Θέτοντας τα θεμέλια για την παγκόσμια φήμη της. Αφίσα εργασίας V. Serovaμε τη σιλουέτα της Α. Πάβλοβα έγινε για πάντα το έμβλημα των «Ρωσικών Εποχών Με». 1910Η Πάβλοβα περιόδευσε σε πολλές χώρες σε όλο τον κόσμο με τον δικό της θίασο. Χορογράφος Μιχαήλ Φόκινανέβασε πολλά μπαλέτα ειδικά για τον θίασο της A. Pavlova, ένα από τα οποία ήταν το «Seven Daughters of the Mountain King» η τελευταία παράσταση της μπαλαρίνας Θέατρο Μαριίνσκι πραγματοποιήθηκε σε 1913, και στο Ρωσία- V 1914, μετά την οποία εγκαταστάθηκε Αγγλίακαι δεν επέστρεψε ποτέ στη Ρωσία. 1921 -1925Η Άννα Πάβλοβα περιόδευσε ΗΠΑ, διοργανωτής της περιοδείας της ήταν ο Αμερικανός διευθυντής θέατρουΡωσικής καταγωγής Solomon Yurok. ΣΕ 1921Η Άννα Πάβλοβα εμφανίστηκε επίσης στο Ινδίακαι κέρδισε την προσοχή του ινδικού κοινού Δελχί , ΒομβάηΚαι Καλκούτα Το όνομα της Πάβλοβα έγινε θρυλικό όσο ζούσε η μπαλαρίνα.
Καρσαβίνα Ταμάρα Πλατόνοβνα
Η μπαλαρίνα γεννήθηκε στις 25 Φεβρουαρίου ( 9η Μαρτίου) 1885 V Αγία Πετρούποληστην οικογένεια του χορευτή του αυτοκρατορικού θιάσου Πλάτωνα Καρσάβιν και της συζύγου του Άννας Ιωσήφοβνα, ν. Khomyakova, κόρη ξαδέλφου (δηλ. ανιψιά) διάσημος σλαβόφιλος A.S. Αδελφός - Λεβ Καρσάβιν, Ρώσος φιλόσοφος. ΣΕ 1902Αποφοίτησε από το Imperial Theatre School, όπου έμαθε τις βασικές δεξιότητες μπαλέτου από τον δάσκαλο Alexander Gorsky και στη συνέχεια εντάχθηκε στον θίασο Θέατρο Μαριίνσκι . Η Καρσαβίνα πέτυχε γρήγορα την ιδιότητα της πρώτης μπαλαρίνας και έπαιξε πρωταγωνιστικούς ρόλους σε μπαλέτα του κλασικού ρεπερτορίου - "Giselle", "Sleeping Beauty", "The Nutcracker", " Λίμνη των κύκνων», «Καρναβάλι», κ.λπ. Από το 1909, μετά από πρόσκληση του Σεργκέι Ντιαγκίλεφ, ο Καρσαβίνα άρχισε να παίζει σε περιοδείες Ρώσων χορευτών μπαλέτου στην Ευρώπη που οργάνωσε ο ίδιος, και στη συνέχεια στο Ρωσικό Μπαλέτο του Ντιάγκιλεφ. Τα πιο αξιοσημείωτα έργα της μπαλαρίνας κατά την περίοδο συνεργασίας με τον Diaghilev ήταν οι πρωταγωνιστικοί ρόλοι στα μπαλέτα "The Firebird", "The Phantom of the Opera", "Petrushka" (σε σκηνοθεσία Mikhail Fokin), "Women's Follies" κ.λπ. Στην εξορία , συνέχισε να παίζει στη σκηνή και να περιοδεύει με το Russian Ballet του Diaghilev, σπούδασε διδακτικές δραστηριότητες. Επιπλέον, στις αρχές της δεκαετίας του 1920 εμφανίστηκε η μπαλαρίνα ρόλους καμέοσε αρκετές βωβές ταινίες παραγωγής Γερμανίας και Μεγάλης Βρετανίας, συμπεριλαμβανομένης της ταινίας «The Path to Strength and Beauty» 1925. Το 1930-1955. υπηρέτησε ως αντιπρόεδρος της Βασιλικής Ακαδημίας Χορού Η Ταμάρα Καρσαβίνα πέθανε στις 26 Μαΐου 1978 στο Λονδίνο σε ηλικία 93 ετών.
Ουλάνοβα Γκαλίνα Σεργκέεβνα
Γεννήθηκε στις 8 Ιανουαρίου 1910 (νέο στυλ) στην Αγία Πετρούπολη σε καλλιτεχνική οικογένεια. Το 1928 αποφοίτησε από τη Χορογραφική Σχολή του Λένινγκραντ, όπου σπούδασε για τα πρώτα έξι χρόνια με τη μητέρα της M. F. Romanova, στη συνέχεια με την A. Ya Vaganova, μια διάσημη δασκάλα ΘέατροΌπερα και Μπαλέτο με το όνομα S. M. Kirov (από το 1992 Θέατρο Mariinsky). Έκανε το ντεμπούτο της στον περίπλοκο ρόλο της Odette-Odile στο μπαλέτο του P. I. Tchaikovsky "Swan Lake". Το 1941, η Ουλάνοβα έγινε βραβευμένη με το Βραβείο Στάλιν (αυτός ο τίτλος της απονεμήθηκε επίσης το 1946, το 1947 και το 1950 Το 1944, η μπαλαρίνα προσκλήθηκε στη Μόσχα και έγινε σολίστ του θεάτρου Μπολσόι). Η Ουλάνοβα χόρευε στη σκηνή του μέχρι το 1960, δημιουργώντας αξέχαστες εικόνες τόσο στο κλασικό ρωσικό όσο και στο ξένο ρεπερτόριο. Έτσι, η Ulanova ενσάρκωσε εκπληκτικά την εικόνα της Ιουλιέτας στη σκηνή στο μπαλέτο του S. S. Prokofiev "Romeo and Juliet". Αυτήν ταλέντοαναγνωρίστηκε σε όλο τον κόσμο. Όταν το Θέατρο Μπολσόι πήγε για πρώτη φορά σε περιοδεία στο Λονδίνο το 1956, η Ουλάνοβα κέρδισε μια θριαμβευτική επιτυχίαστους ρόλους της Ζιζέλ (στο ομώνυμο μπαλέτο του Α. Άνταμ) και της Ιουλιέτας. Η Ιουλιέτα ήταν η αγαπημένη της ηρωίδα.
Είναι η μόνη μπαλαρίνα στην οποία είχαν στηθεί μνημεία κατά τη διάρκεια της ζωής της (στο Λένινγκραντ και στη Στοκχόλμη Το τελευταίο μπαλέτο στο οποίο χόρεψε η Ουλάνοβα ήταν το «Chopiniana» σε μουσική του Φ. Σοπέν. Αφού έφυγε από τη σκηνή, συνέχισε να εργάζεται Θέατρο Μπολσόιήδη ως δάσκαλος-δάσκαλος. Μεταξύ των μαθητών της είναι οι E. Maksimova, V. Vasiliev, L. Semenyaka και πολλοί άλλοι. Ο A.N. Tolstoy αποκάλεσε την Ulanova «μια συνηθισμένη θεά». Πέθανε στις 22 Σεπτεμβρίου 1998 στη Μόσχα.
Γιούρι Τιμοφέβιτς Ζντάνοφ
Yuri Timofeevich Zhdanov (29 Νοεμβρίου [σύμφωνα με άλλα στοιχεία 29 Σεπτεμβρίου] 1925, Μόσχα - 1986, Μόσχα) - Λαϊκός καλλιτέχνης της RSFSR, χορογράφος, δάσκαλος, καλλιτέχνης. Χάλκινος Ιππέας", "Red Poppy", "Chopiniana", "Swan Lake", "Sleeping Beauty", "Raymonda", "Don Quixote", "Flames of Paris", "Gayane", "Firebird", "Walpurgis Night" κ.λπ. ., οδήγησε μια μεγάλη συναυλιακή δραστηριότητα. Το 1951-1960 ήταν σταθερός συνεργάτης της Galina Ulanova, έπαιξε μαζί της στα πρώτα έξι από τα εισηγμένα μπαλέτα και στο πρόγραμμα συναυλιών. Μαζί περιόδευσαν τις πόλεις της ΕΣΣΔ (1952) και τα επόμενα χρόνια συμμετείχαν στις πρώτες περιοδείες του σοβιετικού μπαλέτου στο Παρίσι (1954, 1958), Λονδίνο (1956), Βερολίνο (1954), Αμβούργο, Μόναχο, Βρυξέλλες (1958). ), Νέα Υόρκη, Ουάσιγκτον, Λος Άντζελες, Σαν Φρανσίσκο, Τορόντο, Οτάβα, Μόντρεαλ (1959), έπαιξαν σε ταινίες («Ρωμαίος και Ιουλιέτα»).Το 1953, η ταινία "Masters of Russian Ballet" γυρίστηκε στο κινηματογραφικό στούντιο Lenfilm. Η ταινία περιλαμβάνει κομμάτια από τα μπαλέτα του Μπόρις Ασαφιέφ «The Fountain of Bakhchisarai» και «The Flame of Paris», καθώς και το μπαλέτο «Η Λίμνη των Κύκνων» του P. I. Tchaikovsky. Ο Γιούρι Ζντάνοφ έπαιξε έναν από τους κύριους ρόλους σε αυτή την ταινία. Ο Yu. Οι θεατές από περισσότερες από τριάντα χώρες είναι εξοικειωμένοι μεχορογραφική τέχνη Γιούρι Ζντάνοφ.Στο τέλος της σκηνικής του καριέρας, ο Yu Zhdanov ήταν ο καλλιτεχνικός διευθυντής του Κρατικού Συναυλιακού Συνόλου «Κλασικό Μπαλέτο» (1971-1976), για το οποίο ανέβασε τα μπαλέτα «Francesca da Rimini» του P. Tchaikovsky, «Spring Fantasy». του R. Drigo, «Choreographic Suite» του K. .Akimov, μινιατούρες συναυλιών «Young Voices» του J. Benda, «Etude-Painting» του S. Rachmaninov και μια σειρά άλλων Για τις παραγωγές του, ο Yu τα σκηνικά και τα κοστούμια. Το 1981-1986. Ο Zhdanov δίδαξε στο GITIS, όπου δίδαξε μαθήματα "Η Τέχνη του Χορογράφου" και "Θέατρο Μπαλέτου και Καλλιτέχνης"., πραγματοποίησε περισσότερες από δεκαπέντε ατομικές εκθέσεις στη χώρα μας και στο εξωτερικό.
Από το 1967 - μέλος της Ένωσης Καλλιτεχνών της ΕΣΣΔ. Περισσότερα από 150 έργα του Yu Zhdanov - πίνακες και γραφικά - βρίσκονται σε μουσεία στη χώρα μας, περίπου 600 έργα έχουν αγοραστεί σε ιδιωτικές συλλογές.
Ο Yuri Timofeevich Zhdanov πέθανε στις 9 Απριλίου 1986 στη Μόσχα από καρδιακή προσβολή.
Μετά τον θάνατο του Zhdanov, η φήμη του ως καλλιτέχνη αυξανόταν όλο και περισσότερο. Η τηλεοπτική ταινία «Γιούρι Ζντάνοφ. Σελίδες της ζωής ενός καλλιτέχνη και ενός καλλιτέχνη» (1988). Τα τελευταία χρόνια, οι προσωπικές εκθέσεις του πλοιάρχου έχουν πραγματοποιηθεί με επιτυχία στη Μόσχα και σε άλλες πόλεις έχουν πουληθεί σε ιδιωτικές συλλογές στη Ρωσία, την Αγγλία, τις ΗΠΑ, τη Γερμανία, την Ιταλία, την Ιαπωνία, τη Φινλανδία και την Ελλάδα.
Plisetskaya Maya Mikhailovna Η Maya Mikhailovna γεννήθηκε στις 20 Νοεμβρίου 1925. Είναι πραγματικά η σπουδαιότερη μπαλαρίνα. Είναι όμορφη, κομψή, έξυπνη.Χόρεψε σε πολλές παραστάσεις: .
Στις πλαστικές τέχνες της Μάγια Πλισέτσκαγια χορευτική τέχνη » ( 1961 επιτυγχάνει υψηλή αρμονία Οι πιο διάσημοι ρόλοι: Odette-Odile στη Λίμνη των Κύκνων, Aurora in Ωραία Κοιμωμένη), Ραϊμόντα ομώνυμο μπαλέτο » Γκλαζούνοφ, Mistress of the Copper Mountain in " Πέτρινο λουλούδι » Προκόφιεφ, Mehmene-Banu " Θρύλος της αγάπηςΜελίκοβα
, Κάρμεν ( Σουίτα Carmen Rodion Shchedrin). Η Plisetskaya έδρασε ως χορογράφος και ανέβασε τα ακόλουθα μπαλέτα:"Αννα Καρένινα" R.K Shchedrin (1972, μαζί με N. I. Ryzhenko και V.V. Smirnov-Golovanov, Θέατρο Μπολσόι. Plisetskaya - ο πρώτος ερμηνευτής του κύριου ρόλου),), "Γλάρος" R. K. Shchedrin (1980, Θέατρο Μπολσόι, Plisetskaya - η πρώτη ερμηνεύτρια του κύριου ρόλου), "Raymonda" του A. K. Glazunov (1984, Όπερα στα Λουτρά του Καρακάλλα,
Ρώμη «Κυρία με σκύλο» R.K Shchedrin (1985, Θέατρο Μπολσόι, Plisetskaya - ο πρώτος ερμηνευτής του κύριου ρόλου). Στη δεκαετία του 1980, η Plisetskaya και η Shchedrin πέρασαν πολύ χρόνο στο εξωτερικό, όπου εργάστηκε ως καλλιτεχνική διευθύντριαΘέατρο Όπερας και Μπαλέτου Ρώμης (1983-1984), καθώς και το Εθνικό Μπαλέτο της Ισπανίας στη Μαδρίτη (1988-1990). Έφυγε από τη σκηνή σε ηλικία 65 ετών. μετάπολύς καιρός συμμετείχε σε συναυλίες και διεξάγει master classes. Στα 70ά της γενέθλια έκανε το ντεμπούτο της σε έναν αριθμό που γράφτηκε ειδικά για εκείνη. Bejara "Ave Maya" ΜΕ 1994 Ο Plisetskaya είναι ο πρόεδρος της ετήσιας διεθνής).
διαγωνισμός μπαλέτου
, που φέρει το όνομα "Maya" (
Από το 1958 έως το 1988, ήταν κορυφαία χορεύτρια μπαλέτου στο Θέατρο Μπολσόι. Η εξαιρετική γνώση του κλασικού χορού, η εξαιρετική εμφάνιση, η καλλιτεχνία και η προσωπική γοητεία επέτρεψαν στη Maximova να κυριαρχήσει στο παραδοσιακό ρεπερτόριο του θεάτρου. Ακολούθησαν τα μπαλέτα Ζιζέλ (παραδοσιακή εκδοχή, μουσική Α. Άνταμ), Δον Κιχώτης του Α.Α. Ο Γκόρσκι (μουσική του Λ. Μίνκους), η Ωραία Κοιμωμένη (παραδοσιακή έκδοση, στη συνέχεια έκδοση του Yu.N. Grigorovich, μουσική του Τσαϊκόφσκι) και άλλοι έπαιξαν επίσης στα περισσότερα από τα νέα μπαλέτα που ανέβηκαν τη δεκαετία του 1960-1970. στις παραστάσεις του Γκριγκορόβιτς, όπου ήταν συχνά η πρώτη ερμηνεύτρια (Ο Καρυοθραύστης, 1966· Σπάρτακος, μουσική A.I. Khachaturian, 1968, ο ρόλος της Φρυγίας κ.λπ.). Η Maksimova ήταν η σταθερή σύντροφος του συζύγου της, V.V. Vasilyeva, και χόρεψε σε παραστάσεις που ανέβασε ο ίδιος στο Θέατρο Μπολσόι και όχι μόνο: Icarus (μουσική S.M. Slonimsky, 1976· Anyuta, μουσική V.A. Gavrilin, 1986· Σταχτοπούτα, μουσική S.S. Prokofiev, 1991) . Στο εξωτερικό ερμήνευσε πρωταγωνιστικούς ρόλους σε μπαλέτα των Maurice Bejart (Romeo and Julia σε μουσική G. Berlioz), Roland Petit (The Blue Angel, σε μουσική M. Constant), John Cranko (Onegin, σε μουσική Tchaikovsky). Η K.Ya συνεργάστηκε με τη Maximova. Goleizovsky, ο οποίος ανέβασε ένα από τα καλύτερα νούμερά του για εκείνη το 1960 - Mazurka στη μουσική του A.N. Scriabin. Η καριέρα της κόντεψε να τερματιστεί από έναν τραυματισμό στη σπονδυλική στήλη που έλαβε κατά τη διάρκεια μιας πρόβας για το μπαλέτο «Ivan the Terrible». Υπήρχε ένα δύσκολο πάνω στήριγμα, από το οποίο η μπαλαρίνα βγήκε ανεπιτυχώς. Ως αποτέλεσμα, ο σπόνδυλός της "έσκασε έξω". Η κανονική της κίνηση ήταν υπό αμφισβήτηση. Όμως εκείνη, με τη βοήθεια του συζύγου της και τη θέλησή της, κατάφερε να αντιμετωπίσει την ασθένεια. Για έναν ολόκληρο χρόνο φορούσε έναν ειδικό κορσέ και έκανε ασκήσεις που της είχε αναπτύξει ο Βασίλιεφ. Στις 10 Μαρτίου 1976, η Ekaterina Maksimova εμφανίστηκε ξανά στη σκηνή των Μπολσόι. Στο «Giselle» Ιδιαίτερη σημασία στο έργο της Maximova ήταν η συμμετοχή της στα τηλεοπτικά μπαλέτα, που αποκάλυψε μια νέα ποιότητα του ταλέντου της - το κωμικό ταλέντο (Galatea after Pygmalion του B. Shaw, μουσική F. Lowe, διασκευή T.I. Kogan, χορογράφος». D.A. Bryantsev; Παλιό ταγκό, μουσική από τον ίδιο χορογράφο). Η τέχνη της Maksimova και ειδικά η συμμετοχή της στο διάσημο ντουέτο Maksimova - Vasiliev, που αποτυπώθηκε στην τηλεοπτική ταινία "Duet" (1973) και στη γαλλική ταινία βίντεο "Katya and Volodya" (1989), χαίρει παγκόσμιας αναγνώρισης Το 1980, η Maksimova αποφοίτησε από το Κρατικό Ινστιτούτο θεατρικές τέχνεςπήρε το όνομά του από τον A.V. Lunacharsky (τώρα Ρωσική Ακαδημίαθεατρική τέχνη). Από το 1982 άρχισε να διδάσκει κλασική κληρονομιά και σύνθεση χορού στο τμήμα χορογραφίας αυτού του ινστιτούτου (το 1996 της απονεμήθηκε ο ακαδημαϊκός τίτλος της καθηγήτριας). Από το 1990, η Maksimova είναι δάσκαλος και δάσκαλος στο θέατρο " Μπαλέτο του ΚρεμλίνουΑπό το 1998 - χορογράφος-επαναλήπτης του θεάτρου Μπολσόι (έπαψε να είναι σολίστ του θιάσου το 1988).
Lopatkina Ulyana Vyacheslavovna
Λαϊκός Καλλιτέχνης της Ρωσίας (2005).
Βραβευμένος με το Κρατικό Βραβείο της Ρωσίας (1999).
Βραβευμένη στο Διεθνή Διαγωνισμό Vaganova-Prix (1991).
Νικητής του βραβείου: "Golden Spotlight" (1995), "Divine" με τον τίτλο "Best Ballerina" (1996), " Χρυσή μάσκα"(1997), Benois de la danse(1997), "Baltika" (1997, 2001: Grand Prix για την προώθηση της παγκόσμιας φήμης του θεάτρου Mariinsky), Evening Standard (1998), Παγκόσμια βραβεία χορού του Μονακό(2001), «Θρίαμβος» (2004).
Το 1998 του απονεμήθηκε ο τιμητικός τίτλος «Καλλιτέχνης της Αυτοκρατορικής Σκηνής της Κυρίαρχης Ρωσίας της Μεγαλειότητας» και του απονεμήθηκε το μετάλλιο «Άνθρωπος-Δημιουργός».
Γεννήθηκε στο Kerch (Ουκρανία).
Αποφοίτησε από την Ακαδημία Ρωσικού Μπαλέτου. A. Ya Vaganova (τάξη της καθηγήτριας Natalia Dudinskaya).
Από το 1991 με τον θίασο του θεάτρου Mariinsky.
Από το 1995 - σολίστ.
"Giselle" (Myrtha, Giselle);
"Corsair" (Medora);
«La Bayadère» (Νίκια) – επιμέλεια Vakhtang Chabukiani.
Grand pasαπό το μπαλέτο "Paquita" (σολίστ).
"Sleeping Beauty" (Lilac Fairy) - επιμέλεια Konstantin Sergeev.
"Λίμνη των Κύκνων" (Odette-Odile);
"Raymonda" (Raymonda, Clémence);
"Swan", "Scheherazade" (Zobeide) - χορογραφία Mikhail Fokin.
«Σιντριβάνι Μπαχτσισαράι» (Ζαρέμα);
"The Legend of Love" (Mekhmene Banu);
"Λένινγκραντ Συμφωνία" (Κορίτσι);
Pas de quatre (Maria Taglioni) – χορογραφία Anton Dolin;
«Σερενάτα», «Συμφωνία σε Νο μείζονα» (II μέρος Adagio), «Κοσμήματα» («Διαμάντια»), «Κοντσέρτο για πιάνο Νο. 2» ( Ballet Imperial), «Theme and Variations», «Waltz», «Scottish Symphony» – χορογραφία George Balanchine;
«In the Night» (Μέρος ΙΙΙ) – χορογραφία Jerome Robbins.
«Young Man and Death» – χορογραφία Roland Petit;
«Goya Divertimento» (Χορογραφία του Χοσέ Αντόνιο).
«The Nutcracker» (απόσπασμα «Teacher and Student») – χορογραφία John Neumeier.
«The Fairy’s Kiss» (Νεράιδα), «Poem of Ecstasy», «Anna Karenina» (Anna Karenina) – χορογραφία Alexei Ratmansky.
– χορογραφία William Forsyth.
Trois Gnossienes– χορογραφία Hans van Manen.
“Tango” – χορογραφία του Nikolai Androsov.
Grand pas de deux– χορογραφία Christian Spuck
Ζαχάροβα Σβετλάνα Γιούριεβνα
Στο θέατρο Μαριίνσκι
1996
Πριγκίπισσα Φλώρινα(«Ωραία Κοιμωμένη» του P. Tchaikovsky, χορογραφία M. Petipa, αναθεώρηση K. Sergeev)
Βασίλισσα των Δρυάδων(Δον Κιχώτης L. Minkus, χορογραφία M. Petipa, A. Gorsky)
Pas de deux του Τσαϊκόφσκι(χορογραφία J. Balanchine)
"Ο κύκνος που πεθαίνει"(σε μουσική C. Saint-Saëns, χορογραφία M. Fokine)
ΜΑΡΙΑ(«Σιντριβάνι Μπαχτσισαράι» του B. Asafiev, χορογραφία του R. Zakharov)
Μάσα(«Ο Καρυοθραύστης» του P. Tchaikovsky, χορογραφία του V. Vainonen)
1997
Γκουλνάρα(“Corsair” του A. Adam, χορογραφία M. Petipa, αναθεώρηση P. Gusev)
Ζιζέλ(“Giselle” του A. Adam, χορογραφία J. Coralli, J. Perrot, M. Petipa)
Μαζούρκα και έβδομο βαλς(«Chopiniana», χορογραφία M. Fokine)
1998
Πριγκίπισσα Αουρόρα("Ωραία Κοιμωμένη")
Τερψιχόρη(«Απόλλων» του I. Stravinsky, χορογραφία J. Balanchine)
Σολίστ(«Σερενάτα» σε μουσική P. Tchaikovsky, χορογραφία J. Balanchine)
Odette-Odile(«Λίμνη των Κύκνων» του P. Tchaikovsky, χορογραφία M. Petipa, L. Ivanov, αναθεώρηση K. Sergeev)
Σολίστ(“Poem of Ecstasy” σε μουσική A. Scriabin, σε σκηνή A. Ratmansky)
1999
Σολίστ του πρώτου μέρους(“Συμφωνία σε ντο μείζονα” σε μουσική J. Bizet, χορογραφία J. Balanchine)
Πριγκίπισσα Αουρόρα(«Η Ωραία Κοιμωμένη», ανακατασκευή της παραγωγής του M. Petipa από τον S. Vikharev)
Medora("Κουρσάρος")
Νικία(«La Bayadère» του L. Minkus, χορογραφία του M. Petipa, αναθεώρηση των V. Ponomarev και V. Chabukiani)
2000
Σολίστ στο “Diamonds” σε μουσική Π. Τσαϊκόφσκι(“Jwels”, χορογραφία J. Balanchine)
Μανόν(“Manon” σε μουσική J. Massenet, χορογραφία K. McMillan)
Κίτρι("Δόν Κιχώτης")
2001
Σολίστ("Now and then" σε μουσική του M. Ravel, σε σκηνή J. Neumeier)
Νεαρη κυρία(“The Young Lady and the Hooligan” σε μουσική D. Shostakovich, χορογραφία K. Boyarsky)
Ζωμπεΐδα(«Σεχεραζάντα» σε μουσική N. Rimsky-Korsakov, χορογραφία M. Fokin)
2002
Ιουλιέτα(«Ρωμαίος και Ιουλιέτα» του Σ. Προκόφιεφ, χορογραφία Λ. Λαβρόφσκι)
Σολίστ(grand pas από το μπαλέτο «Paquita» του L. Minkus, χορογραφία του M. Petipa)
Σολίστ(“Middle Duet” σε μουσική Y. Khanon, σε σκηνή A. Ratmansky)
2003
Σολίστ(Etudes» σε μουσική K. Czerny, χορογραφία H. Lander)
Ένας από τους τακτικούς συνεργάτες της μπαλαρίνας ήταν ο Igor Zelensky.
Στο θέατρο Μπολσόι
Εντός εποχής 2003/2004
Η Σβετλάνα Ζαχάροβα μετακόμισε στο θίασο του θεάτρου Μπολσόι, όπου έγινε η δασκάλα-δάσκαλός της Λιουντμίλα Σεμενιάκα
, επίσης εκπρόσωπος της σχολής μπαλέτου της Αγίας Πετρούπολης.
Η μπαλαρίνα παρουσιάστηκε στο προσωπικό του θεάτρου στην παραδοσιακή συνάντηση του θιάσου, που πραγματοποιήθηκε στις 26 Αυγούστου 2003. Το ντεμπούτο της ως σολίστ του θεάτρου Μπολσόι έγινε στις 5 Οκτωβρίου στο μπαλέτο "Giselle" (επιμέλεια V. Vasiliev). Πριν μετακομίσει στη Μόσχα, χόρεψε αυτή την παράσταση τρεις φορές στο Θέατρο Μπολσόι.
2003
Ζιζέλ("Ζιζέλ")
Aspiccia(“The Pharaoh’s Daughter” του C. Pugni, σε σκηνοθεσία P. Lacotte μετά τον M. Petipa)
Odette-Odile(«Η Λίμνη των Κύκνων» του P. Tchaikovsky στη δεύτερη έκδοση του Yu. Grigorovich, χρησιμοποιήθηκαν κομμάτια χορογραφίας των M. Petipa, L. Ivanov, A. Gorsky)
2004
Πριγκίπισσα Αουρόρα(«Ωραία Κοιμωμένη» του P. Tchaikovsky, χορογραφία M. Petipa, αναθεώρηση Yu. Grigorovich)
Σολίστ του Μέρους II("Συμφωνία σε ντο μείζονα")
Νικία(“La Bayadère”, αναθεωρημένο από τον Yu. Grigorovich)
Κίτρι(Δον Κιχώτης Λ. Μίνκους, χορογραφία Μ. Πετίπα, Α. Γκόρσκι, αναθεώρηση Α. Φαντίτσεφ)
Ιππολύτη(Titania) (“A Midsummer Night’s Dream” σε μουσική των F. Mendelssohn-Bartholdy και D. Ligeti, σε σκηνή J. Neumeier) -
2005
Ραϊμόντα(“Raymonda” του A. Glazunov, χορογραφία M. Petipa, αναθεώρηση Yu. Grigorovich)
Κάρμεν(«Carmen Suite» των J. Bizet - R. Shchedrin, σε σκηνή A. Alonso)
2006
Σταχτοπούτα(«Σταχτοπούτα» του S. Prokofiev, χορογραφία Y. Posokhov, σκηνοθέτης Y. Borisov) - πρώτος ερμηνευτής
2007
Σολίστ(«Σερενάτα» σε μουσική P. Tchaikovsky, χορογραφία J. Balanchine) - πρώτος ερμηνευτής στο θέατρο Μπολσόι
Medora(“Corsair” του A. Adam, χορογραφία M. Petipa, παραγωγή και νέα χορογραφία A. Ratmansky και Y. Burlaka) - πρώτος ερμηνευτής
Σολίστ(“Class-concert” σε μουσική A. Glazunov, A. Lyadov, A. Rubinstein, D. Shostakovich, χορογραφία A. Messerer)
2008
Αίγινα(«Σπάρτακος» του A. Khachaturian, χορογραφία Y. Grigorovich)
Ζευγάρι σε κίτρινο χρώμα(«Ρωσικές εποχές» σε μουσική L. Desyatnikov, σε σκηνή A. Ratmansky) - ήταν από τους πρώτους ερμηνευτές μπαλέτου στο Θέατρο Μπολσόι
Πακίτα(Εξαιρετικό κλασικό πάσο από το μπαλέτο «Paquita» του L. Minkus, χορογραφία του M. Petipa, παραγωγή και νέα χορογραφική έκδοση του Y. Burlaka)
2009
Σβετλάνα(“Zakhar’s Super Game” του E. Palmieri, σε σκηνοθεσία F. Ventriglia) - παγκόσμια πρεμιέρα
2010
Θάνατος(«Youth and Death» σε μουσική του J. S. Bach, σε σκηνή του R. Petit) - πρώτος ερμηνευτής στο θέατρο Μπολσόι
Η πρώτη και οι δύο επόμενες παραστάσεις του "The Pharaoh's Daughter" με τη συμμετοχή της Ζαχάροβα γυρίστηκαν για την κυκλοφορία του μπαλέτου σε DVD από τη γαλλική εταιρεία Bel Air Media.
Στις 15 Ιουνίου 2005, πραγματοποιήθηκε η πρώτη δημιουργική βραδιά της Σβετλάνα Ζαχάροβα στην Κεντρική Σκηνή του Θεάτρου Μπολσόι, το πρόγραμμα της οποίας περιελάμβανε τον πίνακα "Σκιές" από το μπαλέτο "La Bayadere" (Solor - σολίστ του θεάτρου Mariinsky Igor Ζελένσκι)
«Μεσαίο ντουέτο» σε σκηνοθεσία A. Ratmansky(συνεργάτης - σολίστ του θεάτρου Mariinsky Andrey Merkuryev)
ντουέτο από το μπαλέτο "A Little Eleved in the Middle"σε μουσική T. Wilems, σε σκηνοθεσία W. Forsyth (συνεργάτης - Andrey Merkuryev)
η τρίτη πράξη από το μπαλέτο "Δον Κιχώτης" (Bazil - Andrei Uvarov) και μια σειρά από αριθμούς που παίζονται από σολίστ του μπαλέτου του θεάτρου Μπολσόι
Vishnva Diana Viktorovna
Λαϊκός καλλιτέχνης της Ρωσίας
Βραβευμένος με το Κρατικό Βραβείο της Ρωσίας
Βραβευμένος στο Διεθνή Διαγωνισμό Μπαλέτου (Λωζάνη, 1994)
Νικητής του βραβείου Benois de la Danse(1996), "Golden Spotlight" (1996, 2011), "Baltika" (1998), "Golden Mask" (2001), "Dancer of the Year - 2002" ( Χορευτής της Ευρώπης), βραβείο από το περιοδικό "Μπαλέτο" (2003)
Εθνικός βραβείο θεατρικό βραβείο“Golden Mask” (2009) σε τρεις κατηγορίες: “Best γυναικείο ρόλο", "Modern Dance/Female Role" και "Critics Prize" ("Diana Vishneva: Beauty in Motion", έργο του Sergei Danilyan, ΗΠΑ-Ρωσία)
Η Diana Vishneva γεννήθηκε στο Λένινγκραντ. Αποφοίτησε από την Ακαδημία Ρωσικού Μπαλέτου. A. Ya. Vaganova (τάξη της καθηγήτριας Lyudmila Kovaleva). ΠέρυσιΣυνδύασα τις σπουδές μου με πρακτική στο θέατρο Μαριίνσκι. Το 1995, η Diana Vishneva έγινε δεκτή στο θίασο του θεάτρου Mariinsky και από το 1996 είναι σολίστ του θεάτρου Mariinsky.
Η Diana Vishneva παίζει ενεργά σε κορυφαίους θεατρικούς χώρους στην Ευρώπη. Το 2001 έκανε το ντεμπούτο της στο Staatsballett του Μονάχου (Manon του Kenneth MacMillan) και στη Σκάλα (Aurora - Η Ωραία Κοιμωμένη στην εκδοχή του Rudolf Nureyev) και το 2002 εμφανίστηκε στη σκηνή της Opera de Paris (Kitri - Don Quixote in έκδοση του Rudolf Nureyev). Το 2003 έκανε το ντεμπούτο της στη σκηνή της Metropolitan Opera στη Νέα Υόρκη (Juliet - Romeo and Juliet, χορογραφία Kenneth MacMillan).
Από το 2002, η Diana Vishneva είναι προσκεκλημένη σολίστ στο Staatsoper (Βερολίνο), ερμηνεύοντας τους κύριους ρόλους στα μπαλέτα "Giselle", "La Bayadère", "Swan Lake" (έκδοση του Patrice Barthes), "Ring Around the Ring" του Maurice Béjart, "Manon" και "Sleeping Beauty". Από το 2005, η μπαλαρίνα παίζει ως προσκεκλημένη σολίστ στη σκηνή του American Ballet Theatre (χόρεψε στα μπαλέτα Swan Lake, Giselle, Don Quixote, Manon, Romeo and Juliet, Ballet Imperial, "Ωραία Κοιμωμένη", Το όνειρο, "La Bayadère"). Στο American Ballet Theatre, η Diana Vishneva έπαιξε τους κύριους ρόλους στα μπαλέτα: "Sylvia" και Thaïs Pas de deux(χορογραφία Frederick Ashton), «On the Dnieper» (χορογραφία Alexei Ratmansky), «Lady with Camellias» (χορογραφία John Neumeier) και «Onegin» (χορογραφία John Cranko).
Η Diana Vishneva συνεργάζεται ενεργά με διάσημους σύγχρονους χορογράφους και σκηνοθέτες. Το 2005, η πρεμιέρα του μπαλέτου του Peter Zuska "Hands of the Sea", που ανέβηκε ειδικά για την Diana Vishneva, πραγματοποιήθηκε στη σκηνή του θεάτρου Mariinsky. Το 2007, ο Andrei Moguchiy και ο Alexey Kononov ανέβασαν το έργο "Silenzio. Νταϊάνα Βίσνεβα». Τον Φεβρουάριο του 2008, η Diana Vishneva, σε συνεργασία με το Ardani Artists Management και το Orange County Performing Arts Center, παρουσίασε το πρόγραμμα "Beauty in Motion" ("Pierrot Lunaire" του Alexei Ratmansky, "Turns of Love" του Dwight Rodin, ΡΟΗ. Moses Pendleton).
Τον Μάρτιο του 2011, το μπαλέτο "Park" έκανε πρεμιέρα στη σκηνή του θεάτρου Mariinsky (χορογραφία Angelin Preljocaj) με τη συμμετοχή της Diana Vishneva. Τον Οκτώβριο του ίδιου έτους, η μπαλαρίνα παρουσίασε το έργο «Diana Vishneva: Dialogues», που πραγματοποιήθηκε με την υποστήριξη του θεάτρου Mariinsky, του Ιδρύματος Diana Vishneva και της εταιρείας Ardani Artists.
Ρεπερτόριο στη σκηνή του θεάτρου Mariinsky:
«Giselle» (Myrtha, Zulma) – χορογραφία Jean Coralli, Jules Perrot, Marius Petipa;
«Corsair» (Gulnara, Medora) – παραγωγή του Pyotr Gusev βασισμένη στη σύνθεση και τη χορογραφία του Marius Petipa.
Grand pas από το μπαλέτο Paquita (παραλλαγή) – χορογραφία Marius Petipa.
«La Bayadère» (Χορογραφία του Marius Petipa, αναθεωρημένη από τους Vladimir Ponomarev και Vakhtang Chabukiani).
«Η Ωραία Κοιμωμένη» (Χορογραφία του Marius Petipa, αναθεωρημένη από τον Konstantin Sergeev).
«The Nutcracker» (Masha) – χορογραφία Vasily Vainonen, καθώς και παραγωγή Mikhail Shemyakin με χορογραφία Kirill Simonov.
«Η Λίμνη των Κύκνων» (Οντέτ-Οντίλ χορογραφία των Marius Petipa και Lev Ivanov, αναθεωρημένη από τον Konstantin Sergeev).
"Raymonda" (Χορογραφία από τον Marius Petipa, αναθεωρημένη από τον Konstantin Sergeev).
μπαλέτα του Mikhail Fokine: Scheherazade (Zobeide), The Firebird (Firebird), The Vision of a Rose, The Swan;
Pas de quatre(Fanny Cerrito) – χορογραφία Anton Dolin;
Grand pas classique – χορογραφία του Viktor Gzovsky;
"The Legend of Love" (Mekhmene-Banu) - χορογραφία του Yuri Grigorovich.
«Carmen Suite» (Carmen χορογραφία Alberto Alonso);
μπαλέτα του George Balanchine: «Apollo» (Terpsichore), «Symphony in C Major» (III κίνηση), Τσαϊκόφσκι Pas de deux, “Jwels” (“Rubies”), Κοντσέρτο για πιάνο Νο. 2 ( Ballet Imperial);
«In the Night» (I ντουέτο) – χορογραφία Jerome Robbins.
«Young Man and Death», «Carmen» (Carmen) – χορογραφία Roland Petit;
"Manon" (Manon χορογραφία του Kenneth MacMillan);
Άνοιξη και Φθινόπωρο, Τώρα και Τότε,“The Sound of Blank Pages” – χορογραφία John Neumeier.
μπαλέτα του Alexei Ratmansky: "Poem of Ecstasy", "Cinderella" (Cinderella), "Anna Karenina" (Anna Karenina);
μπαλέτα του William Forsythe: Στη μέση, κάπως υπερυψωμένοΚαι Βηματικό κείμενο;
“Park” – χορογραφία Angelin Preljocaj;
«Diana Vishneva: Beauty in Motion» («Pierrot Lunaire» του Alexei Ratmansky, «For the Love of a Woman» του Dwight Rhoden, «Turns of Love» του Moses Pendleton);
«Diana Vishneva: Dialogues» («Labyrinth» της Martha Graham, «Dialogue» του John Neumeier, «Object of Change» των Paul Lightfoot και Sol Leon).
Tereshkina Victoria Valerievna
Επίτιμος Καλλιτέχνης της Ρωσίας (2008)
Βραβευμένος με τον IX Διεθνή Διαγωνισμό Μπαλέτου «Arabesque-2006» (Perm, 2006). Νικητής του βραβείου του περιοδικού «Μπαλέτο» – «Soul of Dance» στην κατηγορία « Ανερχόμενο αστέρι"(2006)
Νικητής του υψηλότερου θεατρικού βραβείου της Αγίας Πετρούπολης «Golden Sofit» στην κατηγορία «Καλύτερη ηθοποιός σε παράσταση μπαλέτου» για τον ρόλο της Βασίλισσας της Θάλασσας στο μπαλέτο «Ondine» (2006)
Νικητής του υψηλότερου θεατρικού βραβείου της Αγίας Πετρούπολης «Golden Sofit» στην κατηγορία «Καλύτερος γυναικείος ρόλος σε παράσταση μπαλέτου» σε παράσταση μπαλέτου Σονάτα κατά προσέγγιση– χορογραφία William Forsyth. (2005)
Νικητής του Διεθνούς Βραβείου Μπαλέτου «DANCE OPEN» στην κατηγορία «Miss Virtuosity» (2010 και 2011)
Γεννήθηκε στο Κρασνογιάρσκ.
Το 2001 αποφοίτησε από την Ακαδημία Ρωσικού Μπαλέτου. A. Ya. Vaganova (τάξη της Marina Vasilyeva).
Από το 2001 με τον θίασο του θεάτρου Mariinsky.
Στο ρεπερτόριο:
“Giselle” (Giselle, Myrta, Zulma);
"Corsair" (Medora);
«La Bayadère» (Νίκια, Gamzatti);
«Ωραία Κοιμωμένη» (Aurora, Fairy of Gold, Fairy of Diamonds).
«Η Λίμνη των Κύκνων» (Οντέτ-Οντίλ χορογραφία των Marius Petipa και Lev Ivanov, αναθεωρημένη από τον Konstantin Sergeev).
"Raymonda" (Χορογραφία από τον Marius Petipa, αναθεωρημένη από τον Konstantin Sergeev).
«Δον Κιχώτης» (Κίτρι) – χορογραφία Alexander Gorsky.
«Scheherazade» (Zobeide) – χορογραφία Mikhail Fokin.
«Σπάρτακος» (Φρυγία) – χορογραφία Leonid Yakobson.
«Ρωμαίος και Ιουλιέτα» (Ιουλιέτα) – χορογραφία του Λεονίντ Λαβρόφσκι.
"The Legend of Love" (Mekhmene Banu) - χορογραφία του Yuri Grigorovich.
Grand pas classique– χορογραφία του Viktor Gzovsky.
μπαλέτα του George Balanchine: «Απόλλων» (Πολύμνια, Τερψιχόρη, Καλλιόπη), «Σερενάτα», «Συμφωνία σε ντο μείζονα» (Κίνηση I), «Όνειρο καλοκαιρινής νύχτας» (Τιτάνια), «Θέμα και παραλλαγές», «Οι τέσσερις Ταμπεραμέντο», Τσαϊκόφσκι Pas de deux, “Jwels” (“Rubies”, “Diamonds”), “Piano Concerto No. 2” ( Ballet Imperial), Tarantella;
«In the Night» – χορογραφία του Jerome Robbins.
«Young Man and Death» (Θάνατος) – χορογραφία Roland Petit;
«Manon» (Χορογραφία του Kenneth MacMillan).
“Etudes” (σολίστ) – χορογραφία Harald Lander.
«Ondine» (Χορογραφία της Βασίλισσας του Πιερ Λακότ).
μπαλέτα του Alexei Ratmansky: "Anna Karenina" (Anna Karenina), "Cinderella" (Khudyshka, γυναικείος χορός), "The Little Humpbacked Horse" (The Tsar Maiden);
«Απαλά, με φωτιά» ( Dolce, con fuoco) – χορογραφία Svetlana Anufrieva;
«The Nutcracker» (Masha, the Nutcracker’s sisters) – παραγωγή Mikhail Shemyakin, χορογραφία Kirill Simonov.
μπαλέτα του William Forsythe: Σονάτα κατά προσέγγιση, στη μέση, κάπως υπερυψωμένη;
"Ring" - χορογραφία Alexey Miroshnichenko.
“Aria Interrupted” (σολίστ) – χορογραφία Peter Quantz.
"Bolero Factory" (Ψυχή) - χορογραφία του Yuri Smekalov.
“Park” (σολίστ) – χορογραφία Angelin Preljocaj.
Ο πρώτος ερμηνευτής των ρόλων της Βασίλισσας της Θάλασσας (Ondine, σε χορογραφία Pierre Lacotte, 2006), του Tsar Maiden (The Little Humpbacked Horse, σε χορογραφία Alexei Ratmansky, 2009) και της Φρυγίας (Spartacus, σε χορογραφία Yakob20, 2009, 2009). ).
Πλειάδες ανερχόμενα αστέριαΡωσικό μπαλέτο
Χριστίνα Σαπράν
Άννα Τιχομίροβα
Σεργκέι Πολούνιν
Άρτεμ Οβτσαρένκο
Kristina Andreeva και Oleg Ivenko
Στις 17 Μαρτίου, ο μεγάλος Ρώσος χορευτής Ρούντολφ Νουρέγιεφ θα γινόταν 78 ετών. Ο κλασικός Roland Petit αποκάλεσε τον Nuriev επικίνδυνο, ο Τύπος τον αποκάλεσε ξέφρενο Τατάρ και οι αστέρες της ροκ και τα μέλη της βασιλικής οικογένειας του ομολόγησαν τον έρωτά τους.
ΒΑΚΛΑΒ ΝΙΤΖΙΝΣΚΙ
Η Σάρα Μπέρνχαρντ πίστευε στον Νιζίνσκι μεγαλύτερος ηθοποιόςο κόσμος, ο Τύπος - όχι λιγότερο από το όγδοο θαύμα του κόσμου. Με καταγωγή από το Κίεβο, χορευτής στο θέατρο Mariinsky, ο Nijinsky έκανε το ντεμπούτο του στο Παρίσι, όπου κατέπληξε κοινό και κριτικούς με την εκπληκτική τεχνική, την πλαστικότητα και το γούστο του. Και το πιο εκπληκτικό είναι ότι η καριέρα του ως χορευτής κράτησε μόλις δέκα χρόνια. Το 1917 εμφανίστηκε για τελευταία φορά στη σκηνή και μέχρι το θάνατό του το 1950 πάλευε με τη σχιζοφρένεια, μετακινούμενος ανάμεσα σε ψυχιατρικές κλινικές. Η επιρροή του Nijinsky στο παγκόσμιο μπαλέτο είναι δύσκολο να υπερεκτιμηθεί και τα ημερολόγιά του εξακολουθούν να αποκρυπτογραφούνται και να ερμηνεύονται διαφορετικά από τους ειδικούς.
RUDOLF NURIEV Ένα από τα κύρια αστέρια του ρωσικού μπαλέτου στον κόσμο, ο Nureyev ήταν ένας πραγματικός ποπ σταρ, λαμπερός και σκανδαλώδης. Ένας δύσκολος, φιλονίκης χαρακτήρας, η αλαζονεία, η θυελλώδης προσωπική ζωή και η τάση για συγκλονιστικό δεν κρύβουν το κύριο πράγμα - το απίστευτο ταλέντο του Nuriev, ο οποίος κατάφερε να συνδυάσει τις παραδόσεις του μπαλέτου και τις τρέχουσες, όπως λένε τώρα, τάσεις. Ένας ντόπιος της Ούφα, ο πολυαναμενόμενος γιος, που δεν ανταποκρίθηκε στις ελπίδες του στρατιωτικού πατέρα του, ο οποίος αποκαλούσε περιφρονητικά τον Ρούντολφ «μπαλαρίνα», έκανε το πιο διάσημο άλμα του όχι στη σκηνή, αλλά στη ζώνη ελέγχου του αεροδρομίου του Παρισιού . Το 1961, ο Σοβιετικός χορευτής Νουρέγιεφ απογειώθηκε ξαφνικά με 30 φράγκα στην τσέπη, ζητώντας πολιτικό άσυλο. Έτσι ξεκίνησε η άνοδος του Nuriev στο παγκόσμιο μπαλέτο Όλυμπος. Δόξα, χρήματα, πολυτέλεια, πάρτι στο Studio 54, χρυσός, μπροκάρ, φήμες για σχέσεις με τον Freddie Mercury, τον Yves Saint Laurent, τον Elton John - και καλύτερους ρόλουςστο Βασιλικό Μπαλέτο του Λονδίνου, διευθυντής της ομάδας μπαλέτου της Μεγάλης Όπερας του Παρισιού. Ένας εντελώς άρρωστος Νουρίεφ πέρασε τις τελευταίες εκατό μέρες της ζωής του στο αγαπημένο του Παρίσι. Εκεί είναι θαμμένος.
ΜΙΧΑΗΛ ΜΠΑΡΙΣΝΙΚΟΦ Ένας άλλος διάσημος εκπρόσωπος του μπαλέτου, που μπορεί να ονομαστεί με ασφάλεια ποπ σταρ, ο Μιχαήλ Μπαρίσνικοφ είναι από πολλές απόψεις παρόμοιος με τον Νουρέγιεφ: παιδική ηλικία σε μια σοβιετική επαρχία (αν θεωρήσουμε τη Ρίγα ως επαρχία - ακόμα όχι τη Μόσχα ή το Λένινγκραντ), πλήρης παρεξήγηση σχετικά με το μέρος του πατέρα του και πραγματική καλλιτεχνική άνοδος εκτός ΕΣΣΔ. Παραμένοντας στη Δύση το 1974, ο Baryshnikov κέρδισε γρήγορα μια βάση στην κορυφή: πρώτα ήταν επικεφαλής του θρυλικού New York City Ballet και στη συνέχεια για εννέα χρόνια, από το 1980 έως το 1989, σκηνοθέτησε το όχι λιγότερο διάσημο American Ballet Theatre. Επίσης, ενεργά και αρκετά επιτυχημένα, αν και άνισα, έπαιξε σε ταινίες, έγινε κοινωνικός και συναντήθηκε με τις καλλονές του Χόλιγουντ Τζέσικα Λανγκ και Λίζα Μινέλι. Και για το νέο κοινό, μακριά από το μπαλέτο (και, παρεμπιπτόντως, από τον Joseph Brodsky, με τον οποίο ο Baryshnikov είχε πραγματική φιλία), αυτό απίστευτο άτομοέγινε διάσημος χάρη σε έναν μικρό αλλά αξιοσημείωτο ρόλο στην τηλεοπτική σειρά «Sex in μεγάλη πόλη" Η Sarah Jessica Parker είναι η μεγαλύτερη θαυμάστριά του. αποκάλεσε τον Μιχαήλ Μπαρίσνικοφ ένα σκληρό αγόρι - " κουλ τύπος" Ποιος θα διαφωνούσε.
ΒΛΑΔΙΜΙΡ ΒΑΣΙΛΙΕΦ Ο Βλαντιμίρ Βασίλιεφ είναι σύμβολο του θεάτρου Μπολσόι και όλου του ρωσικού μπαλέτου του δεύτερου μισού του 20ού αιώνα. Λόγω του γεγονότος ότι ο Βασίλιεφ έζησε στη Σοβιετική Ένωση, η δημοτικότητά του στη Δύση είναι πολύ κατώτερη από τη δόξα του ίδιου Μπαρίσνικοφ, αν και οι γνώστες της τέχνης, φυσικά, τον γνωρίζουν και τον εκτιμούν. Ο Βασίλιεφ εργάστηκε κυρίως στην Ευρώπη, αλλάζοντας σταδιακά το επάγγελμά του σε χορογράφο. Καζάν και Παρίσι, Ρώμη και Περμ, Βίλνιους και Ρίο - η γεωγραφία των δημιουργικών κινημάτων του Βασίλιεφ επιβεβαιώνει και επιβεβαιώνει τον κοσμοπολιτισμό του.
ALEXANDER GODUNOV Ο ξανθός γίγαντας, σταρ των Μπολσόι, Γκοντούνοφ, τον Αύγουστο του 1979, ενώ βρισκόταν σε περιοδεία στις Ηνωμένες Πολιτείες, αποφάσισε να μην επιστρέψει στο σπίτι. Ένα τρομερό δράμα εκτυλίχθηκε, στο οποίο δεν συμμετείχαν μόνο ο ίδιος ο καλλιτέχνης και η σύζυγός του, η μπαλαρίνα Lyudmila Vlasova, αλλά και ο Joseph Brodsky, το FBI, ακόμη και οι ηγέτες των Ηνωμένων Πολιτειών και Σοβιετική Ένωση. Παραμένοντας στις Ηνωμένες Πολιτείες, ο Γκοντούνοφ έγινε μέρος του διάσημου Αμερικανού θέατρο μπαλέτου, ο οποίος τελικά έφυγε μετά από καυγά με τον δικό του ο καλύτερος φίλοςΜιχαήλ Μπαρίσνικοφ. Στη συνέχεια, υπήρξε δουλειά στο πλαίσιο του δικού του έργου "Godunov and Friends", επιτυχία, μια σχέση με την ηθοποιό Jacqueline Bisset και μια απότομη αποχώρηση από το επάγγελμα. Ο Μπισέ έπεισε τον Αλέξανδρο να ξεκινήσει μια κινηματογραφική καριέρα και εν μέρει τα κατάφερε: Το "Witness" με τον Χάρισον Φορντ και ειδικά το "Die Hard" έκανε τον χθεσινό χορευτή μπαλέτου σταρ του Χόλιγουντ. Ωστόσο, στον ίδιο τον Γκοντούνοφ δεν άρεσε να είναι στο περιθώριο, αν και όσοι δεν είχαν καν ενδιαφερθεί για το μπαλέτο είχαν μάθει τώρα για «αυτό το Ρώσο».
Η λέξη «μπαλέτο» ακούγεται μαγική. Κλείνοντας τα μάτια, φαντάζεσαι αμέσως φώτα που καίνε, ανατριχιαστική μουσική, το θρόισμα του tutus και το ελαφρύ κλικ των πουέντ παπουτσιών στο παρκέ. Αυτό το θέαμα είναι αμίμητα όμορφο, μπορεί να ονομαστεί με ασφάλεια ένα μεγάλο επίτευγμα του ανθρώπου στην αναζήτηση της ομορφιάς.
Το κοινό παγώνει κοιτάζοντας τη σκηνή. Οι ντίβες του μπαλέτου εκπλήσσουν με την ελαφρότητα και την ευελιξία τους, προφανώς εκτελώντας πολύπλοκα βήματα με ευκολία.
Η ιστορία αυτής της μορφής τέχνης είναι αρκετά βαθιά. Οι προϋποθέσεις για την εμφάνιση του μπαλέτου εμφανίστηκαν τον 16ο αιώνα. Και ήδη από τον 19ο αιώνα, οι άνθρωποι είδαν πραγματικά αριστουργήματα αυτής της τέχνης. Αλλά τι θα ήταν το μπαλέτο χωρίς διάσημες μπαλαρίνεςποιος τον έκανε διάσημο; Η ιστορία μας θα αφορά αυτούς τους πιο διάσημους χορευτές.
Marie Ramberg (1888-1982). Μελλοντικό αστέριγεννήθηκε στην Πολωνία, σε εβραϊκή οικογένεια. Το πραγματικό της όνομα είναι Sivia Rambam, αλλά αργότερα άλλαξε για πολιτικούς λόγους. Η κοπέλα ερωτεύτηκε τον χορό από μικρή, δίνοντας τον εαυτό της στο πάθος της. Η Marie παίρνει μαθήματα από χορευτές από την παριζιάνικη όπερα και σύντομα ο ίδιος ο Diaghilev παρατηρεί το ταλέντο της. Το 1912-1913, το κορίτσι χόρεψε με το Ρωσικό Μπαλέτο, συμμετέχοντας στις κύριες παραγωγές. Από το 1914, η Marie μετακόμισε στην Αγγλία, όπου συνέχισε να σπουδάζει χορό. Το 1918, η Μαρί παντρεύτηκε. Η ίδια έγραψε ότι ήταν περισσότερο για πλάκα. Ωστόσο, ο γάμος αποδείχθηκε ευτυχισμένος και κράτησε 41 χρόνια. Η Ramberg ήταν μόλις 22 ετών όταν άνοιξε τη δική της σχολή μπαλέτου στο Λονδίνο, την πρώτη στην πόλη. Η επιτυχία ήταν τόσο εκπληκτική που η Μαρία οργάνωσε πρώτα τη δική της εταιρεία (1926) και μετά την πρώτη μόνιμη θίασος μπαλέτουστη Μεγάλη Βρετανία (1930). Οι ερμηνείες της γίνονται πραγματική αίσθηση, επειδή η Ramberg προσελκύει τους πιο ταλαντούχους συνθέτες, καλλιτέχνες και χορευτές στο έργο της. Η μπαλαρίνα συμμετείχε ενεργά στη δημιουργία του εθνικού μπαλέτου στην Αγγλία. Και το όνομα Marie Ramberg μπήκε για πάντα στην ιστορία της τέχνης.
Άννα Πάβλοβα (1881-1931).Η Άννα γεννήθηκε στην Αγία Πετρούπολη, ο πατέρας της ήταν εργολάβος σιδηροδρόμων και η μητέρα της εργαζόταν ως απλή πλύστρα. Ωστόσο, το κορίτσι μπόρεσε να μπει στη σχολή θεάτρου. Μετά την αποφοίτησή της, μπήκε στο Θέατρο Μαριίνσκι το 1899. Εκεί έλαβε ρόλους σε κλασικές παραγωγές - "La Bayadère", "Giselle", "The Nutcracker". Η Πάβλοβα είχε εξαιρετικές φυσικές ικανότητες και βελτίωνε συνεχώς τις δεξιότητές της. Το 1906, ήταν ήδη η κορυφαία μπαλαρίνα του θεάτρου, αλλά η πραγματική φήμη ήρθε στην Άννα το 1907, όταν λάμπει στη μινιατούρα "The Dying Swan". Η Πάβλοβα επρόκειτο να εμφανιστεί σε μια φιλανθρωπική συναυλία, αλλά ο σύντροφός της αρρώστησε. Κυριολεκτικά εν μία νυκτί, ο χορογράφος Mikhail Fokin ανέβασε μια νέα μινιατούρα για την μπαλαρίνα στη μουσική του San-Saens. Από το 1910, η Πάβλοβα άρχισε να περιοδεύει. Η μπαλαρίνα αποκτά παγκόσμια φήμη μετά τη συμμετοχή της στις ρωσικές σεζόν στο Παρίσι. Το 1913 έπαιξε για τελευταία φορά στο θέατρο Μαριίνσκι. Η Πάβλοβα μαζεύει τον δικό της θίασο και μετακομίζει στο Λονδίνο. Μαζί με τις κατηγορίες της, η Άννα κάνει τον γύρο του κόσμου κλασικά μπαλέταΓκλαζούνοφ και Τσαϊκόφσκι. Η χορεύτρια έγινε θρύλος όσο ζούσε, αφού πέθανε σε περιοδεία στη Χάγη.
Matilda Kshesinskaya (1872-1971).Παρά το πολωνικό της όνομα, η μπαλαρίνα γεννήθηκε κοντά στην Αγία Πετρούπολη και πάντα θεωρούνταν Ρωσίδα χορεύτρια. Σχετικά με εμάς παιδική ηλικίαδήλωσε την επιθυμία της να χορέψει, κανείς στην οικογένειά της δεν σκέφτηκε καν να την σταματήσει από αυτή την επιθυμία. Η Ματίλντα αποφοίτησε άψογα από τη Σχολή Αυτοκρατορικού Θεάτρου, εντάχθηκε στο θίασο μπαλέτου του θεάτρου Μαριίνσκι. Εκεί έγινε διάσημη για τις λαμπρές ερμηνείες της στα μέρη του "The Nutcracker", "Mlada" και άλλες παραστάσεις. Η Kshesinskaya διακρίθηκε για την υπογραφή της ρωσικής πλαστικής τέχνης, στην οποία είχαν σφηνωθεί νότες της ιταλικής σχολής. Ήταν η Matilda που έγινε η αγαπημένη του χορογράφου Fokine, που τη χρησιμοποίησε στα έργα του "Butterflies", "Eros", "Eunice". Ο ρόλος της Esmeralda στο ομώνυμο μπαλέτο το 1899 πυροδότησε Νέο αστέριστη σκηνή. Από το 1904, η Kshesinskaya περιοδεύει στην Ευρώπη. ονομάζεται η πρώτη μπαλαρίνα της Ρωσίας και τιμάται ως «Γενεραλίσσιμος του ρωσικού μπαλέτου». Λένε ότι η Kshesinskaya ήταν η αγαπημένη του ίδιου του αυτοκράτορα Νικολάου Β'. Οι ιστορικοί υποστηρίζουν ότι εκτός από ταλέντο, η μπαλαρίνα είχε σιδερένιο χαρακτήρα και ισχυρή θέση. Είναι αυτή που πιστώνεται με την απόλυση του διευθυντή των Αυτοκρατορικών Θεάτρων, Πρίγκιπα Βολκόνσκι. Η επανάσταση είχε σκληρό αντίκτυπο στην μπαλαρίνα το 1920 έφυγε από την εξουθενωμένη χώρα. Η Kshesinskaya μετακόμισε στη Βενετία, αλλά συνέχισε να κάνει αυτό που αγαπούσε. Στα 64 της, έπαιζε ακόμα στο Covent Garden του Λονδίνου. Και η θρυλική μπαλαρίνα κηδεύτηκε στο Παρίσι.
Agrippina Vaganova (1879-1951).Ο πατέρας της Αγριππίνας ήταν μαέστρος θεάτρου στο θέατρο Μαριίνσκι. Ωστόσο, μπόρεσε να γράψει μόνο τη μικρότερη από τις τρεις κόρες του στη σχολή μπαλέτου. Σύντομα ο Yakov Vaganov πέθανε, η οικογένεια είχε μόνο ελπίδα για έναν μελλοντικό χορευτή. Στο σχολείο, η Αγριππίνα έδειξε τον εαυτό της άτακτος, λαμβάνοντας συνεχώς κακούς βαθμούς για τη συμπεριφορά της. Μετά την ολοκλήρωση των σπουδών της, η Vaganova ξεκίνησε την καριέρα της ως μπαλαρίνα. Της έδωσαν πολλούς τριτοκλασάτους ρόλους στο θέατρο, αλλά δεν την ικανοποίησαν. Η μπαλαρίνα δεν είχε σόλο μέρη και η εμφάνισή της δεν ήταν ιδιαίτερα ελκυστική. Οι κριτικοί έγραψαν ότι απλά δεν την είδαν σε ρόλους εύθραυστων καλλονών. Ούτε το μακιγιάζ βοήθησε. Η ίδια η μπαλαρίνα υπέφερε πολύ από αυτό. Αλλά με σκληρή δουλειά, η Vaganova πέτυχε δεύτερους ρόλους και οι εφημερίδες άρχισαν να γράφουν περιστασιακά για αυτήν. Η Αγριππίνα έκανε τότε μια απότομη στροφή στην τύχη της. Παντρεύτηκε και γέννησε. Επιστρέφοντας στο μπαλέτο, φάνηκε να σηκώνεται στα μάτια των ανωτέρων της. Αν και η Vaganova συνέχισε να παίζει δεύτερους ρόλους, πέτυχε μαεστρία σε αυτές τις παραλλαγές. Η μπαλαρίνα κατάφερε να ξαναβρεί εικόνες που έμοιαζαν να έχουν διαγραφεί από γενιές προηγούμενων χορευτών. Μόνο το 1911 η Vaganova έλαβε το πρώτο της σόλο μέρος. Σε ηλικία 36 ετών, η μπαλαρίνα εστάλη στη σύνταξη. Δεν έγινε ποτέ διάσημη, αλλά πέτυχε πολλά με τα δεδομένα της. Το 1921, άνοιξε μια σχολή χορογραφίας στο Λένινγκραντ, όπου η Vaganova προσκλήθηκε ως μια από τις δασκάλες. Το επάγγελμα της χορογράφου έγινε το βασικό της μέχρι το τέλος της ζωής της. Το 1934, η Vaganova δημοσίευσε το βιβλίο «Βασικές αρχές κλασικός χορός"Η μπαλαρίνα αφιέρωσε το δεύτερο μισό της ζωής της στη χορογραφική σχολή. Σήμερα είναι η Ακαδημία Χορού, που ονομάστηκε προς τιμήν της. Η Agrippina Vaganova δεν έγινε μεγάλη μπαλαρίνα, αλλά το όνομά της θα μείνει για πάντα στην ιστορία αυτής της τέχνης .
Yvette Chauvire (γεννήθηκε το 1917).Αυτή η μπαλαρίνα είναι μια πραγματικά εκλεπτυσμένη Παριζιάνα. Σε ηλικία 10 ετών άρχισε να σπουδάζει σοβαρά χορό στη Grand Opera. Το ταλέντο και η ερμηνεία της Yvette σημειώθηκαν από τους σκηνοθέτες. Το 1941, έγινε ήδη η πρώτη της Opera Garnier. Οι πρώτες της εμφανίσεις της έφεραν πραγματικά παγκόσμια φήμη. Μετά από αυτό, ο Chauvire άρχισε να λαμβάνει προσκλήσεις για να παίξει σε διάφορα θέατρα, συμπεριλαμβανομένης της ιταλικής Σκάλας. Η μπαλαρίνα έγινε διάσημη για τον ρόλο της ως Σκιά στην αλληγορία του Ανρί Σογκέ, ερμήνευσε πολλούς ρόλους σε χορογραφία του Σερζ Λιφάρ. Από τις κλασικές ερμηνείες ξεχωρίζει ο ρόλος στη «Ζιζέλ», που θεωρείται ο βασικός για τον Σοβίρ. Η Υβέτ επέδειξε αληθινό δράμα στη σκηνή, χωρίς να χάσει όλη της την κοριτσίστικη τρυφερότητα. Η μπαλαρίνα έζησε κυριολεκτικά τη ζωή του καθενός από τους χαρακτήρες της, εκφράζοντας όλα τα συναισθήματα στη σκηνή. Ταυτόχρονα, η Shovireh ήταν πολύ προσεκτική σε κάθε μικρή λεπτομέρεια, κάνοντας πρόβες και ξανακάνοντας πρόβες. Στη δεκαετία του 1960, η μπαλαρίνα ήταν επικεφαλής του σχολείου όπου σπούδαζε κάποτε. Και η τελευταία εμφάνιση της Yvette στη σκηνή έγινε το 1972. Παράλληλα, καθιερώθηκε ένα βραβείο που φέρει το όνομά της. Η μπαλαρίνα πήγε επανειλημμένα σε περιοδεία στην ΕΣΣΔ, όπου αγαπήθηκε από το κοινό. ο σύντροφός της ήταν επανειλημμένα ο ίδιος ο Ρούντολφ Νουρέγιεφ μετά την φυγή του από τη χώρα μας. Οι υπηρεσίες της μπαλαρίνας στη χώρα βραβεύτηκαν με το παράσημο της Λεγεώνας της Τιμής.
Galina Ulanova (1910-1998).Στην Αγία Πετρούπολη γεννήθηκε και αυτή η μπαλαρίνα. Σε ηλικία 9 ετών έγινε μαθήτρια στη χορογραφική σχολή, την οποία αποφοίτησε το 1928. Αμέσως μετά την παράσταση αποφοίτησης, η Ulanova εντάχθηκε στο θίασο του Θεάτρου Όπερας και Μπαλέτου στο Λένινγκραντ. Οι πρώτες παραστάσεις της νεαρής μπαλαρίνας τράβηξαν την προσοχή των γνώστες αυτής της τέχνης. Ήδη σε ηλικία 19 ετών, η Ulanova χόρεψε τον πρωταγωνιστικό ρόλο στη Λίμνη των Κύκνων. Μέχρι το 1944, η μπαλαρίνα χόρευε στο θέατρο Κίροφ. Εδώ έγινε διάσημη για τους ρόλους της στα «Ζιζέλ», «Ο Καρυοθραύστης», «Το Σιντριβάνι του Μπαχτσισαράι». Όμως ο ρόλος της στο Romeo and Juliet έγινε ο πιο διάσημος. Από το 1944 έως το 1960, η Ουλάνοβα ήταν η κορυφαία μπαλαρίνα του θεάτρου Μπολσόι. Πιστεύεται ότι η κορύφωση της δημιουργικότητάς της ήταν η σκηνή της τρέλας στη Ζιζέλ. Η Ουλάνοβα επισκέφτηκε το Λονδίνο το 1956 σε μια περιοδεία στα Μπολσόι. Είπαν ότι τέτοια επιτυχία δεν είχε συμβεί από την εποχή της Άννας Πάβλοβα. Η σκηνική δραστηριότητα της Ulanova τελείωσε επίσημα το 1962. Αλλά για το υπόλοιπο της ζωής της, η Γκαλίνα εργάστηκε ως χορογράφος στο Θέατρο Μπολσόι. Έλαβε πολλά βραβεία για το έργο της - έγινε ο Λαϊκός Καλλιτέχνης της ΕΣΣΔ, έλαβε τα βραβεία Λένιν και Στάλιν, έγινε δύο φορές Ήρωας της Σοσιαλιστικής Εργασίας και βραβευμένος με πολλά βραβεία. Η μεγάλη μπαλαρίνα πέθανε στη Μόσχα και κηδεύτηκε στο νεκροταφείο Novodevichy. Το διαμέρισμά της έγινε μουσείο και ένα μνημείο ανεγέρθηκε στην πατρίδα της Ουλανόβα στην Αγία Πετρούπολη.
Alicia Alonso (γεννήθηκε το 1920).Αυτή η μπαλαρίνα γεννήθηκε στην Αβάνα της Κούβας. Άρχισε να μελετά την τέχνη του χορού σε ηλικία 10 ετών. Εκείνη την εποχή υπήρχε μόνο μία ιδιωτική σχολή μπαλέτου στο νησί, με επικεφαλής τον Ρώσο ειδικό Νικολάι Γιαβόρσκι. Στη συνέχεια η Alicia συνέχισε τις σπουδές της στις Η.Π.Α. Το ντεμπούτο στο μεγάλη σκηνήέκανε πρεμιέρα στο Μπρόντγουεϊ το 1938 μουσικές κωμωδίες. Στη συνέχεια ο Alonso εργάζεται στο Ballet Theatre στη Νέα Υόρκη. Εκεί γνωρίζει τη χορογραφία των κορυφαίων σκηνοθετών του κόσμου. Η Alicia και ο σύντροφός της Igor Yushkevich αποφάσισαν να αναπτύξουν το μπαλέτο στην Κούβα. Το 1947 χόρεψε εκεί στη Λίμνη των Κύκνων και τον Απόλλωνα Μουσαγέτε. Ωστόσο, εκείνη την εποχή στην Κούβα δεν υπήρχαν παραδόσεις μπαλέτου ή σκηνής. Και ο κόσμος δεν καταλάβαινε τέτοια τέχνη. Ως εκ τούτου, το έργο της δημιουργίας του Εθνικού Μπαλέτου στη χώρα ήταν πολύ δύσκολο. Το 1948 έγινε η πρώτη παράσταση «Μπαλέτο της Αλίσια Αλόνσο». Κυβερνήθηκε από ενθουσιώδεις που έστησαν τους δικούς τους αριθμούς. Δύο χρόνια αργότερα, η μπαλαρίνα άνοιξε τη δική της σχολή μπαλέτου. Μετά την επανάσταση του 1959, οι αρχές έστρεψαν την προσοχή τους στο μπαλέτο. Η παρέα της Alicia εξελίχθηκε στο πολυπόθητο Εθνικό Μπαλέτο της Κούβας. Η μπαλαρίνα έπαιξε πολύ σε θέατρα και ακόμη και πλατείες, πήγε σε περιοδεία και προβλήθηκε στην τηλεόραση. Ενα από τα πολλά φωτεινό τρόπο Alonso - ο ρόλος της Carmen στο ομώνυμο μπαλέτο το 1967. Η μπαλαρίνα ζήλεψε τόσο πολύ αυτόν τον ρόλο που απαγόρευσε ακόμη και να ανεβάσει αυτό το μπαλέτο με άλλους ερμηνευτές. Ο Αλόνσο έχει ταξιδέψει σε όλο τον κόσμο, λαμβάνοντας πολλά βραβεία. Και το 1999, έλαβε το μετάλλιο Πάμπλο Πικάσο από την UNESCO για την εξαιρετική της προσφορά στην τέχνη του χορού.
Μάγια Πλισέτσκαγια (γεννήθηκε το 1925).Είναι δύσκολο να αμφισβητηθεί το γεγονός ότι είναι η πιο διάσημη Ρωσίδα μπαλαρίνα. Και η καριέρα της αποδείχθηκε μεγάλη. Η Μάγια απορρόφησε την αγάπη της για το μπαλέτο ως παιδί, γιατί ήταν και ο θείος και η θεία της διάσημους χορευτές. Σε ηλικία 9 ετών, το ταλαντούχο κορίτσι μπήκε στη Χορογραφική Σχολή της Μόσχας και το 1943, ο νεαρός απόφοιτος μπήκε στο Θέατρο Μπολσόι. Εκεί η διάσημη Agrippina Vaganova έγινε δασκάλα της. Σε λίγα μόλις χρόνια, η Plisetskaya έγινε σολίστ από το σώμα του μπαλέτου. Ορόσημο για εκείνη ήταν η παραγωγή της «Σταχτοπούτας» και ο ρόλος της Φθινοπωρινής Νεράιδας το 1945. Ακολούθησαν οι κλασικές παραγωγές των «Ραϊμόντα», «Η Ωραία Κοιμωμένη», «Δον Κιχώτης», «Ζιζέλ», «Το μικρό αλογάκι με καμπούρα». Η Plisetskaya έλαμψε στο "The Fountain of Bakhchisaray", όπου μπόρεσε να επιδείξει το σπάνιο δώρο της - κυριολεκτικά κρεμασμένη σε ένα άλμα για μερικές στιγμές. Η μπαλαρίνα συμμετείχε σε τρεις παραγωγές του Σπάρτακου του Khachaturian, ερμηνεύοντας τους ρόλους της Αίγινας και της Φρυγίας. Το 1959, η Πλισέτσκαγια έγινε Λαϊκός Καλλιτέχνης της ΕΣΣΔ. Στη δεκαετία του '60, πιστεύεται ότι η Μάγια ήταν η πρώτη χορεύτρια του θεάτρου Μπολσόι. Η μπαλαρίνα είχε αρκετούς ρόλους, αλλά συσσωρεύτηκε δημιουργική δυσαρέσκεια. Η λύση ήταν το «Carmen Suite», ένα από τα κύρια ορόσημα στη βιογραφία του χορευτή. Το 1971, η Πλισέτσκαγια καθιερώθηκε επίσης ως δραματική ηθοποιός, παίζοντας στην Άννα Καρένινα. Βασισμένο σε αυτό το μυθιστόρημα γράφτηκε ένα μπαλέτο, το οποίο έκανε πρεμιέρα το 1972. Εδώ η Μάγια δοκιμάζει τον εαυτό της σε έναν νέο ρόλο - μια χορογράφο, που γίνεται το νέο της επάγγελμα. Από το 1983, η Πλισέτσκαγια εργάζεται στην Όπερα της Ρώμης και από το 1987 στην Ισπανία. Εκεί οδηγεί θιάσους και ανεβάζει τα μπαλέτα της. Η τελευταία παράσταση της Plisetskaya έγινε το 1990. Η μεγάλη μπαλαρίνα πλημμύρισε με πολλά βραβεία όχι μόνο στην πατρίδα της, αλλά και στην Ισπανία, τη Γαλλία και τη Λιθουανία. Το 1994 οργάνωσε ΔΙΕΘΝΗΣ ΔΙΑΓΩΝΙΣΜΟΣ, δίνοντάς του το όνομά του. Τώρα το "Maya" δίνει την ευκαιρία σε νεαρά ταλέντα να ξεπεράσουν.
Ulyana Lopatkina (γεν. 1973).Η παγκοσμίου φήμης μπαλαρίνα γεννήθηκε στο Κερτς. Ως παιδί, έκανε πολύ όχι μόνο χορό, αλλά και γυμναστική. Σε ηλικία 10 ετών, με τη συμβουλή της μητέρας της, η Ουλιάνα μπήκε στην Ακαδημία Ρωσικού Μπαλέτου Vaganova στο Λένινγκραντ. Εκεί η Natalia Dudinskaya έγινε η δασκάλα της. Σε ηλικία 17 ετών, η Lopatkina κέρδισε το Πανρωσικός ανταγωνισμόςπήρε το όνομά του από τη Vaganova. Το 1991, η μπαλαρίνα αποφοίτησε από την ακαδημία και έγινε δεκτή στο θέατρο Mariinsky. Η Ulyana πέτυχε γρήγορα σόλο μέρη για τον εαυτό της. Χόρεψε στον Δον Κιχώτη, στην Ωραία Κοιμωμένη, στο Σιντριβάνι Μπαχτσισαράι και στη Λίμνη των Κύκνων. Το ταλέντο ήταν τόσο εμφανές που το 1995 η Λοπατκίνη έγινε η πρώτη του θεάτρου της. Κάθε μία από αυτήν νέο ρόλοευχαριστεί τόσο τους θεατές όσο και τους κριτικούς. Ταυτόχρονα, η ίδια η μπαλαρίνα ενδιαφέρεται όχι μόνο για τους κλασικούς ρόλους, αλλά και για το σύγχρονο ρεπερτόριο. Έτσι, ένας από τους αγαπημένους ρόλους της Ulyana είναι το μέρος του Banu στο "The Legend of Love" σε σκηνοθεσία Yuri Grigorovich. Η μπαλαρίνα λειτουργεί καλύτερα στους ρόλους μυστηριωδών ηρωίδων. Το ιδιαίτερο χαρακτηριστικό του είναι οι εκλεπτυσμένες κινήσεις του, το εγγενές δράμα και το άλμα εις ύψος. Το κοινό πιστεύει τη χορεύτρια, γιατί είναι απολύτως ειλικρινής στη σκηνή. Η Lopatkina είναι νικήτρια πολλών εγχώριων και διεθνών βραβείων. Είναι Λαϊκή Καλλιτέχνις της Ρωσίας.
Anastasia Volochkova (γεν. 1976).Η μπαλαρίνα τη θυμάται μελλοντικό επάγγελματο αναγνώρισε ήδη σε ηλικία 5 ετών, για το οποίο είπε στη μητέρα της. Η Volochkova αποφοίτησε επίσης από την Ακαδημία Vaganova. Η Natalia Dudinskaya έγινε επίσης δασκάλα της. Ήδη στο τελευταίο έτος σπουδών της, η Volochkova έκανε το ντεμπούτο της στα θέατρα Mariinsky και Bolshoi. Από το 1994 έως το 1998, το ρεπερτόριο της μπαλαρίνας περιελάμβανε πρωταγωνιστικούς ρόλους στις «Ζιζέλ», «Firebird», «Ωραία Κοιμωμένη», «Ο Καρυοθραύστης», «Δον Κιχώτης», «La Bayadère» και άλλες παραστάσεις. Η Volochkova ταξίδεψε στα μισά του κόσμου με τον θίασο Mariinsky. Ταυτόχρονα, η μπαλαρίνα δεν φοβάται να παίξει σόλο, χτίζοντας μια καριέρα παράλληλη με το θέατρο. Το 1998, η μπαλαρίνα έλαβε μια πρόσκληση στο Θέατρο Μπολσόι. Εκεί ερμηνεύει έξοχα τον ρόλο της Πριγκίπισσας του Κύκνου νέα παραγωγή Vladimir Vasiliev "Λίμνη των Κύκνων". Στο κεντρικό θέατρο της χώρας, η Αναστασία λαμβάνει τους κύριους ρόλους στο "La Bayadère", "Don Quixote", "Raymonda", "Giselle". Ειδικά για αυτήν, ο χορογράφος Dean δημιουργεί έναν νέο ρόλο ως η νεράιδα Carabosse στην «Ωραία Κοιμωμένη». Ταυτόχρονα, η Volochkova δεν φοβάται να εκτελέσει σύγχρονο ρεπερτόριο. Αξίζει να σημειωθεί ο ρόλος της ως Τσάρο-Κόρης στο The Little Humpbacked Horse. Από το 1998, η Volochkova περιοδεύει ενεργά στον κόσμο. Λαμβάνει το βραβείο Golden Lion ως η πιο ταλαντούχα μπαλαρίνα στην Ευρώπη. Από το 2000, η Volochkova έφυγε από το Θέατρο Μπολσόι. Ξεκινά τις εμφανίσεις της στο Λονδίνο, όπου κατέκτησε τους Βρετανούς. Η Volochkova επέστρεψε στα Μπολσόι για λίγο. Παρά την επιτυχία και τη δημοτικότητα, η διοίκηση του θεάτρου αρνήθηκε να ανανεώσει το συμβόλαιο για το συνηθισμένο έτος. Από το 2005, η Volochkova παίζει στα δικά της χορευτικά έργα. Το όνομά της ακούγεται συνεχώς, είναι η ηρωίδα των κουτσομπολίστικων στηλών. Η ταλαντούχα μπαλαρίνα άρχισε πρόσφατα να τραγουδά και η δημοτικότητά της αυξήθηκε ακόμη περισσότερο μετά τη δημοσίευση γυμνών φωτογραφιών της Volochkova.
Οι μύθοι για μόνο γυναικεία μέρη στο χορό έχουν ξεχαστεί εδώ και καιρό. Σήμερα οι άνδρες καταλαμβάνουν δικαίως τους πρωταγωνιστικούς ρόλους, χωρίς αυτούς δεν μπορούμε να φανταστούμε το σύγχρονο μπαλέτο.
Οι 5 πιο διάσημοι χορευτές μπαλέτου
Βάσλαβ Φόμιτς Νιζίνσκι
Ο ιδρυτής του ανδρικού μπαλέτου του 20ου αιώνα. Γεννήθηκε σε οικογένεια χορευτών το 1890. Το 1907, μετά την αποφοίτησή του από το κολέγιο, άρχισε να παίζει με το θέατρο Mariinsky, παίζοντας σχεδόν αμέσως πρωταγωνιστικούς ρόλους. Ο Nijinsky είχε μια τεχνική που ήταν μοναδική εκείνη την εποχή, ιδιαίτερα δυσδιάκριτη στη ζωή, μεταμορφώθηκε εντελώς στον ήρωά του. Τα άλματα και οι πτήσεις του που έμοιαζαν με πουλιά ήταν αμίμητα. Οι καινοτομίες και τα πειράματα του Nijinsky δεν ήταν πάντα επιτυχημένα, φαινόταν ότι ήταν μπροστά από την εποχή του και το κοινό δεν τον καταλάβαινε. Το 1919 ήταν τελευταία παράστασηκαλλιτέχνης. Αργότερα, το μπαλέτο υιοθέτησε το εξπρεσιονιστικό του στυλ και τις εντελώς νέες πλαστικές κινήσεις του. Παρά τη σύντομη περίοδο δημιουργικότητας (10 χρόνια), ήταν και παραμένει είδωλο.
Βασίλιεφ Βλαντιμίρ Βικτόροβιτς
Γεννήθηκε το 1940 σε εργατική οικογένεια. Το 1947, για παρέα, πήγα σε ένα χορευτικό σύλλογο με έναν φίλο. Και 2 χρόνια αργότερα, το 1949, έγινε δεκτός στη χορογραφική σχολή, όπου κατέπληξε τους δασκάλους του με τη δεξιοτεχνία και τη δεξιοτεχνία του. Μετά το κολέγιο, το 1958 προσκλήθηκε να συμμετάσχει στο θίασο μπαλέτου του θεάτρου Μπολσόι, όπου σχεδόν αμέσως άρχισε να παίζει πρωταγωνιστικούς ρόλους. Το πιο μαγευτικό μέρος ήταν το μέρος του Σπαρτάκ, μετά το οποίο ο Βασίλιεφ πήρε το παρατσούκλι «ο θεός του χορού». Με τις κινήσεις του μετέφερε τις παραμικρές προφορές στη μουσική, συγχωνεύοντας μαζί της σε ένα ενιαίο σύνολο. Ο Βασίλιεφ βραβεύτηκε με πολλά βραβεία και έγινε βραβευμένος σε πολλούς διαγωνισμούς, κερδίζοντας πρώτα βραβεία και χρυσά μετάλλια.
Γκόρσκι Αλεξάντερ Αλεξέεβιτς
Το 1889 άρχισε να χορεύει στο σώμα του μπαλέτου και 11 χρόνια αργότερα έγινε ο πρώτος του θιάσου. Συγγραφέας του εγχειριδίου για το σύστημα χορευτικής κίνησης της Stepanova. Καθηγήτρια θεωρίας χορού σε σχολή μπαλέτου. Ο Γκόρσκι είναι μεταρρυθμιστής του μπαλέτου. Εισήγαγε τους νόμους του δράματος και την αίσθηση της αυθεντικότητας στο μπαλέτο. Η παραγωγή του Δον Κιχώτη ανεβαίνει ακόμα στις αίθουσες, αν και εκείνη την εποχή δεν προκάλεσε χαρά στους κριτικούς. Ως χορογράφος, ο Γκόρσκι συνέβαλε πολύ στην ανάπτυξη και τη βελτίωση. Πολλά διάσημα μπαλέτα, που σκηνοθέτησε ο Γκόρσκι σύμφωνα με την ερμηνεία του, άρχισε να ζει μια νέα ζωή.
Ερμολάεφ Αλεξέι Νικολάεβιτς
Ως 16χρονος απόφοιτος κολεγίου, ο Ερμολάεφ παίζει τον θεό του ανέμου - τον πρώτο του ρόλο στο μπαλέτο "Talisman". Ο χορογράφος του θεάτρου είδε αμέσως την αχαλίνωτη ενέργεια και δύναμη του τύπου και δημιούργησε εικόνες που ταιριάζουν στον χαρακτήρα του. Λάτρης του μπαλέτου, τακτοποίησε όλα τα μέρη για να του ταιριάζουν, κάνοντας πρόβες τη νύχτα υπό το φως των κεριών. Ο Ερμολέι άλλαξε τη συνηθισμένη του εικόνα ανδρικός ρόλοςστο μπαλέτο, οι δεξιοτεχνικές κινήσεις του -τριπλοί γύροι στον αέρα, διπλές εξεγέρσεις- δεν επαναλαμβάνονται ακόμα από τους χορευτές.
Φόκιν Μιχαήλ Μιχαήλοβιτς
Ιταλός, γεννημένος σε οικογένεια χορευτών μπαλέτου το 1850. Σπούδασε στη Florentine Dance Academy G. Lepri. Από το 1870 εμφανίστηκε στη σκηνή της Σκάλας. Master στις εκφράσεις του προσώπου και στο pas de deux. Συγγραφέας της μεθοδολογίας ανάπτυξης τεχνική χορούμπαλέτο
Ανταποκριτής στο Θέατρο Όπερας και Μπαλέτου Μπολσόι της Λευκορωσίας Naviny . με Έμαθα από πρώτο χέρι τι φορούν οι χορευτές μπαλέτου κάτω από το καλσόν και γιατί πιστεύεται ότι πολλοί από αυτούς είναι γκέι.Διαβάστε για την εγκυμοσύνη των μπαλαρινών και μια μέρα άδεια την εβδομάδα στα 10 δεδομένα μας.
Για να καταλάβουμε ποιες φήμες για το μπαλέτο της Λευκορωσίας είναι αληθινές και ποιες είναι καθαρή μυθοπλασία, ας αφήσουμε τον ανταποκριτή Naviny. μεβοήθησε καλλιτέχνης του θεάτρου Γκενάντι Κουλίνκοβιτςμε βοηθούς μπαλαρίνας.
1. Είναι οι χορευτές μπαλέτου εύθραυστοι και χνουδωτές;
Ακρόαση: Κατά τη διάρκεια μιας παράστασης, ένας χορευτής μπαλέτου σηκώνει και μεταφέρει περίπου 2 τόνους βάρους.
Είναι αλήθεια: Φυσική άσκησηπολύ μεγάλο. Στη σκηνή - εξαρτάται φυσικά από την παραγωγή - ένας χορευτής μπαλέτου, ένας άντρας σηκώνει τη μπαλαρίνα πολλές φορές. Στις σύγχρονες παραγωγές το μόνο που κάνεις είναι να σηκώνεις και να στήνεις, να σηκώνεις και να σετάρεις, να σηκώνεις, να κυκλώνεις, να σετάρεις. Εάν μετρήσετε τον αριθμό των ανελκυστήρων, τότε ναι, δύο τόνοι είναι πραγματικός αριθμός.
Επιπλέον, οι χορευτές μπαλέτου κάνουν πολλές πρόβες και προπονούνται. Είναι και αυτό ένα βάρος. Έχουμε πρόβες κάθε μέρα, εκτός από το ρεπό που είναι μια φορά την εβδομάδα. Συν παραστάσεις.
2. Οι χορευτές μπαλέτου αρρωσταίνουν πιο συχνά
Ακρόαση: Λόγω μεγάλου φόρτου εργασίας και συνεχών δίαιτων, οι χορευτές μπαλέτου αρρωσταίνουν πιο συχνά από άλλους.
Είναι αλήθεια:Οι αίθουσες προβών μπαλέτου του θεάτρου Μπολσόι της Λευκορωσίας είναι εξοπλισμένες με βακτηριοκτόνες λάμπες, όπως σε νοσοκομείο. Το χειμώνα που αρχίζει η γρίπη και εμφανίζονται άλλες ιώσεις, τότε μεμονωμένος υπάλληλοςανάβει αυτές τις λάμπες για μισή ώρα για να απολυμάνει το δωμάτιο. Αυτό είναι πολύ σημαντικό για να μην εξαπλωθούν οι ασθένειες: όλοι εργαζόμαστε σε στενή επαφή, προπονούμαστε και κάνουμε πρόβες για πολλές ώρες. Αν κάποιος έφερε μια ασθένεια, τότε αυτή εξουδετερώνεται.
3. Επαγγελματικές ασθένειες στο μπαλέτο
Ακρόαση: Τα πόδια είναι η πιο επώδυνη θέση στο σώμα ενός χορευτή.
Είναι αλήθεια:Αυτό είναι εν μέρει αλήθεια. Οι επαγγελματικές ασθένειες των χορευτών είναι παθήσεις των αρθρώσεων. Οι χορευτές μπαλέτου έχουν προεξέχοντα οστά στα μεγάλα δάχτυλα των ποδιών τους, οι αρθρώσεις τους φλεγμονώνονται και φυσικά πονάνε. Οι γυναίκες έχουν επίσης αυτή την ασθένεια, αλλά προκαλείται από άβολα, στενά παπούτσια που παραμορφώνουν το πόδι. Για τους μπαλέτους, υπάρχει συνεχές άγχος στα δάχτυλα των ποδιών και στο μπροστινό μέρος του ποδιού: πολλές κινήσεις στο μπαλέτο εκτελούνται στα δάχτυλα των ποδιών.
Η δεύτερη κοινή κατηγορία προβλημάτων υγείας είναι η πρόπτωση εσωτερικών οργάνων από συνεχή άλμα. Όλα είναι ατομικά, αλλά συχνά τα νεφρά, η καρδιά και άλλα εσωτερικά όργανα, που στη συνέχεια ασκούν πίεση στην ουροδόχο κύστη.
4. Νέοι συνταξιούχοι
Ακρόαση: Κάποιοι πιστεύουν ότι οι μπαλαρίνες αποσύρονται πολύ νωρίς.
Είναι αλήθεια.Σύμφωνα με το νόμο, οι χορευτές μπαλέτου συνταξιοδοτούνται μετά από 23 χρόνια εργασιακής εμπειρίας. Ο χρόνος άδειας μητρότητας δεν υπολογίζεται στον χρόνο υπηρεσίας. Ως αποτέλεσμα, οι χορευτές μπαλέτου γίνονται νέοι συνταξιούχοι. Ωστόσο, πολλοί από αυτούς στην πραγματικότητα δεν συνταξιοδοτούνται: ανάλογα με την κατάσταση της υγείας τους, οι συνταξιούχοι χορευτές εργάζονται ως δάσκαλοι, δάσκαλοι, υπεύθυνοι σκηνής, σκηνοθέτες, ενδυματολόγοι κ.λπ.
Στον συνομιλητή Naviny. μεΟ Γκενάντι Κουλίνκοβιτς έχει απομείνει δύο χρόνια μέχρι τη σύνταξη. Στο μέλλον, η χορεύτρια σχεδιάζει να ασχοληθεί και με τη διδασκαλία.
5. Μη φυσιολογική λειτουργία
Ακρόαση: Οι καλλιτέχνες του θεάτρου μπαλέτου έχουν δύο μέρες άδεια την εβδομάδα, όπως και οι απλοί πολίτες
Είναι αλήθεια.Οι χορευτές μπαλέτου εργάζονται 6 ημέρες την εβδομάδα. Υπάρχει μόνο μία μέρα άδεια - Δευτέρα. Κατά τη διάρκεια του καλοκαιριού, λόγω του γεγονότος ότι οι θεατές μεταναστεύουν σε ντάκες και στη θάλασσα, η ημέρα της άδειας στο Θέατρο Μπολσόι μεταφέρεται για Σάββατο. Το γυναικείο μέρος του θιάσου είναι χαρούμενο για αυτό: επιτέλους υπάρχει η ευκαιρία να περάσουν χρόνο με την οικογένειά τους. Οι άντρες γκρινιάζουν: όταν η Δευτέρα είναι ρεπό, μπορείς τουλάχιστον να ξεκουραστείς και να μην κάνεις δουλειές του σπιτιού.
Η εργάσιμη ημέρα των δασκάλων μπαλέτου είναι επίσης αφύσικη στην κατανόηση ενός απλού ανθρώπου: από τις 10:00 έως τις 15:00, μετά ένα τρίωρο διάλειμμα, μετά το διάλειμμα, η εργασία συνεχίζεται στις 18:00 σε σχέση με βραδινές παραστάσεις. Η επίσημη εργάσιμη ημέρα για τους εργάτες του μπαλέτου λήγει στις 21:00.
Ένα μεγάλο διάλειμμα είναι απαραίτητο ώστε μετά πρωινές προπονήσειςκαι τις πρόβες, το σώμα είχε χρόνο να ξεκουραστεί και να αναρρώσει πριν από τη βραδινή δουλειά.
Αυτό είναι βολικό για τους νεαρούς χορευτές: μπορούν να μελετήσουν κατά τη διάρκεια του διαλείμματος. Ο Gennady Kullinkovich, για παράδειγμα, έλαβε μια ανώτερη χορογραφική εκπαίδευση με αυτόν τον τρόπο. Τώρα όμως βλέπει λίγα πλεονεκτήματα σε αυτό το πρόγραμμα.
«Με ένα τέτοιο πρόγραμμα είναι πολύ δύσκολο να κανονίσεις μια προσωπική ζωή. Κοιτάξτε με: 38 χρονών, χωρίς οικογένεια, χωρίς παιδιά. Όλη μου η ζωή είναι στο θέατρο».- λέει ο Γκενάντι.
6. Είναι ασυμβίβαστα το μπαλέτο και τα παιδιά;
Ακρόαση: Λόγω απαιτήσεων εμφάνισης, οι μπαλαρίνες πρέπει να εγκαταλείψουν τη μητρότητα.
Είναι αλήθεια: Το να έχουν οικογένεια και παιδιά στο απόγειο της καριέρας τους είναι πραγματικά πιο δύσκολο για τους χορευτές μπαλέτου παρά για τους εκπροσώπους άλλων επαγγελμάτων: τόσο το πρόγραμμα εργασίας όσο και το γεγονός ότι η αποκατάσταση της φόρμας μετά τον τοκετό απαιτεί χρόνο και προσπάθεια. Τα κορίτσια λοιπόν χρησιμοποιούν δύο στρατηγικές: είτε να δημιουργήσουν οικογένεια και παιδιά αμέσως μετά το κολέγιο/πανεπιστήμιο, είτε να το αναβάλουν μέχρι να συνταξιοδοτηθούν.
Παρά τις δυσμενείς συνθήκες, στο Θέατρο Μπολσόι της Λευκορωσίας υπάρχουν μπαλαρίνες που έχουν δύο, και μερικές μάλιστα έχουν τρία παιδιά.
«Εμείς, όπως οι γιατροί και οι δάσκαλοι, συνδυάζουμε δουλειά και εγκυμοσύνη. Σχεδιάζουμε, πηγαίνουμε άδεια μητρότητας, αναρρώνουμε και συνεχίζουμε να εργαζόμαστε. Αυτό είναι θέμα για κάθε καλλιτέχνη ξεχωριστά, αλλά κατά τη διάρκεια της εγκυμοσύνης, όσο πιο γρήγορα αφήσετε τον χορό, τόσο το καλύτερο για εσάς και το αγέννητο παιδί σας. Αυτό συνδέεται με κινδύνους: εδώ πρέπει να λυγίσεις, να πηδήξεις, να πέσεις και να πληγωθείς».- είπε δικτυακός τόποςμπαλαρίνες των Μπολσόι.
«Είμαστε οι καλύτερες μητέρες, σύζυγοι και ξέρουμε επίσης πώς να χορεύουμε και να πατάμε στις μύτες των ποδιών στην κουζίνα».- αστειεύονται οι μπαλαρίνες απαντώντας σε μια ερώτηση σχετικά με τις ιδιαιτερότητες της οικογενειακής ζωής.
7. Αν χορεύει στο μπαλέτο, αυτό σημαίνει ότι είναι γκέι.
Ακρόαση: Υπάρχουν πολλοί γκέι ανάμεσα στους χορευτές μπαλέτου.
Είναι αλήθεια: Αυτό είναι ένα κοινό στερεότυπο, λέει ο χορευτής μπαλέτου Gennady Kullinkovich. Δεν αντιδρούμε πλέον σε αυτό. Αυτό λένε για όλους τους άντρες που χορεύουν. Γεννιέται από μια παρεξήγηση εκ μέρους του θεατή: πώς μπορούν οι άντρες να μένουν αδιάφοροι και ήρεμοι περιτριγυρισμένοι από τόση ομορφιά και γυμνό. Οι θεατές βρίσκονται συχνά στα παρασκήνια, και οι άντρες σοκάρονται: εδώ όλοι αλλάζουν ρούχα, τα οικεία μέρη του σώματός τους είναι μακριά... Αλλά το έχουμε ήδη συνηθίσει και αντιδρούμε σαν να είναι κάτι φυσιολογικό. Έτσι ο θεατής πιστεύει ότι οι άνδρες του μπαλέτου είναι ομοφυλόφιλοι.
8. Τι φοράει ένας χορευτής κάτω από το καλσόν του;
Ακρόαση: Οι χορευτές δεν φορούν εσώρουχα.
Φωτογραφία pixabay.com
Είναι αλήθεια: Γίνεται περισσότερος λόγος για τα εσώρουχα των ανδρών καλλιτεχνών παρά για τα εσώρουχα των μπαλαρινών: ο θεατής κάτω από ένα ασπρόμαυρο καλσόν, προς έκπληξή του, δεν βλέπει τα αναμενόμενα περιγράμματα του εσώρουχου.
Ο Gennady Kulinkovich είπε ότι οι χορευτές έχουν τα δικά τους μυστικά. Οι κατασκευαστές ενδυμάτων χορού ανταποκρίνονται στις προσδοκίες των καλλιτεχνών και παράγουν απρόσκοπτα μοντέλα ειδικών εσωρούχων που είναι αόρατα κάτω από το κοστούμι - επιδέσμους. Ένα κατάστημα που βρίσκεται κοντά στο Μπολσόι πουλάει ειδικά ρούχα για χορευτές.
9. Κρέας σε παπούτσια πουέντ
Ακρόαση: Οι μπαλαρίνες βάζουν κρέας στα πουέντ παπούτσια τους για να μειώσουν τον τραυματισμό στα πόδια τους.
Είναι αλήθεια: Δεν περιλαμβάνεται κρέας. Υπάρχουν περισσότερα σύγχρονες μεθόδουςπροστασία ποδιών. Οι εταιρείες μπαλέτου παράγουν ειδικά μισά παπούτσια που καλύπτουν μόνο τα δάχτυλα των ποδιών. Είναι σιλικόνης. Μερικοί άνθρωποι δεν προσθέτουν τίποτα - είναι ήδη βολικό για αυτούς. Τα ένθετα σιλικόνης για παπούτσια πουέντ δεν παράγονται στη Λευκορωσία, κατασκευάζονται στις ΗΠΑ, την Κίνα και τη Ρωσία.
Φωτογραφία pixabay.com
Κατά τη διάρκεια ενός έτους, μια μπαλαρίνα φοράει 5-10 ζευγάρια παπούτσια πουέντ, ανάλογα με το φορτίο. Μερικοί καλλιτέχνες έχουν τη δική τους διάρκεια - τρισδιάστατα αντίγραφα ποδιών που κατασκευάζονται από δασκάλους, από τα οποία κατασκευάζονται παπούτσια πουέντ κατά παραγγελία.
10. Ο χορός πληρώνει καλά.
Ακρόαση: Οι καλλιτέχνες κερδίζουν πολλά.
Είναι αλήθεια: Όλα είναι σχετικά. Τα κέρδη των χορευτών μπαλέτου εξαρτώνται από τη θέση τους στον θίασο: κορυφαίος σκηνοθέτης, σολίστ ή χορευτής μπαλέτου. Ο αριθμός των σκηνών που δουλεύτηκαν σε παραγωγές επηρεάζει επίσης. Για κάθε παράσταση απονέμονται βαθμοί, οι οποίοι τηρούνται από ειδικό θεατρικό υπάλληλο. Ο αριθμός των πόντων για κάθε χορό είναι διαφορετικός, τυπικός για όλους τους καλλιτέχνες, εξαρτάται από την πολυπλοκότητα και τη διάρκεια της παράστασης. Το ποσό των πόντων που λαμβάνετε επηρεάζει το μπόνους. Έτσι, ο μισθός ενός χορευτή μπαλέτου είναι περίπου 120 ρούβλια και το μπόνους που απονέμεται για παραστάσεις μπορεί να το υπερβεί αρκετές φορές.
Φωτογραφία του Sergei Balay