La littérature, comme aucun autre type d'activité créatrice humaine, est liée à la vie sociale et historique des gens, étant une source vivante et imaginative de sa réflexion. La fiction se développe avec la société, dans une certaine séquence historique, et on peut dire qu'elle est un exemple direct du développement artistique de la civilisation. Chaque époque historique est caractérisée par certaines humeurs, points de vue, attitudes et visions du monde, qui se manifestent inévitablement dans les œuvres littéraires.
Une vision du monde commune, soutenue par des principes artistiques communs pour créer une œuvre littéraire parmi des groupes individuels d'écrivains, forme diverses tendances littéraires. Il convient de dire que la classification et l'identification de telles tendances dans l'histoire de la littérature sont très conditionnelles. Les écrivains, créant leurs œuvres à différentes époques historiques, ne soupçonnaient même pas que les spécialistes de la littérature les classeraient, au fil des années, comme appartenant à un mouvement littéraire. Cependant, pour plus de commodité analyse historique dans la critique littéraire, une telle classification est nécessaire. Il aide à comprendre de manière plus claire et structurée les processus complexes du développement de la littérature et de l’art.
Principales tendances littéraires
Chacun d'eux se caractérise par la présence d'un certain nombre écrivains célèbres, qui sont unis par un concept idéologique et esthétique clair exposé dans des travaux théoriques, et vue générale sur les principes de la création oeuvre d'art ou méthode artistique, qui, à son tour, acquiert des caractéristiques historiques et sociales inhérentes à une certaine direction.
Dans l'histoire de la littérature, il est d'usage de distinguer les principales tendances littéraires suivantes :
Classicisme. Il a été formé comme style artistique et une vision du monde pour XVIIe siècle. Elle repose sur une passion pour l’art ancien, qui lui sert de modèle. Dans un effort pour atteindre la simplicité de la perfection, semblable aux modèles anciens, les classiques ont développé des canons artistiques stricts, tels que l'unité de temps, de lieu et d'action dans le drame, qui devaient être strictement suivis. L'œuvre littéraire a été soulignée comme artificielle, intelligemment et logiquement organisée et rationnellement construite.
Tous les genres étaient divisés en genres élevés (tragédie, ode, épopée), qui glorifiaient les événements héroïques et histoires mythologiques, et bas - décrivant la vie quotidienne des personnes des classes inférieures (comédie, satire, fable). Les classiques préféraient le théâtre et créaient de nombreuses œuvres spécifiquement pour la scène théâtrale, utilisant non seulement des mots pour exprimer des idées, mais aussi des images visuelles, une intrigue structurée d'une certaine manière, des expressions faciales et des gestes, des décors et des costumes. L'ensemble du XVIIe et du début du XVIIIe siècle s'est déroulé sous l'ombre du classicisme, qui a été remplacé par une autre direction après la puissance destructrice des Français.
Le romantisme est un concept global qui s'est puissamment manifesté non seulement dans la littérature, mais aussi dans la peinture, la philosophie et la musique, et dans chaque pays européen il avait ses propres caractéristiques spécifiques. Les écrivains romantiques étaient unis par une vision subjective de la réalité et une insatisfaction à l'égard de la réalité environnante, ce qui les obligeait à construire différentes images du monde qui s'éloignent de la réalité. Les héros des œuvres romantiques sont des personnalités puissantes et extraordinaires, des rebelles qui défient les imperfections du monde, le mal universel et meurent dans la lutte pour le bonheur et l'harmonie universelle. Héros inhabituels et circonstances de vie inhabituelles, mondes fantastiques et expériences profondes irréalistes, les écrivains ont transmis à l'aide d'un certain langage leurs œuvres très émouvantes, sublimes.
Le réalisme. Le pathos et l'exaltation du romantisme ont cédé la place à cette direction, dont le principe principal était la représentation de la vie dans toutes ses manifestations terrestres, des héros typiques très réels dans des circonstances typiques réelles. La littérature, selon les écrivains réalistes, était censée devenir un manuel de vie, de sorte que les héros étaient représentés dans tous les aspects de la manifestation de la personnalité - sociaux, psychologiques, historiques. La principale source qui influence une personne, façonnant son caractère et sa vision du monde, devient environnement, des circonstances réelles avec lesquelles les héros entrent constamment en conflit en raison de profondes contradictions. La vie et les images sont données en développement, montrant une certaine tendance.
Les tendances littéraires reflètent les paramètres et caractéristiques les plus généraux de la créativité artistique à une certaine période historique du développement de la société. À leur tour, dans n'importe quelle direction, on peut distinguer plusieurs mouvements, représentés par des écrivains ayant des attitudes idéologiques et artistiques, des vues morales et éthiques et des techniques artistiques et esthétiques similaires. Ainsi, dans le cadre du romantisme, il y avait des mouvements tels que le romantisme civil. Les écrivains réalistes étaient également adeptes de divers mouvements. Dans le réalisme russe, il est d'usage de distinguer les mouvements philosophiques et sociologiques.
Les mouvements et mouvements littéraires sont une classification créée dans le cadre des théories littéraires. Il est basé sur les vues philosophiques, politiques et esthétiques d'époques et de générations de personnes à un certain stade historique du développement de la société. Cependant, les mouvements littéraires peuvent dépasser les frontières d'une époque historique, c'est pourquoi ils sont souvent identifiés à une méthode artistique commune à un groupe d'écrivains qui ont vécu à des époques différentes, mais qui ont exprimé des principes spirituels et éthiques similaires.
Option 1
A. Classicisme
B. Sentimentalisme
B. Romantisme
G. Réalisme
1. Reflet de l'idée d'harmonie, d'ordre strict du monde, de foi dans l'esprit humain.
2. Contient un contraste entre la réalité et les rêves.
3. S'oppose à l'abstraction et à la rationalité des œuvres du classicisme. Cela reflète le désir de dépeindre la psychologie humaine.
4. Le personnage principal est seul et incompris des autres, il s'oppose à la société.
5. Les actions et actions des héros sont déterminées du point de vue des sentiments, la sensibilité des héros est exagérée.
6. L'intrigue et la composition obéissent à des règles acceptées (la règle des trois unités : lieu de temps, action).
7. Représentation de personnages typiques dans des circonstances typiques.
8. Genres principaux - comédie, ode.
9. Idéalisation du mode de vie du village, les héros sont des gens ordinaires.
10. Le nom de la direction en traduction signifie « matériel, réel ».
11. Remplace le classicisme.
12. Orientation civile (éducative) des travaux.
13. M. Yu. Lermontov "Mtsyri"
14. G.R. Ode de Derjavin "Felitsa"
15. N.V. Gogol "Âmes mortes"
16. V.A. Joukovski "Svetlana"
17. M.V. Lomonossov
18. N. M. Karamzine
19. D.I. Fonvizine
20. L.N. Tolstoï
Test sur le thème « Orientations littéraires »
Option 2
Lorsque vous répondez aux questions du test, indiquez uniquement la lettre qui correspond à la direction littéraire.
A. Classicisme
B. Sentimentalisme
B. Romantisme
G. Réalisme
I. À quel mouvement littéraire correspond la caractéristique ?
1. Les actions et les actes des héros sont déterminés du point de vue de la raison.
2. Idéalisation du monde naturel (un paysage particulier).
3. Un héros exceptionnel agit dans des circonstances exceptionnelles.
4. Genres principaux - élégie, ballade.
5. Le héros est individuel et incarne en même temps des traits typiques.
6. Le nom de la direction en traduction signifie « Exemplaire »
7. Les représentants des classes inférieures sont dotés d'un monde spirituel riche.
8. Remplace le romantisme et existe encore aujourd'hui.
9. Représentation inhabituelle et exotique d'événements, de paysages, de personnes.
10. Diviser les héros de la comédie en positifs et négatifs.
11. L'œuvre montre un intérêt particulier pour la réalité environnante, le monde idéal s'oppose au réel.
12. Un héros est jugé sur la manière dont il peut exprimer ses sentiments, et non sur le bénéfice qu'il apporte à l'État.
II. À quel mouvement littéraire appartiennent les œuvres ?
13. V.A. Joukovski Élégie « Mer »
14. M. Yu. Lermontov "Héros de notre temps"
15. M.V. Lomonosov « Ode le jour de l’accession au trône d’Elizabeth Petrovna »
16. COMME. Pouchkine "Eugène Onéguine"
III. À quel mouvement littéraire appartient l’œuvre de l’écrivain ?
17. G.R. Derjavine
18. A.P. Tchekhov
19. M.V. Lomonossov
20. N. M. Karamzine
| Option 1 | Option 2 |
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Critère d'évaluation
"5" - 18-20 points (90 % de bonnes réponses)
"4" - 14-17 points (70%-89% de bonnes réponses)
"3" - 10-13 points (50%-69% de bonnes réponses)
"2" - 0-9 points (moins de 49 % de bonnes réponses)
DANS critique littéraire moderne Les termes « direction » et « flux » peuvent être interprétés différemment. Parfois, ils sont utilisés comme synonymes (le classicisme, le sentimentalisme, le romantisme, le réalisme et le modernisme sont appelés à la fois mouvements et directions), et parfois un mouvement est identifié avec une école ou un groupe littéraire, et une direction avec une méthode ou un style artistique (dans ce cas , la direction comprend deux ou plusieurs courants).
Généralement, direction littéraire appeler un groupe d'écrivains similaires dans leur type de pensée artistique. On peut parler de l'existence d'un mouvement littéraire si les écrivains connaissent les fondements théoriques de leur activité artistique et les promeuvent dans des manifestes, des discours-programmes et des articles. Ainsi, le premier article programmatique des futuristes russes était le manifeste « Une gifle au goût du public », qui énonçait les principes esthétiques de base de la nouvelle direction.
Dans certaines circonstances, dans le cadre d'un mouvement littéraire, des groupes d'écrivains peuvent se constituer, particulièrement proches les uns des autres par leurs vues esthétiques. De tels groupes formés dans n'importe quelle direction sont généralement appelés mouvement littéraire. Par exemple, dans le cadre d'un mouvement littéraire tel que le symbolisme, on peut distinguer deux mouvements : les symbolistes « seniors » et les symbolistes « plus jeunes » (selon une autre classification - trois : décadents, symbolistes « seniors », symbolistes « plus jeunes »).
CLASSICISME(de lat. classique- exemplaire) - direction artistique V art européen le tournant du XVIIe-XVIIIe - début du XIXe siècle, formé en France à la fin du XVIIe siècle. Le classicisme affirmait la primauté des intérêts de l'État sur les intérêts personnels, la prédominance des motivations civiles, patriotiques, du culte devoir moral. L'esthétique du classicisme se caractérise par la rigueur des formes artistiques : unité de composition, style et sujets normatifs. Représentants du classicisme russe : Kantemir, Trediakovsky, Lomonossov, Sumarokov, Knyazhnin, Ozerov et autres.
L'une des caractéristiques les plus importantes du classicisme est la perception de l'art ancien comme modèle, norme esthétique (d'où le nom du mouvement). Le but est de créer des œuvres d’art à l’image et à la ressemblance des œuvres anciennes. De plus, la formation du classicisme a été fortement influencée par les idées des Lumières et le culte de la raison (la croyance en la toute-puissance de la raison et que le monde peut être réorganisé sur une base rationnelle).
Les classiques (représentants du classicisme) percevaient la créativité artistique comme le strict respect de règles raisonnables, de lois éternelles, créées sur la base de l'étude des meilleurs exemples de la littérature ancienne. Sur la base de ces lois raisonnables, ils ont divisé les œuvres en « correctes » et « incorrectes ». Par exemple, même les meilleures pièces de Shakespeare étaient classées comme « incorrectes ». Cela était dû au fait que les héros de Shakespeare combinaient des traits positifs et négatifs. Et la méthode créative du classicisme s'est formée sur la base d'une pensée rationaliste. Il existait un système strict de personnages et de genres : tous les personnages et tous les genres se distinguaient par leur « pureté » et leur absence d'ambiguïté. Ainsi, chez un héros, il était strictement interdit non seulement de combiner des vices et des vertus (c'est-à-dire des traits positifs et négatifs), mais même plusieurs vices. Le héros devait incarner un trait de caractère : soit un avare, soit un fanfaron, soit un hypocrite, soit un hypocrite, soit un bien, soit un mal, etc.
Le conflit principal des œuvres classiques est la lutte du héros entre la raison et le sentiment. Dans le même temps, un héros positif doit toujours faire un choix en faveur de la raison (par exemple, lorsqu'il choisit entre l'amour et le besoin de se consacrer entièrement au service de l'État, il doit choisir ce dernier), et un héros négatif - en faveur du ressenti.
On peut dire la même chose de système de genre. Tous les genres étaient divisés en haut (ode, poème épique, tragédie) et bas (comédie, fable, épigramme, satire). Dans le même temps, les épisodes touchants n'étaient pas censés être inclus dans une comédie, et les épisodes drôles n'étaient pas censés être inclus dans une tragédie. DANS genres élevés des héros « exemplaires » étaient représentés - des monarques, des « commandants qui pourraient servir de modèles. Dans les bas, des personnages étaient représentés qui étaient saisis par une sorte de « passion », c'est-à-dire un sentiment fort.
Des règles spéciales existaient pour les œuvres dramatiques. Ils devaient observer trois « unités » : le lieu, le temps et l'action. Unité de lieu : la dramaturgie classique ne permettait pas de changement de lieu, c'est-à-dire que tout au long de la pièce, les personnages devaient être au même endroit. Unité de temps : le temps artistique d'une œuvre ne doit pas excéder plusieurs heures, voire au maximum une journée. L'unité d'action implique la présence d'un seul scénario. Toutes ces exigences sont liées au fait que les classiques voulaient créer une illusion unique de vie sur scène. Sumarokov : « Essayez de mesurer l'horloge pour moi pendant des heures dans le jeu, afin que, m'étant oublié, je puisse vous croire*.
Donc, traits de caractère classicisme littéraire :
Pureté du genre (dans les genres élevés, les situations et les héros drôles ou quotidiens ne pouvaient pas être représentés, et dans les genres inférieurs, les situations tragiques et sublimes ne pouvaient pas être représentées) ;
Pureté du langage (dans les genres élevés - vocabulaire élevé, dans les genres faibles - familier) ;
Les héros sont strictement divisés en positifs et négatifs, tandis que cadeaux Lorsqu'ils choisissent entre le sentiment et la raison, ils donnent la préférence à cette dernière ;
Respect de la règle des « trois unités » ;
L’œuvre doit affirmer les valeurs positives et l’idéal de l’État.
Le classicisme russe se caractérise par le pathos de l'État (l'État (et non la personne) a été déclaré la valeur la plus élevée) combiné à la foi dans la théorie de l'absolutisme éclairé. Selon la théorie de l'absolutisme éclairé, l'État devrait être dirigé par un monarque sage et éclairé, exigeant que chacun serve pour le bien de la société. Les classiques russes, inspirés par les réformes de Pierre, croyaient à la possibilité d'une amélioration ultérieure de la société, qu'ils considéraient comme un organisme rationnellement organisé. Soumarokov : « Les paysans labourent, les marchands font le commerce, les guerriers défendent la patrie, les juges jugent, les savants cultivent les sciences. Les classiques traitaient la nature humaine de la même manière rationaliste. Ils croyaient que la nature humaine est égoïste, soumise aux passions, c'est-à-dire aux sentiments qui s'opposent à la raison, mais en même temps se prêtent à l'éducation.
SENTIMENTALISME(de l'anglais sentimental- sensible, du français sentiment- sentiment) est un mouvement littéraire de la seconde moitié du XVIIIe siècle, qui a remplacé le classicisme. Les sentimentalistes proclamaient la primauté du sentiment sur la raison. Une personne était jugée sur sa capacité à vivre des expériences profondes. D’où l’intérêt pour le monde intérieur du héros, la représentation des nuances de ses sentiments (le début du psychologisme).
Contrairement aux classiques, les sentimentalistes considèrent que la valeur la plus élevée n'est pas l'État, mais la personne. Ils opposaient les ordres injustes du monde féodal aux lois éternelles et raisonnables de la nature. À cet égard, la nature pour les sentimentaux est la mesure de toutes les valeurs, y compris l'homme lui-même. Ce n'est pas un hasard s'ils affirmaient la supériorité de la personne « naturelle », « naturelle », c'est-à-dire vivant en harmonie avec la nature.
La sensibilité sous-tend également la méthode créative du sentimentalisme. Si les classiques ont créé des personnages généralisés (prude, fanfaron, avare, imbécile), alors les sentimentalistes s'intéressent à des personnes spécifiques avec des destins individuels. Les héros de leurs œuvres sont clairement divisés en positifs et négatifs. Les personnes positives sont dotées d'une sensibilité naturelle (réactive, gentille, compatissante, capable d'abnégation). Négatif - calculateur, égoïste, arrogant, cruel. Les porteurs de sensibilité sont généralement les paysans, les artisans, les roturiers et le clergé rural. Cruel - représentants du pouvoir, nobles, haut clergé (puisque le régime despotique tue la sensibilité des gens). Les manifestations de sensibilité acquièrent souvent un caractère trop extérieur, voire exagéré dans les œuvres des sentimentaux (exclamations, larmes, évanouissements, suicide).
L’une des principales découvertes du sentimentalisme est l’individualisation du héros et l’image du riche monde spirituel du roturier (l’image de Liza dans l’histoire de Karamzin « Pauvre Liza »). Le personnage principal des œuvres était une personne ordinaire. À cet égard, l'intrigue de l'œuvre représentait souvent des situations individuelles de la vie quotidienne, tandis que la vie paysanne souvent représenté dans des couleurs pastorales. Un nouveau contenu nécessitait une nouvelle forme. Les genres phares étaient romance familiale, journal intime, confession, roman en lettres, notes de voyage, élégie, message.
En Russie, le sentimentalisme est né dans les années 1760 (les meilleurs représentants sont Radichtchev et Karamzine). En règle générale, dans les œuvres du sentimentalisme russe, le conflit se développe entre le paysan serf et le propriétaire foncier serf, et la supériorité morale du premier est constamment soulignée.
LE ROMANTISME - mouvement artistique dans la culture européenne et américaine de la fin du XVIIIe - premier moitié du 19ème siècle siècle. Le romantisme est né dans les années 1790, d’abord en Allemagne, puis s’est répandu dans toute l’Europe occidentale. Les conditions préalables à son émergence étaient la crise du rationalisme des Lumières, la recherche artistique de mouvements préromantiques (sentimentalisme), le Grand Révolution française, philosophie classique allemande.
L'émergence de ce mouvement littéraire, comme de tout autre, est inextricablement liée aux événements socio-historiques de cette époque. Commençons par les conditions préalables à la formation du romantisme dans Littératures d'Europe occidentale. La Grande Révolution française de 1789-1899 et la réévaluation de l’idéologie des Lumières qui en découle ont eu une influence décisive sur la formation du romantisme en Europe occidentale. Comme vous le savez, le XVe siècle en France passe sous le signe des Lumières. Pendant près d'un siècle, les éducateurs français dirigés par Voltaire (Rousseau, Diderot, Montesquieu) ont soutenu que le monde pouvait être réorganisé sur une base raisonnable et ont proclamé l'idée de l'égalité naturelle de tous. Ce sont ces idées éducatives qui ont inspiré les révolutionnaires français, dont le slogan était les mots : « Liberté, égalité et fraternité ».
Le résultat de la révolution fut l’instauration d’une république bourgeoise. En conséquence, le vainqueur fut la minorité bourgeoise, qui s'empara du pouvoir (auparavant elle appartenait à l'aristocratie, la haute noblesse), tandis que le reste restait « avec auge cassée" Ainsi, le « royaume de la raison » tant attendu s’est révélé être une illusion, tout comme la liberté, l’égalité et la fraternité promises. Il y avait une déception générale quant aux résultats et aux résultats de la révolution, une profonde insatisfaction à l'égard de la réalité environnante, qui est devenue une condition préalable à l'émergence du romantisme. Car au cœur du romantisme se trouve le principe d’insatisfaction à l’égard de l’ordre des choses existant. Cela a été suivi par l'émergence de la théorie du romantisme en Allemagne.
Comme vous le savez, la culture de l’Europe occidentale, en particulier la culture française, a eu une énorme influence sur le russe. Cette tendance s’est poursuivie jusqu’au XIXe siècle, c’est pourquoi la Grande Révolution française a également choqué la Russie. Mais il existe en outre des conditions préalables russes à l’émergence du romantisme russe. Tout d'abord ceci Guerre patriotique 1812, montrant clairement la grandeur et la force gens ordinaires. C'est au peuple que la Russie devait la victoire sur Napoléon ; le peuple était le véritable héros de la guerre. Pendant ce temps, avant et après la guerre, la majeure partie de la population, les paysans, restaient encore des serfs, voire des esclaves. Ce qui était auparavant perçu comme une injustice par les progressistes de l’époque commençait désormais à apparaître comme une injustice flagrante, contraire à toute logique et toute moralité. Mais après la fin de la guerre, Alexandre Ier non seulement n'a pas annulé servage, mais a également commencé à mener une politique beaucoup plus dure. En conséquence, un sentiment prononcé de déception et d’insatisfaction est apparu dans la société russe. C'est ainsi qu'est né le terrain de l'émergence du romantisme.
Le terme « romantisme » lorsqu’il est appliqué à un mouvement littéraire est arbitraire et imprécis. À cet égard, dès le début de son apparition, il a été interprété de différentes manières : certains pensaient qu'il venait du mot « romance », d'autres - de la poésie chevaleresque créée dans les pays parlant des langues romanes. Pour la première fois, le mot « romantisme » comme nom d'un mouvement littéraire a commencé à être utilisé en Allemagne, où la première théorie suffisamment détaillée du romantisme a été créée.
Le concept de doubles mondes romantiques est très important pour comprendre l’essence du romantisme. Comme déjà mentionné, le rejet, le déni de la réalité est la principale condition préalable à l'émergence du romantisme. Tous les romantiques rejettent le monde qui les entoure, d’où leur évasion romantique de la vie existante et la recherche d’un idéal en dehors de celle-ci. Cela a donné lieu à l’émergence d’un double monde romantique. Pour les romantiques, le monde était divisé en deux parties : ici et là-bas. « Là » et « ici » sont une antithèse (opposition), ces catégories sont corrélées comme idéal et réalité. L’« ici » méprisé est la réalité moderne, où triomphent le mal et l’injustice. « Là » est une sorte de réalité poétique, que les romantiques opposaient à la réalité réelle. De nombreux romantiques croyaient que la bonté, la beauté et la vérité, exclues de la vie publique, étaient encore préservées dans l'âme des gens. D'où leur attention au monde intérieur d'une personne, un psychologisme approfondi. Les âmes des gens sont leur « là-bas ». Par exemple, Joukovski cherchait « là-bas » dans l’autre monde ; Pouchkine et Lermontov, Fenimore Cooper - dans la vie libre des peuples non civilisés (poème de Pouchkine " Prisonnier du Caucase", "Tsiganes", romans de Cooper sur la vie indienne).
Le rejet et le déni de la réalité ont déterminé les spécificités du héros romantique. Il s’agit d’un héros fondamentalement nouveau ; la littérature précédente n’a jamais rien vu de pareil. Il entretient une relation hostile avec la société environnante et s'y oppose. C'est une personne extraordinaire, agitée, le plus souvent seule et avec destin tragique. Le héros romantique est l’incarnation de la rébellion romantique contre la réalité.
LE RÉALISME(du latin realis - matériel, réel) - une méthode (attitude créatrice) ou une direction littéraire qui incarne les principes d'une attitude véridique envers la réalité, visant à connaissances artistiques l'homme et le monde. Le terme « réalisme » est souvent utilisé dans deux sens : 1) le réalisme en tant que méthode ; 2) le réalisme comme tendance formée au 19ème siècle. Le classicisme, le romantisme et le symbolisme aspirent à la connaissance de la vie et expriment leurs réactions à leur manière, mais ce n'est que dans le réalisme que la fidélité à la réalité devient le critère déterminant de l'art. Cela distingue par exemple le réalisme du romantisme, qui se caractérise par un rejet de la réalité et le désir de la « recréer », plutôt que de l’afficher telle qu’elle est. Ce n'est pas un hasard si, se tournant vers le réaliste Balzac, le romantique George Sand a défini la différence entre lui et elle : « Vous prenez une personne telle qu'elle apparaît à vos yeux ; Je ressens en moi un appel à le représenter tel que j’aimerais le voir. Ainsi, on peut dire que les réalistes représentent le réel et que les romantiques représentent le désiré.
Le début de la formation du réalisme est généralement associé à la Renaissance. Le réalisme de cette époque se caractérise par l'ampleur des images (Don Quichotte, Hamlet) et la poétisation de la personnalité humaine, la perception de l'homme comme roi de la nature, couronne de la création. La prochaine étape est le réalisme pédagogique. Dans la littérature des Lumières apparaît un héros réaliste et démocratique, un homme « du bas » (par exemple, Figaro dans les pièces de Beaumarchais « Le Barbier de Séville » et « Les Noces de Figaro »). De nouveaux types de romantisme apparaissent au XIXe siècle : le réalisme « fantastique » (Gogol, Dostoïevski), « grotesque » (Gogol, Saltykov-Shchedrin) et « critique » associé aux activités de « l'école naturelle ».
Les principales exigences du réalisme : adhésion aux principes de nationalité, d'historicisme, de haut talent artistique, de psychologisme, représentation de la vie dans son développement. Les écrivains réalistes ont montré la dépendance directe des idées sociales, morales et religieuses des héros aux conditions sociales, grande attention accordée à l'aspect social et quotidien. Problème central réalisme - la relation entre plausibilité et vérité artistique. La plausibilité, une représentation plausible de la vie est très importante pour les réalistes, mais la vérité artistique n'est pas déterminée par la plausibilité, mais par la fidélité dans la compréhension et la transmission de l'essence de la vie et de la signification des idées exprimées par l'artiste. L'une des caractéristiques les plus importantes du réalisme est la typification des personnages (la fusion du typique et de l'individuel, de l'uniquement personnel). Le pouvoir de persuasion d'un personnage réaliste dépend directement du degré d'individualisation atteint par l'écrivain.
Les écrivains réalistes créent de nouveaux types de héros : le type du « petit homme » (Vyrin, Bashmachki n, Marmeladov, Devushkin), le « personne supplémentaire"(Chatsky, Onéguine, Pechorin, Oblomov), le type de "nouveau" héros (le nihiliste de Tourgueniev, Bazarov, le "nouveau peuple" de Tchernychevski).
MODERNISME(du français moderne- le plus récent, moderne) - un mouvement philosophique et esthétique dans la littérature et l'art né au tournant des XIXe et XXe siècles.
Ce terme a différentes interprétations:
1) désigne un certain nombre de mouvements non réalistes dans l'art et la littérature au tournant des XIXe-XXe siècles : symbolisme, futurisme, acméisme, expressionnisme, cubisme, imagisme, surréalisme, abstractionnisme, impressionnisme ;
2) est utilisé comme symbole des recherches esthétiques des artistes des mouvements non réalistes ;
3) désigne un complexe complexe de phénomènes esthétiques et idéologiques, comprenant non seulement les mouvements modernistes eux-mêmes, mais aussi le travail d'artistes qui ne s'intègrent complètement dans le cadre d'aucun mouvement (D. Joyce, M. Proust, F. Kafka et autres ).
Les directions les plus frappantes et les plus significatives du modernisme russe étaient le symbolisme, l'acméisme et le futurisme.
SYMBOLISME - un mouvement non réaliste dans l'art et la littérature des années 1870 aux années 1920, axé principalement sur l'expression artistique à travers le symbole d'entités et d'idées intuitivement comprises. Le symbolisme s'est fait connaître en France dans les années 1860-1870 dans les œuvres poétiques de A. Rimbaud, P. Verlaine, S. Mallarmé. Puis, à travers la poésie, le symbolisme s’est associé non seulement à la prose et au théâtre, mais aussi à d’autres formes d’art. L'ancêtre, fondateur, « père » du symbolisme est considéré comme écrivain français C. Baudelaire.
La vision du monde des artistes symbolistes repose sur l'idée de l'inconnaissabilité du monde et de ses lois. Ils considéraient l'expérience spirituelle de l'homme et l'intuition créatrice de l'artiste comme le seul « outil » pour comprendre le monde.
Le symbolisme a été le premier à proposer l’idée decréer de l’art, libéré de la tâche de représenter la réalité. Les symbolistes affirmaient que le but de l’art n’était pas de représenter le monde réel, qu’ils considéraient comme secondaire, mais de transmettre une « réalité supérieure ». Ils avaient l'intention d'y parvenir à l'aide d'un symbole. Le symbole est une expression de l’intuition suprasensible du poète, à qui, dans les moments de perspicacité, véritable essence de choses. Les symbolistes ont développé un nouveau langage poétique qui ne nommait pas directement l'objet, mais faisait allusion à son contenu à travers l'allégorie, la musicalité, les couleurs et le vers libre.
Le symbolisme est le premier et le plus important des mouvements modernistes apparus en Russie. Le premier manifeste du symbolisme russe fut l'article de D. S. Merezhkovsky « Sur les causes du déclin et les nouvelles tendances de la littérature russe moderne », publié en 1893. Il a identifié trois éléments principaux du « nouvel art » : contenu mystique, symbolisation et « expansion de l’impressionnabilité artistique ».
Les symbolistes sont généralement divisés en deux groupes, ou mouvements :
1) symbolistes « seniors » (V. Bryusov, K. Balmont, D. Merezhkovsky, Z. Gippius, F. Sologub
et autres), qui a fait ses débuts dans les années 1890 ;
2) des symbolistes « plus jeunes » qui ont commencé leur activité créatrice dans les années 1900 et ont considérablement modernisé l'apparence du mouvement (A. Blok, A. Bely, V. Ivanov et autres).
Il convient de noter que les symbolistes « seniors » et « plus jeunes » n'étaient pas tant séparés par l'âge que par la différence de visions du monde et l'orientation de la créativité.
Les symbolistes croyaient que l’art est avant tout « compréhension du monde par d'autres moyens non rationnels"(Bruussov). Après tout, seuls les phénomènes soumis à la loi de la causalité linéaire peuvent être compris rationnellement, et une telle causalité n'opère que dans les formes de vie inférieures (réalité empirique, vie quotidienne). Les symbolistes s'intéressaient aux sphères supérieures de la vie (le domaine des « idées absolues » selon Platon ou « l'âme du monde », selon V. Solovyov), non soumises à la connaissance rationnelle. C'est l'art qui a la capacité de pénétrer dans ces sphères, et les images symboliques avec leur polysémie sans fin sont capables de refléter toute la complexité de l'univers mondial. Les symbolistes croyaient que la capacité de comprendre la réalité véritable et la plus élevée n'était donnée qu'à quelques privilégiés qui, dans des moments de perspicacité inspirée, sont capables de comprendre la vérité « la plus élevée », la vérité absolue.
L'image-symbole était considérée par les symbolistes comme plus efficace que image artistique, un outil qui aide à « percer » le voile de la vie quotidienne (vie inférieure) vers une réalité supérieure. Depuis image réaliste le symbole diffère en ce qu’il transmet non pas l’essence objective du phénomène, mais la propre idée individuelle du poète du monde. De plus, un symbole, tel que l'entendaient les symbolistes russes, n'est pas une allégorie, mais avant tout une image qui nécessite une réponse créative de la part du lecteur. Le symbole, pour ainsi dire, relie l'auteur et le lecteur - c'est la révolution provoquée par le symbolisme dans l'art.
L’image-symbole est fondamentalement polysémantique et contient la perspective d’un développement illimité des significations. Cette caractéristique a été soulignée à plusieurs reprises par les symbolistes eux-mêmes : « Un symbole n'est un vrai symbole que lorsqu'il est inépuisable dans sa signification » (Vyach. Ivanov) ; « Le symbole est une fenêtre sur l'infini » (F. Sologub).
ACMEISME(du grec acte- le plus haut degré de quelque chose, la puissance épanouie, le sommet) - un mouvement littéraire moderniste dans la poésie russe des années 1910. Représentants : S. Gorodetsky, ancien A. Akhmatova, JI. Goumilev, O. Mandelstam. Le terme « acméisme » appartient à Gumilyov. Le programme esthétique a été formulé dans les articles de Gumilyov « L'héritage du symbolisme et de l'acméisme », de Gorodetsky « Quelques tendances de la poésie russe moderne » et de Mandelstam « Le matin de l'acméisme ».
L'acméisme se démarque du symbolisme en critiquant ses aspirations mystiques vers « l'inconnaissable » : « Avec les acméistes, la rose redevint bonne en elle-même, avec ses pétales, son odeur et sa couleur, et non avec ses ressemblances imaginables avec l'amour mystique ou autre chose. » (Gorodetski) . Les Acméistes proclamaient la libération de la poésie des pulsions symbolistes vers l'idéal, de la polysémie et de la fluidité des images, des métaphores compliquées ; ils parlaient de la nécessité de revenir au monde matériel, à l'objet, au sens exact du mot. Le symbolisme est basé sur le rejet de la réalité, et les Acmeists croyaient qu'il ne fallait pas abandonner ce monde, il fallait y rechercher des valeurs et les capturer dans leurs œuvres, et ce à l'aide d'images précises et compréhensibles, et pas de vagues symboles.
Le mouvement acméiste lui-même était peu nombreux, n'a pas duré longtemps - environ deux ans (1913-1914) - et était associé à « l'Atelier des poètes ». L'« Atelier des poètes » a été créé en 1911 et a d'abord réuni un assez grand nombre de personnes (tous ne se sont pas ensuite engagés dans l'acméisme). Cette organisation était bien plus unie que les groupes symbolistes dispersés. Lors des réunions « Atelier », des poèmes ont été analysés, des problèmes de maîtrise poétique ont été résolus et des méthodes d'analyse des œuvres ont été justifiées. L'idée d'une nouvelle direction de la poésie a été exprimée pour la première fois par Kuzmin, bien qu'il n'ait pas lui-même été inclus dans « l'Atelier ». Dans son article « Sur la belle clarté », Kuzmin anticipait de nombreuses déclarations d'acméisme. En janvier 1913 paraissent les premiers manifestes de l’acméisme. A partir de ce moment commence l'existence d'une nouvelle direction.
L'acméisme proclamait la « belle clarté », ou clarisme (de Lat. clarus- clair). Les Acmeists ont appelé leur mouvement Adamisme, associant à l'Adam biblique l'idée d'une vision claire et directe du monde. L'acméisme prêchait un langage poétique clair et « simple », où les mots nommeraient directement les objets et déclareraient leur amour pour l'objectivité. Ainsi, Goumilyov a appelé à rechercher non pas des « mots fragiles », mais des mots « au contenu plus stable ». Ce principe a été mis en œuvre de la manière la plus cohérente dans les paroles d’Akhmatova.
FUTURISME - l'un des principaux mouvements d'avant-garde (l'avant-garde est une manifestation extrême du modernisme) de l'art européen du début du XXe siècle, qui a reçu le plus grand développement en Italie et en Russie.
En 1909, en Italie, le poète F. Marinetti publie le « Manifeste du futurisme ». Les principales dispositions de ce manifeste : le rejet des valeurs esthétiques traditionnelles et l'expérience de toute la littérature antérieure, des expériences audacieuses dans le domaine de la littérature et de l'art. Marinetti cite « le courage, l'audace, la rébellion » comme les principaux éléments de la poésie futuriste. En 1912, les futuristes russes V. Mayakovsky, A. Kruchenykh et V. Khlebnikov ont créé leur manifeste « Une gifle au goût du public ». Ils cherchent également à rompre avec la culture traditionnelle, accueillent favorablement les expérimentations littéraires et cherchent de nouveaux moyens d'expression de la parole (proclamation d'un nouveau rythme libre, assouplissement de la syntaxe, destruction des signes de ponctuation). Dans le même temps, les futuristes russes rejetaient le fascisme et l'anarchisme, déclarés par Marinetti dans ses manifestes, et se tournaient principalement vers des problèmes esthétiques. Ils proclamaient une révolution dans la forme, son indépendance par rapport au contenu (« ce n’est pas ce qui est important, mais comment ») et la liberté absolue du discours poétique.
Le futurisme était un mouvement hétérogène. Dans ce cadre, quatre grands groupes ou mouvements peuvent être distingués :
1) « Gilea », qui réunissait les Cubo-Futuristes (V. Khlebnikov, V. Mayakovsky, A. Kruchenykh et autres) ;
2) « Association des ego-futuristes » (I. Severyanin, I. Ignatiev et autres) ;
3) « Mezzanine de la poésie » (V. Shershenevich, R. Ivnev) ;
4) « Centrifugeuse » (S. Bobrov, N. Aseev, B. Pasternak).
Le groupe le plus important et le plus influent était « Gilea » : en fait, c’est lui qui a déterminé le visage du futurisme russe. Ses membres ont sorti de nombreux recueils : « The Judges' Tank » (1910), « A Slap in the Face of Public Taste » (1912), « Dead Moon » (1913), « Took » (1915).
Les futuristes ont écrit au nom de l’homme de la foule. Au cœur de ce mouvement se trouvait le sentiment de « l’effondrement inévitable des choses anciennes » (Maïakovski), la conscience de la naissance d’une « humanité nouvelle ». La créativité artistique, selon les futuristes, aurait dû devenir non pas une imitation, mais une continuation de la nature, qui, grâce à la volonté créatrice de l'homme, crée " nouveau monde, aujourd’hui, le fer… » (Malevitch). Cela détermine le désir de détruire la forme « ancienne », le désir de contrastes et l'attrait pour le discours familier. S'appuyant sur une langue parlée vivante, les futuristes se sont engagés dans la « création de mots » (création de néologismes). Leurs œuvres se distinguaient par des changements sémantiques et compositionnels complexes - le contraste du comique et du tragique, du fantastique et du lyrisme.
Le futurisme a commencé à se désintégrer dès 1915-1916.
Réalisme socialiste(réalisme socialiste) est une méthode de vision du monde de la créativité artistique, utilisée dans l'art de l'Union soviétique, puis dans d'autres pays socialistes, introduite dans la créativité artistique au moyen de la politique de l'État, y compris la censure, et chargée de résoudre les problèmes de construction du socialisme. .
Il fut approuvé en 1932 par les autorités du parti dans les domaines littéraire et artistique.
Parallèlement, il y avait de l'art non officiel.
· représentation artistique de la réalité « avec précision, conformément aux développements révolutionnaires historiques spécifiques ».
· harmonisation de la créativité artistique avec les idées du marxisme-léninisme, participation active des travailleurs à la construction du socialisme, affirmation du rôle dirigeant du Parti communiste.
Lounatcharski fut le premier écrivain à en poser les bases idéologiques. Dès 1906, il introduisit le concept de « réalisme prolétarien ». Dans les années vingt, en relation avec ce concept, il a commencé à utiliser le terme « nouveau réalisme social » et au début des années trente, il a consacré un cycle d'articles programmatiques et théoriques publiés dans les Izvestia.
Le terme « réalisme socialiste » a été proposé pour la première fois par le président du comité d'organisation de l'URSS SP I. Gronsky dans « Journal littéraire"23 mai 1932. Elle est née de la nécessité d'orienter le RAPP et l'avant-garde vers le développement artistique de la culture soviétique. À cet égard, la reconnaissance du rôle traditions classiques et la compréhension des nouvelles qualités du réalisme. En 1932-1933 Gronsky et chef. Le secteur fiction du Comité central du Parti communiste des bolcheviks de toute l'Union, V. Kirpotin, a vigoureusement promu ce terme [ source non précisée 530 jours] .
Le 1er Congrès pansyndical En 1934, les écrivains soviétiques Maxim Gorki déclaraient :
« Le réalisme socialiste affirme l'être comme un acte, comme une créativité dont le but est le développement continu des capacités individuelles les plus précieuses de l'homme pour sa victoire sur les forces de la nature, pour sa santé et sa longévité, pour le bien de sa santé et de sa longévité. du grand bonheur de vivre sur la terre, qu'il veut, selon la croissance continue de ses besoins, traiter l'ensemble comme une belle demeure pour l'humanité unie en une seule famille.
L'État devait approuver cette méthode comme étant la principale pour un meilleur contrôle sur les individus créatifs et une meilleure propagande de sa politique. Dans la période précédente, les années vingt existaient écrivains soviétiques, qui a parfois pris des positions agressives envers de nombreux écrivains marquants. Par exemple, le RAPP, une organisation d’écrivains prolétariens, s’est activement engagé dans la critique des écrivains non-prolétaires. Le RAPP était principalement composé d'écrivains en herbe. À l’époque de la création de l’industrie moderne (les années d’industrialisation), le pouvoir soviétique avait besoin d’un art qui élève le peuple vers des « actes de travail ». Les beaux-arts des années 1920 présentaient également un tableau plutôt hétéroclite. Plusieurs groupes y ont émergé. Le groupe le plus important était l'Association des Artistes de la Révolution. Ils ont représenté aujourd'hui : la vie des soldats de l'Armée rouge, des ouvriers, des paysans, des dirigeants de la révolution et du travail. Ils se considéraient comme les héritiers des « Itinérants ». Ils se sont rendus dans les usines, les moulins et les casernes de l’Armée rouge pour observer directement la vie de leurs personnages, pour la « dessiner ». Ce sont eux qui sont devenus la principale colonne vertébrale des artistes du « réalisme socialiste ». C'était beaucoup plus difficile pour les maîtres moins traditionnels, en particulier les membres de l'OST (Société des peintres de chevalet), qui regroupait des jeunes diplômés de la première université d'art soviétique. source non précisée 530 jours] .
Gorki est revenu d'exil lors d'une cérémonie solennelle et a dirigé l'Union des écrivains de l'URSS spécialement créée, qui comprenait principalement des écrivains et des poètes d'orientation soviétique.
D'abord définition officielle réalisme socialiste donnée dans la Charte du SP de l'URSS, adoptée lors du premier congrès du SP :
Le réalisme socialiste, étant la principale méthode de fiction et de critique littéraire soviétique, exige de l'artiste qu'il fournisse une représentation véridique et historiquement spécifique de la réalité dans son développement révolutionnaire. De plus, la véracité et la spécificité historique image artistique la réalité doit être combinée avec la tâche de remodelage idéologique et d’éducation dans l’esprit du socialisme.
Cette définition est devenue le point de départ de toutes les interprétations ultérieures jusque dans les années 80.
« Réalisme socialiste est une méthode artistique profondément vitale, scientifique et la plus avancée, développée à la suite des succès de la construction et de l'éducation socialistes. peuple soviétique dans l'esprit du communisme. Les principes du réalisme socialiste... sont apparus la poursuite du développement L’enseignement de Lénine sur la partisanerie de la littérature. (Grande Encyclopédie Soviétique, 1947)
Lénine exprimait ainsi l’idée selon laquelle l’art devait se tenir du côté du prolétariat :
« L'art appartient au peuple. Les sources les plus profondes de l’art se trouvent parmi la large classe des travailleurs… L’art doit se fonder sur leurs sentiments, leurs pensées et leurs exigences et doit grandir avec eux.
Plan.
2. Méthode artistique.
Orientations et tendances littéraires. Écoles littéraires.
4. Principes de représentation artistique en littérature.
Le concept du processus littéraire. Concepts de périodisation du processus littéraire.
Le processus littéraire est le processus d'évolution de la littérature au fil du temps.
Dans la critique littéraire soviétique, le concept principal développement littéraire il y avait une idée d'un changement dans les méthodes créatives. La méthode a été décrite comme une manière pour l'artiste de refléter la réalité extralittéraire. L’histoire de la littérature a été décrite comme le développement cohérent de la méthode réaliste. L'accent principal était mis sur le dépassement du romantisme, sur l'éducation forme la plus élevée réalisme - réalisme socialiste.
Une conception plus cohérente du développement de la littérature mondiale a été construite par l'académicien N.F. Conrad, qui a également défendu le mouvement en avant de la littérature. Ce mouvement ne reposait pas sur un changement méthodes littéraires, mais l'idée de découvrir l'homme comme la valeur la plus élevée (idée humaniste). Dans son ouvrage « Occident et Orient », Conrad est arrivé à la conclusion que les concepts de « Moyen Âge » et de « Renaissance » sont universels pour toutes les littératures. La période de l’Antiquité cède la place au Moyen Âge, puis à la Renaissance, puis aux temps modernes. À chaque période ultérieure, la littérature se concentre de plus en plus sur la représentation de l’homme en tant que tel et prend de plus en plus conscience de la valeur intrinsèque de la personnalité humaine.
Le concept de l'académicien D.S. Likhachev est similaire, selon lequel la littérature du Moyen Âge russe s'est développée dans le sens du renforcement du principe personnel. Grands styles de l'époque (style roman, style gothique) aurait dû être progressivement remplacé par les styles individuels de l'auteur (style Pouchkine).
Concept le plus objectif de l'académicien S.S. Averintsev, il donne une large portée à la vie littéraire, y compris la modernité. Ce concept repose sur l'idée de réflexivité et de traditionalisme de la culture. Le scientifique identifie trois grandes périodes dans l'histoire de la littérature :
1. La culture peut être irréfléchie et traditionnelle (la culture de l'Antiquité, en Grèce - jusqu'au 5ème siècle avant JC. La non-réflexivité signifie que les phénomènes littéraires ne sont pas compris, non). théorie littéraire, les auteurs ne réfléchissent pas (n'analysent pas leur créativité).
2. la culture peut être réflexive, mais traditionnelle (du 5ème siècle avant JC - à nouvelle ère). Durant cette période émergent la rhétorique, la grammaire et la poétique (réflexion sur le langage, le style, la créativité). La littérature était traditionnelle, il y avait un système de genres stable.
3. La dernière période, qui dure encore. La réflexion est préservée, la tradition est brisée. Les écrivains réfléchissent, mais créent de nouvelles formes. Le début a été fait par le genre du roman.
Les changements dans l'histoire de la littérature peuvent être de nature progressive, évolutive, régressive et involutive.
Méthode artistique
La méthode artistique est une manière de maîtriser et d'afficher le monde, un ensemble de principes créatifs de base pour le reflet figuratif de la vie. La méthode peut être considérée comme la structure de la pensée artistique de l’écrivain, qui détermine son approche de la réalité et sa reconstruction à la lumière d’un certain idéal esthétique. La méthode s'incarne dans le contenu de l'œuvre littéraire. Grâce à la méthode, nous comprenons ces principes créatifs, grâce auquel l'écrivain reproduit la réalité : sélection, évaluation, typification (généralisation), incarnation artistique des personnages, phénomènes de la vie en réfraction historique. La méthode se manifeste dans la structure des pensées et des sentiments des héros d'une œuvre littéraire, dans les motivations de leur comportement et de leurs actions, dans la relation des personnages et des événements, dans la correspondance du chemin de vie et des destinées des personnages avec le circonstances socio-historiques de l'époque.
Le concept de « méthode » (du gr. « chemin de recherche ») désigne « le principe général de l'attitude créatrice de l'artiste envers la réalité connaissable, c'est-à-dire sa recréation ». Il s’agit d’une sorte de manière de comprendre la vie qui a changé au cours de différentes époques historiques et littéraires. Selon certains scientifiques, la méthode est à la base des tendances et des orientations et représente cette méthode d'exploration esthétique de la réalité inhérente aux œuvres d'une certaine direction. La méthode est une catégorie esthétique et profondément significative.
Le problème de la méthode de représentation de la réalité a été reconnu pour la première fois dans l’Antiquité et a été pleinement incarné dans l’œuvre « Poétique » d’Aristote sous le nom de « théorie de l’imitation ». L'imitation, selon Aristote, est la base de la poésie et son objectif est de recréer le monde semblable au monde réel, ou, plus précisément, tel qu'il pourrait être. L'autorité de cette théorie est restée jusqu'à la fin du XVIIIe siècle, lorsque les romantiques ont proposé une approche différente (ayant également ses racines dans l'Antiquité, plus précisément dans l'hellénisme) - la recréation de la réalité conformément à la volonté de l'auteur, et non avec les lois de « l’univers ». Ces deux concepts, selon la critique littéraire soviétique du milieu du XXe siècle, sous-tendent deux « types de créativité » - « réaliste » et « romantique », au sein desquels les « méthodes » du classicisme, du romantisme, des différents types de réalisme et du modernisme ajuster.
Concernant le problème de la relation entre méthode et direction, il est nécessaire de prendre en compte que la méthode en tant que principe général de réflexion figurative de la vie diffère de la direction en tant que phénomène historiquement spécifique. Par conséquent, si telle ou telle direction est historiquement unique, alors la même méthode, en tant que large catégorie du processus littéraire, peut être répétée dans les œuvres d'écrivains d'époques et de peuples différents, et donc de directions et de tendances différentes.
Orientations et tendances littéraires. Écoles littéraires
Ks.A. Polevoy fut le premier dans la critique russe à appliquer le mot « direction » à certaines étapes du développement de la littérature. Dans l'article « Sur les tendances et les partis de la littérature », il qualifie de direction « cette tendance interne de la littérature, souvent invisible aux yeux des contemporains, qui donne du caractère à toutes ou du moins à un très grand nombre de ses œuvres à un moment donné... Sa base , dans dans un sens général, il y a une idée de l’ère moderne. Pour la « vraie critique » - N.G. Chernyshevsky, N.A. Dobrolyubov - la direction était en corrélation avec la position idéologique de l'écrivain ou du groupe d'écrivains. En général, la direction était comprise comme une variété de communautés littéraires. Mais le trait principal qui les unit est que l'unité du plus principes généraux incarnation du contenu artistique, communauté des fondements profonds de la vision artistique du monde. Il n'existe pas de liste fixe de tendances littéraires, puisque le développement de la littérature est lié aux spécificités de la vie historique, culturelle et sociale de la société et aux caractéristiques nationales et régionales d'une littérature particulière. Cependant, il existe traditionnellement des tendances telles que le classicisme, le sentimentalisme, le romantisme, le réalisme et le symbolisme, chacune étant caractérisée par son propre ensemble de caractéristiques formelles et de contenu.
Peu à peu, à côté de « direction », entre en circulation le terme « flux », souvent utilisé comme synonyme de « direction ». Ainsi, D.S. Merezhkovsky, dans un article détaillé « Sur les causes du déclin et les nouvelles tendances de la littérature russe moderne » (1893), écrit qu'« entre des écrivains aux tempéraments différents, parfois opposés, des courants mentaux particuliers, un air particulier s'établit , comme entre des pôles opposés, plein de tendances créatives." La « direction » est souvent reconnue comme un concept générique par rapport au « flux ».
Le terme « mouvement littéraire » fait généralement référence à un groupe d’écrivains liés par une position idéologique et des principes artistiques communs au sein d’une même direction ou d’un même mouvement artistique. Donc le modernisme... Nom commun différents groupes dans l'art et la littérature du XXe siècle, qui se distingue par une rupture avec les traditions classiques et la recherche de nouvelles principes esthétiques, une nouvelle approche de la représentation de l'existence, comprend des mouvements tels que l'impressionnisme, l'expressionnisme, le surréalisme, l'existentialisme, l'acméisme, le futurisme, l'imagisme, etc.
L'appartenance des artistes à une direction ou à un mouvement n'exclut pas de profondes différences dans leurs personnalités créatrices. À son tour, dans la créativité individuelle des écrivains, les caractéristiques de divers mouvements et mouvements littéraires peuvent apparaître.
Un mouvement est une unité plus petite du processus littéraire, souvent au sein d'un mouvement, caractérisé par son existence dans une certaine période historique et, en règle générale, par sa localisation dans une certaine littérature. Souvent, la communauté des principes artistiques dans un flux se forme « système artistique" Ainsi, dans le cadre du classicisme français, deux mouvements se distinguent. L'une s'appuie sur la tradition de la philosophie rationaliste de R. Descartes (« rationalisme cartésien »), qui comprend les travaux de P. Corneille, J. Racine, N. Boileau. Un autre mouvement, basé principalement sur la philosophie sensualiste de P. Gassendi, s'exprime dans les principes idéologiques d'écrivains tels que J. Lafontaine, J. B. Molière. De plus, les deux mouvements diffèrent par le système de moyens artistiques utilisés. Dans le romantisme, on distingue souvent deux mouvements principaux : « progressiste » et « conservateur », mais il existe d'autres classifications.
Les orientations et courants doivent être distingués des écoles littéraires (et des groupes littéraires). Une école littéraire est une petite association d'écrivains fondée sur des principes artistiques communs, formulés théoriquement - dans des articles, des manifestes, des déclarations scientifiques et journalistiques, formalisés sous forme de « statuts » et de « règles ». Souvent, une telle association d'écrivains a un chef, le « chef de l'école » (« école Shchedrin », poètes de « l'école Nekrasov »).
En règle générale, les écrivains qui ont créé un certain nombre de phénomènes littéraires Avec haut degré points communs - même au point de points communs de thème, de style, de langage.
Contrairement au mouvement, qui n’est pas toujours formalisé par des manifestes, déclarations et autres documents reflétant ses principes de base, l’école se caractérise presque toujours par de tels discours. Ce qui y est important, ce n'est pas seulement la présence de principes artistiques communs partagés par les écrivains, mais aussi la conscience théorique de leur appartenance à l'école.
De nombreuses associations d'écrivains, appelées écoles, portent le nom du lieu de leur existence, bien que la similitude des principes artistiques des écrivains de ces associations ne soit pas si évidente. Par exemple, la « Lake School », du nom de l’endroit où elle est née (nord-ouest de l’Angleterre, Lake District), était composée de poètes romantiques qui n’étaient pas d’accord les uns avec les autres sur tout.
Le concept d’« école littéraire » est avant tout historique et non typologique. Outre les critères d'unité de temps et de lieu d'existence de l'école, de présence de manifestes, de déclarations et de pratiques artistiques similaires, les cercles littéraires sont souvent des groupes littéraires unis par un « leader » qui a des adeptes qui successivement le développent ou le copient. principes artistiques. Un groupe de poètes religieux anglais du début du XVIIe siècle a formé l'école Spenser.
Il convient de noter que le processus littéraire ne se limite pas à la coexistence et à la lutte de groupes littéraires, d’écoles, de mouvements et de tendances. L’envisager ainsi revient à schématiser la vie littéraire de l’époque et à appauvrir l’histoire de la littérature. Les orientations, les tendances, les écoles ne sont, selon les mots de V.M. Zhirmunsky, « ni des étagères ni des boîtes », « sur lesquelles nous « disposons » les poètes ». "Si un poète, par exemple, est un représentant de l'ère du romantisme, cela ne veut pas dire qu'il ne peut y avoir de tendances réalistes dans son œuvre."
Le processus littéraire est un phénomène complexe et diversifié, c'est pourquoi il convient d'opérer avec une extrême prudence avec des catégories telles que « flux » et « direction ». En plus d'eux, les scientifiques utilisent d'autres termes lorsqu'ils étudient le processus littéraire, par exemple le style.
Le style est traditionnellement inclus dans la section « Théories de la littérature ». Le terme « style » lui-même, lorsqu'il est appliqué à la littérature, a plusieurs significations : le style de l'œuvre ; le style créatif de l'écrivain, ou le style individuel (par exemple, le style poétique de N.A. Nekrasov) ; le style d'un mouvement littéraire, d'un mouvement, d'une méthode (par exemple, le style du symbolisme) ; le style comme un ensemble d'éléments stables forme artistique, déterminé par les caractéristiques générales de la vision du monde, du contenu, traditions nationales inhérent à la littérature et à l'art d'une certaine époque historique (le style du réalisme russe de la seconde moitié du XIXe siècle).
Au sens étroit, le style s'entend comme une manière d'écrire, des caractéristiques de la structure poétique d'une langue (vocabulaire, phraséologie, moyens figuratifs et expressifs, structures syntaxiques, etc.). Au sens large, le style est un concept utilisé dans de nombreuses sciences : critique littéraire, critique d'art, linguistique, études culturelles, esthétique. Ils parlent du style de travail, du style de comportement, du style de pensée, du style de leadership, etc.
Les facteurs de formation du style dans la littérature sont le contenu idéologique, les composants de la forme qui expriment spécifiquement le contenu ; Cela inclut également la vision du monde, qui est associée à la vision du monde de l’écrivain, à sa compréhension de l’essence des phénomènes et de l’homme. L'unité stylistique comprend la structure de l'œuvre (composition), l'analyse des conflits, leur évolution dans l'intrigue, le système d'images et les manières de révéler les personnages et le pathétique de l'œuvre. Le style, en tant que principe unificateur et organisateur artistique de l'ensemble de l'œuvre, inclut même la méthode des croquis de paysage. Tout cela est du style au sens large du terme. Le caractère unique de la méthode et du style exprime les particularités de la direction et du mouvement littéraires.
Sur la base des caractéristiques de l'expression stylistique, ils jugent le héros littéraire (les attributs de son apparence et de son comportement sont pris en compte), l'appartenance du bâtiment à une époque particulière du développement de l'architecture (style Empire, style gothique, Art Nouveau style, etc.), et les spécificités de la représentation de la réalité dans la littérature d'une formation historique spécifique (dans. littérature russe ancienne- le style de l'historicisme médiéval monumental, le style épique des XIe-XIIIe siècles, le style expressif-émotionnel des XIVe-XVe siècles, le style baroque de la seconde moitié du XVIIe siècle, etc.). Personne aujourd'hui ne sera surpris par les expressions « style de jeu », « style de vie », « style de leadership », « style de travail », « style de construction », « style de mobilier », etc., et chaque temps, ainsi qu'un sens culturel général, Ces formules stables ont un sens évaluatif spécifique (par exemple, « Je préfère ce style vestimentaire » - contrairement à d'autres, etc.).
Le style en littérature est un ensemble de moyens d'expression appliqués de manière fonctionnelle, découlant de la connaissance des lois générales de la réalité, réalisés par la relation de tous les éléments de la poétique d'une œuvre afin de créer une impression artistique unique.
2) SentimentalismeLe sentimentalisme est un mouvement littéraire qui reconnaît le sentiment comme le principal critère de la personnalité humaine. Le sentimentalisme est apparu en Europe et en Russie à peu près simultanément, dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, comme contrepoids à la théorie classique rigide qui dominait à cette époque.
Le sentimentalisme était étroitement associé aux idées des Lumières. Il a donné la priorité aux manifestations qualités spirituelles l'homme, l'analyse psychologique, cherchait à éveiller dans le cœur des lecteurs une compréhension de la nature humaine et un amour pour elle, ainsi qu'une attitude humaine envers tous les faibles, souffrants et persécutés. Les sentiments et les expériences d'une personne méritent l'attention quelle que soit son affiliation de classe - l'idée d'égalité universelle des personnes.
Les principaux genres du sentimentalisme :
histoire
élégie
roman
des lettres
voyages
mémoires
L'Angleterre peut être considérée comme le berceau du sentimentalisme. Les poètes J. Thomson, T. Gray et E. Jung ont tenté d'éveiller chez les lecteurs l'amour de la nature environnante, décrivant dans leurs œuvres des paysages ruraux simples et paisibles, une sympathie pour les besoins des pauvres. Un représentant éminent du sentimentalisme anglais était S. Richardson. Il a mis l'analyse psychologique au premier plan et a attiré l'attention des lecteurs sur le sort de ses héros. L'écrivain Lawrence Stern a prêché l'humanisme comme la plus haute valeur humaine.
Dans la littérature française, le sentimentalisme est représenté par les romans de l'abbé Prévost, P. C. de Chamblen de Marivaux, J.-J. Rousseau, A.B. de Saint-Pierre.
Dans la littérature allemande - les œuvres de F. G. Klopstock, F. M. Klinger, I. V. Goethe, I. F. Schiller, S. Laroche.
Le sentimentalisme est entré dans la littérature russe avec des traductions d'œuvres de sentimentalistes d'Europe occidentale. Les premières œuvres sentimentales de la littérature russe peuvent être appelées « Voyage de Saint-Pétersbourg à Moscou » d'A.N. Radichtchev, « Lettres d'un voyageur russe » et « Pauvre Lisa» N.I. Karamzine.
3) Romantisme
Le romantisme est né en Europe à la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle. comme contrepoids au classicisme autrefois dominant avec son pragmatisme et son adhésion aux lois établies. Le romantisme, contrairement au classicisme, favorise les dérogations aux règles. Les conditions préalables au romantisme résident dans la Grande Révolution française de 1789-1794, qui a renversé le pouvoir de la bourgeoisie et, avec elle, les lois et les idéaux bourgeois.
Le romantisme, comme le sentimentalisme, accordait une grande attention à la personnalité d’une personne, à ses sentiments et à ses expériences. Le principal conflit du romantisme était la confrontation entre l'individu et la société. Dans le contexte du progrès scientifique et technologique et d’un système social et politique de plus en plus complexe, l’individu a été dévasté spirituellement. Les romantiques cherchaient à attirer l'attention des lecteurs sur cette circonstance, à provoquer une protestation dans la société contre le manque de spiritualité et l'égoïsme.
Les romantiques ont été déçus par le monde qui les entourait, et cette déception est clairement visible dans leurs œuvres. Certains d'entre eux, comme F. R. Chateaubriand et V. A. Zhukovsky, pensaient qu'une personne ne pouvait pas résister à des forces mystérieuses, devait s'y soumettre et ne pas essayer de changer son destin. D’autres romantiques, comme J. Byron, P. B. Shelley, S. Petofi, A. Mickiewicz et le premier A. S. Pouchkine, croyaient qu’il était nécessaire de combattre ce qu’on appelle le « mal mondial » et l’opposaient à la force de l’être humain. esprit.
Le monde intérieur du héros romantique était plein d'émotions et de passions ; tout au long de l'œuvre, l'auteur l'a forcé à combattre le monde qui l'entourait, son devoir et sa conscience. Les romantiques représentaient les sentiments dans leurs manifestations extrêmes : amour grand et passionné, trahison cruelle, envie méprisable, ambition basse. Mais les romantiques s'intéressaient non seulement au monde intérieur de l'homme, mais aussi aux secrets de l'existence, à l'essence de tous les êtres vivants, c'est peut-être pour cela qu'il y a tant de mystique et de mystérieux dans leurs œuvres.
Dans la littérature allemande, le romantisme s'exprime le plus clairement dans les œuvres de Novalis, W. Tieck, F. Hölderlin, G. Kleist, E. T. A. Hoffmann. Le romantisme anglais est représenté par les œuvres de W. Wordsworth, S. T. Coleridge, R. Southey, W. Scott, J. Keats, J. G. Byron, P. B. Shelley. En France, le romantisme n’apparaît qu’au début des années 1820. Les principaux représentants étaient F. R. Chateaubriand, J. Stael, E. P. Senancourt, P. Mérimée, V. Hugo, J. Sand, A. Vigny, A. Dumas (père).
Le développement du romantisme russe a été fortement influencé par la Grande Révolution française et la guerre patriotique de 1812. Le romantisme en Russie est généralement divisé en deux périodes - avant et après le soulèvement décembriste de 1825. Représentants de la première période (V.A. Zhukovsky, K.N. Batyushkov , A.S. Pouchkine pendant la période d'exil du sud), croyait à la victoire de la liberté spirituelle sur la vie quotidienne, mais après la défaite des décembristes, les exécutions et les exilés, le héros romantique se transforme en paria et incompris par la société, et le conflit entre l'individu et la société deviennent insolubles. Les représentants éminents de la deuxième période étaient M. Yu Lermontov, E. A. Baratynsky, D. V. Venevitinov, A. S. Khomyakov, F. I. Tyutchev.
Principaux genres du romantisme :
Élégie
Idylle
Ballade
Nouvelle
Roman
Histoire fantastique
Canons esthétiques et théoriques du romantisme
L'idée de deux mondes est une lutte entre réalité objective et vision subjective du monde. Dans le réalisme, ce concept est absent. L'idée de mondes doubles a deux modifications :
évadez-vous dans le monde fantastique;
voyage, concept routier.
Concept de héros :
le héros romantique est toujours un personnage exceptionnel ;
le héros est toujours en conflit avec la réalité environnante ;
l'insatisfaction du héros, qui se manifeste dans le ton lyrique ;
détermination esthétique vers un idéal inaccessible.
Le parallélisme psychologique est l’identité de l’état interne du héros avec la nature environnante.
Style de discours d'une œuvre romantique :
expression extrême;
le principe de contraste au niveau de la composition ;
abondance de symboles.
Catégories esthétiques du romantisme :
rejet de la réalité bourgeoise, de son idéologie et de son pragmatisme ; les romantiques niaient un système de valeurs fondé sur la stabilité, la hiérarchie, un système de valeurs strict (foyer, confort, morale chrétienne) ;
cultiver l'individualité et la vision artistique du monde ; La réalité rejetée par le romantisme était subordonnée à des mondes subjectifs fondés sur l'imagination créatrice de l'artiste.
4) Réalisme
Le réalisme est un mouvement littéraire qui reflète objectivement la réalité environnante en utilisant les moyens artistiques dont il dispose. La principale technique du réalisme est la typification des faits de la réalité, des images et des personnages. Les écrivains réalistes placent leurs héros dans certaines conditions et montrent comment ces conditions ont influencé la personnalité.
Alors que les écrivains romantiques s'inquiétaient de l'écart entre le monde qui les entourait et leur vision intérieure du monde, l'écrivain réaliste s'intéressait à la manière dont le monde qui l'entourait influençait l'individu. Les actions des héros d'œuvres réalistes sont déterminées par les circonstances de la vie, en d'autres termes, si une personne vivait à une époque différente, dans un endroit différent, dans un environnement socioculturel différent, alors elle-même serait différente.
Les bases du réalisme ont été posées par Aristote au IVe siècle. avant JC e. Au lieu du concept de « réalisme », il a utilisé le concept d'« imitation », qui lui est proche dans son sens. Le réalisme a ensuite été relancé à la Renaissance et au siècle des Lumières. Dans les années 40 19ème siècle en Europe, en Russie et en Amérique, le réalisme a remplacé le romantisme.
Selon les motifs significatifs recréés dans l'œuvre, il y a :
réalisme (social) critique ;
réalisme des personnages ;
réalisme psychologique;
réalisme grotesque.
Le réalisme critique se concentre sur les circonstances réelles qui influencent une personne. Des exemples de réalisme critique sont les travaux de Stendhal, O. Balzac, C. Dickens, W. Thackeray, A. S. Pouchkine, N. V. Gogol, I. S. Tourgueniev, F. M. Dostoïevski, L. N. Tolstoï, A. P. Tchekhov.
Le réalisme caractéristique, au contraire, montrait une forte personnalité capable de lutter contre les circonstances. Le réalisme psychologique accordait davantage d'attention au monde intérieur et à la psychologie des héros. Les principaux représentants de ces variétés de réalisme sont F. M. Dostoïevski, L. N. Tolstoï.
Dans le réalisme grotesque, les écarts par rapport à la réalité sont autorisés ; dans certaines œuvres, les écarts frisent le fantasme, et plus le grotesque est grand, plus l'auteur critique fortement la réalité. Le réalisme grotesque s'est développé dans les œuvres d'Aristophane, F. Rabelais, J. Swift, E. Hoffmann, dans les histoires satiriques de N.V. Gogol, les œuvres de M.E. Saltykov-Shchedrin, M.A. Boulgakov.
5) Modernisme
Le modernisme est un ensemble de mouvements artistiques promouvant la liberté d'expression. Le modernisme est né en Europe occidentale dans la seconde moitié du XIXe siècle. comme une nouvelle forme de créativité, opposée à l’art traditionnel. Le modernisme s'est manifesté dans tous les types d'art : peinture, architecture, littérature.
La principale caractéristique du modernisme est sa capacité à changer le monde qui nous entoure. L'auteur ne cherche pas à décrire la réalité de manière réaliste ou allégorique, comme c'était le cas dans le réalisme, ou monde intérieur le héros, comme c'était le cas dans le sentimentalisme et le romantisme, mais dépeint son propre monde intérieur et sa propre attitude envers la réalité environnante, exprime des impressions personnelles et même des fantasmes.
Caractéristiques du modernisme :
le déni du patrimoine artistique classique ;
un décalage déclaré avec la théorie et la pratique du réalisme ;
se concentrer sur l'individu et non sur la personne sociale ;
une attention accrue portée à la sphère spirituelle plutôt qu'à la sphère sociale de la vie humaine ;
se concentrer sur la forme au détriment du contenu.
Les plus grands mouvements du modernisme étaient l'impressionnisme, le symbolisme et l'art nouveau. L'impressionnisme cherchait à capturer un moment tel que l'auteur le voyait ou le ressentait. Dans la perception de cet auteur, le passé, le présent et le futur peuvent s'entremêler ; ce qui est important c'est l'impression qu'un objet ou un phénomène a sur l'auteur, et non cet objet lui-même.
Les symbolistes ont essayé de trouver un sens secret à tout ce qui se passait, conférant aux images et aux mots familiers une signification mystique. Le style Art Nouveau a favorisé le rejet des formes géométriques régulières et des lignes droites au profit de formes lisses et lignes courbes. L'Art nouveau s'est manifesté particulièrement clairement dans l'architecture et les arts appliqués.
Dans les années 80 19ème siècle une nouvelle tendance du modernisme – la décadence – est née. Dans l’art de la décadence, l’homme est placé dans des circonstances insupportables, il est brisé, condamné et a perdu le goût de la vie.
Les principales caractéristiques de la décadence :
cynisme (attitude nihiliste envers les valeurs humaines universelles) ;
érotisme;
tonatos (selon Z. Freud - le désir de mort, le déclin, la décomposition de la personnalité).
En littérature, le modernisme est représenté par les mouvements suivants :
Acméisme;
symbolisme;
futurisme;
l'imagisme.
Les représentants les plus éminents du modernisme dans la littérature sont les poètes français C. Baudelaire, P. Verlaine, les poètes russes N. Gumilyov, A. A. Blok, V. V. Mayakovsky, A. Akhmatova, I. Severyanin, l'écrivain anglais O. Wilde, l'écrivain américain E. Poe, dramaturge scandinave G. Ibsen.
6) Naturalisme
Le naturalisme est le nom d'un mouvement de la littérature et de l'art européens né dans les années 70. XIXème siècle et particulièrement largement développé dans les années 80-90, lorsque le naturalisme est devenu le mouvement le plus influent. La base théorique de cette nouvelle tendance a été donnée par Emile Zola dans son livre « Le roman expérimental ».
Fin du 19ème siècle (surtout les années 80) marque l’épanouissement et le renforcement du capital industriel, se transformant en capital financier. Cela correspond, d'une part, haut niveau de la technologie et de l'exploitation accrue, de l'autre la croissance de la conscience de soi et de la lutte de classe du prolétariat. La bourgeoisie se transforme en une classe réactionnaire, combattant une nouvelle force révolutionnaire : le prolétariat. La petite bourgeoisie fluctue entre ces classes principales, et ces fluctuations se reflètent dans les positions des écrivains petits bourgeois qui adhèrent au naturalisme.
Les principales exigences posées par les naturalistes à la littérature : scientifique, objective, apolitique au nom de la « vérité universelle ». La littérature devrait être au niveau science moderne, doit être empreint de caractère scientifique. Il est clair que les naturalistes fondent leurs travaux uniquement sur une science qui ne nie pas l'existence l'ordre social. Les naturalistes fondent leur théorie sur un matérialisme mécaniste et scientifique du type de E. Haeckel, G. Spencer et C. Lombroso, adaptant la doctrine de l'hérédité aux intérêts de la classe dirigeante (l'hérédité est déclarée cause de la stratification sociale, donnant des avantages aux uns par rapport aux autres), la philosophie du positivisme d'Auguste Comte et les utopistes petits-bourgeois (Saint-Simon).
En démontrant objectivement et scientifiquement les défauts de la réalité moderne, les naturalistes français espèrent influencer les esprits et ainsi provoquer une série de réformes afin de sauver le système existant de la révolution imminente.
Le théoricien et leader du naturalisme français, E. Zola, comprenait G. Flaubert, les frères Goncourt, A. Daudet et un certain nombre d'autres écrivains moins connus de l'école naturelle. Zola considérait les réalistes français : O. Balzac et Stendhal comme les prédécesseurs immédiats du naturalisme. Mais en fait, aucun de ces écrivains, sans exclure Zola lui-même, n'était naturaliste au sens où Zola le théoricien entendait ce sens. Le naturalisme, en tant que style de la classe dirigeante, fut temporairement adopté par des écrivains très hétérogènes tant par leur méthode artistique que par leur appartenance à des groupes de classes divers. Il est caractéristique que le point unificateur ne soit pas la méthode artistique, mais plutôt les tendances réformistes du naturalisme.
Les adeptes du naturalisme se caractérisent par une reconnaissance partielle de l'ensemble des exigences avancées par les théoriciens du naturalisme. Suivant l'un des principes de ce style, ils partent d'autres, très différents les uns des autres, représentant à la fois des tendances sociales différentes et des méthodes artistiques différentes. Ligne entière les adeptes du naturalisme ont accepté son essence réformiste, rejetant sans hésitation même une exigence aussi typique du naturalisme que l'exigence d'objectivité et d'exactitude. C'est ce qu'ont fait les « premiers naturalistes » allemands (M. Kretzer, B. Bille, W. Belsche et autres).
Sous le signe du déclin et du rapprochement avec l’impressionnisme, le naturalisme commence à se développer davantage. Apparu en Allemagne un peu plus tard qu'en France, le naturalisme allemand était un style majoritairement petit-bourgeois. Ici, la décomposition de la petite bourgeoisie patriarcale et l'intensification des processus de capitalisation créent de plus en plus de nouveaux cadres de l'intelligentsia, qui ne trouvent pas toujours d'application pour eux-mêmes. Parmi eux, la désillusion face au pouvoir de la science est de plus en plus répandue. Les espoirs de résoudre les contradictions sociales dans le cadre du système capitaliste sont progressivement anéantis.
Le naturalisme allemand, tout comme le naturalisme dans la littérature scandinave, représente entièrement une étape de transition entre le naturalisme et l'impressionnisme. Ainsi, le célèbre historien allemand Lamprecht, dans son « Histoire du peuple allemand », propose d’appeler ce style « impressionnisme physiologique ». Ce terme sera ensuite utilisé par de nombreux historiens de la littérature allemande. En effet, du style naturaliste connu en France, il ne reste qu'un respect pour la physiologie. De nombreux écrivains naturalistes allemands ne tentent même pas de cacher leur parti pris. En son centre se trouve généralement un problème, social ou physiologique, autour duquel sont regroupés les faits qui l’illustrent (l’alcoolisme dans « Avant le lever du soleil » de Hauptmann, l’hérédité dans « Les Fantômes » d’Ibsen).
Les fondateurs du naturalisme allemand étaient A. Goltz et F. Schlyaf. Leurs principes de base sont exposés dans la brochure « Art » de Goltz, où Goltz déclare que « l'art tend à redevenir nature, et il le devient conformément aux conditions existantes de reproduction et d'application pratique ». La complexité de l’intrigue est également niée. La place du roman mouvementé du Français (Zola) est prise par une nouvelle ou une nouvelle, extrêmement pauvre en intrigue. La place principale est ici donnée à la transmission minutieuse des humeurs, des sensations visuelles et auditives. Le roman est également remplacé par le théâtre et la poésie, que les naturalistes français considéraient de manière extrêmement négative comme une « sorte d’art divertissant ». Une attention particulière est accordée au drame (G. Ibsen, G. Hauptmann, A. Goltz, F. Shlyaf, G. Suderman), dans lequel l'action intensément développée est également niée, seules la catastrophe et l'enregistrement des expériences des héros sont donné ("Nora", "Ghosts", "Before Sunrise", "Master Elze" et autres). Par la suite, le drame naturaliste renaît en drame impressionniste et symbolique.
En Russie, le naturalisme n'a connu aucun développement. On les appelait naturalistes premières œuvres F. I. Panferova et M. A. Sholokhova.
7) École naturelle
Sous école naturelle critique littéraire comprend la direction apparue dans la littérature russe dans les années 40. 19ème siècle C’était une époque de contradictions de plus en plus aggravées entre le servage et la croissance des éléments capitalistes. Les adeptes de l’école naturelle ont essayé de refléter dans leurs œuvres les contradictions et les humeurs de cette époque. Le terme « école naturelle » lui-même est apparu dans la critique grâce à F. Bulgarin.
L'école naturelle dans l'usage élargi du terme, tel qu'il était utilisé dans les années 40, ne désigne pas une seule direction, mais est un concept largement conditionnel. L'école naturelle comprenait des écrivains aussi divers dans leur classe et leur apparence artistique que I. S. Tourgueniev et F. M. Dostoïevski, D. V. Grigorovitch et I. A. Goncharov, N. A. Nekrasov et I. I. Panaev.
Les caractéristiques les plus générales sur la base desquelles l'écrivain était considéré comme appartenant à l'école naturelle étaient les suivantes : des thèmes socialement significatifs, couvrant un éventail plus large que même le cercle des observations sociales (souvent dans les couches « basses » de la société), une attitude critique envers la réalité sociale, des expressions de réalisme artistique qui luttent contre l'embellissement de la réalité, l'esthétique et la rhétorique romantique.
V. G. Belinsky a souligné le réalisme de l'école naturelle, affirmant que la caractéristique la plus importante était la « vérité » et non le « mensonge » de l'image. L’école naturelle ne fait pas appel à des héros idéaux et fictifs, mais à la « foule », à la « masse », aux gens ordinaires et, le plus souvent, aux gens de « rang inférieur ». Commun dans les années 40. toutes sortes d’essais « physiologiques » satisfaisaient ce besoin de refléter une vie différente, non noble, ne serait-ce que dans un reflet de l’extérieur, du quotidien, du superficiel.
N. G. Chernyshevsky souligne particulièrement clairement, comme caractéristique la plus essentielle et principale de la « littérature de la période Gogol », son attitude critique et « négative » envers la réalité - la « littérature de la période Gogol » est ici un autre nom pour la même école naturelle : spécifiquement pour N.V. Gogol - auto RU " Âmes mortes", "L'Inspecteur général", "Pardessus" - V. G. Belinsky et un certain nombre d'autres critiques ont érigé l'école naturelle en tant que fondateur. En effet, de nombreux écrivains classés comme école naturelle ont connu la puissante influence de divers aspects de l'œuvre de N. V. Gogol. Dans outre Gogol, les écrivains de l'école naturelle ont été influencés par des représentants de la littérature petite-bourgeoise et bourgeoise d'Europe occidentale comme Charles Dickens, O. Balzac, George Sand.
L'une des tendances de l'école naturelle, représentée par la noblesse libérale et capitalisatrice et les couches sociales qui lui sont adjacentes, se distinguait par le caractère superficiel et prudent de sa critique de la réalité : il s'agissait soit d'une ironie inoffensive par rapport à certains aspects de la noblesse réalité ou une protestation noble limitée contre le servage. L’éventail des observations sociales de ce groupe se limitait au domaine du manoir. Représentants de cette tendance de l'école naturelle : I. S. Tourgueniev, D. V. Grigorovich, I. I. Panaev.
Un autre courant de l’école naturelle s’appuyait principalement sur le philistinisme urbain des années 40, désavantagé, d’une part, par le servage encore tenace, et, d’autre part, par le capitalisme industriel croissant. Un certain rôle appartenait ici à F. M. Dostoïevski, auteur d'un certain nombre de romans et d'histoires psychologiques (« Pauvres gens », « Le Double » et autres).
Le troisième mouvement de l'école naturelle, représenté par les soi-disant « raznochintsy », idéologues de la démocratie paysanne révolutionnaire, donne dans son œuvre l'expression la plus claire des tendances qui étaient associées par les contemporains (V.G. Belinsky) au nom de l'école naturelle. et s'est opposé à la noble esthétique. Ces tendances se sont manifestées de la manière la plus complète et la plus nette chez N. A. Nekrasov. A. I. Herzen (« À qui la faute ? »), M. E. Saltykov-Shchedrin (« Un cas confus ») devraient également être inclus dans ce groupe.
8) Constructivisme
Le constructivisme est un mouvement artistique né en Europe occidentale après la Première Guerre mondiale. Les origines du constructivisme résident dans la thèse de l'architecte allemand G. Semper, selon lequel la valeur esthétique de toute œuvre d'art est déterminée par la correspondance de ses trois éléments : l'œuvre, le matériau avec lequel elle est réalisée et le traitement technique de ce matériau.
Cette thèse, adoptée par la suite par les fonctionnalistes et les constructivistes fonctionnalistes (L. Wright en Amérique, J. J. P. Oud en Hollande, W. Gropius en Allemagne), met en avant le côté matériel-technique et matériel-utilitaire de l'art et, en substance, , le côté idéologique est émasculé.
En Occident, les tendances constructivistes pendant la Première Guerre mondiale et dans la période d'après-guerre se sont exprimées dans diverses directions, plus ou moins « orthodoxes » interprétant la thèse principale du constructivisme. Ainsi, en France et aux Pays-Bas, le constructivisme s'exprimait dans le « purisme », dans « l'esthétique de la machine », dans le « néoplasticisme » (iso-art) et dans le formalisme esthétisant du Corbusier (en architecture). En Allemagne - dans le culte nu de la chose (pseudo-constructivisme), le rationalisme unilatéral de l'école de Gropius (architecture), le formalisme abstrait (dans le cinéma non objectif).
En Russie, un groupe de constructivistes est apparu en 1922. Il comprenait A. N. Chicherin, K. L. Zelinsky, I. L. Selvinsky. Le constructivisme était au départ un mouvement étroitement formel, mettant l’accent sur la compréhension d’une œuvre littéraire comme une construction. Par la suite, les constructivistes se sont libérés de ce parti pris esthétique et formel étroit et ont avancé des justifications beaucoup plus larges pour leur plate-forme créative.
A. N. Chicherin s'est éloigné du constructivisme, un certain nombre d'auteurs se sont regroupés autour de I. L. Selvinsky et K. L. Zelinsky (V. Inber, B. Agapov, A. Gabrilovitch, N. Panov), et en 1924 un centre littéraire Constructivistes (LCC) a été organisé. Dans sa déclaration, la LCC part avant tout de l’affirmation de la nécessité pour l’art de participer le plus étroitement possible à « l’assaut organisationnel de la classe ouvrière », à la construction de la culture socialiste. C’est là que le constructivisme vise à saturer l’art (en particulier la poésie) de thèmes modernes.
Le thème principal, qui a toujours attiré l’attention des constructivistes, peut être décrit ainsi : « L’Intelligentsia dans la révolution et la construction ». S'attardant avec une attention particulière sur l'image de l'intellectuel dans la guerre civile (I. L. Selvinsky, « Commander 2 ») et dans la construction (I. L. Selvinsky « Pushtorg »), les constructivistes mettent d'abord en avant sous une forme douloureusement exagérée son poids et sa signification spécifiques. en cours de construction. Cela est particulièrement clair à Pouchtorg, où l'exceptionnel spécialiste Poluyarov s'oppose au médiocre communiste Krol, qui l'empêche de travailler et le pousse au suicide. Ici, le pathos de la technique de travail en tant que telle obscurcit les principaux conflits sociaux de la réalité moderne.
Cette exagération du rôle de l'intelligentsia trouve son développement théorique dans l'article du principal théoricien du constructivisme Cornelius Zelinsky « Constructivisme et socialisme », où il considère le constructivisme comme une vision holistique du monde de l'ère de transition vers le socialisme, comme une expression condensée dans le littérature de la période vécue. Dans le même temps, Zelinsky remplace à nouveau les principales contradictions sociales de cette période par la lutte entre l'homme et la nature, par le pathétique de la technologie nue, interprétée en dehors des conditions sociales, en dehors de la lutte des classes. Ces positions erronées de Zelinsky, qui ont provoqué une forte rebuffade de la critique marxiste, étaient loin d'être accidentelles et ont révélé avec une grande clarté la nature sociale du constructivisme, facile à décrire dans la pratique créatrice de l'ensemble du groupe.
La source sociale qui alimente le constructivisme est sans aucun doute cette couche de la petite bourgeoisie urbaine, que l’on peut qualifier d’intelligentsia techniquement qualifiée. Ce n'est pas un hasard si dans l'œuvre de Selvinsky (qui est le plus grand poète constructivisme) de la première période, l'image d'une forte individualité, puissant bâtisseur et conquérant de la vie, individualiste dans son essence même, caractéristique du style bourgeois russe d'avant-guerre, se révèle sans aucun doute.
En 1930, la LCC se désintègre et à sa place est créée la « Brigade littéraire M. 1 », se déclarant une organisation de transition vers l'RAPP (Association russe des écrivains prolétariens), visant à la transition progressive des compagnons de route vers les rails du régime communiste. idéologie, au style de la littérature prolétarienne et condamnant les erreurs antérieures du constructivisme, tout en préservant sa méthode créatrice.
Cependant, la nature contradictoire et en zigzag de la progression du constructivisme vers la classe ouvrière se fait sentir ici aussi. En témoigne le poème de Selvinsky « Déclaration des droits du poète ». Ceci est confirmé par le fait que la brigade M. 1, qui existait depuis moins d'un an, fut également dissoute en décembre 1930, admettant qu'elle n'avait pas résolu les tâches qui s'étaient fixées.
9)Postmodernisme
Le postmodernisme traduit littéralement de l’allemand signifie « ce qui suit le modernisme ». Ce mouvement littéraire est apparu dans la seconde moitié du XXe siècle. Il reflète la complexité de la réalité environnante, sa dépendance à l'égard de la culture des siècles précédents et la saturation informationnelle de notre époque.
Les postmodernistes n’étaient pas contents que la littérature soit divisée entre littérature d’élite et littérature de masse. Le postmodernisme s’opposait à toute modernité littéraire et niait la culture de masse. Les premières œuvres des postmodernistes sont apparues sous la forme de romans policiers, de thrillers et de fantastiques, derrière lesquels se cachait un contenu sérieux.
Les postmodernistes croyaient que le grand art avait pris fin. Pour avancer, il faut apprendre à bien utiliser les genres inférieurs de la culture pop : thriller, western, fantasy, science-fiction, érotisme. Le postmodernisme trouve dans ces genres la source d’une nouvelle mythologie. Les œuvres s'adressent à la fois au lecteur d'élite et au public peu exigeant.
Signes du postmodernisme :
utiliser des textes antérieurs comme potentiel pour vos propres œuvres (un grand nombre de citations, vous ne pouvez pas comprendre l'œuvre si vous ne connaissez pas la littérature des époques précédentes) ;
repenser les éléments de la culture du passé ;
organisation du texte à plusieurs niveaux ;
organisation particulière du texte (élément de jeu).
Le postmodernisme remet en question l’existence du sens en tant que tel. D'un autre côté, le sens des œuvres postmodernistes est déterminé par son pathos inhérent - la critique de la culture de masse. Le postmodernisme tente d'effacer la frontière entre l'art et la vie. Tout ce qui existe et a jamais existé est du texte. Les postmodernistes disaient que tout avait déjà été écrit avant eux, que rien de nouveau ne pouvait être inventé et qu'ils ne pouvaient que jouer avec les mots, prendre des idées, des phrases, des textes tout faits (déjà imaginés ou écrits par quelqu'un) et en assembler des œuvres. Cela n’a aucun sens, car l’auteur lui-même n’est pas présent dans l’œuvre.
Les œuvres littéraires sont comme un collage, composé d'images disparates et unies en un tout par l'uniformité de la technique. Cette technique s'appelle le pastiche. Ce mot italien se traduit par opéra medley et, en littérature, il fait référence à la juxtaposition de plusieurs styles dans une même œuvre. Aux premiers stades du postmodernisme, le pastiche est une forme spécifique de parodie ou d’auto-parodie, mais c’est ensuite une manière de s’adapter à la réalité, une manière de montrer le caractère illusoire de la culture de masse.
Le concept d’intertextualité est associé au postmodernisme. Ce terme a été introduit par Y. Kristeva en 1967. Elle croyait que l'histoire et la société peuvent être considérées comme un texte, alors la culture est un intertexte unique qui sert d'avant-texte (tous les textes qui précèdent celui-ci) pour tout texte nouvellement apparaissant. , tandis que l'individualité se perd ici dans un texte qui se dissout entre guillemets. Le modernisme se caractérise par la pensée citationnelle.
Intertextualité– la présence de deux ou plusieurs textes dans le texte.
Paratexte– le rapport du texte avec le titre, l'épigraphe, la postface, la préface.
Métatextualité– il peut s’agir de commentaires ou d’un lien vers le prétexte.
Hypertextualité– ridicule ou parodie d’un texte par un autre.
Archtextualité– connexion de genre des textes.
L’homme du postmodernisme est représenté dans un état de destruction complète (dans ce cas, la destruction peut être comprise comme une violation de la conscience). Il n'y a pas de développement de personnage dans l'œuvre ; l'image du héros apparaît sous une forme floue. Cette technique est appelée défocalisation. Il a deux objectifs :
éviter un pathos héroïque excessif ;
emmener le héros dans l'ombre : le héros ne passe pas au premier plan, il n'est pas du tout nécessaire dans l'œuvre.
Les représentants éminents du postmodernisme dans la littérature sont J. Fowles, J. Barth, A. Robbe-Grillet, F. Sollers, H. Cortazar, M. Pavich, J. Joyce et d'autres.