EKATERIMBURGO, 21 de febrero. /TASS/. El Teatro de Ópera y Ballet de Ekaterimburgo representó la obra "Paquita" en honor al 200 aniversario del nacimiento del destacado bailarín y coreógrafo Marius Petipa (1818-1910), dijo el miércoles a los periodistas el director artístico del teatro, Viacheslav Samodurov.
El teatro también dedicó el estreno a la memoria de Sergei Vikharev, coreógrafo y director de este ballet, coreógrafo Teatro Mariinski, Artista de Honor de Rusia, que falleció repentinamente el 2 de junio de 2017, sin haber tenido tiempo de completar el trabajo de la producción. Fue él quien inició la tradición de la reconstrucción. actuaciones de ballet, restaurando en el Teatro Mariinsky la obra de 1899 “La Bella Durmiente”, que se representó muchas veces en Rusia, América y Europa.
“Desafortunadamente, Sergei Vikharev murió repentinamente y tuve que terminar esta actuación... Hay muchas cosas nuevas en esta producción en términos de diseño, música, dirección e ideas. manera inusual Volviendo al pasado: volvemos a la antigua tradición del ballet, pero mirándolo desde la perspectiva. hoy. Como espectador, no me interesaría ver “Paquita” del siglo XIX”, dijo Samodurov.
Según él, la nueva “Paquita” no es una reconstrucción en el sentido literal de la palabra, sino una interpretación ballet clasico. La actuación restaura al máximo la coreografía de Petipa de 1881 y conserva todas las colisiones del libreto original. Especialmente para la producción, el compositor de San Petersburgo Yuri Krasavin hizo una transcripción orquestal gratuita de la partitura histórica de Edouard Deldevez y Ludwig Minkus.
“Esta es una versión modernizada de esa partitura, y no creo que el autor la hubiera reconocido... Tuve en mis manos una partitura bastante voluminosa del original, la miré y me horroricé, porque estaba hecha con torpeza. , la música allí es muy mediocre. Al principio pensé en dejar algo intacto, pero luego me di cuenta de que había que rehacer todo... Habría sido una actuación lenta, parecida a un museo, rara (si no se cambia). la música original - TASS), quería que fuera interesante escucharla hoy”, explicó el compositor.
El concepto de la actuación pertenece a Pavel Gershenzon. El nuevo diseño fue desarrollado por los artistas del Teatro Bolshoi de Rusia Alona Pikalova (escenografía) y Elena Zaitseva (vestuario). La partitura de iluminación fue escrita por el diseñador de iluminación del Teatro Mariinsky, Alexander Naumov.
Sobre "Paquita"
El ballet Paquita se estrenó por primera vez en 1846 en la Ópera de París. Un año más tarde, fue con “Paquita” con la que Marius Petipa debutó en San Petersburgo, donde actuó como director y también interpretó el papel principal masculino; En 1881 Petipa - ya coreógrafo jefe Teatros Imperiales, renovó “Paquita” para la bailarina Ekaterina Vazem, añadiendo varios números nuevos. EN años soviéticos En el escenario sólo quedó el conjunto de danza final: el Gran Pas Clásico, que en el siglo XX se representó universalmente bajo el nombre de "Paquita", informó el servicio de prensa del Teatro de los Urales.
Los franceses abrieron la temporada de ballet en el Teatro Bolshoi. Esta fue la segunda parte de la gira de regreso del grupo de ballet de la Ópera de París. O, mejor dicho, el regreso de una deuda olvidada, que Brigitte Lefebvre recordaba antes de su salida del cargo de directora del Ballet de la Ópera de París.
Durante mucho tiempo había querido llevar la "Paquita" parisina de Pierre Lacotte al escenario histórico del Bolshoi, pero la gira del ballet de la Ópera (febrero de 2011) coincidió con el apogeo de la renovación, y los parisinos mostraron ballets de pequeño formato. en el Nuevo Escenario: “Suite in White” de Serge Lifar, “La L'Arlesienne” de Roland Petit y “The Park” de Angelin Preljocaj.
Ni Rudolf Nureyev ni Pierre Lacotte, autores de grandes representaciones escénicas, las llamadas exclusivas parisinas de la categoría de clásicos, fueron incluidos en la compañía de coreógrafos "importados".
Hace dos años, el Teatro Bolshoi introdujo una práctica conveniente: abrir la temporada con una gira por algún teatro europeo serio.
En 2011, el Teatro Real de Madrid llegó con la ópera de Kurt Weill "El ascenso y la caída de la ciudad de la caoba", en 2012, La Scala presentó su nuevo "Don Giovanni". La gira del Ballet de la Ópera de París con Paquita encajaba perfectamente en el esquema. Y el nivel artístico de los visitantes se mantiene alto.
Sin embargo, todas estas son formalidades explicativas. El mensaje de la gira de París es diferente.
Cualquiera que siga los acontecimientos en Francia sabe que el Ballet de la Ópera de París está al borde del cambio.
En 2014, la compañía estará dirigida por un nuevo director artístico: el coreógrafo de Burdeos, marido de Natalie Portman, ex primer ministro del New York City Balle, Benjamin Millepied.
Sí, por supuesto, Brigitte Lefebvre, la líder de la famosa compañía durante mucho tiempo, no fue la guardiana de la herencia clásica; por el contrario, hizo todo lo posible para incorporar la danza moderna al repertorio; Pero también se preocupaba por el patrimonio local: los ballets de Nureyev y Lacotte. Así como asegurar que para las nuevas producciones en el teatro se dé prioridad a los coreógrafos o bailarines que quieran transformarse en coreógrafos de origen francés.
Nuevamente, esto no significa que se haya promovido el racismo. Lefebvre invitó a actuar a coreógrafos israelíes, coreógrafos argelinos y a cualquier otra persona que estuviera “en la conversación”. Entre los franceses invitados tan prometedores estuvo dos veces Millepied, con obras muy mediocres “Amoveo” y “Triad”, que fueron elevadas al nivel adecuado gracias a los brillantes pies de los bailarines parisinos y el diseño de los diseñadores de moda.
Sin embargo, la xenofobia se ha producido históricamente en la Escuela de Ópera de París.
La escuela acepta una variedad de niños capaces, pero después de graduarse, sólo los titulares de un pasaporte francés pueden unirse al cuerpo de ballet del principal teatro de ballet del país. Es cruel, pero en general justo. Cada teatro tiene sus propias características, y la institución del ballet francés, como la más antigua del mundo, tiene derecho a sus excentricidades, cuyo resultado siempre ha sido alto nivel habilidad y, lo más importante, unidad estilística.
Dondequiera que vaya un bailarín de ballet de la Ópera de París, siempre lleva consigo el estilo francés: esta es la forma de interpretación, la técnica y la cultura escénica especial.
Lo mismo puede decirse de las bailarinas del Teatro Mariinsky, en parte de los artistas del Teatro Bolshoi y de los solistas del Ballet Real Danés, es decir, de los representantes de las compañías nacionales más antiguas.
Y eso es todo, sólo estos tres o cuatro teatros.
¿Es este elitismo bueno o malo en la era de la globalización?
Desde la perspectiva de un balletómano, sin duda es bueno. Porque alrededor de estos teatros de pilares existen otros maravillosos teatros donde se rinde homenaje a la mezcla de estilos, técnicas y nacionalidades. Estos son el American Ballet Theatre (ABT), La Scala Ballet, New York City Ballet, Covent Garden Ballet, English National Ballet, Berlin State Ballet, Ballet Ópera de Viena y algunos más. Además, se encuentran teatros de autor como el Ballet de Hamburgo (repertorio de Neumeier) o el Ballet de Stuttgart (Cranko).
El tiempo hace ajustes. Tanto en Dinamarca como en París surgió al mismo tiempo el problema de la escasez de estudiantes talentosos con el pasaporte "correcto" para el teatro. Hay dos formas de salir de esta situación: cambiar los estatutos y aceptar extranjeros entre los mejores graduados, o aceptar a todos los franceses seguidos.
Dinamarca ya está aceptando a todos, ya que el país es pequeño y el problema no comienza con la graduación, sino directamente con la admisión: hay escasez de niños daneses.
Y ahora una chica de cualquier origen con los datos adecuados puede entrar en la Escuela del Real Ballet Danés, pero se aceptan chicos incluso sin datos, siempre que vayan. Pero los daneses no tenían xenofobia antes; simplemente había suficientes niños daneses para llenar las clases de ballet.
Francia todavía está en el nivel escolar, porque allí, como en Rusia, donde, además de la Academia Estatal de Artes de Moscú y la ARB (Vaganovka), hay una docena más escuelas de ballet, cuyas fuerzas pueden alimentar dos escuelas metropolitanas, no sólo una escuela, sino varias. Y aún así, problema de personal los franceses están a la vuelta de la esquina y habrá que resolverlo de alguna manera y, muy probablemente, a expensas de los "no franceses".
Mientras tanto, el futuro director artístico del Ballet de la Ópera de París, Benjamin Millepied, no ve ninguna amenaza en el hecho de que entren extraños al teatro.
Además. Ya ha conseguido despertar la indignación de la gente de la Étoile con sus declaraciones en la prensa. En su ilustrada visión americanizada, la refinada empresa carece de afroamericanos con su extraordinaria plasticidad y técnicas. Una afirmación normal de una persona que nunca ha bailado en la Ópera de París y ni siquiera estudió en la famosa escuela.
Además, no le resultará difícil incorporar a la compañía a jugadores flexibles no europeos a principios de la próxima temporada. Cuatro etouiles se retiran a la vez: los "pollos" de Nureyev, Nicolas Leriche (se despide en el verano de 2014 en la "Catedral Notre Dame de París"Roland Petit) y Agnès Letestu (su actuación de despedida: "La dama de las camelias" de John Neumeier tendrá lugar el 10 de octubre de este año), así como Aurélie Dupont (en el ballet "Manon" en el otoño de 2014) e Isabelle Ciaravola en marzo de 2014 en el papel de Tatiana en "Onegin” de J. Cranko.
¡Según la ley, un bailarín del Ballet de la Ópera de París se jubila a los cuarenta y dos años y medio!
Pero en el grupo de primeros bailarines, de donde se supone que se nominan a las futuras estrellas para los puestos vacantes, no hay tantos candidatos adecuados. Está claro que en un año puedes lograr ascender a alguien de los rangos inferiores a primer bailarín, pero estas personas luego tendrán que "realizar" los papeles más difíciles en el ballet clásico. Por lo tanto, lo más probable es que la idea de Millepied de “diluir” la compañía con profesionales externos, por mediocre y de mal gusto que parezca, se haga realidad. Y todo, todo cambiará.
Pero mientras Brigitte Lefebvre está al frente, no hay puestos vacantes en su compañía; al contrario, hay excelentes bailarines con los que luchó codo con codo durante 20 años por la pureza y la identidad del estilo francés.
Era y sigue siendo amiga del Teatro Bolshoi; por iniciativa suya, se invitó a artistas de Moscú a representaciones únicas: Nikolai Tsiskaridze bailó "La Bayadère" y "El Cascanueces", Maria Alexandrova - "Raymonda", Svetlana Lunkina - "La Cascanueces” y “ Una precaución inútil", Natalia Opipova - "El Cascanueces". Y en segundo lugar, gracias a los acuerdos entre Lefevre e Iksanov, la compañía de ballet del Teatro Bolshoi comenzó a realizar giras regulares por París.
“Paquita” traída a Moscú es una fotografía de despedida del Ballet de la Ópera de París de la época de Brigitte Lefebvre.
Un bonito gesto de la reina de la vanguardia, que quiere ser recordada en Rusia no sólo como promotora del revolcarse existencial en el suelo.
Esta versión de Paquita se estrenó en 2001. Los franceses estaban entonces un poco preocupados de que el Teatro Bolshoi, donde un año antes del estreno con gran éxito del ballet de Pierre Lacotte “La hija del faraón” basado en Petipa, tomara el relevo de la Ópera de París como su principal experto y recreador de Antigüedad romántica. En ese momento, el repertorio del teatro incluía La Sylphide, que se renovaba periódicamente, y el raro Marco Spada.
La versión de Lacotte de Paquita se remonta a su estreno en 1846, con una coreografía de Joseph Mazilier que no se ha conservado.
El coreógrafo se basó en documentos únicos que descubrió en Alemania, que eran una descripción completa de la puesta en escena, la primera edición de la pantomima y dos variaciones de Mazilier, marcadas y escritas por el coreógrafo, además de una descripción del diseño. de la actuación.
Todo esto fue necesario para convertirla en una interpretación completa de "El Gran Pas Clásico", una obra maestra de "Paquita" de Marius Petipa que ha sobrevivido al tiempo. Se trata de la conocida mazurca infantil, el pas de trois, las virtuosas variaciones femeninas, el patético pas de deux de Paquita y Lucien y el entre general, que existió felizmente durante cien años sin trama.
La primera “Paquita” francesa de 1846 surgió a raíz de la fascinación de los entonces coreógrafos por las leyendas de la Península Ibérica.
España, por un lado, era vista como un país en el que historias increíbles con el secuestro de niños por parte de gitanos y las redadas de ladrones: este tipo de tramas alimentaron activamente el ballet romántico francés. Por otra parte, España era famosa por ser la cuna de todo tipo bailes de personajes folklóricos- gitano, bolero, cachuchi. Panderetas, panderetas, castañuelas, mantos: estos accesorios se convirtieron en una parte integral de los ballets de esa época.
Base literaria“Paquita” se inspiró en el cuento “La gitana” de M. Cervantes.
Finales de los 30 - 40 años. El siglo pasado, en general, transcurrió bajo el signo del ballet gitano. En San Petersburgo, en 1838, Philippe Taglioni representó el ballet “La Gitana” para Maria Taglioni. Joseph Mazilier, incluso antes que Paquita, puso en escena La Gipsy para Fanny Elsler. La primera intérprete de Paquita fue la igualmente eminente bailarina francesa Carlotta Grisi. Al mismo tiempo, tuvo lugar en Londres el estreno del ballet Esmeralda de Jules Perrot, el principal éxito del ballet gitano del siglo XIX.
Pero el tema gitano en Paquita se revela de manera algo diferente que en Esmeralda.
La palabra "gitanos" en el ballet romántico se entendió en cierto sentido como un epíteto de "ladrones de teatro". Así, el libreto de "Paquita" habla del extraordinario destino de una niña que vive en un campamento gitano según sus leyes: se gana la vida bailando. Sin embargo, sus orígenes están envueltos en un misterio: la niña tiene un medallón con la imagen de un aristócrata francés, insinuando a su noble padre.
Y en "Esmeralda" la palabra "gitana" significa "mendiga", "perseguida", "sin hogar", y la vida gitana en el ballet no está envuelta en ningún romance. En este sentido, la primera “Paquita” parisina se acerca más a “Catherine, la hija del ladrón” de J. Perrault. "Paquita" es un ballet romántico tardío, cuya trama se basa en el melodrama amado por los visitantes de los teatros de los Grandes Bulevares.
Así, Lacotte, a quien conocemos como un director de danza de primer nivel al estilo de la época romántica, recupera en su “Paquita” -a partir de discos, grabados, bocetos, reseñas y artículos de poetas y críticos literarios nivel de Théophile Gautier: toda pantomima puesta en escena.
La obra contiene una escena completa, "Campamento gitano", que prácticamente no contiene baile, pero está llena de la pantomima más dramática, que una vez hizo que Gautier estuviera encantado.
Es difícil comparar las habilidades interpretativas de la primera intérprete de Paquita, Carlotta Grisi, y las bailarinas actuales Ludmila Pagliero y Alice Renavan, pero esta imagen en sí, que es un grabado revivido, parece armoniosa y recuerda en parte a un intermedio dramático.
Paquita, enamorada del oficial francés Lucien d'Hervilly, escucha una conversación entre el gitano Íñigo y el gobernador español, que planean darle de beber somníferos y luego matar a Lucien, el primero por celos y el segundo por Odio a los franceses y renuencia a casar a su hija Serafina con el odiado hijo del general. Paquita advierte a Lucien sobre el peligro, intercambia las gafas de Lucien e Iñigo, él se queda dormido antes de cometer el crimen y la pareja escapa sana y salva por una puerta secreta en la chimenea.
En la película anterior, el contenido se contaba principalmente a través de la danza. Este es un baile español con panderos, y danza gitana Paquitas y las variaciones de Lucien y la famosa Danza con capas (Danse de capes), que alguna vez fue interpretada por bailarines parodias, Lacotte se la dio a los hombres, y el paso de trois, transcrito de una manera diferente a la de Petipa.
Por lo tanto, la imagen "peatonal" sirve como transición al siguiente acto enteramente de danza: el baile en casa del General d'Hervilly.
a lo que Paquita y Lucien, sin aliento por la persecución, llegan tardíamente. La niña expone al malvado gobernador y al mismo tiempo descubre en la pared un retrato de un hombre con rasgos familiares de su medallón. Este es su padre, el hermano del general, asesinado hace muchos años. Paquita acepta inmediatamente la propuesta de Lucien, que antes había rechazado delicadamente, considerándose una plebeya indigna, se pone un hermoso tutú de boda y el baile continúa al estilo de ese “grand pas” amado por los balletómanos de todos los tiempos y pueblos al son de la música. de Minkus, complicado por Lacotte a la manera francesa.
En una entrevista, Lacotte dijo repetidamente que “la técnica de Paquita requiere más vivacidad que lirismo”.
Y “las bailarinas deben adaptarse a la antigua técnica del allegro, que poco a poco está desapareciendo”. Las salidas de Paquita son una cadena de pequeños pasos, saltos, “patinazos” y pas de sha. La variación del solista en el paso de trois y las variaciones de Lucien son casi un vuelo continuo sin aterrizajes.
Las formaciones de solistas que los parisinos trajeron a Paquita son desiguales, aunque sólo sea porque
Matthias Eyman, el intérprete de Lucien, existe en el mundo en una sola copia.
Todos los demás Luciens son buenos, pero no están a la altura de Matthias. Debutó en Paquita en diciembre de 2007 en todas las partes a la vez. Mientras sus colegas de mayor rango trabajaban para recuperar su estatus de estrella en el papel principal, Eyman, que acababa de ser elevado al rango de primer bailarín, saltó al pas de trois y saludó. baile español, paralelo a los vuelos de Lucien en la sala de representantes.
Y cuando salió papel principal el reemplazo, un niño con una pronunciada nota árabe en sus rasgos faciales y un salto sin esfuerzo absolutamente increíble, el nombre de la futura etiqueta estaba claramente determinado (en ese momento, sin embargo, no había vacante durante mucho tiempo, y el nombramiento había esperar al menos un año).
Eyman estableció un estilo de danza y comportamiento en el escenario completamente diferente: valiente, un poco brusco, un poco insensible, pero extremadamente interesante e innovador.
Hoy es un venerable primer ministro, cuyas actuaciones son observadas en París y amado apasionadamente por los moscovitas. No fue presentado en la gira anterior, aduciendo el empleo del artista en el repertorio actual de la ópera, agravando así el impacto del descubrimiento. Florian Magnenet, el segundo Lucien, no es inferior a Eyman en modales galantes, pero las variaciones de Lacotte aún no están a la altura de sus fuerzas.
La primera noche, Paquita fue bailada por Lyudmila Pagliero, la principal virtuosa de la Ópera de París.
Etoile es bella, resistente, con buen salto, brillante rotación y un extraordinario sentido del adagio.
Como cualquier rehén de la tecnología, Lyudmila tiene cierto cliché dramático, pero no crítico.
La otra Paquita es Alice Renavan. También es resistente, también con saltos, pero es demasiado exótica para el ballet clásico. Renavan se estancó en papeles secundarios, que a menudo desempeña de manera más brillante que otros papeles principales, pero la mentalidad de un buen ayudante le impide convertirse en general.
Sin embargo, la bella Alice tiene todas las posibilidades de convertirse pronto en una etiqueta por sus logros en danza moderna- En este ámbito no tiene rival.
Además de las delicias de la danza étoile, los franceses regalaron la alegría de las limpias quintas posiciones, los modales sobrios y la elegancia de cada artista individualmente.
Foto de D. Yusupov
". Pero hay límites estrictos en el volumen, tuve que cortarlo casi a la mitad. Aquí estoy publicando la versión completa. Pero, como todo autor sabe, cuando tienes que cortar, entras en un frenesí y luego No sé qué versión salió mejor: la completa o la abreviada.
Continúa la solemne procesión de compañías de ballet dedicada al 200 aniversario del nacimiento de nuestro ballet “todo” Marius Petipa. Paquita del Ballet de la Ópera de los Urales (Ekaterimburgo) se unió a las festivas filas de manifestantes encabezados por Don Quijote en el Teatro Leonid Yakobson. Asistí al estreno el 22 y 23 de febrero. FEA EN SUÉTER.
Esta “Paquita” está destinada a convertirse en un éxito y el fenómeno más llamativo de la actual temporada de ballet, aunque su aparición estuvo precedida al principio por la trágica y repentina muerte del director Sergei Vikharev. proceso de ensayo. Los espectáculos de estreno recibieron un estatus conmemorativo, Ekaterimburgo, la "Paquita" más inusual, fascinante y absolutamente impredecible, del coreógrafo Vyacheslav Samodurov, un ballet no planificado que tuvo que completar y lanzar a nado libre.
El brillante estilista y reconstructor de la coreografía clásica Sergei Vikharev, en colaboración con Pavel Gershenzon, compuso una interpretación completamente provocativa, sin cambiar un solo movimiento argumental del libreto de Paul Fouché y Joseph Mazilier de 1846 y colocando cuidadosamente todas las coreografías más o menos conservadas. de Petipa en una bolsa de viaje. En "Paquita" de Ekaterimburgo no hay un solo cambio formal en el guión y la coreografía que resulte familiar a nivel de instintos. La aristócrata francesa, secuestrada cuando era niña, todavía se considera gitana española, rechaza las afirmaciones del líder del campo Iñigo, se enamora de un brillante oficial y le salva la vida, destruyendo una compleja conspiración con vino envenenado, cuatro asesinos y un pasaje secreto en la chimenea; identifica a los padres asesinados a partir de retratos familiares y se casa con el apuesto niño rescatado. Los solistas de Pas de trois todavía cantan el cansado coro-coro de ballet “glide - jete, glide - jete”, todavía hacen cabriolas en el Grand pas nupcial de “cuatro” y “dos” en el canto “español” del libro de texto. pa galya - pa” galya - cabriole - pose.” Pero esto se percibe artefactos arqueológicos, encontrado durante la construcción de, digamos, un puente, y construido en él como evidencia de la existencia de civilización en ese lugar en particular.
Sí, “Paquita” de Ekaterimburgo es un puente que conecta audazmente a los desconectados: la isla de una leyenda del ballet del siglo XIX con la realidad materialista del siglo XXI, basándose en el racionalismo coreográfico del siglo XX. Sus principales diseñadores, Vikharev y Gershenzon, condujeron con confianza montones de fantasía al terreno inestable de documentales de ballet no obvios, establecieron los soportes de una lógica de hierro, a pesar de la poderosa contracorriente de anécdotas e incidentes históricos, y racionalizaron el movimiento en ambas direcciones. Del historicismo a la modernidad y viceversa. La Paquita del siglo XIX, tras subirse a una caravana gitana, llegó al tercer milenio al volante de su propio coche de carreras, sin sorprenderse en absoluto de las transformaciones que se habían producido.
Los autores de la obra situaron los tres actos de “Paquita” en tres diferentes eras en incrementos de aproximadamente 80 años. El primer acto, con una exposición pausada, con la introducción de los personajes principales, con el inicio del conflicto (ni al gobernador español ni al director del campamento gitano gusta el oficial Lucien, que decide matarlo por ello), arrulla la audiencia con una reconstrucción de alta calidad de una de las representaciones icónicas del apogeo del romanticismo del ballet. Tiene todo lo que se espera de “Paquita” y del Sr. Vikharev, un brillante conocedor de la coreografía de archivo: posiciones escénicas ingenuas, bailes inventivos y fascinantes, diálogos de pantomima detallados, héroes ideales, preciosos trajes de Elena Zaitseva, en los que las bailarinas se bañan en una exuberante espuma de volantes y volantes.
Un impactante despertar espera al espectador conmovido y vigilante en el segundo acto. Parece que los autores de la obra simplemente estaban esperando el momento para arrancar todo este falso velo romántico, vergonzosamente puesto sobre otra entidad física. La escena de pantomima más melodramática de casi media hora, muy apreciada por los balletómanos por su actuación virtuosa, incluso en el caso de la estilización más meticulosa de las técnicas del teatro de ballet. mediados del 19 siglo, parecería ridículo, en mejor escenario- arcaico. El director, como Woland de Bulgakov, dirige una sesión de magia seguida de su revelación, trasladando la escena vulgar (en general) a un entorno estético ideal: al cine mudo de principios del siglo XX. ¡Las piezas del rompecabezas encajaban perfectamente! El apuesto Lucien, de ojos largos, y la mujer fatal Paquita, de ojos saltones y pestañas largas, dibujan activamente líneas que se proyectan en la pantalla; siniestros matones con muecas aterradoras agitan cuchillos afilados; el sinvergüenza ideal (Gleb Sageev y Maxim Klekovkin), riendo demoníacamente, lleva a cabo su vil acto y él mismo es víctima de su propia astucia, retorciéndose pintorescamente en su agonía. La acción avanza rápidamente hacia el desenlace, el brillante pianista-demiurgo alemán Markhasin (y, como saben, el joven Dmitry Shostakovich trabajó a tiempo parcial como pianista en cines) destruye sin piedad las ilusiones románticas, que en el tercer acto, borracho de cafe de maquina de cafe, resucitan para resumir y cantar aquellos valores eternos, contenido en el Grand pas de Petipov.
Pero todavía hay una manera de llegar al Grand Pas. capa densa descansando durante el intermedio de la función en el buffet de los artistas del teatro. EN nueva realidad Lucien y Paquita se convierten en los estrenos de la compañía de ballet, el padre de Lucien se convierte en el director del teatro, el gobernador español, que planeó el asesinato del personaje principal, se convierte en el patrocinador general de la compañía. Vyacheslav Samodurov, el Nostradamus de nuestro tiempo, ya dos días antes de la final predijo la victoria de los jugadores de hockey rusos en los Juegos Olímpicos, colocando un televisor que retransmitía el partido en el escenario del teatro que dirigía. La realidad dramática, el deporte y el teatro se entrelazan: en el contexto de dulces victorias de hockey, la huérfana desarraigada Paquita adquiere un apellido, la exposición de funcionarios corruptos teatrales y la combinación de detenciones y celebraciones, coronadas con una boda Grand pas.
El Grand pas se baila casi a la perfección: una compañía bien entrenada atraviesa el espacio del escenario de manera bastante sincrónica, glamorosa con cabrioles y seductora con cancán ambuate. En el Grand Pas, las cabezas de las bailarinas no están decoradas con peinetas "españolas" que sobresalen victoriosamente de sus gatitos, sino con encantadores sombreros franceses del "Moulin Rouge", y en sus pies hay medias negras y zapatillas de punta negras que, junto con con sonrisas encantadoras, dan a la coreografía académica y bronceada de Petipa un aire puramente parisino: estilo, alegría y frivolidad, completamente borrados en el siglo pasado. Miki Nishiguchi y Ekaterina Sapogova interpretan el papel principal con una dulce arrogancia francesa y una indiferencia descuidada; no buscan registros industriales en la coreografía y no “fríen” fouettés con un aire de verdad última, pero todas sus declaraciones de danza son impecablemente precisas. y brillantemente articulado. Alexey Seliverstov y Alexander Merkushev, que se turnaron para interpretar el papel de Lucien, apreciaron la variabilidad plástica propuesta por los directores: el caballero ideal en el primer acto, el reflexivo héroe neurótico en el segundo y el impecable primer ministro aristócrata en el tercero. .
Pero “Paquita” llegó a ser así gracias al compositor Yuri Krasavin, autor de la “transcripción libre” de la partitura de Eduard Deldevez y Ludwig Minkus. Creó un gran avance musical, reencarnando melodías simples y pequeñas canciones en el poderoso sonido polifónico de una obra increíblemente integral y fascinante. Estas transformaciones y las charadas musicales concebidas por el Sr. Krasavin sumergen a uno en un deleite frenético. La introducción del acordeón, el xilófono y el papel cada vez mayor de la percusión, ahora cautelosamente delicada, ahora cortando desde el hombro y preparando el paso de "aplausos", introducida en la orquesta, dieron a la partitura de "Paquita" de Krasavin aún mayor plasticidad y “franqueza”. Sin embargo, los golpes de látigo en los momentos de mayor intensidad energética no permiten dejarse arrullar por el encanto de un ballet engañosamente antiguo.
Continúa la solemne procesión de compañías de ballet dedicada al 200 aniversario del nacimiento de nuestro ballet “todo” Marius Petipa. Paquita del Ballet de la Ópera de los Urales (Ekaterimburgo) se unió a las festivas filas de manifestantes encabezados por Don Quijote en el Teatro Leonid Yakobson. Asistí al estreno el 22 y 23 de febrero. bloha_v_svitere. Esta “Paquita” está destinada a convertirse en un éxito y el fenómeno más llamativo de la actual temporada de ballet, aunque su aparición fue precedida por la trágica y repentina muerte del director Sergei Vikharev al inicio del proceso de ensayo. Los espectáculos de estreno recibieron un estatus conmemorativo, Ekaterimburgo: la "Paquita" más inusual, fascinante y absolutamente impredecible, del coreógrafo Vyacheslav Samodurov, un ballet no planificado que tuvo que completar y lanzar a la natación libre el brillante estilista y recreador de coreografía clásica Sergei Vikharev. en colaboración con Pavel Gershenzon, compuso una interpretación completamente provocativa, sin cambiar un solo paso argumental del libreto de Paul Fouché y Joseph Mazilier de 1846 y colocando cuidadosamente toda la coreografía más o menos conservada de Petipa en la bolsa de viaje. En "Paquita" de Ekaterimburgo no hay un solo cambio formal en el guión y la coreografía que resulte familiar a nivel de instintos. Aún así, la aristócrata francesa, secuestrada en la infancia, se considera una gitana española, rechaza las pretensiones del jefe del campo, Íñigo, se enamora de un brillante oficial y le salva la vida, destruyendo una compleja conspiración con vino envenenado, cuatro asesinos y un pasadizo secreto en la chimenea; identifica a los padres asesinados a partir de retratos familiares y se casa con el apuesto niño rescatado. Los solistas de Pas de trois siguen cantando el cansado coro de ballet “glide – jete, glide – jete”, todavía hacen cabriolas en el Grand pas nupcial de “cuatro” y “dos” en el canto “español” de libro de texto “pa galya”. - pa” galya – cabriole – pose.” Pero esto se percibe como artefactos arqueológicos encontrados durante la construcción de, digamos, un puente, y construidos en él como evidencia de la existencia de civilización en ese lugar en particular.
Sí, "Paquita" de Ekaterimburgo es un puente que unió audazmente lo incompatible: la isla de una leyenda del ballet del siglo XIX con la realidad materialista del siglo XXI, basándose en el racionalismo coreográfico del siglo XX. Sus principales diseñadores, Vikharev y Gershenzon, condujeron con confianza montones de fantasía al terreno inestable de documentales de ballet no obvios, establecieron los soportes de una lógica de hierro, a pesar de la poderosa contracorriente de anécdotas e incidentes históricos, y racionalizaron el movimiento en ambas direcciones. Del historicismo a la modernidad y viceversa. La Paquita del siglo XIX, tras subirse a una caravana gitana, llegó al tercer milenio al volante de su propio coche de carreras, sin sorprenderse en absoluto de las transformaciones que se habían producido.
Los autores de la obra ubicaron los tres actos de “Paquita” en tres épocas diferentes con un incremento aproximado de 80 años. El primer acto, con una exposición pausada, con la introducción de los personajes principales, con el inicio del conflicto (ni al gobernador español ni al director del campamento gitano gusta el oficial Lucien, que decide matarlo por ello), arrulla la audiencia con una reconstrucción de alta calidad de una de las representaciones icónicas del apogeo del romanticismo del ballet. Tiene todo lo que se espera de “Paquita” y del Sr. Vikharev, un brillante conocedor de la coreografía de archivo: posiciones escénicas ingenuas, bailes ingeniosos y fascinantes, diálogos de pantomima detallados, personajes ideales, trajes encantadores de Elena Zaitseva, en los que los bailarines se bañan. la exuberante espuma de volantes y pequeños volantes.
Un impactante despertar espera al espectador conmovido y vigilante en el segundo acto. Parece que los autores de la obra simplemente estaban esperando el momento para arrancar todo este falso velo romántico, vergonzosamente puesto sobre otra entidad física. La escena de pantomima más melodramática de casi media hora, muy querida por los balletómanos por su actuación virtuosa, incluso en el caso de la estilización más meticulosa de las técnicas del teatro de ballet de mediados del siglo XIX, habría parecido ridícula, en el mejor de los casos, arcaica. El director, como Woland de Bulgakov, dirige una sesión de magia seguida de su revelación, trasladando la escena vulgar (en general) a un entorno estético ideal: el cine mudo de principios del siglo XX. ¡Las piezas del rompecabezas encajaban perfectamente! El apuesto Lucien, de ojos largos, y la mujer fatal Paquita, de ojos saltones y pestañas largas, dibujan activamente líneas que se proyectan en la pantalla; siniestros matones con muecas aterradoras agitan cuchillos afilados; el sinvergüenza ideal (Gleb Sageev y Maxim Klekovkin), riendo demoníacamente, lleva a cabo su vil acto y él mismo es víctima de su propia astucia, retorciéndose pintorescamente en su agonía. La acción avanza rápidamente hacia el desenlace, el brillante pianista-demiurgo alemán Markhasin (y, como saben, el joven Dmitry Shostakovich trabajó a tiempo parcial como pianista en cines) destruye sin piedad las ilusiones románticas, que en el tercer acto, borracho de café de la máquina de café, resucitan para resumir y glorificar aquellos valores eternos contenidos en el Grand pas de Petipa.
Pero antes del Grand Pas todavía hay que atravesar la densa capa de gente que se relaja durante el intermedio de la representación en el buffet de los artistas del teatro. En la nueva realidad, Lucien y Paquita se convierten en los estrenos de la compañía de ballet, el padre de Lucien se convierte en el director del teatro y el gobernador español, que planeó el asesinato del personaje principal, se convierte en el patrocinador general de la compañía. Vyacheslav Samodurov, el Nostradamus de nuestro tiempo, ya dos días antes de la final predijo la victoria de los jugadores de hockey rusos en los Juegos Olímpicos, colocando un televisor que retransmitía el partido en el escenario del teatro que dirigía. La realidad dramática, el deporte y el teatro se entrelazan: en el contexto de dulces victorias de hockey, la huérfana desarraigada Paquita adquiere un apellido, la exposición de funcionarios corruptos teatrales y la combinación de detenciones y celebraciones, coronadas con un Grand Pas de boda.
El Grand pas se baila casi a la perfección: una compañía bien entrenada atraviesa el espacio del escenario de manera bastante sincrónica, glamorosa con cabrioles y seductora con cancán ambuate. En el Grand Pas, las cabezas de las bailarinas no están decoradas con peinetas "españolas" que sobresalen victoriosamente de sus gatitos, sino con encantadores sombreros franceses del "Moulin Rouge", y en sus pies hay medias negras y zapatillas de punta negras que, junto con con sonrisas encantadoras, dan a la coreografía académica y bronceada de Petipa un aire puramente parisino: estilo, alegría y frivolidad, completamente borrados en el siglo pasado. Miki Nishiguchi y Ekaterina Sapogova interpretan el papel principal con una dulce arrogancia francesa y una indiferencia descuidada; no buscan registros industriales en la coreografía y no “fríen” fouettés con un aire de verdad última, pero todas sus declaraciones de danza son impecablemente precisas. y brillantemente articulado. Alexey Seliverstov y Alexander Merkushev, que se turnaron para interpretar el papel de Lucien, apreciaron la variabilidad plástica propuesta por los directores: el caballero ideal en el primer acto, el reflexivo héroe neurótico en el segundo y el impecable primer ministro aristócrata en el tercero. .
Pero “Paquita” llegó a ser así gracias al compositor Yuri Krasavin, autor de la “transcripción libre” de la partitura de Eduard Deldevez y Ludwig Minkus. Creó un gran avance musical, reencarnando melodías simples y pequeñas canciones en el poderoso sonido polifónico de una obra increíblemente integral y fascinante. Estas transformaciones y las charadas musicales concebidas por el Sr. Krasavin sumergen a uno en un deleite frenético. La introducción del acordeón, el xilófono y el papel cada vez mayor de la percusión, ahora cautelosamente delicada, ahora cortando desde el hombro y preparando el paso de "aplausos", introducida en la orquesta, dieron a la partitura de "Paquita" de Krasavin aún mayor plasticidad y “franqueza”. Sin embargo, los golpes de látigo en los momentos de mayor intensidad energética no permiten dejarse arrullar por el encanto de un ballet engañosamente antiguo.
Paquita es un ballet con música del compositor Edouard Deldevez con posteriores incorporaciones musicales del compositor Ludwig Minkus.
Libreto de Paul Foucher y Joseph Mazilier. La base literaria fue el cuento “La gitana” de Miguel Cervantes.
La primera representación tuvo lugar en París, en el escenario del Gran Teatro de la Ópera, el 1 de abril de 1846, bajo la dirección del coreógrafo Joseph Mazilier con música de Ernest Deldevez.
Personajes:
Lucien d'Hervilly
Íñigo, jefe del campamento gitano
Don López de Mendoza, gobernador provincial de España
Conde d'Hervilly, general francés, padre de Lucien
Escultor
Paquita
Doña Serafina, hermana de don López
Condesa, madre del conde d'Hervilly
Joven gitano.
Resumen:
En España, la bella Paquita vive en un campamento gitano. Pero ella no es gitana. Su aparición en el campo está relacionada con algunos terrible crimen 1795 y envuelto en misterio. Paquita guarda cuidadosamente un retrato en miniatura de su padre, pero no sabe quién es ni por qué lo mataron. Era muy joven y sólo recuerda cómo alguien se la llevó.
Pero entonces el conde d'Hervilly, un general francés, llega al valle cercano a Zaragoza, donde vive el campamento gitano. Exige erigir un monumento a su hermano Karl, que una vez fue asesinado con su esposa e hija en este mismo lugar.
Mientras tanto, el gobernador de la provincia española, López de Mendoza, está tramando cómo casar a su hermana Serafina con Lucien d'Hervilly. E Íñigo, el jefe del campamento gitano, teje sus propias intrigas: quiere conquistar el amor de la bella Paquita. Sin embargo, nota que entre Lucien y Paquita surgen tiernos sentimientos. Íñigo acude al gobernador Don López de Mendoza y desarrollan un plan para destruir a Lucien: darle vino mezclado con pastillas para dormir y luego vendrán asesinos a sueldo especialmente contratados.
Pero sus planes no están destinados a hacerse realidad: Paquita escuchó su conversación y salva a Lucien reemplazando las botellas de vino y dándole a Iñigo pastillas para dormir. Los asesinos a sueldo, habiendo recibido órdenes de matar al que estaba en la casa, matan por error al propio Iñigo en lugar de a Lucien.
Y los personajes principales, Paquita y Lucien d'Hervilly, juntos, vivos e ilesos después de todos los problemas, llegan al lugar donde se prepara el gran baile y donde está esculpido el retrato del héroe asesinado Charles d'Hervilly.
Paquita habla de la traición del gobernador y este es arrestado. Y en el retrato del héroe fallecido, comparándolo con la imagen de su medallón, reconoce a su propio padre.
La historia del ballet.
El estreno de la obra en dos actos tuvo lugar el 1 de abril de 1846 en París, en el Gran Teatro de la Ópera.
En los papeles principales: Paquita - Carlotta Grisi, Lucien - Lucien Petipa; en el papel de Iñigo - Pearson.
El ballet se representó en la Ópera de París hasta 1851, mientras el intérprete trabajaba allí. partido principal Carlotta Grisi (luego se fue con su marido de hecho, el coreógrafo Jules Perrot, a Rusia, donde consiguió un contrato para dos temporadas y donde Paquita estaba entre los papeles interpretados).
Pero verdadero éxito Esperaba este ballet un año y medio después en Rusia, donde recibió el nombre de “Paquita” y fue representado varias veces y continúa su vida escénica aún.
La producción en Rusia fue la siguiente después del estreno en París, pasó de dos actos a tres actos y se representó en la Compañía Imperial de San Petersburgo en el escenario del Teatro Big Stone el 26 de septiembre de 1847 con música de Deldevez, orquestada por K. N. Lyadov y con la incorporación de nueva musica galope
Marius Petipa repitió la misma producción en la Compañía Imperial de Moscú, en el Teatro Bolshoi, el 23 de noviembre de 1848, interpretando él mismo los papeles principales junto con su compañera E. Andreyanova.
El 27 de diciembre de 1881, la Compañía Imperial de San Petersburgo actuó en el escenario del Teatro Bolshoi Kamenny. nueva versión ballet del coreógrafo Marius Petipa, donde la música de Deldevez se complementó con la música de Minkus, para la cual M. Petipa inventó especialmente varias escenas de danza.
La versión del ballet representada por Marius Petipa no desapareció. Fue conservado por N. G. Sergeev, quien escribió a principios del siglo XX. repertorio de ballet Compañía Imperial de San Petersburgo según el sistema de grabación coreográfica de su maestro V. I. Stepanov. Tras exiliarse, N. G. Sergeev se llevó todas las grabaciones y las utilizó él mismo varias veces, presentando representaciones de ballet en diferentes escenarios donde la vida lo llevó. Ahora su colección se conserva en Estados Unidos, en la biblioteca de la Universidad de Harvard, y está disponible para todos los trabajadores del ballet.
En 2000, basándose en estas grabaciones, Pierre Lacotte restauró la edición de Marius Petipa para la Gran Ópera de París. El ballet volvió así, aunque no en su forma original, sino en la versión de Marius Petipa, al escenario en el que comenzó su historia.