Tchernychev A.F. Joueur d'orgue.

Aujourd’hui, presque personne ne se souvient de l’orgue de Barbarie, mais il était autrefois très courant. Un vieil homme entrait dans la cour avec une boîte peinte de couleurs vives sur l'épaule, souvent avec un singe assis dessus. C'était un joueur d'orgue. Il enleva son fardeau de son épaule, commença à faire tourner régulièrement le manche de l'orgue de Barbarie, et avec des sifflements et des sanglots, des sons de valses et de polkas, souvent discordants et désaccordés, se firent entendre.

Il existe une légende qui date déjà du 6ème siècle avant JC. Confucius a passé sept jours à profiter continuellement du son des mélodies sur les « côtes du tigre » (des plaques métalliques qui produisent des sons de différentes hauteurs). On pense que ce mécanisme a été inventé en 1769 par le mécanicien suisse Antoine Favre.

Henri William Bunbury. 1785

DANS Europe de l'Ouest cet instrument de musique mécanique est apparu à la fin du XVIIe siècle. Au début, c'était un « orgue à oiseaux » pour dresser les oiseaux chanteurs, puis il a été adopté par les musiciens errants.

Émile Orlik. 1901

C'est ainsi qu'est apparu un instrument de musique pour ceux qui ne savent pas jouer. Vous tournez le bouton et la musique joue. La chanson à succès de l'époque « Lovely Katarina » (en français « Charmant Katarina » en français) était la plus souvent entendue. Le nom de l'instrument vient du nom de la chanson - l'orgue de Barbarie.

L'un des premiers maîtres impliqués dans la fabrication d'orgues de Barbarie fut l'Italien Giovanni Barberi (d'où le nom français de cet instrument - orgue do Barbarie, littéralement « orgue du pays des barbares », orgue déformé do Barbcri). Les noms allemand et anglais de cet instrument incluent également le morphème racine « orgue ». Et en russe, « orgue » est souvent synonyme de « joueur d'orgue » : « Dans la pièce, il y avait aussi un garçon joueur d'orgue avec un petit orgue à main... » (Dostoïevski. Crime et Châtiment).

L'orgue de Barbarie est arrivé en Russie au début du XIXe siècle et la connaissance des Russes avec le nouvel instrument a commencé avec la chanson française « Charman Catherine ». Tout le monde a immédiatement aimé la chanson, et les noms « Katerinka », « katernika » ukrainienne, « katzerynka » biélorusse, « katarynka » polonaise ou « orgue Lee » sont fermement collés à l'instrument.

On suppose également que le nom principal n'était pas vielle, mais shirmanka.

« … Et cela venait des écrans, derrière lesquels Pulcinella, le compagnon presque toujours du joueur d'orgue, interpelle les spectateurs et les curieux de sa voix retentissante. Les orgues qui apparaissaient parmi nous étaient indissociables de la comédie de marionnettes » (essai « ). Joueurs d'orgue de Saint-Pétersbourg » de « Physiologie de Saint-Pétersbourg » de D.V. Grigorovitch).

V.G. Perov. Joueur d'orgue.

Les Néerlandais affirment que le premier orgue de Barbarie est apparu dans leur pays. Et c'était il y a 500 ans. Cependant, la seule preuve matérielle dont ils disposent est un dessin de la fin du XVe siècle, si délabré qu'il est difficile d'y distinguer quoi que ce soit. Parmi les échantillons qui nous sont parvenus, le plus ancien a été réalisé en France au début du XVIIe siècle.

R. Zink.La Farandole. 1850

Il nous semble souvent qu'un orgue de Barbarie n'est qu'une grosse boîte à musique et que la mélodie y naît à l'aide d'un rouleau à épingles et d'une plaque de fer à « queues ». Le rouleau tourne, les épingles disposées dans le bon ordre touchent les « queues » - vous avez ici « Sur les collines de Mandchourie ». Cependant, tout n’est pas si simple. Oui, il existe des orgues de Barbarie avec un tel mécanisme et même avec un mécanisme de xylophone, lorsque les broches du rouleau touchent des marteaux musicaux qui frappent des touches métalliques, mais ce sont déjà des dérivés.

Un véritable orgue de Barbarie est presque un orgue, et sa structure est bien plus complexe qu’on ne le pense. Pour que l'orgue commence à jouer, vous devez d'abord tourner sa poignée - le portail. Cette poignée met en mouvement deux mécanismes à la fois : une goupille qui pompe de l'air dans le soufflet au bas de l'instrument et un rouleau musical avec des empreintes appelées goupilles. Le rouleau, en tournant, met en mouvement les leviers qui, accrochés aux axes, montent et descendent dans un ordre donné. À leur tour, les leviers déplacent les roseaux qui ouvrent et ferment les vannes d'air. Et les valves contrôlent le flux d'air dans les tuyaux, semblables aux tuyaux d'orgue, grâce auxquels la mélodie retentit.

En tournant la poignée, le joueur d'orgue pouvait jouer 6 à 8 mélodies enregistrées sur le rouleau. De tels « dispositifs à came » sont connus depuis l'Antiquité : de petites saillies appelées « cames » sont fixées à des cylindres ou des disques en rotation, alternant le son d'une note ou d'une autre. Une seule mélodie était enregistrée sur un seul rouleau, mais le rouleau était facile à remplacer.

Au XXe siècle, à la place des rouleaux, on commence à utiliser des rubans de papier perforés, sur lesquels chaque son correspond à un trou spécifique. Souvent, un orgue de Barbarie est équipé d'un dispositif qui rend le son intermittent et tremblant, afin qu'il soit préférable de « faire sortir une larme » des auditeurs. Mais il y avait aussi des orgues à anches - on les trouve désormais comme jouets pour enfants. Au fil du temps, les chevilles de l'orgue de Barbarie se sont usées, le son est devenu indistinct et intrusif - d'où "Eh bien, j'ai recommencé mon orgue de Barbarie !.."

Le répertoire des orgues de Barbarie comprenait les chansons les plus populaires de l'époque ancienne, par exemple : « Mère Colombe », « Le long de la rue Piterskaya ». Mais la chanson à succès du début du siècle dernier était la chanson «Marusya a été empoisonnée». La chanson est sortie en 1911 sur un disque de Nina Dulkevich, avec la paternité de Yakov Prigozhey, pianiste et arrangeur du restaurant moscovite "Yar".

La chanson est restée populaire pendant des décennies. Il existe un enregistrement du clown de cirque "Hurdy Organ" de 1919, où la chanson "Marusya Poisoned" est interprétée par le célèbre clown-acrobate Vitaly Lazarenko.

j'en ai marre de sauter

Et, citoyens, je vous l'avoue,

J'ai pris autre chose :

Je me promène dans les cours avec un orgue de Barbarie.

Les sons des orgues de Barbarie sont tristes,

Et parfois, ils font preuve de bravoure.

Les motifs vous sont tous familiers

Elle joue partout !

Pour leurs représentations, les marionnettistes se sont associés aux joueurs d'orgue et, du matin au soir, ils se sont promenés d'un endroit à l'autre, répétant plusieurs fois les aventures de Petrouchka. Le joueur d'orgue a également agi comme un « prompteur » - il a présenté Petrouchka au public, s'est disputé avec lui, l'a suggéré, l'a averti ou a essayé de le dissuader de faire de mauvaises choses, a joué du joueur d'orgue ou d'autres instruments de musique.

Il y a 100 à 200 ans, les joueurs d'orgue se promenaient dans les cours et jouaient des romances populaires, des valses ou des chansons appréciées des masses comme « Séparation ». Les habitants des maisons environnantes écoutaient de la musique de rue et jetaient de petites pièces de monnaie par les fenêtres sur le joueur d'orgue. . Parfois, le joueur d'orgue avait un singe assis sur son épaule et participant au spectacle - elle faisait des grimaces, tombait par terre et dansait même sur la musique.

Ou le compagnon était un grand perroquet ou une souris blanche dressée qui, pour un sou, sortait de la boîte des billets enroulés « avec bonheur » - sur le morceau de papier, il était écrit ce qui attend la personne dans le futur. Souvent, un tout petit garçon marchait avec le joueur d'orgue et chantait des chansons plaintives d'une voix fine (sur le sort des musiciens de rue, il est préférable de lire le roman d'Hector Malo « Sans famille »).

De l'histoire « Savvushka » d'I. T. Kokorev, nous découvrons les pièces musicales qui faisaient partie du répertoire des joueurs d'orgue : « La Troïka audacieuse », « Vous ne le croirez pas », (Nightingale), « La Dame », « Polka » , "Valets". Une autre mélodie extrêmement populaire est mentionnée ici - elle a été interprétée par le célèbre orgue Nozdryov dans "Dead Souls". Comme l'a dit Gogol, "L'orgue-orgue a joué non sans plaisir, mais au milieu, il semble que quelque chose se soit produit, car la mazurka se terminait par la chanson : « « Malbruk est parti en randonnée », et « Malbruk est parti en randonnée » s'est terminé de manière inattendue par une valse bien connue de Nozdryov qui tente de vendre l'orgue à Chichikov. avec les âmes mortes, tout en prétendant qu’il est fait « d’acajou ».

Plus tard, d'autres mélodies sont entrées dans le répertoire du joueur d'orgue : les romances sensibles « Le soir d'un automne orageux » et « Ouvrez la fenêtre, ouvrez » [mémoires de I. A. Belousov « Gone Moscou »]. Et l'orgue de Barbarie avec lequel les héros de Kuprin " Caniche blanc», a joué la « valse allemande sourde » du compositeur I. F. Lanner et un galop de l'opéra « Voyage en Chine ».

"Hurdy organ" est mentionné plus d'une fois dans les œuvres de F. M. Dostoïevski. Le héros de l'histoire « Pauvres gens », Makar Devushkin, rencontre un joueur d'orgue dans la rue Gorokhovaya à Saint-Pétersbourg, et l'artiste joue non seulement du joueur d'orgue, mais montre également au public des poupées dansantes : « Un monsieur est passé par là et a jeté une petite pièce de monnaie au joueur d'orgue ; la pièce est tombée directement dans cette boîte avec le petit jardin dans lequel le Français est représenté dansant avec les dames.

Les joueurs d'orgue étaient très populaires en France, en Allemagne, en Russie et en Italie. Une description détaillée du joueur d'orgue de Saint-Pétersbourg peut être lue dans Dmitri Grigorovitch : « Une casquette déchirée, sous laquelle jaillissent en désordre de longs cheveux d'un noir de jais, éclipsant un visage mince et bronzé, une veste sans couleur ni boutons, un un foulard de garus négligemment enroulé autour d'un cou sombre, un pantalon de toile, des bottes mutilées et, enfin, un énorme orgue qui a plié cette figure en trois morts, tout cela appartient au plus malheureux des artisans de Saint-Pétersbourg - le joueur d'orgue."

Korzukhin Alexeï Ivanovitch. Persil.

- "Herr Volodia, regardez le cahier!"

- « Tu ne lis pas encore, trompeur ?

Attends, il n'osera pas jouer

Nimmer more ce méchant joueur d’orgue !

Rayons du jour dorés

L'herbe était réchauffée par une caresse chaleureuse.

- "Garçon laid, apprends les verbes!"

Oh, comme c'est difficile d'étudier en avril !..

Penché, regardant par la fenêtre

Gouvernante en cape violette.

Fräulein Else est triste aujourd'hui,

Même si elle veut paraître dure.

Dans ses rêves passés sont frais

Ces réponses d'anciennes mélodies,

Et les larmes tremblent depuis longtemps

Sur les cils du malade Volodia.

Jan Michael Ruyten

L'instrument est maladroit, inesthétique :

Après tout, cela a été payé avec une petite somme !

Tout le monde est libre : un lycéen locataire,

Et Natasha et Doric avec une pelle,

Et un colporteur avec un lourd plateau,

Qui vend des tartes en bas...

Fräulein Else recouverte d'un foulard

Et des lunettes, et des yeux sous des lunettes.

Le joueur d'orgue aveugle ne part pas,

Un vent léger souffle sur le rideau,

Et ça se transforme en : « Chante, birdie, chante »

Le défi audacieux du Toréador.

Fräulein pleure : le jeu est passionnant !

Le garçon déplace son stylo sur le buvard.

- "Ne sois pas triste, Lieber Junge, il est temps

Nous devrions faire une promenade le long du boulevard Tverskoy.

Cachez vos cahiers et vos livres !

- "Je vais demander des bonbons à Aliocha !"

Fräulein Ailleurs, où est la petite boule noire ?

Où sont mes galoches, Fräulein Else ?

Impossible de résister à la mélancolie des bonbons !

À PROPOS belle vie appât!

Dehors, il n'y a ni espoir, ni fin

L'orgue-orgue joue tristement.

Marina Tsvetaeva. Album du soir.

Makovsky Vladimir Egorovitch. Joueur d'orgue. 1879

Rupert Lapin. Artiste à Paris.

Valéry Krylatov. Joueur d'orgue parisien. 1995

Nikolaï Blokhin. Vendeur de bonheur.

Carl Henry d'Unker.

Fritz von Uhde.

Makovsky Vladimir Egorovitch.

François-Hubert Drouais.

Envoyer votre bon travail dans la base de connaissances est simple. Utilisez le formulaire ci-dessous

Les étudiants, étudiants diplômés, jeunes scientifiques qui utilisent la base de connaissances dans leurs études et leur travail vous seront très reconnaissants.

Posté sur http:// www. tout va bien. ru/

La musique française est l'une des cultures musicales européennes les plus intéressantes et les plus influentes, qui tire ses origines du folklore des tribus celtiques et germaniques qui vivaient dans l'Antiquité dans ce qui est aujourd'hui la France. Avec l'émergence de la France au Moyen Âge, la musique française a fusionné les traditions musicales folkloriques de nombreuses régions du pays. La culture musicale française s'est développée, en interaction également avec les cultures musicales d'autres nations européennes, notamment italienne et allemande. Depuis la seconde moitié du XXe siècle, la scène musicale française s'est enrichie des traditions musicales des peuples d'Afrique. Elle ne reste pas à l'écart de la culture musicale mondiale, intégrant les nouvelles tendances musicales et donnant une saveur si française au jazz, au rock, au hip-hop et à la musique électronique.

La culture musicale française a commencé à prendre forme sur une riche couche de chansons folkloriques. Bien que les enregistrements fiables de chansons les plus anciens qui aient survécu jusqu'à nos jours remontent au XVe siècle, les œuvres littéraires et matériel d'art indiquent que depuis l'époque de l'Empire romain, la musique et le chant occupent une place importante dans la vie quotidienne des gens. Avec le christianisme, la musique religieuse est arrivée sur les terres françaises. Latin à l'origine, il a progressivement évolué sous l'influence musique folklorique. L'église a utilisé dans ses services du matériel compréhensible pour les résidents locaux. L'une des couches importantes de la culture musicale française était la musique d'église, qui s'est répandue avec le christianisme. Les hymnes ont pénétré la musique d'église, leurs propres coutumes de chant se sont développées et des formes locales de liturgie sont apparues. Compositeur de tradition musicale française

musique folklorique

Les œuvres des folkloristes français examinent de nombreux genres de chansons folkloriques : lyriques, d'amour, de plainte (complaintes), de danse (rondes), satiriques, artisanales (chansons de métiers), de calendrier, par exemple les chants de Noël (Noel) ; ouvriers, historiques, militaires, etc. Les chants associés aux croyances gauloises et celtiques appartiennent également au folklore. Parmi les genres lyriques, les pastorales (idéalisation de la vie rurale) occupent une place particulière. Les thèmes de l'amour non partagé et de la séparation prédominent dans les œuvres à contenu amoureux. De nombreuses chansons sont dédiées aux enfants - berceuses, jeux, comptines (fr. comptines). On y retrouve des chants variés de travailleurs (chants de faucheurs, de laboureurs, de vignerons...), de soldats et de recrues. Un groupe spécial se compose de ballades sur les croisades, de chansons exposant la cruauté des seigneurs féodaux, des rois et des courtisans, de chansons sur les soulèvements paysans (les chercheurs appellent ce groupe de chansons « l'épopée poétique de l'histoire de France »).

Et bien que la musique française soit largement connue depuis l'époque de Charlemagne, ce n'est qu'à l'époque baroque qu'apparaissent des compositeurs d'importance mondiale : Jean-Philippe Rameau, Louis Couperin, Jean-Baptiste Lully.

Jean-Philippe Rameau. Devenu célèbre seulement dans sa maturité, J. F. Rameau se souvient si rarement et avec parcimonie de son enfance et de sa jeunesse que même sa femme n'en savait presque rien. Ce n'est qu'à travers des documents et des mémoires fragmentaires de ses contemporains que l'on pourra reconstituer le chemin qui l'a conduit à l'Olympe parisien. Sa date de naissance est inconnue, mais il fut baptisé le 25 septembre 1683 à Dijon. Le père de Ramo travaillait comme organiste d'église et le garçon reçut de lui ses premières leçons. La musique devient immédiatement sa seule passion.

Jean-Baptis Lully. Ce musicien-compositeur, chef d'orchestre, violoniste et claveciniste exceptionnel a vécu une vie et un parcours créatif extrêmement uniques et, à bien des égards, caractéristiques de son époque. À cette époque, le pouvoir royal illimité était encore fort, mais l'ascension économique et culturelle de la bourgeoisie, qui avait déjà commencé, a conduit à l'émergence de personnes du tiers état non seulement comme « maîtres de la pensée » en littérature et en art, mais aussi également des personnalités influentes dans les cercles bureaucratiques et même judiciaires.

Kupren. François Couperin est un compositeur et claveciniste français ; en tant que maître inégalé du clavecin, il a reçu le titre « Le Grand » - « Le Grand » par ses contemporains. Né le 10 novembre 1668 à Paris, en héritage famille musicale. Son père était Charles Couperin, organiste d'église.

La musique classique française connaît son apogée au XIXe siècle. L'ère du romantisme en France est représentée par les œuvres d'Hector Berlioz, principalement sa musique symphonique. Au milieu du XIXe siècle, les œuvres de compositeurs tels que Gabriel Fauré, Camille Saint-Saëns et César Franck deviennent célèbres. Et à la fin de ce siècle, une nouvelle direction de la musique classique apparaît en France : l'impressionnisme, associé aux noms de Claude Debussy, Eric Satia Maurice, Ravel.

Dans les années 20 du 20ème siècle, il s'est répandu en France le jazz, dont Stéphane Grappelli était un éminent représentant.

Dans la musique pop française, le genre de la chanson s'est développé, où le rythme de la chanson suit le rythme Français, l'accent est mis à la fois sur les paroles et sur la mélodie. Grâce à Mireille Mathieu, Edith Piaf et Charles Aznavour, la chanson française est devenue extrêmement populaire et appréciée dans le monde entier. J'ai envie de vous parler d'Edith Piaf Le 19 décembre 2014 marque exactement les 99 ans de la naissance de la chanteuse Edith Piaf à Paris. Elle est née dans les moments les plus difficiles, a vécu plusieurs années aveugle et a commencé à chanter dans les pires tavernes. Petit à petit, grâce à son talent, Piaf conquiert la France, l'Amérique, puis le monde entier...

Début des années 30. Paris. Une étrange créature vêtue d'un pull sale et d'une jupe miteuse surgit d'un petit cinéma à la périphérie de la ville après une séance en soirée. Les lèvres sont inégalement enduites de rouge à lèvres rouge vif, les yeux ronds regardent les hommes avec défi. Elle a regardé un film avec Marlene Dietrich. Et elle a des cheveux exactement comme une star de cinéma ! Remuant ses hanches maigres, une petite fille sûre d'elle entre dans un bar enfumé et commande deux verres de vin bon marché - pour elle et le jeune marin avec qui elle s'est assise à table... Cette vulgaire fille des rues deviendra bientôt Edith Piaf. .

Dans la seconde moitié du XXe siècle, la musique pop est devenue populaire en France. artistes célèbres qui comprend Patricia Kaas, Joe Dassin, Dalida, Mylène Farmer. Patricia Kaas (Française Patricia Kaas ; née le 5 décembre 1966, Forbak, département de la Moselle, France) - française chanteuse pop et actrice. Stylistiquement, la musique du chanteur est un mélange de musique pop et de jazz. Depuis la sortie du premier album de Kaas, Mademoiselle chante le blues en 1988, plus de 17 millions d'enregistrements de ses performances ont été vendus dans le monde. Particulièrement populaire dans les pays francophones et germanophones, ainsi qu'en Russie. Une partie essentielle de sa formule de succès réside dans les tournées constantes : Kaas est presque tout le temps en tournée à l'étranger. Elle a représenté la France au Concours Eurovision de la Chanson 2009 et a terminé à la 8ème place.

L'un des pionniers de la musique électronique fut le compositeur français Jean-Michel Jarre ; son album Oxygène est devenu un classique de la musique électronique. Dans les années 90 du 20e siècle, d'autres genres de musique électronique se sont développés en France, comme la house, le trip-hop, le new age, etc.

Publié sur Allbest.ru

Documents similaires

L'époque de Jean Philippe Rameau - l'une des plus compositeurs exceptionnels de sa patrie. Rameau et le « grand » opéra français. "Guerre des bouffons". La tragédie lyrique française comme genre. Tragédies lyriques de Rameau. Rameau et De La Bruère. Rameau, c'est le Versailles qui sonne.

travail de cours, ajouté le 12/02/2008


Conditions préalables à l’épanouissement de la musique des clavecinistes français. Instruments de musique à clavier du XVIIIe siècle. Caractéristiques du style rococo dans la musique et d'autres formes de créativité. Images musicales de clavecinistes français, musique de clavecin de J.F. Rameau et F. Couperin.

travail de cours, ajouté le 12/06/2012


Sont communs caractéristiques performance, définition de la musique française pour clavier. Métrorythme, mélismatique, dynamique. Spécificités de l'interprétation de la musique française pour clavier à l'accordéon. Articulation, mécanique et intonation, technique du mélisme.

résumé, ajouté le 08/02/2011


Le concept de « terme musical » et ses caractéristiques. Schéma logico-conceptuel de la terminologie musicale française : origines et principes de formation. L'évolution de la terminologie musicale française des arts du spectacle, l'influence des langues étrangères sur ce domaine.

thèse, ajoutée le 12/01/2017


Classification des formes musicales selon les compositions d'interprétation, le but de la musique et d'autres principes. Spécificités du style différentes époques. Technique dodécaphonique de composition musicale. Majeur et mineur naturels, caractéristiques de la gamme pentatonique, utilisation de modes folkloriques.

résumé, ajouté le 14/01/2010


La formation de traditions musicales au sein de l'Église chrétienne, un système unifié de modes et de rythmes d'église dans la culture médiévale d'Europe occidentale. Caractéristiques artistiques et stylistiques de la musique sacrée dans la créativité compositeurs célèbres XVIII-XX siècles.

travail de cours, ajouté le 17/06/2014


Vie et œuvre de V.F. Odoevski. Le rôle de V.F. Odoevsky dans la culture musicale russe. Analyse de la musique d'église. Analyse professionnelle des spécificités des moyens expressifs de la musique, des caractéristiques de la polyphonie de Bach. Signes de psychologisme dans la musique.

résumé, ajouté le 12/02/2013


Caractéristiques de la situation socioculturelle moderne influençant le processus de formation de la culture musicale et esthétique d'un écolier, la technologie de son développement dans les cours de musique. Méthodes efficaces, favorisant l'éducation à la culture musicale chez les adolescents.

thèse, ajoutée le 12/07/2009


Caractéristiques de l'éducation à la culture musicale des étudiants. Travail vocal et choral. Répertoire d'interprétation des étudiants. Écouter de la musique. Métrorythmes et moments de jeu. Connexions interdisciplinaires. Formes de contrôle. "Chansons du travail". Fragment d'un cours de musique pour la 3e année.

test, ajouté le 13/04/2015


Variétés de musique folk nord-américaine. Histoire des tendances musicales américaines. Histoire du jazz aux USA dans le premier quart du XXe siècle. Principaux courants du jazz et de la country. Traits de caractère langage musical le jazz Ballades cowboy du Far West.

Les instruments à vent sont le type le plus ancien instruments de musique, venu de l'Antiquité au Moyen Âge. Cependant, au cours du processus de développement et de formation de la civilisation occidentale médiévale, le champ d'utilisation des instruments à vent s'est considérablement élargi : certains, comme l'oliphant, appartiennent aux cours des nobles seigneurs, d'autres - les flûtes - sont utilisés à la fois parmi le peuple et parmi les musiciens professionnels, d'autres, comme la trompette, deviennent des instruments de musique exclusivement militaires.

Le plus ancien représentant des instruments à vent en France doit probablement être considéré comme le fretel, ou « Flûte de Pan ». Un instrument similaire peut être vu dans une miniature d'un manuscrit du XIe siècle. à la Bibliothèque nationale de Paris (Fig. I). Il s'agit d'une flûte à plusieurs canons constituée d'un ensemble de tuyaux (anche, roseau ou bois) de différentes longueurs, dont une extrémité est ouverte et l'autre fermée. Fretel est souvent mentionné avec d'autres types de flûtes dans les romans des XIe et XIIe siècles. Cependant, déjà au 14ème siècle. On ne parle du fretel que comme d'un instrument de musique, dont on joue dans les fêtes de village, il devient un instrument du peuple ;

La flûte, au contraire, connaît une « ascension » : d’un instrument commun à un instrument de cour. Les flûtes les plus anciennes ont été trouvées en France dans la couche culturelle gallo-romaine (I-II siècles après JC). La plupart sont en os. Jusqu'au XIIIe siècle. la flûte est généralement double, comme dans la miniature du manuscrit du Xe siècle. de la Bibliothèque nationale de Paris (Fig. 3), et les tubes peuvent être de longueurs identiques ou différentes. Le nombre de trous sur le fût de la flûte peut varier (de quatre à six ou sept). Les flûtes étaient généralement jouées par des ménestrels et des jongleurs, et souvent leur jeu précédait l'apparition d'une procession solennelle ou d'un haut fonctionnaire.

Les ménestrels jouaient également de la double flûte avec des tuyaux de différentes longueurs. Une telle flûte est représentée dans une vignette d'un manuscrit du XIIIe siècle. (Fig.2). Sur l'image miniature, vous pouvez voir un orchestre de trois ménestrels : l'un joue de la viole ; le second sur une flûte similaire, semblable à la clarinette moderne ; le troisième frappe un tambourin carré en cuir tendu sur un châssis. Le quatrième personnage verse du vin aux musiciens pour les rafraîchir. Des orchestres similaires de flûte, tambour et violon existaient dans les villages de France jusqu'à début XIX V.

Au XVe siècle Des flûtes en cuir bouilli commencèrent à apparaître. De plus, la flûte elle-même pourrait avoir une section ronde ou octogonale, et non seulement droite, mais aussi ondulée. Un instrument similaire est conservé dans la collection privée de M. Fo (Fig. 4). Sa longueur est de 60 cm, à son point le plus large le diamètre est de 35 mm. Le corps est en cuir bouilli noir, la tête décorative est peinte. Cette flûte a servi de prototype pour la création de la trompette serpan. Les flûtes Serpan étaient utilisées aussi bien lors des services dans les églises que lors des célébrations laïques. Les flûtes traversières, comme les harmoniques, sont mentionnées pour la première fois dans les textes du XIVe siècle.

Un autre type d’instrument de musique à vent est la cornemuse. Il en existait également plusieurs types dans la France médiévale. Il s'agit d'une chevrette - un instrument à vent composé d'un sac en peau de chèvre, d'un tube d'alimentation en air et d'un tuyau. Un musicien jouant de cet instrument (Fig. 6) est représenté dans un manuscrit du XIVe siècle. "Le Romance de la Rose", de la Bibliothèque Nationale de Paris. Certaines sources distinguent la chevrette de la cornemuse, tandis que d'autres appellent la chevrette simplement « petite cornemuse ». L'instrument, dont l'apparence rappelle beaucoup la chevrette, a été fabriqué au 19ème siècle. rencontrés dans les villages des provinces françaises de Bourgogne et du Limousin.

Un autre type de cornemuse était le horo ou chorum. D'après la description trouvée dans le manuscrit de l'abbaye de St. Vlasiya (IXe siècle), il s'agit d'un instrument à vent avec un tube d'alimentation en air et un tuyau, et les deux tubes sont situés dans le même plan (ils semblent être le prolongement l'un de l'autre). Dans la partie médiane du puits se trouve un réservoir d'air, en cuir tanné, et de forme sphérique parfaite. Comme la peau du « sac » se mettait à vibrer lorsque le musicien soufflait dans le choro, le son était quelque peu rauque et dur (Fig. 6).

Cornemuse (coniemuese), le nom français de cet instrument vient du latin corniculans (à cornes) et ne se retrouve dans les manuscrits qu'à partir du 14ème siècle. Ni son apparence ni son usage dans la France médiévale ne différaient des cornemuses écossaises traditionnelles que nous connaissons, comme on peut le constater en étudiant l'image du manuscrit du XIVe siècle. (Fig. 9).

Cornes et cornes (corne). Tous ceux-ci instruments à vent, y compris l'oliphant à grande corne, diffèrent peu les uns des autres par leur conception et leur utilisation. Ils étaient fabriqués à partir de bois, de cuir bouilli, d'ivoire, de corne et de métal. Habituellement porté à la ceinture. La gamme de sons de cors n'est pas large, mais celle des chasseurs du 14ème siècle. ils jouaient des mélodies simples composées de certains signaux. Les cors de chasse, comme nous l'avons déjà dit, étaient portés d'abord à la ceinture, puis, jusqu'au XVIe siècle, en bandoulière ; un pendentif similaire se retrouve souvent dans les images, notamment dans le « Livre de la Chasse de Gaston Phœbus ». » (Fig.8). Le cor de chasse d'un noble seigneur est une chose précieuse ; Ainsi, Siegfried dans le « Nibelungenlied » portait avec lui une corne d'or finement ouvragée lorsqu'il chassait.

Séparément, il faut dire à propos de l'oliphant (alifant) - une énorme corne avec des anneaux métalliques spécialement conçus pour que l'oliphant puisse être suspendu du côté droit de son propriétaire. Les olifants étaient fabriqués à partir de défenses d'éléphant. Utilisé lors de la chasse et lors des opérations militaires pour signaler l'approche de l'ennemi. Particularité oliphant est qu'il ne peut appartenir qu'au seigneur souverain, sous la subordination duquel sont les barons. Le caractère honorable de cet instrument de musique est confirmé par la sculpture du XIIe siècle. de l'église abbatiale de Vaselles, où est représenté un ange avec un oliphant à ses côtés, annonçant la Nativité du Sauveur (fig. 13).

Les cors de chasse étaient différents de ceux utilisés par les ménestrels. Ces derniers utilisaient des outils de conception plus avancée. Sur le chapiteau d'une colonne de la même abbatiale de Vaselles, est représenté un ménestrel (fig. 12) jouant du cor, dont les trous étaient pratiqués non seulement le long du tuyau, mais aussi sur la cloche, ce qui permettait de moduler le son en lui donnant plus ou moins de volume.

Les tuyaux étaient représentés par la trompe elle-même et par des tuyaux courbés de plus d'un mètre de long - des tuyaux. Les haricots de sureau étaient fabriqués à partir de bois, de cuir bouilli, mais le plus souvent de laiton, comme le montre la miniature d'un manuscrit du XIIIe siècle. (Fig. 9). Leur son était aigu et fort. Et comme on l'entendait au loin, l'armée utilisait les beuzins pour le réveil matinal, ils donnaient des signaux pour le retrait du camp et pour le départ des navires. Ils ont également annoncé l'arrivée de la royauté. Ainsi, en 1414, l'entrée de Charles VI à Paris est annoncée au son des cloches. En raison du volume particulier du son, au Moyen Âge, on croyait qu'en jouant les anciens, les anges annonceraient le début du Jour du Jugement.

La trompette était exclusivement un instrument de musique militaire. Cela servait à remonter le moral de l’armée et à rassembler les troupes. Le tuyau est plus petit que le sureau et est un tuyau en métal (droit ou plusieurs fois plié) avec une cloche au bout. Le terme lui-même est apparu vers la fin du XVe siècle, mais un instrument de ce type (tuyaux droits) était déjà utilisé dans l'armée à partir du XIIIe siècle. Vers la fin du 14ème siècle. la forme du tuyau change (son corps se plie), et le tuyau lui-même est nécessairement décoré d'un fanion avec des armoiries (Fig. 7).

Un type particulier de trompette – le serpent – ​​a servi de prototype à de nombreux instruments à vent modernes. Dans la collection de M. Fo, il y a un serpan (Fig. 10), en cuir bouilli, sa hauteur est de 0,8 m et sa longueur totale est de 2,5 m. Le musicien tenait l'instrument à deux mains, tandis que sa main gauche tenait le pliage. partie (A), et les doigts de la main droite ont touché les trous pratiqués dans la partie supérieure du serpan. Le serpan avait un son puissant ; cet instrument à vent était utilisé aussi bien dans les fanfares militaires que dans les orchestres militaires. services religieux.

L'orgue (orgue) se démarque quelque peu de la famille des instruments à vent. Cet instrument à clavier-pédale doté d'un ensemble de plusieurs dizaines de tuyaux (registres), réglés pour sonner par air forcé par un soufflet, n'est actuellement associé qu'à de grands orgues fixes - orgues d'église et de concert (Fig. 14). Cependant, au Moyen Âge, peut-être, un autre type de cet instrument était plus répandu : l'orgue à main (orgue de main). Il s'agit essentiellement d'une « flûte de Pan », réglée au moyen d'air comprimé, qui entre dans les tuyaux à partir d'un réservoir dont les trous sont fermés par des vannes. Mais déjà dans l'Antiquité, en Asie, La Grèce ancienne et à Rome, on connaissait de grands orgues à commande hydraulique. En Occident, ces instruments ne sont apparus qu'au VIIIe siècle, et même alors comme cadeaux offerts aux monarques occidentaux par les empereurs byzantins (Constantine V Copronyme a envoyé un tel orgue en cadeau à Pépin le Bref, et Constantin Kuropolat - à Charlemagne et Louis le bon).

Les images d'orgues à main n'apparaissent en France qu'au Xe siècle. De la main droite, le musicien touche les touches et de la gauche, il appuie sur le soufflet qui gonfle l'air. L’instrument lui-même est généralement situé sur la poitrine ou sur le ventre du musicien. Les orgues à main comportent généralement huit tuyaux et, par conséquent, huit touches. Aux XIIIe et XIVe siècles, les orgues à main ne subissent pratiquement aucune modification, mais le nombre de tuyaux peut varier. Ce n'est qu'au XVe siècle qu'une deuxième rangée de tuyaux et un double clavier (quatre registres) font leur apparition dans les orgues manuels. Les tuyaux ont toujours été en métal. Orgue manuel fabriqué en Allemagne au XVe siècle. disponible à la Pinotek de Munich (Fig. 15).

Les orgues à main se sont répandus parmi les musiciens itinérants, qui pouvaient chanter tout en s'accompagnant sur l'instrument. Ils résonnaient sur les places des villes, lors des fêtes de village, mais jamais dans les églises.

Les orgues, plus petits que les orgues d'église, mais plus manuels, étaient autrefois installés dans les châteaux (à la cour de Charles V par exemple) ou pouvaient être installés sur les estrades des rues lors des cérémonies. Ainsi, plusieurs orgues similaires sonnaient à Paris lors de l'entrée solennelle d'Isabelle de Bavière dans la ville.

Tambours

Il n’existe probablement aucune civilisation qui n’ait inventé un instrument de musique semblable au tambour. Une peau séchée tendue sur un pot, ou une bûche évidée, c'est un tambour. Cependant, bien que les tambours soient connus depuis l’époque de l’Égypte ancienne, ils étaient peu utilisés au début du Moyen Âge. Ce n'est que depuis les Croisades que la mention des tambours (tambour) est devenue régulière, et à partir du XIIe siècle. Sous ce nom apparaissent des instruments de formes très diverses : longs, doubles, tambourins, etc. Vers la fin du XIIe siècle. Cet instrument, qui résonne sur les champs de bataille et dans la salle des banquets, attire déjà l'attention des musiciens. D'ailleurs, il est si répandu qu'au XIIIe siècle. Les Trouvères, qui prétendent préserver les traditions anciennes dans leur art, se plaignent de la « domination » des tambours et tambourins, qui évince les instruments « plus nobles ».

Tambourins et tambours accompagnent non seulement les chants et les performances des trouvères, mais aussi des danseurs, acteurs et jongleurs itinérants ; les femmes dansent en accompagnant leurs danses en jouant des tambourins. Le tambourin (tambour, bosquei) est tenu dans une main, et l'autre, libre, est frappée en rythme. Parfois, les ménestrels, jouant de la flûte, s'accompagnaient d'un tambourin ou d'un tambour, qu'ils attachaient à leur épaule gauche avec une ceinture. Le ménestrel jouait de la flûte, accompagnant son chant de coups rythmés sur le tambourin, qu'il fabriquait avec sa tête, comme on peut le voir dans la sculpture du XIIIe siècle. de la façade de la Maison des Musiciens de Reims (Fig. 17).

Des tambours sarrasins, ou doubles, sont également connus grâce à la sculpture de la Maison des Musiciens (Fig. 18). À l'époque des Croisades, ils se sont généralisés dans l'armée, car ils s'installaient facilement des deux côtés de la selle.

Un autre type d'instrument de musique à percussion, courant au Moyen Âge en France, était le timbre (cembel) - deux hémisphères, et plus tard - les cymbales, en cuivre et autres alliages, utilisées pour battre la mesure et l'accompagnement rythmique des danses. Dans le manuscrit de Limoges du XIIe siècle. provenant de la Bibliothèque Nationale de Paris, le danseur est représenté avec exactement cet instrument (Fig. 14). Au XVe siècle fait référence à un fragment d'une sculpture de l'autel de l'église abbatiale d'O, sur laquelle le timbre est utilisé dans l'orchestre (Fig. 19).

Le timbre doit inclure la cymbale (cymbalum) - un instrument qui était un anneau avec des tubes de bronze soudés, aux extrémités desquels les cloches sonnent lorsqu'elles sont secouées ; l'image de cet instrument est connue grâce à un manuscrit du XIIIe siècle ; de l'abbaye de Saint-Blaise (fig. 20). Le dulcimer était courant en France au début du Moyen Âge et était utilisé aussi bien dans la vie laïque que dans les églises - on leur donnait un signe pour le début du culte.

Les instruments à percussion médiévaux comprennent également des cloches (chochettes). Elles étaient très répandues, les cloches sonnaient lors des concerts, elles étaient cousues sur les vêtements, accrochées au plafond des maisons - sans parler de l'utilisation des cloches dans les églises... Les danses étaient aussi accompagnées de sons de cloches, et il existe des exemples de ceci - des images sur miniatures, datant du début du 10ème siècle ! A Chartres, Sens, Paris, sur les portails des cathédrales on trouve des bas-reliefs où une femme frappant des cloches suspendues symbolise la musique dans la famille des Arts Libéraux. Le roi David était représenté jouant des cloches. Comme le montre la miniature de la Bible du XIIIe siècle, il les joue avec des marteaux (Fig. 21). Le nombre de cloches pouvait varier – généralement de cinq à dix, voire plus.

Les cloches turques - un instrument de musique militaire - sont également nées au Moyen Âge (certains appellent les cloches turques un dulcimer).

Au XIIe siècle La mode des cloches ou des cloches cousues sur les vêtements se généralise. Ils étaient utilisés aussi bien par les femmes que par les hommes. D’ailleurs ces derniers ne se séparent pas longtemps de cette mode, jusqu’au XIVe siècle. Il était alors d'usage de décorer les vêtements avec d'épaisses chaînes en or, et les hommes y suspendaient souvent des cloches. Cette mode était un signe d'appartenance à la haute noblesse féodale (Fig. 8 et 22) - le port des cloches était interdit à la petite noblesse et à la bourgeoisie. Mais déjà au XVe siècle. Les cloches ne restent que sur les vêtements des bouffons. La vie orchestrale de cet instrument à percussion se poursuit encore aujourd'hui ; et il a peu changé depuis.

Cordes frottées

De tous les instruments médiévaux à cordes frottées, la viole est le plus noble et le plus difficile à jouer. D'après la description du moine dominicain Jérôme de Moravie, au XIIIe siècle. la viole avait cinq cordes, mais les miniatures antérieures montrent des instruments à trois et quatre cordes (Fig. 12 et 23, 23a). Dans ce cas, les cordes sont tendues à la fois sur la « crête » et directement sur la table d'harmonie. À en juger par les descriptions, la viole ne sonnait pas fort, mais très mélodieuse.

Une intéressante sculpture de la façade de la Maison des Musiciens représente un musicien grandeur nature (Fig. 24) jouant d'une viole à trois cordes. Étant donné que les cordes sont tendues dans un plan, l'archet, en extrayant le son d'une corde, pourrait toucher les autres. Le « modernisé » du milieu du XIIIe siècle mérite une attention particulière. forme d'arc.

Vers le milieu du 14ème siècle. en France, la forme de la viole est proche de celle d'une guitare moderne, ce qui rendait probablement plus facile son jeu avec un archet (Fig. 25).

Au XVe siècle de grands altos apparaissent - viole de gambe. Ils en jouaient avec l'instrument tenu entre leurs genoux. À la fin du XVe siècle, la viole de gambe est devenue une instrument à sept cordes. Plus tard, la viole de gambe sera remplacée par le violoncelle. Tous les types de violes étaient très répandus dans la France médiévale ; leur jeu accompagnait aussi bien les célébrations que les soirées intimes.

La viole se distinguait de la crouth par la double fixation des cordes sur la table d'harmonie. Peu importe le nombre de cordes de cet instrument médiéval (sur les cercles les plus anciens il y en a trois), elles sont toujours attachées à la « crête ». De plus, la table d'harmonie elle-même comporte deux trous situés le long des cordes. Ces trous sont traversants et servent à pouvoir enfiler main gauche, dont les doigts pressent alternativement les cordes sur la table d'harmonie puis les relâchent. DANS main droite l'artiste tenait généralement l'arc. L'une des images les plus anciennes d'un krut se trouve sur un manuscrit du XIe siècle. de l'abbaye Saint-Pierre de Limoges. Martial (fig. 26). Il faut cependant souligner que le kurt est avant tout un instrument anglais et saxon. Le nombre de cordes sur un cercle augmente avec le temps. Et bien qu’il soit considéré comme l’ancêtre de tous les instruments à cordes frottées, le kurt n’a jamais pris racine en France. Beaucoup plus souvent après le XIe siècle. Ruber ou gabarit se trouve ici.

Le jig (gigue, gigle), apparemment, a été inventé par les Allemands ; sa forme ressemble à une viole, mais il n'a pas d'interception sur la table d'harmonie. La gigue est l'instrument préféré des ménestrels. Les capacités d'interprétation de cet instrument étaient nettement inférieures à celles de la viole, mais il nécessitait également moins de compétences d'interprétation. A en juger par les images, les musiciens jouaient de la gigue (Fig. 27) comme d'un violon, mettant l'époque sur l'épaule, comme le montre une vignette du manuscrit « Le Livre des merveilles du monde », datant du début du XVe siècle.

La rubère est un instrument à cordes frottées qui rappelle le rebab arabe. De forme semblable à celle d'un luth, le ruber n'a qu'une seule corde tendue sur une « crête » (Fig. 29), c'est ainsi qu'il est représenté dans une miniature d'un manuscrit de l'abbaye de Saint-Pierre. Blasius (IXe siècle). Selon Jérôme de Moravie, aux XIIe-XIIIe siècles. Le ruber est déjà un instrument à deux cordes ; il est utilisé dans le jeu d’ensemble et mène toujours la ligne de basse « inférieure ». Zhig, par conséquent, est le « sommet ». Ainsi, il s'avère que le monocorde (monocorde), instrument à cordes frottées qui servit en quelque sorte d'ancêtre de la contrebasse, est aussi une sorte de ruber, puisqu'il était également utilisé dans l'ensemble comme instrument qui fixe le ton de basse. Parfois, le monocorde pouvait être joué sans archet, comme le montre la sculpture de la façade de l'église abbatiale de Vaselles (fig. 28).

Malgré son utilisation répandue et ses nombreuses variétés, le ruber n’était pas considéré comme un instrument égal à la viole. Sa sphère est plutôt la rue, les fêtes populaires. On ne sait cependant pas exactement quel était réellement le son du ruber, puisque certains chercheurs (Jérôme Moravsky) parlent d'octaves basses, tandis que d'autres (Aymeric de Peyrac) affirment que le son du ruber est aigu et « bruyant ». semblable au cri « féminin ». Mais peut-être parlons-nous d'instruments d'époques différentes, par exemple du XIVe ou du XVIe siècle...

Cordes pincées

Les discussions sur l'instrument le plus ancien devraient probablement être considérées comme sans importance, puisque l'emblème de la musique était après tout un instrument à cordes, la lyre, avec lequel nous commencerons l'histoire des instruments à cordes pincées.

La lyre ancienne est un instrument à cordes comportant trois à sept cordes tendues verticalement entre deux supports montés sur une table d'harmonie en bois. Les cordes de la lyre étaient soit pincées avec les doigts, soit jouées à l'aide d'un plectre-résonateur. Dans une miniature d'un manuscrit des Xe-XIe siècles. (Fig. 30), conservée à la Bibliothèque nationale de Paris, on peut voir une lyre à douze cordes, rassemblées par groupes de trois et tendues à différentes hauteurs (Fig. 30a.). De telles lyres ont généralement de belles poignées sculptées des deux côtés, qui pouvait être attaché à la ceinture, ce qui facilitait évidemment le jeu du musicien.

La lyre a été confondue au Moyen Âge avec le sitar (cithare), également apparu dans la Grèce antique. À l’origine, c’était un instrument à six cordes pincées. Selon Jérôme de Moravie, le sitar au Moyen Âge avait une forme triangulaire (plus précisément, il avait la forme de la lettre « delta » de l'alphabet grec) et le nombre de cordes variait de douze à vingt-quatre. Un sitar de ce type (IXe siècle) est représenté dans un manuscrit de l'abbaye de Saint-Pierre. Vlasiya (Fig. 31). Cependant, la forme de l'instrument peut varier ; il existe une image connue d'un sitar de forme arrondie irrégulière avec un manche pour montrer le jeu (Fig. 32). Cependant, la principale différence entre le sitar et le psautier (voir ci-dessous) et les autres instruments à cordes instruments pincés consiste dans le fait que les cordes sont simplement tendues sur le cadre, et non sur une sorte de « conteneur sonore ».

La guitare médiévale trouve également ses origines dans le sitar. La forme de ces instruments est également variée, mais ressemble généralement soit à une mandoline, soit à une guitare (cithare). Des mentions de tels instruments commencent à apparaître au XIIIe siècle, et les femmes et les hommes en jouent. La giterne accompagnait le chant de l'interprète, et celui-ci le jouait soit à l'aide d'un résonateur-plectre, soit sans celui-ci. Dans le manuscrit « Le Roman de Troie » de Benoît de Saint-Maur (XIIIe siècle), le ménestrel chante en jouant du . hytern sans médiateur (Fig. 34) . Dans un autre cas, dans le roman « Tristan et Isolde » (milieu du XIIIe siècle), on trouve une miniature qui représente un ménestrel accompagnant la danse de son camarade en jouant de l'hyterne (Fig. 33). Les cordes de la guitare sont tendues droites (sans « pouliche »), mais il y a un trou (rosette) sur le corps. Le médiateur était un bâton en os, tenu avec le pouce et l'index, ce qui est bien visible dans la sculpture d'un musicien de l'église abbatiale d'O (fig. 35).

Gitern, à en juger par les images disponibles, pourrait également être un instrument d'ensemble. Il existe un couvercle bien connu d'un coffret de la collection du musée de Cluny (XIVe siècle), où le sculpteur a sculpté sur ivoire une charmante scène de genre : deux jeunes hommes jouant dans le jardin, ravissant les oreilles ; l'un a un luth dans les mains, l'autre une gitterne (fig. 36).

Parfois, la gitterne, comme le sitar plus tôt, était appelée une roue dans la France médiévale ; elle avait dix-sept cordes ; Richard Cœur de Lion a joué en captivité.

Au XIVe siècle. Il y a aussi une mention d'un autre instrument similaire au gittern - le luth. Au XVe siècle sa forme prend déjà enfin forme : un corps très convexe, presque semi-circulaire, avec un trou rond sur le pont. Le « cou » n'est pas long, la « tête » est située à angle droit par rapport à celui-ci (Fig. 36). La mandoline et la mandora, utilisées au XVe siècle, appartiennent au même groupe d'instruments. la forme la plus variée.

La harpe (harpe) peut également se vanter de son antiquité d'origine - ses images se retrouvent déjà dans l'Egypte ancienne. Chez les Grecs, la harpe n'est qu'une variante du sitar ; chez les Celtes, elle s'appelle sambuk. La forme de la harpe est constante : c'est un instrument dont les cordes de différentes longueurs sont tendues sur un cadre selon un angle plus ou moins ouvert. Les harpes anciennes sont à treize cordes, accordées selon une gamme diatonique. Ils jouaient de la harpe debout ou assis, à deux mains et renforçaient l'instrument de manière à ce que son support vertical soit au niveau de la poitrine de l'interprète. Au XIIe siècle, de petites harpes avec différents nombres de cordes font leur apparition. Un type caractéristique de harpe est représenté sur une sculpture de la façade de la Maison des Musiciens de Reims (fig. 37). Les jongleurs les utilisaient uniquement dans leurs performances et des ensembles entiers de harpistes pouvaient être créés. Les Irlandais et les Bretons étaient considérés comme les meilleurs harpistes. Au 16ème siècle la harpe a pratiquement disparu en France et n'y est apparue que des siècles plus tard, sous sa forme moderne.

Une mention spéciale doit être faite à deux instruments médiévaux pincés. Ce sont le psaltérion et la siphonie.

Le psautier antique est un instrument à cordes de forme triangulaire, rappelant vaguement notre harpe. Au Moyen Âge, la forme de l'instrument change : les psautiers carrés sont également représentés en miniatures. Le joueur le tenait sur ses genoux et pinçait vingt et une cordes avec ses doigts ou un plectre (la tessiture de l'instrument est de trois octaves). L'inventeur du psautier est considéré comme le roi David, qui, selon la légende, utilisait le bec d'un oiseau comme plectre. Une miniature du manuscrit de Gérard de Landsberg de la Bibliothèque de Strasbourg représente le roi biblique jouant son idée (Fig. 38).

Dans la littérature française médiévale, les psautiers ont commencé à être mentionnés dès le début du XIIe siècle ; la forme des instruments pouvait être très différente (Fig. 39 et 40) ils étaient joués non seulement par des ménestrels, mais aussi par des femmes - dames nobles ; et leur suite. Au 14ème siècle Le psautier quitte progressivement la scène pour laisser la place au clavecin, mais celui-ci ne parvient pas à obtenir le son chromatique caractéristique des psautiers à cordes doubles.

Dans une certaine mesure, un autre instrument médiéval, qui a pratiquement disparu dès le XVe siècle, est également similaire au plâtrage. Il s'agit d'une siphonie (chifonie) - une version occidentale de la harpe à roues russe. Cependant, en plus de la roue avec une brosse en bois qui, lorsque le manche est tourné, touche trois cordes droites, la siphonie est également équipée de touches qui régulent également son son. Il y a sept touches sur la siphonie, et elles sont situées. à l'extrémité opposée à celle sur laquelle tourne la roue. La siphonie était généralement jouée par deux personnes et le son de l'instrument était, selon les sources, harmonieux et silencieux. Un dessin d'une sculpture du chapiteau d'une des colonnes de Bocheville (XIIe siècle) démontre une méthode de jeu similaire (fig. 41). La siphonie est devenue la plus répandue aux XIe et XIIe siècles. Au XVe siècle Le petit siphon, joué par un musicien, était populaire. Dans le manuscrit « Le Roman de Gérard de Nevers et la belle Ariana » de la Bibliothèque nationale de Paris se trouve une miniature représentant le personnage principal habillé en ménestrel, avec un instrument similaire à ses côtés (Fig. 42).

Les archéologues ont été les premiers à parler de l'existence d'instruments de musique dans l'Antiquité, trouvant des tuyaux, des tweeters et d'autres objets permettant de jouer de la musique dans presque toutes les fouilles. De plus, des découvertes similaires ont été découvertes dans les territoires où les archéologues ont réussi à fouiller les sites des peuples primitifs.

Les archéologues attribuent certains des instruments de musique trouvés à l'ère du Paléolithique supérieur - en d'autres termes, ces instruments sont apparus entre 22 000 et 25 000 ans avant JC.

De plus, les peuples anciens savaient non seulement fabriquer des instruments de musique, mais aussi de la musique pour eux, en écrivant des notes de musique sur des tablettes d'argile. La notation musicale la plus ancienne à ce jour a été écrite au XVIIIe siècle avant JC. Les archéologues l'ont trouvé dans la ville sumérienne de Nippur qu'ils ont fouillé, qui était autrefois située sur le territoire de l'Irak moderne. Des scientifiques de l'Université de Californie qui ont déchiffré la tablette musicale en 1974 ont déclaré qu'elle contenait les paroles et la musique d'une ballade d'amour assyrienne pour lyre à cordes.

L'instrument de musique le plus ancien

En 2009, des archéologues ont découvert dans l'une des grottes situées dans le sud-ouest de l'Allemagne les restes d'un outil qui ressemble fortement à un outil moderne. Des analyses et des études ont montré que l'âge de la flûte ancienne est supérieur à 35 mille ans. Cinq trous parfaitement ronds étaient pratiqués dans le corps de la flûte, qui devait être fermé avec les doigts lors du jeu, et à ses extrémités se trouvaient deux coupes profondes en forme de V.

La longueur de l'instrument de musique était de 21,8 centimètres et son épaisseur de seulement 8 millimètres.

Le matériau à partir duquel la flûte était fabriquée s'est avéré n'être pas du bois, mais une aile d'oiseau. Cet instrument est de loin le plus ancien, mais pas le premier dans l'histoire des découvertes archéologiques : des pipes en os, des cornes d'animaux creuses, des pipes en coquillage, des hochets en pierre et en bois, ainsi que des tambours en peaux d'animaux ont également été découverts à plusieurs reprises lors de fouilles.

Il existe de nombreuses légendes sur l’origine de la musique. Les anciens Grecs croyaient que les grands dieux de l’Olympe le leur avaient donné, mais les scientifiques modernes ont mené un certain nombre d’études ethnographiques et archéologiques. À la suite de ces études, il a été constaté que la première musique est apparue dans société primitive et était utilisé comme berceuse pour endormir

Les instruments à vent sont le type d’instrument de musique le plus ancien apparu au Moyen Âge depuis l’Antiquité. Cependant, au cours du processus de développement et de formation de la civilisation occidentale médiévale, le champ d'utilisation des instruments à vent s'est considérablement élargi : certains, comme l'oliphant, appartiennent aux cours des nobles seigneurs, d'autres - les flûtes - sont utilisés à la fois parmi le peuple et parmi les musiciens professionnels, d'autres, comme la trompette, deviennent des instruments de musique exclusivement militaires.

Le plus ancien représentant des instruments à vent en France doit probablement être considéré comme le fretel, ou « Flûte de Pan ». Un instrument similaire peut être vu dans une miniature d'un manuscrit du XIe siècle. à la Bibliothèque nationale de Paris (Fig. I). Il s'agit d'une flûte à plusieurs canons constituée d'un ensemble de tuyaux (anche, roseau ou bois) de différentes longueurs, dont une extrémité est ouverte et l'autre fermée. Fretel est souvent mentionné avec d'autres types de flûtes dans les romans des XIe et XIIe siècles. Cependant, déjà au 14ème siècle. On ne parle du fretel que comme d'un instrument de musique, dont on joue dans les fêtes de village, il devient un instrument du peuple ;

La flûte, au contraire, connaît une « ascension » : d’un instrument commun à un instrument de cour. Les flûtes les plus anciennes ont été trouvées en France dans la couche culturelle gallo-romaine (I-II siècles après JC). La plupart sont en os. Jusqu'au XIIIe siècle. la flûte est généralement double, comme dans la miniature du manuscrit du Xe siècle. de la Bibliothèque nationale de Paris (Fig. 3), et les tubes peuvent être de longueurs identiques ou différentes. Le nombre de trous sur le fût de la flûte peut varier (de quatre à six ou sept). Les flûtes étaient généralement jouées par des ménestrels et des jongleurs, et souvent leur jeu précédait l'apparition d'une procession solennelle ou d'un haut fonctionnaire.

Les ménestrels jouaient également de la double flûte avec des tuyaux de différentes longueurs. Une telle flûte est représentée dans une vignette d'un manuscrit du XIIIe siècle. (Fig.2). Sur l'image miniature, vous pouvez voir un orchestre de trois ménestrels : l'un joue de la viole ; le second sur une flûte similaire, semblable à la clarinette moderne ; le troisième frappe un tambourin carré en cuir tendu sur un châssis. Le quatrième personnage verse du vin aux musiciens pour les rafraîchir. Des orchestres similaires de flûte, tambour et violon existaient dans les villages de France jusqu'au début du XIXe siècle.

Au XVe siècle Des flûtes en cuir bouilli commencèrent à apparaître. De plus, la flûte elle-même pourrait avoir une section ronde ou octogonale, et non seulement droite, mais aussi ondulée. Un instrument similaire est conservé dans la collection privée de M. Fo (Fig. 4). Sa longueur est de 60 cm, à son point le plus large le diamètre est de 35 mm. Le corps est en cuir bouilli noir, la tête décorative est peinte. Cette flûte a servi de prototype pour la création de la trompette serpan. Les flûtes Serpan étaient utilisées aussi bien lors des services dans les églises que lors des célébrations laïques. Les flûtes traversières, comme les harmoniques, sont mentionnées pour la première fois dans les textes du XIVe siècle.

Un autre type d’instrument de musique à vent est la cornemuse. Il en existait également plusieurs types dans la France médiévale. Il s'agit d'une chevrette - un instrument à vent composé d'un sac en peau de chèvre, d'un tube d'alimentation en air et d'un tuyau. Un musicien jouant de cet instrument (Fig. 6) est représenté dans un manuscrit du XIVe siècle. "Le Romance de la Rose", de la Bibliothèque Nationale de Paris. Certaines sources distinguent la chevrette de la cornemuse, tandis que d'autres appellent la chevrette simplement « petite cornemuse ». L'instrument, dont l'apparence rappelle beaucoup la chevrette, a été fabriqué au 19ème siècle. rencontrés dans les villages des provinces françaises de Bourgogne et du Limousin.

Un autre type de cornemuse était le horo ou chorum. D'après la description trouvée dans le manuscrit de l'abbaye de St. Vlasiya (IXe siècle), il s'agit d'un instrument à vent avec un tube d'alimentation en air et un tuyau, et les deux tubes sont situés dans le même plan (ils semblent être le prolongement l'un de l'autre). Dans la partie médiane du puits se trouve un réservoir d'air, en cuir tanné, et de forme sphérique parfaite. Comme la peau du « sac » se mettait à vibrer lorsque le musicien soufflait dans le choro, le son était quelque peu rauque et dur (Fig. 6).

Cornemuse (coniemuese), le nom français de cet instrument vient du latin corniculans (à cornes) et ne se retrouve dans les manuscrits qu'à partir du 14ème siècle. Ni son apparence ni son usage dans la France médiévale ne différaient des cornemuses écossaises traditionnelles que nous connaissons, comme on peut le constater en étudiant l'image du manuscrit du XIVe siècle. (Fig. 9).

Cornes et cornes (corne). Tous ces instruments à vent, y compris le grand oliphant à cor, diffèrent peu les uns des autres par leur conception et leur utilisation. Ils étaient fabriqués à partir de bois, de cuir bouilli, d'ivoire, de corne et de métal. Habituellement porté à la ceinture. La gamme de sons de cors n'est pas large, mais celle des chasseurs du 14ème siècle. ils jouaient des mélodies simples composées de certains signaux. Les cors de chasse, comme nous l'avons déjà dit, étaient portés d'abord à la ceinture, puis, jusqu'au XVIe siècle, en bandoulière ; un pendentif similaire se retrouve souvent dans les images, notamment dans le « Livre de la Chasse de Gaston Phœbus ». » (Fig.8). Le cor de chasse d'un noble seigneur est une chose précieuse ; Ainsi, Siegfried dans le « Nibelungenlied » portait avec lui une corne d'or finement ouvragée lorsqu'il chassait.

Séparément, il faut dire à propos de l'oliphant (alifant) - une énorme corne avec des anneaux métalliques spécialement conçus pour que l'oliphant puisse être suspendu du côté droit de son propriétaire. Les olifants étaient fabriqués à partir de défenses d'éléphant. Utilisé lors de la chasse et lors des opérations militaires pour signaler l'approche de l'ennemi. Une particularité de l'oliphant est qu'il ne peut appartenir qu'à un seigneur souverain, sous la subordination duquel se trouvent les barons. Le caractère honorable de cet instrument de musique est confirmé par la sculpture du XIIe siècle. de l'église abbatiale de Vaselles, où est représenté un ange avec un oliphant à ses côtés, annonçant la Nativité du Sauveur (fig. 13).

Les cors de chasse étaient différents de ceux utilisés par les ménestrels. Ces derniers utilisaient des outils de conception plus avancée. Sur le chapiteau d'une colonne de la même abbatiale de Vaselles, est représenté un ménestrel (fig. 12) jouant du cor, dont les trous étaient pratiqués non seulement le long du tuyau, mais aussi sur la cloche, ce qui permettait de moduler le son en lui donnant plus ou moins de volume.

Les tuyaux étaient représentés par la trompe elle-même et par des tuyaux courbés de plus d'un mètre de long - des tuyaux. Les haricots de sureau étaient fabriqués à partir de bois, de cuir bouilli, mais le plus souvent de laiton, comme le montre la miniature d'un manuscrit du XIIIe siècle. (Fig. 9). Leur son était aigu et fort. Et comme on l'entendait au loin, l'armée utilisait les beuzins pour le réveil matinal, ils donnaient des signaux pour le retrait du camp et pour le départ des navires. Ils ont également annoncé l'arrivée de la royauté. Ainsi, en 1414, l'entrée de Charles VI à Paris est annoncée au son des cloches. En raison du volume particulier du son, au Moyen Âge, on croyait qu'en jouant les anciens, les anges annonceraient le début du Jour du Jugement.

La trompette était exclusivement un instrument de musique militaire. Cela servait à remonter le moral de l’armée et à rassembler les troupes. Le tuyau est plus petit que le sureau et est un tuyau en métal (droit ou plusieurs fois plié) avec une cloche au bout. Le terme lui-même est apparu vers la fin du XVe siècle, mais un instrument de ce type (tuyaux droits) était déjà utilisé dans l'armée à partir du XIIIe siècle. Vers la fin du 14ème siècle. la forme du tuyau change (son corps se plie), et le tuyau lui-même est nécessairement décoré d'un fanion avec des armoiries (Fig. 7).

Un type particulier de trompette – le serpent – ​​a servi de prototype à de nombreux instruments à vent modernes. Dans la collection de M. Fo, il y a un serpan (Fig. 10), en cuir bouilli, sa hauteur est de 0,8 m et sa longueur totale est de 2,5 m. Le musicien tenait l'instrument à deux mains, tandis que sa main gauche tenait le pliage. partie (A), et les doigts de la main droite ont touché les trous pratiqués dans la partie supérieure du serpan. Le serpan avait un son puissant ; cet instrument à vent était utilisé aussi bien dans les fanfares militaires que lors des services religieux.

L'orgue (orgue) se démarque quelque peu de la famille des instruments à vent. Cet instrument à clavier-pédale doté d'un ensemble de plusieurs dizaines de tuyaux (registres), réglés pour sonner par air forcé par un soufflet, n'est actuellement associé qu'à de grands orgues fixes - orgues d'église et de concert (Fig. 14). Cependant, au Moyen Âge, peut-être, un autre type de cet instrument était plus répandu : l'orgue à main (orgue de main). Il s'agit essentiellement d'une « flûte de Pan », réglée au moyen d'air comprimé, qui entre dans les tuyaux à partir d'un réservoir dont les trous sont fermés par des vannes. Cependant, déjà dans l'Antiquité, en Asie, dans la Grèce antique et à Rome, on connaissait de grands orgues à commande hydraulique. En Occident, ces instruments ne sont apparus qu'au VIIIe siècle, et même alors comme cadeaux offerts aux monarques occidentaux par les empereurs byzantins (Constantine V Copronyme a envoyé un tel orgue en cadeau à Pépin le Bref, et Constantin Kuropolat - à Charlemagne et Louis le bon).

Les images d'orgues à main n'apparaissent en France qu'au Xe siècle. De la main droite, le musicien touche les touches et de la gauche, il appuie sur le soufflet qui gonfle l'air. L’instrument lui-même est généralement situé sur la poitrine ou sur le ventre du musicien. Les orgues à main comportent généralement huit tuyaux et, par conséquent, huit touches. Aux XIIIe et XIVe siècles, les orgues à main ne subissent pratiquement aucune modification, mais le nombre de tuyaux peut varier. Ce n'est qu'au XVe siècle qu'une deuxième rangée de tuyaux et un double clavier (quatre registres) font leur apparition dans les orgues manuels. Les tuyaux ont toujours été en métal. Orgue manuel fabriqué en Allemagne au XVe siècle. disponible à la Pinotek de Munich (Fig. 15).

Les orgues à main se sont répandus parmi les musiciens itinérants, qui pouvaient chanter tout en s'accompagnant sur l'instrument. Ils résonnaient sur les places des villes, lors des fêtes de village, mais jamais dans les églises.

Les orgues, plus petits que les orgues d'église, mais plus manuels, étaient autrefois installés dans les châteaux (à la cour de Charles V par exemple) ou pouvaient être installés sur les estrades des rues lors des cérémonies. Ainsi, plusieurs orgues similaires sonnaient à Paris lors de l'entrée solennelle d'Isabelle de Bavière dans la ville.

Tambours

Il n’existe probablement aucune civilisation qui n’ait inventé un instrument de musique semblable au tambour. Une peau séchée tendue sur un pot, ou une bûche évidée, c'est un tambour. Cependant, bien que les tambours soient connus depuis l’époque de l’Égypte ancienne, ils étaient peu utilisés au début du Moyen Âge. Ce n'est que depuis les Croisades que la mention des tambours (tambour) est devenue régulière, et à partir du XIIe siècle. Sous ce nom apparaissent des instruments de formes très diverses : longs, doubles, tambourins, etc. Vers la fin du XIIe siècle. Cet instrument, qui résonne sur les champs de bataille et dans la salle des banquets, attire déjà l'attention des musiciens. D'ailleurs, il est si répandu qu'au XIIIe siècle. Les Trouvères, qui prétendent préserver les traditions anciennes dans leur art, se plaignent de la « domination » des tambours et tambourins, qui évince les instruments « plus nobles ».

Tambourins et tambours accompagnent non seulement les chants et les performances des trouvères, mais aussi des danseurs, acteurs et jongleurs itinérants ; les femmes dansent en accompagnant leurs danses en jouant des tambourins. Le tambourin (tambour, bosquei) est tenu dans une main, et l'autre, libre, est frappée en rythme. Parfois, les ménestrels, jouant de la flûte, s'accompagnaient d'un tambourin ou d'un tambour, qu'ils attachaient à leur épaule gauche avec une ceinture. Le ménestrel jouait de la flûte, accompagnant son chant de coups rythmés sur le tambourin, qu'il fabriquait avec sa tête, comme on peut le voir dans la sculpture du XIIIe siècle. de la façade de la Maison des Musiciens de Reims (Fig. 17).

Des tambours sarrasins, ou doubles, sont également connus grâce à la sculpture de la Maison des Musiciens (Fig. 18). À l'époque des Croisades, ils se sont généralisés dans l'armée, car ils s'installaient facilement des deux côtés de la selle.

Un autre type d'instrument de musique à percussion, courant au Moyen Âge en France, était le timbre (cembel) - deux hémisphères, et plus tard - les cymbales, en cuivre et autres alliages, utilisées pour battre la mesure et l'accompagnement rythmique des danses. Dans le manuscrit de Limoges du XIIe siècle. provenant de la Bibliothèque Nationale de Paris, le danseur est représenté avec exactement cet instrument (Fig. 14). Au XVe siècle fait référence à un fragment d'une sculpture de l'autel de l'église abbatiale d'O, sur laquelle le timbre est utilisé dans l'orchestre (Fig. 19).

Le timbre doit inclure la cymbale (cymbalum) - un instrument qui était un anneau avec des tubes de bronze soudés, aux extrémités desquels les cloches sonnent lorsqu'elles sont secouées ; l'image de cet instrument est connue grâce à un manuscrit du XIIIe siècle ; de l'abbaye de Saint-Blaise (fig. 20). Le dulcimer était courant en France au début du Moyen Âge et était utilisé aussi bien dans la vie laïque que dans les églises - on leur donnait un signe pour le début du culte.

Les instruments à percussion médiévaux comprennent également des cloches (chochettes). Elles étaient très répandues, les cloches sonnaient lors des concerts, elles étaient cousues sur les vêtements, accrochées au plafond des maisons - sans parler de l'utilisation des cloches dans les églises... Les danses étaient aussi accompagnées de sons de cloches, et il existe des exemples de ceci - des images sur miniatures, datant du début du 10ème siècle ! A Chartres, Sens, Paris, sur les portails des cathédrales on trouve des bas-reliefs où une femme frappant des cloches suspendues symbolise la musique dans la famille des Arts Libéraux. Le roi David était représenté jouant des cloches. Comme le montre la miniature de la Bible du XIIIe siècle, il les joue avec des marteaux (Fig. 21). Le nombre de cloches pouvait varier – généralement de cinq à dix, voire plus.

Les cloches turques - un instrument de musique militaire - sont également nées au Moyen Âge (certains appellent les cloches turques un dulcimer).

Au XIIe siècle La mode des cloches ou des cloches cousues sur les vêtements se généralise. Ils étaient utilisés aussi bien par les femmes que par les hommes. D’ailleurs ces derniers ne se séparent pas longtemps de cette mode, jusqu’au XIVe siècle. Il était alors d'usage de décorer les vêtements avec d'épaisses chaînes en or, et les hommes y suspendaient souvent des cloches. Cette mode était un signe d'appartenance à la haute noblesse féodale (Fig. 8 et 22) - le port des cloches était interdit à la petite noblesse et à la bourgeoisie. Mais déjà au XVe siècle. Les cloches ne restent que sur les vêtements des bouffons. La vie orchestrale de cet instrument à percussion se poursuit encore aujourd'hui ; et il a peu changé depuis.

Cordes frottées

De tous les instruments médiévaux à cordes frottées, la viole est le plus noble et le plus difficile à jouer. D'après la description du moine dominicain Jérôme de Moravie, au XIIIe siècle. la viole avait cinq cordes, mais les miniatures antérieures montrent des instruments à trois et quatre cordes (Fig. 12 et 23, 23a). Dans ce cas, les cordes sont tendues à la fois sur la « crête » et directement sur la table d'harmonie. À en juger par les descriptions, la viole ne sonnait pas fort, mais très mélodieuse.

Une intéressante sculpture de la façade de la Maison des Musiciens représente un musicien grandeur nature (Fig. 24) jouant d'une viole à trois cordes. Étant donné que les cordes sont tendues dans un plan, l'archet, en extrayant le son d'une corde, pourrait toucher les autres. Le « modernisé » du milieu du XIIIe siècle mérite une attention particulière. forme d'arc.

Vers le milieu du 14ème siècle. en France, la forme de la viole est proche de celle d'une guitare moderne, ce qui rendait probablement plus facile son jeu avec un archet (Fig. 25).

Au XVe siècle de grands altos apparaissent - viole de gambe. Ils en jouaient avec l'instrument tenu entre leurs genoux. À la fin du XVe siècle, la viole de gambe est devenue une instrument à sept cordes. Plus tard, la viole de gambe sera remplacée par le violoncelle. Tous les types de violes étaient très répandus dans la France médiévale ; leur jeu accompagnait aussi bien les célébrations que les soirées intimes.

La viole se distinguait de la crouth par la double fixation des cordes sur la table d'harmonie. Peu importe le nombre de cordes de cet instrument médiéval (sur les cercles les plus anciens il y en a trois), elles sont toujours attachées à la « crête ». De plus, la table d'harmonie elle-même comporte deux trous situés le long des cordes. Ces trous sont traversants et servent à ce que vous puissiez y passer votre main gauche, dont les doigts pressent alternativement les cordes contre la table d'harmonie puis les relâchent. L'artiste tenait généralement un arc dans sa main droite. L'une des images les plus anciennes d'un krut se trouve sur un manuscrit du XIe siècle. de l'abbaye Saint-Pierre de Limoges. Martial (fig. 26). Il faut cependant souligner que le kurt est avant tout un instrument anglais et saxon. Le nombre de cordes sur un cercle augmente avec le temps. Et bien qu’il soit considéré comme l’ancêtre de tous les instruments à cordes frottées, le kurt n’a jamais pris racine en France. Beaucoup plus souvent après le XIe siècle. Ruber ou gabarit se trouve ici.

Le jig (gigue, gigle), apparemment, a été inventé par les Allemands ; sa forme ressemble à une viole, mais il n'a pas d'interception sur la table d'harmonie. La gigue est l'instrument préféré des ménestrels. Les capacités d'interprétation de cet instrument étaient nettement inférieures à celles de la viole, mais il nécessitait également moins de compétences d'interprétation. A en juger par les images, les musiciens jouaient de la gigue (Fig. 27) comme d'un violon, mettant l'époque sur l'épaule, comme le montre une vignette du manuscrit « Le Livre des merveilles du monde », datant du début du XVe siècle.

La rubère est un instrument à cordes frottées qui rappelle le rebab arabe. De forme semblable à celle d'un luth, le ruber n'a qu'une seule corde tendue sur une « crête » (Fig. 29), c'est ainsi qu'il est représenté dans une miniature d'un manuscrit de l'abbaye de Saint-Pierre. Blasius (IXe siècle). Selon Jérôme de Moravie, aux XIIe-XIIIe siècles. Le ruber est déjà un instrument à deux cordes ; il est utilisé dans le jeu d’ensemble et mène toujours la ligne de basse « inférieure ». Zhig, par conséquent, est le « sommet ». Ainsi, il s'avère que le monocorde (monocorde), instrument à cordes frottées qui servit en quelque sorte d'ancêtre de la contrebasse, est aussi une sorte de ruber, puisqu'il était également utilisé dans l'ensemble comme instrument qui fixe le ton de basse. Parfois, le monocorde pouvait être joué sans archet, comme le montre la sculpture de la façade de l'église abbatiale de Vaselles (fig. 28).

Malgré son utilisation répandue et ses nombreuses variétés, le ruber n’était pas considéré comme un instrument égal à la viole. Sa sphère est plutôt la rue, les fêtes populaires. On ne sait cependant pas exactement quel était réellement le son du ruber, puisque certains chercheurs (Jérôme Moravsky) parlent d'octaves basses, tandis que d'autres (Aymeric de Peyrac) affirment que le son du ruber est aigu et « bruyant ». semblable au cri « féminin ». Mais peut-être parlons-nous d'instruments d'époques différentes, par exemple du XIVe ou du XVIe siècle...

Cordes pincées

Les discussions sur l'instrument le plus ancien devraient probablement être considérées comme sans importance, puisque l'emblème de la musique était après tout un instrument à cordes, la lyre, avec lequel nous commencerons l'histoire des instruments à cordes pincées.

La lyre ancienne est un instrument à cordes comportant trois à sept cordes tendues verticalement entre deux supports montés sur une table d'harmonie en bois. Les cordes de la lyre étaient soit pincées avec les doigts, soit jouées à l'aide d'un plectre-résonateur. Dans une miniature d'un manuscrit des Xe-XIe siècles. (Fig. 30), conservée à la Bibliothèque nationale de Paris, on peut voir une lyre à douze cordes, rassemblées par groupes de trois et tendues à différentes hauteurs (Fig. 30a.). De telles lyres ont généralement de belles poignées sculptées des deux côtés, qui pouvait être attaché à la ceinture, ce qui facilitait évidemment le jeu du musicien.

La lyre a été confondue au Moyen Âge avec le sitar (cithare), également apparu dans la Grèce antique. À l’origine, c’était un instrument à six cordes pincées. Selon Jérôme de Moravie, le sitar au Moyen Âge avait une forme triangulaire (plus précisément, il avait la forme de la lettre « delta » de l'alphabet grec) et le nombre de cordes variait de douze à vingt-quatre. Un sitar de ce type (IXe siècle) est représenté dans un manuscrit de l'abbaye de Saint-Pierre. Vlasiya (Fig. 31). Cependant, la forme de l'instrument peut varier ; il existe une image connue d'un sitar de forme arrondie irrégulière avec un manche pour montrer le jeu (Fig. 32). Cependant, la principale différence entre le sitar et le psautier (voir ci-dessous) et les autres instruments à cordes pincées est que les cordes sont simplement tirées sur un cadre, et non sur une sorte de « conteneur sonore ».

La guitare médiévale trouve également ses origines dans le sitar. La forme de ces instruments est également variée, mais ressemble généralement soit à une mandoline, soit à une guitare (cithare). Des mentions de tels instruments commencent à apparaître au XIIIe siècle, et les femmes et les hommes en jouent. La giterne accompagnait le chant de l'interprète, et celui-ci le jouait soit à l'aide d'un résonateur-plectre, soit sans celui-ci. Dans le manuscrit « Le Roman de Troie » de Benoît de Saint-Maur (XIIIe siècle), le ménestrel chante en jouant du . hytern sans médiateur (Fig. 34) . Dans un autre cas, dans le roman « Tristan et Isolde » (milieu du XIIIe siècle), on trouve une miniature qui représente un ménestrel accompagnant la danse de son camarade en jouant de l'hyterne (Fig. 33). Les cordes de la guitare sont tendues droites (sans « pouliche »), mais il y a un trou (rosette) sur le corps. Le médiateur était un bâton en os, tenu avec le pouce et l'index, ce qui est bien visible dans la sculpture d'un musicien de l'église abbatiale d'O (fig. 35).

Gitern, à en juger par les images disponibles, pourrait également être un instrument d'ensemble. Il existe un couvercle bien connu d'un coffret de la collection du musée de Cluny (XIVe siècle), où le sculpteur a sculpté sur ivoire une charmante scène de genre : deux jeunes hommes jouant dans le jardin, ravissant les oreilles ; l'un a un luth dans les mains, l'autre une gitterne (fig. 36).

Parfois, la gitterne, comme le sitar plus tôt, était appelée une roue dans la France médiévale ; elle avait dix-sept cordes ; Richard Cœur de Lion a joué en captivité.

Au XIVe siècle. Il y a aussi une mention d'un autre instrument similaire au gittern - le luth. Au XVe siècle sa forme prend déjà enfin forme : un corps très convexe, presque semi-circulaire, avec un trou rond sur le pont. Le « cou » n'est pas long, la « tête » est située à angle droit par rapport à celui-ci (Fig. 36). La mandoline et la mandora, utilisées au XVe siècle, appartiennent au même groupe d'instruments. la forme la plus variée.

La harpe (harpe) peut également se vanter de son antiquité d'origine - ses images se retrouvent déjà dans l'Egypte ancienne. Chez les Grecs, la harpe n'est qu'une variante du sitar ; chez les Celtes, elle s'appelle sambuk. La forme de la harpe est constante : c'est un instrument dont les cordes de différentes longueurs sont tendues sur un cadre selon un angle plus ou moins ouvert. Les harpes anciennes sont à treize cordes, accordées selon une gamme diatonique. Ils jouaient de la harpe debout ou assis, à deux mains et renforçaient l'instrument de manière à ce que son support vertical soit au niveau de la poitrine de l'interprète. Au XIIe siècle, de petites harpes avec différents nombres de cordes font leur apparition. Un type caractéristique de harpe est représenté sur une sculpture de la façade de la Maison des Musiciens de Reims (fig. 37). Les jongleurs les utilisaient uniquement dans leurs performances et des ensembles entiers de harpistes pouvaient être créés. Les Irlandais et les Bretons étaient considérés comme les meilleurs harpistes. Au 16ème siècle la harpe a pratiquement disparu en France et n'y est apparue que des siècles plus tard, sous sa forme moderne.

Une mention spéciale doit être faite à deux instruments médiévaux pincés. Ce sont le psaltérion et la siphonie.

Le psautier antique est un instrument à cordes de forme triangulaire, rappelant vaguement notre harpe. Au Moyen Âge, la forme de l'instrument change : les psautiers carrés sont également représentés en miniatures. Le joueur le tenait sur ses genoux et pinçait vingt et une cordes avec ses doigts ou un plectre (la tessiture de l'instrument est de trois octaves). L'inventeur du psautier est considéré comme le roi David, qui, selon la légende, utilisait le bec d'un oiseau comme plectre. Une miniature du manuscrit de Gérard de Landsberg de la Bibliothèque de Strasbourg représente le roi biblique jouant son idée (Fig. 38).

Dans la littérature française médiévale, les psautiers ont commencé à être mentionnés dès le début du XIIe siècle ; la forme des instruments pouvait être très différente (Fig. 39 et 40) ils étaient joués non seulement par des ménestrels, mais aussi par des femmes - dames nobles ; et leur suite. Au 14ème siècle Le psautier quitte progressivement la scène pour laisser la place au clavecin, mais celui-ci ne parvient pas à obtenir le son chromatique caractéristique des psautiers à cordes doubles.

Dans une certaine mesure, un autre instrument médiéval, qui a pratiquement disparu dès le XVe siècle, est également similaire au plâtrage. Il s'agit d'une siphonie (chifonie) - une version occidentale de la harpe à roues russe. Cependant, en plus de la roue avec une brosse en bois qui, lorsque le manche est tourné, touche trois cordes droites, la siphonie est également équipée de touches qui régulent également son son. Il y a sept touches sur la siphonie, et elles sont situées. à l'extrémité opposée à celle sur laquelle tourne la roue. La siphonie était généralement jouée par deux personnes et le son de l'instrument était, selon les sources, harmonieux et silencieux. Un dessin d'une sculpture du chapiteau d'une des colonnes de Bocheville (XIIe siècle) démontre une méthode de jeu similaire (fig. 41). La siphonie est devenue la plus répandue aux XIe et XIIe siècles. Au XVe siècle Le petit siphon, joué par un musicien, était populaire. Dans le manuscrit « Le Roman de Gérard de Nevers et la belle Ariana » de la Bibliothèque nationale de Paris se trouve une miniature représentant le personnage principal habillé en ménestrel, avec un instrument similaire à ses côtés (Fig. 42).

Origines de la musique française.

Les origines folkloriques de la musique française remontent au début du Moyen Âge : aux VIIIe-IXe siècles, il y avait des airs de danse et des chants de différents genres - travail, calendrier, épopée et autres.
À la fin du VIIIe siècle, elle fut créée Chant grégorien.
DANS Aux XIe-XIIe siècles, l'art chevaleresque musical et poétique des troubadours s'épanouit dans le sud de la France.
DANS Aux XIIe et XIIIe siècles, les successeurs de la tradition des troubadours étaient les chevaliers et les citadins du nord de la France - les trouvères. Parmi eux, le plus célèbre est Adam de la Al (mort en 1286).

Adam de la Al "Le jeu de Robin et Marion".

Au XIVe siècle, le mouvement de l’Art Nouveau émerge dans la musique française. Le chef de ce mouvement était Philippe de Vitry (1291-1361) - théoricien de la musique et compositeur, auteur de nombreux ouvrages profanes des motets. Cependant, vers la fin du XVIe siècle, à l'époque de Charles 9, la nature de la musique française changea. L'ère du ballet a commencé lorsque la musique accompagnait la danse. A cette époque, les instruments suivants se généralisent : flûte, clavecin, violoncelle, violon. Et cette époque peut être appelée l'heure de naissance de la vraie musique instrumentale

.

Philippe de Vitry "Seigneur des Seigneurs" (motet).

Le 17ème siècle est - nouvelle étape développement de la musique française. Le grand compositeur français Jean Baptiste Lully (Jean-Baptiste de Lully 28/11/1632, Florence - 22/03/1687, Paris) crée ses opéras. Jean Baptiste est un excellent danseur, violoniste, chef d'orchestre et chorégraphe d'origine italienne, considéré comme le créateur reconnu de l'opéra national français. Parmi eux se trouvent des opéras tels que : Thésée (1675), Isis (1677), Psyché (1678, Persée (1682), Phaéton (1683), Roland (1685) et Armida. (1686) et d'autres. Dans ses opéras, qui étaient Appelé « tragédie mise en musique », Jean Baptiste Lully cherchait à rehausser les effets dramatiques de la musique. Grâce à l'habileté de la mise en scène et à l'efficacité du ballet, ses opéras durent environ 100 ans. Dans le même temps, les chanteurs d’opéra ont commencé à se produire pour la première fois sans masque et les femmes ont commencé à danser en ballet sur la scène publique.
Rameau Jean Philippe (1683-1764) - compositeur et théoricien de la musique français. Utilisant les acquis des cultures musicales française et italienne, il modifie considérablement le style de l'opéra classique et prépare la réforme lyrique de Christophe Willibaldi Gluck. Il a écrit les tragédies lyriques « Hippolyte et Arisia » (1733), « Castor et Pollux » (1737), l'opéra-ballet « L'Inde galante » (1735), des pièces de clavecin et bien plus encore. Ses travaux théoriques constituent une étape importante dans l'élaboration de la doctrine de l'harmonie.
François Couperin (1668-1733) - compositeur, claveciniste, organiste français. D'une dynastie comparable à la dynastie allemande de Bach, puisqu'il y avait plusieurs générations de musiciens dans sa famille. Couperin était surnommé « le grand Couperin » en partie à cause de son sens de l'humour et en partie à cause de son caractère. Son œuvre constitue le summum de l’art du clavecin français. La musique de Couperin se distingue par l'inventivité mélodique, la grâce et la précision des détails.

1. Sonate de Jean Baptiste Lully en la mineur, 4ème mouvement "Gigue".

2. Jean Philippe Rameau "Poulet" - joué par Arkady Kazaryan.

3. François Couperin "Réveil" - joué par Ayan Sambueva.

Au XVIIIe siècle – fin du XIXe siècle, la musique est devenue une véritable arme dans la lutte pour les croyances et les désirs de chacun. Toute une galaxie de compositeurs célèbres apparaît : Maurice Ravel, Jean-Philippe Rameau, Claude Joseph Rouget de Lisle, (1760-1836) ingénieur militaire français, poète et compositeur. Il a écrit des hymnes, des chansons, des romances. En 1792, il écrit la composition « La Marseillaise », qui deviendra plus tard l'hymne de la France.

Hymne de la France.

Gluck Christoph Willibald (1714-1787) - célèbre compositeur franco-allemand. Ses activités les plus célèbres sont associées à la scène de l'opéra parisien, pour laquelle il a écrit ses meilleures œuvres avec des paroles françaises. C'est pourquoi les Français le considèrent comme un compositeur français. De nombreux de ses opéras : "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" et d'autres ont été donnés à Milan, Turin, Venise, Crémone. Ayant reçu une invitation à Londres, Gluck écrit deux opéras pour le Hay-Market Theatre : "La Caduta de Giganti" (1746) et "Artamene" et un opéra medley (pasticcio) "Pyram".

Mélodie de l'opéra "Orphée et Eurydice".

Au XIXe siècle - les compositeurs Georges Bizet, Hector Berlioz, Claude Debussy, Maurice Ravel et autres.

Au XXe siècle, de véritables artistes professionnels apparaissent. Ce sont eux qui ont rendu la chanson française si célèbre, créant toute une direction du chansonnier français. Aujourd’hui, leurs noms s’inscrivent hors du temps et des modes. Il s'agit de Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Patricia Kass, Joe Dassin, Dalida, Vanessa Paradis. Tous sont connus pour leurs belles chansons lyriques, qui ont conquis non seulement les auditeurs en France, mais aussi dans d'autres pays. Beaucoup d’entre eux ont été repris par d’autres artistes.

Pour préparer cette page, des matériaux du site ont été utilisés :
http://ru.wikipedia.org/wiki, http://www.tlemb.ru/articles/french_music ;
http://dic.academic.ru/dic.nsf/enc1p/14802
http://www.fonstola.ru/download/84060/1600x900/
Matériel du livre "The Musician's Companion" Editeur - compilateur A. L. Ostrovsky ; maison d'édition "MUSIQUE" Leningrad 1969, p.340

musique française- l'une des cultures musicales européennes les plus intéressantes et les plus influentes, qui tire ses origines du folklore des tribus celtiques et germaniques qui vivaient autrefois dans l'actuelle France. Avec l'émergence de la France au Moyen Âge, la musique française a fusionné les traditions musicales folkloriques de nombreuses régions du pays. La culture musicale française s'est développée, en interaction également avec les cultures musicales d'autres nations européennes, notamment italienne et allemande. Depuis la seconde moitié du XXe siècle, la scène musicale française s'est enrichie des traditions musicales des peuples d'Afrique. Elle ne reste pas à l'écart de la culture musicale mondiale, intégrant les nouvelles tendances musicales et donnant une saveur si française au jazz, au rock, au hip-hop et à la musique électronique.

Histoire

Origines

La culture musicale française a commencé à prendre forme sur une riche couche de chansons folkloriques. Bien que les enregistrements fiables de chansons les plus anciens qui subsistent jusqu'à nos jours remontent au XVe siècle, les documents littéraires et artistiques indiquent que depuis l'époque de l'Empire romain, la musique et le chant occupent une place importante dans la vie quotidienne des gens.

Avec le christianisme, la musique religieuse est arrivée sur les terres françaises. Latin à l’origine, il a progressivement évolué sous l’influence de la musique folklorique. L'église a utilisé dans ses services du matériel compréhensible pour les résidents locaux. Entre le Ve et le IXe siècle, un type unique de liturgie se développe en Gaule : le rite gallican avec chant gallican. Parmi les auteurs d'hymnes religieux, Hilaire de Poitiers était célèbre. Le rite gallican est connu de sources historiques, ce qui indique qu'il était très différent du rite romain. Elle n'a pas survécu parce que les rois de France l'ont abolie, cherchant à obtenir de Rome le titre d'empereur, et que l'Église romaine a tenté de parvenir à l'unification des services religieux.

La polyphonie a donné naissance à de nouveaux genres de musique religieuse et profane, notamment la direction et le motet. La conduite était initialement exécutée principalement lors des services religieux festifs, mais est devenue plus tard un genre purement profane. Parmi les auteurs de la conduite se trouve Perotin.

D'après un chef d'orchestre de la fin du XIIe siècle. En France, le genre le plus important de la musique polyphonique s'est formé : le motet. Ses premiers exemplaires appartiennent également aux maîtres de l'Ecole de Paris (Pérotin, Franco de Cologne, Pierre de la Croix). Le motet permettait la liberté de combiner des airs et des textes liturgiques et profanes, une combinaison qui conduisit à la naissance du motet au XIIIe siècle. un motet ludique. Le genre motet a connu une mise à jour importante au XIVe siècle dans les conditions de la direction ars nova, dont l'idéologue était Philippe de Vitry.

Dans l’art de l’ars nova, une grande importance était attachée à l’interaction de la musique « quotidienne » et « scientifique » (c’est-à-dire le chant et le motet). Philippe de Vitry a créé un nouveau type de motet : le motet isorythmique. Les innovations de Philippe de Vitry touchent également la doctrine de la consonance et de la dissonance (il annonce les consonances de tierces et de sixtes).

Les idées de l'ars nova et, en particulier, du motet isorythmique ont poursuivi leur développement dans l'œuvre de Guillaume de Machaut, qui a combiné les réalisations artistiques de l'art musical et poétique chevaleresque avec ses chants unanimes et sa culture musicale urbaine polyphonique. Il possède des chansons de style folk (lays), virele, rondo, et il fut le premier à développer le genre de la ballade polyphonique. Dans le motet, Machaut a utilisé les instruments de musique de manière plus cohérente que ses prédécesseurs (les voix graves étaient probablement auparavant instrumentales). Machaut est également considéré comme l'auteur de la première messe polyphonique française (1364).

Renaissance

A la fin du XVe siècle. La culture de la Renaissance s'implante en France. Le développement de la culture française a été influencé par des facteurs tels que l'émergence de la bourgeoisie (XVe siècle), la lutte pour l'unification de la France (terminée à la fin du XVe siècle) et la création d'un État centralisé. Un développement continu était également essentiel art folklorique et les activités des compositeurs de l'école franco-flamande.

Le rôle de la musique dans la vie sociale augmente. Les rois de France créèrent de grandes chapelles à leur cour, organisèrent des festivals musicaux, la cour royale devint le centre art professionnel. Le rôle de la chapelle de la cour est renforcé. Henri III établit le poste de « intendant en chef de la musique » à la cour, le premier à occuper ce poste fut le violoniste italien Baltazarini de Belgioso. Outre la cour royale et l'église, les salons aristocratiques étaient également d'importants centres d'art musical.

L'apogée de la Renaissance, associée à la formation de la culture nationale française, s'est produite au milieu du XVIe siècle. À cette époque, le chant polyphonique profane - la chanson - est devenu un genre exceptionnel d'art professionnel. Son style polyphonique obtient nouvelle interprétation, en accord avec les idées des humanistes français - Rabelais, Clément Marot, Pierre de Ronsard. Le principal auteur de chansons de cette époque est considéré comme Clément Janequin, qui a écrit plus de 200 chansons polyphoniques. Les chansons sont devenues célèbres non seulement en France, mais aussi à l'étranger, en grande partie grâce à l'impression musicale et au renforcement des liens entre les pays européens.

À la Renaissance, le rôle de la musique instrumentale s’accroît. La viole, le luth, la guitare et le violon (en tant qu'instrument folklorique) étaient largement utilisés dans la vie musicale. Les genres instrumentaux ont pénétré à la fois la musique quotidienne et professionnelle, en partie la musique religieuse. Les pièces de danse pour luth se distinguaient parmi les pièces dominantes au XVIe siècle. œuvres polyphoniques avec plasticité rythmique, composition homophonique, transparence de texture. Un trait caractéristique était la combinaison de deux ou plusieurs danses basées sur le principe du contraste rythmique en cycles uniques, qui sont devenus la base de la future suite de danse. La musique d'orgue a également acquis une signification plus indépendante. L'émergence de l'école d'orgue en France (fin du XVIe siècle) est associée aux travaux de l'organiste J. Titlouz.

Éducation

17ème siècle

La musique française du XVIIe siècle a été fortement influencée par l'esthétique rationaliste du classicisme, qui mettait en avant les exigences de goût, d'équilibre entre la beauté et la vérité, la clarté du dessin, l'harmonie de la composition. Le classicisme, qui s'est développé simultanément avec le style baroque, apparaît en France au XVIIe siècle. expression complète.

A cette époque, la musique profane en France l'emporte sur la musique spirituelle. Avec l'établissement de la monarchie absolue, l'art de cour acquit une grande importance, déterminant l'orientation du développement des genres les plus importants de la musique française de cette époque - l'opéra et le ballet. Les années du règne de Louis XIV furent marquées par l'extraordinaire splendeur de la vie de cour, le désir de la noblesse pour le luxe et les divertissements raffinés. À cet égard, un rôle important a été attribué au ballet de cour. Au 17ème siècle Les tendances italiennes se sont intensifiées à la cour, ce qui a été particulièrement facilité par le cardinal Mazarin. Apprendre à connaître opéra italien a servi d'incitation à créer son propre opéra national, la première expérience dans ce domaine appartient à Elisabeth Jacquet de la Guerre (« Le Triomphe de l'Amour »).

A la fin du XVIIe - première moitié du XVIIIe siècle, des compositeurs tels que N. A. Charpentier, A. Campra, M. R. Delalande, A. K. Detouch écrivent pour le théâtre. Les successeurs de Lully ont la convention d'un courtisan style théâtral s'intensifie. Dans leurs tragédies lyriques, les aspects décoratifs-ballets, pastoraux-idylliques sont mis en avant, et le début dramatique est de plus en plus affaibli. La tragédie lyrique cède la place à l'opéra-ballet.

Au 17ème siècle en France, diverses écoles instrumentales se développent - luth (D. Gautier, qui influença le style de clavecin de J.-A. d'Anglebert, J. C. de Chambonnière), clavecin (Chambonnière, L. Couperin), viole (M. Marin, qui pour la première fois en France, une contrebasse a été introduite dans un orchestre d'opéra au lieu d'une contrebasse de viole). Valeur la plus élevée acquis par l'école française des clavecinistes. Le premier style de clavecin s’est développé sous l’influence directe de l’art du luth. Les œuvres de Chambonnière reflétaient la manière d'ornementation mélodique caractéristique des clavecinistes français. L'abondance des décors confère aux œuvres pour clavecin une certaine sophistication, ainsi qu'une plus grande cohérence, une plus grande « mélodie », « extension » et le son abrupt de cet instrument. DANS musique instrumentale largement utilisé depuis le 16ème siècle. l'unification des danses en couple (pavane, gaillarde, etc.), qui conduit au XVIIe siècle à la création d'une suite instrumentale.

XVIIIe siècle

Au XVIIIe siècle, avec l’influence croissante de la bourgeoisie, de nouvelles formes de vie musicale et sociale prennent forme. Peu à peu, les concerts dépassent les limites des salles du palais et des salons aristocratiques. En A. Philidor (Danican) organisait régulièrement des « Concerts spirituels » publics à Paris, en François Gossec fondait la société « Concerts amateurs ». Les soirées de la société académique « Friends of Apollo » (fondée en 1977) étaient plus isolées ; des séries annuelles de concerts étaient organisées par la « Royal Academy of Music ».

Dans les années 20-30 du XVIIIe siècle. La suite pour clavecin atteint son apogée. Parmi les clavecinistes français, le premier rôle appartient à F. Couperin, auteur de cycles libres fondés sur les principes de similitude et de contraste des pièces. Aux côtés de Couperin, J. F. Dandré et surtout J. F. Rameau ont également largement contribué au développement de la suite pour clavecin caractéristique du programme.

Le système a également subi des transformations radicales éducation musicale. Les métrises ont été annulées ; mais il s'est ouvert École de musique Garde Nationale pour la formation des musiciens militaires, et à - l'Institut National de Musique (avec - le Conservatoire de Paris).

La période de la dictature napoléonienne (1799-1814) et de la Restauration (1814-15, 1815-30) n'apporte pas de réalisations significatives à la musique française. À la fin de la Restauration, on assiste à un renouveau dans le domaine culturel. Dans la lutte contre l'art académique de l'Empire napoléonien prend forme l'opéra romantique français qui prend dans les années 20-30 une position dominante (F. Aubert). Au cours de ces mêmes années, émerge le genre du grand opéra aux intrigues historiques, patriotiques et héroïques. Le romantisme musical français a trouvé son expression la plus vivante dans l'œuvre de G. Berlioz, créateur du symphonisme romantique programmatique. Berlioz, avec Wagner, est également considéré comme le fondateur d'une nouvelle école de direction d'orchestre.

Un événement important dans la vie publique française des années 1870 fut la Commune de Paris de 1870-1871. Cette période donne naissance à de nombreuses chansons de travail, dont « L'Internationale » (musique de Pierre Degeyter avec paroles d'Eugène Pothier) devient l'hymne des partis communistes et, en 1944, l'hymne de l'URSS.

XXe siècle

À la fin des années 80 et 90 du XIXe siècle, un nouveau mouvement est apparu en France, qui s'est répandu au début du XXe siècle : l'impressionnisme. L'impressionnisme musical a ravivé certaines traditions nationales - le désir de concret, de programmaticité, de sophistication du style, de transparence de la texture. L'impressionnisme a trouvé son expression la plus complète dans la musique de C. Debussy et a influencé le travail de M. Ravel, P. Dukas et d'autres. L'impressionnisme a également introduit des innovations dans le domaine des genres musicaux. Chez Debussy, les cycles symphoniques cèdent la place aux esquisses symphoniques ; V musique pour piano les miniatures de logiciels prédominent. Maurice Ravel a également été influencé par l'esthétique de l'impressionnisme. Son travail mêlait diverses tendances esthétiques et stylistiques - romantiques, impressionnistes et, dans ses œuvres ultérieures, - des tendances néoclassiques.

Aux côtés des tendances impressionnistes de la musique française au tournant des XIXe et XXe siècles. Les traditions de Saint-Saëns ont continué à se développer, ainsi que celles de Frank, dont le travail se caractérise par une combinaison de clarté de style classique et d'images romantiques lumineuses.

La France a joué un rôle important dans le développement de la musique électronique - c'est ici qu'est apparue la musique concrète à la fin des années 40, un ordinateur avec saisie d'informations graphiques - UPI - a été développé sous la direction de Xenakis, et dans les années 1970 la direction de la musique spectrale est né en France. Depuis 1977, le centre des musiques expérimentales est l'IRCAM, institut de recherche ouvert par Pierre Boulez.

La modernité

Musique académique

Sa capitale, Paris, reste le centre musical de la France. L'Opéra national de Paris opère à Paris (donne des représentations aux théâtres de l'Opéra Garnier et de l'Opéra Bastille), des concerts et des représentations d'opéra sont donnés au Théâtre des Champs-Élysées, parmi les principaux groupes musicaux - Orchestre National France, Orchestre Philharmonique de Radio France, Orchestre de Paris, Orchestre Colonna et autres.

Parmi les établissements d'enseignement musical spécialisés figurent le Conservatoire de Paris, la Skola Cantorum et l'Ecole Normale - à Paris. Le centre de recherche musicale le plus important est l'Institut de Musicologie de l'Université de Paris. Les livres et les documents d'archives sont conservés à la Bibliothèque nationale (où le département de musique a été créé), à la Bibliothèque et au Musée des instruments de musique du Conservatoire.

Dans la culture moderne, la chanson est une musique populaire française qui conserve le rythme spécifique de la langue française, différente des chansons écrites sous l'influence de la musique anglophone. Parmi les interprètes marquants de la chanson figurent Georges Brassens, Edith Piaf, Joe Dassin, Jacques Brel, Charles Aznavour, Léo Ferret, Jean Ferrat, Georges Moustakis, Mireille Mathieu, Patricia Kaas et d'autres. Les interprètes de la chanson française sont généralement appelés chansonniers. Dans les années 1960, une variété populaire de chanson était la direction yé-yé (yé-yé, yéyé), représentée principalement par des interprètes féminines, parmi lesquelles France Gall, Sylvie Vartan, Brigitte Bardot, Françoise Hardy, Dalida, Michelle Torre.

La France a accueilli le Concours Eurovision de la Chanson à trois reprises – dans et autour du monde. Cinq musiciens français ont remporté le Concours Eurovision de la chanson - André Clavier (), Jacqueline Boyer (), Isabelle Aubray (), Frida Boccara () et Marie Miriam (), après quoi la plus haute réussite des Français a été la deuxième place en 2016.

le jazz

La house française devient un phénomène spécifique, caractérisé par une abondance d'effets phaser et de coupures de fréquence inhérents à l'Eurodisco des années 1970. Les fondateurs de cette tendance sont considérés comme Daft Punk, Cassius et Etienne de Crécy. Dans les années 2000, le DJ house David Guetta devient l’un des musiciens français les mieux payés.

Rock et hip-hop

La musique rock en France a commencé à la fin des années 1950 avec des artistes tels que Johnny Hallyday, Richard Anthony, Dick Rivers et Claude François interprétant du rock and roll dans l'esprit d'Elvis Presley. Le rock progressif était bien développé en France dans les années 1970. Parmi les patriarches du rock français des années 60 et 70 figurent les groupes de rock progressif Art Zoyd, Gong, Magma, dont le son est proche du krautrock allemand. Les années 1970 voient également une scène rock celtique florissante, notamment dans le nord-ouest, d'où sont originaires Alan Stivell, Malicorne, Tri Yann et d'autres. Les groupes clés des années 80 étaient les post-punks Noir Désir, les métalleurs Shakin' Street et Mystery Blue. Dans les années 1990, un mouvement de black metal underground s'est formé en France Les Légions Noires. groupes à succès la dernière décennie- les métalliers Anorexia Nervosa et les artistes rapcore Pleymo.

Les Pleymo sont également associés à la scène hip-hop française. Ce style « street » est très populaire parmi les non-autochtones, les immigrants arabes et africains. Certains artistes issus de familles immigrées ont acquis une renommée de masse, par exemple K.Maro, Diam's, MC Solaar, Stromae, Sexion d'Assaut.

La France accueille des festivals de musique rock comme les Eurockéennes (depuis 1989), La Route du Rock (depuis 1991), le Festival des Vieilles Charrues (depuis 1992), Rock en Seine (depuis 2003), Main Square Festival (depuis 2004), Les Massiliades (depuis 2008).

Donnez votre avis sur l'article "Musique de France"

Littérature

• O.A. Vinogradova.// Encyclopédie musicale, M., 1973-82
• T. F. Gnativ. Culture musicale de France tournant du XIX-XX des siècles / Didacticiel pour les universités de musique. - K. : Ukraine musicale, 1993. - 10,92 p.s.
• Musique française de la seconde moitié du XIXe siècle (collection d'art.), intro. Art. et éd. M.S. Druskina, M., 1938
• Schneerson G., Musiques de France, M., 1958
• Édith Weber, Histoire de la musique française de 1500 à 1650, Regards sur l'histoire, 1999 (ISBN 978-2-7181-9301-4)
• Marc Robine, Il était une fois la chanson française, Paris, Fayard/Chorus, 2004, (ISBN 2-213-61910-7).
• François Porcile, La belle époque de la musique française 1871-1940, Paris, Fayard, 1999, (Chemins de la musique) (ISBN 978-2-213-60322-3)
• Damien Ehrhardt, Les relations franco-allemandes et la musique à programme, Lyon, Symétrie, 2009 (collection Perpetuum mobile) (ISBN 978-2-914373-43-2)
• Collectif (Auteur) Un siècle de chansons françaises 1979-1989(Partition de musique), Csdem, 2009 (ISBN 979-0-231-31373-4)
• Henri, Blogue : 2010.
• Paris A. Le nouveau dictionnaire des interprètes. Paris : R. Laffont, 2015. IX, 1364 p. ISBN9782221145760.
• Dictionnaire des Musiciens : les Interprètes. : Encyclopédie universalis France, 2016. ISBN 9782852295582.

Liens

• (Français)

Remarques

Voir ce modèle Histoire Politique Symboles Économie Géographie Culture Religion

Territoires dépendants États non reconnus et partiellement reconnus

Un extrait caractérisant la Musique de France

Toutes ces nouvelles m'ont donné le vertige... Mais Veya, comme d'habitude, était étonnamment calme, et cela m'a donné la force de demander plus.
– Et qui appelle-t-on adulte ?.. Si de telles personnes existent, bien sûr.
- Oui bien sur! – la fille a ri sincèrement. - Vouloir voir?
J'ai simplement hoché la tête, car soudain, d'effroi, ma gorge s'est complètement fermée et mon don de conversation « palpitant » s'est perdu quelque part... J'ai parfaitement compris qu'à cet instant je verrais une véritable créature « star » !.. Et , malgré le fait que, aussi loin que je me souvienne, j'avais attendu cela toute ma vie d'adulte, maintenant tout à coup, tout mon courage, pour une raison quelconque, s'est rapidement « effondré »...
Veya a agité sa paume - le terrain a changé. Au lieu de montagnes dorées et d’un ruisseau, nous nous sommes retrouvés dans une « ville » merveilleuse, émouvante et transparente (du moins, elle ressemblait à une ville). Et tout droit vers nous, le long d'une large « route argentée et humide et brillante », marchait lentement un homme magnifique... C'était un vieil homme grand et fier, qu'on ne pouvait appeler autrement que - majestueux !.. Tout sur il était en quelque sorte... parfois très correct et sage - et ses pensées étaient aussi pures que le cristal (que, pour une raison quelconque, j'entendais très clairement) ; et de longs cheveux argentés le recouvrant d'un manteau chatoyant ; et les mêmes yeux violets incroyablement gentils et immenses de « Vain »... Et sur son front haut, il y avait une « étoile » en or et en diamant brillante et merveilleusement étincelante.
"Repose en paix, Père," dit doucement Veya, touchant son front avec ses doigts.
"Et toi, celui qui est parti", répondit tristement le vieil homme.
Il y avait un air de gentillesse et d’affection sans fin de sa part. Et j'ai soudain eu très envie, comme un petit enfant, de m'enfouir sur ses genoux et de me cacher de tout pendant au moins quelques secondes, en respirant la paix profonde qui émanait de lui, et de ne pas penser au fait que j'ai peur... que je ne sais pas où est ma maison... et ce que je ne sais pas du tout, c'est où je suis, et ce qui m'arrive réellement en ce moment...
"Qui es-tu, créature ?..." J'entendis mentalement sa douce voix.
«Je suis un homme», répondis-je. - Désolé de troubler votre tranquillité. Je m'appelle Svetlana.
L'aîné m'a regardé chaleureusement et attentivement avec ses yeux sages, et pour une raison quelconque, l'approbation brillait en eux.
"Vous vouliez voir le Sage - vous le voyez", dit doucement Veya. – Tu veux demander quelque chose ?
– S'il vous plaît, dites-moi, le mal existe-t-il dans votre monde merveilleux ? – même si j’avais honte de ma question, j’ai quand même décidé de la poser.
– Qu'appelles-tu « le mal », Man-Svetlana ? - demanda le sage.
– Mensonges, meurtre, trahison... Vous n'avez pas de tels mots ?..
– C'était il y a longtemps... plus personne ne s'en souvient. Juste moi. Mais nous savons ce que c'était. Ceci est ancré dans notre « mémoire ancienne » afin que nous n’oubliions jamais. Êtes-vous venu d’où vit le mal ?
J'ai hoché la tête tristement. J'étais très bouleversé pour ma Terre natale et pour le fait que la vie y était si imparfaite qu'elle m'obligeait à poser de telles questions... Mais, en même temps, je voulais vraiment que le Mal quitte notre Maison pour toujours, parce que que j'aimais cette maison de tout mon cœur et que je rêvais très souvent qu'un jour un jour si merveilleux viendrait où :
une personne sourira de joie, sachant que les gens ne peuvent lui apporter que du bien...
quand une fille seule n'aura pas peur de se promener le soir dans la rue la plus sombre, sans craindre que quelqu'un ne l'offense...
quand tu peux joyeusement ouvrir ton cœur sans craindre que ton meilleur ami te trahisse...
quand on peut laisser quelque chose de très cher dans la rue, sans craindre que si on tourne le dos, on le vole immédiatement...
Et je croyais sincèrement, de tout mon cœur, que quelque part il y avait vraiment un monde si merveilleux, où il n'y a ni mal ni peur, mais il y a une simple joie de vivre et de beauté... C'est pourquoi, suivant mon rêve naïf, J'ai profité de la moindre occasion pour au moins apprendre quelque chose sur la manière dont il est possible de détruire ce même Mal terrestre, si tenace et si indestructible... Et aussi - pour que je n'aie jamais honte de dire à quelqu'un quelque part que je suis un homme. ..
Bien sûr, c'étaient des rêves naïfs d'enfant... Mais à l'époque, je n'étais encore qu'un enfant.
– Je m'appelle Atis, Man-Svetlana. Je vis ici depuis le début, j'ai vu le Mal... Beaucoup de mal...
- Comment t'es-tu débarrassé de lui, sage Atis ?! Est-ce que quelqu'un vous a aidé ?.. – ai-je demandé avec optimisme. – Pouvez-vous nous aider ?.. Donnez-moi au moins quelques conseils ?
- Nous avons trouvé la raison... Et nous l'avons tuée. Mais votre mal échappe à notre contrôle. C'est différent... Tout comme les autres et vous. Et le bien des autres n’est pas toujours bon pour vous. Vous devez trouver votre propre raison. Et détruis-le", il a doucement posé sa main sur ma tête et une merveilleuse paix a coulé en moi... "Adieu, Homme-Svetlana... Tu trouveras la réponse à ta question." Puisses-tu te reposer...
Je restais plongé dans mes pensées et je ne prêtais pas attention au fait que la réalité autour de moi avait changé depuis longtemps et qu'au lieu d'une ville étrange et transparente, nous «nageions» maintenant dans une «eau» violette et dense sur une surface inhabituelle et plate. et un appareil transparent, sans poignées, sans rames - rien du tout, comme si nous nous tenions sur un grand verre transparent mince et mobile. Bien qu’aucun mouvement ou balancement n’ait été ressenti. Il a glissé sur la surface avec une douceur et un calme surprenants, vous faisant oublier qu'il bougeait...
-Qu'est-ce que c'est ?..Où allons-nous ? – ai-je demandé avec surprise.
"Pour récupérer ton petit ami," répondit calmement Veya.
- Mais comment?!. Elle ne peut pas le faire, n'est-ce pas ?..
- Sera capable. "Elle a le même cristal que toi", fut la réponse. « Nous la retrouverons au « pont », et sans rien expliquer davantage, elle a rapidement arrêté notre étrange « bateau ».
Maintenant, nous étions déjà au pied d'un mur brillant « poli », noir comme la nuit, qui était très différent de tout ce qui était léger et scintillant autour, et semblait créé artificiellement et étranger. Soudain, le mur s'est « séparé », comme s'il s'agissait à cet endroit d'un épais brouillard, et dans un « cocon » doré est apparue... Stella. Fraîche et en bonne santé, comme si elle venait de faire une agréable promenade... Et, bien sûr, follement heureuse de ce qui se passait... En me voyant, son doux petit visage brillait de joie et, par habitude, elle s'est immédiatement mise à babiller :
– Tu es là aussi ?!... Oh, comme c'est bon !!! Et j'étais tellement inquiète !.. Tellement inquiète !.. Je pensais que quelque chose t'était définitivement arrivé. Comment es-tu arrivée ici ?.. – la petite fille me regardait, abasourdie.
"Je pense la même chose que toi," je souris.
"Et quand j'ai vu que tu étais emporté, j'ai immédiatement essayé de te rattraper !" Mais j'ai essayé et essayé et rien n'a fonctionné... jusqu'à ce qu'elle vienne. – Stella a pointé son stylo sur Veya. – Je te suis très reconnaissant pour cela, fille Veya ! – par sa drôle d'habitude de s'adresser à deux personnes à la fois, remercia-t-elle gentiment.
"Cette "fille" a deux millions d'années..." murmurai-je à l'oreille de mon ami.
Les yeux de Stella s'écarquillèrent de surprise, et elle resta elle-même debout, dans une stupeur silencieuse, digérant lentement cette étonnante nouvelle...
"Hein, deux millions ?.. Pourquoi est-elle si petite ?.." Stella haleta, abasourdie.
- Oui, elle dit qu'ils vivent longtemps... Peut-être que ton essence vient du même endroit ? - J'ai plaisanté. Mais Stella n’a apparemment pas du tout aimé ma blague, car elle s’est immédiatement indignée :
- Comment peux-tu ?!.. Je suis comme toi ! Je ne suis pas du tout « violet » !..
Je me sentais drôle et un peu honteux - la petite fille était une vraie patriote...
Dès que Stella est apparue ici, je me suis immédiatement sentie heureuse et forte. Apparemment, nos « promenades au sol » habituelles, parfois dangereuses, ont eu un effet positif sur mon humeur, et cela a immédiatement remis tout à sa place.
Stella regarda autour d’elle avec ravissement, et il était clair qu’elle avait hâte de bombarder notre « guide » de mille questions. Mais la petite fille se retint héroïquement, essayant de paraître plus sérieuse et plus mature qu'elle ne l'était en réalité...
– S'il te plaît, dis-moi, fille Veya, où pouvons-nous aller ? – Stella a demandé très poliment. Apparemment, elle n’a jamais réussi à comprendre l’idée que Veya puisse être si « vieille »…
"Où tu veux, puisque tu es là", répondit calmement la fille "star".
Nous avons regardé autour de nous - nous étions attirés dans toutes les directions à la fois !.. C'était incroyablement intéressant et nous voulions tout voir, mais nous avons parfaitement compris que nous ne pouvions pas rester ici pour toujours. Alors, voyant comment Stella s'agitait d'impatience, je l'ai invitée à choisir où nous devrions aller.
- Oh, s'il vous plaît, pouvons-nous voir quel genre de « créatures vivantes » vous avez ici ? – de façon inattendue pour moi, a demandé Stella.
Bien sûr, j'aimerais regarder autre chose, mais il n'y avait nulle part où aller - je lui ai proposé de choisir...
Nous nous sommes retrouvés dans quelque chose comme une forêt très lumineuse, pleine de couleurs. C'était absolument incroyable !.. Mais pour une raison quelconque, j'ai soudain pensé que je ne voudrais pas rester longtemps dans une telle forêt... C'était, encore une fois, trop beau et trop lumineux, un peu oppressant, pas du tout comme notre forêt terrestre apaisante et fraîche, verte et lumineuse.
Il est probablement vrai que chacun devrait être là où il appartient vraiment. Et j'ai immédiatement pensé à notre adorable bébé « star »... Comme sa maison et son environnement natal et familier lui ont dû manquer !.. Ce n'est que maintenant que j'ai pu comprendre au moins un peu à quel point elle devait se sentir seule dans notre environnement imparfait. et parfois une Terre dangereuse...
- S'il te plaît, dis-moi, Veya, pourquoi Atis t'a dit que tu étais parti ? – J'ai finalement posé la question qui tourbillonnait de manière agaçante dans ma tête.
– Oh, c’est parce qu’il était une fois, il y a très longtemps, ma famille est allée volontairement aider d’autres êtres qui avaient besoin de notre aide. Cela nous arrive souvent. Et ceux qui sont partis ne reviennent jamais chez eux... C'est le droit du libre choix, pour qu'ils sachent ce qu'ils font. C'est pour ça qu'Atis a eu pitié de moi...
– Qui part si tu ne peux pas revenir ? – Stella était surprise.
"Beaucoup... Parfois même plus que nécessaire", devint triste Veya. – Autrefois, nos « sages » avaient même peur qu’il ne nous reste plus assez de Viilis pour habiter correctement notre planète…
– Qu’est-ce que viilis ? – Stella s'est intéressée.
- C'est nous. Tout comme vous êtes des humains, nous sommes Viilis. Et notre planète s'appelle Viilis. – Veya a répondu.
Et puis j’ai soudain réalisé que pour une raison quelconque, nous n’avions même pas pensé à poser la question plus tôt !.. Mais c’est la première chose que nous aurions dû demander !
– As-tu changé, ou as-tu toujours été comme ça ? – J'ai demandé à nouveau.
"Ils ont changé, mais seulement à l'intérieur, si c'est ce que tu voulais dire", répondit Veya.
Un énorme oiseau multicolore et incroyablement brillant a survolé nos têtes... Une couronne de « plumes » orange brillantes scintillait sur sa tête et ses ailes étaient longues et duveteuses, comme s'il portait un nuage multicolore. L'oiseau s'est assis sur une pierre et a regardé très sérieusement dans notre direction...
- Pourquoi nous regarde-t-elle si attentivement ? – demanda Stella en frissonnant, et il me sembla qu'elle avait une autre question en tête – « est-ce que cet « oiseau » a déjà déjeuné aujourd'hui ?
L'oiseau se rapprocha prudemment. Stella couina et recula d'un bond. L'oiseau fit un pas de plus... Il était trois fois plus gros que Stella, mais il ne semblait pas agressif, mais plutôt curieux.
- Est-ce qu'elle m'aimait bien, ou quoi ? – Stella fit la moue. - Pourquoi ne vient-elle pas vers toi ? Que veut-elle de moi ?..
C'était drôle de voir comment la petite fille pouvait à peine se retenir de tirer d'ici. Apparemment, le bel oiseau n'a pas suscité beaucoup de sympathie chez elle...
Soudain, l'oiseau déploya ses ailes et une lumière aveuglante en sortit. Lentement, lentement, un brouillard commença à tourbillonner au-dessus des ailes, semblable à celui qui flottait sur Veya lorsque nous l'avons vue pour la première fois. Le brouillard tourbillonnait et s'épaississait de plus en plus, devenant comme un épais rideau, et de ce rideau d'immenses yeux presque humains nous regardaient...
"Oh, est-ce qu'elle se transforme en quelqu'un ?!.." cria Stella. - Regarde regarde!..
C'était vraiment quelque chose à regarder, puisque « l'oiseau » commença soudain à se « déformer », se transformant soit en animal, avec des yeux humains, soit en homme, avec un corps animal...
-Qu'est-ce que c'est? – mon amie a écarquillé ses yeux marron de surprise. -Que lui arrive-t-il ?..
Et "l'oiseau" avait déjà glissé hors de ses ailes, et devant nous se tenait un très créature inhabituelle. Il ressemblait à un mi-oiseau, mi-homme, avec un gros bec et une tête triangulaire. visage humain, très flexible, comme un guépard, avec un corps et des mouvements prédateurs et sauvages... Elle était très belle et, en même temps, très effrayante.
- C'est Miard. – Wei a présenté la créature. – Si tu veux, il te montrera les « êtres vivants », comme tu dis.
La créature, nommée Miard, a recommencé à avoir des ailes de fée. Et il les fit signe de manière invitante dans notre direction.
- Pourquoi lui? Êtes-vous très occupé, « star » Wei ?
Stella avait un visage très malheureux, car elle avait clairement peur de cet étrange « beau monstre », mais elle n'avait apparemment pas le courage de l'admettre. Je pense qu'elle préférerait l'accompagner plutôt que d'admettre qu'elle avait simplement peur... Veya, ayant clairement lu les pensées de Stella, la rassura immédiatement :
– Il est très affectueux et gentil, vous l’aimerez. Vous vouliez regarder quelque chose en direct, et il le sait mieux que quiconque.
Miard s'est approché avec précaution, comme s'il sentait que Stella avait peur de lui... Mais cette fois, pour une raison quelconque, je n'avais pas peur du tout, bien au contraire : il m'intéressait énormément.
Il s'approcha de Stella, qui à ce moment-là était presque en train de crier d'horreur, et lui toucha soigneusement la joue avec son aile douce et pelucheuse... Un brouillard violet tourbillonnait sur la tête rouge de Stella.
"Oh, regarde, le mien est le même que celui de Veiya !..." s'exclama la petite fille surprise avec enthousiasme. - Comment est-ce arrivé ?.. Oh-oh, comme c'est beau !.. - cela faisait déjà référence à la nouvelle zone qui est apparue sous nos yeux avec des animaux absolument incroyables.
Nous nous tenions sur la rive vallonnée d'une large rivière semblable à un miroir, dont l'eau était étrangement « gelée » et, semblait-il, on pouvait marcher calmement dessus - elle ne bougeait pas du tout. Un brouillard étincelant tourbillonnait au-dessus de la surface de la rivière, comme une délicate fumée transparente.
Comme je l'ai finalement deviné, ce « brouillard, que nous voyions partout ici, renforçait d'une manière ou d'une autre toutes les actions des créatures vivant ici : il ouvrait la luminosité de leur vision, servait de moyen de téléportation fiable, en général, il les aidait dans tout ce qu'elles faisaient. pourrait à ce moment-là, ces créatures n'étaient pas engagées. Et je pense qu'il servait à autre chose, bien plus encore, qu'on ne comprenait pas encore...
La rivière serpentait comme un beau et large « serpent » et, s'éloignant doucement, disparaissait quelque part entre les collines verdoyantes. Et le long de ses deux rives, des animaux étonnants marchaient, se couchaient et volaient... C'était si beau que nous nous sommes littéralement figés, émerveillés par ce spectacle époustouflant...
Les animaux ressemblaient beaucoup à des dragons royaux sans précédent, très brillants et fiers, comme s'ils savaient à quel point ils étaient beaux... Leurs longs cous courbés étincelaient d'or orange et sur leurs têtes se trouvaient des couronnes à pointes rouges avec des dents. Les bêtes royales se déplaçaient lentement et majestueusement, chaque mouvement brillant de leurs corps écailleux et bleu nacré, qui s'enflammaient littéralement lorsqu'ils étaient exposés aux rayons bleu doré du soleil.
- La beauté et plus encore !!! – Stella expira à peine de joie. – Sont-ils très dangereux ?
« Les gens dangereux ne vivent pas ici ; nous n’en avons plus depuis longtemps. » Je ne me souviens pas depuis combien de temps... - vint la réponse, et c'est seulement à ce moment-là que nous remarquâmes que Vaiya n'était pas avec nous, mais que Miard s'adressait à nous...
Stella regarda autour d'elle avec peur, ne se sentant apparemment pas très à l'aise avec notre nouvelle connaissance...
– Alors tu n’as aucun danger ? - J'ai été surpris.
« Uniquement externe », fut la réponse. - S'ils attaquent.
– Est-ce que cela arrive aussi ?
"La dernière fois, c'était devant moi", répondit sérieusement Miard.
Sa voix sonnait douce et profonde dans notre cerveau, comme du velours, et il était très inhabituel de penser qu'une créature mi-humaine aussi étrange communiquait avec nous dans notre propre « langage »... Mais nous sommes probablement déjà trop habitués à tout cela. des sortes de miracles merveilleux, car en une minute ils communiquaient librement avec lui, oubliant complètement qu'il n'était pas une personne.
- Et quoi - tu n'as jamais eu de problèmes ?! – la petite fille secoua la tête avec incrédulité. – Mais alors ça ne t’intéresse pas du tout de vivre ici !..
Il parlait d’une « soif d’aventure » terrestre réelle et inextinguible. Et je l'ai parfaitement comprise. Mais je pense que ce serait très difficile d'expliquer cela à Miard...
- Pourquoi n'est-ce pas intéressant ? – notre « guide » fut surpris et soudain, s'interrompant, il montra vers le haut. – Regardez – Saviya !!!
Nous avons regardé en haut et avons été abasourdis.... Des créatures de contes de fées flottaient doucement dans le ciel rose clair !.. Elles étaient complètement transparentes et, comme tout le reste sur cette planète, incroyablement colorées. Il semblait que de merveilleuses fleurs scintillantes volaient dans le ciel, mais elles étaient incroyablement grandes... Et chacune d'elles avait un visage surnaturel différent, d'une beauté fantastique.
"Oh-oh... Ecoute... Oh, quel miracle...", pour une raison quelconque, dit Stella dans un murmure, complètement abasourdie.
Je ne pense pas l'avoir jamais vue aussi choquée. Mais il y avait vraiment de quoi être surpris... En aucun cas, même dans l'imagination la plus folle, il n'était possible d'imaginer de telles créatures, projetant derrière lui une poussière dorée étincelante... Miard émit un étrange "sifflet", et le des créatures de contes de fées ont soudainement commencé à descendre en douceur, formant au-dessus de nous un solide et énorme « parapluie » scintillant de toutes les couleurs de leur arc-en-ciel fou... C'était tellement beau, c'était à couper le souffle !..
La première à « atterrir » sur nous fut Savia, bleu perle et aux ailes roses, qui, après avoir plié ses pétales d'ailes étincelants en un « bouquet », commença à nous regarder avec une grande curiosité, mais sans aucune crainte... Elle Il était impossible de regarder calmement sa beauté fantaisiste, qui m'attirait comme un aimant et je voulais l'admirer sans fin...
– Ne cherchez pas trop longtemps – Savia est fascinante. Vous ne voudrez plus partir d'ici. Leur beauté est dangereuse si vous ne voulez pas vous perdre, dit doucement Miard.
- Pourquoi as-tu dit qu'il n'y avait rien de dangereux ici ? Donc ce n'est pas vrai ? – Stella s'est immédiatement indignée.
"Mais ce n'est pas un danger qu'il faut craindre ou combattre." "Je pensais que c'était ce que tu voulais dire quand tu as demandé", était bouleversé Miard.
- Allez! Apparemment, nous aurons des conceptions différentes sur beaucoup de choses. C'est normal, non ? – « noblement » le rassura la petite fille. -Je peux leur parler ?
- Parlez si vous entendez. – Miard s'est tourné vers le miracle Savia qui était descendu jusqu'à nous et a montré quelque chose.
La merveilleuse créature a souri et s'est rapprochée de nous, tandis que le reste de ses (ou ses ?..) amis flottaient toujours facilement juste au-dessus de nous, scintillant et scintillant sous les rayons brillants du soleil.
"Je suis Lilis... Lis... est..." répéta une voix étonnante. Il était très doux et en même temps très sonore (si des concepts aussi opposés peuvent être combinés en un seul).
- Bonjour, belle Lillis. – Stella salua joyeusement la créature. - Je m'appelle Stella. Et la voici – Svetlana. Nous sommes le peuple. Et toi, on le sait, Saviya. D'où viens-tu? Et qu'est-ce que Saviya ? – les questions ont encore plu, mais je n'ai même pas essayé de l'arrêter, car c'était complètement inutile... Stella "voulait simplement tout savoir !" Et elle est toujours restée comme ça.
Lillis s'est approchée d'elle et a commencé à examiner Stella avec ses yeux énormes et bizarres. Ils étaient d'un pourpre brillant, avec des taches d'or à l'intérieur et scintillaient comme des pierres précieuses. Le visage de cette merveilleuse créature était incroyablement tendre et fragile et avait la forme du pétale de notre lis terrestre. Elle « parlait » sans ouvrir la bouche, tout en nous souriant avec ses petites lèvres rondes... Mais, probablement, la chose la plus étonnante qu'ils avaient était leurs cheveux... Ils étaient très longs, atteignant presque le bord. de l'aile transparente, absolument en apesanteur et , n'ayant pas de couleur constante, brillait tout le temps des arcs-en-ciel brillants les plus différents et les plus inattendus... Les corps transparents de Savius ​​​​étaient asexués (comme le corps d'un petit enfant terrestre) , et de l'arrière, ils se sont transformés en « pétales-ailes », ce qui les faisait vraiment ressembler à d'énormes fleurs lumineuses...
"Nous avons volé depuis les montagnes..." un écho étrange retentit à nouveau.
- Ou peut-être pouvez-vous nous le dire plus rapidement ? – Stella impatiente a demandé à Miarda. - Qui sont-ils?
– Ils ont été amenés d’un autre monde il était une fois. Leur monde était en train de mourir et nous voulions les sauver. Au début, ils pensaient pouvoir vivre avec tout le monde, mais ce n’était pas possible. Ils vivent très haut dans les montagnes, personne ne peut y accéder. Mais si vous les regardez longtemps dans les yeux, ils vous emmèneront avec eux... Et vous vivrez avec eux.
Stella frissonna et s'éloigna légèrement de Lilis qui se tenait à côté d'elle... - Que font-ils quand ils l'enlèvent ?
- Rien. Ils vivent simplement avec ceux qui sont emmenés. C'était probablement différent dans leur monde, mais maintenant ils le font simplement par habitude. Mais pour nous, ils sont très précieux : ils « nettoient » la planète. Personne n’est jamais tombé malade après son arrivée.
- Alors tu les as sauvegardés non pas parce que tu étais désolé, mais parce que tu en avais besoin ?!.. Est-ce vraiment bien de les utiliser ? – J'avais peur que Miard soit offensé (comme on dit, il ne faut pas entrer dans la maison de quelqu'un d'autre avec des bottes...) et j'ai poussé Stella fort sur le côté, mais elle n'a pas fait attention à moi et s'est maintenant retournée à Savie. – Aimez-vous vivre ici ? Etes-vous triste pour votre planète ?
"Non, non... C'est beau ici, du gris et du saule..." murmura la même voix douce. - Et bon osho...
Lillis souleva soudain l'un de ses "pétales" étincelants et caressa doucement la joue de Stella.
"Bébé... Sympa... Stella-la..." et le brouillard brillait au-dessus de la tête de Stella pour la deuxième fois, mais cette fois il était multicolore...
Lillis battit doucement ses ailes transparentes en forme de pétale et commença à se lever lentement jusqu'à ce qu'elle rejoigne les siennes. Les Savii s'agitèrent, et soudain, clignotant très fort, ils disparurent...
-Où sont-ils allés? – la petite fille était surprise.
- Ils sont partis. Tiens, regarde... - et Miard montrait déjà très loin, vers les montagnes, flottant doucement dans le ciel rose, de merveilleuses créatures éclairées par le soleil. - Ils sont allés à la maison...
Veya est soudainement apparue...
"Il est temps pour toi", dit tristement la fille "star". "Tu ne peux pas rester ici aussi longtemps." C'est dur.
- Oh, mais on n'a encore rien vu ! – Stella était bouleversée. – Pouvons-nous revenir ici, chère Veya ? Adieu, bon Miard ! Vous êtes doué. Je reviendrai certainement vers vous ! – comme toujours, s'adressant à tout le monde en même temps, Stella a dit au revoir.
Veya a agité sa main, et nous avons de nouveau tourbillonné dans un tourbillon frénétique de matière étincelante, après un court (ou peut-être que cela semblait juste court ?) moment, « nous jetant » sur notre « sol » mental habituel...
"Oh, comme c'est intéressant !", a crié Stella de joie.
Il semblait qu'elle était prête à endurer les charges les plus lourdes, juste pour retourner une fois de plus dans le monde coloré de Weiying qu'elle aimait tant. Soudain, j'ai pensé qu'elle devait vraiment l'aimer, car il ressemblait beaucoup au sien, qu'elle aimait créer elle-même ici, sur les « étages »...
Mon enthousiasme a un peu diminué, car j'ai déjà vu ça belle planète, et maintenant j'avais désespérément envie d'autre chose !.. J'avais ce « goût d'inconnu » vertigineux, et j'avais très envie de le répéter... Je savais déjà que cette « faim » empoisonnerait mon existence future, et que je cela nous manquera toujours. Ainsi, voulant rester au moins une petite personne heureuse à l'avenir, j'ai dû trouver un moyen de « m'ouvrir » la porte vers d'autres mondes... Mais alors j'ai encore du mal à comprendre qu'ouvrir une telle porte n'est pas si facile. juste... Et que bien d'autres hivers passeront jusqu'à ce que je sois libre de « marcher » où je veux, et que quelqu'un d'autre m'ouvrira cette porte... Et cet autre sera mon incroyable mari.
- Eh bien, qu'allons-nous faire ensuite ? – Stella m'a sorti de mes rêves.
Elle était bouleversée et triste de ne pas avoir pu en voir davantage. Mais j’étais très heureux qu’elle soit redevenue elle-même et maintenant j’étais absolument sûr qu’à partir de ce jour, elle arrêterait définitivement de se morfondre et serait à nouveau prête pour de nouvelles « aventures ».
"S'il vous plaît, pardonnez-moi, mais je ne ferai probablement rien d'autre aujourd'hui…" dis-je en m'excusant. - Mais merci beaucoup pour votre aide.
Stella rayonnait. Elle aimait vraiment se sentir utile, alors j'essayais toujours de lui montrer à quel point elle comptait pour moi (ce qui était absolument vrai).
- D'ACCORD. "Nous irons ailleurs une autre fois", acquiesça-t-elle avec complaisance.
Je pense qu'elle, comme moi, était un peu épuisée, mais, comme toujours, elle essayait de ne pas le montrer. Je lui ai fait un signe de la main... et je me suis retrouvé chez moi, sur mon canapé préféré, avec un tas d'impressions qu'il fallait maintenant comprendre calmement et « digérer » lentement et tranquillement...

À l’âge de dix ans, j’étais devenu très attaché à mon père.
Je l'ai toujours adoré. Mais malheureusement, au cours de mes premières années d’enfance, il voyageait beaucoup et restait trop rarement à la maison. Chaque jour passé avec lui à cette époque était pour moi une fête dont je me souvenais longtemps plus tard, et morceau par morceau, j'ai rassemblé tous les mots prononcés par papa, essayant de les garder dans mon âme, comme un cadeau précieux.
Dès mon plus jeune âge, j’ai toujours eu l’impression que je devais gagner l’attention de mon père. Je ne sais pas d'où cela vient ni pourquoi. Personne ne m'a jamais empêché de le voir ou de communiquer avec lui. Au contraire, ma mère essayait toujours de ne pas nous déranger si elle nous voyait ensemble. Et papa dépensait toujours avec plaisir tout ce qui lui restait du travail avec moi, temps libre. Nous allions dans la forêt avec lui, plantions des fraises dans notre jardin, allions à la rivière pour nager ou simplement discutions assis sous notre vieux pommier préféré, ce que j'aimais faire presque tout.

En forêt pour les premiers champignons...

Sur les rives de la rivière Nemunas (Neman)

Papa était un excellent causeur et j'étais prêt à l'écouter pendant des heures si une telle opportunité se présentait... Probablement juste son attitude stricte envers la vie, l'arrangement des valeurs de la vie, l'habitude toujours changeante de ne rien obtenir pour rien, tout cela cela m'a donné l'impression que je devais le mériter aussi...
Je me souviens très bien comment, étant un très petit enfant, je m'accrochais à son cou lorsqu'il rentrait de voyage d'affaires, répétant sans cesse combien je l'aimais. Et papa m'a regardé sérieusement et m'a répondu : "Si tu m'aimes, tu ne devrais pas me dire ça, mais tu devrais toujours me le montrer..."
Et ce sont ces paroles qui sont restées pour moi une loi non écrite pour le reste de ma vie... C'est vrai, je n'ai probablement pas toujours été très doué pour « montrer », mais j'ai toujours essayé honnêtement.
Et en général, pour tout ce que je suis maintenant, je le dois à mon père, qui, étape par étape, a sculpté mon futur « moi », sans jamais faire de concessions, malgré son altruisme et sa sincérité. Durant les années les plus difficiles de ma vie, mon père était mon « île de calme », où je pouvais revenir à tout moment, sachant que j'y serais toujours le bienvenu.
Ayant lui-même vécu une vie très difficile et turbulente, il voulait être sûr que je pourrais me défendre dans toutes les circonstances défavorables pour moi et que je ne m'effondrerais pas à cause des problèmes de la vie.
En fait, je peux dire du fond du cœur que j’ai eu beaucoup de chance avec mes parents. S'ils avaient été un peu différents, qui sait où je serais maintenant, et si je le serais vraiment...
Je pense aussi que le destin a réuni mes parents pour une raison. Parce qu'il leur semblait absolument impossible de se rencontrer...
Mon père est né en Sibérie, dans la ville lointaine de Kurgan. La Sibérie n'était pas le lieu de résidence d'origine la famille de papa. C'était la décision du gouvernement soviétique « juste » de l'époque et, comme cela a toujours été accepté, elle n'a pas fait l'objet de discussions...
Ainsi, mes vrais grands-parents, un beau matin, ont été brutalement escortés de leur immense et très beau domaine familial bien-aimé, coupés de leur vie habituelle et mis dans une voiture complètement effrayante, sale et froide, se dirigeant dans une direction effrayante - la Sibérie. ...
Tout ce dont je parlerai plus loin, j'ai rassemblé petit à petit les souvenirs et les lettres de nos proches en France, en Angleterre, ainsi que les histoires et les souvenirs de mes parents et amis en Russie et en Lituanie.
À mon grand regret, je n’ai pu le faire qu’après la mort de mon père, bien des années plus tard…
La sœur du grand-père Alexandra Obolensky (plus tard Alexis Obolensky) et Vasily et Anna Seryogin, qui sont partis volontairement, ont également été exilés avec eux, qui ont suivi leur grand-père de leur propre choix, puisque Vasily Nikandrovich a été pendant de nombreuses années l'avocat de son grand-père dans toutes ses affaires et l'un des le plus ses amis proches.

Alexandra (Alexis) Obolenskaya Vasily et Anna Seryogin

Probablement, il fallait être vraiment un AMI pour trouver la force de faire un tel choix et d'aller de son plein gré là où on allait, comme on ne va que vers sa propre mort. Et cette « mort », malheureusement, s’appelait alors Sibérie…
J'ai toujours été très triste et douloureux pour notre belle Sibérie, si fière, mais si impitoyablement piétinée par les bottes bolcheviques... Et aucun mot ne peut dire combien de souffrance, de douleur, de vies et de larmes cette terre fière mais tourmentée a absorbée ! ... Est-ce parce que c'était autrefois le cœur de notre maison ancestrale que les « révolutionnaires clairvoyants » ont décidé de dénigrer et de détruire cette terre, la choisissant précisément pour leurs desseins diaboliques ?... Après tout, pour beaucoup de gens, même Bien des années plus tard, la Sibérie restait encore une terre « maudite », où le père de quelqu'un, le frère de quelqu'un, puis le fils de quelqu'un... ou peut-être même toute la famille de quelqu'un sont morts.
Ma grand-mère, que je n'ai jamais connue, à mon grand regret, était enceinte de mon père à cette époque et a vécu des moments très difficiles avec le voyage. Mais, bien sûr, il n'était pas nécessaire d'attendre de l'aide de n'importe où... Ainsi, la jeune princesse Elena, au lieu du bruissement silencieux des livres dans la bibliothèque familiale ou des sons habituels du piano lorsqu'elle jouait ses œuvres préférées, ce Parfois, elle n'écoutait que le bruit inquiétant des roues, qui semblaient menaçants. Ils comptaient les heures restantes de sa vie, si fragile et qui était devenue un véritable cauchemar... Elle s'asseyait sur des sacs près de la fenêtre sale de la voiture et sans cesse regarda les dernières traces pathétiques de la « civilisation » qui lui était si familière et familière, s'éloignant de plus en plus...
La sœur de son grand-père, Alexandra, avec l'aide d'amis, a réussi à s'échapper à l'un des arrêts. D'un commun accord, elle devait se rendre (si elle avait de la chance) en France, où vivait actuellement toute sa famille. Certes, aucune des personnes présentes n'avait la moindre idée de comment elle pourrait faire cela, mais comme c'était leur seul, bien que petit, mais certainement dernier espoir, y renoncer était un luxe trop grand pour leur situation complètement désespérée. Le mari d'Alexandra, Dmitry, était également en France à ce moment-là, avec l'aide duquel ils espéraient, de là, tenter d'aider la famille de son grand-père à sortir du cauchemar dans lequel la vie les avait si impitoyablement plongés, aux mains infâmes de des gens brutaux...
À leur arrivée à Kourgan, ils ont été placés dans une cave froide, sans rien expliquer et sans répondre à aucune question. Deux jours plus tard, des gens sont venus chercher mon grand-père et ont dit qu'ils seraient venus pour l'« escorter » vers une autre « destination »... Ils l'ont emmené comme un criminel, sans lui permettre d'emporter quoi que ce soit avec lui et sans daigner pour expliquer où et pendant combien de temps il est emmené. Personne n’a jamais revu grand-père. Au bout d'un moment, un militaire inconnu a apporté à la grand-mère les affaires personnelles de son grand-père dans un sac de charbon sale... sans rien expliquer et sans laisser aucun espoir de le revoir vivant. À ce moment-là, toute information sur le sort de mon grand-père a cessé, comme s'il avait disparu de la surface de la terre sans aucune trace ni preuve...
Le cœur tourmenté et tourmenté de la pauvre princesse Elena ne voulait pas accepter une perte aussi terrible et elle a littéralement bombardé l'officier d'état-major local avec des demandes de clarification des circonstances de la mort de son bien-aimé Nicolas. Mais les officiers « rouges » étaient aveugles et sourds aux demandes d’une femme solitaire, comme ils l’appelaient, « des nobles », qui n’était pour eux qu’une parmi des milliers et des milliers d’unités « agréées » anonymes qui ne signifiaient rien dans leur domaine. monde froid et cruel... C'était un véritable enfer, d'où il n'y avait aucune issue pour retourner dans ce monde familier et aimable dans lequel restaient sa maison, ses amis et tout ce à quoi elle avait été habituée depuis son plus jeune âge, et qu'elle aimait si fort et sincèrement... Et personne ne pouvait l'aider ou du moins lui donner le moindre espoir de survie.
Les Seryogin ont essayé de maintenir la présence d'esprit pour eux trois et ont essayé par tous les moyens de remonter le moral de la princesse Elena, mais elle s'est enfoncée de plus en plus profondément dans une stupeur presque complète et s'est parfois assise toute la journée dans un état de glace indifférenciée. , ne réagissant presque pas aux tentatives de ses amis pour sauver son cœur et son esprit de la dépression finale. Il n'y a eu que deux choses qui l'ont brièvement ramenée à monde réel- si quelqu'un entamait une conversation sur son enfant à naître ou si de nouveaux détails apparaissaient sur la mort supposée de son bien-aimé Nikolai. Elle voulait désespérément savoir (de son vivant) ce qui s'était réellement passé et où se trouvait son mari, ou du moins où son corps avait été enterré (ou jeté).
Malheureusement, il ne reste presque aucune information sur la vie de ces deux courageux et des gens brillants, Elena et Nicholas de Rohan-Hesse-Obolensky, mais même ces quelques lignes des deux lettres restantes d'Elena à sa belle-fille Alexandra, qui ont été conservées d'une manière ou d'une autre dans les archives familiales d'Alexandra en France, montrent à quel point elle l'aimait profondément et tendrement. princesse mari disparu. Seules quelques feuilles manuscrites ont survécu, dont certaines lignes ne peuvent malheureusement pas être déchiffrées du tout. Mais même ce qui a réussi crie avec une profonde douleur à propos d'un grand malheur humain, qui, sans l'expérience, n'est pas facile à comprendre et impossible à accepter.

12 avril 1927. Extrait d'une lettre de la princesse Elena à Alexandra (Alix) Obolenskaya :
"Je suis très fatigué aujourd'hui. Je reviens de Sinyachikha complètement brisé. Les voitures sont remplies de monde, ce serait dommage même d'y transporter du bétail…………………………….. Nous nous sommes arrêtés dans la forêt, il y avait une si délicieuse odeur de champignons et de fraises... Difficile de croire que c'est là que ces malheureux ont été tués ! La pauvre Ellochka (c'est-à-dire la grande-duchesse Elizaveta Fedorovna, qui était apparentée à mon grand-père du côté de Hesse) a été tuée à proximité, dans cette terrible mine de Staroselim... quelle horreur ! Mon âme ne peut pas accepter cela. Vous souvenez-vous que nous avons dit : « Que la terre repose en paix » ?.. Grand Dieu, comment une telle terre peut-elle reposer en paix ?!..
Ô Alix, ma chère Alix ! Comment peut-on s’habituer à une telle horreur ? ...................... ..................... J'en ai tellement marre de mendier et m'humilier... Tout sera complètement inutile si la Tchéka n'accepte pas d'envoyer une demande à Alapaevsk... Je ne saurai jamais où le chercher, et je ne saurai jamais ce qu'ils lui ont fait. Il ne se passe pas une heure sans que je pense à un visage qui m'est si cher... Quelle horreur de l'imaginer couché dans quelque fosse abandonnée ou au fond d'une mine !.. Comment supporter ce cauchemar quotidien, sachant qu'il l'a déjà fait, je ne le verrai jamais ?!.. Tout comme mon pauvre Vasilek (le nom qu'on a donné à mon père à la naissance) ne le verra jamais... Où est la limite de la cruauté ? Et pourquoi s’appellent-ils des gens ?
Ma chère et gentille Alix, comme tu me manques !.. Au moins j'aimerais savoir que tout va bien pour toi, et que Dmitry, cher à ton âme, ne te quitte pas dans ces moments difficiles...... ... ................................... S'il me restait ne serait-ce qu'une goutte d'espoir de retrouver mon cher Nikolaï, il me semble avoir tout enduré. L'âme semble s'être habituée à cette terrible perte, mais cela fait toujours très mal... Sans lui, tout est différent et tellement désert.

18 mai 1927. Un extrait de la lettre de la princesse Elena à Alexandra (Alix) Obolenskaya :
« Le même cher docteur est revenu. Je ne peux pas lui prouver que je n’ai tout simplement plus de force. Il dit que je devrais vivre pour le petit Vasilko... Est-ce vrai ?.. Que trouvera-t-il sur cette terrible terre, mon pauvre bébé ? ........................................ La toux est revenue, et parfois cela devient impossible respirer. Le médecin laisse toujours quelques gouttes, mais j’ai honte de ne pouvoir en aucun cas le remercier. ................................... Parfois, je rêve de notre pièce préférée. Et mon piano... Dieu, que tout cela est loin ! Et est-ce que tout cela s'est réellement produit ? ...................... et les cerises du jardin, et notre nounou, si affectueuse et gentille. Où est tout cela maintenant ? ................................ (par la fenêtre ?) Je ne veux pas regarder, tout est couvert de de la suie et seules les bottes sales sont visibles… Je déteste l’humidité.

Ma pauvre grand-mère, à cause de l'humidité de la pièce, qui n'était pas réchauffée même en été, tomba bientôt malade de la tuberculose. Et, apparemment affaiblie par les chocs qu'elle avait subis, la famine et la maladie, elle mourut en couches, sans jamais voir son bébé, et sans trouver (au moins !) la tombe de son père. Littéralement avant sa mort, elle a pris la parole des Seryogin que, peu importe à quel point cela serait difficile pour eux, ils emmèneraient le nouveau-né (s'il survivait, bien sûr) en France, chez la sœur de son grand-père. Ce qui, à cette époque folle, promettre, bien sûr, était presque « faux », puisque, malheureusement, les Seryogins n'avaient pas de réelle opportunité de le faire... Mais ils lui ont néanmoins promis qu'au moins d'une manière ou d'une autre, pour apaiser le dernier minutes de sa très jeune vie, si brutalement ruinée, et pour que son âme, tourmentée par la douleur, puisse, au moins avec peu d'espoir, quitter ce monde cruel... Et même en sachant qu'ils feront tout leur possible pour tenir parole donné à Elena, les Seryogin ne croyaient toujours pas vraiment dans leur cœur qu'ils seraient un jour capables de donner vie à toute cette idée folle...

musique française- l'une des cultures musicales européennes les plus intéressantes et les plus influentes, qui tire ses origines du folklore des tribus celtiques et germaniques qui vivaient autrefois dans l'actuelle France. Avec l'émergence de la France au Moyen Âge, la musique française a fusionné les traditions musicales folkloriques de nombreuses régions du pays. La culture musicale française s'est développée, en interaction également avec les cultures musicales d'autres nations européennes, notamment italienne et allemande. Depuis la seconde moitié du XXe siècle, la scène musicale française s'est enrichie des traditions musicales des peuples d'Afrique. Elle ne reste pas à l'écart de la culture musicale mondiale, intégrant les nouvelles tendances musicales et donnant une saveur si française au jazz, au rock, au hip-hop et à la musique électronique.

Histoire

Origines

La culture musicale française a commencé à prendre forme sur une riche couche de chansons folkloriques. Bien que les enregistrements fiables de chansons les plus anciens qui subsistent jusqu'à nos jours remontent au XVe siècle, les documents littéraires et artistiques indiquent que depuis l'époque de l'Empire romain, la musique et le chant occupent une place importante dans la vie quotidienne des gens.

Avec le christianisme, la musique religieuse est arrivée sur les terres françaises. Latin à l’origine, il a progressivement évolué sous l’influence de la musique folklorique. L'église a utilisé dans ses services du matériel compréhensible pour les résidents locaux. Entre le Ve et le IXe siècle, un type unique de liturgie se développe en Gaule : le rite gallican avec chant gallican. Parmi les auteurs d'hymnes religieux, Hilaire de Poitiers était célèbre. Le rite gallican est connu de sources historiques, ce qui indique qu'il était très différent du rite romain. Elle n'a pas survécu parce que les rois de France l'ont abolie, cherchant à obtenir de Rome le titre d'empereur, et que l'Église romaine a tenté de parvenir à l'unification des services religieux.

La polyphonie a donné naissance à de nouveaux genres de musique religieuse et profane, notamment la direction et le motet. La conduite était initialement exécutée principalement lors des services religieux festifs, mais est devenue plus tard un genre purement profane. Parmi les auteurs du chef d'orchestre figure Perotin.

D'après un chef d'orchestre de la fin du XIIe siècle. En France, le genre le plus important de la musique polyphonique s'est formé : le motet. Ses premiers exemplaires appartiennent également aux maîtres de l'Ecole de Paris (Pérotin, Franco de Cologne, Pierre de la Croix). Le motet permettait la liberté de combiner des airs et des textes liturgiques et profanes, une combinaison qui conduisit à la naissance du motet au XIIIe siècle. un motet ludique. Le genre motet a connu une mise à jour importante au XIVe siècle dans les conditions de la direction ars nova, dont l'idéologue était Philippe de Vitry.

Dans l’art de l’ars nova, une grande importance était attachée à l’interaction de la musique « quotidienne » et « scientifique » (c’est-à-dire le chant et le motet). Philippe de Vitry a créé un nouveau type de motet : le motet isorythmique. Les innovations de Philippe de Vitry touchent également la doctrine de la consonance et de la dissonance (il annonce les consonances de tierces et de sixtes).

Les idées de l'ars nova et, en particulier, du motet isorythmique ont poursuivi leur développement dans l'œuvre de Guillaume de Machaut, qui a combiné les réalisations artistiques de l'art musical et poétique chevaleresque avec ses chants unanimes et sa culture musicale urbaine polyphonique. Il possède des chansons de style folk (lays), virele, rondo, et il fut le premier à développer le genre de la ballade polyphonique. Dans le motet, Machaut a utilisé les instruments de musique de manière plus cohérente que ses prédécesseurs (les voix graves étaient probablement auparavant instrumentales). Machaut est également considéré comme l'auteur de la première messe polyphonique française (1364).

Renaissance

A la fin du XVe siècle. La culture de la Renaissance s'implante en France. Le développement de la culture française a été influencé par des facteurs tels que l'émergence de la bourgeoisie (XVe siècle), la lutte pour l'unification de la France (terminée à la fin du XVe siècle) et la création d'un État centralisé. Le développement continu de l'art populaire et les activités des compositeurs de l'école franco-flamande ont également été significatifs.

Le rôle de la musique dans la vie sociale augmente. Les rois de France créèrent de grandes chapelles dans leurs cours, organisèrent des festivals musicaux et la cour royale devint le centre de l'art professionnel. Le rôle de la chapelle de la cour est renforcé. Henri III établit le poste de « intendant en chef de la musique » à la cour, le premier à occuper ce poste fut le violoniste italien Baltazarini de Belgioso. Outre la cour royale et l'église, les salons aristocratiques étaient également d'importants centres d'art musical.

L'apogée de la Renaissance, associée à la formation de la culture nationale française, s'est produite au milieu du XVIe siècle. À cette époque, le chant polyphonique profane - la chanson - est devenu un genre exceptionnel d'art professionnel. Son style polyphonique reçoit une nouvelle interprétation, en accord avec les idées des humanistes français - Rabelais, Clément Marot, Pierre de Ronsard. Le principal auteur de chansons de cette époque est considéré comme Clément Janequin, qui a écrit plus de 200 chansons polyphoniques. Les chansons sont devenues célèbres non seulement en France, mais aussi à l'étranger, en grande partie grâce à l'impression musicale et au renforcement des liens entre les pays européens.

À la Renaissance, le rôle de la musique instrumentale s’accroît. La viole, le luth, la guitare et le violon (en tant qu'instrument folklorique) étaient largement utilisés dans la vie musicale. Les genres instrumentaux ont pénétré à la fois la musique quotidienne et professionnelle, en partie la musique religieuse. Les pièces de danse pour luth se distinguaient parmi les pièces dominantes au XVIe siècle. œuvres polyphoniques avec plasticité rythmique, composition homophonique, transparence de texture. Un trait caractéristique était la combinaison de deux ou plusieurs danses basées sur le principe du contraste rythmique en cycles uniques, qui sont devenus la base de la future suite de danse. La musique d'orgue a également acquis une signification plus indépendante. L'émergence de l'école d'orgue en France (fin du XVIe siècle) est associée aux travaux de l'organiste J. Titlouz.

Éducation

17ème siècle

L'esthétique rationaliste du classicisme a eu une forte influence sur la musique française du XVIIe siècle, qui mettait en avant les exigences de goût, d'équilibre entre beauté et vérité, clarté de dessin, harmonie de composition. Le classicisme, qui s'est développé simultanément avec le style baroque, apparaît en France au XVIIe siècle. expression complète.

A cette époque, la musique profane en France l'emporte sur la musique spirituelle. Avec l'établissement de la monarchie absolue, l'art de cour a acquis une grande importance, qui a déterminé l'orientation du développement des genres les plus importants de la musique française de cette époque - l'opéra et le ballet. Les années du règne de Louis XIV furent marquées par l'extraordinaire splendeur de la vie de cour, le désir de la noblesse pour le luxe et les divertissements raffinés. À cet égard, un rôle important a été attribué au ballet de cour. Au 17ème siècle Les tendances italiennes se sont intensifiées à la cour, ce qui a été particulièrement facilité par le cardinal Mazarin. La connaissance de l'opéra italien l'incite à créer son propre opéra national ; la première expérience dans ce domaine appartient à Elisabeth Jacquet de la Guerre (« Le Triomphe de l'Amour »).

A la fin du XVIIe - première moitié du XVIIIe siècle, des compositeurs tels que N. A. Charpentier, A. Kampra, M. R. Delalande, A. K. Detouch écrivent pour le théâtre. Parmi les successeurs de Lully, les conventions du style théâtral de cour s'intensifient. Dans leurs tragédies lyriques, les aspects décoratifs-ballets, pastoraux-idylliques sont mis en avant, et le début dramatique est de plus en plus affaibli. La tragédie lyrique cède la place à l'opéra-ballet.

Au 17ème siècle en France, diverses écoles instrumentales se développent - luth (D. Gautier, qui influença le style de clavecin de J.-A. d'Anglebert, J. C. de Chambonnière), clavecin (Chambonnière, L. Couperin), viole (M. Marin, qui pour la première fois en France, une contrebasse a été introduite dans un orchestre d'opéra à la place d'une contrebasse de viole). la musique, combinaison de danses jumelées (pavane, gaillarde, etc.), utilisée depuis le XVIe siècle, fut largement utilisée, ce qui conduisit au XVIIe siècle à créer une suite instrumentale.

XVIIIe siècle

Au XVIIIe siècle, avec l’influence croissante de la bourgeoisie, de nouvelles formes de vie musicale et sociale prennent forme. Peu à peu, les concerts dépassent les limites des salles du palais et des salons aristocratiques. En A. Philidor (Danican) organisait régulièrement des « Concerts spirituels » publics à Paris, en François Gossec fondait la société « Concerts amateurs ». Les soirées de la société académique « Friends of Apollo » (fondée en 1980) étaient plus isolées ; des séries annuelles de concerts étaient organisées par la « Royal Academy of Music ».

Dans les années 20-30 du XVIIIe siècle. La suite pour clavecin atteint son apogée. Parmi les clavecinistes français, le premier rôle appartient à F. Couperin, auteur de cycles libres fondés sur les principes de similitude et de contraste des pièces. Aux côtés de Couperin, J. F. Dandré et surtout J. F. Rameau ont également largement contribué au développement de la suite pour clavecin caractéristique du programme.

Le système d’éducation musicale a également subi des transformations radicales. Les métrises ont été annulées ; mais dans la Garde nationale une école de musique fut ouverte pour former des musiciens militaires, et à l'Institut national de musique (avec le Conservatoire de Paris).

La période de la dictature napoléonienne (1799-1814) et de la Restauration (1814-15, 1815-30) n'apporte pas de réalisations significatives à la musique française. À la fin de la Restauration, on assiste à un renouveau dans le domaine culturel. Dans la lutte contre l'art académique de l'Empire napoléonien prend forme l'opéra romantique français qui prend dans les années 20-30 une position dominante (F. Aubert). Au cours de ces mêmes années, émerge le genre du grand opéra aux intrigues historiques, patriotiques et héroïques. Le romantisme musical français a trouvé son expression la plus vivante dans l'œuvre de G. Berlioz, créateur du symphonisme romantique programmatique. Berlioz, avec Wagner, est également considéré comme le fondateur d'une nouvelle école de direction d'orchestre.

Un événement important dans la vie publique française des années 1870 fut la Commune de Paris de 1870-1871. Cette période donne naissance à de nombreuses chansons de travail, dont « L'Internationale » (musique de Pierre Degeyter avec paroles d'Eugène Pothier) devient l'hymne des partis communistes et, en 1944, l'hymne de l'URSS.

XXe siècle

À la fin des années 80 et 90 du XIXe siècle, un nouveau mouvement est apparu en France, qui s'est répandu au début du XXe siècle : l'impressionnisme. L'impressionnisme musical a ravivé certaines traditions nationales - le désir de concret, de programmaticité, de sophistication du style, de transparence de la texture. L'impressionnisme a trouvé son expression la plus complète dans la musique de C. Debussy et a influencé le travail de M. Ravel, P. Dukas et d'autres. L'impressionnisme a également introduit des innovations dans le domaine des genres musicaux. Chez Debussy, les cycles symphoniques cèdent la place aux esquisses symphoniques ; les miniatures de programme prédominent dans la musique pour piano. Maurice Ravel a également été influencé par l'esthétique de l'impressionnisme. Son travail mêlait diverses tendances esthétiques et stylistiques - romantiques, impressionnistes et, dans ses œuvres ultérieures, - des tendances néoclassiques.

Aux côtés des tendances impressionnistes de la musique française au tournant des XIXe et XXe siècles. Les traditions de Saint-Saëns ont continué à se développer, tout comme celle de Franck, dont le travail se caractérise par une combinaison de clarté de style classique et d'imagerie romantique vive.

La France a joué un rôle important dans le développement de la musique électronique - c'est ici qu'est apparue la musique concrète à la fin des années 40, un ordinateur avec saisie d'informations graphiques - l'UPI a été développée sous la direction de Xenakis, et dans les années 1970 la direction de la musique spectrale a été né en France. Depuis 1977, le centre des musiques expérimentales est l'IRCAM, institut de recherche ouvert par Pierre Boulez.

La modernité

Musique académique

Le centre musical de la France reste sa capitale - Paris. A Paris, il y a l'Opéra national de Paris (qui donne des représentations aux théâtres de l'Opéra Garnier et de l'Opéra Bastille), des concerts et des représentations d'opéra sont donnés au Théâtre des Champs-Élysées, parmi les principales formations musicales figurent l'Orchestre National de France, l'Orchestre Philharmonique de Radio France, l'Orchestre de Paris, l'Orchestre Colonna et autres.

Parmi les établissements d'enseignement musical spécialisés figurent le Conservatoire de Paris, la Skola Cantorum et l'Ecole Normale - à Paris. Le centre de recherche musicale le plus important est l'Institut de Musicologie de l'Université de Paris. Les livres et les documents d'archives sont conservés à la Bibliothèque nationale (où le département de musique a été créé), à la Bibliothèque et au Musée des instruments de musique du Conservatoire.

Dans la culture moderne, la chanson est une musique populaire française qui conserve le rythme spécifique de la langue française, différente des chansons écrites sous l'influence de la musique anglophone. Parmi les interprètes marquants de la chanson figurent Georges Brassens, Edith Piaf, Joe Dassin, Jacques Brel, Charles Aznavour, Léo Ferret, Jean Ferrat, Georges Moustakis, Mireille Mathieu, Patricia Kaas et d'autres. Les interprètes de la chanson française sont généralement appelés chansonniers. Dans les années 1960, une variété populaire de chanson était le yé-yé, direction yéyé, représentée majoritairement par des interprètes féminines, dont France Gall, Sylvie Vartan, Brigitte Bardot, Françoise Hardy, Dalida, Michel Torre.

La France a accueilli le Concours Eurovision de la chanson à trois reprises - en , et au fil des années. Cinq musiciens français ont remporté le Concours Eurovision de la chanson - André Clavier (), Jacqueline Boyer (), Isabelle Aubray (), Frida Boccara () et Marie Miriam (), après quoi la plus haute réussite des Français a été la deuxième place en 2016.

le jazz

La house française devient un phénomène spécifique, caractérisé par une abondance d'effets phaser et de coupures de fréquence inhérents à l'Eurodisco des années 1970. Les fondateurs de cette tendance sont considérés comme Daft Punk, Cassius et Etienne de Crécy. Dans les années 2000, le DJ house David Guetta devient l’un des musiciens français les mieux payés.

Rock et hip-hop

La musique rock en France a commencé à la fin des années 1950 avec des artistes tels que Johnny Hallyday, Richard Anthony, Dick Rivers et Claude François interprétant du rock and roll dans l'esprit d'Elvis Presley. Le rock progressif était bien développé en France dans les années 1970. Parmi les patriarches du rock français des années 60 et 70 figurent les groupes de rock progressif Art Zoyd, Gong, Magma, dont le son s'apparente au krautrock allemand. Les années 1970 voient également une scène rock celtique florissante, notamment dans le nord-ouest du pays, d'où sont originaires Alan Stivell, Malicorne, Tri Yann et d'autres. Les groupes clés des années 80 étaient les post-punks Noir Désir, les métalleurs Shakin' Street et Mystery Blue. Dans les années 1990, un mouvement de black metal underground s'est formé en France Les Légions Noires. Les groupes les plus réussis de la dernière décennie sont les métalleurs Anorexia Nervosa. et les artistes rapcore Pleymo.

Les Pleymo sont également associés à la scène hip-hop française. Ce style « street » est très populaire parmi les non-autochtones, les immigrants arabes et africains. Certains artistes issus de familles immigrées ont acquis une renommée de masse, par exemple K.Maro, Diam's, MC Solaar, Stromae, Sexion d'Assaut.

La France accueille des festivals de musique rock comme les Eurockéennes (depuis 1989), La Route du Rock (depuis 1991), le Festival des Vieilles Charrues (depuis 1992), Rock en Seine (depuis 2003), Main Square Festival (depuis 2004), Les Massiliades (depuis 2008).

Donnez votre avis sur l'article "Musique de France"

Littérature

• O.A. Vinogradova.// Encyclopédie musicale, M., 1973-82
• T. F. Gnativ. Culture musicale de la France au tournant des XIXe-XXe siècles / Manuel pour les universités de musique. - K. : Ukraine musicale, 1993. - 10,92 p.s.
• Musique française de la seconde moitié du XIXe siècle (collection d'art.), intro. Art. et éd. M.S. Druskina, M., 1938
• Schneerson G., Musiques de France, M., 1958
• Édith Weber, Histoire de la musique française de 1500 à 1650, Regards sur l'histoire, 1999 (ISBN 978-2-7181-9301-4)
• Marc Robine, Il était une fois la chanson française, Paris, Fayard/Chorus, 2004, (ISBN 2-213-61910-7).
• François Porcile, La belle époque de la musique française 1871-1940, Paris, Fayard, 1999, (Chemins de la musique) (ISBN 978-2-213-60322-3)
• Damien Ehrhardt, Les relations franco-allemandes et la musique à programme, Lyon, Symétrie, 2009 (collection Perpetuum mobile) (ISBN 978-2-914373-43-2)
• Collectif (Auteur) Un siècle de chansons françaises 1979-1989(Partition de musique), Csdem, 2009 (ISBN 979-0-231-31373-4)
• Henri, Blogue : 2010.
• Paris A. Le nouveau dictionnaire des interprètes. Paris : R. Laffont, 2015. IX, 1364 p. ISBN9782221145760.
• Dictionnaire des Musiciens : les Interprètes. : Encyclopédie universalis France, 2016. ISBN 9782852295582.

Liens

• (Français)

Remarques

Voir ce modèle Histoire Politique Symboles Économie Géographie Culture Religion

Territoires dépendants États non reconnus et partiellement reconnus

Un extrait caractérisant la Musique de France

Toutes ces nouvelles m'ont donné le vertige... Mais Veya, comme d'habitude, était étonnamment calme, et cela m'a donné la force de demander plus.
– Et qui appelle-t-on adulte ?.. Si de telles personnes existent, bien sûr.
- Oui bien sur! – la fille a ri sincèrement. - Vouloir voir?
J'ai simplement hoché la tête, car soudain, d'effroi, ma gorge s'est complètement fermée et mon don de conversation « palpitant » s'est perdu quelque part... J'ai parfaitement compris qu'à cet instant je verrais une véritable créature « star » !.. Et , malgré le fait que, aussi loin que je me souvienne, j'avais attendu cela toute ma vie d'adulte, maintenant tout à coup, tout mon courage, pour une raison quelconque, s'est rapidement « effondré »...
Veya a agité sa paume - le terrain a changé. Au lieu de montagnes dorées et d’un ruisseau, nous nous sommes retrouvés dans une « ville » merveilleuse, émouvante et transparente (du moins, elle ressemblait à une ville). Et tout droit vers nous, le long d'une large « route argentée et humide et brillante », marchait lentement un homme magnifique... C'était un vieil homme grand et fier, qu'on ne pouvait appeler autrement que - majestueux !.. Tout sur il était en quelque sorte... parfois très correct et sage - et ses pensées étaient aussi pures que le cristal (que, pour une raison quelconque, j'entendais très clairement) ; et de longs cheveux argentés le recouvrant d'un manteau chatoyant ; et les mêmes yeux violets incroyablement gentils et immenses de « Vain »... Et sur son front haut, il y avait une « étoile » en or et en diamant brillante et merveilleusement étincelante.
"Repose en paix, Père," dit doucement Veya, touchant son front avec ses doigts.
"Et toi, celui qui est parti", répondit tristement le vieil homme.
Il y avait un air de gentillesse et d’affection sans fin de sa part. Et j'ai soudain eu très envie, comme un petit enfant, de m'enfouir sur ses genoux et de me cacher de tout pendant au moins quelques secondes, en respirant la paix profonde qui émanait de lui, et de ne pas penser au fait que j'ai peur... que je ne sais pas où est ma maison... et ce que je ne sais pas du tout, c'est où je suis, et ce qui m'arrive réellement en ce moment...
"Qui es-tu, créature ?..." J'entendis mentalement sa douce voix.
«Je suis un homme», répondis-je. - Désolé de troubler votre tranquillité. Je m'appelle Svetlana.
L'aîné m'a regardé chaleureusement et attentivement avec ses yeux sages, et pour une raison quelconque, l'approbation brillait en eux.
"Vous vouliez voir le Sage - vous le voyez", dit doucement Veya. – Tu veux demander quelque chose ?
– S'il vous plaît, dites-moi, le mal existe-t-il dans votre monde merveilleux ? – même si j’avais honte de ma question, j’ai quand même décidé de la poser.
– Qu'appelles-tu « le mal », Man-Svetlana ? - demanda le sage.
– Mensonges, meurtre, trahison... Vous n'avez pas de tels mots ?..
– C'était il y a longtemps... plus personne ne s'en souvient. Juste moi. Mais nous savons ce que c'était. Ceci est ancré dans notre « mémoire ancienne » afin que nous n’oubliions jamais. Êtes-vous venu d’où vit le mal ?
J'ai hoché la tête tristement. J'étais très bouleversé pour ma Terre natale et pour le fait que la vie y était si imparfaite qu'elle m'obligeait à poser de telles questions... Mais, en même temps, je voulais vraiment que le Mal quitte notre Maison pour toujours, parce que que j'aimais cette maison de tout mon cœur et que je rêvais très souvent qu'un jour un jour si merveilleux viendrait où :
une personne sourira de joie, sachant que les gens ne peuvent lui apporter que du bien...
quand une fille seule n'aura pas peur de se promener le soir dans la rue la plus sombre, sans craindre que quelqu'un ne l'offense...
quand tu peux joyeusement ouvrir ton cœur sans craindre que ton meilleur ami te trahisse...
quand on peut laisser quelque chose de très cher dans la rue, sans craindre que si on tourne le dos, on le vole immédiatement...
Et je croyais sincèrement, de tout mon cœur, que quelque part il y avait vraiment un monde si merveilleux, où il n'y a ni mal ni peur, mais il y a une simple joie de vivre et de beauté... C'est pourquoi, suivant mon rêve naïf, J'ai profité de la moindre occasion pour au moins apprendre quelque chose sur la manière dont il est possible de détruire ce même Mal terrestre, si tenace et si indestructible... Et aussi - pour que je n'aie jamais honte de dire à quelqu'un quelque part que je suis un homme. ..
Bien sûr, c'étaient des rêves naïfs d'enfant... Mais à l'époque, je n'étais encore qu'un enfant.
– Je m'appelle Atis, Man-Svetlana. Je vis ici depuis le début, j'ai vu le Mal... Beaucoup de mal...
- Comment t'es-tu débarrassé de lui, sage Atis ?! Est-ce que quelqu'un vous a aidé ?.. – ai-je demandé avec optimisme. – Pouvez-vous nous aider ?.. Donnez-moi au moins quelques conseils ?
- Nous avons trouvé la raison... Et nous l'avons tuée. Mais votre mal échappe à notre contrôle. C'est différent... Tout comme les autres et vous. Et le bien des autres n’est pas toujours bon pour vous. Vous devez trouver votre propre raison. Et détruis-le", il a doucement posé sa main sur ma tête et une merveilleuse paix a coulé en moi... "Adieu, Homme-Svetlana... Tu trouveras la réponse à ta question." Puisses-tu te reposer...
Je restais plongé dans mes pensées et je ne prêtais pas attention au fait que la réalité autour de moi avait changé depuis longtemps et qu'au lieu d'une ville étrange et transparente, nous «nageions» maintenant dans une «eau» violette et dense sur une surface inhabituelle et plate. et un appareil transparent, sans poignées, sans rames - rien du tout, comme si nous nous tenions sur un grand verre transparent mince et mobile. Bien qu’aucun mouvement ou balancement n’ait été ressenti. Il a glissé sur la surface avec une douceur et un calme surprenants, vous faisant oublier qu'il bougeait...
-Qu'est-ce que c'est ?..Où allons-nous ? – ai-je demandé avec surprise.
"Pour récupérer ton petit ami," répondit calmement Veya.
- Mais comment?!. Elle ne peut pas le faire, n'est-ce pas ?..
- Sera capable. "Elle a le même cristal que toi", fut la réponse. « Nous la retrouverons au « pont », et sans rien expliquer davantage, elle a rapidement arrêté notre étrange « bateau ».
Maintenant, nous étions déjà au pied d'un mur brillant « poli », noir comme la nuit, qui était très différent de tout ce qui était léger et scintillant autour, et semblait créé artificiellement et étranger. Soudain, le mur s'est « séparé », comme s'il s'agissait à cet endroit d'un épais brouillard, et dans un « cocon » doré est apparue... Stella. Fraîche et en bonne santé, comme si elle venait de faire une agréable promenade... Et, bien sûr, follement heureuse de ce qui se passait... En me voyant, son doux petit visage brillait de joie et, par habitude, elle s'est immédiatement mise à babiller :
– Tu es là aussi ?!... Oh, comme c'est bon !!! Et j'étais tellement inquiète !.. Tellement inquiète !.. Je pensais que quelque chose t'était définitivement arrivé. Comment es-tu arrivée ici ?.. – la petite fille me regardait, abasourdie.
"Je pense la même chose que toi," je souris.
"Et quand j'ai vu que tu étais emporté, j'ai immédiatement essayé de te rattraper !" Mais j'ai essayé et essayé et rien n'a fonctionné... jusqu'à ce qu'elle vienne. – Stella a pointé son stylo sur Veya. – Je te suis très reconnaissant pour cela, fille Veya ! – par sa drôle d'habitude de s'adresser à deux personnes à la fois, remercia-t-elle gentiment.
"Cette "fille" a deux millions d'années..." murmurai-je à l'oreille de mon ami.
Les yeux de Stella s'écarquillèrent de surprise, et elle resta elle-même debout, dans une stupeur silencieuse, digérant lentement cette étonnante nouvelle...
"Hein, deux millions ?.. Pourquoi est-elle si petite ?.." Stella haleta, abasourdie.
- Oui, elle dit qu'ils vivent longtemps... Peut-être que ton essence vient du même endroit ? - J'ai plaisanté. Mais Stella n’a apparemment pas du tout aimé ma blague, car elle s’est immédiatement indignée :
- Comment peux-tu ?!.. Je suis comme toi ! Je ne suis pas du tout « violet » !..
Je me sentais drôle et un peu honteux - la petite fille était une vraie patriote...
Dès que Stella est apparue ici, je me suis immédiatement sentie heureuse et forte. Apparemment, nos « promenades au sol » habituelles, parfois dangereuses, ont eu un effet positif sur mon humeur, et cela a immédiatement remis tout à sa place.
Stella regarda autour d’elle avec ravissement, et il était clair qu’elle avait hâte de bombarder notre « guide » de mille questions. Mais la petite fille se retint héroïquement, essayant de paraître plus sérieuse et plus mature qu'elle ne l'était en réalité...
– S'il te plaît, dis-moi, fille Veya, où pouvons-nous aller ? – Stella a demandé très poliment. Apparemment, elle n’a jamais réussi à comprendre l’idée que Veya puisse être si « vieille »…
"Où tu veux, puisque tu es là", répondit calmement la fille "star".
Nous avons regardé autour de nous - nous étions attirés dans toutes les directions à la fois !.. C'était incroyablement intéressant et nous voulions tout voir, mais nous avons parfaitement compris que nous ne pouvions pas rester ici pour toujours. Alors, voyant comment Stella s'agitait d'impatience, je l'ai invitée à choisir où nous devrions aller.
- Oh, s'il vous plaît, pouvons-nous voir quel genre de « créatures vivantes » vous avez ici ? – de façon inattendue pour moi, a demandé Stella.
Bien sûr, j'aimerais regarder autre chose, mais il n'y avait nulle part où aller - je lui ai proposé de choisir...
Nous nous sommes retrouvés dans quelque chose comme une forêt très lumineuse, pleine de couleurs. C'était absolument incroyable !.. Mais pour une raison quelconque, j'ai soudain pensé que je ne voudrais pas rester longtemps dans une telle forêt... C'était, encore une fois, trop beau et trop lumineux, un peu oppressant, pas du tout comme notre forêt terrestre apaisante et fraîche, verte et lumineuse.
Il est probablement vrai que chacun devrait être là où il appartient vraiment. Et j'ai immédiatement pensé à notre adorable bébé « star »... Comme sa maison et son environnement natal et familier lui ont dû manquer !.. Ce n'est que maintenant que j'ai pu comprendre au moins un peu à quel point elle devait se sentir seule dans notre environnement imparfait. et parfois une Terre dangereuse...
- S'il te plaît, dis-moi, Veya, pourquoi Atis t'a dit que tu étais parti ? – J'ai finalement posé la question qui tourbillonnait de manière agaçante dans ma tête.
– Oh, c’est parce qu’il était une fois, il y a très longtemps, ma famille est allée volontairement aider d’autres êtres qui avaient besoin de notre aide. Cela nous arrive souvent. Et ceux qui sont partis ne reviennent jamais chez eux... C'est le droit du libre choix, pour qu'ils sachent ce qu'ils font. C'est pour ça qu'Atis a eu pitié de moi...
– Qui part si tu ne peux pas revenir ? – Stella était surprise.
"Beaucoup... Parfois même plus que nécessaire", devint triste Veya. – Autrefois, nos « sages » avaient même peur qu’il ne nous reste plus assez de Viilis pour habiter correctement notre planète…
– Qu’est-ce que viilis ? – Stella s'est intéressée.
- C'est nous. Tout comme vous êtes des humains, nous sommes Viilis. Et notre planète s'appelle Viilis. – Veya a répondu.
Et puis j’ai soudain réalisé que pour une raison quelconque, nous n’avions même pas pensé à poser la question plus tôt !.. Mais c’est la première chose que nous aurions dû demander !
– As-tu changé, ou as-tu toujours été comme ça ? – J'ai demandé à nouveau.
"Ils ont changé, mais seulement à l'intérieur, si c'est ce que tu voulais dire", répondit Veya.
Un énorme oiseau multicolore et incroyablement brillant a survolé nos têtes... Une couronne de « plumes » orange brillantes scintillait sur sa tête et ses ailes étaient longues et duveteuses, comme s'il portait un nuage multicolore. L'oiseau s'est assis sur une pierre et a regardé très sérieusement dans notre direction...
- Pourquoi nous regarde-t-elle si attentivement ? – demanda Stella en frissonnant, et il me sembla qu'elle avait une autre question en tête – « est-ce que cet « oiseau » a déjà déjeuné aujourd'hui ?
L'oiseau se rapprocha prudemment. Stella couina et recula d'un bond. L'oiseau fit un pas de plus... Il était trois fois plus gros que Stella, mais il ne semblait pas agressif, mais plutôt curieux.
- Est-ce qu'elle m'aimait bien, ou quoi ? – Stella fit la moue. - Pourquoi ne vient-elle pas vers toi ? Que veut-elle de moi ?..
C'était drôle de voir comment la petite fille pouvait à peine se retenir de tirer d'ici. Apparemment, le bel oiseau n'a pas suscité beaucoup de sympathie chez elle...
Soudain, l'oiseau déploya ses ailes et une lumière aveuglante en sortit. Lentement, lentement, un brouillard commença à tourbillonner au-dessus des ailes, semblable à celui qui flottait sur Veya lorsque nous l'avons vue pour la première fois. Le brouillard tourbillonnait et s'épaississait de plus en plus, devenant comme un épais rideau, et de ce rideau d'immenses yeux presque humains nous regardaient...
"Oh, est-ce qu'elle se transforme en quelqu'un ?!.." cria Stella. - Regarde regarde!..
C'était vraiment quelque chose à regarder, puisque « l'oiseau » commença soudain à se « déformer », se transformant soit en animal, avec des yeux humains, soit en homme, avec un corps animal...
-Qu'est-ce que c'est? – mon amie a écarquillé ses yeux marron de surprise. -Que lui arrive-t-il ?..
Et «l'oiseau» avait déjà glissé hors de ses ailes, et une créature très inhabituelle se tenait devant nous. Elle ressemblait à un mi-oiseau, mi-homme, avec un grand bec et un visage humain triangulaire, un corps très flexible, semblable à celui d'un guépard, et des mouvements prédateurs et sauvages... Elle était très belle et, en même temps, très effrayant.
- C'est Miard. – Wei a présenté la créature. – Si tu veux, il te montrera les « êtres vivants », comme tu dis.
La créature, nommée Miard, a recommencé à avoir des ailes de fée. Et il les fit signe de manière invitante dans notre direction.
- Pourquoi lui? Êtes-vous très occupé, « star » Wei ?
Stella avait un visage très malheureux, car elle avait clairement peur de cet étrange « beau monstre », mais elle n'avait apparemment pas le courage de l'admettre. Je pense qu'elle préférerait l'accompagner plutôt que d'admettre qu'elle avait simplement peur... Veya, ayant clairement lu les pensées de Stella, la rassura immédiatement :
– Il est très affectueux et gentil, vous l’aimerez. Vous vouliez regarder quelque chose en direct, et il le sait mieux que quiconque.
Miard s'est approché avec précaution, comme s'il sentait que Stella avait peur de lui... Mais cette fois, pour une raison quelconque, je n'avais pas peur du tout, bien au contraire : il m'intéressait énormément.
Il s'approcha de Stella, qui à ce moment-là était presque en train de crier d'horreur, et lui toucha soigneusement la joue avec son aile douce et pelucheuse... Un brouillard violet tourbillonnait sur la tête rouge de Stella.
"Oh, regarde, le mien est le même que celui de Veiya !..." s'exclama la petite fille surprise avec enthousiasme. - Comment est-ce arrivé ?.. Oh-oh, comme c'est beau !.. - cela faisait déjà référence à la nouvelle zone qui est apparue sous nos yeux avec des animaux absolument incroyables.
Nous nous tenions sur la rive vallonnée d'une large rivière semblable à un miroir, dont l'eau était étrangement « gelée » et, semblait-il, on pouvait marcher calmement dessus - elle ne bougeait pas du tout. Un brouillard étincelant tourbillonnait au-dessus de la surface de la rivière, comme une délicate fumée transparente.
Comme je l'ai finalement deviné, ce « brouillard, que nous voyions partout ici, renforçait d'une manière ou d'une autre toutes les actions des créatures vivant ici : il ouvrait la luminosité de leur vision, servait de moyen de téléportation fiable, en général, il les aidait dans tout ce qu'elles faisaient. pourrait à ce moment-là, ces créatures n'étaient pas engagées. Et je pense qu'il servait à autre chose, bien plus encore, qu'on ne comprenait pas encore...
La rivière serpentait comme un beau et large « serpent » et, s'éloignant doucement, disparaissait quelque part entre les collines verdoyantes. Et le long de ses deux rives, des animaux étonnants marchaient, se couchaient et volaient... C'était si beau que nous nous sommes littéralement figés, émerveillés par ce spectacle époustouflant...
Les animaux ressemblaient beaucoup à des dragons royaux sans précédent, très brillants et fiers, comme s'ils savaient à quel point ils étaient beaux... Leurs longs cous courbés étincelaient d'or orange et sur leurs têtes se trouvaient des couronnes à pointes rouges avec des dents. Les bêtes royales se déplaçaient lentement et majestueusement, chaque mouvement brillant de leurs corps écailleux et bleu nacré, qui s'enflammaient littéralement lorsqu'ils étaient exposés aux rayons bleu doré du soleil.
- La beauté et plus encore !!! – Stella expira à peine de joie. – Sont-ils très dangereux ?
« Les gens dangereux ne vivent pas ici ; nous n’en avons plus depuis longtemps. » Je ne me souviens pas depuis combien de temps... - vint la réponse, et c'est seulement à ce moment-là que nous remarquâmes que Vaiya n'était pas avec nous, mais que Miard s'adressait à nous...
Stella regarda autour d'elle avec peur, ne se sentant apparemment pas très à l'aise avec notre nouvelle connaissance...
– Alors tu n’as aucun danger ? - J'ai été surpris.
« Uniquement externe », fut la réponse. - S'ils attaquent.
– Est-ce que cela arrive aussi ?
"La dernière fois, c'était devant moi", répondit sérieusement Miard.
Sa voix sonnait douce et profonde dans notre cerveau, comme du velours, et il était très inhabituel de penser qu'une créature mi-humaine aussi étrange communiquait avec nous dans notre propre « langage »... Mais nous sommes probablement déjà trop habitués à tout cela. des sortes de miracles merveilleux, car en une minute ils communiquaient librement avec lui, oubliant complètement qu'il n'était pas une personne.
- Et quoi - tu n'as jamais eu de problèmes ?! – la petite fille secoua la tête avec incrédulité. – Mais alors ça ne t’intéresse pas du tout de vivre ici !..
Il parlait d’une « soif d’aventure » terrestre réelle et inextinguible. Et je l'ai parfaitement comprise. Mais je pense que ce serait très difficile d'expliquer cela à Miard...
- Pourquoi n'est-ce pas intéressant ? – notre « guide » fut surpris et soudain, s'interrompant, il montra vers le haut. – Regardez – Saviya !!!
Nous avons regardé en haut et avons été abasourdis.... Des créatures de contes de fées flottaient doucement dans le ciel rose clair !.. Elles étaient complètement transparentes et, comme tout le reste sur cette planète, incroyablement colorées. Il semblait que de merveilleuses fleurs scintillantes volaient dans le ciel, mais elles étaient incroyablement grandes... Et chacune d'elles avait un visage surnaturel différent, d'une beauté fantastique.
"Oh-oh... Ecoute... Oh, quel miracle...", pour une raison quelconque, dit Stella dans un murmure, complètement abasourdie.
Je ne pense pas l'avoir jamais vue aussi choquée. Mais il y avait vraiment de quoi être surpris... En aucun cas, même dans l'imagination la plus folle, il n'était possible d'imaginer de telles créatures, projetant derrière lui une poussière dorée étincelante... Miard émit un étrange "sifflet", et le des créatures de contes de fées ont soudainement commencé à descendre en douceur, formant au-dessus de nous un solide et énorme « parapluie » scintillant de toutes les couleurs de leur arc-en-ciel fou... C'était tellement beau, c'était à couper le souffle !..
La première à « atterrir » sur nous fut Savia, bleu perle et aux ailes roses, qui, après avoir plié ses pétales d'ailes étincelants en un « bouquet », commença à nous regarder avec une grande curiosité, mais sans aucune crainte... Elle Il était impossible de regarder calmement sa beauté fantaisiste, qui m'attirait comme un aimant et je voulais l'admirer sans fin...
– Ne cherchez pas trop longtemps – Savia est fascinante. Vous ne voudrez plus partir d'ici. Leur beauté est dangereuse si vous ne voulez pas vous perdre, dit doucement Miard.
- Pourquoi as-tu dit qu'il n'y avait rien de dangereux ici ? Donc ce n'est pas vrai ? – Stella s'est immédiatement indignée.
"Mais ce n'est pas un danger qu'il faut craindre ou combattre." "Je pensais que c'était ce que tu voulais dire quand tu as demandé", était bouleversé Miard.
- Allez! Apparemment, nous aurons des conceptions différentes sur beaucoup de choses. C'est normal, non ? – « noblement » le rassura la petite fille. -Je peux leur parler ?
- Parlez si vous entendez. – Miard s'est tourné vers le miracle Savia qui était descendu jusqu'à nous et a montré quelque chose.
La merveilleuse créature a souri et s'est rapprochée de nous, tandis que le reste de ses (ou ses ?..) amis flottaient toujours facilement juste au-dessus de nous, scintillant et scintillant sous les rayons brillants du soleil.
"Je suis Lilis... Lis... est..." répéta une voix étonnante. Il était très doux et en même temps très sonore (si des concepts aussi opposés peuvent être combinés en un seul).
- Bonjour, belle Lillis. – Stella salua joyeusement la créature. - Je m'appelle Stella. Et la voici – Svetlana. Nous sommes le peuple. Et toi, on le sait, Saviya. D'où viens-tu? Et qu'est-ce que Saviya ? – les questions ont encore plu, mais je n'ai même pas essayé de l'arrêter, car c'était complètement inutile... Stella "voulait simplement tout savoir !" Et elle est toujours restée comme ça.
Lillis s'est approchée d'elle et a commencé à examiner Stella avec ses yeux énormes et bizarres. Ils étaient d'un pourpre brillant, avec des taches d'or à l'intérieur et scintillaient comme des pierres précieuses. Le visage de cette merveilleuse créature était incroyablement tendre et fragile et avait la forme du pétale de notre lis terrestre. Elle « parlait » sans ouvrir la bouche, tout en nous souriant avec ses petites lèvres rondes... Mais, probablement, la chose la plus étonnante qu'ils avaient était leurs cheveux... Ils étaient très longs, atteignant presque le bord. de l'aile transparente, absolument en apesanteur et , n'ayant pas de couleur constante, brillait tout le temps des arcs-en-ciel brillants les plus différents et les plus inattendus... Les corps transparents de Savius ​​​​étaient asexués (comme le corps d'un petit enfant terrestre) , et de l'arrière, ils se sont transformés en « pétales-ailes », ce qui les faisait vraiment ressembler à d'énormes fleurs lumineuses...
"Nous avons volé depuis les montagnes..." un écho étrange retentit à nouveau.
- Ou peut-être pouvez-vous nous le dire plus rapidement ? – Stella impatiente a demandé à Miarda. - Qui sont-ils?
– Ils ont été amenés d’un autre monde il était une fois. Leur monde était en train de mourir et nous voulions les sauver. Au début, ils pensaient pouvoir vivre avec tout le monde, mais ce n’était pas possible. Ils vivent très haut dans les montagnes, personne ne peut y accéder. Mais si vous les regardez longtemps dans les yeux, ils vous emmèneront avec eux... Et vous vivrez avec eux.
Stella frissonna et s'éloigna légèrement de Lilis qui se tenait à côté d'elle... - Que font-ils quand ils l'enlèvent ?
- Rien. Ils vivent simplement avec ceux qui sont emmenés. C'était probablement différent dans leur monde, mais maintenant ils le font simplement par habitude. Mais pour nous, ils sont très précieux : ils « nettoient » la planète. Personne n’est jamais tombé malade après son arrivée.
- Alors tu les as sauvegardés non pas parce que tu étais désolé, mais parce que tu en avais besoin ?!.. Est-ce vraiment bien de les utiliser ? – J'avais peur que Miard soit offensé (comme on dit, il ne faut pas entrer dans la maison de quelqu'un d'autre avec des bottes...) et j'ai poussé Stella fort sur le côté, mais elle n'a pas fait attention à moi et s'est maintenant retournée à Savie. – Aimez-vous vivre ici ? Etes-vous triste pour votre planète ?
"Non, non... C'est beau ici, du gris et du saule..." murmura la même voix douce. - Et bon osho...
Lillis souleva soudain l'un de ses "pétales" étincelants et caressa doucement la joue de Stella.
"Bébé... Sympa... Stella-la..." et le brouillard brillait au-dessus de la tête de Stella pour la deuxième fois, mais cette fois il était multicolore...
Lillis battit doucement ses ailes transparentes en forme de pétale et commença à se lever lentement jusqu'à ce qu'elle rejoigne les siennes. Les Savii s'agitèrent, et soudain, clignotant très fort, ils disparurent...
-Où sont-ils allés? – la petite fille était surprise.
- Ils sont partis. Tiens, regarde... - et Miard montrait déjà très loin, vers les montagnes, flottant doucement dans le ciel rose, de merveilleuses créatures éclairées par le soleil. - Ils sont allés à la maison...
Veya est soudainement apparue...
"Il est temps pour toi", dit tristement la fille "star". "Tu ne peux pas rester ici aussi longtemps." C'est dur.
- Oh, mais on n'a encore rien vu ! – Stella était bouleversée. – Pouvons-nous revenir ici, chère Veya ? Adieu, bon Miard ! Vous êtes doué. Je reviendrai certainement vers vous ! – comme toujours, s'adressant à tout le monde en même temps, Stella a dit au revoir.
Veya a agité sa main, et nous avons de nouveau tourbillonné dans un tourbillon frénétique de matière étincelante, après un court (ou peut-être que cela semblait juste court ?) moment, « nous jetant » sur notre « sol » mental habituel...
"Oh, comme c'est intéressant !", a crié Stella de joie.
Il semblait qu'elle était prête à endurer les charges les plus lourdes, juste pour retourner une fois de plus dans le monde coloré de Weiying qu'elle aimait tant. Soudain, j'ai pensé qu'elle devait vraiment l'aimer, car il ressemblait beaucoup au sien, qu'elle aimait créer elle-même ici, sur les « étages »...
Mon enthousiasme a un peu diminué, car j'avais déjà vu cette belle planète par moi-même, et maintenant j'avais désespérément envie d'autre chose !.. J'ai ressenti ce « goût d'inconnu » vertigineux et j'avais très envie de le répéter... Je l'avais déjà Je savais que cette « faim » empoisonnerait mon existence future et qu’elle me manquerait tout le temps. Ainsi, voulant rester au moins une petite personne heureuse à l'avenir, j'ai dû trouver un moyen de « m'ouvrir » la porte vers d'autres mondes... Mais alors j'ai encore du mal à comprendre qu'ouvrir une telle porte n'est pas si facile. juste... Et que bien d'autres hivers passeront jusqu'à ce que je sois libre de « marcher » où je veux, et que quelqu'un d'autre m'ouvrira cette porte... Et cet autre sera mon incroyable mari.
- Eh bien, qu'allons-nous faire ensuite ? – Stella m'a sorti de mes rêves.
Elle était bouleversée et triste de ne pas avoir pu en voir davantage. Mais j’étais très heureux qu’elle soit redevenue elle-même et maintenant j’étais absolument sûr qu’à partir de ce jour, elle arrêterait définitivement de se morfondre et serait à nouveau prête pour de nouvelles « aventures ».
"S'il vous plaît, pardonnez-moi, mais je ne ferai probablement rien d'autre aujourd'hui…" dis-je en m'excusant. - Mais merci beaucoup pour votre aide.
Stella rayonnait. Elle aimait vraiment se sentir utile, alors j'essayais toujours de lui montrer à quel point elle comptait pour moi (ce qui était absolument vrai).
- D'ACCORD. "Nous irons ailleurs une autre fois", acquiesça-t-elle avec complaisance.
Je pense qu'elle, comme moi, était un peu épuisée, mais, comme toujours, elle essayait de ne pas le montrer. Je lui ai fait un signe de la main... et je me suis retrouvé chez moi, sur mon canapé préféré, avec un tas d'impressions qu'il fallait maintenant comprendre calmement et « digérer » lentement et tranquillement...

À l’âge de dix ans, j’étais devenu très attaché à mon père.
Je l'ai toujours adoré. Mais malheureusement, au cours de mes premières années d’enfance, il voyageait beaucoup et restait trop rarement à la maison. Chaque jour passé avec lui à cette époque était pour moi une fête dont je me souvenais longtemps plus tard, et morceau par morceau, j'ai rassemblé tous les mots prononcés par papa, essayant de les garder dans mon âme, comme un cadeau précieux.
Dès mon plus jeune âge, j’ai toujours eu l’impression que je devais gagner l’attention de mon père. Je ne sais pas d'où cela vient ni pourquoi. Personne ne m'a jamais empêché de le voir ou de communiquer avec lui. Au contraire, ma mère essayait toujours de ne pas nous déranger si elle nous voyait ensemble. Et papa passait toujours volontiers tout son temps libre après son travail avec moi. Nous allions dans la forêt avec lui, plantions des fraises dans notre jardin, allions à la rivière pour nager ou simplement discutions assis sous notre vieux pommier préféré, ce que j'aimais faire presque tout.

En forêt pour les premiers champignons...

Sur les rives de la rivière Nemunas (Neman)

Papa était un excellent causeur et j'étais prêt à l'écouter pendant des heures si une telle opportunité se présentait... Probablement juste son attitude stricte envers la vie, l'arrangement des valeurs de la vie, l'habitude toujours changeante de ne rien obtenir pour rien, tout cela cela m'a donné l'impression que je devais le mériter aussi...
Je me souviens très bien comment, étant un très petit enfant, je m'accrochais à son cou lorsqu'il rentrait de voyage d'affaires, répétant sans cesse combien je l'aimais. Et papa m'a regardé sérieusement et m'a répondu : "Si tu m'aimes, tu ne devrais pas me dire ça, mais tu devrais toujours me le montrer..."
Et ce sont ces paroles qui sont restées pour moi une loi non écrite pour le reste de ma vie... C'est vrai, je n'ai probablement pas toujours été très doué pour « montrer », mais j'ai toujours essayé honnêtement.
Et en général, pour tout ce que je suis maintenant, je le dois à mon père, qui, étape par étape, a sculpté mon futur « moi », sans jamais faire de concessions, malgré son altruisme et sa sincérité. Durant les années les plus difficiles de ma vie, mon père était mon « île de calme », où je pouvais revenir à tout moment, sachant que j'y serais toujours le bienvenu.
Ayant lui-même vécu une vie très difficile et turbulente, il voulait être sûr que je pourrais me défendre dans toutes les circonstances défavorables pour moi et que je ne m'effondrerais pas à cause des problèmes de la vie.
En fait, je peux dire du fond du cœur que j’ai eu beaucoup de chance avec mes parents. S'ils avaient été un peu différents, qui sait où je serais maintenant, et si je le serais vraiment...
Je pense aussi que le destin a réuni mes parents pour une raison. Parce qu'il leur semblait absolument impossible de se rencontrer...
Mon père est né en Sibérie, dans la ville lointaine de Kurgan. La Sibérie n'était pas le lieu de résidence d'origine de la famille de mon père. C'était la décision du gouvernement soviétique « juste » de l'époque et, comme cela a toujours été accepté, elle n'a pas fait l'objet de discussions...
Ainsi, mes vrais grands-parents, un beau matin, ont été brutalement escortés de leur immense et très beau domaine familial bien-aimé, coupés de leur vie habituelle et mis dans une voiture complètement effrayante, sale et froide, se dirigeant dans une direction effrayante - la Sibérie. ...
Tout ce dont je parlerai plus loin, j'ai rassemblé petit à petit les souvenirs et les lettres de nos proches en France, en Angleterre, ainsi que les histoires et les souvenirs de mes parents et amis en Russie et en Lituanie.
À mon grand regret, je n’ai pu le faire qu’après la mort de mon père, bien des années plus tard…
La sœur du grand-père Alexandra Obolensky (plus tard Alexis Obolensky) et Vasily et Anna Seryogin, qui sont partis volontairement, ont également été exilés avec eux, qui ont suivi leur grand-père de leur propre choix, puisque Vasily Nikandrovich a été pendant de nombreuses années l'avocat de son grand-père dans toutes ses affaires et l'un des le plus ses amis proches.

Alexandra (Alexis) Obolenskaya Vasily et Anna Seryogin

Probablement, il fallait être vraiment un AMI pour trouver la force de faire un tel choix et d'aller de son plein gré là où on allait, comme on ne va que vers sa propre mort. Et cette « mort », malheureusement, s’appelait alors Sibérie…
J'ai toujours été très triste et douloureux pour notre belle Sibérie, si fière, mais si impitoyablement piétinée par les bottes bolcheviques... Et aucun mot ne peut dire combien de souffrance, de douleur, de vies et de larmes cette terre fière mais tourmentée a absorbée ! ... Est-ce parce que c'était autrefois le cœur de notre maison ancestrale que les « révolutionnaires clairvoyants » ont décidé de dénigrer et de détruire cette terre, la choisissant précisément pour leurs desseins diaboliques ?... Après tout, pour beaucoup de gens, même Bien des années plus tard, la Sibérie restait encore une terre « maudite », où le père de quelqu'un, le frère de quelqu'un, puis le fils de quelqu'un... ou peut-être même toute la famille de quelqu'un sont morts.
Ma grand-mère, que je n'ai jamais connue, à mon grand regret, était enceinte de mon père à cette époque et a vécu des moments très difficiles avec le voyage. Mais, bien sûr, il n'était pas nécessaire d'attendre de l'aide de n'importe où... Ainsi, la jeune princesse Elena, au lieu du bruissement silencieux des livres dans la bibliothèque familiale ou des sons habituels du piano lorsqu'elle jouait ses œuvres préférées, ce Parfois, elle n'écoutait que le bruit inquiétant des roues, qui semblaient menaçants. Ils comptaient les heures restantes de sa vie, si fragile et qui était devenue un véritable cauchemar... Elle s'asseyait sur des sacs près de la fenêtre sale de la voiture et sans cesse regarda les dernières traces pathétiques de la « civilisation » qui lui était si familière et familière, s'éloignant de plus en plus...
La sœur de son grand-père, Alexandra, avec l'aide d'amis, a réussi à s'échapper à l'un des arrêts. D'un commun accord, elle devait se rendre (si elle avait de la chance) en France, où vivait actuellement toute sa famille. Certes, aucune des personnes présentes n'avait la moindre idée de comment elle pourrait faire cela, mais comme c'était leur seul, bien que petit, mais certainement dernier espoir, y renoncer était un luxe trop grand pour leur situation complètement désespérée. Le mari d'Alexandra, Dmitry, était également en France à ce moment-là, avec l'aide duquel ils espéraient, de là, tenter d'aider la famille de son grand-père à sortir du cauchemar dans lequel la vie les avait si impitoyablement plongés, aux mains infâmes de des gens brutaux...
À leur arrivée à Kourgan, ils ont été placés dans une cave froide, sans rien expliquer et sans répondre à aucune question. Deux jours plus tard, des gens sont venus chercher mon grand-père et ont dit qu'ils seraient venus pour l'« escorter » vers une autre « destination »... Ils l'ont emmené comme un criminel, sans lui permettre d'emporter quoi que ce soit avec lui et sans daigner pour expliquer où et pendant combien de temps il est emmené. Personne n’a jamais revu grand-père. Au bout d'un moment, un militaire inconnu a apporté à la grand-mère les affaires personnelles de son grand-père dans un sac de charbon sale... sans rien expliquer et sans laisser aucun espoir de le revoir vivant. À ce moment-là, toute information sur le sort de mon grand-père a cessé, comme s'il avait disparu de la surface de la terre sans aucune trace ni preuve...
Le cœur tourmenté et tourmenté de la pauvre princesse Elena ne voulait pas accepter une perte aussi terrible et elle a littéralement bombardé l'officier d'état-major local avec des demandes de clarification des circonstances de la mort de son bien-aimé Nicolas. Mais les officiers « rouges » étaient aveugles et sourds aux demandes d’une femme solitaire, comme ils l’appelaient, « des nobles », qui n’était pour eux qu’une parmi des milliers et des milliers d’unités « agréées » anonymes qui ne signifiaient rien dans leur domaine. monde froid et cruel... C'était un véritable enfer, d'où il n'y avait aucune issue pour retourner dans ce monde familier et aimable dans lequel restaient sa maison, ses amis et tout ce à quoi elle avait été habituée depuis son plus jeune âge, et qu'elle aimait si fort et sincèrement... Et personne ne pouvait l'aider ou du moins lui donner le moindre espoir de survie.
Les Seryogin ont essayé de maintenir la présence d'esprit pour eux trois et ont essayé par tous les moyens de remonter le moral de la princesse Elena, mais elle s'est enfoncée de plus en plus profondément dans une stupeur presque complète et s'est parfois assise toute la journée dans un état de glace indifférenciée. , ne réagissant presque pas aux tentatives de ses amis pour sauver son cœur et son esprit de la dépression finale. Il n'y avait que deux choses qui la ramenaient brièvement dans le monde réel : si quelqu'un commençait à parler de son enfant à naître ou, le cas échéant, de nouveaux détails apparaissaient sur la mort supposée de son bien-aimé Nikolai. Elle voulait désespérément savoir (de son vivant) ce qui s'était réellement passé et où se trouvait son mari, ou du moins où son corps avait été enterré (ou jeté).
Malheureusement, il ne reste presque aucune information sur la vie de ces deux personnes courageuses et brillantes, Elena et Nicholas de Rohan-Hesse-Obolensky, mais même ces quelques lignes des deux lettres restantes d'Elena à sa belle-fille Alexandra, qui ont été conservés d'une manière ou d'une autre dans les archives familiales d'Alexandra en France et montrent à quel point la princesse aimait profondément et tendrement son mari disparu. Seules quelques feuilles manuscrites ont survécu, dont certaines lignes ne peuvent malheureusement pas être déchiffrées du tout. Mais même ce qui a réussi crie avec une profonde douleur à propos d'un grand malheur humain, qui, sans l'expérience, n'est pas facile à comprendre et impossible à accepter.

12 avril 1927. Extrait d'une lettre de la princesse Elena à Alexandra (Alix) Obolenskaya :
"Je suis très fatigué aujourd'hui. Je reviens de Sinyachikha complètement brisé. Les voitures sont remplies de monde, ce serait dommage même d'y transporter du bétail…………………………….. Nous nous sommes arrêtés dans la forêt, il y avait une si délicieuse odeur de champignons et de fraises... Difficile de croire que c'est là que ces malheureux ont été tués ! La pauvre Ellochka (c'est-à-dire la grande-duchesse Elizaveta Fedorovna, qui était apparentée à mon grand-père du côté de Hesse) a été tuée à proximité, dans cette terrible mine de Staroselim... quelle horreur ! Mon âme ne peut pas accepter cela. Vous souvenez-vous que nous avons dit : « Que la terre repose en paix » ?.. Grand Dieu, comment une telle terre peut-elle reposer en paix ?!..
Ô Alix, ma chère Alix ! Comment peut-on s’habituer à une telle horreur ? ...................... ..................... J'en ai tellement marre de mendier et m'humilier... Tout sera complètement inutile si la Tchéka n'accepte pas d'envoyer une demande à Alapaevsk... Je ne saurai jamais où le chercher, et je ne saurai jamais ce qu'ils lui ont fait. Il ne se passe pas une heure sans que je pense à un visage qui m'est si cher... Quelle horreur de l'imaginer couché dans quelque fosse abandonnée ou au fond d'une mine !.. Comment supporter ce cauchemar quotidien, sachant qu'il l'a déjà fait, je ne le verrai jamais ?!.. Tout comme mon pauvre Vasilek (le nom qu'on a donné à mon père à la naissance) ne le verra jamais... Où est la limite de la cruauté ? Et pourquoi s’appellent-ils des gens ?
Ma chère et gentille Alix, comme tu me manques !.. Au moins j'aimerais savoir que tout va bien pour toi, et que Dmitry, cher à ton âme, ne te quitte pas dans ces moments difficiles...... ... ................................... S'il me restait ne serait-ce qu'une goutte d'espoir de retrouver mon cher Nikolaï, il me semble avoir tout enduré. L'âme semble s'être habituée à cette terrible perte, mais cela fait toujours très mal... Sans lui, tout est différent et tellement désert.

18 mai 1927. Un extrait de la lettre de la princesse Elena à Alexandra (Alix) Obolenskaya :
« Le même cher docteur est revenu. Je ne peux pas lui prouver que je n’ai tout simplement plus de force. Il dit que je devrais vivre pour le petit Vasilko... Est-ce vrai ?.. Que trouvera-t-il sur cette terrible terre, mon pauvre bébé ? ........................................ La toux est revenue, et parfois cela devient impossible respirer. Le médecin laisse toujours quelques gouttes, mais j’ai honte de ne pouvoir en aucun cas le remercier. ................................... Parfois, je rêve de notre pièce préférée. Et mon piano... Dieu, que tout cela est loin ! Et est-ce que tout cela s'est réellement produit ? ...................... et les cerises du jardin, et notre nounou, si affectueuse et gentille. Où est tout cela maintenant ? ................................ (par la fenêtre ?) Je ne veux pas regarder, tout est couvert de de la suie et seules les bottes sales sont visibles… Je déteste l’humidité.

Ma pauvre grand-mère, à cause de l'humidité de la pièce, qui n'était pas réchauffée même en été, tomba bientôt malade de la tuberculose. Et, apparemment affaiblie par les chocs qu'elle avait subis, la famine et la maladie, elle mourut en couches, sans jamais voir son bébé, et sans trouver (au moins !) la tombe de son père. Littéralement avant sa mort, elle a pris la parole des Seryogin que, peu importe à quel point cela serait difficile pour eux, ils emmèneraient le nouveau-né (s'il survivait, bien sûr) en France, chez la sœur de son grand-père. Ce qui, à cette époque folle, promettre, bien sûr, était presque « faux », puisque, malheureusement, les Seryogins n'avaient pas de réelle opportunité de le faire... Mais ils lui ont néanmoins promis qu'au moins d'une manière ou d'une autre, pour apaiser le dernier minutes de sa très jeune vie, si brutalement ruinée, et pour que son âme, tourmentée par la douleur, puisse, au moins avec peu d'espoir, quitter ce monde cruel... Et même en sachant qu'ils feront tout leur possible pour tenir parole donné à Elena, les Seryogin ne croyaient toujours pas vraiment dans leur cœur qu'ils seraient un jour capables de donner vie à toute cette idée folle...