Conversations avec Stanislavski
(conversation n°2)
De l'éditeur
La rubrique « Le travail d’un acteur sur lui-même » est dédiée à meilleures œuvres concernant ce sujet. Nous avons décidé de commencer par présenter les activités de K.S. Stanislavski avec l'Opéra Studio Théâtre Bolchoï. Les rencontres du grand professeur et metteur en scène de théâtre avec les étudiants du studio ont eu lieu en 1918-1920 et ont été enregistrées par l'un des meilleurs étudiants de K.S. – Concordia Antarova (« Deux vies »). Dans ces conversations, nous semble-t-il, l’éthique théâtrale de K.S. est merveilleusement présentée, dont la connaissance est particulièrement importante pour les acteurs et metteurs en scène en herbe.
« Plus simple, plus léger, plus haut, plus amusant. » Ce sont les premiers mots qui devraient planer sur tout théâtre, un temple de l'art, si les théâtres en étaient. Seulement l'amour pour l'art, tout ce qui est noble et beau qui vit en chaque personne - c'est seulement cela que quiconque entre dans le théâtre doit y apporter et le déverser comme un seau. eau propre, dont un millier aujourd'hui laveront la saleté de tout le bâtiment, si hier il était pollué par les passions et les intrigues des gens.
L’une des premières préoccupations de ceux qui créent un studio ou un théâtre doit être l’attention portée à l’atmosphère qui y règne. Il faut faire en sorte que la peur, sous toutes ses formes, s'insinue dans l'atelier et règne dans le cœur de ses collaborateurs ou étudiants, pour que la beauté y fédère et captive. S'il n'y a pas d'idée d'unité dans la beauté, il n'y a pas de véritable théâtre, et un tel théâtre n'est pas nécessaire. S'il n'y a pas de compréhension élémentaire de soi et de l'ensemble de ses pouvoirs en tant que joyeux serviteurs de la patrie, alors un tel théâtre n'est pas non plus nécessaire - il ne sera pas l'une des unités créatrices parmi toutes les forces créatrices du pays. De là, nous pouvons comprendre à quel point il s'agit d'une question importante : la sélection du personnel théâtral, toujours le point le plus faible et le plus difficile du monde du théâtre. Lorsque le choix se fait en fonction du mécénat, et non en fonction des talents et des personnages, lorsqu'ils sont acceptés dans le studio sur la base de connaissances et de recommandations, cela non seulement réduit la dignité du théâtre, de la représentation ou de la répétition, mais introduit en eux l'ennui, et la créativité elle-même sera composée dans ces cas-là de substituts, et non d'un véritable amour brûlant chez ceux qui sont venus apprendre.
Les règles du théâtre, où les répétitions sont effectuées avec plusieurs acteurs à la fois, mais certaines des personnes présentes agissent, travaillent avec eux, et les autres s'assoient, ne participant pas aux tâches analysées, ne s'unissant pas intérieurement dans le travail créatif, mais remplir l'atmosphère d'envie et de critique, sont impossibles en studio, où tout le monde est égal dans le travail créatif. En studio, chacun sait qu'aujourd'hui ou demain, son tour viendra de toute façon, et ils comprennent que, tout en regardant le travail de leurs camarades, ils doivent vivre la tâche à accomplir avec toute leur attention créatrice. Mettre en place une affaire où il n'y a aucun respect pour la personne - l'acteur subordonné, où il n'y a pas de politesse, crée une atmosphère de dégénérescence. Le chaos de l'impolitesse, qui se permet d'élever le lustre, ne mènera pas à cette atmosphère de joie et de légèreté, où seule une haute culture de l'esprit et de la pensée peut se développer. Uniquement dans une ambiance simple et mot facile peut résulter d'un reflet complet de ces passions dont le théâtre doit refléter la noblesse et la valeur.
Ces heures qu'un acteur passe au théâtre lors des répétitions devraient créer de lui une personne à part entière - un créateur d'art, ce combattant de la beauté et de l'amour qui peut verser dans le cœur de ses auditeurs tout le sens des mots et des sons. Si, après la répétition, les oreilles des artistes ne s'épanouissaient pas dans leurs meilleurs sentiments et pensées, si leur perspicacité était à petite échelle : « pendant que je répétais, tout me captivait et mon cœur était clair », mais ils sont partis et retombé dans le cabotisme et la vulgarité : « Je suis un acteur, je suis une personne », ce qui signifie qu'il y avait peu de véritable amour et de feu parmi ceux qui dirigeaient la répétition.
Il ne s'agit pas du tout des acteurs ni des astuces, mais au début de tout dans la créativité - d'apprendre à l'artiste à chercher en lui-même la compréhension de la valeur du mot, en lui apprenant à développer son attention et son introspection. l'attirer aux propriétés organiques du rôle, à la nature des sentiments humains, et non pas juger de l'extérieur les effets de certaines actions, croyant qu'on peut apprendre à jouer tel ou tel sentiment. Le cœur vivant d'un artiste humain vivant doit être intégré dans la chaîne d'actions internes et externes qui sont toujours parallèles dans la vie ; il faut l'aider, par de nombreux dispositifs, à libérer son corps et ses monde intérieur de toutes contraintes pour qu'il puisse refléter la vie de la pièce qu'il joue ; il faut l'amener à un tel pouvoir d'attention que le conditionnel et l'extérieur ne l'empêchent pas de comprendre la nature organique des passions humaines.
Telles sont les tâches du studio, c'est le chemin sur lequel chacun peut et doit développer le grain qui sommeille en lui et le transformer en une force qui agit comme beauté. Mais tout le monde peut réaliser ce développement s’il aime l’art. Dans l’art, on ne peut que captiver et aimer ; il n’y a pas d’ordres.
À
. Antarova
Conversations avec Stanislavski
(conversation n°5)
Toute personne souhaitant devenir artiste doit répondre à trois questions :
1. Que veut-il dire par le mot « art » ?
S'il n'y voit que lui-même, dans une position privilégiée par rapport aux gens qui marchent à ses côtés, si dans cette pensée sur l'art il ne cherche pas à révéler ce qui l'inquiète intérieurement, comme les forces de créativité à peine conscientes qui errent dans l'obscurité, mais le dérange, mais veut simplement faire briller sa personnalité ; si les préjugés petits-bourgeois suscitent en lui le désir de surmonter les obstacles par la volonté uniquement pour ouvrir la voie extérieure à la vie en tant que figure notable et visible, une telle approche de l'art est la mort à la fois de la personne elle-même et de l'art.
2. Pourquoi une personne qui a choisi un art - théâtre, opéra, ballet, scène de chambre, art de la peinture ou du crayon - entre-t-elle dans la branche artistique de l'humanité et quelle idée veut-elle et devrait-elle apporter à cette branche de l'art ?
S'il n'a pas réalisé à quel point la souffrance, la lutte et la déception l'attendront, s'il ne voit qu'un pont arc-en-ciel le transportant avec inspiration vers l'autre côté de la terre et la vie où vivent les rêves, le studio doit le décevoir.
Le studio doit savoir dès les premiers pas que seul le travail - jusqu'à la fin non seulement de la « carrière » externe, mais le travail jusqu'à la mort - sera le chemin qu'il choisira pour lui-même ; le travail doit être la source de l'énergie qui, dans un certain nombre de tâches passionnantes, le studio doit remplir le cerveau, le cœur et les nerfs de l'étudiant.
3. Y a-t-il dans le cœur d'une personne qui va au théâtre une telle quantité d'amour inextinguible pour l'art qui pourrait surmonter tous les obstacles qui se dressent inévitablement devant lui ?
Le studio, exemple vivant de l'influence de ses dirigeants, devrait montrer comment le courant d'amour inextinguible pour l'art qui existe dans le cœur d'une personne doit être déversé dans le travail quotidien. Et ce travail créatif peut, devrait, brûler comme un feu. Ce n'est que lorsque l'huile qui allume le feu est l'amour humain que l'on peut espérer surmonter tous les obstacles qui s'opposent à la créativité et atteindre l'objectif : un art pur, libéré des conventions, créé par de pures forces créatrices développées en soi. soi-même. Ce n'est qu'alors que l'on peut retrouver la flexibilité de la volonté de l'acteur, la libre combinaison d'une compréhension profonde de la base - du grain du rôle - et de son action de bout en bout, lorsque l'amour de l'art a vaincu la vanité personnelle, l'égoïsme. estime et fierté. Quand la compréhension de l’harmonie vit dans l’esprit et le cœur vie de scène, alors seulement – dans une action détachée du « je » – peut-on présenter la vérité des passions dans les circonstances proposées.
Mais que toutes les grandes forces de la vie protègent chaque studio de l’ennui et du pédantisme qui s’installent. Tout est alors mort ; alors il vaut mieux disperser le studio, les professeurs et les membres du studio, et détruire tout le mécanisme. Ce n’est que la corruption de forces jeunes, de consciences à jamais déformées. Dans l’art, on ne peut que captiver. C'est, je le répète, un feu d'amour inextinguible. Les enseignants qui se plaignent d’être fatigués ne sont pas des enseignants, ce sont des machines qui travaillent pour de l’argent. Quiconque a suivi dix heures de cours par jour et n'a pas réussi à y brûler son amour, mais seulement sa volonté et son corps, est un simple technicien, mais il ne sera jamais un maître, un professeur de jeunes. L'amour est sacré parce que son feu ne mendie jamais, peu importe le nombre de cœurs qu'il enflamme. Si l'enseignant déversait sa créativité - son amour, il ne remarquait pas les heures de travail et tous ses élèves ne les remarquaient pas. Si un enseignant répondait aux besoins de la vie quotidienne, ses élèves s'ennuyaient, se fatiguaient et végétaient avec lui. Et l'art en eux, éternel, inhérent à chacun et vivant en chacun comme amour, n'a pas pénétré par les fenêtres poussiéreuses des conventions de l'époque, mais est resté à couver dans le cœur.
Chaque heure, chaque minute de l'unité du professeur et de l'élève ne devrait être qu'une conscience volante, un mouvement éternel au rythme de l'environnement.
Le sentiment - la pensée - la parole, en tant qu'image spirituelle de la pensée, doit toujours être une manifestation de la véracité, la loi de la capacité de transmettre les faits tels qu'une personne les a vus. La vérité et l'amour sont deux chemins qui rythment toute la vie de l'art.
Les amateurs de surréalisme et simplement ceux qui apprécient les loisirs agréables ne peuvent pas manquer la pièce « La folle vie de Salvador Dali », qui sera présentée à Saint-Pétersbourg en février. "VD" a parlé avec l'interprète rôle principal Sergei Yankovsky à propos de la production, du grand artiste et art contemporain.
— Une pièce sur un grand peintre nécessite, à mon avis, une scénographie extraordinaire...
— Au départ, nous voulions faire une production avec une solution visuelle intéressante, c'est pourquoi la décoration de la pièce fait appel aux œuvres de notre personnage principal. De temps en temps, des images apparaissent sur scène, mais elles n’apparaissent pas comme illustrations. Les personnages des peintures prennent vie et commencent à interagir avec le personnage principal et à l'influencer.
— Quels personnages des tableaux de Dali apparaissent dans la pièce ?
- Ses premiers professeurs Ramon Pichot, Paul Eluard, Hitler, Lénine, la Dentellière de Vermeer, le Dr Freud et même Elephant.
— Qu'est-ce qui était le plus important et le plus intéressant pour vous en travaillant sur la pièce : les œuvres de Salvador Dali ou son destin ?
« Il me semble que les choses sont tellement interconnectées que l’une est indissociable de l’autre. En écrivant la pièce, je m'intéressais à autre chose : la création totale de mythes, qui s'étendait à tous les domaines de sa vie. Ses livres sont un mélange explosif de fiction et littérature autobiographique. Souvent, lorsqu'il décrit un événement qui a eu lieu, on se rend soudain compte qu'il s'agit d'une fiction, qu'il ne s'est jamais produit et n'aurait pas pu se produire. Par exemple, Dali se souvient que lorsqu'il était enfant, il voyait au théâtre illusions d'optique son professeur, la Russie et une petite fille qui, comme il l'écrit, s'appelait Gala. Bien sûr, c'est beau, mais je pense qu'à ce moment-là, il n'avait entendu parler d'aucune Russie.
— Lorsque vous avez écrit la pièce, avez-vous été tenté d'ajouter un autre épisode, soi-disant tiré de la biographie de Salvador Dali ?
— Non, tout d'abord, la tâche était de supprimer tout ce qui était inutile et de ne pas tomber dans le surréalisme sur scène. Une tentative de mettre le surréalisme sur scène forme pure se termine souvent avec le spectateur n’ayant aucune idée de ce qui se passe. À mon avis, il est important de pouvoir raconter une histoire clairement.
- Comprenez-vous vous-même où est la vérité et où est l'imagination de l'artiste ?
— On connaît des événements absolument certains. Par exemple, lorsqu'on lui apportait une facture dans un restaurant, lorsqu'il rédigeait un chèque, il signait son autographe, sachant que ce chèque ne serait jamais encaissé, car il portait la signature de Salvador Dali lui-même, ou des événements plus importants - par exemple exemple, sa première rencontre avec Gala. Ces faits se retrouvent dans différents livres, et il devient évident que cela s'est produit. Ils sont devenus la base du spectacle.
— Dali était un innovateur en peinture. Vouliez-vous apporter quelque chose d’innovant au langage théâtral de la production ?
— Je veux me cacher quelque part de l'innovation moderne. Toute langue - théâtrale ou littéraire - implique avant tout une conversation entre une personne et une autre. L'auteur est avec le spectateur. Cette conversation suppose qu'une personne transmettra certaines informations à l'autre. Presque tout l’art contemporain ne s’efforce pas d’être compréhensible pour le spectateur moyen. Artistes contemporains Ils placent souvent des traités explicatifs entiers à côté de leurs « œuvres ». En lisant ces traités, on s'étonne qu'ils n'aient rien à voir avec l'œuvre elle-même... Une telle innovation a balayé toutes les formes d'art, y compris le théâtre. En tant que spectateur, je ne comprends pas de quoi ils parlent. Les objectifs sont donc de réaliser une performance innovante, en sens moderne Je n’avais pas ce mot, je ne l’ai pas et je ne l’aurai jamais ! La tâche de l’art est de transmettre des pensées, des humeurs, des émotions – et surtout positives.
— Émotions positives? On les trouve rarement dans le théâtre moderne...
- C'est vrai. J'aime quand le théâtre est un jour férié pour le spectateur. Et nous voyons ces vacances maintenant seulement dans ballet classique où ça sonne musique classique où tout est beau. Pourquoi ces vacances ne sont-elles pas théâtre dramatique?! Fondamentalement, tout est enveloppé d’une sorte d’obscurité. Tout est sombre, tout est noir ou, en le meilleur cas de scenario, gris. Tout va mal, voire pire. J'ai remarqué que dans les expositions d'art contemporain - par exemple dans les expositions présentées à la biennale Manifesta 10 ou à Erarta - il n'y a pas de beauté, il n'y a aucun élément qui a été valorisé à tout moment. regarder tableaux modernes- tout est moche ! Même si certains critiques le reconnaissent comme un génie, il n’en reste pas moins laid. Le spectateur ne veut pas plonger dans l'obscurité, dans tout ce qui est noir, effrayant, sombre et surtout sale. Si une personne a au moins un peu confiance en elle, il est alors tout à fait naturel qu'elle s'efforce de recevoir des émotions agréables, une charge positive et de profiter de la beauté. Stanislavski a dit, et nous répétons toujours ce qu'il a dit : « Plus simple, plus facile, plus haut, plus amusant ». Ce sont les premiers mots qui devraient planer sur chaque théâtre..."
— À votre avis, le théâtre devrait être un jour férié. Cela signifie-t-il que la pièce devrait manquer de lignes dramatiques et que le public ne sympathisera pas avec les personnages ?
- Bien sûr, ça ne veut pas dire ça. Dans notre performance, le public fera certainement preuve d'empathie et pourra même pleurer à la fin, en particulier les filles. Par vacances, je veux dire me lever esprit humain. Voir film intéressant, une pièce de théâtre ou la lecture d'un livre nous inspire, nous nous sentons exaltés. On ne peut pas en dire autant de l'art contemporain : après l'avoir vu, on a envie de trouver une corde, du savon et un lampadaire. J'aime beaucoup les films de Franco Zeffirelli. Prenons le plus célèbre - « Roméo et Juliette » - tout ce qui s'y passe, nous le percevons comme histoire sublime sur l'incroyable pouvoir de l'amour, et non sur la façon dont tout le monde est mort. Pas sur la façon dont Juliette s'est poignardée avec un couteau, a tout recouvert de sang, et il a bu du poison et s'est tordu sur le sol près de sa tombe. Après ce film vous vous posez les questions : « Est-ce en moi ? », « Puis-je aimer comme ça ? Vous vous sentez élevé, vous commencez à le chercher dans Vie courante, appréciez les gens qui sont à proximité. Ce sont de vraies vacances !
12 septembre 2013 année au centre de presse d'Irkoutsk théâtre académique a eu lieu Table ronde intitulé "Le théâtre est une force qui protège l'homme du vide moral et de la solitude sociale", qui a ouvert une série de discussions au sein de la communauté théâtrale, unissant direction générale- théâtre et modernité.
Festival dramaturgie moderne Ce n'est pas la première fois que Vampilov réunit des philologues, des écrivains, des journalistes, des spécialistes de la littérature et du théâtre pour répondre à des questions sur la nature et l'influence du théâtre sur la société, la pertinence de sa fonction éducative aujourd'hui, sa mission, ses relations avec le public et le public du théâtre existant, ses attentes, ses préférences . La réunion de 2013 peut être considérée comme une continuation des conversations déjà traditionnelles du festival.
Elena Streltsova, critique de théâtre, candidate en histoire de l'art :
"Emploi le théâtre est allumé ou pour la destruction, et ici seul le pragmatisme entre en jeu : seulement du matériel, seulement de l'argent, seulement du profit, d'où la vie constante d'une entreprise qui, de l'intérieur, détruit en grande partie la nature d'ensemble du théâtre. En revanche, ce qui est aujourd’hui dévalorisé, c’est le côté spirituel du théâtre. Tous les mots qui sont profanés aujourd'hui : éducation, mission, qui sont même impossibles à prononcer avec une intonation normale - tout le monde commence à se moquer, à ironiser...
Maintenant tout le monde répète programme idéal théâtre que Stanislavski a vu. Quatre mots : « plus simple, plus léger, plus haut, plus ludique ». Et il est clair que c'est plus amusant et plus facile - c'est tout, mais plus simple et plus élevé est difficile, oublié, calomnié. Il ne peut y avoir de réconciliation ici, il peut s’agir de l’un ou l’autre, il n’y a pas de troisième option. Soit vous vous situez d’un côté, du côté du cynisme et du pragmatisme, soit vous vous placez sur l’échelle qui mène vers le haut. C'est beaucoup plus compliqué. Et maintenant, ce n’est peut-être pas le moment, mais nous devons résister, d’une manière ou d’une autre, nous en sortir.»
Critique de théâtre Vera Maksimova, animatrice de la Table Ronde :
« Curieusement, je voulais aussi mettre cette phrase en discussion. L'incorporation elle-même, et même un petit droit à la créativité, donne un si grand bonheur. Vous voyez, l’accent est mis sur « plus facile et plus amusant ». La facilité est bien entendu une qualité indispensable du génie. Il n’existe pas de génie lourd et en sueur. Vakhtangov était facile, a déclaré Nemirovich. De quoi parlaient les représentations ? Sur la vie et la mort. C'était une erreur que nous de longues années Vakhtangov a été mesuré par Turandot. "Turandot" était la seule représentation vraiment amusante, même dans "Le Mariage", il y avait une peste, et à Tchekhov la peste lui semblait, et il n'hésitait qu'avec un Thème principal- la relation entre la vie et la mort. C'était un Tolstoïen. Je ne sais pas à quel point il était chrétien, s’il croyait à l’immortalité. Performances sombres, performances philosophiques, le genre préféré - les tragédies, et en même temps complètement légères dans leurs fantasmes, légères dans leurs compositions, leur construction, légères dans l'acteur. Il appréciait beaucoup la beauté. Ce dont on ne se souvient pas du tout aujourd’hui, c’est la question de la beauté, de l’impact de la beauté et de la fonction éducative de la beauté. Voici Vakhtangov pour vous. Donc ce qui m’est le plus précieux dans ce quatre, c’est « supérieur ».
Également sous la forme d'une table ronde, d'autres questions ont été soulevées, telles que la relation entre le théâtre et la religion, s'il existe aujourd'hui une lutte entre les théâtres stationnaires (théâtres de répertoire) et le nouveau théâtre, ce qu'il enseigne, ce qu'il amène à une personne. nouveau théâtre, ce qu'il affecte, quelle est la mission de ses dirigeants.
Photo: Anatoly Byzov
INSTITUT D'ÉTAT DES ARTS ET DE LA CULTURE DE TIOUMEN
Département de mise en scène et agissant
S.P. Kutmin
Bref dictionnaire termes théâtraux
pour les étudiants de spécialisation réalisation
Maison d'édition
Institut d'État des arts et de la culture de Tioumen
BBK 85,33 je 2
Kutmin, S.P.
Un bref dictionnaire de termes théâtraux pour les étudiants de spécialisation mise en scène / Kutmin S.P. ; Caf.dir. et agir. maîtrise. - Tioumen, 2003. - 57 p.
Le dictionnaire couvre des conditions spéciales théâtral, pop Art. Ce sont les mots que les metteurs en scène et metteurs en scène utilisent plus que les autres lors des répétitions. vacances de masse, on les entend constamment dans le travail sur une pièce de théâtre, une performance, dans le travail d'un acteur sur un rôle. Le dictionnaire est destiné aux étudiants et enseignants du secondaire et du supérieur. les établissements d'enseignement Arts et culture.
Critique : Zhabrovets, M.V. Ph.D., professeur agrégé, chef. Département de mise en scène et d'acteur
© Kutmin S.P., 2003
© Institut national des arts et de la culture de Tioumen, 2003
Préface
Ce dictionnaire vise à donner seulement une explication brève et la plus élémentaire des termes qui sont souvent rencontrés dans le processus d'apprentissage de la mise en scène, tout en travaillant sur une pièce de théâtre, un spectacle ou un rôle. L'art est un domaine d'activité extrêmement difficile à systématiser, généraliser, théoriser, ainsi qu'à définir et formuler avec précision. Chaque terme a de nombreuses interprétations. Et chaque interprétation n’est pas entièrement exacte et complète. Il y a tellement de directeurs créatifs et tellement d’opinions sur la terminologie professionnelle. Après tout, toute position théorique découle d'une expérience pratique créative spécifique, et la créativité est toujours individuelle et unique. Même K.S. Stanislavski, il y a une évolution constante dans la compréhension de tel ou tel terme. Au cours de la vie et des recherches créatives, la terminologie des concepts a été modifiée, clarifiée et complétée. Formulations de K.S. Stanislavsky a été compris et développé de manière créative dans les travaux de ses étudiants et disciples - M. Knebel, M. Chekhov, V. Meyerhold, E. Vakhtangov, G. Christie, G. Tovstonogov, B. Zakhava, A. Palamishev, B. Golubovsky , A. .Efros et bien d'autres. K. S. Stanislavsky a appelé à une approche créative de la question et à ne pas la traiter de manière dogmatique. Par conséquent, lorsqu'il travaille avec un dictionnaire, un réalisateur novice doit apprendre uniquement l'essence d'un concept particulier, puis essayer de « l'approprier et de le corréler » avec sa propre perception et sa recherche créative. Le dictionnaire contient environ 490 mots et termes. Bien entendu, ce volume n’est pas suffisant. Le dictionnaire nécessite d'autres améliorations, ajouts et clarifications. J'espère que son volume augmentera progressivement et que le nombre de mots et de termes sera reconstitué et clarifié. Si les lecteurs ont des suggestions ou des commentaires en travaillant avec le dictionnaire, ils seront pris en compte dans la prochaine édition du dictionnaire.
Plus simple, plus haut, plus léger, plus amusant. K.S.Stanislavski
Abstraction(latin - distraction) - une manière de penser artistique et de construction d'images. Cette méthode implique de faire abstraction d'informations secondaires et sans importance sur un objet, en mettant l'accent sur les points significatifs.
Absurde(latin - non-sens, absurdité) Une direction dans l'art, une contradiction avec l'intrigue de l'œuvre. Si une œuvre se développe dans une certaine séquence et logique d'événements : exposition, début, conflit, son développement, point culminant, dénouement et finale, alors l'absurdité est l'absence de logique du conflit. Cette orientation se reflète dans les travaux de J. Anouilh, J. P. Sartre, E. Ionesco, etc. L'absurde est un type de créativité qui détermine la nature paradoxale de ce phénomène ; elle a été peu étudiée, mais présente un intérêt particulier du point de vue de la mise en scène théâtrale.
Avant-garde(Français - avant-garde) - une direction de l'art qui contredit les normes établies en matière d'art. Recherche de nouvelles solutions qui répondent à l'esthétique et aux besoins de la nouvelle génération.
Proscenium(français - devant la scène) - partie avant scène de théâtre(devant le rideau). Avant-scène en moderne arts du théâtre semble être une aire de jeu supplémentaire. Possibilité de communication directe avec le public.
Administrateur(lat. - gérer, gérer) - personne, activité professionnelle qui vise à la location de spectacles, de concerts au théâtre et sur scène.
Battage(Français - excitation) - forte excitation, excitation, conflit d'intérêts.
Excitation(Français - accident) - passion, enthousiasme. Forte passion, zèle. Passion extrême pour le jeu.
Acte(lat. - acte, action) - Une partie distincte, importante et intégrale d'une action dramatique ou performance théatrale.
Acteur(lat. - acteur, interprète, récitant) - celui qui agit, joue un rôle, devient acteur œuvre dramatique sur la scène du théâtre et au cinéma. Un acteur est un lien vivant entre le texte de l'auteur, l'intention du réalisateur et la perception du public.
Cachet de l'acteur- les techniques du jeu de scène inscrites une fois pour toutes par l'acteur dans son œuvre. Des techniques mécaniques toutes faites de l'acteur qui deviennent une habitude et deviennent sa seconde nature, qui remplace la nature humaine sur scène.
Art du théâtre- l'art de créer des images scéniques ; type d’art du spectacle. Le matériau du travail d'un acteur sur un rôle est constitué par ses propres capacités naturelles : parole, corps, mouvements, expressions faciales, observation, imagination, mémoire, c'est-à-dire sa psychophysique. Une particularité de l'art du jeu d'acteur est que la dernière étape du processus créatif se déroule devant le spectateur, pendant la représentation. L’art du jeu d’acteur est en lien étroit avec l’art du metteur en scène.
Actuel(latin - existant, moderne) - importance, signification pour le moment présent, actualité, modernité.
Allégorie(gr. - allégorie) - principe compréhension artistique réalité, dans laquelle des concepts abstraits, des idées, des pensées sont exprimés dans des images visuelles spécifiques. Par exemple, l'image d'une femme aux yeux bandés et tenant une balance - a. justice. Allégorie verbale dans les fables et les contes de fées.
Allusion(lat. - indice) - réception expression artistique, enrichissant image artistique significations associatives supplémentaires de similitude ou de différence en faisant allusion à une œuvre d'art déjà connue. Par exemple, dans le film « Et le navire navigue » de F. Fellini, on lit une allusion à la légende biblique de l’arche de Noé.
Ambivalence(lat. - les deux - force) - un concept psychologique désignant la dualité de la perception sensorielle. La présence simultanée dans l'âme d'une personne d'aspirations et de sentiments opposés et incompatibles par rapport au même objet. Par exemple : l'amour et la haine, la satisfaction et l'insatisfaction. L'un des sentiments est parfois refoulé et masqué par un autre.
Ambition(latin - ambition, vantardise) - fierté, sens de l'honneur, fanfaronnade, arrogance.
Rôle(français - application) - la nature des rôles joués par l'acteur. Le type de rôles théâtraux correspondant à l'âge, à l'apparence et au style de jeu de l'acteur. Types de rôles scéniques : comédien, tragédien, héros amoureux, héroïne, vieille femme comique, soubrette, ingénue, travesti, niais et raisonneur.
Amphithéâtre(gr. - tout autour, des deux côtés) - une structure pour lunettes. DANS théâtres modernes- des rangées de chaises situées derrière et au-dessus du portier.
Analyse(gr. - décomposition, démembrement) - méthode recherche scientifique, consistant en la division d'un phénomène entier en ses éléments constitutifs. Au théâtre, l'analyse est (l'analyse efficace) une sorte d'explication, c'est-à-dire caractérise le lieu et l'heure de l'événement, la motivation des actions physiques et verbales des personnages. Éléments de la composition de la pièce (exposition, intrigue, développement du conflit, point culminant, dénouement, finale). L'atmosphère de l'action qui se déroule, les partitions musicales, sonores et lumineuses. L'analyse inclut la justification du choix du thème, du problème, du conflit, du genre, de l'objectif primordial et de l'action transversale du futur spectacle, ainsi que sa pertinence. Analyse - méthode efficace, le processus de préparation de la production en pratique.
Analogie(gr. - correspondant) - similitude entre les objets à certains égards. Faire une analogie, c'est comparer des objets entre eux, établir des traits communs entre eux.
Fiançailles(Français - contrat) - inviter un artiste sous contrat à se produire pendant une certaine période.
Blague(gr. – non publié) – fictif, histoire courteà propos d'un incident drôle et amusant.
Annonce(Français - annonce) - annonce des tournées, concerts, performances à venir. Une affiche préliminaire sans instructions détaillées.
Ensemble(Français - ensemble, tout, connectivité) - unité harmonieuse de parties formant un tout. Cohérence artistique dans l'exécution conjointe d'une œuvre dramatique ou autre. L'intégrité de l'ensemble du spectacle basé sur son idée, la décision de la mise en scène, etc. En préservant l'ensemble des interprètes, l'unité d'action est créée.
Entracte(Français - entre - acte) - une courte pause entre des actes, des actions d'une performance ou des sections d'un concert.
Entrepreneur(Français - entrepreneur) – entrepreneur privé et théâtral. Propriétaire, locataire, gestionnaire d'une entreprise privée de divertissement (théâtre, cirque, studio de cinéma, télévision, etc.).
Entreprise(Français - entreprise) - une entreprise spectaculaire créée et dirigée par un entrepreneur privé. Gardez une entreprise.
Entourage(Français - environnement, environnement) - environnement, cadre. Les abords ne sont pas seulement des décorations et des cloisons, mais aussi de l'espace,
Full house(Allemand - coup) - une annonce dans un théâtre ou un cinéma indiquant que tous les billets ont été vendus. Performance réussie devant une salle comble. D'où la tournure de la phrase : « le spectacle était complet ».
À part(latin - sur le côté.) - des monologues scéniques ou des remarques prononcées à côté, pour le public, et soi-disant inaudibles pour les partenaires sur scène.
Aplomb(Français - fil à plomb) - confiance en soi, courage dans les manières, la conversation et les actions.
Apothéose(gr. - déification) - final, solennel Scène de foule représentation théâtrale ou festive programme des concerts. Une magnifique fin de spectacle.
Arène(latin - sable) - une plate-forme ronde (dans un cirque) sur laquelle sont donnés des spectacles. Ils sont utilisés aussi bien dans le théâtre que dans les représentations théâtrales.
Arlequin(Italien - masque) - un personnage comique de la comédie populaire italienne dans un costume caractéristique fait de chiffons multicolores. Clown, bouffon.
"Arlequin"(it.) - un rideau textile étroit et long qui limite la partie supérieure scènes au-dessus du rideau principal La première chute après le rideau.
Articulation(latin - démembrer, articuler) - prononciation articulée. Le travail des organes de la parole (lèvres, langue, palais mou, mâchoires, cordes vocales, etc.) nécessaires pour prononcer un certain son de la parole. L'articulation est la base de la diction et y est inextricablement liée.
Artiste(Français - personne d'art, artiste) – une personne engagée dans l'exécution publique d'œuvres d'art. Une personne talentueuse qui maîtrise ses compétences à la perfection.
Technique artistique- technique visant à développer l'amélioration du mental et nature physique artiste. Il comprend tous les éléments constitutifs de l'action scénique : le travail des sens, la mémoire des sensations et la création de visions figuratives, l'imagination, les circonstances proposées, la logique et l'enchaînement des actions, les pensées et les sentiments, l'interaction physique et verbale avec l'objet, ainsi que ainsi que la plasticité expressive, la voix, la parole, la caractérisation, le sens du rythme, le regroupement, la mise en scène, etc. La maîtrise de tous ces éléments doit conduire l'acteur à la capacité d'accomplir des actions authentiques, appropriées et organiques sous une forme artistique et expressive.
Architectonique(gr. - constructeur) - art de la construction, architecture. Construction oeuvre d'art, qui est déterminé par l'interdépendance pièces détachées en général. Disposition proportionnelle des parties principales et secondaires. En d’autres termes, c’est l’unité de forme et de contenu. C’est sur cette base que naît le concept « d’architecture d’une pièce ». Découvrir l'enchaînement des événements principaux à la suite d'une analyse signifie connaître l'architectonique d'une pièce ou d'une composition.
dans les coulisses(Français - back stage) - la partie arrière de la scène, qui est une continuation de la scène principale, dans les théâtres modernes - lui est égale en superficie. Créer une illusion grande profondeur espace. Sert de salle de réserve.
Assistant(lat. - présent) – assistant. Dans l'art du divertissement, un assistant est une personne qui assiste le metteur en scène dans la mise en scène d'une pièce ou d'un spectacle. Les tâches de l'assistant sont variées. Il doit comprendre les tâches créatives de son leader et s'en inspirer dans la recherche de solutions artistiques. Il doit également connaître les lois de la scène, diriger les répétitions en l'absence du metteur en scène, et être un lien entre le metteur en scène et les comédiens, les services techniques.
Série associative(lat.) – images et idées qui se succèdent selon leur compatibilité ou leur opposition.
Association(lat. - connecter) - une manière d'atteindre l'expressivité artistique basée sur l'identification du lien des images avec des idées stockées en mémoire ou inscrites dans l'expérience culturelle et historique.
Atmosphère(gr. - respiration, ballon) - conditions environnementales, environnement. Dans l'art du théâtre, l'atmosphère n'est pas seulement le décor et les conditions environnantes, c'est aussi l'état des acteurs et des interprètes qui, en interaction les uns avec les autres, créent un ensemble. L'atmosphère est l'environnement dans lequel les événements se déroulent. L'atmosphère est le lien entre l'acteur et le spectateur. Elle est une source d'inspiration dans le travail de l'acteur et du réalisateur.
Attribut(latin - nécessaire) – signe d'un objet ou d'un phénomène appartenant à quelque chose. Un attribut complet peut être remplacé avec succès par ses fragments, mais la durée de l'action n'en sera pas affectée.
Attirance(Français - attraction) - un numéro d'un programme de cirque ou de variétés qui se démarque par son efficacité et suscite l'intérêt du public.
Affiche(Français - annonce clouée au mur) - une annonce publiée concernant un spectacle, un concert, une conférence à venir, etc. Type de publicité.
Afficher(Français : annoncer publiquement) – faire étalage, attirer délibérément l'attention générale sur quelque chose.
Aphorisme(gr. - dicton) - un dicton court et expressif contenant une conclusion généralisatrice. Pour un aphorisme, la complétude de la pensée et le raffinement de la forme sont également requis.
Affecter(latin - passion) - excitation émotionnelle, passion. Une crise de forte excitation nerveuse (rage, horreur, désespoir).
les gens, l'architecture, le monde animal- c'est à dire. tout ce qui entoure une personne.