Constantin Sergueïevitch Stanislavski (1863-1938),
Aujourd'hui, tous les meilleurs acteurs du monde jouent selon le « système Stanislavski ».
Les activités de Stanislavski avaient influence notable sur le théâtre et le cinéma modernes russes et mondiaux.
Konstantin Stanislavsky (à gauche) et V. Nemirovich-Danchenko
Activités théâtrales Stanislavski a commencé à l'été 1898 dans la datcha de Pouchkino, près de Moscou. Ici, il a travaillé avec la troupe de Moscou Théâtre d'art(Théâtre d'art de Moscou), à propos duquel Stanislavski a déclaré : « Nous nous efforçons de créer le premier théâtre public raisonnable et moral, et ce objectif élevé nous consacrons notre vie.
Fidèle à sa parole, il a en effet consacré toute sa vie au Théâtre d’Art, précisément dans ses représentations, dans son éthique créative, réalisant ainsi son idée de ce que devrait être l’art.
S'appuyant sur la riche pratique créative et les déclarations de ses remarquables prédécesseurs et contemporains, Stanislavski a posé des bases solides. science moderne sur le théâtre, a créé une école, une direction des arts du spectacle, qui a trouvé son expression théorique dans le système dit Stanislavski.
L'essence du système Stanislavski
c'est que l'acteur ne doit pas seulement « représenter » son personnage, mais comment le devenir - il doit ressentir et penser non pas pour lui-même, mais pour son héros. C’est le système de Stanislavski qui implique que l’acteur « s’habitue » autant que possible au rôle. Par exemple, pour jouer un professeur, il faut s'imaginer en professeur : souvenez-vous de vos professeurs et retenez-leur le comportement, les manières, les gestes qui sont caractéristiques d'un professeur. Ensuite, le public ne se contentera pas de « regarder » le spectacle, mais sympathisera avec les personnages.
Mais le succès des productions « selon Stanislavski » n'est pas déterminé par la performance d'interprètes individuels, mais par l'ensemble de tous les participants à la représentation, unis par un seul. méthode créative et une compréhension commune de l'idée de la pièce. Stanislavski recherchait une telle unité de tous les éléments du spectacle, dans laquelle le jeu des acteurs, les décors, la lumière et la conception sonore créeraient un tout inextricable, une seule image artistique.
Les représentations du théâtre à l'étranger renforcèrent la renommée et l'autorité de Stanislavski et suscitèrent un grand intérêt pour son système dans le monde entier.
Stanislavski a écrit son livre autobiographique "Ma vie dans l'art", l'un des meilleures œuvres littérature mondiale de mémoire.
« L’art, disait Stanislavski, ne peut pas rester immobile. Il doit constamment se développer, s’étendre quelque part, sinon sa décrépitude et sa mort lente commenceront.
"Le théâtre commence par un cintre."
Stanislavski a apporté une énorme contribution à la vie nationale et culture humaine universelle, a enrichi le monde de nouvelles valeurs artistiques, a repoussé les limites de la connaissance humaine. Selon la reconnaissance des plus grands maîtres de la scène étrangère, tout le théâtre moderne utilise l'héritage du grand metteur en scène russe.
Konstantin Sergueïevitch Stanislavski est enterré à Cimetière de Novodievitchià Moscou.
La ruelle Léontievsky à Moscou (dans le quartier de la rue Tverskaya) portait auparavant le nom de Stanislavski, dans la maison 6 en 1920-38. où il a vécu et où l'appartement-musée de Stanislavski a été ouvert en 1948 (dans cet appartement, Stanislavski préparait des spectacles avec des artistes et donnait des cours aux jeunes du Studio d'opéra et de théâtre). Aujourd'hui la voie a été rendue nom historique- Léontievski.
Des plaques commémoratives ont été installées au 9, rue Pushechnaya et au 6, allée Léontievski.
Le nom de Stanislavski a été donné à Moscou Théâtre dramatique Et Théâtre musical Moscou (Théâtre Stanislavski et Nemirovitch-Danchenko).
À propos, lorsqu'un acteur jouait un rôle de manière peu fiable lors d'une répétition, Stanislavski a crié : « Je n'y crois pas ! En effet, le spectateur croira-t-il, par exemple, que sur scène le directeur d'une usine gronde le chef d'atelier si l'acteur-réalisateur marmonne quelque chose de lentement et de manière inaudible, et que l'acteur-subordonné se tient les mains dans les poches et sourit ?! Ce « Je n’y crois pas » peut encore être entendu dans toutes les salles du monde et sur tous les plateaux de tournage dans de nombreuses langues !
Sur cette page, vous découvrirez les professeurs de théâtre les plus célèbres et les grandes figures du théâtre qui ont créé les principales écoles de théâtre. Parmi eux, on peut citer des représentants des arts du spectacle tels que Stanislavski, Meyerhold, Tchekhov, Nemirovich-Danchenko et Berhold Brecht. Toutes ces personnes ont apporté une contribution significative à arts du spectacle. Et donc, si vous vous considérez comme un aspirant acteur, cet article vous sera utile.
(1863 - 1938), célèbre acteur russe et un réalisateur qui est le fondateur du système de formation d'acteurs le plus célèbre. Stanislavski est né à Moscou, en grande famille célèbre industriel, apparenté à Mamontov et aux frères Tretiakov. Il commença ses activités scéniques en 1877 dans le cercle Alekseevsky. L'acteur en herbe Stanislavski préférait les personnages au caractère brillant qui permettaient de se transformer : parmi ses rôles préférés, il nommait l'étudiant Megrio du vaudeville « Le secret d'une femme » et le barbier Laverger de « Love Potion ». Traitant sa passion pour la scène avec sa minutie habituelle, Stanislavski a étudié assidûment la gymnastique et le chant avec les meilleurs professeurs de Russie. En 1888, il devient l'un des fondateurs de la Société d'art et de littérature de Moscou et, en 1898, avec Nemirovich-Danchenko, il fonde le Théâtre d'art de Moscou, qui existe encore aujourd'hui.
École Stanislavski : « Psychotechnique ». Le système qui porte son nom est utilisé partout dans le monde. L'école Stanislavski est une psychotechnique qui permet à l'acteur de travailler à la fois sur ses propres qualités et sur son rôle.
Premièrement, un acteur doit travailler sur lui-même à travers un entraînement quotidien. Après tout, le travail d'un acteur sur scène est un processus psychophysique dans lequel interviennent des données artistiques externes et internes : imagination, attention, capacité de communication, sens de la vérité, mémoire émotionnelle, sens du rythme, technique de parole, plasticité, etc. Toutes ces qualités doivent être développées. Deuxièmement, Stanislavski a payé grande attention le travail de l’acteur sur un rôle, aboutissant à la fusion organique de l’acteur avec le rôle, à la transformation en image.
Le système Stanislavski constitue la base de la formation sur notre site Web et vous pourrez en savoir plus à ce sujet dans la première leçon.
(1874-1940) - Directeur de théâtre, acteur et professeur russe et soviétique. Il était le fils du propriétaire d'une usine de vodka, originaire d'Allemagne, luthérien, et à l'âge de 21 ans, il se convertit à l'orthodoxie, changeant son nom Karl-Kazimir-Theodor Meyerhold en Vsevolod Meyerhold. Passionné de théâtre dans sa jeunesse, Vsevolod Meyerhold réussit les examens en 1896 et est immédiatement admis en 2e année à l'École de musique et d'art dramatique de la Société philharmonique de Moscou dans la classe de Vladimir Ivanovitch Nemirovitch-Danchenko. En 1898-1902, Vsevolod Meyerhold travaille au Théâtre d'art de Moscou (MAT). En 1906-1907, il fut directeur en chef du théâtre Komissarzhevskaya à Ofitserskaya et en 1908-1917 - des théâtres impériaux de Saint-Pétersbourg. Après 1917, il dirige le mouvement « Octobre théâtral », proposant un programme pour une réévaluation complète des valeurs esthétiques et l'activation politique du théâtre.
Système Meyerhold : « Biomécanique ». Vsevolod Meyerhold a développé le concept symbolique de « théâtre conventionnel ». Il affirmait les principes du « traditionalisme théâtral » et cherchait à redonner au théâtre éclat et festivité, contrairement au réalisme de Stanislavski. La biomécanique qu'il a développée est un système de formation d'acteur qui permet de passer de la transformation externe à la transformation interne. Le degré avec lequel l'acteur sera perçu par le public dépend du mouvement précis et de l'intonation correcte. Ce système contraste souvent avec les vues de Stanislavski.
Meyerhold était engagé dans des recherches dans le domaine de l'italien théâtre folklorique, où les mouvements corporels, les postures et les gestes expressifs jouent un rôle important dans la création d'une performance. Ces études l'ont convaincu que l'approche intuitive d'un rôle doit être précédée de sa couverture préliminaire, composée de trois étapes (c'est ce qu'on appelle le « lien de jeu ») :
- Intention.
- Mise en œuvre.
- Réaction.
DANS théâtre moderne la biomécanique fait partie intégrante de la formation des acteurs. Dans nos cours, la biomécanique est considérée comme un complément au système de Stanislavski et vise à développer la capacité de reproduire les émotions nécessaires « ici et maintenant ».
(1891-1955) - Russe et acteur américain, professeur de théâtre, metteur en scène. Mikhaïl Tchekhov était le neveu d'Anton Pavlovich Tchekhov et de son père, qui était le frère aîné d'Anton Pavlovich. En 1907, Mikhaïl Tchekhov entre au École de théâtre nommé d'après A.S. Suvorin au théâtre de la Société littéraire et artistique et commença bientôt à se produire avec succès dans pièces de théâtre à l'école. En 1912, Stanislavski lui-même invita Tchekhov au Théâtre d'art de Moscou. En 1928, n'acceptant pas tous les changements révolutionnaires, Mikhaïl Alexandrovitch quitta la Russie et se rendit en Allemagne. En 1939, il s'installe aux États-Unis, où il crée sa propre école de théâtre, extrêmement populaire. Marilyn Monroe, Clint Eastwood et bien d'autres acteurs célèbres d'Hollywood y sont passés. Mikhaïl Tchekhov a joué occasionnellement dans des films, notamment Spellbound d'Hitchcock, pour lequel il a été nominé pour un Oscar dans la catégorie Meilleur acteur arrière-plan."
Les principes théâtraux de Tchekhov. Au cours de ses cours, Tchekhov a développé ses réflexions sur le théâtre idéal, associé à la compréhension par les acteurs du meilleur, voire du divin, de l'homme. Continuant à développer ce concept, Mikhaïl Tchekhov a parlé de l'idéologie de « personne idéale», qui s'incarne dans le futur acteur. Cette compréhension du jeu d’acteur rapproche encore plus Tchekhov de Meyerhold que de Stanislavski.
En outre, Tchekhov a souligné les divers stimulants de la nature créatrice de l’acteur. Et dans son atelier, il accorde une grande attention au problème de l’atmosphère. Tchekhov considérait l'atmosphère sur scène ou dans le décor comme un moyen de faciliter la création d'une image à part entière de l'ensemble du spectacle et comme une méthode pour créer un rôle. Les acteurs formés par Tchekhov ont joué grand nombre des exercices et des études spéciaux qui ont permis de comprendre quelle est l'atmosphère, selon Mikhaïl Alexandrovitch. Et l'atmosphère, telle que Tchekhov l'a compris, est un « pont » entre la vie et l'art, tâche principale qui consiste à créer diverses transformations de l'intrigue extérieure et le sous-texte nécessaire des événements de la pièce.
Mikhaïl Tchekhov propose sa propre compréhension de l’image scénique de l’acteur, qui ne fait pas partie du système de Stanislavski. L’un des concepts essentiels de la technique de répétition de Tchekhov était la « théorie de l’imitation ». Cela consiste dans le fait que l'acteur doit d'abord créer son image uniquement dans son imagination, puis essayer d'imiter ses qualités internes et externes. A cette occasion, Tchekhov lui-même écrivait : « Si l'événement n'est pas trop récent. Si cela apparaît dans la conscience comme un souvenir, et non comme une expérience directe à un moment donné. Si cela peut être évalué par moi objectivement. Tout ce qui relève encore de l’égoïsme est impropre au travail. »
(1858-1943) – professeur de théâtre russe et soviétique, metteur en scène, écrivain et figure du théâtre. Vladimir Nemirovich-Danchenko est né en Géorgie dans la ville d'Ozurgeti dans une famille ukraino-arménienne d'un noble, propriétaire foncier de la province de Tchernigov, officier armée russe, qui a servi dans le Caucase. Vladimir Ivanovitch a étudié au gymnase de Tiflis, dont il a obtenu une médaille d'argent. Il entre ensuite à l'Université de Moscou, dont il sort diplômé avec succès. Déjà à l'université, Nemirovich-Danchenko a commencé à publier en tant que critique de théâtre. En 1881, sa première pièce « Rose Hip » est écrite et, un an plus tard, elle est mise en scène par le Théâtre Maly. Et à partir de 1891, Nemirovich-Danchenko enseignait déjà au département d'art dramatique de l'École de musique et d'art dramatique de la Société philharmonique de Moscou, aujourd'hui appelée GITIS.
Nemirovich-Danchenko a fondé en 1898, avec Stanislavski, le Théâtre d'art de Moscou et, jusqu'à la fin de sa vie, il a dirigé ce théâtre, en étant le directeur et directeur artistique. Il convient de noter que Nemirovich-Danchenko a travaillé sous contrat à Hollywood pendant un an et demi, mais est ensuite retourné en URSS, contrairement à certains de ses collègues.
Concepts de scène et de jeu d'acteur. Stanislavski et Nemirovitch-Danchenko ont créé un théâtre qui a eu une influence considérable sur le développement de l'art soviétique et mondial. Dans leur esprit principes créatifs, qui sont assez similaires, ont évoqué le plus grand Réalisateurs soviétiques et des acteurs. Parmi les caractéristiques de Vladimir Ivanovitch, on peut souligner le concept qu'il a développé sur le système des « trois perceptions » : sociale, psychologique et théâtrale. Chaque type de perception doit être important pour l'acteur, et leur synthèse est à la base du savoir-faire théâtral. L'approche Nemirovich-Danchenko aide les acteurs à créer des images vivantes et socialement riches qui correspondent au but ultime de l'ensemble du spectacle.
Berholt Brecht
(1898 -1956) - Dramaturge, poète, écrivain, figure de théâtre allemand. Bertholt a étudié à école publique Ordre monastique franciscain, puis entre au Royal Real Gymnasium de Bavière, qu'il termine avec succès. D'abord expériences littéraires Brecht remonte à 1913 ; dès la fin de 1914, ses poèmes, puis ses récits, essais et critiques de théâtre, paraissent régulièrement dans la presse locale. Au début des années 20, à Munich, Brecht tente de maîtriser le cinéma, écrit plusieurs scénarios, sur la base de l'un d'eux il réalise un court métrage en 1923. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il quitte l’Allemagne. DANS années d'après-guerre la théorie du « théâtre épique », mise en pratique par le metteur en scène Brecht, a ouvert de nouvelles possibilités pour l'art scénique et a eu une influence significative sur le développement du théâtre au XXe siècle. Déjà dans les années 50, les pièces de Brecht se sont solidement implantées dans le répertoire théâtral européen et ses idées, sous une forme ou une autre, ont été adoptées par de nombreux dramaturges contemporains.
Théâtre épique. La méthode de mise en scène des pièces de théâtre et des performances créées par Berholt Brecht consiste à utiliser les techniques suivantes :
- inclusion de l'auteur lui-même dans la performance ;
- l'effet d'aliénation, qui suggère un certain détachement des acteurs par rapport aux personnages qu'ils incarnent ;
- combiner action dramatique et narration épique ;
- le principe de « distanciation », qui permet à l'acteur d'exprimer son attitude envers le personnage ;
- la destruction du soi-disant « quatrième mur » séparant la scène de la salle et la possibilité d'une communication directe entre l'acteur et le public.
La technique de l'aliénation s'est révélée être une manière particulièrement originale d'envisager par intérim, qui complète notre liste des principales écoles de théâtre. Dans ses écrits, Brecht nie la nécessité pour l'acteur de s'habituer au rôle, et dans d'autres cas, il le considère même comme nuisible : l'identification à l'image fait inévitablement de l'acteur soit un simple porte-parole du personnage, soit son avocat. Et parfois, dans les propres pièces de Brecht, des conflits surgissaient moins entre les personnages qu’entre l’auteur et ses héros.
Il était une fois, il y a de nombreuses années, j'étudiais dans une école d'une ville de province. D’aussi loin que je me souvienne, j’ai toujours été curieux et émotif. Il y a eu de nombreuses découvertes et observations intéressantes dans ma vie. En général, c'est très sujet intéressant- l'éveil âme humaine, découvrir quelque chose de nouveau pour vous-même, quelque chose que les autres connaissent, mais que vous ne saviez pas encore. L’une des choses les plus attrayantes de l’enfance était la radio. Presque tous les jours, nous écoutions la radio de toute l’Union, ainsi que la très appréciée et intelligente radio de Leningrad. La radio était littéralement une chose magique pour moi quand j'étais enfant ! Puis il n'y avait pas téléphones portables, pas de Skype, pas d'Internet. L'un des principaux moyens de comprendre le monde était ce récepteur radio. Il vous a transporté instantanément n'importe où sur la terre, il a apporté les voix de personnes disparues depuis longtemps, il vous a aidé à vous familiariser avec la nature et vous a appris à l'aimer, il a apporté le grand littérature classique et de la poésie !
L’une de mes plus grandes expériences d’enfance a été les pièces radiophoniques. Dans une enfance lointaine, il semblait que les gens vivaient dans cette boîte noire ! Ils sont toujours occupés avec quelque chose ! Maintenant, Cyrano de Bergerac, mortellement blessé, révèle son secret à Roxane, et elle apprend soudain avec choc qu'elle a aimé la mauvaise personne, mais que celle qu'elle aurait dû aimer, elle est maintenant en train de le perdre pour toujours. Ici, Sherlock Holmes et le Dr Watson dévoilent un autre mystère. Ici, Vera Filippovna de la pièce d'Ostrovsky "Le cœur n'est pas une pierre" vit enfermée avec son riche vieux mari et ne se plaint pas de son sort, restant une bonne chrétienne, mais Vassa Zheleznova essaie de prendre presque le monde entier entre ses mains, mais tombe de façon inattendue et meurt, frappé par la maladie. On peut parler de ces impressions à l'infini ! All-Union Radio est devenue mon principal éducateur dans mon enfance, lui inculquant le goût de la bonne littérature, de la poésie, de la langue russe et des voix merveilleuses des grands artistes.
En écoutant la radio et en lisant des livres, j'ai commencé à reconnaître de nombreux noms de théâtre et je suis très souvent tombé sur les noms de Stanislavsky et Nemirovich-Danchenko. Ces deux noms étaient inextricablement liés. C'est à ce moment-là que j'ai découvert histoire intéressante la création du Théâtre d'art de Moscou, et plus tard, ayant déjà mûri, j'ai réalisé quel rôle Stanislavski jouait dans l'histoire du théâtre. Il est au théâtre ce que Pouchkine est à la littérature ou Lomonossov à la science. Dans toute sphère de l’activité humaine, il existe une personne qui en constitue la pierre angulaire.
Stanislavski était doué artistiquement dès sa plus tendre jeunesse. Comme ils l’écrivaient dans un livre : « Les Muses se tenaient à son berceau ». AVEC jeunesse il a participé à représentations théâtrales. De plus, il venait d’une famille de riches marchands, et je peux imaginer combien d’efforts il lui a fallu pour quitter l’entreprise familiale et accomplir son objectif le plus élevé dans la vie. Et il a rempli cet objectif. S'il était resté marchand, personne ne se serait souvenu de lui, mais aujourd'hui le monde entier le connaît !
Que faisait Stanislavski au théâtre ? Pourquoi est-ce la pierre angulaire du théâtre ? Plusieurs aspects peuvent être soulignés ici.
Premièrement, Stanislavski luttait contre la routine théâtrale et les clichés. Après tout, quand on connaît son métier depuis longtemps, on connaît tous les avantages et les inconvénients, il est si facile d’utiliser ce que l’on a réalisé et de ne rien faire d’autre. À la fin du XIXe siècle, la majorité du public conçoit le théâtre comme une source de divertissement, où l'on peut venir à toute heure, regarder de jolies actrices, fumer un cigare et repartir tout aussi sereinement. Les acteurs traitaient souvent le théâtre de la même manière : ils savaient où prononcer efficacement une phrase, où pleurer, où se tordre les mains, etc. À bien des égards, le théâtre est devenu une routine et s’est recouvert de poussière et de moisissure. Et puis Stanislavski est apparu comme un jeune vent de printemps ! Il a soufflé toutes les toiles d'araignées et emporté la moisissure ! Il a forcé les acteurs non seulement à présenter la pièce, mais à vivre la vie de leurs personnages, à pleurer et à rire pour de vrai, naturellement. Même si l'acteur avait un petit rôle, il devait analyser la vie de son héros, réfléchir à sa biographie. Même dans des rôles sans paroles, il fallait monter sur scène rempli d'émotions et porter ses pensées. Le Théâtre Stanislavski a montré vivre la vie sur scène, "la vie" esprit humain", comme il l'a dit.
Deuxièmement, Stanislavski a découvert les lois du jeu d'acteur, qui étaient énoncées dans ce qu'on appelle le « système Stanislavski ». Il a fait valoir qu'un acteur talentueux ne devrait pas étudier son système, car il joue déjà selon celui-ci. Stanislavski a développé son système en étudiant empiriquement la performance d'acteurs brillants - Fedotova, Ermolova, Chaliapine et d'autres. Il a soigneusement étudié la psychologie des gens et l'a utilisée sur scène. « Je suis dans les circonstances proposées » est l’une des principales formules de Stanislavski, c’est-à-dire qu’il est nécessaire de montrer son individualité dans un rôle ou un autre.
Troisièmement, Stanislavski était un brillant acteur. Malheureusement, il est décédé il y a longtemps et nous ne restons de son héritage d'acteur que des photographies connues de son enfance et de nombreux mémoires de ses contemporains. D'une manière ou d'une autre, je vois particulièrement souvent son Gaev de " Champ de cerisiers« - une sorte d'enfant adulte, tenant gêné un mouchoir dans ses mains.
Quatrièmement, Stanislavski était un brillant réalisateur. Si je ne me trompe pas, certaines de ses productions sont encore aujourd'hui présentées au Théâtre d'art de Moscou ! Tel un chef d'orchestre brillant, il a assisté à l'intégralité du spectacle, tel un merveilleux orchestre exécutant une grande œuvre. Avec quelle brio il pouvait montrer un rôle pendant les répétitions. Je me suis souvenu de l'histoire de Sofia Pilyavskaya à propos de son spectacle Korobochka : Stanislavski était assis sur une chaise, et tout à coup il s'est levé - et ce n'était plus lui, mais une vieille femme stupide, dont l'esprit est comme une montre cassée - elle bouge puis s'arrête .
Cinquièmement, Stanislavski était un grand homme. De telles personnes n'existent plus maintenant. Pas depuis très longtemps. Il n’y a pas de mots pour décrire le genre de personne qu’il était – on ne sait pas par où commencer. Son entourage, ses étudiants, l'idolâtraient simplement, étaient timides et stupides devant lui. Je me souviens de l'histoire de Serafima Birman, qui ne pouvait pas lui dire « tu » lors de la répétition du rôle - elle a bégayé pendant environ 20 minutes, puis il l'a réprimandée pour cela, car il fallait séparer le rôle de la personne. Je ne peux même pas parler de la façon dont Stanislavski a été élevé, poli, attentif aux gens, instruit, etc. Tous les mots deviennent banals.
Bien sûr, on ne peut pas tout dire dans un message aussi court. Je n'ai décrit que les contours de cette personne. Il n'a rien dit sur sa famille, ses professeurs, son environnement, ses étudiants. Il n'a rien dit sur les pièces de Tchekhov - c'est un sujet qui mérite une attention particulière. On peut en dire beaucoup plus sur cette grande personnalité, car, en vérité, au théâtre, Stanislavski est tout pour nous !
Comme le temps passe vite. En lisant des livres sur lui, en vivant sa vie avec lui, on pense qu'il est né assez récemment, mais un siècle et demi s'est déjà écoulé ! Dieu merci, Stanislavski a vécu avec nous sur terre, après lui notre vie est devenue différente !
Vadim Grachev
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