Genre d'opéra. Qu'est-ce que l'opéra en musique : l'émergence du genre. Distribution à l'étranger

L'opéra est un type de comédie musicale et dramatique
œuvres basées
sur la synthèse de mots,
l'action sur scène et
musique. En revanche
du théâtre dramatique
où la musique joue
fonctions officielles, à l'opéra
elle est la principale
porteur d’action.
Base littéraire de l'opéra
est le livret,
d'origine ou
basé sur la littérature
travail.

L'opéra au XIXème siècle

Au début du 19ème siècle. même
l'opéra sérieux s'est arrêté
être un art pour
sélectionner le public
devenir une propriété
divers sociaux
cercles Au premier trimestre
XIXème siècle en France
grandes fleurs (ou
grand opéra lyrique
avec elle excitante
histoires, colorées
orchestre et déployé
scènes chorales.

opéra italien

Italie-Patrie
opéra.Opéra italien de
le plus connu.
Traits de caractère
Romantique italien
l'opéra - son aspiration à
personne. À l'honneur
auteurs - joies humaines,
tristesse, sentiments. C'est toujours
un homme de vie et d'action.
L'opéra italien ne savait pas
"la tristesse du monde" inhérente
opéra allemand
le romantisme. Elle n'avait pas
profondeur, philosophique
échelle de pensée et haute
intellectualisme. C'est un opéra
passions vivantes, art clair
et bon pour la santé.

opéra français

Opéra français premier semestre 19
siècle est représenté par deux principaux
genres. Tout d'abord, c'est comique
opéra. Opéra-comique né
au XVIIIe siècle, n'est pas devenu un reflet brillant
nouvelles tendances romantiques. Comment
l'influence du romantisme peut y être
notons seulement le renforcement du lyrique
commencé.
Un reflet clair des Français
le romantisme musical est devenu un nouveau
genre qui s'est développé en France dans les années 30
années : grand opéra français.
Le grand opéra est un opéra monumental,
style décoratif associé à
sujets historiques, différents
faste inhabituel des productions et
utilisation efficace de la masse
scènes

Compositeur Bizet

Bizet-Georges (1838-1875),
compositeur français.
Né le 25 octobre 1838 à Paris en
famille d'un professeur de chant. Remarquer la comédie musicale
le talent de son fils, son père l'envoya étudier à
Conservatoire de Paris. Bizet avec brio
en sortit diplômé en 1857. Après l'obtention de son diplôme
Le Conservatoire Bizet a reçu le prix de Rome
un prix intitulé
long voyage aux frais du gouvernement vers
L'Italie va améliorer ses compétences.
En Italie, il compose son premier opéra
"Don Procopio" (1859).
De retour dans son pays natal, Bizet fait ses débuts
sur la scène parisienne avec l'opéra « Les Chercheurs »
perles" (1863). Bientôt, il fut créé
prochain opéra - « La beauté de Perth »
(1866) d'après le roman de W. Scott.
Malgré toute la comédie musicale
l'opéra n'a apporté ni dignité ni succès, et en
1867 Bizet se tourne à nouveau vers le genre
opérettes (« Malbrouk s'apprête à partir en randonnée »), A
en 1871, il crée un nouvel opéra - "Dzhamile"
d'après le poème « Namuna » d'A. Musset.

Compositeur Verdi

Verdi Giuseppe (1813-1901),
Compositeur italien.
Né le 1er octobre 1813 à Roncola
(province de Parme) dans une famille villageoise
aubergiste.
Comme le compositeur Verdi a surtout
J'étais attiré par l'opéra. Il a créé 26
travaille dans ce genre. La renommée et
L'opéra "Nabuchodonosor" a rendu célèbre l'auteur
(1841) : écrit sur un récit biblique,
elle est imprégnée d'idées liées à la lutte
L'Italie pour l'indépendance. Le même thème du mouvement de libération héroïque se retrouve dans les opéras
"Les Lombards dans la première croisade"
(1842), « Jeanne d'Arc » (1845), « Attila »
(1846), "Bataille de Legnano" (1849). Verdi
est devenu un héros national en Italie. À la recherche de
de nouvelles histoires, il s'est tourné vers la créativité
grands dramaturges : d'après la pièce de V. Hugo
a écrit l'opéra Ernani (1844), basé sur la tragédie
W. Shakespeare - « Macbeth » (1847), basé sur un drame
"Ruse et amour" de F. Schiller - "Louise
Meunier" (1849).
Décédé le 27 janvier 1901 à Milan.

italien opéra, allumé. - travail, affaires, essai

Un type d’œuvre musicale et dramatique. L'opéra est basé sur une synthèse de paroles, d'action scénique et de musique. Contrairement à divers types de théâtre dramatique, où la musique remplit des fonctions auxiliaires et appliquées, dans l'opéra, elle devient le support principal et force motrice Actions. Un opéra nécessite un concept musical et dramatique holistique et en développement constant (voir). S'il est absent et que la musique ne fait qu'accompagner et illustrer le texte verbal et les événements qui se déroulent sur scène, alors la forme lyrique se désintègre et la spécificité de l'opéra en tant que type particulier d'art musical et dramatique est perdue.

L'émergence de l'opéra en Italie au tournant des XVIe-XVIIe siècles. a été préparée, d’une part, par certaines formes de la tradition de la Renaissance, dans laquelle la musique occupait une place importante. lieu (intermède luxuriant de l'Avent, drame pastoral, tragédie avec chœurs), et d'autre part, le développement généralisé à la même époque du chant solo avec instruments. accompagnement. C'est en O. que les recherches et les expérimentations du XVIe siècle trouvent leur expression la plus complète. dans le domaine du wok expressif. monodie, capable de transmettre les différentes nuances du discours humain. B.V. Asafiev a écrit : « Le grand mouvement de la Renaissance, qui a créé l'art de « l'homme nouveau », a proclamé le droit d'exprimer librement l'âme et les émotions en dehors du joug de l'ascèse, a donné naissance à un nouveau chant, dans lequel le son vocalisé et chanté est devenu une expression de la richesse émotionnelle du cœur humain dans ses manifestations illimitées. Cette révolution profonde dans l'histoire de la musique, qui a changé la qualité de l'intonation, c'est-à-dire la révélation du contenu intérieur, de l'âme et de l'humeur émotionnelle par la voix humaine et discours, ne pouvait que donner vie. art de l'opéra"(Asafiev B.V., Œuvres choisies, vol. V, M., 1957, p. 63).

L’élément le plus important et intégral d’une œuvre d’opéra est le chant, qui transmet une riche gamme d’expériences humaines dans les nuances les plus fines. Grâce aux plongeurs. construire un wok. l'intonation en O. révèle le psychisme individuel. la composition de chaque personnage, les caractéristiques de son caractère et de son tempérament sont véhiculées. De la collision de différentes intonations. des complexes dont les relations correspondent au rapport de forces dans les drames. action, la « dramaturgie intonative » d'O. est née comme un drame musical. la totalité.

Développement de la symphonie aux XVIIIe-XIXe siècles. élargi et enrichi les possibilités d'interprétation du drame par la musique. actions dans l'O., révélant son contenu, qui n'est pas toujours pleinement révélé dans le texte chanté et les actions des personnages. L'orchestre joue un rôle de commentaire varié et de généralisation dans l'orchestre. Ses fonctions ne se limitent pas au support wok. les partis et l'accent expressif sur les individus, le plus important. moments d'action. Il peut transmettre le « courant sous-jacent » de l’action, formant une sorte de drame. un contrepoint à ce qui se passe sur scène et à ce que chantent les chanteurs. Une telle combinaison de différents plans est l’une des expressions les plus fortes. techniques en O. Souvent, l'orchestre termine l'histoire, complète la situation, l'amenant au point culminant du drame. tension. L'orchestre joue également un rôle important dans la création du contexte de l'action, décrivant la situation dans laquelle elle se déroule. Descriptif orchestral. les épisodes se transforment parfois en symphonies complètes. peintures. Purement orc. Certains événements faisant partie de l'action elle-même peuvent être incarnés par des moyens (par exemple, dans des entractes symphoniques entre les scènes). Enfin, l'orc. le développement est l'une des créatures. facteurs dans la création d’une forme lyrique cohérente et complète. Tout ce qui précède est inclus dans le concept du symphonisme lyrique, qui utilise de nombreuses techniques thématiques. développement et formation qui se sont développés dans des instruments « purs ». musique. Mais ces techniques reçoivent une application plus flexible et plus libre au théâtre, sous réserve des conditions et exigences du théâtre. Actions.

Dans le même temps, l'effet inverse de l'oxygène sur l'instrument se produit. musique. Ainsi, O. a eu une influence incontestable sur la formation du classique. symphonie orchestre. Rangée d'Orc. effets survenus en relation avec certaines tâches du théâtre dramatique. commande, devient alors la propriété de l’instrument. la créativité. Développement de la mélodie d'opéra aux XVIIe-XVIIIe siècles. préparé certains types de classiques. instr. thématisme. Les représentants du romantisme programmatique ont souvent eu recours à des techniques d'expressivité lyrique. symphonisme, qui cherchait à peindre avec des moyens instrumentaux. la musique, des images spécifiques et des représentations de la réalité, jusqu'à la reproduction de gestes et d'intonations de la parole humaine.

En musique, divers genres de musique quotidienne sont utilisés - chant, danse, marche (dans leurs nombreuses variétés). Ces genres ne servent pas seulement à décrire le contexte dans lequel se déroule l'action, la création du national. et la couleur locale, mais aussi pour caractériser les personnages. Une technique appelée « généralisation par genre » (terme de A. A. Alshwang) est largement utilisée dans l’expression artistique. Le chant ou la danse devient un moyen de réalisme. typification de l'image, identification du général dans le particulier et l'individuel.

Rapport différentiel éléments à partir desquels l'art se forme en tant qu'art. l'ensemble, varie en fonction de l'esthétique générale. les tendances prédominantes à une époque particulière, dans un sens ou dans l'autre, ainsi que celles d'artistes créatifs spécifiques. problèmes résolus par le compositeur dans cette œuvre. Il existe principalement des orchestres vocaux, dans lesquels l'orchestre se voit attribuer un rôle secondaire et subordonné. En même temps, l'orchestre peut être ch. porteur de drames. action et dominer le wok. par lots. On connaît des O., construits sur l'alternance de woks complets ou relativement complets. formes (aria, arioso, cavatina, divers types d'ensembles, chœurs), et O. primaire. type récitatif, dans lequel l'action se développe en continu, sans division en départements. épisodes (numéros), performances avec une prédominance de l'élément soliste et performances avec des ensembles ou des chœurs développés. Tout R. 19ème siècle le concept de « drame musical » a été avancé (voir Drame musical). Musique le drame contrastait avec la structure conventionnelle O. « numérotée ». Cette définition signifiait une production dans laquelle la musique est entièrement subordonnée au drame. action et en suit tous les virages. Cependant, cette définition ne prend pas en compte les spécificités. les lois de la dramaturgie lyrique, qui ne coïncident pas complètement avec les lois du drame. t-ra, et ne distingue pas O. de certains autres types de théâtre. des spectacles avec de la musique, dans lesquels il ne joue pas un rôle de premier plan.

Le terme « O ». conditionnel et est apparu plus tard que le genre musical-drame qu’il désigne. travaux. Ce nom a été utilisé pour la première fois dans son sens donné en 1639 et est devenu d'usage général au XVIIIe siècle. 19ème siècles Les auteurs des premiers opéras, parus à Florence au tournant des XVIe et XVIIe siècles, les appelaient « drames sur musique » (Drama per musica, lit. - « drame à travers la musique » ou « drame pour la musique »). Leur création est née du désir de faire revivre le grec ancien. la tragédie. Cette idée est née dans un cercle de scientifiques humanistes, d'écrivains et de musiciens regroupés autour du noble florentin G. Bardi (voir Florentine Camerata). Les premiers exemples d'O. sont considérés comme « Daphné » (1597-98, non conservé) et « Eurydice » (1600) de J. Peri sur le suivant. O. Rinuccini (la musique d'« Eurydice » a également été écrite par G. Caccini). Ch. L'objectif mis en avant par les auteurs de la musique était la clarté de la récitation. Wok. les parties sont conçues de manière mélodique-récitative et ne contiennent que certains éléments de colorature peu développés. En 1607, il y eut un jeûne à Mantoue. O. "Orphée" de C. Monteverdi, l'un des plus grands musiciens-dramaturges de l'histoire de la musique. Il a apporté dans O. le véritable drame, la vérité des passions, l'a enrichi et l'a exprimé. installations.

Originaire d'une atmosphère aristocratique. salon, O. se démocratise au fil du temps, devenant accessible à des franges plus larges de la population. A Venise, qui est devenue au milieu. 17ème siècle Ch. Centre de développement du genre lyrique, le premier théâtre public a été ouvert en 1637. théâtre d'opéra ("San Cassiano"). Le changement de base sociale d'O. a affecté son contenu même et la nature de son expression. fonds. Aux côtés de la mythologie des intrigues historiques apparaissent. thème, il y a une envie de drames pointus et intenses. conflits, une combinaison du tragique et du comique, du sublime avec le drôle et le vil. Wok. les parties mélodisent, acquièrent des traits bel canto et émergent indépendamment. épisodes solo de type air. Les derniers opéras de Monteverdi furent écrits pour Venise, dont Le Couronnement de Poppée (1642), repris dans le répertoire moderne. les opéras. Les plus grands représentants de l'école d'opéra vénitienne (voir École de Venise) comprenaient F. Cavalli, M. A. Cesti, G. Legrenzi, A. Stradella.

Tendance à augmenter la mélodique. début et cristallisation du wok fini. les formes, décrites par les compositeurs de l'école vénitienne, ont été développées par les maîtres de l'école d'opéra napolitaine, qui s'était développée au début. 18ème siècle Le premier représentant majeur de cette école était F. Provenzale, son chef était A. Scarlatti, parmi les maîtres éminents figuraient L. Leo, L. Vinci, N. Porpora et d'autres. des livrets dans le style de l'école napolitaine ont également été écrits par des compositeurs d'autres nationalités, dont I. Hase, G. F. Handel, M. S. Berezovsky, D. S. Bortnyansky. Dans l'école napolitaine, la forme de l'air (en particulier da capo) est finalement formée, une frontière claire est établie entre l'air et le récitatif et le style dramaturgique est défini. fonctions plongeurs. éléments de O. dans son ensemble. La stabilisation de la forme lyrique a été facilitée par le travail des librettistes A. Zeno et P. Metastasio. Ils ont développé un type harmonieux et complet d'opera seria (« opéra sérieux ») basé sur la mythologie. ou historique-héroïque. parcelle. Mais avec le temps, les drames. le contenu de cet O. passait de plus en plus au second plan et se transformait en divertissement. "concert en costumes", se soumettant totalement aux caprices des chanteurs virtuoses. Déjà au milieu. 17ème siècle italien O. s'est propagé dans un certain nombre de pays d'Europe. des pays Sa connaissance a incité à l'émergence de leurs propres nationaux dans certains de ces pays. théâtre d'opéra. En Angleterre, G. Purcell, utilisant les acquis de l'école d'opéra vénitienne, a créé une production profondément originale. dans la langue maternelle « Didon et Enée » (1680). J. B. Lully était le fondateur des Français. tragédie lyrique - comme héroïque-tragique. O., à bien des égards proche du classique. tragédies de P. Corneille et J. Racine. Si "Dido and Aeneas" de Purcell est resté un phénomène isolé qui n'a pas eu de suite en anglais. sol, alors le genre est lyrique. La tragédie s'est largement développée en France. Son point culminant au milieu. 18ème siècle était associé aux travaux de J. F. Rameau. En même temps, l'italien. l'opera seria, qui domine le XVIIIe siècle. en Europe, est souvent devenu un frein au développement des À PROPOS DE.

Dans les années 30 18ème siècle originaire d'Italie nouveau genre- l'opéra bouffe, développé à partir de la bande dessinée. des intermèdes, qui étaient généralement exécutés entre les actes d'un opéra seria. Le premier exemple de ce genre est généralement considéré comme les intermèdes de G. V. Pergolesi « La Servante-Maîtresse » (1733, interprétés entre les actes de sa série d'opéras « Le fier captif »), qui ont rapidement acquis une signification à part entière. scénique travaux. Le développement ultérieur du genre est associé à la créativité de la composition. N. Logroshino, B. Galuppi, N. Piccinni, D. Cimarosa. Le réalisme avancé se reflétait dans l'opéra bouffe. tendances de cette époque. Sur pilotis conditionnellement héroïque. les personnages de l'opéra seria contrastaient avec des images des gens ordinairesà partir de la vie réelle, l'action s'est développée rapidement et vivement, la mélodie associée à la narration. origines, combinant des caractéristiques aiguës avec la mélodie d'un sentiment doux. entrepôt

Avec l'italien opéra bouffe au XVIIIe siècle. d'autres nationalités surgissent. types de bande dessinée A. La représentation de « La Pucelle-Madame » à Paris en 1752 a contribué au renforcement de la position des Français. opéra comique, enraciné dans le folklore. des spectacles équitables, accompagnés du chant de chansons en vers simples. Démocratique Procès italien "Buffons" a été soutenu par les dirigeants français. Lumières par D. Diderot, J. J. Rousseau, F. M. Grimm et autres Comic. Les opéras de F. A. Philidor, P. A. Monsigny et A. E. M. Grétry se distinguent par leur réalisme. contenu, gamme développée, mélodique. richesse. Un opéra de ballade est né en Angleterre, dont le prototype était "Beggar's Opera" de J. Pepusch sur les paroles. J. Gaia (1728), qui était une satire socialement pointue sur l'aristocratique. opéra série. "The Beggar's Opera" a influencé la formation au milieu. 18ème siècle Allemand Singspiel, qui se rapproche plus tard des Français. comédien d'opéra, préservant le national personnage dans la structure figurative et la musique. langue. Les plus grands représentants de l'Allemagne du Nord. Les singspiel étaient I. A. Hiller, K. G. Nefe, I. Reichardt, autrichiens - I. Umlauf et K. Dittersdorf. Le genre du Singspiel a été profondément repensé par W. A. ​​​​Mozart dans L'Enlèvement au Sérail (1782) et La Flûte enchantée (1791). Au début. 19ème siècle Dans ce genre, le romantisme apparaît. les tendances. Les fonctionnalités du Singspiel sont conservées par la production « logicielle ». Allemand musique romantisme "Free Shooter" de K. M. Weber (1820). Basé sur Nar. les coutumes nationales, les chants et les danses se sont développés. Genres espagnols musique t-ra - zarzuela et plus tard (2e moitié du XVIIIe siècle) tonadilla.

Dans le dernier tiers du XVIIIe siècle. Le russe est apparu. bande dessinée O., qui a dessiné des intrigues de sa patrie. vie. Jeune russe O. a adopté certains éléments de l'italien. opéra bouffe, français comédien d'opéra, allemand Singspiel, mais par la nature des images et de l'intonation. c'était profondément original dans la structure de la musique. Ses personnages étaient pour la plupart des gens du peuple ; la musique était basée sur cela. au moins (parfois complètement) sur le nar mélodique. Chansons. O. occupait la place la plus importante dans le travail des Russes talentueux. maîtres E. I. Fomin ("Cochers sur un stand", 1787, etc.), V. A. Pashkevich ("Malheur de la voiture", 1779; "Saint-Pétersbourg Gostiny Dvor, ou Comme tu vis, ainsi tu seras connu", 2- J'éd. 1792, etc.). Au tournant des XVIIIe-XIXe siècles. national sorte de bande dessinée folk-quotidienne O. est originaire de Pologne, de République tchèque et de certains autres pays.

Diff. genres d'opéra clairement différenciés selon le 1er genre. XVIIIe siècle, au cours de la période historique les évolutions se sont rapprochées, les frontières entre elles sont souvent devenues conditionnelles et relatives. Le contenu est comique. L'image s'est approfondie, des éléments des sens y ont été introduits. pathétique, drame et parfois héroïque (« Richard Cœur de Lion » de Grétry, 1784). Par contre, « sérieux » héroïque. O. a acquis plus de simplicité et de naturel, s'affranchissant de la rhétorique pompeuse qui lui est inhérente. La tendance à la mise à jour des traditions. le type d'opéra seria apparaît au milieu. 18ème siècle en Italie comp. N. Yommelli, T. Traetta et autres. Musique et théâtre autochtones. la réforme a été réalisée par K.V. Gluck, art. dont les principes se sont formés sous l'influence des idées allemandes. et français Éclaircissement. Ayant commencé sa réforme à Vienne dans les années 60. 18ème siècle (« Orphée et Eurydice », 1762 ; « Alceste », 1767), il l'acheva une décennie plus tard dans les conditions pré-révolutionnaires. Paris (le point culminant de son innovation lyrique est Iphigénie en Tauride, 1779). En quête de l'expression véridique des grandes passions, du drame. justification de tous les éléments d'une représentation d'opéra, Gluck abandonna tout schéma prescrit. Il a utilisé express. signifie comme italien Oh, les Français aussi. lyrique tragédie, les subordonnant à une seule dramaturgique. plan.

L'apogée du développement d'O. se situe au XVIIIe siècle. était l'œuvre de Mozart, qui synthétisait les réalisations de différentes nationalités. écoles et a élevé ce genre à des sommets sans précédent. Mozart, le plus grand artiste réaliste, a donné vie à des drames aigus et intenses avec une grande puissance. les conflits, ont créé des personnages humains brillants et extrêmement convaincants, les révélant dans des relations complexes, entrelacées et luttes d'intérêts opposés. Pour chaque intrigue, il a trouvé une forme particulière de drame musical. les modes de réalisation et correspondants exprimeront. installations. Dans « Les Noces de Figaro » (1786), il se révèle sous des formes italiennes. L'opéra bouffe est un réalisme profond et avant-gardiste. contenu, dans "Don Juan" (1787) la comédie se conjugue avec la haute tragédie (dramma giocosa - "drame drôle", selon la propre définition du compositeur), dans "La Flûte enchantée" les morales sublimes s'expriment sous une forme de conte de fées. idéaux de bonté, d'amitié, de persévérance des sentiments.

Excellent français la révolution a donné de nouvelles incitations au développement d'O. V con. 18ème siècle En France est né le genre de « l'opéra de sauvetage », dans lequel le danger imminent a été surmonté grâce au courage, à la bravoure et à l'intrépidité des héros. Cet O. dénonçait la tyrannie et la violence, et louait la valeur des combattants pour la liberté et la justice. La proximité des intrigues avec les temps modernes, le dynamisme et la rapidité de l'action rapprochent « l'opéra de sauvetage » de l'opéra comique. En même temps, il se distinguait par le drame vif de la musique et le rôle accru de l'orchestre. Des exemples typiques de ce genre sont « Lodoiska » (1791), « Elise » (1794) et le particulièrement populaire O. « Two Days » (« Water Carrier », 1800) de L. Cherubini, ainsi que « The Cave » de J.F. Lesueur (1793 ). Il est proche de « l’opéra du salut » en termes d’intrigue et de dramaturgie. structure de "Fidelio" de L. Beethoven (1805, 3e édition 1814). Mais Beethoven a élevé le contenu de son O. à une haute généralisation idéologique, approfondi les images et symphonisé la forme lyrique. "Fidelio" compte parmi ses plus grandes symphonies. créations, occupant une place particulière dans l’art lyrique mondial.

Dans le 19ème siècle il y a une différenciation claire des différents national écoles d'opéra. La formation et la croissance de ces écoles étaient associées au processus général de formation des nations, à la lutte des peuples pour la politique. et l'indépendance spirituelle. Une nouvelle direction de l'art est en train de se former - le romantisme, cultivé plutôt que cosmopolite. tendances des Lumières, intérêt accru pour les formes de vie et tout ce dans lequel « l’esprit des peuples » se manifestait. L’art occupe une place importante dans l’esthétique du romantisme, dont l’une des pierres angulaires est l’idée de synthèse artistique. Pour les romantiques O. se caractérise par des histoires du folklore. contes de fées, légendes et traditions ou historiques. le passé du pays, des images colorées de la vie quotidienne et de la nature, l'imbrication du réel et du fantastique. Les compositeurs romantiques s'efforçaient d'incarner des sentiments forts et vifs et des états d'esprit très contrastés ; ils combinaient un pathétique violent avec un lyrisme rêveur.

L'Italie a conservé l'une des premières places dans le développement d'O. l'école, même si elle n'avait plus une telle exception. significations, comme au XVIIIe siècle, et a suscité de vives critiques de la part des représentants d'autres nationalités. écoles Traditionnel Genres italiens O. ont été mis à jour et modifiés sous l'influence des exigences de la vie. Wok. le début a continué à dominer le reste des éléments de O., mais la mélodie est devenue plus flexible, dramatiquement significative, une ligne nette entre récitatif et mélodique. le chant a été effacé, une plus grande attention a été accordée à l'orchestre comme moyen de musique. caractéristiques des images et des situations.

Les caractéristiques du nouveau étaient clairement évidentes chez G. Rossini, dont l'œuvre est issue de l'italien. culture lyrique du XVIIIe siècle. Son « Le Barbier de Séville » (1816), qui fut l'apogée du développement de l'opéra bouffe, s'écarte considérablement de la tradition. exemples de ce genre. La comédie des situations, non exempte d'éléments de bouffonnerie superficielle, s'est transformée en réalisme chez Rossini. une comédie de personnages qui allie vivacité, plaisir et esprit avec une satire pointue. Les mélodies de cette musique, souvent proches des mélodies folkloriques, ont une caractéristique pointue et correspondent très fidèlement aux images des personnages. Dans la bande dessinée "Cendrillon" (1817). O. devient lyrique et romantique. coloriage, et dans « La Pie voleuse » (1817), il aborde un drame quotidien. Dans son opéra seria mature, imprégné du pathétique du patriotisme et de la libération du peuple. lutte ("Moïse", 1818 ; "Mohammed", 1820), Rossini renforça le rôle du chœur, créa un grand peuple. des scènes pleines de drame et de grandeur. Les gens vont libérer les idées ont reçu une expression particulièrement vive dans O. « Guillaume Tell » (1829), dans lequel Rossini dépassait le cadre de l'italien. tradition lyrique, anticipant certains traits du français. grand romantique À PROPOS DE.

Dans les années 30-40. 19ème siècle les travaux de V. Bellini et G. Donizetti se sont développés, le premier O. du jeune G. Verdi est apparu, servant d'exemples frappants d'italien. le romantisme. Les compositeurs reflétaient le patriotisme dans leur O. hausse associée au mouvement de l'ital. Risorgimento, tension des attentes, soif d'un grand sentiment libre. Chez Bellini, ces ambiances se colorent de tonalités de lyrisme doux et rêveur. L'une de ses meilleures œuvres est O. sur l'histoire. l'intrigue de « Norma » (1831), dans laquelle le drame personnel est mis en avant. "Somnambule" (1831) - drame lyrique. O. de la vie des gens ordinaires ; O. « Puritains » (1835) combine lyrique. drame avec un thème folk-religieux. lutte. Historique-romantique le drame aux passions fortes est caractéristique de l'œuvre de Donizetti (Lucia di Lammermoor, 1835 ; Lucrezia Borgia, 1833). Il a également écrit des bandes dessinées. O. (le meilleur d'entre eux est « Don Pasquale », 1843), reliant les traditions. bouffonnerie avec du simple et sans prétention. lyrisme. Cependant, la bande dessinée le genre n'a pas attiré les compositeurs romantiques. directions, et Donizetti était le seul grand italien après Rossini. un maître qui a consacré son temps à ce genre signifie. attention dans votre créativité.

Le point culminant du développement en Italie. O. au 19ème siècle. et l'une des plus grandes scènes de l'art lyrique mondial est représentée par l'œuvre de Verdi. Son premier O. "Nabuchodonosor" ("Nabucco", 1841), "Les Lombards dans la première croisade" (1842), "Ernani" (1844), captivèrent le public avec patriotisme. pathétique et hautement héroïque. les sentiments ne sont cependant pas dépourvus d'un certain essaim de romantiques. échasse. Dans les années 50 il a créé le produit. énorme drame. force. Dans O. "Rigoletto" (1851) et "Troubadour" (1853), qui ont conservé le romantique. les caractéristiques incarnaient un réalisme profond. contenu. Dans La Traviata (1853), Verdi franchit une nouvelle étape vers le réalisme en prenant l'intrigue de la vie quotidienne. Dans l'op. Années 60-70 - "Don Carlos" (1867), "Aida" (1870) - il utilise des formes d'opéra monumentales, enrichit les moyens du wok. et orc. expressivité. Une fusion complète de musique et de théâtre. action réalisée par lui. dans O. "Othello" (1886), combinant le pouvoir des passions de Shakespeare avec une transmission inhabituellement flexible et sensible de tout ce qui est psychologique. nuances. A la fin de son travail de création. Le chemin de Verdi s'est tourné vers le genre de la comédie ("Falstaff", 1892), mais il s'est éloigné des traditions de l'opéra bouffe pour créer une production. avec une action traversante en constante évolution et une langue de wok très caractéristique. fêtes basées sur la récitation. principe.

En Allemagne avant le début. 19ème siècle il n’y avait pas de O de grande forme. Département. tente de créer un grand idiot. O. dans l'histoire. thème au XVIIIe siècle. n’ont pas réussi. National Allemand O., qui s'est développé dans le courant dominant du romantisme, s'est développé à partir du Singspiel. Sous l'influence du romantique les idées ont été enrichies par la sphère figurative et vont s'exprimer. Grâce à ce genre, son ampleur s'est élargie. L'un des premiers allemands romantique O. était «Ondine» de E. T. A. Hoffmann (1813, post. 1816), mais l'épanouissement du national. La tradition de l'opéra a commencé avec l'apparition de « Free Shooter » de K. M. Weber (1820). L'énorme popularité de cet O. reposait sur la combinaison du réalisme. peintures de la vie quotidienne et de la poésie. paysages avec sacrements. démoniaque fantaisie. "Free Shooter" a servi de source de nouveaux éléments figuratifs et de nouvelles couleurs. réceptions non seulement pour créativité lyrique PL. compositeurs, mais aussi pour les romantiques. programme symphonie. Stylistiquement moins intégral, le grand « chevaleresque » « Euryanthe » (1823) d'O. Weber contenait cependant des découvertes précieuses qui ont influencé le développement ultérieur de l'art de l'opéra en Allemagne. De "Euryanthe", il y a un fil direct vers l'unité. production d'opéra "Genoveva" de R. Schumann (1849), ainsi que "Tannhäuser" (1845) et "Lohengrin" (1848) de Wagner. Dans Obéron (1826), Weber se tourne vers le genre du singspiel de conte de fées, renforçant l'exotisme de la musique. est coloration Représentants du romantique instructions qu'il contient. O. il y avait aussi L. Spohr et G. Marschner. D'une manière différente, les traditions du Singspiel ont été développées par A. Lortsing, O. Nikolai, F. Flotov, dont les œuvres présentaient des caractéristiques de divertissement superficiel.

Dans les années 40 19ème siècle apparaît comme le plus grand maître de la langue allemande. art de l'opéra R. Wagner. Ses premiers sont matures, indépendants. selon le style d'O., "Le Hollandais volant" (1841), "Tannhäuser", "Lohengrin" sont encore à bien des égards associés au romantique. traditions du début du siècle. En même temps, ils déterminent déjà l'orientation de l'art musical et dramatique. Les réformes de Wagner, qu'il a pleinement mises en œuvre dans les années 50-60. Ses principes, énoncés par Wagner dans les domaines théorique et journalistique. œuvres, est née de la reconnaissance de l’importance primordiale du théâtre. a commencé dans O. : « le théâtre est le but, la musique est le moyen de sa mise en œuvre ». En quête de continuité musicale. développement, Wagner a abandonné la tradition. formes de structure O. « numérotée » (air, ensemble, etc.). Il fonde sa dramaturgie lyrique sur un système complexe de leitmotivs développé par Chap. arr. dans l'orchestre, ce qui a considérablement accru le rôle des symphonies dans son orchestre. commencé. Embrayage et toutes sortes de polyphoniques. combinaisons de divers les leitmotivs formaient une musique fluide et continue. tissu - "mélodie sans fin". Ces principes ont été pleinement exprimés dans « Tristan et Isolde » (1859, après 1865) - la plus grande création de l'art de l'opéra romantique, qui reflétait la vision du monde du romantisme avec la plus grande intégralité. Un système développé de leitmotivs distingue également O. « Les Maîtres Chanteurs de Nuremberg » (1867), mais il est réaliste. l'intrigue a été déterminée. le rôle dans cet O. d'éléments de chanson et de narrations vivantes et dynamiques. scènes Centre. Une place dans l'œuvre de Wagner est occupée par la grandiose tétralogie d'opéra, créée sur près d'un quart de siècle, - "L'Anneau du Nibelung" ("L'Or du Rhin", "La Walkyrie", "Siegfried" et "Le Crépuscule des Dieux" , complètement après 1876). La dénonciation du pouvoir de l’or comme source du mal donne à L’Anneau du Nibelung son caractère anticapitaliste. direction, mais le concept général de la tétralogie est contradictoire et manque de cohérence. O.-mystère "Parsi-fal" (1882) avec tout son talent artistique. les valeurs indiquaient une crise du romantisme. vision du monde dans l'œuvre de Wagner. Musique-drame Les principes et la créativité de Wagner étaient très controversés. Alors qu’ils trouvèrent d’ardents partisans et apologistes parmi de nombreux musiciens, ils furent catégoriquement rejetés par d’autres. Un certain nombre de critiques apprécient grandement les muses pures. Les réalisations de Wagner ont fait croire qu'il était un symphoniste par nature et non un acteur de théâtre. compositeur, et est allé vers O. par le mauvais chemin. Malgré de profonds désaccords dans son appréciation, l'importance de Wagner est grande : il a influencé le développement de la contre-musique. 19 - début 20e siècles Les problèmes posés par Wagner trouvèrent des solutions différentes selon les compositeurs appartenant à des groupes différents. national écoles et arts. directions, mais pas un seul musicien réfléchi ne pouvait s'empêcher de définir son attitude envers les vues et la créativité. Pratique allemande réformateur d'opéra.

Le romantisme a contribué au renouveau du figuratif et du thématique. la sphère de l'art lyrique, l'émergence de nouveaux genres en France. Franz. romantique O. a pris forme dans la lutte avec l'académicien. l'art de l'Empire napoléonien et de l'époque de la Restauration. Un représentant typique de cet académisme musical apparemment spectaculaire mais froid. C'était G. Spontini. Ses O. « Vestale Vierge » (1805), « Fernand Cortés ou la conquête du Mexique » (1809) sont remplis d'échos de guerre. processions et randonnées. Héroïque la tradition issue de Gluck y renaît complètement et perd son sens progressif. Le genre comique était plus vital. A. Extérieurement, « Joseph » d'E. Megul (1807) est adjacent à ce genre. Cet O., écrit sur un récit biblique, enchaîne le classique. rigueur et simplicité avec certains traits de romantisme. Romantique la coloration est caractéristique d'O. sur contes de fées N. Izuara ("Cendrillon", 1810) et A. Boieldieu ("Le Petit Chaperon Rouge", 1818). La montée des Français le romantisme lyrique est en jeu. Années 20 et 30 Dans le domaine de la comédie. O. il se reflète dans « La Dame Blanche » de Boieldieu (1825) au caractère patriarcal et idyllique. couleur et mystère. fantaisie. En 1828, il y eut un jeûne à Paris. "Le Muet de Portici" de F. Ober, qui fut l'un des premiers exemples grand opéra. Le fameux ch. arr. comme un maître comédien. genre opératique, Aubert a créé O. drame. plan avec une abondance de situations de conflit aigu et une dynamique largement déployée. adj. scènes Ce type d'O. a été développé davantage dans Guillaume Tell de Rossini (1829). Le représentant le plus éminent du romantisme historique. Français O. est devenu J. Meyerbeer. Maîtrise des grandes représentations scéniques. masses, répartition habile des contrastes et manière brillamment décorative des muses. Les lettres lui ont permis, malgré l'éclectisme bien connu de son style, de créer des productions qui capturent l'action avec un drame intense et un théâtre purement spectaculaire. efficacité. Le premier opéra parisien de Meyerbeer, Robert le Diable (1830), contient des éléments d'un sombre personnage démoniaque. fiction dans l'esprit du muet. début du romantisme 19ème siècle L'exemple le plus frappant du français. romantique O. - "Huguenots" (1835) sur l'histoire. intrigue de l'ère socio-religieuse. luttes en France au XVIe siècle. Les opéras ultérieurs de Meyerbeer (Le Prophète, 1849 ; La Femme africaine, 1864) montrent des signes du déclin de ce genre. Proche de l’interprétation de l’histoire de Meyerbeer. thèmes de F. Halevi, dont le meilleur est « Le Juif » (« La Fille du Cardinal », 1835). Une place à part en France. musique t-re gris 19ème siècle occupe l'œuvre lyrique de G. Berlioz. Dans « Benvenuto Cellini » d’O. (1837), imprégné de l’esprit de la Renaissance, il s’appuie sur les traditions et les formes du comique. genre d'opéra. Dans la duologie lyrique « Les Troyens » (1859), Berlioz poursuit le personnage héroïque de Gluck. tradition, la colorant romantique. tons.

Dans les années 50-60. 19ème siècle l'opéra lyrique émerge. Comparé au grand romantique. O. son ampleur est plus modeste, l'action se concentre sur la relation à plusieurs. des personnages privés de l'aura de l'héroïsme et du romantisme. exclusivité. Représentants du lyrique O. se tournait souvent vers des scènes d'œuvres. littérature et théâtre mondiaux (W. Shakespeare, J. V. Goethe), mais les a interprétés en termes quotidiens. Les compositeurs ont une créativité moins forte. l'individualité, cela conduisait parfois à la banalité et à une contradiction flagrante entre le caractère sucré-sentimental de la musique et la structure des drames. images (par exemple, « Hamlet » de A. Thoma, 1868). Dans le même temps, les meilleurs exemples de ce genre montrent une attention portée à l’intérieur. le monde humain, un psychologisme subtil, témoignant du renforcement du réalisme. éléments de l'art de l'opéra. L'œuvre qui a établi le genre lyrique. O. en anglais musique Celui qui en incarnait le plus pleinement les traits caractéristiques était « Faust » de C. Gounod (1859). Parmi les autres œuvres de ce compositeur, on distingue « Roméo et Juliette » (1865). Dans un certain nombre de paroles O. le drame personnel des personnages est montré sur un fond exotique. la vie et la nature à l'est. pays (« Lakmé » de L. Delibes, 1883 ; « Les pêcheurs de perles », 1863, et « Djamile », 1871, J. Bizet). En 1875 apparaît la « Carmen » de Bizet – une réaliste. un drame de la vie des gens ordinaires, dans lequel la vérité des passions humaines s'exprimera de manière fascinante. la force et la rapidité de l'action sont combinées à une coloration de genre folk inhabituellement brillante et riche. Dans cette production Bizet a surmonté les limites du lyrisme. O. et a atteint les sommets du réalisme lyrique. Aux plus grands maîtres du lyrisme. O. appartenait également à J. Massenet, qui exprimait les expériences intimes de ses personnages avec une perspicacité et une grâce subtiles (Manon, 1884 ; Werther, 1886).

Parmi les jeunes nationaux Les écoles qui ont atteint leur maturité et leur indépendance au XIXe siècle, la plus importante en importance est russe. Représentant de la Russie le romantisme lyrique, caractérisé par son nationalisme prononcé. le personnage était A.N. Verstovsky. Parmi ses œuvres, « Askold’s Grave » (1835) était de la plus haute importance. Avec l'avènement du classique chefs-d'œuvre de M.I. Glinka Rus. L'école d'opéra entre dans son apogée. Ayant maîtrisé les réalisations les plus importantes de l'Europe occidentale. musique de Gluck et Mozart à leur italien, allemand. et français contemporains, Glinka est parti seul. façons. L'originalité de ses œuvres lyriques. ancré dans un lien profond avec le peuple. sol, avec des courants russes avancés. Société la vie et la culture de l'époque Pouchkine. Dans "Ivan Susanin" (1836), il crée un russe. tapez historique Oh, le héros est un homme du peuple. Le drame des images et de l'action se combine dans cet O. avec la grandeur monumentale du style oratorio. L'épopée est tout aussi originale. La dramaturgie d'O. "Ruslan et Lyudmila" (1842) avec sa galerie d'images diverses présentées sur fond de peintures majestueuses du Dr. Rus' et d'un pittoresque enchanteur, magiquement fantastique. scènes Russie. compositeurs de la 2ème mi-temps. Le XIXe siècle, s'appuyant sur les traditions de Glinka, a élargi les thèmes et la structure figurative de la créativité lyrique, s'est fixé de nouvelles tâches et a trouvé les moyens appropriés pour les résoudre. A. S. Dargomyzhsky a créé une couchette domestique. drame "La Sirène" (1855), dans un montage fantastique. les épisodes servent à incarner la réalité de la vie. contenu. Dans O. "L'invité de pierre" (basé sur le texte inchangé de la "Petite tragédie" de A. S. Pouchkine, 1866-69, complété par T. A. Cui, instrumenté par N. A. Rimsky-Korsakov, 1872), il propose une tâche réformiste - créer production, libre des conventions de l'opéra, dans laquelle une fusion complète de la musique et du théâtre serait réalisée. Actions. Contrairement à Wagner, qui a déplacé le centre de gravité vers le développement orchestral, Dargomyzhsky s'est efforcé principalement d'incarner fidèlement dans la mélodie vocale les intonations de la parole humaine vivante.

Importance mondiale russe. L'école d'opéra a été approuvée par A. P. Borodine, M. P. Moussorgski, N. A. Rimsky-Korsakov, P. I. Tchaïkovski. Malgré toutes les différences, la créativité. leurs individualités étaient unies par une communauté de traditions et de fondamentaux. idéologique et esthétique des principes. Les démocrates avancés en étaient typiques. concentration, réalisme des images, nationalisme prononcé. la nature de la musique, le désir d'établir de hauts principes humanistes. idéaux. La richesse et la polyvalence du contenu de la vie incarné dans l'œuvre de ces compositeurs correspondaient à la variété des types d'œuvres d'opéra. et les moyens de la musique. dramaturgie. Moussorgski avec un pouvoir énorme se reflète dans « Boris Godounov » (1872) et « Khovanchchina » (1872-80, complété par Rimski-Korsakov, 1883), les plus aigus socio-historiques. conflits, la lutte du peuple contre l'oppression et l'anarchie. En même temps, le contour lumineux du Nar. les masses se combinent avec une pénétration profonde dans le monde spirituel de la personnalité humaine. Borodine était l'auteur d'ouvrages historiques et patriotiques. O. "Prince Igor" (1869-87, complété par Rimsky-Korsakov et A.K. Glazunov, 1890) avec ses images convexes et intégrales des personnages, épopée monumentale. peintures du Dr. La Russie et la Crimée s'opposent à l'Est. scènes dans le camp polovtsien. Rimski-Korsakov, qui s'est adressé au préem. à la sphère des personnes la vie et les rituels, à divers formes de personnes poétique créativité, a créé l'opéra-conte "La Fille des neiges" (1881), l'opéra-épopée "Sadko" (1896), l'opéra-légende "La Légende de la ville invisible de Kitezh et de la jeune fille Fevronia" (1904), le conte de fées satiriquement aiguisé O. "Le coq d'or" ( 1907) etc. Il se caractérise par l'utilisation généralisée de mélodies de chansons folkloriques combinées à la richesse de l'orque. de la couleur, une abondance d'épisodes symphoniques-descriptifs, empreints d'un sens subtil de la nature, et parfois un drame intense (« La bataille de Kerjenets » de « Le Conte de la ville invisible de Kitezh... »). Tchaïkovski s'intéressait au ch. arr. problèmes liés à la vie mentale d'une personne, à la relation entre l'individu et l'environnement. Au premier plan dans son O. est psychologique. conflit. Parallèlement, il prête attention à la représentation de la vie quotidienne, à la situation de vie spécifique dans laquelle se déroule l'action. Échantillon russe lyrique O. est "Eugène Onéguine" (1878) - prod. profondément national tant dans la nature des images que dans la musique. langue associée à la culture russe. montagnes chansons romantiques. Dans "La Dame de Pique" (1890) lyrique. le drame se transforme en tragédie. La musique de cet O. est imprégnée d’un courant symphonique intense et continu. développement, informant la musique. Concentration dramaturgique et détermination. Psychologique aiguë le conflit était au centre de l’attention de Tchaïkovski même lorsqu’il se tournait vers l’histoire. histoires ("La Pucelle d'Orléans", 1879 ; "Mazeppa", 1883). Russie. les compositeurs ont également créé un certain nombre de bandes dessinées. O. sur des histoires du folklore. la vie, dans laquelle le début comique est combiné avec les paroles et les éléments de la fiction de conte de fées (« Foire Sorochinskaya » de Moussorgski, 1874-80, complété par Cui, 1916 ; « Cherevichki » de Tchaïkovski, 1880 ; « May Night », 1878, et "La nuit avant Noël", 1895, Rimski-Korsakov).

Dans le sens de proposer de nouvelles tâches et dep. dramaturge précieux. Parmi les découvertes, les opéras de A. N. Serov - "Judith" (1862) sur une histoire biblique, interprétée dans un plan d'oratorio, "Rogneda" (1865) sur une histoire tirée de l'histoire du Dr. Rus' et « Enemy Power » (1871, complété par B.S. Serova et H.P. Solovyov), basés sur le moderne. drame domestique. Cependant, l'éclectisme du style réduit leur talent artistique. valeur. La signification des opéras « William Ratcliffe » (1868), « Angelo » (1875) et d’autres de C. A. Cui s’est également révélée être une place particulière en russe. Les classiques de l'opéra sont occupés par "Oresteia" de S. I. Taneyev (1894), dont l'intrigue est antique. la tragédie sert au compositeur à mettre en scène une morale vaste et universellement significative. problèmes. S. V. Rachmaninov dans « Aleko » (1892) a rendu un certain hommage aux tendances véristes. Dans « The Miserly Knight » (1904), il perpétue les traditions de la récitation. O., venant de « l'Invité de pierre » (ce type d'O. était représenté au tournant des XIXe-XXe siècles par des œuvres telles que « Mozart et Salieri » de Rimski-Korsakov, 1897 ; « Un festin pendant la peste » de Cui, 1900), mais renforce le rôle de la symphonie. commencé. Le désir de symphoniser la forme lyrique était également évident dans son O. « Francesca da Rimini » (1904).

Tout R. 19ème siècle Les Polonais et les Tchèques se manifestent. écoles d'opéra. Le créateur du national polonais O. était S. Monyushko. Les plus populaires de ses O. "Pebble" (1847) et "Le Château Enchanté" (1865) avec leur caractère national brillant. la couleur de la musique, le réalisme des images. Moniuszko a exprimé son patriotisme dans son œuvre lyrique. l'ambiance de la société polonaise avancée, l'amour et la sympathie pour le peuple. Mais il n’a pas eu de successeurs dans la musique polonaise du XIXe siècle. L'apogée du théâtre d'opéra tchèque était associée aux activités de B. Smetana, qui créa des œuvres historiques-héroïques, légendaires ("Les Brandebourgeois en République tchèque", 1863; "Dalibor", 1867; "Libushe", 1872) et de la comédie. -tous les jours ("The Bartered Bride" , 1866) O. Ils reflétaient le pathétique de la libération nationale. les luttes sont données de manière réaliste. peintures de personnes vie. Les réalisations de Smetana ont été développées par A. Dvorak. Ses contes de fées « Le Diable et Kacha » (1899) et « La Sirène » (1900) sont imprégnés de poétique de la nature et des hommes. fiction. National O., basé sur des histoires du folklore. vie et caractérisé par la proximité des muses. langue aux intonations folkloriques, surgit parmi les peuples de Yougoslavie. O. Les ordinateurs croates sont devenus célèbres. V. Lisinski ("Porin", 1851), I. Zayc ("Nikola Shubich Zrinski", 1876). F. Erkel est le créateur d'un grand livre historique et romantique. hongrois O. « Interdiction bancaire » (1852, post. 1861).

Au tournant des XIXe-XXe siècles. De nouvelles tendances lyriques émergent, liées aux tendances générales des arts. culture de cette période. L’un d’eux était le vérisme, qui s’est répandu le plus en Italie. Comme les représentants de ce mouvement dans la littérature, les compositeurs véristes cherchaient matière à des drames poignants. dispositions dans la réalité quotidienne ordinaire, les héros de leurs œuvres. ils ont choisi des gens ordinaires qui ne se distinguaient par aucune qualité particulière, mais qui étaient capables de ressentir profondément et fortement. Des exemples typiques de dramaturgie lyrique vériste sont "Honor Rusticana" de P. Mascagni (1889) et "Pagliacci" de R. Leoncavallo (1892). Les caractéristiques du vérisme sont également caractéristiques de l'œuvre lyrique de G. Puccini. En même temps, il surmonte le naturaliste bien connu. les limites de l'esthétique vériste, dans les meilleurs épisodes de ses œuvres. atteint vraiment réaliste. profondeur et puissance d'expression des expériences humaines. Dans son O. «La Bohème» (1895), le drame des gens ordinaires est poétisé, les héros sont dotés d'une noblesse spirituelle et d'une subtilité de sentiment. Dans le drame "Tosca" (1899), les contrastes sont aiguisés et lyriques. le drame prend une connotation tragique. Au cours de son développement, la structure figurative et le style de l’œuvre de Puccini se sont élargis et enrichis de nouveaux éléments. Passons aux histoires de la vie non européenne. peuples ("Madama Butterfly", 1903; "Girl from the West", 1910), il étudie et utilise leur folklore dans sa musique. Dans son dernier O. "Turandot" (1924, complété par F. Alfano) est fabuleusement exotique. L'intrigue est interprétée dans un esprit psychologique. drame, combinant un début tragique avec une comédie grotesque. En musique Le langage de Puccini reflétait certaines des réalisations de l'impressionnisme dans le domaine de l'harmonie et de l'orc. coloration Cependant, le wok. le début conserve son rôle dominant. Héritier italien. tradition lyrique du XIXème siècle, il se fait remarquer. maître du bel canto. L’un des aspects les plus forts de son travail réside dans les mélodies expressives et remplies d’émotions aux respirations larges. Parallèlement, le rôle du récitatif-déclamation augmente dans son O. et formes variées, wok. l'intonation devient plus souple et libre.

E. Wolf-Ferrari a suivi un chemin particulier dans son œuvre lyrique, s'efforçant de combiner les traditions italiennes. opéra bouffe avec certains éléments de dramaturgie lyrique vériste. Parmi ses O. - "Cendrillon" (1900), "Quatre Tyrans" (1906), "Collier de la Madone" (1911), etc.

Des tendances similaires à celles de l’Italie. le vérisme existait également dans les arts lyriques d'autres pays. En France, ils étaient associés à une réaction contre l'influence wagnérienne, particulièrement prononcée dans O. « Fervaal » de V. d'Andy (1895). La source directe de ces tendances était l'expérience créatrice de Bizet (« Carmen »). , ainsi que l'activité littéraire d'E. Zola. A. Bruno, qui a déclaré les exigences de la vérité de la vie dans la musique, la proximité des intérêts de l'homme moderne, a créé une série d'O. basée sur les romans et les nouvelles de Zola (en partie basées sur sa bibliothèque .), dont : « Le Siège du Moulin » (1893, l'intrigue reflète les événements de la guerre franco-prussienne de 1870), « Messidor » (1897), « Ouragan » (1901). langue parlée, il a écrit O. en prose. des textes. Cependant, c'est réaliste. les principes n'étaient pas assez cohérents et le drame de la vie était souvent combiné à un vague symbolisme. Une œuvre plus complète est O. « Louise » de G. Charpentier (1900), devenue célèbre grâce à son expression. des images de gens ordinaires et des images lumineuses et pittoresques de la vie parisienne.

En Allemagne, les tendances véristes se reflètent dans O. « La Vallée » d’E. d’Albert (1903), mais cette tendance ne se généralise pas.

Entre partiellement en contact avec le vérisme de L. Janacek dans O. "Jenufa" ("Sa belle-fille", 1903). En même temps, à la recherche du vrai et de la volonté d'exprimer. musique déclamation basée sur les intonations de la parole humaine vivante, le compositeur se rapproche de Moussorgski. En lien avec la vie et la culture de son peuple, Janacek a créé un produit. très réaliste. les forces, les images et toute l’atmosphère des actions dont les actions sont profondément nationales. personnage. Son œuvre marque une nouvelle étape dans le développement de la République tchèque. O. après Smetana et Dvorak. Il n'a pas ignoré les réalisations de l'impressionnisme et d'autres arts. courants commençant 20ème siècle, mais est resté fidèle aux traditions de son pays. culture. Dans O. "Les Voyages de Pan Brouchka" (1917) héroïque. les images de la République tchèque à l’époque des guerres hussites, qui rappellent certaines pages de l’œuvre de Smetana, sont comparées à une fantasmagorie bizarre aux couleurs ironiques. Sentiment subtil des Tchèques. la nature et la vie quotidienne sont imprégnées d'O. « Les Aventures d'un renard filou » (1923). La caractéristique de Janáček était son attrait pour les sujets russes. classique littérature et théâtre : « Katya Kabanova » (d'après « L'Orage » de A. N. Ostrovsky, 1921), « De la maison des morts » (d'après le roman « Notes de la maison des morts » de F. M. Dostoïevski, 1928) . Si dans le premier de ces O. l'accent est mis sur le lyrique. drame, puis dans le second, le compositeur a cherché à transmettre une image complexe de la relation entre les différents. personnages humains, ont eu recours à des moyens musicaux hautement expressifs. expressions.

Pour l'impressionnisme, département. dont des éléments ont été utilisés dans des œuvres d’opéra par de nombreux premiers compositeurs. Au XXe siècle, en général, il n’y a pas de tendance au drame. genres. Un exemple presque unique d'œuvre d'opéra qui incarne systématiquement l'esthétique de l'impressionnisme est « Pelléas et Mélisande » de C. Debussy (1902). L'action d'O. est entourée d'une atmosphère de vagues pressentiments, de désirs et d'attentes, tous les contrastes sont atténués et affaiblis. Visant à transférer dans le wok. dans les modèles d'intonation du discours des personnages, Debussy a suivi les principes de Moussorgski. Mais les images mêmes de son O. et tous les mystères du crépuscule. le monde dans lequel se déroule l’action porte une empreinte symbolique. mystère. L'extraordinaire subtilité des nuances colorées et expressives, la réponse sensible de la musique aux moindres changements d'humeur des personnages se conjuguent à une certaine unidimensionnalité de la couleur globale.

Le type de peinture impressionniste créé par Debussy n'a pas été développé dans ses propres œuvres. créativité, ni en français. l'art lyrique du XXe siècle. « Ariana et Barbe Bleue » de P. Duke (1907), bien que quelque peu similaire en apparence à O. « Pelléas et Mélisande », est plus rationaliste. la nature de la musique et la prédominance des descriptions colorées. éléments plutôt que ceux psychologiquement expressifs. M. Ravel a choisi une voie différente dans sa bande dessinée en un acte. O. "Spanish Hour" (1907), dans lequel la musique aux caractéristiques pointues. la déclamation, issue du « Mariage » de Moussorgski, est combinée à l'utilisation colorée d'éléments espagnols. adj. musique. Le don inhérent du compositeur pour la caractérisation. la représentation d'images se reflète également dans le ballet d'O. « L'Enfant et la Magie » (1925).

En lui. O.con. 19 - début 20e siècles L'influence de Wagner s'est fait sentir sensiblement. Cependant, les œuvres musicales et dramatiques de Wagner. les principes et le style furent adoptés de manière épigone par la plupart de ses disciples. D'une manière fabuleusement romantique. Dans les opéras de E. Humperdinck (le meilleur d'entre eux est "Hans et Gretel", 1893), l'harmonie et l'orchestration luxuriantes de Wagner se combinent avec la mélodie simple et mélodieuse du récit. entrepôt X. Pfitzner a introduit des éléments de symbolisme religieux et philosophique dans l'interprétation des intrigues fabuleuses et légendaires ("Rose du jardin de l'amour", 1900). Clérical catholique ces tendances se reflètent dans son O. « Palestrina » (1915).

En tant que disciple de Wagner, R. Strauss a commencé son œuvre lyrique (« Guntram », 1893 ; « Sans feu », 1901), mais elle a ensuite souffert. évolution. Dans "Salomé" (1905) et "Electra" (1908), des tendances expressionnistes apparaissent, bien que perçues assez superficiellement par le compositeur. L'action dans ces O. se développe avec des émotions sans cesse croissantes. tension, l'intensité des passions confine parfois à un état pathologique. obsession. L’atmosphère d’excitation fébrile est soutenue par un orchestre massif et richement coloré, atteignant une puissance sonore colossale. La comédie lyrique d'O. "Der Rosenkavalier", écrite en 1910, a marqué un tournant dans son œuvre des tendances expressionnistes aux tendances néoclassiques (voir Néoclassicisme). Des éléments du style de Mozart se combinent dans cet O. avec la beauté sensuelle et le charme de la valse viennoise ; la texture devient plus légère et plus transparente, sans toutefois se libérer complètement du luxe de la voix pleine de Wagner. Dans les opéras ultérieurs, Strauss s'est tourné vers des stylisations dans l'esprit des muses baroques. t-ra ("Ariane sur Naxos", 1912), aux formes du classique viennois. opérettes (Arabella, 1932) ou opéra bouffe du XVIIIe siècle. (« La Femme silencieuse », 1934), à la pastorale antique dans la réfraction de la Renaissance (« Daphné », 1937). Malgré l'éclectisme bien connu du style, les opéras de Strauss ont gagné en popularité auprès des auditeurs en raison de l'accessibilité de la musique et de l'expressivité des mélodies. le langage, incarnation poétique des conflits simples de la vie.

À partir de la fin 19ème siècle désir de créer une entité nationale la tradition de l'opéra et la renaissance de traditions oubliées et perdues dans ce domaine se manifestent en Grande-Bretagne, en Belgique, en Espagne, au Danemark et en Norvège. Parmi les productions qui ont reçu un prix international reconnaissance - « Rural Romeo and Julia » de F. Dilius (1901, Angleterre), « Life is Short » de M. de Falla (1905, Espagne).

20ième siècle moyens apportés. des changements dans la compréhension même du genre lyrique. Déjà dans la première décennie du XXe siècle. l'opinion a été exprimée selon laquelle O. est en état de crise et n'a aucune perspective de développement ultérieur. V. G. Karatygin écrivait en 1911 : « L’opéra est l’art du passé et en partie du présent ». En épigraphe de son article « Drame et musique », il reprend la déclaration de V.F. Komissarzhevskaya : « Nous passons de l'opéra au drame avec la musique » (collection « Alkonost », 1911, p. 142). Certains modernes zarub. les auteurs proposent d'abandonner le terme « O ». et le remplacer par le concept plus large de « théâtre musical », car pluriel. prod. Le 20e siècle, défini comme O., ne répond pas aux critères de genre établis. Le processus d'interaction et d'interpénétration de divers. les genres, qui sont l'un des signes du développement de la musique du XXe siècle, conduisent à l'émergence de la production. type mixte, pour lequel il est difficile de trouver une définition sans ambiguïté. O. est proche de l'oratorio et de la cantate ; il utilise des éléments de pantomime et de scène. des critiques, même un cirque. Avec les techniques du théâtre le plus récent. la technologie en cinématographie utilise les moyens de la cinématographie et de la radio (les capacités de perception visuelle et auditive sont élargies à l'aide de projections de films et d'équipements radio), etc. cela s’accompagne d’une tendance à distinguer les fonctions de la musique et du théâtre. actions et la construction de formes lyriques basées sur des schémas structurels et des principes d’instrument « pur ». musique.

En Europe occidentale O. 20ème siècle influencé divers arts mouvements, parmi lesquels les plus importants étaient l'expressionnisme et le néoclassicisme. Ces deux mouvements opposés, bien que parfois liés, s’opposent également au wagnérisme et au réalisme. l'esthétique de l'opéra, qui nécessite une réflexion fidèle sur les conflits et les images spécifiques de la vie. Les principes de la dramaturgie lyrique expressionniste ont été exprimés dans le monodrame « En attente » d’A. Schoenberg (1909). Presque dépourvu d'éléments extérieurs. actions, c'est un produit. basé sur l’accumulation continue d’une vague prémonition anxieuse, se terminant par une explosion de désespoir et d’horreur. Un symbolisme mystérieux combiné au grotesque caractérise les muses. Le drame de Schoenberg "La main chanceuse" (1913). Un dramaturge plus développé. le projet est au cœur de sa néo-finition. O. « Moïse et Aaron » (1932), mais ses images sont farfelues et ne sont que des symboles de morale religieuse. représentations. Contrairement à Schoenberg, son élève A. Berg s'est tourné vers des intrigues tirées de la vie réelle dans son œuvre lyrique et a cherché à poser des problèmes sociaux urgents. Grande puissance des drames. les expressions se distinguent par O. « Wozzeck » (1921), empreint d'une profonde sympathie pour les impuissants, les pauvres jetés par-dessus bord de la vie, et de condamnation de la complaisance bien nourrie de « ceux qui sont au pouvoir ». Dans le même temps, « Wozzeck » manque de réalisme à part entière. Les personnages d'O. agissent inconsciemment, en raison d'impulsions instinctives et d'obsessions inexplicables. Inachevé L'opéra "Lulu" de Berg (1928-35), malgré l'abondance de moments dramatiquement impressionnants et l'expressivité de la musique, est dépourvu de signification idéologique et contient des éléments de naturalisme et d'érotisme douloureux.

L’esthétique lyrique du néoclassicisme repose sur la reconnaissance de « l’autonomie » de la musique et de son indépendance par rapport à l’action qui se joue sur scène. F. Busoni a créé un type d'« opéra de jeu » néoclassique (« Spieloper »), caractérisé par un caractère conventionnel délibéré et l'invraisemblance de l'action. Il cherchait à garantir que les personnages d'O. « se comportaient délibérément différemment de la vie ». Dans ses O. « Turandot » (1917) et « Arlequin ou Windows » (1916), il cherche à recréer le caractère italique sous une forme modernisée. commedia dell'arte. La musique des deux O., construite sur l'alternance de courts épisodes fermés, allie stylisation et éléments grotesques. Formes d'outils strictes et structurellement complètes. la musique est à la base de son O. "Docteur Faustus" (complété par F. Jarnach, 1925), dans lequel le compositeur pose de profonds problèmes philosophiques.

I. F. Stravinsky est proche de Busoni dans ses vues sur la nature de l'art lyrique. Les deux compositeurs avaient la même hostilité envers ce qu’ils appelaient le « vérisme », désignant par ce mot tout désir de vraisemblance réaliste des images et des situations dans la musique d’opéra. Stravinsky soutenait que la musique est incapable de transmettre le sens des mots ; Si le chant assume une telle tâche, il « quitte ainsi les frontières de la musique ». Son premier O. « Le Rossignol » (1909-14), stylistiquement contradictoire, combine des éléments d'exotisme aux couleurs impressionnistes avec un style d'écriture constructif plus rigide. Un type particulier de russe. l'opéra bouffe est "Le Maure" (1922), vok. Les rôles sont basés sur une interprétation ironique et grotesque des intonations de la romance quotidienne du XIXe siècle. Le désir inhérent du néoclassicisme d'universalité, d'incarnation d'idées « universelles », « transpersonnelles » et d'idées sous des formes dépourvues d'idées nationales. et la certitude temporelle, manifestée le plus clairement dans l’oratorio « Œdipe Roi » de Stravinsky (basé sur la tragédie de Sophocle, 1927). L'impression de distance est renforcée par la libr., écrite dans un langage moderne incompréhensible. auditeur lat. langue. Utilisant les formes de la musique baroque ancienne en combinaison avec des éléments du genre oratorio, le compositeur s'est délibérément efforcé de créer une performance scénique. immobilité, statuaire. Son mélodrame « Perséphone » (1934) est de même nature, dans lequel les formes de l'opéra se combinent avec la récitation et la danse. pantomime. Dans O. "The Rake's Progress" (1951), pour incarner l'intrigue satirique-moralisatrice, Stravinsky se tourne vers des formes comiques. opéra du XVIIIe siècle, mais introduit certains traits romantiques. fantaisie et allégorie.

L'interprétation néoclassique du genre de l'opéra était également caractéristique de P. Hindemith. Après l'avoir donné à O. 20s. un hommage bien connu aux tendances décadentes de la mode, dans sa période de maturité créative, il s'est tourné vers des projets à grande échelle d'un plan intellectualisé. Dans le monumental O. sur une intrigue de l'époque des guerres paysannes en Allemagne, « L'Artiste Mathis » (1935), sur fond de peintures de personnages. Le mouvement montre la tragédie d'un artiste qui reste seul et méconnu. O. "Harmony of the World" (1957), dont le héros est l'astronome Kepler, se distingue par la complexité et la multi-composition de la composition. Surcharge de rationalisme abstrait. le symbolisme fait ce produit. difficile à percevoir pour l’auditeur et dramaturgiquement inefficace.

En italien O. 20ème siècle L'une des manifestations du néoclassicisme fut l'appel des compositeurs aux formes et aux images typiques de l'art lyrique des XVIIe et XVIIIe siècles. Cette tendance s’exprime notamment dans les travaux de J. F. Malipiero. Parmi ses œuvres pour la musique t-ra - cycles de miniatures d'opéra "Orphéides" ("Mort des masques", "Sept chants", "Orphée ou le huitième chant", 1919-22), "Trois comédies de Goldoni" ("Coffee House", " Signor Todero le Grouch", "Escarmouches Kyojin", 1926), ainsi que de grands événements historiques et tragiques. O. "Jules César" (1935), "Antoine et Cléopâtre" (1938).

Les tendances néoclassiques se manifestent partiellement en français. style d'opéra des années 20-30, mais ici ils n'ont pas reçu de cohérence, se terminant. expressions. Pour A. Honegger, cela s'exprimait dans son attirance pour les thèmes anciens et bibliques en tant que source de valeurs morales universelles « éternelles ». S'efforçant de généraliser les images et de leur donner un caractère « transtemporel », il rapproche O. de l'oratorio et les introduit parfois dans ses œuvres. éléments liturgiques. En même temps, la musique sa langue op. se distinguant par une expressivité vive et vive, le compositeur n'a pas hésité aux tournures de chansons les plus simples. Unité prod. Honegger (sauf l'O. « Eaglet », écrit conjointement avec J. Ibert et de peu de valeur, 1935), qui peut être appelé O. à part entière. sens du mot, est "Antigone" (1927). Des œuvres telles que « Le Roi David » (1921, 3e édition 1924) et « Judith » (1925) sont plus précisément classées comme des drames. oratorio, ils furent finalement plus installés. répertoire que sur la scène de l'opéra. Le compositeur lui-même a donné cette définition à l’une de ses œuvres les plus significatives. "Jeanne d'Arc au bûcher" (1935), conçue par lui comme un spectacle folklorique de masse joué en plein air Dans la composition hétéroclite, œuvre lyrique quelque peu éclectique de D. Milhaud, des thèmes antiques et bibliques se reflétaient également ("Eumenides". ", 1922 ; « Médée », 1938 ; « David », 1953). . O., mais utilise des moyens modernes d'expression musicale. Le premier d'entre eux O. se distingue par l'affichage simultané de divers plans d'action. projection de film. Son O. « Le Pauvre Marin » (1926) était un hommage aux tendances véristes. Le plus grand succès fut dans le cycle d'opéras miniatures de Milhaud (« opéras minutes »), basé sur une réfraction parodique d'intrigues mythologiques : « Le Viol d'Europe ». , « L'Ariane abandonnée » et « La libération de Thésée » (1927).

Avec l'appel aux Majestés. images de l'antiquité, semi-légendaires monde biblique ou le Moyen Âge dans l'œuvre lyrique des années 20. Il existe une tendance à l'actualité aiguë du contenu et à l'immédiateté. réponse aux phénomènes modernes. réalité. Parfois, cela se limitait à la poursuite d'un sensationnalisme bon marché et conduisait à la création d'une production. personnage léger et semi-farceur. Dans O. « Jumping Over the Shadow » (1924) et « Johnny Plays » (1927) de E. Kshenek, une image ironiquement colorée du moderne. bourgeois la morale est présentée sous forme de divertissement excentrique. théâtre. action avec une musique éclectique mêlant urbain. des rythmes et des éléments de jazz au lyrisme banal. mélodie. L'expression satirique est également superficielle. élément dans O. "From Today to Tomorrow" de Schoenberg (1928) et "News of the Day" de Hindemith (1929), occupant des épisodes. place dans les œuvres de ces compositeurs. La critique sociale s’incarne plus définitivement. thème dans le théâtre musical prod. K. Weil, écrit en collaboration avec B. Brecht, « L'Opéra de quat'sous » (1928) et « L'ascension et la chute de la ville d'acajou » (1930), dans lesquels ils sont critiqués et satiriques. exposer les fondements du capitalisme. bâtiment. Ces produits représentent un nouveau type de musique de chanson, très pertinente dans son contenu, adressée à une large démocratie. public. Les bases de leur musique simple, claire et intelligible sont diverses. genres modernes musique de masse vie courante

Viole audacieusement les canons lyriques habituels de P. Dessau dans son O. aux textes de Brecht - "La Condamnation de Lucullus" (1949), "Puntila" (1960), distingués par l'acuité et la dureté des muses. signifie, une abondance d'effets théâtraux inattendus et l'utilisation d'éléments excentriques.

Votre propre musique t-r, basé sur les principes de démocratie et d'accessibilité, a été créé par K. Orff. Les origines de sa musique sont variées : le compositeur s'est tourné vers le grec ancien. tragédie, au Moyen Âge. mystères, aux gens jeux théâtraux et représentations farfelues, drame connecté. action avec épopée la narration, combinant librement le chant avec la conversation et la récitation rythmée. Aucun des paysages prod. Orpha n'est pas O. au sens habituel du terme. Mais chacun d’eux a une définition. musical et dramatique concept, et la musique ne se limite pas à des fonctions purement appliquées. La relation entre la musique et les performances scéniques. les actions varient en fonction de la création spécifique. Tâches. Parmi ses œuvres les performances scéniques se démarquent. cantate "Carmina Burana" (1936), fabuleusement allégorique. musique des pièces de théâtre qui combinent des éléments d’art et de théâtre. performances, "Moon" (1938) et "Clever Girl" (1942), musique. drame "Bernauerin" (1945), une sorte de musique. restauration d'antiquité tragédies - "Antigone" (1949) et "Œdipe le Roi" (1959).

Parallèlement, certains compositeurs majeurs de Ser. Le XXe siècle, tout en modernisant les formes et les moyens d’expression lyrique, ne s’écarte pas de la tradition. les bases du genre. Ainsi, B. Britten a conservé les droits sur le wok mélodieux. des mélodies comme ch. moyen de transmettre l’état mental des personnages. Dans la plupart de ses opéras, un développement intense de bout en bout est combiné avec des épisodes, des ensembles et des chœurs étendus. scènes. Parmi les plus moyens. prod. Britten - drame domestique aux couleurs expressionnistes "Peter Grimes" (1945), chambre O. "Le Viol de Lucretia" (1946), "Albert Herring" (1947) et "Le Tour d'écrou" (1954), fabuleusement romantique. O. "Le Songe d'une nuit d'été" (1960). Dans l'œuvre lyrique de G. Menotti, les traditions véristes ont reçu une réfraction modernisée en combinaison avec certains traits de l'expressionnisme (« Médium », 1946 ; « Consul », 1950, etc.). F. Poulenc souligne sa fidélité aux classiques. traditions, citant dans la dédicace à O. « Dialogues des Carmes » (1956) les noms de C. Monteverdi, M. P. Moussorgski et C. Debussy. Utilisation flexible des outils de wok. l'expressivité est le plus point fort monodrame "La Voix Humaine" (1958). La bande dessinée se distingue également par sa mélodie lumineuse. L'opéra "Seins de Tirésia" de Poulenc (1944), malgré son surréalisme. absurdité et excentricité de la scène. Actions. Partisan d'O. preem. wok le type est H. V. Henze ("The Deer King", 1955; "Prince of Homburg", 1960; "Bassarids", 1966, etc.).

Avec la variété des formes et des styles. tendances du 20e siècle. caractérisé par une grande variété de nationalités. écoles Certains d’entre eux accèdent pour la première fois au niveau international. reconnaissance et affirmer leur indépendance. place dans le développement de l’opéra mondial. B. Bartok ("Le Château de Barbe Bleue", 1911) et Z. Kodaly ("Hari Janos", 1926; "Székely Spinning Mill", 1924, 2e édition 1932) ont introduit de nouvelles images et moyens du drame musical. expressivité en hongrois O., entretenant le contact avec le national traditions et basé sur l’intonation. construire weng. adj. musique. Le premier exemple mature de bulgare. national O. était "Tsar Kaloyan" de P. Vladigerov (1936). Pour l'art de l'opéra des peuples de Yougoslavie, l'œuvre de J. Gotovac était particulièrement importante (la plus populaire était son O. « Ero de l'autre monde », 1935).

Un type d’Américain profondément original. national O. a été créé par J. Gershwin sur la base des Afro-Américains. musique folklore et traditions des nègres. "théâtre ménestrel" Une histoire passionnante sur la vie d'un homme noir. les pauvres en collaboration avec express. et une musique accessible utilisant des éléments de blues, de spirituals et de danse jazz. les rythmes lui ont valu une popularité mondiale d'O. "Porgy and Bess" (1935). National O. se développe dans un certain nombre d'Amérique Latine. des pays L'un des fondateurs d'Argent. le professeur d'opéra F. Boero a créé des œuvres riches en éléments folkloriques. sur des scènes de la vie des gauchos et des paysans (« Rakela », 1923 ; « Voleurs », 1929).

En con. années 60 En Occident, un genre particulier d’« opéra rock » est apparu, utilisant des moyens modernes. pop et musique de tous les jours. Un exemple populaire de ce genre est Christ Superstar (1970) de E. L. Webber.

Événements du 20e siècle. - l'apparition du fascisme dans un certain nombre de pays, la Seconde Guerre mondiale de 1939 à 1945 et la lutte des idéologies fortement intensifiée - ont amené de nombreux artistes à définir plus clairement leur position. De nouveaux thèmes sont apparus dans l'art, que O. ne pouvait ignorer. Dans O. « Guerre » de R. Rossellini (1956), « Antigone 43 » de L. Pipkov (1963) expose la guerre qui apporte de graves souffrances et la mort à l'ordinaire. aux personnes. Conventionnellement appelé « O ». prod. L. Nono « Intolérance 1960 » (dans la nouvelle édition « Intolérance 1970 ») exprime la colère du compositeur communiste contre les guerres coloniales, les attaques contre les droits des travailleurs et la persécution des combattants pour la paix et la justice dans la société capitaliste. des pays. Des associations directes et évidentes avec la modernité sont également évoquées par des œuvres telles que "Le Prisonnier" ("Prisonnier") de L. Dallapiccola (1948), "Simplicius Simplicissimus" de K. A. Hartman (1948), "Soldiers" de B. A. Zimmerman (1960). , bien qu'ils soient basés sur des intrigues classiques. litres. K. Penderecki dans O. "Devils from Loudin" (1969), montrant le Moyen Âge. le fanatisme et le fanatisme, expose indirectement l'obscurantisme fasciste. Ces op. style différent. orientation, et un thème moderne ou proche du moderne n'y est pas toujours interprété à partir d'une position idéologique clairement réalisée, mais ils reflètent la tendance générale vers un lien plus étroit avec la vie, une intervention active dans ses processus, observée dans le travail du zarub progressiste . artistes. En même temps, dans l’art lyrique, le zap. les pays manifestent des anti-arts destructeurs. tendances modernes « avant-gardiste », conduisant à l'effondrement complet d'O. en tant que musical-dramatique. genre. Il s'agit du « Théâtre d'État » « anti-opéra » de M. Kagel (1971).

En URSS, le développement du vêtement était inextricablement lié à la vie du pays et à la formation de l’Union soviétique. musique et le théâtre. culture. Kser. 20s Il s'agit notamment des premières tentatives, encore imparfaites à bien des égards, de créer un O. basé sur une intrigue issue de la modernité ou du folklore. révolutionnaire mouvements du passé. Département. les découvertes intéressantes incluent des œuvres telles que « Ice and Steel » de V.V. Deshevov, « North Wind » de L.K. Knipper (tous deux datant de 1930) et quelques autres. Mais en général, ce sont les premiers-nés des hiboux. O. souffrent du schématisme, de l'absence de vie des images, de l'éclectisme des muses. langue. Le grand événement était le jeûne. en 1926 O. « L'amour des trois oranges » de S. S. Prokofiev (op. 1919), qui s'est avéré proche des hiboux. arts culture avec son humour vivifiant, son dynamisme et sa théâtralité vibrante. Dr. Les côtés du talent de Prokofiev en tant que dramaturge se sont manifestés dans O. "Le Joueur" (2e édition 1927) et "Fire Angel" (1927), caractérisés par un drame intense, une maîtrise psychologique pointue et bien ciblée. caractéristiques, pénétration sensible dans l'intonation. structure de la parole humaine. Mais ces produits Le compositeur, qui vivait alors à l'étranger, a retenu l'attention des chouettes. publique. L'importance innovante de la dramaturgie lyrique de Prokofiev fut pleinement appréciée plus tard, lorsque Sov. O. s'est élevé à un niveau supérieur, surmontant le primitivisme et l'immaturité bien connus des premières expériences.

Des discussions animées accompagnèrent la parution de O. "Le Nez" (1929) et "Lady Macbeth de Mtsensk" ("Katerina Izmailova", 1932, nouvelle édition 1962) de D. D. Chostakovitch, qui furent proposés aux Soviétiques. théâtre musical La revendication est un certain nombre de tâches innovantes importantes et sérieuses. Ces deux O. sont d'importance inégale. Si "Le Nez" avec son extraordinaire richesse d'invention, sa rapidité d'action et son kaléidoscopique. Les images de masques grotesquement pointus et scintillants étaient une expérience audacieuse, parfois audacieuse, d'un jeune compositeur, puis « Katerina Izmailova » - prod. maître, combinant la profondeur du concept avec l'harmonie et la réflexion du musical et du dramatique. incarnations. La vérité cruelle et impitoyable de la description des côtés terribles du vieux marchand. la vie quotidienne, défigurant et déformant la nature humaine, met cet O. sur un pied d'égalité avec les grandes créations russes. le réalisme. Chostakovitch se rapproche ici à bien des égards de Moussorgski et, développant ses traditions, leur donne quelque chose de nouveau, de moderne. son.

Premiers succès dans la mise en œuvre des chouettes. les thèmes du genre lyrique appartiennent au ser. années 30 Mélodieux. la fraîcheur de la musique, basée sur l'intonation. construire des hiboux chanson de masse, a attiré l'attention de O. «Quiet Don» de I. I. Dzerzhinsky (1935). Ceci est un produit. a servi de prototype à ce qui s'est développé en 2ème mi-temps. années 30 "opéra-chanson", dans lequel la chanson était l'élément principal des muses. Dramaturgie. La chanson a été utilisée avec succès comme véhicule de drame. caractéristiques des images de O. « Into the Storm » de T. N. Khrennikov (1939, nouvelle édition 1952). Mais cohérent. La mise en œuvre des principes de cette direction a conduit à la simplification, au rejet de la diversité et de la richesse des moyens de l'opéra et du théâtre. expressivité accumulée au fil des siècles. Parmi les O. 30. sur les hiboux sujet comme production gros verre la force et les grands arts. Semyon Kotko (1940) de Prokofiev se démarque. Le compositeur a réussi à créer du relief et des images d'une vérité vitale de gens ordinaires à partir du peuple, pour montrer la croissance et la refonte de leur conscience pendant la révolution. lutte.

Sov. L'œuvre lyrique de cette période est diversifiée tant par son contenu que par son genre. Moderne le sujet a été déterminé par ch. direction de son développement. Dans le même temps, les compositeurs se sont tournés vers des intrigues et des images de la vie de différents peuples et périodes historiques. époques. Parmi les meilleurs hiboux. O. 30s - « Cola Brugnon » (« Le Maître de Clamcy ») de D. B. Kabalevsky (1938, 2e éd. 1968), remarquable pour sa haute symphonie. compétence et aperçu subtil du caractère des Français. adj. musique. Prokofiev a écrit une bande dessinée d'après Semyon Kotko. O. « Fiançailles dans un monastère » (« Dueña », 1940) sur un terrain proche de l'opéra bouffe du XVIIIe siècle. Contrairement à son premier O. « L’amour des trois oranges », il ne s’agit pas ici d’un théâtre conventionnel. des masques et des personnes vivantes dotées de sentiments authentiques et véridiques, d'un éclat comique et d'humour se combinent avec un lyrisme léger.

Pendant la Grande Guerre Patriotique. La guerre de 1941-45 a particulièrement intensifié l’importance du patriotisme. Les sujets. Incarner l'héroïque exploit des hiboux les gens dans la lutte contre le fascisme étaient ch. la tâche de tous types de procès. Les événements des années de guerre se reflètent également dans le travail lyrique des chouettes. compositeurs. Cependant, les œuvres nées pendant la guerre et sous son influence directe se sont révélées pour la plupart imparfaites sur le plan artistique et traitaient le sujet de manière superficielle. Plus de moyens. O. pour les militaires. Le sujet a été créé un peu plus tard, lorsque la « distance temporelle » déjà bien connue s'est formée. Parmi eux se distinguent « La Famille de Taras » de Kabalevsky (1947, 2e édition 1950) et « Le Conte d'un vrai homme » de Prokofiev (1948).

Sous l'influence du patriotisme La montée des années de guerre a donné naissance à l'idée d'O. « Guerre et Paix » de Prokofiev (1943, 2e édition 1946, édition définitive 1952). Sa dramaturgie est complexe et à plusieurs composants. notions de production combine héroïque adj. épique avec des paroles intimes. drame. La composition d'O. repose sur l'alternance de scènes de foule monumentales, peintes à grands traits, avec des scènes subtilement et détaillées de type chambre. Prokofiev se manifeste à la fois dans Guerre et Paix. à la fois en tant que dramaturge-psychologue profond et en tant qu'artiste d'une puissante épopée. entrepôt Historique le sujet a reçu une grande valeur artistique. incarnation dans O. "Décembristes" de Yu. A. Shaporin (post. 1953) : malgré le manque de dramaturgie bien connu. efficacité, le compositeur a réussi à transmettre l'héroïque. le pathétique de l'exploit des combattants contre l'autocratie.

Fin de période 40 ans - début années 50 dans le développement des hiboux. O. était complexe et contradictoire. Avec des moyens. les réalisations de ces années ont été particulièrement fortement affectées par la pression dogmatique. attitudes, qui ont conduit à une sous-estimation des plus grandes réalisations de la créativité lyrique, à une restriction de la créativité. recherches, parfois au soutien d’arts de faible valeur. concernant les travaux simplifiés. Lors d'un débat sur les questions du théâtre lyrique qui eut lieu en 1951, ces « opéras d'un jour », « les opéras de petites pensées et de petits sentiments » furent vivement critiqués, et la nécessité de « maîtriser la dramaturgie lyrique dans son ensemble, toutes ses composantes » a été soulignée. En 2ème mi-temps. années 50 un nouvel essor est survenu dans la vie des hiboux. Le théâtre d'opéra, l'O. auparavant injustement condamné de maîtres tels que Prokofiev et Chostakovitch, a été restauré et le travail des compositeurs sur la création de nouvelles œuvres d'opéra s'est intensifié. Un rôle positif important dans le développement de ces processus a été joué par la résolution du Comité central du PCUS du 28 mai 1958 « Sur la correction des erreurs dans l'évaluation des opéras « La Grande Amitié », « Bogdan Khmelnitsky » et « Avec tous les Cœur"".

années 60-70 caractérisé par une recherche intensive de nouvelles voies dans la créativité lyrique. L'éventail des tâches s'élargit, de nouveaux thèmes apparaissent, certains des thèmes que les compositeurs ont déjà abordés auparavant trouvent une incarnation différente et divers types commencent à être appliqués avec plus d'audace. va exprimer. moyens et formes de dramaturgie lyrique. L'un des plus importants reste le thème du mois d'octobre. révolution et lutte pour l’établissement de l’Union soviétique. les autorités. Dans « La Tragédie optimiste » de A. N. Kholminov (1965), certains aspects de « l'opéra-chant » et de la musique reçoivent un développement enrichi. les formes sont élargies, dramatiques importantes. le chœur prend de l'importance. scènes. Le chœur est largement développé. Dans O. « Virineya » de S. M. Slonimsky (1967), l’aspect le plus remarquable du montage est l’interprétation originale de chansons folkloriques. Les formes de chansons sont devenues la base de O. «Octobre» de V. I. Muradeli (1964), où l'on a notamment tenté de caractériser l'image de V. I. Lénine à travers le chant. Mais le schématisme des images, l'incohérence de la musique. langage au plan d'un folk-héroïque monumental. O. réduire la valeur de ce travail. Certaines personnes ont mené des expériences intéressantes en créant des performances monumentales dans l'esprit de l'art populaire. actions de masse basées sur la théâtralisation des productions. genre d'oratorio (« Pathetic Oratorio » de G.V. Sviridov, « July Sunday » de V.I. Rubin).

Dans l'interprétation de l'armée. thèmes, il y a eu une tendance, d'une part, vers un plan d'oratorio généralisé, de l'autre - vers un plan psychologique. approfondissement, révélant les événements de la nation significations réfractées à travers la perception de l’individu. personnalité. Dans O. "Le Soldat inconnu" de K. V. Molchanov (1967), il n'y a pas de personnages vivants spécifiques ; ses personnages ne sont que porteurs des idées du peuple. exploit. Dr. l’approche du sujet est typique de « Le destin de l’homme » de Dzerjinski (1961), où directement. L'intrigue est une biographie humaine. Ceci est un produit. n'appartient cependant pas au groupe créatif. bonne chance les hiboux Oh, le thème n'est pas entièrement exploré, la musique souffre d'un mélodrame superficiel.

Une expérience moderne intéressante. lyrique O., dédié problèmes de relations personnelles, de travail et de vie dans les conditions des hiboux. en réalité, c'est « Not Only Love » de R. K. Shchedrin (1961). Le compositeur utilise subtilement différents types de chansons et de chansons folkloriques. instr. des airs pour caractériser la vie et les personnages d'un village agricole collectif. O. "Dead Souls" du même compositeur (d'après N.V. Gogol, 1977) se distingue par sa musique caractéristique et sa reproduction précise des intonations de la parole en combinaison avec des chansons folkloriques. entrepôt

Une solution nouvelle et originale à l'historique Les sujets sont donnés dans O. « Peter I » de A. P. Petrov (1975). L'activité du grand transformateur est révélée dans un certain nombre de vastes fresques. Dans la musique d'O., il y a un lien avec le russe. classiques de l'opéra, en même temps le compositeur utilise des moyens de parvenir à un théâtre dynamique. effets.

Dans le genre bande dessinée. O. se démarque « La Mégère apprivoisée » de V. Ya Shebalin (1957). Poursuivant la lignée de Prokofiev, l'auteur combine le début comique avec le lyrique et, pour ainsi dire, ressuscite les formes et l'esprit général du vieux classique. O. dans le nouveau, moderne. apparence Mélodieux. L'éclat de la musique distingue le comique. O. « Le gendre sans mère » de Khrennikov (1967 ; dans la 1ère éd. « Frol Skobeev », 1950) en russe. intrigue historique et quotidienne.

Une des nouvelles tendances du travail lyrique des années 60-70. est l'intérêt accru pour le genre de l'opéra de chambre pour un petit nombre de personnages ou du mono-opéra, dans lequel tous les événements sont montrés à travers le prisme de la conscience individuelle d'un personnage. Ce type comprend « Notes d'un fou » (1967) et « Nuits blanches » (1970) de Yu M. Butsko, « Le Pardessus » et « La Poussette » de Kholminov (1971), « Le Journal d'Anne Frank » de GS Fried (1969) et etc.

Sov. O. se distingue par sa richesse et la diversité de ses nationalités. écoles, qui ont des principes idéologiques et esthétiques fondamentaux communs. Les principes ont chacun leurs propres caractéristiques particulières. Après la victoire d'octobre. la révolution est entrée dans une nouvelle étape de son développement en ukrainien. A. Important pour la croissance de la nation. Un professeur d'opéra en Ukraine avait un poste. production exceptionnelle ukrainien opéra classique "Taras Bulba" de N.V. Lysenko (1890), publié pour la première fois en 1924 (édité par L.V. Revutsky et B.N. Lyatoshinsky). Dans les années 20-30. un certain nombre de nouveaux O. ukrainiens apparaissent. compositeurs pour hiboux et historique (de l'histoire des mouvements révolutionnaires populaires) sujets. L'un des meilleurs hiboux. O. de cette époque sur les événements de Civil. la guerre était O. "Shchors" Lyatoshinsky (1938). Yu. S. Meitus se fixe divers objectifs dans son œuvre lyrique. Son O. "La Jeune Garde" (1947, 2e édition 1950), "L'aube sur la Dvina" ("Aubes du Nord", 1955), "Le bonheur volé" (1960), "Les frères Oulianov" (1967) sont devenus célèbres. Chœur de chants. les épisodes constituent le point fort de l’héroïque-historique. O. « Bogdan Khmelnitsky » de K. F. Dankevich (1951, 2e éd. 1953). O. "Milan" (1957), "Arsenal" (1960) de G. I. Mayboroda sont saturés de mélodies de chansons. Vers le renouveau du genre lyrique et d’une dramaturgie variée. V. S. Gubarenko, qui a fait ses débuts en 1967 dans O. « La mort de l'escadron », s'efforce de trouver des solutions.

De nombreux peuples de l'URSS ont une nationalité Les écoles d'opéra sont apparues ou n'ont atteint leur plein développement qu'après octobre. révolution, qui leur a apporté des et la libération spirituelle. Dans les années 20 Cargaison confirmée. école d'opéra, classique Les échantillons de la coupe étaient « Abesalom et Eteri » (terminé en 1918) et « Daisi » (1923) de Z. P. Paliashvili. En 1926, le poste fut achevé. O. "Tamar Tsbieri" ("Insidious Tamara", 3e éd. sous le titre "Darejan Tsbieri", 1936) M. A. Balanchivadze. Le premier grand O. arménien - "Almast" de A. A. Spendiarov (post. 1930, Moscou, 1933, Erevan). U. Hajibeyov, qui a débuté dans les années 1900. la lutte pour la création de l'Azerbaïdjanais musique t-ra(Mugham O. « Leili et Majnun », 1908 ; comédie musicale « Arshin Mal Alan », 1913, etc.), a écrit une grande épopée héroïque en 1936. O. "Kor-ogly", qui, avec "Nergiz" de A. M. M. Magomayev (1935), est devenu la base du national. répertoire d'opéra en Azerbaïdjan. Moyens. rôle dans la formation de l’Azerbaïdjan. O. a également joué « Shahsenem » de R. M. Gliere (1925, 2e éd. 1934). Jeune national O. dans les républiques transcaucasiennes s'appuyait sur origines du folklore, sur des sujets populaires épique et héroïque pages de votre national du passé. Cette ligne est nationale. épique O. a été continué vers un autre, plus moderne. stylistique basé sur des œuvres telles que "David Bek" de A. T. Tigranyan (post. 1950, 2e édition 1952), "Sayat-Nova" de A. G. Harutyunyan (1967) - en Arménie, "Main des grands maîtres" de Sh. M. Mshvelidze et "Mindia" de O. V. Taktakishvili (tous deux en 1961) - en Géorgie. L'un des Azerbaïdjanais les plus populaires. O. est devenu « Séville » de F. Amirov (1952, nouvelle édition 1964), dans lequel le drame personnel se mêle aux événements nationaux. significations. Le thème de la formation de l'Union soviétique. autorités géorgiennes dédiées. O. « L'enlèvement de la Lune » de Taktakishvili (1976).

Dans les années 30 les bases du national étaient posées. opéra dans les républiques mer. Asie et Kazakhstan, chez certains peuples de la région de la Volga et de Sibérie. Créatures assistance à la création de votre propre national O. a fourni à ces peuples le russe. compositeurs. Premier ouzbek O. « Farhad et Shirin » (1936) a été créé par V. A. Uspensky sur la base du même nom. Théâtre. pièces qui incluaient nar. chansons et parties de mugams. Le cheminement du théâtre avec musique à l'expression artistique était typique d'un certain nombre de peuples qui n'avaient pas de profession développée dans le passé. musique culture. Nar. musique le drame "Leili et Majnun" a servi de base à O. du même nom, écrit en 1940 par Glière conjointement. de l'ouzbek compositeur-mélodiste T. Jalilov. Il a fermement lié ses activités à l'Ouzbékistan. musique culture A.F. Kozlovsky, qui a créé le national le matériau a une grande histoire. O. "Ulugbek" (1942, 2e édition 1958). S. A. Balasanyan est l'auteur du premier Taj. O. « Le soulèvement de Vose » (1939, 2e édition 1959) et « Le forgeron Kova » (avec Sh. N. Bobokalonov, 1941). Premier Kirghizistan O. "Aichurek" (1939) a été créé conjointement par V. A. Vlasov et V. G. Fere. avec A. Maldybaev ; plus tard, ils écrivirent également « Manas » (1944) et « Toktogul » (1958). Musique les drames et opéras de E. G. Brusilovsky « Kyz-Zhybek » (1934), « Zhalbyr » (1935, 2e édition 1946), « Er-Targyn » (1936) ont marqué le début du Kazakh. Théâtre musical Création du Turkménistan. musique Le théâtre remonte à la production de l’opéra « Zohre et Tahir » d’A. G. Shaposhnikov (1941, nouvelle édition conjointement avec V. Mukhatov, 1953). Par la suite, le même auteur a écrit une autre série d'O. au Turkménistan. national matériau, y compris le joint avec D. Ovezov « Shasenem et Gharib » (1944, 2e éd. 1955). Le premier Bouriate est apparu en 1940. O. - «Enkhe - bulat-baatar» de M. P. Frolov. Dans le développement de la musique. t-ra parmi les peuples de la région de la Volga et Extrême Orient L. K. Knipper, G. I. Litinsky, N. I. Peiko, S. N. Ryauzov, N. K. Chemberdzhi et d'autres ont également contribué.

En même temps, dès la fin. années 30 Ces républiques produisent leurs propres compositeurs talentueux parmi les représentants des nationalités autochtones. N. G. Zhiganov, l'auteur des premiers Tatars, travaille de manière fructueuse dans le domaine de la créativité lyrique. O. "Kachkyn" (1939) et "Altynchach" (1941). L'un de ses meilleurs O. - "Jalil" (1957) a été reconnu en dehors de Tat. RSS. K signifie. réalisations nationales musique la culture appartient à "Birjan et Sara" de M. T. Tulebaev (1946, RSS du Kazakhstan), "Hamza" de S. B. Babaev et "Les astuces de Maysary" de S. A. Yudakov (tous deux 1961, RSS d'Ouzbékistan), "Pulat et Gulru" (1955) et "Rudaki" (1976) de Sh. S. Sayfiddinov (RSS tadjike), "Brothers" de D. D. Ayusheev (1962, République socialiste soviétique autonome de Bouriate), "Highlanders" de Sh. R. Cha-laev (1971, Dag. ASSR), etc.

Biélorusse dans le travail lyrique. Sov a pris la première place parmi les compositeurs. sujet. Révolutions et citoyens dédié à la guerre O. « Mikhas Podgorny » d'E.K. Tikotsky (1939), « Dans les forêts de Polésie » d'A.V. Bogatyrev (1939). Lutte biélorusse. partisans pendant la Grande Guerre Patriotique. la guerre se reflétait dans O. « Alesya » de Tikotsky (1944, dans la nouvelle édition « Girl from Polesie », 1953). Dans ces productions. Le biélorusse est largement utilisé. folklore. O. «Fleur du bonheur» de A. E. Turenkov (1939) est également basé sur des chansons.

Pendant la lutte pour le Sov. le pouvoir dans les républiques baltes était exercé par poste. les premiers Lettons. O. - "Banyuta" de A. J. Kalnin (1919) et la duologie lyrique "Fire and Sword" de Janis Medin (1ère partie 1916, 2ème partie 1919). Avec O. « On Fire » de Kalnina (1937), ces œuvres. est devenu la base du système national répertoire d'opéra en Lettonie. Après l'entrée de Latv. républiques d'URSS dans l'œuvre lyrique du letton. les compositeurs reflètent de nouveaux thèmes, le style et la musique sont mis à jour. langue O. Parmi les modernes chouettes Letton. O. sont célèbres pour « To the New Shore » (1955), « The Green Mill » (1958) de M. O. Zarina et « The Golden Horse » de A. Zilinskis (1965). En Lituanie, les fondements du système national les traditions de l'opéra ont été établies au début. 20ième siècle œuvres de M. Petrauskas - « Birutė » (1906) et « Eglė - Reine des Serpents » (1918). Premier hibou Allumé. O. - « Village près du domaine » (« Paginerai ») de S. Shimkus (1941). Dans les années 50 O. apparaissent sur historique. ("Pilenai" de V. Yu. Klovy, 1956) et moderne. ("Marite" de A.I. Raciunas, 1954). Nouvelle étape dans le développement de la Lituanie. O. est représenté par « Lost Birds » de V. A. Laurusas, « At the Crossroads » de V. S. Paltanavičius (tous deux de 1967). Le jeûne existait déjà en Estonie en 1906. O. « Sabina » d'A. G. Lemba (1906, 2e éd. « Fille de Lembitu », 1908) au national. intrigue avec de la musique basée sur est. adj. mélodies. En con. 20s d'autres productions d'opéra sont apparues. du même compositeur (dont « Maiden of the Hill », 1928), ainsi que « Vickerians » de E. Aava (1928), « Kaupo » de A. Vedro (1932), etc. Une base solide et large pour le développement du national. O. a été créé après l'adhésion de l'Estonie à l'URSS. L'un des premiers Est. chouettes O. est "Pyhajärv" de G. G. Ernesaks (1946). Moderne Le thème a été reflété dans O. « The Fires of Vengeance » (1945) et « The Singer of Freedom » (1950, 2e éd. 1952) de E. A. Kapp. Nouvelles recherches marquées « The Iron House » par E. M. Tamberg (1965), « Swan Flight » par V. R. Tormis.

Plus tard, la culture de l’opéra a commencé à se développer en Moldavie. Le premier O. sur la moisissure. langue et nationalité les intrigues n'apparaissent qu'en 2ème mi-temps. années 50 « Domnika » de A. G. Styrchi (1950, 2e éd. 1964) est populaire.

En raison du développement généralisé des médias de masse au XXe siècle. des types particuliers d'opéras radiophoniques et télévisés sont apparus, créés en tenant compte des spécificités. conditions de perception lors de l’écoute à la radio ou depuis un écran de télévision. Dans les pays étrangers pays, un certain nombre d'O. ont été écrits spécifiquement pour la radio, notamment « Columbus » de V. Egk (1933), « The Old Maid and the Thief » de Menotti (1939), « The Country Doctor » de Henze (1951, nouveau éd. 1965), "Don Quichotte" d'Iber (1947). Certains de ces O. ont également été joués sur scène (par exemple, « Columbus »). Les opéras télévisés ont été écrits par Stravinsky (« Le Déluge », 1962), B. Martin (« Mariage » et « Comment vivent les gens », tous deux en 1952), Kshenek (« Calculé et joué », 1962), Menotti (« Amal et le Night Guest", 1951 ; "Labyrinth", 1963) et d'autres compositeurs majeurs. En URSS, les opéras radiophoniques et télévisés constituent des productions particulières. ne sont pas largement utilisés. Les opéras spécialement écrits pour la télévision par V. A. Vlasov et V. G. Fere ("La Sorcière", 1961) et V. G. Agafonnikov ("Anna Snegina", 1970) ont le caractère d'expériences individuelles. Sov. la radio et la télévision suivent la voie de la création de montages et de musiques littéraires. compositions ou adaptations cinématographiques d’œuvres d’opéra célèbres. classique et moderne auteurs.

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Le contenu de l'article

OPÉRA, drame ou comédie mis en musique. Des textes dramatiques sont chantés à l'opéra ; le chant et l'action sur scène sont presque toujours accompagnés d'un accompagnement instrumental (généralement orchestral). De nombreux opéras se caractérisent également par la présence d'interludes orchestraux (introductions, conclusions, entractes, etc.) et d'interruptions d'intrigue remplies de scènes de ballet.

L'opéra est né comme passe-temps aristocratique, mais est rapidement devenu un divertissement pour le grand public. Le premier opéra public a été ouvert à Venise en 1637, quatre décennies seulement après la naissance du genre lui-même. Puis l’opéra se répandit rapidement dans toute l’Europe. En tant que divertissement public, il a atteint son plus grand développement au XIXe et au début du XXe siècle.

Tout au long de son histoire, l’opéra a eu une puissante influence sur d’autres genres musicaux. La symphonie est née de l’introduction instrumentale des opéras italiens du XVIIIe siècle. Les passages virtuoses et les cadences du concerto pour piano sont en grande partie le fruit d'une tentative de refléter la virtuosité vocale de l'opéra dans la texture de l'instrument à clavier. Dans le 19ème siècle L'écriture harmonique et orchestrale de R. Wagner, qu'il a créée pour le grandiose « drame musical », a déterminé le développement ultérieur d'un certain nombre de formes musicales, et même au 20e siècle. De nombreux musiciens considéraient la libération de l'influence de Wagner comme la direction principale du mouvement vers une musique nouvelle.

Forme d'opéra.

Dans ce qu'on appelle Dans le grand opéra, le genre d’opéra le plus répandu aujourd’hui, le texte entier est chanté. Dans l'opéra-comique, le chant alterne généralement avec des scènes parlées. Le nom « opéra-comique » (opéra-comique en France, opera buffa en Italie, Singspiel en Allemagne) est dans une large mesure arbitraire, car toutes les œuvres de ce type n'ont pas un contenu comique (un trait caractéristique de « l'opéra-comique » est la présence de dialogues parlés). Le type d'opéra-comique léger et sentimental, qui s'est répandu à Paris et à Vienne, a commencé à être appelé opérette ; en Amérique, on appelle cela la comédie musicale. Les pièces musicales (comédies musicales) qui sont devenues célèbres à Broadway ont généralement un contenu plus sérieux que les opérettes européennes.

Toutes ces variétés d’opéra reposent sur la conviction que la musique et surtout le chant renforcent l’expressivité dramatique du texte. Certes, d’autres éléments ont parfois joué un rôle tout aussi important dans l’opéra. Ainsi, dans l'opéra français de certaines périodes (et dans l'opéra russe au XIXe siècle), la danse et le côté divertissement ont acquis une importance très significative ; Les auteurs allemands considéraient souvent la partie orchestrale non pas comme une partie d'accompagnement, mais comme un équivalent de la partie vocale. Mais à l’échelle de toute l’histoire de l’opéra, le chant joue encore un rôle prédominant.

Si les chanteurs sont les protagonistes d'une représentation d'opéra, alors la partie orchestrale forme le cadre, le fondement de l'action, la fait avancer et prépare le public aux événements futurs. L'orchestre soutient les chanteurs, souligne les points culminants, comble les lacunes du livret ou les changements de décor avec sa sonorité et se produit enfin à la fin de l'opéra lorsque le rideau tombe.

La plupart des opéras ont des introductions instrumentales qui aident à préparer le terrain pour le public. Aux XVIIe et XIXe siècles. une telle introduction s'appelait une ouverture. Les ouvertures étaient des pièces de concert laconiques et indépendantes, sans rapport thématique avec l'opéra et donc facilement remplaçables. Par exemple, une ouverture à une tragédie Aurélien à Palmyre Rossini s'est ensuite transformé en une ouverture de comédie Barbier de Séville. Mais dans la seconde moitié du XIXe siècle. les compositeurs ont commencé à accorder beaucoup plus d'attention à l'unité d'ambiance et au lien thématique entre l'ouverture et l'opéra. Une forme d'introduction (Vorspiel) est apparue qui, par exemple dans les derniers drames musicaux de Wagner, reprend les thèmes principaux (leitmotivs) de l'opéra et introduit directement l'action. La forme de l'ouverture d'opéra « autonome » avait décliné, et au moment où Tosca Puccini (1900), l'ouverture pourrait être remplacée par quelques accords d'ouverture seulement. Dans plusieurs opéras du 20e siècle. Il n’y a aucune préparation musicale pour l’action scénique.

Ainsi, l’action lyrique se développe dans le cadre orchestral. Mais comme l'essence de l'opéra est le chant, les moments les plus élevés du drame se reflètent dans les formes complètes d'arias, de duos et d'autres formes conventionnelles où la musique prend le dessus. Un air est comme un monologue, un duo est comme un dialogue ; un trio incarne généralement les sentiments contradictoires de l'un des personnages par rapport aux deux autres participants. Avec d'autres complications, différentes formes d'ensemble apparaissent - comme un quatuor dans Rigoletto Verdi ou sextet en Lucie de Lammermoor Donizetti. L’introduction de telles formes arrête généralement l’action pour laisser place au développement d’une (ou plusieurs) émotions. Seul un groupe de chanteurs, réunis en un ensemble, peut exprimer plusieurs points de vue sur l'actualité. Parfois, le chœur joue le rôle de commentateur des actions des personnages de l'opéra. En général, le texte des chœurs d'opéra est prononcé relativement lentement et les phrases sont souvent répétées pour rendre le contenu compréhensible pour l'auditeur.

Les airs eux-mêmes ne constituent pas un opéra. Dans l'opéra de type classique, le principal moyen de transmettre l'intrigue et de développer l'action au public est le récitatif : une déclamation rapide et mélodique en mètre libre, soutenue par des accords simples et basée sur des intonations naturelles de la parole. Dans les opéras-comiques, le récitatif est souvent remplacé par le dialogue. Le récitatif peut paraître ennuyeux aux auditeurs qui ne comprennent pas le sens du texte parlé, mais il est souvent indispensable à la structure significative de l'opéra.

Tous les opéras ne peuvent pas tracer une ligne claire entre récitatif et air. Wagner, par exemple, a abandonné les formes vocales achevées, visant le développement continu de l'action musicale. Cette innovation fut reprise, avec diverses modifications, par de nombreux compositeurs. Sur le sol russe, l'idée d'un « drame musical » continu a été, indépendamment de Wagner, testée pour la première fois par A.S. Dargomyzhsky dans Invité en pierre et le député Moussorgski en Mariage– ils appelaient cette forme « opéra conversationnel », opéra dialogue.

L'opéra comme drame.

Le contenu dramatique de l'opéra s'incarne non seulement dans le livret, mais aussi dans la musique elle-même. Les créateurs du genre opéra appelaient leurs œuvres dramma per musica - « le drame exprimé en musique ». L’opéra est bien plus qu’une pièce de théâtre composée de chants et de danses. La pièce dramatique se suffit à elle-même ; l'opéra sans musique n'est qu'une partie de l'unité dramatique. Cela s'applique même aux opéras avec des scènes parlées. Dans les ouvrages de ce type - par exemple, dans Manon Lescaut J. Massenet – les numéros musicaux conservent encore une place primordiale.

Il est extrêmement rare qu’un livret d’opéra puisse être mis en scène comme une pièce dramatique. Bien que le contenu du drame soit exprimé par des mots et que des techniques scéniques caractéristiques soient présentes, sans musique, quelque chose d'important est perdu - quelque chose qui ne peut être exprimé que par la musique. Pour la même raison, ce n'est qu'occasionnellement que des pièces dramatiques peuvent être utilisées comme livrets, sans réduire au préalable le nombre de personnages, simplifiant ainsi l'intrigue et les personnages principaux. Il faut laisser de la place à la musique pour respirer ; elle doit se répéter, former des épisodes orchestraux, changer d'ambiance et de couleur en fonction des situations dramatiques. Et comme le chant rend encore difficile la compréhension du sens des mots, le texte du livret doit être si clair qu'il puisse être perçu en chantant.

Ainsi, l'opéra subjugue la richesse lexicale et le raffinement de la forme du bon jeu dramatique, mais compense ces dégâts par les capacités de son propre langage, qui s'adresse directement aux sentiments des auditeurs. Donc, source littéraire Madame Papillon Puccini - La pièce de D. Belasco sur une geisha et un officier de marine américain est désespérément dépassée, et la tragédie de l'amour et de la trahison exprimée dans la musique de Puccini ne s'est pas estompée avec le temps.

Lorsqu’ils composaient de la musique d’opéra, la plupart des compositeurs suivaient certaines conventions. Par exemple, l'utilisation de registres aigus de voix ou d'instruments signifiait « passion », les harmonies dissonantes exprimaient « peur ». De telles conventions n’étaient pas arbitraires : les gens élèvent généralement la voix lorsqu’ils sont excités, et la sensation physique de peur est disharmonieuse. Mais les compositeurs d’opéra expérimentés ont utilisé des moyens plus subtils pour exprimer le contenu dramatique de la musique. La ligne mélodique devait correspondre organiquement aux mots sur lesquels elle reposait ; l’écriture harmonique était censée refléter le flux et le reflux des émotions. Il a fallu créer différents modèles rythmiques pour des scènes déclamatoires rapides, des ensembles cérémoniaux, des duos d'amour et des airs. Les capacités expressives de l'orchestre, y compris les timbres et autres caractéristiques associées aux différents instruments, ont également été mises au service d'objectifs dramatiques.

Cependant, l’expressivité dramatique n’est pas la seule fonction de la musique dans l’opéra. Un compositeur d'opéra résout deux tâches contradictoires : exprimer le contenu du drame et faire plaisir au public. Selon le premier objectif, la musique est au service du drame ; selon la seconde, la musique se suffit à elle-même. De nombreux grands compositeurs d'opéra - Gluck, Wagner, Moussorgski, R. Strauss, Puccini, Debussy, Berg - ont souligné l'élément expressif et dramatique de l'opéra. D'autres auteurs, l'opéra a acquis une apparence de chambre plus poétique et sobre. Leur art est marqué par la subtilité des demi-teintes et est moins dépendant de l'évolution des goûts du public. Les compositeurs paroliers sont appréciés des chanteurs, car même si un chanteur d'opéra doit être un acteur dans une certaine mesure, sa tâche principale est purement musicale : il doit reproduire fidèlement le texte musical, donner au son la coloration nécessaire et formuler magnifiquement. Parmi les auteurs lyriques figurent les Napolitains du XVIIIe siècle, Haendel, Haydn, Rossini, Donizetti, Bellini, Weber, Gounod, Masne, Tchaïkovski et Rimski-Korsakov. De rares auteurs ont atteint un équilibre presque absolu d'éléments dramatiques et lyriques, parmi lesquels Monteverdi, Mozart, Bizet, Verdi, Janacek et Britten.

Répertoire d'opéra.

Le répertoire lyrique traditionnel se compose principalement d'œuvres du XIXe siècle. et un certain nombre d'opéras de la fin du XVIIIe et du début du XXe siècle. Le romantisme, avec son attrait pour les actes sublimes et les pays lointains, a contribué au développement de l'opéra dans toute l'Europe ; la croissance de la classe moyenne a conduit à la pénétration d'éléments folkloriques dans le langage de l'opéra et a fourni à l'opéra un public nombreux et reconnaissant.

Le répertoire traditionnel tend à réduire toute la diversité des genres de l'opéra à deux catégories très vastes : la « tragédie » et la « comédie ». Le premier est généralement plus largement représenté que le second. La base du répertoire est aujourd'hui constituée d'opéras italiens et allemands, notamment de « tragédies ». Dans le domaine de la « comédie », l’opéra italien, ou du moins en italien (par exemple les opéras de Mozart), prédomine. Il existe peu d'opéras français dans le répertoire traditionnel, et ceux-ci sont généralement interprétés dans le style italien. Plusieurs opéras russes et tchèques occupent leur place au répertoire, presque toujours interprétés en traduction. En général, les grandes compagnies d’opéra adhèrent à la tradition consistant à interpréter des œuvres dans la langue originale.

Le principal régulateur du répertoire est la popularité et la mode. La prévalence et la culture de certains types de voix jouent un certain rôle, même si certains opéras (comme Aide Verdi) sont souvent interprétés sans se soucier de savoir si les voix nécessaires sont disponibles ou non (cette dernière étant plus courante). À une époque où les opéras avec des rôles virtuoses de colorature et des intrigues allégoriques étaient passés de mode, peu de gens se souciaient du style approprié de leur production. Les opéras de Haendel, par exemple, ont été négligés jusqu'à ce que la célèbre chanteuse Joan Sutherland et d'autres commencent à les jouer. Et il ne s'agit pas seulement ici du « nouveau » public, qui a découvert la beauté de ces opéras, mais aussi de l'émergence d'un grand nombre de chanteurs dotés d'une haute culture vocale, capables de faire face à des rôles d'opéra sophistiqués. De la même manière, la renaissance de l'œuvre de Cherubini et Bellini s'inspire des brillantes interprétations de leurs opéras et de la découverte de la « nouveauté » des œuvres anciennes. Les compositeurs du début du baroque, notamment Monteverdi, mais aussi Peri et Scarlatti, sont également sortis de l'obscurité.

Toutes ces reprises nécessitent des éditions commentées, notamment celles d’auteurs du XVIIe siècle, dont nous ne disposons pas d’informations précises sur l’instrumentation et les principes dynamiques. Des répétitions sans fin dans ce qu'on appelle. les airs da capo des opéras de l'école napolitaine et de Haendel sont assez fastidieux à notre époque, celle des résumés. Il est peu probable qu’un auditeur moderne soit capable de partager la passion des auditeurs, même du grand opéra français du XIXe siècle. (Rossini, Spontini, Meyerbeer, Halévy) à des animations qui ont occupé toute la soirée (donc la partition complète de l'opéra Fernando Cortés Spontini joue pendant 5 heures, sans compter les entractes). Il arrive souvent que des endroits sombres dans la partition et ses dimensions conduisent le chef d'orchestre ou le metteur en scène à la tentation de couper, de réarranger les numéros, de faire des insertions et même d'écrire de nouvelles pièces, souvent si maladroitement que seul un parent éloigné de l'œuvre qui apparaît dans le programme apparaît devant le public.

Chanteurs.

Selon la portée vocale chanteurs d'opéra sont généralement divisés en six types. Trois types de voix féminines, de l'aigu au grave : soprano, mezzo-soprano, contralto (cette dernière est rare de nos jours) ; trois hommes - ténor, baryton, basse. Au sein de chaque type, il peut exister plusieurs sous-types en fonction de la qualité de la voix et du style de chant. La soprano lyrique-colorature se distingue par une voix légère et exceptionnellement agile ; ces chanteurs sont capables d'exécuter des passages virtuoses, des gammes rapides, des trilles et autres embellissements. La soprano lyrique-dramatique (lirico spinto) est une voix d'une grande luminosité et d'une grande beauté. Le timbre d'une soprano dramatique est riche et fort. La distinction entre voix lyrique et voix dramatique s'applique également aux ténors. Il existe deux grands types de basses : la « basse chantante » (basso cantante) pour les parties « sérieuses » et la basse comique (basso buffo).

Peu à peu, des règles se sont formées pour choisir un timbre chantant pour un certain rôle. Les rôles des personnages principaux et des héroïnes étaient généralement attribués aux ténors et aux sopranos. En général, plus le personnage est âgé et expérimenté, plus sa voix doit être basse. Une jeune fille innocente - comme Gilda dans Rigoletto Verdi est une soprano lyrique, et la séductrice insidieuse Dalila dans l'opéra de Saint-Saëns Samson et Dalila– mezzo-soprano. Le rôle de Figaro, le héros énergique et spirituel de Mozart Les Noces du Figaro et Rossinievski Barbier de Sévilleécrit par les deux compositeurs pour le baryton, alors qu'en tant que personnage principal, le rôle de Figaro aurait dû être destiné au premier ténor. Les rôles de paysans, de sorciers, de personnes mûres, de dirigeants et de personnes âgées étaient généralement créés pour des barytons-basse (par exemple, Don Giovanni dans l'opéra de Mozart) ou des basses (Boris Godounov dans Moussorgski).

Les changements dans les goûts du public ont joué un rôle dans la formation des styles vocaux d'opéra. La technique de production sonore, la technique du vibrato (« sanglot ») a évolué au fil des siècles. J. Peri (1561-1633), chanteur et auteur du premier opéra partiellement conservé ( Daphné), chantait vraisemblablement avec une voix dite blanche - dans un style relativement égal et immuable, avec peu ou pas de vibrato - conformément à l'interprétation de la voix comme instrument, qui était à la mode jusqu'à la fin de la Renaissance.

Au XVIIIe siècle. Le culte du chanteur virtuose s'est développé d'abord à Naples, puis dans toute l'Europe. A cette époque, le rôle du personnage principal de l'opéra était interprété par un soprano masculin - un castrat, c'est-à-dire un timbre dont le changement naturel était stoppé par la castration. Les chanteurs castrats ont poussé l'étendue et la mobilité de leur voix aux limites du possible. Des stars de l'opéra comme le castrat Farinelli (C. Broschi, 1705-1782), dont on disait que la soprano était supérieure en force au son de la trompette, ou la mezzo-soprano F. Bordoni, dont on disait qu'elle pouvait soutenir le son de la trompette. sonnent plus longtemps que n'importe quel chanteur au monde, complètement subordonnés à leur maîtrise les compositeurs dont ils interprétaient la musique. Certains d'entre eux composent eux-mêmes des opéras et dirigent des troupes d'opéra (Farinelli). Il était évident que les chanteurs décoraient les mélodies composées par le compositeur avec leurs propres ornements improvisés, sans se soucier de savoir si ces décorations convenaient ou non à l'intrigue de l'opéra. Le propriétaire de tout type de voix doit être formé pour effectuer des passages rapides et des trilles. Dans les opéras de Rossini, par exemple, le ténor ne doit pas maîtriser la technique de la colorature pas plus mal que la soprano. Le renouveau d'un tel art au XXe siècle. a permis de donner une nouvelle vie à l'œuvre lyrique diversifiée de Rossini.

Un seul style de chant du XVIIIe siècle. Le style de la basse comique est presque inchangé à ce jour, car les effets simples et le bavardage rapide laissent peu de place aux interprétations individuelles, musicales ou scéniques ; peut-être que les comédies carrées de D. Pergolesi (1749-1801) sont jouées aujourd'hui aussi souvent qu'il y a 200 ans. Le vieil homme bavard et colérique est une figure très vénérée de la tradition lyrique, un rôle préféré des basses enclines aux clowneries vocales.

Le style pur et chantant du bel canto, chatoyant de toutes les couleurs, tant aimé par Mozart, Rossini et autres compositeurs d'opéra de la fin du XVIIIe et de la première moitié du XIXe siècle, dans la seconde moitié du XIXe siècle. a progressivement cédé la place à un style de chant plus puissant et plus dramatique. Le développement de l'écriture harmonique et orchestrale moderne a progressivement modifié la fonction de l'orchestre dans l'opéra : d'accompagnateur à protagoniste, les chanteurs ont donc dû chanter plus fort pour que leur voix ne soit pas étouffée par les instruments. Cette tendance est née en Allemagne, mais a influencé tous les opéras européens, y compris italiens. Le « ténor héroïque » allemand (Heldentenor) est clairement né du besoin d'une voix capable de rivaliser avec l'orchestre de Wagner. Les dernières œuvres de Verdi et les opéras de ses disciples nécessitent des ténors « forts » (di forza) et des sopranos dramatiques (spinto) énergiques. Les exigences de l’opéra romantique conduisent même parfois à des interprétations qui semblent aller à l’encontre des intentions exprimées par le compositeur lui-même. Ainsi, R. Strauss considérait Salomé dans son opéra du même nom comme « une jeune fille de 16 ans avec la voix d’Isolde ». Cependant, l'instrumentation de l'opéra est si dense qu'il faut des chanteuses matrones matures pour interpréter le rôle principal.

Parmi les stars légendaires de l'opéra du passé figurent E. Caruso (1873-1921, peut-être le chanteur le plus populaire de l'histoire), J. Farrar (1882-1967, qui fut toujours suivi par un cortège d'admirateurs à New York), F. I. Chaliapine. (1873-1938, basse puissante, maître du réalisme russe), K. Flagstad (1895-1962, soprano héroïque de Norvège) et bien d'autres. Dans la génération suivante, ils furent remplacés par M. Callas (1923-1977), B. Nilsson (né en 1918), R. Tebaldi (1922-2004), J. Sutherland (né en 1926), L. Price (né en 1926). 1927 ), B. Sills (né en 1929), C. Bartoli (1966), R. Tucker (1913-1975), T. Gobbi (1913-1984), F. Corelli (né en 1921), C. Siepi ( né en 1923), J. Vickers (né en 1926), L. Pavarotti (né en 1935), S. Milnes (né en 1935), P. Domingo (né en 1941), J. Carreras (né en 1946) .

Opéras.

Certains bâtiments d'opéra sont associés à un type particulier d'opéra et, dans certains cas, l'architecture du théâtre a été déterminée par l'un ou l'autre type de représentation d'opéra. Ainsi, l'« Opéra » parisien (en Russie le nom « Grand Opéra » est resté) était destiné à un spectacle lumineux bien avant la construction de son bâtiment actuel en 1862-1874 (architecte C. Garnier) : l'escalier et le hall du palais ont été conçu pour rivaliser avec les décors des ballets et des magnifiques cortèges qui se déroulaient sur scène. La « Maison des représentations cérémonielles » (Festspielhaus) dans la ville bavaroise de Bayreuth a été créée par Wagner en 1876 pour mettre en scène ses « drames musicaux » épiques. Sa scène, calquée sur les scènes des amphithéâtres grecs antiques, a une grande profondeur et l'orchestre est situé dans la fosse d'orchestre et caché du public, grâce à quoi le son est dispersé et le chanteur n'a pas besoin de forcer sa voix. Le bâtiment original du Metropolitan Opera de New York (1883) était destiné à servir de vitrine aux meilleurs chanteurs du monde et aux abonnés respectables aux loges. La salle est si profonde que ses fers à cheval en diamant offrent aux visiteurs plus d'occasions de se voir que la scène relativement peu profonde.

L'apparence des opéras, tel un miroir, reflète l'histoire de l'opéra en tant que phénomène de la vie sociale. Ses origines sont dans la renaissance théâtre grec antique dans les milieux aristocratiques : le plus ancien opéra encore existant, l'Olimpico (1583), construit par A. Palladio à Vicence, correspond à cette période. Son architecture, un microcosme de la société baroque, est basée sur un plan distinctif en forme de fer à cheval, avec des rangées de loges s'étendant depuis le centre - la loge royale. Un plan similaire est conservé dans les bâtiments des théâtres La Scala (1788, Milan), La Fenice (1792, incendié en 1992, Venise), San Carlo (1737, Naples), Covent Garden (1858, Londres). Avec moins de loges, mais avec des gradins plus profonds grâce à des supports en acier, ce plan fut utilisé dans des opéras américains tels que la Brooklyn Academy of Music (1908), l'Opéra de San Francisco (1932) et l'Opéra de Chicago (1920). Des solutions plus modernes sont illustrées par le nouveau bâtiment du Metropolitan Opera au Lincoln Center de New York (1966) et de l'Opéra de Sydney (1973, Australie).

L'approche démocratique est caractéristique de Wagner. Il a exigé une concentration maximale du public et a construit un théâtre où il n'y a aucune loge et où les sièges sont disposés en rangées continues et monotones. L'intérieur austère de Bayreuth n'a été répété que dans le Théâtre Prinzregent de Munich (1909) ; même les théâtres allemands construits après la Seconde Guerre mondiale rappellent des exemples antérieurs. Cependant, l'idée de Wagner semble avoir contribué au mouvement vers le concept d'arène, c'est-à-dire théâtre sans avant-scène, proposé par certains architectes modernes (le prototype est le cirque romain antique) : l'opéra doit s'adapter à ces nouvelles conditions. L'amphithéâtre romain de Vérone se prête parfaitement à la mise en scène de spectacles d'opéra monumentaux tels que Aïda Verdi et Guillaume Tell Rossini.

Festivals d'opéra.

Un élément important de la conception de l'opéra de Wagner est le pèlerinage d'été à Bayreuth. L’idée a été reprise : dans les années 1920, la ville autrichienne de Salzbourg a organisé un festival consacré principalement aux opéras de Mozart et a invité des personnes aussi talentueuses que le metteur en scène M. Reinhardt et le chef d’orchestre A. Toscanini à mettre en œuvre le projet. Depuis le milieu des années 1930, l'œuvre lyrique de Mozart a déterminé l'apparition du festival anglais de Glyndebourne. Après la Seconde Guerre mondiale, un festival apparaît à Munich, consacré principalement à l'œuvre de R. Strauss. Florence accueille le Mai Musical Florentin, où est joué un très large répertoire, couvrant à la fois les opéras anciens et modernes.

HISTOIRE

Les origines de l'opéra.

Le premier exemple du genre lyrique qui nous est parvenu est Eurydice J. Peri (1600) est une modeste œuvre réalisée à Florence à l'occasion du mariage du roi de France Henri IV et de Marie de Médicis. Comme prévu, un jeune chanteur et madrigaliste proche de la cour a été chargé de mettre en musique cet événement solennel. Mais Peri n'a pas présenté le cycle habituel de madrigaux sur un thème pastoral, mais quelque chose de complètement différent. Le musicien était membre de la Camerata florentine - un cercle de scientifiques, poètes et mélomanes. Pendant vingt ans, les membres de la Camerata ont étudié la question de savoir comment étaient jouées les tragédies grecques antiques. Ils sont arrivés à la conclusion que les acteurs grecs prononçaient le texte d'une manière déclamatoire particulière, qui se situe entre la parole et le chant réel. Mais le véritable résultat de ces expériences visant à faire revivre un art oublié fut un nouveau type de chant solo, appelé « monodie » : la monodie était exécutée sur un rythme libre avec l'accompagnement le plus simple. Par conséquent, Peri et son librettiste O. Rinuccini ont raconté l'histoire d'Orphée et d'Eurydice dans un récitatif soutenu par les accords d'un petit orchestre, plutôt un ensemble de sept instruments, et ont présenté la pièce au Palazzo Pitti florentin. C'était le deuxième opéra de Camerata ; marquer en premier, Daphné Peri (1598), non conservé.

Les premiers opéras avaient des prédécesseurs. Pendant sept siècles, l'Église a cultivé des drames liturgiques tels que Jeu sur Daniel, où le chant solo était accompagné de l'accompagnement de divers instruments. Au 16ème siècle d'autres compositeurs, en particulier A. Gabrieli et O. Vecchi, combinèrent des chœurs profanes ou des madrigaux en cycles d'intrigues. Mais avant Peri et Rinuccini, il n’existait pas de forme musicale et dramatique monodique laïque. Leur œuvre n’était pas une reprise de la tragédie grecque antique. Cela a apporté quelque chose de plus : un nouveau genre théâtral viable était né.

Cependant, la pleine révélation des possibilités du genre dramma per musica, proposée par la Camerata florentine, s'est produite dans le travail d'un autre musicien. Comme Peri, C. Monteverdi (1567-1643) était un homme instruit issu d'une famille noble, mais contrairement à Peri, il était musicien professionnel. Originaire de Crémone, Monteverdi s'est fait connaître à la cour de Vincenzo Gonzaga à Mantoue et jusqu'à la fin de sa vie il a dirigé le chœur de la cathédrale Saint-Pierre. Timbre à Venise. Sept ans après Eurydice Peri, il composa sa propre version de la légende d'Orphée - Le conte d'Orphée. Ces œuvres diffèrent les unes des autres de la même manière qu'une expérience intéressante diffère d'un chef-d'œuvre. Monteverdi a multiplié par cinq la composition de l'orchestre, donnant à chaque personnage son propre groupe d'instruments, et a précédé l'opéra d'une ouverture. Son récitatif non seulement exprimait le texte de A. Stridzho, mais vivait sa propre vie artistique. Le langage harmonique de Monteverdi est plein de contrastes dramatiques et impressionne encore aujourd'hui par son audace et son pittoresque.

Parmi les opéras ultérieurs de Monteverdi survivants figurent Duel de Tancrède et Clorinde(1624), basé sur une scène de Jérusalem libérée Torquato Tasso - un poème épique sur les croisés ; Retour d'Ulysse dans son pays natal(1641) sur un terrain remontant à l'ancienne légende grecque d'Ulysse ; Couronnement de Poppée(1642), du temps de l'empereur romain Néron. La dernière œuvre a été créée par le compositeur juste un an avant sa mort. Cet opéra est devenu le summum de son œuvre - en partie grâce à la virtuosité des parties vocales, en partie grâce à la splendeur de l'écriture instrumentale.

Distribution de l'opéra.

À l’époque de Monteverdi, l’opéra conquiert rapidement les grandes villes d’Italie. Rome a donné à l'auteur d'opéra L. Rossi (1598-1653), qui a mis en scène son opéra à Paris en 1647 Orphée et Eurydice, à la conquête du monde français. F. Cavalli (1602-1676), qui chanta avec Monteverdi à Venise, créa une trentaine d'opéras ; Avec M.A. Cesti (1623-1669), Cavalli devint le fondateur de l'école vénitienne, qui joua un rôle majeur dans l'opéra italien de la seconde moitié du XVIIe siècle. DANS école vénitienne le style monodique venu de Florence ouvre la voie au développement du récitatif et de l'aria. Les airs devinrent progressivement plus longs et plus complexes, et des chanteurs virtuoses, généralement des castrats, commencèrent à dominer la scène de l'opéra. Les intrigues des opéras vénitiens étaient encore basées sur la mythologie ou sur des épisodes historiques romancés, mais désormais agrémentées d'interludes burlesques sans rapport avec l'action principale et d'épisodes spectaculaires dans lesquels les chanteurs démontraient leur virtuosité. A l'Opéra d'Honneur pomme d'Or(1668), l'un des plus complexes de cette époque, compte 50 personnages, ainsi que 67 scènes et 23 changements de décor.

L'influence italienne atteint même l'Angleterre. À la fin du règne d'Elizabeth I, les compositeurs et librettistes ont commencé à créer ce qu'on appelle. masques - des spectacles de cour qui combinaient des récitatifs, des chants, des danses et étaient basés sur des intrigues fantastiques. Ce nouveau genre a pris bel endroit dans l'œuvre de G. Laws, qui en 1643 mit en musique Comus Milton, et créa en 1656 le premier véritable opéra anglais - Siège de Rhodes. Après la restauration Stuart, l’opéra commença progressivement à s’implanter sur le sol anglais. J. Blow (1649-1708), organiste de la cathédrale de Westminster, composa un opéra en 1684 Vénus et Adonis, mais l'essai s'appelait toujours un masque. Le seul véritable grand opéra créé par un Anglais était Didon et Enée G. Purcell (1659-1695), élève et successeur de Blow. Créé pour la première fois dans un collège de femmes vers 1689, ce petit opéra est réputé pour son étonnante beauté. Purcell maîtrisait à la fois les techniques françaises et italiennes, mais son opéra est une œuvre typiquement anglaise. Livret Didon, propriété de N. Tate, mais le compositeur l'a fait revivre avec sa musique, marquée par la maîtrise des caractéristiques dramatiques, la grâce extraordinaire et la signification des airs et des chœurs.

Premier opéra français.

Comme le premier opéra italien, opéra français du milieu du XVIe siècle. est né du désir de faire revivre l’esthétique théâtrale grecque antique. La différence était que l’opéra italien mettait l’accent sur le chant, tandis que l’opéra français était né du ballet, un genre théâtral favori de la cour de France de l’époque. Danseur compétent et ambitieux venu d’Italie, J.B. Lully (1632-1687) devint le fondateur de l’opéra français. Il reçoit sa formation musicale, notamment en étudiant les bases de la technique de composition, à la cour de Louis XIV et est ensuite nommé compositeur de la cour. Il avait une excellente compréhension de la scène, ce qui se reflétait dans sa musique pour plusieurs comédies de Molière, notamment Au commerçant de la noblesse(1670). Impressionné par le succès des troupes d'opéra venues en France, Lully décide de créer sa propre troupe. Les opéras de Lully, qu'il appelait « tragédies lyriques » , démontrer un style musical et théâtral spécifiquement français. Les histoires sont tirées de mythologie ancienne ou de poèmes italiens, et le livret, avec ses vers solennels aux mètres strictement définis, est guidé par le style du grand contemporain de Lully, le dramaturge J. Racine. Lully entrecoupe le développement de l'intrigue de longues discussions sur l'amour et la gloire, et dans les prologues et autres points de l'intrigue, il insère des divertissements - des scènes avec des danses, des chœurs et des paysages magnifiques. La véritable ampleur de l'œuvre du compositeur devient claire ces jours-ci, alors que les productions de ses opéras reprennent - Alceste (1674), Atisa(1676) et Armides (1686).

« Opéra tchèque » est un terme conventionnel qui désigne deux mouvements artistiques contrastés : pro-russe en Slovaquie et pro-allemand en République tchèque. Antonin Dvořák (1841-1904) est une figure reconnue de la musique tchèque, même si un seul de ses opéras est empreint d'un profond pathétique. Sirène– s’est ancré dans le répertoire mondial. À Prague, capitale de la culture tchèque, la figure principale du monde de l'opéra était Bedřich Smetana (1824-1884), dont La mariée vendue(1866) entre rapidement au répertoire, généralement traduit en allemand. L'intrigue comique et simple a fait de cette œuvre la plus accessible de l'héritage de Smetana, bien qu'il soit l'auteur de deux autres opéras patriotiques enflammés - le dynamique « opéra du salut » Dalibor(1868) et épique Libusha(1872, mis en scène en 1881), qui dépeint l'unification du peuple tchèque sous le règne d'une reine sage.

Le centre officieux de l’école slovaque était la ville de Brno, où vécut et travailla Leoš Janáček (1854-1928), autre ardent défenseur de la reproduction des intonations récitatives naturelles en musique, dans l’esprit de Moussorgski et de Debussy. Les journaux de Janáček contiennent de nombreuses notations musicales de la parole et des rythmes sonores naturels. Après plusieurs premières expériences infructueuses dans le genre de l'opéra, Janáček s'est d'abord tourné vers l'étonnante tragédie de la vie des paysans moraves dans l'opéra. Jenufa(1904, l'opéra le plus populaire du compositeur). Dans les opéras suivants, il développe différentes intrigues : le drame d'une jeune femme qui, pour protester contre l'oppression familiale, s'engage dans une histoire d'amour illicite ( Katia Kabanova, 1921), vie de la nature ( Renard tricheur, 1924), incident surnaturel ( Remède Makropoulos, 1926) et le récit de Dostoïevski sur les années qu’il passa aux travaux forcés ( Notes d'une maison morte, 1930).

Janacek rêvait de succès à Prague, mais ses collègues « éclairés » traitaient ses opéras avec dédain, tant du vivant du compositeur qu'après sa mort. Comme Rimski-Korsakov, qui éditait Moussorgski, les collègues de Janacek pensaient qu'ils savaient mieux que l'auteur comment devaient sonner ses partitions. La reconnaissance internationale de Janáček est venue plus tard grâce aux efforts de restauration de John Tyrrell et du chef d'orchestre australien Charles Mackeras.

Opéras du XXe siècle.

La Première Guerre mondiale met fin à l’ère romantique : la sublimité des sentiments caractéristique du romantisme ne peut survivre aux chocs des années de guerre. Les formes d’opéra établies étaient également en déclin ; c’était une époque d’incertitude et d’expérimentation. Une envie du Moyen Âge, exprimée avec une force particulière dans Parsifale Et Pellease, a donné ses derniers éclairs dans des œuvres telles que L'amour des trois rois(1913)Italo Montemezzi (1875-1952), Chevaliers d'Ekebu(1925) Riccardo Zandonai (1883-1944), Sémirama(1910) et Flamme(1934) Ottorino Respighi (1879-1936). Le post-romantisme autrichien représenté par Franz Schrecker (1878-1933 ; Son lointain, 1912; Stigmatisé, 1918), Alexander von Zemlinsky (1871-1942 ; Tragédie florentine;Nain– 1922) et Eric Wolfgang Korngold (1897-1957 ; Ville morte, 1920; Miracle d'Héliane, 1927) utilisait des motifs médiévaux pour l'exploration artistique d'idées spiritualistes ou de phénomènes mentaux pathologiques.

L'héritage wagnérien, repris par Richard Strauss, puis transmis aux soi-disant. la nouvelle école viennoise, en particulier envers A. Schoenberg (1874-1951) et A. Berg (1885-1935), dont les opéras sont une sorte de réaction antiromantique : cela s'exprime dans une rupture consciente avec le langage musical traditionnel, notamment harmonique, et dans le choix des histoires « cruelles ». Le premier opéra de Berg Wozzeck(1925) - l'histoire d'un soldat malheureux et opprimé - est un drame d'une puissance captivante, malgré sa forme inhabituellement complexe et hautement intellectuelle ; le deuxième opéra du compositeur, Lulu(1937, achevé après la mort de l'auteur F. Tserkhoy) est un drame musical tout aussi expressif sur une femme dissolue. Après une série de petits opéras psychologiques aigus, parmi lesquels le plus célèbre est Attente(1909), Schönberg a travaillé sur l'intrigue toute sa vie Moïse et Aaron(1954, l'opéra est resté inachevé) - basé sur l'histoire biblique du conflit entre le prophète Moïse muet et l'éloquent Aaron, qui a séduit les Israélites pour qu'ils vénèrent le veau d'or. Les scènes d'orgie, de destruction et de sacrifice humain, qui peuvent scandaliser n'importe quel censeur théâtral, ainsi que l'extrême complexité de l'œuvre, freinent sa popularité à l'opéra.

Les compositeurs de diverses écoles nationales ont commencé à abandonner l'influence de Wagner. Ainsi, le symbolisme de Debussy a incité le compositeur hongrois B. Bartok (1881-1945) à créer sa parabole psychologique Château du duc Barbe Bleue(1918) ; un autre auteur hongrois, Z. Kodály, dans l'opéra Hari Janos(1926) se sont tournés vers des sources folkloriques. A Berlin, F. Busoni réinterprète d'anciennes intrigues dans des opéras Arlequin(1917) et Docteur Faustus(1928, resté inachevé). Dans toutes les œuvres mentionnées, le symphonisme omniprésent de Wagner et de ses disciples cède la place à un style beaucoup plus laconique, jusqu'à la prédominance de la monodie. Cependant, l'héritage lyrique de cette génération de compositeurs est relativement restreint, et cette circonstance, ainsi que la liste des œuvres inachevées, témoignent des difficultés rencontrées par genre d'opéraà l’ère de l’expressionnisme et du fascisme imminent.

Dans le même temps, de nouvelles tendances ont commencé à émerger dans une Europe ravagée par la guerre. L'opéra-comique italien a donné sa dernière évasion dans le petit chef-d'œuvre de G. Puccini Gianni Schicchi(1918). Mais à Paris, M. Ravel reprend le flambeau mourant et crée son merveilleux heure espagnole(1911) puis Enfant et magie(1925, livret de Collet). L'opéra est également apparu en Espagne - Durée de vie courte (1913) et Le stand du Maestro Pedro(1923) de Manuel de Falla.

En Angleterre, l’opéra connaît un véritable renouveau pour la première fois depuis plusieurs siècles. Les premiers exemples sont Heure immortelle(1914) Rutland Boughton (1878-1960) sur un sujet de la mythologie celtique, Traîtres(1906) et La femme du maître d'oeuvre(1916) Ethel Smith (1858-1944). Le premier est une histoire d'amour bucolique, tandis que le second raconte l'installation de pirates dans un pauvre village côtier anglais. Les opéras de Smith jouissaient d'une certaine popularité en Europe, tout comme les opéras de Frederick Delius (1862-1934), en particulier Village de Roméo et Juliette(1907). Delius, cependant, était par nature incapable d'incarner une dramaturgie de conflit (tant dans le texte que dans la musique), et c'est pourquoi ses drames musicaux statiques apparaissent rarement sur scène.

Le problème brûlant des compositeurs anglais était la recherche d’une intrigue compétitive. Savitri Gustav Holst a été écrit sur la base de l'un des épisodes de l'épopée indienne Mahabharata(1916), et Chauffeur Hugh R. Vaughan Williams (1924) est une pastorale richement décorée chansons folkloriques; il en va de même dans l'opéra de Vaughan Williams Sir John amoureux selon Shakespeare Falstaff.

Élever l’opéra anglais à nouvelles hauteurs succède à B. Britten (1913-1976) ; Son premier opéra était déjà un succès Peter Grimes(1945) - un drame se déroulant au bord de la mer, où personnage central- un pêcheur rejeté par les gens, en proie à des expériences mystiques. Source de comédie-satire Albert Hareng(1947) devint une nouvelle de Maupassant, et en Billy Budde L'histoire allégorique de Melville est utilisée, traitant du bien et du mal (le contexte historique est l'époque des guerres napoléoniennes). Cet opéra est généralement reconnu comme le chef-d'œuvre de Britten, bien qu'il ait ensuite travaillé avec succès dans le genre du « grand opéra » - les exemples incluent Gloriana(1951), qui raconte les événements mouvementés du règne d'Elizabeth I, et Un rêve dans une nuit d'été(1960 ; le livret basé sur Shakespeare a été créé par l’ami et collaborateur le plus proche du compositeur, le chanteur P. Pierce). Dans les années 1960, Britten accordait une grande attention aux opéras paraboles ( Rivière Bécasse – 1964, Action de la grotte – 1966, Fils prodigue– 1968); il a également créé un opéra télévisé Owen Wingrave(1971) et opéras de chambre Tournez la vis Et La profanation de Lucrèce. Le summum absolu de la créativité lyrique du compositeur fut sa dernière œuvre dans ce genre - Mort à Venise(1973), où une ingéniosité extraordinaire se conjugue à une grande sincérité.

L'héritage lyrique de Britten est si important que peu d'auteurs anglais de la génération suivante ont pu sortir de son ombre, même s'il convient de mentionner le célèbre succès de l'opéra de Peter Maxwell Davies (né en 1934). Tavernier(1972) et opéras de Harrison Birtwistle (né en 1934) Gavan(1991). Quant aux compositeurs d'autres pays, on peut noter des œuvres telles que Aniara(1951) du Suédois Karl-Birger Blomdahl (1916-1968), où l'action se déroule sur un vaisseau spatial interplanétaire et utilise des sons électroniques, ou un cycle d'opéra Que la lumière soit(1978-1979) de l'Allemand Karlheinz Stockhausen (le cycle porte le sous-titre Sept jours de création et est conçu pour être terminé en une semaine). Mais bien entendu, ces innovations sont éphémères. Les opéras du compositeur allemand Carl Orff (1895-1982) sont plus significatifs - par exemple, Antigone(1949), construit sur le modèle de la tragédie grecque antique utilisant une récitation rythmée sur fond d'accompagnement ascétique (principalement des instruments à percussion). Le brillant compositeur français F. Poulenc (1899-1963) commença par un opéra humoristique Seins de Tirésias(1947), puis s'est tourné vers une esthétique mettant l'accent sur l'intonation et le rythme naturels de la parole. Deux de ses meilleurs opéras ont été écrits dans cette veine : le mono-opéra Voix humaine d'après Jean Cocteau (1959 ; livret structuré comme une conversation téléphonique de l'héroïne) et l'opéra Dialogues des Carmélites, qui décrit les souffrances des religieuses d'un ordre catholique pendant la Révolution française. Les harmonies de Poulenc sont d'une simplicité trompeuse et en même temps émotionnellement expressives. La popularité internationale des œuvres de Poulenc a également été facilitée par l'exigence du compositeur que ses opéras soient interprétés autant que possible dans les langues locales.

Jongler comme un sorcier différents styles, I.F. Stravinsky (1882-1971) a créé un nombre impressionnant d'opéras ; parmi eux - un romantique écrit pour l'entreprise de Diaghilev Rossignol d'après le conte de fées de H.H. Andersen (1914), mozartien Les aventures d'un râteau basé sur les gravures de Hogarth (1951), ainsi que statiques, rappelant les frises anciennes Œdipe roi(1927), qui s'adresse aussi bien au théâtre qu'à la scène de concert. Pendant la période de la République allemande de Weimar, K. Weil (1900-1950) et B. Brecht (1898-1950), refont Opéra du mendiant John Gay dans un film encore plus populaire L'Opéra de quat'sous(1928), compose un opéra aujourd'hui oublié sur une intrigue nettement satirique L'ascension et la chute de la ville d'acajou(1930). L'arrivée au pouvoir des nazis met fin à cette fructueuse collaboration et Weill, qui a émigré en Amérique, commence à travailler dans le genre de la comédie musicale américaine.

Le compositeur argentin Alberto Ginastera (1916-1983) faisait fureur dans les années 1960 et 1970 avec ses opéras expressionnistes et ouvertement érotiques. Don Rodrigo (1964), Bomarzo(1967) et Béatrice Cenci(1971). L'Allemand Hans Werner Henze (né en 1926) est devenu célèbre en 1951 lorsque son opéra a été mis en scène. Boulevard Solitude livret de Greta Weil d'après l'histoire de Manon Lescaut ; Le langage musical de l'œuvre combine le jazz, le blues et la technique dodécaphonique. Les opéras ultérieurs de Henze comprennent : Élégie pour les jeunes amoureux(1961 ; se déroulant dans les Alpes enneigées ; la partition est dominée par le xylophone, le vibraphone, la harpe et le célesta), Jeune Seigneur, empreint d'humour noir (1965), Bassarids(1966; par Bacchantes Euripide, livret anglais de C. Kallman et W. H. Auden), antimilitariste Nous viendrons à la rivière(1976), opéra de conte de fées pour enfants Pollicino Et Mer trahie(1990). Michael Tippett (1905-1998) a travaillé dans le genre de l'opéra en Grande-Bretagne ) : Mariage d'été(1955), Labyrinthe de jardin (1970), La glace s'est brisée(1977) et opéra de science-fiction Nouvelle année(1989) - le tout basé sur le livret du compositeur. Avant-garde Compositeur anglais Peter Maxwell Davies est l'auteur de l'opéra ci-dessus Tavernier(1972 ; intrigue tirée de la vie du compositeur du XVIe siècle John Taverner) et Résurrection (1987).

Chanteurs d'opéra célèbres

Björling, Jussi (Johan Jonathan)(Björling, Jussi) (1911-1960), chanteur suédois (ténor). Il étudie à la Royal Opera School de Stockholm et y fait ses débuts en 1930 dans un petit rôle dans Manon Lescaut. Un mois plus tard, Ottavio chantait don Juan. De 1938 à 1960, à l'exception des années de guerre, il chante au Metropolitan Opera et connaît un succès particulier dans le répertoire italien et français.
Galli-Curci Amelita .
Gobbi, Tito(Gobbi, Tito) (1915-1984), chanteuse italienne(baryton). Il étudie à Rome et y fait ses débuts dans le rôle de Germont dans Traviata. Il se produit beaucoup à Londres et après 1950 à New York, Chicago et San Francisco - notamment dans les opéras de Verdi ; a continué à chanter dans les plus grands théâtres d'Italie. Gobbi est considéré comme le meilleur interprète du rôle de Scarpia, qu'il a chanté environ 500 fois. Il a joué à plusieurs reprises dans des films d'opéra.
Domingue, Placido .
Callas, Marie .
Caruso, Enrico .
Corelli, Franco-(Corelli, Franco) (né en 1921-2003), chanteur italien (ténor). À l'âge de 23 ans, il étudie quelque temps au Conservatoire de Pesaro. En 1952, il participe à concours vocal festival "Mai Musical Florentin", où le directeur de l'Opéra de Rome l'a invité à passer un test au "Théâtre Expérimental" de Spoletto. Bientôt, il se produisit dans ce théâtre dans le rôle de Don José dans Carmen. A l'ouverture de la saison de La Scala en 1954, il chante avec Maria Callas dans Vestale Spontini. En 1961, il fait ses débuts au Metropolitan Opera dans le rôle de Manrico dans Troubadour. Parmi ses rôles les plus célèbres figurent Cavaradossi dans Tosca.
Londres, Georges(Londres, George) (1920-1985), chanteuse canadienne(baryton-basse), de son vrai nom George Bernstein. Il étudie à Los Angeles et fait ses débuts à Hollywood en 1942. En 1949, il est invité à l'Opéra de Vienne, où il fait ses débuts dans le rôle d'Amonasro dans Aide. Il chante au Metropolitan Opera (1951-1966) et se produit également à Bayreuth de 1951 à 1959 dans le rôle d'Amfortas et du Hollandais volant. Il a superbement interprété les rôles de Don Giovanni, Scarpia et Boris Godounov.
Milnes, Cheryl .
Nilsson, Birgit(Nilsson, Birgit) (1918-2005), chanteuse suédoise (soprano). Elle a étudié à Stockholm et y a fait ses débuts dans le rôle d'Agatha dans Jeu de tir gratuit Weber. Sa renommée internationale remonte à 1951, lorsqu'elle chanta Elektra dans Idoménée Mozart au Festival de Glyndebourne. Au cours de la saison 1954/1955, elle chanta Brünnhilde et Salomé à l'Opéra de Munich. Elle fait ses débuts dans le rôle de Brünnhilde au Covent Garden de Londres (1957) et dans le rôle d'Isolde au Metropolitan Opera (1959). Elle a également réussi dans d'autres rôles, notamment Turandot, Tosca et Aida. Elle est décédée le 25 décembre 2005 à Stockholm.
Pavarotti, Luciano .
Patti, Adeline(Patti, Adelina) (1843-1919), chanteuse italienne (soprano colorature). Elle fait ses débuts à New York en 1859 dans le rôle de Lucia di Lammermoor, à Londres en 1861 (dans le rôle d'Amina dans Somnambule). Elle a chanté à Covent Garden pendant 23 ans. Possédant une voix magnifique et une technique brillante, Patti était l'une des dernières représentantes du véritable style bel canto, mais en tant que musicienne et actrice, elle était beaucoup plus faible.
Prix, Léontine .
Sutherland, Jeanne .
Skipa, Tito(Schipa, Tito) (1888-1965), chanteur italien (ténor). Il étudie à Milan et fait ses débuts à Vercelli en 1911 dans le rôle d'Alfredo ( Traviata). Il se produit régulièrement à Milan et à Rome. En 1920-1932, il s'engage avec l'Opéra de Chicago et chante constamment à San Francisco à partir de 1925 et au Metropolitan Opera (1932-1935 et 1940-1941). Excellente interprétation des rôles de Don Ottavio, Almaviva, Nemorino, Werther et Wilhelm Meister dans Mignonne.
Scotto, Renata(Scotto, Renata) (né en 1935), chanteur italien (soprano). Elle fait ses débuts en 1954 au Nouveau Théâtre de Naples dans le rôle de Violetta ( Traviata), la même année, elle chante pour la première fois à La Scala. Elle s'est spécialisée dans le répertoire bel canto : Gilda, Amina, Norina, Linda de Chamounix, Lucia di Lammermoor, Gilda et Violetta. Ses débuts américains étaient dans le rôle de Mimi de Bohémiens a eu lieu au Lyric Opera de Chicago en 1960 et est apparue pour la première fois au Metropolitan Opera dans le rôle de Cio-chio-san en 1965. Son répertoire comprend également les rôles de Norma, Gioconda, Tosca, Manon Lescaut et Francesca da Rimini.
Siepi, César(Siepi, Cesare) (né en 1923), chanteur italien (basse). Il fait ses débuts en 1941 à Venise dans le rôle de Sparafucillo dans Rigoletto. Après la guerre, il commence à se produire à La Scala et dans d'autres opéras italiens. De 1950 à 1973, il est l'un des principaux chanteurs de basse du Metropolitan Opera, où il chante notamment Don Giovanni, Figaro, Boris, Gurnemanz et Philip dans Don Carlos.
Tebaldi, Renata(Tebaldi, Renata) (née en 1922), chanteuse italienne (soprano). Elle étudie à Parme et fait ses débuts en 1944 à Rovigo dans le rôle d'Elena ( Méphistophélès). Toscanini choisit Tebaldi pour se produire lors de l'ouverture d'après-guerre de La Scala (1946). En 1950 et 1955, elle se produit à Londres, en 1955 elle fait ses débuts au Metropolitan Opera dans le rôle de Desdémone et chante dans ce théâtre jusqu'à sa retraite en 1975. Parmi ses meilleurs rôles figurent Tosca, Adriana Lecouvreur, Violetta, Leonora, Aida et d'autres drames. rôles.rôles des opéras de Verdi.
Farrar, Géraldine .
Chaliapine, Fiodor Ivanovitch .
Schwarzkopf, Elisabeth(Schwarzkopf, Elisabeth) (née en 1915), chanteuse allemande (soprano). Elle étudia avec elle à Berlin et fit ses débuts à l'Opéra de Berlin en 1938 comme l'une des demoiselles-fleurs de Parsifale Wagner. Après plusieurs représentations à l'Opéra de Vienne, elle est invitée à interpréter des rôles principaux. Plus tard, elle a également chanté à Covent Garden et à La Scala. En 1951 à Venise lors de la première de l'opéra de Stravinsky Les aventures d'un râteau chante le rôle d'Anna, en 1953 à La Scala elle participe à la première de la cantate scénique d'Orff Triomphe d'Aphrodite. En 1964, elle se produit pour la première fois au Metropolitan Opera. Elle quitte la scène de l'opéra en 1973.

Littérature:

Makhrova E.V. L'opéra dans la culture allemande de la seconde moitié du XXe siècle. Saint-Pétersbourg, 1998
Simon G.W. Cent grands opéras et leurs intrigues. M., 1998



Opéra(Opéra italien - entreprise, travail, travail ; du latin opéra - travail, produit, travail) - un genre d'art musical et dramatique dans lequel le contenu s'incarne au moyen d'une dramaturgie musicale, principalement à travers la musique vocale. La base littéraire de l'opéra est le livret.

Histoire du genre

L'opéra est apparu en Italie sous forme de mystères, c'est-à-dire de spectacles spirituels dans lesquels la musique introduite occasionnellement était de faible niveau. Comédie spirituelle : « Conversion de St. Paul" (1480), Beverini, représente une œuvre plus sérieuse dans laquelle la musique accompagnait l'action du début à la fin. Au milieu du XVIe siècle, les pastorales ou jeux de bergers, dans lesquels la musique se limitait aux chœurs, sous la forme d'un motet ou d'un madrigal, étaient très populaires. Dans Amfiparnasso d'Orazio Vecchi, le chant choral hors scène, sous la forme d'un madrigal à cinq voix, accompagnait le jeu des acteurs sur scène. Cette Commedia armonica fut donnée pour la première fois à la cour de Modène en 1597.

À la fin du XVIe siècle, les tentatives visant à introduire le chant monophonique (monodie) dans de telles œuvres ont amené l'opéra sur la voie sur laquelle son développement a rapidement progressé. Les auteurs de ces tentatives appelaient leurs œuvres musicales et dramatiques drama in musica ou drama per musica ; le nom « opéra » a commencé à leur être appliqué dans la première moitié du XVIIe siècle. Plus tard, certains compositeurs d'opéra, par exemple Richard Wagner, revinrent au nom de « drame musical ».

Le premier opéra destiné aux représentations publiques a été ouvert en 1637 à Venise ; auparavant, l'opéra servait uniquement à divertir la cour. Le premier grand opéra peut être considéré comme « Daphné » de Jacopo Peri, joué en 1597. L'opéra s'est rapidement répandu en Italie, puis dans le reste de l'Europe. A Venise, depuis l'ouverture des spectacles publics, 7 théâtres sont apparus en 65 ans ; 357 opéras ont été écrits pour eux par différents compositeurs (jusqu'à 40). Les pionniers de l'opéra furent : en Allemagne - Heinrich Schütz (Daphné, 1627), en France - Camber (La pastorale, 1647), en Angleterre - Purcell ; en Espagne, les premiers opéras apparaissent au début du XVIIIe siècle ; en Russie, Araya fut la première à écrire un opéra (« Mullet et Procris ») basé sur un texte russe indépendant (1755). Le premier opéra russe écrit à la manière russe est « Tanyusha ou Happy Meeting », musique de F. G. Volkov (1756).

Variétés d'opéra

Historiquement, certaines formes de musique lyrique se sont développées. Bien qu'il existe certains modèles généraux de dramaturgie lyrique, toutes ses composantes sont interprétées différemment selon les types d'opéra.

grand opéra (opera seria - italien, trag "edie lyrique, plus tard grand-op" era - français),

semi-comique (semisérie),

opéra-comique (opera-buffa - italien, op"era-comique - français, Spieloper - allemand),

opéra romantique avec une intrigue romantique.

Dans l'opéra-comique, allemand et français, le dialogue est autorisé entre les numéros musicaux. Il existe aussi des opéras sérieux dans lesquels s'insèrent des dialogues, par exemple. « Fidelio » de Beethoven, « Médée » de Cherubini, « Le Tireur magique » de Weber.

Opéras pour enfants (par exemple, les opéras de Benjamin Britten - "Le petit ramoneur", "L'Arche de Noé", les opéras de Lev Konov - "Le roi Matt premier", "Asgard", "Le vilain petit canard", " Kokinwakashu ").

Éléments d'opéra

L'opéra est un genre synthétique qui combine différents types d'arts en une seule action théâtrale : le théâtre, la musique, les arts visuels (décors, costumes), la chorégraphie (ballet).

L'ensemble d'opéra comprend : soliste, chœur, orchestre, fanfare militaire, orgue. Voix d'opéra : (femmes : soprano, mezzo-soprano, contralto ; hommes : contre-ténor, ténor, baryton, basse).

Une œuvre d'opéra est divisée en actes, images, scènes et numéros. Avant les actes il y a un prologue, à la fin de l'opéra il y a un épilogue.

Parties d'une œuvre d'opéra - récitatifs, arioso, chants, airs, duos, trios, quatuors, ensembles, etc. Des formes symphoniques - ouverture, introduction, entractes, pantomime, mélodrame, processions, musique de ballet.

Les personnages des personnages se révèlent le plus pleinement dans les numéros solos (aria, arioso, arietta, cavatina, monologue, ballade, chanson). Diverses fonctions dans l'opéra, il a un récitatif - reproduction musicale, intonationnelle et rythmique de la parole humaine. Souvent, il relie (sur le plan de l'intrigue et musicalement) des numéros individuels complétés ; est souvent un facteur efficace dans la dramaturgie musicale. Dans certains genres d'opéra, principalement comiques, le discours familier est utilisé à la place du récitatif, généralement dans les dialogues.

Correspond au dialogue scénique, scène d'une représentation dramatique dans un opéra ensemble musical(duo, trio, quatuor, quintette, etc.), dont la spécificité permet de créer des situations conflictuelles, de montrer non seulement l'évolution de l'action, mais aussi le choc des personnages et des idées. Par conséquent, les ensembles apparaissent souvent dans les moments culminants ou finaux de l’action lyrique.

Le chœur de l'opéra est interprété de différentes manières. Il peut s'agir d'un arrière-plan, sans rapport avec le scénario principal ; parfois une sorte de commentateur de ce qui se passe ; ses capacités artistiques permettent de montrer des images monumentales de la vie populaire, de révéler la relation entre le héros et les masses (par exemple, le rôle du chœur dans les drames musicaux folkloriques du député Moussorgski « Boris Godounov » et « Khovanshchina ») .

Dans la dramaturgie musicale de l'opéra, un rôle important est attribué à l'orchestre ; les moyens d'expression symphoniques servent à révéler plus pleinement les images. L'opéra comprend également des épisodes orchestraux indépendants - ouverture, entracte (introduction aux actes individuels). Un autre élément d'un spectacle d'opéra est le ballet, des scènes chorégraphiques où les images plastiques sont combinées avec des images musicales.

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L'histoire de l'opéra remonte au tournant des XVIIe et XVIIIe siècles, où il s'est formé en tant que divertissement aristocratique. Depuis lors, ce genre a été amélioré, modifié à plusieurs reprises et finalement divisé en de nombreux types différents, qui seront abordés dans cet article.

Qu’est-ce que l’opéra ?

Tout d’abord, il est nécessaire de définir ce qu’est l’opéra : une forme d’art. Il s'agit d'une œuvre musicale et dramatique basée sur la combinaison de trois arts : la parole, la musique et la représentation théâtrale. Les textes dramatiques de l'opéra ne sont pas prononcés, mais chantés avec un accompagnement instrumental. De plus, il y a généralement des intermèdes musicaux et les pauses dans l'intrigue sont remplies de scènes de ballet.

La toute première œuvre de ce genre a été écrite en 1600 sur la base de la célèbre légende du chanteur Orphée et de sa bien-aimée Eurydice.

Les principaux centres de développement de l'opéra en tant que forme d'art en général, ainsi que la formation de ses nombreuses variétés, étaient principalement l'Italie et la France.

Opéra sérieux

Ainsi, l’un des principaux types d’opéra en musique est l’opéra dit « sérieux ». Il est né en Italie à la fin du XVIIe siècle parmi les compositeurs de l'école napolitaine. Parmi les thèmes principaux de ces œuvres figurent la mythologie et l'histoire-héroïque. Les opéras « sérieux » se distinguaient par un pathétique particulier et des costumes luxuriants et expressifs. Les longs airs des solistes prédominaient, dans lesquels ils exprimaient toutes les émotions du personnage, même les plus légères, en vocalisant magistralement. Les fonctions des mots et de la musique étaient clairement et clairement séparées.

Les compositeurs célèbres du genre opera seria étaient Alessandro Scarlatti, Gluck, Salieri, Haendel et bien d'autres.

Opéra comique

Comme beaucoup d’autres types d’opéra, l’opéra-comique est né en Italie au XVIIe siècle. Il contraste avec l'opéra sérieux « ennuyeux » et présente des caractéristiques complètement différentes : petite échelle, prédominance des dialogues, très petit nombre de personnages, utilisation techniques comiques. Ce type d'opéra est devenu beaucoup plus démocratique et réaliste que l'opéra seria.

Différents pays ont donné à l'opéra-comique leurs propres noms - par exemple, en Italie, il s'appelait opera buffa, en Angleterre - ballad opera, en Allemagne - singspiel et en Espagne, il était désigné comme tonadilla. En conséquence, chaque variété avait de l'humour avec une touche de saveur nationale.

Parmi Compositeurs italiens Pergolesi et Rossini ont travaillé dans le genre de l'opéra bouffe, en France Monsigny et Grétry l'ont fait, et parmi les Anglais les plus célèbres sont Sullivan et Gilbert.

Opéra semi-sérieux

Entre sérieux et opéra comique Il existe un genre d'opéra semi-sérieux (appelé opéra en sept épisodes), dont la particularité était un scénario dramatique se terminant par une fin heureuse. Il est apparu en Italie vers la fin du XVIIIe siècle. Ce type d'opéra n'a jamais connu beaucoup de développement.

Grand opéra

Ce genre d'opéra (grand opéra) est d'origine française ; il est apparu dans la première moitié du XIXe siècle. Comme son nom l'indique, le grand opéra se caractérise par son ampleur (4 ou 5 actes, un nombre important d'interprètes, la participation de danseurs et un grand chœur), la monumentalité, l'utilisation d'intrigues historico-héroïques et d'effets décoratifs externes. La présence d'un numéro de danse était obligatoire. Les représentants célèbres du genre étaient les compositeurs Spontini, Verdi et Aubert.

Opéra romantique

Son origine remonte au XIXème siècle en Allemagne. Son apparition est associée à la tendance générale du romantisme qui a balayé l'Allemagne à la fin du siècle précédent, mais en art musical les tendances romantiques sont apparues plusieurs décennies plus tard. Cette tendance se caractérise notamment par l'élévation de l'esprit national, qui se manifeste également dans l'opéra.

Ce genre comprend toutes les œuvres écrites sur une intrigue romantique avec une touche de mysticisme et de fantaisie. Des opéras de ce type ont été composés par Weber, Spohr et en partie par Wagner.

Opéra-ballet

Autrement, cette variété s'appelait ballet de cour française et est originaire, comme son nom l'indique, de la France au début du XVIIIe siècle. Fondamentalement, l'opéra-ballet a été créé pour diverses festivités de la cour royale. Les œuvres se distinguaient par la splendeur et la luminosité du décor et se composaient de plusieurs petites scènes qui n'étaient en aucun cas liées les unes aux autres dans l'intrigue. C'est peut-être ici que l'opéra en tant que forme de théâtre s'est manifesté le plus clairement.

La plus grande expressivité et le plus grand caractère de l'opéra-ballet ont été donnés par le compositeur français Jean-Philippe Rameau, qui a également ajouté un drame élevé à un genre quelque peu léger.

Le genre est vite devenu obsolète, car ses fonctions étaient bien spécifiques et dépendantes du lieu. Malgré le fait que des exemples individuels d'opéra-ballet apparaissent jusqu'au 20e siècle, l'opéra et le ballet restent des types distincts d'art musical et théâtral.

Opérette

Un genre d'opéra beaucoup plus petit était celui des opérettes - de petites œuvres avec une intrigue simple et drôle, une ligne amoureuse et satirique, ainsi qu'une musique simple et mémorable. "Petit Opéra" est né en France plus près de fin du 19ème siècle siècle.

Il existe des opérettes dont l'intrigue et le contenu varient - le plus souvent elles ont des nuances lyriques et comiques. Certaines difficultés surviennent dans la définition de ce genre, car il n'existe pas de cadres stricts qui différencieraient, par exemple, l'opérette et l'opéra bouffe.

Ce ne sont pas tous les types d’opéra qui existent actuellement. Comme nous l'avons déjà dit, certaines variétés ont disparu et, dans le nouveau syncrétisme arts du théâtre de nouveaux genres, encore inconnus, émergent.