Charakterystyka malarstwa. „Malarstwo jako forma sztuki” (rozwój metodologiczny). Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów w gatunku codziennym

23.06.2020

- jest to jeden z głównych typów sztuki piękne; reprezentuje obraz artystycznyświat obiektów z kolorowymi farbami na powierzchni. Malarstwo dzielimy na: sztalugowe, monumentalne i dekoracyjne.

- reprezentowane głównie przez wykonane prace farby olejne na płótnie (tektura, deska lub gołe). Reprezentuje najwięcej masowy wygląd malarstwo. To właśnie ten typ jest zwykle stosowany w odniesieniu do terminu „ malarstwo".

to technika malowania na ścianach przy dekorowaniu budynków i elementów architektonicznych w budynkach. Szczególnie powszechne w Europie fresk - malarstwo monumentalne na mokrym tynku farbami wodorozcieńczalnymi. Ta technika rysowania jest dobrze znana od starożytności. Później technikę tę wykorzystano przy projektowaniu wielu chrześcijańskich kościołów religijnych i ich sklepień.

Malarstwo dekoracyjne - (od łacińskiego słowa Decoro - dekorować) to sposób rysowania i nanoszenia obrazów na przedmioty i detale wnętrz, ściany, meble i inne przedmioty dekoracyjne. Odnosi się do sztuki dekoracyjnej i użytkowej.

Możliwości sztuka obrazowa ujawnia się szczególnie jasno malarstwo sztalugowe od XV wieku, od czasu masowego stosowania farb olejnych. To w nim dostępna jest szczególna różnorodność treści i głęboko rozwinięta forma. W sercu malowniczego środki artystyczne kolory (możliwości farb) leżą w nierozerwalnej jedności ze światłocieniem i linią; kolor i światłocień są opracowywane i rozwijane za pomocą technik malarskich o kompletności i jasności niedostępnej dla innych rodzajów sztuki. Od tego zależy doskonałość modelowania wolumetrycznego i przestrzennego, właściwa malarstwu realistycznemu, żywe i dokładne oddanie rzeczywistości, możliwość realizacji wymyślonych przez artystę wątków (i sposobów konstruowania kompozycji) oraz inne walory wizualne.

Kolejną różnicą w różnicach między rodzajami malarstwa jest technika wykonania w zależności od rodzaju farb. Ogólne znaki nie zawsze wystarczą do podjęcia decyzji. Granica malarstwa i grafiki w każdym indywidualnym przypadku: np. prace wykonane akwarelą lub pastelami mogą należeć do obu dziedzin, w zależności od podejścia artysty i postawionych przez niego zadań. Choć rysunki na papierze kojarzą się z grafiką, to zastosowanie różne techniki Malarstwo czasami zaciera różnice pomiędzy malarstwem a grafiką.

Należy wziąć pod uwagę, że sam termin semantyczny „malarstwo” jest słowem w języku rosyjskim. Został on przyjęty jako termin podczas tworzenia się sztuk pięknych w Rosji w epoce baroku. Użycie słowa „malarstwo” w tamtym czasie dotyczyło tylko pewien typ realistyczne obrazy. Ale pierwotnie wywodzi się z kościelnej techniki malowania ikon, która używa słowa „pisać” (związanego z pisaniem), ponieważ słowo to jest tłumaczeniem znaczenia w tekstach greckich (te „zaginęły w tłumaczeniu”). Rozwój w Rosji własnej szkoły artystycznej i dziedziczenie europejskiej wiedzy akademickiej w dziedzinie sztuki rozszerzyło zakres rosyjskiego słowa „malarstwo”, włączając je do terminologii edukacyjnej i język literacki. Ale w języku rosyjskim ukształtowała się osobliwość znaczenia czasownika „pisać” w odniesieniu do pisania i rysowania obrazów.

Gatunki malarstwa

W trakcie rozwoju sztuk pięknych powstało kilka klasycznych gatunków malarstwa, które nabyły swoje własne cechy i zasady.

Portret to realistyczne przedstawienie osoby, w którym artysta stara się osiągnąć podobieństwo do oryginału. Jeden z najpopularniejszych gatunków malarstwa. Większość klientów wykorzystywała talent artystów do utrwalenia własnego wizerunku lub chcąc uzyskać wizerunek ukochany, krewny itp. Klienci starali się uzyskać podobiznę portretu (lub nawet go upiększyć), pozostawiając wizualne ucieleśnienie w historii. Portrety w różnych stylach są najpopularniejszą częścią ekspozycji większości muzeów sztuki i kolekcji prywatnych. Gatunek ten obejmuje również taki rodzaj portretu jak autoportret - wizerunek samego artysty, namalowany przez niego samego.

Sceneria- jeden z popularnych gatunków malarstwa, w którym artysta stara się przedstawić naturę, jej piękno lub osobliwość. Różne typy przyroda (nastrój pory roku i pogoda) jest jasna wpływ emocjonalny dla każdego widza - to cecha psychologiczna osoba. Chęć uzyskania emocjonalnego wrażenia z krajobrazów uczyniła ten gatunek jednym z najpopularniejszych w twórczości artystycznej.

- gatunek ten pod wieloma względami przypomina pejzaż, ma jednak kluczową cechę: obrazy przedstawiają pejzaże z udziałem obiektów architektonicznych, budynków czy miast. Szczególny nacisk położono na widoki ulic miast, które oddają atmosferę miejsca. Innym kierunkiem tego gatunku jest ukazanie piękna architektury konkretnego budynku - jego wyglądu lub wizerunków jego wnętrz.

- gatunek, w którym głównym tematem obrazów jest wydarzenie historyczne lub jego interpretacja przez artystę. Co ciekawe, należy do tego gatunku ogromna ilość obrazy na motyw biblijny. Ponieważ w średniowieczu sceny biblijne uważano za wydarzenia „historyczne”, a głównymi odbiorcami tych obrazów był kościół. Tematyka biblijna „historyczna” jest obecna w twórczości większości artystów. Drugie narodziny malarstwo historyczne ma miejsce w czasach neoklasycyzmu, kiedy artyści sięgają po znane tematy historyczne, wydarzenia z antyku czy legendy narodowe.

- odzwierciedla sceny wojen i bitew. Osobliwością jest nie tylko chęć odzwierciedlenia wydarzenia historycznego, ale także przekazanie widzowi emocjonalnego wzniesienia wyczynu i bohaterstwa. Następnie gatunek ten staje się również polityczny, pozwalając artyście przekazać widzowi swój pogląd (swoją postawę) na to, co się dzieje. Podobny efekt nacisku politycznego i siły talentu artysty widzimy w twórczości V. Vereshchagina.

to gatunek malarstwa z kompozycjami przedmiotów nieożywionych, z wykorzystaniem kwiatów, produktów i naczyń. Gatunek ten jest jednym z najnowszych i powstał w holenderskiej szkole malarstwa. Być może jego pojawienie się wynika ze specyfiki szkoły holenderskiej. Rozkwit gospodarczy XVII wieku w Holandii doprowadził do pragnienia niedrogiego luksusu (obrazów) wśród znacznej liczby ludności. Ta sytuacja przyciągnęła duża liczba artystów, powodując między nimi ostrą konkurencję. Modelki i warsztaty (ludzie w odpowiednich strojach) nie były dostępne dla biednych artystów. Malując obrazy na sprzedaż, komponowali obrazy za pomocą improwizowanych środków (przedmiotów). Ta sytuacja w historii szkoły holenderskiej stała się przyczyną rozwoju malarstwa gatunkowego.

Malarstwo gatunkowe - tematem obrazów są codzienne sceny życie codzienne czy święta, zwykle z udziałem zwykłych ludzi. Podobnie jak martwa natura, rozpowszechniła się wśród artystów holenderskich w XVII wieku. W okresie romantyzmu i neoklasycyzmu gatunek ten nabiera nowych kształtów; obrazy starają się nie tyle odzwierciedlać życie codzienne, ile je romantyzować, wprowadzać do fabuły pewne znaczenie lub moralność.

Marina- rodzaj krajobrazu przedstawiający widoki na morze, krajobrazy przybrzeżne z widokiem na morze, wschody i zachody słońca na morzu, statki, a nawet bitwy morskie. Chociaż istnieje odrębny gatunek bitew, bitwy morskie nadal należą do gatunku „marina”. Rozwój i popularyzację tego gatunku można przypisać także szkole holenderskiej XVII wieku. Był popularny w Rosji dzięki twórczości Aiwazowskiego.

— cechą tego gatunku jest tworzenie realistycznych obrazów przedstawiających piękno zwierząt i ptaków. Jeden z ciekawe funkcje Gatunek ten to obecność obrazów przedstawiających nieistniejące lub mityczne zwierzęta. Nazywani są artyści specjalizujący się w wizerunkach zwierząt zwierzęcy.

Historia malarstwa

Potrzebne realistyczny obraz istniał od czasów starożytnych, ale miał wiele wad wynikających z braku technologii, usystematyzowanej szkoły i edukacji. W starożytności częściej można spotkać przykłady malarstwa użytkowego i monumentalnego techniką rysowania na gipsie. W starożytności wyższa wartość ze względu na talent wykonawcy, artyści mieli ograniczoną technologię wytwarzania farb i możliwość systematycznego kształcenia. Ale już w starożytności ukształtowała się specjalistyczna wiedza i dzieła (Witruwiusz), które będą podstawą nowego rozkwitu sztuki europejskiej w okresie renesansu. Otrzymano malarstwo dekoracyjne znaczący rozwój w okresie starożytności greckiej i rzymskiej (szkoła zanikła w średniowieczu), której poziom osiągnął dopiero po XV wieku.

Malowanie fresku rzymskiego (Pompeje, I w. p.n.e.), przykład poziomu technologii malarstwa starożytnego:

„Ciemne wieki” średniowiecza, wojownicze chrześcijaństwo i inkwizycja prowadzą do zakazów studiowania dziedzictwo artystyczne antyk. Zakazane jest ogromne doświadczenie starożytnych mistrzów, wiedza z zakresu proporcji, kompozycji, architektury i rzeźby, i wiele innych wartości artystyczne zniszczone z powodu oddania się starożytnym bóstwom. Powrót do wartości sztuki i nauki w Europie następuje dopiero w okresie renesansu (odrodzenia).

Dla artystów wczesny renesans(odrodzenie) musimy nadrobić i ożywić dorobek i poziom artystów starożytnych. Co podziwiamy w pracach artystów wczesnego renesansu, był poziomem mistrzów Rzymu. Wyraźny przykład utraty kilku stuleci rozwoju sztuki europejskiej (i cywilizacji) podczas „ciemnych wieków” średniowiecza, wojującego chrześcijaństwa i inkwizycji - różnica między tymi obrazami z XIV wieku!

Pojawienie się i rozpowszechnienie technologii wytwarzania farb olejnych oraz techniki malowania nimi w XV wieku dało początek rozwojowi malarstwa sztalugowego i specjalny rodzaj wyroby artystów - kolorowe obrazy olejne na zagruntowanym płótnie lub drewnie.

Malarstwo przeżyło w okresie renesansu ogromny skok jakościowy, głównie dzięki twórczości Leona Battisty Albertiego (1404-1472). Jako pierwszy położył podwaliny perspektywy w malarstwie (traktat „O malarstwie” z 1436 r.). Dla niego (jego prace nad systematyzacją wiedza naukowa) europejska szkoła artystyczna jest zobowiązana do pojawienia się (odrodzenia) realistycznej perspektywy i naturalnych proporcji w obrazach artystów. Słynny i znany rysunek Leonarda da Vinci „Człowiek witruwiański”(proporcje ludzkie) z 1493 r., poświęcona usystematyzowaniu starożytnej wiedzy Witruwiusza o proporcjach i kompozycji, Leonardo stworzył pół wieku później niż traktat Albertiego „O malarstwie”. A twórczość Leonarda jest kontynuacją rozwoju europejskiej (włoskiej) szkoły artystycznej renesansu.

Ale malarstwo przeżyło jasny i masowy rozwój począwszy od XVI-XVII wieku, kiedy technika ta stała się powszechna malarstwo olejne pojawiły się różne technologie wytwarzania farb i powstały szkoły malarskie. Jest to system wiedzy i edukacja artystyczna(technika rysunkowa), w połączeniu z popytem na dzieła sztuki wśród arystokracji i monarchów, prowadzi do szybkiego rozkwitu sztuki pięknej w Europie (okres baroku).

Nieograniczone możliwości finansowe europejskich monarchii, arystokracji i przedsiębiorców stały się doskonałą podstawą dalszy rozwój malarstwo XVII-XIX w. I słabnący wpływ kościoła i świecki wizerunekżycia (pomnożone przez rozwój protestantyzmu) pozwoliły na narodziny wielu tematów, stylów i kierunków w malarstwie (barok i rokoko).

W trakcie rozwoju sztuk pięknych artyści ukształtowali wiele stylów i technik, które prowadzą do na najwyższy poziom realizm w pracach. Pod koniec XIX wieku (wraz z pojawieniem się ruchów modernistycznych) rozpoczęły się ciekawe przemiany w malarstwie. Dostępność edukacji artystycznej, masowa konkurencja i wysokie wymagania wobec umiejętności artystów ze strony publiczności (i nabywców) powodują powstanie nowych kierunków w środkach wyrazu. Sztuka piękna nie jest już ograniczona jedynie poziomem techniki, którą artyści starają się wnieść

specjalne znaczenia

, sposoby „patrzenia” i filozofia. To, co często odbywa się kosztem poziomu wykonania, staje się spekulacjami lub metodą szokowania. Różnorodność rodzących się stylów, ożywione dyskusje, a nawet skandale powodują rozwój zainteresowania nowymi formami malarstwa. Nowoczesne technologie rysowania komputerowego (cyfrowego) należą do grafiki i nie można ich nazwać malarstwem, chociaż wiele programów i sprzętu komputerowego pozwala na całkowite powtórzenie dowolnej techniki malarskiej za pomocą farb.

Obraz na płaszczyźnie obiektów materialnych i

świat duchowy ↓

. Jeden z głównych rodzajów dzieł sztuki. Malarstwo dzieli się na wiele rodzajów i gatunków. Malarstwo olejne to dzieło malowane farbami olejnymi Malarstwo ścienne to dzieło malarskie wykonane bezpośrednio na specjalnie przygotowanej powierzchni murowanej ściany, sufitu lub sklepienia budynku. Inna nazwa to malarstwo monumentalne. Malowanie temperą jest główną techniką malowania ikon w Rosji. Podstawą farby temperowej jest żółtko jaja kurzego rozcieńczone kwasem chlebowym. W trakcie pracy farby nakłada się stopniowo, wielowarstwowo i w określonej kolejności. Od XVII wieku Do dziś ostatnią warstwę wykonuje się czasami farbami olejnymi. Ikona jest napisana na specjalnie przygotowanej płycie.

Doskonała definicja

Niekompletna definicja Malarstwo Malarze zdawali się posługiwać jednobarwną farbą, za pomocą której rysowali kontury, natomiast cienie zaznaczano cieniowaniem. Najstarszym miejscem tej sztuki w Grecji był najprawdopodobniej Peloponez Dorycki, głównie Korynt i Sikion; Koryncki Kleantes, jak mówią, jako pierwszy rysował sylwetki, Ardicus i Telefanes ulepszyli rysunki liniowe, Kleofant wynalazł malarstwo jednokolorowe (monochromia), Kiomnus z Kleon jako pierwszy nadał swoim figurom ruch i nachylenie i jako pierwszy zwróć uwagę na draperie postaci. Aż do XIX wieku, kiedy Ateńczyk Apollodorus wprowadził pędzel, cała twórczość Joanny polegała na rysowaniu obrazów za pomocą rysika na wcześniej pokrytej farbą desce; Same farby nakładano luzem, a nie płynnie, za pomocą gąbki. Ogólnie rzecz biorąc, na obrazach najstarszych malarzy są tylko 4 kolory ( Plin. 35, 7, 32): biało-czarny, żółty i czerwony. Nawet sam Zeuxis używał tych kwiatów, ale jeśli ktoś korzystał większa liczba kolorystyce, groziło, że zwiększając jej atrakcyjność, umniejszając wysokość sztuki. Do dzieł tego typu zaliczały się częściowo malowidła ścienne (głównie na świeżym powietrzu), częściowo obrazy malowane na deskach; te pierwsze pisane były na świeżym tynku, drugie na drewnie i wbijane w ściany np. świątyń. Obrazy malowano na deskach farbami klejowymi; późniejsze obrazy enkaustyczne malowano farbami woskowymi, które rozcierano na sucho ołowiem, a następnie topiono w piecu. Wiek Peryklesa, a więc połowa i druga połowa V wieku. BC, uważany jest za czas największego rozkwitu tej sztuki, wraz z dobrobytem wszystkich sztuki piękne, w którym pomógł J. Do tego czasu należą także wielkoformatowe obrazy; pojawiły się nie tylko malowane sale, ale także galerie sztuki(pinakotek). Warto wspomnieć o Pinenusie, bracie Fidiasza, i Thasian Polygiotas (który otrzymał prawo obywatelstwa w Atenach w 463 r.), znanych z namalowanego przez nich obrazu „Bitwa maratonowa” V???????? w Atenach. Ten ostatni zasłynął ze sztuki malowania kobiet w przezroczystych ubraniach; wyeliminował bezruch w wyrazie twarzy zapożyczony od Egipcjan, lekko otwierając usta; jego obrazy były iście portretami (na jednym na przykład łatwo rozpoznać Elpinikę, siostrę Kimona), namalowanymi z życia, ale przeniesionymi w świat idealny. Pauzaniasz (10, 25) zachował znakomity opis jednego z największych malowideł znajdujących się w Leszy ( cm.?????, Lesha) w Delfach, który przedstawiał podbitą i dymiącą Troję oraz Greków nad Hellespontem, obładowanych łupami i otoczonych jeńcami, w chwili przygotowania do wypłynięcia: „Artyście udało się tu dość dobrze oddać kontrast pomiędzy grupami Greków na pierwszym planie a zagładą Troi, której zdewastowane ulice widać przez miejscami popękane mury. Okręt Menelaosa stał blisko brzegu, gotowy do wypłynięcia; obok niego widać Helenę, sprawczynię wojny, otoczoną rannymi Trojanami; w innej grupie greckich przywódców widoczna jest Cassandra; Prawie wszyscy zachowują głębokie milczenie, z wyjątkiem Neoptolemusa, który nadal ściga i zabija trojany. Po drugiej stronie Leszy ukazano wejście do podziemi, do królestwa ciemności z Odyseuszem na brzegu Acheronu, Tartarem z jego strasznymi mękami i Elizjuszem z cieniami błogosławionych. Na pierwszym z tych obrazów narysowano ponad 100 postaci, na drugim ponad 80: za każdą figurę starożytny zwyczaj, nazwa została również nadana”. Ponadto ojciec Polignota, Aglaophon i jego wnuk, byli znani jako malarze ostatni to samo imię. Temu ostatniemu przypisuje się głównie dwa obrazy, z których jeden przedstawia Alcybiadesa jako zwycięzcę igrzysk. Poślubić Cyk. Brut. 18. Cyk. de lub. 3,7. Kwinta. 12, 10. Generalnie zabudowa mieszkaniowa była dopełnieniem architektury; jej prace zdobiły zarówno budynki prywatne, jak i galerie i świątynie. O ile sztuki plastyczne rozwijały się szybko, o tyle malarstwo rozwijało się powoli i osiągnęło szczyt doskonałości wkrótce po wojnie peloponeskiej, czyli dopiero wtedy, gdy sztuka plastyczna, po okresie największego rozkwitu, zaczęła nieco podupadać. Współczesnymi i naśladowcami Polignota byli: Mykon z Eginy, jego niezwykłymi obrazami byli: „Antinoe”, „Argonauci”, „Asteropa”, „Peliusz”, „Tezeusz”, „Acast” itp.; namalował częściowo i ???????? w Atenach, gdzie przedstawił bitwę nad Amazonkami i bitwę pod Maratonem, a szczególne sukcesy odniósł w przedstawianiu koni; jego syn; dalej Onatus z Eginy i Dionizjusz z Kolofonu; samodzielnie działał wówczas jako malarz dekoracyjny Agafarch ( cm. Agatharchus, Agatharchus), który także zaspokajał wymogi luksusu, który zaczął już przenikać do prywatnego życia Greków; ale jeszcze bardziej wybitny jest pod tym względem wspomniany Apollodorus, zwany skiagrafem, gdyż oprócz wynalezienia pędzla przypisywano mu także sztukę rozprowadzania światła i cienia. Jego primus specprimere instituit, Pliniusz mówi o nim (35, 9, 36), primusque gloriam penicillo iure contulit; neque ante eum tabula ullius ostenditur, quae teneat oculos. W jego ślady poszedł jego uczeń Zeuxis z Heraklei w Wielkiej Grecji, który żył ok. 397, choć należał on jednak do innej szkoły, mianowicie jońskiej, skłonnej do czułości i przepychu, w przeciwieństwie do szkoły attyckiej; szczególnie dobrze radził sobie z przedstawianiem kobiecego ciała. Dowodem tego jest to, co napisał na prośbę Krotończyków. „Elena”(został umieszczony w słynna świątynia Hera Lacinia), przedstawiająca doskonałe piękno w postaci ziemskiej kobiety; w ten sam sposób ucieleśniał najwyższą ideę czystej skromności na obrazie Penelopy. Zeuxis nie ma różnych kompozycji epickich, jak Polygnotus, tylko wyrazy różnych stany umysłu; jego główna uwaga skupiała się na malowniczości, na zewnętrznej stronie przedmiotu, na iluzji; W porównaniu z czasami późniejszymi brakowało mu artystycznego i różnorodnego zestawienia barw. O jego rywalizacji z Parrhasiusem ( cm. Parrazjusz). Ten ostatni i Tymantos z Sikionu byli jego rówieśnikami; o obrazach tego ostatniego, pomiędzy którymi wydano „Ofiara Ifigenii”, gdzie przedstawiał Agamemnona z zakrytą twarzą dla wyrażenia wielkiego smutku, już w starożytności wyrażano opinię, że każą widzowi domyślać się więcej, niż to, co faktycznie się w nich wyraża; wyobraźnia widza dopełnia to, co niewypowiedziane, nie tylko dlatego, że obrazy te przedstawiały coś idealnego, ale także dlatego, że zawierają bogactwo motywów. Przeciwnie, główną zasługą szkoły Sicyon było ściśle naukowe wykonanie rysunku i jego najdokładniejsza przejrzystość. Założycielem tej szkoły był Eupompus z Sicyonu, a jej głównym przedstawicielem Pamphilus, który jako pierwszy metodycznie studiował sztukę i stosował swoją wiedzę teoretyczną i geometryczną w rysunkach; Jego uczeń Melanfiusz wyróżniał się umiejętnym układaniem i kompozycją obrazów oraz w znacznym stopniu przyczynił się do poprawy koloru. Nawiasem mówiąc, zalicza się go do grona 4 malarzy (Apelles, Echion, Nicomachus), którzy używali tylko 4 kolorów. W czasach Aleksandra Wielkiego Joanna osiągnęła najwyższy stopień atrakcyjności i uroku, głównie dzięki Apellesowi, pochodzącemu z wyspy Kos, uczniowi Pamphilusa (356-308). Łączył zalety obu szkół, próbując jednocześnie wniknąć jeszcze głębiej prawdziwe znaczenie J. i tchnąć w jego dzieła bogactwo i różnorodność życia; łączył wierność naturze z siłą twórczą, co zapewniło mu szczególną łaskę Aleksandra; ten ostatni szczególnie chwalił swoje obrazy za wdzięk, ?????; na pierwszym planie miał doskonałość formy, a nie idealność treści. Pod względem technicznym, zarówno jeśli chodzi o sam rysunek, jak i dobór barw do spektakularnych scen, był mistrzem w swoim rzemiośle. W świątyni Artemidy w Efezie namalował wizerunek Aleksandra rzucającego pióra Zeusa, a podniesiona ręka i błyskawica, która pojawiła się na powierzchni, wzbudziły największe zdziwienie. Malował także generałów Aleksandra w różnych pozycjach, czasem osobno, czasem w grupach. Do jego wzorowej współpracy idealna treść należał do „Artemida”, otoczony przez chór młodych kobiet składających ofiary i Afrodytę Anadyomene wynurzającą się z morza; ten ostatni obraz, zgodnie z werdyktem wszystkich starożytnych, był uważany za wzór łaski; jednak dolna część tego obrazu pozostała niedokończona, śmierć Apellesa porwała przy pracy i żaden z kolejnych artystów nie odważył się podjąć zadania jego dokończenia. Początkowo znajdowała się w świątyni Afrodyty na wyspie Kos, skąd August przeniósł ją do Rzymu i nakazał umieszczenie w świątyni Cezara, zaliczanego do bogów. Do szkoły Sicyon należeli raczej: Eufranor, którego chwała polegała na subtelności przedstawiania bogów i bohaterów; Echion, z którego dzieł pochodzi niezwykły obraz nowożeńców (którego swobodną imitacją jest być może ślub Aldobrandiański w Muzeum Watykańskim w Rzymie) i Pausius z Sikyon, który, jak mówią, jako pierwszy ozdobił sufity w pokojach, głównie z postaciami chłopców, kwiatami i arabeskami, a słynął głównie z malarstwa kwiatowego ( Plin. 35, 40 wspomina piękną Glicerię, biegłą w tkaniu wianków, której wizerunek przedstawił konkursowi); zasłynął z doprowadzenia metody enkaustycznej do wysokiego stopnia rozwoju. W tym czasie, czyli ok. 370-330 rozkwitł także tebański Arystydes, wyróżniający się przede wszystkim sztuką przedstawiania bitew i podbojów miast oraz mistrzowską umiejętnością ożywiania i wyrazistości swoich obrazów, choć jego rozmieszczenie kolorów nie było szczególnie udane. Jego obraz przedstawiający bitwę Macedończyków z Persami zawierał aż 100 postaci; Smutną scenę zagłady miasta uznano za jego mistrzowskie dzieło, a szczególną uwagę przykuła grupa główna, przedstawiająca umierającą matkę i dziecko chwytające ją za pierś; ale ona odpycha go w obawie, że zamiast mleka będzie ssać krew. Mniej więcej w tym czasie jeszcze większą sławę zyskał Protogenes z miasta Kawa w Carii, który do 50. roku życia wspierał swoje istnienie najzwyklejszymi dziełami; ale słynny Apelles dostrzegł to i doceniając jego sztukę, kupił od niego za znaczną sumę kilka obrazów, pokazując tym współobywatelom ich nieumiejętność docenienia twórczości Protogenesa i jednocześnie próbując wzbudzić w nich podejrzenie, że chciał je przekazać jako swoje. Pomogło to biednemu człowiekowi wyrobić sobie markę wśród współobywateli. Nad swoim najlepszym obrazem, na którym przedstawił Ialisę ( cm. Ialis) myśliwy z dyszącym na boku psem, pracował 7, a nawet 11 lat. Gdy Demetriusz Poliorcetes oblegał Rodos, nie mógł zdecydować się na atak od strony, o której wiedział, że znajduje się ten obraz, i z tego powodu nie zwyciężył. Wysłał strażników, aby strzegli artysty, którego warsztat znajdował się w najniebezpieczniejszym miejscu poza murami miasta, a nawet osobiście go odwiedził. Za czasów Pliniusza obraz ten znajdował się w Rzymie, w świątyni świata, jednak już za czasów Plutarcha uległ zniszczeniu przez pożar. Jego zdjęcie „Odpoczywający Satyr”, który umieścił na jednej kolumnie, został przez niego napisany w czasie oblężenia, gdy wokół grzmiała broń, i również uznano go za dzieło wzorowe. Główną zasługą Protogena, a także Apellesa, było nie tyle bogactwo myśli czy treści poetyckich, ile urocze wykonanie artystyczne, a iluzja została doprowadzona do najwyższego stopnia; ale u Apellesa było to konsekwencją jego wrodzonego talentu, a u Protogenesa osiągnięto to dzięki jego największej cierpliwości i niezwykłej pracowitości. Podczas gdy wszyscy byli zaskoczeni jego pracowitością i wytrwałością w swoich dziełach, w dziełach jego współczesnego, Nicomachusa, rodaka z Teb, żyjącego pod koniec IV wieku. BC, syn i uczeń Arystodemusa, był najbardziej zdumiony szybkością wykonania połączoną z niezwykłym kunsztem. Zostały napisane - „Gwałt Prozerpiny”, na Kapitolu, w Świątyni Minerwy; „Bogini zwycięstwa”, jazda na czterokołowcu i „Umiejętność” w świątyni bogini pokoju. Inne niezwykłe są: Theon z wyspy Samos, który zadziwił żywotnością swojej wyobraźni i żył w czasach królów macedońskich Filipa i Aleksandra; on jest właścicielem: „Szalony Orestes” i kifared „Tamiris”, Nikiasz, pochodzący z Aten (malował zwierzęta i enkaustyczne bitwy; wiele jego obrazów znajdowało się w Rzymie; jednym z najlepszych był „Królestwo Cieni według Homera”; chwalili kolor, położenie i okrągłość postaci na jego obrazach, zwłaszcza kobiecych), Antyfil ( „Chłopiec podsycający ogień”, „Warsztat robót wełnianych”) i Ctesilochus (karykaturał narodziny Dionizosa z uda Zeusa). Najprawdopodobniej Aetion (????????) ze swoim słynnym obrazem pochodzi z czasów aleksandryjskich - „Ślub Aleksandra i Roksany” (Cyk. Brut. 18, gdzie niektórzy jednak czytają Echion; Lucjan de Merc. kon. 42.obrazek 7). Odtąd sztuka zaczyna podupadać i nie wyróżnia się już wdziękiem i pomysłowością, a jedynie dbałością o dekorację. Peyraijk przekazał więc pędzlem sceny z życia codziennego, z niezwykłym kunsztem ukazując warsztaty szewców, fryzjerów, kuchnie, targi itp., co szczególnie docenili Rzymianie, ceniąc nie tyle zawiłość kompozycji, co poprawność i przejrzystość rysunku; Tym samym stał się najlepszym mistrzem prawdziwego malarstwa gatunkowego, tzw. riparografii. Jeśli chodzi o Rzymian, to przede wszystkim należy zwrócić uwagę na ich brak zrozumienia dzieł sztuki; Nawet zdobycie Koryntu przez długi czas nie mogło wywołać korzystnej rewolucji w sztuce. Bardzo często zdarzały się przykłady, gdy żołnierze i generałowie nie tylko nie szanowali, ale nawet niszczyli cenne dzieła J. Mummiusza nie rozumiał na przykład, jak Attalus z Pergamonu mógł tak cenić obraz Arystydesa przedstawiający Bachusa; Wierząc, że kryje się w niej jakaś tajemna moc, zabrał ją ze sobą i umieścił w świątyni Ceres. Ale wkrótce potem Rzymianie, i w tym przypadku, całkiem wyraźnie zademonstrowali swój zachłanny system kolosalnego gromadzenia cudzych skarbów; zaczęli ozdabiać swoje domy, jadalnie, dacze itp. cennymi obrazami. Dlatego ogólnie możemy tylko wskazać nazwy indywidualne artyści, jak choćby Tymomach z Bizancjum, słynący z umiejętności poruszającego przedstawienia powściąganych namiętności, co udowodnił w swoim malarstwie „Wściekły Ajax”, który Cezar kazał zainstalować w Rzymie; Mieszkał Timomach ubiegłego wieku BC. W czasach Augusta Ludiusz był sławny. Tymczasem za panowania cesarzy do Rzymu przeniosło się wielu greckich malarzy, których talent i gust można zrozumieć po eleganckich dekoracjach słynnych łaźni Tytusa. Mozaiki również rozwijały się w podobny sposób w celach luksusowych; wskazują przede wszystkim na Kokę z Pergamonu, która namalowała obraz basenu z gołębiami na podłodze jednego z pomieszczeń, jednak za najlepsze dzieło mozaiki uznano obraz całości „Iliada” na podłogach wspaniałego statku króla Hierona II z Syrakuz. Informacje o źródłach i obiektach historii starożytnej są niezwykle skąpe. Odkryto na nowo pozostałości malowideł w języku greckim w pobliżu Aten nagrobki nie są szczególnie cenne, ale liczne rysunki na greckich naczyniach glinianych wskazują już na pewien kunszt rzemieślniczy, a malowidła ścienne znalezione w Herkulanum i Pompejach nie pochodzą z okresu rozkwitu tej sztuki i można je uznać za mniej lub bardziej lekką dekorację wnętrz. Ogólnie rzecz biorąc, nawet w malarstwie starożytni wyróżniali się wyborem pięknych postaci, prostotą scen i kompozycji oraz poprawnością rysunku, ale stosowaniem praw perspektywy w obrazach o dużych rozmiarach, wynikającymi z nich cieniami z pewnego połączenia i fuzji kolorów, a przede wszystkim w głębi poetyckiej, były znacznie gorsze najnowsza sztuka. Poślubić historia sztuki Schnaase, Kugler´a, L?bke i inni; zwłaszcza Brunn, Geschichte der. grych. Könstler, II, P. 3-316 i Wörmann, die Malerei des Alterhums (w: Woltmann’a Gesch. der Malerei, t.?, 1879, P. 32-140).

Obraz na płaszczyźnie obiektów materialnych i

Niekompletna definicja ↓

Człowiek dąży do doskonałości, szukając harmonii w otaczającym go świecie. Odnajdując piękno, stara się znaleźć sposób na zachowanie tego piękna i przekazanie go swoim potomkom. Sztuki piękne to jedna z niewielu metod wymyślonych przez człowieka w czasach prymitywnych. Następnie starożytni ludzie malowali na skałach i ścianach jaskiń, przedstawiając sceny z życia swojego ludu. W ten sposób sztuka malarska zaczęła pojawiać się w prymitywnym społeczeństwie. Z biegiem czasu artyści nauczyli się korzystać z różnorodnych mediów i metod malarskich. Pojawiły się nowe gatunki i rodzaje malarstwa. Przekazując zgromadzoną wiedzę i doświadczenie z pokolenia na pokolenie, ludziom udało się zachować obraz świata w jego pierwotnej formie. A dziś mamy okazję podziwiać wszystkie zakątki świata, przyglądając się pracom artystów z różnych epok.

Różnica od innych rodzajów dzieł sztuki

Malowanie, w odróżnieniu od innych metod przekazywania obrazów, polega na nanoszeniu farby na płótno, papier lub inną powierzchnię. Ten rodzaj dzieł sztuki ma w sobie coś niezwykłego styl artystyczny wyrażenia. Artysta bawiąc się wyobraźnią i odcieniami farby, jest w stanie dać widzowi coś więcej niż tylko odbicie widzialny świat, ale dodając świeże zdjęcia od siebie, przekaż swoją wizję i podkreśl coś nowego i niezwykłego.

Rodzaje malarstwa i ich krótka charakterystyka

Ten rodzaj sztuki charakteryzuje się w zależności od zastosowanych farb i materiałów. Istnieją różne typy różne techniki i rodzaje malarstwa. Istnieje 5 głównych odmian: miniaturowe, sztalugowe, monumentalne, teatralne oraz dekoracyjno-dekoracyjne.

Malarstwo miniaturowe

Zaczęło się rozwijać jeszcze przed wynalezieniem druku, czyli w średniowieczu. Istniały wówczas księgi pisane ręcznie, które mistrzowie sztuki dekorowali misternie narysowanymi nagłówkami i zakończeniami, a także ozdabiali teksty kolorowymi miniaturowymi ilustracjami. W pierwszej połowie XIX wieku do tworzenia małych portretów używano malarstwa miniaturowego. W tym celu artyści woleli akwarele, ponieważ dzięki czystym i głębokim kolorom oraz ich kombinacjom portrety nabrały szczególnego wdzięku i szlachetności.

Malarstwo sztalugowe

Ta sztuka malarstwa wzięła swoją nazwę od tego, że obrazy powstają przy użyciu sztalugi, czyli maszyny. Płótna malowane są najczęściej na płótnie naciągniętym na krosno. Jako podstawę materiałową można również wykorzystać papier, tekturę i drewno. Obraz namalowany na sztalugach jest kompletny niezależne dzieło. Może przedstawiać zarówno to, co wyobrażenie artysty, jak i to, co faktyczne we wszystkich jego przejawach. Mogą to być zarówno przedmioty nieożywione, jak i ludzie, zarówno nowoczesność, jak i wydarzenia historyczne.

Malarstwo monumentalne

Ten rodzaj sztuki reprezentuje malarstwo na dużą skalę. Malarstwo monumentalne służy do ozdabiania stropów i ścian budynków, a także różnych konstrukcji budowlanych. Za jego pomocą artyści identyfikują istotne wydarzenia społeczne i historyczne, które wpływają na rozwój społeczeństwa i przyczyniają się do formacji ludzi w duchu postępu, patriotyzmu i człowieczeństwa.

Malarstwo teatralne i dekoracyjne

Ten typ służy do makijażu, rekwizytów, dekoracji kostiumów i scenerii, które pomagają odsłonić fabułę spektaklu. Kostiumy, makijaże i scenografie tworzone są według szkiców artystki, która stara się oddać styl epoki, status społeczny i charakter osobisty bohaterów.

Malarstwo dekoracyjne

Oznacza to dekorowanie wnętrz i budynków za pomocą kolorowych paneli, które tworzą wizualne zwiększenie lub zmniejszenie wielkości pomieszczenia, iluzję przebicia ściany itp.

Malarstwo w Rosji

Wymieniliśmy główne rodzaje malarstwa, które różnią się sposobem, w jaki malarz wykorzystuje materiał do twórczości. Porozmawiajmy teraz o cechach tego rodzaju sztuki charakterystycznych dla naszego kraju. Rosja zawsze słynęła z rozległych połaci z bogatą florą i fauną. I każdy artysta starał się uchwycić na płótnie całe piękno natury i przekazać widzowi blask obrazów.

Na płótnach znanych twórców można zaobserwować różne typy pejzaży w malarstwie. Każdy z nich, posługując się własną techniką, starał się przekazać widzowi własne emocje i własną wizję. Malarstwo rosyjskie jest gloryfikowane przez takich mistrzów jak Lewitan, Szyszkin, Sawrasow, Aiwazowski i wielu innych. Aby napisać swoje słynne obrazy stosowali różne techniki. I tak jak różnorodne są wewnętrzne światy mistrzów malarstwa, tak ich twórczość i emocje wywoływane w widzach są ostatecznie wielopłaszczyznowe. Rodzą się najbardziej szczere i najgłębsze uczucia słynne dzieła nasi malarze.

Na przykład „Dzień dobry las sosnowy„Shishkina napełnia nas wyrafinowanym światłem i daje nam spokój. To tak, jakbyśmy odczuwali poranek świeże powietrze, zanurzając się w iglastej atmosferze i obserwując zabawę niedźwiadków. Natomiast „Seashore” Aiwazowskiego zabiera nas w otchłań emocji i niepokoju. Wieś jesienne krajobrazy Lewitanowi ukazuje się porcja nostalgii i wspomnień. A twórczość Savrasova „The Rooks Have Arrived” otula nas lekkim smutkiem i daje nadzieję.

Malarstwo rosyjskie potwierdza kolosalny potencjał i talent narodu rosyjskiego, a także miłość do ojczyzny i przyrody. Każdy może to sprawdzić, oglądając obrazy naszych rodaków. I główne zadanie- zachować żywą tradycję malarstwa rosyjskiego i zdolności twórcze narodu.

Co to jest malowanie?

Malarstwo to rodzaj sztuki plastycznej, której dzieła powstają przy użyciu farb nakładanych na dowolną powierzchnię.
„Malarstwo to nie tylko fantazja, to praca, którą należy wykonywać sumiennie, jak każdy sumienny pracownik” – przekonywał Renoir.

Malarstwo jest niesamowity cud aby każdy był dostępny materiały artystyczne na najróżniejsze widzialne obrazy rzeczywistości. Opanowanie sztuki malarstwa polega na umiejętności przedstawiania rzeczywistych obiektów o dowolnym kształcie, różne kolory i materiał w dowolnej przestrzeni.
Malarstwo, jak każda inna dziedzina sztuki, ma swoją specyfikę język artystyczny, poprzez który artysta odzwierciedla świat. Ale wyrażając swoje rozumienie świata, artysta jednocześnie ucieleśnia w swoich pracach swoje myśli i uczucia, aspiracje, ideały estetyczne, ocenia zjawiska życia, wyjaśniając na swój sposób ich istotę i znaczenie.
W dzieła sztuki różne gatunki dzieł sztuki tworzone przez malarzy wykorzystują rysunek, kolor, światło i cień, ekspresję pociągnięć, fakturę i kompozycję. Umożliwia to odtworzenie na płaszczyźnie barwnego bogactwa świata, objętości obiektów, ich jakościowej oryginalności materialnej, głębi przestrzennej i środowiska świetlno-powietrznego.
Świat malarstwa jest bogaty i złożony, jego skarby ludzkość gromadziła przez wiele tysiącleci. Najstarsze dzieła malarstwa odkryli naukowcy na ścianach jaskiń, w których mieszkali prymitywni ludzie. Pierwsi artyści z niezwykłą dokładnością i ostrością przedstawiali sceny myśliwskie i zwyczaje zwierząt. Tak powstała sztuka malarstwa ściennego, posiadająca cechy charakterystyczne dla malarstwa monumentalnego.
Istnieją dwa główne rodzaje malarstwa monumentalnego - freski i mozaiki.
Fresk to technika malowania farbami rozcieńczonymi czystą lub wapienną wodą na świeżym, wilgotnym tynku.
Mozaika to obraz wykonany z cząstek kamienia, smalty, płytek ceramicznych, jednorodnych lub różniących się materiałem, które są utrwalone w warstwie gleby - wapna lub cementu.
Freski i mozaiki to główne rodzaje sztuki monumentalnej, które ze względu na swoją trwałość i trwałość koloru służą do ozdabiania brył i płaszczyzn architektonicznych (malowidła ścienne, abażury, panele).
Malarstwo sztalugowe (obraz) ma samodzielny charakter i znaczenie. Szerokość i kompletność pokrycia prawdziwego życia znajduje odzwierciedlenie w różnorodności typów i gatunków właściwych malarstwu sztalugowemu: portret, pejzaż, martwa natura, życie codzienne, historyczne, gatunki bitewne.
W odróżnieniu od malarstwa monumentalnego, malarstwo sztalugowe nie jest związane z płaszczyzną ściany i może być swobodnie eksponowane.
Znaczenie ideowe i artystyczne dzieł sztuki sztalugowej nie zmienia się w zależności od miejsca ich umieszczenia, choć ich wydźwięk artystyczny zależy od warunków ekspozycji.
Oprócz powyższych rodzajów malarstwa istnieją obrazy dekoracyjne - szkice scenografia teatralna, scenografię i kostiumy kinowe, a także miniatury i ikonografię.
Aby stworzyć dzieło miniaturowe lub monumentalne (na przykład obraz na ścianie), artysta musi znać nie tylko istotę konstrukcyjną przedmiotów, ich objętość, materialność, ale także zasady i prawa obrazowego przedstawiania przedmiotów. natura, harmonia koloru i kolor.

W obrazowym obrazie natury należy wziąć pod uwagę nie tylko różnorodność kolorów, ale także ich jedność, zdeterminowaną siłą i kolorem źródła światła. Żadna plama koloru nie powinna być wprowadzana na obraz bez dopasowania jej do ogólnego stanu kolorystycznego. Kolor każdego obiektu, zarówno w świetle, jak i w cieniu, musi być powiązany z całością kolorystyczną. Jeżeli kolory obrazu nie oddają wpływu barwy oświetlenia, nie będą podlegały jednej kolorystyce. Na takim obrazie każdy kolor będzie się wyróżniał jako coś obcego i obcego danemu stanowi oświetlenia; będzie wyglądać losowo i zrujnuje integralność kolorów obrazu.
Zatem naturalne ujednolicenie kolorystyki farb poprzez ogólną barwę oświetlenia jest podstawą do stworzenia harmonijnej struktury kolorystycznej obrazu.
Kolor jest jednym z najbardziej wyrazistych środków stosowanych w malarstwie. Artysta przekazuje na płaszczyźnie barwne bogactwo tego, co widzi, za pomocą barwnej formy poznaje i odzwierciedla otaczający go świat. W procesie przedstawiania natury rozwija się poczucie koloru i jego wielu odcieni, co pozwala na użycie farb jako głównego środki wyrazu malarstwo.
Postrzeganie koloru, a oko artysty jest w stanie rozróżnić ponad 200 jego odcieni, jest być może jedną z najszczęśliwszych cech, jakie natura obdarzyła człowieka.
Znając prawa kontrastu, artysta orientuje się w tych zmianach kolorystycznych przedstawianej natury, które w niektórych przypadkach są trudne do dostrzeżenia dla oka. Postrzeganie koloru zależy od środowiska, w którym znajduje się obiekt. Dlatego artysta przekazując barwę natury porównuje kolory ze sobą, upewniając się, że są one postrzegane we wzajemnych powiązaniach lub wzajemnych relacjach.
„Przyjmowanie relacji światło-cień” oznacza zachowanie różnicy między kolorami w jasności, nasyceniu i odcieniu, zgodnie z tym, jak występuje w naturze.
Kontrast (zarówno świetlny, jak i kolorystyczny) jest szczególnie zauważalny na krawędziach sąsiednich plam barwnych. Zatarcie granic między kontrastującymi kolorami wzmacnia efekt kontrastu kolorów, a wyrazistość granic plamek go zmniejsza. Znajomość tych praw poszerza możliwości techniczne w malarstwie, pozwala artyście za pomocą kontrastu zwiększać intensywność barwy farb, zwiększać ich nasycenie, zwiększać lub zmniejszać ich lekkość, co wzbogaca paletę malarza. W ten sposób bez stosowania mieszanin, a jedynie kontrastujące zestawienia ciepłych i zimnych kolorów, można uzyskać szczególną kolorystykę obrazu.

Są dzieła sztuki, które zdają się uderzać widza w głowę, oszałamiające i niesamowite. Inne wciągają w zamyślenie i poszukiwanie warstw znaczeń i sekretnej symboliki. Niektóre obrazy owiane są tajemnicami i mistycznymi tajemnicami, inne zaskakują wygórowanymi cenami.

Dokładnie przejrzeliśmy wszystkie najważniejsze osiągnięcia malarstwa światowego i wybraliśmy z nich dwa tuziny najdziwniejszych obrazów. Salvador Dali, którego prace w całości wpisują się w format tego materiału i jako pierwsze przychodzą na myśl, nie został uwzględniony w tym zbiorze celowo.

Oczywiste jest, że „dziwność” jest pojęciem raczej subiektywnym i każdy ma swoje niesamowite obrazy wyróżniające się na tle innych dzieł sztuki. Będzie nam miło, jeśli podzielisz się nimi w komentarzach i opowiesz nam trochę o nich.

"Krzyk"

Edwarda Muncha. 1893, karton, olej, tempera, pastel.
Galeria Narodowa, Oslo.

Krzyk uznawany jest za przełomowe wydarzenie ekspresjonistyczne i jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie.

Istnieją dwie interpretacje tego, co jest ukazane: to sam bohater ogarnia przerażenie i cicho krzyczy, przykładając ręce do uszu; albo bohater zamyka uszy na rozbrzmiewający wokół krzyk świata i natury. Munch napisał cztery wersje „Krzyku” i istnieje wersja, w której obraz ten jest owocem psychozy maniakalno-depresyjnej, na którą cierpiał artysta. Po leczeniu w klinice Munch nie wrócił do pracy na płótnie.

„Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi. Słońce zachodziło - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując się wyczerpany, i oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem. Moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę” – o historii obrazu opowiadał Edvard Munch.

„Skąd przyszliśmy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?

Paula Gauguina. 1897-1898, olej na płótnie.
Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie.

Zdaniem samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy postaci ilustrują postawione w tytule pytania.

Trzy kobiety z dzieckiem symbolizują początek życia; grupa środkowa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w grupie ostatniej, zgodnie z planem artysty, „stara kobieta, zbliżając się do śmierci, wydaje się pojednana i pogrążona w myślach”, u jej stóp „dziwny biały ptak...reprezentuje daremność słów.”

Głęboko filozoficzny obraz postimpresjonisty Paula Gauguina został przez niego namalowany na Tahiti, dokąd uciekł z Paryża. Po ukończeniu pracy miał nawet ochotę popełnić samobójstwo: „Uważam, że ten obraz jest lepszy od wszystkich moich poprzednich i że nigdy nie stworzę czegoś lepszego, a nawet podobnego”. Żył jeszcze pięć lat i tak się stało.

„Guernica”

Pabla Picassa. 1937, olej na płótnie.
Muzeum Reiny Sofii w Madrycie.

Guernica przedstawia sceny śmierci, przemocy, brutalności, cierpienia i bezradności, nie precyzując ich bezpośrednich przyczyn, ale są one oczywiste. Mówi się, że w 1940 roku Pablo Picasso został wezwany do gestapo w Paryżu. Rozmowa od razu zeszła na temat obrazu. „Czy ty to zrobiłeś?” - „Nie, ty to zrobiłeś”.

Ogromny fresk „Guernica”, namalowany przez Picassa w 1937 roku, opowiada historię nalotu jednostki ochotniczej Luftwaffe na miasto Guernica, w wyniku którego sześciotysięczne miasto zostało doszczętnie zniszczone. Obraz powstał dosłownie w miesiąc - w pierwszych dniach pracy nad obrazem Picasso pracował po 10-12 godzin i już na pierwszych szkicach było widać główna idea. To jedna z najlepszych ilustracji koszmaru faszyzmu, a także ludzkiego okrucieństwa i żalu.

„Portret pary Arnolfinich”

Jana van Eycka. 1434, drewno, olej.
Londyńska Galeria Narodowa, Londyn.

Słynny obraz jest całkowicie wypełniony symbolami, alegoriami i różnymi odniesieniami - aż po podpis „Tu był Jan van Eyck”, który uczynił z obrazu nie tylko dzieło sztuki, ale dokument historyczny potwierdzający realność wydarzenia na którym artysta był obecny.

Portret, rzekomo przedstawiający Giovanniego di Nicolao Arnolfini i jego żonę, jest jednym z najbardziej skomplikowanych dzieł zachodniej szkoły malarstwa północnego renesansu.

W Rosji w ostatnich latach obraz zyskał dużą popularność ze względu na podobieństwo portretu Arnolfini do Władimira Putina.

„Siedzący demon”

Michaił Wrubel. 1890, olej na płótnie.
Państwo Galeria Trietiakowska, Moskwa.

„Ręce stawiają mu opór”

Billa Stonehama. 1972.

Dzieła tego oczywiście nie można zaliczyć do arcydzieł malarstwa światowego, ale fakt, że jest dziwny, jest faktem.

Krążą legendy o obrazie przedstawiającym chłopca, lalkę i jego ręce przyciśnięte do szyby. Od „ludzie umierają z powodu tego zdjęcia” po „dzieci na nim żyją”. Obraz wygląda naprawdę przerażająco, co budzi wiele obaw i spekulacji wśród osób o słabej psychice.

Artysta twierdził, że obraz przedstawiał go w wieku pięciu lat, drzwi przedstawiały linię oddzielającą świat rzeczywisty od świata snów, a lalka była przewodnikiem, który mógł przeprowadzić chłopca po tym świecie. Ręce reprezentują alternatywne życia lub możliwości.

Obraz zyskał rozgłos w lutym 2000 roku, kiedy został wystawiony na sprzedaż w serwisie eBay z historią mówiącą, że obraz był „nawiedzony”. „Hands Resist Him” został kupiony za 1025 dolarów przez Kima Smitha, który następnie został zasypany listami zawierającymi przerażające historie i żądaniami spalenia obrazu.