Inicialmente, las obras fueron creadas en técnica de acuarela. Posteriormente se añadió acrílico. La última serie de obras son en su mayoría acrílicas. El artista comenzó a pintar cuadros cálidos, y a veces incluso calientes, con acrílico. Algunas obras parecen estar pintadas en técnica mixta. Y acuarela, acrílico y pastel V. Heijenraets es un artista impresionista. Las obras de Willem están impregnadas de aire, color, ternura, ligereza, rodeadas de un ambiente especial de acuarela de relajación, paz y libertad...sitio web...

Willem Haenraets

nacido en octubre de 1940 en Rotterdam

A los 16 años ingresó en la Academia de Arte de Amberes. Los profesores de la academia notaron rápidamente el talento evidente del joven talento y contribuyeron de todas las formas posibles a su crecimiento creativo. Cuatro años más tarde, desde el momento en que ingresó a la academia, Willem Haenraets comenzó a recibir una beca estatal del gobierno belga y pudo continuar su educación en el Instituto Nacional de Bellas Artes de Amberes. Allí pronto tuvo su propio taller. Willem Haenraets estudió con los eminentes profesores Sarina y Vaarten. Los artesanos experimentados se alegraron de que estuviera creciendo un reemplazo digno y contribuyeron de todas las formas posibles al ascenso de William. En él vieron una continuación de las tradiciones de la escuela belga-holandesa. En esos mismos años tuvo lugar la primera exposición del joven artista. Con el dinero obtenido se compró una moto con la que posteriormente viajó a muchos lugares pintorescos de la zona, especialmente a la zona del puerto de Amberes. Aquí conoció a uno de los armadores ricos, con la ayuda de quien Willem comenzó a pintar muchos retratos por encargo. Cuando el cliente murió, William se fue a París durante varios meses. En la plaza de la ciudad, Place de Tetre, pintó retratos desde la mañana hasta la noche y finalmente pudo comprarse una casa en la ciudad de Bergen (en Holanda). Posteriormente se instaló allí con su primera esposa Hannah. En esta época se pintaron una gran cantidad de cuadros que se vendieron en salones de arte y galerías. Pronto ocurrió una gran desgracia: Hannah murió en un accidente, dejando a su marido solo con un niño de seis semanas durante estos años. , La vida de William perdió el orden. Pero al final decidió regresar a su Herpen natal, donde se instaló en el pequeño castillo Kasteel Terworm, sumergiéndose en el trabajo. Vendió sus obras en Holanda y Alemania.

A finales de los 70, el artista encontró a su segunda esposa, que ya tenía una hija pequeña. Posteriormente tuvieron un hijo. Durante este período, William comenzó a publicar sus obras. Esto marcó una gran diferencia en su vida económicamente y en términos de participación en ferias y exposiciones de arte. Hubo invitaciones periódicas a exposiciones en Estados Unidos e Inglaterra. Sus originales se han exhibido en una galería de Beverly Hills y se han mostrado litografías de su trabajo en exposiciones. Como resultado, las actividades expositivas le dieron al pintor fama mundial. La exposición en Nagoya (que está en Japón) fue un gran éxito. A los japoneses les gustó mucho el estilo del artista, sus colores suaves y su humor romántico. Durante este período, el artista se hizo cercano al propietario de la galería Stokstraat en Maastricht. Juntos realizaron maravillosas exposiciones en la Galería Renoir cada dos años. Sin embargo, debido a la enfermedad del galerista, esta colaboración terminó.

2000

Durante estos años, Willem Haenraets compró una casa en España, en el municipio de Hondón de las Nieves. La administración le pidió que presentara sus cuadros en la Casa de la Cultura de la ciudad. El artista menciona este evento como muy agradable.

William trabaja actualmente con una editorial que representa su trabajo en todo el mundo en forma de carteles y litografías de alta calidad. El artista vende originales él mismo y a través de galerías.

En 2009, Willem Haenraets fue invitado por el comité de la Biennale Internazionale Della Arte Contemporanea a participar en esta famosa exposición. El propio artista considera esta participación su gran éxito.

La Edad de Oro de la pintura holandesa es una de las épocas más destacadas de la historia de la pintura mundial. Se considera la Edad de Oro de la pintura holandesa siglo 17. Fue en esta época cuando los artistas y pintores más talentosos crearon sus obras inmortales. Sus pinturas todavía se consideran obras maestras insuperables, que se conservan en museos famosos mundo y se consideran un activo invaluable para la humanidad.

En primer lugar siglo 17 En Holanda todavía florecía un arte bastante primitivo, justificado por los gustos y preferencias mundanos de los ricos y poderosos. Como resultado de cambios políticos, geopolíticos y religiosos, el arte holandés cambió dramáticamente. Si antes los artistas intentaron complacer a los burgueses holandeses, describiendo su vida y su modo de vida, desprovistos de cualquier altivez y lenguaje poético, y también trabajó para la iglesia, que encargó a los artistas trabajar en un género bastante primitivo con temas desgastados durante mucho tiempo, el comienzo del siglo XVII fue un verdadero avance. En Holanda reinó el predominio de los protestantes, que prácticamente dejaron de encargar cuadros de temática religiosa a los artistas. Holanda se independizó de España y se afirmó en el podio histórico. Los artistas pasaron de temas previamente familiares a representar escenas cotidianas, retratos, paisajes, naturalezas muertas, etc. Aquí, en un nuevo campo, los artistas de la edad de oro parecían haber abierto un nuevo aliento y comenzaron a aparecer en el mundo verdaderos genios del arte.

Los artistas holandeses del siglo XVII pusieron de moda el realismo en la pintura. Impresionantes por su composición, realismo, profundidad y singularidad, las pinturas comenzaron a gozar de un enorme éxito. La demanda de pinturas aumentó considerablemente. Como resultado, comenzaron a aparecer cada vez más artistas nuevos, que a un ritmo sorprendentemente rápido desarrollaron los fundamentos de la pintura, desarrollaron nuevas técnicas, estilos y géneros. Algunos de los artistas más famosos del Siglo de Oro fueron: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel el Viejo, Esaias van de Velde, Frans Hals, Adrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck y muchos otros.

Pinturas de pintores holandeses.

Cornelis de Man - Manufactura de aceite de ballena

Cornelis Trost - Diversión en el parque

Ludolf Backhuizen - Muelle de campaña de las Indias Orientales en Amsterdam

Pieter Bruegel el Viejo - La catástrofe del alquimista

Rembrandt - Andríes de Graef

Holanda. siglo 17 El país está experimentando una prosperidad sin precedentes. La llamada "Edad de Oro". A finales del siglo XVI varias provincias del país lograron la independencia de España.

Ahora los Países Bajos protestantes han seguido su propio camino. Y la católica Flandes (actual Bélgica) bajo el ala de España es la suya.

En Holanda independiente pintura religiosa Ya casi nadie lo necesitaba. La Iglesia protestante no aprobaba la decoración lujosa. Pero esta circunstancia "le hizo el juego" a la pintura secular.

Literalmente, cada habitante del nuevo país despertó el amor por este tipo de arte. Los holandeses querían ver en las pinturas. propia vida. Y los artistas los encontraron de buen grado a mitad de camino.

Nunca antes se había representado tanto la realidad circundante. Gente corriente, habitaciones corrientes y el desayuno más corriente de un habitante de la ciudad.

El realismo floreció. Hasta el siglo XX será un digno competidor del academicismo con sus ninfas y diosas griegas.

Estos artistas se llaman holandeses "pequeños". ¿Por qué? Las pinturas eran de tamaño pequeño, porque fueron creadas para casas pequeñas. Así, casi todas las pinturas de Jan Vermeer no miden más de medio metro de altura.

Pero me gusta más la otra versión. En los Países Bajos del siglo XVII vivía y trabajaba un gran maestro, el “gran” holandés. Y todos los demás eran “pequeños” en comparación con él.

Estamos hablando, por supuesto, de Rembrandt. Empecemos por él.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autorretrato a los 63 años. 1669 Galería Nacional de Londres

Rembrandt experimentó una amplia gama de emociones a lo largo de su vida. Por lo tanto en su obras tempranas mucha diversión y valentía. Y hay tantos sentimientos complejos, en los últimos.

Aquí aparece joven y despreocupado en el cuadro “El hijo pródigo en la taberna”. De rodillas está su amada esposa Saskia. Es un artista popular. Los pedidos están llegando a raudales.

Rembrandt. El hijo pródigo en una taberna. 1635 Galería de los Antiguos Maestros, Dresde

Pero todo esto desaparecerá en unos 10 años. Saskia morirá de tisis. La popularidad desaparecerá como el humo. Se quitará una casa grande con una colección única por deudas.

Pero aparecerá el mismo Rembrandt que permanecerá durante siglos. Los desnudos sentimientos de los héroes. Sus pensamientos más profundos.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Auto retrato. 1650 Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

Frans Hals es uno de los más grandes retratistas de todos los tiempos. Por tanto, también lo clasificaría como un “gran” holandés.

En Holanda en aquella época era costumbre encargar retratos de grupo. Así aparecieron muchas obras similares que representaban a personas trabajando juntas: tiradores de un gremio, médicos de una ciudad, administradores de una residencia de ancianos.

En este género, Hals es el que más destaca. Después de todo, la mayoría de estos retratos parecían una baraja de cartas. La gente se sienta a la mesa con la misma expresión facial y simplemente mira. Para Hals fue diferente.

Mire su retrato de grupo “Flechas del Gremio de St. Jorge."

Frans Hals. Flechas del Gremio de St. Jorge. 1627 Museo Frans Hals, Haarlem, Países Bajos

Aquí no encontrarás una sola repetición en pose o expresión facial. Al mismo tiempo, aquí no hay caos. Hay muchos personajes, pero ninguno parece superfluo. Gracias a la disposición sorprendentemente correcta de las figuras.

E incluso en un solo retrato, Hals superó a muchos artistas. Sus patrones son naturales. Las personas de la alta sociedad en sus pinturas carecen de grandeza artificial y los modelos de las clases bajas no parecen humillados.

Y sus personajes también son muy emotivos: sonríen, ríen y gesticulan. Como, por ejemplo, este “Gitano” de mirada pícara.

Frans Hals. Gitano. 1625-1630

Hals, al igual que Rembrandt, acabó su vida en la pobreza. Por la misma razón. Su realismo iba en contra de los gustos de sus clientes. ¿Quién quería embellecer su apariencia? Hals no aceptó los halagos directos y, por lo tanto, firmó su propia frase: "Oblivion".

3. Gérard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Auto retrato. 1668 Galería Real Mauritshuis, La Haya, Países Bajos

Terborkh fue un maestro del género cotidiano. Los burgueses ricos y no tan ricos conversan tranquilamente, las damas leen cartas y una alcahueta observa el cortejo. Dos o tres figuras muy juntas.

Fue este maestro quien desarrolló los cánones del género cotidiano. Que más tarde tomarían prestado Jan Vermeer, Pieter de Hooch y muchos otros “pequeños” holandeses.

Gerard Terborch. Un vaso de limonada. Década de 1660. Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo

"Un vaso de limonada" es una de las obras famosas de Terborch. Muestra otra ventaja del artista. Imagen increíblemente realista de la tela del vestido.

Terborch también tiene obras inusuales. Lo que dice mucho de su deseo de ir más allá de las necesidades del cliente.

Su "The Grinder" muestra la vida de los más pobres de Holanda. Estamos acostumbrados a ver patios acogedores y habitaciones limpias en las pinturas de los “pequeños” holandeses. Pero Terborch se atrevió a mostrar la desagradable Holanda.

Gerard Terborch. Amoladora. 1653-1655 Museos estatales de Berlín

Como comprenderá, ese trabajo no tenía demanda. Y ellos - Un evento extraño Incluso Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Taller del artista. 1666-1667 Museo Kunsthistorisches de Viena

No se sabe con certeza cómo era Jan Vermeer. Es evidente que en el cuadro “El taller del artista” se representó a sí mismo. La verdad desde atrás.

Por eso sorprende que recientemente se haya conocido un nuevo dato de la vida del maestro. Está relacionado con su obra maestra "Delft Street".

Jan Vermeer. Calle Delft. 1657 Rijksmuseum de Ámsterdam

Resultó que Vermeer pasó su infancia en esta calle. La casa de la foto pertenecía a su tía. Allí crió a sus cinco hijos. Quizás esté sentada en el umbral de la puerta cosiendo mientras sus dos hijos juegan en la acera. El propio Vermeer vivía en la casa de enfrente.

Pero más a menudo representó el interior de estas casas y sus habitantes. Parecería que las tramas de las pinturas son muy sencillas. Aquí hay una bella dama, una rica habitante de la ciudad, comprobando el funcionamiento de su báscula.

Jan Vermeer. Mujer con escamas. 1662-1663 Galería Nacional de Arte, Washington

¿Por qué Vermeer se destacó entre miles de otros “pequeños” holandeses?

Era un maestro de la luz insuperable. En el cuadro “Mujer con escamas”, la luz envuelve suavemente el rostro, las telas y las paredes de la heroína. Dándole a la imagen una espiritualidad desconocida.

Y las composiciones de las pinturas de Vermeer están cuidadosamente verificadas. No encontrarás ni un solo detalle innecesario. Basta con quitar uno de ellos, la imagen “se desmoronará” y la magia desaparecerá.

Todo esto no fue fácil para Vermeer. Una calidad tan asombrosa requirió un trabajo minucioso. Sólo 2-3 pinturas al año. Como resultado, la incapacidad de alimentar a la familia. Vermeer también trabajó como marchante de arte, vendiendo obras de otros artistas.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pieter de Hooch. Auto retrato. 1648-1649 Rijksmuseum, Ámsterdam

A menudo se compara a Hoch con Vermeer. Trabajaron al mismo tiempo, incluso hubo un período en la misma ciudad. Y en un género: todos los días. En Hoch también vemos una o dos figuras en acogedores patios o habitaciones holandesas.

Las puertas y ventanas abiertas hacen que el espacio de sus pinturas sea entretenido y en capas. Y las figuras encajan muy armoniosamente en este espacio. Como, por ejemplo, en su cuadro “La criada con una muchacha en el patio”.

Pieter de Hooch. Una criada con una chica en el patio. 1658 Galería Nacional de Londres

Hasta el siglo XX, Hoch fue muy valorado. Pero pocas personas notaron las pequeñas obras de su competidor Vermeer.

Pero en el siglo XX todo cambió. La gloria de Hoch se desvaneció. Sin embargo, es difícil no reconocer sus logros en la pintura. Pocas personas podrían combinar de manera tan competente el medio ambiente y las personas.

Pieter de Hooch. Jugadores de cartas en una habitación soleada. 1658 Real colección de arte, Londres

Tenga en cuenta que en una casa modesta sobre el lienzo "Jugadores de cartas" hay un cuadro colgado en un marco caro.

Esto demuestra una vez más lo popular que era la pintura entre los holandeses comunes y corrientes. Las pinturas decoraban todos los hogares: la casa de un burgués rico, un habitante modesto de la ciudad e incluso un campesino.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Steen. Autorretrato con laúd. Década de 1670 Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen es quizás el “pequeño” holandés más alegre. Pero amar la enseñanza moral. A menudo representaba tabernas o casas pobres en las que existía el vicio.

Sus personajes principales son juerguistas y damas de fácil virtud. Quería entretener al espectador, pero advertirle de forma latente contra una vida viciosa.

Jan Steen. Es un desastre. 1663 Museo Kunsthistorisches, Viena

Sten también tiene obras más tranquilas. Como, por ejemplo, "Baño de la mañana". Pero también aquí el artista sorprende al espectador con detalles demasiado reveladores. Hay restos de elástico de media y ni un orinal vacío. Y de alguna manera no es nada apropiado que el perro esté acostado sobre la almohada.

Jan Steen. Aseo matutino. 1661-1665 Rijksmuseum, Ámsterdam

Pero a pesar de toda la frivolidad, los esquemas de color de Sten son muy profesionales. En esto fue superior a muchos "pequeños holandeses". Mira lo perfectamente que combina la media roja con la chaqueta azul y la alfombra beige brillante.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Retrato de Ruisdaël. Litografía de un libro del siglo XIX.

El barroco "burgués" en la pintura holandesaXVII v. – representación de la vida cotidiana (P. de Hooch, Vermeer). Naturalezas muertas "lujosas" de Kalf. Retrato de grupo y sus rasgos de Hals y Rembrandt. Interpretación de escenas mitológicas y bíblicas de Rembrandt.

Arte holandés del siglo XVII.

En el siglo 17 Holanda se ha convertido en un país capitalista modelo. Llevaba a cabo un amplio comercio colonial, tenía una flota poderosa y la construcción naval era una de las industrias líderes. El protestantismo (el calvinismo como su forma más severa), que suplantó por completo la influencia de la Iglesia católica, llevó a que el clero en Holanda no tuviera la misma influencia en el arte que en Flandes, y especialmente en España o Italia. En Holanda, la iglesia no desempeñaba el papel de cliente de obras de arte: las iglesias no estaban decoradas con imágenes de altar, ya que el calvinismo rechazaba cualquier atisbo de lujo; Las iglesias protestantes tenían una arquitectura simple y no estaban decoradas de ninguna manera en su interior.

El principal logro del arte holandés del siglo XVIII. - en pintura de caballete. El hombre y la naturaleza fueron objetos de observación y representación de los artistas holandeses. pintura del hogar se convierte en uno de los principales géneros, cuyos creadores en la historia recibieron el nombre de “pequeños holandeses”. También están representadas pinturas basadas en temas evangélicos y bíblicos, pero no en la misma medida que en otros países. En Holanda nunca hubo conexiones con Italia y el arte clásico no jugó un papel tan importante como en Flandes.

El dominio de las corrientes realistas, el desarrollo de una determinada gama de temas, la diferenciación de géneros como un solo proceso se completaron en los años 20 del siglo XVII. historia holandesa pintura XVII v. Demuestra perfectamente la evolución de la obra de uno de los mayores retratistas de Holanda, Frans Hals (hacia 1580-1666). En los años 10-30, Hals trabajó mucho en el género de los retratos de grupo. De los lienzos de estos años asoma gente alegre, enérgica, emprendedora, confiada en sus capacidades y en el futuro (“El gremio de tiro de San Adrián”, 1627 y 1633;

"Gremio de Fusileros de St. Jorge", 1627).

Los investigadores a veces llaman retratos individuales de Hals retratos de género debido a la especial especificidad de la imagen. El estilo esquemático de Hulse, su escritura atrevida, cuando la pincelada esculpe forma y volumen y transmite color.

En los retratos de Hals del período tardío (años 50-60), la destreza despreocupada, la energía y la intensidad de los personajes de las personas representadas desaparecen. Pero precisamente en período tardío La creatividad de Hals alcanza la cima de la maestría y crea las obras más profundas. El color de sus pinturas se vuelve casi monocromático. Dos años antes de su muerte, en 1664, Hals volvió de nuevo al retrato de grupo. Pinta dos retratos de los regentes y regentes de una residencia de ancianos, en uno de los cuales él mismo encontró refugio al final de su vida. En el retrato de los regentes no hay espíritu de camaradería de composiciones anteriores, los modelos están desunidos, impotentes, tienen miradas apagadas, la devastación está escrita en sus rostros.

El arte de Hals fue de gran importancia para su época; influyó en el desarrollo no sólo de los retratos, sino también de los géneros cotidianos, los paisajes y las naturalezas muertas.

Es especialmente interesante el género paisajístico de la Holanda del siglo XVII. Holanda está representada por Jan van Goyen (1596-1656) y Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670).

El florecimiento de la pintura de paisaje en la escuela holandesa se remonta a mediados del siglo XVII v. El mayor maestro del paisaje realista fue Jacob van Ruisdael (1628/29-1682). Sus obras suelen estar llenas de profundo dramatismo, ya sea que represente matorrales de bosques (“Forest Swamp”),

paisajes con cascadas (“Cascada”) o un paisaje romántico con un cementerio (“Cementerio judío”).

La naturaleza de Ruisdael aparece en la dinámica, en la eterna renovación.

El género animal está estrechamente relacionado con el paisaje holandés. El motivo favorito de Albert Cuyp son las vacas en un abrevadero (“Puesta de sol en el río”, “Vacas en la orilla de un arroyo”).

La naturaleza muerta logra un brillante desarrollo. La naturaleza muerta holandesa, a diferencia de la naturaleza muerta flamenca, es una pintura de carácter íntimo, modesta en tamaño y motivos. Pieter Claes (c. 1597-1661), Billem Heda (1594-1680/82) representaron con mayor frecuencia los llamados desayunos: platos con jamón o pastel en una mesa servida relativamente modestamente. Los “desayunos” de Kheda son reemplazados por los lujosos “postres” de Kalf. Los utensilios sencillos son sustituidos por mesas de mármol, manteles de alfombra, copas de plata, vasijas de conchas de nácar y vasos de cristal. Kalf logra un virtuosismo asombroso al transmitir la textura de melocotones, uvas y superficies de cristal.

En los años 20-30 del siglo XVII. Los holandeses crearon un tipo especial de pintura de pequeñas figuras. Los años 40 y 60 fueron el apogeo de la pintura, que glorificaba la tranquila vida burguesa de Holanda y la existencia cotidiana mesurada.

Adrian van Ostade (1610-1685) describe inicialmente los lados oscuros de la vida del campesinado (“La lucha”).

Desde los años 40, las notas satíricas de su obra han sido sustituidas cada vez más por notas humorísticas (“En una taberna de pueblo”, 1660).

En ocasiones estos pequeños cuadros están coloreados con un gran sentimiento lírico. "El pintor en el estudio" de Ostade (1663), en la que el artista glorifica el trabajo creativo, se considera legítimamente una obra maestra de la pintura de Ostade.

Pero el tema principal de los “pequeños holandeses” todavía no es la vida campesina, sino la vida burguesa. Por lo general, se trata de imágenes sin ningún argumento fascinante. El narrador más entretenido en películas de este tipo fue Jan Stan (1626-1679) (“Revelers”, “Game of Backgammon”). Gerard Terborch (1617-1681) logró un dominio aún mayor en esto.

El interior del “pequeño holandés” se vuelve especialmente poético. El verdadero cantante de este tema fue Pieter de Hooch (1629-1689). Sus habitaciones con la ventana entreabierta, con zapatos arrojados accidentalmente o una escoba olvidada, a menudo se representan sin figura humana.

Una nueva etapa de la pintura de género comienza en los años 50 y está asociada a la llamada escuela de Delft, con los nombres de artistas como Carel Fabricius, Emmanuel de Witte y Jan Wermeer, conocido en la historia del arte como Wermeer de Delft (1632-1675). ). Las pinturas de Vermeer no parecen ser originales en modo alguno. Son las mismas imágenes de la congelada vida burguesa: leyendo una carta, un caballero y una dama conversando, criadas haciendo tareas domésticas sencillas, vistas de Ámsterdam o Delft. Estas pinturas son simples en acción: “Niña leyendo una carta”,

"El caballero y la dama de la espineta"

“El oficial y la niña que ríe”, etc. - están llenos de claridad espiritual, silencio y paz.

Las principales ventajas de Vermeer como artista están en la transmisión de luz y aire. La disolución de los objetos en un ambiente luminoso, la capacidad de crear esta ilusión, determinaron principalmente el reconocimiento y la gloria de Vermeer precisamente en el siglo XIX.

Vermeer hizo algo que nadie hizo en el siglo XVII: pintó paisajes del natural (“Calle”, “Vista de Delft”).

Se les puede llamar los primeros ejemplos de pintura al aire libre.

La parte superior realismo holandés, el resultado de los logros pictóricos de la cultura holandesa del siglo XVII es obra de Rembrandt. Harmens van Rijn Rembrandt (1606-1669) nació en Leiden. En 1632, Rembrandt partió hacia Amsterdam, el centro de la cultura artística de Holanda, lo que naturalmente atrajo al joven artista. Los años 30 fueron la época de su mayor gloria, cuyo camino le abrió al pintor un gran cuadro encargado en 1632: un retrato de grupo, también conocido como "La anatomía del doctor Tulp" o "Lección de anatomía".

En 1634, Rembrandt se casó con una chica de una familia adinerada, Saskia van Uylenborch. Comienza el período más feliz de su vida. Se convierte en un artista famoso y de moda.

Todo este período está envuelto en romance. La visión del mundo de Rembrandt de estos años se transmite más claramente en el famoso “Autorretrato con Saskia de rodillas” (hacia 1636). Todo el lienzo está impregnado de franca alegría de vivir y júbilo.

El lenguaje barroco es el más cercano a la expresión de buen humor. Y Rembrandt durante este período estuvo en gran medida influenciado por el barroco italiano.

Los personajes del cuadro de 1635 “El sacrificio de Abraham” aparecen ante nosotros desde ángulos complejos. La composición es muy dinámica, construida según todas las reglas del barroco.

En los mismos años 30, Rembrandt comenzó a dedicarse seriamente a los gráficos, principalmente al grabado. Los grabados de Rembrandt son principalmente temas bíblicos y evangélicos, pero en sus dibujos, como verdadero artista holandés, a menudo recurre a ese género. En el cambio del período inicial de la obra del artista y su madurez creativa, aparece ante nosotros una de sus pinturas más famosas, conocida como "La ronda de noche" (1642), un retrato grupal de la compañía de fusileros del Capitán Banning Cock.

Amplió el alcance del género, presentando una imagen más bien histórica: ante una señal de alarma, el destacamento de Banning Cock emprende una campaña. Algunos están tranquilos y confiados, otros están emocionados anticipando lo que está por venir, pero todos expresan la energía general, el entusiasmo patriótico y el triunfo del espíritu cívico.

El retrato de grupo bajo el pincel de Rembrandt se convirtió en una imagen heroica de la época y la sociedad.

La pintura ya se había vuelto tan oscura que se consideró una representación de una escena nocturna, de ahí su nombre incorrecto. La sombra proyectada por la figura del capitán sobre la ropa clara del teniente demuestra que no es de noche, sino de día.

Con la muerte de Saskia en el mismo 1642, se produjo la ruptura natural de Rembrandt con los círculos patricios ajenos a él.

Los años 40 y 50 son una época de madurez creativa. Durante este período, a menudo recurre a obras anteriores para rehacerlas de una manera nueva. Este fue el caso, por ejemplo, de “Danae”, que pintó en 1636. Al recurrir a la pintura en los años 40, el artista intensificó su estado emocional.

Reescribió la parte central con la heroína y la doncella. Haciendo a Dánae un nuevo gesto de levantar la mano, le transmitió una gran emoción, una expresión de alegría, esperanza y atractivo.

En los años 40 y 50, el dominio de Rembrandt creció constantemente. Elige para su interpretación los aspectos más líricos y poéticos de la existencia humana, esa humanidad eterna, totalmente humana: el amor maternal, la compasión. La Sagrada Escritura le proporciona el mayor material y, a partir de ella, escenas de la vida de la Sagrada Familia, Rembrandt describe la vida sencilla, la gente corriente, como en el cuadro "La Sagrada Familia".

Los últimos 16 años son los más trágicos de la vida de Rembrandt; está arruinado y no tiene órdenes. Pero estos años estuvieron llenos de una asombrosa actividad creativa, como resultado de lo cual se crearon imágenes pintorescas, excepcionales en su carácter monumental y espiritualidad, obras profundamente filosóficas. Incluso las obras de pequeño tamaño de Rembrandt de aquellos años dan la impresión de una grandeza extraordinaria y una verdadera monumentalidad. El color adquiere sonoridad e intensidad. Sus colores parecen irradiar luz. Los retratos del difunto Rembrandt son muy diferentes de los retratos de los años 30 e incluso 40. Se trata de imágenes extremadamente simples (de medio cuerpo o generacionales) de personas cercanas al artista en su estructura interna. Rembrandt logró la mayor sutileza de caracterización en sus autorretratos, de los cuales nos han llegado un centenar. La última pieza en la historia de los retratos de grupo fue la representación de Rembrandt de los ancianos del taller de telas, los llamados "síndicos" (1662), donde, con escasos medios, Rembrandt creó tipos humanos vivos y al mismo tiempo diferentes, pero Lo más importante es que pudo transmitir un sentido de unión espiritual, comprensión mutua e interconexión entre las personas.

Durante su madurez (principalmente en los años 50), Rembrandt creó sus mejores grabados. Como grabador, no tiene igual en el arte mundial. En todos ellos las imágenes tienen un profundo significado filosófico; hablan de los misterios de la existencia, de la tragedia de la vida humana.

Él dibuja mucho. Rembrandt dejó 2.000 dibujos. Estos incluyen bocetos del natural, bocetos para pinturas y preparativos para grabados.

En el último cuarto del siglo XVII. Comienza el declive de la escuela de pintura holandesa, la pérdida de su identidad nacional, y a partir de principios del siglo XVIII comienza el fin de la gran era del realismo holandés.

Introducción

1. Pequeño holandés

escuela holandesa de pintura

Pintura de género

4. Simbolismo. Naturaleza muerta

Rembrandt van Rijn

Vermeer de Delft Jan

Conclusión

Introducción

El objetivo del trabajo de control es:

· En desarrollo potencial creativo;

· Formación de interés por el arte;

· Consolidación y reposición de conocimientos.

El arte holandés nació en el siglo XVII. Este arte se considera independiente e independiente; tiene ciertas formas y características.

Hasta el siglo XVII, Holanda no tuvo artistas propios importantes en el arte, porque Pertenecía al estado de Flandes. Sin embargo, pocos artistas son celebrados durante este período. Este es el artista y grabador Luca Leydensky (1494-1533), pintor Dirk Bouts (1415-1475), artista Skorele (1495-1562).

Poco a poco, las diferentes escuelas se mezclaron y los maestros perdieron las características distintivas de sus escuelas, y los artistas restantes de Holanda dejaron de tener el espíritu de creatividad nacional. Están surgiendo muchos estilos nuevos y diferentes. Los artistas intentan pintar en todos los géneros, buscando un estilo individual. Se borraron los métodos de género: la historicidad ya no es tan necesaria como antes. Se está creando un nuevo género: los porteadores grupales.

A principios del siglo XVII, cuando se decidía el destino de Holanda, Felipe III acordó una tregua entre España y Países Bajos. Lo que se necesitaba era una revolución, una situación política o militar. La lucha por la independencia unió al pueblo. La guerra fortaleció el espíritu nacional. Los tratados firmados con España dieron libertad a Holanda. Esto impulsó la creación de un arte propio y especial, que expresaba la esencia de los holandeses.

La peculiaridad de los artistas holandeses era crear una imagen real hasta el más mínimo detalle: una manifestación de sentimientos y pensamientos. Esta es la base de la escuela holandesa. Se convierte en arte realista y, a mediados del siglo XVII, alcanza su punto máximo en todos los ámbitos.

En Holanda, es típico dividir no sólo en géneros, sino también en numerosos subtipos. Algunos maestros pintan escenas de la vida de burgueses y oficiales: Pieter de Hooch (1495-1562), Gerard Terborch (1617-1681), Gabriel Metsu (1629-1667), otros, de la vida campesina, Adrian van Ostade (1610-1685). ), tercero - escenas de la vida de científicos y médicos - Gerrit Dou (1613-1675); pintores de paisajes: Jan Porcellis (1584-1632), Simon de Vlieger (1601-1653), pintores de rincones del bosque: Meindert Hobbema (1638-1609), maestros de interiores: Pieter Janssens (1623-1682). De vez en cuando, un determinado género se vuelve tradicional en las escuelas de arte. Por ejemplo, los pintores de bodegones de Harlem de los llamados “desayunos”: Pieter Claes (1598-1661), Willem Heda (1594-1680).

Los artistas muestran usos y costumbres, estándares éticos y morales del comportamiento humano. A menudo se representan eventos familiares. Los paisajistas y bodegones transmiten la luz al aire libre y representan con maestría la textura de los objetos en espacios cerrados. La pintura doméstica ocupa un lugar destacado gracias a Jan Steen (1626-1679), Gerhard Terborch (1617-1681), Pieter de Hooch (1629-1624).

1. Pequeño holandés

Pequeño holandés - grupo artistas XVII siglo, en el que se “unen” pintores de paisajes y cuadros de género cotidiano de pequeño tamaño (de ahí el nombre). Estas pinturas estaban destinadas al interior modesto de edificios residenciales. Fueron comprados por ciudadanos y campesinos. Estas pinturas se caracterizan por una sensación de comodidad en la imagen, la sutileza de los detalles y la cercanía entre la persona y el interior.

P. de Hooch, J. van Goyen (1596-1656), J. y S. van Ruisdael (1628-1682) y (1602 - 1670), E. de Witte (1617-1692), P. Claes, W. Heda, W. Kalf (1619-1693), G. Terborch, G. Metsu, A. van Ostade, J. Steen (1626-1679), A. Kuyp (1620-1691), etc. Cada uno de ellos especializado, por regla general , en un género en particular. Los "pequeños holandeses" continuaron las tradiciones de los maestros holandeses del Renacimiento, quienes argumentaban que el arte no sólo debía brindar placer, sino también recordar valores.

La creatividad de los artistas se puede dividir en 3 grupos:

Década de 1630 - el establecimiento del realismo en la pintura nacional (el principal centro artístico fue Haarlem, un factor importante fue la influencia de F. Hals);

1640-1660 - el florecimiento de la escuela de arte (el centro de arte se traslada a Amsterdam, atrayendo artistas de otras ciudades, la influencia de Rembrandt se vuelve relevante 2. Escuela de pintura holandesa

Durante tres cuartos de siglo, el auge del arte continuó en el norte de los Países Bajos, en la república de las Provincias Unidas, llamada Holanda. En 1609, esta república recibió el estatus de estado. Aquí surgió un estado burgués.

El artista italiano Caravaggio (1571-1610) tuvo un papel importante en la pintura del Renacimiento. Pintó sus cuadros de manera muy realista, y los objetos y figuras tenían una técnica de alto claroscuro.

Había muchos artistas y vivían en ciudades pequeñas: Haarlem, Delft, Leiden. Cada una de estas ciudades desarrolló su propia escuela con sus propios temas de género, pero Ámsterdam jugó el papel más importante en el desarrollo del arte holandés.

3. Pintura de género

En Holanda, junto con la popularidad del género paisajístico, aparecen otros nuevos: puerto deportivo - paisaje marino, paisaje urbano - veduta, imágenes de animales - pintura de animales. Influencia significativa el paisaje fue influenciado por las obras de Pieter Bruegel (1525-1529). Los holandeses pintaron su propia belleza única de la naturaleza. tierra nativa. En el siglo XVII, la escuela de pintura holandesa se convirtió en una de las principales de Europa. El entorno de las personas se ha convertido en fuente de inspiración para los artistas. En el arte de esta época se completó la formación de un sistema de géneros que comenzó en el Renacimiento. En retratos, pinturas cotidianas, paisajes y naturalezas muertas, los artistas transmitieron sus impresiones de la naturaleza y la vida cotidiana. El género de la pintura cotidiana comenzó a tener un nuevo concepto: la pintura de género. El género cotidiano se ha desarrollado en dos variedades: el género campesino y el burgués (urbano). Las pinturas de género representaban la vida de una persona privada: juergas de juerguistas, actividades económicas, tocar música. Los artistas prestaron atención a la apariencia, las poses y el vestuario. Los objetos se convirtieron en parte del confort: una mesa de caoba, un armario, un sillón tapizado en cuero, una jarra de cristal oscuro y vaso, fruta. Este género reflejaba el comportamiento y la comunicación de personas pertenecientes a diferentes clases.

Las obras de Garard Dow eran muy populares en aquella época. Pinta escenas modestas de la vida de la pequeña burguesía. A menudo se representa a mujeres ancianas sentadas frente a una rueca o leyendo. La tendencia obvia de Dow es representar las superficies de los objetos en sus pequeños cuadros: patrones de telas, arrugas en rostros viejos, escamas de peces, etc. (apéndice; fig.

Pero la pintura de género ha evolucionado. Durante el período de su nueva formación, se difundieron historias sobre temas de recreación, entretenimiento y escenas de la vida de los oficiales. Estas imágenes se denominaron "desayunos", "banquetes", "sociedades", "conciertos". Esta pintura se distinguió por su variedad de colores y tonos alegres. El género original eran los “desayunos”. Se trata de una especie de naturaleza muerta en la que se transmitía el carácter de sus propietarios a través de la representación de platos y platos diversos.

El género cotidiano es el fenómeno más distintivo y original de la escuela holandesa, que abrió la vida cotidiana de una persona privada al arte mundial.

Jan Steen también escribió sobre el tema del género artístico. Observó con sentido del humor los detalles de la vida cotidiana y las relaciones entre las personas. En el cuadro "Juerguistas", el propio artista mira alegre y astutamente al espectador, sentado junto a su esposa, que se ha quedado dormida después de un alegre banquete. Y en la película, a través de las expresiones faciales y los gestos de los personajes, Jan Steen revela hábilmente la trama de una enfermedad imaginaria.

A principios de los años 30 se completó la formación de la pintura de género holandesa. La pintura de género se dividió en signo social: tramas sobre temas de la vida de la burguesía y escenas de la vida de los campesinos y los pobres de las ciudades.

Uno de los artistas famosos que pintó en el “género campesino” fue Adrian van Ostad. En el primer período de la creatividad, la representación de los campesinos era cómica. Así, en la imagen, los combatientes, iluminados por una luz intensa, parecen no ser personas vivas, sino marionetas. La yuxtaposición de colores fríos y cálidos y los fuertes contrastes de luz crean máscaras con emociones de enojo en sus rostros.

Posteriormente, el artista pinta cuadros con temas más tranquilos, representando a una persona durante sus actividades habituales, la mayoría de las veces en momentos de descanso. Por ejemplo, la pintura interior “Músicos del pueblo”. Ostade transmite la concentración de los “músicos”, representando a niños mirándolos a través de la ventana con sutil humor. El hermano de Adrian, Isaac van Ostade, que murió temprano, también trabajó en el "género campesino". Retrató la vida en la Holanda rural. El cuadro “Vista de invierno” presenta un paisaje típico con un cielo gris colgando sobre el suelo, un río helado, en cuyas orillas se encuentra un pueblo.

En los años 50 y 60 del siglo XVII, los temas de las pinturas de género se estrecharon y su estructura cambió. Se vuelven más tranquilos, más líricos, más reflexivos. Esta etapa está representada por el trabajo de artistas como: Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Peter Janssens. Sus obras se caracterizan por una imagen idealizada de la vida de la burguesía holandesa. Así, en el cuadro interior “Habitación en una casa holandesa” de Pieter Janssens se representa una acogedora habitación llena de luz solar, cuyos rayos de sol juegan en el suelo y las paredes. La elección de la composición subraya la unidad del hombre y su entorno.

Los pintores de género holandeses intentaron reflejar el mundo interior del hombre en sus obras. En situaciones que ocurrían habitualmente, pudieron mostrar un mundo de experiencias. Así, Gerard Terborch en la película "Un vaso de limonada" representó un lenguaje sutil de gestos, toques de manos y contacto visual, que revela toda una gama de sentimientos y relaciones entre los personajes.

Los maestros holandeses combinan la sutileza y la veracidad en la recreación de la realidad con una belleza discreta y cotidiana. Este rasgo se manifestó más claramente en la naturaleza muerta. Los holandeses lo llamaron "stilleven". En este entendimiento, los maestros vieron en los objetos inanimados una vida oculta asociada a la vida de una persona, a su forma de vida, hábitos y gustos. Los pintores holandeses crearon la impresión de un "desorden" natural en la disposición de las cosas: mostraban un pastel cortado, un limón pelado con la cáscara colgando en espiral, una copa de vino sin terminar, una vela encendida, un libro abierto; siempre parece que alguien tocó estos objetos, sólo que fueron utilizados, se siente la presencia invisible de una persona.

Principales maestros de la naturaleza muerta holandesa mitad XVI El siglo I fueron Pieter Claes. 1y Willem Hed. Un tema favorito de sus naturalezas muertas son los llamados “desayunos”. En “Desayuno con langosta” de V. Kheda (apéndice; Fig. 16) hay objetos de las más diversas formas y materiales: una cafetera, un vaso, un limón, un plato de plata. Los objetos están dispuestos de tal manera que muestren el atractivo y la peculiaridad de cada uno. Utilizando una variedad de técnicas, Heda transmite perfectamente el material y la especificidad de su textura; Así, el resplandor de la luz juega de forma diferente en la superficie del vidrio y del metal. Todos los elementos de la composición están unidos por la luz y el color. En "Naturaleza muerta con vela" de P. Klass, no solo es notable la precisión en la reproducción de las cualidades materiales de los objetos: la composición y la iluminación les confieren una gran expresividad emocional. Las naturalezas muertas de Klass y Kheda son similares entre sí: son un ambiente de intimidad y comodidad, tranquilidad en la vida de una casa burguesa, donde hay prosperidad. La naturaleza muerta puede considerarse uno de los temas importantes del arte holandés: el tema de la vida de una persona privada. Obtuvo su decisión principal en una película de género.

Simbolismo. Naturaleza muerta

Todos los objetos de una naturaleza muerta holandesa son simbólicos. Colecciones publicadas durante el siglo XVIII los pétalos desmenuzados cerca del jarrón son signos de fragilidad;

oh una flor marchita es un indicio de la desaparición de los sentimientos;

oh los lirios son un signo de la Virgen María;

oh las flores rojas son un símbolo del sacrificio expiatorio de Cristo;

oh El lirio blanco no es sólo una hermosa flor, sino también un símbolo de la pureza de la Virgen María;

oh clavel: símbolo de la sangre derramada de Cristo;

oh tulipán blanco - falso amor.

oh granada: símbolo de resurrección, símbolo de castidad;

oh manzanas, melocotones y naranjas recordaban el otoño;

oh el vino en copa o jarra representaba la sangre sacrificial de Cristo;

oh oliva - símbolo de paz;

oh los frutos podridos son símbolo del envejecimiento;

oh Las espigas de trigo y la hiedra son un símbolo del renacimiento y del ciclo de la vida.

oh el vidrio es símbolo de fragilidad;

oh porcelana - limpieza;

oh la botella es símbolo del pecado y de la embriaguez;

oh los platos rotos son símbolo de muerte;

oh un vaso invertido o vacío significa vacío;

oh cuchillo: símbolo de traición;

oh Los vasos de plata son la personificación de la riqueza.

oh reloj de arena: un recordatorio de la fugacidad de la vida;

oh cráneo: un recordatorio de la inevitabilidad de la muerte;

oh espigas de trigo: símbolos del renacimiento y el ciclo de la vida;

oh el pan es símbolo del cuerpo del Señor;

oh las armas y armaduras son un símbolo de poder y poder, una designación de lo que no se puede llevar a la tumba;

oh llaves: simbolizan el poder;

oh una pipa para fumar es un símbolo de placeres terrenales fugaces y esquivos;

oh máscara de carnaval: es un signo de ausencia de una persona; placer irresponsable;

oh Los espejos, las bolas de cristal son símbolos de vanidad, un signo de reflejo, de irrealidad.

Las bases del paisaje realista holandés se formaron a principios del siglo XVII. Los artistas representaron su naturaleza favorita con dunas y canales, casas y pueblos. Intentaron representar la nacionalidad del paisaje, la atmósfera del aire y las características de la estación. Los maestros subordinaron cada vez más todos los componentes de la imagen a un solo tono. Tenían un agudo sentido del color y transmitían hábilmente las transiciones de luz a sombra, de tono a tono.

El mayor representante del paisaje realista holandés fue Jan van Goyen (1596-1656). Trabajó en Leiden y La Haya. Al artista le encantaba representar valles y la superficie del agua de los ríos en lienzos de pequeño tamaño. Goyen dejó mucho espacio al cielo con nubes. Se trata del cuadro “Vista del río Waal cerca de Nijmegen”, diseñado en una sutil gama de colores marrón-gris.

Posteriormente, cambia la esencia característica de los paisajes. Se vuelve un poco más amplia, más emocional. La especificidad sigue siendo la misma: sobria, pero los tonos adquieren profundidad.

Todas las novedades del estilo paisajístico quedaron plasmadas en sus pinturas de Jacob van Ruisdael (1629-1682). Al representar árboles y arbustos voluminosos, se creó la sensación de que pasaban al primer plano y se volvían más poderosos. Con un excelente sentido de la perspectiva, Ruisdael transmitió hábilmente las amplias llanuras y los alrededores de Holanda. La elección del tono y la iluminación evoca concentración. A Ruisdael también le encantaban las ruinas como detalles decorativos que hablan de la destrucción y la fragilidad de la existencia terrenal. El "cementerio judío" representa una zona abandonada. Ruisdael no tuvo éxito en su época. El realismo de sus cuadros no se correspondía con los gustos de la sociedad. El artista, que ahora disfruta merecidamente de fama mundial, murió pobre en un asilo de Harlem.

Pintura de retratos. Frans Hals

Uno de los grandes artistas holandeses fue Frans Hals (hacia 1580-1666). Nació en el siglo XVII en Amberes. Siendo muy joven llegó a Haarlem, donde creció y se formó al estilo de la escuela de Karel Van Mander. Haarlem estaba orgulloso de su artista y trajeron a su estudio a invitados eminentes: Rubens y Van Dyck.

Hals era casi exclusivamente un retratista, pero su arte significó mucho no sólo para el retrato holandés, sino también para la formación de otros géneros. En la obra de Hals se pueden distinguir tres tipos de composiciones de retratos: un retrato de grupo, un retrato individual por encargo y un tipo especial de retratos, de naturaleza similar a la pintura de género.

En 1616, Hals pintó “El banquete de los oficiales de la compañía del regimiento de fusileros de San Jorge”, en el que rompió por completo con el patrón tradicional de un porteador de grupo. Al crear una obra muy vivaz, uniendo personajes en grupos y dándoles varias poses, pareció fusionar el retrato con la pintura de género. La obra fue un éxito y el artista se vio inundado de pedidos.

Sus personajes aparecen con naturalidad y libertad en el retrato, su postura y sus gestos parecen inestables y la expresión de sus rostros está a punto de cambiar. La característica más notable de la manera creativa de Hals es la capacidad de transmitir carácter a través de expresiones faciales y gestos individuales, como si lo hubieran pillado sobre la marcha: "compañero de bebida alegre", "mulato", "oficial sonriente". Al artista le encantaban los estados emocionales llenos de dinámica. Pero en ese instante que Hals capturó, lo más esencial, siempre se capta el núcleo de la imagen de la “Gitana”, “Malle Babe”.

Sin embargo, en las imágenes de Hals de finales de los años 30 y 40 aparece la reflexión y la tristeza, ajenas a sus personajes, el retrato de Willem Heythuisen, y en ocasiones se cuela. ligera ironía en la actitud del artista hacia ellos. La jubilosa aceptación de la vida y del hombre está desapareciendo gradualmente del arte Khalsa.

Se han producido puntos de inflexión en la pintura de Khalsa. En los retratos de Hals, pintados en los años 50 y 60, se combina un profundo dominio de la caracterización con un nuevo significado interior. Una de las obras más poderosas del difunto Hals es el retrato de un hombre del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (1650-1652). La composición del retrato es una imagen generacional de la figura, su colocación en un frente claro, la mirada dirigida directamente al espectador, se siente el significado de la personalidad. La postura del hombre revela una fría autoridad y un arrogante desprecio por todos. La autoestima se combina en él con una inmensa ambición. Al mismo tiempo, un matiz de decepción aparece inesperadamente en la mirada, como si en esta persona acechara el arrepentimiento por el pasado, por su juventud y la juventud de su generación, cuyos ideales se han olvidado y los incentivos de la vida se han desvanecido.

Los retratos de Hals de los años 50 y 60 revelan mucho sobre la realidad holandesa de aquellos años. El artista vivió larga vida, y fue testigo de la degeneración de la sociedad holandesa, de la desaparición de su espíritu democrático. No es casualidad que el arte Khalsa esté pasando de moda. Las últimas obras de Hals reflejan con sensibilidad el espíritu de la época, tan ajeno al maestro, pero en ellas también se puede escuchar su propia decepción ante la realidad circundante. En algunas de las obras de estos años se puede captar el eco de los sentimientos personales del viejo artista, que estaba perdiendo su antigua gloria y ya había visto el final de su vida. camino de la vida.

Dos años antes de su muerte, en 1664, Hals pintó retratos de los regentes y regentes (fideicomisarios) de la residencia de ancianos de Haarlem.

En "Retrato de los Regentes" todos están unidos por un sentimiento de decepción y fatalidad. No hay vitalidad en los regentes, como en los primeros retratos grupales de Hals. Todo el mundo está solo, cada uno existe por sí solo. Los tonos negros con manchas de color rosa rojizo crean una atmósfera trágica.

“Retrato de los Regentes” se decide en una clave emocional diferente. En las poses casi inmóviles de las ancianas insensibles, que no conocen la compasión, se puede sentir la autoridad del maestro y al mismo tiempo, en todas ellas vive una profunda depresión, un sentimiento de impotencia y desesperación ante la muerte inminente.

Hasta el final de sus días, Hals conservó la infalibilidad de su habilidad, y el arte del pintor de ochenta años ganó perspicacia y fuerza.

6. Rembrandt van Rijn

Rembrandt (1606-1669) es el mayor representante de la edad de oro de la pintura holandesa. Nacido en Leiden en 1606. por conseguir Educación artística, el artista se mudó a Amsterdam y entró en el taller de Pieter Lastman, y luego regresó a Leiden, donde en 1625 comenzó una vida creativa independiente. En 1631, Rembrandt finalmente se mudó a Ámsterdam, y el resto de la vida del maestro estuvo relacionada con esta ciudad.

La obra de Rembrandt está imbuida de una comprensión filosófica de la vida y el mundo interior del hombre. Este es el pináculo del desarrollo holandés. arte XVII siglo. El patrimonio artístico de Rembrandt se distingue por una variedad de géneros. Pintó retratos, naturalezas muertas, paisajes, escenas de género, cuadros de temas históricos, bíblicos y mitológicos. Pero la obra del artista alcanzó su mayor profundidad en los últimos años de su vida. Los Uffizi cuentan con tres obras del gran maestro. Este es un autorretrato en la juventud, un autorretrato en la vejez, un retrato de un anciano (rabino). En muchas de sus obras posteriores, el artista sumerge toda la superficie del lienzo en la oscuridad, centrando la atención del espectador. en la cara.

Así se retrató Rembrandt a la edad de 23 años.

El período de su traslado a Ámsterdam estuvo marcado en la biografía creativa de Rembrandt por la creación de numerosos bocetos masculinos y femeninos. En ellos explora la singularidad de cada modelo, sus expresiones faciales. Estas pequeñas obras se convirtieron más tarde en una auténtica escuela de Rembrandt como retratista. Fue la pintura de retratos la que en ese momento permitió al artista atraer pedidos de los burgueses ricos de Ámsterdam y así lograr el éxito comercial.

En 1653, atravesando dificultades económicas, el artista transfirió casi todas sus propiedades a su hijo Tito, tras lo cual se declaró en quiebra en 1656. Tras vender su casa y su propiedad, el artista se trasladó a las afueras de Ámsterdam, al barrio judío, donde pasó el resto de su vida. La persona más cercana a él en esos años era, aparentemente, Tito, porque sus imágenes son las más numerosas. La muerte de Tito en 1668 fue uno de los últimos golpes del destino para el artista; él mismo murió un año después. "Mateo y el ángel" (1661). Quizás Tito fuera el modelo del ángel.

Las dos últimas décadas de la vida de Rembrandt se convirtieron en el pináculo de su habilidad como retratista. Los modelos son los camaradas del artista (Nicholas Breuning, 1652; Gerard de Leresse, 1665; Jeremias de Dekker, 1666), soldados, ancianos y ancianas, todos aquellos que, como el autor, pasaron por años de dolorosas pruebas. Sus rostros y manos están iluminados por la luz espiritual interior. La evolución interna del artista se transmite a través de una serie de autorretratos que revelan al espectador el mundo de sus experiencias más íntimas. La serie de autorretratos va acompañada de imágenes de sabios apóstoles. En el rostro del apóstol se pueden discernir los rasgos del propio artista.

7. Vermeer de Delft Jan

Bodegón de pintura de arte holandés

Vermeer Jan de Delft (1632-1675): pintor holandés, el mayor maestro de la pintura de género y paisaje holandés. Vermeer trabajó en Delft. Como artista, se desarrolló bajo la influencia de Karel Fabritius, quien murió trágicamente en la explosión de un almacén de pólvora.

Las primeras pinturas de Vermeer tienen imágenes sublimes ( Cristo con Marta y María. ). La obra de Vermeer estuvo fuertemente influenciada por la obra del maestro de la pintura de género Pieter de Hooch. El estilo de este pintor se desarrolló aún más en las pinturas de Vermeer.

A partir de la segunda mitad de los años 50, Vermeer pintó pequeños cuadros con una o más figuras bajo la luz plateada del interior de una casa ( chica con una carta Criada con una jarra de leche ). A finales de los años 50, Vermeer creó dos obras maestras de la pintura de paisajes: una pintura conmovedora calle con colores y pinturas brillantes, frescas, limpias. Vista de la ciudad de Delft . En los años 60, la obra de Vermeer se volvió más refinada y su pintura se volvió más fría. ( Chica con pendiente de perla).

A finales de los años 60, el artista representaba a menudo habitaciones ricamente amuebladas, donde damas y caballeros tocaban música y mantenían conversaciones galantes.

En los últimos años de la vida de Vermeer, su situación financiera se deterioró enormemente. La demanda de cuadros cayó bruscamente y el pintor se vio obligado a pedir préstamos para alimentar a once niños y otros miembros de la familia. Esto probablemente aceleró la proximidad de la muerte. No se sabe qué pasó: una enfermedad aguda o una depresión debido a problemas económicos, pero Vermeer fue enterrado en 1675 en la cripta familiar en Delft.

El arte individual de Vermeer después de su muerte no fue apreciado por sus contemporáneos. El interés por él no revivió hasta el siglo XIX, gracias al trabajo del crítico e historiador de arte Etienne Théophile Thoré, quien “descubrió” a Vermeer para el público en general.

Conclusión

La apelación a la realidad ayudó a ampliar las posibilidades artísticas del arte holandés y enriqueció su temática de género. Si hasta el siglo XVII los temas bíblicos y mitológicos eran de gran importancia en las bellas artes europeas y otros géneros estaban poco desarrollados, entonces en el arte holandés la relación entre géneros cambia dramáticamente. Hay un auge de géneros como: la vida cotidiana, el retrato, el paisaje y la naturaleza muerta. Los propios temas bíblicos y mitológicos del arte holandés están perdiendo en gran medida sus formas anteriores de encarnación y ahora se interpretan como pinturas cotidianas.

A pesar de todos sus logros, el arte holandés también presentaba algunas características específicas de limitación: una estrecha gama de temas y motivos. Otra desventaja: sólo algunos maestros buscaron encontrar su base profunda en los fenómenos.

Pero en muchas pinturas y retratos compositivos, las imágenes son de la naturaleza más profunda y los paisajes muestran la naturaleza verdadera y real. Esto se convirtió en una característica distintiva del arte holandés. Así, los pintores lograron grandes avances en el arte al dominar la difícil y compleja habilidad de pintar imágenes del mundo interior y las experiencias de una persona.

La prueba me dio la oportunidad de poner a prueba mis habilidades creativas, reponer mis conocimientos teóricos y aprender más sobre los artistas holandeses y sus obras.

Tutoría

¿Necesitas ayuda para estudiar un tema?

Nuestros especialistas le asesorarán o brindarán servicios de tutoría sobre temas que le interesen.
Envíe su solicitud indicando el tema ahora mismo para conocer la posibilidad de obtener una consulta.

Pintura holandesa, en bellas artes.

pintura holandesa, su surgimiento y período inicial se fusionan hasta tal punto con las primeras etapas del desarrollo de la pintura flamenca que los últimos historiadores del arte consideran que ambos abarcan todo el tiempo hasta finales del siglo XVI. inseparablemente, bajo el nombre general de “escuela holandesa”.

Ambos, descendientes de la rama del Rin, son mudos. la pintura, cuyos principales representantes son Guillermo de Colonia y Stefan Lochner, consideran a los hermanos van Eyck sus fundadores; Ambos caminan en la misma dirección desde hace mucho tiempo, están animados por los mismos ideales, persiguen las mismas tareas, desarrollan la misma técnica, de modo que los artistas holandeses no se diferencian de sus hermanos flamencos y brabantes.

Esto continúa durante todo el gobierno del país, primero por la casa de Borgoña y luego por la de Austria, hasta que estalla una revolución brutal que termina con el triunfo total del pueblo holandés sobre los españoles que los oprimieron. A partir de esta época, cada una de las dos ramas del arte holandés comienza a moverse por separado, aunque en ocasiones llegan a entrar en contacto muy estrecho entre sí.

La pintura holandesa adquiere inmediatamente un carácter original, completamente nacional, y rápidamente alcanza un florecimiento brillante y abundante. Las razones de este fenómeno, que difícilmente se puede encontrar en toda la historia del arte, se encuentran en circunstancias topográficas, religiosas, políticas y sociales.

En este “país bajo” (hol land), formado por pantanos, islas y penínsulas, constantemente arrastrado por el mar y amenazado por sus incursiones, la población, tan pronto como se liberó del yugo extranjero, tuvo que crear todo de nuevo, empezando por las condiciones físicas del suelo y terminando por las condiciones morales e intelectuales, porque todo fue destruido por la lucha anterior por la independencia. Gracias a su iniciativa, sentido práctico y trabajo persistente, los holandeses lograron transformar los pantanos en campos fructíferos y pastos lujosos, conquistar vastas extensiones de tierra del mar y adquirir bienestar material y importancia política externa. El logro de estos resultados se vio facilitado en gran medida por la forma de gobierno federal-republicana establecida en el país y el principio sabiamente implementado de libertad de pensamiento y creencias religiosas.

Como por milagro, en todas partes, en todos los ámbitos del trabajo humano, de repente comenzó a hervir una actividad ardiente con un espíritu nuevo, original y puramente popular, entre otras cosas en el campo del arte. De las ramas de este último, en Holanda, uno tuvo suerte principalmente en una: la pintura, que aquí, en las obras de muchos artistas más o menos talentosos que aparecieron casi simultáneamente, tomó una dirección muy versátil y al mismo tiempo tiempo completamente diferente de la dirección del arte en otros países. El principal rasgo que caracteriza a estos artistas es su amor por la naturaleza, el deseo de reproducirla en toda su sencillez y verdad, sin el más mínimo adorno, sin subsumirla bajo ninguna condición de un ideal preconcebido. La segunda propiedad distintiva de Goll. Los pintores se componen de un sutil sentido del color y de la comprensión de que una impresión fuerte y encantadora puede producirse, además del contenido de la imagen, sólo mediante la transmisión fiel y poderosa de relaciones cromáticas determinadas en la naturaleza por la acción de la luz. rayos, proximidad o rango de distancias.

Entre los mejores representantes de la pintura holandesa, este sentido del color y de las luces y las sombras está desarrollado hasta tal punto que la luz, con sus innumerables y variados matices, juega, podría decirse, el papel principal en el cuadro. actor y transmite un gran interés hasta la trama más insignificante, las formas e imágenes más poco elegantes. Entonces cabe señalar que la mayoría de los Goll. Los artistas no realizan largas búsquedas de material para su creatividad, sino que se contentan con lo que encuentran a su alrededor, en su naturaleza nativa y en la vida de su gente. Los rasgos típicos de compatriotas distinguidos, los rostros de los holandeses y holandesas corrientes, la ruidosa diversión de las fiestas comunes, las fiestas campesinas, escenas de la vida rural o de la vida íntima de la gente de la ciudad, dunas nativas, pólderes y vastas llanuras atravesadas por canales, rebaños pastando en ricos prados, cabañas enclavadas al borde de hayedos o robledales, pueblos a orillas de ríos, lagos y bosques, ciudades con sus casas limpias, puentes levadizos y altas agujas de iglesias y ayuntamientos, puertos atestados de barcos, un cielo lleno de vapores plateados o dorados: todo esto, bajo el pincel de maestros holandeses imbuidos de amor por la patria y orgullo nacional, se convierte en pinturas llenas de aire, luz y atractivo.

Incluso en los casos en que algunos de estos maestros recurren a la Biblia, la historia antigua y la mitología como temas, incluso entonces, sin preocuparse por mantener la fidelidad arqueológica, trasladan la acción al entorno de los holandeses, rodeándola de un ambiente holandés. Es cierto que, junto a la multitud de artistas patrióticos, hay una falange de otros pintores que buscan inspiración fuera de las fronteras de su patria, en el país clásico del arte, Italia; sin embargo, en sus obras también hay rasgos que exponen su nacionalidad.

Finalmente, como característica pintores holandeses, se puede señalar su renuncia tradiciones artísticas. Sería en vano buscar entre ellos una estricta continuidad de principios estéticos y reglas técnicas bien conocidos, no sólo en el sentido del estilo académico, sino también en el sentido de la asimilación por parte de los estudiantes del carácter de sus profesores: con Con la única excepción, quizás, de los alumnos de Rembrandt, que siguieron más o menos de cerca los pasos de su genial mentor, casi todos los pintores en Holanda, tan pronto como pasaron sus años de estudiante, y a veces incluso durante estos años, comenzaron a trabajar en a su manera, según adónde los conducía su inclinación individual y lo que les enseñaba la observación directa de la naturaleza.

Por tanto, los artistas holandeses no pueden dividirse en escuelas, como hacemos con los artistas de Italia o España; es difícil incluso componer grupos estrictamente definidos a partir de ellos, y la misma expresión "escuela de pintura holandesa", que se ha generalizado, debe tomarse sólo en un sentido condicional, como que denota una colección de maestros tribales, pero no una escuela real. Mientras tanto, en todas las principales ciudades de Holanda existían sociedades organizadas de artistas que, al parecer, deberían haber influido en la comunicación de sus actividades por parte de uno. direccion GENERAL. Sin embargo, tales sociedades, que llevan el nombre de gremios de St. Lucas, si contribuyó a ello, lo hizo de forma muy moderada. No se trataba de academias, guardianas de conocidas tradiciones artísticas, sino de corporaciones libres, similares a otros gremios artesanales e industriales, no muy diferentes de ellos en términos de estructura y orientadas al apoyo mutuo de sus miembros, la protección de sus derechos, el cuidado. para su vejez, cuidar de la suerte de sus viudas y huérfanos.

Todo pintor local que cumpliera con los requisitos de las calificaciones morales era admitido en el gremio previa confirmación de sus habilidades y conocimientos o sobre la base de la fama que ya había adquirido; Los artistas visitantes eran admitidos en el gremio como miembros temporales durante su estancia en una ciudad determinada. Los pertenecientes al gremio se reunían para discutir, bajo la presidencia de los decanos, sus asuntos comunes o para el mutuo intercambio de pensamientos; pero en estas reuniones no había nada que se pareciera a la prédica de una determinada dirección artística y que pudiera tender a coartar la originalidad de alguno de los integrantes.

Estas características de la pintura holandesa se notan ya en sus inicios, en una época en la que se desarrolló inseparablemente de la escuela flamenca. Su vocación, como la de esta última, era entonces principalmente decorar iglesias con pinturas religiosas, palacios, ayuntamientos y casas nobles con retratos de funcionarios gubernamentales y aristócratas. Desafortunadamente, las obras de los pintores holandeses primitivos han llegado hasta nosotros sólo en cantidades muy limitadas, ya que la mayoría de ellos perecieron durante esa época turbulenta en la que la Reforma devastó iglesias católicas, abolió monasterios y abadías e incitó a los "romptores de iconos" (beeldstormers) a destruir el pintó y esculpió imágenes sagradas, y el levantamiento popular destruyó por todas partes los retratos de los odiados tiranos. A muchos de los artistas que precedieron a la revolución sólo los conocemos por su nombre; Podemos juzgar a los demás sólo por una o dos muestras de su trabajo. Así, sobre el más antiguo de los pintores holandeses, Albert van Ouwater, no hay datos positivos, salvo la información de que fue contemporáneo de los van Eyck y trabajó en Harlem; No hay pinturas confiables de él. Su alumno Gertjen van Sint-Jan es conocido sólo por dos paneles de un tríptico (“San Sepulcro” y “Leyenda de los huesos de San Juan”), que escribió para la Catedral de Harlem, almacenado en la Galería de Viena. La niebla que nos envuelve en la época inicial de la escuela G. comienza a disiparse con la aparición en escena de Dirk Bouts, apodado Stuerboat († 1475), originario de Haarlem, pero que trabajó en Lovaina y, por tanto, es considerado por muchos como formar parte de la escuela flamenca (sus mejores obras son dos cuadros “El proceso injusto del emperador Otón”, que se encuentran en el Museo de Bruselas), así como Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), cuyo principal mérito es que fue maestro de el famoso Lucas de Leiden (1494-1533). Este último, artista polifacético, trabajador y de gran talento, supo, como nadie antes, reproducir fielmente todo lo que llamaba su atención, por lo que puede ser considerado el verdadero padre del género holandés, aunque tuvo que pintar principalmente temas religiosos. pinturas y retratos. En las obras de su contemporáneo Jan Mostaert (hacia 1470-1556), el deseo de naturalismo se combina con un toque de tradición gótica, la calidez del sentimiento religioso con una preocupación por la elegancia exterior.

Además de estos destacados maestros, de la primera época del arte holandés merecen mencionarse: Hieronymus van Aken, apodado Hieronymus de Bosch (c. 1462-1516), que sentó las bases de la pintura satírica cotidiana con sus complejas e intrincadas pinturas. y en ocasiones composiciones sumamente extrañas; Jan Mundain († 1520), famoso en Harlem por sus representaciones de diabluras y bufonadas; Peter Aertsen († 1516), apodado “Long Peter” (Lange Pier) por su gran estatura, David Ioris (1501-56), un hábil pintor de vidrio, dejado llevar por los desvaríos anabautistas y imaginándose como el profeta David y el hijo de Dios, Jacob Swarts (1469? - ¿1535?), Jacob Cornelissen (1480? - más tarde 1533) y su hijo Dirk Jacobs (dos pinturas de este último, que representan sociedades de fusileros, se encuentran en el Hermitage).

Aproximadamente la mitad de la mesa 16. entre los pintores holandeses existe el deseo de deshacerse de las deficiencias del arte nacional (su angulosidad y sequedad góticas) estudiando a los artistas italianos del Renacimiento y combinando sus modales con las mejores tradiciones de su propia escuela. Este deseo ya es visible en las obras del citado Mostert; pero el principal difusor del nuevo movimiento hay que considerarlo Jan Schorel (1495-1562), que vivió durante mucho tiempo en Italia y más tarde fundó una escuela en Utrecht, de la que procedieron varios artistas contagiados por el deseo de convertirse en Rafaeles holandeses. y Miguel Ángel. Siguieron sus pasos Maarten van Van, apodado Gemskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, apodado. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Haarlem (1562-1638) y otros pertenecientes al siguiente período de la escuela italiana, como, por ejemplo, Abraham Bloemaert (1564-1651), Gerard Gonthorst (1592-1662), fueron más allá de los Alpes para imbuirse de las perfecciones. de las luminarias de la pintura italiana, pero cayeron, en su mayor parte, bajo la influencia de representantes del declive de esta pintura que se iniciaba en ese momento, regresaron a su tierra natal como manieristas, imaginando que toda la esencia del arte reside en la exageración de los músculos, en la pretensión de los ángulos y el garbo de los colores convencionales.

Sin embargo, la fascinación por los italianos, que a menudo llegó al extremo en la época de transición de la pintura holandesa, trajo una especie de beneficio, ya que aportó a esta pintura un dibujo mejor y más erudito y la capacidad de gestionar la composición con mayor libertad y audacia. Junto con la antigua tradición holandesa y el amor ilimitado por la naturaleza, el italianismo se convirtió en uno de los elementos a partir de los cuales se formó el arte original y altamente desarrollado de la época floreciente. El inicio de esta época, como ya hemos dicho, debe fecharse a principios del siglo XVII, cuando Holanda, tras alcanzar la independencia, comenzó a vivir. nueva vida. La dramática transformación de un país pobre y oprimido ayer mismo en una unión de estados políticamente importante, cómoda y rica fue acompañada por una revolución igualmente dramática en su arte.

De todas partes, casi a la vez, aparecen en innumerables números. artistas maravillosos, llamados a la actividad por el auge del espíritu nacional y la necesidad de su trabajo que se ha desarrollado en la sociedad. A los centros artísticos originales, Haarlem y Leiden, se están añadiendo otros nuevos: Delft, Utrecht, Dortrecht, La Haya, Amsterdam, etc. En todas partes, las antiguas tareas de la pintura se están desarrollando de una manera nueva bajo la influencia de demandas y puntos de vista cambiantes. , y sus nuevas sucursales, cuyos inicios apenas se notaron en el período anterior.

La Reforma expulsó las pinturas religiosas de las iglesias; no era necesario decorar palacios y cámaras nobles con imágenes dioses antiguos y héroes, y por tanto la pintura histórica, satisfaciendo los gustos de la rica burguesía, descartó el idealismo y recurrió a una reproducción fiel de la realidad: comenzó a interpretar acontecimientos del pasado como los acontecimientos del día que tuvieron lugar en Holanda, y en particular Se dedicó al retrato, perpetuando en él los rasgos de la gente de esa época, a veces en figuras individuales, a veces en extensas composiciones de varias figuras que representan sociedades de fusileros (schutterstuke), que desempeñaron un papel tan destacado en la lucha por la liberación del país. - los directores de sus instituciones benéficas (regentenstuke), capataces de gremios y miembros de diversas corporaciones.

Si decidiéramos hablar de todos los retratistas talentosos de la floreciente era del arte holandés, entonces simplemente enumerar sus nombres e indicar sus mejores obras ocuparía muchas líneas; Por ello, nos limitamos a mencionar sólo a aquellos artistas que destacan especialmente dentro del panorama general. Se trata de: Michiel Mierevelt (1567-1641), su alumno Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572? - 1657), predecesores de los tres más grandes retratistas de Holanda: el hechicero del claroscuro Rembrandt van Rijn (1606-69), dibujante incomparable que tenía un sorprendente arte de modelar figuras con luz, pero algo frío en carácter y color, Bartholomew van der Gelst (1611 o 1612-70) y sorprendente con la fuga de su pincel Frans Gols el Viejo (1581-1666). De ellos, el nombre de Rembrandt brilla especialmente en la historia, al principio muy apreciado por sus contemporáneos, luego olvidado por ellos, poco apreciado por la posteridad, y sólo en el siglo actual elevado, con toda justicia, al nivel de mundo. genio.

En su característica personalidad artística, todo está concentrado, como si estuviera enfocado. mejores calidades La pintura holandesa y su influencia se reflejaron en todos sus géneros: retratos, pinturas históricas, escenas cotidianas y paisaje. Los más famosos entre los estudiantes y seguidores de Rembrandt fueron: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 o 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (c. 1620-54), Salomon y Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († más tarde 1645), Gerard Dou (1613-75) y Samuel van Googstraten (1626-78). Además de estos artistas, para que esté completo, se incluye una lista de los mejores retratistas y pintores historicos Del período considerado se puede nombrar a Jan Lievens (1607-30), compañero de estudios de Rembrandt de P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72) y Peter Nason (1612-91), quien trabajó, aparentemente, bajo la influencia de . d. Gelsta, imitador de Hals Johannes Verspronck (1597-1662), Jan y Jacob de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) y Nicholas de Gelta-Stokade (1614-69). Pintura doméstica, cuyos primeros experimentos aparecieron en el antiguo escuela holandesa, me encontré en el siglo XVII. suelo especialmente fértil en la Holanda protestante, libre, burguesa y satisfecha de sí misma.

Los cuadros pequeños, que representaban ingenuamente las costumbres y la vida de diferentes clases de la sociedad local, a muchas personas les parecían más entretenidos que las grandes obras de pintura seria y, junto con los paisajes, más convenientes para decorar acogedoras casas privadas. Toda una horda de artistas satisface la demanda de este tipo de imágenes, sin pensar mucho en la elección de los temas, pero reproduciendo concienzudamente todo lo que se encuentra en la realidad, mostrando al mismo tiempo amor por su familia y luego buen humor, con precisión. caracterizando las posiciones y rostros representados y refinado en el dominio de la tecnología. Mientras algunos se ocupan de la vida de la gente común, escenas de alegría y tristeza campesina, borracheras en tabernas y tabernas, tertulias frente a posadas de carretera, vacaciones rurales, juegos y patinaje sobre el hielo de ríos y canales helados, etc., otros se ocupan de el contenido de sus obras proviene de un círculo más elegante: pintan elegantes damas en su entorno íntimo, el cortejo de caballeros dandys, amas de casa dando órdenes a sus criadas, ejercicios de música y canto en el salón, la juerga de la juventud dorada en las casas de placer, etc. En la larga serie de artistas de la primera categoría destacan Adrian e Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 o 1606-38), Jan Stan (alrededor de 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, apodado Bambocchio en Italia (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, apodado Sorg (1621-82), Claes Molenaar (anteriormente 1630-76), Jan Minse-Molenar (alrededor de 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) y algunos. etc. Del número igualmente significativo de pintores que reprodujeron la vida de la clase media y alta, generalmente suficiente, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), Francia c. Miris la Vieja (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer de Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony y Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38), etc. La categoría de pintores de género incluye artistas que pintaron escenas de la vida militar, ociosidad de los soldados en las casetas de vigilancia. , campamentos, escaramuzas de caballería y batallas enteras, doma de caballos, así como escenas de cetrería y caza de perros similares a escenas de batalla. El principal representante de esta rama de la pintura es el famoso y extraordinariamente prolífico Philips Wouwerman (1619-68). Además de él, su hermano de este maestro, Peter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), a quien pronto conoceremos entre los paisajistas, el mencionado Palamedes, Jacob Leduc (1600 - más tarde 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717), etc. Para muchos de estos artistas, el paisaje juega un papel tan importante como las figuras humanas; pero paralelamente a ellos, trabaja una masa de pintores, fijándolo como su tarea principal o exclusiva.

En general, los holandeses tienen el derecho inalienable a estar orgullosos de que su patria no es solo la patria. el último género, pero también paisaje en el sentido en que se entiende hoy. De hecho, en otros países, p. En Italia y Francia, el arte tenía poco interés por la naturaleza inanimada, no encontraba en ella ni una vida única ni una belleza especial: el pintor introdujo el paisaje en sus cuadros sólo como un elemento secundario, como decoración, entre los que se encontraban episodios de drama humano o La comedia se representa y, por tanto, la somete a condiciones escénicas, inventando líneas pintorescas y lugares que le resultan beneficiosos, pero sin copiar la naturaleza, sin dejarse imbuir de la impresión que ésta inspira.

Del mismo modo, “compuso” la naturaleza en aquellos raros casos en los que intentó pintar un cuadro puramente paisajístico. Los holandeses fueron los primeros en comprender que incluso en la naturaleza inanimada todo respira vida, todo es atractivo, todo es capaz de evocar el pensamiento y excitar el movimiento del corazón. Y esto era bastante natural, porque los holandeses, por así decirlo, crearon la naturaleza que los rodeaba con sus propias manos, la atesoraban y admiraban, como un padre atesora y admira su propia creación. Además, esta naturaleza, a pesar de la modestia de sus formas y colores, proporcionó a coloristas como los holandeses abundante material para desarrollar motivos de iluminación y perspectiva aérea debido a las condiciones climáticas del país: su aire saturado de vapor, suavizando los contornos de objetos, produciendo una gradación de tonos en diferentes planos y cubriendo la distancia con una bruma de niebla plateada o dorada, así como la variabilidad de la apariencia de las áreas determinada por la época del año, la hora del día y las condiciones climáticas.

Entre los paisajistas del período de florecimiento, los holandeses. Se respetan especialmente las escuelas que fueron intérpretes de su carácter doméstico: Jan V. Goyen (1595-1656), quien, junto con Esaias van de Velde (c. 1590-1630) y Pieter Moleyn el Viejo. (1595-1661), considerado el fundador del Goll. paisaje; luego este estudiante de maestría, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (c. 1600 - más tarde 1679), amante de los efectos de la mejor iluminación del arte. d. Nair (1603-77), el poético Jacob v. Ruisdael (1628 o 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) y Cornelis Dekker († 1678).

Entre los holandeses también hubo muchos paisajistas que emprendieron viajes y reprodujeron motivos de carácter extranjero, lo que, sin embargo, no les impidió mantener un carácter nacional en su pintura. Alberto V. Everdingen (1621-75) representó vistas de Noruega; Jan Ambos (1610-52), Dirk v. Bergen († más tarde 1690) y Jan Lingelbach (1623-74) - Italia; Ian V. d. Mayor el Joven (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) y Jan Griffir (1656-1720) - Reina; Jan Hackart (1629-99?) - Alemania y Suiza; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) y un grupo de sus seguidores pintaron paisajes inspirados en la naturaleza italiana, con ruinas de edificios antiguos, ninfas bañándose y escenas de una Arcadia imaginaria. En una categoría especial podemos destacar a los maestros que en sus pinturas combinaron paisajes con imágenes de animales, dando preferencia al primero o al segundo, o tratando ambas partes con la misma atención. El más famoso entre estos pintores del idilio rural es Paulus Potter (1625-54); Además de él, Adrian debería incluirse aquí. d. Velde (1635 o 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) y numerosos artistas que buscaron temas preferente o exclusivamente en Italia, como: Willem Romain († más tarde 1693), Adam. Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Wieck (1616?-77) Frederic de Moucheron (1633 o 1634 -86), etc. Estrechamente relacionada con la pintura de paisajes está la pintura de vistas arquitectónicas, que los artistas holandeses comenzaron a dedicarse como una rama independiente del arte sólo en la mitad del siglo XVII.

Algunos de los que desde entonces han trabajado en esta área han sido sofisticados al representar calles y plazas de la ciudad con sus edificios; estos son, entre otros, menos significativos, Johannes Bärestraten (1622-66), Job y Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d. Heyden (1647-1712) y Jacob v. pueblo Yulft (1627-88). Otros, entre los que destacan Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 o 1617-92), escribieron vistas internas iglesias y palacios. El mar tenía tal importancia en la vida de Holanda que su arte sólo podía tratarlo con la mayor atención. Muchos de sus artistas que se ocuparon del paisaje, del género e incluso del retrato, rompiendo por un tiempo con sus temas habituales, se convirtieron en pintores marinos, y si decidimos enumerar a todos los pintores de la escuela holandesa que representaron un mar en calma o tormentoso, barcos balanceándose sobre él, barcos en puertos abarrotados, batallas navales, etc., entonces obtendríamos una lista muy larga que incluiría los nombres de Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. y J. Ruisdal, A. Cuyp y otros ya citados en líneas anteriores. Limitándonos a señalar a aquellos para quienes la pintura de especies marinas era una especialidad, debemos nombrar a Willem v. de Velde el Viejo (1611 o 1612-93), su famoso hijo V. v. de Velde el Joven (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) y Julius Parcellis († más tarde 1634).

Finalmente, la dirección realista de la escuela holandesa fue la razón por la que en ella se formó y desarrolló un tipo de pintura que en otras escuelas hasta entonces no se había cultivado como una rama especial e independiente, a saber, la pintura de flores, frutas, verduras, seres vivos, utensilios de cocina, vajillas, etc. - en una palabra, lo que ahora se llama comúnmente "naturaleza muerta" (naturaleza muerta, Stilleben). En esta zona entre el Los artistas más famosos de la época floreciente fueron Jan-Davids de Gem (1606-83), su hijo Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630). -93), Willem V. Aalst (1626-83), Willem Geda (1594 - más tarde 1678), Willem Kalf (1621 o 1622-93) y Jan Waenix (1640-1719).

El período brillante de la pintura holandesa no duró mucho: sólo un siglo. Desde principios del siglo XVIII. Su declive se acerca, no porque las costas del Zuiderzee dejen de producir talentos innatos, sino porque En la sociedad, la autoconciencia nacional se debilita cada vez más, el espíritu nacional se evapora y los gustos y puntos de vista franceses de la pomposa época de Luis XIV se están afianzando. En el arte, este giro cultural se expresa en el olvido por parte de los artistas de aquellos principios básicos de los que dependía la originalidad de los pintores de generaciones anteriores y en una apelación a principios estéticos traídos de un país vecino.

En lugar de una relación directa con la naturaleza, el amor por lo nativo y la sinceridad, el predominio de las teorías preconcebidas, las convenciones y la imitación de Poussin, Lebrun, Cl. Lorrain y otras luminarias de la escuela francesa. El principal propagador de esta lamentable corriente fue el flamenco Gerard de Leresse (1641-1711), afincado en Ámsterdam, artista muy capaz y culto en su época, que ejerció una enorme influencia en sus contemporáneos y en la posteridad inmediata tanto con su amanerado pseudo -pinturas históricas y con obras de su propia pluma, entre ellas El gran libro del pintor ('t groot schilderboec), sirvió de código para los jóvenes artistas durante cincuenta años. El famoso Adriano también contribuyó al declive de la escuela. de Werff (1659-1722), cuya elegante pintura con figuras frías, como talladas en marfil, con un color apagado e impotente, alguna vez pareció el colmo de la perfección. Entre los seguidores de este artista, Henryk v. gozaba de fama como pintor histórico. Limborg (1680-1758) y Philip V.-Dyck (1669-1729), apodado "el pequeño V.-Dyck".

De los otros pintores de la época en cuestión, dotados de indudable talento, pero contagiados del espíritu de la época, cabe señalar Willem y Francia v. Miris la Joven (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) y Carel de Maur (1656-1738). Cornelis Troost (1697-1750), principalmente caricaturista, apodado holandés, dio algo de brillo a la escuela moribunda. Gogarth, el retratista Jan Quincgard (1688-1772), el pintor decorativo e histórico Jacob de Wit (1695-1754) y los pintores de naturaleza muerta Jan V. Geysum (1682-1749) y Rachel Reisch (1664-1750).

La influencia extranjera pesó mucho en la pintura holandesa hasta los años veinte siglo XIX, habiendo logrado reflejar en él más o menos las modificaciones que sufrió el arte en Francia, empezando por la confección de pelucas en tiempos del Rey Sol y terminando con el pseudoclasicismo de David. Cuando el estilo de este último quedó obsoleto y en todas partes de Europa occidental, en lugar de la fascinación por los antiguos griegos y romanos, surgió un deseo romántico, dominando tanto la poesía como las artes figurativas, los holandeses, como otros

m pueblos, volvieron la mirada hacia su antigüedad y, por tanto, hacia el pasado glorioso de su pintura.

El deseo de devolverle el brillo con el que brilló en el siglo XVII comenzó a inspirar a los artistas más nuevos y los devolvió a los principios de los antiguos maestros nacionales: a una estricta observación de la naturaleza y a una actitud ingeniosa y sincera hacia las tareas en mano. Al mismo tiempo, no intentaron excluirse por completo de la influencia extranjera, pero cuando fueron a estudiar a París o Dusseldorf y otros centros artísticos de Alemania, solo se llevaron a casa un conocimiento de los éxitos de la tecnología moderna.

Gracias a todo esto, la resucitada escuela holandesa volvió a adquirir una fisonomía original y atractiva y hoy avanza por el camino que conduce a un mayor progreso. Puede contrastar fácilmente muchas de sus figuras más recientes con los mejores pintores del siglo XIX en otros países. La pintura histórica en el sentido estricto de la palabra se cultiva en él, como antaño, de forma muy moderada y no tiene representantes destacados; Pero en términos del género histórico, Holanda puede estar orgullosa de varios maestros recientes importantes, como: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (n. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (n. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) y el talentoso Lawrence Alma-Tadema (n. 1836), que desertó a Inglaterra. El género cotidiano, que también entró en el círculo de actividad de estos artistas (a excepción de Alma-Tadema), se puede señalar a varios pintores excelentes, encabezados por Joseph Israels (n. 1824) y Christoffel Bisschop (b. 1828); Además de ellos, son dignos de ser nombrados Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (n. 1826), Teresa Schwarze (n. 1852) y Valli Mus (n. 1857).

La pintura holandesa más reciente es especialmente rica en paisajistas que han trabajado y trabajan de diversas maneras, a veces con cuidadosa terminación, a veces con la amplia técnica de los impresionistas, pero intérpretes fieles y poéticos de su naturaleza nativa. Entre ellos se incluyen Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (n. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (n. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (n. 1837), Lodewijk Apol (n. 1850) y muchos otros. etc. Herederos directos de Ya. D. Heyden y E. de Witte, aparecieron pintores de opiniones prometedoras, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gowe (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880), etc. Entre los pintores marinos más nuevos de Holanda, el La palma pertenece a Jog. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (n. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) y Henrik Mesdag (n. 1831). Finalmente, los animales se mostraron en pintura. arte grandioso Wouters Verschoor (1812-74) y Johann Gas (n. 1832).

Casarse. Van Eyden u. van der Willigen, “Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw” (4 volúmenes, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (tomos 2 y 3, 1882-1883); Waagen, “Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen” (1862); Bode, “Studien zur Geschichte der holländischen Malerei” (1883); Havard, "La pintura holandesa" (1880); E. Fromentin, “Les maîtres d’autrefois. Bélgica, Hollande" (1876); A. Bredius, “Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam” (1890); P. P. Semenov, “Bocetos sobre la historia pintura holandesa basado en sus muestras ubicadas en San Petersburgo”. (suplemento especial de la revista “Vestn. Fine Arts”, 1885-90).

Casi doscientos años después, en 1820, en este edificio se encontraba la Galería Real de Arte, una de las mejores colecciones de pintura holandesa de los siglos XV-XVII del mundo.

siglo XVII Se llama la "edad de oro" de la pintura holandesa (no debe confundirse con la "edad de oro" flamenca, que se refiere a las obras de los artistas de Flandes en el siglo XV, los llamados "primitivistas flamencos").

Todos los géneros de esta época de las bellas artes holandesas están representados de forma completa y variada en la galería: magníficos ejemplos de retratos, paisajes, naturalezas muertas, pinturas históricas y, finalmente, el principal descubrimiento de los maestros holandeses: escenas de género o escenas de la vida cotidiana. .

Parece que no hay un solo artista holandés importante cuya obra no esté representada en el Museo de La Haya. Aquí se encuentran los retratistas Anton van Dyck y Jacob van Kampen, y los maestros de la naturaleza muerta Willem van Elst y Balthasar van der Ast, famosos pintores de paisajes: Hendrik Averkamp con su famoso "Paisaje de invierno", Jan van Goyen y Salomon van Ruisdel y, por supuesto, , brillantes maestros escena de género Gerard ter Borch, Pieter de Hooch, Gerard Dou y otros.

Entre los muchos nombres famosos destacan cuatro de los más importantes del arte holandés. Se trata de Jan Steen, Frans Hals y dos de los mayores genios holandeses, Rembrandt van Rijn y Johannes Vermeer.
En esa época, el artista holandés a menudo dedicaba su arte a cualquier género favorito. Así son Sten y Hals. Durante toda su vida, estos artistas trabajaron cada uno en su propio campo: Sten desarrolló escena de genero Hals alcanzó la máxima habilidad en el retrato.

Hoy en día la obra de estos maestros se considera clásica en su género. En el museo se pueden ver "El niño que ríe" de Frans Hals y "El viejo canta - Los jóvenes cantan" de Jan Steen.
Ni Rembrandt ni Vermeer asociaron su trabajo con ningún género en particular. Ambos, aunque con diferente intensidad, trabajaron en una variedad de campos, desde el retrato hasta el paisaje, y en todas partes alcanzaron alturas inalcanzables, arrancando decisivamente a la pintura holandesa del estrecho marco del género.

Rembrandt está generosamente representado en los museos de su tierra natal. La diversidad de su patrimonio también se refleja en la exposición de La Haya. El museo exhibe tres cuadros del artista: “Simeón alabando a Cristo”, “La lección de anatomía del doctor Tulpa” y uno de los últimos autorretratos del gran maestro.
Vermeer, por el contrario, dejó muy pocas pinturas. Museos que poseen una o dos pinturas de este pintor misterioso se puede contar con una mano.

Sólo seis de sus obras maestras permanecen en la tierra natal del artista. Cuatro de ellos, la colección de Vermeer más grande del mundo, se conservan en el Riksmuseum de Ámsterdam. La Haya está legítimamente orgullosa de los otros dos. Esta es la famosa "Vista de Delft" - ciudad natal Vermeer y quizás su cuadro más famoso, que se convirtió en " tarjeta de visita" museo - "Niña con perla de azufre".
La colección de pinturas de los Países Bajos del siglo XVII es la principal riqueza del museo. Sin embargo, la exposición no se limita sólo a esto: la galería de La Haya está orgullosa de las creaciones de artistas de otra “edad de oro”: la flamenca. Alberga obras de maestros del siglo XV: “Lamentación de Cristo” de Rogier van der Weyden y “Retrato de un hombre” de Hans Memling.
La colección Moritzhaus se complementa con la Galería de Arte Príncipe Willem V. Este es cronológicamente el primer museo de arte de Holanda. Su exposición, antaño recopilada por el propio príncipe y reflejando su gusto, está dedicada a cuadro XVIII v.

Moritzhaus está abierto de martes a sábado de 10 a 17 horas. Los domingos y fines de semana, de 11 a 17 horas. Cerrado el lunes. Precio de la entrada 12,50 NLG. Niños de 7 a 18 años: 6,50 NLG.

La Galería Willem V está abierta todos los días de 11 am a 4 pm. Cerrado el lunes. El precio de la entrada es 2,50 NLG. Niños de 7 a 18 años: 1,50 NLG. La entrada a la Galería Willem V es gratuita previa presentación de una entrada Moritzhaus.

La Edad de Oro de la pintura holandesa es una de las épocas más destacadas de la historia de la pintura mundial. Se considera la Edad de Oro de la pintura holandesa siglo 17. Fue en esta época cuando los artistas y pintores más talentosos crearon sus obras inmortales. Sus pinturas todavía se consideran obras maestras insuperables, que se conservan en museos famosos de todo el mundo y se consideran un patrimonio invaluable de la humanidad.

En primer lugar siglo 17 En Holanda todavía florecía un arte bastante primitivo, justificado por los gustos y preferencias mundanos de los ricos y poderosos. Como resultado de cambios políticos, geopolíticos y religiosos, el arte holandés cambió dramáticamente. Si antes los artistas intentaban complacer a los burgueses holandeses, describiendo su vida y su estilo de vida, desprovistos de cualquier lenguaje elevado y poético, también trabajaban para la iglesia, que encargaba a los artistas trabajar en un género bastante primitivo con temas desgastados desde hacía mucho tiempo. Luego, el comienzo del siglo XVII fue un verdadero avance. En Holanda reinó el predominio de los protestantes, que prácticamente dejaron de encargar cuadros de temática religiosa a los artistas. Holanda se independizó de España y se afirmó en el podio histórico. Los artistas pasaron de temas previamente familiares a representar escenas cotidianas, retratos, paisajes, naturalezas muertas, etc. Aquí, en un nuevo campo, los artistas de la edad de oro parecían haber abierto un nuevo aliento y comenzaron a aparecer en el mundo verdaderos genios del arte.

Los artistas holandeses del siglo XVII pusieron de moda el realismo en la pintura. Impresionantes por su composición, realismo, profundidad y singularidad, las pinturas comenzaron a gozar de un enorme éxito. La demanda de pinturas aumentó considerablemente. Como resultado, comenzaron a aparecer cada vez más artistas nuevos, que a un ritmo sorprendentemente rápido desarrollaron los fundamentos de la pintura, desarrollaron nuevas técnicas, estilos y géneros. Algunos de los artistas más famosos del Siglo de Oro fueron: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel el Viejo, Esaias van de Velde, Frans Hals, Adrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck y muchos otros.

Pinturas de pintores holandeses.

Cornelis de Man - Manufactura de aceite de ballena

Cornelis Trost - Diversión en el parque

Ludolf Backhuizen - Muelle de campaña de las Indias Orientales en Amsterdam

Pieter Bruegel el Viejo - La catástrofe del alquimista

Rembrandt - Andríes de Graef

Los primeros años del siglo XVII se consideran el nacimiento de la escuela holandesa. Esta escuela pertenece a las grandes escuelas de pintura y es una escuela autónoma e independiente con características e identidad únicas e inimitables.

Esto tiene una explicación en gran medida histórica: surgieron simultáneamente un nuevo movimiento en el arte y un nuevo estado en el mapa de Europa.

Hasta el siglo XVII Holanda no destacó por la abundancia de artistas nacionales. Quizás por eso en el futuro en este país se podrán contar tantas un gran número de artistas, y específicamente artistas holandeses. Si bien este país era un solo estado con Flandes, fue principalmente en Flandes donde se crearon y desarrollaron intensamente los movimientos artísticos originales. En Flandes trabajaron pintores destacados como Van Eyck, Memling y Rogier van der Weyden, que no se encuentran en Holanda. A principios del siglo XVI sólo se pueden observar estallidos aislados de genialidad en la pintura; se trata del artista y grabador Lucas de Leiden, seguidor de la escuela de Brujas. Pero Lucas de Leiden no creó ninguna escuela. Lo mismo puede decirse del pintor Dirk Bouts de Haarlem, cuyas creaciones apenas destacan en el contexto del estilo y la manera de los orígenes de la escuela flamenca, de los artistas Mostaert, Skorel y Heemskerke, quienes, a pesar de toda su importancia, No son talentos individuales que los caractericen con su originalidad país.

Luego, la influencia italiana se extendió a todos los que crearon con el pincel, desde Amberes hasta Haarlem. Ésta fue una de las razones por las que las fronteras se difuminaron, las escuelas se mezclaron y los artistas perdieron su identidad nacional. No sobrevivió ni un solo alumno de Jan Skorel. El último, el más famoso, el más grande retratista, que junto con Rembrandt es el orgullo de Holanda, un artista dotado de un talento poderoso, excelentemente educado, de estilo variado, valiente y flexible por naturaleza, un cosmopolita que lo ha perdido todo. Hay rastros de su origen e incluso de su nombre: Antonis Moreau (fue el pintor oficial del rey español) murió después de 1588.

Los pintores supervivientes casi dejaron de ser holandeses en el espíritu de su obra; carecían de la organización y la capacidad para renovar la escuela nacional. Eran representantes del manierismo holandés: el grabador Hendrik Goltzius, Cornelis de Haarlem, que imitaba a Miguel Ángel, Abraham Bloemaert, seguidor de Correggio, Michiel Mierevelt, buen retratista, hábil, preciso, lacónico, un poco frío, moderno para su época. , pero no nacional. Curiosamente, él solo no sucumbió a la influencia italiana, que subyugó la mayoría de las manifestaciones en la pintura holandesa de esa época.

A finales del siglo XVI, cuando los retratistas ya habían creado una escuela, comenzaron a aparecer y formarse otros artistas. En la segunda mitad del siglo XVI nacieron un gran número de pintores que se convirtieron en un fenómeno en la pintura; esto fue casi el despertar de la escuela nacional holandesa; La gran variedad de talentos conduce a muchas direcciones y caminos diferentes para el desarrollo de la pintura. Los artistas se prueban en todos los géneros, en diferentes combinaciones de colores: algunos trabajan de manera clara, otros de manera oscura (aquí se sintió la influencia del artista italiano Caravaggio). Los pintores apuestan por los colores claros, y los coloristas por los colores oscuros. Comienza la búsqueda de una manera pictórica y se desarrollan reglas para representar el claroscuro. La paleta se vuelve más relajada y libre, al igual que las líneas y la plasticidad de la imagen. Aparecen los predecesores directos de Rembrandt: sus maestros Jan Pace y Peter Lastman. Los métodos de género también son cada vez más libres: la historicidad ya no es tan obligatoria como antes. Se está creando un género especial, profundamente nacional y casi histórico: retratos de grupo destinados a lugares públicos: ayuntamientos, corporaciones, talleres y comunidades. Con este acontecimiento, el más perfecto en su forma, finaliza el siglo XVI y comienza el XVII.

Esto es sólo el comienzo, el embrión de la escuela aún no existe; Hay muchos artistas talentosos. Entre ellos se encuentran hábiles artesanos y varios grandes pintores. Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape el Viejo y, finalmente, Esayas van de Velde y van Goyen: todos ellos nacieron a finales del siglo XVI. siglo. Esta lista también incluye artistas cuyos nombres han sido preservados por la historia, aquellos que representaron solo intentos individuales de alcanzar la maestría y aquellos que se convirtieron en maestros y predecesores de futuros maestros.

Este fue un momento crítico en el desarrollo de la pintura holandesa. Con un equilibrio político inestable, todo dependía sólo del azar. En Flandes, donde se observó un despertar similar, por el contrario, ya existía una sensación de confianza y estabilidad que aún no existía en Holanda. En Flandes ya había artistas que se habían formado o estaban cerca de esto. Las condiciones políticas y sociohistóricas en este país eran más favorables. Había un gobierno, unas tradiciones y una sociedad más flexibles y tolerantes. La necesidad de lujo dio lugar a una necesidad persistente de arte. En general, Flandes tenía serios motivos para convertirse por segunda vez en un gran centro de arte. Para ello sólo faltaban dos cosas: varios años de paz y un maestro que sería el creador de la escuela.

En 1609, cuando se estaba decidiendo el destino de Holanda (Felipe III acordó una tregua entre España y los Países Bajos), apareció Rubens.

Todo dependía del azar político o militar. Derrotada y subyugada, Holanda tendría que perder completamente su independencia. Entonces, por supuesto, no podría haber dos escuelas independientes: en Holanda y en Flandes. En un país dependiente de la influencia italo-flamenca, tal escuela y artistas originales talentosos no podrían desarrollarse.

Para que naciera el pueblo holandés y para que el arte holandés viera la luz con ellos, era necesaria una revolución profunda y victoriosa. Era especialmente importante que la revolución se basara en la justicia, la razón, la necesidad, que el pueblo mereciera lo que quería lograr, que fuera decidido, convencido de que tenía razón, trabajador, paciente, comedido, heroico y sabio. Todas estas características históricas se reflejaron posteriormente durante la formación de la escuela de pintura holandesa.

La situación resultó ser tal que la guerra no arruinó a los holandeses, sino que los enriqueció; la lucha por la independencia no agotó sus fuerzas, sino que los fortaleció e inspiró; En la victoria sobre los invasores, el pueblo mostró el mismo coraje que en la lucha contra los elementos, contra el mar, contra las inundaciones de tierras, contra el clima. Lo que se suponía que destruiría al pueblo les sirvió de mucho. Los tratados firmados con España dieron libertad a Holanda y fortalecieron su posición. Todo esto condujo a la creación de su propio arte, que glorificó, espiritualizó y expresó la esencia interior del pueblo holandés.

Después del tratado de 1609 y el reconocimiento oficial de las Provincias Unidas, hubo una pausa inmediata. Era como si una brisa cálida y benéfica tocara las almas humanas, reviviera la tierra, encontrara y despertara brotes listos para florecer. Es sorprendente cómo inesperadamente y en qué corto período de tiempo -no más de treinta años-, en un pequeño espacio, en un suelo desértico ingrato, en duras condiciones de vida, apareció una maravillosa galaxia de pintores, y grandes pintores, además.

Aparecieron inmediatamente y en todas partes: en Amsterdam, Dordrecht, Leiden, Delft, Utrecht, Rotterdam, Haarlem, incluso en el extranjero, como si provinieran de semillas que cayeron fuera del campo. Los más antiguos son Jan van Goyen y Wijnants, nacidos a principios de siglo. Y además, en el intervalo comprendido entre principios de siglo y finales del primer tercio: Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen. , Jacob Ruisdaël.

Pero la creatividad no se detuvo ahí. Luego nació Pieter de Hooch, Hobbema. Los últimos grandes, van der Heyden y Adrian van de Velde, nacieron en 1636 y 1637. En ese momento, Rembrandt tenía treinta años. Aproximadamente estos años pueden considerarse la época del primer florecimiento de la escuela holandesa.

Teniendo en cuenta los acontecimientos históricos de esa época, uno puede imaginar cuáles deberían ser las aspiraciones, el carácter y el destino de la nueva escuela de pintura. ¿Qué podrían escribir estos artistas en un país como Holanda?

La revolución, que dio al pueblo holandés libertad y riqueza, al mismo tiempo los privó de lo que constituye la base vital de las grandes escuelas en todas partes. Cambió creencias, cambió hábitos, abolió imágenes de escenas antiguas y evangélicas y detuvo la creación de grandes obras: iglesias y pinturas decorativas. De hecho, cada artista tenía una alternativa: ser original o no serlo en absoluto.

Era necesario crear arte para una nación de burgueses que les atrajera, los representara y fuera relevante para ellos. Eran hombres de negocios prácticos, no propensos a soñar despiertos, con tradiciones rotas y sentimientos antiitalianos. Podemos decir que los holandeses tenían una tarea simple y audaz: crear su propio retrato.

La pintura holandesa era y sólo podía ser una expresión de la apariencia exterior, un retrato fiel, fiel y similar de Holanda. Era un retrato de personas y terrenos, costumbres burguesas, plazas, calles, campos, mar y cielo. Los elementos principales de la escuela holandesa fueron los retratos, los paisajes y las escenas cotidianas. Así fue esta pintura desde el inicio de su existencia hasta su decadencia.

Puede parecer que nada puede ser más sencillo que el descubrimiento de este arte ordinario. De hecho, es imposible imaginar algo igual en amplitud y novedad.

Inmediatamente todo cambió en la manera de entender, ver y transmitir: punto de vista, ideal artístico, elección de naturaleza, estilo y método. italiano y pintura flamenca En sus mejores manifestaciones todavía nos resultan comprensibles, porque todavía se disfrutan, pero ya son lenguas muertas y ya nadie las utilizará.

Hubo un tiempo en que existía la costumbre de pensar con altivez y en general había un arte que consistía en la hábil selección de los objetos. En su decoración, corrección. Le encantaba mostrar la naturaleza como no existe en la realidad. Todo lo representado correspondía más o menos a la personalidad de la persona, dependía de ella y era su semejanza. Como resultado, surgió un arte en el que el hombre está en el centro, y todas las demás imágenes del universo estaban encarnadas en formas humanas o se mostraban vagamente como un entorno secundario del hombre. La creatividad se desarrolló según ciertos patrones. Cada objeto tuvo que tomar prestada su forma plástica del mismo ideal. El hombre tenía que ser representado más a menudo desnudo que vestido, bien formado y guapo, para que pudiera desempeñar con la grandeza adecuada el papel que se le había asignado.

Ahora la tarea de pintar se ha vuelto más sencilla. Era necesario dar a cada cosa o fenómeno su verdadero significado, colocar a una persona en su lugar y, si fuera necesario, prescindir de ella por completo.

Es hora de pensar menos, mirar con atención lo más cercano, observar mejor y escribir de otra manera. Éste es el retrato de la multitud, del ciudadano, del trabajador. Era necesario volverse modesto para todo modesto, pequeño para lo pequeño, discreto para lo discreto, aceptarlo todo sin rechazar ni despreciar nada, penetrar en la vida oculta de las cosas, fusionándose amorosamente con su existencia, era necesario volverse atento. , curioso y paciente. La genialidad consiste ahora en no tener prejuicios. No hay necesidad de embellecer, ni ennoblecer, ni exponer nada: todo esto es mentira y trabajo inútil.

Los pintores holandeses, al crear en algún rincón del país del norte con agua, bosques, horizontes marinos, lograron reflejar todo el universo en miniatura. Un pequeño país, cuidadosamente explorado según los gustos e instintos del observador, se convierte en un tesoro inagotable, tan abundante como la vida misma, tan rico en sensaciones como rico en ellas es el corazón humano. La escuela holandesa lleva un siglo creciendo y funcionando así.

Los pintores holandeses encontraron temas y colores que satisfacían todas las inclinaciones y afectos humanos, para naturalezas ásperas y delicadas, ardientes y melancólicas, soñadoras y alegres. Los días nublados dan paso a alegres días soleados, el mar a veces está en calma y brilla con plata, a veces tormentoso y sombrío. Hay muchos pastos con granjas y muchos barcos abarrotados a lo largo de la costa. Y casi siempre se siente el movimiento del aire sobre las extensiones y los fuertes vientos del Mar del Norte, que acumulan nubes, doblan árboles, hacen girar las alas de los molinos y generan luces y sombras. A esto hay que sumarle las ciudades, el hogar y vida de calle, festividades en ferias, representaciones de diversas costumbres, las necesidades de los pobres, los horrores del invierno, la ociosidad en las tabernas con su humo de tabaco y sus jarras de cerveza. Por otro lado, un estilo de vida rico, trabajo concienzudo, cabalgatas, descanso vespertino, caza. Además, vida pública, ceremonias civiles, banquetes. El resultado fue un arte nuevo, pero con temas tan antiguos como el tiempo.

Así surgió una unidad armoniosa del espíritu de la escuela y la diversidad más asombrosa que jamás haya surgido dentro de un solo movimiento artístico.

En general, la escuela holandesa se llama escuela de género. Si lo descomponemos en los elementos que lo componen, podemos distinguir en él a paisajistas, maestros del retrato de grupo, pintores marinos, pintores de animales, artistas que pintaron retratos de grupo o naturalezas muertas. Si miras con más detalle, puedes distinguir muchos y variedades de genero- desde los amantes del pintoresquismo hasta los ideólogos, desde los copistas de la naturaleza hasta sus intérpretes, desde los hogareños conservadores hasta los viajeros, desde los que aman y sienten el humor hasta los artistas que evitan la comedia. Recordemos las pinturas del humor de Ostade y la seriedad de Ruisdael, la ecuanimidad de Potter y la burla de Jan Steen, el ingenio de Van de Velde y la sombría ensoñación del gran Rembrandt.

Con la excepción de Rembrandt, que debe considerarse un fenómeno excepcional, tanto para su país como para todos los tiempos, todos los demás artistas holandeses se caracterizan por un estilo y un método determinados. Las leyes de este estilo son la sinceridad, la accesibilidad, la naturalidad y la expresividad. Si se le quita al arte holandés lo que se puede llamar honestidad, dejará de comprender su base vital y no podrá determinar ni su carácter moral ni su estilo. En estos artistas, que en su mayoría se han ganado la reputación de copistas miopes, se siente un alma sublime y bondadosa, lealtad a la verdad y amor por el realismo. Todo ello confiere a sus obras un valor que las propias cosas representadas en ellas no parecen tener.

El comienzo de este estilo sincero y el primer resultado de este enfoque honesto es un dibujo perfecto. Entre los pintores holandeses, Potter es una manifestación de genio en medidas precisas y verificadas y en la capacidad de rastrear el movimiento de cada línea.

En Holanda, el cielo suele ocupar la mitad y, a veces, la totalidad de la imagen. Por lo tanto, es necesario que el cielo de la imagen se mueva, nos atraiga y nos lleve consigo. Para que se sienta la diferencia entre el día, la tarde y la noche, para que se sienta el calor y el frío, para que el espectador sienta frío y lo disfrute y sienta la necesidad de concentrarse. Aunque probablemente sea difícil llamar a un dibujo así el más noble de todos, trate de encontrar artistas en el mundo que pintarían el cielo, como Ruisdael y van der Neer, y dirían tanto y tan brillantemente con su trabajo. En todas partes los holandeses tienen el mismo diseño: sobrio, lacónico, preciso, natural e ingenuo, hábil y nada artificial.

La paleta holandesa es bastante digna de su dibujo, de ahí la perfecta unidad de su método pictórico. Cualquier pintura holandesa se puede reconocer fácilmente por apariencia. Es de tamaño pequeño y se distingue por sus colores potentes y estrictos. Esto requiere gran precisión, mano firme y profunda concentración por parte del artista para lograr un efecto concentrado en el espectador. El artista debe profundizar en sí mismo para nutrir su idea, el espectador debe profundizar en sí mismo para comprender el plan del artista. Son las pinturas holandesas las que dan la idea más clara de este proceso oculto y eterno: sentir, pensar y expresar. No hay imagen en el mundo más saturada, ya que son los holandeses quienes incluyen tales gran contenido en un espacio tan pequeño. Por eso todo aquí adquiere una forma precisa, comprimida y condensada.

Cada pintura holandesa es cóncava, se compone de curvas descritas alrededor de un solo punto, que es la encarnación del concepto de la imagen y sombras ubicadas alrededor del punto de luz principal. Una base sólida, una parte superior y esquinas redondeadas que tienden hacia el centro: todo esto está delineado, coloreado e iluminado en un círculo. Como resultado, la pintura adquiere profundidad y los objetos representados en ella se alejan de los ojos del espectador. El espectador es, por así decirlo, conducido desde el primer plano hasta el último, desde el encuadre hasta el horizonte. Parecemos habitar el cuadro, movernos, mirar profundamente, levantar la cabeza para medir la profundidad del cielo. El rigor de la perspectiva aérea, la perfecta correspondencia de color y matices con el lugar en el espacio que ocupa el objeto.

Para una comprensión más completa de la pintura holandesa, conviene considerar en detalle los elementos de este movimiento, las características de los métodos, la naturaleza de la paleta y comprender por qué es tan pobre, casi monocromática y tan rica en resultados. Pero todas estas cuestiones, como muchas otras, siempre han sido objeto de especulación por parte de muchos historiadores del arte, pero nunca han sido suficientemente estudiadas y aclaradas. La descripción de las principales características del arte holandés nos permite distinguir esta escuela de otras y rastrear sus orígenes. Una imagen expresiva que ilustra esta escuela es una pintura de Adriaen van Ostade del "Artist's Atelier" del Museo de Ámsterdam. Este tema era uno de los favoritos de los pintores holandeses. Vemos a un hombre atento, ligeramente encorvado, con una paleta preparada, pinceles finos y limpios y óleo transparente. Escribe en el crepúsculo. Su rostro está concentrado, su mano es cuidadosa. Sólo que, tal vez, estos pintores eran más atrevidos y sabían reír más despreocupadamente y disfrutar de la vida de lo que se puede deducir de las imágenes conservadas. De lo contrario, ¿cómo se manifestaría su genio en una atmósfera de tradiciones profesionales?

Las bases de la escuela holandesa las sentaron van Goyen y Wijnants a principios del siglo XVII, estableciendo algunas leyes de la pintura. Estas leyes se transmitieron de profesores a alumnos y durante todo un siglo los pintores holandeses las vivieron sin desviarse.

Pintura manierista holandesa

Holanda. siglo 17 El país está experimentando una prosperidad sin precedentes. La llamada "Edad de Oro". A finales del siglo XVI varias provincias del país lograron la independencia de España.

Ahora los Países Bajos protestantes han seguido su propio camino. Y la católica Flandes (actual Bélgica) bajo el ala de España es la suya.

En la Holanda independiente casi nadie necesitaba pintura religiosa. La Iglesia protestante no aprobaba la decoración lujosa. Pero esta circunstancia "le hizo el juego" a la pintura secular.

Literalmente, cada habitante del nuevo país despertó el amor por este tipo de arte. Los holandeses querían ver sus propias vidas en las pinturas. Y los artistas los encontraron de buen grado a mitad de camino.

Nunca antes se había representado tanto la realidad circundante. Gente corriente, habitaciones corrientes y el desayuno más corriente de un habitante de la ciudad.

El realismo floreció. Hasta el siglo XX será un digno competidor del academicismo con sus ninfas y diosas griegas.

Estos artistas se llaman holandeses "pequeños". ¿Por qué? Las pinturas eran de tamaño pequeño, porque fueron creadas para casas pequeñas. Así, casi todas las pinturas de Jan Vermeer no miden más de medio metro de altura.

Pero me gusta más la otra versión. En los Países Bajos del siglo XVII vivía y trabajaba un gran maestro, el “gran” holandés. Y todos los demás eran “pequeños” en comparación con él.

Estamos hablando, por supuesto, de Rembrandt. Empecemos por él.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autorretrato a los 63 años. 1669 Galería Nacional de Londres

Rembrandt experimentó una amplia gama de emociones a lo largo de su vida. Por eso hay tanta diversión y valentía en sus primeros trabajos. Y hay tantos sentimientos complejos, en los últimos.

Aquí aparece joven y despreocupado en el cuadro “El hijo pródigo en la taberna”. De rodillas está su amada esposa Saskia. Es un artista popular. Los pedidos están llegando a raudales.

Rembrandt. El hijo pródigo en una taberna. 1635 Galería de los Antiguos Maestros, Dresde

Pero todo esto desaparecerá en unos 10 años. Saskia morirá de tisis. La popularidad desaparecerá como el humo. Se quitará una casa grande con una colección única por deudas.

Pero aparecerá el mismo Rembrandt que permanecerá durante siglos. Los desnudos sentimientos de los héroes. Sus pensamientos más profundos.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Auto retrato. 1650 Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

Frans Hals es uno de los más grandes retratistas de todos los tiempos. Por tanto, también lo clasificaría como un “gran” holandés.

En Holanda en aquella época era costumbre encargar retratos de grupo. Así aparecieron muchas obras similares que representaban a personas trabajando juntas: tiradores de un gremio, médicos de una ciudad, administradores de una residencia de ancianos.

En este género, Hals es el que más destaca. Después de todo, la mayoría de estos retratos parecían una baraja de cartas. La gente se sienta a la mesa con la misma expresión facial y simplemente mira. Para Hals fue diferente.

Mire su retrato de grupo “Flechas del Gremio de St. Jorge."

Frans Hals. Flechas del Gremio de St. Jorge. 1627 Museo Frans Hals, Haarlem, Países Bajos

Aquí no encontrarás una sola repetición en pose o expresión facial. Al mismo tiempo, aquí no hay caos. Hay muchos personajes, pero ninguno parece superfluo. Gracias a la disposición sorprendentemente correcta de las figuras.

E incluso en un solo retrato, Hals superó a muchos artistas. Sus patrones son naturales. Las personas de la alta sociedad en sus pinturas carecen de grandeza artificial y los modelos de las clases bajas no parecen humillados.

Y sus personajes también son muy emotivos: sonríen, ríen y gesticulan. Como, por ejemplo, este “Gitano” de mirada pícara.

Frans Hals. Gitano. 1625-1630

Hals, al igual que Rembrandt, acabó su vida en la pobreza. Por la misma razón. Su realismo iba en contra de los gustos de sus clientes. ¿Quién quería embellecer su apariencia? Hals no aceptó los halagos directos y, por lo tanto, firmó su propia frase: "Oblivion".

3. Gérard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Auto retrato. 1668 Galería Real Mauritshuis, La Haya, Países Bajos

Terborkh fue un maestro del género cotidiano. Los burgueses ricos y no tan ricos conversan tranquilamente, las damas leen cartas y una alcahueta observa el cortejo. Dos o tres figuras muy juntas.

Fue este maestro quien desarrolló los cánones del género cotidiano. Que más tarde tomarían prestado Jan Vermeer, Pieter de Hooch y muchos otros “pequeños” holandeses.

Gerard Terborch. Un vaso de limonada. Década de 1660. Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo

"Un vaso de limonada" es una de las obras famosas de Terborch. Muestra otra ventaja del artista. Imagen increíblemente realista de la tela del vestido.

Terborch también tiene obras inusuales. Lo que dice mucho de su deseo de ir más allá de las necesidades del cliente.

Su "The Grinder" muestra la vida de los más pobres de Holanda. Estamos acostumbrados a ver patios acogedores y habitaciones limpias en las pinturas de los “pequeños” holandeses. Pero Terborch se atrevió a mostrar la desagradable Holanda.

Gerard Terborch. Amoladora. 1653-1655 Museos estatales de Berlín

Como comprenderá, ese trabajo no tenía demanda. Y son algo raro incluso entre Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Taller del artista. 1666-1667 Museo Kunsthistorisches de Viena

No se sabe con certeza cómo era Jan Vermeer. Es evidente que en el cuadro “El taller del artista” se representó a sí mismo. La verdad desde atrás.

Por eso sorprende que recientemente se haya conocido un nuevo dato de la vida del maestro. Está relacionado con su obra maestra "Delft Street".

Jan Vermeer. Calle Delft. 1657 Rijksmuseum de Ámsterdam

Resultó que Vermeer pasó su infancia en esta calle. La casa de la foto pertenecía a su tía. Allí crió a sus cinco hijos. Quizás esté sentada en el umbral de la puerta cosiendo mientras sus dos hijos juegan en la acera. El propio Vermeer vivía en la casa de enfrente.

Pero más a menudo representó el interior de estas casas y sus habitantes. Parecería que las tramas de las pinturas son muy sencillas. Aquí hay una bella dama, una rica habitante de la ciudad, comprobando el funcionamiento de su báscula.

Jan Vermeer. Mujer con escamas. 1662-1663 Galería Nacional de Arte, Washington

¿Por qué Vermeer se destacó entre miles de otros “pequeños” holandeses?

Era un maestro de la luz insuperable. En el cuadro “Mujer con escamas”, la luz envuelve suavemente el rostro, las telas y las paredes de la heroína. Dándole a la imagen una espiritualidad desconocida.

Y las composiciones de las pinturas de Vermeer están cuidadosamente verificadas. No encontrarás ni un solo detalle innecesario. Basta con quitar uno de ellos, la imagen “se desmoronará” y la magia desaparecerá.

Todo esto no fue fácil para Vermeer. Una calidad tan asombrosa requirió un trabajo minucioso. Sólo 2-3 pinturas al año. Como resultado, la incapacidad de alimentar a la familia. Vermeer también trabajó como marchante de arte, vendiendo obras de otros artistas.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pieter de Hooch. Auto retrato. 1648-1649 Rijksmuseum, Ámsterdam

A menudo se compara a Hoch con Vermeer. Trabajaron al mismo tiempo, incluso hubo un período en la misma ciudad. Y en un género: todos los días. En Hoch también vemos una o dos figuras en acogedores patios o habitaciones holandesas.

Las puertas y ventanas abiertas hacen que el espacio de sus pinturas sea entretenido y en capas. Y las figuras encajan muy armoniosamente en este espacio. Como, por ejemplo, en su cuadro “La criada con una muchacha en el patio”.

Pieter de Hooch. Una criada con una chica en el patio. 1658 Galería Nacional de Londres

Hasta el siglo XX, Hoch fue muy valorado. Pero pocas personas notaron las pequeñas obras de su competidor Vermeer.

Pero en el siglo XX todo cambió. La gloria de Hoch se desvaneció. Sin embargo, es difícil no reconocer sus logros en la pintura. Pocas personas podrían combinar de manera tan competente el medio ambiente y las personas.

Pieter de Hooch. Jugadores de cartas en una habitación soleada. 1658 Colección Real de Arte, Londres

Tenga en cuenta que en una casa modesta sobre el lienzo "Jugadores de cartas" hay un cuadro colgado en un marco caro.

Esto demuestra una vez más lo popular que era la pintura entre los holandeses comunes y corrientes. Las pinturas decoraban todos los hogares: la casa de un burgués rico, un habitante modesto de la ciudad e incluso un campesino.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Steen. Autorretrato con laúd. Década de 1670 Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen es quizás el “pequeño” holandés más alegre. Pero amar la enseñanza moral. A menudo representaba tabernas o casas pobres en las que existía el vicio.

Sus personajes principales son juerguistas y damas de fácil virtud. Quería entretener al espectador, pero advertirle de forma latente contra una vida viciosa.

Jan Steen. Es un desastre. 1663 Museo Kunsthistorisches, Viena

Sten también tiene obras más tranquilas. Como, por ejemplo, "Baño de la mañana". Pero también aquí el artista sorprende al espectador con detalles demasiado reveladores. Hay restos de elástico de media y ni un orinal vacío. Y de alguna manera no es nada apropiado que el perro esté acostado sobre la almohada.

Jan Steen. Aseo matutino. 1661-1665 Rijksmuseum, Ámsterdam

Pero a pesar de toda la frivolidad, los esquemas de color de Sten son muy profesionales. En esto fue superior a muchos "pequeños holandeses". Mira lo perfectamente que combina la media roja con la chaqueta azul y la alfombra beige brillante.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Retrato de Ruisdaël. Litografía de un libro del siglo XIX.

Pintura holandesa, en bellas artes.

pintura holandesa, su surgimiento y período inicial se fusionan hasta tal punto con las primeras etapas del desarrollo de la pintura flamenca que los últimos historiadores del arte consideran que ambos abarcan todo el tiempo hasta finales del siglo XVI. inseparablemente, bajo el nombre general de “escuela holandesa”.

Ambos, descendientes de la rama del Rin, son mudos. la pintura, cuyos principales representantes son Guillermo de Colonia y Stefan Lochner, consideran a los hermanos van Eyck sus fundadores; Ambos caminan en la misma dirección desde hace mucho tiempo, están animados por los mismos ideales, persiguen las mismas tareas, desarrollan la misma técnica, de modo que los artistas holandeses no se diferencian de sus hermanos flamencos y brabantes.

Esto continúa durante todo el gobierno del país, primero por la casa de Borgoña y luego por la de Austria, hasta que estalla una revolución brutal que termina con el triunfo total del pueblo holandés sobre los españoles que los oprimieron. A partir de esta época, cada una de las dos ramas del arte holandés comienza a moverse por separado, aunque en ocasiones llegan a entrar en contacto muy estrecho entre sí.

La pintura holandesa adquiere inmediatamente un carácter original, completamente nacional, y rápidamente alcanza un florecimiento brillante y abundante. Las razones de este fenómeno, que difícilmente se puede encontrar en toda la historia del arte, se encuentran en circunstancias topográficas, religiosas, políticas y sociales.

En este “país bajo” (hol land), formado por pantanos, islas y penínsulas, constantemente arrastrado por el mar y amenazado por sus incursiones, la población, tan pronto como se liberó del yugo extranjero, tuvo que crear todo de nuevo, empezando por las condiciones físicas del suelo y terminando por las condiciones morales e intelectuales, porque todo fue destruido por la lucha anterior por la independencia. Gracias a su iniciativa, sentido práctico y trabajo persistente, los holandeses lograron transformar los pantanos en campos fructíferos y pastos lujosos, conquistar vastas extensiones de tierra del mar y adquirir bienestar material y importancia política externa. El logro de estos resultados se vio facilitado en gran medida por la forma de gobierno federal-republicana establecida en el país y el principio sabiamente implementado de libertad de pensamiento y creencias religiosas.

Como por milagro, en todas partes, en todos los ámbitos del trabajo humano, de repente comenzó a hervir una actividad ardiente con un espíritu nuevo, original y puramente popular, entre otras cosas en el campo del arte. De las ramas de este último, en Holanda, uno tuvo suerte principalmente en una: la pintura, que aquí, en las obras de muchos artistas más o menos talentosos que aparecieron casi simultáneamente, tomó una dirección muy versátil y al mismo tiempo tiempo completamente diferente de la dirección del arte en otros países. El principal rasgo que caracteriza a estos artistas es su amor por la naturaleza, el deseo de reproducirla en toda su sencillez y verdad, sin el más mínimo adorno, sin subsumirla bajo ninguna condición de un ideal preconcebido. La segunda propiedad distintiva de Goll. Los pintores se componen de un sutil sentido del color y de la comprensión de que una impresión fuerte y encantadora puede producirse, además del contenido de la imagen, sólo mediante la transmisión fiel y poderosa de relaciones cromáticas determinadas en la naturaleza por la acción de la luz. rayos, proximidad o rango de distancias.

Entre los mejores representantes de la pintura holandesa, este sentido del color y de las luces y las sombras está desarrollado hasta tal punto que la luz, con sus innumerables y variados matices, juega en el cuadro, podría decirse, el papel de protagonista e imparte un alto interés por la trama más insignificante, las formas e imágenes más poco elegantes. Entonces cabe señalar que la mayoría de los Goll. Los artistas no realizan largas búsquedas de material para su creatividad, sino que se contentan con lo que encuentran a su alrededor, en su naturaleza nativa y en la vida de su gente. Los rasgos típicos de compatriotas distinguidos, los rostros de los holandeses y holandesas corrientes, la ruidosa diversión de las fiestas comunes, las fiestas campesinas, escenas de la vida rural o de la vida íntima de la gente de la ciudad, dunas nativas, pólderes y vastas llanuras atravesadas por canales, rebaños pastando en ricos prados, cabañas enclavadas al borde de hayedos o robledales, pueblos a orillas de ríos, lagos y bosques, ciudades con sus casas limpias, puentes levadizos y altas agujas de iglesias y ayuntamientos, puertos atestados de barcos, un cielo lleno de vapores plateados o dorados: todo esto, bajo el pincel de maestros holandeses imbuidos de amor por la patria y orgullo nacional, se convierte en pinturas llenas de aire, luz y atractivo.

Incluso en los casos en que algunos de estos maestros recurren a la Biblia, la historia antigua y la mitología como temas, incluso entonces, sin preocuparse por mantener la fidelidad arqueológica, trasladan la acción al entorno de los holandeses, rodeándola de un ambiente holandés. Es cierto que, junto a la multitud de artistas patrióticos, hay una falange de otros pintores que buscan inspiración fuera de las fronteras de su patria, en el país clásico del arte, Italia; sin embargo, en sus obras también hay rasgos que exponen su nacionalidad.

Finalmente, como característica de los pintores holandeses se puede señalar su renuncia a las tradiciones artísticas. Sería en vano buscar entre ellos una estricta continuidad de principios estéticos y reglas técnicas bien conocidos, no sólo en el sentido del estilo académico, sino también en el sentido de la asimilación por parte de los estudiantes del carácter de sus profesores: con Con la única excepción, quizás, de los alumnos de Rembrandt, que siguieron más o menos de cerca los pasos de su genial mentor, casi todos los pintores en Holanda, tan pronto como pasaron sus años de estudiante, y a veces incluso durante estos años, comenzaron a trabajar en a su manera, según adónde los conducía su inclinación individual y lo que les enseñaba la observación directa de la naturaleza.

Por tanto, los artistas holandeses no pueden dividirse en escuelas, como hacemos con los artistas de Italia o España; es difícil incluso componer grupos estrictamente definidos a partir de ellos, y la misma expresión "escuela de pintura holandesa", que se ha generalizado, debe tomarse sólo en un sentido condicional, como que denota una colección de maestros tribales, pero no una escuela real. Mientras tanto, en todas las principales ciudades de Holanda existían sociedades organizadas de artistas que, al parecer, deberían haber influido en la comunicación de sus actividades en una dirección general. Sin embargo, tales sociedades, que llevan el nombre de gremios de St. Lucas, si contribuyó a ello, lo hizo de forma muy moderada. No se trataba de academias, guardianas de conocidas tradiciones artísticas, sino de corporaciones libres, similares a otros gremios artesanales e industriales, no muy diferentes de ellos en términos de estructura y orientadas al apoyo mutuo de sus miembros, la protección de sus derechos, el cuidado. para su vejez, cuidar de la suerte de sus viudas y huérfanos.

Todo pintor local que cumpliera con los requisitos de las calificaciones morales era admitido en el gremio previa confirmación de sus habilidades y conocimientos o sobre la base de la fama que ya había adquirido; Los artistas visitantes eran admitidos en el gremio como miembros temporales durante su estancia en una ciudad determinada. Los pertenecientes al gremio se reunían para discutir, bajo la presidencia de los decanos, sus asuntos comunes o para el mutuo intercambio de pensamientos; pero en estas reuniones no había nada que se pareciera a la prédica de una determinada dirección artística y que pudiera tender a coartar la originalidad de alguno de los integrantes.

Estas características de la pintura holandesa se notan ya en sus inicios, en una época en la que se desarrolló inseparablemente de la escuela flamenca. Su vocación, como la de esta última, era entonces principalmente decorar iglesias con pinturas religiosas, palacios, ayuntamientos y casas nobles con retratos de funcionarios gubernamentales y aristócratas. Desafortunadamente, las obras de los pintores holandeses primitivos han llegado hasta nosotros sólo en cantidades muy limitadas, ya que la mayoría de ellos perecieron durante esa época turbulenta en la que la Reforma devastó iglesias católicas, abolió monasterios y abadías e incitó a los "romptores de iconos" (beeldstormers) a destruir el pintó y esculpió imágenes sagradas, y el levantamiento popular destruyó por todas partes los retratos de los odiados tiranos. A muchos de los artistas que precedieron a la revolución sólo los conocemos por su nombre; Podemos juzgar a los demás sólo por una o dos muestras de su trabajo. Así, sobre el más antiguo de los pintores holandeses, Albert van Ouwater, no hay datos positivos, salvo la información de que fue contemporáneo de los van Eyck y trabajó en Harlem; No hay pinturas confiables de él. Su alumno Gertjen van Sint-Jan es conocido sólo por dos paneles de un tríptico (“San Sepulcro” y “Leyenda de los huesos de San Juan”), que escribió para la Catedral de Harlem, almacenado en la Galería de Viena. La niebla que nos envuelve en la época inicial de la escuela G. comienza a disiparse con la aparición en escena de Dirk Bouts, apodado Stuerboat († 1475), originario de Haarlem, pero que trabajó en Lovaina y, por tanto, es considerado por muchos como formar parte de la escuela flamenca (sus mejores obras son dos cuadros “El proceso injusto del emperador Otón”, que se encuentran en el Museo de Bruselas), así como Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), cuyo principal mérito es que fue maestro de el famoso Lucas de Leiden (1494-1533). Este último, artista polifacético, trabajador y de gran talento, supo, como nadie antes, reproducir fielmente todo lo que llamaba su atención, por lo que puede ser considerado el verdadero padre del género holandés, aunque tuvo que pintar principalmente temas religiosos. pinturas y retratos. En las obras de su contemporáneo Jan Mostaert (hacia 1470-1556), el deseo de naturalismo se combina con un toque de tradición gótica, la calidez del sentimiento religioso con una preocupación por la elegancia exterior.

Además de estos destacados maestros, de la primera época del arte holandés merecen mencionarse: Hieronymus van Aken, apodado Hieronymus de Bosch (c. 1462-1516), que sentó las bases de la pintura satírica cotidiana con sus complejas e intrincadas pinturas. y en ocasiones composiciones sumamente extrañas; Jan Mundain († 1520), famoso en Harlem por sus representaciones de diabluras y bufonadas; Peter Aertsen († 1516), apodado “Long Peter” (Lange Pier) por su gran estatura, David Ioris (1501-56), un hábil pintor de vidrio, dejado llevar por los desvaríos anabautistas y imaginándose como el profeta David y el hijo de Dios, Jacob Swarts (1469? - ¿1535?), Jacob Cornelissen (1480? - más tarde 1533) y su hijo Dirk Jacobs (dos pinturas de este último, que representan sociedades de fusileros, se encuentran en el Hermitage).

Aproximadamente la mitad de la mesa 16. entre los pintores holandeses existe el deseo de deshacerse de las deficiencias del arte nacional (su angulosidad y sequedad góticas) estudiando a los artistas italianos del Renacimiento y combinando sus modales con las mejores tradiciones de su propia escuela. Este deseo ya es visible en las obras del citado Mostert; pero el principal difusor del nuevo movimiento hay que considerarlo Jan Schorel (1495-1562), que vivió durante mucho tiempo en Italia y más tarde fundó una escuela en Utrecht, de la que procedieron varios artistas contagiados por el deseo de convertirse en Rafaeles holandeses. y Miguel Ángel. Siguieron sus pasos Maarten van Van, apodado Gemskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, apodado. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Haarlem (1562-1638) y otros pertenecientes al siguiente período de la escuela italiana, como, por ejemplo, Abraham Bloemaert (1564-1651), Gerard Gonthorst (1592-1662), fueron más allá de los Alpes para imbuirse de las perfecciones. de las luminarias de la pintura italiana, pero cayeron, en su mayor parte, bajo la influencia de representantes del declive de esta pintura que se iniciaba en ese momento, regresaron a su tierra natal como manieristas, imaginando que toda la esencia del arte reside en la exageración de los músculos, en la pretensión de los ángulos y el garbo de los colores convencionales.

Sin embargo, la fascinación por los italianos, que a menudo llegó al extremo en la época de transición de la pintura holandesa, trajo una especie de beneficio, ya que aportó a esta pintura un dibujo mejor y más erudito y la capacidad de gestionar la composición con mayor libertad y audacia. Junto con la antigua tradición holandesa y el amor ilimitado por la naturaleza, el italianismo se convirtió en uno de los elementos a partir de los cuales se formó el arte original y altamente desarrollado de la época floreciente. El inicio de esta era, como ya hemos dicho, debe fecharse a principios del siglo XVII, cuando Holanda, tras lograr la independencia, comenzó a vivir una nueva vida. La dramática transformación de un país pobre y oprimido ayer mismo en una unión de estados políticamente importante, cómoda y rica fue acompañada por una revolución igualmente dramática en su arte.

De todas partes, casi simultáneamente, surgen innumerables artistas maravillosos, llamados a la actividad por el auge del espíritu nacional y la necesidad de su obra que se ha desarrollado en la sociedad. A los centros artísticos originales, Haarlem y Leiden, se están añadiendo otros nuevos: Delft, Utrecht, Dortrecht, La Haya, Amsterdam, etc. En todas partes, las antiguas tareas de la pintura se están desarrollando de una manera nueva bajo la influencia de demandas y puntos de vista cambiantes. , y sus nuevas sucursales, cuyos inicios apenas se notaron en el período anterior.

La Reforma expulsó las pinturas religiosas de las iglesias; No era necesario decorar palacios y cámaras nobles con imágenes de dioses y héroes antiguos y, por lo tanto, la pintura histórica, que satisfacía los gustos de la rica burguesía, abandonó el idealismo y recurrió a una reproducción fiel de la realidad: comenzó a interpretar acontecimientos del pasado. como los acontecimientos del día que tuvieron lugar en Holanda, y en especial se hizo retrato, perpetuando en él los rasgos de la gente de esa época, ya sea en figuras individuales o en extensas composiciones de varias figuras que representan sociedades de fusileros (schutterstuke), que desempeñaron un papel tan destacado en la lucha por la liberación del país: los directores de sus instituciones caritativas (regentenstuke), capataces y miembros de diversas corporaciones.

Si decidiéramos hablar de todos los retratistas talentosos de la floreciente era del arte holandés, entonces simplemente enumerar sus nombres e indicar sus mejores obras ocuparía muchas líneas; Por ello, nos limitamos a mencionar sólo a aquellos artistas que destacan especialmente dentro del panorama general. Se trata de: Michiel Mierevelt (1567-1641), su alumno Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572? - 1657), predecesores de los tres más grandes retratistas de Holanda: el hechicero del claroscuro Rembrandt van Rijn (1606-69), dibujante incomparable que tenía un sorprendente arte de modelar figuras con luz, pero algo frío en carácter y color, Bartholomew van der Gelst (1611 o 1612-70) y sorprendente con la fuga de su pincel Frans Gols el Viejo (1581-1666). De ellos, el nombre de Rembrandt brilla especialmente en la historia, al principio muy apreciado por sus contemporáneos, luego olvidado por ellos, poco apreciado por la posteridad, y sólo en el siglo actual elevado, con toda justicia, al nivel de mundo. genio.

En su característica personalidad artística se concentran, como si estuvieran enfocadas, todas las mejores cualidades de la pintura holandesa, y su influencia se reflejó en todos sus tipos: retratos, pinturas históricas, escenas cotidianas y paisajes. Los más famosos entre los estudiantes y seguidores de Rembrandt fueron: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 o 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (c. 1620-54), Salomon y Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († más tarde 1645), Gerard Dou (1613-75) y Samuel van Googstraten (1626-78). Además de estos artistas, para completar la lista de los mejores retratistas y pintores históricos del período que nos ocupa, conviene nombrar a Jan Lievens (1607-30), compañero de estudios de Rembrandt de P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72). ) y Pieter Nazon (1612-91), trabajando, aparentemente, bajo la influencia de V. d. Gelsta, imitador de Hals Johannes Verspronck (1597-1662), Jan y Jacob de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) y Nicholas de Gelta-Stokade (1614-69). La pintura doméstica, cuyos primeros experimentos aparecieron en la antigua escuela holandesa, se remonta al siglo XVII. suelo especialmente fértil en la Holanda protestante, libre, burguesa y satisfecha de sí misma.

Los cuadros pequeños, que representaban ingenuamente las costumbres y la vida de diferentes clases de la sociedad local, a muchas personas les parecían más entretenidos que las grandes obras de pintura seria y, junto con los paisajes, más convenientes para decorar acogedoras casas privadas. Toda una horda de artistas satisface la demanda de este tipo de imágenes, sin pensar mucho en la elección de los temas, pero reproduciendo concienzudamente todo lo que se encuentra en la realidad, mostrando al mismo tiempo amor por su familia y luego buen humor, con precisión. caracterizando las posiciones y rostros representados y refinado en el dominio de la tecnología. Mientras algunos se ocupan de la vida de la gente común, escenas de alegría y tristeza campesina, borracheras en tabernas y tabernas, tertulias frente a posadas de carretera, vacaciones rurales, juegos y patinaje sobre el hielo de ríos y canales helados, etc., otros se ocupan de el contenido de sus obras proviene de un círculo más elegante: pintan elegantes damas en su entorno íntimo, el cortejo de caballeros dandys, amas de casa dando órdenes a sus criadas, ejercicios de música y canto en el salón, la juerga de la juventud dorada en las casas de placer, etc. En la larga serie de artistas de la primera categoría destacan Adrian e Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 o 1606-38), Jan Stan (alrededor de 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, apodado Bambocchio en Italia (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, apodado Sorg (1621-82), Claes Molenaar (anteriormente 1630-76), Jan Minse-Molenar (alrededor de 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) y algunos. etc. Del número igualmente significativo de pintores que reprodujeron la vida de la clase media y alta, generalmente suficiente, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), Francia c. Miris la Vieja (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer de Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony y Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38), etc. La categoría de pintores de género incluye artistas que pintaron escenas de la vida militar, ociosidad de los soldados en las casetas de vigilancia. , campamentos, escaramuzas de caballería y batallas enteras, doma de caballos, así como escenas de cetrería y caza de perros similares a escenas de batalla. El principal representante de esta rama de la pintura es el famoso y extraordinariamente prolífico Philips Wouwerman (1619-68). Además de él, su hermano de este maestro, Peter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), a quien pronto conoceremos entre los paisajistas, el mencionado Palamedes, Jacob Leduc (1600 - más tarde 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717), etc. Para muchos de estos artistas, el paisaje juega un papel tan importante como las figuras humanas; pero paralelamente a ellos, trabaja una masa de pintores, fijándolo como su tarea principal o exclusiva.

En general, los holandeses tienen el derecho inalienable de estar orgullosos de que su patria sea la cuna no sólo del género más nuevo, sino también del paisaje en el sentido en que se entiende hoy. De hecho, en otros países, p. En Italia y Francia, el arte tenía poco interés por la naturaleza inanimada, no encontraba en ella ni una vida única ni una belleza especial: el pintor introdujo el paisaje en sus cuadros sólo como un elemento secundario, como decoración, entre los que se encontraban episodios de drama humano o La comedia se representa y, por tanto, la somete a condiciones escénicas, inventando líneas pintorescas y lugares que le resultan beneficiosos, pero sin copiar la naturaleza, sin dejarse imbuir de la impresión que ésta inspira.

Del mismo modo, “compuso” la naturaleza en aquellos raros casos en los que intentó pintar un cuadro puramente paisajístico. Los holandeses fueron los primeros en comprender que incluso en la naturaleza inanimada todo respira vida, todo es atractivo, todo es capaz de evocar el pensamiento y excitar el movimiento del corazón. Y esto era bastante natural, porque los holandeses, por así decirlo, crearon la naturaleza que los rodeaba con sus propias manos, la atesoraban y admiraban, como un padre atesora y admira su propia creación. Además, esta naturaleza, a pesar de la modestia de sus formas y colores, proporcionó a coloristas como los holandeses abundante material para desarrollar motivos de iluminación y perspectiva aérea debido a las condiciones climáticas del país: su aire saturado de vapor, suavizando los contornos de objetos, produciendo una gradación de tonos en diferentes planos y cubriendo la distancia con una bruma de niebla plateada o dorada, así como la variabilidad de la apariencia de las áreas determinada por la época del año, la hora del día y las condiciones climáticas.

Entre los paisajistas del período de florecimiento, los holandeses. Se respetan especialmente las escuelas que fueron intérpretes de su carácter doméstico: Jan V. Goyen (1595-1656), quien, junto con Esaias van de Velde (c. 1590-1630) y Pieter Moleyn el Viejo. (1595-1661), considerado el fundador del Goll. paisaje; luego este estudiante de maestría, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (c. 1600 - más tarde 1679), amante de los efectos de la mejor iluminación del arte. d. Nair (1603-77), el poético Jacob v. Ruisdael (1628 o 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) y Cornelis Dekker († 1678).

Entre los holandeses también hubo muchos paisajistas que emprendieron viajes y reprodujeron motivos de carácter extranjero, lo que, sin embargo, no les impidió mantener un carácter nacional en su pintura. Alberto V. Everdingen (1621-75) representó vistas de Noruega; Jan Ambos (1610-52), Dirk v. Bergen († más tarde 1690) y Jan Lingelbach (1623-74) - Italia; Ian V. d. Mayor el Joven (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) y Jan Griffir (1656-1720) - Reina; Jan Hackart (1629-99?) - Alemania y Suiza; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) y un grupo de sus seguidores pintaron paisajes inspirados en la naturaleza italiana, con ruinas de edificios antiguos, ninfas bañándose y escenas de una Arcadia imaginaria. En una categoría especial podemos destacar a los maestros que en sus pinturas combinaron paisajes con imágenes de animales, dando preferencia al primero o al segundo, o tratando ambas partes con la misma atención. El más famoso entre estos pintores del idilio rural es Paulus Potter (1625-54); Además de él, Adrian debería incluirse aquí. d. Velde (1635 o 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) y numerosos artistas que buscaron temas preferente o exclusivamente en Italia, como: Willem Romain († más tarde 1693), Adam. Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Wieck (1616?-77) Frederic de Moucheron (1633 o 1634 -86), etc. Estrechamente relacionada con la pintura de paisajes está la pintura de vistas arquitectónicas, que los artistas holandeses comenzaron a dedicarse como una rama independiente del arte sólo en la mitad del siglo XVII.

Algunos de los que desde entonces han trabajado en esta área han sido sofisticados al representar calles y plazas de la ciudad con sus edificios; estos son, entre otros, menos significativos, Johannes Bärestraten (1622-66), Job y Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d. Heyden (1647-1712) y Jacob v. pueblo Yulft (1627-88). Otros, entre los que destacan Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 o 1617-92), pintaron vistas interiores de iglesias y palacios. El mar tenía tal importancia en la vida de Holanda que su arte sólo podía tratarlo con la mayor atención. Muchos de sus artistas que se ocuparon del paisaje, del género e incluso del retrato, rompiendo por un tiempo con sus temas habituales, se convirtieron en pintores marinos, y si decidimos enumerar a todos los pintores de la escuela holandesa que representaron un mar en calma o tormentoso, barcos balanceándose sobre él, barcos en puertos abarrotados, batallas navales, etc., entonces obtendríamos una lista muy larga que incluiría los nombres de Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. y J. Ruisdal, A. Cuyp y otros ya citados en líneas anteriores. Limitándonos a señalar a aquellos para quienes la pintura de especies marinas era una especialidad, debemos nombrar a Willem v. de Velde el Viejo (1611 o 1612-93), su famoso hijo V. v. de Velde el Joven (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) y Julius Parcellis († más tarde 1634).

Finalmente, la dirección realista de la escuela holandesa fue la razón por la que en ella se formó y desarrolló un tipo de pintura que en otras escuelas hasta entonces no se había cultivado como una rama especial e independiente, a saber, la pintura de flores, frutas, verduras, seres vivos, utensilios de cocina, vajillas, etc. - en una palabra, lo que ahora se llama comúnmente "naturaleza muerta" (naturaleza muerta, Stilleben). En esta zona entre el Los artistas más famosos de la época floreciente fueron Jan-Davids de Gem (1606-83), su hijo Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630). -93), Willem V. Aalst (1626-83), Willem Geda (1594 - más tarde 1678), Willem Kalf (1621 o 1622-93) y Jan Waenix (1640-1719).

El período brillante de la pintura holandesa no duró mucho: sólo un siglo. Desde principios del siglo XVIII. Su declive se acerca, no porque las costas del Zuiderzee dejen de producir talentos innatos, sino porque En la sociedad, la autoconciencia nacional se debilita cada vez más, el espíritu nacional se evapora y los gustos y puntos de vista franceses de la pomposa época de Luis XIV se están afianzando. En el arte, este giro cultural se expresa en el olvido por parte de los artistas de aquellos principios básicos de los que dependía la originalidad de los pintores de generaciones anteriores y en una apelación a principios estéticos traídos de un país vecino.

En lugar de una relación directa con la naturaleza, el amor por lo nativo y la sinceridad, el predominio de las teorías preconcebidas, las convenciones y la imitación de Poussin, Lebrun, Cl. Lorrain y otras luminarias de la escuela francesa. El principal propagador de esta lamentable corriente fue el flamenco Gerard de Leresse (1641-1711), afincado en Ámsterdam, artista muy capaz y culto en su época, que ejerció una enorme influencia en sus contemporáneos y en la posteridad inmediata tanto con su amanerado pseudo -pinturas históricas y con obras de su propia pluma, entre ellas El gran libro del pintor ('t groot schilderboec), sirvió de código para los jóvenes artistas durante cincuenta años. El famoso Adriano también contribuyó al declive de la escuela. de Werff (1659-1722), cuya elegante pintura con figuras frías, como talladas en marfil, con un color apagado e impotente, alguna vez pareció el colmo de la perfección. Entre los seguidores de este artista, Henryk v. gozaba de fama como pintor histórico. Limborg (1680-1758) y Philip V.-Dyck (1669-1729), apodado "el pequeño V.-Dyck".

De los otros pintores de la época en cuestión, dotados de indudable talento, pero contagiados del espíritu de la época, cabe señalar Willem y Francia v. Miris la Joven (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) y Carel de Maur (1656-1738). Cornelis Troost (1697-1750), principalmente caricaturista, apodado holandés, dio algo de brillo a la escuela moribunda. Gogarth, el retratista Jan Quincgard (1688-1772), el pintor decorativo e histórico Jacob de Wit (1695-1754) y los pintores de naturaleza muerta Jan V. Geysum (1682-1749) y Rachel Reisch (1664-1750).

La influencia extranjera pesó sobre la pintura holandesa hasta los años veinte del siglo XIX, habiendo conseguido reflejar más o menos en ella los cambios que experimentó el arte en Francia, empezando por la confección de pelucas en la época del Rey Sol y terminando con el pseudoclasicismo de David. Cuando el estilo de este último quedó obsoleto y en todas partes de Europa occidental, en lugar de la fascinación por los antiguos griegos y romanos, surgió un deseo romántico, dominando tanto la poesía como las artes figurativas, los holandeses, como otros

m pueblos, volvieron la mirada hacia su antigüedad y, por tanto, hacia el pasado glorioso de su pintura.

El deseo de devolverle el brillo con el que brilló en el siglo XVII comenzó a inspirar a los artistas más nuevos y los devolvió a los principios de los antiguos maestros nacionales: a una estricta observación de la naturaleza y a una actitud ingeniosa y sincera hacia las tareas en mano. Al mismo tiempo, no intentaron excluirse por completo de la influencia extranjera, pero cuando fueron a estudiar a París o Dusseldorf y otros centros artísticos de Alemania, solo se llevaron a casa un conocimiento de los éxitos de la tecnología moderna.

Gracias a todo esto, la resucitada escuela holandesa volvió a adquirir una fisonomía original y atractiva y hoy avanza por el camino que conduce a un mayor progreso. Puede contrastar fácilmente muchas de sus figuras más recientes con los mejores pintores del siglo XIX en otros países. La pintura histórica en el sentido estricto de la palabra se cultiva en él, como antaño, de forma muy moderada y no tiene representantes destacados; Pero en términos del género histórico, Holanda puede estar orgullosa de varios maestros recientes importantes, como: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (n. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (n. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) y el talentoso Lawrence Alma-Tadema (n. 1836), que desertó a Inglaterra. El género cotidiano, que también entró en el círculo de actividad de estos artistas (a excepción de Alma-Tadema), se puede señalar a varios pintores excelentes, encabezados por Joseph Israels (n. 1824) y Christoffel Bisschop (b. 1828); Además de ellos, son dignos de ser nombrados Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (n. 1826), Teresa Schwarze (n. 1852) y Valli Mus (n. 1857).

La pintura holandesa más reciente es especialmente rica en paisajistas que han trabajado y trabajan de diversas maneras, a veces con cuidadosa terminación, a veces con la amplia técnica de los impresionistas, pero intérpretes fieles y poéticos de su naturaleza nativa. Entre ellos se incluyen Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (n. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (n. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (n. 1837), Lodewijk Apol (n. 1850) y muchos otros. etc. Herederos directos de Ya. D. Heyden y E. de Witte, aparecieron pintores de opiniones prometedoras, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gowe (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880), etc. Entre los pintores marinos más nuevos de Holanda, el La palma pertenece a Jog. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (n. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) y Henrik Mesdag (n. 1831). Finalmente, Wouters Verschoor (1812-74) y Johann Gas (n. 1832) mostraron gran habilidad en la pintura de animales.

Casarse. Van Eyden u. van der Willigen, “Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw” (4 volúmenes, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (tomos 2 y 3, 1882-1883); Waagen, “Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen” (1862); Bode, “Studien zur Geschichte der holländischen Malerei” (1883); Havard, "La pintura holandesa" (1880); E. Fromentin, “Les maîtres d’autrefois. Bélgica, Hollande" (1876); A. Bredius, “Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam” (1890); P. P. Semenov, "Bocetos sobre la historia de la pintura holandesa a partir de sus muestras ubicadas en San Petersburgo". (suplemento especial de la revista “Vestn. Fine Arts”, 1885-90).

Mientras tanto, esta es un área especial de la cultura europea digna de un estudio más detallado, que refleja la vida original de los holandeses en ese momento.

Historia de la apariencia

Destacados representantes del arte artístico comenzaron a aparecer en el país en el siglo XVII. Los expertos culturales franceses les dieron un nombre común: "pequeños holandeses", que no está relacionado con la escala del talento y denota un apego a ciertos temas de la vida cotidiana, en contraposición al estilo "grande" con grandes lienzos sobre temas históricos o mitológicos. La historia del surgimiento de la pintura holandesa se describió en detalle en el siglo XIX, y los autores de obras al respecto también utilizaron este término. Los "pequeños holandeses" se distinguían por el realismo secular, se volvían hacia el mundo y las personas que los rodeaban y utilizaban pinturas ricas en tonos.

Principales etapas de desarrollo.

La historia de la pintura holandesa se puede dividir en varios períodos. La primera duró aproximadamente de 1620 a 1630, cuando el realismo se instauró en el arte nacional. La pintura holandesa experimentó su segundo período en 1640-1660. Este es el momento en que la escuela de arte local realmente floreció. Finalmente, el tercer período, el momento en que la pintura holandesa comenzó a declinar, desde 1670 hasta principios del siglo XVIII.

Vale la pena señalar que los centros culturales cambiaron durante esta época. En el primer período, los principales artistas trabajaron en Haarlem, y el principal representante fue Khalsa. Luego el centro se trasladó a Ámsterdam, donde las obras más importantes fueron realizadas por Rembrandt y Vermeer.

Escenas de la vida cotidiana.

Al enumerar los géneros más importantes de la pintura holandesa, es imperativo comenzar con la vida cotidiana, la más vívida y original de la historia. Fueron los flamencos quienes revelaron al mundo escenas de la vida cotidiana de la gente corriente, campesinos y habitantes de la ciudad o burgueses. Los pioneros fueron Ostade y sus seguidores Audenrogge, Bega y Dusart. En las primeras pinturas de Ostade, la gente juega a las cartas, se pelea e incluso pelea en una taberna. Cada cuadro se distingue por un carácter dinámico y algo brutal. La pintura holandesa de esa época también habla de escenas pacíficas: en algunas obras, los campesinos hablan con una pipa y un vaso de cerveza, pasan tiempo en una feria o con sus familias. La influencia de Rembrandt condujo al uso generalizado de claroscuros suaves y dorados. Las escenas urbanas inspiraron a artistas como Hals, Leicester, Molenaar y Codde. A mediados del siglo XVII, los maestros representaban a médicos, científicos en el proceso de trabajo, sus propios talleres, tareas domésticas o Cada trama debería haber sido entretenida, a veces grotescamente didáctica. Algunos maestros se inclinaban a poetizar la vida cotidiana, por ejemplo, Terborch representó escenas de tocar música o coquetear. Metsu utilizó colores brillantes, convirtiendo la vida cotidiana en una celebración, mientras que De Hooch se inspiró en la simplicidad de la vida familiar, bañada por la luz difusa del día. Los representantes posteriores del género, entre los que se encuentran maestros de la pintura holandeses como Van der Werff y Van der Neer, en su búsqueda de una representación elegante, crearon a menudo temas un tanto pretenciosos.

Naturaleza y paisajes

Además, la pintura holandesa está ampliamente representada en el género del paisaje. Surgió por primera vez en las obras de maestros de Haarlem como van Goyen, de Moleyn y van Ruisdael. Fueron ellos quienes empezaron a representar las zonas rurales con una cierta luz plateada. La unidad material de la naturaleza pasó a primer plano en sus obras. Por separado vale la pena mencionar paisajes marinos. Los marinistas del siglo XVII incluyeron a Porsellis, de Vlieger y van de Capelle. No se esforzaron tanto en transmitir determinadas escenas marinas, sino en representar el agua misma, el juego de luces sobre ella y en el cielo.

En la segunda mitad del siglo XVII, surgieron en el género obras más emocionales con ideas filosóficas. Jan van Ruisdael reveló al máximo la belleza del paisaje holandés, representándolo en todo su dramatismo, dinámica y monumentalidad. Hobbem, que prefería los paisajes soleados, continuó con sus tradiciones. Koninck pintó panoramas y van der Neer creó paisajes nocturnos y representó la luz de la luna, el amanecer y el atardecer. Varios artistas también se caracterizan por la representación de animales en paisajes, por ejemplo, vacas y caballos pastando, así como caza y escenas con soldados de caballería. Más tarde, los artistas comenzaron a interesarse por la naturaleza extranjera: Van Laar, Wenix, Berchem y Hackert representaron a Italia bañándose en los rayos del sol del sur. El fundador del género fue Sanredam, cuyos mejores seguidores pueden llamarse los hermanos Berkheide y Jan van der Heijden.

Imagen de interiores

Un género aparte que distinguió la pintura holandesa en su apogeo son las escenas con iglesias, palacios y habitaciones de la casa. Los interiores aparecieron en las pinturas de la segunda mitad del siglo XVII de los maestros de Delft: Haukgeest, van der Vliet y de Witte, quienes se convirtieron en el principal representante del movimiento. Utilizando las técnicas de Vermeer, los artistas representaron escenas bañadas por la luz del sol, llenas de emoción y volumen.

Platos y platos pintorescos.

Por último, otro género característico de la pintura holandesa es la naturaleza muerta, especialmente la representación de los desayunos. Fue adoptado por primera vez por los residentes de Haarlem, Claes y Heda, quienes pintaron mesas puestas con platos lujosos. El caos pintoresco y la transmisión especial de un interior acogedor se llenan de la luz gris plateada, característica de la plata y el peltre. Los artistas de Utrecht pintaron exuberantes naturalezas muertas florales, y en La Haya, los artistas fueron especialmente buenos representando peces y reptiles marinos. En Leiden surgió una dirección filosófica del género, en la que calaveras y relojes de arena conviven con símbolos de placer sensual o gloria terrenal, diseñados para recordar la fugacidad del tiempo. Los bodegones de cocina democráticos se convirtieron en un sello distintivo de la escuela de arte de Rotterdam.

En el marco del Año del Reino de los Países Bajos en la Federación de Rusia
V Museo Estatal Bellas Artes lleva el nombre de A.S. Pushkin (Galería de arte de países europeos y americanos de los siglos XIX y XX)
hasta el 26 de enero de 2014 se realizó una exposición de obras de la colección corporativa del Grupo ING
La magia del realismo holandés.

ING Group es una de las mayores empresas financieras internacionales de origen holandés. La colección de arte del ING incluye hoy más de 15 mil obras de diversas escuelas y movimientos nacionales. En la exposición del Museo Estatal de Bellas Artes de Pushkin, el Grupo ING muestra la parte más importante de su colección: pinturas relacionadas con el movimiento artístico del realismo mágico.
En la década de 1920 en Europa, bajo el lema “regreso al orden”, comenzó un resurgimiento de la tendencia clásica en el arte. En el arte europeo, la pasión por el abstraccionismo de la década anterior se está debilitando y se están reviviendo tendencias realistas. Esto se debió en parte a la dolorosa experiencia de la Primera Guerra Mundial: el lenguaje del arte abstracto era bastante limitado y los artistas se vieron obligados a buscar un nuevo estilo para expresar la brutalidad de la carnicería pasada. Esto llevó al nacimiento de una nueva forma de realismo, que abandonó la representación de la vida cotidiana, como era el caso en el arte del siglo XIX, y se centró en otras técnicas. Movimientos artísticos similares comenzaron a surgir en toda Europa: "nueva materialidad" en Alemania, "arte metafísico" en Italia, "surrealismo" en Francia y, en la década de 1930, "realismo mágico" en los Países Bajos.

El término "realismo mágico" se acuñó por primera vez en Alemania y luego fue utilizado en Holanda por algunos escritores. Su característica distintiva es que los objetos del mundo real están representados con precisión fotográfica (realismo), sin embargo, al estar colocados en un contexto irreal, producto de la imaginación del artista, se produce el efecto de desapego (magia), destrucción de la percepción estándar. del mundo circundante nace. Para lograr este efecto, los realistas mágicos recurrieron a las refinadas técnicas de la pintura del siglo XVII. Al mismo tiempo, detrás de la fachada de un estilo pictórico enfáticamente realista se esconde una mirada penetrante y profundamente personal, y la escrupulosa precisión con la que están realizados los cuadros genera un sentimiento de alienación.

Los artistas están empezando a mostrar interés por la propia tradición pictórica. Uno de los primeros seguidores de esta tendencia es el holandés. Karel Willink, el único artista que tiene el honor de ser incluido no sólo en la colección de ING, sino también en la mayor historia del arte del siglo XX desde estilos modernos Los consideraba transitorios, Willink decide poner fin a sus experimentos y pasar a la pintura realista tradicional.

Karel Willink. Chica con un vestido renacentista. 1946

La mirada de quien entra en la exposición se dirige inmediatamente a “Niña con traje renacentista” de Karel Willink. La niña de Rubens con un pesado vestido de brocado y una oveja de juguete atada a una correa, representada con el telón de fondo de un parque normal que se extiende en la perspectiva de Patinirov hasta el horizonte, parece la heroína de una especie de pesadilla. O bien la luz eléctrica helada, como en “Melancholia” de Lars von Trier, produce tal efecto, o el contraste entre el rostro nada infantil ni nada inocente del modelo y el entorno idílico en el espíritu de los viejos maestros, donde esta Se inserta una cara, como en un cuadro, se activa una falsificación de un estudio fotográfico provincial. "La niña" fue escrita en 1945; durante la ocupación, Karel Willink, a pesar de ser reconocido como un artista completamente ario, se negó a vender sus pinturas a los alemanes y se ganó la vida con los retratos. Sin embargo, esta imagen, con todo su carácter personalizado, se ve como un reflejo de la vieja Europa, que ha muerto y que ahora debe ser poblada por tribus jóvenes y desconocidas.

El resto de artistas mostrados en la exposición son mucho menos famosos y parecen querer entablar una discusión con Willink, demostrándole con su realismo maníaco que los valores del viejo mundo tienen derecho a la vida. Pero al mismo tiempo, la colección ING no parece en absoluto una manifestación de conservadurismo.

El término "realismo mágico", oculto en el título de la exposición, fue acuñado por un historiador y crítico de arte alemán Francisco Roch en 1925 para artistas de la “nueva materialidad”, pero rápidamente emigró al campo de la literatura y prácticamente perdió todo significado claro en el campo de las artes visuales. Lo que vemos en la exposición es una amplia gama de “ismos”. Del hiperrealismo, como en "The Box" Francisco Clemente, del que las herramientas de construcción caerán en cualquier momento, hasta el academicismo banal, como en las producciones de naturalezas muertas. Peter Sebens Y Bernardo Ferkayka. Aquí también hay fans de Andrew Wyeth... Johan Abeling con "Casa", que fácilmente podría convertirse en "La Casa de Christina". Y conceptualistas como el autor de 7 mil autorretratos Philip Ackerman, alumno del gran Jan Dibbets. Y los fanáticos de los juegos posmodernos como Barrenda Blankert, citando a viejos italianos mezclados con Georges Seurat. Y esa misma "nueva materialidad", que incluye a los pares de Karel Willink: Wim Schumacher con retratos y paisajes en plata y Dick Kath con bodegones en collage que regresan al cubismo mundo objetivo persuasión ilusionista. Sin embargo, Dick Ket, en “Naturaleza muerta para el día de San Nicolás”, cifrando su nombre, ya que la marioneta que acabó en la mesa festiva se llama “ket” en frisia occidental, juega juegos surrealistas. Al igual que Karel Willink, su manierismo norteño es cercano a Max Ernst y Salvador Dalí, y su cartesianismo es cercano a René Magritte.

Probablemente, la colección ING tenga un programa patriótico: después de todo, el realismo se considera un gran logro de la época dorada holandesa. Muchos artistas apelan aquí a la época dorada, y bajo el título “Naturaleza muerta con frutas en el fondo de un paisaje” de un brillante estilista Raúl Hinkes Me gustaría corregir la fecha escribiendo "1635" en lugar de "1935". Pero no se puede decir que los motivos que impulsaron la elaboración de esta colección corporativa se limiten al deseo de apoyar la marca artística nacional. La exposición ocupa sólo tres salas, y las pinturas se distribuyen simplemente entre ellas según el principio de género: retrato, paisaje, naturaleza muerta. Sin embargo, a pesar de todo el realismo fotográfico de las obras, no se siente la diferencia entre los géneros: diseñadas principalmente en tonos apagados de color gris plateado, iluminadas principalmente por una luz suave y mate, que se distingue por una claridad antinatural de las líneas, todas ellas en Primero evocan la idea de un paisaje típico holandés y luego comienzan a parecer una naturaleza muerta. Un elenco magistral y desapasionado de una realidad de la que la vida ha desaparecido. No de una manera holística mundo real, pero con un conjunto de signos índice que se refieren a mundo real como la escena de un crimen, como una grieta en uno y un lazo en el otro reposabrazos de la “Silla” Barrenda Blankert. Que fue parcialmente descrito por el poeta. José Brodsky en un poema inspirado en el cuadro de Carl Willink: “Esto es lo que se llama “maestría”:

La capacidad de no tener miedo del procedimiento.

La inexistencia - como formas propias

Ausencia, habiéndola copiado de la vida.

Siguiendo a Willink, se están volviendo más populares representantes del realismo mágico como Peike Koch, Raoul Hinkuis, Dick Kaeth y Wim Schumacher.

Peike Koch. Cosecha. 1953

“El realismo mágico describe fenómenos que son posibles y, sin embargo, inverosímiles; el surrealismo, por su parte, demuestra situaciones que son imposibles, no existen o no pueden existir”, dijo Peike Koch, explicando la diferencia entre realismo mágico y surrealismo, dos movimientos artísticos que a menudo se confunden entre sí. El surrealismo es principalmente un mundo de fantasía y sueños, mientras que el realismo mágico es la vida cotidiana en un nuevo contexto.

Una característica común de todos los realistas mágicos es la atmósfera creada por sus pinturas. La sensación de malestar que evocan estas pinturas se debe en parte a su extremo realismo, que reduce la distancia entre el espectador y la obra. Al mismo tiempo, aquí no hay una narrativa estricta o completa. El artista sólo ofrece un conjunto de lecturas posibles, pero nunca da una respuesta completa. El espectador tiene derecho a sacar sus propias conclusiones.

La estética del realismo mágico, esta combinación de realidad y magia, por supuesto, necesitaba ciertas técnicas estilísticas. Las obras de los realistas mágicos se distinguen por una cierta frialdad y la mirada aparentemente indiferente del artista hacia el tema de la imagen, deslizándose sobre la superficie, lo que fue especialmente evidente en retratos y naturalezas muertas (Dick Kath, Wim Schumacher).

Wim Schumacher. Retrato de Adin Mees. 1933;

Wim Schumacher "Melita de blanco" 1928

Wim Schumacher "Prats de Molló" 1929

Dick Ket. San Nicolás, naturaleza muerta. 1931

Dick Ket (1902-1940). Naturaleza muerta con violín y recortes de periódico con autorretratos de W.Schumacher y R.Hynckes.Ca.1936

Raoul Hynckes (1893-1973).Naturaleza muerta con frutas y paisaje/Naturaleza muerta con frutas contra un paisaje.1935.

Ger Langeweg (1891-1970).Peras en un paisaje.Ca.1937/Ger Langeweg.Peras en un paisaje.

Para los representantes modernos del realismo mágico en Holanda, es característico y no accidental que tengan una conexión con fenómenos del arte del siglo XX como el pop art, el neoexpresionismo y el fotorrealismo. Las técnicas de construcción demostrativa del mundo imaginativo, el deseo de resaltar el utilitarismo y los estereotipos del espacio circundante, escapar al mundo de lo imaginario, el uso de alusiones ocultas, el juego libre con imágenes y significados hacen que el trabajo del moderno "mágico". “Artistas similares al surrealismo. Al mismo tiempo, el extremo grado de arte figurativo y la atención al detalle es sin duda una apelación a la tradición realista de los antiguos maestros holandeses.

El objetivo de la exposición "La magia del realismo holandés" es mostrar uno de los fenómenos más brillantes del arte de los Países Bajos del siglo XX: como un diálogo entre pintores de varias generaciones, entre realistas mágicos de la primera mitad del siglo XX. siglo, incluidos Wim Schumacher, Karel Willink, Peike Koch y sus seguidores modernos: Philipp Akkerman, Frans Stuurman, Koos van Koulen y otros, un diálogo que te hace recordar la cultura tradicional de los Países Bajos. La exposición presenta unas cuarenta obras de artistas holandeses de los siglos XX y XXI, que demuestran dominio técnico, una combinación de tradición e innovación.

Jan van Tongeren (1897-1991).Naturaleza muerta con jarra blanca.1967/ Jan van Tongeren.Naturaleza muerta con jarra blanca

Franc Clement (n. 1941).Box.1985/ Franc Clement.Box.

Frans Stuurman "Delfshaven" 1979

Frans Stuurman (g.1952) El Golfo.1994 / Frans Stuurman.Gaviota

Jan Peor "Aventurero" 1993

Kick Sailer "Frente al espejo" 1993

Kick Seiler "Noche" 1992

Pete Sebens "La mesa de Hilda" 1995

Henk Helmantel (nacido en 1945). Bodegón con frutos de granada. 1998. Madera, óleo.

Barend Blankert (n. 1941). El ejercicio. 1991 / Barend Blankert. Ejercicio

Barend Blankert "Dos niños en la naturaleza" 1988-1990

Felipe Ackerman. Auto retrato. 2001

Philip Akkerman (n. 1957) 4 Autorretratos N° 132, N° 51, N° 80, N° 20 / Philip Akerman.4 autorretratos

La luz en las pinturas realistas mágicas a menudo parece artificial, demasiado dura e intermitente. Los artistas utilizaron esta técnica para realizar plenamente los métodos de uso de la perspectiva desarrollados por los cubistas.

Además, en las pinturas de los realistas mágicos apenas se pueden encontrar matices o combinaciones de colores suaves: el primer plano y el fondo a menudo se representan con el mismo grado de detalle. Entre los seguidores modernos del realismo mágico, esta técnica es utilizada por Koos van Koulen.

Koos van Koulen. Olga. 2007

Koos van Keulen "Itier y Pisanello" 2003

Matthijs Roling (n. 1943). Jardín. 2005 / Matthijs Roling. Jardín

Bernard Verkaaik (n. 1946). Olla, cebollas y paño negro.2004/ Bernard Ferkaaik. Maceta, bombillas y tela negra.

em>
Kenne Gregoire (n. 1951). Descanso. 2003. Lienzo sobre madera, acrílico.

Harry van der Woude "Autorretrato con un cuenco de naranja" 2007

Aparece en Francia en los años 1960. nuevo realismo, y en Estados Unidos y Gran Bretaña el arte pop: la demanda del realismo mágico como movimiento está cayendo drásticamente. En esta época, el neoexpresionismo comenzó a surgir en Europa. Artistas belgas y holandeses, entre otros, participan activamente en este proceso. Alfonso Freimuth Y Roger Rovel. Comienzan a crear pinturas en un "estilo natural", volviendo de vez en cuando a las tradiciones de sus predecesores, quienes descubrieron la dirección del "realismo mágico". Ahora los maestros son más típicos de temas como el amor, la armonía, la muerte, los sentimientos, mientras que el nuevo realismo neurótico a menudo recurre a temas tabú en la sociedad. Los artistas de todos estos movimientos creen firmemente en la necesidad de expresar tanto sus posiciones personales, sus pensamientos como los valores humanos universales que unen estos períodos en el arte.

La exposición en su conjunto no sólo muestra claramente la continuidad de los artistas holandeses contemporáneos con respecto a sus predecesores inmediatos, sino también un diálogo constante con cultura tradicional y una conexión con la época dorada de la pintura holandesa. Encontrar estas intersecciones y referencias mutuas se convierte en una búsqueda fascinante para el espectador. Sin embargo, la magia también funciona con la contemplación pasiva. Aún así, el realismo mágico es un oxímoron y las paradojas y contradicciones siempre se atraen.

PD Lamentablemente no pude asistir a la exposición; recopilé material al respecto en Internet:
Enlaces:
http://pda.mn.ru/culture/20131114/362619469.html