le jazz– un phénomène unique dans la culture musicale mondiale. Cette forme d'art aux multiples facettes est née au tournant du siècle (XIXe et XXe) aux États-Unis. La musique jazz est devenue le fruit des cultures d’Europe et d’Afrique, une fusion unique de tendances et de formes de deux régions du monde. Par la suite, le jazz s’est répandu au-delà des États-Unis et est devenu populaire un peu partout. Cette musique prend ses racines en Afrique chansons folkloriques, rythmes et styles. Dans l'histoire du développement de cette direction du jazz, on connaît de nombreuses formes et types qui sont apparus à mesure que de nouveaux modèles de rythmes et d'harmoniques étaient maîtrisés.
Caractéristiques du jazz
La synthèse de deux cultures musicales a fait du jazz un phénomène radicalement nouveau dans l’art mondial. Les spécificités de cette nouvelle musique étaient :
- Rythmes syncopés donnant lieu à des polyrythmies.
- La pulsation rythmique de la musique est le rythme.
- Déviation complexe du rythme - swing.
- Improvisation constante dans les compositions.
- Une richesse d'harmoniques, de rythmes et de timbres.
La base du jazz, surtout dans les premiers stades de développement, était l'improvisation combinée à une forme réfléchie (alors que la forme de la composition n'était pas nécessairement fixée quelque part). Et de la musique africaine, ce nouveau style a pris les traits caractéristiques suivants :
- Comprendre chaque instrument comme un instrument de percussion.
- Intonations conversationnelles populaires lors de l'exécution de compositions.
- Imitation similaire de conversation en jouant d'un instrument.
En général, toutes les directions du jazz se distinguent par leurs propres caractéristiques locales et il est donc logique de les considérer dans le contexte du développement historique.
L'émergence du jazz, du ragtime (années 1880-1910)
On pense que le jazz est né des esclaves noirs amenés d’Afrique aux États-Unis d’Amérique au XVIIIe siècle. Les Africains captifs n'étant pas représentés par une seule tribu, ils durent chercher langage mutuel avec des proches dans le Nouveau Monde. Une telle consolidation a conduit à l’émergence d’un culture africaine en Amérique, qui incluait la culture musicale. Ce n’est que dans les années 1880 et 1890 que la première musique jazz émerge. Ce style a été motivé par la demande mondiale de musique de danse populaire. Depuis l'Afrique art musical regorgeait de danses rythmiques similaires, et c'est sur cette base qu'une nouvelle direction est née. Des milliers d’Américains de la classe moyenne, incapables d’apprendre les danses classiques aristocratiques, ont commencé à danser sur des pianos ragtime. Ragtime a introduit plusieurs futures bases du jazz dans la musique. Ainsi, le principal représentant de ce style, Scott Joplin, est l'auteur de l'élément « 3 contre 4 » (motifs rythmiques aux sons croisés avec respectivement 3 et 4 unités).
La Nouvelle-Orléans (1910-1920)
Le jazz classique est apparu au début du XXe siècle dans les États du sud de l’Amérique, et plus particulièrement à la Nouvelle-Orléans (ce qui est logique car la traite négrière était très répandue dans le sud).
Des orchestres africains et créoles y jouaient, créant leur musique sous l'influence du ragtime, du blues et des chants des travailleurs noirs. Après l'apparition dans la ville de nombreux instruments de musique provenant de fanfares militaires, des groupes d'amateurs ont commencé à apparaître. Le légendaire musicien de la Nouvelle-Orléans, créateur de son propre orchestre, King Oliver, était également autodidacte. Date importante Dans l’histoire du jazz, c’est le 26 février 1917 que l’Original Dixieland Jazz Band sort son premier disque gramophone. Les principales caractéristiques du style ont été définies à la Nouvelle-Orléans : le rythme des instruments à percussion, les solos magistral, l'improvisation vocale avec des syllabes - scat.
Chicago (1910-1920)
Dans les années 1920, surnommées les « années folles » par les classiques, la musique jazz entre progressivement dans le paysage. la culture populaire, perdant les titres de « honteux » et « indécent ». Les orchestres commencent à se produire dans des restaurants et se déplacent des États du sud vers d'autres régions des États-Unis. Chicago devient le centre du jazz dans le nord du pays, où les spectacles nocturnes gratuits de musiciens deviennent populaires (au cours de ces spectacles, il y avait de fréquentes improvisations et des solistes extérieurs). Des arrangements plus complexes apparaissent dans le style musical. L'icône du jazz de cette époque était Louis Armstrong, qui a quitté la Nouvelle-Orléans pour s'installer à Chicago. Par la suite, les styles des deux villes ont commencé à être combinés en un seul genre de musique jazz : le Dixieland. La principale caractéristique Ce style est devenu une improvisation collective de masse, qui a érigé idée principale du jazz absolument.
Swing et big bands (années 1930-1940)
La popularité croissante du jazz a créé une demande pour que les grands orchestres jouent airs de danse. C'est ainsi qu'est apparu le swing, représentant des écarts caractéristiques dans les deux sens par rapport au rythme. Le swing est devenu la principale direction stylistique de cette époque, se manifestant dans le travail des orchestres. Exécution de mince compositions de danse exigeait un jeu plus coordonné de l’orchestre. Les musiciens de jazz étaient censés participer de manière égale, sans trop d'improvisation (à l'exception du soliste), de sorte que l'improvisation collective du Dixieland est devenue une chose du passé. Dans les années 1930, des groupes similaires ont prospéré, appelés big bands. Un trait caractéristique des orchestres de cette époque était la compétition entre les groupes d'instruments et les sections. Traditionnellement, il y en avait trois : saxophones, trompettes, tambours. Les musiciens de jazz les plus connus et leurs orchestres sont : Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington. Le dernier musicien célèbre pour son engagement en faveur du folklore noir.
Be-bop (années 1940)
L'éloignement du swing des traditions des premiers jazz et, en particulier, des mélodies et styles classiques africains, a provoqué le mécontentement des experts en histoire. Les big bands et les artistes swing, qui travaillaient de plus en plus pour le public, commencèrent à s'opposer à la musique jazz de petits ensembles de musiciens noirs. Les expérimentateurs ont introduit des mélodies ultra-rapides, ramené de longues improvisations, des rythmes complexes et un contrôle virtuose de l'instrument solo. Un nouveau style, se positionnant comme exclusif, a commencé à s'appeler bebop. Les icônes de cette période étaient des musiciens de jazz scandaleux : Charlie Parker et Dizzy Gillespie. La révolte des Noirs américains contre la commercialisation du jazz, le désir de redonner de l'intimité et de l'unicité à cette musique sont devenus un point clé. A partir de ce moment et de ce style, commence l'histoire du jazz moderne. Parallèlement, les chefs de big band viennent également dans les petits orchestres, souhaitant faire une pause dans les grandes salles. Dans des ensembles appelés combos, ces musiciens adhéraient au style swing, mais avaient la liberté d'improviser.
Cool jazz, hard bop, soul jazz et jazz-funk (années 1940-1960)
Dans les années 1950, un genre musical comme le jazz a commencé à se développer dans deux directions opposées. Les partisans de la musique classique ont « refroidi » le bebop, remettant à la mode la musique académique, la polyphonie et les arrangements. Le cool jazz s'est fait connaître pour sa retenue, sa sécheresse et sa mélancolie. Les principaux représentants de cette direction du jazz étaient : Miles Davis, Chet Baker, Dave Brubeck. Mais la deuxième direction, au contraire, a commencé à développer les idées du bebop. Le style hard bop prêchait l'idée d'un retour aux racines de la musique noire. Les mélodies folk traditionnelles, les rythmes vifs et agressifs, les solos explosifs et l'improvisation sont revenus à la mode. Connus dans le style hard bop sont : Art Blakey, Sonny Rollins, John Coltrane. Ce style s'est développé de manière organique avec le soul jazz et le jazz-funk. Ces styles se rapprochent du blues, faisant du rythme un aspect clé de la performance. Le jazz-funk en particulier a été introduit par Richard Holmes et Shirley Scott.
Le jazz est un type de musique particulier qui est devenu particulièrement populaire aux États-Unis. Initialement, le jazz était la musique des citoyens noirs des États-Unis, mais plus tard, cette tendance a été complètement absorbée. styles musicaux, qui s'est développé dans de nombreux pays. Nous parlerons de cette évolution.
La caractéristique la plus importante du jazz, à l’origine comme aujourd’hui, est le rythme. Les mélodies de jazz combinent des éléments de musique africaine et européenne. Mais le jazz a acquis son harmonie grâce à l'influence européenne. Le deuxième élément fondamental du jazz à ce jour est l’improvisation. Le jazz était souvent joué sans mélodie préparée à l'avance : ce n'est que pendant le jeu que le musicien choisissait une direction ou une autre, cédant à son inspiration. Ainsi, sous les yeux des auditeurs, pendant que le musicien jouait, la musique est née.
Au fil des années, le jazz a changé, mais il a néanmoins réussi à conserver ses caractéristiques fondamentales. Une contribution inestimable à cette direction a été apportée par le « blues » bien connu - des mélodies persistantes, également caractéristiques des Noirs. Sur ce moment La plupart des mélodies de blues font partie intégrante du mouvement jazz. En vérité, le blues a eu une influence particulière non seulement sur le jazz : le rock and roll, la country et le western utilisent également des motifs blues.
En parlant de jazz, il faut mentionner la ville américaine La Nouvelle Orléans. Dixieland, comme on appelait le jazz de la Nouvelle-Orléans, fut le premier à combiner des motifs de blues, des chants religieux noirs et des éléments de la musique folk européenne.
Plus tard, le swing est apparu (on l'appelle aussi jazz dans le style « big band »), qui a également connu un large développement. Dans les années 40 et 50, « jazz moderne", qui était une interaction plus complexe de mélodies et d'harmonies que les premiers jazz. Une nouvelle approche du rythme a émergé. Les musiciens ont essayé de créer de nouvelles œuvres en utilisant des rythmes différents, ce qui a rendu la technique du tambour plus compliquée.
La « nouvelle vague » du jazz a déferlé sur le monde dans les années 60 : elle est considérée comme le jazz des improvisations évoquées plus haut. En sortant pour se produire, l'orchestre ne pouvait pas deviner dans quelle direction et quel rythme serait son interprétation ; aucun des musiciens de jazz ne savait à l'avance quand le changement de tempo et de vitesse d'exécution se produirait. Et il faut aussi dire qu'un tel comportement des musiciens ne signifie pas que la musique était insupportable : au contraire, une nouvelle approche de l'interprétation de mélodies déjà existantes a émergé. En retraçant l'évolution du jazz, on peut être convaincu qu'il s'agit d'une musique en constante évolution, mais qui ne perd pas ses fondements au fil des années.
Résumons :
- Au début, le jazz était la musique des noirs ;
- Deux postulats de toutes les mélodies du jazz : le rythme et l'improvisation ;
- Blues - a apporté une énorme contribution au développement du jazz ;
- Le jazz de la Nouvelle-Orléans (Dixieland) combinait blues, chants religieux et musique européenne. musique folklorique;
- Le swing est une direction du jazz ;
- Avec le développement du jazz, les rythmes sont devenus plus complexes et dans les années 60, les orchestres de jazz se sont à nouveau livrés à l'improvisation lors des représentations.
Le jazz est un mouvement musical né à la fin du XIXe et au début du XXe siècle aux États-Unis. Son émergence est le résultat de l’imbrication de deux cultures : africaine et européenne. Ce mouvement combinera des spirituals (chants d'église) Noirs américains, rythmes folkloriques africains et mélodie harmonieuse européenne. Ses traits caractéristiques sont : un rythme flexible, basé sur le principe de syncope, l'utilisation d'instruments à percussion, l'improvisation et un mode d'interprétation expressif, caractérisé par une tension sonore et dynamique, atteignant parfois l'extase. Le jazz était à l’origine une combinaison d’éléments de ragtime et de blues. En fait, il est né de ces deux directions. La particularité du style jazz est avant tout le jeu individuel et unique du virtuose du jazz, et l'improvisation donne à ce mouvement une pertinence constante.
Après la formation du jazz lui-même, un processus continu de développement et de modification a commencé, ce qui a conduit à l'émergence diverses directions. Ils sont actuellement une trentaine.
Jazz (traditionnel) de la Nouvelle-Orléans.
Ce style désigne généralement exactement le jazz joué entre 1900 et 1917. On peut dire que son émergence a coïncidé avec l'ouverture de Storyville (le quartier rouge de la Nouvelle-Orléans), qui a gagné sa popularité grâce aux bars et établissements similaires où les musiciens jouant de la musique syncopée pouvaient toujours trouver du travail. Les orchestres de rue, autrefois répandus, ont commencé à être remplacés par les « ensembles Storyville », dont le jeu acquérait de plus en plus d'individualité par rapport à leurs prédécesseurs. Ces ensembles devinrent plus tard les fondateurs du jazz classique de la Nouvelle-Orléans. Exemples frappants Les interprètes de ce style sont : Jelly Roll Morton (« His Red Hot Peppers »), Buddy Bolden (« Funky Butt »), Kid Ory. Ce sont eux qui ont opéré la transition de la musique folklorique africaine vers les premières formes de jazz.
Le jazz de Chicago.
En 1917, commence la prochaine étape importante dans le développement de la musique jazz, marquée par l'apparition d'immigrants de la Nouvelle-Orléans à Chicago. De nouveaux orchestres de jazz se forment, dont le jeu introduit de nouveaux éléments dans les premiers jazz traditionnels. C'est ainsi qu'apparaît un style indépendant de l'école de performance de Chicago, qui se divise en deux directions : le jazz chaud des musiciens noirs et le Dixieland des blancs. Les principales caractéristiques de ce style : parties solo individuelles, changements d'inspiration chaude (la performance extatique libre originale est devenue plus nerveuse, pleine de tension), synthétiques (la musique comprenait non seulement des éléments traditionnels, mais aussi du ragtime, ainsi que des tubes américains célèbres ) et les changements dans le jeu instrumental (le rôle des instruments et des techniques d'interprétation a changé). Figures fondamentales de ce mouvement (« What Wonderful World », « Moon Rivers ») et (« Someday Sweetheart », « Ded Man Blues »).
Le swing est un style orchestral de jazz des années 1920 et 30, issu directement de l'école de Chicago et interprété par des big bands (The Original Dixieland Jazz Band). Elle se caractérise par la prédominance de la musique occidentale. Des sections distinctes de saxophones, de trompettes et de trombones sont apparues dans les orchestres ; Le banjo est remplacé par une guitare, un tuba et un sazophone - contrebasse. La musique s'éloigne de l'improvisation collective ; les musiciens jouent en respectant strictement des partitions pré-écrites. Une technique caractéristique était l'interaction de la section rythmique avec des instruments mélodiques. Représentants de cette direction : , (« Creole Love Call », « The Mooche »), Fletcher Henderson (« When Buddha Smiles »), Benny Goodman And His Orchestra, .
Le Bebop est un mouvement de jazz moderne né dans les années 40 et était un mouvement expérimental et anti-commercial. Contrairement au swing, il s'agit d'un style plus intellectuel dans lequel grande attention L'accent est mis sur l'improvisation complexe et l'accent est mis sur l'harmonie plutôt que sur la mélodie. La musique de ce style se caractérise également par un tempo très rapide. Les représentants les plus brillants sont : Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Max Roach, Charlie Parker (« Night In Tunisie », « Manteca ») et Bud Powell.
Grand public. Comprend trois mouvements : Stride (jazz du nord-est), style Kansas City et jazz de la côte ouest. La foulée chaude régnait en maître à Chicago, dirigée par des maîtres tels que Louis Armstrong, Andy Condon et Jimmy Mac Partland. Kansas City se caractérise par des pièces lyriques dans le style blues. Le jazz de la côte ouest s'est développé à Los Angeles sous la direction de , et a ensuite donné naissance au cool jazz.
Le cool jazz (cool jazz) est apparu à Los Angeles dans les années 50 comme contrepoint au swing et au bebop dynamiques et impulsifs. Lester Young est considéré comme le fondateur de ce style. C'est lui qui a introduit un style de production sonore inhabituel pour le jazz. Ce style se caractérise par l'utilisation instruments symphoniques et la retenue émotionnelle. Des maîtres tels que Miles Davis (« Blue In Green »), Gerry Mulligan (« Walking Shoes »), Dave Brubeck (« Pick Up Sticks ») et Paul Desmond ont laissé leur marque dans cette veine.
L'Avante-Garde a commencé à se développer dans les années 60. Ce style avant-gardiste est basé sur une rupture avec les éléments traditionnels d'origine et se caractérise par l'utilisation de nouveaux techniques Et moyens expressifs. Pour les musiciens de ce mouvement, l'expression de soi, qu'ils exerçaient à travers la musique, passait avant tout. Les interprètes de ce mouvement incluent : Sun Ra (« Kosmos in Blue », « Moon Dance »), Alice Coltrane (« Ptah The El Daoud »), Archie Shepp.
Le jazz progressif est né parallèlement au bebop dans les années 40, mais il se distinguait par sa technique de saxophone staccato, un entrelacement complexe de polytonalité avec des pulsations rythmiques et des éléments de jazz symphonique. Le fondateur de cette tendance s’appelle Stan Kenton. Représentants éminents : Gil Evans et Boyd Rayburn.
Le hard bop est un type de jazz qui trouve ses racines dans le bebop. Détroit, New York, Philadelphie : ce style est né dans ces villes. Dans son agressivité, il rappelle beaucoup le bebop, mais les éléments blues y prédominent toujours. Les artistes présentés incluent Zachary Breaux (« Uptown Groove »), Art Blakey et The Jass Messengers.
Jazz soul.
Ce terme est couramment utilisé pour décrire toute la musique noire. Il s'inspire du blues traditionnel et du folklore afro-américain. Cette musique se caractérise par des figures de basse ostinato et des échantillons rythmiques répétitifs, grâce auxquels elle a acquis une grande popularité parmi diverses masses de la population. Les succès dans cette direction incluent les compositions de Ramsey Lewis "The In Crowd" et Harris-McCain "Compared To What".
Le groove (alias funk) est une émanation de la soul, mais se distingue par son orientation rythmique. Fondamentalement, la musique de cette direction a une coloration majeure et, dans sa structure, elle se compose de parties clairement définies pour chaque instrument. Les performances en solo s'intègrent harmonieusement dans le son global et ne sont pas trop individualisées. Les interprètes de ce style sont Shirley Scott, Richard "Groove" Holmes, Gene Emmons et Leo Wright. Le free jazz a vu le jour à la fin des années 50 grâce aux efforts de maîtres novateurs comme Ornette Coleman et Cecil Taylor. Son traits caractéristiques
La créativité est apparue en raison de l'avant-garde et de l'expérimentation généralisées des formes de jazz. Une telle musique est difficile à caractériser en certains termes, car elle est trop multiforme et combine de nombreux éléments des mouvements précédents. Les premiers adeptes de ce style sont Lenny Tristano (« Line Up »), Gunter Schuller, Anthony Braxton, Andrew Cirilla (« The Big Time Stuff »).
La fusion combinait des éléments de presque tous les mouvements musicaux existant à cette époque. Son développement le plus actif a commencé dans les années 70. La fusion est un style instrumental systématique caractérisé par des signatures rythmiques complexes, un rythme, des compositions allongées et l'absence de voix. Ce style est conçu pour un public moins large que l’âme et en est tout le contraire. A la tête de cette tendance se trouvent Larry Corall et le groupe Eleventh, Tony Williams et Lifetime (« Bobby Truck Tricks »).
L'acid jazz (groove jazz" ou "club jazz") est né en Grande-Bretagne à la fin des années 80 (apogée 1990 - 1995) et combine le funk des années 70, le hip-hop et la dance music des années 90. L'émergence de ce style a été dictée par l'utilisation généralisée d'échantillons jazz-funk. Le fondateur est considéré comme DJ Giles Peterson. Les interprètes dans cette direction incluent Melvin Sparks (« Dig Dis »), RAD, Smoke City (« Flying Away »), Incognito et Brand New Heavies.
Le post-bop a commencé à se développer dans les années 50 et 60 et sa structure est similaire au hard bop. Il se distingue par la présence d'éléments de soul, de funk et de groove. Souvent, en caractérisant cette direction, ils font un parallèle avec le blues rock. Hank Moblin, Horace Silver, Art Blakey (« Like Someone In Love ») et Lee Morgan (« Yesterday »), Wayne Shorter ont travaillé dans ce style.
Le smooth jazz est un style de jazz moderne issu du mouvement fusion, mais qui s'en distingue par son son délibérément raffiné. Une particularité de ce domaine est l’utilisation généralisée d’outils électriques. Interprètes célèbres : Michael Franks, Chris Botti, Dee Dee Bridgewater (« All Of Me », « God Bless The Child »), Larry Carlton (« Don't Give It Up »).
Le jazz-manush (jazz manouche) est un mouvement de jazz spécialisé dans l'interprétation de la guitare. Combine la technique de la guitare des tribus gitanes du groupe Manush et le swing. Les fondateurs de cette direction sont les frères Ferré et. La plupart artistes célèbres: Andreas Oberg, Barthalo, Angelo Debarre, Bireli Largen (« Stella By Starlight », « Fiso Place », « Feuilles d'automne »).
LE JAZZ. Le mot jazz, apparu au début du XXe siècle, commence à signifier tapez nouveau,
la musique qui sonnait alors pour la première fois, ainsi que l'orchestre qui jouait cette musique
effectué. De quel genre de musique s’agit-il et comment est-elle apparue ?
Le jazz est né aux États-Unis parmi la population noire opprimée et privée de ses droits,
parmi les descendants d'esclaves noirs qui furent autrefois emmenés de force de leur pays d'origine.
Au début du XVIIe siècle, les premiers navires négriers transportant des animaux vivants arrivèrent en Amérique.
cargaison. Elle fut rapidement récupérée par les riches du sud des États-Unis, qui devinrent
utilisent le travail des esclaves pour les travaux pénibles dans leurs plantations. Déchiré
de leur patrie, séparés de leurs proches, épuisés par le surmenage,
les esclaves noirs trouvaient du réconfort dans la musique.
Les Noirs sont incroyablement musicaux.
Leur sens du rythme est particulièrement subtil et sophistiqué.
Aux rares heures de repos, les noirs chantaient en s'accompagnant en frappant dans leurs mains,
frapper des boîtes vides, des canettes - tout ce qui était à portée de main. Au début c'était réel musique africaine
. Celui que les esclaves
ramenés de leur pays natal. Mais des années et des décennies ont passé. Dans la mémoire des générations
Les souvenirs de la musique du pays de nos ancêtres ont été effacés. Tout ce qui restait était spontané
soif de musique, soif de mouvement sur musique, sens du rythme, tempérament. Sur
l'oreille percevait ce qui résonnait autour : la musique des blancs. Et ils ont chanté
des hymnes religieux principalement chrétiens. Et les noirs aussi se mirent à les chanter. Mais
chante à ta manière, en investissant en eux toute ta douleur, tout ton espoir passionné de meilleure vie
du moins au-delà de la tombe.
C'est ainsi que sont nés les chants spirituels nègres
spirituels.
Et à la fin du XIXe siècle d'autres chants apparaissent - chants de plainte, chants
manifestation. On a commencé à les appeler les blues. Les blues parlent de besoin, de difficultés
travail, sur des espoirs déçus.
Les chanteurs de blues sont généralement accompagnés
vous-même sur un instrument fait maison. Par exemple, ils ont adapté
manche et cordes pour une vieille boite.
Ce n'est que plus tard qu'ils ont pu acheter pour eux-mêmes
de vraies guitares.
Les Noirs aimaient jouer dans des orchestres, mais même ici, les instruments devaient être
inventez-vous. Le travail impliquait des peignes enveloppés dans du papier de soie, des veines, tendu sur un bâton avec une citrouille séchée attachée à la place d'un corps,
planches à laver.
Après la fin de la guerre civile de 1861-1865, les États-Unis sont dissous.
fanfares
pendant leur temps libre, ils se réunissaient et jouaient pour leur propre plaisir. Jouaient
pour toute occasion : vacances, mariages, pique-niques, funérailles.
Des musiciens noirs jouaient des marches et des danses. Ils jouaient en imitant la manière
performance de spirituals et de blues - leur national musique vocale. Sur
avec leurs trompettes, clarinettes et trombones, ils reproduisaient les traits
Le chant nègre, sa liberté rythmique. Ils ne connaissaient pas les notes ; musical
les écoles blanches leur étaient fermées. Joué à l'oreille, apprenant auprès d'expérimentés
musiciens, écoutant leurs conseils, adoptant leurs techniques. Pareil pour
composé par la rumeur.
À la suite du transfert de la musique vocale et du rythme nègre vers
une nouvelle sphère instrumentale est née musique orchestrale- le jazz.
Les principales caractéristiques du jazz sont l'improvisation et la liberté du rythme,
mélodie de respiration libre.
Les musiciens de jazz doivent savoir improviser
soit collectivement, soit en solo sur fond d'accompagnement répété. Quoi
concerne le rythme du jazz (il est désigné par le mot swing de l'anglais swing
Swinging), puis l'un des musiciens de jazz américains a écrit à ce sujet ainsi :
"C'est la sensation d'un rythme inspiré qui fait que les musiciens se sentent
facilité et liberté d'improvisation et donne l'impression d'un mouvement imparable
l'ensemble de l'orchestre avance à une vitesse toujours croissante, même si
en fait, le tempo reste le même.
Depuis ses origines dans la ville sud-américaine de la Nouvelle-Orléans, le jazz
J'ai parcouru un long chemin. Il s'est propagé d'abord en Amérique, puis
mondial. Ce n'est plus l'art des noirs : très vite ils viennent au jazz musiciens blancs. Des noms maîtres exceptionnels
le jazz est connu de tous. C'est Louis
Armstrong, Duke Ellington, Benny Goodman, Glen Miller. C'est la chanteuse Ella
Fitzgerald et Bessie Smith.
La musique jazz a influencé la musique symphonique et lyrique. compositeur américain
George Gershwin a écrit « Rhapsody in Blue » pour piano avec
orchestre, a utilisé des éléments de jazz dans son opéra Porgy and Bess.
Il y a aussi du jazz dans notre pays.
Le premier d’entre eux est apparu dans les années vingt. Ce
il y avait un orchestre de jazz théâtral dirigé par Leonid Utesov. Sur
Pendant de nombreuses années, le compositeur Dunaevsky a lié son destin créatif à lui.
Vous avez probablement aussi entendu cet orchestre : il semble joyeux, jusqu'à présent
depuis le film à succès "Jolly Fellows".
les collectifs coïncideront, après tout, ils ne peuvent pas être complètement identiques : après tout, dans
Dans un cas, le meilleur soliste sera par exemple un trompettiste, dans un autre ce sera
un autre musicien.
Une nouvelle direction musicale appelée jazz est née en tournant du 19ème siècle et XXe siècles à la suite de la fusion des culture musicale d'Africain. Il se caractérise par l'improvisation, l'expressivité et un type particulier de rythme.
Au tout début du XXe siècle, de nouveaux ensembles musicaux commencent à être créés, appelés. Ils comprenaient des instruments à vent (trompette, trombone, clarinette), contrebasse, piano et instruments à percussion.
Des musiciens de jazz célèbres, grâce à leur talent d'improvisation et leur capacité à ressentir subtilement la musique, ont donné une impulsion à la formation de nombreuses directions musicales. Le jazz est devenu la principale source de nombreux genres modernes.
Alors, quelle interprétation de compositions de jazz a fait battre le cœur de l'auditeur en extase ?
Louis Armstrong
Pour de nombreux connaisseurs de musique, son nom est associé au jazz. Le talent éblouissant du musicien l'a captivé dès les premières minutes de sa prestation. Fusionner en un seul avec instrument de musique– avec une trompette – il plongeait ses auditeurs dans l’euphorie. Louis Armstrong a traversé un parcours difficile, passant d'un garçon agile issu d'une famille pauvre au célèbre roi du jazz.
Duc Ellington
Personnalité créative imparable. Un compositeur dont la musique jouait avec les modulations de nombreux styles et expériences. Le talentueux pianiste, arrangeur, compositeur et chef d'orchestre ne se lasse pas de surprendre par son innovation et son originalité.
Ses œuvres uniques furent testées avec beaucoup d'enthousiasme par les orchestres les plus célèbres de l'époque. C'est Duke qui a eu l'idée d'utiliser la voix humaine comme instrument. Plus d'un millier de ses œuvres, surnommées par les connaisseurs le « fonds d'or du jazz », ont été enregistrées sur 620 disques !
Ella Fitzgerald
La « Première Dame du Jazz » possédait une voix unique avec une large tessiture de trois octaves. Il est difficile de compter les récompenses honorifiques du talentueux américain. Les 90 albums d'Ella ont été distribués dans le monde entier en nombre incroyable. C'est difficile à imaginer ! En 50 ans de créativité, environ 40 millions d'albums interprétés par elle ont été vendus. Maîtrisant magistralement le talent de l'improvisation, elle a facilement travaillé en duo avec d'autres interprètes de jazz célèbres.
Ray Charles
Un des plus musiciens célèbres, qualifié de « véritable génie du jazz ». 70 albums de musique vendu dans le monde entier dans de nombreuses éditions. Il a 13 Grammy Awards à son actif. Ses compositions ont été enregistrées par la Bibliothèque du Congrès. Le magazine populaire Rolling Stone a classé Ray Charles au 10e rang sur sa « liste immortelle » des 100 grands artistes de tous les temps.
Miles Davis
Trompettiste américain qui a été comparé à l'artiste Picasso. Sa musique a eu une grande influence sur la musique du XXe siècle. Davis représente la polyvalence des styles du jazz, l'étendue des intérêts et l'accessibilité pour un public de tous âges.
Frank Sinatra
Le célèbre joueur de jazz venait d'une famille pauvre, était de petite taille et ne différait en rien par son apparence. Mais il a captivé le public avec son baryton velouté. Le talentueux chanteur a joué dans des comédies musicales et des films dramatiques. Récipiendaire de nombreux prix et récompenses spéciales. A remporté un Oscar pour La maison dans laquelle je vis
Billie Vacances
Toute une époque dans le développement du jazz. Les chansons interprétées par le chanteur américain acquièrent individualité et éclat, jouant avec des teintes de fraîcheur et de nouveauté. La vie et l'œuvre de « Lady Day » ont été courtes, mais brillantes et uniques.
Des musiciens de jazz célèbres ont enrichi l'art de la musique avec des rythmes sensuels et émouvants, de l'expressivité et de la liberté d'improvisation.