Konec 19. - začetek 20. stoletja je zaznamovala pestrost kulturnih in umetniški pojavi, slogi in smeri. Velik vpliv na svetovna umetnost vpliva na afroameriško kulturo, predvsem z glasbo in nov glasbene zvrsti in stilov, kot so jazz, blues, ragtime. Na podlagi nova glasba in afriških gibanj, nastajajo novi plesi in plesni stili - "Shimmy", "Black Bottom", "Charleston", "Two-step", "cakewalk" itd.
Vse te plese združuje lahkotnost, lahkotnost in, lahko bi rekli, norčavost. Na podlagi teh plesov kasneje nastanejo novi plesni stili in podzvrsti. Na primer, nastanek nekaterih vrst profesionalnih družabnih plesov - foxtrot, jive in quickstep, je tesno povezan s cakewalk, two-step, shimmy plesi ( Shimmy) in Črno dno. Slog plesov z začetka 20. stoletja najdemo v baletu "Zlata doba" D. Šostakoviča, v opereti "Bajadera" I. Kalmana in v drugih predstavah.
Postopoma jazz ples dobiva gledališke oblike, kar pripelje do nastanka novega stila - broadwayskega jazza. Izraz Broadway jazz izhaja iz imena gledališča, ki se nahaja na istoimenski ulici v New Yorku. Broadwayski jazz najdemo predvsem v muzikalih, lahko pa ga vidimo tudi v kinu, v različnih predstavah in dramskih predstavah.
Koreograf in režiser Bob Fosse ima velik vpliv na razvoj broadwayskega jazza. Njegovi filmi "Cabaret", "Sweet Charity", "All That Jazz" itd., pa tudi plesi zanje, so danes zelo uspešni. Zaplet glasbenega filma "Sweet Charity" je nastal na podlagi filma F. Fellinija "Nights of Cabiria". Bob Fosse razkriva značaje ljudi iz visoka družba, kar ni tipično duhovni svet- Svet stvari in materialnih vrednot jim je blizu. Ta ideja je zelo natančna plesne gibe ki razkrivajo osebnosti likov.
V začetku 20. stoletja sta se pojavila tudi stila Art Nouveau in prosti ples. Prva plesalka, ki se je zoperstavila strogim oblikam klasičnega baleta, je bila Američanka Isadora Duncan. Njeni plesi so bili svobodni, lahkotni in so imeli elemente starogrških poz in gest. Gordon Craig, angleški režiser, je o njej zapisal: »Kaj je bilo v njej drugega kot to, nihče ne bo mogel ugotoviti. Bila je predhodnica. Karkoli je naredila, je vse naredila z veliko lahkoto – vsaj tako se je zdelo. To ji je dajalo videz moči. V naš svet je spustila ples v trdnem prepričanju, da ustvarja nekaj velikega in resničnega.”
Prosti ples se je razvil tudi po zaslugi ameriške plesalke Ruth St. Denis in njenega moža, igralca in koreografa Teda Shawna. Ruth Saint Denis je nastopala v eksotičnih kostumih z razkošnimi dekoracijami, zaradi česar so bili njeni koncerti še bolj spektakularni. Med njenimi produkcijami je bil balet "Radha" na glasbo L. Delibesa (1906), v katerem so bili uporabljeni motivi indijskega tempeljskega plesa. O plesu je spregovorila takole: »Ples vidim kot način komunikacije med dušo in dušo, skozi izražanje vsega, kar je zelo globoko, zelo subtilno, da bi ga lahko posredovali z besedami.« Leta 1915 je Ruth St. Denis skupaj z možem Tedom Shawnom v Los Angelesu organizirala skupino in plesno šolo Denishawn. Na tej šoli so študirali številni vodilni umetniki sodobnega plesa, vključno z Martho Graham, Doris Humphrey in Charlesom Weidmanom.
Značilne značilnosti plesni in moderni slog je zavračanje neposrednega, klasične linije in oblike v korist bolj naravnih, »naravnih«, pa tudi zanimanje za vse novo. Ta slog ni bil priljubljen le v plesu, ampak tudi v slikarstvu, kiparstvu, arhitekturi in celo v oblačilih in notranjem oblikovanju. Značilnosti secesije najdemo v delih G. Klimta, A. Muche, L. Baksta, A. Benoisa, M. Vrubela in drugih. Stari Egipt in druge starodavne civilizacije.
20. stoletje je razcvet ruskega baleta. Balet "Ruski letni časi" Djagiljeva je povzročil pravo senzacijo v Parizu in po svetu. To ni bil le balet, bil je edinstvena kombinacija koreografije, glasbe, kulise in spretnosti plesalcev. V skupini "Ruski letni časi" so blesteli Anna Pavlova, Tamara Karsavina, Sergej Lifar in drugi, ustvarjali so inovativni kostumi in scenografija Benois, Bakst, Serov, Picasso, glasbo za balete pa so napisali Igor Stravinski, Erik Satie, Sergej Prokofjev, Claude Debussy in drugi.
"Ruski letni časi" Picassa. Kostum za balet "Cocked Corner"
Coco Chanel je sodelovala tudi s skupino Diaghilev - ustvarila je kostume za balet "Blue Express". To so bile klasične trenirke, črtasti puloverji in dokolenke ter teniške tunike. Seveda so bile "ruske sezone" poosebitev vsega novega, modnega in naprednega, zato je francoska javnost ponorela od navdušenja in šoka.
Balet "Blue Express" Portret Diaghilev (umetnik V. Serov)
Z Djagiljevim je sodeloval tudi izjemen koreograf 20. stoletja George Balanchine. Za ruske sezone je postavil baleta Apollo Musagete na glasbo Igorja Stravinskega in Izgubljeni sin"na glasbo Sergeja Prokofjeva. Oba baleta sta bila uspešna, vendar je George Balanchine kmalu zapustil "ruske sezone" in odšel najprej v London in Kopenhagen, nato pa v ZDA. Skupaj z L. Kersteinom, slavnim umetnikom, Balanchine ustvari ameriško baletno šolo in nato profesionalno skupino, ki je zdaj vsem znana kot New York City Ballet . Tukaj postavi svojega slavni baleti- "Serenada" na glasbo Čajkovskega, "Baročni koncert" na glasbo Bachovega koncerta za dve violini, "Simfonija v C-duru" na glasbo. Bizetove simfonije, "Brilliant Allegro" na glasbo. 3. klavirski koncert Čajkovskega, "Caracol" na glasbo. Mozart, "Epizode" o glasbi. Webern in drugi so veliko prispevali k razvoju klasične plesne tradicije v Ameriki. Njegovi baleti so kombinacija klasične koreografije z novo estetiko poz, plesnih vzorcev in glasbenih poudarkov. Balanchine je ustvaril nov plesni slog, "neoklasični", ki se je približal številnim koreografom - Jeromeu Robbinsu, Alekseju Ratmanskemu, Benjaminu Millepiedu in drugim.
Balanchine in njegova skupina. Fotografija Duane Michels
Na razvoj ruskega (sovjetskega) baleta v 20. stoletju je močno vplival koreograf in režiser Rostislav Zakharov. Baleti Zakharova so celovita dramska dela, z režijskega vidika kompetentno strukturirana. Posebna pozornost zasluži balet "Vodnjak Bakhchisarai" na glasbo Asafieva, ki sta ga izvedli dve legendarni balerine - Galina Ulanova in Maya Plisetskaya. Balet nasprotuje avtoriteti in strasti Zareme (Pliseckaja) z nežnostjo in duhovno prefinjenostjo Marije (Ulanova). Narava dveh nasprotij se ne prenaša le skozi igranje, temveč tudi skozi gibe in poze, ki si jih je zamislil koreograf, pa tudi skozi vznemirljivo glasbo Asafieva.
Balet "Bakhchisarai Fountain"
Galina Ulanova in Maya Plisetskaya
Veliki koreograf Jurij Grigorovič je pustil velik pečat v zgodovini ruskega baleta. Njegovi baleti "Romeo in Julija", "Spartak", "Legenda o ljubezni" in drugi sestavljajo zlato zbirko predstav. Bolšoj teater. Grigorovičeve balete odlikuje moč duha, razsežnost in junaštvo, ki se odražajo v koreografiji, scenografiji in glasbi. Grigorovič je sodeloval z gledališkim oblikovalcem Simonom Virsaladzejem, ki je oblikoval vse njegove balete. Grigorovich posveča več pozornosti glasbi. Njegovi baleti ne prenašajo le vsebine zapleta, ampak tudi vsebino glasbe. Tesno je sodeloval s skladatelji S. Prokofjev, A. Melikhov, A. Hačaturjan, D. Šostokovič in drugi, ugotavlja neverjetno enotnost glasbe, koreografije in okrasje baleti Grigoroviča: »V predstavah Yu.N. Grigorovič je dosegel nenavadno organsko sintezo umetnosti. Težko je našteti druge odrske stvaritve, kjer bi se glasba, koreografija, vizualna umetnost, koreografija in uprizarjanje pojavile v tako neverjetnem zlitju, kot da vse izvira iz enega vira in se izliva iz enega ustvarjalca, kot v enem dihu. Eden od trendov je tudi poglabljanje sinteze umetnosti – plastične, odrske, katere koli druge umetniška kultura XX stoletje".
V Grigorovičevih baletih so blesteli Ekaterina Maksimova in Vladimir Vasiljev, Maris Liepa, Natalija Bessmertnova in drugi, ki so v baletu ustvarili nove podobe in nove like. V. Vanslov o tem piše: »V Grigorovičevih predstavah nov tip plesalec-igralec, ki zna v kompleksen plesni del uplesti globoko dramsko in psihološko vsebino. Ni tehnična virtuoznost zunaj podobe in ne podoba zunaj plesne ekspresivnosti, temveč organsko zlitje igralske ustvarjalnosti z razvitim in bogatim plesom, ki zaznamuje uprizoritveni stil Grigorovičevih baletov.«
Balet "Spartak"
Scenografija za balet "Ivan Grozni"
Balete sodobnega ruskega koreografa Borisa Eifmana odlikujeta obseg in globina koreografije. Njegovi baleti po delih Tolstoja, Dostojevskega, Čehova in drugih so prave umetnine. Baleti so prežeti z globoko filozofijo, Eifmana pa imenujejo "koreograf-filozof". Koreografske poze, ki jih je izumil Eifman, lahko primerjamo s slikami in kipi velikih umetnikov, plastika pa ima svoj edinstven slog, ki združuje klasično plesno osnovo z sodobni trendi. Tehnična sposobnost plesalci navdušujejo in navdušujejo poznavalce baletne umetnosti. »Učitelj Eifman (in njegova zasluga pri tem ni nič manjša kot zasluga koreografa) je vzgojil nov tip univerzalnega plesalca, ki zmore vse. Eifmanovi plesalci lebdijo v zraku, kot bi bili prikrajšani za gravitacijo. Ne poznajo meja pri obvladovanju svojega telesa. Zmorejo najtežje stvari akrobatske podvige in najbolj nepredstavljive korake. Pri plesu ne sodelujejo samo roke in noge, temveč celotno telo. Eifmanove balerine so brez kosti in eterične: v duetih se kot vinske trte ovijajo okoli partnerja; drzno plesati charleston kot prave kabaretne plesalke; stojijo na špicah in s spuščenimi očmi lebdijo po odru, kot da nikoli niso plesali nič drugega kot »Labodje jezero«,« piše Bella Yezerskaya.
Balet "Rdeča Giselle". Koreograf B. Eifman, na fotografiji Vera Arbuzova (Foto: Nina Alovert)
Balet "Anna Karenina"
Eifman posveča posebno pozornost corps de balletu, kot piše Bella Yezerskaya: »Eifman je ustvaril corps de ballet, ki je redek v svoji sinhronosti, ekspresivnosti in natančnosti vsakega giba. Dodatki v njegovih predstavah pridobijo bodisi groteskno ostrino, kot na primer v prizoru demonstracije revolucionarnega plebsa v "Rdeči Giselle", ali kiparsko ekspresivnost, kot v Mozartovem "Requiemu", ali klasično popolnost, kot v "Čajkovskem". ” Preseneča končni prizor balet "Anna Karenina", v katerem so umetniki natančno upodobili gibanje vlaka s pomočjo koreografije, pa tudi prefinjenega in prefinjenega okusa koreografije, kostumov in kulise, značilne za Eifmanove balete.
Kar zadeva zahodni balet, so tam o usodi baletne umetnosti odločali izjemni koreografi: Jose Limon, John Cranko, Roland Petit, Maurice Bejart, Jiri Kylian, John Neumeier itd. srca občinstva skozi njihove produkcije in ustvarjanje lastnega edinstvenega in nepozabnega plesnega stila, ustvarjenega na klasični osnovi z dodatkom moderna koreografija.
Posebno pozornost bi rad namenil delu Jirija Kyliana. Njegova koreografija vsebuje lahkotnost, natančnost poz in vzorcev ter neverjetno muzikalnost. Kot je zapisal Rudolf Nurejev: »Je Jiri Kylian, ki ima, bi rekel, najbolj »zlata« ušesa. Metafore spreminja v gibe: Kilian sliši glasbo in vidi gibe." Pogosto so njegova dela polna humorja, nagajivosti in spretnosti gibov. To se vidi v njegovih produkcijah »Šest plesov«, »Simfonija v D«, »Rojstni dan« itd. To je velika prednost za koreografa, saj je humor potreben in nujen za človeka in umetnost. V ustvarjalnosti je mesto tako za otroški balet "Otrok in čarovnija" kot za resno dramsko delo"Zgodba o vojaku" na kompleksno glasbo Stravinskega..
Balet "Otrok in čarovnija"
"Šest plesov"
Koncepti postmodernizma, ki so se pojavili v drugi polovici 20. stoletja, so imeli velik vpliv na plesno umetnost. Glavna in edina vrednota postmoderne umetnosti je neomejena svoboda izražanja umetnika, svoboda misli in ustvarjalnosti. Vse to je bilo značilno tudi za plesno umetnost, ki je vključevala osnovne principe postmodernizma. Brez omejitev in jasnih meja je postmoderna umetnost povzročila številne sloge in nove trende v umetnosti. Pri plesih so to sodobni, kontaktna improvizacija, hip-hop ples, pop dance, fly law itd.
Sodobni ples povezujemo z imeni, kot so Robert Dunn, Anna Halprin, Simon Forti, David Gordon, Trisha Brown, Steve Paxton, Deborah Hay, Lucinda Childs in Meredith Monk itd. Začetek postmodernizma v plesu je treba šteti za delo Judson Church Theatre (Plesno gledališče Judson). Judson Church Theatre je predstavil skupino eksperimentalnih plesalcev, ki so nastopili v New Yorku v spominski cerkvi Judson v Greenwich Villageu leta umetniške galerije, muzeji od 1962
Novi plesni poskusi so temeljili na principih improvizacije in sodobne koreografije; nanje sta močno vplivala skladatelj John Cage in koreograf Merce Cunningham. John Cage se je zanimal za zen-budizem in zagovarjal načelo naključja v ustvarjalnem procesu.
Enako načelo je zagovarjal Merce Cunningham, ki je menil, da se pri komponiranju skladb to omogoča, da se znebimo zapleta in stereotipnih rešitev (čeprav je po našem mnenju odsotnost zapleta v koreografiji opustitev). Toda v sodobnem plesu je velikokrat pomemben proces ustvarjanja plesov, ne rezultat .
Tudi konceptualni umetnik Robert Morris je sodeloval z gledališčem Judson: »Srečali smo se z majhna skupina plesalci, slikarji, glasbeniki in pesniki ob nedeljah zvečer ter v studiu eksperimentirali z zvokom, svetlobo, jezikom in gibom. To je bilo moje prvo sodelovanje pri raziskovanju, povezanem s plesom. Ko sem se leta 1961 preselil v New York, so bile te dejavnosti še sveže v mojih mislih, zato se mi je Judson Open Meeting približal – čeprav se ne spomnim natančno, kako sem postal povezan z njimi« (R. Morris).
Robert Morris, Lucinda Childs, Steve Paxton, Yvonne Rainer, Deborah High, Tony Holder, Sally Gross, Robert Rauschenberg, Judith Dunn in Joseph Schlichter.
Nadalje so se oblikovale podobne skupine, ki so se držale podobnih načel, kot so Grand Union, Living Theater, Open theater itd. Tudi ta združenja so zagovarjala ideje naključja, pogosto pa je bil proces ustvarjanja plesov pomembnejši od rezultata. Eden od članov skupine je bil Steve Paxton, ustvarjalec stila kontaktne improvizacije, katerega ideja je v spontanem stiku teles ljudi.
Steve Paxton
Kar zadeva hip-hop ples, izvira iz afroameriških prikrajšanih sosesk New Yorka v poznih 60. letih. Sprva sta bila hip-hop kultura in ples osredotočena na zabave in sprostitev (scratched glasba jamajških DJ-jev in recitativ), kasneje pa je bila hip-hop kultura prežeta z agresivno izzivalnimi besedili socialnega rapa, ki odražajo surovo realnost ( gangsta rap 90-ih) in postopoma pronical v množice, šel v šovbiznis. V skladu s tem se hip-hop ples deli na staro šolo (stara šola hip-hopa) in nov stil ( nova šola). Stara šola vključuje popping, locking, breakdance, nova šola pa predstavlja bolj komercialni hip-hop z dodatkom različnih stilov koreografije - jazz dance, contemporary dance, pop dance itd. Za hiphop so značilni svoboda, ritem, in smer gibov v tla ter sprostitev kolen in zibanje telesa, tako imenovani "kač" je dandanes zelo popularen in ga lahko vidimo povsod - v raznih oddajah, glasbenih videospotih, predstave itd. Temelji na zapletenih kaskaderskih prijemih in akrobacijah, kar je zahtevno za izvedbo. Zdaj sta najboljša hip-hop plesalca plesni duo Les Twins, lahko pa naštejete tudi francoskega plesalca Dedson in ameriški pevec Chris Brown.
Hip-hop stare šole
Plesna kultura 20. in začetka 21. stoletja je izjemno bogata in raznolika. Pod vplivom novih glasbenih trendov in novih trendov v umetnosti sta ples in koreografija obogatena z novimi stili in trendi. Skozi stoletje so se spreminjali dojemanje, vizija in pristop do plesa in koreografije. Še naprej živi, se razvija in klasični ples, obogatena z modernimi gibi, ki ohranjajo klasični slog in temelje, ki jih je postavila stoletja zgodovine. In to je prav, saj je mogoče in potrebno iti v korak s časom, ne da bi pozabili na svojo preteklost.
Zaključek:
Umetnost koreografije je večplastna in edinstvena. Koreografija nam skozi skrivnostno in zagonetno govorico človeškega telesa posreduje vsebino in določen pomen, ki ga je zapisal plesalec ali koreograf. Kot je rekla Martha Graham: "Ples je skrivni jezik duše" in "telo govori tisto, kar besede ne morejo povedati."
Med raziskavo smo spremljali, kako se je ples spreminjal skozi stoletja zgodovine, kakšne značilnosti je pridobival in kakšno vlogo je imel v življenju ljudi. Vsako zgodovinsko obdobje je plesni umetnosti pustilo svoj edinstven in neponovljiv pečat. Ples že od nekdaj združuje ljudi, služi kot način medsebojne komunikacije, pa tudi kot sredstvo za samoizražanje in obnavljanje energije. O tem govori koreografinja Alla Rubina: »Ples je samoizražanje. Se pravi, da človek skozi ples izraža sebe, svoje misli, svoje življenje in razumevanje življenja. To je spoznanje lepote, samospoznavanje, ki se pojavi tako pri tistih, ki plešejo, kot pri tistih, ki gledajo ... Ko plešeš, nabiraš energijo in se obnavljaš. Vsako gibanje je obnavljanje energijskega polja. To je izključno medicinska funkcija ...«
Plesna predstava je nemogoča ali zelo osiromašena brez scenografije, kostumov in glasbe. Skozi zgodovino sta bila ples in pozneje balet tesno povezana z glasbo in vizualno umetnostjo. J. J. Nover je opredelil pomembne sestavine baletne predstave: »Oder je tako rekoč platno, na katerega koreograf ujame svoje misli; s pravilnim izborom glasbe, scenografije in kostumov daje sliki barvo, saj je koreograf isti slikar.« O razmerju med glasbo in plesom piše tudi V. Vanslov: »Nastanek plesa bi bil nemogoč, če ne bi glasba priskočila na pomoč plastičnim umetnostim. Krepi izraznost plesne plastičnosti in ji daje čustveno in ritmično podlago.« Vse to kaže, da je koreografija sintetična oblika umetnosti, ki združuje več vrst umetnosti.
Plesna umetnost se nenehno bogati in gre naprej, vsrkava vsa osnovna razpoloženja družbe ter odseva pomembne zgodovinski dogodki, družbeno-kulturno in politično življenje. Zanimivo mi je bilo spremljati proces razvoja plesa, razvozlavati njegov smisel in pomen skozi zgodovino.
Seznam uporabljene literature:
1. Thino Arbaud “O plesu in glasbi”
2. V. Vanslov "O glasbi in baletu"
3. Yu. Bakhrushin "Zgodovina ruskega baleta"
4. Vera Krasovskaya "Zgodovina zahodnega baleta"
5. S. Khudekov "Zgodovina plesa"
6. Ples "Modern" http://www.ortodance.ru/dance/style_modern1
7. V. Vanslov "Grigorovičevi baleti in problemi koreografije" http://bolshoi-theatr.com/articles/596/part-2/
8. Hip-hop http://vsip.mgopu.ru/data/2401.htm
9. Lucian “Traktat o plesu”
10. Enciklopedija baleta http://www.krugosvet.ru/
20. stoletje je čas evolucije in napredka. To obdobje lahko primerjamo z velikim preskokom v znanstveni in tehnološki sferi. Toda napredek ni prizadel le znanosti ali tehnologije, ampak tudi civilizacijo nasploh. Do tako hitrega in dinamičnega razvoja družbe je prišlo kljub dvema svetovnima vojnama in številnim drugim dogodkom, ki so prinesli popolno uničenje. Toda hrepenenje človeštva po popolnosti in samorazvoju je prispevalo k neverjetni evoluciji človeka kot dela kulturne družbe. Ples je bil eno najmočnejših orodij za samouresničevanje in samoizpopolnjevanje. V življenje ljudi 20. stoletja, ko je znanstveni in tehnološki napredek duhovnost skoraj povsem izrinil in jo nadomestil s pragmatizmom, so prinesli veselje, občutek sreče in harmonije. Zaradi pomanjkanja »lepega« v tem obdobju plesna kultura preprosto »eksplodira« in pojavi se ogromno novih vrst in stilov koreografije.
Plesni "kalejdoskop" 20. stoletja
Iz raznolikega in pestrega »kalejdoskopa« plesnih stilov 20. stoletja lahko izločimo rumbo, hip-hop, lambado, contemporary in mnoge druge. Takšna raznolikost plesov dokazuje, da je 20. stoletje preskok ne le na znanstvenem in tehnološkem področju, ampak tudi velik korak naprej v kulturi, umetnosti in razvoju družbe kot celote.
Salsa je ena izmed najbolj priljubljene vrste ples v 20. stoletju. Ta latinskoameriški ples izvira iz Kube v dvajsetih letih in je od takrat najbolj priljubljena koreografska kompozicija. Salsa je pridobila tako svetovno ljubezen zahvaljujoč svojemu neverjetnemu ognjevitemu, gracioznemu in osupljivemu ritmu. Zaradi tega plesa lahko uživate v življenju in vidite svet samo v svetle barve. Salsa ima več smeri: cha-cha-cha, rumba, bocacha, mambo in druge.
Salsa
Tango je neverjetno lep in strasten ples z argentinskimi koreninami. Od svojega nastanka, namreč v 19. stoletju, je postala najbolj priljubljena in ljubljena koreografska produkcija po vsej Argentini, Londonu, Parizu, New Yorku itd. Ta ples je kmalu »vžgal« vso Evropo, Ameriko in ves svet. Tango je bil v 20. stoletju celo nekakšen kult - nastajali so celi ansambli, zabave, posvečene prav njemu, in glasbene skladbe, napisane posebej za tango.
Tango
Še en fantastično priljubljen in edinstven ples 20. stoletja je rock and roll. to koreografski nastop naredil pravo revolucijo v kulturi, umetnosti in družbenem življenju. Rokenrol se je pojavil v 50. letih prejšnjega stoletja v Ameriki. Njegov izvor se je najprej začel z glasbo, ki je spodbudila nastanek te vrste plesa. Rokenrol je s svojo zagnanostjo, »iskrico« in neverjetno dinamičnostjo osvojil mlada srca po vsem svetu. Za ta ples so značilni zelo zapleteni dvigi, skoki, meti in določen malomaren odnos partnerja do partnerja. Slogan rock and rolla je zvenel kot "seks, droge in rock-n-roll", zato je zaradi pretirane odkritosti in celo vulgarnosti ta vrsta plesa veljala za nemoralno in prepovedano. Toda to mu ni preprečilo, da bi ostal izjemno priljubljen v dvajsetih in celo v našem času.
V zgodnjih letih 20. stoletja, pred izbruhom prve svetovne vojne, sta bili v razvoju plesa očitni dve smeri. Kot da bi se nekako zavedle bližajoče se katastrofe, so se bogate družbe Evrope in Amerike prepustile zabavi, med glavnimi pa je bila hiter ples kot valčki in galopi. Hkrati so poskušali oživiti srednjeveške plese, kot so menuet, gavotte in pavane, čeprav se je to izkazalo precej slabo. Vendar skoraj nikoli ni bilo tako mrzličnega iskanja novih oblik, tako radikalne spremembe pomenov, ki so bili prej samoumevni, takšne strasti med mladimi vseh držav do individualnega izražanja in bolj dinamičnega življenjskega sloga. Vse umetnosti so bile pod močnim vplivom hitrega kopičenja fizičnih in fizičnih odkritij družbene vede, pa tudi vse večjo zavest o družbenih vprašanjih.
Na splošno je bil to neverjetno vznemirljiv čas za razvoj plesa: nikoli prej ni bilo ustvarjenih toliko novih idej in toliko ljudi, ki jih je ples pritegnil. Balet je bil popolnoma prenovljen pod vodstvom ruskega impresarija Sergeja Djagiljeva (1872-1929). Nekatere je najbolj navdihnil balet izjemni skladatelji in umetnikov tistega časa, ki je postala glavna osnova za večino del v plesni umetnosti. Zagovorniki še enega modernega plesnega reformatorskega gibanja, ki temelji na plesih ameriške balerine Isadore Duncan, so se začeli poskušati odmakniti od konvencij, ki so postale obvezne v času romantičnega baleta.
To novo gibanje se je še posebej živahno razvilo v Nemčiji, kjer so njegove ekspresionistične oblike poimenovali Ausdruckstanz (»ekspresionistični ples«). Družabni ples je bil precej spremenjen z dodajanjem svežih vplivov južnoameriškega, kreolskega in afriške kulture. Po močna rast priljubljenost afroameriškega jazza, celoten duh in stil družabni ples korenito spremenila in v naslednjih desetletjih postala veliko bolj svobodna, umirjena in »intimna«.
Ponovno se je začelo zanimati tudi za ljudske plese, ki so bili samoizražanje navadni ljudje v preteklih stoletjih. K temu so deloma pripomogla posebna folklorna društva, pa tudi različna mladinska gibanja, ki so uvidela, da ti plesi lahko pomagajo pri oblikovanju novih družbenih čustev. Gledališki plesi vseh vrst, ki so nastali iz stiliziranih stoletij starih plesov vzhoda, so dosegli nove višine priljubljenosti.
V 1830-ih in 1840-ih je romantično gibanje pripeljalo do tega, da so baletni oder preplavili naravni duhovi, vile in silfi. Kult balerine je nadomestil kult plesalke, katerega zadnja in največja predstavnica je bila francoska plesalka. Italijansko poreklo Gaetin Vestris (1729–1808). Ženske plesne tehnike so se močno izboljšale. Dolžino krila so še skrajšali, uvedli pa so baletne copate, ki so omogočali ples na prstih. Koreografi so si še naprej prizadevali za izrazitejše gibe in poudarjanje individualnih kvalitet svojih plesalcev.
Balet La Sylphide (1836) je odlično prikazal glavno temo romantičnega baleta - boj med resnični svet in duhovni svet. Ta tema je bila razširjena v Giselle (1841) in Ondine (1843). V tistem času sta bila Pariz in London dišeča okusa in ravno v Londonu je leta 1845 potekala premiera »Pas de quatre« - produkcije badeta, za izvedbo katere v 4 dejanjih je francoski koreograf Jules Perrault povabil štiri izmed največje balerine tistega časa: Marie Taglioni (1804–84), Carlotta Grisi (1819–99), Fanny Cerrito (1817–1909) in Lucile Gran (1819–1907).
Po tem je romantični balet hitro propadel, vsaj v teh mestih. Vendar pa je v Kopenhagnu še naprej cvetel v zgodnjih šestdesetih letih 19. stoletja po zaslugi koreografa Augusta Bournonvilla, čigar repertoar je v drugi polovici 20. stoletja prevzel Kraljevi danski balet. Takratni Rusiji je po zaslugi v Franciji rojenega koreografa Mariusa Petipaja (1819–1910) in njegovega ruskega pomočnika Leva Ivanova (1834–1901) uspelo ustvariti svetovno znano baletno kulturo. Sprva je bila ruska gledališka tradicija tesno povezana s Parizom, vendar se je postopoma razvila lastna baletna kultura. Najboljša ura klasični balet v caristični Rusiji je bil dosežen v produkcijah Sankt Peterburga, kot so Trnuljčica (1890), Hrestač (1892) in Labodje jezero"(1895), za katero je glasbo zložil Pjotr Iljič Čajkovski, kot tudi "Raymonda" (1898) Aleksandra Glazunova (1865–1936). Medtem ko je balet v Sankt Peterburgu in Moskvi cvetel, je v Parizu nazadoval. Začele pojavljati balerine tudi v moške vloge, na primer v »Coppeliji« (1870).
V 19. stoletju se je povečalo tudi potovanje in medkulturni vplivi brez primere. Zahvaljujoč temu se je na zahodnem odru pojavilo veliko "eksotičnih" plesnih stilov. Na razstave v Parizu so prihajale skupine iz Indije in Japonske, ki so vzbudile veliko zanimanje za ljudske in etnične plese. Balerine romantičnega baleta so gostovale povsod evropska mesta: od Milana in Londona do Moskve. Avstrijska plesalka Fanny Elssler je v začetku leta 1840 opravila dveletno turnejo po Severni in Južni Ameriki. V vsa mesta so potovali tudi veliki koreografi. Jezik plesa je postal pravi način mednarodne komunikacije, saj ni bil odvisen od države ali jezika, ki se v njej govori.
Ples v ZDA v 19. stoletju
V 19. stoletju so v Evropi pridobile izjemno popularnost tudi druge plesne zabave, ki so bile »lažje« od klasičnega baleta. V Parizu je ženski kankan postal vrhunec mode. Njegova nora energija, zagretost in spogledovanje do meja prekrška so postali pravo razkritje javnosti. Po letu 1844 je ta ples postal značilnost glasbenih dvoran, revij in operet. Žanr je razvil operetni skladatelj Jacques Offenbach (1819–1880), nazorno pa upodobil slikar Henri de Toulouse-Lautrec (1864–1901).
V Londonu sta v tem času cvetela baleta Alhambra in Imperial Ballets, ki sta uprizarjala predvsem klasične balete na različne teme. Največ plesov pa je dala Amerika, v kateri so se po vojni, v ozadju patriotskega vala po osamosvojitveni vojni, plesi začeli množično pojavljati. razni plesi na temo svobode, pa tudi obujanje plesov iz obdobja kolonizacije Amerike.
Ločeno je treba opozoriti, da so v Ameriki v 19. in 20. stoletju postale priljubljene predstave ministrantov, ekstravagance, burleske in vodvilji. Predstavljali so fuzijo najrazličnejših plesnih in gledaliških vplivov, predvsem črpanih iz temnopolte kulture. Belci so začeli plesati »črnske plese«, pri tem pa so si obraze pobarvali v črno, temnopolti pa so si belili obraze in plesali bele plese. IN gledališke produkcije Pojavljati so se začeli najrazličnejši plesi, od baletov, uvoženih iz Evrope, do povsem pristnih ženskih plesov domačih Indijancev, ki so bili na meji striptiza. Ameriški plesalci so začeli uživati dober ugled tako v Ameriki kot v Evropi. Balerina Augusta Maywood (1825–1876) je bila prva ameriška plesalka, ki je nastopila v Pariški operi.
V 19. stoletju se je močno povečalo tudi število javnih plesnih dvoran in drugih s plesom povezanih ustanov v hitro rastočih mestih zahodnih Združenih držav. Tu so začeli oživljati indijanske podeželske plese, zelo hiter dvokorak, ki se izvaja na koračnice, in cakewalk. Prvič je Evropa v Novem svetu našla nekaj novega, od česar se je lahko naučila za svojo plesno sceno. Tudi v tem času se je tempo plesov močno pospešil, kar je morda odraz vse hitrejšega tempa življenja in velikega družbene spremembe stoletja.
Plesi zgodnjega 20. stoletja
V zgodnjih letih 20. stoletja, pred izbruhom prve svetovne vojne, sta bili v razvoju plesa očitni dve smeri. Kot da bi se nekako zavedle bližajoče se katastrofe, so se bogate družbe Evrope in Amerike prepustile zabavi, med glavnimi pa so bili tako hitri plesi, kot sta valček in galop. Hkrati so poskušali oživiti srednjeveške plese, kot so menuet, gavotte in pavane, čeprav se je to izkazalo precej slabo. Vendar skoraj nikoli ni bilo tako mrzličnega iskanja novih oblik, tako radikalne spremembe pomenov, ki so bili prej samoumevni, takšne strasti med mladimi vseh držav do individualnega izražanja in bolj dinamičnega življenjskega sloga. Vse umetnosti so bile pod močnim vplivom hitrega kopičenja odkritij v fizikalnih in družboslovnih vedah ter vse večjega zavedanja družbenih problemov.
Na splošno je bil to neverjetno vznemirljiv čas za razvoj plesa: nikoli prej ni bilo ustvarjenih toliko novih idej in toliko ljudi, ki jih je ples pritegnil. Balet je bil popolnoma prenovljen pod vodstvom ruskega impresarija Sergeja Djagiljeva (1872-1929). Balet je navdihnil nekatere najvidnejše skladatelje in umetnike tistega časa ter postal osnova za večino dela v plesni umetnosti. Zagovorniki še enega modernega plesnega reformatorskega gibanja, ki temelji na plesih ameriške balerine Isadore Duncan, so se začeli poskušati oddaljiti od konvencij, ki so postale obvezne v času romantičnega baleta.
To novo gibanje se je še posebej živahno razvilo v Nemčiji, kjer so njegove ekspresionistične oblike poimenovali Ausdruckstanz (»ekspresionistični ples«). Družabni ples je bil precej spremenjen z dodajanjem svežih vplivov južnoameriške, kreolske in afriške kulture. Po močnem porastu popularnosti afroameriškega jazza sta se celoten duh in slog družabnega plesa korenito spremenila in v naslednjih desetletjih postala veliko svobodnejša, umirjena in intimnejša.
Ponovno se je pojavilo tudi zanimanje za ljudske plese, ki so bili samoizražanje navadnih ljudi v preteklih stoletjih. K temu so deloma pripomogla posebna folklorna društva, pa tudi različna mladinska gibanja, ki so uvidela, da ti plesi lahko pomagajo pri oblikovanju novih družbenih čustev. Gledališki plesi vseh vrst, ki so nastali iz stiliziranih stoletij starih plesov vzhoda, so dosegli nove višine priljubljenosti.
V dvajsetih letih 20. stoletja je ples Charleston postal še posebej priljubljen. Menijo, daCharleston(Charleston) ima afroameriške korenine in izvira iz mesta Charleston (Južna Karolina).Ali je temu tako, ni zagotovo znano. Ritem tega plesa je bil tako ognjevit, da je ves svet začel plesati Charleston. Ples se ni takoj prijel, številni njegovi gibi so veljali celo za nespodobne, a je sčasoma pridobil izjemno popularnost, leta 1926. režiser Ernest Lubitsch, ki je posnel film "To je Pariz", je vanj vstavil veličastno številko - "Ball in Masquerade", kjer je 2500 udeležencev plesalo Charleston.
V 30. letih Na ameriški celini in v Evropi se pojavlja val novih plesov. Eden izmed njih jeLindy Hop(Lindy Hop). to družabni ples s skoki je dobil ime v čast slavnemu pilotu Lindberghu, ki je prvi preletel Atlantik. Lindy hop se je pod vplivom jazza postopoma prelevil v swing, začetek pa so zaznamovale temperamentne črnske melodije.boogie-woogie. V Ameriki so ta ples pogosteje imenovalijitterbug(Jitterbag), na Britanskem otočju -jive. Zdaj poznamo ta ples kotrokenrol.Sam jitterbug, ki združuje gibe Lindy Hopa in Charlestona, je povzročil nastanek diska kot plesnega stila.
V zgodnjih 50-ih je v svetu izbruhnila rokenrol vročica.^ Leta 1954 Na evropskih zaslonih so bili prikazani filmi "Rock Around the Clock" in "Seed of Violence" s sodelovanjem Billa Haleyja, kar je prispevalo k rasti priljubljenosti plesa. Do začetka 60. let prejšnjega stoletja je prvi val rokenrola zamrl. Prišel je častwist, neck, bitin druge plese. Vrnitev plesa se je začela leta 1968 in je bila povezana z delom Beatlov. Od leta 1974 do 1975 je rokenrol veljal za enega izmed modnih plesov, danes pa se imenuje sodobni športni ples.
V 70. letih pridobivanje popularnostidisko ples. Pojav elektronskih instrumentov ni mogel vplivati na naravo glasbe in način izvajanja.. Pravi disko bum je povzročil film iz leta 1977. film "Vročica sobotne noči". V njem John Travolta pleše disko z vsemi elementi, značilnimi za tisti čas. V filmu "Slava" v 80-ih je tisoč petsto ljudi plesalo disko na ulici. V naši državi so veliko priljubljenost disko sloga omogočile predstave televizijskega baleta NDR "Friedrichstadt Palace".Danes disko gibe uporabljajo skoraj vsi izvajalci pop in sodobnega plesa.
Bogatejša in raznovrstnejša kot je postajala glasba s pojavom novih elektroglasbil, več različnih glasbenih trendov je nastajalo in z njimi različne stile ples.
V poznih 80. in zgodnjih 90. letih prejšnjega stoletja so s prihodom videa nekateri slogi postali priljubljeni. Delo Michaela Jacksona, ki je takrat veljal za kralja pop glasbe in kralja plesa, je dalo povod za nov tip performansa – “a la Jackson". Njegovi najbolj znani videoposnetki z albumov "Thriller", "Bad" so uporabljali disko, break, hip-hop gibe.
Priljubljenost latinskoameriški plesi rodila takih množični plesi kakolambada in Macarena. Zažigalne melodije z značilnim načinom izvajanja so rodile določen niz gibov, ki so postali zelo priljubljeni plesi - Lambada in Macarena.
^ Premor (Zlom ples) In hip-hop (Hip- hop) stilov. Ples, ki je zelo podoben breakingu, je bil znan v času suženjstva. V New Orleansu so temu rekli Kongo square dance. To ime je dobil po imenu trga - trg Kongo, kjer so se nekoč zbirali sužnji. Tam niso le komunicirali in se sproščali, ampak tudi tekmovali v plesni umetnosti. Tam so bili sužnji različne narodnosti: Afričani, Latinoameričani itd. Delitev na »ekipe« glede na etnično pripadnost je tekmovanju dala posebno nujnost. Prvine akrobatike v plesu najdemo pri mnogih narodih. Odmor vsebuje elemente afriških plesov, fragmente brazilskih borilna veščina sužnji - "capoeira" in še veliko več.
Zgodovina samega preloma se je začela leta 1962. v južnem Bronxu. Za ustanovitelja velja DJ Cool Herk. V Bronx je prišel z Jamajke in s seboj prinesel najboljše tradicije Kingstona ulični ples. Domislil se ga je leta 1969. izraz "B-Whoa" je iz okrajšave "break boy", kar pomeni "tip, break dance" Iz množice plesalcev so na oder stopili najboljši med najboljšimi in pokazali svoje znanje. Tako imenovani »break fights«.
Približno v istem času, leta 1969. DJ Africa Bambaata je skoval izraz "Hip-hop" kot oznako za celotno kulturo mlajša generacija. Vključil je ne samo ples, ampak tudi umetnost branja besedila ob glasbi (rapanje) in grafite (slikanje po stenah z barvo v spreju).
V poznih 60-ih je breaking obstajal v obliki dveh plesni stili: newyorški akrobatski slog (spodnji ali zlomni) in losangeleški mimični stil (zgoraj ali "električni boogie"). S spremembami v glasbenih trendih se tehnike break dancea spreminjajo in postajajo kompleksnejše.. V 80. letih prihajajo filmi o breaku in hip-hopu: “Divje Slog», « Slog vojne», « Beat ulica», « Grafiti Rock" Leto kasneje je baletno gledališče San Francisco Ballet Theatre otvorilo sezono z gala koncertom 46 breakerjev. Na zaključni slovesnosti olimpijskih iger v Los Angelesu je plesalo na stotine breakerjev.
Breaking je prišel v Rusijo v poznih 80-ih - filmi "Kako postati zvezda", "Kurir" itd. Break dance festivali so potekali v Sočiju, v moskovski regiji itd. Potem se je moda za breaking umirila. V letih 1995 - 1997 Breaking je spet postal moderen: bolj energičen, poln akrobatskih in močnostnih elementov, hitrih korakov in skokov. Začele so se pojavljati mednarodne bitke - ekipna tekmovanja.
Hot Top Technician (Vroče
vrh-
tehno)
prevedeno iz angleškega slenga je to vroča gibalna tehnika. Slog se je pojavil v 70-ih - zgodnjih 80-ih. Nastal pod vplivom modernega jazza in drugih šol. je ulični stil dance, vključuje elemente diska, flasha, uličnega jazza. (Bonnie M, Afrique Simon, Milli Vanilli itd.)
Če natančno pogledate sodobne sloge in tehnike plesalcev, lahko zlahka vidite v njih gibe, ki imajo analoge v ljudskem plesu. Vsak slog je med nastajanjem absorbiral posebnost, ki je značilna za nacionalno okolje ali narodnost izvajalca.
Ne moremo reči, da so vsi plesni stili že v celoti oblikovani. Vsak izvajalec, koreograf, režiser jim ves čas nekaj prinese. Popularnost plesa zagotavlja nastop velikega števila skupin in posameznih plesalcev. Profesionalni in ulični plesalci so imeli velik vpliv na oblikovanje številnih stilov. Sodobni ples- To ni le moden ples, ampak tudi ulični ples.
Sodobni ples je sinonim za izraz – “ popularni ples«, »pop dance«. Sodobni ples je lahko pop, vendar pop ples ni vedno moderen.
Izraz »pop dance« je produkt sekularne umetnostne zgodovine in odraža predvsem prostor, kamor nastopa izvajalec. Se pravi ne gledališki oder, ampak varietejsko prizorišče oz koncertna dvorana. Pojem "pop dance" vključuje tudi stilizacije ljudskih plesov, športni ples, demi-klasika, plesi v stilih vsakdanje koreografije, step, trenutno na odru vidimo precej produkcij, izvedenih v sredstvih jazz plesa ali sodobnega plesa. Tako pojem "pop dance" združuje precej področij koreografske umetnosti. Vendar pa imajo trenutno številne univerze in inštituti za kulturo in umetnost oddelke za "pop" ples. Na žalost se glede te terminološke zmede ne da narediti ničesar.
Če povzamem, trenutno obstajajo 4 glavni SISTEMI plesa; klasični ples, moderni jazz ples, moderni ples in ljudski ples. To so tista področja plesa, ki imajo svojo zgodovino, svojo šolo, svoj sistem treniranja izvajalcev, svoj besedni zaklad.
Hkrati obstajajo in se razvijajo smeri plesne umetnosti. Sem spadajo družabni plesi, step dance, flamenko, družabni ali vsakdanji plesi.
Vendar pa v zadnja leta Vse več je mešanih plesnih tehnik, ki združujejo vse glavne sisteme. Koreografi v svojih produkcijah poskušajo predvsem najti nekaj novega in nenavadnega, ne glede na leksikalno pripadnost. Koreograf razmišlja z gibom in ker profesionalni koreografi obvladajo številne plesne tehnike, je proces izposojanja in kombiniranja neizogiben. In v zadnjih letih se je pojavil izraz - SODOBNI PLES, plesna smer, ki je ne moremo pripisati nobenemu slogu ali sistemu. In to naravni proces integracija.