Ruska umetnostna kultura je v prvi polovici 19. stoletja dosegla velik uspeh. V tem času so ustvarjali Puškin, Gogol, Lermontov, Gribojedov, Žukovski, Krilov. Ta hiter razcvet umetniške kulture je bil povezan z dvigom narodne samozavesti v naprednih krogih ruske družbe med domovinsko vojno leta 1812. Boj za osvoboditev domovine pred tujim posredovanjem, ki je povzročil val visokih domoljubnih čustev, ni mogel vplivati na pojave ruske umetnosti.
Takratna napredna ruska ideologija se je oblikovala pod neposrednim vplivom domovinske vojne leta 1812 in plemiškega revolucionarno gibanje, ki se je oblikoval v programu Decembrist.
domovinska vojna nenavadno dvignila samozavest ljudi, čut domoljubja in narodnega ponosa. Ljudski značaj vojne in domoljubna dejanja navadnih ruskih ljudi so dolgo časa pritegnila pozornost napredne javnosti Rusije in povzročila nekakšno prevrednotenje estetskih vrednot: ljudske podobe in narodni predmeti so zasedli izjemno pomembno mesto v ruski umetnosti pomembno mesto, nesorazmerno s tem cameo vlogo, ki so ga igrali v delih večine mojstrov 18. stoletja. Poziv k ljudstvu je ruski umetniški kulturi vlil novo moč. Napredno ustvarjalne smeri naslanjala na paleto idej, ki jih je predlagala plemenita revolucionarna misel.
Takratna kritika je kazala na »močno usmeritev sodobnega genija k ljudstvu« na vseh področjih umetnosti. »Nacionalizem« je postal osrednji problem napredne ruske kulture v dvajsetih in tridesetih letih prejšnjega stoletja. Celo reakcionarni publicisti so poskušali uporabiti koncept narodnosti in ga vključiti v uradno formulo vladne politike (»pravoslavlje, avtokracija, narodnost«). V nasprotju z uradno interpretacijo narodnosti v naprednejših umetniških krogih se je razvilo povsem drugačno razumevanje narodnosti, ki ga je v zgodnjih tridesetih oblikoval eden od teoretikov napredne umetnosti: »Z narodnostjo razumem tisto domoljubno animacijo likovne umetnosti, ki hrani na domače vtise in spomine, odseva v svojih delih domača blagoslovljena nebesa, domačo sveto zemljo, domača dragocena izročila, domače običaje in moralo, domače življenje, domačo slavo, domačo veličino.«
Prva polovica 19. stoletja je bila svetla stran ruske kulture. Vse smeri - literatura, arhitektura, slikarstvo te dobe zaznamuje cela plejada imen, ki so ruski umetnosti prinesla svetovno slavo. V 18. stoletju je v ruskem slikarstvu prevladoval stil klasicizma. Klasicizem je imel pomembno vlogo pri začetku XIX stoletja. Vendar pa je do leta 1830 ta smer postopoma izgubljala družbeni pomen in se vse bolj spreminjala v sistem formalnih kanonov in tradicij. Tako tradicionalno slikarstvo postane hladna, uradna umetnost, ki jo podpira in nadzoruje Sanktpeterburška akademija umetnosti. Naknadno koncept "akademizma" začeli uporabljati za označevanje inertne umetnosti, ločene od življenja.
Vnesel je novost pogledov na Ruska umetnost romantika- evropsko gibanje, ki se je razvilo na prelomu 18. - 19. stoletja. Eden glavnih postulatov romantike v nasprotju s klasicizmom je potrditev človekove osebnosti, njegovih misli in pogleda na svet kot glavne vrednote v umetnosti. Zagotavljanje človekove pravice do osebne neodvisnosti je vzbudilo posebno zanimanje za njegov notranji svet, hkrati pa je predpostavljalo umetnikovo svobodo ustvarjalnosti. V Rusiji je romantika dobila svojo posebnost: v začetku stoletja je imela junaško barvanje, in v letih Nikolajevske reakcije - tragično. Hkrati je bila romantika v Rusiji vedno oblika umetniškega mišljenja, ki je po duhu blizu revolucionarnim in svobodoljubnim čustvom.
Romantika, ki je imela za svojo posebnost poznavanje določene osebe, je postala osnova za poznejši nastanek in oblikovanje realne smeri, ki se je v umetnosti uveljavil v drugi polovici 19. stoletja. Značilna lastnost realizem je bil poziv k temi sodobnega ljudskega življenja, vzpostavitev nove teme v umetnosti - življenja kmetov. Tukaj je najprej treba opozoriti na ime umetnika A.G. Venetsianova. Najbolj realna odkritja prve polovice 19. stoletja so se odražala v 1840-ih v delih P.A. Fedotova.
Splošno kulturno življenje v tem obdobju je bilo dvoumno in raznoliko: nekatere prevladujoče smeri v umetnosti so nadomestile druge. Zato raziskovalci, ko podrobneje obravnavajo umetnost prve polovice 19. stoletja, običajno delijo na dve obdobji - prvo in drugo četrtino stoletja. Vendar je treba opozoriti, da je ta delitev pogojna. Poleg tega govorimo o klasicizmu, romantiki in realizmu v čista oblika v tem obdobju ni potrebno: njihovo razlikovanje, tako kronološko kot po značilnostih, ni absolutno.
Slikarstvo je v prvi polovici 19. stoletja dobilo veliko večji pomen v družbenem življenju kot v 18. stoletju. Razvoj narodne zavesti, ki ga je povzročila zmaga v domovinski vojni leta 1812, je dvignil zanimanje ljudi za nacionalno kulturo in zgodovino, za domače talente. Tako so se v prvi četrtini stoletja prvič pojavile javne organizacije, katerih glavna naloga je bil razvoj umetnosti. Med temi organizacijami so bile tudi take npr Svobodna družba ljubitelji literature, znanosti in umetnosti, Društvo za spodbujanje umetnikov. Pojavile so se posebne revije, prvi poskusi zbiranja in prikazovanja ruske umetnosti. Tako je v izobraženih krogih postal znan majhen zasebni "Ruski muzej" P. Svinina, leta 1825 pa je bila v cesarskem Ermitažu ustanovljena Ruska galerija. Umetniška akademija je že od začetka stoletja vključevala občasne razstave, ki so pritegnile številne obiskovalce. Hkrati je bil velik dosežek sprejem na te razstave s določene dni navadni ljudje, kar je kljub temu povzročilo ugovore nekaterih revijalnih kritikov.
Za izjemne dosežke ruske umetnosti zgodnjega 19. stoletja so značilni portretiranje. Skozi stoletje bo ruski portret tisti žanr slikarstva, ki je umetnike najbolj neposredno povezoval z družbo, z izjemnimi sodobniki. Konec koncev, kot veste, veliko število Umetniki so od posameznikov prejemali naročila posebej za portrete.
OREST KIPRENSKY (1782-1836)
Orest Kiprenski, eden največjih slikarjev prve polovice 19. stoletja - Avtoportret (1). Umetnost tega umetnika, tako kot vsakega velikega mojstra, je heterogena. V svojih ustvarjalnih težnjah je Kiprensky podvržen pod vplivom romantike in klasicizma. Dela umetnikov tudi iz istega obdobja so si pogosto različna. Najboljše slike Kiprenskega poudarjajo romantično razumevanje človeške osebnosti. V svojih delih umetnik daje človeku duhovne lastnosti- inteligenca, plemenitost, značaj, sposobnost razmišljanja in čustvovanja. Zato je v svojih portretih predvsem Kiprenski portretiranci ali vidnejši sodobniki– med njegovimi deli so portreti Puškina, Batjuškova, Žukovskega, junakov domovinske vojne 1812, ali vaši bližnji prijatelji. Galerija portretov, ki jih je ustvaril, je ponos ruske likovne umetnosti. Takoj po diplomi na Akademiji umetnosti Kiprensky v celoti posvetil portretiranju. Eno najboljših del tedaj mladega umetnika je bilo portret Davidova (2). Kiprenski je ustvaril podobo ruskega častnika, značilnega za to dobo - udeleženca boja za neodvisnost svoje domovine. Visoka umetniška spretnost Kiprenskega se je pokazala v čustveni vznesenosti portreta in njegovem barvnem bogastvu. V drugih portretnih delih in v celi seriji risb s svinčnikom je umetnik ujel podobe vojnih udeležencev, častnikov in milic, ki jih je osebno dobro poznal. V vseh portretih Kiprenskega je poleg značilnosti romantične vznesenosti jasno videti želja po realnem razkritju človeške psihologije. Izrednega pomena je portret A. S. Puškina (3), ki resnično zajame podobo velikega pesnika za prihodnje generacije. Pomen Kiprenskega, subtilnega risarja in kolorista, v ruski umetnosti prve polovice 19. stoletja je ogromen.
Sodobniki so njegova dela primerjali z zvrstmi lirike, pesniškega posvetila prijateljem, kar je bilo v Puškinovem času zelo pogosto. Portreti Kiprenskega so vedno obdarjeni z globoko premišljenostjo; zdi se, da zrejo v svet. Kiprensky je v mnogih pogledih odkril nove možnosti zase v slikarstvu. Vsak njegov portret odlikuje nova slikovna struktura, dobro izbrana svetloba in senca, razgiban kontrast – "Neapeljska deklica s sadjem" (4), "Ciganka z vejo mirte" (5), "Dekle v makovem vencu z nageljnom v roki (Mariuccia)" (6), "Mladi vrtnar" (7), »Portret E.P. Rostopchina" (8). Z resničnim prenosom individualnih značilnosti svojih modelov je K. v svojih najboljših portretih uspel utelešiti veliko družbeno vsebino, pokazati človeško dostojanstvo in globino duhovne kulture upodobljencev: za njihovo zunanjo mirnostjo se vedno čutijo živi človeški občutki.
Reakcija Nikolajeva, ki je sledila porazu dekabristov, je umetnika prisilila, da je leta 1828 znova odšel v Italijo, kjer je umrl.
VASIL TROPININ (1776-1857) – (9)
Pomemben pojav v zgodovini ruskega slikarstva je bilo delo V. Tropinina, izjemnega realistični umetnik, pomemben del mojega življenja bivši podložnik.
Vasilij Andrejevič Tropinin je bil celo nekoliko starejši od Kiprenskega, vendar so neugodne okoliščine dolgo časa odložile razvoj njegovega talenta.
V tistih letih, ko je Kiprenski ustvaril portret Davidova, ki je pomenil vrhunec ruskega romantičnega slikarstva, je bil Tropinin še neznan podložni umetnik na ukrajinskem posestvu grofa Morkova in je združeval naloge slaščičarja in višjega lakaja s slikarstvom. Zaradi muhe veleposestnika ni mogel dokončati šolanja na Akademiji umetnosti. Tropinin je mladost preživel v samouku, kljub oviram, obvladanju tehničnih veščin in doseganju profesionalne odličnosti. Pri študiju je izbral pot, po kateri so običajno hodili umetniki samouki njegovega časa: delal je trdo in veliko iz življenja ter kopiral slike v zasebnih umetniških zbirkah, do katerih je imel dostop po zvezah svojega veleposestnika. Slikarskih tehnik se ni učil v akademski delavnici, temveč iz lastnih izkušenj in iz del starih mojstrov, življenje v Ukrajini pa mu je, kot je kasneje dejal sam umetnik, nadomestilo potovanje v Italijo.
Ta sistem samoizobraževanja z vsemi svojimi pomanjkljivostmi bi jih še lahko imel pozitivne vidike za umetnika z velikim in izvirnim talentom. Svoboda od rutinskega akademskega poučevanja je delno pomagala Tropininu ohraniti nedotaknjeno čistost in izvirnost njegovega umetniškega dojemanja. Živahno komuniciranje z naravo in poznavanje ljudskega življenja, podprto z nenehnim delom iz življenja, je prispevalo k razvoju realističnih teženj, ki so značilne za Tropininov talent. Toda v mladih letih, na silo ločen od umetniškega okolja, še ni bil na ravni naprednih nalog umetnosti svojega časa. Tropininovo delo tudi ob koncu 1810-ih je bilo po slogu bližje ne delom njegovih vrstnikov, temveč umetnosti 18. stoletja.
Dolgo pričakovana svoboda od tlačanstva je prišla šele leta 1823, ko je bil Tropinin star že sedeminštirideset let; V tem času sega razcvet njegovega talenta. V tem obdobju je nastal njegov lasten, samostojen umetniški sistem, ki je svojevrstno predelal dediščino klasicizma in slikarske tehnike 18. stoletja, dokončno pa se je oblikoval Tropinin. žanr intimnega vsakdanjega portreta. Strokovnjaki imenujejo Tropininove portrete "antipod" portretov Kiprenskega, saj njegove slike prikazujejo svobodno, neovirano, "domačo" osebo.
"Portret osebe je naslikan v spomin ljudem, ki so mu blizu, ljudem, ki ga imajo radi," je rekel sam Tropinin; Ta nekoliko naivna izjava vsebuje v bistvu celoten program, ki označuje Tropininove naloge in njegov odnos do resničnosti. V Tropininovih portretih se prenaša intimen, »domač« videz ljudi njegove dobe; Tropininovi liki ne »pozirajo« pred umetnikom in gledalcem, ampak so ujeti taki, kot so bili v zasebnem življenju, okoli družinskega ognjišča.
Tropinin se je obrnil k žanrskim motivom, posvetil upodobitev preproste delovne osebeštevilna dela. V svojih delih posveča veliko pozornosti študiju narave - vsi njegovi portreti resnično reproducirajo življenje okoli umetnika, v njih ni nič namernega ali izmišljenega - "Deklica z lutko" (10), "Stari kočijaž, ki se naslanja na bič" (11), "Čipkarica" (12).
Njegove mehko naslikane portrete odlikujejo visoke slikovne vrednosti in lahkotnost zaznavanja, človeške podobe se dojemajo kot značilne resnicoljubnost in umirjenost brez večjega notranjega vznemirjenja .
Nekatera od teh del imajo kljub precej očitnemu realističnemu značaju značilnosti sentimentalizma - "Dekle z loncem vrtnic" (13), "Ženska na oknu. (Blagajnik)« (14).
Konec leta 1826 se je S. A. Sobolevsky, Puškinov tesen prijatelj, obrnil na Tropinina s predlogom, da bi naslikal pesnikov portret. Atributi »domačnosti« - ogrinjalo, odpet srajčni ovratnik, razmršeni lasje - se ne dojemajo kot dokaz intimne lahkotnosti pozerja, temveč kot znak tiste »poetične motnje«, s katero je romantična umetnost tako pogosto povezovala ideja navdiha "Puškinov portret" (15). V svoji figurativni strukturi portret Puškina odmeva dela sodobnega romantičnega slikarstva Tropinina, hkrati pa je Tropinin uspel ustvariti romantično podobo, ne da bi žrtvoval realistično natančnost in resničnost slike. Puškin je upodobljen sede, v naravni in sproščeni pozi. Obraz, osenčen z belino reverja srajce, je najintenzivnejša barvna točka na sliki in je tudi njeno kompozicijsko središče. Umetnik ni želel "olepšati" Puškinovega obraza in ublažiti nepravilnosti njegovih potez; vendar jo je ob vestnem sledenju naravi uspel poustvariti in ujeti visoka duhovnost. Sodobniki so soglasno prepoznali brezhibno podobnost s Puškinom na Tropininovem portretu. V primerjavi z slavni portret Puškinov portret Kiprenskega, portret Tropinskega se zdi bolj skromen in morda intimen, vendar mu ni slabši niti v ekspresivnosti niti v slikovni moči.
V prvem četrtina XIX stoletja se v regiji odvijajo pomembni procesi SLIKANJE KRAJINE.Če so bile pokrajine nekdanjih umetnikov v veliki meri konvencionalne in načrtno konstruirane in so bile praviloma slikane v ateljeju, brez narave ali pa so imele zelo malo opraviti z njo, zdaj krajinarji v svoje delo vnesejo veliko več. življenjska resnica, natančno opazovanje in čustveni začetek. Najpomembnejše mesto pri tem seveda pripada Silvestru Ščedrinu.
SILVESTER ŠČEDRIN (1791-1830)
Mojster ruske krajinske romantike in lirične interpretacije narave. Delo Silvestra Feodosijeviča Ščedrina je zaznamovalo mejo med starim in novim v zgodovini ruske pokrajine. Umetnik je pripeljal do popolnosti, za kar so si prizadevali njegovi predhodniki, in postavil temelje za nov realistični razvoj ruskega krajinskega slikarstva. Njegova dela jasno kažejo vztrajno delo iz življenja. Bil je prvi ruski slikar, ki se je posvetil plenerizmu. Vse njegove pokrajine natančno prenašajo značaj narave. Tudi Ščedrin v svoje krajine uvaja ljudi, vendar ne več v obliki brezličnih figur za merilo, kot je bilo prej, ampak živi ljudje, ki so resnično povezani z naravo. V svojih najboljših delih je uspešno in resnično presegel konvencionalni, »muzejski« okus prenašal naravno stanje narave- nianse sončne svetlobe, svetlo modra meglica v daljavi, nežni odtenki modrega neba. Imel je subtilen lirično čutenje narave.
Po diplomi na Akademiji za umetnost v Sankt Peterburg, leta 1818 prispel v Italijo in živel več kot 10 let. Za tiste čase si je zaslužil nekaj neverjetnega. priljubljenosti med Italijani Tisti, ki so želeli kupiti njegove slike, so morali včasih napisati veliko kopij njihovih najuspešnejših del, ki so se hitro razprodale. Njegova znana dela so »Novi Rim »Grad svetega angela« (17), promenada Mergellina v Neaplju (18), veliko pristanišče na otoku Capri (19) in drugi, ko je Ščedrin presegel tradicijo »herojske krajine« in na Akademiji umetnosti razvito razumevanje narave kot razloga za zgodovinske spomine, se obrnil k živi, sodobni realnosti in resnični naravi. akademska shema umetniška rešitev krajinske teme.
Ker je živel kratko, a ustvarjalno življenje, se Ščedrin nikoli ni mogel vrniti v Rusijo. Veličastne italijanske pokrajine so odsevale vso edinstveno lepoto narave te regije, ki so si jo mnogi ruski umetniki predstavljali kot raj - obljubljeno deželo - »Grotto v Firencah« (20), »Italijanska pokrajina. Capri" (21), " mesečna noč v Neaplju" (22), "Pogled na jezero Nemi v okolici Rima."
Na tem majhnem platnu, ki sodi med najboljše stvaritve ruskega krajinskega slikarstva, se s polno jasnostjo kažejo glavne poteze Ščedrinovega novega umetniškega sistema. »Pogled na jezero Nemi« je tuj tistim premišljenim učinkom, ki sestavljajo samo bistvo akademske krajine. V ščedrinski pokrajini ni klasičnih gajev, slapov, veličastnih ruševin; idealizacijo nadomesti živo in resnično poustvarjanje podobe narave. Osnova nove metode ni »kompozicija« pokrajine, temveč neposredno in natančno opazovanje narave.
Ozka pot, obdana s starimi drevesi, se vije ob obali in vodi gledalčev pogled v globino slike. V ospredju je več figur: dve kmečki ženi se pogovarjata na obali, menih se sprehaja, voznik pa za seboj pelje osla. Dalje se vidi mirna, svetla voda jezera; v globini, zakrivajoč obzorje, modri visoka gora, pokrita z gozdom. Mehka razpršena svetloba preplavi sliko, sončni bleščavi padajo skozi veje dreves na peščeno pot, voda se srebrno lesketa na soncu, prozorna zračna tančica pa ovija bližnje in oddaljene predmete.
Realistično obvladovanje prostora je eden od Ščedrinovih glavnih dosežkov v tem filmu. Ni zakulisja, ni objektnih oznak, ki bi označevale globino. Linearna perspektiva je zamenjala zračno perspektivo. Resda so na sliki še ohranjeni trije tradicionalni tlorisi, vendar jih cesta, ki gre globlje, povezuje in naredi prostor neprekinjen. Umetnik se ne zadovolji več z resnično reprodukcijo posameznih detajlov; doseže celovitost celotnega vtisa in organsko enotnost vseh elementov, ki sestavljajo pokrajino. Prepustnost svetlobe in zraka, enotnost osvetlitve, ki povezuje objekte in prostorske načrte, je glavno sredstvo, s katerim slika pridobi to celovitost.
Slikarski sistem, ki ga je Ščedrin razvil na podlagi proučevanja narave na prostem (tako imenovano plenersko slikarstvo), odpira novo stran v zgodovini krajine. Ni presenetljivo, da inovacija ruskega mojstra ni bila takoj cenjena in je povzročila proteste konservativcev umetnostna kritika. Ideologom akademske umetnosti se je zdelo, da se Ščedrin »drži suženjskega posnemanja narave in ne dopušča odstopanj niti v korist elegantnega«. Umetnik se je namreč zavestno odpovedal konvencionalnim in fiktivnim učinkom, ki so v krogih blizu Akademije za umetnost veljali za »elegantne«. Seveda pa je bil zelo daleč od pasivnega kopiranja narave. Njegovo slikarstvo ne zajema le resničnega videza obrežja jezera Nemi, temveč z globoko in pristno prodornostjo razkriva poezijo italijanske narave, njeno sončno spokojnost in svetlo, mirno harmonijo.
Umetnika je zanimal še en motiv - terasa, porasla z grozdjem, s pogledom na morje. "Veranda, prepletena z grozdjem" (24).
ALEKSEY VENECIANOV (1780-1847) – (25)
Imenuje se Venetsianov ustanovitelj ruskega žanrskega (vsakdanjega) slikarstva. To ni povsem res - imel je predhodnike že v 18. stoletju. Začne pa se z Venetsianovom vzpon realnih trendov v ruski umetnosti, ki ga spremlja poziv k svetu nacionalnega in ljudske podobe in povečano zanimanje za sodobno življenje.
Ustvarjalnost Venetsianova je prežeta z domoljubjem in pristnostjo demokratična drža. Obdobje družbenega vzpona, povezano z domovinsko vojno, je umetniku odprlo oči za globoke moralne lastnosti preprostega ruskega človeka iz ljudstva, za njegovo junaštvo in človeško dostojanstvo. IN Ruski podložni kmetje Venetsianov, umetnik-humanist, je bil sposoben razbrati poteze ne sužnja, ampak, nasprotno, višjega človeškega tipa.
Čudovit Rus žanrski slikar in portretist Aleksej Gavrilovič Venecianov prvič v ruskem slikarstvu kombinirane podobe kmečke in narodne narave. Venetsianov - ustvarjalec celotne galerije kmečki portreti - "Speči pastir" (26).
Slika "Speči pastir" zavzema vidno mesto v tem ciklu. Je ena najbolj poetičnih stvaritev Venetsianova. S posebno toplino in lirično vznesenostjo je umetnik upodabljal kmečke otroke. Čistost in harmonična jasnost njegovega likovnega mišljenja je odlično ustrezala nalogam poustvarjanja otroškega sveta. Nihče od ruskih mojstrov njegovega časa ni dosegel takšne pronicljivosti, tako ostre resnicoljubnosti in hkrati takšne moči pesniškega občutka pri prikazovanju otroških podob in izkušenj iz otroštva. S tem pa vsebina »Spečega pastirja« ni izčrpana. Vse glavne značilnosti so prikazane jasno in jasno tukaj. umetniški jezik Venetsianov, celotno strukturo njegovega domišljijskega mišljenja, vse napredne vidike njegove umetnosti, a hkrati zgodovinsko razložljive omejitve njegovega realizma. V Speči pastirici ni akcije. Upodobljen je kmečki fant, ki zaspi na polju; sedi na bregu ozke reke, naslonjen na deblo velike stare breze, za njim pa se v ozadju slike odpira tipična ruska pokrajina z razmajano kočo, redkimi jelkami in neskončnimi polji, ki se raztezajo do obzorje. Toda v ta preprost zaplet je vgrajena globoka čustvena vsebina. Slikarstvo Venetsianova je prežeto z občutkom miru in spokojnosti, lirične ljubezni do narave in človeka.
Glavna tema slike je harmonično zlitje človeka z naravo in Venetsianov tukaj nedvomno odmeva sentimentalizem XVIII stoletja. V »Pastirici« ni sledi premišljenega poziranja, celoten videz spečega dečka zaznamujejo poteze živahne in sproščene naravnosti. Venetsianov še posebej skrbno poudarja nacionalni ruski tip v njem in daje njegovemu obrazu izraz pristne ganljive duhovne čistosti. Kritiki so Venetsianovu včasih očitali nekoliko manirno držo pastirice, a ta očitek je nepravičen - prav poza spečega dečka s svojo posebno otopelostjo, ki dobro izraža stanje spanja, priča o umetnikovem ostrem opazovanju in bližina njegovih podob živi naravi. Pokrajina ima na sliki posebno pomembno vlogo. Ne postane več »ozadje« za podobo človeka, temveč neodvisno in bistveno sredstvo pri podajanju občutkov in gradnji podobe. V pokrajini je Venetsianov deloval kot ustanovitelj nove smeri, ki jo je kasneje močno razvila ruska umetnost 19. stoletja. Venetsianov se je obrnil k preprosti, "neokrašeni" naravi svoje domovine in jo poustvaril ne le s skrbno natančnostjo, temveč tudi z globokim liričnim občutkom.
Podoba narave, tako kot podoba človeka, v umetnosti Venetsianova postane nosilec idiličnega pogleda na svet.
"Vedeževanje s kartami" (27), "Kosci" (28), "Kmečka ženska s koso in grabljami (Pelageya" (29), "Kopalci" (30), "Na njivi. Pomlad" (31) . V svojih likovnih delih slikar izraža svoje idejno in estetsko stališče. pokazal Venetsianov duhovna privlačnost kmetov, uveljavil svojo osebnost in s tem branil svoje človekove pravice. V svojih delih, ki prikazujejo kmete, je umetnik skušal razkriti duhovna in fizična lepota preprostega ruskega človeka. Slikar je globoko sočustvoval s kmečko usodo, si zelo prizadeval ublažiti položaj podložnih umetnikov, hkrati pa je bil daleč od družbena kritika . Na delo Venetsianova je močno vplivala klasična dediščina: v svojih delih se ni bal uporabljati sredstev starega slikarstva. Hkrati pa je bil v svojih težnjah realist, poleg vzvišene harmonije klasicistov, blizu spoštovanje individualnosti, značilno za romantiko. Široka privlačnost »očeta ruskega žanra« do kmečke teme je bila za tisti čas pravo umetniško razodetje in je bila toplo sprejeta v vodilnem delu ruske družbe.
Inovativnost Venetsianova se ni pokazala le v tem, da se je obrnil na niz podob, ki so bile nove v ruskem slikarstvu, ampak tudi v tem, da je za njihovo izvedbo razvil nova realistična vizualna sredstva. Venetsianov je odkrito prekinil s staro konvencionalno umetnostjo Akademije in poklicani učiti se od življenja, od narave, jo preučevati in posnemati.
Velik pomen Venetsianova kot učiteljica. Na svojem posestvu Safonkovo je ustvaril umetniška šola, v kateri se je izobrazila cela plejada slikarjev, tako imenovanih Benečanov. Ti umetniki so po zapovedih svojega učitelja delovali predvsem na žanrskem področju, kjer so upodabljali domače življenje, ulične prizore, delo kmetov in rokodelcev ter podeželske krajine.
Previsoki stroški, povezani s potrebo po vzdrževanju šole in oskrbi njenih učencev, so močno obremenili posestvo. Na koncu je bil prisiljen posestvo zastaviti skrbniškemu svetu. V želji, da bi nekako izboljšal svoj finančni položaj, je Venetsianov prevzel naročeno delo. Večinoma so bili to portreti in ikone za cerkve. 4. decembra 1847, ko je dokončal skice ikon za eno od tverskih cerkva, jih je želel osebno odpeljati v Tver. Na poti navzdol po strmi gori so konji začeli drseti, Venetsianova je vrglo iz sani in se je zapletel v vajeti. Trojka je že brez življenja odvlekla v vas Poddubye.
KARL BRYULLOV (1799-1852) - (32)
Karl Petrovich Bryullov - izjemen Rus zgodovinski slikar, portretist, krajinar, avtor monumentalnih slik; dobitnik častnih nagrad: velike zlate medalje za slike "Prikaz treh angelov Abrahamu pri Mamrejevem hrastu" (1821) in "Zadnji dan Pompejev" (1834), red Ane III stopnje; Član milanske in parmske akademije, akademije svetega Luke v Rimu, profesor peterburške in firenške akademije umetnosti, častni brezplačni sodelavec pariške Akademije umetnosti.
V družini akademika za okrasno kiparstvo P. I. Brullo je bilo vseh sedem otrok umetniških talentov. Pet sinov: Fedor, Aleksander, Karl, Pavel in Ivan so postali umetniki. Toda slava, ki je padla na Karla, je zasenčila uspehe drugih bratov. Medtem je odraščal kot šibek in slaboten otrok, sedem let praktično ni vstal iz postelje in bil tako izčrpan zaradi škrofuloze, da je »postal predmet gnusa svojih staršev«.
Bil je Karl Pavlovič Bryullov eden najsvetlejših, in hkrati kontroverzni umetnik v ruskem slikarstvu 19. stoletja. Bryullov je imel briljanten talent in neodvisen način razmišljanja. Kljub težnjam časa (vpliv romantike) se umetnik ni mogel popolnoma znebiti klasicističnih kanonov. Morda je bilo zato njegovo delo visoko cenjeno na daleč napredni peterburški akademiji umetnosti: v mladosti je bil njen študent, pozneje pa je postal zaslužni profesor. Vendar z izjemo Fedotova umetnik ni imel učencev s pomembnim talentom. Njegovi privrženci so večinoma postali površni salonski slikarji, ki so prevzeli le nekatere zunanje tehnike Bryullova. Kljub temu Bryullova ali »velikega Karla«, kot ga je poimenovala elita, v času svojega življenja niso častili le v Rusiji, ampak tudi številni ugledni ljudje v Evropi. V drugi polovici 19. stoletja, v času razcveta realizma, so umetniki in kritiki v Bryullovu videli le predstavnika »akademske« smeri, ki jim je bila nesprejemljiva. Minilo je veliko let, preden je umetnik zavzel svoje pravo mesto v zgodovini ruske umetnosti.
Bryullov je bil človek ogromnega talenta, ki ga je pokazal v najrazličnejših žanrih umetnosti. Razvoj Rusko zgodovinsko slikarstvo, portret, risba, dekorativno slikarstvo veliko dolguje svojemu delu. V vsakem od teh žanrov virtuozna veščina čudovit umetnik pustil globok pečat.
Po prvotni izobrazbi svojega očeta, profesorja na Akademiji za umetnost, in nato na sami Akademiji, sta Bryullov in najstniška leta odkril izjemne umetniške sposobnosti.
Ko je bil upokojenec v Rimu in je študiral klasično dediščino, je ustvaril dela, ki so takoj razkrila ne le zrelost njegovega talenta, temveč tudi plodnost njegovega iskanja realne izraznosti umetniške podobe. Takšne slike Bryullova kot "Italijansko jutro" (33), "Opoldne" in nekateri drugi, posvečeni življenju italijanskega ljudstva, so pri zagovornikih klasicizma v Sankt Peterburgu vzbudili očitke zaradi pretirane predanosti mladega umetnika resničnemu življenju. To Bryullova sploh ni motilo in z velikim navdušenjem je nadaljeval delo na svojem največjem platnu. "Zadnji dan Pompejev" (34), kar mu je prineslo slavo najboljšega slikarja dobe. Potem ko je opravil ogromno predhodnega dela, je ustvaril resnično dramatičen ep, katerega romantična vznesenost podob je na njegove sodobnike naredila ogromen vtis. Ta slika je bila zmagoslavje ruske likovne umetnosti, prepričljiv dokaz njene zrelosti.
Razumevanje zgodovinske teme, izražene v »Zadnjem dnevu Pompejev«, neposredno odmeva z vrsto zgodovinskih idej, ki jih je razvila napredna ruska literatura in družbena misel 1820-1830.
V nasprotju s prejšnjim zgodovinskim slikarstvom s kultom herojev in poudarjeno pozornostjo do posameznika, nasproti brezosebni množici, je Bryullov "Zadnji dan Pompejev" zamislil kot množični prizor, v katerem edini in pravi junak bi bilo ljudstvo. Vsi glavni liki v filmu so skoraj enakovredni eksponenti njegove teme; Pomen slike ni utelešen v prikazu enega samega junaškega dejanja, temveč v skrbnem in natančnem prenosu psihologije množic. Delo na "Zadnjem dnevu Pompejev" se je vleklo skoraj šest let.
Tematika slike je vzeta iz stare rimske zgodovine.
Pompeji (ali bolje rečeno Pompeji) - starodavno rimsko mesto ob vznožju Vezuva - 24. avgusta 79 našega štetja je bilo zaradi močnega vulkanskega izbruha napolnjeno z lavo in prekrito s kamni in pepelom. Dva tisoč prebivalcev (skupaj jih je bilo okoli 30.000) je umrlo na ulicah mesta med stampedom.
Več kot tisoč let in pol je mesto ostalo zakopano pod zemljo in pozabljeno. Šele ob koncu 16. stoletja so med izkopavanji po naključju odkrili kraj, kjer je bila nekoč izgubljena rimska naselbina. Od leta 1748 so se začela arheološka izkopavanja, ki so v prvem posebej oživela desetletja XIX stoletja.
V središču slike je ležeča figura mlade ženske, ki je v smrt padla z voza. Lahko se domneva, da je Bryullov v tej figuri želel simbolizirati celoten umirajoči starodavni svet; Namig na takšno interpretacijo najdemo tudi v ocenah sodobnikov. Ni naključje, da je umetnik poleg osrednje figure umorjene upodobil čudovitega otroka, kot simbol neizčrpne moči življenja. Na sliki sta tako poganski duhovnik kot krščanski duhovnik, kot da poosebljata odhajajoči starodavni svet in krščansko civilizacijo, ki nastaja na njegovih ruševinah.
Bryullov je kot slikar velikega talenta s svojimi deli uničil ozek okvir akademskih kanonov. Njegova dela je vedno odlikovala konceptualna širina.
V svojem delu predvsem umetnik posvečal pozornost osebi, razkril moč njegovega uma in potrdil plemenitost njegovih teženj. V vsakem delu Bryullova, v katerem koli njegovem platnu in v kateri koli njegovi risbi sta vedno utelešena ljubezen in spoštovanje do človeka - "Genij umetnosti" (35), "Narcis, ki gleda v vodo" (36), "Speča Juno" (37).
Umetnikovi dosežki na področju portretiranja niso naključni. Bryullov je natisnil celo vrsto slik svojih sodobnikov. Ob uradnih naročenih portretih nam je zapustil vrsto globokih realističnih podob umetnikov, ljudi svojega kroga - pisateljev, umetnikov, igralcev - “Konjenica” (38), “Vedeževanje Svetlana” (39), “Portret princese Volkonske” (40), “Turkinja” (41), “Sanje o nuni” (42), “Profil Glinkine glave” (43).
ALEKSANDER IVANOV (1806-1858)
Nova in še pomembnejša stran v zgodovini ruskega slikarstva je bilo delo Aleksandra Ivanova. Po umetniški izobrazbi v Sankt Peterburgu je bil Ivanov kot upokojenec Društva za spodbujanje umetnosti poslan v Italijo na izpopolnjevanje in študij klasične umetnosti.
Ivanov, ki ga je vzgojil oče, profesor zgodovinskega slikarstva na Akademiji za umetnost, v tradiciji ruskega klasicizma, je močno občutil zaton tega sloga v novih zgodovinskih razmerah in propad estetskih idealov in idej, ki so pred kratkim prevladovali. Za cilj vsega svojega življenja si je zadal vrniti umetnosti njen družbeni pomen. Po njegovem mnenju bi morali biti ustvarjalni dosežki velikih klasičnih umetnikov povezani z novimi naprednimi idejami ruske družbe.
"Združiti Raphaelovo tehniko," je zapisal, "z idejami nove civilizacije - to je naloga umetnosti v tem času." »Kristusovo prikazanje Mariji Magdaleni« (44),
- spada v zgodnje obdobje dela Ivanova in ima vse značilnosti, značilne za klasicizem: uravnoteženo kompozicijo, porazdelitev figur in predmetov po načrtih, gladek vzorec in lokalno barvo, čustveno ekspresivnost v interpretaciji tradicionalnih mitoloških in evangeličanskih tem. Vodilna vrednost za Ivanova so podobe umetnosti italijanske renesanse. Slika zaključuje zgodnje obdobje umetnikovega ustvarjanja "Apolon, Hiacint in Cipresa, ki se ukvarjajo z glasbo in petjem" (44a), ki jo je Ivanov ustvaril že v Rimu in ki se odlikuje z nenavadno subtilno kompozicijsko in koloristično ubranostjo ter poetično vzvišenostjo v interpretaciji podob. starodavni mit
. To je antika, dojeta skozi renesanso. Zdi se, da umetnik razkriva skriti božanski pomen narave. Veliki ruski umetnik Aleksander Andrejevič Ivanov je obogatil rusko in evropsko slikarstvo 19. stoletja z globino filozofske misli. V svojem delu je Ivanov izpostavil številne probleme sodobnega življenja: umetnik je bil prvi v ruskem slikarstvu, ki je izpostavil. Njegov pogled na svet se je oblikoval pod vplivom N. V. Gogola, s katerim je umetnik v teh letih prijateljeval. Gogol je močno vplival na ideje Ivanova o vzgojnih nalogah umetnosti. je spoznal Ivanov vzgojna in preroška vloga umetnika, je verjel, da mora umetnost služiti preobrazbi in moralnemu izboljšanju človeštva. Umetnik je skušal razumeti
V ruski kulturi prve polovice 19. stoletja ima romantika svoje posebnosti. Vera v razsvetljenske ideale razuma, napredka, osnovnih osebnih pravic - vse to je bilo v ruščini še vedno aktualno javno življenje prvi polovici stoletja.
Podoba osebe je dobila globoko poetično utelešenje v delu največjega ruskega portretista 1. tretjine 19. stoletja.
Orest Adamovič Kiprenski. (1782-1836).
Največji mojster romantičnega portreta.
Ko pogledate portrete Kiprenskega, se zdi, da vidite svobodni ljudje. Nobeden od njegovih sodobnikov ni uspel tako izraziti tega občutka novega človeka.
Med najpomembnejšimi deli Kiprenskega so portreti vojaškega osebja, ki je sodelovalo v protinapoleonskih akcijah v začetku stoletja.
1809. Časovna razporeditev
Portret A.A. Čeliščeva. 1808 - začetek 1809 Tretjakovska galerija se nanaša na zgodnje obdobje ustvarjalnosti O.A. Kiprenski.
Obdobje romantike ustvarja povsem poseben odnos do pojma otroštva. Če so portretisti 18. stoletja otroka običajno upodabljali kot majhnega odraslega, so romantiki v njem videli poseben, edinstven svet osebnosti, ki je še vedno ostal čist in nedotaknjen za razvade odraslih.
Portret grofice Ekaterine Petrovne Rostopchine. 1809. Tretjakovska galerija.
Nekatere ženske podobe, ki jih je ustvaril, so še posebej očarljive.
V vsem svetovnem slikarstvu 19. stoletja mu ni enakega po moči izražanja duhovne lepote, kot da bi predvidevala podobo Puškinove Tatjane.
Med življenjem v Sankt Peterburgu se je Kiprenski zbližal z najvidnejšimi ljudmi svojega stoletja.
Romantične težnje v delu Kiprenskega so utelešene v portretu slavnega ruskega pesnika V.A. Žukovski.
Portret E.S. Avdulina. 1822-1823.
- eno najboljših del poznega Kiprenskega.
se pred gledalcem pojavi kot človek velike duhovne subtilnosti in plemenitosti, ki ima globoko skrit notranji svet.
V portretu Puškina umetnik natančno prenaša značilnosti pesnikovega videza, vendar dosledno zavrača vse običajno. Razumevanje edinstvenosti naloge - ujeti videz velikega pesnika - O.A. Kiprenski je harmonično združil duh romantične svobode in patos visoke klasike.
Ustvarjalno zgorevanje.
« Vidim se kot v ogledalu, a to ogledalo mi laska».
O. A. Kiprenski. "Avtoportret". 1828
Tropinin, Vasilij Andrejevič(1776-1857) - ruski umetnik, akademik, mojster portreta. Po poreklu - podložni kmet. Tropinin ni uspel diplomirati na akademiji. Grof Morkov je leta 1804 prekinil študij in poklical Kukavko na svoje ukrajinsko posestvo. Mlademu umetniku moral je biti domači pleskar in hkrati opravljati dolžnosti dvoriščnega pomočnika. Od leta 1821 je stalno živel v Moskvi, kjer si je pridobil priznanje in slavo.
Podobe ljudi iz ljudstva, ki jih je ustvaril Tropinin, so splošno znane.
»Tropinin je imel malo tekmecev v svojem umetniškem talentu. Leta 1818, ko je bil še podložnik in je živel s svojim gospodarjem na posestvu Kukavka v Ukrajini, je napisal "Portret sina" - neverjeten v svojem slikovitem šarmu in svobodnem načinu slikanja. Ta portret svetlolasega, zagorelega fanta žari, živi in diha. Po tem je Tropinin delal še štirideset let, ovekovečil veliko ljudi, razvil bolj ali manj stabilne metode portretiranja, se izboljšal v tehniki, vendar je portret njegovega sina ostal neprekosljiv, z izjemo morda portreta Puškina, naslikal istega leta kot Kiprensky in ni slabši od njega "(Dmitrieva N.A. Kratka zgodovina umetnosti. Številka III: Države Zahodna Evropa XIX stoletje; Rusija 19. stoletja. - M.: Umetnost, 1992. Str. 198-200.).
Najboljši v krogu Tropininovega portreta dvajsetih let 19. stoletja
Rahlo dvignjena zgornja ustnica daje pesnikovemu obrazu pridih zadržane animacije.
Lila-rjava obleka je zagrnjena v široke, ohlapne gube; Ovratnik srajce je na stežaj odprt, modra kravata je namerno ležerno zavezana.
Barva ima svežino neposrednega opazovanja. Refleksi iz srajce z belim ovratnikom, ki poudarja brado in goli vrat portretiranca, so prepričljivo podani.
Kot že znan umetnik je Tropinin ustvaril tip domačega, intimnega portreta z elementi žanrsko slikarstvo. Praviloma je to polovična podoba osebe, ki opravlja svoje običajne dejavnosti.
Lepo, spretno dekle je polno miline, ki jo sodobniki razumejo kot posebno »prijetnost«, kot nekaj, kar »zajame srce«, a »ni mogoče razumeti z razumom«.
V letu, ko je bila slika naslikana, je Vasilij Andrejevič Tropinin, podložni umetnik grofa Morkova, dobil svobodo. Bil je star 47 let. Istega leta je na Akademiji za umetnost razstavil svojo »Klekljarico«, ki je takoj pridobila popularnost, ki je ni zapustila do danes.
Venetsianov Aleksej Gavrilovič. 1780 – 1847. prvi ruski slikar, ki je za osnovo svojega dela zavestno izbral vsakdanji žanr.
Prav on je zaslužen za uveljavitev vsakdanjega žanra v ruski umetnosti kot samostojne vrste slikarstva.
Razvil je obliko večfiguralnega žanrskega slikarstva, v katerem velikokrat igra krajina ali interier. Venetsianov je bil tudi prvi, ki je opozoril na posamezne ljudske vrste. Njegovo slikarstvo je nacionalno in demokratično.
Leta 1811 ga je Akademija za umetnost priznala kot "določenega" za njegov avtoportret.
Prvo temeljno delo Venetsianova je bila slika "Skedenj", ki je odprla nove poti v ruskem slikarstvu.
Umetnik je ustvaril idealizirano pesniška podoba kmečko življenje. Delo na prostem je Venetsianovu omogočilo uporabo učinkov dnevne svetlobe in zapletanje palete.
Bryullov Karl Pavlovič(1799-1852). Slikar, risar. Mojster zgodovinskega slikarstva, portretist, žanrski slikar.
Mrtvilo kanonov klasicizma premaga z romantično željo, da bi podobo napolnil z živimi občutki.
osnova so bila realna načela
Iskri se veselje do bivanja, veselo in polnokrvno občutenje življenja, zlitja z okoljem. Sončni žarki prodirajo skozi listje vinograda, drsijo po rokah, obrazu in obleki deklice; ustvarja se vzdušje žive povezanosti človeka z naravo. Dekličin obraz s popolnoma pravilnimi potezami in ogromnimi bleščečimi očmi je idealno lep, zdi se skoraj porcelanast (pogost učinek pri Bryullovu). Italijanski tip videza je takrat veljal za popolnega in umetnik se z njim igra z veseljem.
Odbor društva, ki je prejel "Opoldne", je previdno očital umetniku, da je izbral model, ki ni ustrezal klasičnim idealom peterburških poznavalcev.
Epikurejska linija
Tragična črta v ustvarjalnosti
Zadnji dan Pompejev. 1830-1833. Državni ruski muzej olje na platnu. 465,5 x 651
Prvič v ruskem slikarstvu se je klasicizem združil z romantičnim dojemanjem sveta. Opozoriti je treba, da je za K.P. Bryullov je bil pomemben za resnico zgodovinske resničnosti. Študiral je pisne vire o tragediji v Pompejih (Plinij mlajši, Tacit), ter znanstveno raziskovanje posvečen arheološkim izkopavanjem.
Njegovi junaki v zadnji trenutekživljenja dokazujejo človeško dostojanstvo in veličino duha pred slepimi elementi zla.
Za razliko od tistega, kar vidimo na klasičnih slikah, tukaj kompozicijsko središče ni dano glavnemu zgodovinskemu liku (ki preprosto ne obstaja), temveč pokojni materi, poleg katere je upodobljen še živeči otrok, ki ga je prevzela groza. Koncept platna se razkriva v kontrastu med življenjem in smrtjo.
Tako je ljudstvo prvič vstopilo v rusko zgodovinsko slikarstvo, čeprav je bilo prikazano precej idealizirano.
Portret Velika vojvodinja Elena Pavlovna s hčerko Marijo. 1830. Ruski muzej Končno je Bryullov prišel do podobe velike vojvodinje v gibanju. Odslej bo pri velikih portretih uporabljal to tehniko, ki pripomore k večji izraznosti podobe.
Jezdec. Portret Giovanine in Amazilie Pacini, učencev grofice Yu.P. Samojlova. 1832. Tretjakovska galerija
Do zgodnjih 1830-ih je K.P. Bryullov je zasedel eno vodilnih mest v ruski in vsej zahodnoevropski umetnosti. Njegovo slavo kot izjemnega mojstra portretiranja je utrdila "Jezdenica", naslikana v Italiji.
Ceremonialno portretno slikarstvo Bryullova zaznamujejo inovativne značilnosti. Za razliko od junakov svečanih portretov 18. stoletja, kjer je bila glavna naloga poudariti družbeni položaj portretiranca in njegove javne vrline, Bryullovovi liki izkazujejo predvsem spontanost, mladost in lepoto.
Portret njegove presvetle princese Elizavete Pavlovne Saltykove, rojene grofice Strogonove, žene njegove presvetle visokosti princa I.D. Saltykova. 1841. Časovna razporeditev
Portret grofice Julije Pavlovne Samoilove, rojene kot grofice Palen, ki zapušča ples s svojo posvojeno hčerko Amazilio Paccini. 1842. Časovna razporeditev
zadnje pomembno delo K.P. Bryullova in eno njegovih najboljših del v žanru slovesnega portretnega slikarstva, za katerega je značilno optimistično, romantično razpoloženje.
Umetnik je predstavil svojo junakinjo v modni obleki kraljice, na ozadju bujne gledališke zavese, ki jo ločuje od udeležencev plesa.
poudarja njen dominanten položaj v množici ljudi, ekskluzivnost njene narave.
Ivanov Aleksander Andrejevič(1806-1858) - slikar, risar. Mojster zgodovinskega slikarstva, krajinar, portretist. Ustvarjalnost A.A. Ivanova stoji v središču duhovnega iskanja ruske kulture 19. stoletja.
Najvišji dosežek v ruskem zgodovinskem slikarstvu je povezan z delom A. Ivanova. Sin profesorja A.I. Ivanova je študiral na Akademiji za umetnost, briljantno obvladal kompozicijo in risanje (poleg očeta sta bila njegova učitelja Egorov in Šebujev.
Leta 1824 Ivanov je naslikal svojo prvo večjo oljno sliko "Priam prosi Ahila za Hektorjevo telo" (Galerija Tretjakov), za katero je prejel malo zlato medaljo. Ivanov že v tem zgodnjem delu razkriva željo po psihološki ekspresivnosti in arheološki točnosti. Ko se je slika pojavila na razstavi, so kritiki opazili umetnikov pozoren odnos do Homerjevega besedila in močan izraz likov na sliki.
Na razstavi 1827 Pojavila se je druga slika Ivanova, "Jožef, ki razlaga sanje peka in butlerja" (Ruski muzej), ki ji je Društvo za spodbujanje umetnikov podelilo veliko zlato medaljo. Tu sta izražanje obrazov in neprimerljiva plastičnost figur daleč presegla "Priama", kar priča o izjemni nadarjenosti umetnika in njegovem hitrem razvoju. Osvetljene figure na temnem ozadju dajejo vtis kipov. Tekoče gube Jožefovega starinskega oblačila so obdelane z osupljivo popolnostjo. Joseph pove peku nekaj strašnega, o čemer mora razmisliti, in ga pokaže na relief, ki prikazuje usmrtitev, vklesan na steni zapora. Pokalnik nestrpno pričakuje s svetlim upanjem, kaj bo o njem rekel vedeževalec. Pek in pokalnik sta si podobna, kot brata, zato se na njunih obrazih pojavita izraza nasprotnih občutkov: obupa in upanja. Egipčanski relief, ki ga je sestavil Ivanov, kaže, da je bil že takrat seznanjen z egipčansko arheologijo in je imel pretanjen občutek za stil. V vseh svojih zgodnjih delih je Ivanov težil k močnim čustvenim gibom, izraženim v izjemno jasni obliki.
Vendar je ta slika skoraj pripeljala do propada Ivanove kariere, ki se je začela tako briljantno. Podobo (v obliki reliefa) usmrtitve na steni ječe so razlagali kot drzno namigovanje na povračilne ukrepe Nikolaja I. proti decembristom. Hood je komaj uspel pobegniti iz Sibirije. In kljub dejstvu, da je Ivanov prejel veliko zlato medaljo, se je vprašanje njegove napotitve v tujino vleklo. Društvo za spodbujanje umetnikov se je z namenom, da pošlje Ivanova v Italijo na izpopolnjevanje, odločilo, da ponovno preizkusi njegove sposobnosti z novo temo: "Bellerophon gre v pohod proti Himeri" (1829, Ruski muzej).
Kljub temu je dobil službeno potovanje v tujino. V tem času je bil Ivanov že avtor več slik, dokončal je ogromne risbe iz starodavnih kipov - "Laokoon", "Venera iz Mediceje", "Borghesov borec" (vse v Državni galeriji Tretyakov) in veliko risb iz akademskih modeli. Njegovi zgodnji albumi vključujejo tudi cela serija skice s svinčnikom in sepijo na zgodovinske in antične teme, med katerimi je nekaj skic iz narave; Portreti so še redkejši. Majhen avtoportret (1828, Tretjakovska galerija), naslikan v olju, sega v čas pred njegovim odhodom v tujino.
Kot poklon klasicizmu je Ivanov v Rimu začel slikati v duhu Poussina "Apolon, Hijacint in Cipresa, ki se ukvarjajo z glasbo in petjem" (1831-1834, Tretjakovska galerija), pri čemer je uporabil spomenike starodavne skulpture. Slika je ostala nedokončana. Kljub temu je eno najpopolnejših del ruskega klasicizma. Zdi se, da so lepo združene figure animirani kipi.
Drevesno listje je v čudovitem kontrastu z barvo golih teles: nežna barva telesa Hijacinte, temna barva čempresa in figura Apolona, kot bi bila izklesana iz slonovine. Slika je glasbeno skladna, harmonična kompozicija. Primerjava skic pokaže, da je Ivanov zavestno iskal glasbeno lepoto gladkih linij in plastično dovršenost oblike. Čudovito navdahnjen obraz Apolona. Ivanov je za osnovo podobe vzel glavo Apolona Belvedere in ji vdahnil novo življenje - življenje občutkov. Ta metoda obdelave starih slik je postala glavna za Ivanova v prvi polovici njegovega dela.
Ob ponovnem branju evangelijev je Ivanov končno našel zaplet, ki se ga še nihče ni lotil: prvi nastop Mesije (Kristusa) pred ljudmi, ki čakajo na izpolnitev svojih cenjenih želja, ki jih je napovedal Janez Krstnik. Ivanov je zaznal ta zaplet kot celoten pomen evangelija. Po njegovem mnenju bi ta zaplet lahko utelešal visoke moralne ideale vsega človeštva, kot so jih razumeli njihovi sodobniki. Delo na skicah za sliko se je začelo jeseni 1833.
Umetnik je zaplet že od samega začetka svojega dela zasnoval bolj kot zgodovinski kot religiozni in izničil vse značilnosti njegove mistične interpretacije. Izdelal je načrt, ki je trajal desetletje, v skladu z izjemno zahtevnostjo načrta. Ta načrt je zaradi trajanja in visokih stroškov prestrašil nezaupljive peterburške »dobrotnike« Ivanova. Kljub grožnjam Društva za spodbujanje umetnikov, da mu bodo odvzeli vsa sredstva za preživetje, Ivanov ni odnehal. Poglobljeno je preučeval spomenike starodavne umetnosti in monumentalno slikarstvo Italijanska renesansa. Ne morem odpotovati v Palestino na srečanje ljudske vrste in pokrajine krajev, povezanih z evangelijsko legendo, je Ivanov iskal ustrezno naravo v Italiji.
Leta 1835 Ivanov dokončal in poslal v Sankt Peterburg na akademsko razstavo »Prikaz Kristusa Mariji Magdaleni po vstajenju« (Ruski ruski muzej); Uspeh filma je presegel umetnikova pričakovanja: podelili so mu naziv akademika in podaljšali bivanje v Italiji še za tri leta.
V statuarnosti figur na tej sliki (zlasti Kristusa, ki spominja na Thorvaldsenov kip), v običajnih draperijah in krajini, ki služi kot skoraj nevtralno ozadje figur, je Ivanov poklonil zadnji poklon akademizmu. To je popolnoma ustrezalo prvotnemu namenu slike, v kateri je umetnik želel pokazati svojo sposobnost upodabljanja golega človeškega telesa in draperije. Vendar ga je ob tem navdušila naloga upodabljanja jokajočega lepega ženskega obraza in gibanje figure. Ni si upal narediti radikalnejših sprememb v sliki, čeprav so skladbe Giotta, ki jih je videl v Italiji na isto temo, dale idejo o popolni opustitvi "uradnega dela golote".
Kompleksen izraz na Magdaleninem obrazu (nasmeh skozi solze) in uspešno ugotovljen položaj Kristusovih nog (ki temelji na globokem poznavanju anatomije in daje njegovi figuri iluzijo gibanja) sta najbolj realistični značilnosti slike v njeni splošni akademski strukturi.
Po tem delu se je umetnik spet popolnoma posvetil razvoju glavne ideje. Delo na temi "Prikaz Kristusa ljudem" (1837-1857, Tretjakovska galerija) je zasedlo večino življenja Ivanova. Številni ohranjeni materiali (skice, skice, risbe) in obsežna korespondenca umetnika omogočajo rekonstrukcijo glavnih faz tega ogromnega dela. Prve skice segajo v leto 1833, torej so nastale pred prvim potovanjem v Italijo.
Leta 1837 kompozicija slike je bila že tako razvita, da jo je umetnik lahko prenesel na veliko platno, naslednje leto pa jo senčil in naslikal v terdesienu.
K1845 »Kristusovo prikazovanje ljudstvu« je bilo v bistvu konec, z izjemo nekaterih podrobnosti (obraz sužnja, figure, ki prihajajo iz vode, srednja skupina).
Nadaljnje delo je potekalo v dveh smereh - največja specifikacija likov likov in druga - preučevanje pokrajine na posamezne teme, ki jih določa kompozicija slike (drevesa v ospredju, zemlja, kamni, voda, drevesa v ozadju in gore) . Možno je, da je pred vsem tem delom sledilo iskanje splošnega tona slike, za katero je Ivanov v Benetkah, v neposredni bližini velikih beneških koloristov, napisal majhno skico (»Skica v beneških tonih«, 1839, Tretjakov Galerija), ki je v veliki meri vnaprej določila barvo slike "Prikaz Kristusa ljudem."
Konec leta 1838 prišlo je do prekinitve dela. V tem času se je Ivanov srečal z N. V. Gogolom, ki je nato prispel v Rim. Postala sta prijatelja. Njuno prijateljstvo je zaznamovalo Ivanovo nepričakovano zanimanje za teme iz življenja ljudi. Pod vplivom pisatelja je Ivanov ustvaril številne žanrske akvarele, ki prikazujejo prizore iz življenja navadnih ljudi. So poetične, vitalne in prežete z duhovno toplino. Kompleksne večfiguralne kompozicije združuje delovanje svetlobe. Luna izliva svojo mirno svetlobo na skupino otrok in deklet, ki v zboru pojejo Ave Maria (»Ave Maria«, 1839, Ruski ruski muzej), tople luči sveč se odsevajo v refleksih na njihovih obrazih in oblačilih. Pod žgočimi žarki južnega sonca se odvija sladek prizor (»Ženin izbira uhane za nevesto«, 1838, Tretjakovska galerija) Liki deklet v akvarelu »Oktobrske počitnice v Rimu« so polni sproščenih gibov . Na Ponte Mole« (1842, Ruski muzej). V akvarelu »Oktobrske počitnice v Rimu. Scena v loži« (1842, Tretjakovska galerija) prikazuje igriv ples. Hitra gibanja ljudi, ki obkrožajo vitkega Angleža, so izražena s kompleksno in lepo silhueto. Brez Gogoljevega vpliva je pojav teh žanrskih prizorov nerazložljiv.
V vseh akvarelih Ivanova prevladuje načelo psihološke povezanosti človeških figur nad načelom klasične arhitekturne kompozicije. Umetnik si je v njih očitno prizadeval za življenjsko resničnost gibanja figur in njihovih razmerij.
V prvih dveh žanrskih akvarelih se je Ivanov tako rekoč soočil s svetlobnimi težavami. Ta naloga je bila še posebej težka v akvarelu "Ave Maria", v katerem je hladno in enakomerno mesečina v kombinaciji s toplo in spoštljivo svetlobo sveč in mehko svetlobo luči pred podobo Madone.
Problem prenosa sončne svetlobe, ki je umetnika še posebej zaposloval v poznih 40. letih, je prvič zastavil v že omenjenem akvarelu Ženin izbira uhane za nevesto. Primerjava dveh različic te risbe (THG in GRM) kaže, da je Ivanov skušal uporabiti osvetlitev kot povezovalni princip.
K1845 »Kristusovo prikazovanje ljudstvu« je bilo v bistvu konec, z izjemo nekaterih podrobnosti (obraz sužnja, figure, ki prihajajo iz vode, srednja skupina).
Da bi rešil problem: da bi prikazal človeštvo, ki čaka na svojo osvoboditev, je Ivanov menil, da ima pravico uporabiti vse, kar je prej dosegla svetovna umetnost. Zglede plastične umetnosti je črpal iz antike Grška skulptura, ob preučevanju starodavnih izvirnikov v Rimu in Firencah je preučeval renesančno slikarstvo: Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo, Ghirlandaio in predvsem Raphael.
Očitno je že od prvih korakov dela na kompoziciji slike Ivanov začutil potrebo po organiziranju človeških figur v skupine, ki so povezane s skupnostjo ali, nasprotno, nameščene v namernih kontrastih. Te skupine so bile opredeljene takole: starec in mladenič, ki prihajata iz vode, skupina učencev, ki jih vodi Krstnik in jih na levi strani zapira figura skeptika, v ospredju skupina bogataša in sužnja, in končno skupina trepetajočih očeta in sina, ki obkroža celotno kompozicijo na desni. Poleg tega so številne figure postavljene v sence, na sredino slike v množici ljudi, ki zasedajo zgornjo desno stran platna. Tudi te figure so organizirane v skupine.
Lik Janeza Krstnika je odločilnega pomena. Nahaja se skoraj v središču in s svojo močno silo organizira celotno kompozicijo. Pri upodobitvi Krstnika je Ivanov uporabil spomenike italijanskega slikarstva in predvsem Rafaela, ki podobi nikakor ni odvzel lastne izraznosti. Janez na sliki je poln ognjevitega temperamenta; s svojim glagolom žge srca ljudi. Z osupljivo močno kretnjo pokaže na bližajočega se Messija. Bil je prvi, ki je videl in prepoznal Mesija. Njegova gesta določa gibanje celotne kompozicijske zgradbe slike.
Umetnik si je zadal cilj doseči v vsakem od likov izjemno značilen izraz vsakega človeka. značaj. Uspele so mu zlasti podobe Krstnika, apostolov Janeza, Andreja, Natanaela in sužnja, katerih skice so med najboljšimi. Ni čudno, da je Kramskoj ivanovskega krstitelja smatral za »idealnega portreta«.
Značilno je, da je resničen portret osnova vsakega lika, vsake vrste na sliki. Na naslednji stopnji umetnost pritegne glave starodavnih skulptur, kot bi jih oblikovala s klasičnimi značilnostmi žive narave.
"Prikazovanje Kristusa ljudstvu" združuje visoko idejo o osvoboditvi človeštva z monumentalno obliko.
Do leta 1845 vključujejo skice stenske slike "Kristusovo vstajenje", namenjene katedrali Kristusa Odrešenika, ki jo je zgradil K.A. V tem obdobju je Ivanov prišel na idejo, da bi ustvaril celo vrsto slik na svetopisemske teme. Te poslikave naj bi prekrivale stene posebnega javna zgradba(ne cerkve, kot je vedno poudarjal umetnik sam). Njihove teme in zaporedje so bili bolj skladni s knjigo "Jezusovo življenje" D. Straussa, vendar so temeljili na globokih in samostojno učenje primarni viri umetnika samega. Ivanov je tu nameraval predstaviti razvoj človeških prepričanj v njihovi tesni medsebojni povezanosti in zgodovinski pogojenosti. V ciklu skic, ki so utelešale ta načrt, so problemi zgodovinske usode ljudi, odnosa med ljudmi in posameznikom, tako značilni za romantični historicizem, dobili najglobljo rešitev v primerjavi z vsem ruskim zgodovinskim slikarstvom 2. /3 stoletje. Obilje in neskončna raznolikost del Ivanova sta neverjetni. akvarelne skice na svetopisemske teme (skoraj vsi so shranjeni v Državni galeriji Tretyakov).
Med skicami je težko izbrati najboljše. Zato se osredotočite le na bolj značilne. Takšna je na primer skica »Trije tujci naznanijo Abrahamu Izakovo rojstvo«, katere kompozicija preseneča s svojo monumentalnostjo, enotnostjo človeka in narave ter ekspresivnostjo figur. Nič manj zanimivo ni "Zbiranje mane v puščavi" - množični prizor, v katerem teče ljudi ujame veseli vihar ali "Procesija prerokov", polna močnega, osupljivega ritma. Kljub temu, da je načrt Ivanova ostal le v skicah, te skice sodijo med največja bogastva umetnosti.
Njegove pokrajine so čudovite. "Appian Way" (1845, Tretyakov Gallery). "Neapeljski zaliv blizu Castellammare" (1846, Tretyakov Gallery). Ivanov je odločilno stopil na pot plenerizma. V njegovem slikarstvu narava ni skozi mit, kot v delih klasike, ampak skozi resničnost.
Delo Ivanova, ki daleč presega romantične ideale dobe, je najmočnejši izraz realistične usmeritve ruske umetnosti sredi 19. stoletja.
V prvih letih svoje upokojitve v Italiji, v zgodnjih 1830-ih, je Ivanov naslikal čudovito sliko »Apolon, cipresa in hijacinta, ki se ukvarjajo z glasbo in petjem«.
Briljantne skice slik za "tempelj človeštva", ki jih je zamislil, je Ivanov v "Biblijskih skicah" skušal organsko združiti evangelijsko resnico zgodovinska resnica, legendarno in mitično z resničnostjo, vzvišeno z običajnim, tragično z vsakdanjim.
Umetnost sredine (40-50-ih) 19. stoletja - "gogoljevsko" obdobje ruske kulture
Fedotov, Pavel Andrejevič(1815-1852) - slavni ruski umetnik in risar, ustanovitelj kritični realizem v domačem slikarstvu.V delu Fedotova je bil prvič v ruski umetnosti izveden program kritičnega realizma. "Obtožujoča usmeritev" se je odrazila tudi v "Aristokratovem zajtrku".
Fedotov je sliko "Vdova" izvedel v več različicah in se dosledno premikal proti svojemu cilju - prikazati človeško nesrečo, kakršna je v resnici.
Slika "Sidro, še več sidra!" skladna barva - blatno rdeča in zlovešče čustveno razpoloženje. Platno je resnično tragično: v njem pride do izraza melanholija grdega vsakdana in nesmiselnost bivanja.
Slikarstvo prve polovice 19. stoletja Prva polovica 19. stoletja je svetla stran ruske kulture. Vse smeri - slikarstvo, literatura, arhitektura, kiparstvo, gledališče te dobe zaznamuje cela plejada imen, ki so ruski umetnosti prinesla svetovno slavo.
Slikarstvo je imelo v prvi polovici 19. stoletja velik pomen v družbenem življenju. Razvoj nacionalne samozavesti, ki ga je povzročila zmaga v domovinski vojni leta 1812, je povečal zanimanje ljudi za nacionalno kulturo in zgodovino, za domače talente. Tako so v prvi četrtini stoletja prvič nastale javne organizacije, katerih glavna naloga je bil razvoj umetnosti: Svobodno društvo ljubiteljev slovstva, znanosti in umetnosti, Društvo za bodrenje umetnikov. Pojavile so se posebne revije, prvi poskusi zbiranja in prikazovanja ruske umetnosti. Majhen zasebni "Ruski muzej" P. Svinina je pridobil slavo, Ruska galerija pa je bila ustanovljena v Imperial Hermitage leta 1825. Umetniška akademija je že od začetka stoletja vključevala občasne razstave, ki so pritegnile številne obiskovalce. Hkrati je bil sprejem na te razstave ob določenih dnevih navadnih ljudi velik dosežek.
V samem začetku 19. stoletja je imel klasicizem pomembno vlogo v slikarstvu. Vendar pa je do leta 1830 ta smer postopoma izgubljala družbeni pomen in se vse bolj spreminjala v sistem formalnih kanonov in tradicij. Novost v rusko umetnost je prinesla romantika, evropsko gibanje, ki se je pojavilo na prehodu iz 18. v 19. stoletje. Eden glavnih postulatov romantike, v nasprotju s klasicizmom, je potrditev človekove osebnosti, njegovih misli in pogleda na svet kot glavne vrednote v umetnosti. Zagotavljanje človekove pravice do osebne neodvisnosti je vzbudilo posebno zanimanje za njegov notranji svet, hkrati pa je predpostavljalo umetnikovo svobodo ustvarjalnosti. V Rusiji je romantika dobila svojo posebnost: na začetku stoletja je imela heroično konotacijo, v letih Nikolajevske reakcije pa tragično konotacijo. Romantika, ki je imela za svojo posebnost poznavanje določene osebe, je postala osnova za poznejši nastanek in oblikovanje realističnega gibanja, ki se je v umetnosti uveljavilo v drugi polovici 19. stoletja. Značilnost realizma je bila njegova privlačnost do teme sodobnega ljudskega življenja, vzpostavitev novih tem v umetnosti kmečkega življenja. Tukaj je najprej treba opozoriti na ime umetnika A.G. Venetsianova. Najbolj realna odkritja prve polovice 19. stoletja so se odražala v šestdesetih letih prejšnjega stoletja v delih P.A. Fedotova.
Za portretiranje so značilni izjemni dosežki ruske umetnosti prve polovice 19. stoletja. Ruski portret je slikarska zvrst, ki je umetnike najbolj neposredno povezovala z družbo, z izjemnimi sodobniki. Razcvet portretiranja je povezan z iskanjem novih načel umetniške ustvarjalnosti in širjenjem romantike v Rusiji. Romantika je značilna za umetnike O.A.Kiprenskega, V.A.Tropinina, K.P. Najbolj slavni portretisti tokrat - Kiprensky O.A. in Tropinin V.A. Kiprenski O.A. "Avtoportret" Tropinin V.A. "Avtoportret", 1846
Kiprenski O.A. (). Posebna stran v ruskem slikarstvu - ženski portreti umetnik. Vsak njegov portret očara z vpogledom v duhovne globine podobe, edinstveno izvirnostjo videza in odlično izvajalsko spretnostjo. Najbolj znani portreti E.S. Avdulina (1822), E.A. Teleshova (1828), D.N. Rep (1814). Eden od vrhuncev dela Oresta Adamoviča je portret E.P. Rostopčina (1809). Portret E.S.Avdulina Portret E.A.Teleshova Portret D.N.Khvostova Portret E.P.Rostopchina
Slavni portret pesnika A.S. Puškina (eno najboljših življenjskih del) Kiprenskega. Pesnik sam je o tej sliki zapisal: »Vidim se kot v ogledalu. Toda to ogledalo mi laska.” Portret življenjskega huzarskega polkovnika E.V. Davydova (1809). Podoba Davidova, ki jo je ustvaril Kiprenski, se pred gledalcem pojavi kot simbol dobe vojn z Napoleonom, na predvečer domovinske vojne leta 1812.
Tropinin Vasilij Andrejevič (). Sin podložnika, do 1823 tudi sam podložnik. Njegova sposobnost risanja se je pokazala že v otroštvu, študiral je na Akademiji umetnosti v Sankt Peterburgu, pokazal sijajen akademski uspeh in prejel srebrno in zlato medaljo. Toda mojster ga je poslal na ukrajinsko posestvo, kjer je umetnik živel približno 20 let, slikal, zgradil in poslikal cerkev. Tropinin V.A. Naslikal je ogromno portretov, ne samo slavnih in slavnih ljudi, ampak tudi predstavnikov ljudstva. Posebna pozornost so narisani portreti velikega pesnika A.S. Puškina in junaka domovinske vojne 1812 I.P. "Portret Bagration P.I." "Portret A. S. Puškina", 1827
V portretih svojih sodobnikov, ljudi iz ljudstva, umetnik prikazuje notranjo lepoto človeka. Tako je v filmu "Čipkarica" Tropinin V.A. uspelo najti redko harmonijo fizične in moralne lepote, družbene gotovosti tipa deklice iz ljudstva in poezije podobe. "Klekljarica" je značilna za rusko slikarstvo predperedvižniškega obdobja: tradicije 18. stoletja se tu prepletajo z znamenji nove dobe. »Dekle z loncem vrtnic«, 1820 »Kitarist«, 1823 »Čipkarica«, 1823 »Zlata šivilja«, 1826
Karl Pavlovič Bryullov () je bil eden najsvetlejših in hkrati kontroverznih umetnikov ruskega slikarstva 19. stoletja. Bryullov je imel briljanten talent in neodvisen način razmišljanja. Vzgojen je bil v družini umetnika, že od otroštva je bil navdušen nad slikanjem, pri 10 letih pa je vstopil na Akademijo za umetnost. Leta 1822 je Karl Bryullov odšel v Rim, da bi študiral umetnost renesančnih mojstrov. “Avtoportret”, 1834 “Avtoportret”, 1848 “Portret grofice P. Samoilove s posvojeno hčerko Amazilijo Pacini” “Portret Alekseja Tolstoja”, 1832.
V italijanskem obdobju ustvarjalnosti je Bryullov veliko pozornosti posvetil portretiranju, je zapisal znana portretna slika"Jezdec". V sliki »Italijansko jutro« se ni obrnil k zgodovinskim in mitološkim temam, temveč k vsakdanjemu prizoru trgatve. Leta 1836 je Karl Pavlovič Bryullov postal profesor na Sanktpeterburški akademiji umetnosti, poučeval je na akademiji in v tem obdobju naslikal tudi okoli 80 portretov. »Bogastvo Svetlana«, 1836 »Konjenica«, 1832 »Italijansko popoldne«, 1832 »Portret sester Shishmarev, 1839
Zgodovinski žanr je veljal za najvišji na Akademiji. Najboljša dela tega žanra so bila dela K.P. Bryullova, vključno z "Zadnji dan Pompejev". Ta slika je izrazit primer akademske umetnosti, vendar so že vidni elementi romantike.
Zgodovina nastanka slike "Zadnji dan Pompejev". Leta 1827 je umetnik na enem od sprejemov srečal grofico Julijo Pavlovno Samoilovo, ki je postala njegov umetniški ideal, najbližja prijateljica in ljubezen. Karl se skupaj z njo odpravi v Italijo, da bi pregledal ruševine starodavnih mest Pompeji in Herkulanej, ki ju je uničil vulkanski izbruh leta 79 našega štetja. e. Navdušen nad opisom očividca tragedije rimskega pisatelja Plinija Mlajšega, je Bryullov ugotovil, da je našel temo za svoje naslednje delo. Umetnik je tri leta zbiral gradivo v arheoloških muzejih in izkopavanjih, tako da je vsak predmet, naslikan na platnu, ustrezal dobi. Vse delo na sliki je trajalo šest let. V procesu dela na sliki je bilo narejenih veliko skic, osnutkov, skic, sama kompozicija pa je bila večkrat obnovljena. Ko je bilo delo predstavljeno širši javnosti sredi leta 1833, je povzročilo eksplozijo občudovanja in občudovanja umetnika. Prej nobena slika ruske slikarske šole ni dosegla takšne evropske slave. Leta 1834 je bil na razstavah v Milanu in Parizu uspeh slike neverjeten. V Italiji je bil Bryullov izvoljen za častnega člana več umetniških akademij, v Parizu pa je prejel nagrado Zlata medalja. Uspeh filma ni bil vnaprej določen z uspešno najdenim zapletom, ki ustreza romantični zavesti dobe, ampak tudi z načinom, kako Bryullov razdeli množico umirajočih ljudi v lokalne skupine, od katerih vsaka ponazarja enega ali drugega vpliva - ljubezen, požrtvovalnost, obup, pohlep. Sila, prikazana na sliki, ki uničuje vse naokoli, vdira v harmonijo človeškega bivanja, je med sodobniki vzbujala misli o krizi iluzij, o neizpolnjenih upih. Ta slika je umetniku prinesla svetovno slavo. Naročnik slike Anatolij Demidov jo je podaril carju Nikolaju I.
Ivanov Aleksander Andrejevič (gg.) Posebno mesto v zgodovinskem žanru zavzema monumentalno platno A.A. Ivanova »Videnje Kristusa ljudem«, na katerem je delal 20 let. Izvedena v skladu z osnovnimi normami klasičnega slikarstva, združuje ideale romantike in realizma. Glavna ideja slike je zaupanje v potrebo po moralni prenovi ljudi.
Zgodovina nastanka slike "Prikaz Kristusa ljudem." Leta 1833 (od 1830 do 1858 je umetnik živel v Italiji) je Aleksander Andrejevič zasnoval idejo o novi monumentalni sliki. Ta svetovno znana slika je postala vrhunec njegovega dela; v polni meri je razkrila umetnikov močan talent. Delo na sliki je okupiralo vse umetnikove misli in čas; Izdelanih je bilo več kot tristo pripravljalnih skic iz narave in albumskih skic, od katerih so mnoge postale samostojna dela. Med delom na sliki je Ivanov ponovno prebral literaturo o zgodovini, filozofiji in verskih naukih ter večkrat premislil koncept in zaplet. V Italiji se je umetnik znašel v težkem finančnem položaju. Ivanov je živel od ugodnosti, ki jih je uspel pridobiti od različnih ustanov ali mecenov. Varčeval je pri vsaki malenkosti. Aleksander Andrejevič je skoraj ves denar, ki mu ga je uspelo pridobiti, porabil za vzdrževanje ogromne delavnice, nakupe umetniški materiali in plačilo varuhov. Po več prekinitvah pri delu na sliki jo je umetnik do leta 1857 končno dokončal. Toda slika »Videz Kristusa ljudem«, ki jo je umetnik pokazal po vrnitvi v Rusijo leta 1857, najprej v Zimski palači, nato na Akademiji za umetnost, je bila sprejeta precej zadržano.
O portretni umetnosti umetnika Ivanova A.A. To dokazuje portret N. V. Gogolja, naslikan leta 1841, s katerim je bil slikar tesno prijateljski odnos. Slika iz "italijanskega" obdobja slikarjevega dela "Prikaz Kristusa Mariji Magdaleni po vstajenju", na kateri je delal od 1834 do 1836. To platno je bilo poslano v Sankt Peterburg, kjer je prejelo pozitivne ocene. Slika je bila postavljena v umetniška galerija Puščavnik. Akademijski svet je cenil umetnikovo delo, ki je strogo v skladu s klasičnimi kanoni, in mu podelil naziv akademika.
Avtoportret, 1848 Fedotov Pavel Andrejevič (). Utemeljitelj kritičnega realizma v ruskem slikarstvu. V svojih žanrskih slikah je izražal velike družbene probleme. V otroštvu je študiral v prvem moskovskem kadetskem korpusu. Zahvaljujoč njegovemu fenomenalnemu spominu je Pavel dobro študiral, znanost mu je prišla zlahka. Že takrat, v prvih letih študija, je Fedotov pokazal željo po slikanju. Sčasoma je risanje preraslo v strast. Prva dela Fedotova so bila povezana z vojaškimi temami. Vstopi na Akademijo za umetnost. Vsega, kar so učili na akademiji, ni popolnoma prevzel vero, kar je določalo oblikovanje lastnega pogleda na slikarstvo, drugačnega od zamrznjenih kanonov akademizma. Umetnik je po upokojitvi ustvarjal nadarjena dela socialne smeri, ki kažejo kritično stališče avtorja do realnosti.
"Svež gospod", 1846 "Izbirčna nevesta", 1847 Prvo delo umetnika P.A. Fedotova, naslikano v olju - "Svež gospod" - sega v leto 1846. Ta žanrska slika je bila všeč tako akademskim profesorjem kot demokratičnim gledalcem. Leto kasneje je Fedotov naslikal še eno sliko "Izbirčna nevesta". Z neposredno udeležbo Bryullova sta bili ti dve sliki sprejeti na akademsko razstavo leta 1847.
"Ujemanje majorja", 1851 Za sliko "Ujemanje majorja", naslikano pozneje, je Akademijski svet Pavlu Andrejeviču podelil naziv akademika. Pomembno mesto v delu Fedotova so zasedli portreti, med katerimi izstopa "Portret N. Ždanoviča", naslikan leta 1849. "Portret N. Zhdanovicha za klavirjem", 1849
Venetsianov Aleksej Gavrilovič (), ustanovitelj domačega vsakdanjega žanra (žanrsko slikarstvo). Njegove slike so poetizirale življenje navadnih ruskih ljudi in bile posvečene vsakdanjemu delu in življenju kmetov. "Avtoportret", 1811 Rojen v Moskvi, v družini trgovca. Študiral je v zasebnem penzionu, služil na poštnem oddelku in že od otroštva rad slikal. Bil je študent slavnega umetnika V.L. Borovikovskega. Leta 1811 je bil A.G. Venetsianov izvoljen za akademika Sanktpeterburške akademije umetnosti.
Leta 1818 je Venetsianov odšel javna služba, se poroči in z družino odide na posestvo Safonkovo, ki je pripadalo njegovi novi ženi. Tukaj, daleč od mestnega vrveža, najde Aleksej Gavrilovič glavna tema vaše ustvarjalnosti. Venetsianov odkriva neusahljiv vir navdiha, raznolikost motivov in podob. Ogromen prispevek Alekseja Gavriloviča Venetsianova k razvoju ruskega slikarstva je ustvarjanje lastne šole, lastne metode. Od zasebnih portretov kmetov prihaja umetnik do veličastnih likovnih kompozicij, v katerih se ljudsko življenje, njegova avra, raznobarvno izrazijo. Leta 1822 je bilo cesarju prvič predstavljeno delo umetnika A. G. Venetsianova. Slikar je zanj prejel tisoč rubljev, samo delo pa je bilo postavljeno v Diamantno sobo Zimskega dvorca. Ime slike je bilo "Čiščenje pese." To platno je postalo nekakšna "prelomnica" v ruskem slikarstvu, nastanek nove smeri v ruski umetnosti vsakdanjega žanra. Venetsianov je dosegel priljubljenost tega stila slikanja med ljudmi.
V dvajsetih letih 19. stoletja je Aleksej Gavrilovič naslikal več majhnih slik, tako imenovanih »kmečkih portretov«, ki prikazujejo dekleta z vrčem mleka, koso, peso, rožci, fanta s sekiro ali spečega pod drevesom, starca ali starka. "Dekle v ruti", 1810 "Zakharka" "Dekle s kozarcem mleka", 1824 Kmečka ženska z rožicami.
»Na obdelovalni zemlji. Pomlad." 1820 Na trgatvi. poletje Treba je opozoriti na posebnost podob kmečkih žensk, značilnih za številne umetnikove slike: njihovo veličastnost, mirno dostojanstvo, poslovni izraz na obrazu. Prototip kmečke ženske za sliko »Na njivi. Pomlad« je služila kot umetnikova žena. Je mlada, vitka ženska v dolgem kopalnem plašču, ki vodi dva konja čez polje. Nič manj znana je slika »Na žetvi. Poletje". To delo odlikuje harmonija umetniških podob: Venetsianova ljubezen do delovnega kmečkega ljudstva mu je omogočila, da je v njem prikazal pravo lepoto.
Preverimo vaše znanje: 1. Katere umetnostne smeri so sobivale v slikarstvu prve polovice 19. stoletja: A) klasicizem, sentimentalizem, realizem B) realizem, abstrakcionizem, sentimentalizem C) klasicizem, romantika, realizem 2. Kateri umetnik je naslikal portret? A. S. Puškina, o katerem je pesnik rekel: »Vidim se kot v ogledalu. Toda to ogledalo mi laska«: A) Kiprenski B) Tropinin D) Venecianov 3. Kateri od umetnikov prve polovice 19. stoletja je utemeljitelj domačega vsakdanjega žanra v slikarstvu: A) Bryullov B) Venetsianov D) Fedotov 4. Kateri od umetnikov prve polovice 19. stoletja je utemeljitelj kritičnega realizma v ruskem slikarstvu: A) Tropinin B) Fedotov C) Ivanov A.A.
Odgovori: 1.B) klasicizem, romantika, realizem 2.A) Kiprenski 3.B) Venecianov 4.B) Fedotov 5.K.P. Bryullov »Zadnji dan Pompejev« 6. A.G. Venetsianov »Na obdelovalni zemlji. Pomlad" 7.P.A. Fedotov "Sveži kavalir" 8.A.A. Ivanov "Prikaz Kristusa ljudem" 9.V.A. Tropinin "Čipkarica" 10. O.A. Kiprenskega »Portret A.S. Puškin"
Kriza podložništva upočasnjuje razvoj kapitalističnega sistema. V posvetnih krogih se pojavljajo svobodoljubne ideje, poteka domovinska vojna leta 1812, pa tudi ruske čete, ki sodelujejo pri osvoboditvi evropskih držav od Napoleona, decembristična vstaja leta 1825 proti carizmu, vse to vpliva na slikarstvo.
Kakšna je razlika med slikarstvom v dobi genija A.S. Puškin?
Verjetno utelešenje svetlih in humanih idealov svobodoljubnega ljudstva ...
Vzporedno s klasicizmom se razvija romantika, oblikuje se realizem.
Romantična smer ruskega slikarstva je v naslednjih desetletjih postala začetek razvoja realizma. Tako poteka zbliževanje ruski umetniki, romantiki z resnično življenje, kar je bilo bistvo umetniškega gibanja tega časa. Široka razširjenost razstav hkrati govori o zbliževanju ruskega ljudstva s svetom umetnosti, ljudje vseh slojev si prizadevajo obiskati razstave. Menijo, da je slika K.P. Bryulov "Zadnji dan Pompejev" je služil kot takšno zbliževanje. Peterburški ljudje vseh slojev so jo poskušali videti.
Rusko slikarstvo postaja večnacionalno, slike dobivajo nacionalne odtenke, na Akademijo sprejemajo študente različnih narodnosti. Tukaj študirajo domačini Ukrajine, Belorusije, baltskih držav, Zakavkazja in Srednje Azije.
V prvi polovici 19. stoletja je bilo slikarstvo zastopano v vseh žanrih: portret, krajina, tihožitje, zgodovinsko slikarstvo.
Znani ruski umetniki prve polovice 19. stoletja:
Mojstrovine ruskega slikarstva
- Slika Bryullova K.P. "Zadnji dan Pompejev"
- Slika Aivazovskega I.K. "Deveti val"
- Slika Brunija F.A. "Bakrena kača"
- Slika Venetsianova A.G. "Tla hleva"
- Slika Tropinina V.A. "Čipkarica"
Ruska umetniška kultura, katere izvor se je začel s klasicizmom, je pridobila močan ljudski zvok, tako kot visoki klasicizem, ki se je odražal v slikarstvu 19. stoletja, se je v ruski likovni umetnosti postopoma premaknil od romantike do realizma. Sodobniki tistega časa so še posebej cenili smer ruskih umetnikov, v kateri je prevladoval zgodovinski žanr s poudarkom na nacionalni tematiki.
Toda hkrati v umetnosti zgodovinske smeri ni bilo bistvenih sprememb v primerjavi z mojstri druge polovice 18. stoletja in od samega začetka zgodovine ruskega portreta. Mnogi mojstri so svoja dela pogosto posvečali pravim junakom starodavne Rusije, katerih podvigi so jih navdihnili za pisanje zgodovinske slike. Ruski slikarji tistega časa so vzpostavili lasten princip opisovanja portretov in slik, razvili svoje smeri v upodabljanju človeka in narave, kar priča o popolnoma neodvisnem figurativnem konceptu.
Ruski umetniki so v svojih slikah odsevali različne ideale nacionalnega dviga, postopoma opuščali stroga načela klasicizma, ki so jih vsiljevali akademski temelji. 19. stoletje je zaznamoval visok razcvet ruskega slikarstva, v katerem so ruski slikarji zanamcem pustili neizbrisen pečat v zgodovini ruske likovne umetnosti, prežet z duhom celovite refleksije življenja ljudi.
Največji raziskovalci ruskega slikarstva 19. stoletja na splošno ugotavljajo izjemno vlogo pri visokem razcvetu ustvarjalnosti velikih ruskih mojstrov in likovne umetnosti. Edinstvena dela domačih mojstrov so za vedno obogatila rusko kulturo.
Znani umetniki 19. stoletja
(1782-1836) Veličastno in subtilno naslikani portreti Kiprenskega so mu prinesli slavo in pravo priznanje med njegovimi sodobniki. Njegova dela Avtoportret, A. R. Tomilova, I. V. Kusov, A. I. Korsakov 1808 Portret dečka Chelishcheva, Golitsin A. M. 1809 Portret Denisa Davidova, 1819 Dekle z makovim vencem, najuspešnejši portret A. S. Puškina iz leta 1827. Njegovi portreti odsevajo lepota vznemirjenja, prefinjen notranji svet podob in stanja duha. Sodobniki so njegova dela primerjali z zvrstema lirike in pesniškega posvetila prijateljem.(1791-1830) Mojster ruske krajinske romantike in lirične interpretacije narave. Na več kot štiridesetih svojih slikah je Ščedrin upodobil poglede na Sorento. Med njimi so pomembne slike soseske Sorrenta. Večer, Novi Rim »Grad svetega angela«, promenada Mergellina v Neaplju, Veliko pristanišče na otoku Capri itd. Popolnoma se prepustite romantiki pokrajine in naravno okolje
(1776-1857) Izjemen ruski portretist, potomec podložnikov. Njegova znana dela so slike: Klekljarica, tudi Portret Puškina A.S., graver E.O. Skotnikova, Starec - berač, ki ga odlikuje svetli barvni portret sina, 1826 Predilka, Zlatar, ta dela so še posebej pritegnila pozornost sodobnikov. 1846 Tropinin je razvil svoj neodvisen figurativni slog portretiranja, ki je značilen za specifičen moskovski žanr pisanja. Takrat je Tropinin postal osrednja osebnost moskovske elite.(1780-1847) Utemeljitelj kmečkega vsakdanjega žanra, Njegov znameniti portret Kosca, slika Kosci, Dekle v ruti, Pomlad na njivi, Kmečka žena z rožci, Zaharka in drugi. Posebej lahko poudarimo sliko Gumno, ki je pritegnila pozornost cesarja Aleksandra 1; dotaknile so se ga žive podobe kmetov, ki jih je avtor resnično posredoval. Rad je imel navadne ljudi, v tem je našel določeno liričnost, kar se je odražalo v njegovih slikah, ki prikazujejo težko kmečko življenje. njegova najboljša dela so nastala v 20. letih. (1799-1852) Mojster zgodovinskih slik, Zadnji dan Pompejev v nemiru, obsojeni prebivalci bežijo pred besom Vezuvskega vulkana. Slika je na njegove sodobnike naredila osupljiv vtis. Mojstrsko slika posvetne slike, Jezdenico in portrete z uporabo svetlih kolorističnih trenutkov v kompoziciji slike, Grofica P. Samoilova. Njegove slike in portreti so sestavljeni iz kontrastov svetlobe in sence. . Pod vplivom tradicionalnega akademskega klasicizma je Karl Bryullov svojim slikam dal zgodovinsko verodostojnost, romantični duh in psihološko resnico.(1806-1858) Odličen mojster zgodovinskega žanra. Približno dve desetletji je Ivanov delal na svoji glavni sliki Prikazovanje Kristusa ljudem, s čimer je poudaril svojo strastno željo prikazati prihod Jezusa Kristusa na zemljo. Na začetni stopnji so to slike Apollo, Hyacinth in Cypress 1831-1833, Prikaz Kristusa Mariji Magdaleni po vstajenju leta 1835. V svojem kratkem življenju je Ivanov ustvaril veliko del, za vsako sliko je naslikal številne skice pokrajin in portreti. Ivanov je človek izjemne inteligence, ki si v svojih delih vedno prizadeva pokazati prvine ljudskih gibanj.