Σύντομη βιογραφία του καλλιτέχνη Matisse. Διάσημοι πίνακες του Henri Matisse. Ο Πικάσο στη ζωή του Ματίς

Η φωτεινότητα των χρωμάτων, η απλότητα της τεχνικής, η έκφραση - οι πίνακες του Γάλλου καλλιτέχνη Henri Matisse εκπλήσσουν με την πρωτοτυπία τους. Ο ηγέτης του Φωβισμού δοκίμασε ένα σωρό τάσεις στις καλές τέχνες πριν βρει δικό του στυλ, που χαρακτηρίζεται από έναν «άγριο» χαρακτήρα.

Παιδική και νεανική ηλικία

Η γενέτειρα του μεγάλου καλλιτέχνη είναι η βόρεια πόλη Le Cateau-Cambresy στη Γαλλία. Εδώ, το 1869, γεννήθηκε το πρώτο παιδί στην οικογένεια ενός επιτυχημένου εμπόρου σιτηρών, ο οποίος ονομάστηκε Henri Emile Benoit Matisse. Η μοίρα του παιδιού ήταν προκαθορισμένη - εκείνη την εποχή, ο πρώτος κληρονόμος της οικογένειας ήταν υποχρεωμένος να αναλάβει την επιχείρηση του πατέρα του στο μέλλον. Αλλά, προφανώς, το αγόρι κληρονόμησε τα γονίδια της μητέρας του, που της άρεσε πολύ όσο ήταν μακριά ελεύθερο χρόνογια ζωγραφική κεραμικής χειροτεχνίας.

Ο Henri ήταν καλά προετοιμασμένος για το μέλλον, σπούδασε στο σχολείο και μετά στο λύκειο. Στη συνέχεια, ο επίμονος γιος, παρά τη θέληση του αρχηγού της οικογένειας, πήγε στο Παρίσι για να σπουδάσει νομικές επιστήμες. Με ένα δίπλωμα που ήταν μακριά από την τέχνη, επέστρεψε στο σπίτι, όπου εργάστηκε για αρκετούς μήνες ως υπάλληλος.

Η ασθένεια έκρινε τη μοίρα. Η δημιουργική βιογραφία του προικισμένου καλλιτέχνη ξεκίνησε το 1889, όταν ο Henri Matisse έπεσε κάτω από το μαχαίρι του χειρουργού με σκωληκοειδίτιδα.

Χρειάστηκαν δύο μήνες για να αναρρώσει μετά την επέμβαση. Για να μην βαρεθεί ο γιος της, η μητέρα του έφερε προμήθειες ζωγραφικής στο νοσοκομείο και ο Ματίς άρχισε να αντιγράφει ανιδιοτελώς έγχρωμες καρτ ποστάλ. Αυτή τη στιγμή, ο νεαρός άνδρας κατάλαβε τελικά σε τι ήθελε να αφιερώσει τη ζωή του.

Ζωγραφική

Το όνειρο να γίνω φοιτητής στην Ανωτάτη Σχολή Καλών Τεχνών της πρωτεύουσας δεν ήταν δεδομένο. Ο Henri απέτυχε στην πρώτη του αίτηση, οπότε έπρεπε να καθίσει πρώτα στα θρανία των άλλων εκπαιδευτικά ιδρύματα, όπου μυήθηκαν στα βασικά της ζωγραφικής. Και όμως, το 1895, το «φρούριο» παραδόθηκε - μαζί με το μέλλον διάσημος καλλιτέχνηςΟ Albert Marquet Matisse μπήκε στο πολυπόθητο School of Art, στο εργαστήριο του Gustave Moreau.

Στην αρχή της καριέρας του, τα ενδιαφέροντά του περιελάμβαναν τη σύγχρονη τέχνη. Συμβολιστής μέχρι τον πυρήνα, ο Moreau έστειλε μαθητές να μάθουν να «παίζουν με το χρώμα» στο Λούβρο, όπου ο Henri προσπάθησε να μιμηθεί τα κλασικά της ζωγραφικής αντιγράφοντας πίνακες. Ο δάσκαλος δίδαξε να «ονειρεύεται το χρώμα», όπου προέκυψε το πάθος του καλλιτέχνη Matisse να βρει κατάλληλες αποχρώσεις για να μεταδώσει συναισθήματα.

ΣΕ πρώιμη εργασίαέχει ήδη εμφανιστεί ένα μείγμα των διδασκαλιών του Moreau με στοιχεία δανεισμένα από αναγνωρισμένους δασκάλους του πινέλου. Για παράδειγμα, η νεκρή φύση "Bottle of Schiedam" είναι αξιοσημείωτη για την ασάφειά της: αφενός, σκούρα χρώματαυποδεικνύουν μια απομίμηση του Chardin, και τις πλατιές πινελιές και το μείγμα μαύρου και ασημί - . Ο Ανρί παραδέχτηκε αργότερα:

«Αντιλαμβάνομαι την εκφραστική πλευρά του χρώματος καθαρά διαισθητικά. Όταν μεταφέρω ένα φθινοπωρινό τοπίο, δεν θα θυμάμαι ποιες αποχρώσεις είναι κατάλληλες για αυτήν την εποχή, θα εμπνευστώ μόνο από τις αισθήσεις του φθινοπώρου... Επιλέγω χρώματα όχι σύμφωνα με κάποια επιστημονική θεωρία, αλλά σύμφωνα με το συναίσθημα, παρατήρηση και εμπειρία».

Ο καλλιτέχνης γρήγορα βαρέθηκε να μελετά τα κλασικά και στράφηκε στους ιμπρεσιονιστές, ιδιαίτερα, λάτρευε καμβάδες. Το χρώμα στα πρώτα έργα ήταν ακόμα θαμπό, αλλά σταδιακά απέκτησε πλούτο η έλξη για τον ιμπρεσιονισμό άρχισε να μεταμορφώνεται στο δικό του μοναδικό στυλ. Ήδη το 1896, οι πρώτες δημιουργίες του αρχάριου ζωγράφου άρχισαν να εμφανίζονται στα σαλόνια τέχνης.

Η πρώτη προσωπική έκθεση δεν προκάλεσε αίσθηση στους γνώστες της τέχνης. Ο Ανρί Ματίς αποφάσισε να εγκαταλείψει τη γαλλική πρωτεύουσα πιο βόρεια, όπου δοκίμασε τις δυνάμεις του στην τεχνική των κουκκίδων. Αυτή τη στιγμή, το πρώτο αριστούργημα προήλθε από το στυλό του - "Πολυτέλεια, Ειρήνη και Ευχαρίστηση". Αλλά ο άντρας δεν βρήκε αυτό το στυλ γραφής «εγγενές».

Η επανάσταση στο έργο του καλλιτέχνη συνέβη το 1905. Ο Matisse, μαζί με μια ομάδα ομοϊδεατών, δημιούργησε νέο στυλστη ζωγραφική, που ονομάζεται Φωβισμός. Η ενέργεια των χρωμάτων που παρουσιάστηκε στην έκθεση το φθινόπωρο συγκλόνισε το κοινό. Ο Henri παρουσίασε δύο έργα - το πορτρέτο "Woman in a Hat" και τον πίνακα "Open Window".

Ένα κύμα αγανάκτησης έπληξε τους καλλιτέχνες, οι επισκέπτες της έκθεσης δεν κατάλαβαν πώς θα μπορούσε κανείς να παραμελήσει όλες τις παραδόσεις των καλών τεχνών. Οι ιδρυτές του στυλ ονομάζονταν Fauves, δηλαδή άγριοι.

Ωστόσο, μια τέτοια προσοχή, αν και αρνητική, έφερε στον Matisse δημοτικότητα και καλά μερίσματα: οι πίνακες απέκτησαν θαυμαστές που τους αγόρασαν με ευχαρίστηση. Για παράδειγμα, η «Γυναίκα με καπέλο» αφαιρέθηκε αμέσως από την έκθεση από την Αμερικανίδα συγγραφέα Gertrude Stein και ο πίνακας «The Joy of Life», που εμφανίστηκε το 1906, αγοράστηκε από τον διάσημο συλλέκτη Leo Stein.

Έγινε λίγο αργότερα σημαντικό γεγονός– ο καλλιτέχνης συνάντησε ένα άγνωστο άτομο, η επικοινωνία οδήγησε σε δεκαετίες φιλίας, κατά τις οποίες οι κύριοι του πινέλου ανταγωνίζονταν μεταξύ τους. Ο Πικάσο είπε ότι ο θάνατος οποιουδήποτε από αυτούς θα ήταν μια ανεπανόρθωτη απώλεια για όλους, γιατί δεν υπήρχε κανένας άλλος να συζητήσει κάποια δημιουργικά θέματα τόσο δυναμικά.

Τα δύο τα περισσότερα διάσημους πίνακες– “Dance” and “Music” – έγραψε ο Matisse για τον φιλάνθρωπο Sergei Shchukin. Ένας Ρώσος παρήγγειλε πίνακες για ένα σπίτι στη Μόσχα. Ο καλλιτέχνης, δουλεύοντας τα σκίτσα, έβαλε στόχο να δημιουργήσει κάτι ώστε όποιος έμπαινε στην έπαυλη να νιώθει ανακούφιση και γαλήνη. Είναι ενδιαφέρον ότι ο Henri επέβλεπε προσωπικά την εγκατάσταση των πινάκων - ο Γάλλος ήρθε στην πρωτεύουσα της Ρωσίας, όπου έγινε δεκτός με χαρά. Ο ίδιος ο καλλιτέχνης εντυπωσιάστηκε από τη συλλογή αρχαίων εικόνων του ιδιοκτήτη του σπιτιού και την απλότητα των Ρώσων.

Προφανώς, ο καλλιτέχνης έλαβε μια καλή αμοιβή, επειδή πήγε αμέσως σε ένα ταξίδι. Επισκέφτηκα το ανατολίτικο παραμύθι της Αλγερίας και όταν επέστρεψα στο σπίτι, κάθισα αμέσως στη δουλειά - ο πίνακας "Blue Nude" είδε το φως της δημοσιότητας. Αυτό το ταξίδι έκανε ανεξίτηλη εντύπωση στον Matisse, εμφανίστηκαν νέα στοιχεία στο έργο του.

Η γοητεία της Ανατολής δεν άφησε να φύγει, ο Γάλλος συνέχισε να εξοικειώνεται με την Αφρική, ταξιδεύοντας στο Μαρόκο. Και μετά πήγε ένα ταξίδι στην Ευρώπη και την Αμερική. Αυτή τη στιγμή, το έργο του άρχισε σταδιακά να χάνει τα σημάδια του Φωβισμού, γεμίζοντας με λεπτότητα και ιδιαίτερο βάθος, εμφανίστηκε μια σύνδεση με τη φύση.

Κατά τη διάρκεια του Β 'Παγκοσμίου Πολέμου, ο καλλιτέχνης διαγνώστηκε με καρκίνο μετά την επέμβαση, ο άνδρας δεν μπορούσε να κινηθεί. Εκείνη την περίοδο, ο Matisse επινόησε μια νέα κατεύθυνση στον τομέα του decoupage, η οποία βασίστηκε στη σύνθεση ζωγραφικής από κομμάτια χρωματιστού χαρτιού.

Ο Henri Matisse έβαλε τέλος στη δημιουργικότητά του με ένα μεγάλης κλίμακας σχέδιο για ένα μοναστήρι στο Vence. Λέγεται ότι ο καλλιτέχνης κλήθηκε μόνο να επεξεργαστεί τα βιτρό σκίτσα, αλλά σήκωσε με ενθουσιασμό τα μανίκια του και δημιούργησε ένα ολοκληρωμένο έργο. Παρεμπιπτόντως, ο άντρας θεώρησε ότι αυτό το έργο ήταν ένα είδος μοίρας στο τέλος της ζωής του και το καλύτερο στη συλλογή των καλλιτεχνικών του έργων.

Προσωπική ζωή

Την προσωπική ζωή του Henri Matisse στολίζουν τρεις γυναίκες. Το 1984, ο καλλιτέχνης έγινε πατέρας για πρώτη φορά - το μοντέλο Carolina Zhoblo χάρισε στον ταλαντούχο ζωγράφο μια κόρη, τη Μαργαρίτα. Ωστόσο, ο Henri δεν παντρεύτηκε καθόλου αυτό το κορίτσι.

Επίσημος σύζυγοςέγινε η Amelie Pareire, την οποία ο εκπρόσωπος του κόσμου της ζωγραφικής συνάντησε στο γάμο ενός φίλου του. Το κορίτσι ενήργησε ως παράνυμφος και ο Henri κάθισε κατά λάθος δίπλα του στο τραπέζι. Η Amelie χτυπήθηκε από αγάπη με την πρώτη ματιά, ο νεαρός άνδρας άρχισε επίσης να δείχνει σημάδια προσοχής. Το κορίτσι έγινε το πρώτο στενό άτομο που πίστεψε στο ταλέντο του άνευ όρων.

Πριν από το γάμο, ο γαμπρός προειδοποίησε τη νύφη ότι η δουλειά θα κατείχε πάντα την κύρια θέση στη ζωή. Ακόμα και επάνω γαμήλιο ταξίδιη νεοσύστατη οικογένεια πήγε στο Λονδίνο για να εξοικειωθεί με τη δημιουργικότητα.

Ο γάμος απέκτησε τους γιους Jean-Gerard και Pierre. Το ζευγάρι πήρε και τη Μαργαρίτα στην οικογένειά του για να μεγαλώσει. Για πολλά χρόνια, η κόρη και η σύζυγος κατέλαβαν τις θέσεις των κύριων μοντέλων και μουσών του καλλιτέχνη. Ένας από τους διάσημους πίνακες που είναι αφιερωμένοι στη σύζυγό του είναι το «Green Stripe», ζωγραφισμένο το 1905.

Αυτό το πορτρέτο της αγαπημένης του γυναίκας χτύπησε τους γνώστες της τέχνης της εποχής ως «άσχημο». Οι θεατές πίστευαν ότι ο εκπρόσωπος του Φωβισμού πήγε πολύ μακριά με τη φωτεινότητα των χρωμάτων και την ειλικρινή αλήθεια.

Στην κορυφή της δημοτικότητάς του, που σημειώθηκε στη δεκαετία του '30, ο καλλιτέχνης χρειαζόταν έναν βοηθό. Ο Matisse μετακόμισε με την οικογένειά του στη Νίκαια εκείνη την εποχή. Μια μέρα, μια νεαρή Ρωσίδα μετανάστρια, η Lydia Delectorskaya, εμφανίστηκε στο σπίτι και έγινε γραμματέας του ζωγράφου. Στην αρχή, η σύζυγος δεν είδε κίνδυνο στο κορίτσι - ο σύζυγός της δεν άρεσε στους ξανθούς ανθρώπους. Αλλά η κατάσταση άλλαξε αμέσως: βλέποντας κατά τύχη τη Λίντια στην κρεβατοκάμαρα της συζύγου του, ο Χένρι έσπευσε να τη ζωγραφίσει.

Στη συνέχεια, η Amelie χώρισε τον διάσημο σύζυγό της και έγινε Dillectorskaya η τελευταία μούσαΜατίς. Τι είδους σχέση βασίλευε σε αυτή την ένωση, αν ήταν αγάπη ή αν το ζευγάρι περιοριζόταν στη συνεργασία, δεν είναι ακόμα γνωστό. Ανάμεσα στη διασπορά σχεδίων και πινάκων που απεικονίζουν τη Λυδία, ξεχωρίζει ο πίνακας «Odalisque». Μπλε Αρμονία».

Θάνατος

Την 1η Νοεμβρίου 1954, ο Ανρί Ματίς υπέστη μικροεγκεφαλικό. Δύο μέρες μετά σπουδαίος καλλιτέχνηςπέθανε. Ο θρύλος λέει ότι η Dillectorskaya, λίγο πριν από το θάνατό της, επισκέφτηκε τη ζωγράφο στην κρεβατοκάμαρα, όπου είπε:

«Μια άλλη μέρα θα έλεγες, ας πάρουμε ένα μολύβι και ένα χαρτί».

Ο Ανρί απάντησε χαμογελώντας:

«Δώσε μου ένα μολύβι και ένα χαρτί».

Εργοστάσιο

• 1896 - "Μπουκάλι του Schiedam"
• 1905 - «Χαρά της Ζωής»
• 1905 - "Γυναίκα με καπέλο"
• 1905 - "Green Stripe"
• 1905 - "Ανοιχτό παράθυρο στο Collioure"
• 1907 - «Μπλε γυμνό»
• 1908 – «Το κόκκινο δωμάτιο»
• 1910 – «Μουσική»
• 1916 - "Bather by the River"
• 1935 - "Pink Nude"
• 1937 - "Γυναίκα με μοβ παλτό"
• 1940 – «Ρουμανική μπλούζα»
• 1952 – «The King’s Sadness»

Ανρί Ματίς

Henri Matisse (1869–1954), ένας εξαιρετικός Γάλλος καλλιτέχνης. Γεννήθηκε στις 31 Δεκεμβρίου 1869 στο Le Cateau στη βόρεια Γαλλία. Το 1892 ήρθε στο Παρίσι, όπου σπούδασε στην Julian Academy, και αργότερα με τον Gustave Moreau. Η αναζήτηση μιας άμεσης μεταφοράς αισθήσεων με τη βοήθεια έντονου χρώματος, απλοποιημένου σχεδίου και επίπεδων εικόνων αντικατοπτρίστηκε στα έργα που παρουσίασε στην έκθεση του «άγριου» (Fauves) στο Φθινοπωρινό Σαλόνι του 1905. Εκθέτει μια σειρά από έργα Τα έργα αυτά, που δημιούργησαν μια σκανδαλώδη αίσθηση, σηματοδότησε την αρχή του Φωβισμού. Εκείνη την εποχή, ο Matisse ανακάλυψε το γλυπτό των λαών της Αφρικής, άρχισε να το συλλέγει και άρχισε να ενδιαφέρεται για τις κλασικές ιαπωνικές ξυλογραφίες και τα αραβικά διακοσμητικές τέχνες. Μέχρι το 1906 ολοκλήρωσε τη σύνθεση «Η χαρά της ζωής», η πλοκή της οποίας ήταν εμπνευσμένη από το ποίημα «Το απόγευμα ενός φαύνου» του S. Mallarmé: η πλοκή συνδυάζει μοτίβα ποιμενικής και βακκαναλίας. Εμφανίστηκαν οι πρώτες λιθογραφίες, ξυλογραφίες και κεραμικά. Τα γραφικά του Matisse συνδυάζουν αραβουργήματα με μια λεπτή απόδοση της αισθησιακής γοητείας της φύσης. Το 1907, ο Matisse ταξιδεύει μέσω της Ιταλίας (Βενετία, Πάντοβα, Φλωρεντία, Σιένα). Στις «Σημειώσεις ενός ζωγράφου» (1908), διατυπώνει τις καλλιτεχνικές του αρχές και μιλά για την ανάγκη για «συναισθήματα με απλά μέσα». Στο εργαστήριο του Henri Matisse εμφανίζονται μαθητές από διαφορετικές χώρες.
"Αυτοπροσωπογραφία" 1918, Μουσείο Matisse, Le Cate-Cambrai, Γαλλία

Το 1908, ο S.I. Shchukin παρήγγειλε στον καλλιτέχνη τρία διακοσμητικά πάνελ για το δικό του σπίτι στη Μόσχα. Το πάνελ «Χορός» (1910, Ερμιτάζ) παρουσιάζει έναν εκστατικό χορό εμπνευσμένο από τις εντυπώσεις των ρωσικών εποχών του S. Diaghilev, τις παραστάσεις της Isadora Duncan και την ελληνική αγγειογραφία. Στη Μουσική, ο Matisse παρουσιάζει μεμονωμένες φιγούρες που τραγουδούν και παίζουν διάφορα όργανα. Το τρίτο πάνελ - "Καλύμβηση, ή Διαλογισμός" - παραμένει μόνο σε σκίτσα. Εκτέθηκαν στο σαλόνι του Παρισιού πριν σταλούν στη Ρωσία, οι συνθέσεις του Matisse προκάλεσαν σκάνδαλο με το συγκλονιστικό γυμνό των χαρακτήρων και το απροσδόκητο της ερμηνείας των εικόνων. Σε σχέση με την εγκατάσταση του πάνελ, ο Matisse επισκέφθηκε τη Μόσχα, έδωσε αρκετές συνεντεύξεις για εφημερίδες και εξέφρασε τον θαυμασμό του για την αρχαία ρωσική ζωγραφική. Στον πίνακα «Κόκκινα Ψάρια» (1911, Μουσείο Καλών Τεχνών, Μόσχα), χρησιμοποιώντας τις τεχνικές ελλειπτικών και αντίστροφων προοπτικών, την ονομαστική κλήση των τόνων και την αντίθεση πράσινου και κόκκινου, ο Matisse δημιουργεί το εφέ του ψαριού που κάνει κύκλους σε ένα ποτήρι. σκάφος. Τους χειμερινούς μήνες από το 1911 έως το 1913, ο καλλιτέχνης επισκέφτηκε την Ταγγέρη (Μαρόκο), δημιούργησε το μαροκινό τρίπτυχο «Θέα από ένα παράθυρο στην Ταγγέρη», «Ζόρα στην ταράτσα» και «Είσοδος στο Κάσμπα» (1912, ό.π.), που απέκτησε ο I. A. Morozov. Τα αποτελέσματα των μπλε σκιών και των εκτυφλωτικών ακτίνων του ήλιου μεταφέρονται αριστοτεχνικά.

«Πιάτα και φρούτα» 1901 Ερμιτάζ

John McLaughlin - "The Peacocks" ("The Promise")

"Γυναίκα με καπέλο" (Πορτρέτο μιας γυναίκας) 1904 - Παρουσιάστηκε στο Σαλόνι του 1905.

«Νεκρή φύση με βάζο, μπουκάλι και φρούτα» 1903-1906 Ερμιτάζ

"The Square in Saint-Tropez" 1904 Μουσείο Τέχνης, Κοπεγχάγη

"Window" 1916 Institute of Art, Detroit

"Raised Knee" 1922, Ιδιωτική συλλογή

Μετά τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο, ο Matisse έζησε κυρίως στη Νίκαια. Το 1920 ερμήνευσε σκίτσα σκηνικών και κοστουμιών για το μπαλέτο του I. Stravinsky «The Nightingale» (χορογραφία L. Massine, παραγωγή S. Diaghilev). Υπό την επίδραση του πίνακα του O. Renoir, τον οποίο ο Matisse γνώρισε στη Νίκαια, άρχισε να ενδιαφέρεται να απεικονίζει μοντέλα με ελαφριά ρούχα (ο κύκλος "odalisque"). ενδιαφέρονται για τους δασκάλους του ροκοκό. Το 1930 ταξίδεψε στην Ταϊτή, εργάστηκε σε δύο εκδόσεις διακοσμητικών πάνελ για το Ίδρυμα Barnes στο Merion (Φιλαδέλφεια), που επρόκειτο να τοποθετηθούν παραπάνω ψηλά παράθυρακύριος εκθεσιακός χώρος. Το θέμα του πάνελ είναι ο χορός. Οι οκτώ φιγούρες παρουσιάζονται σε φόντο που αποτελείται από ροζ και μπλε ρίγες, με τις ίδιες τις φιγούρες να είναι γκριζωπός-ροζ τόνος. Το διάλυμα σύνθεσης είναι σκόπιμα επίπεδο και διακοσμητικό.
Στη διαδικασία δημιουργίας σκίτσων, ο Matisse άρχισε να χρησιμοποιεί την τεχνική των μοσχευμάτων από έγχρωμο χαρτί ("decoupage"), την οποία αργότερα χρησιμοποίησε ευρέως (για παράδειγμα, στη σειρά "Jazz", 1944-47, που αργότερα αναπαράχθηκε σε λιθογραφίες). Πριν από τον Β' Παγκόσμιο Πόλεμο, ο Matisse εικονογράφησε βιβλία που παράγονταν σε μικρές εκδόσεις (χαρακτική ή λιθογραφία). Για τις παραγωγές του Ντιάγκιλεφ κάνει σκίτσα του σκηνικού του μπαλέτου «Κόκκινο και μαύρο» σε μουσική του Ντ. Σοστακόβιτς. Εργάζεται εκτενώς και γόνιμα με τις πλαστικές τέχνες, συνεχίζοντας τις παραδόσεις των A. Bari, O. Rodin, E. Degas και A. E. Bourdelle. Το ζωγραφικό του στυλ είναι αισθητά απλοποιημένο. το σχέδιο ως βάση της σύνθεσης αποκαλύπτεται όλο και πιο καθαρά (“Romanian Blouse”, 1940, J. Pompidou Centre for Contemporary Art). Το 1948-53, με εντολή του Δομινικανού Τάγματος, εργάστηκε για την κατασκευή και διακόσμηση του «Παρεκκλησίου του Ροδαρίου» στη Βενς. Ένας διάτρητος σταυρός αιωρείται πάνω από την κεραμική οροφή που απεικονίζει τον ουρανό με σύννεφα. πάνω από την είσοδο του παρεκκλησίου υπάρχει ένα κεραμικό πάνελ που απεικονίζει τον Αγ. Δομίνικο και την Παναγία. Άλλα πάνελ, που εκτελούνται σύμφωνα με τα σκίτσα του πλοιάρχου, τοποθετούνται στο εσωτερικό. ο καλλιτέχνης είναι εξαιρετικά τσιγκούνης με λεπτομέρειες, ανήσυχες μαύρες γραμμές αφηγούνται δραματικά την ιστορία της Τελευταία Κρίσης (δυτικός τοίχος του παρεκκλησίου). δίπλα στο βωμό είναι μια εικόνα του ίδιου του Dominic. Αυτό το τελευταίο έργο του Matisse, στο οποίο έδωσε μεγάλη σημασία, είναι μια σύνθεση πολλών από τις προηγούμενες αναζητήσεις του. Ο Matisse εργάστηκε σε διαφορετικά είδη και είδη τέχνης και χρησιμοποίησε ποικίλες τεχνικές. Στο πλαστικό, όπως και στα γραφικά, προτίμησε να δουλεύει σε σειρές (για παράδειγμα, τέσσερις εκδοχές του ανάγλυφου «Standing with her back to the viewer», 1930-40, J. Pompidou Centre for Contemporary Art, Παρίσι).
Ο κόσμος του Matisse είναι ένας κόσμος χορών και ποιμενικών, μουσικής και μουσικά όργανα, όμορφα βάζα, ζουμερά φρούτα και φυτά θερμοκηπίου, διάφορα αγγεία, χαλιά και πολύχρωμα υφάσματα, μπρούτζινα ειδώλια και ατελείωτη θέα από το παράθυρο (το αγαπημένο μοτίβο του καλλιτέχνη). Το στυλ του διακρίνεται από την ευελιξία των γραμμών, άλλοτε διακοπτόμενων, άλλοτε στρογγυλεμένων, που μεταφέρουν διάφορες σιλουέτες και περιγράμματα («Themes and Variations», 1941, κάρβουνο, στυλό), ρυθμίζοντας σαφώς τις αυστηρά μελετημένες, κυρίως ισορροπημένες συνθέσεις του.
Ο λακωνισμός των εκλεπτυσμένων καλλιτεχνικών μέσων, οι χρωματιστικές αρμονίες, που συνδυάζουν είτε έντονες αντίθετες αρμονίες, είτε την ισορροπία τοπικών μεγάλων σημείων και μαζών χρώματος, εξυπηρετούν τον κύριο στόχο του καλλιτέχνη - να μεταδώσει ευχαρίστηση από την αισθησιακή ομορφιά των εξωτερικών μορφών.
Επιπλέον, ο Matisse επηρεάστηκε έντονα από τα έργα ισλαμικής τέχνης που παρουσιάστηκαν στην έκθεση του Μονάχου. Οι δύο χειμώνες που πέρασε ο καλλιτέχνης στο Μαρόκο (1912 και 1913) τον εμπλούτισαν με γνώσεις ανατολίτικων μοτίβων και η μακρά ζωή του στη Ριβιέρα συνέβαλε στην ανάπτυξη μιας φωτεινής παλέτας. Σε αντίθεση με τον σύγχρονο κυβισμό, το έργο του Matisse δεν ήταν κερδοσκοπικό, αλλά βασίστηκε σε μια σχολαστική μελέτη της φύσης και των νόμων της ζωγραφικής. Οι πίνακές του με γυναικείες φιγούρες, νεκρές φύσεις και τοπία μπορεί να φαίνονται δευτερεύουσες ως προς τη θεματολογία, αλλά είναι αποτέλεσμα μακράς μελέτης των φυσικών μορφών και της τολμηρής απλοποίησής τους. Ο Matisse κατάφερε να εκφράσει αρμονικά την άμεση συναισθηματική αίσθηση της πραγματικότητας με τον πιο αυστηρό τρόπο καλλιτεχνική μορφή. Εξαιρετικός σχεδιαστής, ο Matisse ήταν πρωτίστως χρωματιστής, πετυχαίνοντας το εφέ συντονισμένου ήχου σε μια σύνθεση πολλών έντονων χρωμάτων. Ο Matisse πέθανε στις 3 Νοεμβρίου 1954 στο Cimiez, κοντά στη Νίκαια.

Οι πρώτες νεκρές φύσεις του Matisse

"Νεκρή φύση" 1890

«Γυναίκα που διαβάζει» 1894

"Στούντιο του Γκυστάβ Μορώ" 1895

"Η υπηρέτρια" 1896

«Blue Pot and Lemon» 1897. Λάδι σε μουσαμά. Ερημητήριο

«Τραπέζι δείπνου» 1897

"Fruit and coffeepot" 1899 Ερμιτάζ

"Αυτοπροσωπογραφία"

«Νεκρή φύση με πορτοκάλια 1899

«Εργαστήριο εν τη σοφίτα» 1903. Λάδι σε μουσαμά. Μουσείο Fitzwilliam, Cambridge, UK

"The Happiness of Existence (The Joy of Living)" 1905-06 Barnes Foundation, Lincoln University, Merion, Pennsylvania

"Ναύτης" 1906

Ασυνήθιστα πορτρέτα του Matisse

"Αυτοπροσωπογραφία" 1900 Centa. Ζωρζ Πομπιντού

"Auguste Pellerin" (II) 1916

«Greta Mall» 1908, Εθνική Πινακοθήκη, Λονδίνο

"Αυτοπροσωπογραφία σε ένα ριγέ πουκάμισο" 1906 Κρατικό Μουσείο της Κοπεγχάγης

«Πορτρέτο της γυναίκας του καλλιτέχνη» 1912-13 Ερμιτάζ

"Ιταλικό" 1916

"Aicha and Lorette" 1917

"Λευκό φτερό" 1919

"Πορτρέτο της Σάρα Στάιν" 1916

Το 1914, τα καλύτερα έργα του Matisse, που ανήκαν στους Michael και Sarah Stein, εξαφανίστηκαν στη Γερμανία ενώ συμμετείχε σε έκθεση στο Βερολίνο λίγο πριν το ξέσπασμα του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου. Δύο χρόνια αργότερα, ο Matisse δημιούργησε ζευγαρωμένα πορτρέτα του Michael και της Sarah Stein, των πιο αφοσιωμένων πρώτων συλλεκτών του, για να αντισταθμίσει τα έργα που είχαν χάσει στο Βερολίνο.

"Πορτρέτο του Μάικλ Στάιν" 1916

«Τσάϊ Πάρτι στον Κήπο» 1919

"Λορέτ με φλιτζάνι καφέ" 1917

«Φιγούρα σε φόντο στολίδι» 1925-26. Κέντρο Πομπιντού, Παρίσι

«Laurette in a White Turban» 1916 Ch.k

«Μπαλαρίνα, αρμονία στο πράσινο» 1927. Ch.k

"Greta Prozor" 1916

Andre Derain "Πορτρέτο του Henri Matisse" 1905

"Portrait of Andre Derain" 1905. Λάδι σε καμβά Γκαλερί Tate, Λονδίνο, Η.Β

"Madame Matisse" 1907

«Όνειρο» 1935

Περισσότερες νεκρές φύσεις από τον Matisse

«Μπλε τραπεζομάντηλο» 1909

«Ελληνικός κορμός με λουλούδια» 1919

«Βάζο με πορτοκάλια» 1916. Χ.κ.

"Νεκρή φύση με καθρέφτη"

«Εσωτερικό με βιολί» 1917-18 Κρατικό Μουσείο της Κοπεγχάγης

Και πάλι πορτρέτα

"Γυναίκα με καπέλο με λουλούδια" 1919

"Ballerina" 1927 Συλλογή του Otto Krebs, Holzdorf. Τώρα στο Ερμιτάζ

«Κορίτσι με μπλε μπλούζα» (Πορτραίτο της Lydia Delectorskaya, βοηθός του καλλιτέχνη). 1939 Ερμιτάζ

"Κορίτσι με ροζ" 1942

«Κορίτσι στα πράσινα με γαρύφαλλο» 1909. Ερημιτάζ

«Πορτρέτο της Μαργαρίτας» 1906-1907

"Το κορίτσι με τα πράσινα μάτια" 1908

"Three Sisters" 1916

"The Music Lesson" 1917 Barnes Foundation, University of Lincoln

"Λορέτ με κόκκινο φόρεμα" 1917

«Yvonne Landsberg» 1914. Etching Philadelphia Museum of Art

"Λορέτ με πράσινο φόρεμα, σε μαύρο φόντο" 1916

Ανατολίτικα θέματα στους πίνακες του Matisse

«Harmony in red tones» 1908. X, M. Hermitage

«Κάτοικος Τσώρα στην ταράτσα» 1912 Μουσείο Πούσκιν ιμ. Α.Σ. Πούσκιν

"Μαυριτανικό δωμάτιο" 1923

"Odalisque με κόκκινο παντελόνι" 1917

"Marabout" 1912

"Maroccan Garden" 1912

«Ο Μαροκινός στην Ελλάδα» 1912-13. Ερημητήριο

«Μαυριτανική γυναίκα με υψωμένα χέρια» 1923

"Odalisque with Magnolia" 1924

«Συνομιλία» 1909

"Odalisque with a dambourine" 1926

«Γυμνό σε μπλε μαξιλάρι» 1924 Ch.k.

«Ασία» 1946

"Μπλε γυμνό με μαλλιά στον άνεμο" 1952

"Blue Nude. Memories of Biskra" 1907

Αυτή η εικόνα ζωγραφίστηκε μετά από μια επίσκεψη στην Αλγερία. Με την ακατανόητη εκτέλεσή του, τη βάναυση διαμόρφωση και τη στριφτή πόζα του, αυτός ο πίνακας είναι ένα από τα βασικά έργα στην καριέρα του και γενικότερα στη δυτική τέχνη.

"Γυναίκα με ομπρέλα" 1905

"Δύο κορίτσια" 1941

"Περίγραμμα της Notre-Dame τη νύχτα" 1902

«Πολυτέλεια, ειρήνη και ευχαρίστηση» 1904 Κέντρο Ζωρζ Πομπιντού, Παρίσι

Σχέδια του Matisse

"Πορτρέτο μιας γυναίκας" 1945

"Πορτρέτο του Ilya Ehrenburg"

"Πορτρέτο μιας γυναίκας με ρευστά μαλλιά"

"Γυναίκα στο προφίλ"

Ανρί Ματίς

Αρχική ανάρτηση και σχόλια στο

Henri Matisse ( Ανρί Ματίς) - ένας εξαιρετικός Γάλλος καλλιτέχνης, ηγέτης του Φωβιστικού κινήματος - γνωστός για την αριστοτεχνική του απόδοση εξαιρετικών συναισθημάτων και συναισθημάτων με χρώμα. Ο κόσμος του Matisse είναι ένας κόσμος χορών και βοσκών, όμορφα βάζα, ζουμερά φρούτα, φυτά θερμοκηπίου, χαλιά και πολύχρωμα υφάσματα, μπρούτζινα ειδώλια και ατελείωτα τοπία. Το στυλ του διακρίνεται από την ευελιξία των γραμμών, άλλοτε διακοπτόμενων, άλλοτε στρογγυλεμένων, που μεταφέρουν μια ποικιλία από σιλουέτες και περιγράμματα, διαθέσεις και μοτίβα. Εξευγενισμένος καλλιτεχνικά μέσα, χρωματιστικές αρμονίες που συνδυάζουν έντονες αντιθετικές αρμονίες, σαν να καλούν τον θεατή αυτών των έργων να απολαύσει την αισθησιακή ομορφιά του κόσμου.

Λένε για τον πίνακα του Ματίς ότι είναι μουσικός. Στην τέχνη του καλλιτέχνη δόθηκαν συχνά οι ορισμοί του «κοσμικού» και του «κομμωτηρίου», βλέποντας στη γιορτή και την κομψότητα των έργων του μια άμεση επιρροή από τα γούστα των πλούσιων θαμώνων των τεχνών. Κατηγορείται για την έλλειψη επαφής με την πραγματικότητα, την παρακμή, την έλλειψη κατανόησης σύγχρονα προβλήματα. Πράγματι, με σπάνιες εξαιρέσεις, δεν θα δείτε απεριόριστα καθημερινά μοτίβα στους πίνακές του. Ο Henri προσπάθησε να αποτυπώσει κάτι εντελώς διαφορετικό: κομψές γυναίκες σε ένα όμορφο κομψό περιβάλλον, πλούσια μπουκέτα λουλουδιών, φωτεινά χαλιά.

Ο μελλοντικός καλλιτέχνης ήρθε στον κόσμο, τον οποίο αργότερα θα δοξαζόταν με τόση αγάπη με τη βοήθεια ενός πινέλου και των χρωμάτων, λίγο πριν από την έναρξη της Πρωτοχρονιάς - 31 Δεκεμβρίου 1869 στο Cateau Cambresy, στη βόρεια Γαλλία. Ο πατέρας ήθελε ο γιος του να σταθεί ξανά στα πόδια του το συντομότερο δυνατό, τον έβλεπε ως δικηγόρο, έναν πλούσιο άνθρωπο, αλλά οι επιθυμίες του παρέμεναν όνειρο. Είναι αλήθεια ότι μετά την αποφοίτησή του από το Λύκειο Saint-Quentin, ο Matisse έπρεπε ακόμα να σπουδάσει νομικά στο Παρίσι. Πρωτοδοκίμασε τις δυνάμεις του στη ζωγραφική όταν ήταν στο νοσοκομείο, όπου έπασχε από σκωληκοειδίτιδα. Ο ελεύθερος χρόνος ήταν πολύς, ο Ανρί έκανε ένα σχέδιο, άλλο και... το έργο τον γοήτευσε. Σε ηλικία 20 ετών άρχισε να εκπαιδεύεται σε σχολή τέχνης Ventin de la Tour, και το 1891 πήγε στο Παρίσι, όπου εισήλθε στη Σχολή Καλών Τεχνών. Στη συνέχεια, παρά τη θέληση του πατέρα του, ο Ματίς εγκατέλειψε τη νομολογία και εγκαταστάθηκε πλήρως στο Παρίσι, εισερχόμενος στην Ακαδημία Τζούλιαν και παρακολουθώντας μαθήματα από τον δάσκαλο της γαλλικής ζωγραφικής, Γκουστάβ Μορώ.

Ένας μυστικιστής και συμβολιστής, ο Moreau προέβλεψε ένα μεγάλο μέλλον για τον επίδοξο καλλιτέχνη, εκτιμώντας ιδιαίτερα τις καινοτόμες τεχνικές του σε απροσδόκητους χρωματικούς συνδυασμούς. Η ζωγραφική απαιτεί χρόνο και χρήμα. Η οικογένεια μεγαλώνει: στο τέλος δύο αιώνων, γεννιούνται οι γιοι του καλλιτέχνη - ο Jean και ο Pierre. Σύμφωνα με τα απομνημονεύματα των συγχρόνων, ο γάμος του Matisse ήταν εξαιρετικά ευτυχισμένος: η Amelie Matisse, αφοσιωμένη στον καλλιτέχνη, εργάστηκε σκληρά ώστε ο σύζυγός της να μπορεί να ασχοληθεί μόνο με τη δημιουργικότητα. Αυτή η όμορφη γυναίκα απεικονίζεται σε πολλούς από τους πίνακες του δασκάλου. τα πιο διάσημα έργα είναι το «Γυναίκα με καπέλο» και το «Πορτρέτο μιας συζύγου». Η Amelie έκανε ό,τι ήταν δυνατό για να κάνει τον Henri να ταξιδεύει περισσότερο, να βλέπει τον κόσμο και να απορροφά τα χρώματά του. Μαζί το ζευγάρι ταξιδεύει στην Αλγερία, όπου ο Ματίς γνωρίζει την τέχνη της Ανατολής, η οποία είχε μεγάλη επιρροή πάνω του. Ως εκ τούτου, στο έργο του - η κυριαρχία του χρώματος έναντι της φόρμας, η ποικιλομορφία και το μοτίβο, η σχηματοποίηση στο σχεδιασμό των αντικειμένων.

Η αναζήτηση για μια άμεση μεταφορά αισθήσεων χρησιμοποιώντας έντονο χρώμα, απλοποιημένο σχέδιο και επίπεδες εικόνες αντικατοπτρίστηκε στα έργα που παρουσιάστηκαν στην έκθεση Fauvist στο Φθινοπωρινό Σαλόνι του Παρισιού το 1905. Εκείνη την εποχή, ο Matisse ανακάλυψε τη γλυπτική των λαών της Αφρικής και άρχισε να ενδιαφέρεται για την κλασική ιαπωνική ξυλογραφία και τη διακοσμητική αραβική τέχνη.

Το 1908, ο Ρώσος συλλέκτης Sergei Shchukin ανέθεσε στον καλλιτέχνη να δημιουργήσει τρία διακοσμητικά πάνελ για το σπίτι του στη Μόσχα. Το έργο «Χορός» (1910) παρουσιάζει έναν εκστατικό χορό εμπνευσμένο από τις εντυπώσεις των ρωσικών εποχών του Sergei Diaghilev, τις παραστάσεις της Isadora Aunkan και την ελληνική αγγειογραφία. Στη «Μουσική» υπάρχουν φιγούρες καλλιτεχνών που παίζουν διάφορα όργανα. Το τρίτο πάνελ - "Καλύμβηση, ή Διαλογισμός" - παραμένει μόνο σε σκίτσα. Πίνακες από τη συλλογή Shchukin, «αποκομμένοι» από τον πόλεμο από τον υπόλοιπο κόσμο, κατασχέθηκαν από το κράτος μετά την επανάσταση, παρέμειναν κλεισμένοι στα σοβιετικά υπόγεια στα μέσα του 20ου αιώνα και είδαν το φως της δημοσιότητας μόνο μετά ο θάνατος του Στάλιν (και του ίδιου του Ματίς).

Δεν μπορεί να ειπωθεί ότι ο καλλιτεχνικός beau monde έλαβε το έργο του Matisse αναμφισβήτητα θετικά. Για παράδειγμα, ο Πάμπλο Πικάσο δεν αντιλήφθηκε καθόλου τον Γάλλο ζωγράφο και τον έβλεπε ως αντίπαλό του. Ο Igor Stravinsky θυμάται: «Τι είναι ο Matisse; - Στον Πάμπλο άρεσε να επαναλαμβάνει. «Υπάρχει ένα μπαλκόνι και μια φωτεινή γλάστρα πάνω του».

Σε αντίθεση με τον Πικάσο, ο Ματίς έπρεπε να αντιμετωπίσει την αντίθεση από τον πατέρα του, ο οποίος ντρεπόταν σε όλη του τη ζωή που ο γιος του αποφάσισε να γίνει καλλιτέχνης. Για πολλά χρόνια ο Ματίς ζούσε στη φτώχεια. Ήταν περίπου σαράντα όταν κατάφερε τελικά να συντηρήσει μόνος του την οικογένειά του. Ο Ανρί αναζητούσε στην τέχνη την ειρήνη και τη σταθερότητα που η ζωή δεν μπορούσε να του δώσει. Ο Πάμπλο, αντίθετα, υπονόμευσε τα θεμέλια του κόσμου.

Όταν γνωρίστηκαν το 1906, ο Πικάσο ήταν 25 ετών, είχε μόλις φτάσει από την Ισπανία, μόλις μιλούσε γαλλικά και ουσιαστικά κανείς δεν τον ήξερε στο Παρίσι. Ο τρίχρονος Matisse εκείνη την εποχή ήταν ήδη αναγνωρισμένος ως καλλιτέχνης πρώτης κατηγορίας. Ο πρώτος πίνακας που έδωσε ο Matisse στον Πικάσο το 1907 ήταν ένα πορτρέτο της κόρης του Henri, Marguerite. Ο Πικάσο κρέμασε το έργο στο στούντιό του και κάλεσε τους φίλους του να το χρησιμοποιήσουν ως βελάκια.

Ο Matisse επηρεάστηκε έντονα από την ισλαμική τέχνη, που παρουσιάστηκε σε έκθεση στο Μόναχο το 1911. Οι δύο χειμώνες που πέρασε ο καλλιτέχνης στο Μαρόκο (1912 και 1913) εμπλούτισαν περαιτέρω τις γνώσεις του για τα ανατολίτικα μοτίβα και η μακρά ζωή του στη Ριβιέρα συνέβαλε στην ανάπτυξη μιας φωτεινής παλέτας. Σε αντίθεση με τους δασκάλους του Κυβισμού, το έργο του Matisse δεν ήταν κερδοσκοπικό, βασίστηκε σε μια σχολαστική μελέτη της φύσης και των νόμων της ζωγραφικής. Όλοι αυτοί οι πίνακες, που απεικονίζουν γυναικείες φιγούρες, νεκρές φύσεις και τοπία, είναι αποτέλεσμα μακράς μελέτης των φυσικών μορφών. Μπορούμε να πούμε ότι ο Matisse κατάφερε να εκφράσει αρμονικά την άμεση συναισθηματική αίσθηση της πραγματικότητας στην πιο αυστηρή καλλιτεχνική μορφή. Εξαιρετικός σχεδιαστής, ήταν κυρίως χρωματιστής, πετυχαίνοντας το αποτέλεσμα ενός συντονισμένου ήχου πολλών έντονων χρωμάτων. Για παράδειγμα, στον πίνακα «Πολυτέλεια, Ειρήνη και Ηδονότητα», το στυλ Art Nouveau συνδυάζεται με το διακεκομμένο στυλ ζωγραφικής που είναι χαρακτηριστικό του πουαντιλισμού. Στη συνέχεια, η ενέργεια του χρώματος αυξάνεται, εμφανίζεται ενδιαφέρον για έκφραση ( αγαπημένη λέξη Matisse), πολύχρωμα φωτοστέφανα, χρωματική επεξεργασία μέσα στην εικαστική σύνθεση.

Η χρωματική επίδραση των πινάκων του Matisse στον θεατή είναι απίστευτη. τα χρώματα φωνάζουν και φωνάζουν σαν δυνατές φανφάρες. Οι χρωματικές αντιθέσεις τονίζονται και τονίζονται έντονα. Να τι λέει ο ίδιος ο καλλιτέχνης: «Στη ζωγραφική μου «Μουσική» ο ουρανός είναι ζωγραφισμένος σε ένα όμορφο μπλε χρώμα, το πιο μπλε των μπλουζ, το αεροπλάνο είναι βαμμένο με ένα χρώμα τόσο κορεσμένο που το μπλε, η ιδέα του απόλυτου μπλε , αποκαλύπτεται πλήρως. Το καθαρό πράσινο είχε ληφθεί για τα δέντρα και η κιννάβαρη για τα ανθρώπινα σώματα. Η έκφραση εξαρτάται από τη χρωματική επιφάνεια που αγκαλιάζει ο θεατής ως σύνολο».

Στα έργα του Matisse, το χρώμα κυριαρχεί τόσο πολύ έναντι του σχεδίου που μπορούμε να πούμε: είναι το χρώμα που είναι ο πραγματικός ήρωας του περιεχομένου των πινάκων. Αυτή η δημιουργική μέθοδος ήταν χαρακτηριστική όχι μόνο του Ματίς, αλλά και του Φωβισμού γενικότερα. Ένας κριτικός έγραψε για τους Fauves: «Έριξαν ένα κουτί μπογιά στο πρόσωπο του κοινού». Ο Matisse, σε ένα από τα δοκίμιά του, αντεπιτίθεται: «Τα χρώματα σε έναν πίνακα πρέπει να διεγείρουν τα συναισθήματα μέχρι το βάθος, ανεξάρτητα από το τι λένε οι κριτικοί». Δεν είναι περίεργο που ο Guillaume Apollinaire αναφώνησε: «Αν το έργο του Matisse χρειαζόταν σύγκριση, θα έπρεπε να πάρει κανείς ένα πορτοκάλι. Το Matisse είναι ένα φρούτο με εκθαμβωτικό χρώμα».

Η ακρίβεια με την οποία χτίζει μια σύνθεση σε καμβά είναι αξιοσημείωτη. Ο Matisse αντιλαμβάνεται τον ίδιο τον άξονα κίνησης, δίνοντας στο σχέδιο ακεραιότητα και κανονικότητα. Τα σκίτσα του είναι τόσο αιχμηρά, δυναμικά, λιτά και ταυτόχρονα ευέλικτα που δεν μπορούν να συγχέονται με τα έργα άλλων σχεδιαστών - είναι άμεσα αναγνωρίσιμα!

Οι Γάλλοι καλλιτέχνες της εποχής της Art Nouveau ήταν μερικοί στο χορό. Χαριτωμένα μπαλαρίνες του Ντεγκά, πρίμα καμπαρέ του Τουλούζ-Λωτρέκ - διάφορες ενσαρκώσεις αυτού που έχει γίνει της μόδας θέμα χορού. Ο Henri Matisse δεν αποτέλεσε εξαίρεση. Και παρόλο που ο ρεαλισμός είναι ξένος στις εικόνες του Matisse, και οι διακοσμητικοί καμβάδες του έχουν λίγα κοινά με μια αξιόπιστη απεικόνιση μπαλαρινών σε παπούτσια πουέντ, το θέμα του χορού αναδύεται πάντα σε σημεία καμπής στη δημιουργική του διαδρομή.

Το πάνελ «Παρισινός Χορός» σχεδιάστηκε από τον Ματίς στα χρόνια της παρακμής του. Ωστόσο, το έργο θεωρείται ένα από τα πιο τολμηρά και καινοτόμα. Ειδικά για αυτή τη σειρά, ο συγγραφέας επινόησε και ανέπτυξε αρχικός εξοπλισμός- ντεκουπάζ (μεταφρασμένο από τα γαλλικά ως "κοπή"). Σαν ένα γιγάντιο παζλ, η εικόνα συναρμολογήθηκε από μεμονωμένα θραύσματα. Από φύλλα προβαμμένα με γκουάς, ο μαέστρος έκοψε προσωπικά με ψαλίδι φιγούρες και κομμάτια φόντου και στη συνέχεια, σύμφωνα με το σχέδιο που σημειώθηκε με κάρβουνο, τα προσάρτησε στη βάση με καρφίτσες... Ο «παριζιάνικος χορός» είναι γνωστός σε τρία εκδόσεις. Η παλαιότερη, ημιτελής έκδοση είναι ουσιαστικά ένα προπαρασκευαστικό σκίτσο. Με το δεύτερο, σχεδόν ολοκληρωμένο έργο, προέκυψε μια ατυχής ιστορία: ο Matisse έκανε ένα λάθος στο μέγεθος του δωματίου και ολόκληρος ο καμβάς έπρεπε να ξαναγραφτεί. Η τελική έκδοση εγκρίθηκε από τον πελάτη και αναχώρησε με επιτυχία στο εξωτερικό. Και ο προηγούμενος, «ελαττωματικός» καλλιτέχνης κατάφερε να τελειώσει, το 1936 έδωσε το έργο με μέτρια αμοιβή στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης στο Παρίσι. Σήμερα, ο «Παρισινός Χορός» δικαίως θεωρείται το μαργαριτάρι της συλλογής αυτού του μουσείου - δεν είναι τυχαίο ότι χτίστηκε μια ειδική αίθουσα για να εκτεθεί ο γιγαντιαίος καμβάς. Μια άλλη ενδιαφέρουσα λεπτομέρεια: στη διαδικασία της δουλειάς στο «The Parisian Dance», ο Henri Matisse έπρεπε να επισκεφθεί τη Μόσχα, όπου μαζί με τον ποιητή Valery Bryusov και τον καλλιτέχνη Valentin Serov, που ανακάλυψαν στον Matisse την ομορφιά των ρωσικών εικόνων, από τις οποίες Ο Γάλλος ζωγράφος ήταν ενθουσιασμένος, γνώρισε τη Lydia Aelektorskaya. Αυτή η απλή Ρωσίδα προοριζόταν να μείνει στην ιστορία - έγινε γραμματέας, στη συνέχεια απαραίτητος βοηθός και στη συνέχεια η πιο στενή φίλη και τελευταία μούσα του καλλιτέχνη. Τον Οκτώβριο του 1933, η Lydia Lelektorskaya μετακόμισε στο σπίτι του Matisse και έμεινε εκεί για σχεδόν 22 χρόνια.

Ο Matisse έγραψε για τις εντυπώσεις του από τη Ρωσία: «Χθες είδα μια συλλογή από παλιές εικόνες. Αυτή είναι μια αληθινή μεγάλη τέχνη. Είμαι ερωτευμένος με τη συγκινητική τους απλότητα, που μου είναι πιο κοντινή και αγαπητή από τους πίνακες του Fra Angelico. Σε αυτές τις εικόνες, σαν ένα μυστικιστικό λουλούδι, αποκαλύπτεται η ψυχή των καλλιτεχνών. Και από αυτούς πρέπει να μάθουμε να κατανοούμε την τέχνη».

Ο Πρώτος Παγκόσμιος Πόλεμος, που άφησε βαθιά σημάδια στην ψυχή του Matisse, άλλαξε το καλλιτεχνικό του στυλ. Ο χρωματισμός των πινάκων γίνεται ζοφερός και το σχέδιο γίνεται σχεδόν σχηματικό. Από το 1918, ο καλλιτέχνης ζει σχεδόν συνεχώς στη Νίκαια, επισκεπτόμενος περιστασιακά το Παρίσι. Τα χαρούμενα, φωτεινά χρώματα δεν θα επιστρέψουν σύντομα στη ζωγραφική του... Σε πολυάριθμες συνθέσεις αυτής της περιόδου, μεταξύ των οποίων οι πιο γνωστές είναι το "Persian Dress", "Music" (1939), "Romanian Blouse" (1940), ο καλλιτέχνης ξανά επιβεβαιώνει τις αρχές της «καθαρής ζωγραφικής» Ζωγραφισμένοι με απρόσεκτες πινελιές, αυτοί οι πίνακες δημιούργησαν μια χαρούμενη αλλά απατηλή εντύπωση - σαν να ζωγραφίστηκαν εύκολα, την πρώτη φορά, ως αποτέλεσμα χαρούμενης και ανέμελης έμπνευσης. Αλλά στην πραγματικότητα, κάθε μια από τις δημιουργίες του πλοιάρχου είναι το αποτέλεσμα επίπονης έρευνας, σκληρής δουλειάς και τεράστιου ηθικού και σωματικού στρες. Κανένα διαφορετικό καλή υγεία, πάσχοντας από αϋπνία, ο Matisse αρνήθηκε στον εαυτό του πολλές απολαύσεις για να διατηρήσει την ικανότητα εργασίας. Καθώς δημιουργούσε μια εικόνα, ξέχασε τα πάντα στον κόσμο.

Ο καλλιτέχνης συνεχίζει να δημιουργεί ακόμα και στις πιο δύσκολες στιγμές για εκείνον. Από το 1941, ήταν βαριά άρρωστος, η γυναίκα και η κόρη του συνελήφθησαν από την Γκεστάπο για συμμετοχή στο κίνημα της Αντίστασης, ο Ματίς δεν γνωρίζει τίποτα για τη μοίρα τους εδώ και πολύ καιρό. Τα τελευταία χρόνια, ο Henri εργάζεται περισσότερο ως εικονογράφος και ενδιαφέρεται για τα κολάζ. Με τι απόλαυση ζωγράφιζε τα σχέδια των ανατολίτικων χαλιών, πόσο προσεκτικά πέτυχε ακριβείς, αρμονικές χρωματικές σχέσεις! Οι νεκρές φύσεις και τα πορτρέτα του των τελευταίων χρόνων είναι επίσης υπέροχα, γεμάτα μυστηριώδες εσωτερικό φως. Αυτό δεν είναι πια ένας οικείος πίνακας, παίρνει έναν κοσμικό ήχο. Αναγκασμένος να εγκαταλείψει την ελαιογραφία, μη μπορώντας να κρατήσει ένα πινέλο και μια παλέτα στα χέρια του, ο καλλιτέχνης ανέπτυξε μια τεχνική για τη σύνθεση μιας εικόνας από θραύσματα έγχρωμου χαρτιού. Το 1948-53, με εντολή του Δομινικανού Τάγματος, ο Matisse εργάστηκε για την κατασκευή και τη διακόσμηση του «Παρεκκλησίου του Ροδαρίου» στο Vence. Ένας διάτρητος σταυρός αιωρείται πάνω από την κεραμική οροφή που απεικονίζει τον ουρανό με σύννεφα. πάνω από την είσοδο του παρεκκλησίου υπάρχει ένα κεραμικό πάνελ που απεικονίζει τον Αγ. Δομίνικο και την Παναγία. Άλλα πάνελ, που εκτελούνται σύμφωνα με τα σκίτσα του πλοιάρχου, τοποθετούνται στο εσωτερικό. Ο καλλιτέχνης είναι εξαιρετικά τσιγκούνης με λεπτομέρειες, ανήσυχο μαύρο, οι γραμμές αφηγούνται δραματικά την ιστορία της Τελευταία Κρίσης (ο δυτικός τοίχος του παρεκκλησίου). δίπλα στο βωμό είναι μια εικόνα του ίδιου του Dominic. Αυτό το τελευταίο έργο του Matisse, στο οποίο έδωσε μεγάλη σημασία, μια σύνθεση πολλών προηγούμενων αναζητήσεων, ολοκλήρωσε επάξια την καλλιτεχνική του διαδρομή. Ωστόσο, ο Ματίς ζωγράφιζε μέχρι την τελευταία στιγμή, ακόμη και τη νύχτα, ακόμη και μετά από καρδιακή προσβολή, μια μέρα πριν από το θάνατό του, στις 3 Νοεμβρίου 1954, ζήτησε ένα μολύβι και έκανε τρία πορτραίτα σκίτσα.

Ο καλλιτέχνης, ευτυχώς, είχε μια μακρά και έντονη δημιουργική ζωή- σε έναν κόσμο γεμάτο καταστροφές, τεχνικές, επιστημονικές και κοινωνικές επαναστάσεις. Αυτός ο κόσμος ήταν εκκωφαντικός, άλλαζε με πραγματικά εκρηκτική ταχύτητα και ο Ματίς ανέτρεψε όλες τις συνηθισμένες ιδέες, συσσώρευσε ερείπια, πολλαπλασίασε ανακαλύψεις και αναζήτησε νέες μορφές ύπαρξης στην τέχνη. Έψαξα και βρήκα!

Βιογραφία

Ο Henri Émile Benoit Matisse γεννήθηκε την τελευταία μέρα του 1869 στην πόλη Le Ca-teau-Cambresy στη βορειοανατολική Γαλλία στην οικογένεια ενός εμπόρου σιτηρών και χρωμάτων. Τα παιδικά χρόνια του Ματίς ήταν χαρούμενα. Σίγουρα η μητέρα του έπαιξε σημαντικό ρόλο στη μοίρα του αγοριού - έχοντας καλλιτεχνική φύση, εκτός από την εργασία στο οικογενειακό κατάστημα, ασχολήθηκε με την κατασκευή καπέλων και ζωγραφική πορσελάνη.

Αφού άφησε το σχολείο, ο Henri σπούδασε στο Παρίσι για να γίνει δικηγόρος. Μετά την αποφοίτησή του, εργάστηκε ως παρανομικός στο St. Quentin. Το έργο φαινόταν ατελείωτα βαρετό στον Matisse. Το σημείο καμπής στη ζωή του ήταν η αρρώστια. Για να «διώξει» με κάποιο τρόπο τον γιο της όταν ανάρρωνε από εγχείρηση για σκωληκοειδίτιδα, η μητέρα του του έδωσε ένα κουτί με μπογιές. «Όταν άρχισα να γράφω», θυμάται αργότερα ο Matisse, «ένιωσα σαν να ήμουν στον παράδεισο...»

Έχοντας λάβει την άδεια του πατέρα του, πήγε για σπουδές καλλιτέχνη στην πρωτεύουσα, όπου τον Οκτώβριο του 1891 εισήλθε στην Ιουλιανή Ακαδημία. Η σχέση του Matisse με τον Adolphe Bouguereau, στο εργαστήριο του οποίου κατέληξε, δεν λειτούργησε και σύντομα μετακόμισε στη Σχολή Καλών Τεχνών υπό τον Postav Moreau. Ήταν η μοίρα. Πρώτον, ο Moreau αποδείχθηκε εξαιρετικός δάσκαλος. Δεύτερον, εδώ, στο στούντιο του, ο επίδοξος καλλιτέχνης έγινε φίλος με τον Albert Marquet και τον Georges Rouault, τους μελλοντικούς του συντρόφους στον Φωβισμό.

01 - Τραπεζαρία, 1897

02 - Blue Pot and Lemon, 1897

03 - Φρούτα και καφετιέρα, 1899

Με τη συμβουλή του Μορώ, αντέγραφε επιμελώς τα έργα των παλιών δασκάλων στο Λούβρο. Οι ιδέες του πλοιάρχου, που πίστευε ότι το κύριο πράγμα σε έναν ζωγράφο είναι η ικανότητά του να εκφράζει τη στάση του για τον κόσμο με μπογιά, βρήκαν μια ζωηρή ανταπόκριση στην ψυχή του νεαρού Ματίς. Όσο για το στυλ γραφής του εκείνη την εποχή, ήταν κοντά στον ιμπρεσιονιστικό. Αλλά το χρώμα, σιωπηλό στην αρχή, σταδιακά απέκτησε δύναμη και ακόμη και τότε άρχισε να αποκτά ανεξάρτητο νόημαστα έργα του καλλιτέχνη, ο οποίος είδε σε αυτό «μια δύναμη ικανή να τονίσει την αίσθηση».

04 - Πιάτα στο τραπέζι, 1900

05 - Πιατικά και φρούτα, 1901

06 - Περίγραμμα της Notre-Dame τη νύχτα, 1902

07 - Εργαστήριο στη σοφίτα, 1903

Ο Matisse έζησε μια δύσκολη ζωή αυτή την περίοδο. Είχε μια εξώγαμη κόρη που χρειαζόταν φροντίδα. Το 1898, ο καλλιτέχνης παντρεύτηκε την Amelie Pereire. Οι νεόνυμφοι πέρασαν το μήνα του μέλιτος στο Λονδίνο, όπου ο Matisse άρχισε να ενδιαφέρεται για το έργο του μεγάλου μάστερ του χρώματος Turner. Επιστρέφοντας στη Γαλλία, το ζευγάρι έφυγε για την Κορσική (τα εκπληκτικά χρώματα της Μεσογείου έσκασαν στη συνέχεια στους καμβάδες του ζωγράφου). Ο Henri και η Amelie απέκτησαν δύο γιους τον ένα μετά τον άλλο. Ο Ματίς, που δεν είχε χρήματα, σχεδίασε θεατρικές παραστάσεις, και η Αμελί άνοιξε ένα κατάστημα με καπέλα. Εκείνη την εποχή, ο Matisse συνάντησε τον πιο εξέχοντα οπαδό του Seurat, Paul Signac, και ενδιαφέρθηκε για τον διχασμό, το νόημα του οποίου ήταν να γράφει σε ξεχωριστές κουκκίδες καθαρού πρωταρχικού χρώματος. Αυτό το πάθος έγινε αισθητό σε μια σειρά από έργα του.

Ο Henri Matisse ήταν ηγέτης του Φωβισμού και μια από τις βασικές προσωπικότητες της τέχνης του 20ου αιώνα. Καλλιτέχνηςέζησε πολύ μεγάλη ζωή. Πέθανε το 1954. Ο Πικάσο, έχοντας μάθει για τον θάνατο του Ματίς, αναφώνησε: «Πώς θα δουλέψω τώρα;» Ο κύριος εννοούσε ότι αυτός δημιουργική διαδρομήήταν μια συνεχής αντιπαλότητα με τον Matisse, και με τον θάνατο του Matisse, φαινόταν να χάνει τον πυρήνα της αντιπαλότητας.

Ανρί Ματίς. Στην αρχή του δημιουργικού σας ταξιδιού

Ο Ματίς άρχισε να ζωγραφίζει αρκετά αργά. Οι γονείς του ήθελαν ο Henri να γίνει δικηγόρος και έγινε. Αλλά ο μελλοντικός καλλιτέχνης συνειδητοποίησε σύντομα ότι η νομολογία δεν ήταν δουλειά του και πήγε στο Παρίσι για να σπουδάσει τέχνη. Θεωρούσε τον Gustav Moreau δάσκαλό του και, ακολουθώντας τη συμβουλή του δασκάλου του, μελέτησε τα έργα παλιών δασκάλων και τα αντέγραψε ακόμη και στο Λούβρο.

Σε αυτό το στάδιο, προσπάθησε να γράψει «στο πνεύμα», αναζητώντας καλλιτεχνική συγγένεια με τη μία ή την άλλη κατεύθυνση στην τέχνη. Η συλλογή του Μουσείου Πούσκιν περιέχει μια νεκρή φύση φτιαγμένη «στο πνεύμα των Ολλανδών». Σε αυτό το έργο, ο Matisse έκανε το ποτήρι του μπουκαλιού να αστράφτει με ένα εξαιρετικό χρώμα. Αυτό πρώιμη εργασίαμοιάζει πολύ στο στυλ με το στυλ του Εντουάρ Μανέ. (Είναι ενδιαφέρον ότι αν και πολλοί κατατάσσουν τον Μανέ ως ιμπρεσιονιστή, δεν ήταν αυτός. Οι ειδικοί το τονίζουν πάντα λέγοντας: «Ο Εντουάρ Μανέ και οι ιμπρεσιονιστές»).

Ας επιστρέψουμε στον πρώιμο Matisse. Ο τόνος της ζωγραφικής του είναι σκοτεινός και ετερογενής, τα μεμονωμένα χρώματα είναι ασημί περλέ. Σε αντίθεση με τον Σεζάν, ο Ματίς σμιλεύει και φροντίζει τη φόρμα με έναν εντελώς διαφορετικό τρόπο. Δίνει μεγαλύτερη προσοχή στο χρώμα και φτιάχνει τον καμβά σύμφωνα με τους κλασικούς κανόνες. Ο πίνακας ζωγραφίστηκε το 1896, όταν ο καλλιτέχνης ήταν 39 ετών.

Στα τέλη του 19ου αιώνα, ο καλλιτέχνης άρχισε να ενδιαφέρεται για τα έντονα χρώματα, τους ζωντανούς χρωματικούς συνδυασμούς και τις τολμηρές τεχνικές σύνθεσης.

Στα τέλη του 1900, είχε αναπτύξει μια νέα κατανόηση του ρόλου της τέχνης στον σύγχρονο κόσμο. Ο δάσκαλος πίστευε ότι το καθήκον της σύγχρονης ζωγραφικής είναι να δημιουργήσει ένα αρμονικό περιβάλλον για έναν κουρασμένο, πνευματικά εξαντλημένο θεατή, να τον αποσπάσει από τις ανησυχίες και τις ανησυχίες σύγχρονος κόσμοςκαι θα σας βοηθήσει να χαλαρώσετε. Ο Ματίς εκτίμησε τα ιδανικά της ενότητας του ανθρώπου και της φύσης, τον έλκυε η συγχώνευση του ενστίκτου και της λογικής που υπήρχε στους αρχαϊκούς πολιτισμούς.
Ο Ματίς αναζήτησε την καθαρότητα των συναισθημάτων που χαρακτηρίζουν παιδική ζωγραφιάή πρωτόγονη τέχνη.

Φωβισμός του Matisse «Άγαλμα και βάζα σε ένα ανατολίτικο χαλί»

«Ένα ειδώλιο και βάζα σε ανατολίτικο χαλί. (Νεκρή φύση του βενετσιάνικου κόκκινου)” 1908
Το 1908, όταν ο Matisse δημιούργησε αυτόν τον πίνακα, πραγματοποιήθηκε στο Παρίσι μια έκθεση ανατολικής και μουσουλμανικής τέχνης, η οποία απαγορεύει την απεικόνιση προσώπων ανθρώπων, καθώς και ζώων. Στην ισλαμική τέχνη επιτρέπονται μόνο στολίδια και καλλιγραφικές επιγραφές. Ο Ματίς μελέτησε προσεκτικά τις ανατολίτικες τέχνες και άντλησε πολλά από αυτές για τη δουλειά του.

Σε αυτή τη νεκρή φύση Ο Ματίς αρνείται όλους τους κανόνες της ζωγραφικής και χρησιμοποιεί πολύ έντονα χρώματα.

Πρέπει να ληφθεί υπόψη ότι η αίσθηση του χρώματος δίνεται σε έναν άνθρωπο από τη φύση, όπως μια φωνή ή ένα αυτί για μουσική. Είτε υπάρχει είτε δεν υπάρχει, είναι αδύνατο να αναπτύξεις την αίσθηση του χρώματος, όπως ακριβώς και να αναπτύξεις μια φωνή. Ο Ματίς είχε τέλεια αίσθηση του χρώματος. Δεν χρειάστηκε να εφεύρει τίποτα, ήξερε τα πάντα ακριβώς. Και σε αυτό μπορεί κανείς να εμπιστευτεί τον Matisse.

Το χαλί σε αυτή την εικόνα είναι αληθινό. Το ίδιο που είχε ο Ματίς στο σπίτι του. Αυτό το χαλί το πέταξε πάνω από το τζάκι ή τη συρταριέρα ή άλλα έπιπλα. Αλλά ο πλοίαρχος δεν δίνει το βάθος του χώρου εδώ σύμφωνα με τους μαθηματικούς νόμους, αλλά γράφει το βάθος μόνο με τρίγωνα χώρου που δεν είναι γεμάτα με το χαλί. Ένα σκεύος, ένα ιαπωνικό βάζο, μια κούπα, ένα γλυπτό, το χωράφι του, κονιάκ. Χρώματα - κόκκινο, πράσινο, μπλε, μαύρο. Δίνει στις γωνίες του δωματίου διαφορετικό χρώμα. Από τη στιγμή που ο Matisse άρχισε να ζωγραφίζει τέτοιες συνθέσεις ξεκίνησε η ανάπτυξή του ως καλλιτέχνη.Η ελευθερία στην επιλογή χρωμάτων και χρωμάτων φαίνεται ξεκάθαρα στον καμβά - έντονη, σχεδόν φλεγόμενη.

Φαίνεται ότι τα αντικείμενα στο χαλί περιλαμβάνονται στο στολίδι του καλύμματος, σε αραβουργία, ως στοιχείο ανατολίτικου σχεδίου. Ο πλοίαρχος συμπεριέλαβε και ένα γύψινο ομοίωμα του γλυπτού του σε αυτή τη σύνθεση.

Ο Φωβισμός του Ματίς. “Φρούτα και Χάλκινο”

Το 1910 δημιούργησε τον καμβά "Φρούτα και μπρούτζος". Αυτό το έργο γράφτηκε για έναν συλλέκτη της Μόσχας, θαυμαστή του ταλέντου του, τον Σεργκέι Στσούκιν. Εδώ, όπως και σε προηγούμενα έργα, δεν υπάρχει chiaroscuro, προοπτική ή προβληματισμός.

Ο Matisse δεν χρησιμοποιεί μοντελοποίηση αντικειμένων με φως και σκιά, τα σημειώνει με χρωματιστά σημεία και τα σκιαγραφεί. Η γραμμή και το χρώμα είναι το κύριο πράγμα στη δουλειά του. Τα σχήματα των αντικειμένων γίνονται με πινελιές διαφορετικά χρώματακαι όλα αυτά είναι με φόντο ένα μπλε χαλί.

Ο Φωβισμός του Ματίς. “Ισπανίδα με ντέφι”

Αυτή η σύνθεση είναι ένας από τους πιο εντυπωσιακούς πίνακες των Φωβιστών. Η φιγούρα του χορευτή σχεδιάζεται με πολύ δυναμικό χρωματικό περίγραμμα και έρχεται σε αντίθεση με την κατανομή του φωτός και της σκιάς. Είναι καινοτόμα ασυνήθιστο και «άγρια» εκφραστικό. Το χρώμα του φόντου είναι μπλε. Μια μαύρη μπλούζα και μια κόκκινη φούστα φαίνονται πολύ όμορφα σε μπλε φόντο. Πρόκειται για χρώματα με αντίθεση με τα οποία ο καλλιτέχνης δημιουργεί το βάθος του χώρου.

Ανρί Ματίς και Σεργκέι Στσούκιν. Ο πρώτος «ιδανικός» προστάτης του Matisse, ο άνθρωπος που αποδέχτηκε όλες τις ιδέες του, ήταν ο συλλέκτης της Μόσχας Sergei Shchukin. Οι πίνακες του Matisse διακοσμούσαν την έπαυλη Shchukin και αποτελούσαν ένα ενιαίο σύνολο.

Ο Shchukin εμπιστευόταν πλήρως τον Matisse. Ανέθεσε στον Matisse να διακοσμήσει το σπίτι του με το στυλ που ο καλλιτέχνης θεωρούσε απαραίτητο και σωστό. Ο Shchukin έδωσε στον Matisse την ευκαιρία να εκφραστεί. Η σχέση μεταξύ του προστάτη και του καλλιτέχνη ήταν πολύ έμπιστη, γεμάτη αμοιβαία κατανόηση. Σε μια πολύ σύντομη περίοδο πριν από την επανάσταση του 1917, ο Matisse ζωγράφισε μια ολόκληρη σειρά από πίνακες για τον Shchukin, που σήμερα αποτελούν το καμάρι της συλλογής του Μουσείου Καλών Τεχνών. Τα διάσημα πάνελ "Music" και "Dance" - το τελευταίο έργο βρίσκεται στο Zrmitazh - παραγγέλθηκαν επίσης από τον Shchukin για την έπαυλή του στη Μόσχα.

Ο Στσούκιν πλήρωσε τον Ματίς πολύ γενναιόδωρα. Με αυτά τα χρήματα, ο καλλιτέχνης μπόρεσε να ζήσει για περισσότερα από 7 χρόνια χωρίς να ανησυχεί για τίποτα.

Η επανάσταση του 1917 άλλαξε τα πάντα. Ο Στσούκιν πήγε στην εξορία. Κάποτε, ο Σεργκέι Στσούκιν ταξίδευε με τρένο στη Νίκαια. Ο Matisse ήταν επίσης επιβάτης σε αυτό το τρένο και έμαθε ότι ο θαμώνας του ταξίδευε με την ίδια πτήση. Ο Matisse έψαξε παντού τον Shchukin, ήθελε να χαιρετήσει και να μιλήσει με τον προστάτη των τεχνών, αλλά δεν μπορούσε να τον βρει πουθενά. Δεν συναντήθηκαν, αν και ταξίδευαν με το ίδιο τρένο. Το όλο θέμα ήταν ότι ο Matisse έψαχνε τον προστάτη του στην 1η τάξη και ο Shchukin ταξίδευε στην τρίτη θέση.

Στην έκθεση της διπλανής αίθουσας, ο επισκέπτης υποδέχεται λουλούδια και νεκρές φύσεις - αυτά είναι τα αγαπημένα θέματα του Matisse.

Ο Φωβισμός του Ματίς. “Λουλούδια σε φόντο μελιού”

Ένα βάζο με ένα πλούσιο μπουκέτο λουλούδια στέκεται στο τραπέζι. Το λευκό επιτραπέζιο είναι στην πραγματικότητα ένας ημιδιαφανής, άβαφος λευκός καμβάς. Για να μην συγχωνευθούν όλα αυτά με το λευκό βάζο, ο πλοίαρχος σχεδιάζει το περίγραμμά του. Το μελί-κίτρινο φόντο του καμβά, ασυνήθιστα όμορφο και ζεστό, αγκαλιάζει ένα μπουκέτο λουλούδια.

Το σημείωσε ο ίδιος ο Ματίς σύγχρονους ανθρώπους- Αυτό κουρασμένοι άνθρωποι. Σε αυτόν τον τρελό κόσμο, πρέπει να χρησιμοποιήσουμε την τέχνη και τη φωτεινότητά της για να δώσουμε στους ανθρώπους την ευκαιρία να χαλαρώσουν. Αφήστε τους να χαλαρώσουν κοιτάζοντας τέτοιους πίνακες - αυτός ήταν ακριβώς ο στόχος του Matisse.

Ο Matisse έδωσε μεγάλη σημασία στην αρμονία: «Θέλω να φέρω στους ανθρώπους χαλάρωση και χαρά». Στους πίνακές του, ο καλλιτέχνης εφάρμοζε συνεχώς το πρόγραμμα ζωής του.

Ο Φωβισμός του Ματίς. «Τοπίο της Κορσικής. ελιές». 1898

Πολλά από τα έργα του Matisse, που βρίσκονται στο Μουσείο Πούσκιν, δωρήθηκαν από τη Lydia Nikolaevna Delectorskaya. Ανάμεσα στα δώρα της είναι οι παλέτες καλλιτεχνών. Στη συλλογή του Μουσείου Πούσκιν υπάρχουν πολλές ετικέτες με το όνομά της - το όνομα του γραμματέα Henri Matisse. Και παρόλο που η Delectorskaya μπορούσε να παρουσιάσει τη συλλογή έργων ζωγραφικής σε οποιοδήποτε άλλο μουσείο, προτίμησε τον Πούσκιν. Ίσως αυτή ήταν η αξία της Irina Aleksandrovna Antonova (διευθύντρια του Μουσείου Πούσκιν), η οποία κατάφερε να ευχαριστήσει την Delectorskaya.

Το τοπίο της Κορσικής έχει καθαρά ιμπρεσιονιστικά χαρακτηριστικά. Αλλά οι πινελιές του Matisse είναι πολύ πιο πυκνές και τα χρώματα εφαρμόζονται πιο έντονα.

Οι παλέτες του Matisse. Το πρώτο μοιάζει με λουλούδια.

Το πορτρέτο της Delectorskaya φυλάσσεται επίσης στο μουσείο, είναι ένα μικρό σκίτσο, κάτω από γυαλί. Αλλά τα χαρακτηριστικά του προσώπου έχουν μια αναμφισβήτητη ομοιότητα πορτρέτου.

Δύο αρκετά μεγάλοι καμβάδες στη συλλογή είναι οι εσωτερικοί χώροι του στούντιο του καλλιτέχνη, υπάρχουν τρεις από αυτούς στο μουσείο, αλλά είναι σχεδόν αδύνατο να τους πιάσει κανείς ταυτόχρονα. Ο ένας καμβάς απεικονίζει μια γωνιά του εργαστηρίου, ο άλλος ένα ροζ εργαστήριο με ένα κομμάτι του πίνακα του «Χορός». Ο Mathis παραθέτει τον εαυτό του σε πολλούς από τους πίνακές του.

Henri Matisse «Το εργαστήρι του καλλιτέχνη. (Ροζ Εργαστήρι)”

Αυτό είναι ένα από τα στούντιο του Matisse, με ένα λεγόμενο συμφωνικό εσωτερικό που ενσωματώνει στον καμβά την αρμονία του χρώματος και της σύνθεσης.
Ο Matisse περιλαμβάνει σε αυτή τη σύνθεση τους πίνακές του στους τοίχους του στούντιο του και ένα χάλκινο ειδώλιο.

Σε αυτή την εικόνα είναι καλό να παρακολουθήσουμε πώς δημιουργήθηκε αυτή η σύνθεση. Ο καλλιτέχνης συνδέεται διαφορετικά είδη(νεκρή φύση και εσωτερικό) με ένα αραβουργικό στολίδι. Μπροστά από την οθόνη είναι μια καρέκλα με ένα άδειο βάζο και χωρίς λουλούδια πάνω της. Έπειτα υπάρχει μια οθόνη, μια οθόνη πάνω στην οποία είναι πεταμένα ρούχα. Και οι πτυχές σε αυτά τα ρούχα μοιάζουν να είναι μίσχοι λουλουδιών, φαίνονται να ξεκινούν από το βάζο και να δημιουργούν μια απομίμηση των λουλουδιών που στέκονται σε αυτό, και ταυτόχρονα αυτές οι πτυχές σχηματίζουν ένα αραβουργικό στολίδι.

Τότε όλα αυτά αντηχούν οργανικά με αληθινά λουλούδια και δέντρα έξω από το παράθυρο. Και αυτό είναι το τέλος του αραβικού θέματος. Το χρώμα παίζει πολύ σημαντικό ρόλο σε αυτόν τον καμβά. Κανένας άλλος καλλιτέχνης εκτός από τον Matisse δεν είχε τέτοια αίσθηση του χρώματος. Υπάρχει ένας μουσικός όρος. Για ένα άτομο που είναι πολύ προικισμένο μουσικά λένε ότι έχει απόλυτο βήμα. Και αν εφαρμόσουμε έναν μουσικό όρο στην καλές τέχνες, τότε για τον Matisse πρέπει να πούμε ότι είχε απόλυτο μάτι.

Αυτό το "Pink Studio" ζωγραφίστηκε όταν ο Matisse επέστρεψε από τη Ρωσία. Με τα χρήματα που του πλήρωσε ο Shchukin, ο καλλιτέχνης νοίκιασε αυτό το στούντιο, όπου ζωγράφισε την εικόνα και αργότερα αγόρασε το στούντιο.

Henri Matisse “Workshop Corner”

“Workshop Corner”.

Ο Matisse αγαπούσε πολύ τις μπλε κουρτίνες. Σαν μια νέα, ανθισμένη μελωδία. Και το φως της ημέρας μεταφέρεται με χρώματα. Και στην επάνω αριστερή γωνία του καμβά μπορείτε να δείτε τους ίδιους ροζ ριγέ τοίχους του εργαστηρίου του, οι οποίοι απεικονίζονται στο "Ροζ Εργαστήρι".

“ Μαροκινό τρίπτυχο." 1912-1913

Πριν έρθει ο Matisse στη Ρωσία, σχεδίαζε να επισκεφθεί την Ιταλία, όπου ήθελε να μελετήσει τα έργα των Παλαιών Δασκάλων. Όμως, έχοντας δει τη ρωσική τέχνη, συνειδητοποίησε ότι δεν θα έβρισκε κάτι συγκεκριμένο στην Ιταλία και πήγε στο Μαρόκο. (Ο Ματίς είδε εικόνες στη συλλογή Ostroukhov και στον Καθεδρικό Ναό Ευαγγελισμού του Θεού του Κρεμλίνου της Μόσχας.)

Αυτό το τρίπτυχο παραγγέλθηκε στον Matisse από τον Ivan Morozov.Και, συγκρίνοντας τις νεκρές φύσεις, τις ανθοδέσμες και τα εργαστήρια του Matisse με αυτό το τρίπτυχο, φαίνεται ότι πρόκειται για έναν εντελώς διαφορετικό καλλιτέχνη.

Είναι ενδιαφέρον ότι το πλαίσιο αυτού του πίνακα παραγγέλθηκε και πληρώθηκε ειδικά από τον Μορόζοφ.
Ολόκληρο το τρίπτυχο παρουσιάζεται ως τρεις διαφορετικές ώρες της ημέρας ή ως φιλοσοφική αντίληψη της Ανατολής.

1 – Πρωί. Και ο Ματίς ανοίγει ένα παράθυρο στην πόλη. Βλέπουμε τον καθεδρικό ναό του Αγίου Πέτρου, ένα φρούριο, δύο γαϊδούρια και έναν Άραβα καβάλα σε ένα από αυτά.

Η σκιά εξακολουθεί να τυλίγει την πόλη με τη φρεσκάδα και τη δροσιά της. Μέσα από το ανοιχτό παράθυρο, ο Matisse δείχνει το τοπίο της πόλης, το οποίο, με τη σειρά του, εισάγεται μέσα από μια νεκρή φύση. Παράθυρο νεκρής φύσης – τοπίο πόλης.

2 – Ημέρα. Η ζωή της πικάντικης Ανατολής κινείται μέσα στις ταράτσες και όλα μοιάζουν με αντικατοπτρισμό. Το κορίτσι που απεικονίζεται στο κέντρο του καμβά είναι η κόρη της Ζόρα, υπαλλήλου του ξενοδοχείου Villa de France, η οποία πόζαρε πολύ συχνά για τον Matisse.

Λίγο καιρό αργότερα άρχισαν να την αναζητούν, αλλά εξαφανίστηκε, διαλύθηκε και τίποτα δεν είναι γνωστό για αυτήν. Ο Matisse αγαπούσε να τη ζωγραφίζει και την απεικόνιζε επανειλημμένα στους καμβάδες του.

3 – Βράδυ. Η ζέστη στην πόλη είναι αφόρητη και όλοι περιμένουν τη δροσιά της νύχτας, και ο Άραβας που κάθεται μπροστά στην είσοδο διαλύεται, χάνεται, σαν εικόνα και όραμα. Τα περιγράμματα της φιγούρας του γίνονται ελάχιστα ορατά.

Εδώ είναι ο Matisse, που μπορούσε να κάνει ό,τι ήθελε στον χώρο του χρώματος.

Henri Matisse «Μπλε βάζο με λουλούδια σε τραπεζομάντιλο»

"Arums, irises and mimosa (Μπλε βάζο με λουλούδια σε μπλε τραπεζομάντιλο)" 1913. Ο πίνακας ήταν μέρος του συνόλου του Pink Living Room στο σπίτι του S.I. Shchukin, για τον οποίο ο Matisse δημιούργησε πολλά έργα της ίδιας μορφής, μεταξύ των οποίων «Κόκκινα Ψάρια». Αυτό το μπουκέτο στην έκθεσή μας είναι γραμμένο σε ψυχρούς τόνους. "Arums..." - η κατανόηση του καμβά προέρχεται από ένα ανατολίτικο ιερογλυφικό, οι μπούκλες είναι διάσπαρτες σε όλο το φόντο της εικόνας - στοιχεία ανατολίτικης διακόσμησης. Το βάζο καλύπτεται με σμαραγδένιο φύλλο.

Πριν από τον Matisse, ο συνδυασμός πράσινου και μπλε δεν ταίριαζε στο κεφάλι και τέτοιος συνδυασμός χρωμάτων δεν χρησιμοποιήθηκε ποτέ. Και ο Matisse το εφάρμοσε και είδαμε πόσο όμορφο και αρμονικό είναι.

Ο Φωβισμός του Ματίς. “Κόκκινα ψάρια”

«Κόκκινα ψάρια». Ο συνδυασμός φωτεινών, έντονων χρωμάτων δημιουργεί ένα αμίμητο διακοσμητικό αποτέλεσμα. Η ελευθερία, ακόμη και ο σαρωτικός χαρακτήρας του σχεδίου, ενισχύει την εντύπωση ότι η εικόνα ζωγραφίστηκε «σε μια συνεδρίαση», «με μια ανάσα»

Ο καμβάς ερμηνεύεται ως κάτι μεταξύ νεκρής φύσης και τοπίου. Αυτό που είναι έξυπνο είναι πάντα πολύ απλό, γι' αυτό και πολύ συχνά οι ερασιτέχνες λένε για το έργο του Ματίς: «Θα ζωγραφίσω κι εγώ έτσι». Ναι, μπορείτε να σχεδιάσετε. Αλλά για να δώσεις έναν τέτοιο συνδυασμό χρωμάτων και αντικειμένων, να προσφέρεις τέτοια αρμονία στον καμβά - είναι απίθανο να πετύχει κάποιος άλλος.

Ο καμβάς παίζει με στρογγυλό σχήμα. Αυτή είναι η επιφάνεια του τραπεζιού, το κάτω μέρος του ενυδρείου, το καπάκι του ενυδρείου, το νερό στο ενυδρείο. Και μέσα σε αυτή την γκρι-άσφαλτο και την πράσινη παλέτα ο καλλιτέχνης υφαίνει κόκκινα ψάρια, η εικόνα των οποίων διπλασιάζεται στην αντανάκλασή τους στην επιφάνεια. Αυτά τα ψάρια τραβούν όλη την προσοχή, το βλέμμα γυρίζει τον κύκλο και επιστρέφει ξανά σε αυτά.

Σε αυτή την κριτική μιλήσαμε για όλους σχεδόν τους πίνακες που εκτίθενται στο μουσείο Καλές τέχνεςτους. Πούσκιν στη Μόσχα. Πρέπει να ειπωθεί ότι υπήρχαν σημαντικά περισσότερα από αυτά στη συλλογή του S.I. Shchukin. Η συλλογή χωρίστηκε μεταξύ Μόσχας και Λένινγκραντ (όπως ονομαζόταν τότε η Αγία Πετρούπολη) και πολλοί πίνακες βρίσκονται τώρα στη συλλογή Ερμιτάζ.

Ο Ματίς πέθανε το 1954 σε ηλικία 84 ετών. Ο Πάμπλο Πικάσο αξιολόγησε τον ρόλο του στη σύγχρονη τέχνη συνοπτικά και απλά: «Ο Ματίς ήταν πάντα ο ένας και μοναδικός».