- Estimado Dmitry Yurievich, breve información biografica Te pueden encontrar en Internet, pero comencemos de nuevo desde el principio: con tu familia, con la infancia. ¿Cómo y dónde empezó tu introducción al mundo de la música, la voz y la ópera?
Nací y crecí en Sverdlovsk. Mis padres, y todos mis familiares en general, son enteramente físicos y matemáticos. Mamá es profesora de matemáticas superiores en la Universidad Estatal de los Urales. universidad estatal, papá es físico, fue director de un gran instituto de investigación, el tío también es físico, la tía es algebrista, el hermano es el director. Departamento de Matemáticas de la Academia, ahora en Ekaterimburgo. Los primos repartidos por todo el mundo son todos matemáticos.
Así que soy la única excepción, como dicen, en la familia no sin... ¡un músico!
Pero al mismo tiempo, todo el mundo estudió música en la infancia: tanto papá como hermano. Pero de alguna manera me “quedé” en esto. Se graduó en la escuela de música con una licenciatura en piano y entró en GITIS, el departamento de teatro. Y entonces mi pianismo me resultó muy útil, viví con él, acompañando a los vocalistas. Es decir, fue una especie de "trueque": aprendí a cantar de amigos y conocidos y los "pagué" tocando arias, romances en el piano y aprendiendo nuevas obras con ellos. Tenía muchas ganas de cantar en mi juventud, pero mis padres, que son personas serias, me aconsejaron que primero estudiara una especialidad más confiable, así que me gradué de la universidad como especialista en teatro, con especialización en ópera, y luego hice un posgrado.
Por desgracia, no he conocido a ningún verdadero profesor de canto que crea en mí y me dé un comienzo. Quizás no había suficientes cualidades personales para una carrera como cantante-solista, y gracias a Dios me di cuenta a tiempo. Todo lo que no se hace es para mejor. En general, comencé a cantar decentemente bastante tarde, a los 30 años. Para ese entonces mucha gente ya me conocía. mundo de la opera en una capacidad diferente. La situación era delicada: en el Sindicato de Trabajadores del Teatro yo “ordenaba” el teatro musical. Fue una asociación de corta duración al final de la Unión Soviética, que organizaba grandes festivales y concursos con presupuestos millonarios y buenas intenciones...
A principios de los 90, fui a Bélgica para perfeccionarme como profesora de canto, y cuando me ofrecieron un contrato como cantante con una agencia bastante grande, de repente me di cuenta de que ya era demasiado tarde, como dicen, “todo el vapor se había ido”, o mejor dicho, me dirigí en la otra dirección: hacia la enseñanza.
- Pero hay ejemplos históricos de carreras vocales tardías: el tenor Nikandr Khanaev, que comenzó a los 36 años, el bajo Boris Gmyrya; a los 33 años, Antonina Nezhdanova debutó en el escenario profesional sólo a los 29 años.
En primer lugar, vivieron entre principios y mediados del siglo XX, cuanto más cerca están de sus contemporáneos, más difícil es encontrar cantantes que empiecen a los 30 años, y luego, cada uno tiene su propio “margen de seguridad” en la perseverancia. en el logro de sus objetivos.
Cuando se vino abajo unión soviética Organizamos un concierto y una agencia de actuación “sobre las ruinas” de STD, que tuvo bastante éxito. Recuerdo esos días con especial agradecimiento, porque por primera vez a los 28 años comencé a viajar al extranjero por alguna razón no me habían permitido salir antes; Esto brindó una gran experiencia auditiva, la oportunidad de familiarizarse con las mejores produccionesóperas en escenarios mundiales, para evaluar las voces de cantantes famosos en vivo. descubrí Nuevo Mundo, donde cantaban completamente diferentes a los nuestros, salvo raras excepciones.
Tuve que romper algunas ideas dentro de mí, porque mi oído estaba “borroso” por la tradición de la ópera soviética, tanto en el buen como en el mal sentido de la palabra. Me reconstruí técnica y estilísticamente, mis gustos cambiaron. No fue fácil, a veces hacía estupideces. Durante algún tiempo estudié con los chicos por interés; ni siquiera recuerdo haber recibido dinero por las lecciones.
Y luego me invitaron a enseñar canto en la Escuela Gnessin, en el departamento de actores de teatro musical. especialmente para mi conjunto adicional Se llevaron al único estudiante: Rodion Pogosov. Tenía entonces 16 años, nunca había cantado y soñaba con convertirse en actor dramático. Pero no fue aceptado en las universidades de teatro, y “por pena” ingresó a la escuela y terminó conmigo. Ya a los 19 años, en su tercer año, debutó como Papageno en “ Nueva ópera”, y a los 21 años se convirtió en el participante más joven del programa juvenil del Metropolitan, y así sucesivamente. Ahora Rodion es un artista internacional muy solicitado.
- Bueno, ¡ni siquiera el “primer panqueque” te resultó grumoso!
Sí, trabajar con mi primer alumno requirió mucha fuerza y energía de mi parte. Lo obligué a practicar voz todo el tiempo, haciendo equipo con su madre. No se trataba de clases ordinarias dos veces por semana durante 45 minutos, sino lecciones casi todos los días. En pocas palabras, lo perseguí, superando la resistencia y la falta de voluntad para aprender. Se puede entender: un niño muy joven que tampoco creía en sus capacidades vocales. Incluso se reía de los cantantes, del proceso en sí. canto academico le parecía ridículo.
- ¡Resulta que tuviste que estudiar desde cero! Y da la impresión de que los alumnos de Vdovin (sabemos más sobre los graduados de la Academia Coral) ya son chicos preparados desde la infancia, cantan desde los 6-7 años, músicos muy competentes.
Ahora dicen de mí que llevo lo mejor de la cosecha a mi clase, mejores voces. ¿Deberíamos tomar los malos? ¿O tengo que demostrarle algo a alguien? Cualquier artista normal (artista, maestro) siempre elige lo mejor. Sí, ahora los jóvenes vienen a mí, ven los resultados de mi trabajo y tengo la oportunidad de elegir. Y al principio me dieron diferentes alumnos. Así que pasé por la escuela completa de sacar a los estudiantes difíciles, y creo que esto es necesario para un maestro joven.
- ¿Había opciones completamente desesperadas? ¿Que una persona pierda la voz por completo, o abandone su carrera vocal, aunque no sea culpa suya?
La edad extremadamente temprana de los recién llegados también es uno de los problemas. Anteriormente, la gente comenzaba a estudiar canto profesionalmente entre los 23 y 25 años, especialmente los hombres, es decir, personas físicamente desarrolladas, fuertes no sólo de cuerpo sino también de espíritu, que habían elegido significativamente su profesión. Ahora vienen a las escuelas niños de 15 a 16 años, y a la Academia del Coro de mi clase, a los 17 años.
Resulta que a los 22 ya son graduados. Tenía a este chico, un muy buen bajista, ganaba concursos. Inmediatamente fue aceptado en un programa juvenil en uno de los países europeos y luego en el teatro. Y eso es todo: hace mucho que no sé nada de él, desapareció. Los llamados contratos de festival en las salas de repertorio son especialmente riesgosos para los vocalistas muy jóvenes. Esto significa cantarlo todo, se adapte o no a tu voz. Hoy, Rossini, mañana, Mussorgsky, pasado mañana, Mozart, y así sucesivamente, hasta Bernstein y la opereta. Mira, no han pasado ni un par de años y en lugar de una voz quedan restos de antiguas bellezas.
- Pero en la tradición ruso-soviética, siempre se alternaban una variedad de estilos y nombres en el cartel, y los principales solistas tampoco cantaban 6-7 "La Traviata" o "Pikovykh", como ahora en Occidente, sino 4-5. de los más diversos roles por mes.
Creo que las compañías de tiempo completo y el teatro de repertorio están obsoletas, son malas para todos: artistas, directores, público. En primer lugar, siempre faltan ensayos para mantener los títulos actuales en buen estado. Ni siquiera en compañías tan poderosas como la Metropolitan Opera de Nueva York o la Staatsoper de Viena se realizan suficientes ensayos. Así que no creas que todo está mal entre nosotros y que allí son completamente prósperos. Recuerdo cómo mi alumna debutó en el Met en el momento más difícil. partido principal¡Sin un solo ensayo escénico! Entonces ella salió y cantó, el tocadiscos se atascó y ella empezó el aria detrás de escena.
Por eso no soy partidario del sistema de repertorio; en nuestro país lo considero una reliquia de la época soviética, no relacionada con el arte, sino sólo relacionada con él. legislación laboral, ideología, etc. Así que ahora estamos en un callejón sin salida y no sabemos qué hacer. Los cantantes no confían en su mañana, pero, por cierto, la profesión de artista de ópera es generalmente bastante arriesgada, la voz es un instrumento demasiado frágil, en caso de duda, inicialmente puedes y debes elegir otro campo. Los directores no están contentos porque el cantante no puede interpretar de manera igualmente convincente a Mozart hoy y Prokofiev mañana. El público de hoy también está mimado y necesita estrellas o nuevos nombres. Y resultan compromisos que van en detrimento del arte.
En una situación de libertad, los cantantes destacados siempre tienen más posibilidades de dominar el repertorio que les conviene, de conocer directores interesantes, socios del mismo nivel, etc. ¡Y con qué cuidado se puede ensayar todo tratándose de un equipo de producción para un proyecto concreto!
- Pero entonces, en una situación en la que no hay ni 5-6, sino a veces 12 representaciones seguidas del mismo título, ¿no experimentan los artistas el efecto del automatismo, como los solistas en los musicales? Me cuesta entender cómo se pueden trabajar cientos de representaciones seguidas en Broadway con un día libre, muchas veces sin reposición, retratando sentimientos, risas y lágrimas en el escenario...
A diferencia de Broadway, en la ópera los actores no aparecen todas las noches (excepto en caso de emergencia), siempre hay uno o dos días de descanso; Y las representaciones rara vez se representan más de cinco veces en un bloque de producción. Los mejores teatros, como el Metropolitan, intentan reunirse en todo el mundo mejores artistas esta ópera de hoy. Y créanme, en un ambiente de alta profesionalidad y perfección de cada detalle, al artista le resulta mucho más fácil concentrarse en la imagen.
El ejemplo del Met también es interesante para el público, porque en una semana puedes escuchar las obras de los más diferentes estilos en su mejor momento. No es ningún secreto que los visitantes y turistas suelen ir a la ópera con más frecuencia que los “nativos”. Entonces, mientras estaba en Nueva York en enero de este año, en unos días visité la talentosa recopilación barroca "La isla encantada", vi la sensacional "Fausto", luego "Tosca" y "La hija del regimiento". Y para los “locales” que avanzan lentamente, los títulos más exitosos se repiten después de unos seis meses, como “Ana Bolena”, que inauguró la actual temporada de ópera.
En general, el tema de las diversas tradiciones de la existencia de la ópera es increíblemente interesante y complejo; cada país tiene sus propios aspectos racionales que pueden combinarse para siempre, sólo hay que conocerlos y saber cómo hacerlo.
- A usted personalmente, especialmente al principio. actividad pedagógica¿Tu falta de experiencia escénica interfirió?
Al principio, claro, sí, ¡fue un estorbo! Naturalmente, cuando me siento en una clase magistral con mi amada Elena Vasilievna Obraztsova, simplemente me deleito con sus comparaciones y su discurso figurativo. Su vasta experiencia, trabajando con maestros destacados además de una rica imaginación artística personal: ¡todos juntos es fascinante! Cuando trabaja en un fragmento de una ópera o de una novela romántica que conoce bien, construye todo un mundo creado a partir del conocimiento y el talento juntos, en el que no sólo hay un elemento actoral, sino también de director, e incluso de director de orquesta.
¡Estoy aprendiendo todo el tiempo! Estudié mientras trabajaba con la inolvidable Irina Konstantinovna Arkhipova, ahora junto a Obraztsova, con Evgeniy Evgenievich Nesterenko, con los profesores de nuestro Programa Juvenil. Repaso los riffs de nuevas piezas y producciones, incluidas las extranjeras, con mis alumnos. Todo esto es búsqueda, escuela, enriquecimiento de la práctica personal. Tuve suerte en términos de tiempo; comencé a enseñar activamente a una edad en la que los cantantes de ópera normalmente sólo se ocupan de sí mismos y de su carrera. Tuve la oportunidad de sumergirme muy profunda y ampliamente en problemas pedagógicos- adquirir experiencia pedagógica, trabajar con todo tipo de voces, estudiar diversos repertorios.
- Permítanme hacer aquí una comparación un tanto inesperada. Existe la opinión de que los mejores obstetras son los hombres, porque no pueden comprender ni imaginar los dolores del parto y actuar con más decisión y tranquilidad.
Sí, quizás el momento de mi desapego del desempeño como tal pueda resultar beneficioso. Pensé mucho en esto y llegué a la conclusión de que canto de ópera y pedagogía vocal - dos diferentes profesiones, en algunos aspectos similares, por supuesto, pero no en todo.
Al igual que los hay, si recurrimos a la medicina, un cirujano y un diagnosticador. Un excelente cirujano con “manos de oro” puede ser deficiente a la hora de hacer un diagnóstico y viceversa. Estas profesiones requieren conocimientos diferentes.
Nuestra pedagógica es bastante limitada cuando se trata únicamente de la técnica vocal y requiere una gran amplitud de miras cuando surgen cuestiones sobre el repertorio, conocimiento de la profesión del cantante por todos lados. Sí, no canto en el escenario, pero lo hago todo el tiempo en clase, demostrándolo con mi voz. No toco el piano en público, pero puedo acompañar bien a los estudiantes. Yo era gerente, así que puedo informar a los estudiantes sobre los riesgos de los contratos, sobre las buenas y malas condiciones de desempeño. Excepto que yo mismo no he dirigido ni montado la ópera, pero, repito, realizo estas funciones en los ensayos.
- Y con todo eso, tú, Dmitry, eres una excepción a la regla: un profesor de canto exitoso que no ha actuado en el escenario. ¿Hay otros colegas con una suerte similar?
Puedo nombrar a Svetlana Grigorievna Nesterenko (la homónima de nuestro gran bajo), trabajamos juntas en el Programa Juvenil del Teatro Bolshoi, ella dirige el departamento vocal de la Academia Coral. V. S. Popova. Entre sus alumnos se encuentran Alexander Vinogradov, Ekaterina Lyokhina, Dinara Aliyeva y muchos otros cantantes dignos. Y el público en general no conoce a muchos profesores occidentales destacados como cantantes. Y, en general, nosotros, profesores vocales, somos luchadores en el frente invisible.
Y a pesar de todas las quejas, el nivel general de los cantantes en el mundo es ahora bastante alto, incluso hay un cierto exceso de oferta, pero la escasez de profesores de canto serios y que valgan la pena es constante, ya que era una profesión poco sistemática, y sigue siéndolo. . Ésa es la paradoja.
Al comienzo del trabajo, comentarios de vocalistas experimentados que yo, dicen, no soy cantante, no he olido maquillaje, no he probado esto y aquello, me duelen, no mucho, pero me rascan. Y ahora no me importa en absoluto. Me tranquilicé en este sentido, tengo tantas tareas y tanta responsabilidad por decenas de mis alumnos exitosos que se han esparcido por todo el mundo. Necesitamos evitar que cometan errores, que intenten interferir con su repertorio; debemos escribirles, llamarlos y convencerlos. Hasta el punto de conflicto, esto es raro, pero ha sucedido que terminó en una pelea y una ruptura (no por mi parte). ¡Todo el mundo quiere ser adulto y al mismo tiempo todo el mundo es vulnerable, como los niños! A veces no entienden que su buen canto es lo que más me interesa, y no que sea un tirano con un látigo, que vine a una obra de teatro o a un concierto para criticarlos duramente.
- Un maestro muy viejo y sabio en escuela de musica Siempre inmediatamente después del concierto sólo elogiaba a los estudiantes y posponía el “debriefing” hasta el día siguiente. Como el escenario es adrenalina, todavía no entienden en serio las críticas en la euforia de los aplausos, pero las alas del niño y el deseo de tocar música se pueden romper con un comentario mordaz.
En este sentido, tengo un carácter difícil. Sé que estoy haciendo mal, siendo una persona emocional y dura, pero no siempre puedo contenerme, aunque lo intento.
Recientemente hubo un concierto que fue un gran fracaso. Así resultó: una situación difícil, pocos ensayos, mal contacto con la orquesta. Al final, me acerqué a los muchachos y simplemente cité nuevamente a E.V. Obraztsova: "Camaradas, hoy no teníamos un teatro, sino un club que lleva el nombre de Tsuryupa". Todos, por supuesto, estaban muy tristes, ¡pero esto no impidió que el segundo concierto del día siguiente fuera mucho mejor!
A veces, por supuesto, lastimas a tus alumnos. Pero al mismo tiempo digo: chicos, pero también me lastimo y ofendo con comentarios, no los culpo por todo, estos son nuestros errores comunes, yo mismo no duermo por las noches, sufro, analizo. .
- ¡Un maestro que no regaña es el mismo médico que no trata!
También hay cuestiones de diferencias mentales. Una de mis colegas, una pianista muy famosa y una profesora maravillosa, en Estados Unidos una vez levantó la voz enojada y arrojó las notas hacia un estudiante. Hay una investigación, policía, escándalo... Por eso, en Estados Unidos no me fue fácil acostumbrarme a trabajar en este sentido: bueno, a veces quiero añadir emociones, levantarle la voz al estudiante, pero esto es imposible. allá.
¡Pero los estudiantes allí son diferentes! Me quedé impactado en mi primera visita a la clase magistral en Houston. Un buen barítono joven se acercó a mí y me mostró el aria de Eletsky. le sugerí lección extra por la noche, después de todos los demás. Quería pasar por la Cavatina de Fígaro de Sevilla. Pero a las 18, minuto a minuto, la pianista se levantó y se fue: su jornada laboral había terminado, todo era estricto. Yo mismo me di cuenta de que me perdería demasiado en el valiente acompañamiento de Rossini y dije: "¿Te gustaría cantar Yeletsky otra vez?" Estuvo de acuerdo y me sorprendió: en las pocas horas que habían pasado desde la lección de la mañana, ¡lo arregló todo! Todos mis comentarios sobre fraseo, pronunciación, entonación, actuación: ¡todo ha sido tenido en cuenta!
"¿Cómo estás haciendo esto?" - le pregunto. "Maestro, me senté, miré las notas durante 15 minutos, escuché la grabación de nuestra lección, comprendí lo que usted dijo y el aria ya está lista".
¡Fue un shock alegre para mí! Al regresar a Moscú, ¡cómo reprochó este incidente a sus alumnos nativos, hasta que les digas veinte veces que no lo harán! Vienen a clases sin grabadora, a veces incluso sin lápiz y una copia extra de la partitura para tomar notas. ¿Qué puedo decir? Tienes que ser duro.
- También hay chicas en tu clase. ¿Hay alguna diferencia en los enfoques?
Hasta cierto punto, es más fácil para mí con los chicos, ¡pero sin chicas en la clase sería simplemente aburrido! Por supuesto, la voz de una mujer requiere que tenga un enfoque diferente de la realidad vocal y una mayor concentración. Material diferente y, en consecuencia, herramientas diferentes. Requiere más reflexión, más esfuerzo e incluso experiencia y conocimientos técnicos. Pero, como la vida me ha demostrado, en general puedo hacerlo con voces de mujeres. Y en el aula, la presencia de diferentes géneros da una gran ventaja en cuanto al repertorio que se pueden interpretar en conjunto y a dúo;
- ¿Existe una crisis generalizada en la voz mundial a finales del siglo XX y principios del XXI? en comparación, por ejemplo, con los años 60-70 del siglo XX y, de ser así, ¿por qué?
Si lo pensamos de esta manera, la crisis siempre ha existido. Durante el apogeo de Callas y Del Monaco, había gente que hablaba con añoranza de la época de Ponselles, Gigli y Caruso, etc., remontándose al fondo del tiempo, a principios del siglo XIX, hasta llegar a nombres legendarios. Esto es de la serie: “El cielo era más azul y la hierba más verde”.
En principio, la escuela se ha vuelto mejor y más igualitaria en diferentes paises Ah, debido a que comenzamos a vivir en un solo espacio de información, tuvimos la oportunidad de escuchar a menudo en vivir o en una grabación muy reciente todo lo mejor del mundo escenas de opera. Para muchos amantes de la música, subirse a un avión y en pocas horas encontrarse en cualquier capital de la música se ha convertido en una realidad accesible.
En mi opinión, la crisis está en otra parte. Ahora hay muchos profesionales fuertes, los desempleados aumentan entre los mandos intermedios, pero hay muy pocas voces destacadas y extraordinarias. Y no tanto en belleza como en potencia y volumen de sonido.
- Me uno a ustedes por completo - algunos de los mejores de hoy cantantes de ópera Puedo enterarme sin un anuncio en la radio, aunque “viejos”, ¡al instante, con dos notas!
¡Y estos son también los costes de la tecnología! Todos empezaron a cantar igual de bien. Muchos antiguos grandes eran reconocibles, extraordinarios y bellos no sólo por sus méritos, sino también por sus “divinas irregularidades”, como el incomparable Callas. Faltan no sólo timbres brillantes, sino sobre todo individualidad, con raras excepciones. En parte porque los cantantes se han vuelto extremadamente dependientes de los dictados del director y su profesión no está en la primera fila en términos de importancia para el teatro de ópera.
- ¡Oh, nuestro tema favorito sobre el “director”! ¿Qué sientes por ella?
Ahora es un período en el teatro musical que todos experimentamos, como enfermedades o mal tiempo. ¿Recuerdas cuando estudiamos la historia de la música y hablamos de la “caída de la ópera” en la época barroca, del “concierto de disfraces”? A mediados del siglo XX, junto con Callas, Luchino Visconti reinó en los escenarios mundiales; la ópera comenzó a fusionarse con el mundo del teatro y el cine, a extraer imágenes de la pintura y, de alguna manera, a elevarse al nivel artístico. Pero, como resultado, la ópera se fue al otro extremo: el manierismo. Esto es especialmente radical en Alemania, hasta el punto de que Peter Stein ya dijo en alguna parte sobre la dirección de ópera alemana: “Lo siento, pero en este contexto no me siento cómodo llamándome director alemán, no me considero uno .”
Pero es interesante que durante siglos se hable de la muerte de la ópera. Ella siempre se entrega a algunos extremos. Pero cuando, al parecer, todo ha terminado, de repente logra encontrar nuevos medios y reaparecer en toda su belleza.
- ¡Sí, sí! Por eso, producciones de vestuario tradicional, como “Werther” en 2010 en la Opéra Bastille de París, “Adrienne Lecouvreur” la temporada pasada en Covent Garden, o la más reciente “La isla encantada” en el Met, arrancan aplausos desde la primera inauguración del cortina. .
Pero no quisiera parecer un completo ortodoxo, retrógrado y conservador en esta situación. Hay producciones de ópera moderna sorprendentemente sutiles y profundas.
Cada uno determina el grado de persuasión y talento del propio director, y yo también he desarrollado una opinión personal al respecto. Creo que si la producción tiene su propia lógica profunda, si cada “disparo”, entonces la producción es un éxito. Y si el director simplemente reunió en una obra todas las imágenes y metáforas que había acumulado de años anteriores de inactividad, y no pudo llegar a fin de mes, y nosotros nos sentamos y no entendemos, entonces ¿por qué? En teoría, literalmente “caminar sobre la cabeza” puede resultar convincente, como demostró Nathalie Dessay en Ariadne auf Naxos.
- ¿Pero no puede el maestro vocal Vdovin decir que caminar boca abajo mientras se canta es difícil y poco fisiológico para defender a sus alumnos?
No, lamentablemente no puedo decir nada, aunque a veces me indigno por muchas cosas. En el teatro todas las personas son dependientes y deben ser leales al plan del director. A veces veo que la gente se avergüenza hasta el punto de avergonzarse en el escenario en algún arreglo del director. ¡De qué persuasión artística estamos hablando aquí! Y lo más triste es que, aparte del egoísmo y el capricho, a veces no tiene ningún sentido. Pero, por otro lado, estoy de acuerdo en que es posible mostrar a un artista incluso en una forma fea, si hay en ello un propósito artístico verdaderamente profundo.
Soy una experta en teatro de formación, cuyo primer director fue Pavel Aleksandrovich Markov, y cuya principal maestra fue Inna Natanovna Solovyova, grandes personas. Viví buenos tiempos para el teatro: asistí a las representaciones de A. Efros, G. Tovstonogov, Y. Lyubimov, y hubo tantas giras en Moscú...
- ¿Hay estudiantes que no quieren “doblarse” ante la tiranía de los directores y se imaginan a sí mismos sólo en el género puro de los conciertos de cámara?
Conocí a una de esas personas, aunque no era mi alumno. Tiene todo para convertirse en un fenómeno destacado de nuestro tiempo: este es el bajo Dmitry Beloselsky. Dejó el coro y durante mucho tiempo solo cantó música cantata-oratorio y conciertos. No quería ir a la ópera. Hace poco, a los 34 años, cambió de opinión, vino al Teatro Bolshoi y, gracias a Dios, así fue. A esta edad tiene más posibilidades de no salir adelante. antes de lo previsto construir una carrera larga y exitosa a distancia, con inteligencia y comprensión. Dmitry ahora tiene un éxito asombroso dondequiera que actúe. Del Metropolitan al Bolshoi. Pero, lamentablemente, a un concertista “puro” le resulta difícil sobrevivir económicamente; la profesión de intérprete de cámara está prácticamente en extinción. ¡Ay!
- ¿Tiene sentido el concepto de “escuela vocal rusa” hoy en día? En este sentido, en el concierto de graduación del Programa Juvenil del Teatro Bolshoi la primavera pasada, que usted, Dmitry, dirige, fue desagradablemente sorprendente ver cuánto mejor y más convincentemente los jóvenes cantantes afrontan la música occidental y cuán problemático les resulta interpretar. Ruso.
La escuela rusa, sin duda, existe, ya que existe una enorme herencia de ópera y lengua rusa. Y como componente - la tradición teatral. El propio repertorio ruso dicta un enfoque técnico diferente al de las obras de música italiana, francesa y alemana. El problema, en mi opinión, es que nuestra música está diseñada principalmente para voces muy fuertes, para cantantes maduros. Ya que la mayoría de las óperas fueron escritas para los dos Teatros Imperiales, los cuales siempre fueron famosos por sus voces poderosas y profundas. La cuestión de dónde encontrar al verdadero Herman o Marfa para "Khovanshchina" hoy en día es cada vez más difícil de resolver...
Por cierto, en Estados Unidos, Tatiana es considerada un grupo de edad más fuerte que incluso Lisa en "Spade". Y Yeletsky es más fuerte que el Conde de Las bodas de Fígaro. Lensky y Onegin tampoco se consideran papeles juveniles, como es habitual aquí, solo porque Pyotr Ilich escribió sus escenas líricas para estudiantes del Conservatorio de Moscú. Pero hay una orquestación muy densa y una tesitura vocal compleja, con grandes saltos hacia arriba y hacia abajo del registro, que, créame, como profesor, no todos los cantantes jóvenes pueden hacer. Y teniendo en cuenta lo problemática que es la acústica en muchas salas y lo ruidosas que les gusta a las orquestas, es necesario tener voces muy potentes y fuertes para soportar todo esto. Lo siento, pero creo que Antonida cavatina de Glinka, por ejemplo, es tan difícil de escribir que por su buena interpretación, ¡la soprano debería recibir inmediatamente una medalla entre bastidores! Otro punto delicado es que los compositores rusos, a pesar de su genio, no siempre dominaron las sutilezas de la escritura vocal. Y esto es comprensible: la tradición de la ópera en Rusia no es tan antigua y muchos de sus representantes la aprendieron ellos mismos.
Más sobre Glinka, en relación con el sensacional último estreno de "Ruslan", ahora solo hablo del lado vocal, porque hubo declaraciones en la prensa de que, dicen, realmente no hay nadie para cantar en comparación con el producción anterior del Teatro Bolshoi en los años 70 de B.A. Diré como testigo y oyente vivo: sí, en esa actuación estaban el brillante Ruslan, Evgeniy Nesterenko, Lyudmila, Bela Rudenko, Tamara Sinyavskaya, Ratmir. Pero entre la abundancia de personajes (y la actuación se realizó en 2-3 repartos), había cantantes que, por razones desconocidas, aparecieron en el escenario del Teatro Bolshoi, y, no es ningún secreto, que hubo actuaciones, al pasar. hasta el punto de que uno podría perder para siempre el interés por la ópera como tal.
Permítanme volver a la división de géneros: hay cantantes maravillosos que son únicos en las óperas de Mozart, y eso es todo. Y otros deberían cantar exclusivamente música rusa: este es su punto fuerte. Pero cuando empiezan a cantar esto y aquello, es peor para Mozart, Glinka y los oyentes.
- Desafortunadamente, no todos los cantantes tienen su propia mente analítica sobria y la voluntad de rechazar proyectos aventureros, como Dmitry Korchak, a quien ya le ofrecieron cantar Herman.
Sí, Dima es genial en este sentido, pero el hecho de que haya tan poca música rusa en su repertorio, porque su voz es demasiado ligera, es una lástima, lo hace muy bien. Y Vasily Ladyuk, por cierto, también. Recuerdo la noche en que interpretó romances rusos; aunque no me gustan las obras de cámara orquestadas, Mikhail Pletnev lo hizo sorprendentemente bien, ¡fue uno de los mejores conciertos para comprender el significado de la música!
En general, para cantar bien música rusa, es necesario trabajar muy duro para deshacernos de una gran cantidad de clichés propios y de perder la sensación de frescura. A veces, a los extranjeros se les ocurren nuevos matices sorprendentes y, a veces, sin darnos cuenta, percibimos la tradición como un texto urgente, un cliché de la grabación de un clásico reconocido de la escena rusa de hace mucho tiempo.
- Sobre “escuchar” grabaciones antiguas. Desde hace mucho tiempo me ha quedado grabada en el alma la afirmación de Svyatoslav Teofilovich Richter de que la juventud moderna, mimada por la disponibilidad de equipos de grabación, se acostumbra a controlarse constantemente desde el exterior, después de la actuación. Y las generaciones anteriores de músicos, privadas de este beneficio de la civilización, desarrollaron la llamada "preescucha", es decir, la capacidad de sentir de antemano la siguiente frase musical con el oído interno.
Sobre el tema. Hace poco escuché una grabación de audio del Met: "Las bodas de Fígaro". Y durante los conjuntos, a veces, sentado sin notas, no podía entender quién sonaba ahora: la condesa, Suzanne o Cherubino. ¡Porque los tres, lo siento, son la pequeña Renee Flemings! Por supuesto, la disponibilidad de grabaciones sonoras de todo y de todos, You Tube, etc. dejar su huella en artistas contemporáneos, y la interpretación cliché viene de aquí.
- ¿Pero usted personalmente permite que los estudiantes utilicen la tecnología en lecciones y actuaciones?
Lo permito, sí. Cómo hombre de teatro Entiendo que cuando empiezas a establecer tareas con los chicos, a buscar los orígenes de tal o cual imagen musical, causa y efecto, los clichés desaparecen, la presión de las grabaciones de audio y video de otras personas desaparece.
- ¿Necesitan los cantantes un contexto histórico, conocimiento sobre la época y lugar de acción de su héroe, sobre la biografía del autor?
¡Pues claro! ¡Un artista o cantante de ópera debe ser una persona educada! Para llenar de significado una obra o un texto, incluso en su lengua materna, es necesario comprender no sólo las palabras, sino también toda la situación en torno al personaje, la trama y las conexiones históricas, si tal es el material. Es terrible cuando los jóvenes no saben los nombres de los poetas que escribieron las letras de los romances, o no saben dónde está Flandes, que se canta en el aria de Don Carlos. O no se da cuenta de que el aria está dirigida a un compañero y, en esencia, se trata de un dúo.
Lo más importante es desarrollar la imaginación artística del cantante, hacerle ver y comprender lo que hay en el fondo y entre líneas.
- Una pregunta en parte provocativa: ¿qué prefieres: la brillante voz del cantante combinada con un arte limitado y una apariencia anodina o, por el contrario, un arte brillante con una voz muy moderada?
¡Personalmente, en esta situación, preferiría quedarme en casa! Pero, en serio, en la ópera, un arte brillante combinado con voces mediocres es inapropiado; un vocalista puede no sobresalir en términos de fuerza o timbre, pero debe dominar completamente su instrumento. De lo contrario, no hay manera, una figura esbelta, rasgos faciales correctos y habilidades de actuación no te salvarán si te pierdes por completo las notas: qué hacer, un género sintético.
Por eso valoramos tanto los ejemplos más raros de la armonía de todo: una voz fenomenal, musicalidad, un enorme temperamento actoral combinado con una belleza brillante y muy valiente: así era Vladimir Andreevich Atlantov, que reinaba en el escenario del Teatro Bolshoi. Tuve la suerte de comunicarme con él en años de estudiante. Atlantov probablemente no fue un ejemplo de una escuela vocal ideal y refinada, pero me dio mucho en términos de comprender el proceso del canto de ópera, cómo debe ser un verdadero artista.
Entrevistada por Tatyana Elagina
El famoso profesor de canto y director del Programa Juvenil del Teatro Bolshoi, Dmitry Vdovin, impartió una clase magistral interactiva en el Winter International festival de música Yuri Bashmet en Sochi.
Cuando vine aquí, no estaba seguro de que alguien estuviera interesado en una clase magistral de profesor de canto durante los Juegos Olímpicos”, admitió Vdovin enseguida. - Pero os juntasteis y eso significa que hay interés por la música incluso en los Juegos Olímpicos. Trabajamos con la voz, y ésta no es un instrumento que se pueda limpiar con un paño y guardar en un rincón. Ésta es toda la dificultad de nuestro trabajo.
Una característica especial de las clases magistrales en los festivales de Yuri Bashmet es la geografía. Gracias a la cooperación con Rostelecom, un profesor que asiste al festival imparte una clase magistral en muchas ciudades a la vez. En las salas de las escuelas de música se instalaron aparatos de vídeo y el sonido y la imagen llegan sin demora a la sala de órgano de la Filarmónica de Sochi. Esta vez asistieron a la clase magistral y, lo más importante, participaron en ella Rostov, Ekaterimburgo, Samara y Novosibirsk.
Pero empezamos por Sochi. El primero en atreverse a subir al escenario fue David Chikradze, estudiante de segundo año de la Facultad de Artes de Sochi, y le cantó al famoso maestro un aria de Handel, la segunda novela del Demonio.
Tienes un hermoso barítono, pero para la presentación en público elegiste una pieza en la que tenías que ir más allá de tu alcance. Pero primero, una nota importante. Al asistir a una clase magistral, debes tener tres conjuntos de notas: uno para el acompañante, otro para el profesor y el tercero para ti. ¿Por qué para ti? Debido a que está preocupado y probablemente olvidará mucho de lo que se dijo, debe tomar notas en su copia.
Dmitry Vdovin reprendió a los artistas jóvenes de manera especialmente estricta por su pronunciación poco clara o incorrecta, tanto en ruso como en italiano.
La pronunciación es muy importante. A menudo hay que cantar en italiano; además, este idioma lo hablan varios cientos de millones de personas. La pronunciación correcta te dará la clave para la interpretación. ¡Escucha la belleza de la pronunciación de las frases de los italianos!
Otra cualidad que Vdovin no pasó por alto es el carácter orgánico del cantante.
El canto debe ser espontáneo y natural. Como decía Oscar Wilde, lo más difícil es ser natural. Asimismo, para cantar lo principal es mantener la naturalidad. Ahora en la ópera el papel del director de teatro se ha vuelto más importante, los artistas de ópera necesitan trabajar mucho en sus personajes y la naturalidad es la ayuda más importante para el papel. Cante con una gran sensación de placer: disfrute del hermoso sonido volador.
Y el maestro le recordó al barítono David:
Handel no tiene partes para barítonos; los barítonos en sí no aparecieron hasta el siglo XIX. Esta aria la dejaremos a tenores y contratenores, y tú buscarás algo más adecuado a tu voz.
La siguiente audición fue para un niño de 12 años de Samara, Valery Makarov, quien demostró unos hermosos agudos más allá de su edad.
Tienes una hermosa voz y musicalidad, y eso es importante. Los especialistas individuales trabajan con niños; yo no hago esto, pero diré algunas ideas. ¡Ésta es una canción tierna! No aquel en el que necesitas mostrar la fuerza de tu voz, la presión. Tan pronto como cambiaste a colores suaves, inmediatamente quedó claro sobre qué estabas cantando. ¿De qué trata la canción? El héroe de la canción tiene una madre anciana y le canta que definitivamente regresará con ella y la abrazará. ¿Probablemente tienes una madre joven?
¡Sí! - respondió Valera sin dudarlo.
Y el héroe de esta canción ya es viejo. Y en cuanto a la pronunciación. Hay palabras en italiano que se pronuncian "mamá" y "mamá" (tienen significados diferentes): "mamá" y "te amo", respectivamente. En esta canción - "mamá". Intenta cantar con más alma. Tienes un timbre hermoso, y el timbre es lo más hermoso en una voz.
Otro representante de Samara cantó con excesiva presión. Vdovin empezó a explicarnos sobre la frugalidad en los medios visuales.
Antes de que suba la melodía, se tapa la voz. ¡Cubrir no es empujar la voz hacia atrás y hacia abajo, sino hacerla más brillante! Necesitas cantar más musicalmente. Cuando sale un joven, naturalmente, todos esperan una voz, pero aún más, esperan talento. Hay muchas voces. Pero sucede que su voz es pequeña, pero todos dicen: ¡cómo canta! Preste atención a la presentación del material en sí.
Novosibirsk estuvo representada por Irina Kolchuganova, de 18 años, que cantó con ternura y timidez el aria de Gilda de Rigoletto de Verdi. Vdovin notó cómo llamaba ella al trabajo.
Cuando anuncie qué aria cantará, agregue siempre las primeras palabras del aria al título, y todos los oyentes de diferentes países entenderán qué es exactamente lo que va a cantar.
Cantas con ternura. El problema de nuestros cantantes, a quienes escucho en las audiciones del Teatro Bolshoi y en los concursos, es que no aprecian la ternura. Los intérpretes inmediatamente quieren agresión, una presentación poderosa e intentan cantar aquellas partes que fueron escritas para cantantes de un aparato más fuerte. Y la ternura toca el corazón de los oyentes. Mantén esta ternura y fragilidad en ti mismo, conviértelas en tu ventaja.
Otro valiosos consejos Vdovin habló sobre la capacidad de presentar material.
Otro nombre para esta aria es "Historia". Necesitas ver a la persona a quien le estás contando esta historia, y es a él a quien le debe contar el aria. Gilda cuenta cómo se escabulló detrás de su amante. Bueno, ¡aquí no se puede cantar fuerte! Todo el mundo sabe lo que ocurre durante el primer amor: escabullirse, es una emoción especial, y hay que mostrárselo al oyente.
Rostov fue el siguiente en la transmisión del video. El barítono Vadim Popechuk, de 21 años, cantó Leoncavallo con mucha emoción. Lo primero que notó Vdovin fue el atronador aplauso en el salón de la escuela de música de Rostov.
Un artista es una profesión tan difícil que necesita que lo apoyen y ¡aplauda! A menudo, muchos especialistas se sientan en la sala del Teatro Bolshói durante las audiciones, pero el artista cantó y nadie aplaudió. Por debajo de su dignidad. ¡Y hay que aplaudir!
El maestro dijo sobre la actuación de Vadim:
21 años es todavía joven para un barítono. El aria está escrita para voz plena, un barítono maduro. Leoncavallo ya tiene muchas emociones, y no es necesario que te apoyes en las emociones, quédate legato, de lo contrario no es una entonación italiana, sino gitana.
A continuación, Dmitry Vdovin formuló otro postulado importante:
Nuestra profesión está relacionada con las matemáticas, aunque parezca mentira. Hay que calcular cada pausa, cada nota, la duración de cada fermata. ¿Para qué? Es importante que el público se contagie de sus emociones en las circunstancias propuestas: estamos en el teatro. El vocalista debe saber de antemano exactamente la duración de cada nota, saber cuándo inhalará y calcular todo hasta el milisegundo.
Y entonces empezó la verdadera atracción. En la sala, Vdovin vio al barítono Andrei Zhilikhovsky, que participa en el programa juvenil del Teatro Bolshoi, que él supervisa, y vino a Sochi para cantar en la producción de Yuri Bashmet de Eugenio Onegin. Y Andrei Zhilikhovsky lo invitó al escenario, invitándolo a cantar a dúo con Vadim, versos por turno. Al notar la mirada perpleja de Zhilikhovsky, explicó que el acompañamiento sería de Rostov. ¡Y funcionó! La conexión resultó ser estable, sin el menor retraso (que a menudo vemos en las transmisiones en vivo de los canales de televisión): dos barítonos cantaron a su vez, fusionándose al unísono en el código.
No me gustan mucho las clases magistrales, porque hay pocas cosas que realmente se puedan arreglar. Pero déjame darte algunas ideas... Ahora la situación es asombrosa, estamos sentados en las orillas del Mar Negro, Andrey es de Moldavia, Vadim y sus acompañantes están en Rostov. ¡Tenemos nuestros propios Juegos Olímpicos!
Otra inclusión de Ekaterimburgo. El tenor Alexander, de 15 años, cantó la novela romántica de Tchaikovsky "Entre la bola ruidosa".
El material elegido es un poco inexacto - mucho buenas canciones, pero este romance es para personas que han vivido mucho, con mucha experiencia de vida. Pero cantaste de manera tan conmovedora que es muy valioso y debes preservar este hilo por el resto de tu vida. Canta todas las frases en ruso. No “svirelli”, sino “flautas”. No “delgado”, que es una pronunciación anticuada, sino “delgado”. Cante todas las frases como deberían sonar según las reglas del idioma ruso y resultará mucho más comprensible y potente. No se puede cantar la vocal "U", entra en "O" y la percepción del texto se ve afectada por esto, lo cual es especialmente importante para un romance.
Finalmente, Dmitry Vdovin dio consejos a todos los jóvenes artistas.
Siempre aconsejo a los artistas jóvenes que canten en todas partes y ante todos los que puedan. Aparece en todas partes, participa en concursos. El país es grande y es muy difícil atravesarlo. Cualquiera puede solicitar la admisión al Programa Juvenil del Teatro Bolshoi. Pronto aparecerá un anuncio sobre la contratación para el Programa Juvenil en el sitio web del Teatro Bolshoi, envíe una solicitud electrónica y lo escucharemos. Recuerda que siempre habrá una persona que te escuchará en algún lugar del festival, te aconsejará, te invitará a algún lugar, te ayudará, así es como funciona nuestra vida profesional.
La clase magistral terminó con la novela de Tchaikovsky "A los campos amarillos", basada en los versos de Alexei Tolstoi, interpretada por el barítono Andrei Zhilikhovsky.
Vadim Ponomarev
Foto - Alexey Molchanovsky
“Nosotros, los profesores vocales, somos luchadores en el frente invisible”
El director del Programa de Ópera Juvenil del Teatro Bolshói, el maestro Dmitri Yúrievich Vdovin, fue nombrado subdirector de la compañía de ópera del Teatro Bolshoi Makvala Kasrashvili
Dmitry Yuryevich Vdovin nació en Ekaterimburgo, donde tuvo lugar su desarrollo profesional.En 1984Vdovíngraduado del instituto estatal artes teatrales(ahora RATI) en Moscú, y luego estudió en la escuela de posgrado de esta universidad bajo la dirección de la profesora Inna Solovyova como crítica de teatro (ópera), publicada en los principales periódicos y revistas centrales.
De 1987 a 1992, empleado del Sindicato de Trabajadores del Teatro de la URSS, responsable del trabajo en el campo del teatro musical. Se formó como profesora de canto en el Centro Europeo de Ópera y Artes Vocales de Bélgica (1992-1993).
En 1992, Dmitry Vdovin se convirtió en director artístico del Centro de Música y Teatro de Moscú, una agencia de arte que colaboraba con importanteslos principales teatros, festivales y organizaciones musicales del mundo.Desde 1996, durante varios años, Vdovin colaboró con la gran cantante rusa Arkhipova como profesora y directora de su Escuela de Verano, copresentadora de sus proyectos de televisión y conciertos. Desde 1995 es profesor, de 2000 a 2005, jefe del departamento vocal de la Universidad Médica Estatal que lleva su nombre. Gnesins, en 1999-2001 - profesor de la Academia Rusa de Música. Gnesins, de 2001 a 2003, profesor asociado, jefe del departamento de canto solista de la Academia de Arte Coral Popov.
Según colegas y estudiantes, Dmitry Yuryevich es uno de los mejores y más solicitados profesores de canto de nuestro país.
Dmitry Vdovin impartió clases magistrales en muchas ciudades de Rusia, así como en Estados Unidos, México e Italia. Durante los últimos 10 años ha sido profesor invitado permanente del Programa Juvenil en la Gran Ópera X.ewston.
Desde 1999, director artístico y profesor de la Escuela Internacional de Dominio Vocal de Moscú, que permitió invitar a trabajar en Moscú a los profesores y especialistas de ópera más importantes de Rusia, Estados Unidos, Italia, Alemania y Gran Bretaña. Por esta escuela pasaron las jóvenes estrellas de la ópera rusa más brillantes de la primera década del nuevo siglo.
Vdovin fue miembro del jurado de numerosos concursos vocales: Bella Voce en Moscú (2004-2007, 2009), así como Competencia internacional a ellos. Glinka (2003-2007). Desde 2009 - director artístico Programa de Ópera Juvenil BTeatro Bolshoi de Rusia.
Estudiantes de Dmitry Yurievich Vdovin: Ekaterina Syurina, Alina Yarovaya, Albina Shagimuratova, Dmitry Korchak, Vasily Ladyuk, Maxim Mironov, Sergei Romanovsky...- ganadores de numerosos concursos prestigiosos, solistas de los teatros más grandes del mundo, incluidos el Teatro Bolshoi, La Scala, la Ópera Metropolitana, Covent Garden, la Ópera Estatal de Viena, la Ópera de París y el Real Madrid.
El 17 de abril de 2017, uno de los profesores de ópera más famosos del mundo, Dmitry Vdovin, celebra su aniversario: el maestro cumple 55 años.
Sus alumnos han ganado los concursos más prestigiosos, trabaja en los mejores teatros, pero se mantiene fiel al Bolshoi desde hace más de treinta años.
El director del Programa de Ópera Juvenil del Teatro Bolshoi, Artista de Honor de la Federación Rusa, el profesor Dmitry Vdovin, habló abiertamente sobre las complejidades de su trabajo y la rapidez con la que está cambiando el mundo de la ópera (y qué hacer al respecto). entrevista exclusiva para Radio “Orfeo”.
– Hace poco regresaste del Metropolitan Opera, donde diste clases magistrales. ¿Cuáles son las principales diferencias entre programas juveniles y cantantes?
–Hay más similitudes que diferencias. Encontré programas para jóvenes en los Estados Unidos y comencé a trabajar allí. Cuando abrimos el Programa Juvenil en el Bolshoi, usé esta experiencia y tenía sentido: ¿por qué abrir una bicicleta? En cuanto al nivel de los cantantes, sería un poco inmodesto decir que el nivel de nuestros cantantes es mayor. Pero, por supuesto, hay diferencias.
No somos tan cosmopolitas e internacionales como nuestros colegas de Nueva York, Londres o París. En este sentido, por supuesto, tienen más oportunidades. Para trabajar en el Teatro Bolshoi y vivir en Moscú en general, es necesario hablar ruso, y esto no es fácil para los extranjeros. Tenemos muchos de ellos, pero la mayoría de las veces son ciudadanos de las repúblicas de la antigua URSS; invitamos a cantantes del círculo de habla rusa.
En segundo lugar, nuestros colegas de Occidente teatros principales a veces un presupuesto más importante. Pero me parece que, después de todo, nuestro programa trabaja más que otros específicamente en el desarrollo del artista. Llamemos a las cosas por su nombre: en muchos teatros el objetivo principal de este tipo de programas es utilizar artistas jóvenes en pequeños papeles del repertorio actual.
– Un cantante novato no tiene la oportunidad de cantar con una orquesta real o actuar en una representación de ópera. Teatros capitalinos superpoblado, ¿dónde conseguir esta experiencia necesaria?
– Este fue el objetivo de crear el Programa Juvenil en el Teatro Bolshoi. El sistema educativo para los vocalistas en Rusia es muy arcaico. Contamos con intervenciones innovadoras en el sistema educativo general, pero a veces están mal concebidas, son absurdas y no siempre armonizan con nuestras tradiciones y mentalidad. Este fue el caso del Examen Estatal Unificado, que provocó rechazo en la sociedad y una enorme oleada de emociones negativas.
Por supuesto, son necesarios cambios en el sistema de educación vocal. Este sistema es antiguo, se desarrolló hace 100-150 años, cuando se crearon los primeros invernaderos. Hoy debemos entender que el teatro de ópera se ha convertido en gran medida en un teatro de directores. Y cuando se creó el sistema existente, el teatro era puramente vocal o, en el mejor de los casos, de director. Mucho ha cambiado desde entonces. El director hoy es una de las figuras principales; para un cantante no sólo es importante la voz, sino también el componente actoral y físico.
En segundo lugar, si hace 30 años en nuestro país la ópera se representaba en ruso, ahora todo se representa en el idioma original. Además, han aumentado las exigencias sobre los textos musicales. Hoy en día ya no es posible cantar con tanta libertad como lo hacían nuestros grandes cantantes hace 30 años. Y el cantante debe tener la preparación adecuada para ello. Siempre debe haber una adaptación pedagógica a la época actual y a sus complejas tendencias.
Si escuchas a un cantante de los años 70, debes comprender que algunas cosas no se pueden hacer hoy. La estructura misma de la ópera y el negocio de la ópera han cambiado. Al cantante no le basta con conocer sólo el teatro ruso; necesita conocer las tendencias del teatro mundial, conocer las innovaciones que aportan los artistas, directores y directores, que ya han cambiado mucho en la percepción de la ópera.
– ¿No bastan dos programas de ópera para un país tan cantante como el nuestro?
– No olvides que todavía existe el Centro de Canto de Ópera Galina Vishnevskaya. Probablemente, en muchos teatros de ópera hay grupos de aprendices.
La programación juvenil, tal como se presenta en las grandes salas, es una tarea muy costosa. Si se trata realmente de un programa para jóvenes y no de una especie de grupo de prácticas, cuando se contrata a personas libertad condicional y decidir si seguir tratando con él o no.
Y el programa juvenil incluye profesores, entrenadores (pianistas-tutores), idiomas, formación escénica y actoral, clases y locales, y un cierto componente social. Todo esto cuesta mucho dinero. Nuestros cines no son ricos, creo que simplemente no pueden permitírselo.
Pero en nuestra amiga Armenia recientemente abrieron un programa y, según veo, las cosas están mejorando para ellos. En cuanto a los teatros de ópera rusos, no noto mucho interés por su parte en lo que hacemos. Con la posible excepción de Ekaterimburgo.
– ¿Por qué otros teatros no lo saben? ¿Quizás deberían enviar un boletín?
- Todo el mundo lo sabe todo perfectamente. Pero los socios extranjeros están interesados en lo que hacemos en el Teatro Bolshói. Nuestra estrecha cooperación internacional comenzó con la Ópera de Washington, tenemos una cooperación constante con la Academia de La Scala y otros. programas de ópera Italia, con la ayuda de la Embajada de Italia y el generoso apoyo del Sr. David Yakuboshvili, al que le agradezco mucho.
Estamos estableciendo una cooperación activa con la Ópera de París y el Metropolitan. Además colaboramos con los concursos Queen Sonja de Oslo y París, que promocionan muy activamente a sus artistas. Esto sucede no sólo porque llamamos a sus puertas, sino que es un interés mutuo de asociación.
– En Rusia, a un joven cantante a menudo se le exige que presente pruebas extraordinarias de que tiene voz. Hay que cantar con un sonido tan fuerte que las paredes tiemblen. ¿Estás experimentando esto o no?
– Me encuentro con estos costos del gusto todos los días. Hay varias razones para esto. La tradición se ha desarrollado de tal manera que nuestro público exige cantar en voz alta. Al público le encanta cuando hay mucho ruido, cuando hay mucho notas altas, entonces el cantante comienza a aplaudir. Sucede que nuestras orquestas también tocan bastante alto. Es una especie de mentalidad de desempeño.
Recuerdo muy bien cuando llegué por primera vez al Metropolitan, fue por un minuto "Tannhäuser" de Wagner, me quedé asombrado: ¡la orquesta bajo la dirección de James Levine tocaba muy silenciosamente! ¡Este es Wagner! Mis oídos están acostumbrados a un sonido completamente diferente, a una dinámica más rica. Esto me hizo pensar: todos los cantantes eran perfectamente audibles en cualquier tesitura, ningún problema con el equilibrio del sonido, ninguno de los cantantes forzó nada. Es decir, el problema no está sólo en los cantantes que cantan en voz alta, sino en el hecho de que el sistema, el gusto y la mentalidad de todos los participantes en la actuación, incluido el público, se han desarrollado de esta manera.
Además, en la mayoría de nuestras salas existen graves problemas acústicos. Muchos teatros tienen una acústica muy seca que no soporta a los cantantes. Otro factor importante: los compositores de ópera rusos pensaban en grande y escribían principalmente para dos grandes teatros imperiales con orquestas y coros potentes, maduros y voces poderosas solistas.
Por ejemplo, en Occidente, el papel de Tatiana en “Eugene Onegin” de Tchaikovsky se considera extremadamente fuerte. Algunos de mis colegas creen que éste es un partido más fuerte que el de Lisa en La reina de espadas. Hay algunas razones para esto: la densidad de la orquesta, la tesitura tensa y la expresividad de la parte vocal (especialmente en la escena de escritura y el dúo final). Y al mismo tiempo, "Onegin" no es la ópera rusa más poderosa y de sonido épico en comparación con otras óperas de Tchaikovsky, así como con las obras de Mussorsky, Rimsky-Korsakov y Borodin.
Aquí todo confluye: condiciones históricas, tradiciones nacionales y mentalidades de canto, dirección y escucha. Cuando la URSS se abrió y comenzamos a recibir información de Occidente, donde muchas cosas eran diferentes, nuestra tradición era una actuación algo “granteada” sin diferencias dinámicas y con especial delicadeza en el enfoque. El abuso de este tipo de canto ha provocado el colapso de las carreras de muchos artistas destacados.
Hay que decir que no estamos del todo solos: en Estados Unidos también cantan a lo grande, ya que allí es necesario cubrir sus enormes salas. Los profesores americanos repiten como un hechizo: “¡No presiones!” (¡no lo fuerces!), pero los cantantes a menudo empujan y empujan. Pero aún así, no existe allí en la misma medida que antes y a veces sigue estando entre nosotros.
– ¿Cómo trabajar la volatilidad del sonido?
– Lo más importante es sustituir la fuerza por la habilidad. Este es el significado de la escuela del bel canto, que proyecta el sonido en la sala sin esfuerzo visible y con diferentes dinámicas sonoras (incluso en piano y pianissimo). Esto es individual para cada uno y las escuelas nacionales todavía difieren. Si pones a un representante típico de la escuela estadounidense, francesa, italiana y rusa, escucharás una gran diferencia en tecnología, incluso ahora, cuando todo está bastante confuso y globalizado.
Las diferencias se deben al idioma. El lenguaje no es sólo habla, el lenguaje es la estructura del aparato, rasgos articulatorios y fonéticos. Pero el ideal del canto sonoro, es decir, el resultado de la escuela, es similar en muchos países. Si hablamos de soprano, muchos cantantes, no sólo rusos, sino también extranjeros, quieren cantar como Anna Netrebko. ¿Cuántos tenores hay que imitan a Kaufman y Flores?
– Esto es un gran inconveniente para el cantante.
– Siempre ha sido así. ¿Por qué menos? Si un cantante no tiene de quién aprender, pero elige la guía vocal adecuada para él, esto puede ser de gran ayuda. Pero, ¿qué hacer si tienes un tipo de voz, pero el punto de referencia es el contrario? Esto sucede a menudo y está plagado de desastres. Por ejemplo, un bajo, que se adapta a un repertorio más bajo y profundo, imita a un bajo cantante y canta un repertorio alto, pero esto no hace más que perjudicarlo y viceversa. Hay innumerables ejemplos aquí.
– Nuestra escuela vocal se basa en los graves. ¿Qué son los graves altos? Desafortunadamente, este tipo de voz se clasifica como barítono...
– En general, la gente aquí no sabe de la existencia de ciertos tipos de voces que realmente existen. Sin tener en cuenta estas categorías vocales, que pueden denominarse rol vocal o tipo de voz o, como es habitual en la comunidad de la ópera, “fach”, es imposible enseñar. Hasta hace poco, muchos no sabían qué era una mezzosoprano lírica. Todas las mezzos tenían que cantar Lyubasha con voces profundas y oscuras. Si no podían expresar el repertorio dramático, simplemente los transfirieron a soprano. Esto no condujo a nada bueno.
La mezzosoprano lírica no es una voz límite, es un tipo de voz independiente con un repertorio extenso y estrictamente definido. Hay tenores dramáticos y líricos, y la mezzosoprano también tiene clasificaciones (dramática, lírica). Además, los propios mezzos líricos pueden ser diferentes debido a características estilísticas y técnicas. La mezzo lírica puede ser handeliana, rossiniiana, mozartiana o quizás con mayor inclinación hacia la ópera lírica francesa, que también tiene muchos papeles para esta voz.
Lo mismo ocurre con el bajo-barítono. En Rusia teníamos barítonos bajos maravillosos: Baturin, Andrei Ivanov, Savransky, ahora Ildar Abdrazakov, Evgeny Nikitin, Nikolai Kazansky. Si abres la lista de artistas del Met, una de las secciones más importantes de su lista de cantantes son los barítonos bajos. Esto es muy importante, porque el bajo-barítono es ideal para muchos papeles en las óperas de Handel y Mozart, y en la ópera rusa hay papeles para bajo-barítono: Demon, Prince Igor, Galitsky, dentro de este papel vocal puede estar Ruslan. , Shaklovity, Tomsky e incluso Boris Godunov.
Si el cantante comienza a sentirse empujado hacia arriba o hacia abajo, comienzan los problemas. Si el cantante es un bajo-barítono, esto no significa que el cantante tenga una voz corta (es decir, sin notas extremas superiores o inferiores; al contrario, suele tener un registro muy amplio); Pero este tipo de voz tiene un color diferente y un repertorio básico diferente al de los barítonos o bajos. Los especialistas en ópera: directores, pianistas-tutores, directores de casting, críticos y, por supuesto, sobre todo, profesores, deben conocer todas estas sutilezas, distinguirlas y escucharlas en las voces de los cantantes.
Nuestro campo (el canto de ópera) requiere, como corresponde a cualquier género académico, un enorme conocimiento, comprensión de la tradición, insatisfacción, crecimiento constante, trabajo continuo sobre uno mismo y el estudio de las tendencias en constante cambio en la interpretación.
Si ha perdido el interés en la superación personal, se ha encerrado en su pequeño mundo personal o, peor aún, de repente ha decidido que ha alcanzado la perfección y está completamente satisfecho consigo mismo, entonces esto significa que ha terminado como persona de arte e inmediatamente Necesito dejar este negocio. Cada uno de los que enseñamos debemos aprender constantemente. El mundo de la ópera se mueve rápidamente en una determinada dirección, se puede argumentar para mejor o no, pero está cambiando. Y si no quieres enterarte de estos cambios, no quieres verlos, comprenderlos y cumplirlos, entonces adiós, eres un personaje obsoleto y tus alumnos no están preparados para las realidades de la escena moderna. .
Los jóvenes demandan estos conocimientos, en ocasiones están mucho mejor informados gracias a Internet y sus capacidades. Cualquier estudiante puede abrir clases magistrales, por ejemplo, de Joyce DiDonato o Juan Diego Flores, observar y comparar lo que se le exige en el conservatorio o en la escuela y lo que requieren estos artistas tan inteligentes y, lo más importante, de mentalidad muy moderna. Esto no quiere decir que lo que exigimos sea malo y que allí haya buena demanda, pero a veces las diferencias son significativas. Es necesario tener en cuenta estos detalles.
En general, la comparación es una gran cosa; es en la comparación donde nace un profesional. Cuando un cantante comienza a comparar voces, sus características, la individualidad de los artistas y sus interpretaciones, así como las interpretaciones de diferentes directores, directores, profesores, artistas, músicos, etc., entonces forma su propio pensamiento, método y qué es lo más importante en el arte-gusto artístico.
– Ahora dicen que un diploma no es importante. Es importante cómo cantas. ¿Es eso así?
– Esto no es del todo cierto ahora. Cuando formo parte del jurado en concursos y audiciones y leo los currículums de los cantantes, rara vez veo a personas que solo hayan estudiado en privado. Anteriormente, muchos, especialmente los cantantes italianos, no estudiaban en conservatorios, tomaban lecciones de profesores privados e inmediatamente comenzaban sus carreras. Ahora que los requisitos para los cantantes son tan amplios y no se limitan sólo a la voz, hay menos. Además de maravillosos profesores privados en Italia y en cualquier otro lugar.
– ¿Las competiciones deciden algo ahora? ¿A qué concursos debería acudir un joven cantante?
– Cuando vas a una competición, debes entender lo que quieres de ella. Hay varias razones posibles para esto. La razón: el éxito, el deseo de ganar, está implícito en todos los casos, esto es parte de la vida del artista, que es la competencia diaria. Hay cantantes llamados “de competición” que tienen una pasión especial, y entre mis alumnos también los hay. Les encantan las pruebas competitivas como tales, disfrutan de la atmósfera de competición, de esta adrenalina, simplemente florecen allí, mientras que muchos de sus colegas quedan traumatizados por ello.
Razón uno. Prueba tu suerte. Comprenda el grado inicial de sus capacidades, lo que se llama "mira a la gente y muéstrate". Aquí son adecuadas las competiciones que no son del más alto nivel: las locales y de bajo presupuesto. Es una buena idea que los cantantes muy jóvenes comiencen con ellos para entrenar y desarrollar músculos (no sólo vocales, sino también nerviosos y de lucha).
Si eres un cantante joven y solo quieres probar suerte, no necesitas asistir a los concursos más importantes como el concurso Francisco Viñas en Barcelona, Operalia de Plácido Domingo, New Voices en Alemania, la BBC en Cardiff, el Concurso Queen Sonja en Oslo o Queen Elizabeth en Bruselas.
Razón dos. Para encontrar trabajo. Podría ser una competencia en la que el jurado esté formado por directores de teatro, agentes y otros empleadores, o una competencia que adore a los agentes. El jurado de concursos como “Belvedere” (Concurso de Hans Gabor) o “Competizione dell’opera italiana” (Hans-Joachim Frey) está formado principalmente por agentes y administradores de casting. Aunque los anteriores también se diferencian en esto.
Estos concursos son para aquellos que necesitan agentes, necesitan trabajo, y estos son la mayoría de los cantantes. Este es un tipo diferente de competencia. Si eres un artista principiante, no tienes experiencia competitiva, no necesitas ir a estos grandes concursos, donde van cantantes más experimentados, con práctica de canto con orquesta, que además de todo, tienen una buena formación. nervios.
Razón tres. Dinero. Bueno, no hay necesidad de filosofar especialmente aquí, estas son competiciones con un fondo de bonificación alto. Muchos buenos cantantes surcoreanos, que no tienen mucho trabajo en su tierra natal, pasan de una competencia a otra, ganan y ganan premios todo el tiempo y, por lo tanto, se ganan la vida bien.
Nuestro concurso Tchaikovsky es un concurso para varias especialidades, no sólo vocal. Desafortunadamente, sucedió que los vocalistas nunca estuvieron en el centro de atención. Quizás solo el IV concurso, donde ganaron Obraztsova, Nesterenko, Sinyavskaya y Callas y Gobbi vinieron a formar parte del jurado, atrajo especial atención a la sección vocal.
No sé cuál es el motivo, para mí es muy extraño e incomprensible. En el Concurso Tchaikovsky los vocalistas somos una especie de outsiders, quizás esto se deba a que cantar en ruso todavía crea una cierta barrera a la llegada de participantes extranjeros. Esta competición siempre ha sido difícil para nuestros colegas extranjeros. En parte debido a nuestro carácter cerrado, quizás debido al hecho de que no vinieron suficientes agentes y directores de teatro para proporcionar trabajo. El régimen de visados también crea problemas, y considerables.
Aún competencia vocal Tchaikovsky, si hablamos de su representatividad internacional, es de carácter local. Antes dependía también de cómo trabajaba el jurado. Por invitación de Irina Konstantinovna Arkhipova, fui secretaria ejecutiva del jurado en 1998, y esto me causó una impresión bastante difícil. Espero que eso haya cambiado ahora. Pero al mismo tiempo también obtuve victorias en el concurso Tchaikovsky, lo que dio un gran impulso a mi carrera.
Tomando el ejemplo de Albina Shagimuratova, ganadora en 2007, vi cómo las personas importantes del mundo de la ópera inmediatamente miraban a ella. Para ella, esto supuso un gran trampolín en su vida profesional. Pero para muchos ganadores no tuvo el mismo efecto.
Es muy difícil para un cantante evaluarse correctamente. Esto es muy difícil y, a decir verdad, rara vez se consigue. Además, junto con la autoestima inflada, existe el peligro de la humillación. A menudo nuestra autoestima es menospreciada y aplastada por quienes nos rodean. Ésta es nuestra mentalidad pedagógica rusa, tanto en la familia como en la escuela en el sentido amplio de la palabra. Y tuve casos así en mi trabajo.
Amo a mis alumnos y los aprecio, pero a veces me parece que este cantante llega demasiado temprano para la competencia, que aún no está listo. Y el propio cantante decide ir, y cuando vengo al concurso y lo veo, yo mismo me sorprendo de cómo está armado y cómo suena. También es importante que los profesores observen lo que estás haciendo desde fuera. Hay otras situaciones en las que creo que un cantante es genial y no gana. Entonces veo por mí mismo que fue justo. Todo en nuestra profesión es inestable, cambiante, a veces subjetivo...
– En su página de Facebook publicó información sobre las audiciones del NYIOP, que están organizadas por David Blackburn. ¿Por qué hiciste esto?
– Personas que han completado institución educativa, necesito trabajo. Cualquier tipo de audición es una forma de conseguir un trabajo. Como tengo bastantes suscriptores, pienso no sólo en mis alumnos, sino también en aquellos que viven en provincias y no tienen suficientes contactos y simplemente información. Creo que debo ayudarlos y escribir sobre todo lo que pueda ser de su interés.
Recientemente publiqué información sobre el Programa Juvenil de Ópera de Tenerife. Este teatro fue construido por el gran arquitecto español Calatrava y tiene 2.000 asientos. El teatro tiene una dirección maravillosa; este programa está dirigido por mi colega, el pianista italiano Giulio Zappa, que trabaja con nosotros en Moscú. El programa es corto, sólo un par de meses, pero durante este tiempo logran realizar la producción. Esta también es una oportunidad para muchos.
– Les contaré un secreto: en un futuro próximo, junto con socios rusos y asiáticos, planeo crear un gran proyecto internacional “Casa de la Cultura Ruso-Asiática”. ¿Qué opinas sobre esto?
– Cualquier esfuerzo de intercambio cultural vale mucho. Éste es un asunto importante. Asia no es sólo un mercado económico en crecimiento, sino también un enorme trampolín cultural en crecimiento. Incluyendo ópera. Para ellos, Rusia puede ser un importante corredor de conexión entre Occidente y Oriente.
Creo que también deberíamos invitar más a estos cantantes; a veces nos faltan sus voces grandes y bien entrenadas. Y constantemente se abren más y más nuevos en Asia. salas de conciertos Y teatros de ópera. A nosotros en el Programa de Jóvenes también nos gustaría cooperar con China, que ha construido hermosos teatros y salas de conciertos. Hay muchos grandes cantantes asiáticos, son grandes personas inteligentes y muy trabajadores. escuché en las competiciones buenos cantantes de China, Japón, India, Sri Lanka, Filipinas y Taiwán. Los cantantes surcoreanos se encuentran entre los mejores del mundo. ¿Por qué no los invitamos, colaboramos, actuamos juntos?
– ¿Qué más te atrae en la vida además de la ópera?
– Todavía me encanta viajar, aunque no con tanta pasión como hace 20 o 30 años. Y realmente lo aprecio comunicación humana. Desafortunadamente, por motivos de trabajo, lo extraño. Me gustaría pasar más tiempo con familiares y amigos. Cuando comencé a trabajar en el Bolshoi, comencé a perder estas conexiones. El teatro es también un jacuzzi. Ahora he vuelto a mis sentidos. He pasado por algunos cambios difíciles en mi vida y me he dado cuenta con particular intensidad de lo importantes que son la familia y los amigos.
La música también es una gran felicidad, la música puede ser un consuelo para las personas que pierden seres queridos, que tienen problemas, que no son jóvenes. Y la música nunca traiciona. Supongo que tengo un carácter difícil, pero me da mucha alegría ayudar a los jóvenes, apoyarlos en la etapa más difícil. vida creativa. Y no hay que esperar una respuesta adecuada, gratitud o incluso fidelidad. Si está ahí, es fantástico; si no, no hay necesidad de insistir en ello.
Otra idea errónea sobre la juventud es ver la carrera y el éxito como el significado absoluto de la vida. Me parece que tarde o temprano esta idea se convierte en una gran decepción. Mirar a personas que aman sólo su fama me hace sentir incómodo. Está claro que en la primera mitad de la vida es importante alcanzar cierta altura, porque luego se te abren otras oportunidades mayores. Pero debemos entender que una buena reputación profesional es sólo una herramienta. Y la reputación o, más precisamente, el éxito no debe ser el objetivo principal, de lo contrario acabarás solo.
También me di cuenta con el tiempo de que es necesario poder dejar ir a la gente. No les digas adiós, sino déjalos ir. A veces puede ser fácil decirlo, pero difícil aceptarlo. Pero de alguna manera aprendí. Tengo bastantes estudiantes, por lo que se me hizo difícil aferrarme a todos estos numerosos hilos (risas).
Amo mucho a la gran mayoría de mis alumnos, observo cómo avanzan en la vida y, si necesitan algo, siempre me alegro de verlos de regreso, feliz de poder ayudarlos. Aunque a veces me irrita que se olvide nuestro trabajo, la gente empieza a cantar algo que no se adapta a su voz, empieza a hacer otras estupideces, se vuelve perezosa, deja de crecer o incluso simplemente se degrada. Pero ésta también es la naturaleza humana y las leyes del darwinismo asociadas a ella. Esta es la selección natural.
Anteriormente, si pasaba algo, asumía toda la responsabilidad por cualquier problema de mis alumnos actuales y anteriores. Por supuesto, a veces la culpa es nuestra, los profesores. Pero hay otras razones: mala salud de nuestra profesión, decisiones equivocadas, avaricia, estupidez, sobreestimación de nosotros mismos. Por eso, la vida me ha obligado a aceptar el hecho de que nosotros, los profesores, no somos omnipotentes. Ahora estoy disfrutando el proceso. No creo que este estudiante necesariamente deba ganar todos los concursos mundiales y cantar en el Metropolitan. Lo que tenía antes...
-¿Qué fue eso? ¿Vanidad o perfeccionismo?
– La gente que se dedica al arte es ambiciosa. Quieren ser primeros, no puede ser de otra manera. Con el tiempo, una carrera se convierte en una herramienta con la que puedes encontrar los socios adecuados, trabajar con los mejores artistas, directores y directores en los mejores escenarios. Estoy feliz de pertenecer al Teatro Bolshoi, que amo desde que tenía 14 años, cuando todo el país celebró su 200 aniversario y entré por primera vez en esta increíble sala.
A los 17 años llegué al Bolshoi como estudiante en prácticas; para mí este es un teatro especial. Y estoy feliz de que ahora tengamos esa atmósfera en el teatro y haya respeto y apoyo mutuos. Estoy rodeado de artistas talentosos y estoy muy interesado en las personas que toman decisiones aquí. Muy a menudo, cuando salgo hacia otros (¡y no están mal!) países y lugares, pienso: Ojalá pudiera volver lo antes posible. Es una felicidad que quiero volver a casa. Estoy subiendo a un avión y estoy emocionado: mañana veré este, haremos esta aria con este, le daré este nuevo material…
– ¿Qué más quieres aprender en la vida? ¿Qué te falta?
– Me faltan algunos más importantes. idiomas extranjeros. Conozco algunos de sus conceptos básicos, pero no completé el estudio a tiempo. Ahora no hay tiempo para esto: paso entre 10 y 12 horas en el teatro. ¡Ojalá conociera estos idiomas a la perfección! Pero recuerda, como Raikin: ¡que todo esté ahí, pero falta algo! (risas).
Mis alumnos ganaron concursos prestigiosos, trabajé en los mejores teatros del mundo y formé parte del jurado de grandes concursos. ¿Con qué más podría soñar un profesor? Ahora puedo trabajar más con los chicos y pensar menos en mí mismo. Puedo simplemente sentarme y trabajar. Lo más sorprendente es que he vivido hasta el punto de no pensar: “¡Ah! ¿Me llamarán? No me llamaron... ¡Y ahora por fin me llamaron!” No, por supuesto, me siento halagado y contento cuando me llaman a algún lugar, pero esta alegría es de buen carácter laboral, ni más ni menos.
Soy muy afortunada de haber tenido maestros y mentores maravillosos en mi vida. Los extraño muchísimo. Algunos, gracias a Dios, gozan de buena salud. Recuerdo haberle preguntado a Irina Konstantinovna Arkhipova, ¿qué es para ti lo más apasionante de la profesión de cantante? Dijo que obtiene la mayor satisfacción al superar cosas difíciles. cuando ella fue dada nuevo rol o material difícil de aprender e interpretar, experimentó una enorme euforia creativa al superar estas dificultades.
Ahora la entiendo. Recientemente hubo un caso: tengo un estudiante talentoso, pero durante bastante tiempo tuvo problemas con las notas altas. Entiendo que tiene estas notas en su rango, pero tenía miedo de tocarlas. De alguna manera no se mantuvo durante mucho tiempo. Y luego me enojé conmigo mismo y con él y me metí en este problema. Bueno, ¡al final tenemos que solucionarlo! Este cantante, en mi opinión, incluso tenía miedo de mi presión. ¡Y de repente empezaron a llegar estas notas! Era como si hubieran insertado algo nuevo en su registro superior.
Experimenté una felicidad, probablemente mucho mayor que la de él. Estaba volando como con alas por la sensación de que ayer el cantante cantaba uno por uno, y hoy vine a clase y escuché que había logrado un gran avance, ¡que lo logramos! Por supuesto, es agradable cuando su estudiante gana una competencia o hace su debut en buen teatro, pero aún más importante es este mismo proceso de trabajo, el proceso de superación.