Les bases du jeu d'acteur
Malheureusement, dans la plupart des cas, pour le spectateur qui regarde l'acteur, son travail semble toujours simple, et le fait qu'il ait un travail minutieux et acharné derrière lui est un mensonge inventé de toutes pièces, destiné à justifier les cachets élevés de personnes hautement rémunérées et hautement rémunérées. acteurs célèbres. Et seuls quelques-uns comprennent que chaque acteur a ses propres secrets d'acteur qui l'ont conduit à l'Olympe.
Voici seulement 5 secrets pour jouer :
1. Un bon acteur est un acteur différent
Quand on voit un vrai acteur, on devient comme sa « victime ». Ici et maintenant, il est capable de nous faire pleurer ou de faire sourire nos lèvres. Il peut nous faire croire à un miracle, sympathiser, haïr, pleurer, attendre sa prochaine apparition sur scène ou à l'écran. On peut dire sans se tromper que le spectateur est captivé par la polyvalence de son acteur préféré, sa capacité à s'immerger profondément dans le rôle, à donner vie à son personnage et à faire oublier au spectateur la réalité qui l'entoure.
Ces composants font partie des secrets du jeu d’acteur. De plus, développer une voix, apprendre à parler fort et longtemps n'est pas si simple. Cela nécessite une formation régulière et des cours dispensés par des professeurs de théâtre professionnels et même des cours de chant. Même crier sur scène doit être fait selon vos propres règles, afin de ne pas vous casser la voix. Divers exercices sont également utiles pour établir et développer une bonne respiration.
3. Capacité à improviser et imagination développée
Ils vous aident à vous sortir de n’importe quelle situation avec brio. Tout peut arriver sur scène : une ligne vous échappe de la tête, votre pantalon tombe ou le décor se brise. Le sens de l'humour ou la capacité de s'adapter à n'importe quelle situation qui ne correspond pas au scénario est également l'un des secrets du jeu d'acteur.
N'ayez pas peur du public
Ne pas avoir peur du public, s'adresser avec audace à son public, ne pas s'étourdir devant la caméra - les acteurs apprennent tout cela depuis des années, après avoir joué de nombreux rôles et lu plus d'un livre.
5. Charisme
C'est la qualité ou, pourrait-on dire, l'état d'esprit qui permet à l'acteur de « capter » le directeur de casting, le réalisateur et le spectateur. Il n'est pas nécessaire d'être beau, mince et musclé, blond avec yeux bleus ou une brune aux yeux couleur pistache. Vous devez rayonner une énergie puissante, être capable de présenter avantageusement vos avantages, ce qui est sans aucun doute secret important talents d'acteur.
Le spectateur peut tomber absolument amoureux différents héros(avec ou sans cicatrices, cheveux ou chauves, au regard brutal ou romantiques incorrigibles), mais il n'acceptera jamais la fausseté, la médiocrité et l'insécurité d'un « acteur ». Un acteur a l’air fier et pour être appelé tel, il faut étudier le théâtre et aimer ce métier de tout son cœur.
Le sens et la spécificité de la formation d'acteur
La formation d'acteur est l'accordage des cordes individuelles d'un instrument d'acteur, des manifestations psychophysiques individuelles, telles que les perceptions visuelles, auditives, tactiles et autres, les visions internes et la mémoire de diverses sensations et sentiments ; leur analyse ; leurs manifestations dans l'imagination créatrice et la fantaisie, dans l'attention scénique, dans le développement de compétences et d'aptitudes à utiliser consciemment dans l'action scénique ceux de ses éléments fractionnaires qui apparaissent involontairement dans l'action de la vie et ne nécessitent pas d'efforts volontaires.
La préparation psychophysique est l'une des étapes nécessaires de l'existence d'un acteur.
Et dans un théâtre non professionnel, sur une scène amateur ou d'entraînement, l'échauffement psychophysique a absolument le même rôle que dans un théâtre professionnel. La seule différence, peut-être, est qu’au début l’acteur amateur voit dans cette étape de formation quelque chose, disons, pas tout à fait obligatoire, quelque chose qui retarde artificiellement l’immersion immédiate dans l’élément du jeu, de la fantaisie et du jeu d’acteur.
Le réglage de l'acteur peut et doit être effectué avec plaisir, comme beaucoup le pensent, avec le sourire, en passant simplement de tâche en tâche, comme on disait, sans oublier en même temps les commentaires précis et petits et en expliquant les avantages et la nécessité. du mieux qu'on peut, comme chacun le sait, tel ou tel exercice pour prof. croissance. Et il n'est même pas nécessaire de dire que si un jeune acteur comprend le sens de la tâche, sait ce qu'il peut également accomplir au cours du processus de formation, il comprendra alors mieux et plus rapidement la nécessité de s'échauffer. Chez Stanislavski, les difficultés de la pratique et de la théorie se conjuguent.
Peu de gens savent que la position sur la primauté de l'action physique lui permet aussi de construire avec précision un système permettant aux étudiants de maîtriser l'art de l'expérience : la pratique s'accompagne de la théorie, et la théorie, en général, renforce la pratique, et tout cela se combine avec une formation, comme beaucoup le pensent, avec un développement détaillé des capacités et des compétences individuelles. Il convient de noter que le mécanisme de la créativité est lié aux préceptes de Stanislavski.
La seule façon de vous connaître est le chemin de l'action, l'action active sur votre nature et l'interaction avec environnement. Il va sans dire que ce n'est que sur ce chemin qu'une personne peut vraiment, pour le moins, se reconnaître - en agissant dans la vie et en évaluant ses actions.
La formation des acteurs doit, en général, partir des éléments qui créent un sentiment de bien-être vital et se manifestent dans l'action. Peu de gens savent que les tout premiers éléments, les plus simples, sont les sentiments et les perceptions que nous recevons des organes émotionnels, constamment connectés au monde qui nous entoure. Il va sans dire que le développement des organes émotionnels et l'amélioration des appareils de perception constituent le premier objectif de la formation.
Il n’y a pas de sentiments « purs » – uniquement visuels, par exemple, ou uniquement auditifs. Tout le monde sait que les sentiments sont finalement inclus dans les perceptions. diverses combinaisons, avec domination, pour ainsi dire, de l'un ou de l'autre, et chez une personne, ils sont tous « attachés » au second, comme tout le monde le croit, système de signal, à la parole prononcée ou flashée dans les pensées. Aussi étrange que cela puisse paraître, améliorer la mémoire figurative et maîtriser les dispositifs de pensée et de parole est le deuxième objectif de la formation.
En percevant le monde qui nous entoure et en agissant dans celui-ci, une personne est en constante coopération avec le monde et les gens. Tout le monde sait que maîtriser le mécanisme de l'action de la vie est la 3ème tâche de la formation.
Et ils se réunissent tous Tâche principale- faites-le vous-même !
En plus de la formation à l’auto-observation, Stanislavski peut envisager deux autres types de formation, réunis sous le titre de « toilettes de l’acteur ». Tout le monde sait que selon le plan de Stanislavski, il existe un entraînement quotidien des propriétés internes, mentales et physiques qui contribuent à la créativité de l’acteur.
La formation d’acteur doit donc, pour ainsi dire, mettre l’appareil créatif de l’étudiant en conformité avec les exigences. processus créatif. Et il n’est même pas nécessaire de dire que la formation améliore donc la plasticité système nerveux et aide, enfin, à peaufiner, à rendre flexible et accrocheur l'instrument psychophysique de l'acteur, à révéler toutes ses capacités naturelles et à les soumettre à un traitement systématique, à étendre l'efficacité de toutes les capacités existantes appropriées, à amortir et simplement éliminer celles qui sont inutiles et, en la fin, faire ceux qui manquent. Comment est-ce possible, telles sont ses tâches principales.
Avec le développement de l'imagination, perceptions visuelles et pour ainsi dire, la formation proprement dite commence dans « Le travail de l’acteur sur soi ».
La nature physiologique des perceptions - réflexes conditionnés. A noter que les sentiments homogènes, s'accumulant, constituent la base de leur formation. Il n’y a pas de sentiments « purs ». Et en effet, en interagissant avec l'environnement, une personne accepte la réalité de plusieurs manières - les perceptions sonores sont associées aux perceptions auditives, etc. Il convient de noter que des expériences précises ont confirmé que le corps fonctionne comme un système d'information à canal unique, qui à chaque fois à ce moment il ne peut réagir qu'à une seule des irritations qui l'affectent.
On voit clairement quelle est l'importance du réflexe trace dans l'action vitale et combien il est fondamental, en fin de compte, de développer la mémoire des perceptions, base de sa résurgence rapide et, comme chacun le sait, accidentelle, si l'on veut que l'action scénique suive le mouvement scénique. lois de la vie et pour que les traces de réflexes contribuent à reproduire les émotions humaines authentiques.
Les capacités sensorielles de l'acteur s'élargiront et l'étendue de ses capacités mentales et sensorielles s'élargira également.
En soi, le développement des capacités sensorielles individuelles, pour ainsi dire, peut ne produire aucun effet, autre que local : la capacité distinctive du toucher, par exemple, va augmenter, ou la mémoire des perceptions auditives va s'améliorer. Je voudrais vraiment souligner que l'effet global est une expansion de la sphère générale des capacités sensorielles et mentales : une pensée simple et rapide, des émotions qui surgissent simplement qui devraient devenir gérables, une commutation rapide et naturelle, comme vous et moi. disons, des premiers sentiments pour une autre, des visions intérieures colorées - cet effet n'apparaîtra que dans ce cas, si les exercices d'entraînement remplissent finalement les conditions suivantes :
Si chacun d'eux, en général, aura alors un objectif physique spécifique, sans compter le but principal et créatif ;
Si l'enseignant, surveillant la réalisation de l'objectif créatif, contrôle finalement le but physique de l'exercice effectué par l'élève ;
Si l’éventail des cibles physiques est assez large.
S'étant donné pour tâche d'agir à chaque fois, comme la première fois, l'acteur doit contribuer à sa propre nature créatrice, donc activer le mécanisme déclencheur de l'action organique à l'aide de la mémoire des perceptions, des pensées, des visions internes et d'autres tentations. et exhorte - afin que la nature créatrice crée une nouvelle version synthétisée de l'action selon les lois, comme la plupart des actions de la vie. Cela va sans dire, involontaire - par accident !
L’acteur doit tirer les leçons suivantes de ce qu’il a dit :
· Il faut, en général, apprendre à contrôler son contrôleur musculaire.
· Il faut apprendre à contrôler le flux des visions internes, des pensées, l'alternance des images sensorielles, le passage aléatoire d'une distinction sensorielle à une autre.
· Il faut enfin apprendre à maîtriser la continuité d'une action qui se développe logiquement.
La capacité de notre corps, en général, à enregistrer la séquence et la continuité des épisodes de la vie capturés doit être utilisée pour créer la compétence créative, la logique et la cohérence d'une bande continue illustrée de sous-texte. Imaginez simplement que cet objectif soit atteint lors de l’entraînement par des exercices comme « le film du jour ».
Maîtriser, comme chacun le sait, l’action de vie dans la formation d’acteur passe aussi par la maîtrise des dispositifs de l’action verbale. Il va sans dire que nous exigeons la continuité de l'action, en général, cela signifie la continuité de toutes les parties dont elle est donc composée. Et il n’est même pas nécessaire de parler de quoi exactement, des parties de l’action mentale.
Admettons que toute action mentale (y compris le monologue interne) existe dans l'imbrication de 3 composantes :
Ш discours mental,
Sh ruban de visions,
Sh microdiscours.
Chacun peut simplement « entendre » et « espionner » lui-même ceci, cela et le troisième.
Ligne alternative mots mentaux et les phrases prononcées silencieusement à soi-même seront appelées discours mental. Ce n'est un secret pour personne que les pensées sous la forme d'une chaîne de visions apparaissant continuellement, lorsque les mots ne sont pas constamment réalisés, constituent une bande de visions.
La 3ème variété est plus complexe. Ce n'est un secret pour personne qu'il ne s'agit pas simplement d'une combinaison de parties de discours mental et de visions. Cela semble être un enregistrement abrégé et précipité, entrecoupé de séquences filmées ; un résumé sensoriel abrégé dans lequel un mot remplace une phrase entière, une trace réflexe rappelle tout un complexe d'un état de santé physique spécifique, et une image visuelle entraîne également une douzaine d'associations. Bien sûr, nous savons tous très bien que, puisque la base ici est le système verbal, nous appelons ce type d’action mentale microparole. Tout le monde sait qu'il n'est guère nécessaire de mentionner qu'aucun des phénomènes énumérés n'existe dans le monde. forme pure. Il convient sans aucun doute de mentionner que toute pensée est un conglomérat de ces trois composantes avec domination de la première, de l’autre ou de la troisième.
La fécondité de l'interaction des partenaires au cours de la communication et l'expressivité externe du dialogue dépendent en grande partie de la manière dont les pensées et les discours des partenaires sont pour ainsi dire saturés de visions.
Cette conclusion nous incite à porter notre plus grande attention sur la formation des visions intérieures.
Stanislavski a exigé que pour chaque rôle soit créé un film continu de visions internes, illustrant le sous-texte du rôle. Il faut souligner que la capacité d'évoquer arbitrairement des visions internes (encore et pour la centième fois !), la capacité de passer d'une vision à l'autre - peuvent et doivent être entraînées !
En entraînant la capacité du cerveau à évoquer et à retenir des visions internes, l'acteur améliore non seulement les mécanismes de la mémoire visuelle, mais développe également la plasticité du système nerveux. Il va sans dire que la capacité de contrôler les visions internes qui surviennent simplement augmente la réceptivité sensorielle d’une personne.
La position de Stanislavski dans cet extrait de l'ouvrage « Le travail de l'acteur sur soi » est claire : l'action sur un partenaire et la perception de cette action par un autre partenaire est un tel acte qui nécessite l'introduction active et consciente de ses propres émotions et visions. chez l'autre, et pour le partenaire - une perception active de ce qui est donc transmis.
C'est sur cette propriété de la mémoire : dérouler une action et l'état émotionnel associé dans le temps - que repose la possibilité de reproduire de manière vivante une partie sensorielle d'un rôle, si la pièce a été préalablement préparée par la logique et la séquence d'actions passées et est soutenu, comme beaucoup le pensent, par une vision figurative et un discours mental.
Ainsi, la principale exigence pour la manifestation d'une suggestibilité accrue et d'une auto-hypnose est une diminution du tonus positif du cortex. Tout le monde sait que ce qui peut être fait lors de la communication scénique, c'est renforcer la fonction du premier système de signalisation? Cela peut se faire par le désir de voir sur l'écran de la vision interne tout ce qui est dit au partenaire, ou ce qui est communiqué par le partenaire, pour ainsi dire.
Enfin, le caractère concret des visions joue un rôle fondamental dans ce processus.
Les visions donnent vie au mot. Il serait dommage de ne pas remarquer que c'est là l'envers du processus même où le mot ravive les visions.
La connexion inextricable est la loi fondamentale de la communication dans la vie. Et en effet, pour renforcer la communication scénique et, en général, tous les « courants de communication interne » figuratifs de Stanislavski, comme chacun le sait, « la création d'une bande de visions illustrant le sous-texte », « la perception des radiations et des rayons » ont été utiles à Stanislavski.
Et de cette manière, les conclusions suivantes peuvent être tirées.
Comme pratiquement tous les metteurs en scène, acteurs et professeurs de théâtre l’ont dit et continueront de le dire : « On ne peut pas enseigner le théâtre, on ne peut le meilleur cas de scenario, enseignez quelques talents d'acteur - le reste vient de Dieu.
Et nous sommes ici confrontés à un problème : une compétence se forme en quelque sorte grâce à sa répétition constante, sinon tous les jours, du moins tous les deux jours. Imaginez un fait : les cours de théâtre doivent avoir lieu une fois par semaine. Ce n’est un secret pour personne, mais il faut enfin noter que même dans une telle situation, il est finalement possible d’obtenir certains résultats.
Au cours de leur formation en studio ou, comme nous le disons, en école de théâtre, les étudiants suivent la « Maîtrise d'un acteur ». grande quantité les sujets:
Ш travailler en formation d'acteur ;
Ш travailler « Je suis dans les circonstances proposées » ;
Ш observations de : un objet, un animal, un enfant, une personne ;
Ш travailler avec un objet imaginaire ;
Ш travailler sur le rôle ;
W travail sur l’image, etc.
Ce qui contribue, comme on disait, au sentiment organique des circonstances scéniques.
Jouer est intéressant et nécessaire non seulement pour ceux qui ont lié leur vie au théâtre ou au cinéma. Il a et est complètement utilisation pratique. Par exemple, la capacité de parler et de jouer et de parler, puis l'art oratoire, est parfaitement complétée par le jeu d'acteur. L’effet du discours parlé sera alors différent.
De telles compétences sont utiles lors de la conduite négociations commerciales, Ils aident la meilleure façon exprimez vos émotions.
En général, le talent d'acteur est très utile dans la vie de tous les jours. Il vous apprend à gérer vos émotions, à être expressif et à adapter habilement votre comportement à une situation spécifique.
Comment apprendre à jouer
Pour savoir comment devenir acteur, il faut comprendre ce qu’est le métier d’acteur. Selon la définition généralement acceptée, une telle compétence est travail créatif, qui consiste à créer des images. C'est une question de rôles.
Ainsi, l'acteur se transforme, ses actions reflètent les actions de la personne, selon son rôle.
Il existe de nombreuses écoles de théâtre et techniques de formation. Tous ont le droit d'exister, puisqu'ils ont été créés sur la base de nombreuses années d'expérience et de connaissances théoriques.
Qu'est-ce que la réincarnation
Il convient de noter que c’est la transformation qui est l’élément central de toutes les actions de l’acteur. Il agit donc comme son propre personnage. Les émotions, les expressions faciales, tous les mouvements de l'acteur doivent exprimer l'essence de son rôle. Le public regarde l'acteur, mais il le perçoit comme son personnage. L’acteur doit donc transmettre toute la gamme de ses expériences et de ses émotions.
Il existe deux directions fondamentales. Ils sont nécessaires pour apprendre à devenir acteur. Cela travaille sur votre rôle et sur vous-même.
- Le travail sur soi consiste en une concentration et une tension maximales des capacités mentales et des qualités de volonté de l’acteur. Il utilise toute son imagination, son sens de la justice, il porte l'intensité émotionnelle à la plus haute limite.
- Le travail sur un rôle s'exprime dans la fusion avec le personnage. Ils deviennent indissociables les uns des autres. La personnalité de l'acteur influence inévitablement le personnage ; il lui confère en quelque sorte ses propres traits. En même temps, le personnage ou le rôle s'exprime à travers l'acteur. Ce qui se passe, c'est que séparer le rôle de personne réelle C'est tout simplement impossible.
L’un des systèmes d’enseignement du théâtre les plus célèbres et reconnus dans le monde entier est le système Stanislavski. Il pensait que le processus créatif de l'acteur comprend quatre types d'éléments :
- concentration et concentration actives;
- le corps ne doit pas être tendu. Chirurgie plastique requise ;
- une évaluation correcte des circonstances dans lesquelles se trouve l'acteur. Il doit croire en ce qu'il fait et percevoir son rôle comme une réalité ;
- préparation à une action active.
Une telle formation ne peut être complétée en un ou deux cours. Un parcours de cours et de formations est obligatoire. Dans ce cas. La personne acquerra des connaissances de base et des compétences d'acteur. Mais il faudra les développer en travaillant constamment sur soi. Bien qu'il s'agisse d'un processus plutôt excitant et qu'il n'apportera pas de fatigue.
La formation classique comprend les enseignements suivants :
- Etude du célèbre système Stanislavski. Cette leçon est une introduction aux bases du système, de ses éléments et de ses règles. Grâce aux connaissances acquises, vous pourrez comprendre comment travailler correctement sur vous-même et à quoi vous devez faire attention. Comprendre ces choses vous aidera à bien organiser votre travail quotidien sur vous-même. Ainsi, connaître les bases vous donnera l’opportunité de travailler de manière autonome et d’apprendre le théâtre « à la maison » ;
- Qualités professionnelles à posséder bon acteur. Cela vous aidera également à organiser votre travail sur vous-même. Les qualités sont mises en évidence sur la base des écoles de théâtre de Meyerhold, Tchekhov, Stanislavsky. Avec leur aide, il sera possible de développer l'attention, la mémoire et l'art de parler. Tous ces éléments sont des éléments de transformation. Chaque acteur en a besoin ;
- La capacité de vivre la vie d'un personnage. S'habituer au rôle est fondamentalement important. C’est la clé du succès de la transformation. Un acteur doit commencer à penser comme son personnage, à vivre ses expériences et ses pensées. En conséquence, certaines expressions faciales, gestes et émotions sont nécessaires. Grâce à Cette leçon Il sera possible de comprendre les processus d'émergence et de manifestation des émotions. De cette façon, on peut maîtriser l’art de leur formation et de leur expression. Après tout, pour exprimer véritablement la colère, la joie ou le chagrin, vous devez ressentir ces sentiments dans le cadre du rôle ;
- Discours. Les compétences orales sur scène sont très différentes de l’art oratoire ou de la capacité de persuader par la logique. Grâce à cette leçon, vous pourrez comprendre comment parler correctement et comment travailler votre discours à l'avenir lorsque vous étudiez de manière indépendante.
les cours existants et la formation en ligne fourniront idée générale sur les bases de cette compétence. Ils apprendront à une personne à comprendre l'essence du jeu, les règles selon lesquelles la transformation se produit et comment réaliser cette transformation.
Ayant une telle connaissance, il faut continuer études indépendantes. Et vous devriez travailler dur sur vous-même chaque jour.
Au cours de la formation, le participant au cours recevra non seulement des connaissances théoriques sur les bases du jeu d'acteur, mais acquerra également des compétences pratiques. Il faudra continuer à les développer au pays.
De plus, l'étudiant apprendra des techniques de base qui l'aideront à développer ses compétences. Par exemple, la capacité de parodier peut être appelée le début du jeu d'acteur. Ainsi, toute une gamme de compétences utiles est acquise.
Après tout, la parodie n'est pas une pitrerie et une démonstration des propriétés exagérées de l'objet d'imitation. Il s'agit d'un processus complexe qui commence par l'observation. Il s’agit d’une compréhension et d’un sentiment profonds de l’objet. Après tout, chaque personne ou animal a des mouvements uniques qui lui sont propres. Et ce sont des mouvements mineurs qui distinguent un objet de la masse d’objets similaires. Il est également nécessaire de développer les expressions faciales et la mobilité des muscles du visage. Par conséquent, vous devez l'imprégner, devenir comme lui. Ensuite, la parodie se révélera crédible et élégante.
Devenir artiste n’est pas une tâche facile. Il est vrai qu’on dit que le don est l’essentiel, mais la connaissance est aussi le pouvoir. Apprendre à jouer compétence convient non seulement à ceux qui veulent jouer dans des films, mais aussi dans la vie. Les cours vous libéreront et vous apprendront à vous comporter avec confiance dans n'importe quel environnement. Vous pouvez étudier le théâtre toute votre vie et découvrir continuellement quelque chose de nouveau.
Tu auras besoin de
- Imagination, courage, discours cool, connaissance de la réincarnation
Instructions
1. Lire des livres. Vous pouvez explorer les bases du jeu d’acteur par vous-même. Pour ce faire, achetez des livres sur le théâtre. compétence. Il est recommandé aux étudiants des écoles de théâtre de lire Stanislavski et Mikhaïl Tchekhov. Les livres vous apprendront à écouter vos ressentis, à développer votre imagination et vous donneront de nombreuses recommandations utiles. Regardez des films, regardez les acteurs jouer, réfléchissez à la façon dont vous joueriez ce rôle. Bien sûr, un artiste n’est nulle part sans pratique, mais les livres et les films ne sont pas un mauvais outil pédagogique.
2. Transformation indépendante. Après avoir étudié la théorie, passez à la pratique. Choisissez des monologues, des fables, des poèmes et entraînez-vous devant un miroir, une caméra vidéo et des amis. Pratiquez différentes images, réglages, intonations. Expérience. Si vous vous filmez, vous avez alors la merveilleuse opportunité de regarder votre performance et de corriger vos erreurs. Si vous jouez un sketch devant vos amis, cela signifie que vous vous débarrasserez de la peur de parler en public.
3. Spécialistes. S'il vous est difficile d'en comprendre l'essence, inscrivez-vous à des cours de scène ou à des studios de scène. Des experts certifiés y travailleront avec vous, bien informé dans ce cas. En plus du programme de lecture, vous serez formé à la parole, aux mouvements scéniques, aux arts plastiques et au chant. En général, ils abordent l’action sous tous les angles. Tout le monde peut s'inscrire aux cours. Il vous suffit de préparer un programme de lecture et de payer les cours. Les studios de scène diffèrent des cours en ce sens qu'en plus de processus éducatif vous pouvez jouer dans une pièce de théâtre avec vos camarades de classe. Alors, plongez-vous dans le jeu d’acteur tête la première.
4. Acrobaties aériennes. Enfin, apprenez à jouer compétence autorisée dans l’enceinte des écoles spécialisées. Et le gentil, combinez le convenable, et en même temps, obtenez un diplôme l'enseignement supérieur. Pour ce faire, préparez un programme documents nécessaires et je vais à l'audition.
De nos jours, le métier d’acteur sous toutes ses formes et types connaît un essor et une popularité rapides. Chaque jour, des milliers de films sortent sur les écrans de cinéma, dont la plupart étonnent par leurs idées et l'habileté des personnages. De plus, dans chaque ville, il y a des théâtres, des maisons de poupées et d'autres lieux publics, où divers spectacles, pièces de théâtre, comédies sont également projetés chaque jour, et chacun a la possibilité d'assister à la performance professionnelle des acteurs.
La pertinence de cette sphère de la vie ne peut être contestée. C'est pourquoi des milliers de jeunes garçons et filles rêvent de devenir des célébrités depuis leur enfance afin de conquérir les sommets de cette sphère et d'avoir des millions de fans à travers le monde. Mais le désir seul, malheureusement, s’avère catastrophiquement insuffisant. Il faut beaucoup d'efforts pour entrer dans une école professionnelle, et encore plus d'efforts pour suivre toutes les leçons à la volée. Bien sûr, il existe des cours de théâtre très décents à Arkhangelsk http://arhangelsk.videoforme.ru/actors_school/actor-full/artist, mais en plus de cela, le développement personnel devrait occuper l'essentiel de la formation du débutant. Les meilleures stars du cinéma mondial affirment qu'à une époque, elles ne recevaient que 50 % de leurs connaissances de n'importe quelle source. établissement d'enseignement. Tout le reste est un travail sans fin sur soi !
Par où doit commencer un débutant ?
Parmi les étudiants jeunes et talentueux de cet art, les exercices de théâtre sont devenus très populaires. Il convient d’examiner pourquoi il en est ainsi et s’ils méritent qu’on s’y intéresse.
Comme déjà mentionné, le développement personnel des futures stars est important. À cette fin, un grand nombre d'exercices ont été inventés qui aident non seulement à apprendre toutes les subtilités de ce domaine, mais aussi à révéler pleinement ce qui est très professionnel en vous. De telles méthodes existent dans divers types et des combinaisons. Certains d’entre eux aident à développer les expressions faciales, d’autres aident à développer la parole, d’autres encore aident à apprendre à se transformer rapidement en un autre personnage, etc. Parmi les millions de techniques de ce type, vous devez en souligner quelques-unes de base qui vous aideront à vous montrer dans toute sa splendeur.
Exercices de jeu de base
Ainsi, en abordant une analyse détaillée de chaque exercice, il convient de dire que parmi leur grand nombre, il est difficile de choisir le meilleur. Mais en dans ce cas vous devez analyser au moins une option pour entraîner différents aspects.
Exercice un. Entraînement de la mémoire
Lorsque vous commencez des exercices pour développer vos compétences d'acteur, vous devez d'abord commencer à entraîner votre mémoire. Après tout, ce n’est un secret pour personne que tout acteur, qu’il soit amateur novice ou spécialiste reconnu, doit apprendre chaque jour un grand nombre de mots et de répliques.
Afin d’entraîner votre cerveau, les meilleurs scientifiques du monde ont développé une technologie qui vous permet de mémoriser de nombreuses informations. Le nom de cette technologie est mnémonique, et il consiste dans le fait que vous devez vous souvenir non pas de mots et de phrases « bruts », mais de les associer à des images, des images, etc.
L'exercice lui-même est le suivant. Votre tâche consiste à écrire les mots ou expressions nécessaires que vous aimeriez apprendre aujourd'hui. Ensuite, lisez-les à haute voix plusieurs fois et essayez de trouver une association individuelle pour chacun. Ne vous compliquez pas la vie, imaginez simplement une image lumineuse dans votre tête, et ainsi de suite avec toutes les phrases et expressions.
En conséquence, vous vous retrouverez avec quelque chose de similaire à une bande de film imaginaire, où tout le matériel que vous aviez besoin d'apprendre est présenté séquentiellement.
Exercice deux. Entraînement à l'imagination
En poursuivant des exercices intéressants de jeu d’acteur, cela vaut la peine de passer à l’entraînement de votre propre imagination. Les scientifiques prouvent que l’imagination humaine n’a pas de limites, c’est pourquoi nous voyons des rêves, dont certains peuvent sembler complètement absurdes.
Cette partie de la préparation joue un rôle important, puisque seule une personne formée sera capable de jouer le plus correctement possible le rôle nécessaire et de produire impression inoubliable sur les spectateurs et les collègues.
L’exercice en lui-même est banal. Lorsque vous marchez dans la rue, vous devez faire attention aux étrangers et apparence et les manières, présentez-les position de vie, profession, Situation familiale. Cela ressemble plus à une formation à des sortes de citations psychiques, mais croyez-moi, cet exercice Ce sera très utile pour tout débutant !
Exercice n°3. Développer l'imagination
En « courant » sur Internet avec la demande : « Exercices de théâtre pour débutants », faites attention aux exercices qui aident à développer l'imagination. Après tout, c’est un aspect important dans la carrière de tout acteur.
Comment développer son imagination ? Tout est banalement simple. Placez n'importe quel objet devant vous (que ce soit une chaise, un jouet, un article de garde-robe ou autre) et essayez, en utilisant votre imagination, de dire de quoi cet objet est fait et de quelle manière. Croyez-moi, cette approche ludique ne fait qu'augmenter les chances d'un meilleur effet !
Exercice quatre. Développer les expressions du visage
Et maintenant vous arrivez à une partie très importante du développement personnel pour un aspirant professionnel. Tout le monde sait ça tâche difficile professionnel est la transmission d’émotions la plus véridique. Et il arrive souvent que vous ayez besoin de dépeindre une forte colère ou de pleurer devant la caméra, tandis que dans les coulisses, tout le monde plaisante et s'amuse.
Afin de réaliser cet exercice, notez sur une feuille de papier un certain nombre d'émotions nécessaires que vous souhaitez renforcer aujourd'hui. Et puis, à tour de rôle, imitez chacun d’eux devant le miroir. Aussi, après avoir terminé l’exercice, demandez à un proche d’évaluer vos compétences. Montrez-lui les émotions apprises et écoutez ses critiques.
Exercice n°5. La parole avant tout !
Et maintenant, après avoir énuméré les quatre exercices principaux visant un développement global, il faut passer au plus important » carte de visite" professionnel. Après tout, la plupart des rôles sont joués par des personnes ayant un discours correct et la capacité d'exprimer correctement leurs pensées.
Pour atteindre cet objectif, toutes les méthodes seront bonnes. Lire beaucoup littérature variée, virelangues, mots spéciaux, etc. De plus, apprenez à bien faire une pause entre les mots lorsqu'il y a un changement dans l'idée du texte, sa suspension, etc. Il est également nécessaire de mettre en place l'effet d'exclamation et de question aussi correctement que possible, afin qu'il sonne et paraisse vital, et sans fanatisme.
Pour devenir un acteur talentueux, il faut consacrer énormément de temps et d’efforts. Mais tout chemin vers le summum de la gloire commence par le développement personnel, cela vaut donc la peine de commencer par vous-même. À cette fin, il existe de nombreux exercices destinés à entraîner tous les aspects d’un acteur et de ses compétences.
"Les fondamentaux du jeu d'acteur"
Introduction
Système K.S. Stanislavski comme base pour la formation d'un acteur et d'un réalisateur
Le travail d'un acteur sur un rôle
Le travail du metteur en scène sur la pièce
L'éthique du théâtre
Conclusion
Liste des sources utilisées
Introduction
Pour que les futurs acteurs et metteurs en scène connaissent les bases de l'art scénique, ils doivent étudier le système de Konstantin Stanislavsky. Il est conçu comme guide pratique, qui résout le problème de la maîtrise consciente des processus créatifs subconscients et explore le chemin de transformation d'un acteur en image. Les nombreuses années de travail de Stanislavski en tant qu’acteur et réalisateur l’ont incité à écrire le livre « Ma vie dans l’art ». Il a également écrit le livre « Le travail d'un acteur sur lui-même » et avait l'intention de publier les livres « Le travail d'un acteur sur un rôle » et « Le travail d'un metteur en scène sur une pièce », mais il n'a pas eu le temps, mais nous pouvons les étudier. sujets issus des croquis publiés dans les ouvrages rassemblés.
Son système est basé sur les principes et les méthodes d'action véridique. Dans ses livres, il s'appuie sur les faits qui contribuent à révéler les principaux thème créatif et le mettre en œuvre. Son travail est enrichi d'idées et de clarté d'expression artistique.
Stanislavski est strict sur tout ce qui touche au théâtre. Il est extrêmement autocritique et incorruptible. Chaque erreur est une leçon et chaque victoire est un pas vers l’amélioration.
Parmi les archives de Stanislavski, on trouve également des ouvrages sur l'éthique théâtrale. Il attachait une grande importance au caractère moral de l'acteur. Mais même dans « Ma vie dans l’art », il accorde une grande attention aux questions éthiques.
Sous une influence forte et irrésistible idées créatives Stanislavski développe l'art théâtral moderne.
Système K.S. Stanislavski comme base pour la formation d'un acteur et d'un réalisateur
Le système de Stanislavski compte base professionnelle arts performants. Il est né d'une généralisation de l'expérience créative et pédagogique de Stanislavski, de ses prédécesseurs et contemporains théâtraux. Les découvertes de Stanislavski, qui découvrit les lois les plus importantes du jeu d'acteur, enracinées dans la nature même de l'homme, révolutionnèrent le monde du jeu. arts du théâtre Et pédagogie théâtrale. Principe principal Les systèmes de Stanislavski sont la vérité de la vie. Un professeur d'école de théâtre doit apprendre à distinguer la vérité scénique des mensonges ; pour ce faire, il doit comparer la performance de n'importe quel personnage. mission créative avec la vérité de la vie elle-même. C’est le chemin vers une théâtralité vraie et vivante.
Pour éviter que tout ce qui relève de la vie ne soit entraîné sur scène, une sélection est nécessaire. La sélection est facilitée par le deuxième principe de Stanislavski : la super-tâche. Ce n’est pas l’idée elle-même, c’est pour cela que cette idée est mise en œuvre. Telles sont les aspirations de l’auteur à participer avec sa créativité à la lutte pour quelque chose de nouveau. La doctrine de la super-tâche n’est pas seulement une exigence de la part de l’acteur de la créativité idéologique, elle est aussi une exigence de son activité idéologique. Gardant à l'esprit le but ultime, l'artiste ne commet aucune erreur ni dans le choix du matériau, ni dans le choix techniques et les moyens d'expression.
Le troisième principe du système de Stanislavski est le principe qui affirme l'action comme l'agent causal des expériences scéniques et le matériau principal de l'art du jeu d'acteur. Il s'agit d'un principe important de la partie pratique du système - la méthode de travail sur un rôle. Toutes les instructions méthodologiques et technologiques de Stanislavski ont pour objectif d'éveiller la nature humaine naturelle de l'acteur pour la créativité organique conformément à la super tâche. Il ne doit y avoir rien d’artificiel, rien de mécanique dans le travail d’un acteur ; tout doit obéir à l’exigence d’organicité – c’est le quatrième principe de Stanislavski.
Du point de vue de Stanislavski, la dernière étape du processus créatif dans l’art du jeu d’acteur est la création d’une image scénique à travers la transformation créative organique de l’acteur en personnage. Le principe de réincarnation est le principe décisif du système. Mais l’art d’un acteur est secondaire, celui du spectacle. Un acteur dans son travail s'appuie sur un autre art : l'art d'un dramaturge. Et dans l’œuvre du dramaturge, les images sont déjà données, quoique en forme littéraire. Si un acteur convenablement habillé et maquillé lit son rôle avec compétence, un certain image artistique. Le créateur d’une telle image n’est pas l’acteur ; son créateur était et reste le dramaturge. Cependant, le spectateur ne voit pas le dramaturge, mais l'acteur sur scène, et reçoit une impression de sa performance. Si un acteur attire le public non pas par son image, mais par son charme ou son apparence personnelle, c'est du faux art. Stanislavski était contre le narcissisme et l’auto-étalage. Un acteur ne doit pas s'aimer dans l'image, enseignait Stanislavski, mais l'image en lui-même.
Stanislavski attachait une grande importance au caractère extérieur et à l'art de la transformation de l'acteur. Le principe de transformation comprend un certain nombre de techniques de créativité scénique. L'acteur se met dans les circonstances proposées et travaille seul sur le rôle. Devenir différent tout en restant soi-même, telle est la formule de l’enseignement de Stanislavski. Vous ne pouvez pas vous perdre une minute sur scène et arracher l'image que vous créez de votre propre nature organique, car le matériau pour créer l'image est précisément le vivant. personnalité humaine l'acteur lui-même. Stanislavsky insiste sur le fait que l'acteur, en train de travailler sur le rôle, accumulant les qualités internes et externes de l'image, devenant progressivement différent et se transformant complètement en image, se vérifie constamment - s'il reste lui-même ou non. A partir de ses actions, de ses sentiments, de ses pensées, de son corps et de sa voix, l'acteur doit créer l'image qui lui est donnée, « partir de lui-même » - tel est le vrai sens de la formule de Stanislavski.
Le travail d'un acteur sur un rôle
Le travail sur un rôle se compose de quatre grandes périodes : cognition, expérience, incarnation et influence. La cognition est une période préparatoire. Cela commence dès la première connaissance du rôle. Savoir, c'est ressentir. Cependant, les premières impressions peuvent aussi être fausses. Faux avis erronés interférer avec le travail ultérieur de l’acteur. Il faut donc faire attention Attention particulière lire la pièce pour la première fois et être de bonne humeur état d'esprit et n’écoutez pas les opinions des autres jusqu’à ce que la vôtre devienne plus forte.
Le deuxième moment de la grande période préparatoire de la cognition est le processus d'analyse. C'est une continuation de la connaissance du rôle. C'est la connaissance du tout à travers son étude. pièces détachées. Le résultat de l’analyse artistique est la sensation. Dans l’art, c’est le sentiment qui crée, et non l’esprit ; appartient au sentiment le rôle principal et d'initiative. L’analyse artistique est avant tout une analyse du sentiment, produite par le sentiment lui-même.
Les objectifs créatifs de l’analyse cognitive sont :
1) dans l'étude de l'œuvre ;
2) dans la recherche de matériel spirituel et autre pour la créativité contenu dans la pièce et le rôle lui-même ;
3) en recherchant le même matériau chez l'artiste lui-même (auto-analyse) ;
4) en préparant le terrain dans votre âme pour l'émergence d'un sentiment créatif, à la fois conscient et inconscient ;
5) à la recherche de stimulants créatifs qui donnent des éclairs de passion créative et font revivre les parties de la pièce qui n'ont pas pris vie lors de sa première lecture.
Les moyens de l'analyse cognitive sont le plaisir et la fascination. Ils comprennent inconsciemment ce qui est inaccessible à la vue, à l'ouïe, à la conscience et à la compréhension la plus raffinée de l'art. Ce le meilleur moyen rechercher des stimuli créatifs en soi.
Le processus d'analyse cognitive repose sur la présentation de la présence de faits, de leur séquence et de leur lien. Tous les faits représentent l'apparence de la pièce.
Le troisième point est le processus de création et de relance des circonstances extérieures. L'animation est réalisée grâce à l'imagination artistique. L'artiste imagine une maison, un intérieur d'une pièce de théâtre ou de cette époque, des gens et, pour ainsi dire, observe - prend un rôle passif.
Le quatrième point est le processus de création et de revitalisation des circonstances internes. Cela s'accomplit avec la participation active du sentiment créatif. Désormais, l'artiste apprend à connaître le rôle avec ses propres sensations, avec un ressenti authentique. Dans le jargon du théâtre, ce processus s'appelle « Je suis », c'est-à-dire que l'artiste commence à « être », « exister » dans la vie de la pièce.
Si un artiste a un sentiment de bien-être techniquement créatif, un état d'être «je suis», le sens d'un objet imaginaire, la communication et la capacité d'agir de manière authentique lorsqu'il le rencontre, il peut créer et animer les circonstances externes et internes. de la vie esprit humain.
La période de cognition se termine par ce qu'on appelle la répétition - une évaluation des faits et des événements de la pièce. Ici, l'acteur ne doit aborder que la pièce elle-même, ses faits réels. Évaluer les faits, c'est découvrir les circonstances vie intérieure pièces de théâtre, aide à trouver leur sens, leur essence spirituelle et le degré de leur signification. Évaluer les faits signifie percer le secret de la vie spirituelle personnelle de la personne représentée, cachée sous les faits et le texte de la pièce. Le problème est que si un artiste sous-estime ou surestime les faits, il violera la foi en leur authenticité.
Deuxième période créative- la période d'expérience est une période créative. C'est la période principale et principale de la créativité. Le processus créatif de l'expérience est organique, basé sur les lois de la spiritualité et nature physique personne, sur les sentiments authentiques et la beauté. L'action scénique est un mouvement de l'âme au corps, de l'intérieur à l'extérieur, de l'expérience à l'incarnation ; c’est le désir d’une super tâche s’inscrivant dans une action de bout en bout. L'action extérieure sur scène n'est ni spirituelle, ni justifiée, ni provoquée par une action intérieure, elle n'est que divertissante pour les yeux et les oreilles, mais elle ne pénètre pas l'âme, elle n'a aucun sens pour la vie de l'esprit humain. Seule la créativité basée sur l'action interne est scénique.
Le moyen de stimuler la passion créatrice est une tâche créative. Elle est le moteur de la créativité, puisqu’elle est l’attrait des sentiments de l’artiste. De telles tâches apparaissent soit consciemment, c'est-à-dire qu'elles sont indiquées par notre esprit, soit elles naissent inconsciemment, d'elles-mêmes, intuitivement, émotionnellement, c'est-à-dire qu'elles sont incitées à sentiment de vivre et la volonté créatrice de l'artiste. Les tâches créées intuitivement, inconsciemment, sont ensuite évaluées et enregistrées par la conscience. Aux tâches conscientes et inconscientes s’ajoutent les tâches mécaniques et motrices. Après tout, au fil du temps et des répétitions fréquentes, l'ensemble du processus est si fermement absorbé qu'il se transforme en une habitude mécanique inconsciente. Ces habitudes motrices mentales et physiques nous semblent simples et naturelles, se réalisant d'elles-mêmes.