Aux XVIIe et XVIIIe siècles. pour remplacer la Renaissance russe. Vient nouvelle ère, appelé par les spécialistes les Lumières russes. Il y a une réorientation radicale non seulement de la culture russe, mais aussi de la société russe, de l’Orient byzantin vers l’Occident européen. Le rôle de leadership passe de art religieux au laïc. A travers les contours stricts de l'icône, les premiers contours d'un portrait et de paysages profanes sont visibles. Du plus profond de la peinture d'icônes, la peinture chemine longuement et douloureusement vers la lumière. La sensualité est remplacée par le rationalisme. Du féodalisme, la Russie se tourne lentement vers le capitalisme, et donc vers une nouvelle structure économique, un nouveau mode de vie. Des changements ont eu lieu dans l'aristocratie dirigeante : la dynastie Rurik a été remplacée par une dynastie Romanov complètement différente et sans rapport (1613 - 1917).
Les Lumières russes peuvent être conditionnellement divisées en deux étapes : le XVIIe siècle, qui n'est qu'une époque de transition, et le XVIIIe siècle, c'est-à-dire le siècle des Lumières lui-même, dont le début a été marqué par les réformes grandioses de Pierre Ier, et le le point culminant fut les activités de Catherine II.
La plus grande contribution aux Lumières russes appartient à Catherine la Grande qui, comme d’autres monarques éclairés, a joué un rôle clé dans le soutien des arts, des sciences et de l’éducation. Bien qu'en Russie, comme dans d'autres pays européens, à cette époque, des changements importants ont eu lieu ; la différence entre la Russie et les Lumières occidentales est que non seulement il n'y a pas eu de changement de l'opinion publique vers le développement des idées libérales, mais qu'au contraire, ils ont été accueillis avec une extrême prudence.
Au XVIIIe siècle, les bases d'une vision laïque du monde ont été posées : un système d'éducation laïque a été formé, l'art et la science se sont développés. Cependant, le processus de restructuration de la société russe n’a été complètement achevé qu’au XIXe siècle. Tout au long du XVIIIe siècle, il y a eu une lutte entre l'ancien et le nouveau, l'ordre pré-pétrinien et les coutumes européennes, et un travail minutieux d'éducation des gens, invisible à l'œil nu, a eu lieu.
Le début du XVIIIe siècle est marqué par une transition rapide de la tradition artistique nationale, remontant aux origines byzantines, à la tradition artistique de l'Europe occidentale. La Russie a commencé à assimiler activement l’expérience de la culture mondiale et à se joindre à ses réalisations. C'est pourquoi dans l'art russe du 1er quart du XVIIIe siècle. Il n'y a ni cette profondeur de contenu spirituel, ni cette unité organique de la structure idéologique-figurative avec les formes artistiques qui sont caractéristiques de l'art. Rus antique.
Culture du premier quart du XVIIIe siècle. nourri de l’idée que la base du progrès historique et de la force de l’État réside dans la science et l’éducation. Connaissances acquises au cours activités pratiques, aident à mieux comprendre la nature, la société, les gens, à identifier les modèles et la logique de leur développement. Le pouvoir de la raison est capable d’identifier les formes les plus rationnelles de structure sociale et de créativité.
Comment avez-vous découvert l’art occidental ?
Dans les ateliers de l'Armurerie, dans la seconde moitié du XVIIe siècle, les étrangers travaillaient aux côtés des artisans russes. Les contrats conclus avec eux prévoyaient spécifiquement une clause selon laquelle ils devaient enseigner aux étudiants russes « tout ce qu'ils savent eux-mêmes » : comment construire l'espace profond, calculer les proportions de la figure humaine, la transmettre dans la bonne perspective, c'est-à-dire en abréviation, avec rotation et mouvement complexes. Les modèles de nos peintres d'icônes étaient des gravures, qu'on appelait alors "Feuilles Fryazh". N'importe qui pouvait les acheter sur le pont près de la tour Spasskaïa du Kremlin, ainsi que sur les marchés des grandes villes russes. Certes, la gravure d'Europe occidentale, fermement entrée dans l'usage artistique, est en train d'être profondément retravaillée à la manière russe.
Au XVIIIe siècle La peinture d'icônes traditionnelle russe décline progressivement. Elle est de plus en plus influencée par la peinture à l'huile venue d'Occident, qui avait alors parcouru un long chemin dans son développement depuis la Renaissance jusqu'au baroque. Parmi les représentants les plus célèbres de la peinture d'icônes de cette période figurent G.T. Zinoviev, A. I. Kazantsev et S. S. Nekhlebaev. Ainsi, « l’européanisation » de la peinture d’icônes russe au XVIIIe siècle a progressivement conduit à l’émergence peinture profane, qui n'existait pas auparavant.
Apparaît avec elle nouveau genre- une image d'une certaine personne, « persona », ce qu'on appelle parsuna, qui a posé les bases de l'art du portrait du XVIIIe siècle. Il a été créé dans l'Armurerie du Kremlin de Moscou, le centre de la vie artistique du pays au milieu du XVIIe siècle. Les meilleurs peintres de leur temps ont travaillé ici : B. Saltykov, I. Bezmin, V. Poznansky, I. Maksimov, K. Ulanov, T. Filatyev, I. Pavlovets, F. Kozlov. Ici I. Vladimirov Et S. Ouchakov Les premiers traités théoriques sur la peinture de l'histoire de l'art russe ont été rédigés.
Les premiers artistes russes au sens moderne du terme, comme I. N. Nikitin et A. M. Matveev, ont étudié à l'étranger. D'autres (Schlüter, Caravaque) furent invités de l'étranger et travaillèrent comme peintres de cour. Ils ont non seulement créé l'école nationale de peinture (I. Ya. Vishnyakov, A. P. Antropov, A. I. Belsky), mais ont également jeté les bases d'une tradition qui, dans l'histoire de l'art moderne, est appelée Rossika, représentations de la vie russe par des peintres d'Europe occidentale (Rotary, Grotto, Roslin).
Après l'ouverture de l'Académie des Arts en 1757, la peinture russe des Lumières atteint son apogée dans les œuvres des maîtres exceptionnels D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky, F. S. Rokotov.
Le XVIIIe et le début du XIXe siècle ont été marqués par deux réalisations culturelles de classe mondiale : l'architecture de Saint-Pétersbourg et le portrait. L'émergence de réalisations mondiales dans le domaine de la culture laïque témoigne de deux faits : 1) l'art laïc est devenu, rien de moins, un événement culturel indépendant dans la vie de la société. Que religieux; 2) désormais, la totalité ou la plupart des innovations culturelles auraient dû être attendues du laïc, et non du culture religieuse. La culture laïque s’est fermement emparée du leadership et ne l’a plus jamais perdu. La grande époque de la culture ecclésiale russe appartient au passé et la grande époque de la culture laïque russe est arrivée.
L'art russe maîtrise de nouveaux moyens de transmettre l'apparence du monde qui l'entoure. La perspective directe est utilisée pour transmettre l’apparence du monde environnant. La perspective directe est utilisée pour transmettre la profondeur et le volume de ce qui est représenté sur l'avion. Les artistes réfléchissent à la relation entre la lumière et la couleur, au rôle de la couleur comme l'un des moyens de construire le volume et l'espace. La capacité de représenter une matière spécifique - fourrure, tissu - et de montrer les traits de la surface du visage et des mains, la brillance des yeux, la douceur des cheveux commence à être appréciée.
À l'ère du favoritisme de Pierre le Grand, lorsque la grandeur et la richesse d'une personne pouvaient rapidement augmenter et tout aussi instantanément tomber dans l'insignifiance, de nombreuses personnes riches voulaient laisser leur portrait à la postérité, pour être représentées en souvenir de leur importance. et panache dans une perruque luxueuse, avec des ordres, dans un uniforme, dans des costumes ornés de broderies d'or ; soit ils voulaient avoir une image de leur bienfaiteur (le roi) afin d'exprimer leur respect et leur dévouement.
L'art du portrait russe a atteint un développement particulier dans la seconde moitié du XVIIIe et au début du XIXe siècle. C'est l'époque du travail de portraitistes exceptionnels, dont la renommée s'étend bien au-delà des frontières de la Russie : F.S. Rokotova, D.G. Levitski, V.L. Borovikovski, I.N. Nikitine.
Le premier grand maître de ce genre fut DANS. Nikitine(1680 - pas avant 1742). Maître personnel, artiste préféré de Pierre Ier, I. N. Nikitine était un exemple de la fierté patriotique de l'empereur envers les étrangers, « pour qu'ils sachent qu'il y a de bons maîtres parmi notre peuple ». Et Pierre ne s'y est pas trompé : le peintre Ivan fut le premier portraitiste russe au niveau européen. Son œuvre marque le début de la peinture russe des temps modernes (« Tsarevna Praskovya Ivanovna », 1714, « Portrait d'un cosaque au caftan rouge », 1715, « Portrait de Pierre le Grand », 1725). Nikitine est l'un des premiers artistes russes à s'éloigner du style iconographique traditionnel de la peinture russe et à commencer à peindre des tableaux avec perspective, comme on le faisait à cette époque en Europe. Ainsi, il est le fondateur de la tradition de la peinture russe, qui se perpétue jusqu'à nos jours.
F.S. Rokotov(1735 - 1808), issu d'une famille de serfs, est l'un des meilleurs maîtres du siècle des Lumières. La galerie de ses portraits est un monde poétique à l'image de ses contemporains, plongés dans une rêverie onirique, dans de subtils mouvements cachés de l'âme.
Aux côtés de F.S. Rokotov et V.L. Borovikovski D.M. Lévitski est considéré comme l'un des plus grands portraitistes russes des XVIIIe et XIXe siècles. Dans sa jeunesse, il peint des icônes et en 1771 - 1787. a dirigé la classe de portrait à l'Académie des Arts. Le summum de son art est une série de portraits d'étudiants de l'Institut Smolny, « Smolnyanka ». Sur la photo, ils jouent de la musique, dansent, communiquent entre eux, exécutant un théâtre pittoresque et astucieux devant le spectateur. Parmi les meilleures œuvres de Levitsky figurent également les portraits en pied de D. Diderot, M.A. Dyakova, N.I. Novikov et Catherine II, représentée dans l'ancien temple de la déesse de la justice.
Portraits V. L. Borovikovski(1757 - 1825) se caractérisent par des traits de sentimentalisme, une combinaison de subtilité décorative et d'élégance des rythmes avec la transmission correcte du caractère (« M.I. Lopukhina »). Il reçoit sa formation artistique initiale auprès de son père, peintre d'icônes. Après avoir accompli son service militaire, il s'est engagé dans la peinture religieuse dans les traditions du baroque ukrainien. Après avoir déménagé à Saint-Pétersbourg, il se rapproche des intellectuels marquants de l'époque. Il peint des icônes et des portraits de cérémonie dans les styles baroque et classique. En 1804 - 1811 peint des tableaux religieux pour la cathédrale de Kazan à Saint-Pétersbourg. Plus tard, Borovikovsky s'est activement impliqué dans l'enseignement, organisant quelque chose comme une école privée chez lui (parmi les étudiants se trouvait A.G. Venetsianov).
Tout au long du XVIIIe siècle, le genre du paysage se forme ; des progrès significatifs sont réalisés dans le graphisme, qui cherche à capturer l'apparence de la jeune capitale. MI. Makhaev(1718 - 1770) - auteur grand nombre vues de Saint-Pétersbourg et de ses environs. Des peintures ont été réalisées à partir de ses dessins et les Douze perspectives « les plus nobles » de Saint-Pétersbourg, dessinées par lui, ont été gravées à l'Académie des sciences. Makhaev restitue avec précision l'apparence d'un bâtiment particulier, le capturant avec une précision presque photographique. L'artiste travaille souvent avec des projets architecturaux, sur la base desquels il crée des façades de bâtiments qui n'existent plus ou ne sont pas encore achevés.
Les œuvres de Mahaev créent l’image d’un lieu, la nature de sa vie quotidienne. Les figures de personnes sont combinées en scènes de genre et correspondent au centre de composition - le bâtiment : des courtisans au Palais d'été, des voitures de dignitaires et de cavaliers devant les Collèges d'État, une foule de citadins et de chauffeurs de taxi à côté de la Bourse. L'image de la ville est complétée par des arbres, qui deviennent progressivement plus concrets et s'introduisent avec plus d'audace dans la composition.
L'art de la gravure s'est répandu à l'époque pétrinienne. Elle est représentée par la conception ou les illustrations de livres, ou de fiches indépendantes. Ils étaient dominés par des scènes de bataille et des paysages urbains.
Graveur majeur du début du XVIIIe siècle. était UN F. Zoubov. Il a réalisé un « Panorama de Saint-Pétersbourg » d'une complexité et d'une grandeur extraordinaires. Une autre de ses gravures, « Le triomphe de Gangut », représente le retour de la flotte russe à Saint-Pétersbourg, à la tête des navires suédois capturés lors de la bataille. Un certain nombre de gravures sont consacrées aux actes cérémoniels et aux divertissements de cette époque.
Le principal centre de gravure était initialement la Chambre de l'Armurerie et, à partir de 1711, l'imprimerie de Saint-Pétersbourg.
La sculpture n'existait pas à l'époque pré-Pétrine ; cela était dû au fait que, selon le canon de l'Église orthodoxe, les statues et les images en relief ne faisaient pas partie des objets sacrés de l'art religieux.
À l'époque de Pierre le Grand, le sculpteur le plus célèbre était K.B. Rastrelli(1675-1744). Au nom de Pierre Ier, il réalise des statues pour le Jardin d'été. Rastrelli (père) a beaucoup travaillé sur l'image de Pierre Ier. En 1719, il ôta son masque et sculpta un buste en cire. En 1723, il crée un buste en bronze de Pierre Ier. Dans son apparence, le sculpteur met l'accent sur l'intelligence, la volonté et l'énergie.
Art du premier quart du XVIIIe siècle. Il se distingue par sa complexité prononcée et son caractère synthétique. L'impression générale est créée grâce aux efforts de l'architecture, de la peinture, de la sculpture, de l'art du jardin, de la fabrication de fontaines, de la musique vocale et instrumentale.
Ainsi, l'art russe du XVIIIe siècle était une nouvelle étape dans le développement de la culture russe, lorsque les tendances européennes étaient assimilées et synthétisées avec les tendances nationales. traditions artistiques et un changement décisif s'est produit dans la culture spirituelle de la société, qui a conduit à l'avènement de « l'âge d'or » de l'art et de la littérature russes. début XIX siècle.
1. I. Argounov. Portrait d'une paysanne en costume russe. 1784. Moscou, Galerie Tretiakov. (I. Argounov. Paysanne en costume russe (Portrait d'une actrice). 1784, Galerie Tretiakov, Moscou.)
2. J.-B. Leprince. L'intérieur d'une cabane paysanne. Encre, Moscou, Musée des Beaux-Arts. A. S. Pouchkine. (Jean-Baptiste Le Prince. Intérieur d'une izba paysanne. Encre de Chine. Musée des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.)
5. Église de l'Intercession de Fili à Moscou. 1693 - 1694. (Église de 1 "Intercession de la Vierge de Fili. Moscou. 1693 - 1694.)
7. Soleil. Sculpture folklorique. XVIIIe siècle Moscou, Musée historique. (Soleil. Sculpture sur bois folklorique. XVIIIe s. Musée d'Histoire de Moscou.)
8. M. Kazakov. Église du métropolite Philippe à Moscou. 1777 - 1788. (M. Kazakov. L "Église du Métropolite Philippe. 1777 - 1788. Moscou.)
10. V. Bajenov. La maison de Pashkov à Moscou. (Bibliothèque d'État de l'URSS du nom de V.I. Lénine). 1784-1786. (V. Bajenov. L'hôtel Pachkov. Bibliothèque nationale Lénine. 1784-1786. Moscou.)
20. Cruche. Céramique de Gjel. 1791 Moscou, Musée historique (Cruche, Céramiques de Gjelsk. 1791. Musée d'histoire, Moscou.)
On sait que le siècle des Lumières a été une époque de profonds bouleversements économiques et économiques. vie socialeà travers l'Europe. Les manufactures sont remplacées par de grandes usines utilisant des machines. Avec l’émancipation des classes opprimées, une attention croissante est accordée au bien-être public. Les besoins économiques et les aspirations des esprits progressistes rapprochent l’abolition de l’ordre féodal. Il existe des différences connues entre les défenseurs de diverses doctrines : défenseurs de la raison et défenseurs des sciences exactes, adeptes de l'Antiquité et admirateurs du cœur humain. Si le siècle des Lumières peut être considéré comme une époque qui s’est terminée par l’abolition de l’ordre ancien, alors en fait la révolution bourgeoise n’a eu lieu qu’en France.
La Russie est restée un pays essentiellement agricole. Certes, E. Tarle notait depuis longtemps qu'au XVIIIe siècle il n'était pas indifférent au développement industriel de l'Europe ( E. Tarle, La Russie sous Catherine était-elle un pays économiquement arriéré ? - « Monde moderne », 1910, mai, p.). Les Lumières se sont rapidement répandues dans tout le pays. Mais le tiers état, qui menait en France la lutte contre les classes privilégiées, était peu développé en Russie. Les succès du capitalisme n’ont pas amélioré les conditions de vie des serfs. Au contraire, la participation des propriétaires fonciers au commerce entraînait une augmentation des corvées et des quittances. Durant la deuxième la moitié du XVIII siècles, les paysans se sont rebellés à plusieurs reprises. Le Pougachevisme menaçait l'empire. Même si le gouvernement s’est occupé des rebelles, leur résistance n’a pas faibli.
En France, les plaintes des ruraux montrent la conviction qu'en satisfaisant leurs demandes, leur situation peut être améliorée ( E. Voir, La France économique et sociale au XVIIIe siècle, 1925, p. 178.). En Russie, comme le disait un contemporain, les paysans n’étaient même pas capables de prendre conscience de toute l’étendue de leur oppression ( G. Plékhanov, Ouvrages, vol. XXI, M.-L., 1925, p.). Une chanson folklorique de cette époque dit que les maîtres avaient l'habitude de les traiter comme du bétail. Pour comprendre le siècle des Lumières en Russie, on ne peut éviter cette contradiction fondamentale.
Dans ses initiatives législatives et ses réformes, le gouvernement de Catherine II a largement utilisé les idées des Lumières. L'ordre de la Commission des Représentants fut exprimé sur des tons si radicaux que la censure royale l'interdit en France. Catherine ressent le besoin de soutenir l'opinion publique européenne. Elle appelle la noblesse à être plus prudente pour ne pas provoquer un soulèvement des opprimés ( « Anthologie sur l'histoire de l'URSS », vol. II, M., 1949, p.). Mais elle est toute entière politique intérieure, surtout dans la seconde moitié du règne, tend à renforcer le régime policier ( « Le XVIIIe siècle ». Recueil historique, publié par P. Bartenev, vol. Ill, M., p.). L'éducation est devenue le privilège de la noblesse. Les idées de libération furent brutalement persécutées. Après 1789, les soupçons de sympathies pour le jacobinisme pouvaient détruire n'importe qui.
Le gouvernement russe s'appuyait sur la noblesse et la plus haute administration. Mais parmi la noblesse, il y avait des gens qui se rendaient compte de la crise imminente de la monarchie. Ils s'insurgeaient contre la corruption et le déclin des mœurs et exigeaient que la noblesse soit plus efficace et plus vertueuse. Seul l'accomplissement du devoir civique peut justifier ses privilèges ( P. Berkov, L. Sumarokov, M.-L., 1949."). La noblesse conservatrice ne pensait qu'à modifier ce qui existait, ne permettant pas l'idée de changer l'ordre social.
Une autre couche de la noblesse, déçue par l'état des choses, était encline à une telle attitude envers la vie qui peut être définie terme moderne«Évasion» (évasion). Les francs-maçons russes cherchaient à améliorer leur propre personnalité. Fatiguée de la cour et de la vie sociale, la noblesse était prête à admirer les impulsions du cœur et de la sensibilité, ainsi que les délices de la nature rurale ( G. Gukovsky, Essais sur la littérature russe du XVIIIe siècle, M.-L., 1937, p.).
Les vues révolutionnaires les plus radicales ont été défendues par A. Radichtchev. Formé sous l'influence des penseurs des Lumières, Radichtchev va plus loin que ses inspirations. Sympathisant pour la souffrance de la race humaine, Lorenz Stern brille dans "Voyage sentimental" surtout dans l'analyse de ses expériences profondément personnelles. Dans "Voyage de Saint-Pétersbourg à Moscou", Radichtchev est complètement capturé par l'image de la souffrance de l'humanité. les gens ( A. Radichtchev, Voyage de Saint-Pétersbourg à Moscou. T. I-II, M.-L., 1935.). Toutes ses pensées et aspirations visent à améliorer le sort des peuples opprimés sous toutes les latitudes du monde, y compris dans le Nouveau Monde. La satire de Novikova a exposé les vices des classes privilégiées et a ainsi eu un fort impact sur les esprits ( G. Makagonenko, N. Novikov et les Lumières en Russie au XVIIIe siècle, M.-L., 1951.).
Jean-Jacques Rousseau et Mably reconnaissent le droit du peuple à s'insurger contre les abus féodaux. Mais Voltaire doutait de la force mentale du peuple et ne cachait pas son mépris pour la « canaille ». En Occident, on affirmait qu’il fallait d’abord libérer l’âme, c’est-à-dire éduquer le peuple, avant de libérer son corps. Les éducateurs russes avaient une grande confiance dans les gens ordinaires. Radichtchev était convaincu que dès que le peuple aurait acquis la liberté, il donnerait naissance à des héros.
À la recherche d’un âge d’or, les penseurs occidentaux se sont tournés vers les sociétés primitives des Arabes et des Indiens. Les penseurs russes ont discerné dans la vie professionnelle et patriarcale des paysans russes la sagesse qui manquait à la société laïque. Le modeste cadeau que Radichtchev a reçu d'un mendiant aveugle est considéré par lui comme le signe de son accord sincère avec le peuple.
Les représentants du tiers-état en France accordaient peu d'attention aux besoins de la paysannerie, ce qui devint la source de leurs désaccords constants. En Russie, les représentants progressistes de la noblesse étaient destinés à défendre les intérêts du peuple. Avec leur intérêt pour la poésie épique, les contes de fées et le folklore, les Russes devançaient Schlegel et Percy. Le compositeur du XVIIIe siècle E. Fomin, dont l'importance a été découverte assez récemment, était l'auteur de l'opéra « Cochers », entièrement tissé d'airs folkloriques ( B. Dobrokhotov, E. Fomin, M.-L., 1949.).
De son vivant, Catherine a acquis une renommée européenne grâce à sa philanthropie. Cette renommée perdura longtemps après sa mort. Catherine savait tirer parti des énormes fonds dont elle disposait et devinait les talents des poètes et des artistes qui entouraient son trône. On pourrait penser qu'en Russie au XVIIIe siècle, tout se passait dans l'art au gré des souverains et en leur honneur.
En réalité, les mécènes sacrés et leurs associés n’étaient pas toujours sensibles aux besoins de l’art. E. Falcone s'est heurté à la résistance de la bureaucratie impériale ( « Correspondance de Falconet. » Collection de la Société historique impériale russe, Saint-Pétersbourg, 1879.). Grande-Duchesse a reproché à Cameron d'avoir violé les « règles de l'architecture » ( L. Hautecoeur, L'architecture classique à Saint-Pétersbourg à la fin du XVIIIe siècle, Paris, 1912, p. 60.). Mais l'essentiel est que le sens de l'art de cette époque ne peut se réduire à la glorification de la monarchie et du servage. Lomonossov et Derjavin ont été contraints de consacrer leurs odes aux impératrices, mais ils ont surtout été inspirés par la gloire de leur patrie, la richesse de sa nature et le sort du peuple. De grands architectes du XVIIIe siècle, russes et étrangers, construisirent des palais pour les souverains et les nobles. Mais à la cour régnaient l'étiquette timide et la servilité, le luxe oppressant. Pendant ce temps, dans le parc et dans les belvédères de Pavlovsk règnent une noble simplicité et un sens des proportions, dignes d'un sage qui a quitté le monde dépravé. Dans son livre récent, Rudolf Zeitler note à juste titre la parenté interne entre les utopies de cette époque et les statues et peintures du classicisme ( R. Zeitler, Klassizismus et Utopie, 1914.). De nombreux palais et parcs du XVIIIe siècle ressemblent à l'incarnation des rêves des humanistes des Lumières ( P. Chekalevsky, Discours sur les arts libéraux avec une description des œuvres d'artistes russes. Saint-Pétersbourg, 1792. L'auteur fait l'éloge des artistes de la Grèce antique, « puisqu'ils n'humiliaient pas leur esprit pour décorer la maison d'un homme riche avec des bagatelles selon son goût, puisque toutes les œuvres d'art correspondaient alors aux pensées du peuple tout entier. » Dans cette déclaration, on devine le programme esthétique d’un artiste russe du XVIIIe siècle.).
Il n'est pas possible d'associer chaque artiste individuel à une certaine couche sociale et de le considérer comme un représentant ( V. Bogoslovsky, Nature sociale et essence idéologique de l'architecture du classicisme russe du dernier tiers du XVIII siècle. - « Notes scientifiques de l'Université de Léningrad ». Série des sciences historiques, vol. 2, 1955, p. 247.). Il est plus important de ne pas perdre de vue la dépendance générale de l’art des Lumières à l’égard des questions sociales, la dépendance constante des meilleurs esprits de l’époque à l’égard de ce ferment de pensée. Les artistes russes du siècle des Lumières ont eu pour mission de libérer l’humanité des maladies de l’époque. Imaginant un système social basé sur la vérité, la nature et la justice, ils ont peint dans leur créativité des images idéales de l'harmonie recherchée. C'est le lien entre l'art et le contexte historique de l'époque.
Saint-Pétersbourg est la ville la plus régulière parmi toutes les capitales d'Europe ; elle est plus imprégnée que les autres de l'esprit des Lumières. L'européanisation de l'art russe a été facilitée par la présence de maîtres occidentaux de premier ordre en Russie à cette époque et, d'autre part, par les voyages pédagogiques de jeunes artistes russes en France et en Italie. Le siècle des Lumières était profondément imprégné de la conviction que les mêmes principes moraux et esthétiques pouvaient trouver une application sous toutes les latitudes. La langue française - en tant que langue universelle de la « république des belles lettres » - renforça cette confiance. De ce fait, le caractère national de la culture tomba souvent dans l'oubli. Ce n'est pas pour rien que l'admirateur de tout ce qui était français, Frédéric II, ne s'est pas montré sensible à la culture allemande de son époque.
La renaissance de l'ordre classique et la vénération de la colonne dans l'architecture, les motifs mythologiques et les allégories dans la sculpture, les traits de la laïcité courtoise dans le portrait - tout cela, dans une plus ou moins grande mesure, était caractéristique de l'art du XVIIIe siècle dans tous Pays européens. Jusqu’à récemment, il était généralement admis que la Russie ne faisait pas exception à cette règle. A. Herzen croyait autrefois qu’au XVIIIe siècle la civilisation russe était entièrement européenne. « Ce qui restait national chez elle, dit-il, n'était qu'une certaine impolitesse » ( A. Herzen, Sur le développement des idées révolutionnaires en Russie. - Collection soch., vol. VII, M., 1956, p. 133-262.). Une étude approfondie de la culture russe de cette époque et d'autres pays européens convainc que chacun d'eux avait ses propres caractéristiques.
Selon le plan de reconstruction du Kremlin, élaboré par V. Bajenov en 1769-1773, ce sanctuaire du Siège Mère devait devenir le centre de tout l'Empire russe ( M. Ilyin, Bajenov, M., 1945, p. A. Mikhaïlov, Bajenov, M., 1951, p.). Les principales artères du pays, les routes venant de Saint-Pétersbourg, de Smolensk et de Vladimir, étaient censées converger vers place principale Kremlin. Cela rappelle dans une certaine mesure la disposition des trois rues qui convergent devant le château de Versailles. Le centre de la résidence du monarque français devait être sa luxueuse chambre à coucher. Le plan de Bajenov était de nature plus démocratique. Le palais restait à l'écart ; le centre du Kremlin était occupé par une large place ronde, destinée à servir de lieu aux fêtes nationales. Ce genre d'amphithéâtre était censé être rempli d'une foule de spectateurs. Selon les mots de l'architecte russe, le Kremlin reconstruit était censé servir « à la joie et au plaisir du peuple ». Les contemporains de Bajenov ont deviné l'utopisme de ce projet. Karamzine compare Bajenov à Thomas More et à Platon. N. Karamzin, À propos des sites touristiques de Moscou. - Œuvres, tome IX, 1825, p.). Le projet de Bajenov est resté inachevé. Seule une maquette en bois donne une idée. Mais la pensée architecturale du grand maître s'est reflétée plus tard, sur la place semi-circulaire de K. Rossi devant le Palais d'Hiver ( A. Mikhailov, décret, op., p.).
Bajenov n'était pas seul. Le palais de Tauride, érigé par I. Starov pour Potemkine, le favori de Catherine, était considéré par les contemporains comme une tentative de raviver la gloire des capitales du monde antique. En effet, surmontée d'un dôme soutenu par des colonnes, sa salle centrale semble conçue pour rivaliser avec le Panthéon romain. Les classiques d’Europe occidentale ne se sont pas fixé des tâches aussi grandioses. L'intérieur du Panthéon parisien de J. Soufflot est plus disséqué, plus léger et ne fait pas une impression aussi impressionnante. Une caractéristique notable des bâtiments russes en forme de dôme est leur structure pyramidale. Les palais, comme les anciens temples russes, semblent sortir de terre, formant une partie indissociable de la nature qui les entoure. C'est la puissance épique de l'architecture russe.
Le classicisme du XVIIIe siècle dans tous les pays européens vénérait l'ordre ancien avec tous ses éléments comme un dogme inébranlable. Cependant, Goethe était déjà en avance sur son âge, admirant la cathédrale de Strasbourg et sa beauté en 1771. architecture gothique, à cette époque presque oublié. Quatre ans seulement après lui, V. Bazhenov, qui cherchait lui-même à se rapprocher de traditions folkloriques, a reconnu la valeur artistique de l'architecture médiévale russe et s'en est inspiré dans sa propre création.
Cela s'est clairement reflété dans la construction de la résidence royale à Tsaritsyne, près de Moscou. L’un des bâtiments de Tsaritsyne, la soi-disant Porte du Pain, donne une idée de la méthode du remarquable architecte. On y voit une fusion particulière de l'arc classique à trois travées de Septime Sévère et du type d'église purement russe - une tour surmontée de kokochniks et un dôme. Il ne faut pas penser que l'artiste s'est limité à une combinaison mécanique de motifs antiques et médiévaux. L'interaction et l'interpénétration d'éléments hétérogènes confèrent à la création du maître russe une originalité unique.
L'écart par rapport aux canons classiques se fait également sentir dans le pont Tsaritsyne, construit en brique rose, avec ses arcs en ogive. Le style de Bajenov à Tsaritsyne est généralement appelé pseudo-gothique ou néo-gothique. Pendant ce temps, il n'y a pas ici de structures ajourées caractéristiques du gothique. L'architecture de Bajenov est plus juteuse, plus pleine de sang, le mur y conserve sa signification. Le pont Tsaritsyne est plus proche des anciennes traditions russes. Cela ressemble aux mosquées et aux iwans Asie centrale avec leurs puissants arcs brisés et leurs tuiles colorées.
L'architecture de Bajenov a été préparée par les recherches des architectes B. Rastrelli, S. Chevakinsky et D. Ukhtomsky qui ont travaillé avant lui en Russie. En russe arts appliqués De cette époque, à côté des formes de vases strictement classiques, belles mais quelque peu froides, sont conservés des types plus archaïques et colorés de cruches à caractère purement national, notamment dans la céramique de Gjel. L’un des bâtiments de Tsaritsyne est couronné d’un disque rond portant le monogramme de Catherine, qui n’a pas d’analogue dans l’architecture classique. Mais il ressemble beaucoup aux soi-disant « soleils en bois » avec lesquels les sculpteurs folkloriques décoraient les navires.
Dans son discours sur la première pierre du palais du Kremlin, Bajenov, en tant que plus bel édifice de Moscou, mentionne le clocher du couvent Novo-Devichy, un monument caractéristique du soi-disant « style Narychkine ». La relance des formes nationales n'a pas trouvé le soutien des autorités. On dit que Catherine a désapprouvé la construction de la prison par Tsaritsyne et a suspendu la construction de la prison. Pendant ce temps, en même temps que Bajenov, un autre architecte russe, I. Starov, construisait le palais Potemkine à Ostrov. la Neva comme un semblant de château médiéval Il a ravivé la blancheur et la douceur des murs de l'ancienne architecture de Novgorod ( A. Belekhov et A. Petrov, Ivan Starov, M., 1951, p.).
Le goût architectural russe se reflétait non seulement dans la nature des décorations et des murs, mais aussi dans la disposition générale des bâtiments. Le palais de Pavlovsk, créé par le grand maître anglais Charles Cameron, remonte au type palladien ( V. Taleporovsky, Ch. Cameron, M., 1939 ; G. Loukomsky, Ch. Cameron, Londres, 1943 ; M. Alpatov, Cameron et le classicisme anglais. - « Rapports et communications de la faculté de philologie de l'Université de Moscou », I, M., 1846, p.). Il est entouré d'un parc à l'anglaise. Mais l'emplacement du palais sur une haute colline au-dessus de la rivière Slavyanka remonte à l'ancienne tradition russe. Le volume cubique du bâtiment ne supprime pas la nature environnante et n'entre pas en conflit avec elle. Il semble sortir du sol, comme son dôme du cube d’un immeuble. Charles Cameron a eu l'occasion d'apprendre la tradition et les goûts russes lorsque, après son arrivée en Russie, il a construit une cathédrale près de Tsarskoïe Selo ( S. Bronstein, Architecture de la ville de Pouchkine, M., 1940, fig. 146, 147.).
russe classicisme XVIII Le siècle préfère un agencement plus libre des masses architecturales que le classicisme des autres pays européens. La masse architecturale de ses bâtiments donne une impression plus organique et vivante. Le Petit Trianon d'A. J. Gabriel forme un cube clair, équilibré et isolé ; une corniche gracieuse sépare le bord supérieur de l'espace. Dans le palais de la Légion d'honneur de l'architecte P. Rousseau, la corniche est plus mise en valeur que la coupole qui la surmonte. Il n'y a rien de tel dans la maison Pashkov, créée en 1784-1789 par Bajenov. Certes, sa décoration élégante n'est pas sans rappeler le style dit Louis XVI ( N. Romanov, professeurs occidentaux de Bajenov - « Académie d'architecture », 1937, n° 2, p.). Mais la situation de l'édifice sur une colline, sa silhouette pyramidale élancée, soulignée par les ailes latérales, le mouvement ascendant de son bâtiment central, et enfin, son relief grâce au belvédère (malheureusement endommagé lors de l'incendie de 1812) - tout cela remonte plutôt aux traditions de l'architecture populaire de la Russie antique. DANS architecture occidentale Au XVIIIe siècle, on peut trouver des palais avec des belvédères, mais la croissance organique du bâtiment n'atteint pas une telle force d'expression que dans la construction de Bajenov et de certains de ses compatriotes. Ici, nous devons également rappeler les œuvres de M. Kazakov, contemporain et ami de Bajenov. Son église du métropolite Philippe de 1777-1788 à Moscou, avec tous les éléments de son architecture, appartient au classicisme palladien : un portique, des fenêtres rectangulaires et des fenêtres à chambranles, et enfin, une rotonde lumineuse - tout cela est tiré du répertoire de formes classiques. Mais la silhouette de ce temple, sa ressemblance avec une pyramide à degrés, nous rappelle involontairement les églises Narychkine, qui étaient sous les yeux des architectes moscovites et attiraient toujours leur attention.
Les architectes occidentaux préféraient la symétrie ou au moins un équilibre stable des pièces de leurs bâtiments. Deux immeubles identiques sur la place de la Concorde à Paris en sont un exemple. Au contraire, les architectes russes de cette époque s’écartaient souvent de l’ordre strict. La maison d'enseignement de Moscou, construite en 1764-1770 par l'architecte K. Blank, a été conçue dans l'esprit des idées pédagogiques des Lumières et avait donc un plan clair et rationnel. Dans le même temps, le bâtiment s'étend fortement le long des berges de la rivière Moskova. Les murs blancs et lisses au-dessus desquels s'élève la tour rappellent les monastères de la Rus antique, ces forteresses imprenables situées au bord des lacs et des rivières, avec des murs en pierre blanche et des tours aux angles. Ces caractéristiques donnent de l'originalité à l'urbanisme russe du XVIIIe siècle : moins d'ordre, d'équilibre et de symétrie, mais plus de sensibilité à l'harmonie entre le bâtiment et les vastes étendues du pays et la nature vierge qui entoure les villes.
Quant à la sculpture, la Russie du XVIIIe siècle n'avait aucun lien continu avec la tradition du Moyen Âge, qui dans tous les domaines pays de l'Ouest a joué un grand rôle. Cependant, grâce à l'assiduité du sculpteur français Gillet, professeur à l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg, toute une galaxie de maîtres russes s'est formée à la fin du XVIIIe siècle. Le chef-d'œuvre de Falconet Cavalier de bronze« a également contribué au développement du goût pour ce type d'art. Cependant, les maîtres russes ne se sont pas limités à l'imitation.
Dans son croquis en terre cuite « Ajax sauve le corps de Patrocle », M. Kozlovsky, comme beaucoup d'autres maîtres de son temps, s'est inspiré de l'ancien groupe « Ménélas avec le corps de Patrocle » des Offices. Mais dans l'œuvre du maître russe, il n'y a aucune trace de ce classicisme lent et artificiel qui fut alors inculqué à l'Académie. Le corps tendu d'Ajax semble plus fort contrairement au corps de son ami décédé. Sa sculpture est mise en valeur. Le drame de la situation du héros, sauvant son ami au milieu d'une bataille acharnée, est de nature romantique. M. Kozlovsky anticipe les expérimentations sculpturales de T. Gericault. Il n'est pas surprenant que, contrairement à ses contemporains, Kozlovsky accorde une grande importance à Michel-Ange ( V. Petrov, sculpteur Kozlovsky - Journal. « Art », 1954, n° 1, p.). Peut-être que la posture de son Ajax reflétait indirectement quelque chose de la valeur des guerriers de Souvorov, qui suscitait alors l’admiration universelle, quelque chose de cette foi en l’homme qui sous-tend « l’art de vaincre » du grand commandant russe.
Au XVIIIe siècle, le genre paysan n'avait nulle part un caractère aussi unique qu'en Russie. Peintre français J.-B. Leprince, en tant que voyageur étranger, n'a pas remarqué la misérable existence des serfs russes. Vue interne La cabane paysanne dans son dessin du Musée des Beaux-Arts Pouchkine ressemble à une scène mythologique dans l'esprit de Boucher. La cabane est spacieuse et éclairée, comme une salle de palais, et par conséquent, les figures de ses habitants sont véhiculées facilement et avec grâce. On retrouve quelque chose de complètement différent dans les dessins de I. Ermenev, dessinateur russe du XVIIIe siècle, presque inconnu jusqu'à récemment, qui occupe désormais presque la même place dans l'art russe que Radichtchev dans la littérature ( À propos d'Ermenev : « Un universitaire russe école d'art», M.-L., 1934 ; « Patrimoine littéraire », vol. XXIX-XXX, M., 1937, p. 385.). (Pour comprendre l'état d'esprit d'Ermenev, il faut se rappeler que lorsqu'il était en France, il a été témoin de la prise de la Bastille et a capturé cet événement dans l'un de ses dessins.) Le sort des paysans russes, des pauvres et des aveugles est exprimé par Ermenev avec une véracité impitoyable. L'équilibre de la composition et les formes lapidaires renforcent l'impact de ces dessins, dans lesquels le maître n'a pas eu recours aux techniques du grotesque et de l'hyperbolisation. Cet artiste des Lumières, par essence, anticipait en grande partie ce qui attirera plus tard les Vagabonds. Ses petits dessins ressemblent à des esquisses de fresques monumentales. Leur pouvoir d'influence surpasse même les images épiques de M. Shibanov dans ses tableaux « Mariage paysan » et « Déjeuner paysan » de la galerie Tretiakov.
Il faut supposer que D. Diderot aurait approuvé le portrait d'une paysanne, ou plutôt le portrait de l'actrice serf, le comte Sheremetyev en russe. costume folklorique(Galerie Tretiakov), puisque « l'état social » d'une personne y est très clairement exprimé. Cette création de l'artiste serf Ivan Argunov séduit par sa profonde humanité, qui manquait souvent aux portraits profanes ( I. Danilova, Ivan Argunov, M., 1949 ; T. Selinova, I.P. Argunov. - Revue « Art », 1952, septembre-octobre.). La gentillesse de la jeune femme, sa pureté spirituelle - tout cela anticipe les images paysannes de Venetsianov et des romans de Tourgueniev et de Tolstoï. Il faut comparer cette image encore un peu timide et contrainte de la femme serf avec les élégants portraits laïques du XVIIIe siècle de F. Rokotov et D. Levitsky pour mesurer la profondeur de l'abîme qui divisait la société russe d'alors.
Canons d'un portrait d'apparat baroque A. P. Antropov (1716 -1795) Portrait de l'empereur Pierre III 1762 Charles-Joseph Natoire (1700 -1777) Portrait de Louis, Dauphine de France 1747
Variations du portrait de cérémonie impérial A. P. Antropov (1716 -1795) Empereur Pierre III sur fond de bataille 1762 A. P. Antropov (1716 -1795) Portrait de l'empereur Pierre III Croquis, 1762
Portrait d'église (ecclésiastique) A. P. Antropov (1716 -1795) Portrait d'un archevêque Portrait de l'archevêque S. P. Kulyabka. 1760 Platon (Levshin). 1775 Anton Raphael Mengs (1728 -1779) Portrait du pape Clément XIII 1758
Allégories du règne de Catherine II Francesco Fontebasso (1709 -1768/9) Allégorie de l'accession au trône de Catherine II 1762 Stefano Torelli (1712 -1780) Allégorie de la conquête des Turcs et des Tatars par Catherine II Vers 1772
Premier travail (d'étudiant ?) de F. S. Rokotov (1732 ? 5 ? -1808) Portrait de l'impératrice Catherine II des années 1760. Martin van Meytens (1695 -1770) Portrait de l'impératrice Marie-Thérèse 1759
Portrait de Rokotov - « Type Roslin » F. S. Rokotov (1732 ? 5 ? -1808) Portrait de Catherine II 1780 Alexandre Roslin (1718 -1793) Portrait de Catherine II. D'ACCORD. 1780 Drottingholm, palais royal
Portraits d'« enfants de haut rang » Portrait du grand-duc Pavel Petrovich ; 1761 F. S. Rokotov (1732 ? 5 ? -1808) Portrait de la princesse E. B. Yusupova ; début années 1760
« Héros, boisson et temps caustique » Jean-Honoré Fragonard (1732 -1806) Inspiration Environ. 1769 F. S. Rokotov (1732 ? 5 ? -1808) Portrait du poète V. I. Maykov Environ. 1766 « C'est pour les actes glorieux du temps de la protection que les piitas naissent au monde avec les héros, afin de lui imposer des chaînes et de détruire le pouvoir de sa causticité. Ainsi, lorsque les chanteurs chantaient des héros, ils espéraient vivre pour toujours avec des héros. Pardonne-moi, grand mari, tu es ma faiblesse, je veux vivre éternellement avec ta gloire ; Quand les descendants commenceront à lire ces poèmes, bien sûr, ils se souviendront aussi de moi et de vous. » V. I. Maikov « Message au comte P. I. Rumyantsev », 1775.
« Héros mystérieux » du siècle des Lumières F. S. Rokotov (1732 ? 5 ? -1808) Portrait d'un jeune homme au bicorne Début des années 1770. Benjamin West (1738 -1820) Autoportrait 1770
« Héros excentrique » du siècle des Lumières F. S. Rokotov (1732 ? 5 ? -1808) Portrait de N. E. Struisky 1772 Joseph Ducrot (1725 -1805) Autoportrait en moqueur 1789 -91
« Mystère » et coquetterie (?) F. S. Rokotov (1732 ? 5 ? -1808) Portrait d'A. P. Struyskaya 1772 Alexander Roslin (1718 -1793) Portrait d'une dame au voile 1769
Jeune dame du « style rococo » F. S. Rokotov (1732 ? 5 ? -1808) Portrait d'une inconnue en robe rose. années 1770 Alexander Roslin (1718 -1793) Portrait de Madame de Lamballe années 1770.
Figure nue dans le « style rococo » F. S. Rokotov (1732 ? 5 ? -1808) Fille nue années 1770-80. François Boucher (1703 -1770) Toilettes de Vénus Années 1740.
Une dame âgée en Russie et en France I. P. Argunov (1729 -1802) Portrait de A. A. Lazareva Fin des années 1760. Louis Toquet (1696 -1772) Portrait de Madame Danget à ses travaux d'aiguille 1753
« L'homme naturel » dans le giron de la nature Adolf Ulric Wertmüller (1751 -1811) Madame d'O, amie de la reine Marie-Antoinette, habillée en laitière. 1787 I. P. Argunov (1729 -1802) Portrait d'une jeune femme en costume de paysanne 1784 « Le soleil termine son cercle, le printemps arrive dans les prairies, amuse la créature et renouvelle la lumière. La neige a disparu, le zéphyr souffle sur le troupeau : Les sources murmurent et l'alouette chante. Ces heures les plus chères sont venues, Pour que le berger puisse voir la beauté du berger. » A. P. Sumarokov (1717 -1777) Églogue « Palmyre », 1787.
Églogue et pastorale sur la scène du théâtre N. I. Argunov (1771 -1829 ?) Acteur I. Ya Yakimov dans le rôle de Cupidon 1790 Laurent Pache le Jeune (1733 -1805) Acteurs dansant sur scène années 1760.
Statut/rôle autoportrait de l'artiste D. G. Levitsky (1735 -1822) Autoportrait 1783 ? (Années 1790 ?) Joseph Ducrot (1725 -1805) Autoportrait en uniforme de marine 1795
Portrait d'un « dirigeant éclairé » D. G. Levitsky (1735 -1822) Catherine II, législatrice dans le Temple de la Justice. 1783 Pompeo Girolamo Batoni (1708 -1787) Empereur François Ier Stefan, défenseur de la justice. 1768
Aspects de l'image de « l'impératrice éclairée » D. G. Levitsky (1735 -1822) Catherine II législateur dans le temple de la justice. 1783 F. I. Shubin (1740 -1805) Catherine II - législateur 1789 -90 D. G. Levitsky (1735 -1822) Portrait de Catherine II (sous la forme de Minerve). années 1780
Portrait d'un noble éclairé (I) D. G. Levitsky (1735 -1822) Portrait de l'architecte A. F. Kokorinov 1769 -1770 Anton von Maron (1733 -1808) Portrait de Johann Joachim Winckelmann 1768
Portrait d'un noble éclairé (II) D. G. Levitsky (1735 -1822) Portrait de P. A. Demidov 1773 Jean-Louis de Velli (1730 -1804) Portrait du comte I. I. Shuvalov 1755 -57
«Pour adoucir les mœurs et créer une nouvelle race de personnes» D. G. Levitsky (1735 -1822) Portrait de F. S. Rzhevskaya et N. M. Davydova 1772 George Romney (1734 -1802) Portrait des filles de Cumberland 1772 -73
Programme d'études à Smolny : danse D. G. Levitsky (1735 -1822) Portrait d'Ekaterina Nelidova 1773 Jacques-Louis David (1748 -1825) Mademoiselle Gimar dans le rôle de Terpsichore 1773 -74
Programme d'études à Smolny : mœurs laïques D. G. Levitsky (1735 -1822) Portrait de Natalia Borschova 1776 Thomas Gainsborough (1727 -1788) Portrait de Giovanna Baccelli 1782
Programme d'études à Smolny : musique D. G. Levitsky (1735 -1822) Portrait de Glafira Alymova 1776 Pompeo Girolamo Batoni (1708 -1787) Princesse Hyacinthe Orsini Buoncampagni Ludovisi. années 1770
Programme d'études à Smolny : sciences naturelles D. G. Levitsky (1735 -1822) Portrait d'Ekaterina Molchanova 1776 Jacques-Louis David (1748 -1825) Antoine-Laurent Lavoisier avec son épouse 1788
Leadership éclairé des « arts libres » D. G. Levitsky (1735 -1822) Portrait du comte I. I. Shuvalov, années 1780. Sir Joshua Reynolds (1723 -1792) Autoportrait en tant que président de la Royal Academy of Arts 1773
Raison et sentiments dans la « vie éclairée » (I) D. G. Levitsky (1735 -1822) Portrait d'Ursula Mnischek 1782 Joseph Ducrot (1725 -1805) Portrait de la reine Marie-Antoinette 1782
Jeu et passion dans la « vie éclairée » D. G. Levitsky (1735 -1822) Portrait de l'actrice Anna Davia Bernuzzi 1782 Thomas Gainsborough (1727 -1788) Portrait de l'actrice Sarah Siddons 1783 -85
Raison et sentiments dans la « vie éclairée » (II) D. G. Levitsky (1735 -1822) Portrait de A. D. Lansky 1782 Johann Baptist Lampi (1751 -1830) Portrait de Son Altesse Sérénissime le prince G. A. Potemkine-Tavrichesky. 1792
Esprit éclairé : philosophe D. G. Levitsky (1735 -1822) Portrait de Denis Diderot (?) 1773 -74 Jean-Honoré Fragonard (1732 -1806) Portrait de Denis Diderot Ok. 1769
Esprit éclairé : mystique D. G. Levitsky (1735 -1822) Portrait de N. I. Novikov 1797 (?) Carl Frederick von Breda (1759 -1818) Portrait d'Emmanuel Swedenborg 1817
E.-M. Falconet - l'artiste principal de la manufacture de Sèvres Etienne-Maurice Falconet (1716 -1791) Allégorie de l'hiver Cupidon serrant un doigt Flore 1771 1757 Années 1750.
« Allégorie sculpturale des Lumières russes » Marie-Anne Collot (1748 -1821) Tête de Pierre Ier Bas-relief de Pierre Ier 1767 1769 -70 Etienne-Maurice Falconet (1716 -1791) Monument à Pierre Ier sur la place du Sénat 1766 -1782
« Allégorie des Lumières » en milieu urbain « L'inauguration du monument à Pierre Ier le 18 août 1782 » Gravure de A. Melnikov (1830) d'après un dessin de A. F. Davydov ; 1782 ↖ Artiste inconnu Transport de la « Pierre-tonnerre » (novembre 1769 – février 1770) Gravure colorisée, années 1780. ← Benjamin Patersen (1748 -1815) Vue de la place du Sénat et du monument à Pierre Ier. 1799
Cour de Catherine - en sculpture F. I. Shubin (1740 -1805) Portrait d'un maréchal Portrait du secrétaire d'État, chambellan en chef Portrait de P. A. Rumyantsev-Zadunaisky A. A. Bezborodko M. V. Lomonosov 1778 1798 1792
Allégorie de l'art : « le peintre est le singe de Dieu » I. I. Firsov (c. 1733 -1785) Jeune peintre Après 1765 Jean-Baptiste Siméon Chardin (1699 -1779) Peintre-singe Paris, 1740
« Scène quotidienne » didactique ← I. F. Tupylev (1758 -1821) Jeu de farceur Années 1790 Georges de La Tour (1593 -1672) Fraude à l'as de carreau. 1635 -47 Michel-Ange du Caravage (1571 -1610) Escrocs aux cartes. 1596.
« L'envers » des Lumières (I) ← Artiste inconnu Portrait de D. -A. -F. de Sade Début des années 1760 Artiste inconnu Portrait de A. N. Radichtchev (1749 -1802) Vers 1790 Donatien-Alphonse-François Marquis de Sade (1740 -1814) Édition originale du roman « Justine, ou les malheurs de la vertu » (Amsterdam/Paris, 1791)
« L'Envers » des Lumières (II) Jean-François Turcati (1763 -?) Jean-Paul Marat sur le podium D'après l'original de S. Petit ; D'ACCORD. 1792 Artiste inconnu Portrait de E. I. Pougatchev (vers 1742 -1775) Environ. 1775 -80 G.-H. Siewking (1751 -1799) Exécution du roi Louis XVI le 21 janvier 1793 Gravure en couleurs, 1793
« L'homme naturel » est immergé dans la nature (I) V. L. Borovikovsky (1757 -1825) Catherine II lors d'une promenade dans le parc Tsarskoïe Selo. 1794 François Boucher (1703 -1770) Jeanne-Atnoinette Poisson, marquise de Pompadour. 1759
« L'homme naturel » est immergé dans la nature (II) V. L. Borovikovsky (1757 -1825) Catherine II lors d'une promenade dans le parc Tsarskoïe Selo. années 1790 Elisabeth Vigée-Lebrun (1755 -1842) La reine Marie-Antoinette avec une rose à la main. 1783
Nouveau « canon du portrait sentimental » V. L. Borovikovsky (1757 -1825) Portrait d'E. N. Arsenyeva. D'ACCORD. 1795 Portrait de Skobeeva. D'ACCORD. 1795
Sentimentalisme ou style Empire ? (I) V. L. Borovikovsky (1757 -1825) Portrait de M. I. Lopukhina 1797 Jacques-Louis David (1748 -1825) Portrait d'une jeune femme inconnue 1798 
« L'homme naturel » est immergé dans la nature (III) V. L. Borovikovsky (1757 -1825) Portrait de D. A. Derzhavina 1813 Antoine-Jean Gros (1771 -1835) Portrait de Christine Boyer Ok. 1800
« Les débuts de l'orientalisme russe » V. L. Borovikovsky (1757 -1825) Murtaza Quli Khan, frère du Shah persan Agha Mohammed. 1796 Jacques-André-Joseph Aved (1702 -1766) Pacha Mehmed Saïd, ambassadeur du sultan turc en France. 1742
L'image du héros militaire Antoine-Jean Gros (1771 -1835) Général Bonaparte sur le pont d'Arcole. 1796 V. L. Borovikovsky (1757 -1825) Portrait du général F. A. Borovsky 1799 « Comme une tempête, un éclair sombre, Battant des ailes avec bruit dans le ravin, Les Russes se précipitèrent à nouveau au combat. Leur lance ne connaît pas le repos, Leurs poitrines se soulèvent à cause des bouffées fréquentes, La sueur et le sang coulent d'eux en un ruisseau » V.P. Petrov (1736 -1799) « Ode sur la capture d'Ismaël » (1790)
Portrait de dame « empire » (I) V. L. Borovikovsky (1757 -1825) Portrait de E. V. Rodzianko 1821 Jean-Auguste-Domenic Ingres (1780 -1867) Portrait de Madame Leblanc 1823
Portrait « empire » de dame (II) V. L. Borovikovsky (1757 -1825) Portrait de Madame A. -L. -ET. de Stael Vers 1812 Jacques-Louis David (1748 -1825) Portrait de Madame Henriette de Verignac 1802
Stabilité du canon d'un portrait d'apparat V. L. Borovikovsky (1757 -1825) Portrait du prince A. B. Kurakin, vice-chancelier de la cour de Paul Ier 1801 -02 Antoine-Jean Gros (1771 -1835) J. -C. -M. Duroc, duc de Frioul, maréchal de la cour de Napoléon Ier 1804
Stabilité du canon du portrait « très auguste » (I) V. L. Borovikovsky (1757 -1825) Portrait de l'empereur Paul Ier 1800 Robert Lefebvre (1755 -1830) Portrait du couronnement de Napoléon Ier 1804
Portrait ascétique (quasi-romantique ?) de S. S. Chtchoukine (1762 -1828) Portrait de l'empereur Paul Ier 1797 -99 Antoine-Jean Gros (1771 -1835) Bonaparte - premier consul 1802
Stabilité du canon du portrait « très auguste » (II) V. L. Borovikovsky (1757 -1825) Portrait de l'empereur Alexandre Ier 1807 -08 Sir Thomas Lawrence (1769 -1830) Portrait de George IV, roi d'Angleterre 1820
Peinture religieuse des Lumières V. L. Borovikovsky (1757 -1825) Vierge à l'Enfant avec des anges ← 1823 Christ mort au tombeau 1824 -25 ↓ Jacques-Louis David (1748 -1825) Christ crucifié 1782
Le concept général des « Lumières » : l’ère du rationalisme, la croyance en la toute-puissance de la raison, « l’encyclopédisme », la « monarchie éclairée ». L'impératrice Catherine II (1762-1769), sa politique culturelle, le mécénat des arts et des sciences. Nouvelle charte de l'Académie des Arts, bâtiment de l'Académie (architectes A.F. Kokorinov et J.-B. Vallin-Delamott ; 1764-1788). Les portraitistes les plus importants : peintre F.S. Rokotov (1735?-1808), maître de caractérisation psychologique : « Portrait du poète V.I. Maïkova" (vers 1765); "Portrait d'A.P. Struïskoï" (1772) ; «Portrait de la comtesse E.V. Saint-Santi" (1785). -Peintre D.G. Lévitski (1735-1822)), auteur d'ouvrages programmes : « Catherine II la Législatrice » (avec variantes, 1783), une série de portraits d'étudiants de l'Institut Smolny - « Smolyans » E.I. Nelidova (1773), E.N. Khrouchtcheva et E.N. Khovanskaya (1773), G.I. Alymova (1776 ; la série entière se trouve au Musée national russe). Caractéristiques stylistiques des portraits d'apparat des « Lumières ». - Sculpteur EM. Falconet (1716-1791) : monument à Pierre Ier à Saint-Pétersbourg = « Cavalier de bronze » (portrait tête exécuté par M.-A. Callot ; 1782). - Peintre V. L. Borovikovski (1757-1825), créateur de la tendance « sentimentale » dans le genre du portrait : « l’homme naturel dans le giron de la nature ». « Catherine II en promenade dans le parc Tsarskoïe Selo » (avec variantes, 1794-1800), « Portrait de M.I. Lopoukhina" (1797) ; "Portrait de la comtesse A. Bezborodko avec ses filles" (1803), "Portrait de l'empereur Paul Ier dans les vêtements du Grand Maître de l'Ordre de Malte" (1800). Peinture religieuse de Borovikovsky. L’art russe et les « dernières » Lumières européennes – caractéristiques et différences liées.
Littérature
Alekseeva T.V. Vladimir Lukich Borovikovsky et la culture russe au tournant des XVIIIe et XIXe siècles. - M. : Art, 1975;
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Russie - France : Siècle des Lumières. Les relations culturelles russo-françaises au XVIIIe siècle [Catalogue de l'exposition]. -L. : maison d'édition État Ermitage, 1987.
Thème 6. Académie russe des arts au tournant des XVIIIe-XIXe siècles : principes d'éducation, esthétique normative, système des genres
L’Académie des Arts de Saint-Pétersbourg est un établissement d’enseignement et un bastion de « l’esthétique normative ». L'art comme création exceptionnelle de beauté : « Un artiste qui veut rendre son œuvre élégante doit essayer de dépasser la substance elle-même avec l'image de la beauté mentale » (extrait du « Discours » de P.P. Chekalevsky, 1792). Orientation des étudiants vers l'idéalisation de la nature : une vision « anatomisante » ( écorche), l'utilisation de motifs et de poses de la sculpture ancienne, copiant des peintures de maîtres de la Renaissance et du classicisme du XVIIe siècle. L'importance de la « super-tâche morale » ; hiérarchie des genres ; le sens de la peinture historique et mythologique. - A.P. Losenko (1737-1773), fondateur du genre historique dans la peinture russe. Formation de Losenko en Russie, en France et en Italie ; les œuvres les plus importantes : « Le Sacrifice d'Abraham » (1765), « Zeus et Thétis » (1769). Le tableau « Vladimir et Rogneda » (1770) est la première œuvre basée sur une intrigue de histoire nationale. Autres œuvres : « Hector et Andromaque » (1773) ; portraits de Losenko.
Autres peintres historiques académiques et leurs œuvres : PI. Sokolov (1753-1791)) « Mercure et Argus » (1776), « Vénus et Adonis » (1782) ; - G.I. Ougriumov (1764-1823)) « L'épreuve de la force de Jan Usmar » (1796), « L'appel de Mikhaïl Fedorovitch Romanov au royaume » (1797-99) ; - I.A. Ivanov (1776-1848)« L'exploit d'un jeune Kievite » (vers 1810), « Le duel du prince Mstislav l'Udal avec Rededey » (1812) ; - A.E. Egorov (1776-1851)« Le Tourment du Sauveur » (1814) : utilisation d'anciens « codes visuels » pour idéaliser/glorifier des personnages. L'importance des œuvres de ces auteurs ; conclusion générale sur « l’approche académique » de la représentation et du patrimoine artistique.
Sculpture académique (brève description). MI. Kozlovski (1753-1802)) « Monument à A.V. Souvorov" (1799-1801) : le commandant est représenté comme le dieu de la guerre, Mars ; - I.P. Martos (1754-1835) « Monument à Minine et Pojarski » à Moscou (1804-1818) : stylisation/héroïsation ancienne ; - DANS ET. Demut-Malinovsky (1784-1833)« La Scaevola russe » (1813) : le héros national est présenté comme un personnage romain. Héros antiques BI. Orlovski (1797-1837): « Paris » (1824), « Faune jouant du seringa » (1825-1838).
Littérature
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Kaganovitch A.L. Anton Losenko et l'art russe du milieu du XVIIIe siècle. - M. : Art, 1963;
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Moleva N., Belyutin E. Système pédagogique de l'Académie des Arts du XVIIIe siècle. - M. : Art, 1956;
Moleva N., Belyutin E. École d'art russe de la première moitié du XIXe siècle. - M. : Art, 1963.
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Université d'État russe de justice
Branche centrale
Faculté de Formation Continue pour la Formation de Spécialistes du Système Judiciaire
Département des disciplines éducatives générales
Essai
Par sujet académique: "Culturologie"
Sur le thème : « Architecture et beaux-arts du siècle des Lumières »
Complété par : étudiant de 1ère année du groupe 102
Voronova Yu.S.
Responsable scientifique : Art. professeur
Kolupaeva E.A.
Voronej, 2015
Introduction
Chapitre 1. Architecture du siècle des Lumières
1.1 Architecture des Lumières en Europe
1.2 Architecture baroque
1.3 Style classicisme en architecture
1.4 Architecture du siècle des Lumières en Russie
Chapitre 2. Beaux-arts de l'ère des Lumières
2.1 Beaux-arts des Lumières en Europe
2.2 Beaux-arts des Lumières en Russie
Conclusion
Bibliographie
Introduction
Pertinence. Le mouvement des Lumières était paneuropéen, mais il est né et est devenu plus efficace en France, où une nouvelle idéologie, une nouvelle moralité et une nouvelle esthétique ont finalement conduit aux conséquences dévastatrices de la Grande Révolution française.
Les Lumières considéraient que la force motrice du processus historique était la lutte entre la raison et la superstition. La formation de la personnalité est influencée de manière décisive par l'environnement social et naturel (géographique), ainsi que par le système féodal. ordre publique, ses institutions politiques, ses normes juridiques et morales sont destructrices pour les humains. Le bien-être social, selon eux, était entravé par l'ignorance, la superstition et les préjugés générés par les ordres féodaux et la dictature spirituelle de l'Église. C'est pourquoi Voltaire détestait si furieusement l'Église. Sa phrase : « Écrasez le reptile ! » est devenu ailé. L’esprit a été déclaré comme l’outil le plus puissant pour transformer le monde qui nous entoure.
Le principe clé du programme politique des Lumières était la loi, qui assumait automatiquement l’existence de la liberté, de l’égalité et de la fraternité. Les éclaireurs comprenaient la liberté comme la soumission volontaire à la loi. L'égalité est le droit égal devant la loi de chacun, du berger au roi. La confrérie avait un son purement émotionnel. Soumise à l’État de droit, la forme du pouvoir d’État n’était pas d’une importance fondamentale pour les éclaireurs. « Le meilleur gouvernement est celui dans lequel seules les lois sont respectées », écrivait Voltaire dans ses Lettres philosophiques.
Le désir d'influencer directement les esprits, caractéristique des figures des Lumières, détermine le caractère journalistique accentué de leur travail et son ton édifiant. Les érudits des Lumières ont reconnu le rôle énorme de l’art dans vie publique, y voyant peut-être le moyen d'illumination le plus important. Le principe « d'éduquer en divertissant », qui existe en esthétique depuis l'Antiquité, a reçu une nouvelle interprétation de la part des éclaireurs : la littérature et l'art sont appelés non seulement à instruire, mais aussi à éduquer, à former une personne aux idéaux de la raison.
Quant à la Russie, le siècle des Lumières occupe principalement le XVIIIe siècle, lorsque le gouvernement a activement encouragé le développement des sciences et des arts. Durant cette période, les premières universités russes, les bibliothèques, le théâtre, les musées publics et une presse relativement indépendante ont vu le jour. La plus grande contribution aux Lumières russes appartient à Catherine la Grande qui, comme d’autres monarques éclairés, a joué un rôle clé dans le soutien des arts, des sciences et de l’éducation. Bien qu'en Russie, comme dans d'autres pays européens, des changements importants se soient produits à cette époque, la différence entre la Russie et le siècle des Lumières occidentales est que non seulement il n'y a pas eu de déplacement de l'opinion publique vers le développement d'idées libérales, mais au contraire , ils ont été accueillis avec une extrême méfiance. La noblesse russe, en particulier, a résisté aux attaques contre le servage. Cependant, le soulèvement de Pougatchev et le Grand Révolution française et en Russie, ils ont donné lieu à des illusions de changements politiques imminents et ont influencé influence significative sur le développement intellectuel de la société. La place de la Russie dans le monde à cette époque a été activement discutée par Denis Fonvizine, Mikhaïl Chtcherbatov, Andrei Bolotov, Ivan Boltin et Alexandre Radichtchev. Par la suite, ces discussions ont donné lieu à une scission de la société russe entre Occidentaux et slavophiles.
But de l'étude:Étudiez l’architecture et les beaux-arts du siècle des Lumières.
Articlerecherche: Architecture et beaux-arts du siècle des Lumières.
Chapitre1. Architecture du siècle des Lumières
1.1 Architecture du siècle des Lumières en Europe
La culture européenne des Lumières nous a donné deux grands styles à travers lesquels s'est produite l'expression des idées fondamentales de cette époque. Ces grands mouvements étaient le baroque et le classicisme. Ce qu’ils ont en commun, c’est qu’ils sont apparus à partir de la Renaissance. Mais en même temps, les deux styles ont reçu des fondements figuratifs et idéologiques complètement différents. Le baroque et le classicisme ont tous deux eu une forte influence sur divers domaines de la culture : littérature, peinture, architecture, musique, théâtre.
1.2 Architecture baroque
La transition de la Renaissance au baroque est due à la profonde crise religieuse et spirituelle qui a frappé le continent à la suite de la Réforme. L'Italie de cette époque était faible et fragmentée, et sa noblesse, essentiellement religieuse, ne disposait pas de suffisamment de fonds pour construire de nouveaux palais. Le mouvement émergent connu sous le nom de Contre-Réforme cherchait à restaurer le pouvoir de l’Église catholique romaine. En raison du manque de fonds, Attention particulière les architectes se sont tournés vers une riche décoration des temples existants.
Peu à peu, principalement dans le nord de l’Italie, le style architectural baroque s’est formé. Il a ses racines dans l'architecture de la Renaissance, mais la surpasse largement en termes de pittoresque et de diversité. Les lignes droites ici ont cédé la place à des lignes brisées et sinueuses (d'où le nom du style - « prétentieux », « bouclé »). Les décorations sophistiquées - statues, moulures en stuc, pots de fleurs - deviennent des attributs indispensables du style. Grâce au jeu du clair-obscur et aux innombrables reflets dans de nombreux miroirs, l'illusion d'un espace en expansion a été créée. Les bâtiments construits dans ce style se caractérisent par des corniches de façade profilées, des colonnes, des pilastres et des demi-colonnes de plusieurs étages et des détails sculpturaux concaves ou convexes. Tous ces éléments donnent au bâtiment un aspect vivant et émouvant. Il n'y a pas de détails indépendants, mais tout est subordonné à l'ensemble architectural. Les principes baroques se sont étendus à l’architecture urbaine et à l’aménagement paysager.
Les bâtiments les plus célèbres de style baroque étaient : la création de Lorenzo Bernini - l'ensemble de la place de la cathédrale Saint-Pierre au Vatican, et dans la France absolutiste - le château de Versailles avec un ensemble de parc.
1.3 Style classicisme en architecture
Le classicisme est apparu un peu plus tard que le baroque, et son émergence même a été provoquée par une tentative de remettre en question les idées et les principes prêchés par le style baroque. Il reflétait les revendications de la classe bourgeoise émergente et sa philosophie inhérente du rationalisme. Les prédicateurs du classicisme considéraient le baroque comme « faux », peu clair et déroutant du point de vue des normes clairement formulées et équilibrées des classiques anciens. Les maîtres d'art qui ont travaillé dans le style du classicisme, à la suite des génies de la Renaissance, ont cherché à faire revivre le style de la Grèce antique. Tout s'est déroulé selon les canons classiques, l'ordre a été strictement observé.
L'architecture classique est personnifiée par une façade grecque à fronton triangulaire ou un portique à colonnes. Le corps du bâtiment est en forme de bloc, divisé par des pilastres et des corniches. Les colonnes décorent non seulement les murs, mais supportent également la charge du système de poutres. Le décor est sobre, sans faste baroque. La symétrie règne partout. Les projets d'urbanisme massifs de cette époque ont été mis en œuvre en Europe dans le style du classicisme. Leur devise était une construction à grande échelle sans chefs-d'œuvre ; l'objectif est de construire des bâtiments aux fonctionnalités différentes, et pas seulement des temples et des palais ; approche - rationalité et laconicisme.
1.4 Architecture du siècle des Lumières en Russie
Le siècle des Lumières dans l’architecture et l’urbanisme russes est considéré comme important et significatif. Elle se caractérise par trois mouvements : le baroque, le rococo et le classicisme, apparus successivement au cours du XVIIIe siècle. Au cours de cette période, de nouvelles villes sont apparues, des objets ont été créés qui, à notre époque, sont considérés comme des monuments historiques et architecturaux reconnus.
Malgré le fait que la mort de Pierre Ier ait été une grande perte pour l'État, elle n'a plus eu d'impact significatif sur le développement de l'urbanisme et de l'architecture de cette période. Les architectes russes travaillant à Saint-Pétersbourg sous la supervision d'étrangers ont adopté leur expérience et ceux qui ont été envoyés étudier à l'étranger sont également retournés dans leur pays d'origine. Le pays disposait à cette époque d’un personnel solide. Les principaux architectes russes de cette période étaient Eropkin, Usov, Korobov, Zemtsov, Michurin, Blank et d'autres.
Le style caractéristique de cette période est appelé rococo et est une combinaison de baroque et de classicisme émergent. Cela montre de la bravoure et de la confiance. Le rococo est plus typique des solutions intérieures de cette époque. Dans la construction de bâtiments, le faste du baroque est encore noté et les traits stricts et simples du classicisme commencent à apparaître.
Cette période, qui coïncide avec le règne d'Élisabeth, la fille de Pierre, est marquée par l'œuvre du fils Rastrelli. Élevé dans la culture russe, il a démontré dans ses œuvres non seulement l'éclat et le luxe de l'architecture des palais, mais aussi une compréhension du caractère russe, de la nature russe. Ses projets, ainsi que le travail de ses contemporains Kvasov, Chevakinsky, Ukhtomsky, s'inscrivent organiquement dans l'histoire de l'architecture russe du XVIIIe siècle. Avec la main légère de Rastrelli, des compositions en forme de dôme ont commencé à apparaître non seulement dans la capitale, mais également dans d'autres villes russes, remplaçant progressivement celles en forme de flèche. La splendeur et l'ampleur de ses ensembles de palais n'ont pas d'analogue dans l'histoire russe. Mais malgré toute la reconnaissance et le luxe, l'art de Rastrelli et de ses contemporains n'a pas duré longtemps et, dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, il a été remplacé par une vague de classicisme. Au cours de cette période, les projets les plus à grande échelle ont été créés - un nouveau plan directeur pour Saint-Pétersbourg et un projet de réaménagement pour Moscou.
Dans l'architecture russe du dernier tiers du XVIIIe siècle, les caractéristiques d'une nouvelle direction ont commencé à apparaître, appelées plus tard le classicisme russe. À la fin du siècle, le classicisme était fermement établi comme la principale direction de l'art et de l'architecture. Cette tendance se caractérise par la rigueur des formes anciennes, la simplicité et la rationalité des designs. Contrairement aux bâtiments de style baroque qui remplissaient Saint-Pétersbourg et ses environs, le classicisme se manifestait surtout dans les bâtiments moscovites de cette époque. Parmi tant d'autres, il convient de noter la maison Pashkov, le bâtiment du Sénat, le complexe Tsaritsyn, la maison Golitsyn, le palais Razumovsky, qui sont considérés comme les exemples les plus frappants du classicisme architectural. À cette époque, à Saint-Pétersbourg, on construisait le palais de Tauride, la Laure d'Alexandre Nevski, le palais de marbre, l'Ermitage, le théâtre de l'Ermitage et l'Académie des sciences. Des architectes exceptionnels de cette époque, Kazakov, Bajenov, Ukhtomsky et bien d'autres sont à juste titre pris en compte.
beaux-arts du classicisme baroque
Chapitre 2.Beaux-arts du siècle des Lumières
2.1 Beaux-arts du siècle des Lumières en Europe
Ce n'est pas un hasard si le XVIIe siècle (le siècle des Lumières en Europe) est parfois appelé le siècle de la peinture. C'est durant cette période que furent créés des chefs-d'œuvre inégalés de la peinture européenne - rappelez-vous simplement les peintures de Rembrandt et Velazquez, Hals et Rubens, Poussin et Caravage. L'essentiel de cette floraison d'art sans précédent est l'expansion auparavant inimaginable des possibilités de la peinture, une attitude active envers la réalité, la profondeur de la pénétration psychologique dans monde intérieur personne.
L'un des thèmes principaux de l'art du XVIIe siècle est l'homme, la formation de son caractère dans une lutte qui a connu à la fois des hauts lieux et des défaites. Dans ce document, une personne a appris ses forces et a révélé ses meilleures qualités. Ce problème central a été résolu dans différents types d’art, mais surtout dans la littérature et la peinture.
Au XVIIe siècle, le problème prend une grande importance style artistique. Si aux étapes précédentes du développement de l'art un style pouvait exister pendant une période extrêmement longue en raison de sa stabilité et de son raffinement, aujourd'hui, en un siècle, plusieurs styles naissent et coexistent. Ainsi, au XVIIe siècle, deux styles phares de l'époque émergent simultanément et se développent en parallèle : le baroque et le classicisme. Le fait que dans un certain nombre de pays le baroque soit devenu plus répandu que le classicisme, qui dominait principalement en France, s'explique par les particularités développement historique ces pays, mais en aucun cas le classicisme par rapport au baroque. De plus, l'extraordinaire étendue de la couverture des phénomènes de la vie qui restaient auparavant en dehors des frontières de l'art, ainsi que la variété des nouveaux moyens artistiques, ne permettaient plus d'exprimer tout le contenu artistique de l'époque dans le cadre de seulement deux modes. Pour la première fois dans l’histoire surgissent des phénomènes artistiques qui ne peuvent être attribués à aucun des deux principaux mouvements stylistiques et qui forment, comme on l’appelle parfois, une ligne extra-gauche.
Le style baroque, apparu au début du XVIIe siècle, contrairement au classicisme, ne possédait pas sa propre théorie esthétique détaillée. On ne sait pas encore clairement la signification de ce mot, qui a commencé à être utilisé au XVIIIe siècle. Pour l'art baroque, s'efforcer de créer grand style, se caractérise par l'idée du monde comme une sorte d'unité cosmique, un élément puissant qui unit le ciel et la terre, les dieux et les hommes et est en mouvement et en changement constants. Les compositions de peintures baroques sont empreintes d'une dynamique accrue. Toutes les formes sont en mouvement rapide, les émotions humaines sont toujours élevées et les passions frisent parfois l'effet. La peinture baroque se caractérise par une certaine théâtralité.
Quant au classicisme, ce style privilégie les principes plastiques et graphiques linéaires. L’attitude du classicisme envers la couleur et le pittoresque est parfaitement exprimée par la brève définition de Poussin, qui sonne comme un aphorisme : ... les couleurs en peinture sont comme des appâts.
Il serait naïf et incorrect d'opposer le baroque et le classicisme, ces deux styles, à l'art de la ligne dite extra-gauche du point de vue de leur plus ou moins progressisme, réalisme et signification artistique. Chacun d’eux reflétait des aspects différents mais très significatifs de la réalité et apportait sa contribution à l’histoire de l’art. Et pourtant, l’émergence d’une ligne de gauche était quelque chose de fondamentalement nouveau. Il témoignait de l'extraordinaire expansion des possibilités de l'art, de l'inclusion dans sa sphère de phénomènes de la vie qui ne pouvaient plus être reflétés dans le cadre des formes canonisées de généralisation artistique, qui sont essentiellement tout système stylistique. Une variété d'artistes peuvent être attribués à cette ligne extra-gauche - de Rembrandt et Velazquez aux petits maîtres français du genre paysan. Et il y a encore une caractéristique de l'art du XVIIe siècle que les époques précédentes ne connaissaient pas : le développement simultané de l'art dans plusieurs pays à la fois, l'absence d'isolement national, le renforcement par rapport au passé de ce qui est dans la langue moderne. est communément appelé « contacts culturels » (communication entre artistes de différents pays, formations et voyages dans d’autres pays, etc.)
2.2 Beaux-arts des Lumières en Russie
Le XVIIIe siècle constitue une étape importante dans le développement de la culture russe. Les réformes de Pierre Ier ont touché toutes les couches de la société et tous les aspects de la vie de l'État russe. Les résidences royales des villes et des campagnes et les palais de la noblesse ont commencé à être décorés de sculptures de chevalet rondes, de sculptures décoratives et de bustes. Sans attendre la formation du personnel école domestique, Peter a ordonné d'acheter à l'étranger statues antiques et des œuvres de sculpture moderne. Les jeunes russes sont allés en Europe pour étudier l'art de la sculpture.
Au début du XVIIIe siècle. La sculpture monumentale et décorative devient particulièrement répandue. A cette époque, on trouve souvent des hauts-reliefs dans lesquels les volumes plastiques étaient fortement séparés du fond. Dans les cas où les maîtres créaient des bas-reliefs, ils utilisaient volontiers le type de relief dit pictural, dans lequel, comme dans les peintures, les plans alternent, une réduction en perspective des objets est véhiculée et des éléments de paysage sont utilisés. Les compositions purement ornementales sont résolues de la manière la plus plate.
Tout cela peut être vu dans l'exemple des décorations sculpturales de l'église Dubrovitsky (1690-1704) et de la tour Menchikov (1701-1707) à Moscou, l'élégante décoration sculptée du bureau de Pierre dans le Grand Palais de Peterhof, exécutée en 1718. -1721. Nicola Pino, bas-reliefs sur les murs du Palais d'été de Saint-Pétersbourg (1710-1714), représentant allégoriquement les événements de la guerre du Nord. Leur auteur, l'éminent sculpteur et architecte allemand Andreas Schlüter, est décédé six mois seulement après son arrivée à Saint-Pétersbourg et, bien entendu, n'a pas eu le temps de créer quoi que ce soit d'autre pendant cette période.
Une branche unique de la sculpture, en particulier de la sculpture décorative, est la sculpture d'iconostases en bois, de vestibules d'autel, etc. Les œuvres d'Ivan Petrovich Zarudny, également impliqué dans la peinture et l'architecture, sont particulièrement remarquables.
Avec les progrès dans le domaine des plastiques décoratifs, de sérieux progrès sont réalisés dans le développement de miniatures sculpturales. Dans les années 40, grâce aux efforts de l'éminent scientifique russe D.I. Vinogradov, ami de M.V. Lomonossov, une usine de porcelaine a été fondée à Saint-Pétersbourg, la troisième en Europe en termes d'implantation. En 1766 L'usine privée de Gardner ouvre ses portes à Verbilki, près de Moscou. Ces usines, outre la vaisselle, les tabatières et autres articles ménagers, produisaient également de petites œuvres d'art plastique qui attiraient l'attention par leur grâce.
Une contribution exceptionnelle à la culture russe au milieu du siècle a été apportée par Mikhaïl Vassilievitch Lomonossov, qui a relancé l'art de la mosaïque, déjà connu des maîtres de la Russie kiévienne. Les secrets de fabrication des smalts - des masses vitreuses colorées de différentes nuances - étaient gardés strictement confidentiels en Europe occidentale. Pour obtenir des smalts, Lomonossov a dû développer la technologie et les techniques nécessaires à leur production. La « palette » la plus riche de couleurs de verre, non inférieure en force et en beauté à celles célèbres du XVIIIe siècle. Le smalt italien a été obtenu par des scientifiques dans une usine d'Oust-Ruditsa, près de Saint-Pétersbourg, après avoir effectué plus de quatre mille fusions expérimentales. En 1758 M.V. Lomonossov a soumis au concours, organisé par le Sénat à son initiative, un projet de monument à Pierre Ier dans la cathédrale Pierre et Paul, où est enterré l'empereur.
De larges opportunités d'utiliser leurs forces et leurs capacités ont attiré les gens en Russie un grand nombre deétrangers - artistes, sculpteurs, architectes, etc. Beaucoup de beaux maîtres étrangers est entré dans l'histoire de l'art russe en participant à la vie artistique de la Russie et en y exerçant des activités d'enseignement.
Seconde moitié du XVIIIe siècle. - une période de grand essor de la sculpture. Tous ses principaux types se développent : reliefs, statues, portraits-bustes, mais aussi œuvres monumentales et décoratives, les œuvres de chevalet deviennent également des favoris.
Dans la province russe, la sculpture par sa composition et ses caractéristiques différait de celle de Saint-Pétersbourg et de Moscou. Les domaines de l'aristocratie ne contenaient qu'occasionnellement des œuvres de maîtres métropolitains célèbres. La majeure partie des œuvres appartenaient à des sculpteurs locaux, principalement des sculpteurs sur bois, et étaient généralement de nature clairement décorative (détails architecturaux, sculptures d'iconostases).
Les motifs ornementaux floraux, les dorures et les couleurs vives des formes sculptées en bois étaient abondamment utilisés. De nombreux musées abritent des sculptures rondes à caractère religieux : nombreuses versions de statues sur les thèmes « Le Christ en prison », « La Crucifixion », etc. Certains d'entre eux, datant du XVIIIe siècle, sont de nature primitive et remontent stylistiquement aux couches les plus anciennes de la culture artistique russe. D'autres œuvres, également du XVIIIe siècle, parlent de familiarité avec les œuvres des sculpteurs professionnels de la première moitié du XVIIIe siècle. ou même le début du classicisme.
Les monuments du folklore raffiné présentent un grand intérêt et une grande valeur esthétique. Il s'agit d'articles ménagers de conception plastique de la paysannerie russe (produits en bois sculpté, céramiques, jouets, etc.)
XVIIIe siècle - c'est l'apogée du portrait. La ligne artistique du portrait russe a conservé son originalité, mais a en même temps adopté les meilleures traditions occidentales.
Dans l'art du XVIIIe siècle. L'image de la nature acquiert son indépendance. Le paysage se développe en tant que genre distinct, où les maîtres éminents étaient Semyon Shchedrin, Mikhaïl Ivanov et Fiodor Alekseev. Les deux premiers représentaient souvent les environs de Tsarskoïe Selo, Pavlovsk, Gatchina et véhiculaient des impressions de voyages en Italie, en Suisse et en Espagne. Alekseev, qui a étudié à Académie Impériale arts, puis perfectionné à Venise. «Vue des quais du palais et de la forteresse Pierre et Paul» est l'une de ses peintures les plus célèbres, qui traduit les étendues des rives de la Neva, les jeux de lumière variés sur l'eau et la beauté austère des palais d'architecture classique.
Fin du XVIIIe siècle marquée par l'apparition de grandes œuvres de la peinture académique russe. L'une des collections d'art les plus riches au monde est en train de se constituer : l'Ermitage. Il est basé sur une collection privée de peintures de maîtres d'Europe occidentale (depuis 1764) de Catherine II. Ouvert au public en 1852.
Pour la culture russe du XVIIIe siècle. est devenue une période de développement de l'art profane, une étape d'accumulation de forces créatrices. Non seulement la peinture russe n'était pas inférieure à la peinture européenne, mais elle atteignait également son apogée. Les toiles des grands portraitistes - Rokotov, Levitsky, Borovikovsky - ont clairement souligné les réalisations sur cette voie et ont influencé la croissance fructueuse de l'école d'art russe.
Conclusion
Au siècle des Lumières, le passage à culture moderne. Prenait forme Nouvelle image la vie et la pensée, ce qui signifie que la conscience artistique d'un nouveau type de culture a également changé. Le nom « Lumières » caractérise bien l’esprit général de ce mouvement dans le domaine de la vie culturelle et spirituelle, qui se donne pour objectif de remplacer les conceptions fondées sur des autorités religieuses ou politiques par celles résultant des exigences de l’esprit humain.
Théâtre en Angleterre Publics de théâtre du XVIIIe siècle. est devenu beaucoup plus démocratique. De simples bancs ont été installés dans les stands pour les citadins. Les étagères étaient remplies de domestiques, d'étudiants et de petits artisans. Pendant les représentations, le public s'est comporté très activement, réagissant avec animation à ce qui était montré sur scène. Ainsi, en Angleterre, le théâtre des Lumières critiquait les vices du système bourgeois naissant.
Le processus de démocratisation de la société au siècle des Lumières a donné naissance à un nouveau genre dramatique : le drame bourgeois, dont les créateurs en France étaient D. Diderot, M. J. Seden, L. S. Mercier. Le drame petit-bourgeois marque la victoire du réalisme pédagogique, rapprochant les thèmes des œuvres dramatiques de la réalité quotidienne. Le contenu principal du nouveau genre était la critique des vices de la société noble, en les opposant aux idéaux du tiers état. Cependant, dotant leur héros positif - le bourgeois - de hautes vertus civiques et morales, dramaturges et éducateurs l'introduisent dans leurs œuvres. Caractéristiques de l'idyllicité et du didactisme. L'artiste français Jean Baptiste Greuze a également utilisé l'art comme un moyen éducation morale personne. Toutes les compositions de genre du peintre, non sans raison, semblent ennuyeuses au spectateur moderne, et ses tableaux sont édifiants. DANS oeuvres célébres«Le Paralytique», «L'Enfant gâté», «La Visite au prêtre», l'attention principale de Grez est portée sur un récit détaillé, dont doit nécessairement découler la morale.
L’Angleterre des Lumières est différente. Aucun des styles européens n'existait dans l'art de ce pays sous sa forme pure, car tous sont arrivés sur le sol anglais beaucoup plus tard que dans d'autres pays. Par conséquent, les caractéristiques du baroque (un style de l'art européen de la fin du XVIe au milieu du XVIIIe siècle) et du classicisme pourraient être à l'origine liées dans le travail d'un architecte ou d'un artiste. Pour art anglais typique grande attentionà la vie émotionnelle d’une personne, une recherche constante de moyens capables d’exprimer le monde complexe et changeant des sentiments et des sensations. Tout cela a été brillamment incarné dans le portrait. Une autre caractéristique non moins importante de la culture artistique anglaise est l’attention particulière portée aux problèmes d’éthique et de moralité. L'un des genres phares de la peinture est devenu le genre quotidien, qui a acquis une vive coloration satirique. Le sentiment de l'originalité de la culture nationale était très important pour les éclaireurs anglais : il suscitait le désir de suivre leur propre chemin en tout, et l'expérience de la peinture européenne était souvent perçue de manière critique.
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La France comme hégémonie de la vie spirituelle de l'Europe au XVIIIe siècle. Cadre chronologique et territorial du siècle des Lumières. L'évolution des idées philosophiques des Lumières et leur incarnation dans les beaux-arts. L'influence des Lumières sur le développement de l'art théâtral.
travail de cours, ajouté le 31/03/2013
Traits caractéristiques du siècle des Lumières, traits distinctifs de son développement en Angleterre, en France et en Allemagne. Pensée philosophique des Lumières. Caractéristiques de style et de genre de l'architecture, de la peinture, de la musique, de la littérature d'une période donnée, ses représentants les plus brillants.
test, ajouté le 11/06/2009
Connaissance d'éminents représentants de la littérature, de la musique et de la peinture du siècle des Lumières. Caractéristiques de la littérature de cette période. Caractéristiques caractéristiques de la peinture et de la sculpture. La créativité de l'I.S. Bakh, V.A. Mozart et L. Beethoven en tant que représentants de l'époque baroque.
notes de cours, ajoutées le 14/05/2014
Styles dans l'architecture et l'art de l'Europe et l'Amérique latine. Culture de l'église noble de l'apogée de l'absolutisme. La diffusion du baroque en Flandre, en Espagne, au Portugal, dans le sud de l'Allemagne, en Autriche, en République tchèque, en Slovaquie, en Croatie, en Ukraine et en Lituanie.
présentation, ajouté le 29/02/2012
Culture européenne des temps modernes, ses caractéristiques : humanisme et eurocentrisme. Caractéristiques philosophiques et esthétiques développement culturelépoque des Lumières. Idées d'éclaireurs et d'utopies sociales. Concepts culturels scientifiques des Lumières.
test, ajouté le 24/12/2013
L'étude de l'art de la Renaissance, y compris le développement de l'architecture lancée par Filippo Brunelleschi. Caractéristiques des écoles toscane, lombarde et vénitienne, dans le style desquelles les tendances de la Renaissance se combinaient avec les traditions locales.
résumé, ajouté le 05/01/2011
Idées et principes des Lumières. L'histoire de la pénétration des tendances culturelles en Russie sous le règne de Catherine II. Familiarisation avec créativité littéraire les représentants les plus célèbres de l'ère de la raison - Radichtchev, Novikov, Voltaire et Goethe.