Peut-être que vous n’en saviez pas une partie. Jetez un œil au sujet, j'espère qu'il sera intéressant et infatigable à lire.
1. Repin a basé le tsarévitch Ivan sur Vsevolod Garshin, qui était nerveux et impressionnable depuis son enfance. Pendant la guerre contre les Turcs, il s'est porté volontaire pour servir dans l'armée et, après avoir été blessé, a pris activité littéraire. Nous nous souvenons tous de son conte de fées « La grenouille voyageuse » (et du dessin animé !). Repin pensait qu'il ne pouvait pas trouver un meilleur candidat pour le rôle d'Ivan assassiné : « J'ai été frappé par le malheur devant le visage de Garshin : il avait le visage d'un homme voué à mourir. Peu de temps après avoir fini de travailler sur la toile, Garshin s'est suicidé - il a sauté du cinquième étage dans un escalier...
2. Le tableau de Kiprensky « Fille dans une couronne de coquelicots » (« Mariuccia ») représente Anna-Maria Falkucci, dix ans, la fille du mannequin. L'artiste s'est beaucoup attaché à elle. La jeune fille était en mauvaise santé et a grandi dans une extrême pauvreté. L'artiste a pris soin de la jeune fille et l'a inscrite dans une école du monastère. C'était en 1819. Plusieurs années plus tard, il retourna en Italie, se convertit au catholicisme et épousa secrètement Mariuccia. Ils n'ont pas vécu longtemps ensemble. Quatre mois après le mariage, Orest Kiprensky mourut et, quelques mois plus tard, Mariuccia donna naissance à une fille, Clotilde Kiprensky, dont la trace fut malheureusement désespérément perdue... 
3. Pour son tableau « Ophélie », John Millais a persuadé Elizabeth Siddal, l'amante d'un autre artiste, Rosetti, de poser allongée dans le bain. Il faisait froid dans l'atelier, donc l'eau de la baignoire était chauffée à l'aide de bougies placées sous son fond. Elizabeth est restée dans l'eau pendant des heures. L'eau s'est refroidie rapidement et était glaciale à la fin de la séance. La jeune fille est tombée malade d’une pneumonie et a ensuite développé la tuberculose. Rosseti, elle a donné naissance à un enfant mort-né. Elle a commencé à ressentir de fortes douleurs, dont elle s'est sauvée grâce à l'opium ; elle est décédée d'une overdose à l'âge de 32 ans. 
4. Amadeo Modigliani était pauvre, très malade et souffrait d'alcoolisme et de dépendance à l'opium. A 33 ans, il rencontre Jeanne Hébuterne, sa plus grande et dernier amour, elle avait 17 ans. Le bonheur fut de courte durée. Modigliani est décédé 2 ans plus tard. Et un jour plus tard, incapable de supporter la perte, Zhanna, enceinte de 9 mois, s'est suicidée. L'artiste a été enterré dans une tombe modeste sans monument dans la partie juive du cimetière du Père Lachaise. 
La renommée n'est venue à Modigliani qu'après sa mort. Le marchand Louis Libod, sentant la mort imminente du génie, achète ses tableaux. Et plus tard, il se vantait auprès de ses amis : « N’ai-je pas de chance ? Après tout, hier encore, je les ai achetés pour presque rien ! » L'artiste n'a pas eu le temps d'être enterré, mais le prix de ses tableaux avait déjà augmenté. 
5. J’ai trouvé l’énigme du sourire de Gioconda poète français Théophile Gautier (1811-1872), qui s'écrie avec enthousiasme : « La Gioconda ! Ce mot évoque immédiatement le Sphinx de la Beauté, qui sourit si mystérieusement dans le tableau de Léonard... Il est dangereux de tomber sous le charme de ce fantôme... Son sourire promet des plaisirs inconnus, il est si divinement ironique..." et ainsi de suite. Avant Gaultier, les téléspectateurs ne voyaient rien de mystérieux dans le sourire de Mona Lisa.
Le vol du tableau au Louvre en 1912 a ajouté à la popularité du tableau. Le scandale dans la presse était énorme ! Pendant les 3 années où ils l'ont recherché, 6 exemplaires ont été vendus, considérés comme l'original, et chacun d'eux a coûté très cher. 
6. « Le Carré Noir » a été présenté pour la première fois lors d'une exposition futuriste à Petrograd en 1915. La toile était accrochée dans le « coin rouge » - sous le plafond, là où les icônes étaient accrochées dans les maisons russes. La Première Guerre mondiale se déroulait et beaucoup l’ont vu sur la « Place ». symbole inquiétant désastre futur. Au début, Malevitch lui-même ne savait pas quoi penser de son « travail ». Lorsqu'on lui a expliqué la signification du carré dans le bouddhisme (le symbole de l'infini), il a seulement ouvert de grands yeux. Et puis a commencé le pompage intensif de la place à connotation symbolique...
Et puis même les funérailles de l'artiste ont tourné à la farce : le corps de l'artiste, les bras tendus, a été transporté sur une plate-forme de camion dans un cercueil en forme de croix, et un « Carré noir » a été monté sur le capot en guise de signe de deuil. 
Et voici un tableau intitulé « Bataille de nègres dans une grotte profonde » nuit noire" (1893). Elle a été créée vingt ans avant la naissance du chef-d’œuvre (ou « chef-d’œuvre » ?) de Malevitch (1915). L'auteur est un Français des bords de la Manche, un personnage très excentrique, écrivain humoriste et artiste Alphonse Allais. 
7. Van Gogh ne lui a pas coupé toute l'oreille, mais seulement un morceau de lobe de l'oreille ; cela s'est produit lors d'une dispute avec Gauguin. Cependant, il existe encore une légende largement répandue selon laquelle l'artiste aurait amputé toute son oreille. Cette légende se reflétait même dans le comportement d'un patient qui s'opérait lui-même ou insistait pour une certaine opération - on l'appelait le syndrome de Van Gogh. 
8. Une terrible maladie - la dépendance à l'alcool détruite le plus grand artiste Alexeï Savrasov. Sa femme l'a quitté et il a été renvoyé de l'école d'art, où parmi ses étudiants se trouvaient Korovin et Levitan. DANS dernières années il passait la nuit partout où il le fallait, buvait 24 heures sur 24 et peignait des tavernes avec une copie de son chef-d'œuvre «Les Rooks sont arrivés» - pour la vodka et le déjeuner. Par pitié, ses connaissances lui ont donné quelques pièces de monnaie, sinon il aurait bu même ses vêtements. Finalement, à l'âge de 67 ans, l'artiste est décédé du delirium tremens dans un hôpital pour pauvres. 
9. C'est peut-être une légende, mais quand Léonard de Vinci a écrit « Dernière Cène", a-t-il joint sens spécial deux personnages : le Christ et Judas. Pendant très longtemps, il n'a pas pu trouver de modèles sur lesquels peindre ces personnages. Finalement, il réussit à trouver un modèle à l'image du Christ parmi les jeunes chanteurs. Léonard n'a pas pu trouver de modèle pour Judas pendant trois ans. Jusqu'au jour où il rencontra dans la rue un ivrogne qui gisait dans un caniveau. C'était un jeune homme vieilli par une forte consommation d'alcool. Léonard l'a invité dans une taverne, où il a immédiatement commencé à peindre Judas. Lorsque l'ivrogne reprit ses esprits, il dit à l'artiste qu'il avait déjà posé pour lui une fois. Il y a plusieurs années, alors qu'il chantait dans la chorale de l'église, Léonard a peint le Christ d'après lui. 
10. Dans l'émission « Quoi ? Où? Quand?" Les connaisseurs se sont vu présenter deux tableaux de Polenov – « Le jardin de grand-mère » et « La cour de Moscou » avec la question : « Qu’ont-ils en commun ? Les experts n'ont pas deviné. La réponse est simple : les peintures représentent le même vieux manoir noble, mais avec différents angles. L'adresse de cette maison unique a survécu jusqu'à ce jour - la maison Baumgarten, au coin des ruelles Trubnikovsky et Durnovsky sur Arbat. 
11.Un artiste talentueux n’est pas nécessairement doué en tout. Levitan, par exemple, réalise des paysages magnifiques, mais a du mal à représenter des personnages. Ainsi, l'artiste Nikolaï Tchekhov a aidé son ami - il a dessiné sur son " Jour d'automne"Dame en noir. 
Et les ours du célèbre tableau de Shishkin n'appartiennent pas au pinceau d'Ivan Ivanovitch, mais à l'artiste Savitsky, un ami de l'artiste, qui devint plus tard son ancien ami. Tretiakov a acheté ce tableau à Shishkin pour 4 000 roubles. Ayant appris l'existence d'une somme aussi impressionnante, Konstantin Apollonovich, qui possédait sept magasins, est venu voir Ivan Ivanovich pour sa part.
Ivan Ivanovitch lui a offert mille roubles. Savitsky a été sérieusement offensé. La fierté de l’artiste en a été blessée : comment se fait-il que son œuvre ait été évaluée au quart du coût du tableau ! Konstantin Apollonovich a même déclaré dans son cœur que l'essentiel du tableau était les ours, qu'il avait inventés et incarnés sur toile, et que Shishkin n'avait peint que le fond.
Maintenant, Ivan Ivanovitch était offensé ; il considérait que le tableau était complet sans les ours. un travail indépendant. Et d'ailleurs, Shishkin a dessiné lui-même les croquis de la famille des ours. On ne sait pas avec certitude comment l'affaire s'est terminée, mais les amis n'ont plus peint de tableaux communs. 
12. Ivanov a travaillé sur le tableau « L'apparition du Christ au peuple » pendant 20 ans de 1837 à 1857 en Italie. Il a fait grande quantité croquis, étudié l'histoire, les antiquités assyriennes et surtout la Bible. Afin de trouver le paysage souhaité, il passe des mois dans les marécages et les déserts d'Italie. Mais il était beaucoup plus difficile de représenter sur les visages le moment où l’on se tourne vers Dieu. Pour ce faire, l'artiste a étudié les visages juifs, a regardé attentivement les visages de toutes les personnes qu'il a rencontrées, s'est assis pendant des heures dans l'église et a observé ceux qui priaient. Tout cela retardait les travaux, on lui reprochait sa paresse. L'argent qui lui était alloué pour son travail est épuisé. Il menait une existence misérable. Le travail minutieux sur le tableau a conduit l'artiste à se blesser aux yeux et à subir un traitement à long terme. À son arrivée en Russie, le sort du tableau n’était pas clair. Après avoir été exposé, il est apparu sous forme imprimée article critique, ce qui a grandement bouleversé Ivanov. Il tomba malade et mourut bientôt. Le jour de sa mort, un message officiel est arrivé indiquant que l'empereur achetait le tableau pour 15 000 roubles en argent (une somme énorme à l'époque). 
13. Lors d'un voyage de retraite en Italie, Ivan Konstantinovich Aivazovsky a peint le tableau « Chaos. La Création du Monde », basé sur une histoire de la Bible, qui a fait sensation à Rome. Le pape Grégoire XVI l'acheta et décerna à l'artiste une médaille d'or. N.V. Gogol a écrit à Aivazovsky : « Vanya ! Tu es venu petit homme, des rives de la Neva à Rome et a immédiatement suscité le « chaos » au Vatican. » 
14. Mikhaïl Yurievitch Lermontov n'était pas seulement un brillant poète, mais l'artiste le plus talentueux. Il existe 13 peintures à l'huile connues sur toile, carton et bois, plus de 40 aquarelles, plus de 300 dessins et croquis. Mais son caractère, pour le moins, n’était pas très bon. En raison de son caractère complexe, l'écrivain a dû courte vie assister à 3 duels. Les contemporains de l'écrivain ne l'aimaient pas beaucoup, la mort prématurée de Mikhaïl Yuryevich en duel n'a bouleversé personne, et le tsar Nicolas Ier disait généralement : « La mort d'un chien est la mort d'un chien. 
15. Picasso a créé son premier chef-d'œuvre à l'âge de 15 ans : un tableau représentant ses proches à l'autel. 
En 2006, le magnat américain Steve Wynn a accepté de vendre Le Rêve de Pablo Picasso pour 139 millions de dollars, ce qui aurait été l'un des prix les plus élevés de l'histoire pour une œuvre d'art. Cependant, lors de la démonstration du tableau, Winn a trop agité ses bras et a déchiré la toile avec son coude. Le propriétaire a considéré cela comme un signe venu d’en haut et a décidé de ne pas vendre le tableau après restauration. 
16. Henri de Toulouse-Lautrec était un invalide avec des problèmes de jambes (il les a cassées plusieurs fois dans son enfance et leur croissance s'est arrêtée, probablement à cause d'une maladie héréditaire, les grands-mères d'Henri étaient sœurs l'une de l'autre). 
Il n'a pas eu de chance en amour, sa petite taille (152 cm) et son apparence de nain ont provoqué le ridicule, et toutes ses romances sérieuses se sont terminées sans succès. Toulouse-Lautrec était un célèbre connaisseur d'alcool et de cocktails popularisés. On attribue à Lautrec l'invention du cocktail Earthquake, qui mélange moitié-moitié de cognac et d'absinthe. Il meurt de l'alcoolisme et de la syphilis dans le château familial dans les bras de sa mère, avant d'avoir 37 ans. 
17. Salvador Dali a créé le logo Chupa Chups.
Et son surnom était « Avida Dollars », ce qui signifie « passionné de dollars ». 
18. Vermeer n'a jamais peint d'enfants, bien qu'il en ait eu 11. 
Regardez le film "La Fille à la perle" avec Scarlett Johansson, vous l'aimerez. 
19. "Piéta" -Le seul travail Michel-Ange, qu'il a signé. Il était également poète et plus de 300 de ses poèmes sont encore disponibles. 
20. "Vénus devant un miroir" est la seule Vénus nue survivante de Diego Rodriguez de Silva Velazquez (1599-1660). Peut-être que l'artiste a peint d'autres modèles nus, mais à cette époque en Espagne, de telles peintures étaient considérées comme obscènes. Le tableau occupe donc une place unique dans son héritage. De plus, il ne ressemble absolument à rien de ce qui est sorti de la main de l’artiste. En 1914, ce tableau, exposé à la National Gallery de Londres, fut découpé par une suffragette. 
Selon la légende, Velazquez aurait été enterré, pour ainsi dire, dans les catacombes funéraires des Capucins de Palerme (« Musée des Morts »). Regardez sur Internet, c'est très effrayant. 
Les grands chefs-d'œuvre de la peinture que l'on rencontre chaque jour dans les musées, les livres, les jeux, les films et même la publicité ne sont pas seulement Jolie photo, mais aussi un code avec beaucoup de détails et d'interprétations sémantiques.
Il n’est donc pas surprenant que des images que tout le monde a déjà vues un million de fois puissent tester plus d’une fois votre logique, votre attention, votre intelligence et votre connaissance de l’histoire. Recherchez des scènes pittoresques, exposez les mythes locaux. Il ne s'agit pas seulement d'un entraînement mental, mais aussi bonne façon pour éclipser tous les gars intelligents ennuyeux lors de la prochaine conversation. Et impressionnez une jolie personne avec une légère lueur de pensée dans ses yeux sans fond.
HUMEUR BOTTICELLIENNE
Botticelli Sandro. Naissance de Vénus, 1482-1486.
Galerie des Offices, Florence
Style : début de la Renaissance
À première vue Vénus, à peine née de l'écume de la mer, couvrant chastement ses seins et son ventre, nage jusqu'au rivage sur une coquille. À gauche, Zephyr et sa femme Chloris lui soufflent des roses. Sur le rivage, la nymphe Ora, pour une raison quelconque, se dépêche de couvrir la nudité de Vénus d'un manteau violet. Mais la femme nue et sans vergogne se sent bien et dans ce que sa mère a accouché, elle ne prête pas attention aux soucis et attend avec impatience, à travers le spectateur. Une légère tristesse se figea dans les yeux de la déesse, comme si elle partait dans la vie terrestre pour gagner de l'argent... désolée, elle va subir des tourments.
En fait Le tableau illustre le mythe de la naissance de Vénus. Le rôle principal joué par Simonetta Vespucci - la première beauté de Florence, l'amante de Giuliano Medici et, selon les rumeurs, la passion secrète de Botticelli lui-même. Ai-je besoin de dire que la plus noble Simonetta était mariée à un troisième étranger ? Les gestes et les proportions du corps de Vénus sont écrits conformément aux canons de la littérature classique. sculpture grecque. Le manteau dans les mains d'Ora symbolise la frontière entre deux mondes, et la coquille symbolise la pureté et la pureté, mais dès qu'elle débarque...
C'est ça! Grâce au fait que Botticelli a versé une couche protectrice de jaune d'œuf sur le tableau, La Naissance de Vénus a été bien mieux préservée que de nombreux chefs-d'œuvre.
HEURE DU FROMAGE
Dalí Salvador. La persistance de la mémoire, 1931.
Musée art contemporain, New York.
Style : surréalisme.
À première vue L'horloge se fond dans le décor sensuel du paysage de Port Ligat.
En fait L'horloge en fusion est une image de la relativité et de la gourmandise du temps, qui se dévore lui-même et tout le reste, et l'horloge couverte de fourmis symbolise la mort. Sur le rivage désert, personnifiant le vide intérieur, dort la tête de Dali lui-même, principal prisonnier d'un temps dévorant.
C'est ça! Inspiré par le camembert fondu, Dali décide de faire fondre une horloge sur sa toile. L'artiste donnait souvent des explications amusantes sur ses peintures afin d'induire délibérément les gens en erreur. Et cela ne fait pas exception.
RÉALISME MAGIQUE
René Magritte. Fils de l'homme, 1964.
Collection privée
Style : surréalisme.
À première vue Un yuppie bien habillé est sur le point de se faire frapper au visage avec une pomme... mais il ne le fait pas.
En fait Dans les tableaux de Magritte, le plus intéressant est toujours, par hasard, caché par un objet simple. DANS dans ce cas c'est une pomme symbolisant la tentation. Il lévite avec persistance face à un homme d'affaires réservé, sur le visage duquel l'artiste a représenté le « fils d'Adam » et lui-même. Nous ne sommes donc pas si offensés, car nous savons à quoi ressemble le visage de Magritte.
YEUX, LÈVRES ET SURTOUT, MAINS
Mona Lisa, 1503-1505.
Persienne, Paris
Style : Haute Renaissance
À première vue Une femme ronde aux sourcils rasés et aux seins clairsemés, se tournant à demi-tour, est assise sur une chaise sur fond de paysage mystérieux. En fait, le miracle de l'image réside dans la technique appelée sfumato : grâce aux transitions douces de la lumière à l'ombre et aux légères nuances des orbites, des commissures des lèvres et des mains gracieuses, une image contradictoire d'une fille timide et d'un une maîtresse voluptueuse se forme. Le deuxième avantage de l'image est le contraste entre un paysage fantastique et un personnage bien réel. Les sourcils épilés et le front rasé ne sont pas un signe d'extrémisme, mais simplement un hommage à la mode de l'époque du Quattrocento.
C'est ça! Contrairement à l'abîme d'absurdités écrites par les critiques d'art, la tâche principale de Léonard de Vinci était de faire revivre le visage du modèle.
RÉVÉLATION DU « PROFESSEUR DES CAUCHEMARS »
Bosch Hiéronymus. Jardin plaisirs terrestres, 1500-1510.
Musée du Prado, Madrid
Style : Renaissance du Nord
À première vue Triptyque sur des thèmes bibliques, rappelant énorme collection de plus belles surprises.
En faitÀ gauche, au Paradis, Dieu présente Ève à Adam stupéfait. Une vie paisible les animaux sont perturbés par le repas du lion, et une chouette, messagère du malheur, dépasse de la source de Vie (le bâtiment du centre). Au centre se trouve un prototype de soirées érotiques hippies - un jardin des plaisirs, où chacun laisse échapper des instructions divines à travers la forêt : on joue, on mange et on se fait plaisir. plaisirs charnels. Selon la psychanalyse : les cerises, les fraises, les fraises et les raisins, qui sont consommés ici, signifient une sexualité pécheresse, le poisson - la luxure et les oiseaux - la luxure et la débauche. Sur la droite, résultat inévitable, se trouvent des monstres dirigés par Satan la Coquille d'œuf et des machines de torture. Bosch nous montre l'influence corruptrice de la luxure. Et tout a si bien commencé !
C'est ça! Malgré les bacchanales BDSM représentées ici, cette peinture est entièrement conforme aux canons bibliques stricts et est appréciée des autorités ecclésiastiques.
Style : baroque.
À première vue Un jeune homme élégant accompagné d'une foule de garçons est arrivé sur un cheval ailé pour flirter avec un fétichiste nu.
En fait La belle Andromède, enchaînée à un rocher, envisageait de se faire manger par un monstre marin. Mais pendant qu'il fouillait d'assaisonnements, le jeune Persée, portant des sandales ailées à la dernière mode, transforma le monstre en pierre. Nous voyons ici tous les attributs tendance du hipster grec antique : un casque d'invisibilité, un bouclier miroir avec la tête de la Gorgone Méduse et le cheval ailé Pégase. Mais mythes anciens Rubens sert plutôt de prétexte pour représenter des charmes féminins nus. Ce n’est pas pour rien que le corps léger et légèrement en surpoids d’Andromède constitue la partie dominante de l’image, à laquelle le spectateur prête avant tout attention. N'est-ce pas ?
C'est ça! Malgré la grande contribution de Rubens à la représentation des beautés nues, il a aussi son lot de méchants qui l'accusent d'être trop enthousiasmé par la beauté épanouie du nu. corps féminin. N'est-ce pas stupide ?
CHAIROSHADOW MARTYRE...
Rembrandt van Rijn. Ronde de nuit, 1642.
Rijksmuseum, Amsterdam.
Style:Baroque
À première vue Le capitaine Cock (au centre) a donné l'ordre de marcher vers le lieutenant Reitenburg (à droite), et tout le monde a immédiatement commencé à s'agiter.
En fait Même les détails des vêtements des tireurs bougent sur la photo. Remarquez le jeu magistral d'ombre et de lumière : le contraste de la ruelle sombre (derrière) et de la place illuminée. Une fille vêtue d'une robe dorée brillante compense la camisole brillante de Reitenburg, et sa hallebarde détermine la direction du mouvement sur toute la toile.
C'est ça!À cause de la suie qui recouvrait l'image, personne n'a réalisé pendant longtemps que l'action se déroulait pendant la journée - regardez l'ombre de la main gauche du capitaine Kok.
MONA LISA DU NORD
Vermeer janvier. Fille à la boucle d'oreille en perle, vers 1565.
Mauritshuis, La Haye.
Style:Baroque
À première vue Le visage ordinaire d’une fille ordinaire.
En fait L'artiste a cherché à transmettre le moment de mouvement spontané où la jeune fille tourne la tête, remarquant notre présence. Selon le nom et les déclarations des critiques d'art, la boucle d'oreille en perles attire avant tout l'attention du spectateur. À notre avis, captivé par le regard attrayant et les lèvres sensuelles restées mystérieusement silencieuses pendant plus de trois cents ans, il est peu probable que le spectateur averti se souvienne de la boucle d'oreille.
C'est ça! Ce tableau a une « reproduction » moderne, très indécente, mais on ne vous en avait pas parlé !
CATASTROPHE ROMAINE ANCIENNE AVEC UN TAS DE MALOA
Brioullov Karl. Le dernier jour de Pompéi, 1830-1833.
Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg.
Style : romantisme
À première vue La ville est dans une mer de feu, le chaos règne partout. Au centre de la composition se trouve le corps d’une femme riche, tombée à mort d’un char que les chevaux transportent dans les profondeurs du tableau. A droite, deux frères sauvent leur père âgé. Tout le monde panique.
En fait Au loin, le volcan Vésuve, responsable du désastre, brûle. Mais la scène principale n’est pas éclairée par sa flamme, mais par la remarquable découverte de Bryullov : un deuxième éclair. La palette de couleurs du tableau est le bleu, le rouge et couleurs jaunes, éclairé par une lumière blanche, était très courageux pour son époque.
C'est ça! Bryullov a conçu « Pompéi » comme façon rapide devenir célèbre et n'a pas échoué - le tableau est devenu l'objet du culte universel des Russes, des Italiens et des Français.
Même les chefs-d'œuvre de la peinture qui nous semblent familiers ont leurs secrets.
Récemment, une découverte étrange et inhabituelle a été faite dans l'histoire de l'art : un étudiant américain a déchiffré la notation musicale représentée sur les fesses d'un pécheur à partir d'un tableau de Bosch. La chanson qui en résulte est devenue l’une des sensations Internet de ces derniers temps.
Nous pensons que dans presque tous les travail important l'art est un mystère, un « double fond » ou histoire secrète, que je veux révéler. Aujourd’hui, nous allons en partager quelques-uns.
Musique sur les fesses
Jérôme Bosch, "Le Jardin des Délices", 1500-1510.
Fragment du côté droit du triptyque.
Des différends sur les significations et significations cachées la plupart œuvre célèbre artiste néerlandais n'ont pas diminué depuis son apparition. L'aile droite du triptyque intitulée « L'Enfer Musical » représente des pécheurs qui sont torturés dans le monde souterrain avec l'aide de instruments de musique. L’un d’eux a des notes de musique gravées sur ses fesses. Amelia Hamrick, étudiante à l'Université chrétienne d'Oklahoma, qui a étudié la peinture, a traduit la notation du XVIe siècle en style moderne et a enregistré « la chanson du cul de l’enfer vieille de 500 ans ».
Joconde nue
La célèbre « La Gioconda » existe en deux versions : la version nue s'appelle « Monna Vanna », elle a été écrite par artiste peu connu Salai, qui fut élève et modèle du grand Léonard de Vinci. De nombreux historiens de l'art sont convaincus que c'est lui qui a été le modèle des tableaux de Léonard « Jean-Baptiste » et « Bacchus ». Il existe également des versions selon lesquelles Salai, vêtue d'une robe de femme, était l'image de Mona Lisa elle-même.
Vieux pêcheur
En 1902, l'artiste hongrois Tivadar Kostka Csontvary peint le tableau « Le vieux pêcheur ». Il semblerait qu’il n’y ait rien d’inhabituel dans l’image, mais Tivadar y a mis un sous-texte qui n’a jamais été révélé du vivant de l’artiste.
Peu de gens ont pensé à placer un miroir au milieu du tableau. Dans chaque personne, il peut y avoir à la fois Dieu (l'épaule droite du vieil homme est dupliquée) et le Diable (l'épaule gauche du vieil homme est dupliquée).
Doubles à la Cène
Léonard de Vinci, "La Cène", 1495-1498.
Lorsque Léonard de Vinci écrivit La Cène, il attachait une importance particulière à deux personnages : le Christ et Judas. Il a passé très longtemps à chercher des modèles pour eux. Finalement, il réussit à trouver un modèle à l'image du Christ parmi les jeunes chanteurs. Léonard n'a pas pu trouver de modèle pour Judas pendant trois ans. Mais un jour, il croisa dans la rue un ivrogne qui gisait dans un caniveau. C'était un jeune homme vieilli par une forte consommation d'alcool. Léonard l'a invité dans une taverne, où il a immédiatement commencé à peindre Judas. Lorsque l'ivrogne reprit ses esprits, il dit à l'artiste qu'il avait déjà posé pour lui une fois. Il y a plusieurs années, alors qu'il chantait dans la chorale de l'église, Léonard a peint le Christ d'après lui.
L'histoire innocente du "gothique"
Grant Wood, gothique américain, 1930.
L'œuvre de Grant Wood est considérée comme l'une des plus étranges et déprimantes de l'histoire de la peinture américaine. La photo avec le père et la fille sombres est remplie de détails qui indiquent la sévérité, le puritanisme et le caractère rétrograde des personnes représentées. En fait, l'artiste n'avait pas l'intention de représenter des horreurs : lors d'un voyage dans l'Iowa, il remarqua une petite maison à style gothique et a décidé de représenter ces personnes qui, à son avis, seraient idéales en tant qu'habitants. La sœur de Grant et son dentiste sont immortalisés comme les personnages par lesquels les Iowans ont été si offensés.
"Veille de nuit" ou "Veille de jour" ?
Rembrandt, "La Ronde de nuit", 1642.
Un des plus de célèbres tableaux La « Représentation de la compagnie de fusiliers du capitaine Frans Banning Cock et du lieutenant Willem van Ruytenburg » de Rembrandt a été accrochée dans différentes pièces pendant environ deux cents ans et n'a été découverte par les historiens de l'art qu'au 19e siècle. Comme les personnages semblaient apparaître sur un fond sombre, on l'appelait « Night Watch » et, sous ce nom, elle entra dans le trésor de l'art mondial. Et ce n'est que lors de la restauration réalisée en 1947 qu'on découvrit que dans la salle le tableau avait réussi à se recouvrir d'une couche de suie, ce qui déformait sa couleur. Après avoir effacé le tableau original, il a finalement été révélé que la scène représentée par Rembrandt se déroulait réellement de jour. La position de l'ombre de la main gauche du capitaine Kok montre que la durée de l'action ne dépasse pas 14 heures.
Bateau renversé
Henri Matisse, "Le Bateau", 1937.
Le tableau "Le Bateau" d'Henri Matisse a été exposé au Musée d'Art Moderne de New York en 1961. Ce n’est qu’après 47 jours que quelqu’un a remarqué que le tableau était suspendu à l’envers. La toile représente 10 lignes violettes et deux voiles bleues sur fond blanc. L'artiste a peint deux voiles pour une raison : la deuxième voile est le reflet de la première à la surface de l'eau. Afin de ne pas vous tromper sur la manière dont l'image doit être accrochée, vous devez faire attention aux détails. La plus grande voile doit être en haut du tableau et le sommet de la voile du tableau doit être vers le coin supérieur droit.
Tromperie dans l'autoportrait
Vincent van Gogh, Autoportrait à la pipe, 1889.
Il existe des légendes selon lesquelles Van Gogh se serait coupé l'oreille. Aujourd'hui, la version la plus fiable est que Van Gogh s'est blessé à l'oreille lors d'une petite bagarre impliquant un autre artiste, Paul Gauguin. L'autoportrait est intéressant car il reflète la réalité sous une forme déformée : l'artiste est représenté avec l'oreille droite bandée car il utilisait un miroir pour travailler. En fait, c’est l’oreille gauche qui a été touchée.
Deux "Petits déjeuners sur l'herbe"
Edouard Manet, Déjeuner sur l'herbe, 1863.
Claude Monet, Déjeuner sur l'herbe, 1865.
Les artistes Edouard Manet et Claude Monet sont parfois confondus : après tout, ils étaient tous deux français, vivaient à la même époque et travaillaient dans le style de l'impressionnisme. Monet a même emprunté le titre de l’un des tableaux les plus célèbres de Manet, « Déjeuner sur l’herbe », et a écrit son propre « Déjeuner sur l’herbe ».
Ours extraterrestres
Ivan Chichkine, « Matin dans la forêt de pins », 1889.
Le célèbre tableau n'appartient pas seulement à Shishkin. De nombreux artistes amis les uns avec les autres recouraient souvent à « l'aide d'un ami », et Ivan Ivanovitch, qui a peint des paysages toute sa vie, craignait que ses ours touchants ne se révèlent pas comme il le souhaitait. Par conséquent, Shishkin s'est tourné vers son ami, l'artiste animalier Konstantin Savitsky.
Savitsky a peut-être dessiné les meilleurs ours de l'histoire peinture russe, et Tretiakov a ordonné que son nom soit effacé de la toile, car tout dans le tableau « du concept à l'exécution, tout parle de la manière de peindre, de méthode créative, caractéristique de Chichkine."
L'idée de représenter une horloge qui coule est venue à Salvador Dali pendant le dîner lorsqu'il a remarqué que le camembert fondait au soleil.
C’est plus tard qu’on a demandé à Dali si la théorie de la relativité d’Einstein était cryptée sur la toile, et il a répondu d’un air intelligent : « Plutôt, la théorie d’Héraclite selon laquelle le temps est mesuré par le flux de la pensée. C’est pourquoi j’ai appelé le tableau « La persistance de la mémoire ». Et d’abord il y a eu le fromage, le fromage fondu."Le dernier souper"
Lorsque Léonard de Vinci écrivait La Cène, Attention particulière il consacre deux figures : le Christ et Judas. Léonard a trouvé relativement rapidement un modèle pour le visage de Jésus : un jeune homme qui chantait dans une chorale d'église a pris son rôle. Mais Léonard cherchait un visage capable d'exprimer le vice de Judas pour trois ans. Un jour, alors qu'il marchait dans la rue, le maître aperçut un ivrogne dans un caniveau. Da Vinci a amené l'ivrogne dans une taverne, où il a immédiatement commencé à peindre Judas.
Lorsque l'ivrogne redevint sobre, il se souvint qu'il y avait plusieurs années, il avait déjà posé pour un artiste. C'était le même chanteur. Dans la grande fresque de Léonard, Jésus et Judas ont le même visage.
"Ivan le Terrible et son fils Ivan"
En 1913, un artiste malade mental a lacéré le tableau de Repin « Ivan le Terrible et son fils Ivan » avec un couteau. Ce n’est que grâce au travail magistral des restaurateurs que le tableau a été restauré. Ilya Repin lui-même est venu à Moscou et a redessiné la tête de Grozny dans une étrange couleur violette. En deux décennies, les idées de l'artiste sur la peinture ont considérablement changé. Les restaurateurs ont supprimé ces modifications et ont restitué au tableau une correspondance exacte avec ses photographies de musée. Repin, voyant plus tard la toile restaurée, n'a pas remarqué les corrections.
"Rêve"
En 2006, le collectionneur américain Steve Wynn a accepté de vendre « Le Rêve » de Pablo Picasso pour 139 millions de dollars, ce qui serait l'un des prix les plus élevés de l'histoire. Mais en parlant du tableau, il a agité ses bras de manière trop expressive et a déchiré l'œuvre avec son coude. Wynn a considéré cela comme un signe d'en haut et a décidé de ne pas vendre le tableau après la restauration, ce qui a d'ailleurs coûté un joli centime.
"Bateau"
Un incident moins destructeur, mais non moins curieux, s'est produit avec un tableau d'Henri Matisse. En 1961, le Museum of Modern Art de New York présente au public le tableau du maître « Le Bateau ». L'exposition a été un succès. Mais seulement sept semaines plus tard, un amateur d’art occasionnel a remarqué que le chef-d’œuvre était suspendu à l’envers. Pendant ce temps, 115 000 personnes ont pu voir l'art et le livre de critiques a été complété par des centaines de commentaires admiratifs. L'embarras s'est répandu dans tous les journaux.
"Bataille de nègres dans une grotte en pleine nuit"
Le célèbre « Carré Noir » n’était pas le premier tableau du genre. 22 ans avant Malevitch, en 1893 artiste français et l'écrivain Alle Alfons a exposé son chef-d'œuvre « La bataille des nègres dans une grotte en pleine nuit » - une toile rectangulaire entièrement noire - à la galerie Vivien.
"Fête des Dieux sur l'Olympe"
Dans les années 1960 l'un d'eux a été retrouvé à Prague les tableaux les plus célèbres Peter Paul Rubens "La Fête des Dieux sur l'Olympe". Pendant longtemps, la date de sa rédaction est restée un mystère. La réponse a d’ailleurs été trouvée dans l’image elle-même par les astronomes. Ils devinèrent que les positions des planètes étaient subtilement chiffrées sur la toile. Par exemple, le duc de Mantoue Gonzague à l'image du dieu Jupiter, Poséidon avec le Soleil et la déesse Vénus avec Cupidon reflètent la position de Jupiter, Vénus et du Soleil dans le zodiaque.
De plus, il est clair que Vénus se dirige vers la constellation des Poissons. Des astronomes méticuleux ont calculé qu'une position aussi rare des planètes dans le ciel avait été observée les jours du solstice d'hiver en 1602. Ainsi, une datation assez précise de l'image a été réalisée.
"Petit déjeuner sur l'herbe"
Edouard Manet, "Déjeuner sur l'herbe"
Claude Monet, "Déjeuner sur l'herbe"
Edouard Manet et Claude Monet ne sont pas seulement confus par les candidats actuels écoles d'art– même leurs contemporains les confondaient. Tous deux vivaient à Paris à la fin du XIXe siècle, communiquaient entre eux et portaient presque un même nom. Ainsi, dans le film « Ocean’s Eleven », le dialogue suivant a lieu entre les personnages de George Clooney et Julia Roberts :
- Je confonds toujours Monet et Manet. Je me souviens seulement que l'un d'eux a épousé sa maîtresse.
-Monet.
- Donc Mané avait la syphilis.
- Et ils écrivaient tous les deux de temps en temps.
Mais les artistes avaient peu de confusion avec les noms ; de plus, ils s'empruntaient activement des idées. Après que Manet ait présenté au public le tableau «Déjeuner sur l'herbe», Monet, sans y réfléchir à deux fois, a peint le sien du même nom. Comme d'habitude, il y a eu une certaine confusion.
"Madone Sixtine"
En regardant le tableau de Raphaël « La Madone Sixtine », il est clairement visible que le pape Sixte II a six doigts sur la main. Entre autres choses, le nom Sixte se traduit par « sixième », ce qui a finalement donné lieu à de nombreuses théories. En fait, le « petit doigt inférieur » n’est pas du tout un doigt, mais une partie de la paume. Cela se remarque si vous regardez attentivement. Pas de mysticisme et d’annonceurs secrets de l’Apocalypse pour vous, c’est dommage.
"Matin dans une forêt de pins"
Oursons du tableau « Matin forêt de pins« Shishkina n'est pas du tout l'œuvre de Shishkin. Ivan était un excellent peintre paysagiste, il savait brillamment transmettre les jeux d'ombre et de lumière dans la forêt, mais il n'était pas doué pour les gens et les animaux. Ainsi, à la demande de l’artiste, les adorables oursons ont été peints par Konstantin Savitsky et le tableau lui-même a été signé de deux noms. Mais Pavel Tretiakov, après avoir acheté le paysage pour sa collection, a effacé la signature de Savitsky et tous les lauriers sont allés à Chichkine.