La formación de dos estados en lugar de uno: en el norte de Holanda y en el sur, Flandes. Las tradiciones artísticas de los Países Bajos del siglo XVI continuaron desarrollándose en el siglo XVII en el arte de Flandes y Holanda, y formaron la base del arte flamenco y escuelas holandesas cuadro. El motivo de la división del país fue el movimiento de Reforma. Los protestantes no necesitaban el arte de la iglesia; lo consideraban innecesario. El gobierno de los Países Bajos estaba en manos del cruel rey español Felipe II, quien impuso el poder de la Iglesia católica por la fuerza. La gente llevada a la desesperación se rebeló armada. En el norte del país, donde los protestantes eran mayoría, ganaron y se proclamó un nuevo estado: la República de las Provincias Unidas, donde el papel principal correspondía a Holanda, y pronto todo el país empezó a llamarse así.
Los españoles ganaron en el sur de Holanda. Felipe II entregó estos espacios a su querida hija la infanta Isabel. El estado empezó a llamarse Flandes; en ese momento dependía completamente de España. Manteniendo el papel de la aristocracia y los patricios ricos, la iglesia en vida pública El barroco se convirtió en el movimiento dominante en bellas artes Flandes del siglo XVII. Al mismo tiempo, rasgos característicos pintura flamenca– alegría brillante, realismo, nacionalidad, festividad solemne de imágenes.
El mayor maestro de la pintura flamenca fue Peter Paul Rubens, patrocinado por la infanta española Isabel, gobernante de Flandes.
Pedro Pablo Rubens(1577-1640): humanista, artista, diplomático, líder de la pintura flamenca y el mayor maestro del siglo XVII en Europa. Nació en Alemania porque su padre protestante alejó a la familia de la persecución española en el extranjero, donde vivieron muchas penurias. Tras la muerte de su padre, decidió regresar a Flandes, su tierra natal, convirtiéndose para ello a la fe católica.
Una amplia gama de intereses y una variedad de temas en las pinturas del artista. Pinturas de altar de la iglesia de Santa María Vallicella en Roma (1608): “La Virgen y el Niño, San Gregorio Magno y los Santos” 1606-07, óleo sobre lienzo, 477 x 288 cm (1)
pinturas religiosas: tríptico “La elevación de la cruz” 1610-1611(2) - le dio fama a un joven artista. "Adoración de los Reyes Magos" (1625).
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Una serie de bocetos de arcos decorativos. Pinturas mitológicas: “Bacanal” (1615), “Perseo y Andrómeda” 1620-1621(1). Pinturas con escenas de caza: “La caza del león” 1621(2), etc.
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La fama de Rubens traspasó las fronteras de Flandes; la reina francesa María de Médicis lo invitó a París para crear un ciclo de 24. pinturas grandes con episodios de la vida y el reinado del difunto rey Enrique IV, su marido y la propia María de Medici. Todos los cuadros "La historia de María de Médicis y Enrique IV" (1622-1625), según los términos del acuerdo, debían ser pintados exclusivamente por la mano de Rubens en dos años. La orden fue grandiosa y la más difícil en la vida de Rubens. Además, María de Medici no brillaba con belleza y se distinguía por un carácter pendenciero y construía intrigas en la lucha por el poder contra su propio hijo Luis XIII. La serie de pinturas se completó a tiempo. María de Medici estaba muy contenta. En cada uno de ellos, además de héroes reales, hay muchos personajes. alegórico, que personifican determinadas virtudes y cualidades. En "Presentación del retrato a Enrique IV" (1), sólo el propio rey es una figura real, conoce a su novia a través del retrato (no se aceptaba un conocimiento personal antes de la boda de los cónyuges reales), y Zeus y Hera sentados en el; las nubes son una alegoría de una fuerte unión familiar, Himeneo, que ofrece un retrato: el dios de los recién casados, una alegoría de los lazos matrimoniales; Cupido, la deidad del amor, señala las virtudes visibles de la novia, y una figura femenina con un casco militar (una alegoría de Francia) le susurra palabras de aprobación al oído. "Coronación de María de Médicis" (2)
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Retratos de Rubens: “Autorretrato con Isabella Brandt”, la primera esposa del artista, que luego murió de peste junto con su hija. Rebens vivió muy duramente esta pérdida (1). Durante varios años no pudo pintar, ni siquiera vivir en Amberes, donde todo le recordaba a su amada familia. Pero estos años vieron el apogeo de la actividad diplomática de Rubens. Como diplomático visitó Holanda y España y negoció brillantemente con el rey inglés Carlos I.
“Retrato del duque de Lerma” 1603(2), “Retrato de la camarera de la archiduquesa Isabel” 1625(3), “Retrato de Helen Fourment con niños” - la segunda esposa que devolvió la alegría de vivir al artista, 1636- 1638 (4)
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Rubens era un artista rico, que alcanzó el éxito durante su vida. Pasó sus últimos años en el castillo de Sten que adquirió en las cercanías de Amberes, donde se retiró y pintó paisajes y escenas campesinas, sin intentar vender cuadros. Pinturas de género: “Fiesta en el pueblo” - “Kermessa” 1630(1), “Danza campesina” 1636-1640(2)..
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Hombre y naturaleza en la obra de Rubens. Comenzó a pintar paisajes realistas. Uno de ellos era un paisaje: “Portadores de piedras” 1620(1). Es ampliamente conocido su “Paisaje con un arco iris” de 1630(2).
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La herencia gráfica de Rubens, las cartulinas para tapices, también tuvo éxito, se convirtieron en grandes nombres del arte flamenco del siglo XVII: Antoniswad Dyck, Jacob Jordaens y Frans Snyders, todos ellos procedentes del taller de Rubens.
La importancia central del taller de Rubens en el desarrollo del arte flamenco del siglo XVII.
Antonio Dyck(1599-1641) – creador de un nuevo tipo paneuropeo de retrato aristocrático representativo. Períodos italiano, amberes e inglés en la obra del artista. Pinturas religiosas: “St. Martín" (1620-1621). Retratos: “Autorretrato” 1620-1630 – gg.(1), “Retrato de familia” 1621(2), “Retrato de la marquesa de Brignola-Sale” 1622-1627, “Retrato de la archiduquesa Isabel” 1628, “ Retrato de Carlos I cazando” 1635 (3), “Retrato de George Digby y William Russell” 1637(4).
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En los primeros años del siglo XVII la pintura flamenca no surgió de la nada. Singularmente original y nuevo en su apariencia externa y contenido interno, tuvo fuentes muy definidas, cuya influencia, aunque lo fecundó en gran medida, tuvo para él, como para una verdadera gran arte, valor predominantemente estimulante. Asociado formalmente con varios inmediatamente anteriores o contemporáneos. fenómenos artísticos(tanto nacional como extranjera), se unió a la gran tradición del arte clásico de Europa occidental, que reflejaba el ritmo del pensamiento creativo humano, que había recorrido un grandioso camino de desarrollo desde la Edad Media hasta las grandes conquistas espirituales del Renacimiento, hasta el siglo XVII. Los maestros flamencos pudieron expresar mucho de lo que vivió la humanidad avanzada en las imágenes artísticas que generaron. Europa occidental en la era posrenacentista. Esto determinó el valor fundamental más importante del arte flamenco del siglo XVII. Es desde esta posición que se debe partir en primer lugar al evaluar su papel histórico.
La pintura flamenca del siglo XVII fue superada sólo por arte italiano el producto más brillante del estilo barroco. Una parte importante de la producción artística de Flandes, incluidas las mejores y más creativamente valiosas obras del arte flamenco de esta época, estuvo más o menos sujeta a las leyes de este estilo. La conexión del arte flamenco con los elevados y fundamentales movimientos espirituales de la época se realizó concretamente en el hecho de que expresó claramente la revolución en las ideas estéticas de los pueblos de Europa occidental y una revalorización radical de los valores que marcó el borde del siglo XVI. y siglos XVII. En este sentido, los pintores de Flandes siguieron el ritmo de su época. Un nuevo sentido del espacio, el tiempo y el ritmo dinámico de la vida, que se había establecido cuando entraron en la arena de la vida artística en Europa, lo que resultó en una reestructuración radical de la autoconciencia humana en su relación con el mundo, recibió un brillante impulso. y refracción nacionalmente original en el arte flamenco. En sus mejores monumentos, estos problemas cardinales se resolvieron profundamente y a gran escala.
Hubo dos fuentes principales de la pintura flamenca del siglo XVII: una de ellas fueron los diversos movimientos pintura holandesa siglo XVI; a otros les sirvió el arte italiano del período posrenacentista. Tanto la primera como la segunda fuente desempeñaron un doble papel en la formación del estilo del arte flamenco. Por un lado, lo enriquecieron con elementos valiosos, por otro, le introdujeron una cierta cantidad de “escoria” artística que había obstruido actividad creativa Maestros flamencos. Hablando de la influencia de la tradición nacional del arte holandés en la pintura flamenca, cabe señalar que esta influencia llegó principalmente a los pintores flamencos, no de los maestros que trabajaron a finales del siglo XVI, es decir, inmediatamente antes del apogeo. escuela flamenca pintura, sino de aquellos artistas cuya obra se remonta a principios y mediados del siglo XVI.
El arte del siglo XVI en los Países Bajos no representó ningún tipo de fenómeno estilístico holístico que tuviera características artísticas claramente definidas. Se dividió en una serie de movimientos, a veces marcadamente diferentes entre sí en sus características formales y estructura figurativa. En general, no alcanzó el nivel de la alta magnitud espiritual y estética que poseía de manera tan significativa. arte holandés Siglo XV. Así, durante el siglo XVI se determinaron las condiciones previas en la cultura artística holandesa, a partir de las cuales surgieron dos grandes escuelas nacionales del siglo XVII: la holandesa y la flamenca. Lo más importante aquí fue que ya estaba en proceso maestros holandeses A principios de este siglo se esbozó por primera vez la emancipación del arte, y luego se estableció claramente, su separación en una esfera especial de actividad, desarrollándose según leyes específicas propias de la creatividad artística. Esto significó la eliminación definitiva de la tradición medieval, que en ese momento había perdido todo significado positivo. Preservando temas religiosos. creatividad artística se volvió fundamentalmente secular. Al mismo tiempo, hubo un proceso de formación de géneros artísticos individuales, los mismos que alcanzaron su más alto y brillante desarrollo en la obra de los maestros holandeses y flamencos del siglo XVII. Retratos, paisajes, naturalezas muertas, imágenes cotidianas, imágenes con temas religiosos o mitológicos atrajeron la atención especial de los artistas. Poco a poco surgieron especialistas que trabajaron principal o exclusivamente en el campo de determinados géneros.
A finales del siglo XVI vida artística Flandes fue barrida por una ola de la forma más amplia posible Se extendió y ganó la mayor popularidad en los círculos más altos de la sociedad cosmopolita. movimiento artístico, que pasó a la historia con el nombre de romanismo holandés. Para los pintores flamencos del siglo XVII, el vínculo sucesivo con el romanismo holandés, con el que entraron en contacto más directo e inmediato, fue el mayor daño, ya que estimuló el fortalecimiento en su obra de elementos ligeros y clichés, desprovistos de signos de identidad nacional. identidad. En cuanto a la relación entre la escuela de pintura flamenca y el arte de Italia, se puede considerar en dos aspectos principales.
En cierto sentido, el contacto del arte flamenco con el italiano cultura artística tenía para él el significado más importante y fundamental, que superaba todo lo que le aportaba el local, tradición nacional. El arte italiano sirvió de principal intermediario para los artistas flamencos del siglo XVII, a través del cual su conexión sucesiva con los grandes clásicos paneuropeos tradición artística. Percepción de los monumentos creados por el genio. maestros italianos, y solo el contacto con los valores de la cultura espiritual de Italia fue capaz de llenar la conciencia de los pintores flamencos con un sentimiento de alto patetismo estético, conectando sus pensamientos con el curso del desarrollo del gran pensamiento humano de la época y transmitiendo. a ellos los elevados ideales del humanismo. En este sentido, la importancia de Italia para los maestros de Flandes tenía un valor incomparable.
Pero había otras conexiones, más estrechas y más locales, determinadas por la influencia en la pintura flamenca de fenómenos artísticos individuales del arte italiano contemporáneo o anterior. Así, se puede observar la penetración en Flandes de los ecos de los descubrimientos artísticos de Caravaggio, que, habiendo dado origen al aburrido fenómeno provinciano-dependiente del caravaggismo flamenco, al mismo tiempo enriquecieron la obra de algunos destacados pintores flamencos con una serie de novedades. , vibrante medio de expresión artística.
La influencia de los estándares artísticos propuestos a finales del siglo XVI y XVII por la famosa Academia de Bolonia se dejó sentir con fuerza en la escuela de pintura flamenca del siglo XVII. Habiendo asumido el carácter de leyes inquebrantables, que ganaron gran popularidad en muchos países de Europa occidental, penetrando en el arte de Flandes, estos estándares introdujeron en él elementos de academicismo frío, convencionalismo impersonal de imágenes y soluciones de trama estereotipadas. Pero aunque la influencia del academicismo boloñés aparentemente apoyó y fortaleció la influencia del romanismo holandés, a diferencia de este último, no solo trajo un comienzo negativo para los maestros flamencos. Debido a que este movimiento del arte italiano tenía los signos de una estricta escuela profesional, de muy alto nivel, que se basaba en las tradiciones del Renacimiento. logros artísticos, a veces estimuló entre los pintores flamencos una tendencia beneficiosa a lograr una armonía ordenada de las estructuras rítmicas y compositivas y la precisión del dibujo lineal.
Así, gracias a fuentes tan poderosas, el arte de Flandes del siglo XVII se reveló con toda la fuerza y la emotividad de un arte nuevo, aportando una corriente vivificante al antiguo sistema figurativo y ganando artistas tan famosos como Rubens y Van. Dyk.
Este fue el momento en que el gran nacional escuelas de arte Italia, Flandes, España, Francia, Holanda (lea sobre los Países Bajos modernos). Cada uno de ellos revela una originalidad significativa, una identidad nacional vibrante, debido a las peculiaridades del contexto histórico y desarrollo cultural de un país en particular, la naturaleza de la vida social, las características específicas de las tradiciones artísticas.
Al mismo tiempo, el arte del siglo XVII, como toda la cultura de esta época, se caracteriza por una serie de características comunes, asociado a la nueva cosmovisión de la época, manifestada en todos los ámbitos de su vida espiritual. La conexión con la realidad, con sus más diversos aspectos y fenómenos, se vuelve inmensamente multifacética y activa en comparación con el período anterior. Los asombrosos éxitos de la ciencia, especialmente las matemáticas, la mecánica, la astronomía, las ciencias naturales y la geografía, amplían y complican enormemente la idea del mundo como una unidad ilimitada, cambiante y contradictoria. Existe un sentimiento claro de la conexión indisoluble del hombre con este mundo, su dependencia de realidad circundante, de las condiciones y circunstancias de su existencia. A la luz de estas ideas, resulta natural rechazar el antropocentrismo característico de la cultura del Renacimiento. No sólo el hombre, sino también toda la diversidad de la realidad, sus conexiones complejas y multivaluadas con el hombre se convierten en objeto de conocimiento y comprensión creativos en la literatura y las bellas artes. Por eso, desarrollando en gran medida tradiciones renacentistas, el arte del siglo XVII amplió enormemente el alcance de sus intereses. En consecuencia, se enriquecen sus temas y repertorio argumental, se desarrollan nuevos géneros independientes y se desarrollan o profundizan los que ya existían durante el Renacimiento. En particular, religiosos y historias mitologicas- desde el patetismo violento y el carácter decorativo en las obras de los maestros barrocos hasta la concreción específica de la vida e incluso el carácter cotidiano en las obras de los artistas realistas. Pero la complejidad y diversidad de las ideas de la vida ya no encajan en las formas de estos géneros tradicionales; requieren una interacción más inmediata y directa; imagen artística y la realidad. Es por eso significado especial Géneros como el retrato y el paisaje adquirieron durante este período. Interés creciente por una persona concreta, por todos características individuales La apariencia física y el carácter de una persona conducen a un florecimiento extraordinario. arte del retrato, en particular, al desarrollo retrato psicológico. La percepción de la naturaleza también se vuelve más significativa y activa. Una nueva comprensión del mundo contribuye al deseo de comprender mejor su vida, su diversidad, sus complejas relaciones con el hombre. La gama de interpretaciones artísticas de la naturaleza durante este período resulta ser muy amplia: desde una imagen grandiosa que contiene el concepto del universo en su conjunto (en las obras de Poussin, Rubens) hasta visualización precisa motivos nacionales característicos (en el arte artistas holandeses). Íntimamente exploración creativa la naturaleza conduce a los descubrimientos más importantes en la transmisión del espacio, la iluminación y los patrones generales de su vida. Por eso los logros del arte paisajístico del siglo XVII se convirtieron en la base de su desarrollo en el período posterior.
Arte flamenco del siglo XVII.
Características generales de la pintura flamenca del siglo XVII.
Para el arte holandés en su conjunto, el siglo XVI es un período de transición. Después de las brillantes formas realistas y al mismo tiempo nacionales que dieron lugar a la obra de maestros como Lucas de Leiden y Pieter Bruegel el Viejo, apodado "El Campesino", llega un período de gran admiración por el arte de Italia. Este es el momento de la superación definitiva del estilo de la iglesia medieval, el establecimiento de nuevos géneros pictóricos: históricos, alegóricos, mitológicos, imágenes de la vida cotidiana, paisajes. El frío virtuosismo del llamado movimiento “manierista”, dominante en Italia en la segunda mitad del siglo XVI, tuvo un fuerte impacto en el arte de Flandes. Al mismo tiempo, también penetran en él otras tendencias, en particular el academicismo de la escuela boloñesa, así como la corriente viva y realista del arte de Caravaggio. El arte holandés asimiló los logros formales de Italia y creó así una base sólida para su nuevo ascenso. Sin embargo, esto último se basa en gran medida en el uso fructífero de tradiciones realistas nacionales. Desde principios del siglo XVII, este ascenso se ha producido a un ritmo inusualmente rápido. La Iglesia triunfante, la corte, la aristocracia y la gran burguesía plantean exigencias variadas y urgentes al arte. El papel predominante de la Iglesia en la cultura de la época que nos ocupa condujo al desarrollo de temas religiosos tanto en la literatura de Flandes como en sus bellas artes. La iglesia era el cliente más importante y necesitaba muchas pinturas para las iglesias restauradas y de nueva construcción. Todos los requisitos previos para la pintura barroca eran evidentes. Se suponía que las grandes pinturas de altar, con su riqueza emocional y dramatismo, cautivarían a la audiencia masiva y al mismo tiempo servirían como conductores de las ideas del catolicismo triunfante. Se suponía que debían contribuir simultáneamente al esplendor de la decoración de los templos y evocar la impresión de solemnidad. En cuanto a la pintura de techos, en Flandes, a diferencia de Italia, estaba poco desarrollada. Las demandas de los círculos de la corte noble o de la gran burguesía eran similares en muchos aspectos. Ambos no escatimaron en gastos en la decoración de las murallas de sus castillos familiares o de sus ricas viviendas urbanas. Aquí eran apropiados temas mitológicos y otros temas de carácter secular, entre los que se desarrollaron especialmente las imágenes de la caza y la naturaleza muerta.
Este propósito determinó el gran tamaño de las pinturas, la interpretación monumental de las formas y el amplio decorativoismo. Esta última cualidad se logró principalmente mediante efectos coloristas. Los colores brillantes combinados con una amplia técnica magistral fueron una de las propiedades más características de la pintura flamenca durante su apogeo.
Todas las propiedades y características de la escuela flamenca se manifestaron más plena y vívidamente en la obra de Rubens, que no sólo es el pintor más importante de Flandes, sino en general uno de los grandes artistas pasado.
Antonio van Dyck (1599–1641)
Célebre pintor flamenco, maestro del retrato, de la pintura mitológica y religiosa, del grabado. Su obra se produjo durante el período en el que, tras la división de los Países Bajos en Holanda y Flandes, la ciudad más grande de Flandes, Amberes, la tierra natal del artista, comenzó a revivir después de la guerra. En arte, el líder y líder fue Peter Paul Rubens, cuya obra, junto con la de Jacob Jordaens, Frans Snyders (1579-1657) y, por supuesto, Van Dyck, determinaron el camino del desarrollo de la escuela de pintura flamenca en la segunda mitad del siglo XVII.
Anthony Van Dyck nació el 22 de marzo de 1599 en Amberes, el séptimo hijo de la familia de un rico comerciante textil, Frans Van Dyck, que era amigo de muchos artistas de Amberes. En 1609, a la edad de 10 años, fue enviado a un taller. pintor famoso Hendrik van Balen (1574/75-1632), que pintó cuadros de temas mitológicos.
En 1615-1616 Van Dyck abrió su propio taller. A primeros trabajos Incluye su Autorretrato (c. 1615, Viena, Kunsthistorisches Museum), que se distingue por su gracia y elegancia. En 1618-1620 creó un ciclo de 13 paneles que representan a Cristo y los apóstoles: San Simón (c. 1618, Londres, colección privada), San Mateo (c. 1618, Londres, colección privada). Los expresivos rostros de los apóstoles están pintados de forma pictórica libre. Hoy en día, una parte importante de los tableros de este ciclo se encuentran repartidos por museos de todo el mundo. En 1618, Van Dyck fue aceptado como maestro en el gremio de pintores de San Lucas y, como ya tenía su propio taller, colaboró con Rubens, trabajando como asistente en su taller.
De 1618 a 1620, Van Dyck creó obras sobre temas religiosos, a menudo en varias versiones: Coronación de espinas (1621, primera versión de Berlín, no conservada; segunda, Madrid, Prado); El beso de Judas (c. 1618-1620, primera versión - Madrid, Prado; segunda - Minneapolis, Instituto de Artes); Llevando la cruz (c. 1617-1618, Amberes, Sint-Pauluskerk); San Martín y los mendigos (1620-1621, primera versión: Castillo de Windsor, Colección Real; segunda versión: Zaventem, Iglesia de San Martín), Martirio de San Martín. Sebastián (1624-1625, Munich, Alte Pinakothek).
Anthony Van Dyck debe su fama al género del retrato, que en la jerarquía de géneros pintura europea ocupaba una posición baja. Sin embargo, en esa época ya se había desarrollado en Flandes una tradición de retratos artísticos. Van Dyck pintó cientos de retratos, varios autorretratos y se convirtió en uno de los creadores del retrato ceremonial del siglo XVII. En los retratos de sus contemporáneos, mostró su mundo intelectual, emocional, su vida espiritual y su carácter humano vivo. En sus primeros retratos, Van Dyck pintó a ciudadanos adinerados, artistas con familias. El tema de la representación de familias y parejas casadas, tan común en el arte de los Países Bajos en el siglo XVI, fue retomado por Van Dyck: Retrato de Frans Snyders con Margaret de Vos (c. 1621, Kassel, galería de imágenes). En el famoso Retrato de familia (1623, San Petersburgo, Hermitage), Van Dyck transmitió movimientos y gestos naturales, poses aparentemente aleatorias, miradas vivas dirigidas al espectador; todas estas innovaciones las introduce en el arte del retrato. A retratos famosos Este período también incluye el Retrato de Cornelius van der Geest (c. 1620, Londres, National Gallery), cubierto de sutil psicologismo.
En 1920, por iniciativa del mariscal real Thomas Howerd, conde de Arendelle (1585-1646), Van Dyck fue invitado a Inglaterra como pintor de la corte. Aquí se familiariza con las obras. Alto Renacimiento. El artista pintó repetidamente retratos del conde y miembros de su familia, el mejor de los cuales es el Retrato del conde de Arendelle con su nieto Lord Montervers (c. 1635, Castillo de Arendelle, Colección del duque de Norfolk).
Van Dyck, después de pasar aproximadamente un año en Inglaterra, hace un viaje a Italia, donde visita varias ciudades del séquito de Lady Arendelle. De camino a Italia, se detiene en Antwetpen, donde pinta varios cuadros, el más famoso de los cuales es el retrato de la esposa de Rubens, Retrato de Isabella Brandt (c. 1621, Washington, Galería Nacional de Arte).
En Italia, donde Van Dyck pasó de 1621 a 1627, estudió las obras pintura italiana. Admirando la obra de Tiziano, Tintoretto, Veronés (1528-1588), realiza bocetos del natural y bocetos de pinturas. artistas famosos, que componía el álbum italiano (Londres, Museo Británico) Van Dyck. Instalado en Génova, vivió durante mucho tiempo en Roma, Mantua, Venecia, Turín, Florencia, y continuó pintando retratos. Entre ellos se encuentra el Retrato enfáticamente ceremonial del cardenal Guido Bentivoglio (1623, Florencia, Galería Pitti), que combina la representación externa con la revelación de una rica vida interior.
En 1624, Van Dyck recibió una invitación del Virrey de Sicilia para visitar Palermo, donde pintó un Retrato generacional del Virrey Emmanuel Philibert de Saboya (1624), así como un gran altar para la iglesia de Palermo del Oratorio del Rosario. Virgen del Rosario (1624-1627): el pedido más grande que Van Dyck recibió de la iglesia durante el período italiano.
Al regresar a Génova, Van Dyck, ya un retratista famoso y de moda, pintó brillantes retratos. Crea complejas composiciones de retratos ceremoniales, en las que aparece el mundo majestuoso y algo romántico de la aristocracia. Representa a los retratados en altura completa En el contexto de lujosos palacios, terrazas abiertas y majestuosos paisajes, les da poses orgullosas y gestos espectaculares. El esplendor de sus trajes con telas brillantemente detalladas y pliegues fluidos realza el significado de las imágenes. Retrato de la marquesa Elena Grimaldi Cattaneo con un sirviente negro (1623, Washington, Galería Nacional de Arte), Retrato de la marquesa Balbi (c. 1623, Nueva York, Museo Metropolitano de Arte), Retrato de Paola Adorno con su hijo (c. 1623, Washington, Galería Nacional de Arte), retrato de grupo Retrato de la familia Lomellini (1624-1626, Edimburgo, Galería Nacional de Escocia). En este momento, recurre a la imagen de personas mayores, marcadas por el sello de una vida vivida: Retrato de un senador y Retrato de la esposa de un senador (1622-1627, Berlín, museos estatales), así como a la representación de niños, creando por primera vez en la historia del arte el primer retrato ceremonial de grupo infantil: Retrato de los hijos de la familia de Franchi (1627, Londres, National Gallery).
En 1627 Van Dyck regresó a Amberes, donde permaneció hasta 1632, haciéndose cargo de la herencia tras la muerte de su padre. Su popularidad es enorme: realiza encargos de grandes cuadros de altar para las iglesias de Amberes, Gante, Courtrai, Melechen, retratos y pinturas de temas mitológicos. Para la Iglesia de los Jesuitas, Van Dyck pintó un gran retablo, La Visión de San Pedro. Agustín (1628, Amberes, Iglesia de San Agustín), para la capilla de la Hermandad de los Solteros en la Iglesia Jesuita de Amberes - Nuestra Señora y el Niño Jesús con San Agustín. Rosalía, Pedro y Pablo (1629, Viena, Kunsthistorisches Museum), para la Iglesia Dominicana de Amberes - Crucifixión con San Pedro. Domingo y St. Catalina de Siena (1629, Amberes, Museo Real bellas artes). Crea muchas pinturas más pequeñas sobre temas religiosos: Visión de Nuestra Señora al Beato Hermann Joseph (1630, Viena, Kunsthistorisches Museum), Nuestra Señora con perdices (principios de la década de 1630, San Petersburgo, Hermitage), pintadas para la Reina de Inglaterra.
Escuela flamenca de pintura. Temas religiosos y mitológicos en la obra de P. Rubens. Himno a la riqueza de la naturaleza y del hombre - naturalezas muertas del P. Snyders. Retrato ceremonial en el cuadro de A. Van Dyck.
Arte flamenco del siglo XVII.
En el siglo XVII El arte holandés se dividió en dos escuelas, flamenca y holandesa, debido a la división de los Países Bajos en dos partes como resultado de la revolución. En Flandes, la nobleza feudal y los altos burgueses, así como la Iglesia católica, desempeñaron un papel papel principal en la vida del país y fueron los principales clientes del arte. Escenas de las Sagradas Escrituras, escenas mitológicas antiguas, retratos de clientes eminentes, escenas de caza, enormes naturalezas muertas: los principales géneros artísticos en Flandes en el siglo XVII. Mezcló características del Renacimiento español e italiano con las tradiciones holandesas reales. Y como resultado surgió el arte barroco flamenco, nacionalmente alegre, emocionalmente optimista, materialmente sensual, exuberante en sus abundantes formas. El barroco flamenco mostró poco de sí mismo en la arquitectura.
La figura central del arte flamenco del siglo XVII. estuvo Peter Paul Rubens (1577-1640). La versatilidad del talento de Rubens y su asombrosa productividad creativa lo acercan a los maestros del Renacimiento.
El artista, que en la conciencia cotidiana se asocia con el cantante de violencia carnal casi pagana, fue una de las personas más inteligentes y educadas de su tiempo. En Italia estudió y se enamoró de la antigüedad para el resto de su vida.
Las primeras obras importantes en su tierra natal fueron las imágenes del altar de la famosa catedral de Amberes: “La elevación de la cruz” (1610-1611) y “El descenso de la cruz” (1611-1614), en las que Rubens creó un tipo clásico de Imagen de altar del siglo XVII.
Combina monumentalidad (porque esta es la pintura que debe expresar el estado de ánimo gran número personas, algunas ideas muy importantes que entienden) y la decoración.
El arte de Rubens es una expresión típica del estilo barroco, que encuentra su características nacionales. Un enorme principio de afirmación de la vida, el predominio del sentimiento sobre la racionalidad son característicos incluso de las obras más dramáticas de Rubens. Carecen por completo del misticismo y la exaltación inherentes al barroco alemán e incluso italiano. Rubens glorifica el tipo de belleza nacional. La Virgen María, como Magdalena, aparece como una mujer brabante de cabello rubio, ojos azules y figuras curvilíneas. Cristo incluso en la cruz parece un atleta. Sebastián permanece lleno de fuerzas bajo una lluvia de flechas.
Las pinturas de Rubens están llenas de movimientos violentos. Habitualmente, para potenciar la dinámica, recurre a una determinada composición donde predomina la dirección diagonal. Las bacanales, en las que se puede mostrar la dulzura de la embriaguez, la caza de leones, con su energía, rapidez y fuerza desenfrenada, todo lo que da la oportunidad de expresar la alegría de ser, de cantar un himno a la vida, atrae especialmente al artista.
En 1623-1625. Rubens recibe un encargo de la reina francesa María de Medici, viuda de Enrique IV, para un ciclo de 21 cuadros para decorar el Palacio de Luxemburgo. Las escenas de la vida de María de Medici no pueden llamarse pinturas históricas en el sentido pleno; en ellas conviven personajes históricos con deidades antiguas, hechos reales con alegorías.
En el retrato vienés (“Abrigo de piel”, 1638), Elena Fourment, la esposa del artista, aparece desnuda, de pie sobre una alfombra roja, con un abrigo de piel sobre los hombros.
El retrato se basa en los más finos matices de color, en el contraste del espeso pelaje marrón con la piel aterciopelada, el cabello ligeramente impregnado de aire y la humedad de los ojos brillantes. El cuerpo de la mujer está pintado con un poder realista asombroso, parece que sientes la sangre palpitar en tus venas.
en esto última década Durante su vida, Rubens escribió más para sí mismo, guiado por su propia elección de temas, pero también realizó muchas obras por encargo. Pinta retratos, se trata de un retrato barroco ceremonial, en el que la grandeza se transmite por la pose de la modelo, el traje y todo tipo de complementos del entorno. En el último autorretrato (1638-1639)
Rubens, sin embargo, logró mostrarse como un psicólogo sutil.
Rubens también recurre a la vida de la naturaleza.
En la última década, las habilidades pictóricas de Rubens se han distinguido por un virtuosismo particular y una amplitud extrema. La coloración se vuelve más monocromática, más generalizada, se pierde el multicolor anterior (“Batsabé”, 1635; “Consecuencias de la guerra”, 1638).
La importancia histórica de Rubens es que determinó el desarrollo de la escuela flamenca, que tuvo una gran influencia en el desarrollo posterior del arte de Europa occidental.
El más famoso de todos los alumnos de Rubens, que estudió con él durante un corto tiempo, pero que pronto se convirtió en el primer asistente de su taller, fue Anthony van Dyck (1599-1641). Sus retratos y autorretratos siempre enfatizan la aristocracia de la modelo, su fragilidad y sofisticación. en su trabajo gran lugar ocupado por temas mitológicos y cristianos, que interpreta con característico lirismo o tristemente elegíaco. Pero el género principal de van Dyck es el retrato. En el primero, el período de Amberes (finales de los años 10 y principios de los 20), como se llama esta época de su obra, pintó a burgueses ricos o a sus compañeros artistas, escribiendo de manera estrictamente realista, con un sutil psicologismo. Pero al llegar a Italia, este tipo de retrato da paso a otro. Van Dyck recibe muchos encargos y crea un retrato ceremonial y representativo, en el que, en primer lugar, se expresa la afiliación de clase del modelo. El artista parte hacia Inglaterra para servir al rey Carlos I (1632). Para Inglaterra, Van Dyck fue el fundador de una gran escuela de retratos, que alcanzó un apogeo excepcional en el siglo XVIII. Pero para las escuelas del continente, Van Dyck, como maestro del retrato ceremonial, fue de gran importancia.
El seguidor y líder de la escuela flamenca tras la muerte de Rubens fue Jacob Jordanes (1593-1678), el mayor artista de Flandes en el siglo XVII. Su género favorito es el cotidiano. Este es el "Festival del Rey Frijol" nacional.
El artista buscó sus imágenes en el ambiente campesino, entre la multitud popular. En otra trama común: "Un sátiro visitando a un campesino".
(sobre el tema de la fábula de Esopo; versiones de esta imagen están disponibles en muchos museos europeos) la antigua leyenda adquiere rasgos nacionales flamencos. La pintura de Jordanes es exuberante, libre, plásticamente poderosa y muestra las grandes capacidades decorativas del artista.
Un género especial en flamenco arte XVII v. había una naturaleza muerta, cuyo famoso maestro fue Frans Snyders (1579-1657). En sus cuadros, los regalos de tierra y agua bellamente pintados se amontonan sobre las mesas: pescado, carne, fruta, caza sacrificada.
La pintura de género está representada en el arte de Flandes por el artista excepcionalmente talentoso Adrian Brouwer (Brouwer, 1601-1638). Habiendo vivido en Holanda durante muchos años, Brouwer pintó pequeños cuadros sobre temas cotidianos.