Entre los mejores ballets soviéticos que adornan el escenario del Teatro Académico Estatal Bolshoi de la URSS, uno de los primeros lugares lo ocupa legítimamente el ballet “Romeo y Julieta” de S. Prokofiev. Invariablemente cautiva a los espectadores con su alta poesía y su humanismo genuino, una encarnación brillante y veraz de los sentimientos y pensamientos humanos. El ballet se estrenó en 1940 en el Teatro de Ópera y Ballet de Leningrado que lleva el nombre de S. M. Kirov. En 1946, esta representación fue trasladada, con algunos cambios, al escenario del Teatro Bolshoi de la URSS.
El ballet "Romeo y Julieta" (libreto de S. Prokofiev y L. Lavrovsky según Shakespeare) del coreógrafo L. Lavrovsky es uno de los hitos más importantes en el camino del ballet soviético hacia el realismo. Requisitos de alta ideología y realismo, comunes a todo. arte soviético, determinó el acercamiento de Prokofiev y Lavrovsky a la encarnación de lo profundo plan ideologico La tragedia inmortal de Shakespeare. En una viva reproducción de los personajes de Shakespeare, los autores del ballet intentaron revelar la idea principal de la tragedia: el choque entre las fuerzas oscuras alimentadas por la Edad Media, por un lado, y los sentimientos, ideas y estados de ánimo de la gente de la época Renacimiento temprano, - por el otro. Romeo y Julieta viven en un mundo duro de cruel moral medieval. Una disputa que pasa de generación en generación divide a sus antiguas familias patricias. En estas condiciones, se suponía que el amor de Romeo y Julieta sería trágico para ellos. Desafiando los prejuicios de la moribunda Edad Media, Romeo y Julieta murieron en la lucha por la libertad personal y la libertad de sentimiento. Con su muerte, parecieron confirmar el triunfo de las ideas humanistas de una nueva era, cuyo amanecer brillaba cada vez más. El lirismo brillante, el patetismo lúgubre, la bufonería divertida, todo lo que da vida a la tragedia de Shakespeare, encuentra una encarnación brillante y característica en la música y la coreografía del ballet.
Escenas inspiradas del amor de Romeo y Julieta, imágenes de la vida cotidiana y de la moral cruel e inerte de la aristocracia veronesa, episodios de la vibrante vida callejera cobran vida ante el espectador. ciudad italiana, donde la diversión casual da paso a peleas sangrientas y cortejos fúnebres. Las fuerzas de la Edad Media y del Renacimiento se contrastan figurativa y artísticamente de manera convincente en la música del ballet. Los sonidos agudos y siniestros evocan la idea de las lúgubres costumbres medievales que reprimieron sin piedad. personalidad humana, su deseo de libertad. Los episodios del enfrentamiento entre las familias en guerra, los Montesco y los Capuleto, se basan en esta música que caracteriza a los representantes típicos del mundo de la Edad Media; .jpg)
- el arrogante y malvado Teobaldo, el signor y la signora Capuleto desalmados y crueles. Los heraldos del Renacimiento son retratados de otra manera. El rico mundo emocional de Romeo y Julieta se revela en una música brillante, excitante y melodiosa.
La imagen de Julieta se captura de manera más completa y atractiva en la música de Prokofiev. La niña despreocupada y juguetona, tal como la vemos al comienzo del ballet, muestra verdadero desinterés y heroísmo cuando, en la lucha por la fidelidad a sus sentimientos, se rebela contra prejuicios absurdos. El desarrollo musical de la imagen va desde la expresión de la diversión espontánea infantil hasta las letras más tiernas y el dramatismo más profundo. El personaje de Romeo se describe de forma más sucinta en la música. Dos temas contrastantes, lírico-contemplativo y apasionadamente apasionado, representan la transformación de Romeo, bajo la influencia del amor por Julieta, de un soñador melancólico a un valiente y persona decidida. El compositor también representa vívidamente a otros representantes de la nueva era. En la ingeniosa música, llena de humor alegre, algo áspero y, a veces, de sarcasmo agudo, se revela el personaje de Mercucio, un tipo alegre y bromista.
El retrato musical del padre Lorenzo, filósofo y humanista, es muy expresivo. La sabia sencillez y el aplomo tranquilo se combinan en él con una gran calidez y humanidad. La música que caracteriza a Lorenzo juega un papel importante en la creación de la atmósfera general que impregna el ballet: una atmósfera de humanidad y plenitud emocional. Al encarnar sinceramente el contenido de la tragedia de Shakespeare, Prokofiev la interpreta de una manera única, lo que se explica por las peculiaridades de su individualidad creativa.
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La primera obra importante, el ballet Romeo y Julieta, se convirtió en una auténtica obra maestra. Empezó duro vida escénica. Fue escrito en 1935-1936. El libreto fue desarrollado por el compositor junto con el director S. Radlov y el coreógrafo L. Lavrovsky (L. Lavrovsky representó la primera producción del ballet en 1940 en el Teatro de Ópera y Ballet de Leningrado que lleva el nombre de S. M. Kirov). Pero la adaptación gradual a la inusual música de Prokofiev se vio coronada por el éxito. El ballet "Romeo y Julieta" se completó en 1936, pero fue concebido antes. El destino del ballet siguió desarrollándose de forma complicada. Al principio hubo dificultades para completar el ballet. Prokofiev, junto con S. Radlov, mientras desarrollaban el guión, pensaron en un final feliz, lo que provocó una tormenta de indignación entre los estudiosos de Shakespeare. La aparente falta de respeto hacia el gran dramaturgo se explicaba simplemente: “Las razones que nos empujaron a esta barbarie fueron puramente coreográficas: los vivos pueden bailar, los moribundos no pueden bailar acostados”. La decisión de terminar el ballet trágicamente, como la de Shakespeare, estuvo influenciada sobre todo por el hecho de que no había pura alegría en la música misma, en sus episodios finales. El problema se resolvió tras conversaciones con los coreógrafos, cuando resultó que “era posible resolver el final fatal mediante el ballet”. Sin embargo, el Teatro Bolshoi violó el acuerdo al considerar que la música no era bailable. Por segunda vez, la Escuela Coreográfica de Leningrado rechazó el acuerdo. Como resultado, la primera producción de Romeo y Julieta tuvo lugar en 1938 en Checoslovaquia, en la ciudad de Brno. El director del ballet fue coreógrafo famoso L. Lavrovsky. El papel de Julieta lo bailó la famosa G. Ulanova.
Aunque en el pasado ha habido intentos de presentar a Shakespeare en escenario de ballet(por ejemplo, en 1926 Diaghilev representó el ballet "Romeo y Julieta" con música compositor inglés K. Lambert), pero ninguno de ellos se considera exitoso. Parecía que si las imágenes de Shakespeare podían plasmarse en la ópera, como hicieron Bellini, Gounod, Verdi o en musica sinfonica, como Tchaikovsky, entonces en ballet debido a su especificidad de género- está prohibido. En este sentido, el giro de Prokofiev hacia la trama de Shakespeare fue un paso audaz. Sin embargo, las tradiciones del ballet ruso y soviético prepararon este paso.
La aparición del ballet “Romeo y Julieta” constituye un importante punto de inflexión en la obra de Sergei Prokofiev. El ballet "Romeo y Julieta" se convirtió en uno de los logros más significativos en la búsqueda de una nueva interpretación coreográfica. Prokofiev se esfuerza por encarnar las emociones humanas vivas y afirmar el realismo. La música de Prokofiev revela claramente el principal conflicto de la tragedia de Shakespeare: el choque del amor brillante con la disputa familiar de la generación anterior, que caracteriza el salvajismo del estilo de vida medieval. El compositor creó una síntesis en el ballet: una fusión de drama y música, así como Shakespeare en su época combinó poesía con acción dramática en Romeo y Julieta. La música de Prokofiev transmite los movimientos psicológicos más sutiles del alma humana, la riqueza del pensamiento de Shakespeare, la pasión y el drama de su primera de las tragedias más perfectas. Prokofiev logró recrear los personajes de Shakespeare en el ballet en su diversidad y plenitud, profunda poesía y vitalidad. La poesía de amor de Romeo y Julieta, el humor y la picardía de Mercucio, la inocencia de la Nodriza, la sabiduría de Pater Lorenzo, la furia y la crueldad de Tebaldo, el color festivo y desenfrenado de las calles italianas, la ternura del amanecer. y el drama de las escenas de muerte: todo esto lo encarna Prokofiev con habilidad y enorme poder expresivo.
Las particularidades del género del ballet requirieron la ampliación de la acción y su concentración. Cortando todo lo secundario o secundario en la tragedia, Prokofiev centró su atención en los momentos semánticos centrales: el amor y la muerte; Enemistad fatal entre dos familias de la nobleza de Verona: los Montesco y los Capuleto, que provocó la muerte de los amantes. "Romeo y Julieta" de Prokofiev es un drama coreográfico ricamente desarrollado con motivaciones complejas para estados psicológicos y una abundancia de retratos y características musicales claros. El libreto muestra de manera concisa y convincente la base de la tragedia de Shakespeare. Conserva la secuencia principal de escenas (solo se acortan unas pocas escenas: 5 actos de la tragedia se agrupan en 3 actos grandes).
"Romeo y Julieta" es un ballet profundamente innovador. Su novedad se manifiesta también en los principios del desarrollo sinfónico. La dramaturgia sinfonizada del ballet contiene tres tipos diferentes.
El primero es una oposición conflictiva entre los temas del bien y del mal. Todos los héroes, portadores del bien, se muestran de forma diversa y multifacética. El compositor presenta el mal de forma más general, acercando los temas de la enemistad a los temas del rock del siglo XIX, y a algunos temas del mal del siglo XX. Los temas del mal aparecen en todos los actos excepto en el epílogo. Invaden el mundo de los héroes y no se desarrollan.
El segundo tipo de desarrollo sinfónico está asociado con la transformación gradual de las imágenes: Mercucio y Julieta, con la revelación de los estados psicológicos de los héroes y la demostración del crecimiento interno de las imágenes.
El tercer tipo revela rasgos de variación, variación, característicos del sinfonismo de Prokofiev en su conjunto; toca especialmente temas líricos;
Los tres tipos mencionados en el ballet también están sujetos a los principios del montaje cinematográfico, un ritmo especial de acción de encuadre, técnicas de primeros planos, planos medios y largos, técnicas de "disoluciones", oposiciones contrastantes agudas que dan a las escenas un significado especial.
1. La historia de la creación del ballet "Romeo y Julieta". 4
2. Personajes principales, imágenes, sus características. 7
3. El tema de Julieta (análisis de la forma, medios de expresión musical, métodos de presentación del material musical para crear una imagen) 12
Conclusión. 15
Referencias... 16
Introducción
Sergei Prokofiev fue uno de los grandes creadores del siglo XX que creó un teatro musical innovador. Las tramas de sus óperas y ballets contrastan sorprendentemente. El legado de Prokofiev es impresionante tanto por la variedad de géneros como por la cantidad de obras que creó. El compositor escribió más de 130 obras entre 1909 y 1952. La rara productividad creativa de Prokofiev se explica no sólo por un deseo fanático de componer, sino también por la disciplina y el trabajo duro, criados desde la infancia. Su obra representa casi todos los géneros musicales: ópera y ballet, concierto instrumental, sinfonía, sonata y pieza para piano, canción, romance, cantata, música de teatro y cine, música para niños. Sorprende la amplitud de los intereses creativos de Prokofiev, su asombrosa capacidad para pasar de una trama a otra y su adaptación artística al mundo de las grandes creaciones poéticas. La imaginación de Prokofiev está capturada por las imágenes del escitanismo desarrolladas por Roerich, Blok, Stravinsky ("Ala y Lolly"), el folclore ruso ("El bufón"), las tragedias de Dostoievski ("El jugador") y Shakespeare ("Romeo y Julieta). "). Recurre a la sabiduría y la eterna bondad de los cuentos de hadas de Andersen, Perrault, Bazhov y trabaja desinteresadamente, absorto en los acontecimientos de las páginas trágicas pero gloriosas de la historia rusa ("Alexander Nevsky", "Guerra y paz"). Sabe reír alegre y contagiosamente (“Duena”, “El amor por las tres naranjas”). Selecciona escenas contemporáneas que reflejan los tiempos. revolución de octubre(cantata "Al 20 aniversario de octubre"), guerra civil ("Semyon Kotko"), la Gran guerra patriótica("La historia de un hombre de verdad"). Y estas obras no se convierten en un homenaje a la época, en una voluntad de “jugar” con los acontecimientos. Todos ellos dan testimonio de la alta posición cívica de Prokofiev.
Un área completamente especial de la creatividad de Prokofiev fueron las obras para niños. Hasta sus últimos días, Prokofiev conservó su percepción juvenil y fresca del mundo. Del gran amor por los niños, de la comunicación con ellos, surgieron las traviesas canciones “Chatterbox” (con los versos de A. Barto) y “Piglets” (con los versos de L. Kvitka), el fascinante cuento sinfónico “Peter y el lobo”, el ciclo de miniaturas para piano “Música infantil” ", un poema dramático sobre una infancia arrebatada por la guerra, "La balada de un niño que permaneció desconocido" (texto de P. Antokolsky).
Prokofiev utilizó a menudo sus propios temas musicales. Pero la transferencia de temas de un ensayo a otro siempre estuvo acompañada de revisiones creativas. Prueba de ello son los bocetos y borradores del compositor, que interpretó papel especial en su proceso creativo. El proceso de composición a menudo estuvo directamente influenciado por la comunicación en vivo de Prokofiev con directores, intérpretes y directores de orquesta. Las críticas de los intérpretes originales de Romeo y Julieta provocaron el dinamismo de la orquestación en algunas escenas. Sin embargo, Prokofiev aceptó los consejos sólo cuando eran convincentes y no contradecían su propia visión de la obra.
Al mismo tiempo, Prokofiev era un psicólogo sutil y, no menos que el lado externo de las imágenes, el compositor estaba interesado en la acción psicológica. También lo encarnó con asombrosa sutileza y precisión, como en uno de los mejores ballets del siglo XX: el ballet "Romeo y Julieta".
1. La historia de la creación del ballet "Romeo y Julieta".
La primera obra importante, el ballet Romeo y Julieta, se convirtió en una auténtica obra maestra. Su vida escénica tuvo un comienzo difícil. Fue escrito en 1935-1936. El libreto fue desarrollado por el compositor junto con el director S. Radlov y el coreógrafo L. Lavrovsky (L. Lavrovsky representó la primera producción del ballet en 1940 en el Teatro de Ópera y Ballet de Leningrado que lleva el nombre de S. M. Kirov). Pero la adaptación gradual a la inusual música de Prokofiev se vio coronada por el éxito. El ballet "Romeo y Julieta" se completó en 1936, pero fue concebido antes. El destino del ballet siguió desarrollándose de forma complicada. Al principio hubo dificultades para completar el ballet. Prokofiev, junto con S. Radlov, mientras desarrollaban el guión, pensaron en un final feliz, lo que provocó una tormenta de indignación entre los estudiosos de Shakespeare. La aparente falta de respeto hacia el gran dramaturgo se explicaba simplemente: “Las razones que nos empujaron a esta barbarie fueron puramente coreográficas: los vivos pueden bailar, los moribundos no pueden bailar acostados”. La decisión de terminar el ballet trágicamente, como la de Shakespeare, estuvo influenciada sobre todo por el hecho de que no había pura alegría en la música misma, en sus episodios finales. El problema se resolvió tras conversaciones con los coreógrafos, cuando resultó que “era posible resolver el final fatal mediante el ballet”. Sin embargo, el Teatro Bolshoi violó el acuerdo al considerar que la música no era bailable. Por segunda vez, la Escuela Coreográfica de Leningrado rechazó el acuerdo. Como resultado, la primera producción de Romeo y Julieta tuvo lugar en 1938 en Checoslovaquia, en la ciudad de Brno. El ballet fue dirigido por el famoso coreógrafo L. Lavrovsky. El papel de Julieta lo bailó la famosa G. Ulanova.
Aunque en el pasado ha habido intentos de presentar a Shakespeare en el escenario del ballet (por ejemplo, en 1926, Diaghilev representó el ballet "Romeo y Julieta" con música del compositor inglés C. Lambert), ninguno de ellos se considera exitoso. Parecía que si las imágenes de Shakespeare podían encarnarse en la ópera, como lo hicieron Bellini, Gounod, Verdi, o en la música sinfónica, como en Tchaikovsky, entonces en el ballet, debido a su especificidad de género, era imposible. En este sentido, el giro de Prokofiev hacia la trama de Shakespeare fue un paso audaz. Sin embargo, las tradiciones del ballet ruso y soviético prepararon este paso.
La aparición del ballet “Romeo y Julieta” constituye un importante punto de inflexión en la obra de Sergei Prokofiev. El ballet "Romeo y Julieta" se convirtió en uno de los logros más significativos en la búsqueda de una nueva interpretación coreográfica. Prokofiev se esfuerza por encarnar las emociones humanas vivas y afirmar el realismo. La música de Prokofiev revela claramente el principal conflicto de la tragedia de Shakespeare: el choque del amor brillante con la disputa familiar de la generación anterior, que caracteriza el salvajismo del estilo de vida medieval. El compositor creó una síntesis en el ballet: una fusión de drama y música, así como Shakespeare en su época combinó la poesía con la acción dramática en Romeo y Julieta. La música de Prokofiev transmite los movimientos psicológicos más sutiles del alma humana, la riqueza del pensamiento de Shakespeare, la pasión y el drama de su primera de las tragedias más perfectas. Prokofiev logró recrear los personajes de Shakespeare en el ballet en su diversidad y plenitud, profunda poesía y vitalidad. La poesía de amor de Romeo y Julieta, el humor y la picardía de Mercucio, la inocencia de la Nodriza, la sabiduría de Pater Lorenzo, la furia y la crueldad de Tebaldo, el color festivo y desenfrenado de las calles italianas, la ternura del amanecer. y el drama de las escenas de muerte: todo esto lo encarna Prokofiev con habilidad y enorme poder expresivo.
Las particularidades del género del ballet requirieron la ampliación de la acción y su concentración. Cortando todo lo secundario o secundario en la tragedia, Prokofiev centró su atención en los momentos semánticos centrales: el amor y la muerte; Enemistad fatal entre dos familias de la nobleza de Verona: los Montesco y los Capuleto, que provocó la muerte de los amantes. "Romeo y Julieta" de Prokofiev es un drama coreográfico ricamente desarrollado con motivaciones complejas para estados psicológicos y una abundancia de retratos y características musicales claros. El libreto muestra de manera concisa y convincente la base de la tragedia de Shakespeare. Conserva la secuencia principal de escenas (solo se acortan unas pocas escenas: 5 actos de la tragedia se agrupan en 3 actos grandes).
"Romeo y Julieta" es un ballet profundamente innovador. Su novedad se manifiesta también en los principios del desarrollo sinfónico. La dramaturgia sinfonizada del ballet contiene tres tipos diferentes.
El primero es una oposición conflictiva entre los temas del bien y del mal. Todos los héroes, portadores del bien, se muestran de forma diversa y multifacética. El compositor presenta el mal de forma más general, acercando los temas de la enemistad a los temas del rock del siglo XIX, y a algunos temas del mal del siglo XX. Los temas del mal aparecen en todos los actos excepto en el epílogo. Invaden el mundo de los héroes y no se desarrollan.
El segundo tipo de desarrollo sinfónico está asociado con la transformación gradual de las imágenes: Mercucio y Julieta, con la revelación de los estados psicológicos de los héroes y la demostración del crecimiento interno de las imágenes.
El tercer tipo revela rasgos de variación, variación, característicos del sinfonismo de Prokofiev en su conjunto; toca especialmente temas líricos;
Los tres tipos mencionados en el ballet también están sujetos a los principios del montaje cinematográfico, un ritmo especial de acción de encuadre, técnicas de primeros planos, planos medios y largos, técnicas de "disoluciones", oposiciones contrastantes agudas que dan a las escenas un significado especial.
2. Personajes principales, imágenes, sus características.
El ballet consta de tres actos (el cuarto acto es un epílogo), dos números y nueve escenas.
Acto I: exposición de imágenes, conocimiento de Romeo y Julieta en el baile.
Acto II. Escena 4: un brillante mundo de amor, una boda. Escena 5: una terrible escena de enemistad y muerte.
Acto III. Escena 6 – despedida. Escenas 7, 8 – Decisión de Julieta de tomar una poción para dormir.
Cuadro Epílogo.9 – Muerte de Romeo y Julieta.
La primera escena se desarrolla entre las pintorescas plazas y calles de Verona, que poco a poco se van llenando de tráfico tras una noche de descanso. La escena del personaje principal, Romeo, "languideciendo de anhelo de amor", buscando la soledad, es reemplazada por una pelea y una pelea entre representantes de dos familias en guerra. Los furiosos oponentes son detenidos por la formidable orden del Duque: “¡Bajo pena de muerte, dispersaos! "
“¿Puede un artista mantenerse al margen de la vida?... Yo me adhiero a esa
la creencia de que un compositor, como un poeta, un escultor, un pintor, se llama
servir al hombre y al pueblo... Él, ante todo, está obligado a ser ciudadano en
su arte, para glorificar la vida humana y llevar al hombre a
futuro brillante..."
En estas palabras genio compositor Serguéi Serguéievich Prokófiev
se revela el significado y significado de su obra, toda su vida,
subordinado a continuas búsquedas atrevidas, conquistando alturas cada vez nuevas en
formas de crear música que exprese el pensamiento de la gente.
Sergei Sergeevich Prokofiev nació el 23 de abril de 1891 en el pueblo de Sontsovka.
en Ucrania. Su padre se desempeñó como administrador de la finca. Desde muy temprana edad
Seryozha se enamoró de la música seria gracias a su madre, que es buena.
tocaba el piano. Cuando era niño, el talentoso niño ya componía música.
Prokófiev recibió buena educación y conoci tres idiomas extranjeros.
Muy temprano desarrolló juicios independientes sobre la música y estrictas
actitud hacia su trabajo. En 1904, Prokofiev, de 13 años, ingresó al
Conservatorio de San Petersburgo. Pasó diez años entre sus muros. Reputación
Conservatorio de San Petersburgo durante los años que estudió allí, Prokofiev fue muy
alto. Entre sus profesores se encontraban músicos de primer nivel como
como: N.A. Rimsky-Korsakov, A.K. Glazunov, A.K. Lyadov, y en
clases de interpretación - A.N. Esipova y L.S. Se remonta a 1908.
Primera aparición pública de Prokofiev interpretando sus obras.
por la tarde musica moderna. Interpretación del Primer Concierto para piano
con orquesta (1912) en Moscú le dio a Sergei Prokofiev una enorme
gloria. La música me asombró por su extraordinaria energía y coraje. Real
una voz audaz y alegre se escucha en la audacia rebelde del joven
Prokófiev. Asafiev escribió: “¡Qué talento tan maravilloso! Ardiente,
vivificante, lleno de fuerza, vigor, voluntad valiente y cautivador.
espontaneidad de la creatividad. Prokofiev a veces es cruel, a veces
desequilibrado, pero siempre interesante y convincente”.
Nuevas imágenes de la música dinámica y deslumbrantemente brillante de Prokofiev
Nace de una nueva cosmovisión, la era de la modernidad, el siglo XX. Después
Después de graduarse del conservatorio, el joven compositor viajó al extranjero: a Londres,
donde la compañía de ballet rusa organizada por
S. Diaghilev.
La aparición del ballet “Romeo y Julieta” constituye un importante punto de inflexión en
obras de Sergei Prokofiev. Fue escrito en 1935-1936. Libreto
desarrollado por el compositor junto con el director S. Radlov y
coreógrafo L. Lavrovsky (L. Lavrovsky y realizó la primera
producción del ballet en 1940 en el Teatro de Ópera y Ballet de Leningrado
lleva el nombre de S. M. Kirov). Convencido de la inutilidad de lo formal
experimentación, Prokofiev se esfuerza por encarnar al ser humano vivo.
emociones, afirmación del realismo. La música de Prokofiev revela claramente los principales
el conflicto de la tragedia de Shakespeare: el choque del amor brillante con el amor ancestral
enemistad de la generación anterior, que caracteriza el salvajismo de la época medieval.
estilo de vida. La música reproduce las imágenes vivas de los héroes de Shakespeare, sus
pasiones, impulsos, sus dramáticos enfrentamientos. Su forma es fresca y
Imágenes olvidables, dramáticas y musical-estilísticas.
sujeto al contenido.
A menudo se abordaba la trama de "Romeo y Julieta": "Romeo y Julieta" -
obertura-fantasía de Tchaikovsky, sinfonía dramática con coro de Berlioz,
y también - 14 óperas.
“Romeo y Julieta” de Prokofiev es una coreografía ricamente desarrollada.
drama con una motivación compleja para estados psicológicos, una abundancia de claros
retratos-características musicales. El libreto es conciso y convincente.
Muestra la base de la tragedia de Shakespeare. Contiene los principales
secuencia de escenas (sólo se han acortado algunas escenas - 5 actos
Las tragedias se agrupan en 3 grandes actos).
En la música, Prokofiev se esfuerza por dar ideas modernas sobre la antigüedad.
(la época de los hechos descritos es el siglo XV). Minueto y gavota caracterizan
cierta rigidez y gracia convencional (“ceremoniosidad” de la época) en la escena
El baile de Capuleto. Prokofiev encarna vívidamente las obras de Shakespeare en la música
contrastes entre lo trágico y lo cómico, lo sublime y lo bufonesco. Junto a
escenas dramáticas: las alegres excentricidades de Mercutio. chistes crudos
nodrizas. ¿Suena claramente la línea del scherzo en las pinturas?????????????
en la calle Verona, en la bufonada “Danza de las Máscaras”, en las travesuras de Julieta, en
tema divertido de anciana de la Enfermera. Una personificación típica del humor.
feliz Mercucio.
Uno de los recursos dramáticos más importantes del ballet “Romeo y Julieta”.
es el leitmotiv: estos no son motivos breves, sino episodios detallados
(por ejemplo, el tema de la muerte, el tema de la fatalidad). Generalmente retratos musicales
Los personajes de Prokofiev se entrelazan a partir de varios temas que caracterizan diferentes
aspectos de la imagen: la aparición de nuevas cualidades de la imagen provoca la aparición
nuevo tema. El ejemplo más claro 3 temas del amor, como 3 etapas de desarrollo.
sentimientos:
1 tema - su origen;
2 tema - florecimiento;
El tercer tema es su intensidad trágica.
El lugar central en la música lo ocupa la corriente lírica: el tema del amor,
conquistando la muerte.
Con extraordinaria generosidad, el compositor describió el mundo de los estados mentales.
Romeo y Julieta (más de 10 temas) se caracteriza de una manera particularmente multifacética
Juliet se transforma de una niña despreocupada a una fuerte y amorosa.
mujer. De acuerdo con el plan de Shakespeare, se da la imagen de Romeo: al principio él
abraza anhelos románticos y luego muestra un ardor ardiente
un amante y el coraje de un luchador.
Los temas musicales que perfilan el surgimiento del sentimiento de amor son transparentes,
amable; que caracteriza el sentimiento maduro de los amantes están llenos de jugosidad,
Colores armoniosos, marcadamente cromados. Un marcado contraste con el mundo del amor.
y las bromas juveniles están representadas por la segunda línea - "la línea de enemistad" - el elemento
Odio ciego y medieval????????? - la causa de la muerte de Romeo y
Julieta. El tema de la lucha en el agudo leitmotiv de la enemistad: un unísono formidable
bajos en “La danza de los caballeros” y en el retrato escénico de Teobaldo -
la personificación de la ira, la arrogancia y la arrogancia de clase, en episodios de batalla
peleas con el sonido amenazador del tema del Duque. La imagen de Pater se revela sutilmente
Lorenzo - un científico humanista, patrón de los amantes, que espera que su
el amor y el matrimonio reconciliarán a las familias en guerra. no hay
santidad de la iglesia, desapego. Ella enfatiza la sabiduría, la grandeza.
Espíritu, bondad, amor por las personas.
Análisis de ballet
El ballet tiene tres actos (el cuarto acto es un epílogo), dos números y nueve
pinturas
Acto I: exposición de imágenes, introducción de Romeo y Julieta en el baile.
Acto II. 4ta imagen: brillante mundo del amor, boda. 5 imagen -
un terrible escenario de hostilidad y muerte.
Acto III. Escena 6 - despedida. 7, 8 cuadros - La decisión de Julieta
toma una poción para dormir.
Epílogo. Escena 9: la muerte de Romeo y Julieta.
No. 1 La introducción comienza con el tercer tema del amor: brillante y triste; conocido
con imágenes básicas:
2do tema - con la imagen de la casta niña Julieta - elegante y
astuto;
Tema 3: con la imagen de un Romeo ardiente (el acompañamiento muestra un elástico
el andar de un joven).
1 foto
No. 2 "Romeo" (Romeo deambula por la ciudad antes del amanecer) - comienza con
mostrando el andar ligero de un joven: un tema reflexivo lo caracteriza
mirada romántica.
No. 3 “La calle se despierta” - scherzo - al son de un almacén de danza,
segundas síncopas, diferentes yuxtaposiciones tonales añaden sabor,
La travesura como símbolo de salud, optimismo: el tema suena en diferentes
llaves.
No. 4 “Danza de la mañana” - caracteriza la calle que despierta, la mañana
ajetreo y bullicio, bromas agudas, animados duelos verbales: música scherzosn,
Juguetona, la melodía tiene un ritmo elástico, baila y corre.
Caracteriza el tipo de movimiento.
No. 5 y 6 “Pelea entre los sirvientes de los Montesco y los Capuleto”, “Pelea” - aún no violenta
enojo, los temas suenan arrogantes, pero alegres, continúan el estado de ánimo
"Baile de la mañana" "Luchar" - como un "estudio" - movimiento motor, traqueteo
Armas, sonido de pelotas. Aquí por primera vez aparece el tema de la enemistad, pasa
polifónicamente.
No. 7 "La orden del duque" - medios visuales brillantes (teatrales
efectos) - “paso” amenazadoramente lento, sonido agudo y disonante (ff)
y viceversa, tríadas tónicas descargadas y vacías (pp) - agudas
Contrastes dinámicos.
Interludio número 8: calmar la atmósfera tensa de una pelea.
2 foto
En el centro de 2 cuadros hay un “retrato” de Julieta, una niña, juguetona y juguetona.
No. 9 “Preparativos para el baile” (Julieta y la enfermera) el tema de la calle y
El tema de la enfermera, que refleja su andar arrastrando los pies.
No. 10 “Julieta la niña”. Los diferentes lados de la imagen aparecen nítidos y
de repente. La música está escrita en forma Rondo:
1 tema - La ligereza y vivacidad del tema se expresa en una escala simple
Melodía “corriente” y, que enfatiza su ritmo, agudeza y movilidad,
termina con una cadencia chispeante T-S-D-T, expresada por relacionados
tríadas tónicas: As, E, C descendiendo por las terceras;
2 tema - Gracia de 2 temas transmitidos al ritmo de la gavota (imagen suave
Chicas Julieta) - el clarinete suena juguetón y burlón;
3er tema - refleja un lirismo puro y sutil - como el más significativo
“faceta” de su imagen (cambio de tempo, textura, timbre - flauta,
violonchelos) - suena muy transparente;
Tema 4 (coda) - al final (suena en el n.° 50 - Julieta bebe
bebida) presagia el trágico destino de la niña. acción dramática
se desarrolla en el marco festivo de un baile en la casa de los Capuleto: cada baile
Tiene una función dramática.
No. 11 Los invitados se reúnen oficial y solemnemente al son del “Minueto”. EN
En la parte media, melódica y elegante, aparecen jóvenes amigos.
Julieta.
No. 12 “Máscaras” - Romeo, Mercutio, Benvolio con máscaras - divirtiéndose en el baile -
una melodía cercana al personaje de Mercucio el alegre: una marcha caprichosa
da paso a una serenata burlona y cómica.
No. 13 "Danza de los Caballeros" - una escena extendida escrita en forma de Rondo,
retrato de grupo: una característica generalizadora de los señores feudales (como
características de la familia Capuleto y Teobaldo).
Refren: un ritmo saltador con puntos en arpegio, combinado con un ritmo medido
el pesado sonido del bajo crea una imagen de venganza, estupidez y arrogancia.
- la imagen es cruel e implacable;
Episodio 1: el tema de la enemistad;
Episodio 2: baile de los amigos de Julieta;
Episodio 3 - Julieta baila con Paris: una melodía frágil y sofisticada, pero
congelado, caracterizando la vergüenza y el temor de Julieta. En el centro
Suena el 2º tema de Julieta la niña.
No. 14 “Variación Julieta”. Tema 1 - ecos de un baile con el sonido del novio -
vergüenza, rigidez. Tema 2 - el tema de la niña Julieta - sonidos
elegante, poético. En la segunda parte el tema de Romeo, que por primera vez
ve a Julieta (de la introducción) - al ritmo del Minueto (la ve bailando), y
la segunda vez con el acompañamiento característico de Romeo (marcha elástica).
No. 15 “Mercutio” - retrato de un tipo alegre e ingenioso - movimiento scherzo
lleno de textura, armonía y sorpresas rítmicas, encarnando
brillantez, ingenio, ironía de Mercucio (como saltando).
Nº 16 “Madrigal”. Romeo se dirige a Julieta - 1 sonido del tema
“Madrigal”, que refleja movimientos de danza ceremonial tradicional y
expectativa mutua. Se abre paso el tema 2: tema travieso
Chicas Juliet (suena animado, divertido), 1 tema de amor aparece por primera vez
- origen.
No. 17 “Tebaldo reconoce a Romeo”: los temas de la enemistad y el tema de los caballeros suenan siniestro.
No. 18 “Gavota” - salida de invitados - baile tradicional.
Los temas de amor están ampliamente desarrollados en el gran dúo de héroes "Escena en el balcón",
No. 19-21, concluyendo el Acto I.
No 19. Comienza con el tema de Romeo, luego el tema de Madrigal, el tema de la 2ª Julieta. 1
tema de amor (de Madrigal) - suena emocionalmente emocionado (de
violonchelo y corno inglés). Toda esta gran escena (No. 19 “Escena en
balcón”, No. 29 “Romeo Variation”, No. 21 “Love Dance”) está subordinado a un sencillo
desarrollo musical: se entrelazan varios leittemas que gradualmente
se vuelven cada vez más intensos: en el n.° 21, “Love Dance”, suena
entusiasta, extático y solemne 2 tema del amor (ilimitado
rango) - melodioso y suave. En el Código No. 21 - el tema “Romeo ve por primera vez
Julieta."
3 foto
El segundo acto está repleto de contrastes: danzas folclóricas enmarcan la escena de la boda,
en la segunda mitad (escena 5) el ambiente festivo da paso a lo trágico
una imagen del duelo entre Mercucio y Teobaldo, y la muerte de Mercucio. Luto
La procesión con el cuerpo de Teobaldo es el clímax del Acto II.
4 foto
No. 28 “Romeo en el Padre Lorenzo” - escena de boda - retrato del Padre Lorenzo
- una persona sabia, noble, caracterizada por el coral
un tema caracterizado por la suavidad y calidez de la entonación.
No. 29 “Julieta con el padre Lorenzo”: el surgimiento de un nuevo tema en
flautas (timbre principal de Julieta) - dúo de violonchelo y violín - apasionado
una melodía llena de entonaciones habladas, cercana a la voz humana, como
Reproduciría el diálogo de Romeo y Julieta. música coral,
acompañando la ceremonia nupcial, completa la escena.
5 foto
En la quinta película hay un giro trágico en la trama. Prokofiev magistralmente
reencarna más tema divertido- “La calle despierta”, que a las 5
La imagen suena oscura y siniestra.
No. 32 “Encuentro de Teobaldo y Mercucio”: el tema de la calle está distorsionado, su integridad
destruido: ecos cromáticos menores y agudos, timbre de "aullido"
saxófono
Los temas del No. 33 “Teobaldo pelea con Mercucio” caracterizan a Mercucio, quien
Lucha con gallardía, alegría, arrogancia, pero sin malicia.
No. 34 “Mercutio muere” - una escena escrita por Prokofiev con gran
Profundidad psicológica, basada en un tema en constante aumento.
sufrimiento (manifestado en una versión menor del tema de la calle) - junto con
la expresión del dolor muestra el patrón de movimientos de una persona que se debilita - con esfuerzo
La voluntad de Mercucio se obliga a sonreír (en la orquesta hay fragmentos de temas anteriores,
pero en el lejano registro superior de los de madera -oboe y flauta-
Los temas que regresan son interrumpidos por pausas, lo inusual es enfatizado por extraños.
acordes finales: después de re menor - hy es menor).
No. 35 “Romeo decide vengar la muerte de Mercucio” - tema de batalla de la imagen 1 -
Romeo mata a Teobaldo.
No. 36 “Final”: cobre rugiente grandioso, densidad de textura, monótono
ritmo - acercándose al tema de la enemistad.
El acto III se basa en el desarrollo de las imágenes de Romeo y Julieta, heroicamente
defendiendo su amor - atención especial a la imagen de Julieta (profunda
la caracterización de Romeo se da en la escena "En Mantua", donde Romeo es exiliado - esto
la escena fue introducida durante la producción del ballet, y en ella suenan temas de escenas de amor).
A lo largo del acto III, los temas del retrato de Julieta, los temas del amor,
adquiriendo una apariencia dramática y lúgubre y un nuevo sonido trágico
melodías. El acto III se diferencia de los anteriores por una mayor continuidad
acción de extremo a extremo.
6 foto
El nº 37 “Introducción” reproduce la música de la formidable “Duke’s order”.
No. 38 Habitación de Julieta: la atmósfera se recrea con las técnicas más sutiles
silencio, noche - adiós a Romeo y Julieta (la flauta y la celesta pasan
tema de la escena de la boda)
No. 39 “Adiós” - un pequeño dúo lleno de tragedia contenida - nuevo
melodía. El tema de la despedida suena, expresando al mismo tiempo fatalidad y vivacidad.
impulso.
No. 40 “Enfermera” - tema de la Enfermera, tema del Minueto, tema de las amigas de Julieta -
caracterizan la casa de los Capuleto.
No. 41 “Julieta se niega a casarse con París” - 1 tema de la niña Julieta
- suena dramático, asustado. 3er tema de Julieta: suena triste,
congelada, la respuesta es el discurso de Capuleto: el tema de los caballeros y el tema de la enemistad.
No. 42 “Julieta está sola” - indecisa - suena el tercer y segundo tema del amor.
No. 43 “Interludio”: el tema de la despedida adquiere el carácter de un apasionado
Apelación, determinación trágica: Julieta está dispuesta a morir en nombre del amor.
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No. 44 “En casa de Lorenzo” - se comparan los temas de Lorenzo y Julieta, y de momento,
Cuando el monje le da pastillas para dormir a Julieta, se escucha por primera vez el tema de la muerte.
imagen musical que corresponde exactamente a la de Shakespeare: “Frío
El miedo lánguido taladra mis venas. Congela el calor de la vida”.
movimiento pulsante automáticamente???? transmite entumecimiento, embotamiento
Bajo fuerte: creciente "miedo lánguido".
No. 45 “Interludio” - describe la compleja lucha interna de Julieta - suena
3 el tema del amor y en respuesta a él el tema de los caballeros y el tema de la enemistad.
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No. 46 “De vuelta en casa de Julieta” - continuación de la escena - El miedo y la confusión de Julieta
expresado en el tema congelado de Julieta de las variaciones y tema 3
Chicas Julieta.
No. 47 “Julieta está sola (decide)”: el tema de la bebida y el tercer tema se alternan
Julieta, su destino fatal.
No. 48 “Serenata Matutina”. En el acto III, los elementos de género caracterizan
el escenario de la acción y se utilizan con mucha moderación. Dos elegantes miniaturas.
Se introdujeron “Serenata matutina” y “Danza de niñas con lirios” para crear
el mejor contraste dramático.
No. 50 “At Juliet’s Bedside” - comienza con el tema 4 de Juliet
(trágico). La madre y la enfermera van a despertar a Julieta, pero ella está muerta.
el tercer tema pasa triste e ingrávidamente por el registro más alto de los violines
Julieta.
Acto IV - Epílogo
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No. 51 “El funeral de Julieta” - el Epílogo comienza con esta escena -
maravillosa música para el cortejo fúnebre. Tema de la muerte (violines)
adquiere un carácter triste. La aparición de Romeo va acompañada del tema 3.
amar. Muerte de Romeo.
No. 52 “La muerte de Julieta”. El despertar de Julieta, su muerte, la reconciliación.
Montescos y Capuletos.
El final del ballet es un brillante himno de amor, basado gradualmente en
el sonido creciente y deslumbrante del tercer tema de Julieta.
El trabajo de Prokofiev continuó. tradiciones clásicas ruso
ballet Esto se expresó en el gran significado ético del tema elegido, en
reflejo de profundos sentimientos humanos en una sinfónica desarrollada
Dramaturgia de una representación de ballet. Y al mismo tiempo la partitura del ballet.
Romeo y Julieta era tan inusual que tomó tiempo para
“acostumbrarse a ello”. Incluso hubo un dicho irónico: “No hay historia
más triste del mundo que la música de ballet de Prokofiev”. Solo gradualmente todo
Esto dio paso a la actitud entusiasta de los artistas, y luego del público, hacia
música. En primer lugar, la trama era inusual. La apelación a Shakespeare fue
un paso audaz para la coreografía soviética, ya que en general se creía que
que la encarnación de temas filosóficos y dramáticos tan complejos es imposible
a través del ballet. La música de Prokofiev y la actuación de Lavrovsky
imbuido del espíritu shakesperiano.
Referencias.
soviet literatura musical editado por M.S. Pekelisa;
I. Maryanov “Vida y obra de Sergei Prokofiev”;
L. Dalko “Monografía popular de Sergei Prokofiev”;
soviet enciclopedia musical editado por I.A. Prokhorova y G.S.
Skúdina.
"Romeo y Julieta" en el idioma de Terpsícore
“Vuelo lleno de alma”.
“Eugene Onegin” A. S. Pushkin.
La inmortal historia de Romeo y Julieta, sin duda, ha ocupado durante mucho tiempo su lugar inquebrantable en el Olimpo de la cultura mundial. A lo largo de los siglos, el encanto de esta apasionante historia de amor y su popularidad han creado las condiciones previas para numerosas adaptaciones en todos los sentidos posibles. forma artística. El ballet tampoco podía mantenerse alejado.
En Venecia, allá por 1785, se representó el ballet en cinco actos de E. Luzzi "Julieta y Romeo".
El destacado coreógrafo August Bournonville, en su libro "Mi vida teatral", describe la curiosa producción de "Romeo y Julieta" en 1811 en Copenhague por el coreógrafo Vincenzo Galeotte con música de Schall. En este ballet, se omitió un motivo shakesperiano tan esencial como la disputa familiar entre los Montesco y los Capuleto: Julieta simplemente fue casada por la fuerza con el odiado conde, y el baile de la heroína con su novio no amado al final del Acto IV fue un gran éxito. con el público. Lo más curioso fue que los papeles de los jóvenes amantes de Verona fueron asignados - según la jerarquía teatral existente - a artistas de edad muy respetable; el artista Romeo tenía cincuenta años, Julieta unos cuarenta, Paris cuarenta y tres y Fray Lorenzo fue interpretado por el famoso coreógrafo Vincenzo Galeotti, ¡que tenía setenta y ocho años!
VERSIÓN DE LEONID LAVROVSKY. URSS.
En 1934, el Teatro Bolshoi de Moscú se acercó a Sergei Prokofiev con una propuesta para escribir música para el ballet Romeo y Julieta. Este fue el momento en que compositor famoso, asustado por el surgimiento de regímenes dictatoriales en el corazón de Europa, regresó a la Unión Soviética y quería una cosa: trabajar tranquilamente por el bien de su patria, que abandonó en 1918. Habiendo concluido un acuerdo con Prokofiev, la dirección del Teatro Bolshoi esperaba la aparición de un ballet en estilo tradicional en tema eterno. Afortunadamente, en la historia de la música rusa ya existen excelentes ejemplos de ello, creados por el inolvidable Piotr Ilich Tchaikovsky. El texto de la trágica historia de los amantes de Verona era muy conocido en el país donde el teatro de Shakespeare gozaba del amor popular.
En 1935 se completó la partitura y comenzaron los preparativos para la producción. Inmediatamente los bailarines declararon que la música era “no bailable” y los miembros de la orquesta la declararon “contradictoria con las técnicas de interpretación de la canción”. instrumentos musicales" En octubre del mismo año, Prokofiev interpretó una suite del ballet, arreglada para piano, durante un recital en Moscú. Un año más tarde, combinó los pasajes más expresivos del ballet en dos suites (la tercera apareció en 1946). Así, la música del ballet nunca escenificado comenzó a interpretarse en programas sinfónicos por las mayores orquestas europeas y americanas. Después de que el Teatro Bolshoi finalmente rompió el contrato con el compositor, el Teatro Kirov de Leningrado (ahora Mariinsky) se interesó por el ballet y lo puso en escena en enero de 1940.
En gran parte gracias a la coreografía de Leonid Lavrovsky y la encarnación de las imágenes de Julieta y Romeo por Galina Ulanova y Konstantin Sergeev, el estreno de la producción se convirtió en un evento sin precedentes en vida cultural segunda capital. El ballet resultó majestuoso y trágico, pero al mismo tiempo romántico hasta el punto de asombrar. El director y los artistas lograron lo principal: el público sintió una profunda conexión interna entre Romeo y Julieta y los ballets de Tchaikovsky. A raíz del éxito, Prokofiev creó más tarde dos ballets más hermosos, aunque no tan exitosos: "Cenicienta" y "La flor de piedra". El Ministro de Cultura expresó el deseo de que el amor en el ballet triunfe sobre la villanía criminal de las autoridades. El compositor era de la misma opinión, aunque por diferentes motivos relacionados con las exigencias de la producción escénica.
Sin embargo, la influyente Comisión Shakespeare de Moscú se opuso a esta decisión, defendiendo los derechos del autor, y los poderosos partidarios del optimismo socialista se vieron obligados a rendirse. En un ambiente deliberadamente folklórico y realista, y, por tanto, opuesto a las corrientes vanguardistas y modernistas del ballet contemporáneo de aquella época, el nueva etapa en el arte danza clasica. Sin embargo, antes de que este florecimiento pudiera dar frutos, comenzó la Segunda Guerra Mundial, suspendiendo cualquier actividades culturales tanto en la URSS como en Europa Occidental.
primero y característica principal El nuevo ballet fue su duración: constaba de trece escenas, sin contar el prólogo y el epílogo. La trama se acercaba lo más posible al texto de Shakespeare y la idea general tiene un significado conciliador. Lavrovsky decidió minimizar las anticuadas expresiones faciales del siglo XIX, muy extendidas en los teatros rusos, dando preferencia a la danza como elemento, danza que nace de la manifestación directa de los sentimientos. El coreógrafo supo presentar en términos básicos el horror de la muerte y el dolor del amor incumplido, ya claramente expresado por el compositor; él creó a los vivos escenas de multitud con peleas impresionantes (para montarlas, incluso consultó a un especialista en armas). En 1940, Galina Ulanova cumplió treinta años; a algunos les podría parecer demasiado mayor para el papel de Julieta. De hecho, se desconoce si la imagen de una joven amante habría nacido sin esta actuación. El ballet se convirtió en un evento de tal importancia que abrió una nueva etapa en el arte del ballet de la Unión Soviética, y esto a pesar de la estricta censura de las autoridades gobernantes durante los difíciles años del estalinismo, que ató las manos de Prokofiev. Al finalizar la guerra, el ballet inició su marcha triunfal por todo el mundo. Entró en el repertorio de todos los teatros de ballet de la URSS y de los países europeos, donde se le encontraron nuevas e interesantes soluciones coreográficas.
El ballet "Romeo y Julieta" se representó por primera vez el 11 de enero de 1940 en el Teatro Kirov (ahora Mariinsky) de Leningrado. Esta es la versión oficial. Sin embargo, el verdadero “estreno”, aunque en forma abreviada, tuvo lugar el 30 de diciembre de 1938 en la ciudad checoslovaca de Brno. La orquesta estaba dirigida por el director italiano Guido Arnoldi, el coreógrafo era el joven Ivo Vania-Psota, quien también interpretó el papel de Romeo junto con Zora Semberova - Julieta. Todas las pruebas documentales de esta producción se perdieron con la llegada de los nazis a Checoslovaquia en 1939. Por el mismo motivo, el coreógrafo se vio obligado a huir a América, donde intentó sin éxito volver a montar el ballet. ¿Cómo pudo ocurrir que una producción tan importante se representara casi ilegalmente fuera de Rusia?
En 1938 Prokófiev último tiempo realizó una gira por Occidente como pianista. En París interpretó las dos suites del ballet. En la sala estuvo presente el director de la Ópera de Brno, quien mostró un gran interés por la nueva música.
El compositor le regaló una copia de sus suites y a partir de ellas se representó el ballet. Mientras tanto, el Teatro Kirov (ahora Mariinsky) finalmente aprobó la producción del ballet. Todos prefirieron silenciar el hecho de que la producción tuvo lugar en Brno; Prokofiev - para no enemistarse con el Ministerio de Cultura de la URSS, el Teatro Kirov - para no perder el derecho a tener la primera producción, los americanos - porque querían vivir en paz y respetar los derechos de autor, los europeos - porque mucho más preocupado por problemas graves problemas politicos eso había que resolverlo. Sólo unos pocos años después del estreno en Leningrado aparecieron artículos periodísticos y fotografías de los archivos checos; prueba documental de dicha producción.
En los años 50 del siglo XX, el ballet "Romeo y Julieta" conquistó el mundo entero como una epidemia de huracanes. Aparecieron numerosas interpretaciones y nuevas versiones del ballet, que en ocasiones provocaron fuertes protestas de la crítica. Nadie en la Unión Soviética levantó la mano ante la producción original de Lavrovsky, excepto quizás Oleg Vladimirov en el escenario de Maly. teatro de la ópera Leningrado en los años 70 todavía llevó la historia de los jóvenes amantes a un final feliz. Sin embargo, pronto volvió a la producción tradicional. También se puede observar la versión de Estocolmo de 1944: en ella, abreviada a cincuenta minutos, el énfasis está en la lucha de dos facciones en guerra. No se pueden pasar por alto las versiones de Kenneth Mac Milan y el Royal Ballet de Londres con los inolvidables Rudolf Nureyev y Margot Fonteyn; John Neumeier y el Ballet Real Danés, en cuya interpretación se glorifica y ensalza el amor como una fuerza capaz de resistir cualquier coerción. Se podrían enumerar muchas otras interpretaciones, desde la producción londinense de Frederick Ashton, pasando por el ballet sobre las fuentes cantantes de Praga hasta la actuación moscovita de Yuri Grigorovich, pero nos centraremos en la interpretación del brillante Rudolf Nureyev.
Gracias a Nuriev, el ballet de Prokofiev recibió un nuevo impulso. La importancia del partido de Romeo aumentó, llegando a ser igual en importancia al partido de Julieta. Hubo un gran avance en la historia del género: antes de eso, el papel masculino ciertamente estaba subordinado a la primera bailarina. En este sentido, Nureyev es efectivamente heredero directo de personajes tan míticos como Vaslav Nijinsky (que reinó en los escenarios de los Ballets Rusos de 1909 a 1918), o Serge Lefar (que brilló en las grandiosas producciones de la Ópera de París en los años 30). ).
VERSIÓN DE RUDOLF NURIEV. URSS, AUSTRIA.
La producción de Rudolf Nureyev es mucho más oscura y trágica que la ligera y romántica producción de Leonid Lavrovsky, pero eso no la hace menos hermosa. Desde los primeros minutos queda claro que la espada de Damocles del destino ya se ha levantado sobre los héroes y su caída es inevitable. En su versión, Nureyev se permitió cierta divergencia con Shakespeare. Introdujo en el ballet a Rosaline, que en el clásico está presente sólo como un fantasma etéreo. Mostró cálidos sentimientos familiares entre Tybalt y Juliet; la escena en la que la joven Capuleto se encuentra entre dos fuegos, al enterarse de la muerte de su hermano y de que su marido es su asesino, literalmente te pone la piel de gallina, parece que incluso entonces una parte del alma de la niña muere; La muerte del padre de Lorenzo es un poco chocante, pero en este ballet está bastante en armonía con la impresión general. hecho interesante: los artistas nunca ensayan completamente la escena final, bailan aquí y ahora como dicta su corazón.
VERSIÓN DE N. RYZHENKO Y V. SMIRNOV-GOLOVANOV. URSS.
En 1968 se representó un mini ballet. Coreografía de N. Ryzhenko y V. Smirnov - Golovanov con la música de “Fantasy Overture” de P.I. Chaikovski. En esta versión faltan todos los personajes excepto los principales. El papel de los trágicos acontecimientos y circunstancias que se interponen en el camino de los amantes lo desempeña el cuerpo de ballet. Pero esto no impedirá que una persona familiarizada con la trama comprenda el significado, la idea y aprecie la versatilidad y las imágenes de la producción.
La película, el ballet "Shakespeareano", que además de "Romeo y Julieta" incluye miniaturas sobre el tema de "Otelo" y "Hamlet", sigue siendo diferente de la miniatura mencionada anteriormente, a pesar de que utiliza la misma música. y los directores son los mismos o coreógrafos. Aquí se ha añadido el personaje del padre Lorenzo, y el resto de personajes, aunque en el cuerpo de baile, siguen presentes, y también se ha cambiado ligeramente la coreografía. Un marco maravilloso para una imagen es un antiguo castillo a la orilla del mar, dentro de cuyos muros y alrededores se desarrolla la acción. ...Y ahora la impresión general es completamente diferente....
Dos creaciones a la vez tan parecidas y tan diferentes, cada una de las cuales merece una atención especial.
VERSIÓN DE RADU POKLITARU. MOLDAVIA.
La producción del coreógrafo moldavo Radu Poklitaru es interesante porque el odio de Teobaldo durante el duelo no se dirige tanto a Romeo como a Mercucio, ya que en el baile él, disfrazado de mujer, para proteger a su amigo, coqueteó con el “ rey gato” e incluso lo besó, exponiéndolo así al ridículo universal. En esta versión, la escena del “balcón” se reemplaza por una escena similar a una escena de un decorado en miniatura con música de Tchaikovsky, que representa la situación en su conjunto. Es interesante el personaje del padre Lorenzo. Es ciego y, por así decirlo, personifica la idea expresada primero por Victor Hugo en la novela "El hombre que ríe", y luego por Antoine de Saint-Exupéry en " El principito” sobre el hecho de que “sólo el corazón está alerta”, porque, a pesar de la ceguera, es el único que ve lo que las personas videntes no notan. La escena de la muerte de Romeo es espeluznante y al mismo tiempo romántica; coloca una daga en la mano de su amada, luego se acerca para besarla y, por así decirlo, se empala con la hoja.
VERSIÓN DE MAURICE BEJART. FRANCIA, SUIZA.
Maurice Béjart puso en escena el ballet Sinfonía dramática “Romeo y Julieta” con música de Héctor Berlioz. La actuación se rodó en los Jardines de Bóboli (Florencia, Italia). Comienza con un Prólogo ambientado en los tiempos modernos. En la sala de ensayo, donde se ha reunido un grupo de bailarines, estalla una riña que se convierte en una reyerta generalizada. Aquí desde sala El propio Béjar, coreógrafo y autor, salta al escenario. Un breve movimiento de manos, un chasquido de dedos y todos van a sus lugares. Al mismo tiempo que el coreógrafo, emergen de las profundidades del escenario dos bailarines más, que antes no estaban allí y que no participaron en la pelea anterior. Llevan los mismos trajes que todos los demás, pero blanco. Todavía son solo bailarines, pero el coreógrafo de repente ve en ellos a sus héroes: Romeo y Julieta. Y luego se convierte en el Autor, y el espectador siente cómo nace misteriosamente un plan que el Autor, como el Creador-Demiurgo, transmite a los bailarines: a través de ellos el plan debe realizarse. El autor aquí es el poderoso gobernante de su universo escénico, quien, sin embargo, es incapaz de cambiar el destino de los héroes a los que ha dado vida. Esto está más allá del poder del Autor. Sólo puede transmitir su plan a los actores, sólo iniciarlos en una parte de lo que está por suceder, asumiendo sobre sí el peso de la responsabilidad de su decisión... En esta representación faltan algunos héroes de la obra, y el La producción en sí transmite más bien esencia general tragedia en lugar de contar una historia de Shakespeare.
VERSIÓN DE MAURO BIGONZETTI.
El diseño innovador de un carismático artista multimedia, la música clásica de Prokofiev y la vibrante y ecléctica coreografía de Mauro Bigonzetti, que no se centra en la trágica historia de amor sino en su energía, crean un espectáculo que fusiona el arte mediático y el arte del ballet. Pasión, conflicto, destino, amor, muerte: estos son los cinco elementos que componen la coreografía de este controvertido ballet, basado en la sensualidad y que tiene un fuerte impacto emocional en el espectador.
ALFOMBRAS VERSIÓN EKA. SUECIA.
Sometiéndose a cada nota de Tchaikovsky, el aficionado al teatro sueco Mats Ek compuso su propio ballet. En su actuación no hay lugar para la exuberante Verona de Prokofiev con sus festividades multitudinarias, diversión desenfrenada de la multitud, carnavales, procesiones religiosas, gavotas cortesanas y masacres pintorescas. El escenógrafo ha construido la metrópoli actual, una ciudad de avenidas y callejones sin salida, patios de garaje y lofts de lujo. Esta es una ciudad de solitarios que se juntan sólo para sobrevivir. Aquí matan sin pistolas ni cuchillos: de forma rápida, silenciosa, rutinaria y con tanta frecuencia que la muerte ya no causa ni horror ni ira.
Tybalt aplastará la cabeza de Mercutio contra la esquina de la pared del portal y luego orinará sobre su cadáver; El enfurecido Romeo saltará sobre la espalda de Teobaldo, que ha tropezado en la pelea, hasta romperle la columna. Aquí reina la ley de la fuerza y parece terriblemente inquebrantable. Una de las escenas más impactantes es el monólogo del gobernante después de la primera masacre, pero sus patéticos esfuerzos no tienen sentido, a nadie le importan las autoridades oficiales, el anciano ha perdido el contacto con el tiempo y con la gente, tal vez por primera vez. la tragedia de los amantes de Verona ha dejado de ser un ballet para dos; Mats Ek dio a cada personaje una magnífica biografía de danza: detallada, psicológicamente sofisticada, con pasado, presente y futuro.
En la escena del luto de Teobaldo, cuando su tía escapa de las manos de su odiado marido, se puede leer toda la vida de Lady Capuleto, casada contra su voluntad y atormentada por una pasión criminal por su sobrino. Detrás del virtuosismo aventurero del pequeño y tímido Benvolio, que sigue como un perro al marginado Mercucio, se vislumbra su futuro desesperado: si el cobarde no es asesinado a puñaladas en la puerta, entonces este obstinado hombre de abajo recibirá una educación y un puesto de empleado en alguna oficina. El propio Mercucio, un tipo lujoso con la cabeza rapada, tatuajes y pantalones de cuero, atormentado por un amor tímido y no correspondido por Romeo, vive sólo en el presente. A los períodos de depresión les siguen estallidos de energía furiosa, cuando este gigante vuela con calzas retorcidas o actúa como un tonto en un baile, realizando el clásico entrechat con un tutú.
Mats Ek le dio un rico pasado a la enfermera más amable: solo hay que ver cómo esta anciana hace malabarismos con cuatro chicos, retorciéndose las manos en español, balanceando las caderas y balanceando la falda. En el título del ballet, Mats Ek puso el nombre de Julieta en primer lugar porque ella es la líder de la pareja: toma decisiones fatídicas, es la única en la ciudad que desafía al clan implacable, es la primera en encontrar la muerte... de la mano de su padre: en la obra no aparece el padre de Lorenzo, ni boda, ni pastillas para dormir; todo esto no tiene importancia para Ek.
Los críticos suecos relacionaron unánimemente la muerte de Julieta con la sensacional historia de una joven musulmana en Estocolmo: la niña, no queriendo casarse con el elegido de la familia, se escapó de casa y fue asesinada por su padre. Quizás sea así: Mats Ek está convencido de que la historia de Romeo y Julieta es el ADN de toda la humanidad. Pero no importa qué hechos reales inspiraron la producción, lo más importante es lo que lleva la actuación más allá de su relevancia. No importa lo trillado que sea, para Ek es amor. La niña Julieta y el niño Romeo (parece un “millonario de los barrios bajos”, solo que un poco de brasileño) no tuvieron tiempo de entender cómo hacer frente a un anhelo irresistible. La muerte de Ek es estática: en un espectáculo de danza pura, la muerte de los adolescentes se escenifica exclusivamente como director y, por lo tanto, impacta: Julieta y Romeo desaparecen lentamente bajo tierra, y solo sus piernas, retorcidas como árboles marchitos, sobresalen del escenario como un Monumento al amor asesinado.
VERSIÓN GOYO MONTERO.
En la versión del coreógrafo español Goyo Montero, todos los personajes son meros peones que actúan según la voluntad del destino, en un juego retorcido por el destino. Aquí no están ni Lord Capuleto ni el príncipe, pero Lady Capuleto encarna dos aspectos: o es una madre cariñosa o es una amante imperiosa, cruel e intransigente. El tema de la lucha se expresa claramente en el ballet: las experiencias emocionales de los personajes se muestran como un intento de luchar contra el destino, y el adagio final de los amantes se muestra como la lucha de Julieta consigo misma. La protagonista observa el plan de deshacerse del odiado matrimonio como desde un lado, en la cripta, en lugar de apuñalarse, abre sus venas. Rompiendo todos los estereotipos, la bailarina que interpreta el papel de Destino recita e incluso canta extractos de Shakespeare.
VERSIÓN DE JOEL BOUVIER. FRANCIA.
El Ballet del Teatro Bolshoi de Ginebra presentó una versión del ballet de Sergei Prokofiev. La autora de la producción es la coreógrafa francesa Joelle Bouvier, que debutó en el Gran Teatro de Ginebra con esta actuación. En su visión, la historia de Romeo y Julieta, “una historia de amor estrangulada por el odio”, puede servir como ilustración de cualquier guerra que se libra hoy. Esta es una producción abstracta, no hay eventos de la obra claramente definidos, sino que se muestra más el estado interno de los personajes y la acción está solo ligeramente delineada.
a su debido tiempo gran compositor Héctor Berlioz, experimentando una fascinación febril por Shakespeare, que más tarde lo llevó al atrevido plan de “shakespeareanización de la música”, escribió emocionado desde Roma: “¡El Romeo de Shakespeare! ¡Dios, qué complot! ¡Todo en él parece destinado a la música!... El baile deslumbrante en la casa de los Capuleto, estas peleas frenéticas en las calles de Verona... esta escena nocturna indescriptible en el balcón de Julieta, donde dos amantes susurran sobre el amor, la ternura, dulce y pura, como los rayos de las estrellas de la noche... bufonería picante del descuidado Mercucio... luego una catástrofe terrible... suspiros de voluptuosidad, transformados en el silbido de la muerte, y, finalmente, un juramento solemne de dos familias en guerra - por los cadáveres de sus desafortunados hijos - para poner fin a la enemistad que causó tanta sangre y lágrimas..."
LA VERSIÓN DE THIERRY MALANDIN. FRANCIA.
En su producción, Thierry Malandin utilizó la música de Berlioz. En esta interpretación, los papeles de los amantes de Verona son interpretados por varias parejas de artistas simultáneamente, y la producción en sí es un conjunto de escenas de la famosa tragedia. El mundo de Romeo y Julieta aquí está formado por cajas de hierro, que se convierten en barricadas, en balcones, en lechos de amor... hasta que, finalmente, se convierten en un ataúd que contiene un gran amor que este cruel no comprende. mundo.
VERSIÓN DE SASHA WALTZ. ALEMANIA.
La coreógrafa alemana Sasha Waltz no quiso transmitir la versión literaria, pero al igual que Berlioz, cuya historia entera se cuenta en el prólogo, se detiene en los momentos dedicados a emociones fuertes. Sublimes, espirituales, un poco fuera de este mundo, los héroes lucen igualmente armoniosos tanto en escenas líricas y trágicas como en la escena lúdica "en el baile". El escenario transformador se convierte en un balcón, una pared o se convierte en un segundo escenario, permitiendo así mostrar dos escenas simultáneamente. Esta no es una historia de lucha con circunstancias específicas, es una historia de confrontación con la inevitable suerte del destino.
VERSIÓN DE JEAN-CHRISTOPHE MAILOT. FRANCIA.
En la versión francesa de Jean-Christophe Maillot, con música de Prokofiev, dos amantes adolescentes están condenados no porque sus familias estén peleadas, sino porque su amor cegador conduce a la autodestrucción. El sacerdote y el duque (en este ballet hay una sola persona), un hombre que vive de forma aguda la tragedia de la enemistad de dos clanes irreconciliables, pero se ha rendido, se ha resignado a lo que está sucediendo y se ha convertido en un observador externo del día a día. matanza. Rosaline, coqueteando moderadamente con Romeo, aunque responde mucho más voluntariamente a las ardientes manifestaciones de los sentimientos de Tybalt, cuyas ambiciones como mujeriego se convierten en otro impulso para el conflicto con Mercutio. La escena del asesinato de Teobaldo está realizada en cámara lenta, que resuena con la música rápida y feroz, demostrando así visualmente el estado de pasión en el que Romeo comete un crimen terrible. La viuda, la vampira Lady Capuleto, claramente no es indiferente al joven conde, que preferiría convertirse en padrastro que en el novio de la joven heredera de la familia. Y también el amor prohibido, el maximalismo juvenil y mucho más se convierten en la razón por la que Julieta aprieta la soga alrededor de su cuello y cae sin vida sobre el cuerpo de su amante.
VERSIÓN DE ANGELAN PRELJOCAJ. FRANCIA.
La actuación de Angelin Preljocaj está impregnada de leitmotivs de la novela 1984 de Orwell. Pero a diferencia de Orwell, que describió una sociedad totalitaria bajo la supervisión de un "hermano mayor", el coreógrafo pudo transmitir la atmósfera de una prisión en una sociedad de castas. En una sociedad que vive un dramático colapso en la desclasificación. Julieta es hija del jefe de la prisión Gulag, del clan de élite Capuleto, cercada del mundo exterior con alambre de púas y custodiada por perros pastores, con quienes guardias con reflectores caminan por el perímetro de la zona. Y Romeo es un advenedizo de las afueras de las clases bajas proletarias, el mundo desenfrenado de la mafia en las afueras de la metrópoli, donde apuñalar es la norma. Romeo es agresivamente brutal y no es en absoluto un amante de los héroes románticos. En lugar del ausente Teobaldo, Romeo, furtivamente en una cita con Julieta, mata al guardia. Barre el primer cordón, salta el nivel jerárquico, penetra en el mundo de la élite, como en un seductor castillo "kafkiano". En Preljocaj, deliberadamente no está claro si el mundo entero es una prisión o si los poderes fácticos se defienden rígidamente del mundo desclasado, conservándose en guetos y utilizando la violencia contra cualquier invasión del exterior. Aquí todos los conceptos están “invertidos”. Es un asedio de todos contra todos.
No importa en qué idioma se cuenten las grandes historias: si se representan en el escenario o en el cine, si se transmiten cantando o con música hermosa, congeladas en un lienzo, en una escultura, en la lente de una cámara, si son construido según las líneas de las almas y los cuerpos humanos: lo principal es que vivieron, viven y vivirán, obligándonos a ser mejores.
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