Art de la Renaissance en Italie (XIII-XVI siècles).
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Caractéristiques de l'art de la Renaissance en Italie.
L'art de la Renaissance est né de l'humanisme (du latin humanus - «humain») - un mouvement de pensée sociale né au 14ème siècle. en Italie, puis dans la seconde moitié des XVe et XVIe siècles. se propager aux autres pays européens Oh. L'humanisme a proclamé l'homme et son bien comme la valeur la plus élevée. Les adeptes de ce mouvement croyaient que chaque personne avait le droit de se développer librement en tant qu'individu, en réalisant ses capacités. Les idées de l'humanisme étaient incarnées de la manière la plus complète et la plus vivante dans l'art, dont le thème principal était une personne belle, harmonieusement développée, dotée d'un potentiel spirituel et créatif illimité. Les humanistes se sont inspirés de l’Antiquité, qui leur a servi de source de connaissances et de modèle de créativité artistique. Le grand passé de l'Italie, constamment rappelé, était perçu à cette époque comme la plus haute perfection, tandis que l'art du Moyen Âge semblait inepte et barbare. Le terme « renaissance », apparu au XVIe siècle, signifiait la naissance d'un nouvel art qui faisait revivre la culture antique classique. Mais l’art de la Renaissance doit beaucoup à la tradition artistique du Moyen Âge. L’ancien et le nouveau étaient en relation et en confrontation indissolubles. Malgré toute la diversité contradictoire de ses origines, l’art de la Renaissance est marqué par une nouveauté profonde et fondamentale. Il a jeté les bases de la culture européenne du Nouvel Âge. Tous les grands types d’art – peinture et graphisme, sculpture, architecture – ont énormément changé.
En architecture, les principes de l’architecture ancienne, retravaillés de manière créative, ont été établis. système de commande ,
de nouveaux types de bâtiments publics sont apparus. La peinture s'est enrichie de la perspective linéaire et aérienne, de la connaissance de l'anatomie et des proportions du corps humain. Le contenu terrestre a pénétré les thèmes religieux traditionnels des œuvres d'art. Intérêt accru pour mythologie ancienne, histoire, scènes du quotidien, paysage, portrait. A côté des peintures murales monumentales qui décoraient les structures architecturales, un tableau est apparu ; La peinture à l'huile est née.
L'art n'a pas encore cessé d'être un artisanat, mais l'individualité créatrice de l'artiste, dont l'activité à cette époque était très diversifiée, est déjà mise en avant. Le talent universel des maîtres de la Renaissance est étonnant : ils ont souvent travaillé simultanément dans les domaines de l'architecture, de la sculpture et de la peinture, combinant leur passion pour la littérature, la poésie et la philosophie avec l'étude des sciences exactes. Le concept de personnalité créativement riche, ou « Renaissance », est ensuite devenu un mot familier.
Dans l'art de la Renaissance, les voies de la compréhension scientifique et artistique du monde et de l'homme étaient étroitement liées. Sa signification cognitive était inextricablement liée à la beauté poétique sublime ; dans son désir de naturel, elle ne s'abaissait pas dans la mesquinerie quotidienne. L'art est devenu un besoin spirituel universel.
La formation de la culture de la Renaissance en Italie a eu lieu dans des villes économiquement indépendantes. Dans l'essor et l'épanouissement de l'art de la Renaissance, un rôle important a été joué par l'Église et les magnifiques cours des souverains sans couronne - les familles riches au pouvoir qui étaient les plus grands mécènes et clients d'œuvres de peinture, de sculpture et d'architecture. Les principaux centres de la culture de la Renaissance furent d'abord les villes de Florence, Sienne, Pise, puis Padoue, Ferrare, Gênes, Milan et plus tard, dans la seconde moitié du XVe siècle, la riche Venise marchande. Au 16ème siècle Rome devient la capitale de la Renaissance italienne. A partir de cette époque, tous les autres centres culturels, à l'exception de Venise, perdent leur importance d'antan.
A l'époque de la Renaissance italienne, il est d'usage de distinguer plusieurs périodes :
Proto-Renaissance (seconde moitié des XIII-XIV siècles),
Début de la Renaissance(XVe siècle),
Haute Renaissance (fin XVe – premier tiers du XVIe siècle)
Fin de la Renaissance (deux derniers tiers du XVIe siècle).
Proto-Renaissance
Dans la culture italienne des XIII-XIV siècles. Dans le contexte des traditions byzantines et gothiques encore fortes, les traits d'un nouvel art ont commencé à apparaître, qui sera plus tard appelé l'art de la Renaissance. C'est pourquoi cette période de son histoire s'appelle Proto-Renaissance(du grec « protos » - « premier », c'est-à-dire préparé l'offensive de la Renaissance). Il n’y a eu aucune période de transition similaire dans aucun des pays européens. En Italie même, l'art de la proto-Renaissance est apparu et s'est développé uniquement en Toscane et à Rome.
La culture italienne entrelaçait les caractéristiques de l'ancien et du nouveau. Le dernier poète du Moyen Âge et le premier poète de la nouvelle ère, Dante Alighieri (1265-1321), a créé la langue littéraire italienne. Ce que Dante a commencé a été poursuivi par d'autres grands Florentins du XIVe siècle - Francesco Petrarca (1304-1374), le fondateur de la poésie lyrique européenne, et Giovanni Boccace (1313-1375), le fondateur du genre de la nouvelle (nouvelle) dans le monde. littérature. La fierté de l'époque sont les architectes et sculpteurs Niccolo et Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio et le peintre Giotto di Bondone .
Architecture
L'architecture italienne a longtemps suivi les traditions médiévales, qui s'exprimaient principalement dans l'utilisation d'un grand nombre de motifs gothiques. Dans le même temps, le gothique italien lui-même était très différent de l'architecture gothique de l'Europe du Nord : il gravitait vers de grandes formes calmes, voire légères, des divisions horizontales et de larges surfaces murales. En 1296, la construction commença à Florence Cathédrale de Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio voulait couronner l'autel de la cathédrale avec un immense dôme. Cependant, après la mort de l'architecte en 1310, la construction fut retardée ; elle fut déjà achevée au début de la Renaissance. En 1334, selon les plans de Giotto, commença la construction du clocher de la cathédrale, appelé campanile - une tour rectangulaire élancée avec des divisions horizontales étage par étage et de gracieuses fenêtres gothiques, dont la forme en arc brisé est restée dans l'architecture italienne pendant un long moment.
Parmi les palais de la ville les plus célèbres se trouve le Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) à Florence. On pense qu'il a été construit par Arnolfo di Cambio. Il s'agit d'un lourd cube doté d'une haute tour, bordée de pierre dure rustiquée. La façade à trois étages est ornée de fenêtres jumelées inscrites dans des arcs en plein cintre, ce qui donne à l'ensemble du bâtiment une impression de sévérité sobre. Le bâtiment définit l'apparence du vieux centre-ville, empiétant sur la place avec sa masse sévère.
Sculpture
Plus tôt que dans l'architecture et la peinture, les quêtes artistiques ont émergé dans la sculpture, et surtout dans l'école pisane, dont le fondateur fut Niccolò Pisano (vers 1220 - entre 1278 et 1284). Niccolò Pisano est né dans les Pouilles, dans le sud de l'Italie. On pense qu'il a étudié la sculpture dans les écoles du sud, où s'épanouit l'esprit de renaissance des traditions classiques de l'Antiquité. Sans aucun doute, Niccolo a étudié la conception sculpturale des sarcophages romains tardifs et paléochrétiens. La plus ancienne œuvre connue du sculpteur est une sculpture hexagonale chaire en marbre, réalisée par lui pour le baptistère de Pise (1260), est devenue une œuvre exceptionnelle de la sculpture de la Renaissance et a eu une énorme influence sur son développement ultérieur. La principale réussite du sculpteur est qu'il a su donner du volume et de l'expressivité aux formes, et chaque image a une puissance corporelle.
De l'atelier de Niccolò Pisano sont sortis de remarquables maîtres de la sculpture de la Proto-Renaissance - son fils Giovanni Pisano et Arnolfo di Cambio, également connu comme architecte. Arnolfo di Cambio (vers 1245 - après 1310) s'oriente vers la sculpture monumentale, dans laquelle il utilise ses observations de vie. L'une des meilleures œuvres qu'il a réalisées avec son père et son fils Pisano est fontaine sur la Piazza Pérouse(1278). La Fonte Maggiore, ornée de nombreuses statues et reliefs, est devenue la fierté de la ville. Il était interdit d'en donner de l'eau aux animaux, de mettre de l'eau dans des tonneaux de vin ou dans de la vaisselle non lavée. Le musée de la ville conserve des fragments de personnages couchés réalisés par Arnolfo di Cambio pour la fontaine. Dans ces figures, le sculpteur a su transmettre toute la richesse des mouvements du corps humain.
Peinture
Dans l’art de la Renaissance italienne, la peinture murale occupait une place prédominante. Il a été réalisé selon la technique de la fresque. À l'aide de peintures préparées à l'eau, ils peignaient soit sur du plâtre humide (la fresque elle-même), soit sur du plâtre sec - cette technique est appelée « a secco » (traduit de l'italien par « sur sec »). Le liant principal du plâtre est la chaux. Parce que Il fallait un peu de temps pour que la chaux sèche ; la peinture à fresque devait être réalisée rapidement, souvent par parties, entre lesquelles restaient des joints de liaison. De la seconde moitié du XVe siècle. la technique de la fresque a commencé à être complétée par une peinture secco ; ce dernier permettait un travail plus lent et permettait la finition des pièces. Le travail sur les peintures a été précédé par la réalisation de synopias - dessins auxiliaires appliqués sous la fresque sur la première couche de plâtre. Ces dessins ont été réalisés avec de l'ocre rouge, extraite de l'argile près de la ville de Sinop, située sur la côte de la mer Noire. D'après le nom de la ville, la peinture s'appelait Sinope, ou sinopia, et plus tard les dessins eux-mêmes ont commencé à s'appeler de la même manière. La sinopia a été utilisée dans la peinture italienne du XIIIe au milieu du XVe siècle. Cependant, tous les peintres n'ont pas eu recours à la synopie - par exemple, Giotto di Bondone, le représentant le plus éminent de l’ère Proto-Renaissance, s’en est passé. Peu à peu, la synopie fut abandonnée. Du milieu du XVe siècle. Les cartons - dessins préparatoires réalisés sur papier ou tissu aux dimensions des œuvres futures - se sont répandus en peinture. Les contours du motif ont été transférés sur du plâtre humide à l’aide de poussière de charbon. Il était soufflé à travers des trous percés dans le contour et enfoncé dans le plâtre avec un instrument pointu. Parfois, les résumés d'un croquis se transformaient en un dessin monumental terminé, et les cartons acquéraient la signification d'œuvres de peinture indépendantes.
Cimabue (en fait Cenni di Pepo, vers 1240 - vers 1302) est considéré comme le fondateur du nouveau style de peinture italien. Cimabue était célèbre à Florence comme un maître des peintures d'autel et des icônes solennelles. Ses images sont caractérisées par l'abstraction et la staticité. Et bien que Cimabue ait suivi les traditions byzantines dans son travail, il a essayé d'exprimer des sentiments terrestres et d'adoucir la rigidité du canon byzantin.
Piero Cavallini (entre 1240 et 1250 - vers 1330) a vécu et travaillé à Rome. Il est l'auteur des mosaïques de l'église Santa Maria in Trastevere (1291), ainsi que des fresques de l'église Santa Cecilia in Trastevere (vers 1293). Dans ses œuvres, Cavallini donne aux formes volume et tangibilité.
Les réalisations de Cavallini ont été adoptées et poursuivies Giotto di Bondone(1266 ou 1267 - 1337), le plus grand artiste de la Proto-Renaissance. Le nom de Giotto est associé à un tournant dans l'évolution de la peinture italienne, à sa rupture avec les canons artistiques médiévaux et les traditions de l'art italo-byzantin du XIIIe siècle. Les œuvres les plus célèbres de Giotto sont les peintures de la chapelle Arena de Padoue (1304-06). Les fresques se distinguent par leur clarté, leur narration simple et la présence de détails quotidiens qui ajoutent de la vitalité et du naturel aux scènes représentées. Rejetant le canon de l'église qui dominait l'art de l'époque, Giotto dépeint ses personnages comme semblables à de vraies personnes : avec des corps proportionnés et trapus, des visages ronds (plutôt qu'allongés), une forme régulière des yeux, etc. Ses saints ne planent pas au-dessus du sol, mais s'y tiennent fermement des deux pieds. Ils pensent davantage aux choses terrestres qu’aux choses célestes, éprouvant des sentiments et des émotions tout à fait humains. Pour la première fois dans l'histoire de la peinture italienne, l'état d'esprit des héros d'un tableau est véhiculé par les expressions du visage, les gestes et la posture. Au lieu du traditionnel fond doré, les fresques de Giotto représentent un paysage, un intérieur ou des groupes sculpturaux sur les façades des basiliques.
Dans la seconde moitié du XIVe siècle. L'école picturale de Sienne vient en premier. Le maître le plus grand et le plus raffiné de la peinture siennoise du XIVe siècle. était Simone Martini (vers 1284-1344). Le pinceau de Simone Martini appartient à la première image d'image concrète de l'histoire de l'art événement historique avec le portrait d'un contemporain. Cette image " Condotiera Guidoriccio da Fogliano"dans la salle du Mappamondo (Carte du monde) du Palazzo Publico (Sienne), qui devint le prototype de nombreux futurs portraits équestres. Le retable « L'Annonciation » de Simone Martini, aujourd'hui conservé à la Galerie des Offices à Florence, jouit d'une renommée bien méritée.
Caractéristiques de la Renaissance. Proto-Renaissance
Caractéristiques de la Renaissance
Début de la Renaissance
Au XVe siècle L'art italien a pris une position dominante dans la vie artistique de l'Europe. Les fondements d’une culture humaniste laïque (c’est-à-dire non ecclésiastique) ont été posés à Florence, ce qui a relégué Sienne et Pise au second plan. Le pouvoir politique appartenait ici aux marchands et aux artisans ; plusieurs familles riches, constamment en concurrence les unes avec les autres, avaient la plus forte influence sur les affaires de la ville. Cette lutte prit fin à la fin du XIVe siècle. victoire de la maison bancaire Médicis. Son chef, Cosme de Médicis, devint le dirigeant officieux de Florence. Écrivains, poètes, scientifiques, architectes et artistes affluèrent à la cour de Cosme de Médicis. La culture de la Renaissance à Florence a atteint son apogée sous Laurent de Médicis, surnommé le Magnifique. Lorenzo était un grand mécène des arts et des sciences, le créateur de l'Académie de Platon, où se réunissaient les esprits remarquables de l'Italie, les poètes et les philosophes, où se tenaient des débats raffinés, élevant l'esprit et l'esprit.
Architecture
Sous Côme et Laurent de Médicis, une véritable révolution a eu lieu dans l'architecture de Florence : de vastes constructions ont eu lieu ici, modifiant considérablement l'apparence de la ville. Le fondateur de l'architecture de la Renaissance en Italie était Filippo Brunelleschi(1377-1446) - architecte, sculpteur et scientifique, l'un des créateurs de la théorie scientifique de la perspective. La plus grande réussite technique de Brunelleschi fut la construction du dôme Cathédrale de Santa Maria del Fioreà Florence. Grâce à son génie mathématique et technique, Brunelleschi réussit à résoudre le problème le plus difficile de son époque. La principale difficulté à laquelle le maître était confronté était due à la taille gigantesque de la travée de la croix médiane (42 m), qui nécessitait des efforts particuliers pour faciliter l'agrandissement. Brunelleschi a résolu le problème en utilisant une conception ingénieuse : une coupole creuse légère composée de deux coques, un système de charpente de huit nervures porteuses reliées par des anneaux encerclant, une lucarne qui ferme et charge la voûte. Le dôme de la cathédrale Santa Maria del Fiore est devenu le prédécesseur de nombreuses églises à dôme en Italie et dans d'autres pays européens.
Brunelleschi fut l'un des premiers architectes italiens à comprendre de manière créative et à interpréter de manière originale l'ancien système d'ordre ( Hôpital des Innocenti (abri des enfants trouvés), 1421-44), a jeté les bases de la création d'églises à coupole basées sur l'ordre ancien ( Église de Saint-Laurent ). Une véritable perle du début de la Renaissance a été créée par Brunelleschi à la demande d'une riche famille florentine. Chapelle Pazzi(commencé en 1429). L'humanisme et la poésie de l'œuvre de Brunelleschi, la proportionnalité harmonieuse, la légèreté et la grâce de ses bâtiments, qui conservent des liens avec les traditions gothiques, la liberté créatrice et la validité scientifique de ses plans ont déterminé la grande influence de Brunelleschi sur le développement ultérieur de l'architecture de la Renaissance.
Une des principales réalisations Architecture italienne XVe siècle fut la création d'un nouveau type de palais-palais urbains, qui servirent de modèle aux bâtiments publics des temps ultérieurs. Caractéristiques du palais du XVe siècle sont une division claire du volume fermé du bâtiment en trois étages, une cour ouverte avec des arcades d'été étage par étage, l'utilisation de la rustication (pierre avec une surface frontale grossièrement arrondie ou convexe) pour faire face à la façade, ainsi que une corniche décorative fortement étendue. Un exemple frappant de ce style est la construction capitale de l'élève de Brunelleschi, Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), architecte de la cour de la famille Médicis, - Palais Médicis - Riccardi (1444-60), qui servit de modèle à la construction de nombreux palais florentins. Proche de la création de Michelozzo Palais Strozzi(fondée en 1481), associée au nom de l'architecte et sculpteur Benedetto da Maiano (1442-97).
Une place particulière dans l'histoire de l'architecture italienne occupe Léon Battista Alberti(1404-72). Homme très doué et largement instruit, il fut l’un des humanistes les plus brillants de son temps. Son éventail d’intérêts était inhabituellement diversifié. Il a abordé la morale et le droit, les mathématiques, la mécanique, l'économie, la philosophie, la poésie, la musique, la peinture, la sculpture et l'architecture. Brillant styliste, Alberti a laissé de nombreuses œuvres en latin et en italien. En Italie et à l'étranger, Alberti s'est fait connaître en tant que théoricien de l'art exceptionnel. Les célèbres traités « Dix livres d'architecture » (1449-52), « De la peinture », « De la statue » (1435-36) appartiennent à sa plume. Mais la vocation principale d'Alberti était l'architecture. Dans son travail architectural, Alberti s'est tourné vers des solutions audacieuses et expérimentales, utilisant de manière innovante l'héritage artistique ancien. Alberti a créé un nouveau type de palais de ville ( Palais Rucellai ). Dans l'architecture religieuse, recherchant la grandeur et la simplicité, Alberti a utilisé des motifs d'arcs de triomphe et d'arcades romains dans la conception des façades ( Église de Sant'Andreaà Mantoue, 1472-94). Le nom Alberti est à juste titre considéré comme l'un des premiers parmi les grands créateurs culturels de la Renaissance italienne.
Sculpture
Au XVe siècle La sculpture italienne, qui a acquis un sens indépendant de l'architecture, est florissante. La pratique de la vie artistique commence à inclure les commandes de décoration des édifices publics ; des concours d'art sont organisés. L'un de ces concours - pour la fabrication du bronze de la deuxième porte nord du baptistère florentin (1401) - est considéré comme un événement important qui a ouvert une nouvelle page dans l'histoire de la sculpture de la Renaissance italienne. La victoire a été remportée par Lorenzo Ghiberti (1381-1455).
L'une des personnes les plus instruites de son temps, le premier historien art italien, brillant dessinateur, Ghiberti a consacré sa vie à un seul type de sculpture : le relief. Ghiberti considérait que le principe principal de son art était l'équilibre et l'harmonie de tous les éléments de l'image. Le summum de la créativité de Ghiberti était portes orientales du baptistère florentin (1425-52), immortalisant le nom du maître. Le décor des portes comprend dix compositions carrées en bronze doré (« Création d'Adam et Ève"), avec leur extraordinaire expressivité qui rappelle les peintures. L'artiste a réussi à transmettre la profondeur de l'espace, saturé d'images de la nature, de figures humaines et de structures architecturales. AVEC main légère Michel-Ange a commencé à appeler les portes orientales du baptistère florentin "Les portes du ciel"
L'atelier de Ghiberti est devenu une école pour toute une génération d'artistes, notamment le célèbre Donatello, le grand réformateur de la sculpture italienne, qui y a travaillé. L'œuvre de Donatello (vers 1386-1466), qui a absorbé les traditions démocratiques de la culture florentine du XIVe siècle, représente l'un des sommets du développement de l'art de la première Renaissance. Il incarne la recherche de nouveaux moyens réalistes de représenter la réalité, caractéristique de l'art de la Renaissance, attention particulièreà l'homme et à son monde spirituel. L'influence de l'œuvre de Donatello sur le développement de l'art de la Renaissance italienne fut énorme.
La deuxième génération de sculpteurs florentins gravite vers un art plus lyrique, apaisé et laïc. Le rôle principal appartenait à la famille de sculpteurs della Robbia. Le chef de famille, Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482), est devenu célèbre pour son utilisation des techniques de glaçage dans la sculpture circulaire et le relief. La technique de l'émail (majolique), connue depuis l'Antiquité des peuples d'Asie occidentale, a été introduite dans la péninsule ibérique et sur l'île de Majorque (d'où son nom) au Moyen Âge, puis largement répandue en Italie. Lucca della Robbia a créé des médaillons avec des reliefs sur fond bleu profond pour les bâtiments et les autels, des guirlandes de fleurs et de fruits, des bustes en majolique de la Madone, du Christ et des saints. L'art joyeux, élégant et bienveillant de ce maître a reçu une reconnaissance bien méritée de la part de ses contemporains. Son neveu Andrea della Robbia (1435-1525) atteint également une grande perfection dans la technique de la majolique ( reliefs sur la façade de l'Ospedale degli Innocenti).
Peinture
Le rôle énorme joué par Brunelleschi dans l'architecture de la première Renaissance et par Donatello dans la sculpture appartenait à Masaccio (1401-1428) dans la peinture. Masaccio est mort jeune, n'ayant pas atteint l'âge de 27 ans, et a néanmoins réussi à faire beaucoup de choses en peinture. Le célèbre historien de l'art Whipper a déclaré : « Masaccio est l'un des génies les plus indépendants et les plus cohérents de l'histoire de la peinture européenne, le fondateur du nouveau réalisme... » Poursuivant la recherche de Giotto, Masaccio rompt avec audace avec les traditions artistiques médiévales. Dans fresque "Trinité"(1426-27), créé pour l'église de Santa Maria Novella à Florence, Masaccio utilise pour la première fois la pleine perspective dans la peinture murale. Dans les peintures de la chapelle Brancacci de l'église Santa Maria del Carmine à Florence (1425-28) - la création principale de sa courte vie - Masaccio donne aux images une force de persuasion réaliste sans précédent, souligne la physicalité et la monumentalité de ses personnages, transmet magistralement l’état émotionnel et la profondeur psychologique des images. Dans fresque "Expulsion du Paradis" l'artiste résout la tâche la plus difficile de son époque : représenter une figure humaine nue. L'art austère et courageux de Masaccio a eu un impact énorme sur la culture artistique de la Renaissance.
L’évolution de la peinture de la première Renaissance a été ambiguë : les artistes ont suivi leurs propres chemins, parfois différents. Le principe laïc, le désir d'un récit fascinant et un sentiment terrestre lyrique ont trouvé une expression vivante dans les œuvres de Fra Filippo Lippi (1406-1469), moine de l'ordre des Carmes. Un maître charmant, auteur de nombreuses compositions d'autel, parmi lesquelles le tableau est considéré comme le meilleur « Adoration de l'Enfant » , créé pour la chapelle de Palais Médicis - Riccardi, Filippo Lippi a réussi à transmettre en eux la chaleur humaine et l'amour poétique pour la nature.
Au milieu du XVe siècle. la peinture en Italie centrale a connu un épanouissement rapide, dont un exemple frappant est la créativité Piero de la Francesca(1420-92), le plus grand artiste et théoricien de l'art de la Renaissance. La plus belle création de Piero della Francesca - cycle de fresques de l'église de San Francesco à Arezzo, qui sont basés sur la légende de l'arbre de la croix qui donne la vie. Les fresques, disposées sur trois niveaux, retracent l'histoire de la croix vivifiante depuis le tout début, lorsque l'arbre sacré pousse de la graine de l'arbre du paradis de la connaissance du bien et du mal sur la tombe d'Adam. ("Mort d'Adam") et jusqu'à la fin, lorsque l'empereur byzantin Héraclius rend solennellement la relique chrétienne à Jérusalem (« Bataille entre Héraclius et Khosroès » ). L'œuvre de Piero della Francesca dépasse les écoles de peinture locales et détermine le développement de l'art italien dans son ensemble.
Dans la seconde moitié du XVe siècle, de nombreux artisans talentueux travaillaient dans le nord de l'Italie, dans les villes de Vérone, Ferrare et Venise. Parmi les peintres de cette époque, le plus célèbre est Andrea Mantegna (1431-1506) - un maître du chevalet et peinture monumentale, dessinateur et graveur, sculpteur et architecte. Le style pictural de l’artiste se distingue par la poursuite des formes et des dessins, la rigueur et la véracité des images généralisées. Grâce à la profondeur spatiale et à la nature sculpturale des personnages, Mantegna donne l'impression d'une scène réelle figée un instant - ses personnages semblent si tridimensionnels et naturels. Mantegna a vécu la majeure partie de sa vie à Mantoue, où il a créé son œuvre la plus célèbre - Tableau "Camera degli Sposi" dans le château de campagne du marquis L. Gonzaga. Utilisant uniquement les moyens de la peinture, il crée ici un luxueux intérieur Renaissance, lieu de réceptions d'apparat et de vacances. L'art de Mantegna, extrêmement célèbre, a influencé toute la peinture de l'Italie du Nord.
Une place particulière dans la peinture du début de la Renaissance appartient à Sandro Botticelli(en fait Alessandro di Mariano Filipepi), né en 1445 à Florence dans la famille d'un riche tanneur de cuir. En 1459-64. le jeune homme étudie la peinture auprès du célèbre maître florentin Filippo Lippi. En 1470, il ouvre son propre atelier à Florence et en 1472 il devient membre de la Guilde de Saint-Luc.
La première création de Botticelli fut la composition "Force", qu'il réalisa pour le tribunal de commerce de Florence. Le jeune artiste gagne rapidement la confiance des clients et acquiert une renommée qui attire l'attention de Laurent le Magnifique, le nouveau souverain de Florence, et devient son maître de cour et son favori. Botticelli a réalisé la plupart de ses peintures pour les maisons du duc et d'autres familles nobles florentines, ainsi que pour les églises, monastères et édifices publics de Florence.
Seconde moitié des années 1470 et 1480. est devenu une période d'épanouissement créatif pour Botticelli. Pour la façade principale de l'église de Santa Maria Novella, il écrit la composition « Adoration des Mages" - une sorte de portrait de groupe mythifié de la famille Médicis. Quelques années plus tard, l'artiste crée sa célèbre allégorie mythologique « Printemps ».
En 1481, le pape Sixte IV ordonna à un groupe de peintres, parmi lesquels Botticelli, de décorer sa chapelle de fresques, qui reçurent plus tard le nom de « Sixtine ». Botticelli a peint des fresques dans la Chapelle Sixtine " Tentation du Christ », « Scènes de la vie de Moïse », « Punition de Koré, Dathan et Abiron" Au cours des années suivantes, Botticelli réalise une série de 4 fresques basées sur des nouvelles du Décaméron de Boccace et crée ses œuvres mythologiques les plus célèbres (« Naissance de Vénus », « Pallas et Centaure"), ainsi que plusieurs compositions d'autel pour les églises florentines (" Couronnement de la Vierge Marie », « Autel de San Barnaba"). Plusieurs fois, il s'est tourné vers l'image de la Madone (« Madone du Magnificat », « Madone à la grenade », « Madone avec un livre"), a également travaillé dans le genre du portrait (" Portrait de Giuliano Médicis", "Portrait de jeune femme", "Portrait de jeune homme").
Dans les années 1490, à l’époque des mouvements sociaux et des sermons mystiques du moine Savonarole qui ébranlèrent Florence, des notes moralisatrices et dramatiques apparurent dans l’art de Botticelli (« Calomnie », « Lamentation du Christ », « Noël mystique"). Sous l'influence de Savonarole, dans un accès d'exaltation religieuse, l'artiste détruisit même certaines de ses œuvres. Au milieu des années 1490, avec la mort de Laurent le Magnifique et l'expulsion de son fils Pietro de Florence, Botticelli perd sa renommée de grand artiste. Oublié, il vit tranquillement sa vie dans la maison de son frère Simon. En 1510, l'artiste mourut.
L'art exquis de Botticelli avec des éléments de stylisation (c'est-à-dire la généralisation d'images à l'aide de techniques conventionnelles - simplification de la couleur, de la forme et du volume) est considéré comme l'un des sommets du développement de la peinture. L'art de Botticelli, contrairement à la plupart des maîtres du début de la Renaissance, était basé sur une expérience personnelle. Exceptionnellement sensible et sincère, Botticelli a parcouru un chemin difficile et tragique de quête créative - d'une perception poétique du monde dans sa jeunesse au mysticisme et à l'exaltation religieuse à l'âge adulte.
PREMIÈRE RENAISSANCE
PREMIÈRE RENAISSANCE
Haute Renaissance
La Haute Renaissance, qui a donné à l'humanité de grands maîtres comme Léonard de Vinci, Raphaël, Michel-Ange, Giorgione, Titien, Bramante, couvre une période relativement courte - la fin du XVe et le premier tiers du XVIe siècle. Ce n'est qu'à Venise que l'épanouissement de l'art se poursuivit jusqu'au milieu du siècle.
Les changements fondamentaux associés aux événements décisifs de l'histoire mondiale et aux succès de la pensée scientifique avancée ont sans cesse élargi les idées des gens sur le monde - non seulement sur la terre, mais aussi sur l'espace. La perception du monde et de la personnalité humaine semble s'être élargie ; dans la créativité artistique, cela se reflète non seulement dans l'ampleur majestueuse des structures architecturales, des monuments, des cycles de fresques solennelles et des peintures, mais aussi dans le contenu et l'expressivité des images. L'art de la Haute Renaissance est un processus artistique vivant et complexe, avec des éclats fulgurants et des crises ultérieures.
Donato Bramante.
Le centre de l'architecture de la Haute Renaissance était Rome, où, sur la base de découvertes et de succès antérieurs, un style classique unique a émergé. Les maîtres ont utilisé de manière créative l'ancien système d'ordre, créant des structures dont la monumentalité majestueuse était en phase avec l'époque. Le plus grand représentant de l'architecture de la Haute Renaissance fut Donato Bramante (1444-1514). Les bâtiments de Bramante se distinguent par leur monumentalité et leur grandeur, la perfection harmonieuse des proportions, l'intégrité et la clarté des solutions compositionnelles et spatiales et l'utilisation libre et créative des formes classiques. La plus grande réalisation créative de Bramante est la reconstruction du Vatican (l'architecte a en fait créé un nouveau bâtiment, y incorporant organiquement des bâtiments anciens dispersés). Bramante est également l'auteur du projet de la cathédrale Saint-Pierre de Rome. Avec son œuvre, Bramante a déterminé le développement de l'architecture au XVIe siècle.
Léonard de Vinci.
Dans l’histoire de l’humanité, il n’est pas facile de trouver une autre personne aussi brillante que le fondateur de l’art de la Haute Renaissance. Léonard de Vinci(1452-1519). Le caractère exhaustif des activités de ce grand artiste, sculpteur, architecte, scientifique et ingénieur n'est devenu clair qu'en examinant les manuscrits dispersés de son héritage, comptant plus de sept mille feuilles contenant des projets scientifiques et architecturaux, des inventions et des croquis. Il est difficile de nommer un domaine de connaissance que son génie ne toucherait pas. L'universalisme de Léonard est si incompréhensible que le célèbre biographe des personnages de la Renaissance, Giorgio Vasari, ne pouvait expliquer ce phénomène que par une intervention céleste : « Quelle que soit la direction vers laquelle cet homme se tournait, chacune de ses actions portait le sceau de la divinité. »
Dans son célèbre « Traité de peinture » (1498) et d'autres notes, Léonard accorde une grande attention à l'étude du corps humain, aux informations sur l'anatomie, les proportions, la relation entre les mouvements, les expressions faciales et l'état émotionnel d'une personne. Léonard s'intéresse également aux problèmes de clair-obscur, de modélisation volumétrique, de perspective linéaire et aérienne. Léonard n'a pas seulement rendu hommage à la théorie de l'art. Il a créé un certain nombre de magnifiques images d'autel et de portraits. Le pinceau de Léonard appartient à l'une des œuvres les plus célèbres de la peinture mondiale - "Mona Lisa" ("La Gioconda"). Léonard a créé des images sculpturales monumentales, conçu et construit des structures architecturales. Léonard reste à ce jour l'une des personnalités les plus charismatiques de la Renaissance. Un grand nombre de livres lui ont été consacrés, sa vie a été étudiée en détail. Et pourtant, une grande partie de son œuvre reste mystérieuse et continue de passionner les esprits.
Rafael Santi.
L'art de Raphael Santi (1483-1520) appartient également aux sommets de la Renaissance italienne. Dans l'histoire de l'art mondial, l'œuvre de Raphaël est associée à l'idée de beauté et d'harmonie sublimes. Il est généralement admis que dans la constellation des brillants maîtres de la Haute Renaissance, c'est Raphaël qui était le principal porteur d'harmonie. La recherche inlassable d’un début brillant et parfait imprègne toute l’œuvre de Raphaël et constitue sa signification intérieure. Ses œuvres sont exceptionnellement attrayantes par leur grâce naturelle (« Madone Sixtine"). C'est peut-être pour cette raison que le maître a acquis une telle popularité auprès du public et a toujours eu de nombreux adeptes parmi les artistes. Raphaël n'était pas seulement un peintre et portraitiste étonnant, mais aussi un monumentaliste qui travaillait dans les techniques de la fresque, un architecte et un maître du décor. Tous ces talents se sont manifestés avec une force particulière dans ses peintures des appartements du pape Jules II au Vatican (« École d'Athènes »). Dans l'art artiste de génie une nouvelle image de l'homme de la Renaissance est née - belle, harmonieuse, parfaite physiquement et spirituellement.
Michel-Ange Buonarotti.
Contemporain Léonard de Vinci et Raphaël était leur éternel rival - Michel-Ange Buonarroti, le plus grand maître de la Haute Renaissance - sculpteur, peintre, architecte et poète. Le mien chemin créatif ce titan de la Renaissance a commencé par la sculpture. Ses statues colossales sont devenues le symbole d'un homme nouveau - un héros et un combattant (« David »). Le maître a érigé de nombreuses structures architecturales et sculpturales, dont la plus célèbre est la chapelle Médicis à Florence. La splendeur de ces œuvres repose sur la tension colossale des sentiments des personnages ( Sarcophage de Giuliano Médicis). Mais les peintures de Michel-Ange au Vatican, dans la Chapelle Sixtine, sont particulièrement célèbres, dans lesquelles il s'est révélé être un peintre brillant. Peut-être que personne dans l’art mondial, ni avant ni après Michel-Ange, n’a créé des personnages aussi forts de corps et d’esprit (« Création d'Adam"). L'immense fresque incroyablement complexe du plafond a été peinte par l'artiste seul, sans assistants ; elle reste à ce jour une œuvre monumentale inégalée de la peinture italienne. Mais en plus de peindre le plafond de la chapelle Sixtine, le maître, déjà âgé, a créé le « Jugement dernier » farouchement inspiré, symbole de l'effondrement des idéaux de sa grande époque.
Michel-Ange a travaillé beaucoup et fructueusement en architecture, il a notamment supervisé la construction de la cathédrale Saint-Pierre et de l'ensemble Place du Capitoleà Rome. L'œuvre du grand Michel-Ange constituait toute une époque et était bien en avance sur son temps ; elle joua un rôle colossal dans l'art mondial, en particulier, elle influença la formation des principes du baroque.
Giorgione et Titien.
Venise, où la peinture s'épanouit, ajoute une page lumineuse à l'histoire de l'art de la Haute Renaissance. Giorgione est considéré comme le premier maître de la Haute Renaissance à Venise. Son art est complètement spécial. L'esprit d'harmonie claire et une contemplation et une rêverie intimes particulières y règnent. Il peint souvent de ravissantes beautés, de véritables déesses. Il s'agit généralement d'une fiction poétique - l'incarnation d'un rêve irréalisable, l'admiration pour un sentiment romantique et une belle femme. Ses peintures contiennent un soupçon de passion sensuelle, de doux plaisir, de bonheur surnaturel. Avec l'art de Giorgione, la peinture vénitienne acquiert une signification panitalienne, établissant ses caractéristiques artistiques.
Titien dans est entré dans l'histoire de l'art italien comme un titan et le chef école vénitienne, comme symbole de son apogée. Le souffle d'une nouvelle ère - orageuse, tragique, sensuelle - s'est manifesté avec une force particulière dans l'œuvre de cet artiste. L'œuvre de Titien se distingue par sa couverture exceptionnellement large et variée des types et genres de peinture. Titien fut l'un des fondateurs de la peinture d'autel monumentale, du paysage en tant que genre indépendant et de divers types de portraits, y compris cérémoniaux. Dans son œuvre, des images idéales cohabitent avec des personnages brillants, des conflits tragiques avec des scènes de joie jubilatoire, des compositions religieuses avec des peintures mythologiques et historiques.
Titien a développé une nouvelle technique de peinture qui a eu une influence exceptionnelle sur le développement ultérieur des beaux-arts mondiaux jusqu'au 20e siècle. Titien fait partie des plus grands coloristes de la peinture mondiale. Ses peintures brillent d’or et d’une gamme complexe de nuances de couleurs vibrantes et lumineuses. Titien, qui a vécu près d'un siècle, a connu l'effondrement des idéaux de la Renaissance ; l'œuvre du maître appartient pour moitié à la fin de la Renaissance. Son héros, entrant dans la lutte contre les forces hostiles, meurt, mais conserve sa grandeur. L'influence du grand atelier du Titien a touché tout l'art vénitien.
HAUTE RENAISSANCE
HAUTE RENAISSANCE
Fin de la Renaissance
Dans la seconde moitié du XVIe siècle. En Italie, le déclin de l'économie et du commerce s'accentuait, le catholicisme entrait en lutte avec la culture humaniste, l'art traversait une crise profonde. Cela a renforcé les tendances anti-Renaissance, incarnées dans le maniérisme. Cependant, le maniérisme n'a presque pas affecté Venise, qui est devenue dans la seconde moitié du XVIe siècle le principal centre de l'art de la fin de la Renaissance. Conformément à la haute tradition humaniste de la Renaissance, dans de nouvelles conditions historiques, l'œuvre des grands maîtres de la fin de la Renaissance, enrichie de nouvelles formes, s'est développée à Venise - Palladio, Véronèse, Tintoret.
Andrea Palladio
L'œuvre de l'architecte du nord de l'Italie Andrea Palladio (1508-1580), basée sur une étude approfondie de l'architecture ancienne et de la Renaissance, représente l'un des sommets de l'art de la fin de la Renaissance. Palladio a développé les principes de l'architecture qui ont été développés dans l'architecture du classicisme européen des XVIIe et XVIIIe siècles. et reçut le nom de palladianisme. L'architecte a exposé ses idées dans l'ouvrage théorique « Quatre livres sur l'architecture » (1570). Les bâtiments de Palladio (principalement des palais de ville et des villas) sont pleins de beauté gracieuse et de naturel, d'intégralité harmonieuse et d'ordre strict, se distinguent par la clarté et l'opportunité de la planification et le lien organique avec l'environnement ( Palais Chiericati). La capacité de relier harmonieusement l’architecture au paysage environnant a été démontrée avec une force particulière dans les villas de Palladio, imprégnées d’un sens élégiaquement éclairé de la nature et marquées par la clarté classique et la simplicité de la forme et de la composition ( Villa Capra (Rotonde)). Palladio a créé le premier théâtre monumental d'Italie, le Teatro Olimpico. L'influence de Palladio sur le développement de l'architecture au cours des siècles suivants fut énorme.
Véronèse et le Tintoret...
Le caractère festif et vivifiant de la Renaissance vénitienne s'est manifesté le plus clairement dans l'œuvre de Paolo Véronèse. Muraliste, il crée de magnifiques ensembles décoratifs de peintures murales et de plafonds comportant de nombreux personnages et détails intéressants. Véronèse a créé son propre style : ses peintures spectaculaires et spectaculaires sont pleines d'émotion, de passion et de vie, et les héros, la noblesse vénitienne, sont généralement situés dans des palais patriciens ou sur fond de nature luxueuse. Ils se laissent emporter par des fêtes grandioses ou des célébrations enchanteresses (« Noces de Cana »). Véronèse était le maître de la joyeuse Venise, de ses triomphes, le poète de sa splendeur dorée. Véronèse avait un don exceptionnel de coloriste. Ses couleurs sont imprégnées de lumière, intenses et non seulement donnent de la couleur aux objets, mais se transforment elles-mêmes en objet, se transformant en nuages, en tissu, en corps humain. Pour cette raison, la vraie beauté des figures et des objets est multipliée par la beauté de la couleur et de la texture, ce qui produit un fort impact émotionnel sur le spectateur.
L'opposé complet de Véronèse était son contemporain Le Tintoret (1518-94), le dernier grand maître de la Renaissance italienne. L'abondance des influences artistiques extérieures s'est dissoute dans l'individualité créatrice unique du Tintoret. Dans son œuvre, il était une figure gigantesque, créateur d'un tempérament volcanique, de passions violentes et d'une intensité héroïque. Son œuvre connaît un grand succès auprès de ses contemporains et des générations suivantes. Le Tintoret se distinguait par une capacité de travail véritablement inhumaine et une quête inlassable. Il a ressenti la tragédie de son époque avec plus d'acuité et de profondeur que la plupart de ses contemporains. Le maître s'est rebellé contre les traditions établies dans les beaux-arts - respect de la symétrie, équilibre strict, staticité ; a élargi les limites de l'espace, l'a rempli de dynamique, d'action dramatique et a commencé à exprimer plus clairement les sentiments humains. 1590g . L'art du maniérisme s'écarte des idéaux de la Renaissance d'une perception harmonieuse du monde. Une personne se retrouve à la merci de forces surnaturelles. Le monde semble instable, fragile, en état de décadence. Les images maniéristes sont pleines d’anxiété, d’agitation et de tension. L'artiste s'éloigne de la nature, s'efforce de la dépasser, suivant dans son œuvre une « idée intérieure » subjective dont la base n'est pas le monde réel, mais l'imagination créatrice ; le moyen d'exécution est la « belle manière » comme la somme de certaines techniques. Parmi eux figurent l'allongement arbitraire des figures, un rythme serpentin complexe, l'irréalité d'un espace et d'une lumière fantastiques, et parfois des couleurs froides et perçantes.
Le maître du maniérisme le plus grand et le plus doué, peintre au destin créatif complexe, fut Jacopo Pontormo (1494-1556). Dans son peinture célèbre « Descente de croix« La composition est instable, les figures sont brisées avec prétention, les couleurs claires sont dures. Francesco Mazzola, surnommé Parmigianino (1503-40), aimait émerveiller le spectateur : il écrivait par exemple son « Autoportrait dans un miroir convexe" La délibération délibérée le distingue peinture célèbre « Madone au long cou ».
Le peintre de la cour des Médicis Agnolo Bronzino (1503-1572) est célèbre pour ses portraits d'apparat. Ils faisaient écho à l’époque des atrocités sanglantes et du déclin moral qui a englouti les plus hautes sphères de la société italienne. Les nobles clients de Bronzino semblent séparés du spectateur par une distance invisible ; la rigidité de leurs poses, l'impassibilité de leurs visages, la richesse de leurs vêtements, les gestes de leurs belles mains de cérémonie, tout cela est comme une enveloppe extérieure cachant une vie intérieure imparfaite. Dans le portrait d’Aliénor de Tolède avec son fils (vers 1545), l’inaccessibilité de l’image froide et distante est renforcée par le fait que l’attention du spectateur est complètement absorbée par le grand motif plat des magnifiques vêtements de brocart de la duchesse. Le type de portrait de cour créé par les maniéristes a influencé l'art du portrait des XVIe et XVIIe siècles. dans de nombreux autres pays européens.
L'art du maniérisme était transitoire : la Renaissance disparaissait dans le passé et le temps approchait pour un nouveau style artistique paneuropéen : le baroque.
Art de la Renaissance du Nord.
Les pays d'Europe du Nord n'avaient pas de passé ancien propre, mais la période de la Renaissance se démarque dans leur histoire : du tournantXV – XVIjusqu'à la seconde moitiéXVIIIesiècle. Cette époque se distingue par la pénétration des idéaux de la Renaissance dans diverses sphères de la culture et le changement progressif de son style. Comme dans le berceau de la Renaissance, dans l’art de la Renaissance du Nord, l’intérêt pour le monde réel a modifié les formes de créativité artistique. Cependant, l’art des pays du Nord n’était pas caractérisé par le pathétique de la peinture italienne, glorifiant la puissance de l’homme titanesque. Les bourgeois (les soi-disant citadins riches) valorisaient davantage l'intégrité, la loyauté au devoir et à la parole, ainsi que le caractère sacré du vœu matrimonial et du foyer. Dans les cercles bourgeois, leur propre idéal de personne s'est formé - clair, sobre, pieux et pragmatique. L'art des bourgeois poétise l'homme ordinaire et son monde - le monde de la vie quotidienne et des choses simples.
Maîtres de la Renaissance aux Pays-Bas.
Les nouvelles caractéristiques de l'art de la Renaissance sont apparues principalement aux Pays-Bas, qui étaient l'un des pays les plus riches et les plus industrialisés d'Europe. Grâce à leurs nombreuses connexions internationales, les Pays-Bas ont absorbé les nouvelles découvertes beaucoup plus rapidement que les autres pays nordiques.
Le style Renaissance aux Pays-Bas s'est ouvert Jan Van Eyck(1390-1441). Son œuvre la plus célèbre est Retable de Gand, sur lequel l'artiste a commencé à travailler avec son frère et a continué à travailler de manière indépendante après sa mort pendant encore 6 ans. Le retable de Gand, créé pour la cathédrale de la ville, est un pli à deux niveaux, sur 12 planches duquel se trouvent des images de la vie quotidienne (sur les planches extérieures, visibles lors de la fermeture du pli) et festives, jubilatoires, vie transformée (sur les portes intérieures, qui semblaient ouvertes pendant les fêtes religieuses). Il s'agit d'un monument d'art glorifiant la beauté de la vie terrestre. Le sentiment émotionnel de Van Eyck - "le monde est comme un paradis", dont chaque particule est belle - s'exprime clairement et clairement. L'artiste s'est appuyé sur de nombreuses observations de la nature. Toutes les figures et objets ont un volume et un poids tridimensionnels. Les frères Van Eyck furent parmi les premiers à découvrir les possibilités de la peinture à l'huile ; à partir de ce moment, elle commence à remplacer progressivement la tempera.
Dans la seconde moitié de XVsiècle, plein de conflits politiques et religieux, l'art complexe et unique se démarque dans l'art des Pays-Bas Jérôme Bosch(1450?-1516). C'est un artiste très curieux avec une imagination extraordinaire. Il vivait dans son propre monde terrible. Dans les peintures de Bosch, il y a un condensé d'idées folkloriques médiévales, des montages grotesques du vivant et du mécanique, du terrible et du comique. Dans ses compositions, qui n’ont pas de centre, il n’y a pas de personnage principal. L'espace en plusieurs couches est rempli de nombreux groupes de figures et d'objets : des reptiles monstrueusement exagérés, des crapauds, des araignées, des créatures terribles dans lesquelles sont combinées des parties de différentes créatures et objets. Le but des compositions de Bosch est l'édification morale. Bosch ne trouve pas d'harmonie et de perfection dans la nature ; ses images démoniaques rappellent la vitalité et l'omniprésence du mal mondial, le cycle de la vie et de la mort.
L'homme dans les tableaux de Bosch est pitoyable et faible. Ainsi, dans le triptyque « Une charrette de foin"L'artiste révèle l'histoire de l'humanité. L'aile gauche raconte l'histoire de la chute d'Adam et Ève, celle de droite représente l'Enfer et toutes les horreurs qui attendent ici les pécheurs. La partie centrale de l’image illustre le proverbe populaire « Le monde est une botte de foin, chacun y prend ce qu’il parvient à attraper ». Bosch montre comment les gens se battent pour un morceau de foin, meurent sous les roues d'une charrette et tentent de grimper dessus. Au sommet de la charrette, ayant renoncé au monde, les amoureux chantent et s'embrassent. Il y a un ange d’un côté et un diable de l’autre : qui va gagner ? Des créatures effrayantes traînent le chariot dans le monde souterrain. Dieu regarde toutes les actions des gens avec perplexité. Le tableau est empreint d’une ambiance encore plus sombre. Porter la croix" : Le Christ porte sa lourde croix entouré de gens dégoûtants aux yeux exorbités et à la bouche béante. Pour eux, le Seigneur se sacrifie, mais sa mort sur la croix les laissera indifférents.
Bosch était déjà mort lorsqu'un autre artiste néerlandais célèbre est né - Pieter Bruegel l'Ancien(1525-1569), surnommé Moujitski pour ses nombreuses peintures représentant la vie des paysans. Bruegel s'est inspiré de plusieurs de ses sujets. proverbes populaires, les soucis quotidiens des gens ordinaires. L'exhaustivité des images des tableaux " Mariage paysan" Et " Danse paysanne"porte le pouvoir de l'élément folklorique. Même les peintures sur histoires bibliques dans les œuvres de Bruegel sont habités par les Pays-Bas, et les événements de la lointaine Judée se déroulent sur fond de rues enneigées sous le ciel sombre de son pays natal (« Sermon de Jean-Baptiste"). Montrant ce qui semble sans importance, secondaire, l'artiste parle de l'essentiel de la vie des gens, recrée l'esprit de son temps.
Petite toile " Chasseurs dans la neige"(Janvier) de la série "Saisons" est considéré comme l'un des chefs-d'œuvre inégalés de la peinture mondiale. Des chasseurs fatigués avec des chiens rentrent chez eux. Avec eux, le spectateur pénètre dans la colline, d'où s'ouvre un panorama sur une petite ville. Les rives enneigées de la rivière, les arbres épineux gelés dans l'air clair et glacial, les oiseaux volent, s'assoient sur les branches des arbres et les toits des maisons, les gens sont occupés à leurs affaires quotidiennes. Toutes ces choses apparemment insignifiantes, associées au ciel bleu, aux arbres noirs et à la neige blanche, créent dans l'image un panorama du monde que l'artiste aime passionnément.
Le plus image tragique Bruegel" Parabole des aveugles"Écrit par l'artiste peu avant sa mort. Il illustre le récit évangélique : « si un aveugle conduit un aveugle, ils tomberont tous deux dans une fosse ». C’est peut-être l’image d’une humanité aveuglée par ses désirs, avançant vers sa destruction. Cependant, Bruegel ne juge pas, mais, comprenant les lois des relations entre les hommes, avec l'environnement, pénétrant dans l'essence de la nature humaine, il révèle aux hommes eux-mêmes leur place dans le monde.
Peinture de l'Allemagne à la Renaissance.
Les traits de la Renaissance dans l’art allemand apparaissent plus tard qu’aux Pays-Bas. L'épanouissement de l'humanisme, des sciences et de la culture laïques allemandes tombe dans les premières annéesXVIV. Ce fut une courte période durant laquelle la culture allemande offrit au monde le plus haut valeurs artistiques. Il s'agit tout d'abord du travail Albrecht Dürer(1471-1528) - l'artiste le plus important de la Renaissance allemande.
Dürer est un représentant typique de la Renaissance ; il fut peintre, graveur, mathématicien et ingénieur, et écrivit des traités sur la fortification et la théorie de l'art. Sur autoportraits il apparaît intelligent, noble, concentré, plein de profondes pensées philosophiques. Dans ses peintures, Dürer ne se contente pas de la beauté formelle, mais s'efforce de donner une expression symbolique aux pensées abstraites.
Une place particulière dans l’héritage créatif de Dürer appartient à la série « Apocalypse », qui comprend 15 grandes gravures sur bois. Dürer illustre des prédictions de la « Révélation de Jean l'Évangéliste », par exemple la feuille « Quatre cavaliers« symbolise de terribles désastres - guerre, peste, famine, jugement injuste. La prémonition de changement, d'épreuves difficiles et de désastres exprimée dans les gravures s'est révélée prophétique (la Réforme et les guerres paysannes et religieuses qui l'ont suivie ont bientôt commencé).
Un autre artiste remarquable de cette époque était Lucas Cranach l'Ancien(1472-1553). Ses tableaux sont conservés à l'Ermitage" Vierge à l'Enfant sous le pommier" Et " Portrait féminin " On y voit un visage de femme, représenté dans de nombreux tableaux du maître (on l’appelle même « celui de Cranach ») : un petit menton, des yeux étroits, des cheveux dorés. L'artiste conçoit avec soin bijoux et vêtements, ses peintures sont un régal pour les yeux. La pureté et la naïveté des images vous font une fois de plus regarder ces tableaux. Cranach était un merveilleux portraitiste ; il a créé des images de nombreux contemporains célèbres - Martin Luther (qui était son ami), le duc Henri de Saxe et bien d'autres.
Mais le portraitiste le plus célèbre de la Renaissance du Nord peut sans aucun doute être reconnu comme un autre peintre allemand. Hans Holbein le Jeune(1497-1543). Il fut longtemps l'artiste de la cour du roi anglais Henri.VIII. Dans son portrait, Holbein exprime parfaitement le caractère impérieux du roi, peu familier avec le doute. De petits yeux intelligents sur un visage charnu le révèlent comme un tyran. Portrait d'Henri VIII était si fiable qu'il effrayait les gens qui connaissaient le roi. Holbein a peint les portraits de nombreuses personnalités célèbres de cette époque, notamment l'homme d'État et écrivain Thomas More, le philosophe Erasmus de Rotterdam et bien d'autres.
Le développement de la culture de la Renaissance en Allemagne, aux Pays-Bas et dans certains autres pays européens fut interrompu par la Réforme et les guerres de religion qui suivirent. Suite à cela, le moment est venu de former de nouveaux principes dans l'art, qui sont entrés dans la prochaine étape de son développement.
Après l'achèvement des principaux travaux de construction de Versailles, au tournant des XVIIe et XVIIIe siècles, André Le Nôtre entame des travaux actifs de réaménagement de Paris. Il trace le tracé du parc des Tuileries, fixant clairement l'axe central sur le prolongement de l'axe longitudinal de l'ensemble du Louvre. Après Le Nôtre, le Louvre est enfin reconstruit et la place de la Concorde est créée. Les grands axes de Paris donnaient une toute autre interprétation de la ville, répondant aux exigences de grandeur, de grandeur et de faste. La composition des espaces urbains ouverts et le système de rues et de places architecturalement conçues sont devenus le facteur déterminant de l'aménagement de Paris. La clarté du dessin géométrique des rues et des places reliées en un seul ensemble deviendra pendant de nombreuses années un critère d'évaluation de la perfection du plan de la ville et de la compétence de l'urbaniste. De nombreuses villes à travers le monde connaîtront par la suite l’influence du modèle parisien classique.
Une nouvelle compréhension de la ville en tant qu'objet d'influence architecturale sur l'homme s'exprime clairement dans le travail sur les ensembles urbains. Au cours de leur construction, les principes fondamentaux de l'urbanisme classique ont été esquissés : le libre développement de l'espace et le lien organique avec l'environnement. Surmontant le chaos du développement urbain, les architectes ont cherché à créer des ensembles conçus pour offrir des vues libres et dégagées.
Les rêves de la Renaissance de créer une « ville idéale » s'incarnent dans la formation d'un nouveau type de place, dont les limites ne sont plus les façades de certains bâtiments, mais l'espace des rues et quartiers adjacents, des parcs ou jardins et du fleuve. digue. L'architecture s'efforce de relier dans une certaine unité d'ensemble non seulement les bâtiments directement adjacents les uns aux autres, mais aussi les points très éloignés de la ville.
Seconde moitié du XVIIIe siècle. et le premier troisième XIX V. en France, ils célèbrent nouvelle étape développement du classicisme et sa diffusion dans les pays européens - néoclassicisme. Après le Grand Révolution française et la guerre patriotique de 1812, de nouvelles priorités apparaissent en matière d'urbanisme, en phase avec l'esprit de leur époque. Ils trouvèrent leur expression la plus vivante dans le style Empire. C'était typique pour lui les fonctionnalités suivantes: pathétique cérémonial de la grandeur impériale, monumentalité, appel à l'art de la Rome impériale et de l'Egypte ancienne, utilisation des attributs romains histoire militaire comme principaux motifs décoratifs.
L'essence du nouveau style artistique a été très précisément véhiculée dans les mots significatifs de Napoléon Bonaparte :
"J'aime le pouvoir, mais en tant qu'artiste... j'aime pouvoir en extraire des sons, des accords, des harmonies."
Style Empire est devenu la personnification du pouvoir politique et de la gloire militaire de Napoléon et a servi de manifestation unique de son culte. La nouvelle idéologie correspondait pleinement aux intérêts politiques et goûts artistiques nouvelle heure. De grands ensembles architecturaux de places ouvertes, de larges rues et avenues ont été créés partout, des ponts, des monuments et des bâtiments publics ont été érigés, démontrant la grandeur impériale et la puissance du pouvoir.
Par exemple, le pont d'Austerlitz commémorait la grande bataille de Napoléon et a été construit en pierres de la Bastille. À la Place Carrousel a été construit arc de triomphe en l'honneur de la victoire d'Austerlitz. Deux places (Concorde et Étoiles), situées à une distance considérable l'une de l'autre, étaient reliées par des perspectives architecturales.
Église Sainte Geneviève, érigé par J. J. Soufflot, est devenu le Panthéon - le lieu de repos du grand peuple de France. L'un des monuments les plus spectaculaires de cette époque est la colonne de la Grande Armée sur la place Vendôme. Comparée à l’antique colonne Trajane romaine, elle était censée, selon les plans des architectes J. Gondoin et J. B. Leper, exprimer l’esprit du Nouvel Empire et la soif de grandeur de Napoléon.
Dans la décoration intérieure lumineuse des palais et des bâtiments publics, la solennité et la pompe majestueuse étaient particulièrement appréciées ; leur décor était souvent surchargé d'attirail militaire. Les motifs dominants étaient des combinaisons de couleurs contrastées et des éléments d'ornements romains et égyptiens : aigles, griffons, urnes, couronnes, torches, grotesques. Le style Empire s'est manifesté le plus clairement dans les intérieurs des résidences impériales du Louvre et de la Malmaison.
L'ère de Napoléon Bonaparte a pris fin en 1815 et très vite, ils ont commencé à éradiquer activement son idéologie et ses goûts. De l'Empire « disparu comme un rêve », il ne restait que des œuvres d'art de style Empire, démontrant clairement sa grandeur passée.
Questions et tâches
1.Pourquoi Versailles peut-il être considéré comme une œuvre marquante ?
Comment les idées urbanistiques du classicisme du XVIIIe siècle ont-ils trouvé leur incarnation pratique dans les ensembles architecturaux de Paris, par exemple la place de la Concorde ? Qu'est-ce qui la distingue des places baroques italiennes de Rome au XVIIe siècle, comme la Piazza del Popolo (voir p. 74) ?
2. Quelle est l'expression du lien entre l'architecture baroque et classique ? Quelles idées le classicisme a-t-il hérité du baroque ?
3. Quel est le contexte historique de l’émergence du style Empire ? Quelles idées nouvelles de son époque s’efforçait-il d’exprimer dans les œuvres d’art ? Sur quels principes artistiques s'appuie-t-il ?
Atelier créatif
1. Faites visiter Versailles par correspondance à vos camarades de classe. Pour le préparer, vous pouvez utiliser du matériel vidéo provenant d'Internet. Les parcs de Versailles et de Peterhof sont souvent comparés. Selon vous, quelles sont les raisons de telles comparaisons ?
2. Essayez de comparer l'image de la « ville idéale » de la Renaissance avec les ensembles classiques de Paris (Saint-Pétersbourg ou sa banlieue).
3. Comparez la conception décoration d'intérieur(intérieurs) de la galerie François Ier à Fontainebleau et de la galerie des Glaces à Versailles.
4. Faites connaissance avec les peintures de l'artiste russe A. N. Benois (1870-1960) de la série « Versailles. La promenade du roi » (voir p. 74). Comment ils transmettent l'atmosphère générale de la vie de cour du roi de France Louis XIV? Pourquoi peuvent-ils être considérés comme des tableaux-symboles uniques ?
Sujets de projets, résumés ou messages
« Formation du classicisme dans l'architecture française des XVIIe-XVIIIe siècles » ; « Versailles comme modèle d'harmonie et de beauté du monde » ; « Une promenade dans Versailles : le lien entre la composition du château et l'aménagement du parc » ; "Chefs-d'œuvre de l'architecture Classicisme d'Europe occidentale" ; « L'Empire napoléonien dans l'architecture de la France » ; "Versailles et Peterhof : expérience caractéristiques comparatives" ; « Découvertes artistiques dans les ensembles architecturaux de Paris » ; « Les places de Paris et l'évolution des principes d'un urbanisme régulier » ; « Clarté de composition et équilibre des volumes de la Cathédrale des Invalides de Paris » ; « Place de la Concorde - une nouvelle étape dans le développement des idées urbanistiques du classicisme » ; « L'expressivité âpre des volumes et le décor épuré de l'église Sainte Geneviève (Panthéon) de J. Soufflot » ; « Caractéristiques du classicisme dans l'architecture des pays d'Europe occidentale » ; "Architectes exceptionnels du classicisme d'Europe occidentale."
Livres pour aller plus loin
Arkin D. E. Images d'architecture et images de sculpture. M., 1990. Kantor A. M. et al. L'art du XVIIIe siècle. M., 1977. (Petite histoire de l'art).
Classicisme et romantisme : Architecture. Sculpture. Peinture. Dessin / éd. R. Toman. M., 2000.
Kozhina E.F. Art France XVIII siècle. L., 1971.
Lenôtre J. La vie quotidienne de Versailles sous les rois. M., 2003.
Miretskaya N.V., Miretskaya E.V., Shakirova I.P. Culture des Lumières. M., 1996.
Watkin D. Histoire de l'architecture d'Europe occidentale. M., 1999. Fedotova E.D. Style Empire Napoléonien. M., 2008.
Le début du XVe siècle a vu d’énormes changements dans la vie et la culture en Italie. Les citadins, les commerçants et les artisans d'Italie mènent une lutte héroïque contre la dépendance féodale depuis le XIIe siècle. En développant le commerce et la production, les citadins s'enrichissent progressivement, renversent le pouvoir des seigneurs féodaux et organisent des cités-États libres. Ces villes italiennes libres devinrent très puissantes. Leurs citoyens étaient fiers de leurs conquêtes. L’énorme richesse des villes italiennes indépendantes était à l’origine de leur vibrante prospérité. La bourgeoisie italienne regardait le monde avec des yeux différents, elle croyait fermement en elle-même, en sa force. Ils étaient étrangers au désir de souffrance, d'humilité et au renoncement à toutes les joies terrestres qui leur avaient été prêchés jusqu'à présent. Le respect pour l’homme terrestre qui profite des joies de la vie s’est accru. Les gens ont commencé à adopter une approche active de la vie, à étudier le monde avec enthousiasme et à admirer sa beauté. Durant cette période, diverses sciences naissent et l’art se développe.
L'Italie a conservé de nombreux monuments de l'art de la Rome antique, donc les temps anciens ils recommencèrent à être vénérés comme modèle, l'art ancien devint un objet de culte. L'imitation de l'Antiquité a donné lieu à appeler cette période dans l'art - Renaissance, ce qui signifie en français "Renaissance". Bien sûr, il ne s’agissait pas d’une répétition aveugle et exacte de l’art ancien, c’était déjà un art nouveau, mais basé sur des exemples anciens. La Renaissance italienne se divise en 3 étapes : VIII - XIV siècles - Pré-Renaissance (Proto-Renaissance ou Trecento)-s'asseoir.); XVe siècle - début de la Renaissance (Quattrocento); fin du XVe - début du XVIe siècle - Haute Renaissance.
Dans toute l'Italie, il y avait fouilles archéologiques, cherchait des monuments antiques. Les statues, pièces de monnaie, plats et armes nouvellement découverts étaient soigneusement conservés et rassemblés dans des musées spécialement créés à cet effet. Les artistes ont appris de ces exemples de l’Antiquité et les ont peints d’après nature.
Trecento (Pré-Renaissance)
Le véritable début de la Renaissance est associé au nom Giotto de Bondone (1266? - 1337). Il est considéré comme le fondateur de la peinture de la Renaissance. Le florentin Giotto rend de grands services à l’histoire de l’art. Il fut un rénovateur, le fondateur de toute la peinture européenne après le Moyen Âge. Giotto a insufflé de la vie aux scènes évangéliques, créé des images de personnes réelles, spiritualisées mais terrestres.
Giotto crée d'abord des volumes en utilisant le clair-obscur. Il aime les couleurs claires et nettes dans des tons froids : rose, gris perle, violet pâle et lilas clair. Les personnages des fresques de Giotto sont trapus et marchent lourdement. Ils ont de grands traits du visage, des pommettes larges et des yeux étroits. Sa personne est gentille, attentionnée et sérieuse.
Parmi les œuvres de Giotto, les fresques des temples de Padoue sont les mieux conservées. Il a présenté ici les récits évangéliques comme existants, terrestres, réels. Dans ces œuvres, il parle de problèmes qui concernent les gens à tout moment : de la gentillesse et de la compréhension mutuelle, de la tromperie et de la trahison, de la profondeur, du chagrin, de la douceur, de l'humilité et de l'amour maternel éternel et dévorant.
Au lieu de figures individuelles isolées, comme dans la peinture médiévale, Giotto a réussi à créer histoire cohérente, toute une histoire sur la vie intérieure complexe des personnages. Au lieu du fond doré conventionnel des mosaïques byzantines, Giotto introduit un fond de paysage. Et si dans la peinture byzantine les personnages semblaient flotter et pendre dans l’espace, alors les héros des fresques de Giotto trouvaient un terrain solide sous leurs pieds. La quête de Giotto pour transmettre l'espace, la plasticité des figures et l'expressivité du mouvement a fait de son art une étape à part entière de la Renaissance.
L'un des maîtres célèbres de la Pré-Renaissance -
Simone Martini (1284 - 1344).
Ses peintures ont conservé les traits du gothique nordique : les figures de Martini sont allongées et, en règle générale, sur un fond doré. Mais Martini crée des images en clair-obscur, leur donne un mouvement naturel et tente de transmettre un certain état psychologique.
Quattrocento (début de la Renaissance)
L'Antiquité a joué un rôle énorme dans la formation de la culture laïque du début de la Renaissance. L'Académie platonicienne ouvre ses portes à Florence, la Bibliothèque Laurentienne contient une riche collection de manuscrits anciens. Les premiers musées d’art apparaissent, remplis de statues, de fragments d’architecture ancienne, de marbres, de pièces de monnaie et de céramiques. Pendant la Renaissance, les principaux centres de la vie artistique en Italie ont émergé - Florence, Rome, Venise.
Florence était l'un des plus grands centres, le berceau d'un art nouveau et réaliste. Au XVe siècle, de nombreux maîtres célèbres de la Renaissance y ont vécu, étudié et travaillé.
Architecture du début de la Renaissance
Les habitants de Florence avaient une haute culture artistique, ils participaient activement à la création des monuments de la ville et discutaient des options pour la construction de beaux bâtiments. Les architectes abandonnèrent tout ce qui ressemblait au gothique. Sous l'influence de l'Antiquité, les bâtiments surmontés d'un dôme commencent à être considérés comme les plus parfaits. Le modèle ici était le Panthéon romain.
Florence est l'une des plus belles villes du monde, une ville-musée. Elle a conservé son architecture de l'Antiquité presque intacte, ses plus beaux édifices étant pour la plupart construits à la Renaissance. Au-dessus des toits de briques rouges des anciens bâtiments de Florence se dresse l'immense bâtiment de la cathédrale de la ville. Santa Maria del Fiore, souvent appelée simplement la cathédrale de Florence. Sa hauteur atteint 107 mètres. Une magnifique coupole, dont la finesse est soulignée par des nervures de pierre blanche, couronne la cathédrale. Le dôme est d'une taille étonnante (son diamètre est de 43 m), il couronne tout le panorama de la ville. La cathédrale est visible depuis presque toutes les rues de Florence, se découpant clairement sur le ciel. Cette magnifique structure a été construite par un architecte
Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).
Le bâtiment à coupole le plus magnifique et le plus célèbre de la Renaissance était Basilique Saint-Pierre à Rome. Il a fallu plus de 100 ans pour le construire. Les créateurs du projet original étaient des architectes Bramante et Michel-Ange.
Les édifices Renaissance sont ornés de colonnes, de pilastres, de têtes de lion et "putti"(bébés nus), des couronnes en plâtre de fleurs et de fruits, des feuilles et de nombreux détails, dont des exemples ont été trouvés dans les ruines d'anciens édifices romains. Je suis revenu à la mode arc en plein cintre. Les gens riches ont commencé à construire des maisons plus belles et plus confortables. Au lieu de maisons serrées les unes contre les autres, des maisons luxueuses sont apparues palais - palais.
Sculpture du début de la Renaissance
Au XVe siècle, deux sculpteurs célèbres travaillaient à Florence - Donatello et Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- l'un des premiers sculpteurs d'Italie à utiliser l'expérience de l'art ancien. Il a créé l'une des plus belles œuvres du début de la Renaissance : la statue de David.
Selon la légende biblique, un simple berger, le jeune homme David a vaincu le géant Goliath et a ainsi sauvé les habitants de la Judée de l'esclavage et est devenu plus tard roi. David était l'une des images préférées de la Renaissance. Il est représenté par le sculpteur non pas comme un humble saint de la Bible, mais comme jeune héros, vainqueur, défenseur de sa ville natale. Dans sa sculpture, Donatello glorifie l'homme comme l'idéal d'une belle personnalité héroïque née à la Renaissance. David est couronné de la couronne de laurier du vainqueur. Donatello n'a pas eu peur d'introduire un détail tel qu'un chapeau de berger - signe de sa simple origine. Au Moyen Âge, l’Église interdisait de représenter le corps nu, le considérant comme un vaisseau du mal. Donatello fut le premier maître à violer courageusement cette interdiction. Il affirme par là que le corps humain est beau. La statue de David est la première sculpture ronde de cette époque.
Une autre belle sculpture de Donatello est également connue - la statue d'un guerrier , général de Gattamelata. Ce fut le premier monument équestre de la Renaissance. Créé il y a 500 ans, ce monument se dresse toujours sur un haut piédestal et décore une place de la ville de Padoue. Pour la première fois, ce n'est pas un dieu, ni un saint, ni une personne noble et riche qui a été immortalisé dans la sculpture, mais un guerrier noble, courageux et redoutable doté d'une grande âme, qui a acquis la renommée grâce à de grands actes. Vêtu d'une armure antique, Gattemelata (c'est son surnom, qui signifie « chat tacheté ») est assis sur un cheval puissant dans une pose calme et majestueuse. Les traits du visage du guerrier soulignent un caractère décisif et ferme.
Andrea Verrocchio (1436 -1488)
L'élève le plus célèbre de Donatello, qui a créé le célèbre monument équestre du condottiere Colleoni, érigé à Venise sur la place près de l'église de San Giovanni. La principale chose qui frappe dans le monument est le mouvement énergique conjoint du cheval et du cavalier. Le cheval semble s'élancer au-delà du socle de marbre sur lequel est installé le monument. Colleoni, debout sur ses étriers, allongé, la tête haute, regarde au loin. Une grimace de colère et de tension se figea sur son visage. Il y a une grande volonté dans sa posture, son visage ressemble à un oiseau de proie. L’image est remplie d’une force, d’une énergie et d’une autorité sévère indestructibles.
Peinture du début de la Renaissance
La Renaissance renouvelle également l'art de la peinture. Les peintres ont appris à transmettre avec précision l’espace, la lumière et l’ombre, les poses naturelles et divers sentiments humains. C'est au début de la Renaissance que fut l'époque de l'accumulation de ces connaissances et compétences. Les peintures de cette époque sont empreintes d’une ambiance lumineuse et optimiste. Le fond est souvent peint dans des couleurs claires, et les bâtiments et les motifs naturels sont délimités par des lignes nettes, les couleurs pures prédominent. Tous les détails de l'événement sont représentés avec une diligence naïve ; les personnages sont le plus souvent alignés et séparés du fond par des contours clairs.
La peinture du début de la Renaissance ne recherchait que la perfection, mais grâce à sa sincérité, elle touche l'âme du spectateur.
Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, dit Masaccio (1401 - 1428)
Il est considéré comme un disciple de Giotto et le premier maître de la peinture du début de la Renaissance. Masaccio n'a vécu que 28 ans, mais au cours de sa courte vie, il a laissé une marque sur l'art qu'il est difficile de surestimer. Il parvient à achever les transformations révolutionnaires commencées par Giotto dans la peinture. Ses peintures se distinguent par des couleurs sombres et profondes. Les personnages des fresques de Masaccio sont beaucoup plus denses et puissants que dans les peintures de l'époque gothique.
Masaccio fut le premier à disposer correctement les objets dans l'espace, en tenant compte de la perspective ; Il a commencé à représenter les gens selon les lois de l'anatomie.
Il a su relier les personnages et le paysage en une seule action, véhiculant à la fois de manière dramatique et tout à fait naturelle la vie de la nature et des hommes - et c'est le grand mérite du peintre.
Il s'agit de l'une des rares œuvres de chevalet de Masaccio, qui lui fut commandée en 1426 pour la chapelle de l'église Santa Maria del Carmine de Pise.
La Madone est assise sur un trône construit strictement selon les lois de la perspective de Giotto. Sa silhouette est peinte avec des traits confiants et clairs, ce qui crée une impression de volume sculptural. Son visage est calme et triste, son regard détaché est dirigé vers nulle part. Enveloppée dans un manteau bleu foncé, la Vierge Marie tient dans ses bras l'Enfant dont la silhouette dorée se détache nettement sur un fond sombre. Les plis profonds du manteau permettent à l'artiste de jouer avec le clair-obscur, ce qui crée également un effet visuel particulier. Le bébé mange des raisins noirs, symbole de communion. Des anges parfaitement dessinés (l'artiste connaissait très bien l'anatomie humaine) entourant la Madone confèrent à l'image une résonance émotionnelle supplémentaire.
Le seul panneau peint par Masaccio pour un triptyque double face. Après mort précoce le peintre, le reste de l'œuvre, commandée par le pape Martin V pour l'église de Santa Maria à Rome, a été réalisée par l'artiste Masolino. Ici sont représentés deux figures de saints austères et monumentalement exécutées, tout de rouge vêtues. Jérôme tient un livre ouvert et une maquette de la basilique, avec un lion couché à ses pieds. Jean-Baptiste est représenté sous sa forme habituelle : il est pieds nus et tient une croix à la main. Les deux figures étonnent par leur précision anatomique et leur sens du volume presque sculptural.
L'intérêt pour l'homme et l'admiration pour sa beauté étaient si grands à la Renaissance que cela a conduit à l'émergence d'un nouveau genre de peinture : le genre du portrait.
Pinturicchio (version de Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)
Originaire de Pérouse en Italie. Pendant quelque temps, il peint des miniatures et aide Pietro Pérugin à décorer la chapelle Sixtine de Rome avec des fresques. Expérience acquise dans sous la forme la plus complexe peinture murale décorative et monumentale. En quelques années, Pinturicchio devient muraliste indépendant. Il a travaillé sur les fresques des appartements Borgia au Vatican. Il a réalisé des peintures murales dans la bibliothèque de la cathédrale de Sienne.
L'artiste transmet non seulement la ressemblance d'un portrait, mais s'efforce de révéler l'état intérieur d'une personne. Devant nous se trouve un adolescent, vêtu d’une tenue formelle rose de citadin, avec une petite casquette bleue sur la tête. Les cheveux bruns descendent jusqu'aux épaules, encadrant un visage doux, le regard attentif des yeux marrons est pensif, un peu anxieux. Derrière le garçon se trouve un paysage ombrien avec des arbres minces, une rivière argentée et un ciel rose à l'horizon. La tendresse printanière de la nature, en écho au caractère du héros, est en harmonie avec la poésie et le charme du héros.
L'image du garçon est donnée au premier plan, grande et occupe presque tout le plan du tableau, et le paysage est peint en arrière-plan et très petit. Cela crée l'impression de l'importance de l'homme, de sa domination sur la nature environnante, et affirme que l'homme est la plus belle création sur terre.
Voici le départ solennel du cardinal Capranica pour le concile de Bâle, qui dura près de 18 ans, de 1431 à 1449, d'abord à Bâle puis à Lausanne. Le jeune Piccolomini faisait également partie de la suite du cardinal. Un groupe de cavaliers accompagnés de pages et de serviteurs est présenté dans un élégant encadrement d'arc en plein cintre. L’événement n’est pas si réel et fiable qu’il est chevaleresquement raffiné, presque fantastique. Au premier plan, un beau cavalier sur un cheval blanc, vêtu d'une robe et d'un chapeau luxueux, tourne la tête et regarde le spectateur : c'est Enée Silvio. L'artiste prend plaisir à peindre de riches vêtements et de beaux chevaux dans des couvertures de velours. Les proportions allongées des personnages, les mouvements légèrement maniérés, les légères inclinaisons de la tête sont proches de l'idéal de cour. La vie du pape Pie II fut pleine d'événements marquants, et Pinturicchio parla des rencontres du pape avec le roi d'Écosse, avec l'empereur Frédéric III.
Philippe Lippi (1406 - 1469)
Des légendes sont nées sur la vie de Lippi. Lui-même était moine, mais quitta le monastère, devint artiste errant, kidnappa une religieuse du monastère et mourut, empoisonné par les proches d'une jeune femme dont il tomba amoureux dans la vieillesse.
Il a peint des images de la Vierge à l'Enfant, remplies de sentiments et d'expériences humaines vivantes. Dans ses peintures, il représentait de nombreux détails : les objets du quotidien, l'environnement, ses sujets religieux ressemblaient donc à des peintures profanes.
Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)
Il peint non seulement des sujets religieux, mais aussi des scènes de la vie de la noblesse florentine, sa richesse et son luxe, ainsi que des portraits de personnes nobles.
Devant nous se trouve l'épouse d'un riche florentin, ami de l'artiste. Chez cette jeune femme pas très belle et luxueusement vêtue, l'artiste exprime le calme, un moment d'immobilité et de silence. L’expression du visage de la femme est froide, indifférente à tout, il semble qu’elle prévoit sa mort imminente : peu après avoir peint le portrait, elle mourra. La femme est représentée de profil, ce qui est typique de nombreux portraits de cette époque.
Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)
L'un des noms les plus marquants de la peinture italienne du XVe siècle. Il réalise de nombreuses transformations dans les modalités de construction de la perspective de l'espace pictural.
Le tableau a été peint sur une planche de peuplier à la détrempe à l'œuf - évidemment, à cette époque, l'artiste n'avait pas encore maîtrisé les secrets de la peinture à l'huile, la technique dans laquelle ses œuvres ultérieures seraient peintes.
L'artiste a capturé l'apparition du mystère de la Sainte Trinité au moment du Baptême du Christ. La colombe blanche déployant ses ailes au-dessus de la tête du Christ symbolise la descente du Saint-Esprit sur le Sauveur. Les figures du Christ, de Jean-Baptiste et des anges debout à côté d'eux sont peintes dans des couleurs sobres.
Ses fresques sont solennelles, sublimes et majestueuses. Francesca croyait au destin élevé de l'homme et dans ses œuvres, les gens font toujours des choses merveilleuses. Il a utilisé des transitions de couleurs subtiles et douces. Francesca a été la première à peindre en plein air (en plein air).
Introduction
La Renaissance en tant que nouvelle vision du monde et nouveau style artistique est née en Italie à la fin du XIVe siècle. Les premières idées d'urbanisme présentaient la ville comme un ensemble architectural selon un plan pré-dessiné. Sous l'influence de ces idées, au lieu d'étroites et tortueuses ruelles médiévales, des ruelles droites et plus droites ont commencé à apparaître dans les villes italiennes. larges rues construit avec de grands bâtiments.
La disposition et l'architecture des places à la Renaissance ont pris forme aux XVe et XVIe siècles. à Rome et ailleurs grandes villes Italie.
Au cours de cette période, plusieurs villes ont été reconstruites ici en utilisant de nouveaux principes d'urbanisme. Dans la plupart des cas, les palais de ces villes étaient situés sur des places centrales, ce qui représentait parfois le début de compositions à trois rayons.
Les villes de la Renaissance acquièrent progressivement de nouvelles caractéristiques sous l'influence des changements sociaux. Cependant, en raison de la propriété privée des terres et d’une technologie arriérée, il était impossible de passer rapidement de la vieille ville à la nouvelle. À toutes les périodes de la Renaissance, les principaux efforts des urbanistes ont été dirigés vers le développement du centre-ville, de la place et des quartiers voisins. À l’apogée des États monarchiques au XVIIIe siècle. les ensembles des places centrales des villes reçurent une importance exceptionnelle en tant que décorations principales. Les places de la ville avaient pour la plupart des contours géométriquement réguliers.
Si l'architecture des places grecques et romaines antiques était caractérisée par des colonnes et des portiques, alors pour les places de la Renaissance, les arcades sont devenues de nouveaux éléments, se développant simultanément avec le développement de systèmes entiers de places.
Dans la plupart des villes médiévales, il n’y avait pas de verdure décorative. Des vergers fruitiers étaient cultivés dans les jardins du monastère ; les vergers ou les vignobles des citadins étaient situés derrière les fortifications de la ville. A Paris au XVIIIe siècle. des ruelles, de la verdure taillée et des jardins fleuris apparaissent. Cependant, les parcs des palais et des châteaux étaient une propriété privée. Les jardins publics de la plupart des villes européennes ne sont apparus qu’à la fin du XVIIIe siècle.
Au Moyen Âge, les bassins d'eau constituaient essentiellement un obstacle au développement de la ville, divisaient ses quartiers et servaient à des fins pratiques étroites. Depuis le 18ème siècle les rivières ont commencé à être utilisées comme éléments de liaison des villes et, dans des conditions favorables, comme axes de composition. Un exemple frappant est l’utilisation judicieuse des rivières Neva et Nevka à Saint-Pétersbourg en matière d’urbanisme. La construction de ponts et la construction de remblais ont consolidé cette orientation de l'urbanisme.
À l'époque médiévale, l'horizon de la ville était largement défini par les flèches pointues des hôtels de ville, des églises et des bâtiments publics. La silhouette de la ville était déterminée par de nombreuses petites verticales et plusieurs dominantes. Dans le cadre de la nouvelle compréhension artistique de la silhouette de la ville, les hauts toits médiévaux ont été progressivement éliminés et les bâtiments Renaissance ont été complétés par des toits avec des greniers et des balustrades.
Avec l'augmentation de l'échelle des bâtiments et de nouveaux types de revêtements, la silhouette de la ville est adoucie par des dômes aux contours lisses, qui ont acquis un rôle dominant dans les panoramas de la ville. Leur évolution a été fortement influencée par les jardins et les parcs, dont les arbres cachent en grande partie les bâtiments.
Les architectes de la Renaissance utilisaient des moyens d'expression stricts en matière d'urbanisme : des proportions harmonieuses, l'échelle d'une personne comme mesure de l'environnement architectural environnant.
La lutte idéologique de la bourgeoisie naissante d'Italie contre les formes médiévales de religion, de moralité et de droit a abouti à un vaste mouvement progressiste : l'humanisme. L'humanisme reposait sur des principes d'affirmation de la vie civique : le désir de libérer la personnalité humaine des contraintes spirituelles, la soif de connaissance du monde et de l'homme lui-même et, par conséquent, une soif de formes laïques. vie publique, le désir de connaître les lois et la beauté de la nature, pour l'amélioration globale et harmonieuse de l'homme. Ces changements de vision du monde ont conduit à une révolution dans toutes les sphères de la vie spirituelle : art, littérature, philosophie, science. Dans leurs activités, les humanistes s'appuyaient largement sur des idéaux anciens, faisant souvent revivre non seulement les idées, mais aussi les formes mêmes et les moyens d'expression des œuvres anciennes. À cet égard, le mouvement culturel de l'Italie aux XVe et XVIe siècles. reçu le nom général de la Renaissance, ou Renaissance
La vision humaniste du monde a stimulé le développement de la personnalité et accru son importance dans la vie publique. Le style individuel du maître a joué un rôle de plus en plus important dans le développement de l'art et de l'architecture. La culture de l'humanisme a donné naissance à toute une galaxie d'architectes, de sculpteurs et d'artistes brillants, tels que Brunellesco, Léonard de Vinci, Bramante, Raphaël, Michel-Ange, Palladio et d'autres.
Le désir de créer une « image idéale d'une personne », combiné à la recherche de méthodes d'exploration artistique du monde, a conduit à une sorte de réalisme cognitif de la Renaissance, fondé sur une union étroite de l'art avec une science en développement rapide. En architecture, la recherche de formes « idéales » de bâtiments basées sur une composition complète et complète est devenue l’une de ses tendances déterminantes. Parallèlement au développement de nouveaux types d'édifices civils et religieux, la pensée architecturale se développe et il existe un besoin urgent de généralisations théoriques de l'expérience moderne, en particulier de l'expérience historique et surtout ancienne.
Trois périodes de la Renaissance italienne
L'architecture de la Renaissance en Italie est divisée en trois périodes principales : ancienne, haute et tardive. Centre d'architecture Début de la Renaissance il y avait la Toscane avec sa ville principale - Florence. Cette période couvre le deuxième quart et le milieu du XVe siècle. On considère que le début de la Renaissance en architecture remonte à 1420, lorsque commença la construction du dôme de la cathédrale de Florence. Les réalisations de construction qui ont conduit à la création d'une immense forme centrale sont devenues une sorte de symbole de l'architecture du Nouvel Âge.
1. Période du début de la Renaissance
L'architecture du début de la Renaissance se caractérise principalement par les formes des bâtiments créés par le célèbre ingénieur architecte Filippo. Brunellesco (première moitié du XVe siècle). Il a notamment utilisé un léger arc en plein cintre au lieu d'un arc en ogive dans l'orphelinat de Florence. La voûte d'ogives, caractéristique de l'architecture gothique, a commencé à céder la place à une nouvelle conception : une voûte en caisson modifiée. Cependant, les formes en arc brisé ont continué à être utilisées jusqu'au milieu du XVIe siècle.
L'un des bâtiments les plus remarquables de Brunellesco était l'immense dôme de la cathédrale Santa Maria del Fiore de Florence, restée inachevée depuis le XIVe siècle.
Dans la forme du grand dôme créé par l'architecte, un écho à l'arc brisé gothique est perceptible. La travée du dôme de cette cathédrale a grandes tailles- 42m. Les voûtes de la coupole, en brique, reposent sur une base octogonale constituée de rondins recouverts de tôles de fer. En raison de la situation favorable de la cathédrale sur une colline et de sa grande hauteur (115 m), son la partie supérieure, en particulier le dôme, ajoute de la solennité et du caractère unique au panorama architectural de Florence.
L'architecture civile occupait une place importante dans l'architecture de la Renaissance italienne. Cela comprend tout d'abord les grands palais urbains (palazzos), destinés en plus aux logements pour les réceptions d'apparat. Les palais médiévaux, se débarrassant progressivement de leurs rudes vêtements romans et gothiques à l'aide de revêtements de marbre et de sculptures, acquièrent une apparence joyeuse.
Les caractéristiques des façades Renaissance sont d'immenses ouvertures de fenêtres cintrées séparées par des colonnes, une rustication des premiers étages avec des pierres, des dalles supérieures, de grandes corniches et des détails finement tracés. Contrairement aux façades austères, l’architecture des intérieurs bien éclairés a un caractère joyeux.
Le rusticisme était souvent utilisé pour décorer les façades des palais du début de la Renaissance. Les pierres destinées à la rustication avaient généralement une surface avant non taillée (ébréchée) avec un bord proprement taillé. Le relief des rustiques diminuait avec l'augmentation du nombre d'étages. Plus tard, la décoration rustique n'a été conservée que dans le traitement des socles et aux angles des bâtiments.
Au XVe siècle Les architectes italiens ont souvent utilisé l'ordre corinthien. Il y avait souvent des cas de combinaison de plusieurs ordres dans un même bâtiment : pour les étages inférieurs - l'ordre dorique, et pour les étages supérieurs - une composition de chapiteaux proches dans les proportions et la conception du type ionique.
L'un des exemples d'architecture de palais du milieu du XVe siècle. à Florence peut servir de palais Médicis-Riccardi à trois étages, construit selon les plans de l'architecte Michelozzo di Bartolomeo dans la période 1444-1452 sur ordre de Cosimo de' Medici, le souverain de Florence. Des centaines de palais furent ensuite construits dans d’autres villes sur la base de la façade du palais Médicis.
Un autre développement de la composition du palais est le palais Ruccilai à Florence, construit 1446-1451 conçu par Leon Battista Alberti (1404-1472). Comme l'ancien Colisée romain, sa façade est divisée en étages par ordres avec une transition de l'ordre dorique le plus simple au niveau inférieur à l'ordre corinthien plus subtil et plus riche au niveau supérieur.
L'impression d'un bâtiment plus léger vers le haut, créée dans le Palais Médicis-Riccardi grâce à la rustication des murs, s'exprime ici sous la forme d'un système d'ordres à plusieurs niveaux, plus léger vers le haut. Dans le même temps, la grande corniche de couronnement n'est pas corrélée à la hauteur de l'étage supérieur, mais à la hauteur du bâtiment dans son ensemble, c'est pourquoi la composition a acquis des caractéristiques d'exhaustivité et de staticité. Dans la conception de la façade, les motifs traditionnels sont encore préservés : fenêtres à double arc dérivé de la forme médiévale des fenêtres, rustication des murs, monumentalité générale du nuage, etc.
Chapelle Pazzi (1430-1443) - un bâtiment en forme de dôme situé dans la cour du monastère. La composition de la façade reflétait la structure interne découpée par l'ordre avec le volume dominant de la salle avec une coupole sur voiles. La colonnade, coupée le long de l'axe par un arc et complétée par un grenier finement disséqué, correspond aux pilastres cartelisés sur le mur intérieur de la loggia, et sur le plafond voûté se trouvent des segments d'arcs saillants.
La correspondance des commandes et la répétition des petites coupoles dans la loggia et l'autel contribuent au lien organique de la façade avec l'intérieur. Les murs intérieurs sont divisés par des pilastres plats, mais soulignés par des couleurs, qui, se poursuivant dans les divisions des voûtes, donnent une idée de la logique de la construction de l'espace, de la structure tectonique. Se développant en trois dimensions, l'ordre met l'accent sur l'unité et la subordination des parties principales. La « charpente » visuelle caractérise également le démembrement de la coupole de l’intérieur, qui n’est pas sans rappeler la structure des voûtes nerveuses gothiques. Cependant, l'harmonie des formes d'ordre et la clarté de la structure tectonique, l'équilibre et la commensurabilité avec l'homme parlent du triomphe des nouveaux idéaux architecturaux sur les principes du Moyen Âge.
Avec Brunellesco et Michelozzo da Bartolomeo en préparation nouvelle architecture bel endroit appartenait à d'autres maîtres (Rosselino, Benedetto da Maiano, etc.), dont l'œuvre était principalement associée à la Toscane et à l'Italie du Nord. Alberti, qui, outre le palais Ruccellai, a construit un certain nombre de grandes structures (la façade de l'église de Santa Maria Novella, l'église de Sant Andrea à Mantoue, etc.), complète cette période.
2. Période de la Haute Renaissance
La période de la Haute Renaissance s'étend de la fin du XVe à la première moitié du XVIe siècle. À cette époque, en raison du déplacement des principales routes commerciales de la mer Méditerranée vers océan Atlantique L'Italie connaît une récession économique bien connue et un déclin de la production industrielle. Souvent, la bourgeoisie achetait des terres et se transformait en prêteurs et en propriétaires fonciers. Le processus de féodalisation de la bourgeoisie s'accompagne d'une aristocratisation générale de la culture ; le centre de gravité est transféré au cercle judiciaire de la noblesse : ducs, princes, papes. Rome devient le centre de la culture - la résidence des papes, souvent élus parmi les représentants de l'aristocratie humaniste. D'énormes travaux de construction ont lieu à Rome. Dans cette entreprise entreprise par la cour papale pour élever son propre prestige, la communauté humaniste a vu l'expérience de faire revivre la grandeur de la Rome antique, et avec elle la grandeur de toute l'Italie. A la cour de ceux qui montèrent sur le trône en 1503. Le pape humaniste Jules II a travaillé le plus architectes exceptionnels– parmi eux Bramante, Raphaël, Michel-Ange, Antonio da Sangallo et d'autres.
Dans l'architecture de cette période, les principales caractéristiques et tendances de la Renaissance trouvent leur expression complète. Les compositions centrées les plus parfaites sont créées. Le type de palais urbain prend enfin forme, qui au cours de cette période acquiert les caractéristiques non seulement d'un bâtiment privé mais aussi d'un bâtiment public, et devient donc, dans une certaine mesure, le prototype de nombreux bâtiments publics ultérieurs. La caractéristique de période au début Contraste Renaissance (entre les caractéristiques architecturales de l'aspect extérieur du palais et de sa cour. Sous l'influence d'une connaissance plus systématique et archéologiquement précise des monuments antiques, les compositions d'ordre acquièrent une plus grande rigueur : avec les ordres ioniques et corinthiens, plus simples et plus les ordres monumentaux sont largement utilisés - roman dorique et toscan, et l'arcade finement conçue sur les colonnes cède la place à une arcade d'ordre plus monumentale. En général, les compositions de la Haute Renaissance acquièrent une plus grande signification, sévérité et monumentalité. un ensemble urbain régulier est en cours de construction. Des villas de campagne sont construites comme des complexes architecturaux intégraux.
L'architecte le plus important de cette période fut Donato d'Angelo Bramante (1444-1514). Bâtiment Cancelleria attribué à Bramante (le principal bureau papal) à Rome - l'un des bâtiments de palais les plus remarquables - est un immense parallélépipède avec une cour rectangulaire entourée d'arcades. La composition harmonieuse des façades développe les principes posés dans le palais Ruccellai, mais la structure rythmique globale crée une image plus complexe et solennelle. Le premier étage, traité comme un sous-sol, accentuait le contraste avec le dessus léger. Les accents plastiques rythmés créés par les grandes ouvertures et les cadres qui les encadrent ont acquis une grande importance dans la composition. Le rythme des divisions horizontales est devenu encore plus clair.
Parmi les édifices religieux de Bramante, se distingue une petite chapelle dans la cour du monastère de San Pietro in Montrio, appelée Tempietto. (1502) - un bâtiment situé à l'intérieur d'une cour plutôt exiguë, qui était censée être entourée d'une arcade circulaire de plan.
La chapelle présente une rotonde en forme de dôme entourée d'une colonnade dorique romaine. Le bâtiment se distingue par des proportions parfaites, l'ordre est interprété de manière stricte et constructive. En comparaison avec les bâtiments centraux du début de la Renaissance, où prédomine le développement linéaire et plan des murs (Chapelle Pazzi), le volume de Tempietto est plastique : sa plasticité d'ordre correspond à l'intégrité tectonique de la composition. Le contraste entre le noyau monolithique de la rotonde et la colonnade, entre la surface lisse du mur et la plasticité des niches profondes et des pilastres souligne l'expressivité de la composition, pleine d'harmonie et d'exhaustivité. Malgré sa petite taille, Tempietto donne une impression de monumentalité. Déjà par les contemporains de Bramante, ce bâtiment était reconnu comme l'un des chefs-d'œuvre de l'architecture.
Étant l'architecte en chef de la cour du pape Jules II, Bramante à partir de 1505. travaille à la reconstruction du Vatican. Un complexe grandiose de bâtiments de cérémonie et situé dans différents niveaux cours d'apparat, subordonnées à un seul axe, fermées par la majestueuse exèdre du Belvédère. Dans cet ensemble, essentiellement le premier de la Renaissance d'une conception aussi grandiose, les techniques de composition des anciens forums romains ont été magistralement utilisées. La résidence papale était censée être reliée à un autre bâtiment grandiose de Rome - la cathédrale Pierre, pour la construction de laquelle le projet de Bramante a également été adopté. La perfection de la composition centrée et la portée grandiose de la conception de la cathédrale par Peter Bramante donnent des raisons de considérer cette œuvre comme le summum du développement de l'architecture de la Renaissance. Cependant, le projet n’était pas destiné à se réaliser en nature : du vivant de Bramante venait de commencer la construction de la cathédrale qui, en 1546, 32 ans après la mort de l’architecte, fut transférée à Michel-Ange.
Le grand artiste et architecte Raphaël Santi, qui a construit et peint les célèbres loggias du Vatican, qui ont reçu son nom (« les loggias de Raphaël »), ainsi qu'un certain nombre de bâtiments remarquables, ont participé au concours pour la conception de la cathédrale Pierre. , ainsi que dans la construction et la peinture des bâtiments du Vatican, avec Bramante, tant à Rome même qu'à l'extérieur (construction et peinture de la Villa Madama à Rome, du Palais Pandolfini à Florence, etc.).
L'un des meilleurs étudiants de Bramante, l'architecte Antonio da Sangallo Jr., a conçu le palais Farnèse à Rome. , dans une certaine mesure, complétant l'évolution du palais Renaissance.
La conception de sa façade manque de rustication traditionnelle et de divisions verticales. Sur la surface lisse et enduite de briques du mur, de larges ceintures horizontales qui parcourent toute la façade sont clairement visibles ; comme si elles s'appuyaient sur elles, sont placées des fenêtres avec des plateaux en relief en forme d'« édicule » antique. Les fenêtres du premier étage, contrairement aux palais florentins, ont la même taille que celles des étages supérieurs. L'édifice s'affranchit de l'isolement de forteresse encore inhérent aux palais du début de la Renaissance. Contrairement aux palais du XVe siècle, où la cour était entourée de légères galeries cintrées sur colonnes, apparaît ici une arcade d'ordre monumentale à demi-colonnes. L'ordre de la galerie devient un peu plus lourd, acquérant des traits de solennité et de représentativité. Le passage étroit entre la cour et la rue est remplacé par un « lobby » ouvert, révélant une perspective sur la cour avant.
3. Fin de la Renaissance
La période de la fin de la Renaissance est généralement considérée comme allant du milieu à la fin du XVIe siècle. A cette époque, la récession économique en Italie se poursuivait. Le rôle de la noblesse féodale et des organisations ecclésiales catholiques s'est accru. Pour lutter contre la réforme et toutes les manifestations d’esprit antireligieux, l’Inquisition a été créée. Dans ces conditions, les humanistes commencèrent à subir des persécutions. Une partie importante d'entre eux, persécutés par l'Inquisition, s'installèrent dans les villes du nord de l'Italie, notamment à Venise, qui conservait encore les droits d'une république indépendante, où l'influence de la contre-réforme religieuse n'était pas si forte. À cet égard, à la fin de la Renaissance, deux écoles étaient les plus importantes : la romaine et la vénitienne. À Rome, où la pression idéologique de la Contre-Réforme a grandement influencé le développement de l'architecture, parallèlement au développement des principes de la Haute Renaissance, on a assisté à un écart par rapport aux classiques vers des compositions plus complexes, un plus grand caractère décoratif, une violation des clarté des formes, de l'échelle et de la tectonique. A Venise, malgré la pénétration partielle des nouvelles tendances dans l'architecture, la base classique de la composition architecturale était mieux préservée.
Un représentant éminent de l’école romaine fut le grand Michel-Ange Buonarroti (1475-1564). Ses œuvres architecturales posent les bases d'une nouvelle compréhension de la forme caractéristique de cette période, caractérisée par une grande expression, une dynamique et une expressivité plastique. Son œuvre, qui s'est déroulée à Rome et à Florence, reflète avec une force particulière la recherche d'images capables d'exprimer la crise générale de l'humanisme et l'anxiété interne que ressentent alors les milieux progressistes de la société face à l'approche des forces de réaction. En tant que brillant sculpteur et peintre, Michel-Ange a su trouver des moyens plastiques brillants pour exprimer dans l'art la force intérieure de ses héros, le conflit non résolu de leur monde spirituel et les efforts titanesques de lutte. Dans la créativité architecturale, cela correspondait à une identification accentuée de la plasticité des formes et de leur dynamique intense. L'ordre de Michel-Ange a souvent perdu sa signification tectonique, se transformant en un moyen de décorer les murs, créant des masses agrandies qui étonnent les gens par leur ampleur et leur plasticité. Ayant violé audacieusement les principes architecturaux habituels de la Renaissance, Michel-Ange fut, dans une certaine mesure, le fondateur manière créative, repris ensuite dans l'architecture baroque italienne. Les plus grandes œuvres architecturales de Michel-Ange incluent l'achèvement de la cathédrale Saint-Pierre de Rome après la mort de Bramante. Michel-Ange, s'appuyant sur un schéma centré, proche du plan de Bramante, introduit de nouveaux éléments dans son interprétation : il simplifie le plan et généralise l'espace intérieur, rend les supports et les murs plus massifs, et ajoute un portique avec une colonnade solennelle au sommet. façade ouest. Dans la composition volumétrique-spatiale, l’équilibre calme et la subordination des espaces du projet de Bramante se traduisent par une domination accentuée du dôme principal et de l’espace sous le dôme. Dans la composition des façades, la clarté et la simplicité ont été remplacées par des formes plastiques plus complexes et plus larges ; les murs sont disséqués par des rebords et des pilastres de grande taille ; Ordre corinthien avec un puissant entablement et un grenier élevé ; Entre les pilastres se trouvent des ouvertures de fenêtres, des niches et divers éléments décoratifs (corniches, ceintures, sandriks, statues, etc.) qui semblent enfoncés dans les piliers, conférant aux murs une plasticité presque sculpturale.
Dans la composition de la Chapelle Médicis Église de San Lorenzo à Florence (1520) de Michel-Ange, l'intérieur et les sculptures fusionnent en un seul tout. Les formes sculpturales et architecturales sont pleines de tensions internes et de drames. Leur expressivité émotionnelle aiguë prévaut sur la base tectonique ; l’ordre est interprété comme un élément du plan sculptural fondamentalement commun de l’artiste.
L'un des architectes romains les plus remarquables de la fin de la Renaissance est également Vignola, l'auteur du traité « La règle des cinq ordres de l'architecture ». Ses œuvres les plus significatives sont le château de Caprarola et la villa du pape Jules II. . Durant la Renaissance, le type de villa connaît un développement important associé à une modification de son contenu fonctionnel. Retour au début du XVe siècle. c'était une propriété de campagne, souvent entourée de murs, et parfois même dotée de tours défensives. Vers la fin du XVe siècle. la villa est devenue une retraite de campagne pour les citoyens riches (Villa Médicis près de Florence), et ce à partir du XVIe siècle. elle devient souvent la résidence de grands seigneurs féodaux et du haut clergé. La villa perd son intimité et acquiert le caractère d'une structure frontale-axiale d'apparat, ouverte sur la nature environnante.
La Villa du pape Jules II est un exemple de ce type. Sa composition strictement axiale et rectangulaire aux contours extérieurs descend le long du flanc de la montagne en corniches, créant un jeu complexe d'espaces ouverts, semi-ouverts et fermés situés à différents niveaux. La composition montre l'influence des anciens forums romains et des cours du Vatican.
Les maîtres éminents de l'école vénitienne de la fin de la Renaissance furent Sansovino, qui construisit le bâtiment de la Bibliothèque de Saint-Marc à Venise (commencée en 1536) - un élément important de l'ensemble remarquable du centre vénitien et le représentant le plus éminent de la école classique de la Renaissance - l'architecte Palladio.
Les activités d'Andrea Palladio (1508 - 1580) se déroulèrent principalement à Vicence, près de Venise, où il construisit bâtiments du palais et des villas, ainsi qu'à Venise, où il construisit principalement des bâtiments religieux. Son travail dans un certain nombre de bâtiments était une réaction aux tendances anticlassiques de la fin de la Renaissance. Dans un effort pour préserver la pureté des principes classiques, Palladio s'appuie sur la riche expérience qu'il a acquise au cours de l'étude du patrimoine antique. Il essaie de faire revivre non seulement des bons de commande, mais aussi des éléments entiers et même des types de bâtiments. période ancienne. Le portique d'ordre structurellement vrai devient le thème principal de plusieurs de ses œuvres.
Dans la Villa Rotonde , construit près de Vicence (commencé en 1551), le maître a atteint une intégrité et une harmonie exceptionnelles de la composition. Situées sur une colline et bien visibles de loin, les quatre façades de la villa avec des portiques de tous côtés, ainsi que le dôme, forment une composition centrée claire.
Au centre se trouve une salle en forme de dôme rond, d'où les sorties mènent à des portiques. De larges escaliers portiques relient le bâtiment à la nature environnante. La composition centrée reflétait les aspirations générales des architectes de la Renaissance pour l'exhaustivité absolue de la composition, la clarté et la géométrie des formes, la connexion harmonieuse des parties individuelles avec l'ensemble et la fusion organique du bâtiment avec la nature.
Mais ce schéma de composition « idéal » reste isolé. Dans la construction même de nombreuses villas, Palladio a accordé plus d'attention au schéma dit en trois parties, composé d'un volume principal et de galeries d'ordre d'un étage s'étendant de celui-ci vers les côtés, servant à communiquer avec les services du domaine et organiser la cour avant devant la façade de la villa. C'est ce projet de maison de campagne qui eut plus tard de nombreux adeptes dans la construction de manoirs.
Contrairement au libre développement des volumes des villas de campagne, les palais urbains palladiens ont généralement une composition stricte et laconique avec une façade principale à grande échelle et monumentale. L'architecte utilise largement la grande commande, l'interprétant comme une sorte de système « colonne-mur ». Un exemple frappant est le palais Capitaine (1576), dont les murs sont ornés de colonnes d'un grand ordre composite avec un entablement puissant et lâche. L'étage supérieur, agrandi sous la forme d'une superstructure (étage mansardé), confère au bâtiment exhaustivité et monumentalité,
Palladio a également largement utilisé dans ses palais urbains la division des façades à deux niveaux avec des commandes, ainsi qu'une commande placée sur un rez-de-chaussée surélevé - une technique utilisée pour la première fois par Bramante et ensuite répandue dans l'architecture du classicisme.
Conclusion
L'architecture moderne, lorsqu'elle recherche les formes de sa propre manifestation stylistique, ne cache pas qu'elle utilise le patrimoine historique. Le plus souvent, elle se tourne vers les concepts théoriques et les principes de mise en forme qui ont atteint dans le passé la plus grande pureté stylistique. Parfois, il semble même que tout ce qui vivait auparavant au XXe siècle est revenu sous une nouvelle forme et s'est rapidement répété à nouveau.
Une grande partie de ce qu'une personne valorise dans l'architecture fait appel non pas tant à une analyse scrupuleuse des parties individuelles d'un objet, mais à son image synthétique et holistique, à la sphère de la perception émotionnelle. Cela signifie que l’architecture est de l’art ou, en tout cas, contient des éléments d’art.
Parfois, l’architecture est appelée la mère des arts, ce qui signifie que la peinture et la sculpture se sont développées pendant longtemps dans un lien organique inextricable avec l’architecture. L'architecte et l'artiste ont toujours eu beaucoup de points communs dans leur travail et s'entendent parfois bien en une seule personne. L'ancien sculpteur grec Phidias est à juste titre considéré comme l'un des créateurs du Parthénon. L'élégant clocher de la principale cathédrale de Florence, Santa Maria del Fiore, a été construit « d'après un dessin » du grand peintre Giotto. Michel-Ange, qui était également grand en tant qu'architecte, sculpteur et peintre. Raphaël a également travaillé avec succès dans le domaine de l'architecture. Leur contemporain, le peintre Giorgio Vasari, fit construire la rue des Offices à Florence. Une telle synthèse des talents d'un artiste et d'un architecte se retrouve non seulement chez les titans de la Renaissance, mais marque également les temps modernes. Les artistes appliqués anglais William Morris et belge Van de Velde ont grandement contribué au développement architecture moderne. Corbusier était un peintre talentueux et Alexandre Vesnine un brillant artiste de théâtre. Les artistes soviétiques K. Malevich et L. Lisitsky ont expérimenté de manière intéressante la forme architecturale, et leur collègue et contemporain Vladimir Tatlin est devenu l'auteur du projet légendaire de la Tour 111 de l'Internationale. L'auteur du célèbre projet du Palais des Soviets, l'architecte B. Iofan, est à juste titre considéré comme le co-auteur de la sculpture « Ouvrière et fermière collective » avec la merveilleuse artiste soviétique Vera Mukhina.
La représentation graphique et l'agencement tridimensionnel sont les principaux moyens par lesquels l'architecte recherche et défend ses solutions. La découverte de la perspective linéaire à la Renaissance a activement influencé le concept spatial de l’architecture de cette époque. En fin de compte, la compréhension de la perspective linéaire a conduit à relier la place, l’escalier et le bâtiment en une seule composition spatiale, puis à l’émergence de gigantesques ensembles architecturaux du baroque et du grand classicisme. De nombreuses années plus tard, les expériences des artistes cubistes ont eu une grande influence sur le développement de la création de formes architecturales. Ils ont essayé de représenter un objet sous différents points de vue, d'obtenir sa perception tridimensionnelle en superposant plusieurs images et d'élargir les possibilités de perception spatiale en introduisant la quatrième dimension - le temps. Cette volumétrie de perception a servi de point de départ à la recherche formelle d'une architecture moderne, qui opposait à l'écran plat de la façade un jeu complexe de volumes et de plans librement situés dans l'espace.
La sculpture et la peinture ne se sont pas immédiatement indépendantes de l’architecture. Au début, ce n'étaient que des éléments structure architecturale. Il a fallu plus d’un siècle pour que la peinture se sépare du mur ou de l’iconostase. A la fin de la Renaissance, sur la Piazza della Signoria à Florence, des sculptures se pressent encore timidement autour des édifices, comme si elles craignaient de rompre complètement avec les façades. Michel-Ange est le premier à placer une statue équestre au centre de la place du Capitole à Rome. Nous sommes en 1546. Depuis, un monument, une sculpture monumentale, a acquis les droits d'un élément de composition indépendant qui organise l'espace urbain. Certes, la forme sculpturale continue de vivre pendant un certain temps sur les murs de la structure architecturale, mais peu à peu ces dernières traces du « luxe d'antan » en disparaissent.
Le Corbusier affirme cette composition de l'architecture moderne avec sa certitude caractéristique : « Je ne reconnais ni la sculpture ni la peinture comme décoration. J'avoue que les deux peuvent susciter des émotions profondes chez le spectateur de la même manière que la musique et le théâtre vous affectent - tout dépend de la qualité de l'œuvre, mais je suis définitivement contre la décoration. D'autre part, en considérant une œuvre architecturale et principalement le site sur lequel elle est érigée, on voit que certains endroits dans le bâtiment lui-même et autour de lui sont des lieux mathématiques intensifs qui se révèlent être, pour ainsi dire, une clé de la proportions de l'œuvre et de son environnement. Ce sont les lieux de la plus haute intensité, et c'est dans ces lieux que le but spécifique de l'architecte peut se réaliser - soit sous la forme d'un bassin, soit d'un bloc de pierre, soit d'une statue. On peut dire que dans ce lieu toutes les conditions sont réunies pour qu’un discours puisse être prononcé, un discours d’artiste, un discours plastique.
Au cours de la Renaissance, une attitude s'est progressivement formée parmi les architectes à l'égard d'une structure en tant que partie d'un tout, qui doit être capable de se relier à l'espace environnant et de trouver une combinaison contrastée et mutuellement bénéfique de différentes structures. La culture de l'urbanisme de la Renaissance s'est formée progressivement et dans divers ensembles - sur la place Saint-Marc à Venise, dans l'ensemble de la Maison pédagogique de l'Atelier du ver à soie de l'architecte. Brunelleschi et autres. L'utilisation d'arcades et de colonnades le long des rues était d'une grande importance, ce qui donnait au développement urbain des caractéristiques communautaires notables (rue des Offices à Florence de l'architecte Vasari).
Une contribution significative à la formation d'exemples d'un ensemble architectural estPlace du Capitole à Rome,conçu par Michel-Ange. Ouvrir la place sur la ville tout en subordonnant simultanément l'espace de la place au bâtiment principal est nouvelle fonctionnalité, introduit par Michel-Ange dans l'architecture des ensembles urbains.
Peu à peu, dans la compréhension des architectes, l'idée de la ville comme un tout, dans laquelle toutes les parties sont interconnectées, a mûri. Nouveau armes à feu rendu les fortifications médiévales en pierre sans défense. Cela a prédéterminé l’apparition de murs en terre le long du périmètre des villes.bastionset détermina la forme en étoile de la ligne de fortifications de la ville. Des villes de ce type sont apparues dans les 2/3 du XVIe siècle. Une idée revivaliste de"ville idéale" -la ville la plus agréable à vivre.
En organisant l'espace urbain, les architectes de la Renaissance ont suivi 3 principes de base :
1. établissement de classe (pour les nobles - les quartiers centraux et les meilleurs de la ville) ;
2. implantation professionnelle du reste de la population (les artisans des métiers connexes sont à proximité) ;
3. division du territoire de la ville en complexes résidentiels, industriels, commerciaux et publics.
Le tracé des « villes idéales » doit nécessairement être régulier ou radial-circulaire, mais le choix du tracé doit être déterminé conditions naturelles: relief, réservoir, rivière, vents, etc.
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| Palma Nouvelle, 1593 |
Habituellement, au centre de la ville, il y avait une place publique principale avec un château ou avec un hôtel de ville et une église au milieu. Les zones commerciales ou religieuses d'importance régionale dans les villes radiales étaient situées à l'intersection des rues radiales avec l'une des autoroutes périphériques de la ville.
Ces projets impliquaient également des améliorations significatives : aménagement des rues, création de canaux pour le drainage des eaux pluviales et l'assainissement. Les maisons devaient avoir certains rapports de hauteur et de distance entre elles pour une meilleure insolation et ventilation.
Malgré leur utopisme, les développements théoriques des « villes idéales » de la Renaissance ont eu une certaine influence sur la pratique de l’urbanisme, notamment lors de la construction de petites fortifications en peu de temps.(La Valette, Palma Nuova, Granmichele- XVIe-XVIIe siècles).