Royal Gallery Mauritshuis (ολλανδικά Mauritshuis, κυριολεκτικά το σπίτι του Moritz) - γκαλερί τέχνηςστη Χάγη της Ολλανδίας.

Ένα μικρό παλάτι κοντά στο Binnenhof χτίστηκε το 1636-41. Κυβερνήτης της Ολλανδικής Βραζιλίας, Moritz του Nassau-Siegen, σχεδιασμένο από τους αρχιτέκτονες Jacob van Kampen και Peter Post. Το 1704, το παλάτι κάηκε και στη συνέχεια αποκαταστάθηκε, αλλά χωρίς τον τρούλο.

Το 1820, το Βασίλειο της Ολλανδίας αγόρασε το σπίτι του Μόριτζ για να στεγάσει τη βασιλική συλλογή έργων τέχνης και αρχαιοτήτων. Το μουσείο άνοιξε τις πόρτες του δύο χρόνια αργότερα. Από το 1875, είναι μια γκαλερί τέχνης με μια μικρή αλλά επιλεγμένη συλλογή έργων ζωγραφικής Ολλανδών καλλιτεχνών της «χρυσής εποχής» - Johannes Vermeer, Rembrandt van Rijn, Jan Steen, Paulus Potter και Frans Hals. Εκτίθενται επίσης αρκετά έργα του Holbein the Younger.

Ρέμπραντ (περιβάλλον) - Πορτρέτο του Ρέμπραντ σε ηλικία 23 ετών, γ. 1629, 37,9 cm x 28,9 cm, Λάδι σε ξύλο

Το Mauritshuis παρέμεινε κρατικό μουσείο μέχρι που μεταφέρθηκε σε ένα εξειδικευμένο ίδρυμα το 1995. Σήμερα είναι ένα από τα πιο δημοφιλή μουσεία στην Ολλανδία.

Το μαργαριτάρι του μουσείου είναι μια συλλογή έργων Ολλανδών ζωγράφων του 17ου αιώνα. Αλλά το Μουσείο της Χάγης έχει κάτι για το οποίο πρέπει να είναι περήφανο, εκτός από αυτό: διαθέτει επίσης έργα εκπροσώπων της φλαμανδικής «χρυσής εποχής» - του 15ου.

Η συλλογή είναι συγκρίσιμη με ένα μαργαριταρένιο κολιέ, γιατί κάθε πίνακας είναι ένα παράδειγμα της υψηλότερης δεξιοτεχνίας, αν και ο αριθμός των έργων είναι μικρός.
Αλλά ακόμη και ανάμεσα στα γραφικά μαργαριτάρια, ξεχωρίζουν ορισμένα μοναδικά δείγματα: «Μάθημα ανατομίας» του Ρέμπραντ, «Πορτρέτο ενός κοριτσιού με μαργαριτάρι σκουλαρίκι» ή «Τοπίο του Ντελφτ» του Βερμέερ - αυτά είναι αριστουργήματα της παγκόσμιας συλλογής τέχνης.

Vermeer van Delft, Johannes - Κορίτσι με μαργαριταρένιο σκουλαρίκι, περ. 1665, 44,5 cm x 39 cm, Λάδι σε καμβά

Rembrandt - Self-Portrait, 1669, 63,5 cm x 57,8 cm, Λάδι σε καμβά

Rembrandt - Study of an Old Man (ο Πατέρας του Ρέμπραντ), γ. 1630-31, 46,9 cm x 38,8 cm, Λάδι σε ξύλο

Rembrandt - Study of an Old Woman (Rembrandt's Mother), γ. 1630-35, 18,2 cm x 14 cm, Λάδι σε ξύλο

Mauritshuis: Rembrandt (κύκλος) - Ξεκουράζονται ταξιδιώτες

Ρέμπραντ - Ανδρομέδα, περ. 1631, 34 cm x 24 cm, Ξύλο, λάδι

Mauritshuis: Rembrandt (κύκλος) - Minerva

Ρέμπραντ - Όμηρος, 1663, 107 εκ. x 82 εκ., Λάδι σε καμβά

Rembrandt - Two Moors, 1661, 77,8 cm x 64,4 cm, Λάδι σε καμβά

Ρέμπραντ - Τραγούδι (Ύμνος) του Συμεών, 1631, 60,9 εκ. x 47,9 εκ., Λάδι σε ξύλο

Ρέμπραντ - Πορτρέτο ενός ηλικιωμένου άνδρα, 1650, 80,5 εκ. x 66,5 εκ., Λάδι σε καμβά

Ρέμπραντ - Πορτρέτο ενός ηλικιωμένου, 1667, 81,9 εκ. x 67,7 εκ., Λάδι σε καμβά

Ρέμπραντ - Χαμογελαστός άντρας, περ. 1629-30, 15,4 cm x 12,2 cm, Χαλκός, λάδι.

Rembrandt - The Anatomy Lesson of Dr. Nicholas Tulp, 1632, 169,5 cm x 216,5 cm, Λάδι σε καμβά

Ρέμπραντ (εργαστήριο) - Saul and David, c. 1650-55, 130 cm x 164,5 cm, Λάδι σε καμβά

Vermeer van Delft, Johannes - Diana and her nymphs, c. 1653-54, 97,8 cm x 104,6 cm, Λάδι σε καμβά.

Vermeer, Johannes - Άποψη της πόλης του Ντελφτ, περ. 1660-61, 96,5 cm x 115,7 cm, Λάδι σε καμβά

Mauritshuis: Vermeer, Jan - View of Delft, 1660-61

"Vermeulen, Jan - Νεκρή φύση με βιβλία, σφαίρα και μουσικά όργανα, περίπου 1660, 30 cm x 38,5 cm, Λάδι σε ξύλο

Mauritshuis: Vermeer van Haarlem, Jan - Τοπίο στην άκρη των αμμόλοφων

Mauritshuis: Vermeer van Haarlem, Jan - Αγροτική αυλή στους αμμόλοφους

Steen, Jan - Κιστερκιανή γυναίκα (μοναχή) που παίζει, περ. 1662-65, 31 cm x 27,5 cm, Λάδι σε ξύλο

Steen, Jan - Όπως ακούγεται, έτσι τραγουδιέται, οκ. 1663-65, 134 cm x 63 cm, Λάδι σε καμβά

Steen, Jan - Αν είσαι γουρούνι, θα πρέπει να είσαι σε στάβλο (Drunk Women), οκ. 1673-75, 86 cm x 72 cm, Λάδι σε καμβά

Mauritshuis: Sten, Jan - Human Life

Mauritshuis: Sten, Jan - Old Men Making Eggnog

Mauritshuis: Sten, Jan - Κορίτσι που τρώει στρείδια

Mauritshuis: Sten, Jan - Fortune Teller

Mauritshuis: Sten, Jan - Εξοχικός χορός στην ταβέρνα

Mauritshuis: Sten, Jan - Ο Μωυσής και το στέμμα του Φαραώ

Mauritshuis: Sten, Jan - Επίσκεψη γιατρού

Mauritshuis: Sten, Jan - Πορτρέτο της υποτιθέμενης Maria van Wassenaar (1654-1683), ή Πουλερικό Δικαστήριο

Mauritshuis: Sten, Jan - Teether

Mauritshuis: Sten, Jan - Άρρωστο κορίτσι

Mauritshuis: Πότερ, Παύλος - Αγελάδες που αντανακλώνται στο νερό, 1648

Mauritshuis: Potter, Paul - A Herd in the Meadow, 1652

Mauritshuis: Potter, Paul - Bull, 1647

Mauritshuis: Hals, Frans - Laughing Boy, 1625

Mauritshuis: Hals, Frans - Portrait of a Man, 1660

Mauritshuis: Holbein, Hans II - Portrait of Robert Cheeseman (1485-1547), 1533

Avercamp, Hendrick - Ice fun, περ. 1610, 36 cm x 71 cm, Ξύλο, λάδι

Backer, Jacob Adriaensz - Ποιμένας με φλάουτο, πιθανώς αυτοπροσωπογραφία, γ. 1637, 52,2 cm x 40,8 cm, Λάδι σε ξύλο

Baen, Jan de - Glorification of Cornelis de Witt (1623-1672), ως νικητής της μάχης του Chatham το 1667, γ. 1667-70, 66 cm x 100 cm, Λάδι σε καμβά

Barbari, Jacopo de (αποδίδεται) - Πορτρέτο του Χέντρικ, Κόμης του Μεκλεμβούργου (1479-1552), 1507, 59,3 cm x 37,5 cm, Λάδι σε ξύλο

Beest, Van Sybrand - Αγορά Χοιρινού, 1638, 44 cm x 68 cm, Λάδι σε ξύλο

Bega, Cornelis Pietersz - Village tavern, 1658, 47 cm x 58 cm, Λάδι σε καμβά

Berchem, Nicolaes Pietersz - Childhood of Zeus, 1648, 202 cm x 262 cm, Λάδι σε καμβά

Berchem, Nicolaes Pietersz, Weenix, Jan Baptist - The Calling of Matthew, γ. 1657, 98,2 cm x 120,8 cm, Λάδι σε ξύλο

Berghe, Christoffel van den - Χειμερινό τοπίο, περ. 1615-20, 11,5 cm x 16,5 cm, Χαλκός, λάδι

Berghe, Christoffel van den - Καλοκαιρινό τοπίο, περ. 1615-20, 11,5 cm x 16,5 cm, Χαλκός, λάδι

Beuckelaer, Joachim - Σκηνή κουζίνας με τον Χριστό στο Emmaus, γ. 1560-65, 109,5 cm x 169 cm, Λάδι σε ξύλο

Beyeren, Abraham Hendriksz Van - Νεκρή φύση με φρούτα και είδη πολυτελείας, περ. 1655, 98 εκ. x 76 εκ., Ξύλο, λάδι

Beyeren, Abraham Hendriksz Van - Πολυτελής νεκρή φύση, περ. 1655, 99,5 cm x 120,5 cm, Λάδι σε καμβά

Bloemaert, Abraham - Gods at the wedding of Peleus and Thetis, 1638, 193 cm x 164,5 cm, Λάδι σε καμβά

Bloemaert, Abraham - Theagenes που λαμβάνει ένα κλαδί φοίνικα από τη Χαρίκλεια, 1626, 157,2 cm x 157,7 cm, Λάδι σε καμβά

Borch, Gerard ter - Letter, περ. 1655, 39 cm x 29,5 cm, Λάδι σε ξύλο

Και τα δύο, Ιαν - ιταλικό τοπίο, γ. 1645, 108,2 εκ. x 125,8 εκ., Λάδι σε καμβά

Bray, Jan de - Adoration of the Shepherds, 1665, 63 cm x 48 cm, Λάδι σε ξύλο

Breenbergh, Bartholomeus - Τοπίο με κυνηγετικές νύμφες και Νταϊάνα, 1647, 37,8 cm x 50 cm, Λάδι σε ξύλο

Brekelenkam, Quiringh Gerritsz - Ηλικιωμένη γυναίκα που κάνει αιμοληψία, περ. 1660, 48 cm x 37 cm, Ξύλο, λάδι

Brouwer, Adriaen - Αγροτικός αγώνας, περ. 1625-26, 25,5 cm x 34 cm, Λάδι σε ξύλο

Brueghel de Oude, Jan - Βάζο με λουλούδια, περ. 1610-15, 42 cm x 34,5 cm, Λάδι σε ξύλο

Στα πλαίσια του Έτους του Βασιλείου των Κάτω Χωρών στη Ρωσική Ομοσπονδία
στο Κρατικό Μουσείο Καλών Τεχνών με το όνομα A.S. Πούσκιν (Πινακοθήκη ευρωπαϊκών και αμερικανικών χωρών του 19ου-20ου αιώνα)
μέχρι τις 26 Ιανουαρίου 2014 υπήρχε έκθεση έργων από την εταιρική συλλογή του Ομίλου ING
Η μαγεία του ολλανδικού ρεαλισμού.

Ο Όμιλος ING είναι μια από τις μεγαλύτερες διεθνείς χρηματοοικονομικές εταιρείες ολλανδικής καταγωγής. Η συλλογή έργων τέχνης ING σήμερα περιλαμβάνει πάνω από 15 χιλιάδες έργα διαφόρων εθνικών σχολών και κινημάτων. Στην έκθεση του Κρατικού Μουσείου Καλών Τεχνών Πούσκιν, ο Όμιλος ING παρουσιάζει το πιο σημαντικό μέρος της συλλογής του - πίνακες που σχετίζονται με το καλλιτεχνικό κίνημα μαγικός ρεαλισμός.
Στη δεκαετία του 1920 στην Ευρώπη, με το σύνθημα «επιστροφή στην τάξη», ξεκίνησε μια αναβίωση της κλασικής τάσης στην τέχνη. Στην ευρωπαϊκή τέχνη, το πάθος για την αφαίρεση της προηγούμενης δεκαετίας εξασθενεί και οι ρεαλιστικές τάσεις αναβιώνουν. Αυτό οφειλόταν εν μέρει στην οδυνηρή εμπειρία του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου: η γλώσσα της αφηρημένης τέχνης ήταν αρκετά περιορισμένη και οι καλλιτέχνες αναγκάστηκαν να αναζητήσουν ένα νέο στυλγια να εκφράσει τη σκληρότητα της προηγούμενης σφαγής. Αυτό οδήγησε στη γέννηση νέα μορφήρεαλισμός, που εγκατέλειψε την εικόνα Καθημερινή ζωή, όπως ήταν στην τέχνη του 19ου αιώνα, και εστιάζοντας σε άλλες τεχνικές. Παρόμοια κινήματα τέχνης άρχισαν να εμφανίζονται σε όλη την Ευρώπη: «νέα υλικότητα» στη Γερμανία, «μεταφυσική τέχνη» στην Ιταλία, «σουρεαλισμός» στη Γαλλία και, τη δεκαετία του 1930, «μαγικός ρεαλισμός» στην Ολλανδία.

Ο όρος «μαγικός ρεαλισμός» εισήχθη για πρώτη φορά στη Γερμανία και αργότερα χρησιμοποιήθηκε στην Ολλανδία από ορισμένους συγγραφείς. Το ιδιαίτερο χαρακτηριστικό του είναι ότι αντικείμενα από τον πραγματικό κόσμο απεικονίζονται με φωτογραφική ακρίβεια (ρεαλισμός), ωστόσο, αφού τοποθετούνται σε ένα εξωπραγματικό πλαίσιο - αποκύημα της φαντασίας του καλλιτέχνη - το αποτέλεσμα της αποκόλλησης (μαγεία), η καταστροφή της τυπικής αντίληψης του γύρω κόσμου γεννιέται. Για να επιτύχουν αυτό το αποτέλεσμα, οι μαγικοί ρεαλιστές στράφηκαν στις εκλεπτυσμένες τεχνικές της ζωγραφικής του 17ου αιώνα. Ταυτόχρονα, πίσω από την πρόσοψη ενός εμφατικά ρεαλιστικού στυλ ζωγραφικής κρύβεται μια διεισδυτική και βαθιά προσωπική ματιά και η σχολαστική ακρίβεια με την οποία είναι φτιαγμένοι οι πίνακες δημιουργεί ένα αίσθημα αποξένωσης.

Οι καλλιτέχνες αρχίζουν να δείχνουν ενδιαφέρον για την ίδια τη ζωγραφική παράδοση. Ένας από τους πρώτους οπαδούς αυτής της τάσης είναι ο Ολλανδός Karel Willink, ο μόνος καλλιτέχνης που έχει την τιμή να συμπεριληφθεί όχι μόνο στη συλλογή της ING, αλλά και στην ευρύτερη ιστορία της τέχνης του 20ου αιώνα, δεδομένου ότι έβλεπε τα σύγχρονα στυλ ως παροδικά, ο Willink αποφασίζει να τερματίσει τα πειράματά του και να προχωρήσει στα παραδοσιακά ρεαλιστική ζωγραφική.

Karel Willink. Κορίτσι με αναγεννησιακό φόρεμα. 1946

Το βλέμμα όποιου μπαίνει στην έκθεση τραβάει αμέσως το «Κορίτσι με αναγεννησιακό κοστούμι» του Karel Willink. Το κορίτσι του Ρούμπενς με ένα βαρύ μπροκάρ φόρεμα με ένα πρόβατο παιχνίδι σε λουρί, που απεικονίζεται με φόντο ένα κανονικό πάρκο που απλώνεται στην προοπτική του Πατίνιροφ μέχρι τον ορίζοντα, μοιάζει με ηρωίδα κάποιου είδους εφιάλτη. Είτε το παγωμένο ηλεκτρικό φως, όπως στο «Melancholia» του Lars von Trier, δίνει ένα τέτοιο αποτέλεσμα, ή η αντίθεση ανάμεσα στο καθόλου παιδικό και καθόλου αθώο πρόσωπο του μοντέλου και στο ειδυλλιακό σκηνικό στο πνεύμα των παλιών δασκάλων, όπου αυτό μπαίνει πρόσωπο, σαν σε πίνακα, ενεργοποιείται ένα ψεύτικο από ένα επαρχιακό φωτογραφείο. Το "Girl" γράφτηκε το 1945 - κατά τη διάρκεια της κατοχής, ο Karel Willink, παρόλο που αναγνωρίστηκε ως εντελώς Άριος καλλιτέχνης, αρνήθηκε να πουλήσει τους πίνακές του στους Γερμανούς και έβγαζε τα προς το ζην από πορτρέτα. Ωστόσο, αυτή η εικόνα, με όλο τον κατά παραγγελία χαρακτήρα της, θεωρείται ως μια αντανάκλαση της Παλαιάς Ευρώπης, η οποία έχει πεθάνει και που πρέπει τώρα να κατοικηθεί από νέες, άγνωστες φυλές.

Οι υπόλοιποι καλλιτέχνες που παρουσιάζονται στην έκθεση είναι πολύ λιγότερο διάσημοι και φαίνεται να θέλουν να έρθουν σε διαμάχη με τον Willink, αποδεικνύοντάς του με τον μανιακό ρεαλισμό τους ότι οι αξίες του παλιού κόσμου έχουν δικαίωμα στη ζωή. Αλλά ταυτόχρονα, η συλλογή ING δεν μοιάζει καθόλου με εκδήλωση συντηρητισμού.

Ο όρος «μαγικός ρεαλισμός», που καλύπτεται στον τίτλο της έκθεσης, επινοήθηκε από έναν Γερμανό ιστορικό τέχνης και κριτικό Φραντς Ροχτο 1925 για καλλιτέχνες της «νέας υλικότητας», αλλά γρήγορα μετανάστευσαν στο χώρο της λογοτεχνίας και πρακτικά έχασαν κάθε σαφές νόημα στον τομέα της εικαστικής τέχνης. Αυτό που βλέπουμε στην έκθεση είναι ένα ευρύ φάσμα «ισμών». Από τον υπερρεαλισμό - όπως στο "The Box" Φρανς Κλέμεντ, από το οποίο θα πέφτουν ανά πάσα στιγμή εργαλεία κατασκευής, σε σημείο μπανάλ ακαδημαϊσμού - όπως στις παραγωγές νεκρής φύσης Πίτερ ΣέμπενςΚαι Bernard Ferkayka. Υπάρχουν και εδώ θαυμαστές του Andrew Wyeth... Γιόχαν Άμπελινγκμε το «House», που θα μπορούσε άνετα να γίνει «Christina's House». Και οι εννοιολογικοί σαν τον συγγραφέα 7 χιλιάδων αυτοπροσωπογραφιών Φίλιπ Άκερμαν, μαθητής των μεγάλων Γιαν Ντιμπετς. Και οι λάτρεις των μεταμοντέρνων παιχνιδιών όπως Μπαρέντα Μπλάνκερτ, παραθέτοντας παλιούς Ιταλούς ανάμεικτους με τον Ζωρζ Σευρά. Και αυτή η πολύ «νέα ουσία», που περιλαμβάνει τους συνομηλίκους του Karel Willink - Βιμ Σουμάχερμε ασημένια πορτρέτα και τοπία και ο Ντικ Καθ με κολάζ νεκρές φύσεις που επιστρέφουν στον κυβιστή αντικειμενικός κόσμοςψευδαισθησιακή πειστικότητα. Ωστόσο, Ντικ Κετ, στο «Still Life for St. Nicholas Day» κρυπτογραφώντας το όνομά του, από τότε που ανέβηκε γιορτινό τραπέζιμια κούκλα μαριονέτα που ονομάζεται "ket" στα Δυτικά Φριζιανά, παίζει σουρεαλιστικά παιχνίδια. Όπως ο Karel Willink, ο βόρειος μανιερισμός του είναι κοντά στον Max Ernst και τον Salvador Dali και ο καρτεσιανισμός του είναι κοντά στον Rene Magritte.

Μάλλον η συλλογή ING έχει πατριωτικό πρόγραμμα: άλλωστε ο ρεαλισμός θεωρείται μεγάλο επίτευγμα της ολλανδικής χρυσής εποχής. Πολλοί καλλιτέχνες εδώ κάνουν έκκληση στη χρυσή εποχή και στο «Νεκρή φύση με φρούτα στο φόντο ενός τοπίου» από έναν λαμπρό στυλίστα Ραούλ ΧίνκςΘα ήθελα να διορθώσω την ημερομηνία γράφοντας «1635» αντί για «1935». Αλλά κανείς δεν μπορεί να πει ότι τα κίνητρα που ώθησαν τη συλλογή αυτής της εταιρικής συλλογής περιορίζονται στην επιθυμία υποστήριξης της εθνικής καλλιτεχνικής μάρκας. Η έκθεση καταλαμβάνει μόνο τρεις αίθουσες και οι πίνακες απλώς διανέμονται μεταξύ τους σύμφωνα με την αρχή του είδους: πορτρέτο, τοπίο, νεκρή φύση. Ωστόσο, παρ' όλο τον φωτογραφικό ρεαλισμό των έργων, δεν αισθάνεσαι τη διαφορά μεταξύ των ειδών: σχεδιασμένα κυρίως σε θαμπούς ασημί-γκρι τόνους, που φωτίζονται κυρίως από απαλό ματ φως, που διακρίνονται από την αφύσικη καθαρότητα των γραμμών, όλα σε προκαλέστε πρώτα την ιδέα ενός τυπικού ολλανδικού τοπίου και στη συνέχεια αρχίστε να φαίνεται σαν νεκρή φύση. Ένα αριστοτεχνικό και απαθές καστ της πραγματικότητας από το οποίο η ζωή έχει εξαφανιστεί. Όχι ως μια ολιστική εικόνα του πραγματικού κόσμου, αλλά ως ένα σύνολο ενδείξεων που αναφέρονται στον πραγματικό κόσμο ως σκηνή εγκλήματος, όπως μια ρωγμή στο ένα υποβραχιόνιο και ένα τόξο στο άλλο. Μπαρέντα Μπλάνκερτ. Το οποίο εν μέρει περιέγραψε ο ποιητής Τζόζεφ Μπρόντσκισε ένα ποίημα εμπνευσμένο από τον πίνακα του Carl Willink: «Αυτό είναι που λέγεται «μαεστρία»:

Η ικανότητα να μην φοβάστε τη διαδικασία

Η ανυπαρξία - ως δικές της μορφές

Απουσία, έχοντας αντιγράψει από τη ζωή.

Ακολουθώντας τον Willink, εκπρόσωποι του μαγικού ρεαλισμού όπως ο Peike Koch, ο Raoul Hinkuis, ο Dick Kaeth και ο Wim Schumacher γίνονται όλο και πιο δημοφιλείς.

Πέικε Κοχ. Συγκομιδή. 1953

«Ο μαγικός ρεαλισμός απεικονίζει φαινόμενα που είναι πιθανά και όμως απίθανα. Ο σουρεαλισμός, από την πλευρά του, καταδεικνύει καταστάσεις που είναι αδύνατες, δεν υπάρχουν ή δεν μπορούν να υπάρξουν», είπε Πέικε Κοχ, εξηγώντας τη διαφορά μεταξύ του μαγικού ρεαλισμού και του σουρεαλισμού, δύο κινήματα τέχνης που συχνά συγχέονται μεταξύ τους. Ο σουρεαλισμός είναι πρωτίστως ένας κόσμος φαντασίας και ονείρων, ενώ ο μαγικός ρεαλισμός είναι η καθημερινότητα σε ένα νέο πλαίσιο.

Κοινό χαρακτηριστικό όλων των μαγικών ρεαλιστών είναι η ατμόσφαιρα που δημιουργούν οι πίνακές τους. Το αίσθημα ανησυχίας που προκαλούν αυτοί οι πίνακες οφείλεται εν μέρει στον ακραίο ρεαλισμό τους, ο οποίος μειώνει την απόσταση μεταξύ του θεατή και του έργου. Ταυτόχρονα, εδώ δεν υπάρχει αυστηρή αφήγηση ή πλήρης αφήγηση. Ο καλλιτέχνης προσφέρει μόνο ένα σύνολο πιθανών αναγνώσεων, αλλά ποτέ δεν δίνει μια ολοκληρωμένη απάντηση. Δίνεται το δικαίωμα στον θεατή να βγάλει τα συμπεράσματά του.

Η αισθητική του μαγικού ρεαλισμού, αυτός ο συνδυασμός πραγματικότητας και μαγείας, χρειαζόταν φυσικά ορισμένες στυλιστικές τεχνικές. Τα έργα των μαγικών ρεαλιστών διακρίνονται από μια ορισμένη ψυχρότητα και τη φαινομενικά αποστασιοποιημένη ματιά του καλλιτέχνη στο θέμα της εικόνας, που γλιστράει στην επιφάνεια, κάτι που ήταν ιδιαίτερα εμφανές στα πορτρέτα και τις νεκρές φύσεις (Ντικ Καθ, Βιμ Σουμάχερ).

Βιμ Σουμάχερ. Πορτρέτο του Adin Mees. 1933;

Wim Schumacher "Melita in White" 1928

Wim Schumacher "Prats de Mollo" 1929

Ντικ Κετ. Άγιος Νικόλαος, νεκρή φύση. 1931

Dick Ket (1902-1940). Νεκρή φύση με βιολί και αποκόμματα εφημερίδων με αυτοπροσωπογραφίες των W.Schumacher και R.Hynckes.Ca.1936

Raoul Hynckes (1893-1973).Νεκρή φύση με φρούτα και τοπίο/Νεκρή φύση με φρούτα ενάντια σε ένα τοπίο.1935.

Ger Langeweg (1891-1970).Pears in a Landscape.Ca.1937/Ger Langeweg.Pears in a landscape.

Για τους σύγχρονους εκπροσώπους του μαγικού ρεαλισμού στην Ολλανδία, είναι χαρακτηριστικό και όχι τυχαίο ότι έχουν σχέση με φαινόμενα στην τέχνη του 20ου αιώνα όπως η ποπ αρτ, ο νεοεξπρεσιονισμός και ο φωτορεαλισμός. Τεχνικές επίδειξης κατασκευής του ευφάνταστου κόσμου, η επιθυμία να παίξουμε τον ωφελιμισμό και τα στερεότυπα του περιβάλλοντος χώρου, τη φυγή στον κόσμο του φανταστικού, η χρήση κρυφών νύξεων, το ελεύθερο παιχνίδι με εικόνες και νοήματα κάνουν το έργο του σύγχρονου «μαγικού Καλλιτέχνες παρόμοιοι με τον σουρεαλισμό. Ταυτόχρονα, ο ακραίος βαθμός παραστατικής τέχνης και η προσοχή στη λεπτομέρεια είναι αναμφίβολα μια έκκληση στη ρεαλιστική παράδοση των παλιών Ολλανδών δασκάλων.

Σκοπός της έκθεσης «Η μαγεία του ολλανδικού ρεαλισμού» είναι να δείξει ένα από τα λαμπρότερα φαινόμενα στην ολλανδική τέχνη του 20ου αιώνα - ως διάλογος μεταξύ ζωγράφων πολλών γενεών, μεταξύ μαγικών ρεαλιστών του πρώτου μισού του 20ού αιώνα. αιώνα, συμπεριλαμβανομένων των Wim Schumacher, Karel Willink, Peike Koch και των σύγχρονων οπαδών τους: Philipp Akkerman, Frans Stuurman, Koos van Koulen και άλλων, ένας διάλογος που σας κάνει να θυμάστε την παραδοσιακή κουλτούρα της Ολλανδίας. Στην έκθεση παρουσιάζονται περίπου σαράντα έργα Ολλανδών καλλιτεχνών του 20ου και 21ου αιώνα, που επιδεικνύουν τεχνική μαεστρία, συνδυασμό παράδοσης και καινοτομίας.

Jan van Tongeren (1897-1991).Νεκρή φύση με λευκή κανάτα.1967/ Jan van Tongeren.Νεκρή φύση με λευκή κανάτα

Franc Clement (b.1941).Box.1985/ Franc Clement.Box.

Frans Stuurman "Delfshaven" 1979

Frans Stuurman (g.1952) The Gulf.1994 / Frans Stuurman.Seagull

Jan Worst "Adventurer" 1993

Kick Sailer "Μπροστά στον καθρέφτη" 1993

Kick Seiler "Night" 1992

Pete Sebens "Hilda's Table" 1995

Henk Helmantel (γεν. 1945). Νεκρή φύση με φρούτα ροδιού. 1998. Ξύλο, λάδι

Barend Blankert (g.1941).The Exercise.1991 / Barend Blankert. Ασκηση

Barend Blankert «Δύο αγόρια στη φύση» 1988-1990

Φίλιπ Άκερμαν. Αυτοπροσωπογραφία. 2001

Philip Akkerman (b.1957) 4 Self-Portraits No. 132, No. 51, No. 80, No. 20 / Philip Akerman.4 self-portraits

Το φως στους μαγικούς ρεαλιστικούς πίνακες συχνά φαίνεται τεχνητό, υπερβολικά σκληρό και διακοπτόμενο. Οι καλλιτέχνες χρησιμοποίησαν αυτή την τεχνική για να συνειδητοποιήσουν πλήρως τις μεθόδους χρήσης της προοπτικής που ανέπτυξαν οι κυβιστές.

Επίσης, στους πίνακες των μαγικών ρεαλιστών δύσκολα μπορεί κανείς να βρει αποχρώσεις ή απαλούς χρωματικούς συνδυασμούς: το προσκήνιο και το φόντο απεικονίζονται συχνά με τον ίδιο βαθμό λεπτομέρειας. Μεταξύ των σύγχρονων οπαδών του μαγικού ρεαλισμού, αυτή η τεχνική χρησιμοποιείται από Koos van Koulen.

Koos van Koulen. Όλγα. 2007

Koos van Keulen "Itier and Pisanello" 2003

Matthijs Roling(b.1943).Garden.2005 / Matthijs Roling.Garden

Bernard Verkaaik (γ.1946). Pot, Onions and black Cloth.2004/ Bernard Ferkaaik. Κατσαρόλα, βολβοί και μαύρο ύφασμα

em>
Kenne Gregoire (γεν. 1951). Διάλειμμα για καφέ. 2003. Καμβάς σε ξύλο, ακρυλικό

Harry van der Woude "Αυτοπροσωπογραφία με ένα πορτοκαλί μπολ" 2007

Εμφανίζεται στη Γαλλία τη δεκαετία του 1960 νέο ρεαλισμό, και στις ΗΠΑ και τη Μεγάλη Βρετανία η ποπ αρτ - η ζήτηση για μαγικό ρεαλισμό ως κίνημα πέφτει κατακόρυφα. Αυτή την εποχή άρχισε να εμφανίζεται στην Ευρώπη ο νεοεξπρεσιονισμός. Σε αυτή τη διαδικασία συμμετέχουν ενεργά μεταξύ άλλων Βέλγοι και Ολλανδοί καλλιτέχνες Alphonse FreimuthΚαι Ρότζερ Ρόβελ. Αρχίζουν να δημιουργούν πίνακες σε «φυσικό στυλ», επιστρέφοντας από καιρό σε καιρό στις παραδόσεις των προκατόχων τους, οι οποίοι ανακάλυψαν την κατεύθυνση του «μαγικού ρεαλισμού». Τώρα οι κύριοι είναι πιο τυπικοί για θέματα όπως η αγάπη, η αρμονία, ο θάνατος, τα συναισθήματα, ενώ ο νέος νευρωτικός ρεαλισμός συχνά στρέφεται σε θέματα ταμπού στην κοινωνία. Οι καλλιτέχνες όλων αυτών των κινημάτων πιστεύουν ακράδαντα στην ανάγκη έκφρασης τόσο των προσωπικών τους θέσεων, σκέψεων, όσο και των οικουμενικών ανθρώπινων αξιών, που ενώνει αυτές τις περιόδους στην τέχνη.

Η έκθεση στο σύνολό της δείχνει ξεκάθαρα όχι μόνο τη συνέχεια των σύγχρονων Ολλανδών καλλιτεχνών από τους άμεσους προκατόχους τους, αλλά και έναν συνεχή διάλογο με τον παραδοσιακό πολιτισμό και τη σύνδεση με τη χρυσή εποχή της ολλανδικής ζωγραφικής. Η εύρεση αυτών των διασταυρώσεων και των αμοιβαίων αναφορών γίνεται μια συναρπαστική αναζήτηση για τον θεατή. Ωστόσο, η μαγεία λειτουργεί και με παθητικό στοχασμό. Ωστόσο, ο μαγικός ρεαλισμός είναι οξύμωρο και τα παράδοξα και οι αντιφάσεις πάντα ελκύουν.

ΥΣΤΕΡΟΓΡΑΦΟ. Δυστυχώς, δεν μπόρεσα να παρακολουθήσω την έκθεση, συγκέντρωσα υλικό για αυτήν στο Διαδίκτυο:
Συνδέσεις:
http://pda.mn.ru/culture/20131114/362619469.html

Περίπου το μισό του 16ου πίνακα. μεταξύ των Ολλανδών ζωγράφων υπάρχει η επιθυμία να απαλλαγούν από τις ελλείψεις της εγχώριας τέχνης - τη γοτθική γωνιότητα και την ξηρότητά της - μελετώντας Ιταλούς καλλιτέχνες της Αναγέννησης και συνδυάζοντας τον τρόπο τους με τις καλύτερες παραδόσεις της δικής τους σχολής. Αυτή η επιθυμία είναι ήδη ορατή στα έργα του προαναφερθέντος Mostert. αλλά ο κύριος διαδότης του νέου κινήματος θα πρέπει να θεωρηθεί ο Jan Schorel (1495-1562), ο οποίος έζησε για μεγάλο χρονικό διάστημα στην Ιταλία και αργότερα ίδρυσε το σχολείο στην Ουτρέχτη από το οποίο καταγόταν. ολόκληρη γραμμήκαλλιτέχνες μολυσμένοι από την επιθυμία να γίνουν Ολλανδοί Ραφαήλ και Μιχαήλ Άγγελος. Στα βήματά του, ο Maarten van Van, με το παρατσούκλι Gemskerk (1498-1574), ο Henryk Goltzius (1558-1616), ο Peter Montford, παρατσούκλι. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Ο Χάρλεμ (1562-1638) και άλλοι που ανήκαν στην επόμενη περίοδο της γερμανικής σχολής, όπως, για παράδειγμα, ο Αβραάμ Μπλόμαερτ (1564-1651), ο Τζέραρντ Γκόνθορστ (1592-1662), ξεπέρασαν τις Άλπεις για να εμποτιστούν με τις τελειότητες. των φωτιστικών Ιταλική ζωγραφική, αλλά έπεσε, ως επί το πλείστον, υπό την επίδραση εκπροσώπων της παρακμής αυτού του πίνακα που άρχιζε εκείνη την εποχή και επέστρεψαν στην πατρίδα τους ως μανιεριστές, φανταζόμενοι ότι όλη η ουσία της τέχνης βρίσκεται στην υπερβολή των μυών, στην η επιτηδειότητα των γωνιών και η απήχηση των συμβατικών χρωμάτων. Ωστόσο, το πάθος των Ιταλών για τη ζωγραφική, που συχνά επεκτεινόταν στα άκρα στη μεταβατική εποχή της Γεωργίας, έφερε ένα είδος οφέλους, αφού έφερε σε αυτόν τον πίνακα καλύτερο, πιο μαθημένο σχέδιο και την ικανότητα να διαχειρίζεται τη σύνθεση πιο ελεύθερα και τολμηρά. Μαζί με την παλιά ολλανδική παράδοση και την απεριόριστη αγάπη για τη φύση, ο Ιταλισμός έγινε ένα από τα στοιχεία από τα οποία διαμορφώθηκε η πρωτότυπη, ιδιαίτερα ανεπτυγμένη τέχνη της ακμάζουσας εποχής. Η έναρξη αυτής της εποχής, όπως έχουμε ήδη πει, πρέπει να χρονολογηθεί στις αρχές του 17ου αιώνα, όταν η Ολλανδία, έχοντας κερδίσει την ανεξαρτησία, άρχισε να ζει νέα ζωή. Η δραματική μετατροπή μιας καταπιεσμένης και φτωχής χώρας μόλις χθες σε μια πολιτικά σημαντική, άνετη και πλούσια ένωση κρατών συνοδεύτηκε από μια εξίσου δραματική επανάσταση στην τέχνη της. Από όλες τις πλευρές, σχεδόν ταυτόχρονα, εμφανίζονται σε αμέτρητους αριθμούς. υπέροχοι καλλιτέχνες, καλούνται σε δραστηριότητα από την άνοδο του εθνικού πνεύματος και την ανάγκη για το έργο τους που έχει αναπτυχθεί στην κοινωνία. Στα αρχικά καλλιτεχνικά κέντρα, το Χάρλεμ και το Λάιντεν, προστίθενται νέα - Ντελφτ, Ουτρέχτη, Ντόρτρεχτ, Χάγη, Άμστερνταμ κ.λπ. Παντού τα παλιά καθήκοντα της ζωγραφικής αναπτύσσονται με νέο τρόπο υπό την επίδραση των μεταβαλλόμενων απαιτήσεων και απόψεων, και τους νέους κλάδους της, οι απαρχές των οποίων ήταν ελάχιστα αισθητές την προηγούμενη περίοδο. Η Μεταρρύθμιση έδιωξε τους θρησκευτικούς πίνακες από τις εκκλησίες. δεν χρειαζόταν να διακοσμηθούν τα παλάτια και οι ευγενείς αίθουσες με εικόνες αρχαίων θεών και ηρώων, και επομένως η ιστορική ζωγραφική, που ικανοποιούσε τα γούστα της πλούσιας αστικής τάξης, απέρριψε τον ιδεαλισμό και στράφηκε σε μια ακριβή αναπαραγωγή της πραγματικότητας: άρχισε να ερμηνεύει γεγονότα του μακρού παρελθόντος όπως τα γεγονότα της εποχής που έλαβαν χώρα στην Ολλανδία, και κυρίως έλαβαν προσωπογραφία, διαιωνίζοντας σε αυτήν τα χαρακτηριστικά των ανθρώπων εκείνης της εποχής, είτε σε μονόμορφες μορφές είτε σε εκτενείς, πολυμορφικές συνθέσεις που απεικονίζουν κοινωνίες τουφεκιού (schutterstuke), οι οποίες έπαιξε τόσο εξέχοντα ρόλο στον αγώνα για την απελευθέρωση της χώρας - οι διαχειριστές των φιλανθρωπικών της ιδρυμάτων (regentenstuke), οι εργοδηγοί των καταστημάτων και τα μέλη διαφόρων εταιρειών. Αν αποφασίσαμε να μιλήσουμε για όλους τους ταλαντούχους προσωπογράφους της ακμάζουσας εποχής της Γαλατίας. τέχνη, τότε και μόνο η λίστα με τα ονόματά τους με ένδειξη των καλύτερων έργων τους θα χρειαζόταν πολλές γραμμές. Ως εκ τούτου, περιοριζόμαστε να αναφέρουμε μόνο εκείνους τους καλλιτέχνες που ξεχωρίζουν ιδιαίτερα από τη γενική τάξη. Αυτοί είναι οι: Michiel Miervelt (1567-1641), ο μαθητής του Paulus Morelse (1571-1638), ο Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572; - 1657), οι προκάτοχοι των τριών μεγαλύτερων προσωπογράφων της Ολλανδίας - των μάγος του chiaroscuro Rembrandt van Rijn (1606-69), ενός ασύγκριτου σχεδιαστή που είχε μια καταπληκτική τέχνη να μοντελοποιεί φιγούρες στο φως, αλλά κάπως ψυχρό χαρακτήρα και χρώμα, Bartholomew van der Gelst (1611 ή 1612-70) και εντυπωσιακό με τη φούγκα του πινέλου του Frans Gols the Elder (1581-1666). Από αυτά, το όνομα του Ρέμπραντ λάμπει ιδιαίτερα έντονα στην ιστορία, στην αρχή εκτιμήθηκε πολύ από τους συγχρόνους του, στη συνέχεια ξεχάστηκε από αυτούς, εκτιμήθηκε ελάχιστα από τους μεταγενέστερους και μόνο τον τρέχοντα αιώνα ανυψώθηκε, με κάθε δικαιοσύνη, στο επίπεδο του κόσμου. ιδιοφυία. Στη χαρακτηριστική του καλλιτεχνική προσωπικότητα συμπυκνώνονται όλα τα καλύτερα προσόντα της ζωγραφικής του Γ., σαν στο επίκεντρο, και η επιρροή του αντικατοπτρίστηκε σε όλους τους τύπους - σε πορτρέτα, ιστορικές ζωγραφιές, καθημερινές σκηνές και τοπίο. Οι πιο διάσημοι μεταξύ των μαθητών και οπαδών του Ρέμπραντ ήταν οι: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 ή 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (περίπου 1620-54), Salomon and Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († αργότερα 1645), Gerard Dou (1613-75) και Samuel van Googstraten (1626-78). Εκτός από αυτούς τους καλλιτέχνες, για να συμπληρωθεί ο κατάλογος των καλύτερων προσωπογράφων και ιστορικών ζωγράφων της υπό εξέταση περιόδου, θα πρέπει να ονομάσουμε τον Jan Lievens (1607-30), τον συμμαθητή του Ρέμπραντ του P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72). ) και ο Pieter Nazon (1612-91), εργαζόμενοι, προφανώς, υπό την επιρροή του V. d Gelsta, ο μιμητής των Hals Johannes Verspronck (1597-1662), Jan and Jacob de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) και Nicholas de Gelta-Stokade (1614-). Οικιακή ζωγραφική, τα πρώτα πειράματα του οποίου εμφανίστηκαν στα παλιά Ολλανδικό σχολείο , βρέθηκα τον 17ο αιώνα. ιδιαίτερα γόνιμο έδαφος στην προτεσταντική, ελεύθερη, αστική, αυτάρεσκη Ολλανδία. Μικρές εικόνες, που αντιπροσώπευαν άτεχνα τα έθιμα και τη ζωή διαφορετικών τάξεων της τοπικής κοινωνίας, φαίνονταν σε αρκετούς ανθρώπους πιο διασκεδαστικές από μεγάλα έργα σοβαρής ζωγραφικής και, μαζί με τοπία, πιο βολικές για τη διακόσμηση φιλόξενων ιδιωτικών κατοικιών. Μια ολόκληρη ορδή καλλιτεχνών ικανοποιεί τη ζήτηση τέτοιων εικόνων, χωρίς να σκέφτεται πολύ την επιλογή των θεμάτων για αυτές, αλλά αναπαράγει συνειδητά όλα όσα συναντά κανείς στην πραγματικότητα, δείχνοντας ταυτόχρονα αγάπη για την οικογένειά τους, στη συνέχεια καλοσυνάτο χιούμορ, με ακρίβεια χαρακτηρίζοντας τις απεικονιζόμενες θέσεις και πρόσωπα και εξευγενισμένο στην κυριαρχία της τεχνολογίας. Ενώ κάποιοι ασχολούνται με τη ζωή των απλών ανθρώπων, σκηνές αγροτικής ευτυχίας και λύπης, ποτό σε ταβέρνες και ταβέρνες, συγκεντρώσεις μπροστά σε πανδοχεία στην άκρη του δρόμου, αγροτικές διακοπές, παιχνίδια και πατινάζ στους πάγους παγωμένων ποταμών και καναλιών κ.λπ., άλλοι παίρνουν το περιεχόμενο για τα έργα τους από έναν πιο κομψό κύκλο - ζωγραφίζουν χαριτωμένες κυρίες στο οικείο τους περιβάλλον, την ερωτοτροπία των δανδή κυρίων, τις νοικοκυρές που δίνουν εντολές στις υπηρέτριές τους, τις ασκήσεις κομμωτηρίου στη μουσική και το τραγούδι, το γλέντι της χρυσής νεότητας σε σπίτια αναψυχής κ.λπ. Στη μεγάλη σειρά των καλλιτεχνών της πρώτης κατηγορίας διαπρέπουν οι Adrian και Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 ή 1606-38), Jan Stan (περίπου 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, με το παρατσούκλι Bambocchio στην Ιταλία (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, με το παρατσούκλι Sorg (1621-82), Claes Molenaar (πρώην 1630-76), Jan Minse-Molenar (περίπου 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) και μερικοί. κ.λπ. Από τον εξίσου σημαντικό αριθμό ζωγράφων που αναπαρήγαγαν τη ζωή της μεσαίας και ανώτερης, γενικά επαρκούς, τάξης, οι Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Γκογκ (1630-66), Κάσπαρ Νέτσερ (1639-84), Γαλλία γ. Miris the Elder (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer of Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony and Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38) κ.λπ. Η κατηγορία των ζωγράφων του είδους περιλαμβάνει καλλιτέχνες που ζωγράφιζαν σκηνές στρατιωτικής ζωής, αδράνεια στρατιωτών σε φρουρά , χώροι κατασκήνωσης, αψιμαχίες ιππικού και ολόκληρες μάχες, άλογα γυμναστικής, καθώς και σκηνές κυνηγιού γερακιών και κυνηγόσκυλων παρόμοιες με σκηνές μάχης. Επικεφαλής Αντιπρόσωπος Αυτός ο κλάδος της ζωγραφικής είναι ο διάσημος και ασυνήθιστα παραγωγικός Philips Wouwerman (1619-68). Εκτός από αυτόν, ο αδερφός της αυτού του δασκάλου, Peter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), τον οποίο σύντομα θα συναντήσουμε ανάμεσα στους τοπιογράφους, τους προαναφερθέντες Παλαμήδη, Jacob Leduc (1600 - αργότερα 1660), Henrik. Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717), κ.λπ. Για πολλούς από αυτούς τους καλλιτέχνες, το τοπίο παίζει εξίσου σημαντικό ρόλο με τις ανθρώπινες φιγούρες. αλλά παράλληλα με αυτούς εργάζεται και μια μάζα ζωγράφων που το θέτουν ως κύριο ή αποκλειστικό έργο τους. Γενικά, οι Ολλανδοί έχουν το αναφαίρετο δικαίωμα να είναι περήφανοι που η πατρίδα τους είναι η γενέτειρα όχι μόνο του νεότερου είδους, αλλά και του τοπίου με την έννοια που γίνεται κατανοητό σήμερα. Μάλιστα, σε άλλες χώρες, π.χ. στην Ιταλία και τη Γαλλία, η τέχνη δεν ενδιαφέρθηκε καθόλου για την άψυχη φύση, δεν βρήκε σε αυτήν ούτε μια μοναδική ζωή ούτε ιδιαίτερη ομορφιά: ο ζωγράφος εισήγαγε το τοπίο στους πίνακές του μόνο ως παράπλευρο στοιχείο, ως διακόσμηση, μεταξύ των οποίων επεισόδια ανθρώπινου δράματος ή η κωμωδία παίζεται, και ως εκ τούτου την υποτάσσει τις συνθήκες της σκηνής, επινοώντας γραφικές γραμμές και σημεία που της είναι ευεργετικά, χωρίς όμως να αντιγράφουν τη φύση, χωρίς να διαποτίζονται από την εντύπωση που εμπνέει. Με τον ίδιο τρόπο «συνέθεσε» τη φύση σε εκείνες τις σπάνιες περιπτώσεις που προσπάθησε να ζωγραφίσει έναν καθαρά τοπιογράφο. Οι Ολλανδοί ήταν οι πρώτοι που κατάλαβαν ότι ακόμα και στην άψυχη φύση όλα αναπνέουν ζωή, όλα είναι ελκυστικά, όλα είναι ικανά να προκαλούν σκέψη και να συναρπάζουν την κίνηση της καρδιάς. Και αυτό ήταν απολύτως φυσικό, γιατί οι Ολλανδοί, ας πούμε, δημιούργησαν τη φύση γύρω τους με τα χέρια τους, την εκτιμούσαν και τη θαύμασαν, όπως ένας πατέρας λατρεύει και θαυμάζει το δικό του πνευματικό τέκνο. Επιπλέον, αυτή η φύση, παρά τη σεμνότητα των μορφών και των χρωμάτων της, παρείχε στους χρωματιστές όπως οι Ολλανδοί άφθονο υλικό για την ανάπτυξη μοτίβων φωτισμού και εναέριας προοπτικής λόγω των κλιματικών συνθηκών της χώρας - τον κορεσμένο με ατμό αέρα της, μαλακώνοντας τα περιγράμματα του αντικείμενα, που παράγουν μια διαβάθμιση τόνων σε διαφορετικά σχέδια και καλύπτουν την απόσταση με μια ομίχλη αργυρής ή χρυσής ομίχλης, καθώς και τη μεταβλητότητα της εμφάνισης των περιοχών που καθορίζονται από την εποχή του χρόνου, την ώρα της ημέρας και τις καιρικές συνθήκες. Από τους τοπιογράφους της περιόδου της ανθοφορίας, οι Ολλανδοί. σχολεία που ήταν διερμηνείς της εγχώριας φύσης τους είναι ιδιαίτερα σεβαστά: Jan V. Goyen (1595-1656), ο οποίος μαζί με τον Esaias van de Velde (περ. 1590-1630) και τον Pieter Moleyn the Elder. (1595-1661), που θεωρείται ο ιδρυτής του Γκολ. τοπίο; τότε αυτός ο μαθητής του μεταπτυχιακού, ο Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (περ. 1600 - αργότερα 1679), λάτρης των εφέ του καλύτερου φωτισμού Τέχνη. d Nair (1603-77), ποιητικό Jacob v. Ruisdael (1628 ή 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) και Cornelis Dekker († 1678). Μεταξύ των Ολλανδών υπήρχαν επίσης πολλοί τοπιογράφοι που ξεκίνησαν ταξίδια και αναπαρήγαγαν μοτίβα ξένης φύσης, τα οποία όμως δεν τους εμπόδισαν να διατηρήσουν στη ζωγραφική τους εθνικό χαρακτήρα. Albert V. Ο Έβερντινγκεν (1621-75) απεικόνισε απόψεις της Νορβηγίας. Jan Both (1610-52), Dirk v. Μπέργκεν († αργότερα 1690) και Γιαν Λίνγκελμπαχ (1623-74) - Ιταλία; Ian V. δ. Δήμαρχος ο νεότερος (1656-1705), Χέρμαν Σάφτλεβεν (1610-85) και Γιαν Γκρίφιρ (1656-1720) - Ρέινα. Jan Hackart (1629-99;) - Γερμανία και Ελβετία. Ο Cornelis Pulenenburg (1586-1667) και μια ομάδα οπαδών του ζωγράφισαν τοπία εμπνευσμένα από την ιταλική φύση, με ερείπια αρχαίων κτιρίων, νύμφες που κολυμπούν και σκηνές μιας φανταστικής Αρκαδίας. Σε μια ειδική κατηγορία μπορούμε να ξεχωρίσουμε μάστορες που στους πίνακές τους συνδύασαν τοπία με εικόνες ζώων, δίνοντας προτίμηση είτε στο πρώτο είτε στο δεύτερο ή αντιμετωπίζοντας και τα δύο μέρη με την ίδια προσοχή. Ο πιο διάσημος από αυτούς τους ζωγράφους του αγροτικού ειδυλλίου είναι ο Paulus Potter (1625-54). Εκτός από αυτόν, εδώ θα πρέπει να συμπεριληφθεί και ο Άντριαν. d Velde (1635 ή 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) και πολυάριθμοι καλλιτέχνες που στράφηκαν για θέματα κατά προτίμηση ή αποκλειστικά στην Ιταλία, όπως: Willem Romain († αργότερα 1693), Adam. Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Wieck (1616;-77) Frederic de Moucheron (1633 ή 1634 -86) κ.λπ. Στενά συνδεδεμένη με τη ζωγραφική τοπίου είναι η ζωγραφική των αρχιτεκτονικών απόψεων, την οποία οι Ολλανδοί καλλιτέχνες άρχισαν να ασχολούνται ως ανεξάρτητος κλάδος τέχνης μόλις στα μισά του 17ου αιώνα. Μερικοί από εκείνους που από τότε εργάστηκαν σε αυτόν τον τομέα ήταν περίπλοκοι στην απεικόνιση των δρόμων και των πλατειών της πόλης με τα κτίριά τους. αυτοί είναι, μεταξύ άλλων, λιγότερο σημαντικοί, οι Johannes Bärestraten (1622-66), Job and Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d Heyden (1647-1712) και Jacob v. χωριό Γιούλφτ (1627-88). Άλλοι, μεταξύ των οποίων οι πιο εξέχοντες είναι οι Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Ο Delen (1605-71), ο Emmanuel de Witte (1616 ή 1617-92), έγραψαν εσωτερικές απόψειςεκκλησίες και παλάτια. Η θάλασσα ήταν τόσο σημαντική στη ζωή της Ολλανδίας που η τέχνη της δεν μπορούσε να την αντιμετωπίσει παρά μόνο με τη μεγαλύτερη προσοχή. Πολλοί από τους καλλιτέχνες του που ασχολήθηκαν με τοπία, είδη, ακόμη και πορτρέτα, ξεφεύγοντας για λίγο από τα συνηθισμένα τους θέματα, έγιναν ναυτικοί ζωγράφοι και αν αποφασίσαμε να απαριθμήσουμε όλους τους Ολλανδούς ζωγράφους. σχολεία που απεικονίζουν μια ήρεμη ή μανιασμένη θάλασσα, πλοία που λικνίζονται πάνω της, λιμάνια γεμάτα με πλοία, ναυμαχίες κ.λπ., τότε θα είχαμε έναν πολύ μακρύ κατάλογο που θα περιλάμβανε τα ονόματα του Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. and J. Ruisdal, A. Cuyp και άλλοι που έχουν ήδη αναφερθεί στις προηγούμενες γραμμές. Περιοριζόμενοι στο να επισημάνουμε εκείνους για τους οποίους η ζωγραφική θαλάσσιων ειδών ήταν ειδικότητα, πρέπει να ονομάσουμε τον Willem v. de Velde the Elder (1611 ή 1612-93), ο διάσημος γιος του V. v. de Velde ο νεότερος (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) και Julius Parcellis († αργότερα 1634). Τέλος, η ρεαλιστική κατεύθυνση της ολλανδικής σχολής ήταν ο λόγος που διαμορφώθηκε και αναπτύχθηκε σε αυτήν ένα είδος ζωγραφικής, που σε άλλα σχολεία μέχρι τότε δεν είχε καλλιεργηθεί ως ιδιαίτερος, ανεξάρτητος κλάδος, δηλαδή ζωγραφική λουλουδιών, φρούτων, λαχανικών, ζωντανά πλάσματα, μαγειρικά σκεύη, επιτραπέζια σκεύη κ.λπ. - με μια λέξη, αυτό που σήμερα αποκαλείται συνήθως «νεκρή φύση» (nature morte, Stilleben). Στην περιοχή αυτή μεταξύ των Οι πιο διάσημοι καλλιτέχνες της ακμής ήταν ο Jan-Davids de Gem (1606-83), ο γιος του Cornelis (1631-95), ο Abraham Mignon (1640-79), ο Melchior de Gondecoeter (1636-95), η Maria Osterwijk (1630). -93) , Willem V. Aalst (1626-83), Willem Geda (1594 - αργότερα 1678), Willem Kalf (1621 ή 1622-93) και Jan Waenix (1640-1719).

Η λαμπρή περίοδος της ολλανδικής ζωγραφικής δεν κράτησε πολύ - μόνο έναν αιώνα. Από τις αρχές του 18ου αιώνα. Η παρακμή του έρχεται, όχι επειδή οι ακτές του Zuiderzee παύουν να παράγουν έμφυτα ταλέντα, αλλά επειδή Στην κοινωνία η εθνική αυτοσυνειδησία εξασθενεί ολοένα και περισσότερο, το εθνικό πνεύμα εξατμίζεται και τα γαλλικά γούστα και απόψεις της πομπώδους εποχής επικρατούν. Λουδοβίκος ΙΔ'. Στην τέχνη, αυτή η πολιτιστική στροφή εκφράζεται με τη λήθη εκ μέρους των καλλιτεχνών εκείνων των βασικών αρχών από τις οποίες εξαρτιόταν η πρωτοτυπία των ζωγράφων των προηγούμενων γενεών και η έφεση στις αισθητικές αρχές που προέρχονται από μια γειτονική χώρα. Αντί για άμεση σχέση με τη φύση, η αγάπη για αυτό που είναι εγγενές και η ειλικρίνεια, η κυριαρχία των προκατασκευασμένων θεωριών, η σύμβαση και η μίμηση των Poussin, Lebrun, Cl. Λορέν και άλλοι διαφωτιστές της γαλλικής σχολής. Ο κύριος διαπραγματευτής αυτής της θλιβερής τάσης ήταν ο Φλαμανδός Gerard de Leresse (1641-1711), που εγκαταστάθηκε στο Άμστερνταμ, ένας ικανότατος καλλιτέχνης και μορφωμένος στην εποχή του, που άσκησε τεράστια επιρροή στους συγχρόνους του και στους άμεσους απογόνους του, τόσο με το ψεύτικό του ήθος. -ιστορικούς πίνακες και έργα της δικής του πένας, μεταξύ των οποίων ένα - " Υπέροχο βιβλίοζωγράφος» («t groot schilderboec) - για πενήντα χρόνια χρησίμευε ως κώδικας για νέους καλλιτέχνες. Στην παρακμή της σχολής συνέβαλε και ο περίφημος Αδριανός. de Werff (1659-1722), του οποίου ο κομψός πίνακας με ψυχρές φιγούρες, σαν σκαλισμένος από ελεφαντόδοντο, με ένα θαμπό, ανίσχυρο χρώμα, φαινόταν κάποτε το ύψος της τελειότητας. Μεταξύ των οπαδών αυτού του καλλιτέχνη ο Henryk v. απόλαυσε τη φήμη ως ιστορικοί ζωγράφοι. Limborg (1680-1758) και Philip V.-Dyck (1669-1729), με το παρατσούκλι "Little V.-Dyck". Από τους άλλους ζωγράφους της εν λόγω εποχής, προικισμένους με αναμφισβήτητο ταλέντο, αλλά μολυσμένους με το πνεύμα των καιρών, πρέπει να σημειωθεί ο Willem and France v. Miris the Younger (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) και Carel de Maur (1656-173). Λίγη λάμψη έδωσε στο ετοιμοθάνατο σχολείο ο Cornelis Troost (1697-1750), κυρίως σκιτσογράφος, με το παρατσούκλι Dutch. Ο Γκόγκαρθ, ο πορτραίτης Jan Quincgard (1688-1772), ο διακοσμητικός και ιστορικός ζωγράφος Jacob de Wit (1695-1754) και οι ζωγράφοι της νεκρής φύσης Jan V. Geysum (1682-1749) και Rachel Reisch (1664-1750).

Η ξένη επιρροή επιβάρυνε την ολλανδική ζωγραφική μέχρι τη δεκαετία του 20 του 19ου αιώνα, έχοντας καταφέρει να αντικατοπτρίσει σε αυτήν λίγο πολύ τις αλλαγές που επέφερε η τέχνη στη Γαλλία, ξεκινώντας από την κατασκευή περουκών της εποχής του Βασιλιά Ήλιου και τελειώνοντας με τον ψευδοκλασικισμό του Δαβίδ. Όταν το ύφος των τελευταίων απαρχαιώθηκε και παντού στη Δυτική Ευρώπη, αντί της γοητείας με τους αρχαίους Έλληνες και Ρωμαίους, γεννήθηκε μια ρομαντική επιθυμία, κατακτώντας τόσο την ποίηση όσο και τις παραστατικές τέχνες, οι Ολλανδοί, όπως και άλλοι λαοί, έστρεψαν το βλέμμα τους στο την αρχαιότητα τους, άρα και την ένδοξη περασμένη ζωγραφική τους. Η επιθυμία να της ξαναδώσω τη λάμψη με την οποία έλαμψε XVII αιώνα, άρχισε να εμπνέει τους νεότερους καλλιτέχνες και τους επέστρεψε στις αρχές των αρχαίων εθνικών δασκάλων - σε μια αυστηρή παρατήρηση της φύσης και μια έξυπνη, ειλικρινή στάση απέναντι στα καθήκοντα που είχαν. Ταυτόχρονα, δεν προσπάθησαν να εξαλείψουν εντελώς την ξένη επιρροή, αλλά πηγαίνοντας να σπουδάσουν στο Παρίσι ή στο Ντίσελντορφ και σε άλλα κέντρα τέχνηςΓερμανία, τους πήγαν σπίτι από εκεί μόνο για να γνωρίσουν τις επιτυχίες μοντέρνα τεχνολογία. Χάρη σε όλα αυτά, το αναβιωμένο ολλανδικό σχολείο έλαβε και πάλι μια πρωτότυπη, ελκυστική φυσιογνωμία και κινείται σήμερα στο μονοπάτι που οδηγεί σε περαιτέρω πρόοδο. Μπορεί εύκολα να αντιπαραβάλει πολλές από τις νεότερες φιγούρες της με τους καλύτερους ζωγράφους του 19ου αιώνα σε άλλες χώρες. Η ιστορική ζωγραφική με τη στενή έννοια της λέξης καλλιεργείται σε αυτήν, όπως παλιά, πολύ μέτρια και δεν έχει εξαιρετικούς εκπροσώπους. Αλλά όσον αφορά το ιστορικό είδος, ο Holland μπορεί να υπερηφανεύεται για αρκετούς σημαντικούς πρόσφατους δασκάλους, όπως: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (γεν. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (γεν. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) και τον εξαιρετικά ταλαντούχο Lawrence Alma-Tadema (γεν. 1836), που εγκατέλειψε στην Αγγλία. Όσον αφορά το καθημερινό είδος, που περιλαμβανόταν επίσης στον κύκλο δραστηριότητας αυτών των καλλιτεχνών (με εξαίρεση τον Alma-Tadema), μπορεί κανείς να επισημάνει έναν αριθμό εξαιρετικών ζωγράφων, με επικεφαλής τον Joseph Israels (γενν. 1824) και τον Christoffel. Bisschop (γ. 1828); Εκτός από αυτούς, οι Michiel Verseg (1756-1843), ο Elhanon Vervaer (γ. 1826), η Teresa Schwarze (γ. 1852) και ο Valli Mus (γ. 1857) είναι άξιοι να ονομαστούν. Ο νεότερος στόχος είναι ιδιαίτερα πλούσιος. ζωγραφική από τοπιογράφους που εργάστηκαν και εργάζονται με διάφορους τρόπους, άλλοτε με προσεκτική ολοκλήρωση, άλλοτε με την ευρεία τεχνική των ιμπρεσιονιστών, αλλά πιστούς και ποιητικούς ερμηνευτές της ιθαγενούς φύσης τους. Σε αυτούς περιλαμβάνονται οι Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (γ. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (γ. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (γ. 1837), Lodewijk Apol (γ. 1850) και πολλοί άλλοι. κλπ. Άμεσοι κληρονόμοι του Ya. Εμφανίστηκαν οι D. Heyden και E. de Witte ζωγράφοι υποσχόμενων απόψεων, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gowe (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880), κ.λπ. Από τους νεότερους ναυτικούς ζωγράφους της Ολλανδίας, οι Η παλάμη ανήκει στο Jog. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (γ. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) και Henrik Mesdag (γ. 1831). Τέλος, ο Wouters Verschoor (1812-74) και ο Johann Gas (γεν. 1832) επέδειξαν μεγάλη δεξιοτεχνία στη ζωγραφική των ζώων.

Νυμφεύομαι. Van Eyden u. van der Willigen, «Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw» (4 τόμοι, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (2ος και 3ος τόμος, 1882-1883); Waagen, «Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen» (1862); Bode, "Studien zur Geschichte der holländischen Malerei" (1883); Havard, "La peinture hollandaise" (1880); E. Fromentin, "Les maîtres d"autrefois. Belgique, Hollande" (1876)· A. Bredius, "Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam" (1890)· P. P. Semenov, "Studies on the history of Dutch painting based on its δείγματα που βρίσκονται στην Αγία Πετρούπολη." (ειδικό παράρτημα στο περιοδικό "Vestn. Fine Arts", 1885-90).

Τα πρώτα χρόνια του 17ου αιώνα θεωρούνται η γέννηση της ολλανδικής σχολής. Η σχολή αυτή ανήκει στις μεγάλες σχολές της ζωγραφικής και είναι μια σχολή ανεξάρτητη και ανεξάρτητη με μοναδικά και αμίμητα χαρακτηριστικά και ταυτότητα.

Αυτό έχει μια σε μεγάλο βαθμό ιστορική εξήγηση - μια νέα κίνηση στην τέχνη και μια νέα κατάσταση στον χάρτη της Ευρώπης προέκυψαν ταυτόχρονα.

Μέχρι τον 17ο αιώνα, η Ολλανδία δεν ξεχώριζε για την αφθονία των εθνικών καλλιτεχνών. Ίσως γι' αυτό στο μέλλον σε αυτή τη χώρα μπορεί κανείς να μετρήσει τόσο μεγάλο αριθμό καλλιτεχνών, και συγκεκριμένα Ολλανδούς καλλιτέχνες. Ενώ αυτή η χώρα ήταν ένα κράτος με τη Φλάνδρα, ήταν κυρίως στη Φλάνδρα που δημιουργήθηκαν και αναπτύχθηκαν εντατικά πρωτότυπα καλλιτεχνικά κινήματα. Οι εξαιρετικοί ζωγράφοι Van Eyck, Memling, Rogier van der Weyden, παρόμοιοι των οποίων δεν βρέθηκαν στην Ολλανδία, εργάστηκαν στη Φλάνδρα. Μόνο μεμονωμένες εκρήξεις ιδιοφυΐας στη ζωγραφική μπορούν να σημειωθούν στις αρχές του 16ου αιώνα, αυτός είναι ο καλλιτέχνης και χαράκτης Luke of Leiden, ο οποίος είναι οπαδός της σχολής της Μπριζ. Αλλά ο Λουκάς του Λέιντεν δεν δημιούργησε καμία σχολή. Το ίδιο μπορεί να ειπωθεί για τον ζωγράφο Dirk Bouts από το Χάρλεμ, του οποίου οι δημιουργίες δεν ξεχωρίζουν με φόντο το ύφος και τον τρόπο προέλευσης της φλαμανδικής σχολής, για τους καλλιτέχνες Mostaert, Skorel και Heemskerke, οι οποίοι, παρ' όλη τη σημασία τους, δεν είναι μεμονωμένα ταλέντα που τους χαρακτηρίζουν με την πρωτοτυπία τους στη χώρα.

Στη συνέχεια, η ιταλική επιρροή εξαπλώθηκε σε όλους όσους δημιούργησαν με το πινέλο - από την Αμβέρσα μέχρι το Χάρλεμ. Αυτός ήταν ένας από τους λόγους που τα σύνορα ήταν ασαφή, τα σχολεία ήταν μικτά και οι καλλιτέχνες έχασαν την εθνική τους ταυτότητα. Ούτε ένας μαθητής του Γιαν Σκόρελ δεν επέζησε. Ο τελευταίος, ο πιο διάσημος, ο μεγαλύτερος ζωγράφος πορτρέτων, που μαζί με τον Ρέμπραντ είναι το καμάρι της Ολλανδίας, ένας καλλιτέχνης προικισμένος με ισχυρό ταλέντο, άριστα μορφωμένος, ποικίλο στυλ, θαρραλέος και ευέλικτος από τη φύση του, ένας κοσμοπολίτης που έχει χάσει τα πάντα ίχνη της καταγωγής του και ακόμη και το όνομά του - Αντώνης Μορώ, (ήταν ο επίσημος ζωγράφος του Ισπανού βασιλιά) πέθανε μετά το 1588.

Οι επιζώντες ζωγράφοι σχεδόν έπαψαν να είναι Ολλανδοί στο πνεύμα της δουλειάς τους δεν είχαν την οργάνωση και την ικανότητα να ανανεώσουν το εθνικό σχολείο. Αυτοί ήταν εκπρόσωποι του ολλανδικού μανιερισμού: ο χαράκτης Hendrik Goltzius, ο Cornelis του Haarlem, που μιμήθηκε τον Michelangelo, ο Abraham Bloemaert, οπαδός του Correggio, ο Michiel Miervelt, καλός καλλιτέχνης πορτρέτων, δεξιοτέχνης, ακριβής, λακωνικός, λίγο ψυχρός, μοντέρνος για την εποχή του. , αλλά όχι εθνική. Είναι ενδιαφέρον ότι μόνο αυτός δεν υπέκυψε στην ιταλική επιρροή, η οποία υπέταξε τις περισσότερες από τις εκδηλώσεις στη ζωγραφική της Ολλανδίας εκείνη την εποχή.

Στα τέλη του 16ου αιώνα, όταν οι προσωπογράφοι είχαν ήδη δημιουργήσει μια σχολή, άρχισαν να εμφανίζονται και να σχηματίζονται άλλοι καλλιτέχνες. Στο δεύτερο μισό του 16ου αιώνα, μεγάλος αριθμόςζωγράφοι που έχουν γίνει φαινόμενο στη ζωγραφική, αυτό είναι σχεδόν το ξύπνημα της ολλανδικής εθνικής σχολής. Μια μεγάλη ποικιλία ταλέντων οδηγεί σε πολλά διάφορες κατευθύνσειςκαι τρόπους ανάπτυξης της ζωγραφικής. Οι καλλιτέχνες δοκιμάζουν τον εαυτό τους σε όλα τα είδη, σε διαφορετικούς χρωματικούς συνδυασμούς: άλλοι δουλεύουν με ανοιχτόχρωμο τρόπο, άλλοι με σκούρο (η επιρροή του Ιταλού καλλιτέχνη Καραβάτζιο έγινε αισθητή εδώ). Οι ζωγράφοι είναι αφοσιωμένοι στα ανοιχτά χρώματα και οι χρωματιστές στα σκούρα χρώματα. Ξεκινά η αναζήτηση ενός εικονογραφικού τρόπου και αναπτύσσονται κανόνες για την απεικόνιση του chiaroscuro. Η παλέτα γίνεται πιο χαλαρή και ελεύθερη, όπως και οι γραμμές και η πλαστικότητα της εικόνας. Εμφανίζονται οι άμεσοι προκάτοχοι του Ρέμπραντ - οι δάσκαλοί του Jan Pace και Peter Lastman. Οι μέθοδοι του είδους γίνονται επίσης πιο ελεύθερες - η ιστορικότητα δεν είναι τόσο υποχρεωτική όσο πριν. Ένα ιδιαίτερο, βαθιά εθνικό και σχεδόν ιστορικό είδος- ομαδικά πορτρέτα που προορίζονται για δημόσιους χώρους - δημαρχεία, εταιρείες, εργαστήρια και κοινότητες. Με αυτό το γεγονός, το τελειότερο σε μορφή, τελειώνει ο 16ος αιώνας και αρχίζει ο 17ος αιώνας.

Αυτή είναι μόνο η αρχή, το έμβρυο του σχολείου δεν υπάρχει ακόμα. Υπάρχουν πολλά ταλαντούχους καλλιτέχνες. Ανάμεσά τους υπάρχουν ικανοί τεχνίτες, αρκετοί σπουδαίοι ζωγράφοι. Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder και τέλος ο Esayas van de Velde και ο van Goyen - όλοι γεννήθηκαν στα τέλη του 16ου αιώνας. Αυτός ο κατάλογος περιλαμβάνει επίσης καλλιτέχνες των οποίων τα ονόματα έχουν διατηρηθεί από την ιστορία, εκείνους που αντιπροσώπευαν μόνο μεμονωμένες προσπάθειες να επιτύχουν κυριαρχία και εκείνους που έγιναν δάσκαλοι και προκάτοχοι μελλοντικών δασκάλων.

Αυτή ήταν μια κρίσιμη στιγμή στην ανάπτυξη της ολλανδικής ζωγραφικής. Με μια ασταθή πολιτική ισορροπία, τα πάντα εξαρτιόνταν μόνο από την τύχη. Στη Φλάνδρα, όπου παρατηρήθηκε παρόμοια αφύπνιση, αντίθετα, υπήρχε ήδη μια αίσθηση εμπιστοσύνης και σταθερότητας που δεν υπήρχε ακόμα στην Ολλανδία. Στη Φλάνδρα υπήρχαν ήδη καλλιτέχνες που είχαν σχηματίσει ή ήταν κοντά σε αυτό. Οι πολιτικές και κοινωνικοϊστορικές συνθήκες σε αυτή τη χώρα ήταν πιο ευνοϊκές. Υπήρχε μια πιο ευέλικτη και ανεκτική κυβέρνηση, παραδόσεις και κοινωνία. Η ανάγκη για πολυτέλεια γέννησε μια επίμονη ανάγκη για τέχνη. Γενικά, υπήρχαν σοβαροί λόγοι για να γίνει η Φλάνδρα για δεύτερη φορά μεγάλο κέντρο τέχνης. Για αυτό, μόνο δύο πράγματα έλειπαν: αρκετά χρόνια ειρήνης και ένας δάσκαλος που θα ήταν ο δημιουργός του σχολείου.

Το 1609, όταν αποφασιζόταν η μοίρα της Ολλανδίας - ο Φίλιππος Γ' συμφώνησε σε ανακωχή μεταξύ Ισπανίας και Ολλανδίας - εμφανίστηκε ο Ρούμπενς.

Όλα εξαρτιόνταν από πολιτικές ή στρατιωτικές πιθανότητες. Ηττημένη και υποταγμένη, η Ολλανδία θα έπρεπε να χάσει εντελώς την ανεξαρτησία της. Τότε, φυσικά, δεν θα μπορούσαν να υπάρχουν δύο ανεξάρτητα σχολεία - στην Ολλανδία και στη Φλάνδρα. Σε μια χώρα εξαρτημένη από την Ιταλο-Φλαμανδική επιρροή, μια τέτοια σχολή και ταλαντούχοι πρωτότυποι καλλιτέχνες δεν μπορούσαν να αναπτυχθούν.

Για να γεννηθούν οι Ολλανδοί και για να δει το φως μαζί τους η ολλανδική τέχνη, χρειαζόταν μια επανάσταση, βαθιά και νικηφόρα. Ήταν ιδιαίτερα σημαντικό η επανάσταση να βασίζεται στη δικαιοσύνη, τη λογική, την αναγκαιότητα, να αξίζει ο λαός αυτό που ήθελε να πετύχει, να είναι αποφασιστικός, πεπεισμένος ότι είναι σωστός, εργατικός, υπομονετικός, εγκρατής, ηρωικός και σοφός. Όλα αυτά τα ιστορικά χαρακτηριστικά αντικατοπτρίστηκαν στη συνέχεια κατά τη διαμόρφωση της ολλανδικής σχολής ζωγραφικής.

Η κατάσταση αποδείχτηκε τέτοια που ο πόλεμος δεν κατέστρεψε τους Ολλανδούς, αλλά τους πλούτισε ο αγώνας για ανεξαρτησία δεν εξάντλησε τις δυνάμεις τους, αλλά τους ενίσχυσε και τους ενέπνευσε. Στη νίκη επί των εισβολέων, ο λαός έδειξε το ίδιο θάρρος όπως στον αγώνα κατά των στοιχείων, πάνω από τη θάλασσα, πάνω από τις πλημμύρες των εδαφών, πάνω στο κλίμα. Αυτό που υποτίθεται ότι θα κατέστρεφε τους ανθρώπους τους εξυπηρετούσε καλά. Οι συνθήκες που υπογράφηκαν με την Ισπανία έδωσαν στην Ολλανδία ελευθερία και ενίσχυσαν τη θέση της. Όλα αυτά οδήγησαν στη δημιουργία της δικής τους τέχνης, η οποία δόξαζε, πνευματοποίησε και εξέφραζε την εσωτερική ουσία του ολλανδικού λαού.

Μετά τη συνθήκη του 1609 και την επίσημη αναγνώριση των Ηνωμένων Επαρχιών, επήλθε αμέσως ηρεμία. Λες και ένα ευεργετικό, ζεστό αεράκι άγγιξε ανθρώπινες ψυχές, ξαναζωντάνεψε το χώμα, βρήκε και ξύπνησε βλαστάρια που ήταν έτοιμα να ανθίσουν. Είναι εκπληκτικό πόσο απροσδόκητα και για ποιο λόγο βραχυπρόθεσμα- όχι περισσότερο από τριάντα χρόνια - σε έναν μικρό χώρο, σε αχάριστο έρημο χώμα, σε σκληρές συνθήκες διαβίωσης, εμφανίστηκε ένας υπέροχος γαλαξίας ζωγράφων, και μάλιστα σπουδαίων ζωγράφων.

Εμφανίστηκαν αμέσως και παντού: στο Άμστερνταμ, στο Ντόρντρεχτ, στο Λέιντεν, στο Ντελφτ, στην Ουτρέχτη, στο Ρότερνταμ, στο Χάρλεμ, ακόμη και στο εξωτερικό - σαν από σπόρους που έπεσαν έξω από το χωράφι. Οι πρώτοι είναι οι Jan van Goyen και Wijnants, που γεννήθηκαν στις αρχές του αιώνα. Και περαιτέρω, στο διάστημα από την αρχή του αιώνα έως το τέλος του πρώτου τρίτου του - Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jacob Ruisdael.

Αλλά οι δημιουργικοί χυμοί δεν σταμάτησαν εκεί. Στη συνέχεια γεννήθηκαν ο Pieter de Hooch, Hobbema. Οι τελευταίοι από τους μεγάλους - van der Heyden και Adrian van de Velde - γεννήθηκαν το 1636 και το 1637. Εκείνη την εποχή, ο Ρέμπραντ ήταν τριάντα ετών. Αυτά τα χρόνια περίπου μπορούν να θεωρηθούν η εποχή της πρώτης ανθοφορίας του ολλανδικού σχολείου.

Λαμβάνοντας υπόψη τα ιστορικά γεγονότα εκείνης της εποχής, μπορεί κανείς να φανταστεί ποιες πρέπει να είναι οι φιλοδοξίες, ο χαρακτήρας και η μοίρα της νέας ζωγραφικής σχολής. Τι θα μπορούσαν να γράψουν αυτοί οι καλλιτέχνες σε μια χώρα όπως η Ολλανδία;

Η επανάσταση, που έδωσε στον ολλανδικό λαό ελευθερία και πλούτο, ταυτόχρονα τους στέρησε αυτό που αποτελεί τη ζωτική βάση των παντού μεγάλων σχολείων. Άλλαξε πεποιθήσεις, άλλαξε συνήθειες, κατάργησε εικόνες τόσο αρχαίων όσο και ευαγγελικών σκηνών και σταμάτησε τη δημιουργία μεγάλων έργων - εκκλησιαστικών και διακοσμητικών πινάκων. Στην πραγματικότητα, κάθε καλλιτέχνης είχε μια εναλλακτική - να είναι πρωτότυπος ή να μην είναι καθόλου.

Ήταν απαραίτητο να δημιουργηθεί τέχνη για ένα έθνος μπιφτέκι που θα τους άρεσε, θα τους απεικόνιζε και θα ήταν σχετικό με αυτούς. Ήταν πρακτικοί, μη επιρρεπείς στην αφηρημάδα, επιχειρηματίες, με σπασμένες παραδόσεις και αντιιταλικά αισθήματα. Μπορούμε να πούμε ότι οι Ολλανδοί είχαν ένα απλό και τολμηρό καθήκον - να δημιουργήσουν το δικό τους πορτρέτο.

Η ολλανδική ζωγραφική ήταν και θα μπορούσε να είναι μόνο μια έκφραση της εξωτερικής εμφάνισης, ένα αληθινό, ακριβές, παρόμοιο πορτρέτο της Ολλανδίας. Ήταν ένα πορτρέτο ανθρώπων και εδάφους, έθιμα, πλατείες, δρόμοι, χωράφια, θάλασσα και ουρανός. Τα κύρια στοιχεία της ολλανδικής σχολής ήταν τα πορτρέτα, τα τοπία και οι καθημερινές σκηνές. Τέτοιος ήταν αυτός ο πίνακας από την αρχή της ύπαρξής του μέχρι την παρακμή του.

Μπορεί να φαίνεται ότι τίποτα δεν θα μπορούσε να είναι πιο απλό από την ανακάλυψη αυτής της συνηθισμένης τέχνης. Στην πραγματικότητα, είναι αδύνατο να φανταστεί κανείς κάτι αντίστοιχο σε εύρος και καινοτομία.

Αμέσως όλα άλλαξαν στον τρόπο κατανόησης, θέασης και μετάδοσης: άποψη, καλλιτεχνικό ιδανικό, επιλογή φύσης, στυλ και μέθοδος. Η ιταλική και η φλαμανδική ζωγραφική στα καλύτερά της είναι ακόμα κατανοητή σε εμάς, γιατί εξακολουθούν να τις απολαμβάνουμε, αλλά αυτές είναι ήδη νεκρές γλώσσες και κανείς δεν θα τις χρησιμοποιεί πια.

Κάποτε υπήρχε η συνήθεια να σκέφτεσαι ψηλά και γενικά υπήρχε μια τέχνη που συνίστατο στην επιδέξια επιλογή αντικειμένων. Στη διακόσμησή τους διόρθωση. Του άρεσε να δείχνει τη φύση καθώς δεν υπάρχει στην πραγματικότητα. Όλα όσα απεικονίζονταν ήταν λίγο-πολύ συνεπή με την προσωπικότητα του ατόμου, εξαρτιόνταν από αυτήν και ήταν η ομοιότητά του. Ως αποτέλεσμα, προέκυψε η τέχνη, για την οποία ο άνθρωπος βρίσκεται στο κέντρο, και όλες οι άλλες εικόνες του σύμπαντος ενσαρκώθηκαν είτε σε ανθρώπινες μορφές, ή εμφανίστηκαν αόριστα ως το δευτερεύον περιβάλλον ενός ατόμου. Η δημιουργικότητα αναπτύχθηκε σύμφωνα με ορισμένα πρότυπα. Κάθε αντικείμενο έπρεπε να δανειστεί την πλαστική του μορφή από το ίδιο ιδανικό. Ο άντρας έπρεπε να απεικονίζεται πιο συχνά γυμνός παρά ντυμένος, καλοφτιαγμένος και όμορφος, ώστε να μπορεί να παίξει τον ρόλο που του ανατέθηκε με την ανάλογη μεγαλοπρέπεια.

Τώρα το έργο της ζωγραφικής έχει γίνει πιο απλό. Ήταν απαραίτητο να δώσουμε σε κάθε πράγμα ή φαινόμενο το δικό του αληθινό νόημα, βάλτε ένα άτομο στη σωστή του θέση και, εάν είναι απαραίτητο, κάντε χωρίς αυτόν εντελώς.

Ήρθε η ώρα να σκεφτείς λιγότερο, να κοιτάξεις προσεκτικά τι είναι πιο κοντά, να παρατηρήσεις καλύτερα και να γράψεις διαφορετικά. Τώρα αυτή είναι η ζωγραφιά του πλήθους, του πολίτη, του εργαζόμενου ανθρώπου. Ήταν απαραίτητο να γίνουμε σεμνοί για οτιδήποτε μέτριο, μικρό για το μικρό, δυσδιάκριτο για το δυσθεώρητο, να αποδεχθούμε τα πάντα χωρίς να απορρίπτουμε ή να περιφρονούμε τίποτα, να διεισδύσουμε στην κρυφή ζωή των πραγμάτων, να συγχωνεύσουμε με αγάπη με την ύπαρξή τους, ήταν απαραίτητο να γίνουμε προσεκτικοί , περίεργος και υπομονετικός. Η ιδιοφυΐα συνίσταται πλέον στο να μην έχεις προκαταλήψεις. Δεν χρειάζεται να εξωραΐσουμε, να εξευγενίσουμε ή να εκθέσουμε οτιδήποτε: όλα αυτά είναι ένα ψέμα και άχρηστο έργο.

Ολλανδοί ζωγράφοι, δημιουργώντας σε κάποια γωνιά βόρεια χώραμε νερό, δάση, θαλάσσιους ορίζοντες, μπόρεσαν να αντανακλούν όλο το σύμπαν σε μικρογραφία. Μια μικρή χώρα, προσεκτικά εξερευνημένη σύμφωνα με τα γούστα και τα ένστικτα του παρατηρητή, μετατρέπεται σε ένα ανεξάντλητο θησαυροφυλάκιο, τόσο άφθονο όσο η ίδια η ζωή, τόσο πλούσια σε αισθήσεις όσο πλούσια σε αυτές η ανθρώπινη καρδιά. Το ολλανδικό σχολείο αναπτύσσεται και λειτουργεί έτσι εδώ και έναν ολόκληρο αιώνα.

Οι Ολλανδοί ζωγράφοι βρήκαν θέματα και χρώματα για να ικανοποιήσουν τις όποιες ανθρώπινες κλίσεις και στοργές, για τραχιές και λεπτές φύσεις, φλογερές και μελαγχολικές, ονειρεμένες και χαρούμενες. Οι συννεφιασμένες μέρες δίνουν τη θέση τους σε χαρούμενες ηλιόλουστες μέρες, η θάλασσα είναι άλλοτε ήρεμη και αστραφτερή από ασήμι, άλλοτε φουρτουνιασμένη και ζοφερή. Υπάρχουν πολλά βοσκοτόπια με φάρμες και πολλά πλοία συνωστισμένα κατά μήκος της ακτής. Και σχεδόν πάντα μπορείς να νιώσεις την κίνηση του αέρα πάνω από τις εκτάσεις και τους δυνατούς ανέμους από τη Βόρεια Θάλασσα, που συσσωρεύουν σύννεφα, λυγίζουν δέντρα, γυρίζουν τα φτερά των μύλων και οδηγούν φως και σκιές. Σε αυτά πρέπει να προστεθούν πόλεις, ζωή στο σπίτι και στους δρόμους, γιορτές σε πανηγύρια, απεικονίσεις διαφόρων ηθών, τις ανάγκες των φτωχών, τη φρίκη του χειμώνα, την αδράνεια στις ταβέρνες με τον καπνό του τσιγάρου και τις κούπες μπύρας. Από την άλλη πλευρά - ένας πλούσιος τρόπος ζωής, ευσυνείδητη εργασία, καβαλάρηδες, απογευματινή ανάπαυση, κυνήγι. Επιπλέον - δημόσια ζωή, πολιτικές τελετές, συμπόσια. Το αποτέλεσμα ήταν νέα τέχνη, αλλά με θέματα τόσο παλιά όσο ο χρόνος.

Έτσι προέκυψε μια αρμονική ενότητα του πνεύματος του σχολείου και η πιο εκπληκτική ποικιλομορφία που προέκυψε ποτέ μέσα σε ένα μόνο κίνημα τέχνης.

Γενικά, η ολλανδική σχολή ονομάζεται σχολή είδους. Αν το αποσυνθέσουμε στα συστατικά στοιχεία του, τότε μπορούμε να διακρίνουμε σε αυτό τοπιογράφους, δεξιοτέχνες ομαδικών πορτρέτων, θαλάσσιους ζωγράφους, ζωγράφους, καλλιτέχνες που ζωγράφιζαν ομαδικά πορτρέτα ή νεκρές φύσεις. Αν κοιτάξετε λεπτομερέστερα, μπορείτε να διακρίνετε πολλές ποικιλίες ειδών - από τους λάτρεις της γραφικότητας έως τους ιδεολόγους, από τους αντιγραφείς της φύσης έως τους ερμηνευτές της, από τους συντηρητικούς ανθρώπους μέχρι τους ταξιδιώτες, από αυτούς που αγαπούν και αισθάνονται χιούμορ έως τους καλλιτέχνες που αποφεύγουν την κωμωδία. Ας θυμηθούμε τους πίνακες με το χιούμορ του Ostade και τη σοβαρότητα του Ruisdael, την ησυχία του Πότερ και την κοροϊδία του Jan Steen, το πνεύμα του Van de Velde και τη ζοφερή ονειροπόληση του μεγάλου Rembrandt.

Με εξαίρεση τον Ρέμπραντ, που πρέπει να θεωρείται εξαιρετικό φαινόμενο, τόσο για τη χώρα του όσο και για όλες τις εποχές, τότε όλοι οι άλλοι Ολλανδοί καλλιτέχνες χαρακτηρίζονται από ένα συγκεκριμένο στυλ και μέθοδο. Οι νόμοι για αυτό το στυλ είναι η ειλικρίνεια, η προσβασιμότητα, η φυσικότητα και η εκφραστικότητα. Εάν αφαιρέσετε από Ολλανδική τέχνηαυτό που μπορεί να ονομαστεί ειλικρίνεια, τότε θα πάψετε να κατανοείτε τη ζωτική του βάση και δεν θα μπορείτε να προσδιορίσετε ούτε τον ηθικό του χαρακτήρα ούτε το στυλ του. Σε αυτούς τους καλλιτέχνες, που ως επί το πλείστον έχουν κερδίσει τη φήμη κοντόφθαλμων αντιγραφέων, νιώθεις μια υπέροχη και ευγενική ψυχή, πίστη στην αλήθεια και αγάπη για τον ρεαλισμό. Όλα αυτά δίνουν στα έργα τους μια αξία που δεν φαίνεται να έχουν τα ίδια τα πράγματα που απεικονίζονται πάνω τους.

Η αρχή για αυτό το ειλικρινές στυλ και το πρώτο αποτέλεσμα αυτής της ειλικρινούς προσέγγισης είναι ένα τέλειο σχέδιο. Αναμεταξύ Ολλανδοί ζωγράφοιΟ Πότερ έχει μια εκδήλωση ιδιοφυΐας σε ακριβείς, επαληθευμένες μετρήσεις και την ικανότητα να παρακολουθεί την κίνηση κάθε γραμμής.

Στην Ολλανδία, ο ουρανός συχνά καταλαμβάνει το μισό, και μερικές φορές ολόκληρη την εικόνα. Επομένως, είναι απαραίτητο ο ουρανός της εικόνας να κινείται, να ελκύει και να μας παρασύρει μαζί του. Για να γίνεται αισθητή η διαφορά μεταξύ ημέρας, βραδιού και νύχτας, ώστε να γίνεται αισθητή η ζέστη και το κρύο, ώστε ο θεατής να είναι και ψυχρός και να το απολαμβάνει και να νιώθει την ανάγκη να συγκεντρωθεί. Αν και είναι μάλλον δύσκολο να αποκαλέσετε ένα τέτοιο σχέδιο το ευγενέστερο όλων, προσπαθήστε να βρείτε καλλιτέχνες στον κόσμο που θα ζωγράφιζαν τον ουρανό, όπως ο Ruisdael και ο van der Neer, και θα έλεγαν τόσα πολλά και τόσο υπέροχα με τη δουλειά τους. Παντού οι Ολλανδοί έχουν το ίδιο σχέδιο - συγκρατημένο, λακωνικό, ακριβές, φυσικό και αφελές, επιδέξιο και όχι τεχνητό.

Η ολλανδική παλέτα είναι αρκετά αντάξια του σχεδίου τους, εξ ου και η τέλεια ενότητα της μεθόδου ζωγραφικής τους. Οποιοσδήποτε ολλανδικός πίνακας είναι εύκολο να αναγνωριστεί από την εμφάνισή του. Είναι μικρό σε μέγεθος και διακρίνεται για τα δυνατά, αυστηρά χρώματά του. Αυτό απαιτεί μεγάλη ακρίβεια, σταθερό χέρι και βαθιά συγκέντρωση από τον καλλιτέχνη προκειμένου να επιτευχθεί ένα συγκεντρωμένο αποτέλεσμα στον θεατή. Ο καλλιτέχνης πρέπει να εμβαθύνει στον εαυτό του για να καλλιεργήσει την ιδέα του, ο θεατής πρέπει να εμβαθύνει στον εαυτό του για να κατανοήσει το σχέδιο του καλλιτέχνη. Είναι οι ολλανδικοί πίνακες που δίνουν την πιο ξεκάθαρη ιδέα αυτής της κρυφής και αιώνιας διαδικασίας: να αισθάνεσαι, να σκέφτεσαι και να εκφράζεις. Δεν υπάρχει πιο πλούσια εικόνα στον κόσμο, αφού οι Ολλανδοί είναι αυτοί που περιλαμβάνουν τόσο πολύ περιεχόμενο σε έναν τόσο μικρό χώρο. Γι' αυτό όλα εδώ παίρνουν μια ακριβή, συμπιεσμένη και συμπυκνωμένη μορφή.

Κάθε ολλανδικός πίνακας είναι κοίλος, αποτελείται από καμπύλες που περιγράφονται γύρω από ένα μόνο σημείο, το οποίο αποτελεί την ενσάρκωση της έννοιας της εικόνας και σκιές που βρίσκονται γύρω από το κύριο σημείο φωτός. Μια συμπαγής βάση, μια επιφάνεια που τρέχει και στρογγυλεμένες γωνίες που τείνουν προς το κέντρο - όλα αυτά σκιαγραφούνται, χρωματίζονται και φωτίζονται σε κύκλο. Ως αποτέλεσμα, ο πίνακας αποκτά βάθος και τα αντικείμενα που απεικονίζονται σε αυτόν απομακρύνονται από το μάτι του θεατή. Ο θεατής οδηγείται, λες, από το προσκήνιο στο τελευταίο, από το κάδρο στον ορίζοντα. Φαίνεται να κατοικούμε στην εικόνα, να κινούμαστε, να κοιτάμε βαθιά, να σηκώνουμε το κεφάλι μας για να μετρήσουμε το βάθος του ουρανού. Η αυστηρότητα της εναέριας προοπτικής, η τέλεια αντιστοιχία χρώματος και αποχρώσεων με τη θέση στο χώρο που καταλαμβάνει το αντικείμενο.

Για μια πληρέστερη κατανόηση της ολλανδικής ζωγραφικής, θα πρέπει κανείς να εξετάσει λεπτομερώς τα στοιχεία αυτής της κίνησης, τα χαρακτηριστικά των μεθόδων, τη φύση της παλέτας και να κατανοήσει γιατί είναι τόσο φτωχή, σχεδόν μονόχρωμη και τόσο πλούσια σε αποτελέσματα. Αλλά όλα αυτά τα ερωτήματα, όπως και πολλά άλλα, ήταν πάντα αντικείμενο εικασιών από πολλούς ιστορικούς τέχνης, αλλά ποτέ δεν έχουν μελετηθεί και διευκρινιστεί επαρκώς. Η περιγραφή των κύριων χαρακτηριστικών της ολλανδικής τέχνης μας επιτρέπει να ξεχωρίσουμε αυτή τη σχολή από άλλες και να εντοπίσουμε την προέλευσή της. Μια εκφραστική εικόνα που απεικονίζει αυτό το σχολείο είναι ένας πίνακας του Adriaen van Ostade από το Μουσείο του Άμστερνταμ "Artist's Atelier". Αυτό το θέμα ήταν ένα από τα αγαπημένα των Ολλανδών ζωγράφων. Βλέπουμε έναν προσεκτικό άντρα, ελαφρώς σκυμμένο, με έτοιμη παλέτα, λεπτά, καθαρά πινέλα και διάφανο λάδι. Γράφει στο λυκόφως. Το πρόσωπό του είναι συγκεντρωμένο, το χέρι του προσεκτικό. Μόνο που, ίσως, αυτοί οι ζωγράφοι ήταν πιο τολμηροί και ήξεραν πώς να γελούν πιο αμέριμνοι και να απολαμβάνουν τη ζωή απ' ό,τι μπορεί να συναχθεί από τις σωζόμενες εικόνες. Διαφορετικά, πώς θα εκδηλωνόταν η ιδιοφυΐα τους σε μια ατμόσφαιρα επαγγελματικών παραδόσεων;

Τα θεμέλια για την ολλανδική σχολή τέθηκαν από τους van Goyen και Wijnants στις αρχές του 17ου αιώνα, θεσπίζοντας ορισμένους νόμους της ζωγραφικής. Αυτοί οι νόμοι μεταβιβάστηκαν από τους δασκάλους στους μαθητές και για έναν ολόκληρο αιώνα οι Ολλανδοί ζωγράφοι ζούσαν με αυτούς χωρίς να παρεκκλίνουν στο πλάι.

Ολλανδική ζωγραφική μανιερισμού

Η ολλανδική ζωγραφική είναι ο πρώτος κλάδος του λεγόμενου. Το «ολλανδικό σχολείο», όπως και το δεύτερο - το φλαμανδικό, προέκυψε ως ξεχωριστή εποχή στις καλές τέχνες μετά από μια βάναυση επανάσταση, που έληξε με τη νίκη του ολλανδικού λαού επί των Ισπανών που τους καταπίεζαν. Από αυτή τη στιγμή, η ολλανδική ζωγραφική πήρε αμέσως έναν πρωτότυπο, εντελώς εθνικό χαρακτήρα και γρήγορα έφτασε σε μια φωτεινή και άφθονη ανθοφορία. Η ζωγραφική, στα έργα ενός τεράστιου αριθμού περισσότερο ή λιγότερο ταλαντούχων καλλιτεχνών που εμφανίστηκαν σχεδόν ταυτόχρονα, πήρε αμέσως μια κατεύθυνση εδώ που ήταν πολύ ευέλικτη και ταυτόχρονα εντελώς διαφορετική από την κατεύθυνση της τέχνης σε άλλες χώρες! κύριο χαρακτηριστικόΑυτό που χαρακτηρίζει αυτούς τους καλλιτέχνες είναι η αγάπη για τη φύση, η επιθυμία να την αναπαράγουν με όλη της την απλότητα και αλήθεια, χωρίς τον παραμικρό εξωραϊσμό, χωρίς να την υποτάσσουν κάτω από οποιεσδήποτε συνθήκες προκαθορισμένου ιδανικού. Η δεύτερη διακριτική του ιδιότητα είναι η λεπτή αίσθηση του χρώματος και η κατανόηση του πόσο ισχυρή, μαγευτική εντύπωση μπορεί να προκληθεί, εκτός από το περιεχόμενο της εικόνας, μόνο από την πιστή και ισχυρή μετάδοση πολύχρωμων σχέσεων που καθορίζονται στη φύση από τη δράση του ακτίνες φωτός, εγγύτητα ή εύρος αποστάσεων. Η ολλανδική ζωγραφική είναι ένας πίνακας όπου η αίσθηση του χρώματος και του φωτός και της σκιάς αναπτύσσεται σε τέτοιο βαθμό που το φως, με τις αμέτρητες και ποικίλες αποχρώσεις του, παίζει στην εικόνα, θα έλεγε κανείς, το ρόλο του κύριου χαρακτήρα και δίνει μεγάλο ενδιαφέρον στο η πιο ασήμαντη πλοκή, οι πιο άκομψες μορφές και εικόνες... .Σας παρουσιάζω την προσωπική μου συλλογή από πίνακες Ολλανδών καλλιτεχνών! Λίγη ιστορία: Οι περισσότεροι Ολλανδοί καλλιτέχνες δεν κάνουν μακροχρόνιες αναζητήσεις για υλικό για τη δημιουργικότητά τους, αλλά είναι ικανοποιημένοι με ό,τι βρίσκουν γύρω τους, στη φύση και στη ζωή των ανθρώπων τους - η θορυβώδης διασκέδαση των κοινών γιορτών, των αγροτικών γιορτών , σκηνές από τη ζωή του χωριού ή την οικεία ζωή των κατοίκων των πόλεων, ντόπιους αμμόλοφους, πόλντερ και απέραντες πεδιάδες που διασχίζονται από κανάλια, κοπάδια που βόσκουν σε καταπράσινα λιβάδια, χωριά στις όχθες ποταμών, λιμνών και γκροτ, πόλεις με τα καθαρά τους σπίτια, τις κινητήριες γέφυρες και τα ψηλά κώνοι εκκλησιών και δημαρχείων, λιμανάκια γεμάτα με πλοία, γεμάτα με ασήμι ή τους χρυσούς ατμούς του ουρανού - όλα αυτά, κάτω από τη βούρτσα της χολής. Δάσκαλοι εμποτισμένοι με αγάπη για την πατρίδα και την εθνική υπερηφάνεια, μετατρέπονται σε πίνακες γεμάτους αέρα, φως και ελκυστικότητα. Ακόμη και σε εκείνες τις περιπτώσεις που κάποιοι από αυτούς τους δασκάλους στρέφονται στη Βίβλο, την αρχαία ιστορία και τη μυθολογία για θέματα, ακόμη και τότε, χωρίς να ανησυχούν για τη διατήρηση της αρχαιολογικής πιστότητας, μεταφέρουν τη δράση στο περιβάλλον των Ολλανδών, περιβάλλοντάς το με ολλανδικό σκηνικό. Είναι αλήθεια ότι δίπλα στο κατάμεστο πλήθος τέτοιων πατριωτών καλλιτεχνών βρίσκεται μια φάλαγγα άλλων ζωγράφων, αναζητώντας έμπνευσηέξω από την πατρίδα, στην κλασική χώρα της τέχνης, την Ιταλία. όμως στα έργα τους υπάρχουν και χαρακτηριστικά που εκθέτουν την εθνικότητα τους. Τέλος, ως χαρακτηριστικό των Ολλανδών ζωγράφων, μπορεί κανείς να επισημάνει την παραίτησή τους από καλλιτεχνικές παραδόσεις. Θα ήταν μάταιο να αναζητήσουμε μεταξύ τους μια αυστηρή συνέχεια γνωστών αισθητικών αρχών και τεχνικών κανόνων, όχι μόνο με την έννοια του ακαδημαϊκού στυλ, αλλά και με την έννοια της αφομοίωσης από τους μαθητές του χαρακτήρα των δασκάλων τους: η εξαίρεση, ίσως, μόνο των μαθητών του Ρέμπραντ, που λίγο πολύ ακολούθησαν τα χνάρια του ιδιοφυούς μέντορά τους, σχεδόν όλοι οι ζωγράφοι στην Ολλανδία, μόλις πέρασαν τα φοιτητικά τους χρόνια, και μερικές φορές ακόμη και σε αυτά τα χρόνια, άρχισαν να εργάζονται σε τον δικό τους τρόπο, ανάλογα με το πού τους οδήγησε η ατομική τους κλίση και τι τους δίδαξε η άμεση παρατήρηση της φύσης. Επομένως, οι Ολλανδοί καλλιτέχνες δεν μπορούν να χωριστούν σε σχολεία, όπως κάνουμε με τους καλλιτέχνες της Ιταλίας ή της Ισπανίας. Εν τω μεταξύ, σε όλες τις κυριότερες πόλεις της Ολλανδίας λειτουργούσαν οργανωμένοι σύλλογοι καλλιτεχνών! Ωστόσο, τέτοιες εταιρείες, που φέρουν το όνομα των συντεχνιών του Αγ. Luke, δεν ήταν ακαδημίες, θεματοφύλακες διάσημων καλλιτεχνικών θρύλων, αλλά ελεύθερες εταιρείες, παρόμοιες με άλλες βιοτεχνικές και βιομηχανικές συντεχνίες, που δεν διαφέρουν πολύ από αυτές ως προς τη δομή και με στόχο την αμοιβαία υποστήριξη των μελών τους, την προστασία των δικαιωμάτων τους, φροντίδα για τα γηρατειά τους, φροντίδα για τη μοίρα τις χήρες και τα ορφανά τους. Κάθε ντόπιος ζωγράφος που πληρούσε τις προϋποθέσεις των ηθικών προσόντων γινόταν δεκτός στη συντεχνία μετά από προκαταρκτική επιβεβαίωση των ικανοτήτων και των γνώσεών του ή με βάση τη φήμη που είχε ήδη αποκτήσει. οι επισκέπτες καλλιτέχνες έγιναν δεκτοί στη συντεχνία ως προσωρινά μέλη για τη διάρκεια της παραμονής τους σε μια δεδομένη πόλη. Τα πρώτα έργα των Ολλανδών ζωγράφων έχουν φτάσει σε εμάς μόνο σε πολύ περιορισμένες ποσότητες, αφού τα περισσότερα από αυτά χάθηκαν σε εκείνη την ταραγμένη εποχή που η Μεταρρύθμιση κατέστρεψε καθολικές εκκλησίες, κατάργησε μοναστήρια και μοναστήρια, υποκίνησε τους «θραυστές εικόνων» (Beeldstormers) να καταστρέψουν ζωγραφισμένα και γλυπτά ιερά. εικόνες, και η λαϊκή εξέγερση κατέστρεψε παντού τα πορτρέτα των μισητών τυράννων. Ξέρουμε πολλούς από τους καλλιτέχνες που προηγήθηκαν της επανάστασης μόνο ονομαστικά. Μπορούμε να κρίνουμε τους άλλους μόνο από ένα ή δύο δείγματα της δουλειάς τους. Η ομίχλη που μας καλύπτει από την αρχική εποχή της ολλανδικής σχολής αρχίζει να διαλύεται με την εμφάνιση στη σκηνή του Dirk Bouts, με το παρατσούκλι Stuirbout († 1475), καθώς και του Jan Mostaert (περίπου 1470-1556), του οποίου η επιθυμία για νατουραλισμό είναι σε συνδυασμό με μια πινελιά γοτθικού θρύλου, τη ζεστασιά του θρησκευτικού συναισθήματος με φροντίδα για την εξωτερική κομψότητα. Εκτός από αυτά εξαιρετικοί δάσκαλοι, από την πρώιμη εποχή της ολλανδικής τέχνης αξίζει να αναφερθούν: ο Pieter Aertsen († 1516), με το παρατσούκλι "Long Peter" (Lange Pier) για το ψηλό του ανάστημα, ο David Joris (1501-56), ένας επιδέξιος ζωγράφος γυαλιού, παρασύρθηκε από Ο αναβαπτιστής κραυγάζει και φαντάζεται τον εαυτό του τον προφήτη Δαβίδ και τον γιο του Θεού και τον Ντιρκ Τζέικομπς (δύο πίνακες του τελευταίου που απεικονίζουν κοινωνίες τουφεκιού βρίσκονται στο Ερμιτάζ). Κοντά μέσα του 16ου αιώνα τραπέζι. μεταξύ των Ολλανδών ζωγράφων υπάρχει η επιθυμία να απαλλαγούν από τις ελλείψεις της εγχώριας τέχνης - τη γοτθική γωνιότητα και την ξηρότητά της - μελετώντας Ιταλούς καλλιτέχνες της Αναγέννησης και συνδυάζοντας τον τρόπο τους με τις καλύτερες παραδόσεις της δικής τους σχολής. Ο κύριος διαδότης του νέου κινήματος πρέπει να θεωρηθεί ο Jan van Scorel (1495-1562), ο οποίος έζησε για μεγάλο χρονικό διάστημα στην Ιταλία και αργότερα ίδρυσε ένα σχολείο στην Ουτρέχτη, από το οποίο προήλθαν αρκετοί καλλιτέχνες μολυσμένοι από την επιθυμία να γίνουν Ολλανδοί Ραφαήλ. και ο Μιχαήλ Άγγελος. Τα βήματά του ακολούθησαν ο Maarten van Van, με το παρατσούκλι Heemskerk (1498-1574), ο Henrik Goltzius (1558-1616), ο Cornelis van Haarlem (1562-1638) και άλλοι που ανήκουν στην επόμενη περίοδο της σχολής, όπως π.χ. Ο Abraham Bloemaert (1564 -1651) και ο Gerard Honthorst (1592-1662), οι οποίοι ξεπέρασαν τις Άλπεις για να εμποτιστούν με τις τελειότητες των προσωπικοτήτων της ιταλικής ζωγραφικής, αλλά έπεσαν, ως επί το πλείστον, υπό την επίδραση εκπροσώπων της παρακμής της αυτός ακριβώς ο πίνακας που ξεκινούσε εκείνη την εποχή. Ωστόσο, το πάθος για τους Ιταλούς, που συχνά επεκτεινόταν στα άκρα στη μεταβατική εποχή, έφερε ένα είδος οφέλους, αφού έφερε σε αυτόν τον πίνακα ένα καλύτερο, πιο μαθημένο σχέδιο και την ικανότητα να διαχειρίζεται τη σύνθεση πιο ελεύθερα και τολμηρά. Μαζί με την παλιά ολλανδική παράδοση και την απεριόριστη αγάπη για τη φύση, ο Ιταλισμός έγινε ένα από τα στοιχεία από τα οποία διαμορφώθηκε η πρωτότυπη, ιδιαίτερα ανεπτυγμένη τέχνη της ακμάζουσας εποχής. Η έναρξη αυτής της εποχής, όπως έχουμε ήδη πει, θα πρέπει να χρονολογηθεί στις αρχές του 17ου αιώνα, όταν η Ολλανδία, έχοντας κερδίσει την ανεξαρτησία, άρχισε να ζει μια νέα ζωή. Η δραματική μετατροπή μιας καταπιεσμένης και φτωχής χώρας μόλις χθες σε μια πολιτικά σημαντική, άνετη και πλούσια ένωση κρατών συνοδεύτηκε από μια εξίσου δραματική επανάσταση στην τέχνη της. Από όλες τις πλευρές, σχεδόν ταυτόχρονα, υπέροχοι καλλιτέχνες αναδύονται σε αμέτρητους αριθμούς! Στα αρχικά καλλιτεχνικά κέντρα, το Χάρλεμ και το Λάιντεν, προστίθενται νέα - Ντελφτ, Ουτρέχτη, Ντόρντρεχτ, Χάγη, Άμστερνταμ κ.λπ. Παντού αναπτύσσονται με νέο τρόπο τα παλιά καθήκοντα της ζωγραφικής - οι νέοι κλάδοι της, οι απαρχές των οποίων ήταν ελάχιστα αισθητές την προηγούμενη περίοδο, ακμάζουν. Η Μεταρρύθμιση έδιωξε τους θρησκευτικούς πίνακες από τις εκκλησίες. Δεν χρειαζόταν να διακοσμηθούν τα παλάτια και οι ευγενείς αίθουσες με εικόνες αρχαίων θεών και ηρώων, και επομένως η ιστορική ζωγραφική, που ικανοποιούσε τα γούστα της πλούσιας αστικής τάξης, εγκατέλειψε τον ιδεαλισμό και στράφηκε σε μια ακριβή αναπαραγωγή της πραγματικότητας. Αν θέλετε να μιλήσετε για όλους τους ταλαντούχους πορτραίτες αυτής της ακμάζουσας εποχής, τότε και μόνο η λίστα των ονομάτων τους με ένδειξη των καλύτερων έργων τους θα έπαιρνε πολλές γραμμές. Επομένως, περιοριζόμαστε να αναφέρουμε μόνο μερικά. Τέτοιος, για παράδειγμα, είναι ο Michael Mervelt (1567-1641), ο προκάτοχος των τριών μεγαλύτερων ζωγράφων πορτρέτων της Ολλανδίας - ο μάγος του chiaroscuro Rembrandt van Rijn (1606-69), ένας ασύγκριτος σχεδιαστής που είχε την εκπληκτική τέχνη του μοντελισμού. ελαφρύ, αλλά ο Βαρθολομαίος βαν ντερ ήταν κάπως ψυχρός στον χαρακτήρα και το χρώμα Χελστ (1611 ή 1612-70) και η εντυπωσιακή φούγκα του πινέλου του από τον Φρανς Χαλς τον Πρεσβύτερο (1581-1666). Από αυτά, το όνομα του Ρέμπραντ λάμπει ιδιαίτερα έντονα στην ιστορία, στην αρχή εκτιμήθηκε πολύ από τους συγχρόνους του, στη συνέχεια ξεχάστηκε από αυτούς, εκτιμήθηκε ελάχιστα από τους μεταγενέστερους και μόνο τον τρέχοντα αιώνα ανυψώθηκε, με κάθε δικαιοσύνη, στο επίπεδο του κόσμου. ιδιοφυία. Στη χαρακτηριστική του καλλιτεχνική προσωπικότητα, όλες οι καλύτερες ιδιότητες της ολλανδικής ζωγραφικής συγκεντρώνονται, σαν να εστιάζονται, και η επιρροή του αντικατοπτρίστηκε σε όλους τους τύπους - σε πορτρέτα, ιστορικούς πίνακες, καθημερινές σκηνές και τοπία. Οι πιο διάσημοι μεταξύ των μαθητών και οπαδών του Ρέμπραντ ήταν οι: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727 ), Jacob Backer (1608 ή 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (περ. 1620-54), Pieter de Grebber, Willem de Porter († αργότερα 1645), Gerard Dou (1613-75 ) και Samuel van Hoogstraten (1626-78). Εκτός από αυτούς τους καλλιτέχνες, για μεγαλύτερη πληρότητα του καταλόγου, θα πρέπει να ονομαστεί και ο Jan Lievens (1607-30), φίλος του Rembrandt στη μελέτη των P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72) και Pieter Neson (1612-91). ), ο οποίος εργάστηκε στο Προφανώς, υπό την επιρροή του V. d Helst, μιμητής του Hals Johannes Verspronck (1597-1662) και του Jan de Bray († 1664, † 1697). κ.λπ., άλλοι παίρνουν το περιεχόμενο για τα έργα τους από έναν πιο κομψό κύκλο - ζωγραφίζουν χαριτωμένα κυρίες στο οικείο τους περιβάλλον, την ερωτοτροπία κυρίων δανδή, νοικοκυρές που δίνουν εντολές στις υπηρέτριές τους, ασκήσεις κομμωτηρίου στη μουσική και το τραγούδι, τα καρούζια της χρυσής νιότης σε σπίτια αναψυχής ... Στη μακρά σειρά των καλλιτεχνών της πρώτης κατηγορίας, ο Adrian and Isaac van Ostade (1 6 10-85, 1621-49), ο Adrian Brouwer (1605 ή 1606-38), ο Jan Steen (περίπου 1626). -79), Cornelis Bailly (1620) έχουν προτεραιότητα -64), Richart Brackenburg (1650-1702), Peter van Laer, με το παρατσούκλι Bambocchio στην Ιταλία (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Joss Drohslot (15 1666), Claes Molener (πρώην 1630-76), Jan Meins Molenaar (περ. 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81). Από τον εξίσου σημαντικό αριθμό ζωγράφων, οι Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Pieter de Hooch (1630-66), Caspar Netscher (1639-84). διάσημος Φρανς βαν Μιέρις ο Πρεσβύτερος (1635-81), Έγκον βαν ντερ Νέρ (1643-1703), Γιαν Βέρκολγκε (1650-93), Κουίρινγκ Μπρέκελενκαμπ (†1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656) και Anthony Palamedes (1601-73). Η κατηγορία των ζωγράφων του είδους περιλαμβάνει καλλιτέχνες που ζωγράφισαν σκηνές στρατιωτικής ζωής, καθώς και σκηνές κυνηγιού γερακιού και κυνηγόσκυλου. Ο κύριος εκπρόσωπος αυτού του κλάδου της ζωγραφικής είναι ο διάσημος και εξαιρετικά παραγωγικός Philips Wouwerman (1619-68). Εκτός από αυτόν, ο αδερφός της αυτού του δασκάλου, Πέτρος (1623-82), ο προαναφερθείς Παλαμήδης, ο Ιάκωβος Δούκας (1600 - αργότερα 1660) και ο Ντιρκ Μάας (1656-1717) ήταν άριστα ανεπτυγμένοι. Για πολλούς από αυτούς τους καλλιτέχνες, το τοπίο παίζει εξίσου σημαντικό ρόλο με τις ανθρώπινες φιγούρες. αλλά παράλληλα με αυτούς εργάζεται και μια μάζα ζωγράφων που το θέτουν ως κύριο ή αποκλειστικό έργο τους. Γενικά, οι Ολλανδοί έχουν το αναφαίρετο δικαίωμα να είναι περήφανοι που η πατρίδα τους είναι η γενέτειρα όχι μόνο του νεότερου είδους, αλλά και του τοπίου με την έννοια που γίνεται κατανοητό σήμερα. Μάλιστα, σε άλλες χώρες, για παράδειγμα στην Ιταλία και τη Γαλλία, η τέχνη ελάχιστα ενδιαφερόταν για την άψυχη φύση και δεν έβρισκε σε αυτήν ούτε μια μοναδική ζωή ούτε ιδιαίτερη ομορφιά. Οι Ολλανδοί ήταν οι πρώτοι που κατάλαβαν ότι ακόμα και στην άψυχη φύση όλα αναπνέουν ζωή, όλα είναι ελκυστικά, όλα είναι ικανά να προκαλούν σκέψη και να συναρπάζουν την κίνηση της καρδιάς. Και αυτό ήταν απολύτως φυσικό, γιατί οι Ολλανδοί, ας πούμε, δημιούργησαν τη φύση γύρω τους με τα χέρια τους, την εκτιμούσαν και τη θαύμασαν, όπως ένας πατέρας λατρεύει και θαυμάζει το δικό του πνευματικό τέκνο. Από τους τοπιογράφους της περιόδου ακμής της ολλανδικής σχολής, είναι ιδιαίτερα σεβαστοί οι εξής: Jan van Goyen (1595-1656), ο οποίος μαζί με τον Esaias van de Velde (περ. 1590-1630) και Peter Moleyne the Elder. (1595-1661), που θεωρείται ο ιδρυτής του ολλανδικού τοπίου. τότε μαθητής αυτού του δασκάλου, Salomon van Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (περίπου 1600 - αργότερα 1679), λάτρης των καλύτερων εφέ φωτισμού Art van der Neer (1603-77), ποιητικός Jacob van Ruisdael (1628 ή 1629-82), Meindert Hobbema (1638-1709) και Cornelis Dekker († 1678). Μεταξύ των Ολλανδών υπήρχαν και πολλοί τοπιογράφοι που ξεκίνησαν ταξίδια και αναπαρήγαγαν μοτίβα ξένης φύσης, κάτι που όμως δεν τους εμπόδισε να διατηρήσουν έναν εθνικό χαρακτήρα στη ζωγραφική τους. Ο Allaert van Everdingen (1621-75) απεικόνισε απόψεις της Νορβηγίας. Jan Both (1610-52) - Ιταλία; Hermann Saftleven (1610-85) - Reina; Ο Cornelis Poulenburg (1586-1667) και μια ομάδα οπαδών του ζωγράφισαν τοπία εμπνευσμένα από την ιταλική φύση, με ερείπια αρχαίων κτιρίων, νύμφες που κολυμπούν και σκηνές μιας φανταστικής Αρκαδίας. Σε μια ειδική κατηγορία μπορούμε να ξεχωρίσουμε μάστορες που στους πίνακές τους συνδύασαν τοπία με εικόνες ζώων, δίνοντας προτίμηση είτε στο πρώτο είτε στο δεύτερο ή αντιμετωπίζοντας και τα δύο μέρη με την ίδια προσοχή. Ο πιο διάσημος από αυτούς τους ζωγράφους του αγροτικού ειδυλλίου είναι ο Paulus Potter (1625-54). Εκτός από αυτόν, πρέπει να μετρηθούν εδώ ο Adrian van de Velde (1635 ή 1636-72), ο Albert Cuyp (1620 - 91) και πολλοί καλλιτέχνες που στράφηκαν για θέματα κατά προτίμηση ή αποκλειστικά στην Ιταλία, όπως: Adam Peinaker (1622-73), Jan -Baptiste Venix (1621-60), Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), κ.λπ. Στενά συνδεδεμένη με τη ζωγραφική τοπίου είναι η ζωγραφική των αρχιτεκτονικών απόψεων, με την οποία οι Ολλανδοί καλλιτέχνες άρχισαν να ασχολούνται ως ανεξάρτητοι κλάδος της τέχνης μόλις στα μισά του 17ου αιώνα. Μερικοί από εκείνους που από τότε εργάστηκαν σε αυτόν τον τομέα ήταν περίπλοκοι στην απεικόνιση των δρόμων και των πλατειών της πόλης με τα κτίριά τους. αυτοί είναι ο Johannes Beerestraten (1622-66) και ο Jacob van der Ulf (1627-88). Άλλοι, κυρίως ο Pieter Sanredam († 1666) και ο Dirk van Delen (1605-71), ζωγράφισαν εσωτερικές απόψεις εκκλησιών και παλατιών. Η θάλασσα ήταν τόσο σημαντική στη ζωή της Ολλανδίας που η τέχνη της δεν μπορούσε να την αντιμετωπίσει παρά μόνο με τη μεγαλύτερη προσοχή. Πολλοί από τους καλλιτέχνες του, που ασχολούνταν με το τοπίο, το είδος, ακόμη και το πορτρέτο, ξεφεύγοντας από τα συνηθισμένα τους θέματα για λίγο, έγιναν ναυτικοί ζωγράφοι και αν ήθελε κανείς να απαριθμήσει όλους τους ζωγράφους της ολλανδικής σχολής που απεικόνιζαν μια ήρεμη ή μαινόμενη θάλασσα , πλοία να λικνίζονται πάνω του, λιμάνια γεμάτα με πλοία, ναυμαχίες κ.λπ., τότε το αποτέλεσμα θα ήταν ένας πολύ μακρύς κατάλογος, που θα περιλάμβανε τα ονόματα του ΥΑ. V. Goyen, S. de Vlieger, S. and J. Ruisdael, A. Cuyp και άλλοι που έχουν ήδη αναφερθεί στις προηγούμενες γραμμές. Περιοριζόμενοι στο να επισημάνουμε εκείνους για τους οποίους η ζωγραφική με θέα στη θάλασσα ήταν ειδικότητα, πρέπει να ονομάσουμε και τον Willem van de Velde τον Πρεσβύτερο (1611 ή 1612-93), τον διάσημο γιο του Willem van de Velde ο νεότερος (1633-1707). ως Jan van de Cappelle († 1679). Τέλος, η ρεαλιστική κατεύθυνση της ολλανδικής σχολής ήταν ο λόγος που διαμορφώθηκε και αναπτύχθηκε σε αυτήν ένα είδος ζωγραφικής, που σε άλλα σχολεία μέχρι τότε δεν είχε καλλιεργηθεί ως ιδιαίτερος, ανεξάρτητος κλάδος, δηλαδή ζωγραφική λουλουδιών, φρούτων, λαχανικών, ζωντανά πλάσματα, μαγειρικά σκεύη, επιτραπέζια σκεύη κ.λπ. - με μια λέξη, αυτό που σήμερα αποκαλείται συνήθως «νεκρή φύση» (nature morte, Stilleben). Στην περιοχή αυτή, μεταξύ των Ολλανδών καλλιτεχνών της ακμής εποχής, οι πιο διάσημοι ήταν ο Jan-Davids de Heem (1606-83), ο γιος του Cornelis (1631-95), ο Abraham Mignon (1640-79), ο Melchior de Hondekoeter (1636). -95), Maria Oosterwijk (1630-93), Willem van Aelst (1626-83), Willem Heda (1594 - αργότερα 1678), Willem Kalf (1621 ή 1622-93) και Jan Weenix (1640-1719). Σε γενικές γραμμές, όπως βλέπουμε, είναι ίσως το κύριο διακριτικό χαρακτηριστικό Η ανάπτυξη της ολλανδικής τέχνης όλα αυτά τα χρόνια υπήρξε σημαντική κυριαρχία μεταξύ όλων των τύπων ζωγραφικής της. Πίνακες ζωγραφικής διακοσμούσαν τα σπίτια όχι μόνο εκπροσώπων της άρχουσας ελίτ της κοινωνίας, αλλά και φτωχών κτηνοτρόφων, τεχνιτών και αγροτών. πωλήθηκαν σε δημοπρασίες και εκθέσεις. μερικές φορές οι καλλιτέχνες τα χρησιμοποιούσαν ως μέσο πληρωμής λογαριασμών. Το επάγγελμα του καλλιτέχνη δεν ήταν σπάνιο, υπήρχαν πολλοί ζωγράφοι και ανταγωνίζονταν σκληρά μεταξύ τους. Λίγοι από αυτούς μπορούσαν να συντηρηθούν ζωγραφίζοντας πολλοί ανέλαβαν διάφορες δουλειές: ο Sten ήταν ξενοδόχος, ο Hobbema ήταν υπάλληλος των ειδικών φόρων κατανάλωσης, ο Jacob van Ruisdael ήταν γιατρός.))))) Από τις αρχές του 18ου αιώνα. στην ολλανδική ζωγραφική καθιερώνονται τα γαλλικά γούστα και απόψεις της πομπώδους εποχής του Λουδοβίκου XIV - μίμηση των Poussin, Lebrun, Cl. Λορέν και άλλοι διαφωτιστές της γαλλικής σχολής. Ο κύριος διαδότης αυτής της τάσης ήταν ο Φλαμανδός Gerard de Leresse (1641-1711), ο οποίος εγκαταστάθηκε στο Άμστερνταμ, ένας ικανότατος καλλιτέχνης και μορφωμένος στην εποχή του, ο οποίος άσκησε τεράστια επιρροή στους συγχρόνους του και στους άμεσους απογόνους του, τόσο με τους ήπιους ψευτο- ιστορικοί πίνακες και έργα της δικής του πένας, μεταξύ των οποίων ένα - "Το μεγάλο βιβλίο του ζωγράφου" ("t groot schilderboec") - για πενήντα χρόνια χρησίμευσε ως κωδικός για νέους καλλιτέχνες, καθώς και ο διάσημος Adrian van de Werff ( 1659-1722), του οποίου η ζωγραφική με ψυχρές φιγούρες, σαν λαξευμένη από ελεφαντόδοντο, φαινόταν τότε το απόγειο της τελειότητας Μεταξύ των οπαδών αυτού του καλλιτέχνη, ο Χένρικ βαν Λίμποργκ (1680-1758) και ο Φίλιπ βαν Ντάικ (1669-1729), με το παρατσούκλι. Ο «Μικρός Βαν Ντάικ» ήταν διάσημοι ως ιστορικοί ζωγράφοι της εν λόγω εποχής, προικισμένοι με αδιαμφισβήτητο ταλέντο, αλλά πρέπει να σημειωθούν οι Βίλεμ και Φρανς βαν Μίερς ο Νεότερος. 1747, 1689-1763), Nicholas Verkolge (1673-1746), Constantijn Netscher (1668-1722) και Karel de Moor (1656-1738). Λίγη λάμψη δόθηκε σε αυτό το σχολείο από τον Cornelis Troost (1697-1750), κυρίως καρικατουρίστα, με το παρατσούκλι Ολλανδός Gogarth, πορτραίτα Jan Quincheed (1688-1772), ζωγράφο διακοσμητικής ιστορίας Jacob de Wit (1695-1754) και ζωγράφο νεκρών φύση Jan van Huysum (1682) -1749). Η ξένη επιρροή επιβάρυνε την ολλανδική ζωγραφική μέχρι τη δεκαετία του 20 του 19ου αιώνα, έχοντας καταφέρει να αντικατοπτρίσει σε αυτήν λίγο πολύ τις αλλαγές που επέφερε η τέχνη στη Γαλλία, ξεκινώντας από την κατασκευή περουκών της εποχής του Βασιλιά Ήλιου και τελειώνοντας με τον ψευδοκλασικισμό του Δαβίδ. Όταν το ύφος των τελευταίων απαρχαιώθηκε και παντού στη Δυτική Ευρώπη, αντί της γοητείας με τους αρχαίους Έλληνες και Ρωμαίους, γεννήθηκε μια ρομαντική επιθυμία, κατακτώντας τόσο την ποίηση όσο και τις παραστατικές τέχνες, οι Ολλανδοί, όπως και άλλοι λαοί, έστρεψαν το βλέμμα τους στο την αρχαιότητα τους, άρα και την ένδοξη περασμένη ζωγραφική τους. Η επιθυμία να του δώσει ξανά τη λάμψη με την οποία έλαμψε τον 17ο αιώνα άρχισε να εμπνέει τους νεότερους καλλιτέχνες και τους επέστρεψε στις αρχές των αρχαίων εθνικών δασκάλων - σε μια αυστηρή παρατήρηση της φύσης και μια έξυπνη, ειλικρινή στάση απέναντι στα καθήκοντα του χέρι. Ταυτόχρονα, δεν προσπάθησαν να εξαλειφθούν εντελώς από την ξένη επιρροή, αλλά όταν πήγαν για σπουδές στο Παρίσι ή στο Ντίσελντορφ και σε άλλα καλλιτεχνικά κέντρα στη Γερμανία, έμαθαν μόνο μια γνωριμία με τις επιτυχίες της σύγχρονης τεχνολογίας. Χάρη σε όλα αυτά, το αναβιωμένο ολλανδικό σχολείο απέκτησε ξανά πρωτοτυπία και κινήθηκε στις μέρες μας στο μονοπάτι που οδηγεί σε περαιτέρω πρόοδο. Μπορεί εύκολα να αντιπαραβάλει πολλές από τις νεότερες φιγούρες της με τους καλύτερους ζωγράφους του 19ου αιώνα σε άλλες χώρες. Ο Holland μπορεί κάλλιστα να είναι περήφανος για αρκετούς σημαντικούς πρόσφατους δασκάλους: Jacob Ekgout (1793-1861), David Bles (γεν. 1821), Hermann ten Cate (1822-1891) και τον εξαιρετικά ταλαντούχο Lawrence Alma-Tadema (γεν. 1836), ο οποίος «Έρημος» στην Αγγλία Joseph Israels (γεν. 1824) και Christoffel Bissschop (γεν. 1828), Anton Mauwe (1838-88) και Jacob Maris (γεν. 1837), Bartholomeus van Hove (1790-1888) και Johannes Bosboom ( 1817-N), Henrik Mesdag (γ. 1831), Wouters Vershuur (1812-74) και πολλοί άλλοι.....

Εν τω μεταξύ, αυτός είναι ένας ιδιαίτερος τομέας του ευρωπαϊκού πολιτισμού που αξίζει πιο λεπτομερούς μελέτης, ο οποίος αντικατοπτρίζει την αρχική ζωή των κατοίκων της Ολλανδίας εκείνη την εποχή.

Ιστορία εμφάνισης

Επιφανείς εκπρόσωποι της καλλιτεχνικής τέχνης άρχισαν να εμφανίζονται στη χώρα τον δέκατο έβδομο αιώνα. Γάλλοι πολιτιστικοί εμπειρογνώμονες τους έδωσαν ένα κοινό όνομα - "μικρό Ολλανδό", το οποίο δεν σχετίζεται με την κλίμακα του ταλέντου και υποδηλώνει μια προσκόλληση σε ορισμένα θέματα από την καθημερινή ζωή, αντίθετα με το "μεγάλο" στυλ με μεγάλους καμβάδες σε ιστορικά ή μυθολογικά θέματα. Η ιστορία της εμφάνισης της ολλανδικής ζωγραφικής περιγράφηκε λεπτομερώς τον δέκατο ένατο αιώνα και οι συγγραφείς έργων σχετικά με αυτήν χρησιμοποίησαν επίσης αυτόν τον όρο. Οι «Μικροί Ολλανδοί» διακρίθηκαν από τον κοσμικό ρεαλισμό, στράφηκαν στον περιβάλλοντα κόσμο και τους ανθρώπους και χρησιμοποιούσαν ζωγραφική πλούσια σε τόνους.

Κύρια στάδια ανάπτυξης

Η ιστορία της ολλανδικής ζωγραφικής μπορεί να χωριστεί σε διάφορες περιόδους. Η πρώτη διήρκεσε περίπου από το 1620 έως το 1630, όταν καθιερώθηκε ο ρεαλισμός στην εθνική τέχνη. Η ολλανδική ζωγραφική γνώρισε τη δεύτερη περίοδο της το 1640-1660. Αυτή είναι η εποχή που η τοπική καλλιτεχνική σχολή άνθισε πραγματικά. Τέλος, η τρίτη περίοδος, η εποχή που η ολλανδική ζωγραφική άρχισε να παρακμάζει - από το 1670 έως τις αρχές του δέκατου όγδοου αιώνα.

Αξίζει να σημειωθεί ότι πολιτιστικά κέντραάλλαξε κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου. Την πρώτη περίοδο, κορυφαίοι καλλιτέχνες εργάστηκαν στο Χάρλεμ και ο κύριος εκπρόσωπος ήταν ο Χάλσα. Στη συνέχεια το κέντρο μετατοπίστηκε στο Άμστερνταμ, όπου και τα περισσότερα σημαντικά έργαερμηνεύεται από τους Ρέμπραντ και Βερμέερ.

Σκηνές της καθημερινότητας

Κατά την απαρίθμηση των πιο σημαντικών ειδών της ολλανδικής ζωγραφικής, είναι επιτακτική ανάγκη να ξεκινήσετε με την καθημερινή - την πιο ζωντανή και πρωτότυπη στην ιστορία. Οι Φλαμανδοί ήταν αυτοί που αποκάλυψαν στον κόσμο σκηνές από την καθημερινή ζωή των απλών ανθρώπων, των αγροτών και των κατοίκων της πόλης ή των τσιφλικάδων. Οι πρωτοπόροι ήταν ο Ostade και οι ακόλουθοί του Audenrogge, Bega και Dusart. Στους πρώιμους πίνακες του Ostade, οι άνθρωποι παίζουν χαρτιά, μαλώνουν ακόμα και τσακώνονται σε μια ταβέρνα. Κάθε πίνακας διακρίνεται από έναν δυναμικό, κάπως βάναυσο χαρακτήρα. Η ολλανδική ζωγραφική εκείνης της εποχής μιλά επίσης για ειρηνικές σκηνές: σε ορισμένα έργα, οι αγρότες μιλούν πάνω από ένα πίπα και ένα ποτήρι μπύρα, περνούν χρόνο σε μια έκθεση ή με τις οικογένειές τους. Η επιρροή του Ρέμπραντ οδήγησε στην ευρεία χρήση του μαλακού, χρυσού χρώματος chiaroscuro. Οι αστικές σκηνές ενέπνευσαν καλλιτέχνες όπως οι Hals, Leicester, Molenaar και Codde. Στα μέσα του δέκατου έβδομου αιώνα, οι δάσκαλοι απεικόνιζαν γιατρούς, επιστήμονες στη διαδικασία της εργασίας, τα δικά τους εργαστήρια, τις δουλειές του σπιτιού ή κάθε πλοκή θα έπρεπε να ήταν διασκεδαστική, μερικές φορές γκροτέσκο διδακτική. Μερικοί δάσκαλοι είχαν την τάση να ποιητοποιούν την καθημερινή ζωή, για παράδειγμα, ο Terborch απεικόνιζε σκηνές αναπαραγωγής μουσικής ή φλερτ. Ο Metsyu χρησιμοποίησε φωτεινα χρωματα, μετατρέποντας την καθημερινότητα σε διακοπές και ο de Hooch εμπνεύστηκε από την απλότητα οικογενειακή ζωή, πλημμυρισμένο από διάχυτο φως της ημέρας. Μεταγενέστεροι εκπρόσωποι του είδους, στους οποίους περιλαμβάνονται ολλανδοί δεξιοτέχνες της ζωγραφικής όπως ο Van der Werff και ο Van der Neer, στην προσπάθειά τους για κομψή απεικόνιση, συχνά δημιούργησαν κάπως επιτηδευμένα θέματα.

Φύση και τοπία

Επιπλέον, η ολλανδική ζωγραφική εκπροσωπείται ευρέως στο είδος του τοπίου. Εμφανίστηκε για πρώτη φορά στα έργα τέτοιων δασκάλων του Χάρλεμ όπως ο van Goyen, ο de Moleyn και ο van Ruisdael. Ήταν αυτοί που άρχισαν να απεικονίζουν τις αγροτικές περιοχές με ένα συγκεκριμένο ασημί φως. Η υλική ενότητα της φύσης ήρθε στο προσκήνιο στα έργα του. Τα θαλασσινά τοπία αξίζει να αναφερθούν ξεχωριστά. Οι Μαρινιστές του 17ου αιώνα περιλάμβαναν τους Porsellis, de Vlieger και van de Capelle. Δεν προσπάθησαν τόσο να μεταφέρουν ορισμένες θαλάσσιες σκηνές όσο προσπάθησαν να απεικονίσουν το ίδιο το νερό, το παιχνίδι του φωτός πάνω του και στον ουρανό.

Στο δεύτερο μισό του δέκατου έβδομου αιώνα, εμφανίστηκαν στο είδος πιο συναισθηματικά έργα με φιλοσοφικές ιδέες. Ο Jan van Ruisdael αποκάλυψε την ομορφιά του ολλανδικού τοπίου στο μέγιστο, απεικονίζοντάς το σε όλη του τη δραματικότητα, τη δυναμική και τη μνημειακότητά του. Ο Χόμπεμ, που προτιμούσε τα ηλιόλουστα τοπία, συνέχισε τις παραδόσεις του. Ο Koninck ζωγράφισε πανοράματα και ο van der Neer δημιούργησε νυχτερινά τοπία και απέδωσε το φως του φεγγαριού, την ανατολή και το ηλιοβασίλεμα. Ορισμένοι καλλιτέχνες χαρακτηρίζονται επίσης από την απεικόνιση ζώων σε τοπία, για παράδειγμα, να βόσκουν αγελάδες και άλογα, καθώς και από το κυνήγι και τις σκηνές με ιππείς. Αργότερα, οι καλλιτέχνες άρχισαν να ενδιαφέρονται για την ξένη φύση - Και οι δύο, ο van Laar, ο Wenix, ο Berchem και ο Hackert απεικόνισαν την Ιταλία να λούζεται στις ακτίνες του νότιου ήλιου. Ο ιδρυτής του είδους ήταν ο Sanredam, του οποίου οι καλύτεροι οπαδοί μπορούν να ονομαστούν οι αδελφοί Berkheide και ο Jan van der Heijden.

Εικόνα εσωτερικών χώρων

Ένα ξεχωριστό είδος που ξεχώρισε την ολλανδική ζωγραφική στην ακμή της μπορεί να ονομαστεί σκηνές με δωμάτια εκκλησίας, παλατιού και σπιτιού. Οι εσωτερικοί χώροι εμφανίστηκαν σε πίνακες του δεύτερου μισού του δέκατου έβδομου αιώνα από τους δασκάλους του Delft - Haukgeest, van der Vliet και de Witte, οι οποίοι έγιναν ο κύριος εκπρόσωπος του κινήματος. Χρησιμοποιώντας τις τεχνικές του Vermeer, οι καλλιτέχνες απεικόνισαν σκηνές λουσμένες στο φως του ήλιου, γεμάτες συναίσθημα και όγκο.

Γραφικά πιάτα και πιάτα

Τέλος, ένα άλλο χαρακτηριστικό είδος της ολλανδικής ζωγραφικής είναι η νεκρή φύση, ειδικά η απεικόνιση πρωινού. Καταλήφθηκε για πρώτη φορά από τους κατοίκους του Χάρλεμ, Claes και Heda, οι οποίοι ζωγράφισαν στρωμένα τραπέζια με πολυτελή πιάτα. Το γραφικό χάος και η ιδιαίτερη μεταφορά ενός ζεστού εσωτερικού χώρου γεμίζουν με ασημί-γκρι φως, χαρακτηριστικό του ασημιού και του κασσίτερου. Οι καλλιτέχνες της Ουτρέχτης ζωγράφιζαν πλούσια λουλουδάτα νεκρές φύσεις και στη Χάγη, οι καλλιτέχνες ήταν ιδιαίτερα καλοί στην απεικόνιση ψαριών και θαλάσσιων ερπετών. Στο Leiden, προέκυψε μια φιλοσοφική κατεύθυνση του είδους, στην οποία κρανία και κλεψύδρες συνυπάρχουν με σύμβολα αισθησιακής ευχαρίστησης ή γήινης δόξας, σχεδιασμένα να θυμίζουν την παροδικότητα του χρόνου. Οι δημοκρατικές νεκρές φύσεις κουζίνας έγιναν χαρακτηριστικό γνώρισμα της σχολής τέχνης του Ρότερνταμ.

Ολλανδική ζωγραφικήεμφανίστηκε στα πρώτα χρόνια του 17ου αιώνα. Η ολλανδική σχολή ζωγραφικής ήταν μια ανεξάρτητη, σπουδαία, ανεξάρτητη σχολή με μοναδικά και αμίμητα χαρακτηριστικά και ταυτότητα.
Μέχρι τον 17ο αιώνα, η Ολλανδία δεν ξεχώριζε για την αφθονία των εθνικών καλλιτεχνών. Ενώ αυτή η χώρα ήταν ένα κράτος με τη Φλάνδρα, ήταν κυρίως στη Φλάνδρα που δημιουργήθηκαν και αναπτύχθηκαν εντατικά πρωτότυπα καλλιτεχνικά κινήματα.
Οι εξαιρετικοί ζωγράφοι Van Eyck, Memling, Rogier van der Weyden, παρόμοιοι των οποίων δεν βρέθηκαν στην Ολλανδία, εργάστηκαν στη Φλάνδρα. Μόνο μεμονωμένες εκρήξεις ιδιοφυΐας στη ζωγραφική μπορούν να σημειωθούν στις αρχές του 16ου αιώνα, αυτός είναι ο καλλιτέχνης και χαράκτης Luke of Leiden, ο οποίος είναι οπαδός της σχολής της Μπριζ. Αλλά ο Λουκάς του Λέιντεν δεν δημιούργησε καμία σχολή. Το ίδιο μπορεί να ειπωθεί για τον ζωγράφο Dirk Bouts από το Χάρλεμ, του οποίου οι δημιουργίες δεν ξεχωρίζουν με φόντο το ύφος και τον τρόπο προέλευσης της φλαμανδικής σχολής, για τους καλλιτέχνες Mostaert, Skorel και Heemskerke, οι οποίοι, παρ' όλη τη σημασία τους, δεν είναι μεμονωμένα ταλέντα που τους χαρακτηρίζουν με την πρωτοτυπία τους στη χώρα.
Στα τέλη του 16ου αιώνα, όταν οι προσωπογράφοι είχαν ήδη δημιουργήσει μια σχολή, άρχισαν να εμφανίζονται και να σχηματίζονται άλλοι καλλιτέχνες. Η μεγάλη ποικιλία ταλέντων οδηγεί σε πολλές διαφορετικές κατευθύνσεις και μονοπάτια για την ανάπτυξη της ζωγραφικής. Εμφανίζονται οι άμεσοι προκάτοχοι του Ρέμπραντ - οι δάσκαλοί του Jan Pace και Peter Lastman. Οι μέθοδοι του είδους γίνονται επίσης πιο ελεύθερες - η ιστορικότητα δεν είναι τόσο υποχρεωτική όσο πριν. Δημιουργείται ένα ιδιαίτερο, βαθιά εθνικό και σχεδόν ιστορικό είδος - ομαδικά πορτρέτα που προορίζονται για δημόσιους χώρους - δημαρχεία, εταιρείες, εργαστήρια και κοινότητες.
Αυτή είναι μόνο η αρχή, το ίδιο το σχολείο δεν υπάρχει ακόμα. Υπάρχουν πολλοί ταλαντούχοι καλλιτέχνες, ανάμεσά τους υπάρχουν ειδικευμένοι τεχνίτες, αρκετοί σπουδαίοι ζωγράφοι: Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder, τέλος, Esayas van de Velde και van Goyen - όλοι τους γεννήθηκαν στα τέλη του 16ου αιώνα.
Σε ανάπτυξη Ολλανδική ζωγραφικήήταν μια κρίσιμη στιγμή. Με μια ασταθή πολιτική ισορροπία, τα πάντα εξαρτιόνταν μόνο από την τύχη. Στη Φλάνδρα, όπου παρατηρήθηκε παρόμοια αφύπνιση, αντίθετα, υπήρχε ήδη μια αίσθηση εμπιστοσύνης και σταθερότητας που δεν υπήρχε ακόμα στην Ολλανδία. Στη Φλάνδρα υπήρχαν ήδη καλλιτέχνες που είχαν σχηματίσει ή ήταν κοντά σε αυτό.
Οι πολιτικές και κοινωνικοϊστορικές συνθήκες σε αυτή τη χώρα ήταν πιο ευνοϊκές. Υπήρχαν σοβαροί λόγοι για να γίνει η Φλάνδρα για δεύτερη φορά μεγάλο κέντρο τέχνης. Για αυτό, δύο πράγματα έλειπαν: αρκετά χρόνια ειρήνης και ένας δάσκαλος που θα ήταν ο δημιουργός του σχολείου.
Το 1609 αποφασίστηκε η μοίρα της Ολλανδίας, μετά τη συνθήκη εκεχειρίας (μεταξύ Ισπανίας και Ολλανδίας) και την επίσημη αναγνώριση των Ηνωμένων Επαρχιών, υπήρξε αμέσως ηρεμία. Είναι εκπληκτικό πόσο απροσδόκητα και σε πόσο σύντομο χρονικό διάστημα -όχι περισσότερο από τριάντα χρόνια- εμφανίστηκε σε έναν μικρό χώρο, σε αχάριστο έρημο χώμα, σε σκληρές συνθήκες διαβίωσης, ένας υπέροχος γαλαξίας ζωγράφων, και μάλιστα σπουδαίων ζωγράφων.
Εμφανίστηκαν αμέσως και παντού: στο Άμστερνταμ, στο Ντόρντρεχτ, στο Λέιντεν, στο Ντελφτ, στην Ουτρέχτη, στο Ρότερνταμ, στο Χάρλεμ, ακόμη και στο εξωτερικό - σαν από σπόρους που έπεσαν έξω από το χωράφι. Οι πρώτοι είναι οι Jan van Goyen και Wijnants, που γεννήθηκαν γύρω στα τέλη του αιώνα. Και περαιτέρω, στο διάστημα από την αρχή του αιώνα έως το τέλος του πρώτου τρίτου του - Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jacob Ruisdael. Ακολουθεί ο Pieter de Hooch, Hobbema. Οι τελευταίοι από τους σπουδαίους ήταν ο van der Heyden και ο Adrian van de Velde το 1636 και το 1637. Αυτά τα χρόνια περίπου μπορούν να θεωρηθούν η εποχή της πρώτης ανθοφορίας του ολλανδικού σχολείου. Ήταν απαραίτητο να δημιουργηθεί τέχνη για το έθνος.
Ολλανδική ζωγραφική, ήταν και θα μπορούσε να είναι μόνο μια έκφραση εξωτερικής εμφάνισης, ένα αληθινό, ακριβές, παρόμοιο πορτρέτο της Ολλανδίας. Τα κύρια στοιχεία της ολλανδικής σχολής ζωγραφικής ήταν τα πορτρέτα, τα τοπία και οι καθημερινές σκηνές. Το ολλανδικό σχολείο μεγαλώνει και λειτουργεί εδώ και έναν αιώνα.
Ολλανδοί ζωγράφοι βρήκαν θέματα και χρώματα για να ικανοποιήσουν οποιεσδήποτε ανθρώπινες κλίσεις και στοργές. Η ολλανδική παλέτα είναι αρκετά αντάξια του σχεδίου τους, εξ ου και η τέλεια ενότητα της μεθόδου ζωγραφικής τους. Οποιοσδήποτε ολλανδικός πίνακας είναι εύκολο να αναγνωριστεί από την εμφάνισή του. Είναι μικρό σε μέγεθος και διακρίνεται για τα δυνατά, αυστηρά χρώματά του. Αυτό απαιτεί μεγάλη ακρίβεια, σταθερό χέρι και βαθιά συγκέντρωση από τον καλλιτέχνη.
Ακριβώς Ολλανδική ζωγραφικήδίνει την πιο ξεκάθαρη ιδέα αυτής της κρυφής και αιώνιας διαδικασίας: να αισθάνεσαι, να σκέφτεσαι και να εκφράζεις. Δεν υπάρχει πιο πλούσια εικόνα στον κόσμο, αφού οι Ολλανδοί είναι αυτοί που περιλαμβάνουν τόσο πολύ περιεχόμενο σε έναν τόσο μικρό χώρο. Γι' αυτό όλα εδώ παίρνουν μια ακριβή, συμπιεσμένη και συμπυκνωμένη μορφή.
Για μια πιο ολοκληρωμένη εικόνα της ολλανδικής ζωγραφικής, θα πρέπει κανείς να εξετάσει λεπτομερώς τα στοιχεία αυτής της κίνησης, τα χαρακτηριστικά των μεθόδων και τη φύση της παλέτας. Η περιγραφή των κύριων χαρακτηριστικών της ολλανδικής τέχνης μας επιτρέπει να ξεχωρίσουμε αυτή τη σχολή από άλλες και να εντοπίσουμε την προέλευσή της.
Με εκφραστικό τρόπο εικονογράφηση Ολλανδική ζωγραφική, είναι ένας πίνακας του Adrian van Ostade από το Μουσείο του Άμστερνταμ «Artist's Atelier». Αυτό το θέμα ήταν ένα από τα αγαπημένα των Ολλανδών ζωγράφων. Βλέπουμε έναν προσεκτικό άντρα, ελαφρώς σκυμμένο, με έτοιμη παλέτα, λεπτά, καθαρά πινέλα και διάφανο λάδι. Γράφει στο λυκόφως. Το πρόσωπό του είναι συγκεντρωμένο, το χέρι του προσεκτικό.
Μόνο που, ίσως, αυτοί οι ζωγράφοι ήταν πιο θαρραλέοι και ήξεραν πώς να γελούν πιο αμέριμνοι και να απολαμβάνουν τη ζωή από ό,τι μπορεί να συμπεράνει κανείς από τις σωζόμενες εικόνες.
Τα θεμέλια για την ολλανδική σχολή ζωγραφικής τέθηκαν από τους Jan van Goyen και Jan van Wijnants στις αρχές του 17ου αιώνα, καθιερώνοντας ορισμένους νόμους της ζωγραφικής.

Σχεδόν διακόσια χρόνια αργότερα, το 1820, σε αυτό το κτίριο βρισκόταν η Βασιλική Πινακοθήκη - μια από τις καλύτερες συλλογές ολλανδικής ζωγραφικής του 15ου-17ου αιώνα στον κόσμο.

XVII αιώνα ονομάζεται «χρυσή εποχή» της ολλανδικής ζωγραφικής (δεν πρέπει να συγχέεται με τη φλαμανδική «χρυσή εποχή», η οποία αναφέρεται στο έργο των καλλιτεχνών της Φλάνδρας τον 15ο αιώνα - των λεγόμενων «Φλαμανδών πρωτογονιστών»).

Όλα τα είδη αυτής της εποχής της ολλανδικής καλλιτεχνικής τέχνης εκπροσωπούνται πλήρως και ποικιλοτρόπως στη γκαλερί: υπέροχα παραδείγματα πορτρέτων, τοπίων, νεκρών φύσεων, ιστορικών ζωγραφικών έργων και τέλος, η κύρια ανακάλυψη των Ολλανδών δασκάλων - σκηνές είδους ή σκηνές καθημερινής ζωής .

Φαίνεται ότι δεν υπάρχει ούτε ένας σημαντικός καλλιτέχνης από την Ολλανδία του οποίου το έργο να μην εκπροσωπείται στο Μουσείο της Χάγης. Εδώ είναι οι πορτραίτες Anton van Dyck και Jacob van Kampen, και οι δάσκαλοι της νεκρής φύσης Willem van Elst και Balthasar van der Ast, διάσημοι τοπιογράφοι: Hendrik Averkamp με το διάσημο «Winter Landscape», Jan van Goyen και Salomon van Ruisdel και, φυσικά , λαμπρές μάστερ σκηνή του είδους Gerard ter Borch, Pieter de Hooch, Gerard Dou και άλλοι.

Ανάμεσα στα πολλά διάσημα ονόματα, ξεχωρίζουν τέσσερα από τα πιο σημαντικά για την ολλανδική τέχνη. Πρόκειται για τον Jan Steen, τον Frans Hals και δύο από τις μεγαλύτερες Ολλανδές ιδιοφυΐες, τον Rembrandt van Rijn και τον Johannes Vermeer.
Σε εκείνη την εποχή, ο Ολλανδός καλλιτέχνης αφιέρωνε συχνά την τέχνη του σε οποιοδήποτε αγαπημένο είδος. Τέτοιοι είναι ο Στεν και ο Χαλς. Σε όλη τους τη ζωή αυτοί οι καλλιτέχνες δούλεψαν ο καθένας στον τομέα του: ο Sten αναπτύχθηκε σκηνή του είδους, ο Χαλς πέτυχε την υψηλότερη ικανότητα στην προσωπογραφία.

Σήμερα το έργο αυτών των δασκάλων θεωρείται κλασικό στο είδος του. Στο μουσείο μπορείτε να δείτε το «The Laughing Boy» του Frans Hals και το «The Old Man Sings - The Young People Sing Along» του Jan Steen.
Ούτε ο Ρέμπραντ ούτε ο Βερμέερ συνέδεσαν τη δουλειά τους με κάποιο είδος. Και οι δύο, αν και με διαφορετική ένταση, δούλεψαν σε διάφορους τομείς, από το πορτραίτο μέχρι το τοπίο, και παντού έφτασαν σε δυσβάσταχτα ύψη, βγάζοντας αποφασιστικά την ολλανδική ζωγραφική από το στενό πλαίσιο του είδους.

Ο Ρέμπραντ εκπροσωπείται γενναιόδωρα στα μουσεία της πατρίδας του. Η ποικιλομορφία της κληρονομιάς του αντικατοπτρίζεται και στην έκθεση της Χάγης. Το μουσείο εκθέτει τρεις πίνακες του καλλιτέχνη: «Ο Συμεών που υμνεί τον Χριστό», «Το μάθημα της ανατομίας του γιατρού Τούλπα» και μια από τις τελευταίες αυτοπροσωπογραφίες του μεγάλου δασκάλου.
Ο Βερμέερ, αντίθετα, άφησε εξαιρετικά λίγους πίνακες. Ο αριθμός των μουσείων που κατέχουν έναν ή δύο πίνακες αυτού του αινιγματικού ζωγράφου μπορεί να μετρηθεί στο ένα χέρι.

Μόνο έξι από τα αριστουργήματά του παραμένουν στην πατρίδα του καλλιτέχνη. Τέσσερα από αυτά -η μεγαλύτερη συλλογή Vermeer στον κόσμο- φυλάσσονται στο Riksmuseum στο Άμστερνταμ. Η Χάγη είναι δικαίως περήφανη για τα άλλα δύο. Αυτή είναι η περίφημη "Προβολή του Ντελφτ" - ιδιαίτερη πατρίδαΟ Βερμέερ και, ίσως, ο πιο διάσημος πίνακας του, που έγινε η "επισκεπτήριο" του μουσείου - "Κορίτσι με θείο μαργαριταριών".
Η συλλογή έργων ζωγραφικής από την Ολλανδία του 17ου αιώνα είναι ο κύριος πλούτος του μουσείου. Ωστόσο, η έκθεση δεν περιορίζεται σε αυτήν: η γκαλερί της Χάγης είναι περήφανη για τις δημιουργίες καλλιτεχνών μιας άλλης «χρυσής εποχής» - της Φλαμανδικής. Φιλοξενεί έργα δασκάλων του 15ου αιώνα: «Θρήνος του Χριστού» του Rogier van der Weyden και «Portrait of a Man» του Hans Memling.
Η συλλογή Moritzhaus συμπληρώνεται από την Πινακοθήκη Prince Willem V Αυτή είναι χρονολογικά η πρώτη Μουσείο τέχνηςΟλλανδία. Η έκθεσή του, που κάποτε συλλέχτηκε από τον ίδιο τον πρίγκιπα και αντικατοπτρίζει το γούστο του, είναι αφιερωμένη στη ζωγραφική του 18ου αιώνα.

Το Moritzhaus είναι ανοιχτό από Τρίτη έως Σάββατο από τις 10 π.μ. έως τις 5 μ.μ. Τις Κυριακές και τα Σαββατοκύριακα - από τις 11 έως τις 17 ώρες. Κλειστά τη Δευτέρα. Τιμή εισιτηρίου 12,50 NLG. Παιδιά από 7 έως 18 ετών - 6,50 NLG.

Η Willem V Gallery είναι ανοιχτή καθημερινά από τις 11 π.μ. έως τις 4 μ.μ. Κλειστά τη Δευτέρα. Η τιμή του εισιτηρίου είναι 2,50 NLG. Παιδιά από 7 έως 18 ετών - 1,50 NLG. Η είσοδος στη Γκαλερί Willem V είναι δωρεάν με την επίδειξη εισιτηρίου Moritzhaus.

Ολλανδία. 17ος αιώνας Η χώρα γνωρίζει πρωτοφανή ευημερία. Η λεγόμενη «Χρυσή Εποχή». Στα τέλη του 16ου αιώνα, αρκετές επαρχίες της χώρας πέτυχαν την ανεξαρτησία τους από την Ισπανία.

Τώρα οι προτεσταντικές Κάτω Χώρες έχουν ακολουθήσει τον δικό τους δρόμο. Και η καθολική Φλάνδρα (σημερινό Βέλγιο) υπό την πτέρυγα της Ισπανίας είναι δική της.

Στην ανεξάρτητη Ολλανδία, σχεδόν κανείς δεν χρειαζόταν θρησκευτική ζωγραφική. Η Προτεσταντική Εκκλησία δεν ενέκρινε την πολυτελή διακόσμηση. Αλλά αυτή η περίσταση «έπαιξε στα χέρια» της κοσμικής ζωγραφικής.

Κυριολεκτικά κάθε κάτοικος της νέας χώρας ξύπνησε μια αγάπη για αυτό το είδος τέχνης. Οι Ολλανδοί ήθελαν να δουν τη δική τους ζωή στους πίνακες. Και οι καλλιτέχνες πρόθυμα τους συνάντησαν στα μισά του δρόμου.

Ποτέ πριν δεν είχε απεικονιστεί τόσο πολύ η περιρρέουσα πραγματικότητα. Απλοί άνθρωποι, συνηθισμένα δωμάτια και το πιο συνηθισμένο πρωινό ενός κατοίκου της πόλης.

Ο ρεαλισμός άνθισε. Μέχρι τον 20ο αιώνα θα είναι άξιος ανταγωνιστής του ακαδημαϊσμού με τις νύμφες και τις Ελληνίδες θεές.

Αυτοί οι καλλιτέχνες ονομάζονται «μικροί» Ολλανδοί. Γιατί; Οι πίνακες ήταν μικροί σε μέγεθος, γιατί δημιουργήθηκαν για μικρά σπίτια. Έτσι, σχεδόν όλοι οι πίνακες του Jan Vermeer δεν έχουν ύψος μεγαλύτερο από μισό μέτρο.

Αλλά η άλλη εκδοχή μου αρέσει περισσότερο. Έζησε και εργάστηκε στην Ολλανδία τον 17ο αιώνα Μεγάλος κύριος, ο «μεγάλος» Ολλανδός. Και όλοι οι άλλοι ήταν «μικροί» σε σύγκριση με αυτόν.

Μιλάμε φυσικά για τον Ρέμπραντ. Ας ξεκινήσουμε με αυτόν.

1. Ρέμπραντ (1606-1669)

Ρέμπραντ. Αυτοπροσωπογραφία σε ηλικία 63 ετών. 1669 Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνο

Ο Ρέμπραντ βίωσε ένα ευρύ φάσμα συναισθημάτων κατά τη διάρκεια της ζωής του. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο υπάρχει τόσο πολύ κέφι και θάρρος στην πρώιμη δουλειά του. Και υπάρχουν τόσα σύνθετα συναισθήματα - στα μεταγενέστερα.

Εδώ είναι νέος και ανέμελος στην εικόνα» Άσωτος γιοςστην ταβέρνα». Στα γόνατα είναι η αγαπημένη του σύζυγος Saskia. Είναι δημοφιλής καλλιτέχνης. Οι παραγγελίες πέφτουν βροχή.

Ρέμπραντ. Ο Άσωτος Υιός σε Ταβέρνα. 1635 Old Masters Gallery, Δρέσδη

Όλα αυτά όμως θα εξαφανιστούν σε περίπου 10 χρόνια. Η Saskia θα πεθάνει από την κατανάλωση. Η δημοτικότητα θα εξαφανιστεί σαν καπνός. Μεγάλο σπίτιμε μοναδική είσπραξη θα αφαιρεθεί για χρέη.

Θα εμφανιστεί όμως ο ίδιος Ρέμπραντ που θα μείνει για αιώνες. Τα γυμνά συναισθήματα των ηρώων. Οι βαθύτερες σκέψεις τους.

2. Φρανς Χαλς (1583-1666)

Φρανς Χαλς. Αυτοπροσωπογραφία. 1650 Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη

Ο Φρανς Χαλς είναι ένας από τους μεγαλύτερους ζωγράφους πορτρέτων όλων των εποχών. Ως εκ τούτου, θα τον κατατάξω επίσης ως «μεγάλο» Ολλανδό.

Στην Ολλανδία εκείνη την εποχή ήταν συνηθισμένο να παραγγέλνουν ομαδικά πορτρέτα. Έτσι εμφανίστηκαν πολλά παρόμοια έργα που απεικονίζουν ανθρώπους να συνεργάζονται: σκοπευτές μιας συντεχνίας, γιατροί μιας πόλης, διευθυντές οίκου ευγηρίας.

Σε αυτό το είδος, ο Χαλς ξεχωρίζει περισσότερο. Εξάλλου, τα περισσότερα από αυτά τα πορτρέτα έμοιαζαν με μια τράπουλα. Οι άνθρωποι κάθονται στο τραπέζι με την ίδια έκφραση του προσώπου και απλώς παρακολουθούν. Ήταν διαφορετικά για τον Χαλς.

Δείτε το ομαδικό του πορτρέτο «Arrows of the Guild of St. Γεώργιος."

Φρανς Χαλς. Βέλη της Συντεχνίας του Αγ. Γεώργιος. 1627 Μουσείο Φρανς Χαλς, Χάρλεμ, Ολλανδία

Εδώ δεν θα βρείτε ούτε μία επανάληψη σε πόζα ή έκφραση προσώπου. Ταυτόχρονα, εδώ δεν υπάρχει χάος. Υπάρχουν πολλοί χαρακτήρες, αλλά κανείς δεν φαίνεται περιττός. Χάρη στην εκπληκτικά σωστή διάταξη των μορφών.

Και ακόμη και σε ένα μόνο πορτρέτο, ο Χαλς ήταν ανώτερος από πολλούς καλλιτέχνες. Τα μοτίβα του είναι φυσικά. Άνθρωποι από την υψηλή κοινωνία στους πίνακές του στερούνται επινοημένης μεγαλοπρέπειας και τα μοντέλα από τα κατώτερα στρώματα δεν φαίνονται ταπεινωμένα.

Και οι χαρακτήρες του είναι επίσης πολύ συναισθηματικοί: χαμογελούν, γελούν και χειρονομούν. Όπως, για παράδειγμα, αυτός ο «Τσιγγάνος» με πονηρό βλέμμα.

Φρανς Χαλς. Αθίγγανος. 1625-1630

Ο Χαλς, όπως και ο Ρέμπραντ, τελείωσε τη ζωή του στη φτώχεια. Για τον ίδιο λόγο. Ο ρεαλισμός του ήταν αντίθετος με τα γούστα των πελατών του. Που ήθελαν να στολιστεί η εμφάνισή τους. Ο Χαλς δεν δέχτηκε την καθαρή κολακεία και έτσι υπέγραψε τη δική του πρόταση - "Λήθη".

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Αυτοπροσωπογραφία. 1668 Βασιλική Πινακοθήκη Mauritshuis, Χάγη, Ολλανδία

Ο Terborch ήταν κύριος καθημερινό είδος. Πλούσιοι και όχι και τόσο πλούσιοι μπιφτέκι μιλούν χαλαρά, κυρίες διαβάζουν γράμματα και ένας προξενητής παρακολουθεί την ερωτοτροπία. Δύο ή τρεις φιγούρες σε κοντινή απόσταση.

Ήταν αυτός ο δάσκαλος που ανέπτυξε τους κανόνες του καθημερινού είδους. Το οποίο αργότερα θα δανείστηκαν οι Jan Vermeer, Pieter de Hooch και πολλοί άλλοι «μικροί» Ολλανδοί.

Gerard Terborch. Ένα ποτήρι λεμονάδα. δεκαετία του 1660. Κρατικό Μουσείο Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Το “A Glass of Lemonade” είναι ένα από τα διάσημα έργα Terborha. Δείχνει ένα άλλο πλεονέκτημα του καλλιτέχνη. Απίστευτος ρεαλιστική εικόναυφάσματα φορεμάτων.

Ο Terborch έχει επίσης ασυνήθιστα έργα. Κάτι που λέει πολλά για την επιθυμία του να υπερβεί τις απαιτήσεις των πελατών.

Το «The Grinder» του δείχνει τη ζωή των φτωχότερων ανθρώπων στην Ολλανδία. Έχουμε συνηθίσει να βλέπουμε άνετες αυλές και καθαρά δωμάτια στους πίνακες των «μικρών» Ολλανδών. Αλλά ο Terborch τόλμησε να δείξει την αντιαισθητική Holland.

Gerard Terborch. Τραπεζίτης. 1653-1655 Κρατικά Μουσεία του Βερολίνου

Όπως καταλαβαίνετε, μια τέτοια δουλειά δεν ήταν σε ζήτηση. Και είναι ένα σπάνιο φαινόμενο ακόμη και μεταξύ του Terborch.

4. Γιαν Βερμέερ (1632-1675)

Γιαν Βερμέερ. Εργαστήρι καλλιτέχνη. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Βιέννη

Δεν είναι γνωστό με βεβαιότητα πώς έμοιαζε ο Jan Vermeer. Είναι προφανές μόνο ότι στον πίνακα "The Artist's Workshop" απεικόνισε τον εαυτό του. Η αλήθεια από πίσω.

Ως εκ τούτου, είναι εκπληκτικό ότι πρόσφατα έγινε γνωστό ένα νέο γεγονός από τη ζωή του πλοιάρχου. Συνδέεται με το αριστούργημα του «Delft Street».

Γιαν Βερμέερ. Οδός Ντελφτ. 1657 Rijksmuseum στο Άμστερνταμ

Αποδείχθηκε ότι ο Βερμέερ πέρασε τα παιδικά του χρόνια σε αυτόν τον δρόμο. Το σπίτι που απεικονίζεται ανήκε στη θεία του. Εκεί μεγάλωσε τα πέντε παιδιά της. Ίσως κάθεται στο κατώφλι και ράβει ενώ τα δύο παιδιά της παίζουν στο πεζοδρόμιο. Ο ίδιος ο Βερμέερ έμενε στο απέναντι σπίτι.

Πιο συχνά όμως απεικόνιζε το εσωτερικό αυτών των σπιτιών και τους κατοίκους τους. Φαίνεται ότι οι πλοκές των πινάκων είναι πολύ απλές. Εδώ είναι μια όμορφη κυρία, μια πλούσια κάτοικος της πόλης, που ελέγχει τη λειτουργία της ζυγαριάς της.

Γιαν Βερμέερ. Γυναίκα με κλίμακες. 1662-1663 Εθνική Πινακοθήκη Τέχνης, Ουάσιγκτον

Γιατί ο Βερμέερ ξεχώρισε ανάμεσα σε χιλιάδες άλλους «μικρούς» Ολλανδούς;

Ήταν ένας αξεπέραστος δάσκαλος του φωτός. Στον πίνακα «Γυναίκα με ζυγαριά» το φως τυλίγει απαλά το πρόσωπο, τα υφάσματα και τους τοίχους της ηρωίδας. Δίνοντας στην εικόνα μια άγνωστη πνευματικότητα.

Και οι συνθέσεις των πινάκων του Βερμέερ επαληθεύονται προσεκτικά. Δεν θα βρείτε ούτε μια περιττή λεπτομέρεια. Αρκεί να αφαιρέσετε ένα από αυτά, η εικόνα θα "καταρρεύσει" και η μαγεία θα φύγει.

Όλα αυτά δεν ήταν εύκολα για τον Βερμέερ. Τέτοια εκπληκτική ποιότητα απαιτούσε επίπονη δουλειά. Μόνο 2-3 πίνακες το χρόνο. Ως αποτέλεσμα, η αδυναμία σίτισης της οικογένειας. Ο Βερμέερ εργάστηκε επίσης ως έμπορος έργων τέχνης, πουλώντας έργα άλλων καλλιτεχνών.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pieter de Hooch. Αυτοπροσωπογραφία. 1648-1649 Rijksmuseum, Άμστερνταμ

Ο Χοχ συχνά συγκρίνεται με τον Βερμέερ. Δούλευαν ταυτόχρονα, υπήρξε μάλιστα περίοδος στην ίδια πόλη. Και σε ένα είδος - καθημερινό. Στο Hoch βλέπουμε επίσης μία ή δύο φιγούρες σε φιλόξενες ολλανδικές αυλές ή δωμάτια.

Οι ανοιχτές πόρτες και τα παράθυρα κάνουν τον χώρο των πινάκων του πολυεπίπεδο και διασκεδαστικό. Και οι φιγούρες ταιριάζουν σε αυτόν τον χώρο πολύ αρμονικά. Όπως, για παράδειγμα, στον πίνακα του «Υπηρέτρια με ένα κορίτσι στην αυλή».

Pieter de Hooch. Μια υπηρέτρια με ένα κορίτσι στην αυλή. 1658 Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου

Μέχρι τον 20ο αιώνα, ο Χοχ εκτιμήθηκε ιδιαίτερα. Λίγοι όμως παρατήρησαν τα μικρά έργα του ανταγωνιστή του Βερμέερ.

Αλλά στον 20ο αιώνα όλα άλλαξαν. Η δόξα του Χοχ έσβησε. Ωστόσο, είναι δύσκολο να μην αναγνωρίσουμε τα επιτεύγματά του στη ζωγραφική. Λίγοι άνθρωποι θα μπορούσαν να συνδυάσουν τόσο καλά το περιβάλλον και τους ανθρώπους.

Pieter de Hooch. Παίκτες καρτών σε ένα ηλιόλουστο δωμάτιο. 1658 Βασιλική Συλλογή Τέχνης, Λονδίνο

Λάβετε υπόψη ότι σε ένα λιτό σπίτι στον καμβά "Card Players" υπάρχει ένας πίνακας που κρέμεται σε ένα ακριβό πλαίσιο.

Αυτό είναι μέσα Αλλη μια φοράμιλά για το πώς η ζωγραφική ήταν δημοφιλής στους απλούς Ολλανδούς. Πίνακες ζωγραφικής διακοσμούσαν κάθε σπίτι: το σπίτι ενός πλούσιου κτηνοτρόφου, ενός σεμνού κατοίκου της πόλης, ακόμη και ενός αγρότη.

6. Jan Steen (1626-1679)

Γιαν Στεν. Αυτοπροσωπογραφία με λαούτο. δεκαετία του 1670 Μουσείο Thyssen-Bornemisza, Μαδρίτη

Ο Jan Steen είναι ίσως ο πιο χαρούμενος «μικρός» Ολλανδός. Αλλά αγαπώντας την ηθική διδασκαλία. Συχνά απεικόνιζε ταβέρνες ή φτωχικά σπίτια στα οποία υπήρχε η κακία.

Οι κύριοι χαρακτήρες του είναι γλεντζέδες και κυρίες της εύκολης αρετής. Ήθελε να διασκεδάσει τον θεατή, αλλά τον προειδοποιούσε λανθασμένα για μια φαύλο ζωή.

Γιαν Στεν. Είναι ένα χάος. 1663 Kunsthistorisches Museum, Βιέννη

Ο Sten έχει και πιο αθόρυβα έργα. Όπως, για παράδειγμα, η «Πρωινή τουαλέτα». Αλλά και εδώ ο καλλιτέχνης εκπλήσσει τον θεατή με πολύ αποκαλυπτικές λεπτομέρειες. Υπάρχουν ίχνη από ελαστικό κάλτσας, και όχι ένα άδειο δοχείο θαλάμου. Και κατά κάποιο τρόπο δεν είναι καθόλου κατάλληλο για τον σκύλο να είναι ξαπλωμένος ακριβώς στο μαξιλάρι.

Γιαν Στεν. Πρωινή τουαλέτα. 1661-1665 Rijksmuseum, Άμστερνταμ

Όμως, παρά την επιπολαιότητα, οι χρωματικοί συνδυασμοί του Sten είναι πολύ επαγγελματικοί. Σε αυτό ήταν ανώτερος από πολλούς «μικρούς Ολλανδούς». Δείτε πόσο τέλεια ταιριάζει η κόκκινη κάλτσα με το μπλε σακάκι και το έντονο μπεζ χαλί.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Πορτρέτο του Ruisdael. Λιθογραφία από βιβλίο του 19ου αιώνα.