije v bližini Neaplja in Sorrenta. Ščedrin je bil prvi, ki je začel slikati pokrajine na prostem (open air), s čimer se je osvobodil tradicionalnih akademskih konvencij barv. V njegovih pokrajinah ne bomo srečali romantičnih neviht in deževnega slabega vremena; svetlo sonce in spokojnega miru, ljudje živijo združeno z okoliško naravo, narava pa ljudem daje blaženost, sprostitev in »pomaga« pri vsakdanjem delu.
Karl Pavlovič Bryullov (1799–1852) je bil najbolj znan slikar med vsemi ruskimi mojstri zgodnjega 19. stoletja. Njegova veličastna slika Zadnji dan Pompejev, ustvarjena v Italiji, je doživela izjemen uspeh v Evropi in Rusiji. V domovini so Bryullova pozdravili kot narodnega heroja. Virtuozni risar, zaljubljen v zunanjo lepoto sveta, je Bryullov uspel "vliti novo kri" v umirajoči akademizem in ga napolniti s svetlimi romantičnimi izkušnjami. Tako v narativnih slikah kot v portretih Bryullov predstavlja življenje v oblikah gledališča. Njegovi veliki ceremonialni portreti, kjer je oseba upodobljena, kot da bi bila ujeta v trenutku "igranja vlog" ("Konjenica", "Portret N.V. Lutkarja" itd.), so uživali velik uspeh med kupci. Umetnik si ni zadal naloge, da prenese edinstveno individualnost posameznika, ukvarjal se je predvsem z očarljivo zunanjo lepoto žensk, sijajem dragih oblačil in razkošjem notranje opreme. V zadnjih letih svojega dela se je Bryullov oddaljil od ideala "vedrega" zunanjega sijaja, njegovi portreti so postali bolj intimni in psihološko globoki ("Portret A. N. Strugovshchikova", "Avtoportret" iz leta 1848.)
Lik briljantnega mojstra Aleksandra Andrejeviča Ivanova (1806–1858) se dviga nad vse umetnike prve polovice 19. stoletja. Po A. Benoitu je »v njem živela otroška, angelska, radovedna duša, prava duša preroka, žejna resnice in ne bala mučeništva«. V Italiji, kamor je bil Ivanov po diplomi na Akademiji za umetnost poslan na upokojensko potovanje, je približno dvajset let delal na veličastnem platnu »Prikaz Kristusa ljudem« in se tik pred smrtjo vrnil v domovino. Ruska javnost slike ni cenila in njen avtor je kmalu nenadoma umrl zaradi kolere v Sankt Peterburgu, ne da bi prejel denar za glavno sliko svojega življenja, ki jo je pridobil cesar.
Pripravljalne krajinske skice Ivanova za "Prikaz Kristusa ljudem" so postale prave mojstrovine. Umetnik, ki je delal na prostem v bližini Rima, je v iskanju barvne resnice prišel do neverjetnih kolorističnih odkritij, ki so predvidevali dosežke francoskih impresionistov. Ivanov je bil pravi umetnik-modrec religioznega občutka, ki mu je uspelo v ciklu akvarelov "Biblijske skice" povedati novo besedo v zgodovini religioznega slikarstva, predstaviti najbolj veličastno in nedoumljivo z "resnično velikonočno slovesnostjo" (A. Benois). ).
Vasilij Andrejevič Tropinin (1776 (?) - 1857) je postal prvi profesionalni moskovski portretist, ustanovitelj moskovske slikarske šole. Za podložnega umetnika je imel srečno usodo: njegov gospodar grof Morkov mu je plačeval študij na Akademiji za umetnost, spodbujal njegovo ustvarjalnost in mu leta 1823 dal svobodo. Takoj za tem je Tropinin, že priljubljen med Moskovčani, prejel naziv "imenovani akademik". Umetnik nam je zapustil celo galerijo obrazov popožarne Moskve, v kateri je vladalo posebno vzdušje svobode, gostoljubnosti prebivalcev in sposobnosti prepuščanja radostim življenja. Tropininovi portreti presenetijo s svojo vitalnostjo in hkrati ljubečim, prijaznim pogledom na človeka.
Pavel Andrejevič Fedotov (1815–1852) je bil gardni častnik finskega polka, a je pri 29 letih leta 1844 zapustil vojaško službo in se povsem posvetil umetnosti. Usoda mu je dala približno osem let za ustvarjanje - Fedotov je umrl pri 37 letih v psihiatrični bolnišnici, ko je uspel naslikati malo slik, a vsaka od njih je dragocen biser, ki je vstopil v zakladnico ruske umetnosti. Umetnik je deloval na področju vsakdanjega žanra in mu dal novo višino in ostrino. Prizore iz življenja trgovcev in plemstva napolni z nežnim humorjem, se norčuje iz sodobnih običajev ("Majorjevo ujemanje", "Izbirčna nevesta" itd.). Fedotov prikazuje svet ljudi in njihovo objektivno okolje z osupljivo slikovno dovršenostjo, ljubečo prodornostjo, nežnostjo in resnicoljubnostjo. Zadnja slika hudo bolnega umetnika »Sidro, še sidro!« je obupno tiha in mračna ter spominja na blatne sanje mrzlice. V njej izgineta občudovanje sveta in sijoča spokojnost - na zgodovinsko prizorišče stopi nova, trezna in globoko kritična podoba stvarnosti - realizem.
SILVESTER ŠČEDRIN. Novi Rim. Grad sv. Angela.1824. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
V Ščedrinovi krajini podoba Večno mesto tako veličastno kot intimno. Težko kamnito maso gradu Sant'Angelo uravnotežijo zgradbe in čolni na levem bregu Tibere. Veličasten, gladek tok reke "vodi" gledalčev pogled do starodavnega obokanega mostu in silhuete katedrale svetega Petra - simbola veličine Rima. V ospredju vsakdanje življenje meščanov teče mirno in počasi: potegnejo čoln na obalo, se pripravljajo na jadranje, hitijo po svojih opravkih ... Vse podrobnosti pokrajine so žive, vidne v naravi, brez akademskih konvencij. . Sama slika je zelo lepa: vse je obdano z zrakom, prežeto z jutranjo mehko, razpršeno svetlobo.
SILVESTER ŠČEDRIN. Grotto Matromanio na otoku Capri.
Iz senčne jame jame je očarljiv pogled na vode in skale morskega zaliva, ki se zdi, da se sončijo pod bleščeče svetlimi sončnimi žarki. Lok jame tvori nekakšno zakulisje, ki učinkovito ograjuje oddaljeni prostor morskega zaliva od sveta vsakdanjega življenja ljudi, ki je blizu gledalcu.
SILVESTER ŠČEDRIN. Majhno pristanišče v Sorrentu s pogledom na otoka Ischia in Procido.1826. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
Od vseh številnih Ščedrinovih pogledov na Sorrento je ta pokrajina po duhu najbolj grška. Sončni žarki se »oprijemljivo« spuščajo z neba in se odsevajo v mirni srebrni gladini zaliva, mehko osvetljujejo obalne koče in čolne, poudarjajo lagodno in odmerjeno gibanje majhnih figur ribičev, zaposlenih z vsakodnevnimi opravili. Barve pokrajine so sijoče, sence so prozorne, vse je napolnjeno z zrakom.
SILVESTER ŠČEDRIN. Veranda, prepletena z grozdjem.
Ena umetnikovih najboljših pokrajin, naslikana v okolici Neaplja, je prežeta s helenskim duhom čistega miru in svetle harmonije. Narava se pri Ščedrinu pojavi kot podoba nebes na zemlji. Piha s svežim in vlažnim morskim dihom, aromo razgretih listov vinske trte. Ljudje se pred žgočim soncem zatečejo na verando in se prepustijo blaženi sprostitvi. Zlati sončni žarki prodirajo skozi prepletene veje grozdja, padajo kot odsevi na kamnite podpore verande in se odsevajo v svetlih odsevah na požgani travi ... Ščedrin mojstrsko prenese najkompleksnejši svetlobni učinek in doseže enotnost. svetlobe, barve in zračnega elementa, ki ga prej v pokrajini ni bilo.
MAKSIM VOROBJEV. Jesenska noč v Sankt Peterburgu (pomol z egipčanskimi sfingami na Nevi ponoči).1835. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
V enem svojih najboljših peterburških pogledov Vorobjov prenaša polnost romantičnega užitka pred čudovitim mestom in njegovo arhitekturo. Sijaj polne lune spremeni pravi kotiček Sankt Peterburga v čudovito vizijo. Znamenite kamnite sfinge uokvirjajo granitno nabrežje s temnimi silhuetami, lunarna pot na Nevi vodi gledalčev pogled v daljavo in vabi k občudovanju brezhibnih razsežnosti palač na nasprotnem bregu. Sodobniki v pokrajinah Vorobyova so občudovali "transparentnost barv", njihovo nasičenost s svetlobo in toploto, "svežino in postopnost v senci".
MAKSIM VOROBJEV. Hrast, ki ga je razbila strela.1842. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
Ta pokrajina je nastala kot alegorija na nepričakovana smrt umetnikova žena, Kleopatra Loginovna Vorobyova, rojena Shustova. Slepeča strela je razklala deblo mogočnega drevesa. V vse gostejšem modrem mraku se zemlja staplja z nebom, ob vznožju hrasta se dvigajo jezni morski valovi, v katere drvi osamljena postava, skoraj nevidna v vrtincu elementov. Umetnik tu uteleša najljubši motiv romantike: tragično nemoč človeka pred udarcem veličastne, a neusmiljene prvine.
MIHAIL LEBEDEV. V parku Chiji.1837. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
Po diplomi na Akademiji za umetnost je Lebedev odšel na upokojensko potovanje v Italijo, da bi nadaljeval študij, od koder je zapisal: "Zdi se mi, da je v Italiji (in povsod) greh delati brez življenja." Umetnik v enem svojih najboljših del pogumno odstopa od kanonov klasične krajine, tradicionalne za ta čas. Kompozicija je grajena diagonalno in je polna gibanja. Vzdušje soparnega dne in bujna moč južnega rastlinja sta vznemirljivo in živo podana; Kamnita zemlja široke ceste, naslikana s prostimi potezami, je bila videti, kot da je vsrkala sončno toploto.
Skupaj s Silvom. Zgodaj umrli Ščedrin, Lebedev je postal pionir v ruskem slikarstvu živega, neposrednega občutka narave.
GRIGORIJA ČERNECOVA. Parada ob odprtju spomenika Aleksandru I. v Sankt Peterburgu 30. avgusta 1834.1834. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg
Černecov je bil dvorni slikar cesarja Nikolaja I., ki se je imel za velikega poznavalca umetnosti. Dela Chernetsova natančno odražajo okus cesarja - zaradi nagnjenosti k vojaškim zadevam je Nikolaj I od umetnikov zahteval »protokolarno« snemanje narave pri upodobitvah parad, uniform, orožja itd. Zdi se, da je panorama trga Palace narisana vzdolž ravnila ogromno severno nebo z deževnimi oblaki spektakularno »zasenči« parado vojakov pred Aleksandrovim stebrom, zgrajenim po načrtih francoskega arhitekta Montferranda.
OREST KIPRENSKI. Portret A. K. Schwalbeja.1804. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg
Portret prikazuje umetnikovega očeta Adama Karloviča Schwalbeja, podložnika posestnika A. S. Dyakonova. Kiprenski je rad pripovedoval, kako so ta portret, prikazan na razstavah v Neaplju in Rimu, zamenjali za delo Rembrandta ali Rubensa. Umetnik je uspel prenesti značaj portretiranca - energičen in čvrst. Obraz je vrhunsko izklesan z globokimi gubami in močno brado, svetloba pa poudarja roko, ki samozavestno drži palico. To zgodnje delo spada med nesporne mojstrovine čopiča Kiprenskega in priča o njegovem globokem prevzemu slikarskih tehnik starih mojstrov.
OREST KIPRENSKI. Portret grofa F.V. Rostopchina.
Moskovski župan Fjodor Vasiljevič Rostopčin (1765–1826) je imel redek smisel za humor in se je ukvarjal z literarnimi dejavnostmi. Celotna elita Moskve se je takrat zbrala v znamenitem salonu Rostopchin. Med Napoleonovo invazijo so govorice Rostopchinu pripisovale ukaz zažgati Moskvo.
V tem oblikovalsko in barvno odličnem delu ne bomo videli nobenih posebnih značilnosti modela: portret je preprost in celo skromen. V primerjavi z mojstri prejšnje dobe Kiprensky posveča manj pozornosti dodatkom in podrobnostim oblačil. Črni suknjič in sklenjene roke so zaznane skoraj kot ena lisa. Takole je o tem delu govoril sam Rostopchin: "Sedim s prekrižanimi rokami, brezdelen in dolgočasen."
OREST KIPRENSKI. Portret grofice E. P. Rostopchine.1809. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
Portret je izdelal Kiprenski kot par portretu moža grofice F.V. Ekaterina Petrovna Rostopchina (1775–1859) je bila služkinja Katarine II. Na skrivaj se je spreobrnila v katoličanstvo in zadnja leta živela zelo odmaknjeno. Kiprenski ustvari mehko, dobrohotno, iskreno podobo portretiranca. Celoten njen videz diha tišino in vase zatopljenost. Barvna shema je bogata s subtilnimi in nežnimi prehodi srebrnih in olivnih tonov, kar se ujema z razpoloženjem portreta.
OREST KIPRENSKI. Portret življenjskega husarskega polkovnika E.V. Davydova.1809. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg
Portret prikazuje bratranca slavni pesnik in junak vojne 1812 Denis Davidov - Evgraf Vladimirovič Davidov (1775–1823). V času slikanja portreta je bil polkovnik Lifegarde husarskega polka in je sodeloval v bitki z Napoleonom pri Austerlitzu. Figura je obdana s skrivnostnim romantičnim somrakom, v katerem lahko vidite oljčno listje na ozadju črno-modrega neba. Kiprenski najde čudovito sozvočje barve: rdeča barva uniforme, zlate pletenice, bele gamaše ... V obrazu Davidova je več zunanjega šarma kot globokega psihologizma. Pogumen, neustrašen junak dokazuje svojo pogumno držo in veselo junaštvo svoje mladosti.
OREST KIPRENSKI. Portret A. A. Čeliščeva.1808 – začetek 1809. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
Aleksander Aleksandrovič Čeliščov (1797–1881) je bil od leta 1808 vzgojen v paževskem korpusu, pozneje pa je sodeloval v vojni leta 1812 – torej je pripadal generaciji, ki je na začetku 19. stoletja določila usodo Rusije. V videzu 11-letnega dečka Kiprensky opazi poseben, neotročji izraz na obrazu. Temne perlaste oči premišljeno in skrbno gledajo na gledalca, kažejo resnost in "pripravljenost" na težke življenjske preizkušnje. Barvna shema portreta temelji na najljubši kontrastni kombinaciji črne, bele, rdeče in svetlo zlate Kiprenskega.
OREST KIPRENSKI. Portret D. N. Khvostova.1814. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
Ena najbolj očarljivih ženskih podob Kiprenskega je napolnjena z razpoloženjem tihe, premišljene kontemplacije. Daria Nikolaevna Khvostova (1783–?) je bila nečakinja babice M. Lermontova.
Za razliko od portretistov prejšnje dobe, umetnica ne ustavi pozornosti gledalca na dodatkih svojih oblačil: predstavljeni so občutljivo, s splošnimi velikimi pikami. Oči živijo v portretu - neverjetne temne oči, ki se zdijo prekrite z meglo razočaranja, žalostni spomini in sramežljivi upi.
OREST KIPRENSKI. Portret E. S. Avduline.1822 (1823?). Državni ruski muzej, Sankt Peterburg
Ekaterina Sergejevna Avdulina (1788–1832) - žena generalmajorja A. N. Avdulina, velika poznavalka umetnosti in aktivna udeleženka Društva za spodbujanje umetnikov, lastnica dvorca na nabrežju Palace in domačega gledališča pri Kamennoostrovskaya dacha. Oblečena je v modno kapo, ki se prilega njeni glavi, v rokah pa drži pahljačo - nepogrešljiv atribut dame tega časa zunaj doma. Njene sklenjene roke so citat iz Gioconde Leonarda da Vincija, ki jo je Kiprensky nedvomno videl v Louvru. Eden od njegovih sodobnikov je trdil, da sta bila na tem portretu »okroglost telesa in svetloba narejena mojstrsko. In kako simbolična je levja trava, ki izgubi cvetne liste, stoji v kozarcu vode!..« Pred nami je romantična, kontemplativna narava, zatopljena v svoje skrite misli. Veja nežnih belih cvetov v krhkem steklu na oknu se zdi podobna videzu upodobljene ženske.
OREST KIPRENSKI. Avtoportret.1828. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
Ta avtoportret je bil naslikan, preden je umetnik odšel v Italijo. Pred nami je slavni mojster, ki je prejel pohvale svojih sodobnikov, hkrati pa utrujen in razočaran človek. Po spominih sodobnikov je bil "Kiprenski čeden, z lepimi izraznimi očmi in naravno valovitimi kodri." Rahlo mežikne z očmi in preiskujoče pogleda gledalca, kot da bi o nečem spraševal. Portret je zasnovan v toplih, bogatih barvah. Barve na obrazu odmevajo z barvami obleke. Ozadje, tako kot v drugih delih mojstra, se zdi zgoščena tema, iz katere je mehko poudarjena figura upodobljene osebe.
OREST KIPRENSKI. Portret A. S. Puškina.1827. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
Portret je bil naslikan v Sankt Peterburgu po naročilu A. Delviga takoj po pesnikovi vrnitvi iz Mihajlovskega izgnanstva. Sodobniki, ki so od blizu poznali Puškina, so trdili, da bolj podobnega portreta pesnika ni bilo. Podoba Puškina je brez vsakdanjega življenja, značilne "arapske" poteze njegovega videza so zmehčane. Njegov pogled drsi mimo gledalca – pesnika kot da bi umetnik ujel v trenutku ustvarjalnega vpogleda. Poudarjeno ozadje okoli glave spominja na nekakšen halo - znak izbranosti. Z angleškim karirastim plaščem, vrženim čez ramo, Puškina primerjajo z velikim angleškim romantičnim pesnikom Byronom. Svoj odnos do portreta je izrazil v pesniškem sporočilu Kiprenskemu "Ljubim lahke mode ..." - "Vidim se kot v ogledalu, / Toda to ogledalo mi laska."
VASIL TROPININ. Portret A. V. Tropinina, umetnikovega sina.OK. 1818. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
Portret prikazuje Arsenija Tropinina (1809–1885), umetnikovega edinega sina. Ta portret izstopa med drugimi deli mojstra s posebno notranjo toplino in srčnostjo. Tropinin rešuje najtežji problem - najde slikovna sredstva, ki izražajo poseben svet otroške duše. Portret je brez statičnega poziranja: deček je upodobljen v rahlem zasuku, njegovi zlati lasje so razprti, na obrazu igra nasmeh, ovratnik srajce je ležerno odprt. Umetnik kleše formo z dolgimi, gibljivimi potezami in ta dinamičnost poteze se izkaže za uglašeno z otroškim temperamentom in romantičnim pričakovanjem odkritja.
VASIL TROPININ. Portret P. A. Bulakhova.
Čar tega značaja je v njegovi živahnosti in duševnem ravnovesju, v harmoniji preprostih in jasnih odnosov s svetom. Z gibljivimi potezami je izklesan njegov rdeč, sijoč obraz, srebrn krznen telovnik, rokav modre srajce so široko in svobodno poslikani, ovratna rutka je »zavezana« z nekaj potezami čopiča ... Ta način slikanja popolnoma ustreza na samozadovoljno in veselo, zelo moskovsko podobo Bulakhova, ki nas po A. Benoitu na portretu spominja na "mačko, ki je lizala kislo smetano".
VASIL TROPININ. Portret K. G. Ravicha.1823. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
Portret uradnika moskovskega mejnega urada Konstantina Georgijeviča Raviča je zelo moskovski po duhu, daleč od uradne strogosti in samozagledane izolacije. Zdi se, da je Ravicha umetnik presenetil: v domači halji je, lasje ima razmršene lase, kravata je razvezana. Odsevi živordeče halje »se razplamtijo« z rdečico na njegovem gladkem in dobrodušnem obrazu. Ravich izraža običajen tip moskovskega plemstva - bil je ljubitelj pijančevanja in igranja kart. Kasneje je bil obtožen smrti enega od igralcev, ki ga je po velikem porazu zadela kap, preživel sedem let v zaporu in bil "zaradi suma" izgnan v Sibirijo.
VASIL TROPININ. Portret A. S. Puškina.1827. Vseruski muzej A. S. Puškina, Sankt Peterburg
Portret je bil naslikan v prvih mesecih leta 1827, kmalu po tem, ko se je pesnik vrnil iz Mihajlovskega izgnanstva. Puškinov prijatelj S. Sobolevski se je spominjal, da je "Puškin sam na skrivaj naročil portret Tropininu in mi ga predstavil kot presenečenje z različnimi farsami (stala ga je 350 rubljev)." Po drugi različici je portret naročil sam Sobolevski, ki je želel videti pesnika ne "zglajenega" in "pomadanega", ampak "razmršenega, z dragocenim mističnim prstanom na obrazu". palec eno roko." Kot rezultat, v portretu intimnost podobe sobiva z romantično "vznesenostjo", ki jo odlično prenaša življenje duha velikega pesnika.
VASIL TROPININ. Portret K. P. Bryullova.
Tropinin je srečal Karla Bryullova leta 1836 v Moskvi, kjer se je avtor "Zadnjega dne Pompejev" ustavil na poti iz Italije v Sankt Peterburg. Maestro je upodobljen s svinčnikom in albumom na ozadju izbruhajočega Vezuva. "Ja, sam je pravi Vezuv!" - so govorili o Bryullovu, občudovali elementarno moč njegovega talenta. Portret izraža javni patos dojemanja Bryullova kot briljantnega mojstra, katerega videz je bil podoben "zlatolasemu" Apolonu. Bryullov je visoko cenil Tropinina, v enem od svojih pisem umetniku je priznal: "Poljubljam tvojo dušo, ki je v svoji čistosti bolj kot kdorkoli drug sposobna popolnoma razumeti veselje in veselje, ki napolnjuje moje srce ..."
VASIL TROPININ. Klekljarica.1823. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
To, kar vidimo tukaj, ni portret določenega dekleta, temveč kolektivna pesniška podoba rokodelke, kakršne je Tropinin lahko srečal v hišah plemenitih Moskovčanov. Umetnik ne prikazuje trdega dela, ki je bilo v njenem zapletenem in mukotrpnem delu; občuduje in občuduje čar in lepoto mladosti. P. Svinin je o tej sliki zapisal, da »razkriva čisto, nedolžno dušo lepote in pogled radovednosti, ki ga je vrgla na nekoga, ki je v tistem trenutku vstopil: njene roke, gole do komolca, so se ustavile skupaj s pogledom, vzdih je odletel iz deviških prsi, pokritih z robcem iz muslina."
Umetniku so pogosto očitali nenehno nasmejanost njegovih likov. "Ampak ne izumljam, ne sestavljam teh nasmehov, slikam jih iz življenja," je odgovoril Tropinin.
VASIL TROPININ. Avtoportret na ozadju okna s pogledom na Kremelj.1846. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
Tropinin se na avtoportretu predstavlja kot delaven umetnik, ki mu je s pomočjo obrti, trdega dela in talenta uspelo »priti v oči javnosti«. Oblečen je v delovni plašč, opira se na palico, v levi roki drži paleto in čopiče. Široka panorama Kremlja za njim je poosebitev umetnikovih misli o domačem mestu. »Umirjenost, ki je dihala iz Tropininovega samozadovoljnega starega obraza, mu ni prišla zlahka. V nenehnem boju z ovirami in zatiranjem si je ta mir pridobil v senci vere in umetnosti,« je zapisal N. Ramazanov, ki je umetnika poznal. Ta avtoportret, ki so ga hranili v njegovi hiši po Tropininovi smrti, so Moskovčani kupili od umetnikovega sina z naročnino in ga kot darilo podarili muzeju Rumjancev v znak posebnega spoštovanja in priznanja mojstrovih storitev starodavni prestolnici.
KARL BRJULOV. Italijansko popoldne (Italijanka obira grozdje).1827. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg
Ta slika je nastala kot par za "Italijansko jutro" (1823, Kunsthalle, Kiel) in je bila poslana v Rusijo kot poročilo med umetnikovim bivanjem v Italiji. Bryullov je izkoristil priložnost v Italiji za študij manekenk (na akademiji v Sankt Peterburgu ženske niso pozirale umetnikom). Zanimalo ga je upodabljanje ženske figure v različnih svetlobnih učinkih - zgodnje jutro ali v močni svetlobi italijanskega popoldneva. Žanrski prizor je napolnjen z duhom sladke čutnosti. Zrela lepota Italijana odmeva zrelost grozdja, napolnjenega s sladkim sokom, ki se lesketa v soncu.
KARL BRJULOV. Prekinjen zmenek (»Voda že teče skozi ...«).Akvarel. 1827–1830. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
V Italiji je bil Bryullov eden od ustanoviteljev "italijanskega" žanra, ki je užival velik uspeh med zbiratelji in popotniki. Umetnikove slike o vsakdanjem življenju Italijanov združujejo klasično lepoto in romantičen pogled na realnost. V enem najboljših akvarelov »italijanskega« žanra se na ozadju sladko lepe italijanske narave odvija očarljiv žanrski prizor, poln dobrodušnega humorja. Bryullov je mojstrsko obvladal klasično tehniko akvarela, mojstrsko prenašal na list papirja svetlobni zrak vročega italijanskega dne, bleščeče bele srajce junakov, vroče od sonca kamniti zid Hiše.
KARL BRJULOV. Batšeba.
Zgodba temelji na legendi o kopanju mlade lepotice, ki jo je videl kralj David med sprehodom po strehi svoje palače.
Bryullov navdušeno poje o ženski lepoti, ki »samo lahko okrona vesolje«. Nežnost čudovitega "starinskega" telesa Bathshebe, osvetljenega s poševnimi žarki zahajajočega sonca, je poudarjeno z bujnimi gubami draperije, ki jih je umetnik spremenil v podstavek za lepoto. Prozoren tok vode, ki teče v bazen, se lesketa od sončne svetlobe. Celotno platno je prežeto s čutnim šarmom in veseljem do bivanja.
KARL BRJULOV. Jezdec.1832. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
Ta svečani portret Italijanov Giovannine (konjenice) in Amatsilie Paccini je pri Bryullovu naročila grofica Julija Samoilova, umetnikova prijateljica, ki je sprejela te deklice sirote. Umetnik združuje tradicionalni konjeniški portret z zapletom. Na predvečer nevihte se lepa konjenica mudi, da bi se vrnila z jahanja. Očarljiva Amazilia je tekla naproti svoji sestri na ložo. Giovannin obraz kljub hitremu skoku ostaja mirno lep. Pred nami je najljubša tehnika obdobja romantike: trk močnih naravnih elementov in odpornosti človeški duh. Umetnik občuduje cvetočo lepoto mladosti, občuduje ljubkost otroka, gracioznost čistokrvnega konja, lesketanje svile in sijaj kodrov las ... Portret se spremeni v eleganten očarljiv spektakel, slavospev lepota življenja.
KARL BRJULOV. Zadnji dan Pompejev.1833. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg
Bryullov je prišel do zapleta slike po obisku izkopanin Pompejev, starodavnega rimskega mesta blizu Neaplja, ki je umrlo v 1. stoletju zaradi izbruha Vezuva. Pri delu na sliki je umetnik uporabil opise zgodovinarja Plinija Mlajšega, priče smrti mesta. Glavna tema slike je "ljudje, ki jih je zagrabil strah" pred močjo vsepremagljive usode. Gibanje ljudi je usmerjeno iz globine slike proti gledalcu diagonalno.
Hladna svetloba strele poudarja ločene skupine ljudi, ki jih združuje en sam duhovni impulz. Na levi je v množici umetnik upodobil sebe s škatlo barv na glavi. N. Gogol je zapisal, da Bryullove čudovite figure z lepoto utopijo grozo njihovega položaja. Umetnik je združil žar romantičnega pogleda na svet s tradicionalnimi tehnikami klasicizma. Slika je doživela izjemen uspeh v Evropi, v Rusiji pa so Bryullova pozdravili kot zmagovalca: »Prinesel si plen miru / S seboj v krošnjo svojega očeta. – / In bil je zadnji dan Pompejev / Za ruski čopič prvi dan« (E. Baratynsky).
KARL BRJULOV. Portret I. A. Krylova.1839. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
Portret Ivana Andrejeviča Krilova (1768/1769–1844) je umetnik naslikal v eni seji in ni bil dokončan. Krilovljevo roko je dokončal študent F. Goretsky iz mavčnega odlitka zdaj že pokojnega pravljičarja. Krylov na portretu je star okoli 70 let, njegov videz zaznamujeta stroga plemenitost in živahna, dejavna energija. Slikovitost portreta, Brjullova najljubša romantična in zveneča kombinacija črne, ognjeno rdeče in zlato rumene barve, je očarljiva.
KARL BRJULOV. Portret N. V. Kukolnika.1836. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
V Sankt Peterburgu je bil Bryullov reden udeleženec večerov, kjer se je zbirala literarna boemija tistega časa. Njihov nepogrešljivi udeleženec je bil Nestor Vasiljevič Kukolnik (1809–1868), slavni dramatik, novinar, urednik revije Hudozhestvennaya Gazeta. Po mnenju sodobnikov je imel lutkar neroden videz - zelo visok, ozka ramena, dolg obraz z nepravilnimi potezami, velika ušesa, majhne oči. V portretu Bryullov estetizira svoj videz in mu daje skrivnost romantičnega potepuha. Ušesa so skrita pod čepico dolgih las, na bledem obrazu pa igra premeten nasmeh. Romantično vzdušje dopolnjujejo vse globlja tema minevajočega dneva, dotrajano obzidje, ki spominja na neizprosno minevanje časa, in morska širjava v daljavi.
KARL BRJULOV. Portret A. N. Strugovščikova.1840. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
Aleksander Nikolajevič Strugovščikov (1808–1878) je bil prijatelj Bryullova, prevajalec iz nemščine in izdajatelj Hudozhestvennaya Gazeta. Portret je bil naslikan v Sankt Peterburgu, v ateljeju Bryullova na Palace Square. Strugovshchikov pozira na stolu, oblečenem v rdeče usnje (na istem stolu vidimo Bryullova v znamenitem "Avtoportretu" iz leta 1848). V videzu nekoliko utrujenega Strugovščikova je umetnik poudaril nekaj nervoze in odmaknjenosti. Nihilizem in melanholija sta bila najljubša maska generacije tega časa, ko je po Strugovščikovu »pogrom 14. decembra odnesel ... željo naprednih ljudi družbe, da bi se vmešavali v notranjo politiko našega življenja, in zelo poti do tega so bile blokirane.”
KARL BRJULOV. Portret grofice Yu P. Samoilove, ki zapušča ples s posvojeno hčerko Amazilio Pacini.Najkasneje 1842. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg
Portret je bil naslikan v Sankt Peterburgu, kamor je ekscentrična in neodvisna grofica prišla po ogromno dediščino. Na sliki je upodobljena skupaj s posvojeno hčerko, ki s svojo krhkostjo poudarja in dopolnjuje razkošno, zrelo lepoto Samoilove. Gibanje grofičine figure je uravnoteženo z močnim razprostiranjem težke žametne zavese, ki se zdi, kot da se nadaljuje v njeni bleščeče razkošni obleki. V tem najboljšem obrednem portretu mojstra je čutiti izjemen navdušen ogenj - posledica umetnikovega posebnega odnosa do modela.
KARL BRJULOV. Avtoportret.1848. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
Po spominih Bryullovega študenta je ta avtoportret mojster med hudo boleznijo naslikal v samo dveh urah. Delo preseneti z genialno virtuoznostjo izvedbe: lasje so »razčesani« z nekaj gibi krtače, izčrpan, bled, shujšan obraz s prozornimi sencami, mlahava viseča roka je narisana z navdihom, z majhnimi potezami. Hkrati slika ni brez narcizma in elegantne umetnosti. Težko fizično stanje mojstra samo poudarja ustvarjalni ogenj, ki kljub hudi bolezni v Bryullovu ni ugasnil do konca njegovega življenja.
KARL BRJULOV. Portret arheologa M. Lanca.1851. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
Ta portret Brjullovega starega prijatelja, italijanskega arheologa Michelangela Lancia (1779–1867), preseneti s svojo živo predstavo individualnosti posameznika, ki napoveduje realistično metodo v umetnosti portretiranja. Zdelo se je, da je arheolog ujet sredi živahnega pogovora: snel je pincene in se pozorno in inteligentno zazrl v sogovornika. Svetla, zvočna barva, ki temelji na kombinaciji svetlo škrlatne obleke in srebrnega krzna, poudarja ljubezen modela do življenja.
Ta »energična« zvočnost portreta je še toliko bolj izjemna, ker je Brjullovu že zmanjkovalo fizičnih moči. Portret je postal zadnje pomembno delo hudo bolnega umetnika.
ALEKSANDER BRJULOV. Portret N. N. Puškina.1831–1832. Papir, akvarel. Vseruski muzej A. S. Puškina, Sankt Peterburg
Akvarelni portreti Aleksandra Bryullova, brata Karla Bryullova, so bili izjemno priljubljeni med njegovimi sodobniki. Med najboljšimi in najdragocenejšimi za zanamce je portret Natalije Nikolaevne Puškine, žene velikega pesnika. Umetnik ne ujame le njenih individualnih potez, ampak upodobljeno lepoto povzdigne nad »prozo življenja«, potrjuje ženski ideal »čiste lepote«, ki ga najdemo v Puškinovih pesmih: »Želje so se mi uresničile. Stvarnik / mi te je poslal dol, ti, moja Madona, / najčistejši primer najčistejšega šarma.”
ALEKSANDER BRJULOV. Portret E. P. Bakunina.Najkasneje 1832. Karton, akvarel. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
Ekaterina Pavlovna Bakunina (1795–1869) je bila sestra Aleksandra Bakunina, Puškinovega licejskega prijatelja. Pesnik je mladega Bakunina lahko srečal na licejskih plesih, ki so se jih udeležili povabljeni sorodniki liceja in znanci. »Kako sladka je bila! Kako se je črna obleka prilepila na drago Bakunino! Ampak jaz je nisem videl že osemnajst ur — ah! Kakšna situacija in kakšna muka ... Toda 5 minut sem bil srečen« (iz Puškinovega dnevnika iz leta 1815). V intimnem, miniaturnem portretu vidimo Bakunina že v zrelih letih, vendar se muzikalnost linij in nežne prosojne barve akvarela skladajo z navdušenim občutkom mladega pesnika.
PETER SOKOLOV. Portret A. S. Puškina.1836. Papir, akvarel. Vseruski muzej A. S. Puškina, Sankt Peterburg
Sokolov je bil odličen mojster intimnih akvarelnih portretov Puškinovega obdobja. Umetnikov čopič vključuje tri portrete Puškina, ki jih je ustvaril za časa življenja, portrete njegovih sodobnikov, prijateljev in sovražnikov. Ta portret predstavlja pesnika na koncu njegovega življenja - rahlo utrujenega, preživetega s številnimi razočaranji in tesnobami. Njegov sin, akvarelist akademik A. Sokolov, je govoril o metodi dela Sokolova:
»Z izjemno drznostjo je resnični ton obraza, obleke, čipkastega dodatka ali ozadja polegel takoj, skoraj v polni moči in bil detajliran v mešanih, predvsem sivkastih tonih, z izjemnim šarmom in okusom, tako da je poteza čopiča, njene poteze, spuščanje barve v nič, so ostale na vidiku, ne da bi motile popolno dokončanje vseh delov. Zaradi tega v njegovem delu nikoli ni bilo opaziti mučenja ali dela; vse je izpadlo sveže, enostavno in hkrati drzno in impresivno v barvah.«
ALEKSEY VENECIANOV. Avtoportret.1811. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
Na avtoportretu je Venetsianov star 31 let, vendar je videti kot utrujen, svetovno moder človek. Takrat je bil že priznan slikarski mojster portretistov, ki je uspel z lastnim delom in vztrajnostjo. Avtoportret preseneti s svojo resnostjo, resnicoljubnostjo in preprostostjo. Umetnik, ki v rokah drži paleto in čopič, pozorno opazuje delo. Živahna, topla svetloba mehko oblikuje obliko. Venetsianov je ta portret predstavil Akademiji umetnosti in zanj prejel naziv "imenovani akademik".
ALEKSEY VENECIANOV. Speča pastirica.Med letoma 1823 in 1826. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg
Pokrajina ruske vasi, neverjetna v svojem duševnem šarmu, je napolnjena s tihim, sijočim mirom: gladka gladina reke in zeleni zelenjavni vrtovi, oddaljene njive in gozdnati griči ... Barve pokrajine so svetel, poln, kot da bi bil prežet s svetlobo. "Speči pastir" je ena najboljših slik Venetsianova v smislu liričnega in iskrenega razpoloženja, ki prikazuje intimno povezavo med človekom in naravo. Venetsianov se tu pojavi kot pionir subtilnega šarma skromne ruske narave.
ALEKSEY VENECIANOV. Na njivi. Pomlad.Prva polovica 1820-ih. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
Slika predstavlja alegorijo pomladi. Po obdelovalni zemlji veličastno koraka kmečka žena v elegantnem sarafanu, podobna boginji cvetenja in pomladi Flori. Na levi v ozadju se zdi, da še ena kmetica s konji nadaljuje krožno gibanje glavni lik, ki se desno na črti obzorja zapira z drugo žensko figuro, ki spominja na prosojnega fantoma. Poleg zrele lepote Flore vidimo alegorijo začetka življenja - otroka Kupida, obkroženega z venci koruznic. Na desni strani slike se ob suhem štoru proti soncu raztezajo tanka mlada drevesa.
Na sliki je prikazan večni krog življenja: menjava letnih časov, rojstvo in usihanje ... Raziskovalci ugotavljajo, da je ta slika Venetsianova s svojim idiličnim razpoloženjem in alegoričnim razsvetljenjem, združenim z ruskimi motivi, ustrezala okusu cesarja Aleksandra I.
ALEKSEY VENECIANOV. Ob trgatvi. poletjeSredi 1820-ih. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
To sliko si je Venetsianov zamislil kot par za delo »Na obdelovalni zemlji. Pomlad« in je bila del nekakšnega cikla o letnih časih. Tukajšnji svet kmečkega življenja je brez prozaičnih tegob podeželskega dela. To je idila, ki jo umetnik vidi z oken »romantične« plemiške posesti. Toda v središču te idile je umetnikova pametna in iskrena misel o lepoti in vzvišenem pomenu vsakdanjih kmečkih skrbi, o posebnem čaru ruske narave. »Kdor je v celotnem ruskem slikarstvu uspel prenesti tako resnično poletno razpoloženje, kot ga je dal v svojo sliko »Poletje«, kjer za nekoliko oglato posajeno žensko, z rahlo poravnanim profilom, čisto ruska narava, ki sploh ni bila več vzravnana, razprostira se: daljno, rumeno polje zori v vročem, s soncem nasičenem zraku!« - je vzkliknil A. Benois.
ALEKSEY VENECIANOV. Dekle v naglavni ruti.
Mlado lepo kmečko žensko je Venetsianov naslikal z izjemno toplino in iskrenostjo. Svoje velike oči je z živahnim pogledom uprla v gledalca, na njenih puhlih ustnicah je zaigral rahel nasmeh. Modra črtasta ruta in temni, sijoči, gladko počesani lasje poudarjajo nežnost njenega dekliškega obraza. Prostor slike je napolnjen z mehko svetlobo, barva temelji na plemeniti kombinaciji nežno zelenih, modrih in svetlo bež tonov.
ALEKSEY VENECIANOV. Kosci.Konec 1820-ih. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg
Na tej sliki vidimo kmečkega fanta Zaharka, junaka več slik Venetsianova, in njegovo mamo Anno Stepanovo. Fant, zardel od trdega dela in opoldanske vročine, se je naslonil na mamino ramo, očaran nad svetlimi metulji, ki so sedeli na njeni roki. Forma je izklesana z gosto, polnozvočno barvo. Gladke, zaobljene linije napolnijo kompozicijo z ravnovesjem in mirom. Venetsianov spremeni nepretenciozno vsakdanjo zgodbo iz kmečkega življenja v poetično pripoved o očarljivi lepoti sveta in veselju enosti z naravo.
ALEKSEY VENECIANOV. Kmečka žena z rožicami.1830 Državna Tretjakovska galerija, Moskva
Mlada kmetica je brez romantične vznesenosti, njena podoba je preprosta in polna tihe, iskrene poezije. Zatopljena v svoje misli žalostno in odmaknjeno prebira svetlo modre rožce. Barvanje slike temelji na subtilnih harmonijah hladnih dimljenih belih, srebrnih, svetlih oker tonov, ki odražajo dekličino zamišljeno molsko razpoloženje.
GREGOR SOROKA. Pogled na posestvo Spasskoye, provinca Tambov.1840 Regionalna umetniška galerija, Tver
Hlapca P.I. Milyukova, Grigorij Soroka je občasno študiral pri Venetsianovu na njegovem posestvu Safonkovo. Umetnik A. Mokritsky je zapisal, da je Venetsianov svojim učencem naročil: »Vsi ti predmeti, katerih materialno drugačnost mora slikar oprijemljivo občutiti in prenesti ... Za to ... potrebujete izjemno budnost očesa, koncentracijo, analizo, popolno zaupanje v naravo in nenehno sledenje njenim spremembam na različnih stopnjah in legah svetlobe; potrebujemo jasnost razumevanja in ljubezen do dela.«
Soroka je nadarjeno uresničil zapovedi svojega mentorja. Popolnoma rešuje zapletene slikovne probleme, napolnjuje pokrajino s klasičnim mirom in svetlo iskrenostjo. Po Venecianovu odkriva lepoto v tihih motivih domače narave.
1840 Državni ruski muzej, Sankt Peterburg
Na sliki kraljuje mirna vodna gladina jezera Moldinskoye, ki opredeljuje njeno idilično, svetlo razpoloženje. V vsem je čutiti počasnost in tišino: fant na obali lovi ribe, njegov prijatelj tiho drsi v čolnu po obali. Poslopja posestva na nasprotnem bregu so zakopana v veličastno goščavo »večno lepe« narave. Prenos posebne poetične lepote ruske narave in razpoloženje neverjetnega, razsvetljenega miru, polnega milosti, naredi to pokrajino podobno najboljša dela A. Venecianova.
GREGOR SOROKA. Ribiči. Pogled na posestvo Spasskoye, provinca Tambov.Fragment
KAPITON ZELENCOV. V sobah.Konec 1820-ih. Državna Tretjakovska galerija, Moskva
V poznih dvajsetih letih 19. stoletja je med umetniki postal priljubljen žanr interierja, ki je odražal zanimanje naročnikov iz plemstva za »poezijo domačega življenja«. Slikarstvo Zelentsova je po duhu blizu najboljšim delom njegovega mentorja A. Venetsianova. Pred gledalcem se odpre apartma treh prostornih, okusno urejenih sob, preplavljenih s svetlobo. Na stenah so slike in medaljoni F. Tolstoja, v kotu ob oknu je kip Venere, ob stenah je postavljeno elegantno pohištvo iz mahagonija. Sobe oživljata dva mladeniča, ki trenirata psa. Ob pogledu na to notranjost vas prevzame občutek čistega miru in svetle harmonije, ki je ustrezala predstavam o idealu zasebnega življenja.
FEDOR SLAVJANSKI. Urad A. G. Venetsianova.1839–1840. Državni ruski muzej, Sankt Peterburg
Slavyansky je nadaljeval linijo svojega učitelja A. Venetsianova tako v portretnem slikarstvu kot v notranjem žanru. Prežet bo s svetlim, harmoničnim razpoloženjem najboljša notranjost, ki prikazuje prostore v mentorjevi hiši. Vrhunsko napisan nabor sob spominja na sijajen napredek pri študiju perspektive. V zadnjem delu sobe, v mehki razpršeni svetlobi, je na kavču ležal mladenič - morda sam umetnik ali eden od študentov lastnika hiše. Vse v tem prostoru spominja na služenje umetnosti in umetniškim zanimanjem: kopije iz starinski kipi, manekenka kmečke deklice v kokošniku ob oknu, kot da bi jo oživeli svetli sončni žarki, poslikave na stenah, obloga peči, izdelana v "starinskem" slogu.
Slikarstvo druge polovice 19. stoletja * * *V drugi polovici 19. stoletja se je ruska likovna umetnost znašla na milost in nemilost družbenopolitičnih idej. Ne v nobeni evropska država tako dolgega obstoja v slikarstvu kritičnega realizma – zgodovinskega – ni bilo
Lyagina Yana
To delo nas uvaja v umetnost 19. stoletja. Umetnost katerega koli časa kot goba absorbira glavne probleme, ideje in poglede svojega časa. Za rusko umetnost je ta okoliščina najpomembnejša, saj je bila vedno, če že ne politizirana, pa vsekakor tesno povezana z ideologijo vladajočega dela družbe, njenih reakcionarnih krogov ali revolucionarno naravnanih radikalov.
Prenos:
Predogled:
Občinsko tekmovanje študentskih esejev
Mestna državna izobraževalna ustanova
srednja šola s. srček.
Polni naslov: regija Saratov, okrožje Ekaterinovsky, vas. srček,
st. Rabočaja 1
Abstraktno delo:
"Ruska umetnost v 19. stoletju"
10. razred
Nadzornik : Sazonova Julia Andreevna,
Učitelj likovne umetnosti.
2013-2014 študijsko leto
Uvod………………………………………………………………………………………………3
1.Kultura Rusija XIX stoletja: splošne značilnosti……………………….….4
2. Ruska umetnost v 19. stoletju……………………………………………………………….6
2.1 Ruska umetnost v prvi polovici 19. stoletja - »zlata doba kulture«……………………………………………………………………………….… ………6
2.2 Ruska umetnost v drugi polovici 19. stoletja…………………………....11
Zaključek…………………………………………………………………………………….15
Seznam referenc……………………………………………………………………16
Uvod
Umetnost katerega koli časa kot goba absorbira glavne probleme, ideje in poglede svojega časa. Za rusko umetnost je ta okoliščina najpomembnejša, saj je bila vedno, če že ne politizirana, pa vsekakor tesno povezana z ideologijo vladajočega dela družbe, njenih reakcionarnih krogov ali revolucionarno naravnanih radikalov.
Namen dela je analizirati rusko umetnost 19. stoletja.
Naloge:
1.Daj splošne značilnosti te dobe;
2. Na kratko opišite rusko umetnost 19. stoletja v njenih vrstah.
- Kultura Rusije v 19. stoletju: splošne značilnosti
Ruska zgodovina umetnost 19. stoletja stoletja so običajno razdeljeni na stopnje.
Prvo polovico imenujemo zlata doba ruske kulture. Njegov začetek je sovpadel z dobo klasicizma v ruski literaturi in umetnosti. Po porazu decembristov se je začel nov vzpon družbenega gibanja. To je dalo upanje, da bo Rusija postopoma premagala svoje težave. Najodmevnejše uspehe je država v teh letih dosegla na področju znanosti in predvsem kulture. Prva polovica stoletja je Rusiji in svetu dala Puškina in Lermontova, Gribojedova in Gogolja, Belinskega in Hercena, Glinko in Dargomyzhskega, Bryullova, Ivanova in Fedotova.
Likovna umetnost prve polovice 19. stoletja ima notranjo skupnost in enotnost, edinstven čar svetlih in humanih idealov. Klasicizem se obogati z novimi značilnostmi, njegove prednosti se najjasneje kažejo v arhitekturi, zgodovinskem slikarstvu in deloma v kiparstvu. Dojemanje kulture starodavnega sveta je postalo bolj zgodovinsko kot v 18. stoletju in bolj demokratično. Skupaj s klasicizmom se je intenzivno razvijala romantična smer in začela se je oblikovati nova realistična metoda.
Romantična smer ruske umetnosti je bila prva tretjine XIX stoletja je pripravil razvoj realizma v naslednjih desetletjih, saj je romantične umetnike do neke mere približal realnosti, preprostemu resničnemu življenju. To je bilo bistvo kompleksnega umetniškega gibanja celotne prve polovice 19. stoletja. Na splošno umetnost te stopnje - arhitektura, slikarstvo, grafika, kiparstvo, uporabna in ljudska umetnost- izjemen pojav, poln izvirnosti v zgodovini ruske umetniške kulture. Z razvojem progresivnih tradicij prejšnjega stoletja je ustvaril veliko veličastnih del velike estetske in družbene vrednosti, ki so prispevala k svetovni dediščini.
Druga polovica je čas dokončne potrditve in utrjevanja nacionalnih oblik in tradicij v ruski umetnosti. IN sredi 19 stoletja je Rusija doživela hude pretrese: krimska vojna 1853-1856 se je končala s porazom. Cesar Nikolaj I je umrl, Aleksander II se je povzpel na prestol in izvedel dolgo pričakovano odpravo tlačanstva in druge reforme. »Ruska tema« je postala priljubljena v umetnosti. Ruska kultura ni bila omejena v nacionalne okvire in ni bila ločena od kulture preostalega sveta.
- Ruska umetnost v 19. stoletju
Začetek 19. stoletja je bil v Rusiji čas kulturnega in duhovnega vzpona. Razvoj ruske kulture v 19. stoletju je temeljil na preobrazbah prejšnjega časa. Prodor elementov kapitalističnih odnosov v gospodarstvo je povečal potrebo po pismenih in izobraženih ljudeh.Javne knjižnice in muzeji so imeli pozitivno vlogo v kulturnem življenju države (leta 1814 je bila odprta prva javna knjižnica v Sankt Peterburgu). ljudi in je zato imelo izrazit nacionalni značaj.
2.1 Ruska umetnost v prvi polovici 19. stoletja - "zlata doba kulture"
Prvo tretjino 19. stoletja imenujemo "zlata doba" ruske kulture. Zanimanje za rusko zgodovino je postalo razlog za nastanek številnih romanov, kratkih zgodb, balad, zgodb o različnih temah zgodovinske teme. Najbolj znani romani so bili M.N. Zagoskina (1789--1852) "Jurij Miloslavski ali Rusi leta 1612", "Roslavljev ali Rusi leta 1812", "Kuzma Roščin", I.I. Lažečnikova (1792-- 1869) "Ledena hiša", "Zadnji prišlek", "Basurman". Že iz naslovov je jasno, da so ta in druga dela zgodovinske proze obravnavala krizna obdobja ruske zgodovine: medsebojni boj ruskih knezov, ruske osvobodilne vojne, politične spletke in dogodke, ki so bili z vidika njihovih avtorjev pomemben pomen. Ob tem so vedno bolj prihajale v ospredje politične preference avtorjev. Na primer, M. N. Zagoskin je bil očiten zagovornik monarhije in ti njegovi pogledi se ne kažejo v avtorjevih političnih izjavah, temveč v njegovih likih, v opisih elementov vsakdanjega življenja in v odvisnosti osebnih odnosov likov. na izid številnih zgodovinskih dogodkov. In vendar je bila v središču vseh zgodb ena splošna ideja, ki se je najmočneje oblikovala po vojni leta 1812 in jo je I.I. Lazhechnikov na kratko izrazil v predgovoru k romanu »Zadnji Novik«: »Občutek, ki prevladuje moj roman je ljubezen do domovine.
Zgodovina v svojih skrajnih trenutkih oblikuje vsebino briljantnega Gogoljevega »Tarasa Bulbe«, »Kapitanove hčere« in »Arapa Petra Velikega« Puškina, njegove drame »Boris Godunov«, pesmi »Poltava« in toliko del, da nemogoče jih je našteti. A.S. Puškin postal simbol njegove dobe, ko je prišlo do hitrega vzpona kulturnega razvoja Rusije. Puškin je ustvarjalec ruskega knjižnega jezika. Njegovo delo je postalo trajna vrednota v razvoju ne le ruske, ampak tudi svetovne kulture. Bil je pevec svobode in prepričan domoljub. Pesnik je zapustil zanamcem: »Biti ponosen na slavo svojih prednikov ni samo mogoče, ampak tudi treba ... Spoštovanje preteklosti je tista lastnost, ki loči vzgojo od divjaštva ...«
Humanistični ideali ruske družbe so se odražali v visokociviliziranih primerih arhitekture tega časa ter monumentalne in dekorativne plastike, v sintezi katerih deluje dekorativno slikanje in uporabne umetnosti, ki pogosto konča v rokah samih arhitektov. V arhitekturi 19. stol. Vladal je klasicizem. Stavbe, zgrajene v tem slogu, odlikujejo jasen in umirjen ritem ter pravilna razmerja. V arhitekturi Sankt Peterburga in Moskve so bile pomembne razlike. Še sredi 18. stol. Sankt Peterburg je bil mesto arhitekturnih mojstrovin, obdan z zelenimi posestmi in je bil v marsičem podoben Moskvi. Nato se je začel reden razvoj mesta vzdolž avenij, ki so ga prerezale, žarki pa so sevali od admiralitete. Sanktpeterburški klasicizem je arhitektura ne posameznih stavb, temveč celotnih ansamblov, ki presenetijo v svoji enotnosti in harmoniji. . Pomembno vlogo pri oblikovanju arhitekturnega videza Sankt Peterburga igra stavba Admiralty, postavljena po projektu A. D. Zakharova (1761-1811). Admiralska fasadaV njegovem središču se razteza 406 m slavolok z visokim pozlačenim zvonikom, ki je postal eden od simbolov mesta.
Največji arhitekt tega časaAndrej Nikiforovič Voronikhin(1759–1814). Voronihinova glavna stvaritev je Kazanska katedrala, katere veličastna kolonada je oblikovala trg v središču Nevskega prospekta, ki je katedralo in okoliške stavbe spremenil v najpomembnejše središče urbanističnega načrtovanja v središču Sankt Peterburga. Leta 1813 je bil v katedrali pokopan M. I. Kutuzov in katedrala je postala nekakšen spomenik zmagam ruskega orožja v vojni leta 1812. Kasneje so na trgu postavili kipa Kutuzova in Barclaya de Tollyja, ki ju je izdelal kipar. pred katedralo B.I. Orlovski. Rusko kiparstvo 30-40 let 19. stoletja. postaja vse bolj demokratična. V kiparstvu sredine stoletja obstajata dve glavni smeri: ena, ki izhaja iz klasike, vendar prihaja do suhega akademizma; druga razodeva željo po neposrednejšem in večplastnem odsevanju stvarnosti, se razširi v drugi polovici stoletja, nedvomno pa je tudi, da obe smeri postopoma izgubljata značilnosti monumentalnega sloga.
Kipar, ki mu je v letih zatona monumentalnih oblik uspelo doseči pomembne uspehe na tem področju, pa tudi v »malih oblikah«, je bilPjotr Karlovič Klodt(1805–1867), avtor konjev za Narva Triumfalna vrata v Sankt Peterburgu (arhitekt V. Stasov), »Krotilci konj« za Aničkov most (1833–1850), spomenik Nikolaju I. na Trgu svetega Izaka ( 1850–1859), I.A. Krylova v poletnem vrtu (1848–1855), pa tudi veliko število živalskih skulptur. Vodilna smer arhitekture in kiparstva v prvi tretjini 19. stoletja je bil klasicizem. V slikarstvu so ga razvijali predvsem akademski umetniki v zgodovinskem žanru (A.E. Egorov – »Muke Odrešenika«, 1814, Ruski ruski muzej; V.K. Šebuev – »Podvig trgovca Igolkina«, 1839, Ruski ruski muzej; F.A. Bruni – “Smrt Kamile, Horacijeve sestre,” 1824, “Bakrena kača”, 1826–1841, Ruski muzej). Toda pravi uspehi slikarstva so bili v drugi smeri - romantiki. Najboljša stremljenja človeške duše, vzpone in padce duha je izražalo takratno romantično slikarstvo, predvsem pa portret. V portretnem žanru je treba dati vodilno mesto Orestu Kiprenskemu (1782–1836). Neprecenljiv del Kiprenskega dela so grafični portreti, narejeni predvsem z mehkim italijanskim svinčnikom z barvanjem v pastelu, akvarelu in barvnih svinčnikih. Upodablja generala E.I. Chaplitsa (Galerija Tretyakov), A.R. Tomilova (GRM), P.A. Divjačina (GTG). Pojav hitrih portretov-skic s svinčnikom je že sam po sebi pomenljiv, značilen za nov čas: z lahkoto zabeležijo vsako bežno spremembo na obrazu, vsako čustveno gibanje. Toda v grafiki Kiprenskega je tudi določena evolucija: v njegovih kasnejših delih ni spontanosti in topline, ampak so bolj mojstrska in bolj prefinjena v izvedbi (portret S. S. Ščerbatove, italijanska umetnost, Tretjakovska galerija).
Poljaka lahko imenujemo dosleden romantik A.O. Orlovskega (1777–1832), Hitro se je asimiliral na ruskih tleh, kar je še posebej opazno v njegovih grafičnih portretih. V njih je skozi vse zunanje atribute evropske romantike z njenim uporom in napetostjo vidno nekaj globoko osebnega, skritega, intimnega (Avtoportret, 1809, Tretjakovska galerija). Orlovski je odigral tudi določeno vlogo pri »utiranju« poti realizmu zahvaljujoč svojim žanrskim skicam, risbam in litografijam, ki prikazujejo ulične prizore in tipe Sankt Peterburga, ki so oživeli znameniti štirikolesnik P.A. Vjazemskega:
Nekdanja Rus', oddaljena
Prenesli ga boste na svoje potomce
Živo si jo ujel
Pod ljudskim svinčnikom.
Tudi prva polovica 19. stol. zaznamoval razcvet ruske glasbe, povezan predvsem z imenomMihail Ivanovič Glinka(1804–1857), ki se je v zgodovino zapisal kot prvi ruski skladatelj svetovnega pomena. M. I. Glinka velja za utemeljitelja ruščine klasične glasbe. Njegovi operi Življenje za carja in Ruslan in Ljudmila sta v veliki meri določili nadaljnji razvoj ruske operne glasbe za več desetletij. Posebnost Skladateljev ustvarjalni pristop je bil v uporabi motivov iz ruske folklore in ljudske glasbe. Glinka je pisal tudi romance. Glinkini sodobniki so pomembno prispevali k razvoju ruske glasbene kultureA.A. Alyabyev, A.E. Varlamov, A.L. Gurilev, danes znani predvsem kot avtorji romanc.
A.A Aljabjev. A.L.Gurilev A.E.Varlamov
2.2 Ruska umetnost v drugi polovici 19. stoletja
Razmere za razvoj kulture v drugi polovici 19. stoletja.
Druga polovica 19. stoletja. - čas dokončne potrditve in utrjevanja nacionalnih oblik in tradicij v ruski umetnosti. Sredi 19. stol. Rusija je doživela hude pretrese: krimska vojna 1853-1856 se je končala s porazom, cesar Nikolaj I je umrl, Aleksander II, ki se je povzpel na prestol, je izvedel dolgo pričakovano odpravo tlačanstva in druge reforme. »Ruska tema« je postala priljubljena v umetnosti. Ruska kultura ni bila omejena v nacionalne okvire in ni bila ločena od kulture preostalega sveta. Dosežki tuja umetnost našla odziv v Rusiji. Po drugi strani pa je ruska kultura dobila svetovno priznanje. Ruska kultura je zavzela častno mesto v družini evropskih kultur.
Likovna umetnost ni mogla ostati stran od procesov, ki se odvijajo v javni zavesti. Državna Tretjakovska galerija v Moskvi je ena največjih zbirk ruske likovne umetnosti, svetovno znano nacionalno kulturno središče. Muzej nosi ime svojega ustanovitelja, moskovskega trgovca P. M. Tretjakova (1832-1898), ki je leta 1892 podaril mestu svojo umetniško galerijo, pa tudi majhno zbirko svojega brata in hišo, ki je bila odprta za obiskovalce leta 1881.
V tem času so ruski umetniki dosegli raven spretnosti, ki je njihova dela postavila na raven najboljših primerov evropske umetnosti. Oblikovalo se je gibanje, ki je temeljilo na idejah kritičnega realizma. Eden prvih mojstrov te smeri je bil Vasilij Grigorjevič Perov (1833–1882). Njegova žanrska dela (»Podeželska verska procesija ob veliki noči« 1861, »Spremljanje mrliča« 1865, »Trojka« 1868) so žalostne zgodbe življenja navadnih ljudi, izražene v slikarskem jeziku.
Pokrajina je dosegla blaginjo brez primere. Krajinsko slikarstvo je postalo eno vodilnih področij umetniškega razvoja; Izrazna sredstva so se izboljšala in tehnologija se je razvila. Pokrajina druge polovice 19. stoletja ni več le podoba »pokrajinskih vrst«, temveč slika, ki skozi podobe narave prenaša najtanjša gibanja človeške duše. Največji mojstri krajine v Rusiji so bili A.K. Savrasov ("Grapi so prišli" 1871), I.I. Šiškin ("Borov gozd" 1878), A.I. Brezov gaj"1879, "Mesečina noč na Dnjepru" 1880), V.D. Polenov ("Moskovsko dvorišče" 1878), I.I. Levitan (" Večerni zvonovi"1892, "Pomlad. Velika voda" 1897), K.A. Korovin ("Pozimi" 1894, "Pariz. Bulevar kapucinov" 1906).
Vrhunci realistične umetnosti druge polovice 19. stoletja. doseženo v ustvarjalnostiI.E. Repin in V.I. Surikov. Zgodovinsko slikarstvo je dobilo svoj najvišji izraz v delu Vasilija Ivanoviča Surikova (1848–1916). V zgodovini so umetnika najbolj zanimali ljudje: množice in močne, svetle osebnosti.
Prvo delo, ki je V.I. Surikovu prineslo slavo, je bilo "Jutro Strelčeve usmrtitve" (1881). Kompozicija je zgrajena na kontrastu: žalost, sovraštvo, trpljenje, utelešeni v figurah lokostrelcev, ki gredo v smrt, in njihovih ljubljenih so v nasprotju s Petrom, ki sedi na konju, zamrznjenem v kamnu v daljavi.
Poleg V. I. Surikova je V. M. Vasnetsov pisal tudi slike na zgodovinske teme. Podoba zgodovine v njegovih delih ima oprijemljivo epsko, pravljično konotacijo: »Po pokolu Igorja Svjatoslaviča s Polovci« (1880), »Alyonushka« (1881) se je kombinacija epa in zgodovine še posebej jasno pokazala v veličastno platno "Bogatyrs" (1898 G.).
Leta 1898 je bilo v Petrogradu ustanovljeno novo umetniško društvo, imenovano"Svet umetnosti" . Nastali krog je vodil umetnikA. N. Benois in filantrop S. P. Diaghilev.Glavno jedro društva je biloL.S. Bakst, E.E. Lansere, K.A. "Svet umetnosti" je organiziral razstave in izdajal revijo pod istim imenom. V društvu so bili številni umetniki:M.A.Vrubel, V.A.Serov, I.I.Levitan, M.V.Nesterov, A.P.Ryabushkin, N.K.Roerich, B.M.Kustodiev, Z.E.Serebryakova, K.S. Petrov-Vodkin.Miriskusniki so zagovarjali svobodo individualne ustvarjalnosti. Lepota je bila prepoznana kot glavni vir navdiha. Sodobni svet je po njihovem mnenju brez lepote in zato nevreden pozornosti. V iskanju lepote se umetniki Sveta umetnosti v svojih delih pogosto obračajo k spomenikom preteklosti.
Tudi druga polovica 19. stol. - To je obdobje izjemnih dosežkov znanosti in tehnologije. Razvijajo se kemija, fizika, geografija, biologija ...
Razvoj naravoslovja in široke povezave med ruskimi znanstveniki in zahodnimi so pričali o zadostnem mestu Rusije v svetovni skupnosti.
Zaključek.
Ruska umetnost vaša slikarska arhitektura
Umetnost 19. stoletja lahko primerjamo z večbarvnim mozaikom, kjer ima vsak kamenček svoje mesto in svoj pomen. Tako je nemogoče odstraniti tudi enega, tudi najmanjšega, ne da bi porušili harmonijo celote. Vendar so v tem mozaiku najbolj dragoceni kamenčki, ki oddajajo posebno močno svetlobo.
Skozi večstoletno zgodovino je ruska umetnost doživela pomembne, včasih korenite spremembe: obogatela se je, zapletla, izboljšala, a vedno ostala izvirna.
Ruska arhitektura, likovna, ljudska in uporabna umetnost pričajo o neprecenljivem prispevku naših ljudi v zakladnico domače in svetovne umetniške kulture.
19. stoletje je morda najbolj zapleteno in zanimivo obdobje v zgodovini ruske umetnosti. To obdobje je rodilo sijajno ustvarjalnost A. S. Puškina, ljudsko in univerzalno, polno sanj o svobodi. To je razcvet duhovne kulture: literature, filozofije, glasbe, gledališča in likovne umetnosti.
Seznam uporabljene literature.
1. Ilyina T.V. Zgodovina umetnosti: ruska umetnost. Učbenik / T.V. Ilyina. - M .: Višja šola, 2007. - 407 str.
2. Najnovejša popolna referenčna knjiga za šolarje od 5. do 11. razreda (zvezek 2). E.V. Simonova.