Βιοενέργεια Η Χρυσή Εποχή της Ολλανδικής ζωγραφικής είναι μια από τις πιο σημαντικές εποχές στην ιστορία όλης της παγκόσμιας ζωγραφικής. Θεωρείται η Χρυσή Εποχή της Ολλανδικής ζωγραφικής 17ος αιώνας

. Ήταν εκείνη την εποχή που οι πιο ταλαντούχοι καλλιτέχνες και ζωγράφοι δημιούργησαν τα αθάνατα έργα τους. Οι πίνακές τους θεωρούνται ακόμη αξεπέραστα αριστουργήματα, που φυλάσσονται σε διάσημα μουσεία σε όλο τον κόσμο και θεωρούνται ανεκτίμητη κληρονομιά της ανθρωπότητας. Αρχικά 17ος αιώνας Στην Ολλανδία, μια μάλλον πρωτόγονη τέχνη εξακολουθούσε να ανθίζει, η οποία δικαιολογούνταν από τα εγκόσμια γούστα και τις προτιμήσεις πλουσίων και ισχυρών ανθρώπων. Ως αποτέλεσμα πολιτικών, γεωπολιτικών και θρησκευτικών αλλαγών, η ολλανδική τέχνη άλλαξε δραματικά. Αν πριν από αυτό οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να παρενοχλήσουν τους Ολλανδούς μπέργκερ, απεικονίζοντας τη ζωή και τον τρόπο ζωής τους, χωρίς κανένα υψηλό καιποιητική γλώσσα

, και εργάστηκε επίσης για την εκκλησία, η οποία ανέθεσε σε καλλιτέχνες να εργαστούν σε ένα μάλλον πρωτόγονο είδος με μακροχρόνια φθαρμένα θέματα, οι αρχές του 17ου αιώνα ήταν μια πραγματική ανακάλυψη. Στην Ολλανδία βασίλευε η κυριαρχία των Προτεσταντών, οι οποίοι ουσιαστικά σταμάτησαν να παραγγέλνουν πίνακες με θρησκευτικά θέματα από καλλιτέχνες. Η Ολλανδία ανεξαρτητοποιήθηκε από την Ισπανία και επιβλήθηκε στο ιστορικό βάθρο. Οι καλλιτέχνες μετακινήθηκαν από παλαιότερα γνωστά θέματα στην απεικόνιση καθημερινών σκηνών, πορτρέτων, τοπίων, νεκρών φύσεων και ούτω καθεξής. Εδώ, σε ένα νέο πεδίο, οι καλλιτέχνες της χρυσής εποχής έμοιαζαν να έχουν ανοίξει μια νέα πνοή και πραγματικές ιδιοφυΐες τέχνης άρχισαν να εμφανίζονται στον κόσμο. Ολλανδοί καλλιτέχνες του 17ου αιώνα εισήγαγαν τον ρεαλισμό στη ζωγραφική στη μόδα. Εκπληκτικοί σε σύνθεση, σε ρεαλισμό, σε βάθος και ασυνήθιστη, οι πίνακες άρχισαν να απολαμβάνουν τεράστια επιτυχία. Η ζήτηση για πίνακες αυξήθηκε κατακόρυφα. Ως αποτέλεσμα, άρχισαν να εμφανίζονται όλο και περισσότεροι νέοι καλλιτέχνες, οι οποίοι με εκπληκτικά γρήγορους ρυθμούς ανέπτυξαν τις βασικές αρχές της ζωγραφικής, ανέπτυξαν νέες τεχνικές, στυλ και είδη. Ενα από τα πολλάδιάσημους καλλιτέχνες

Golden Age of Steel: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel the Elder, Esaias van de Velde, Frans Hals, Andrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck και πολλοί άλλοι.

Cornelis de Man - Whale Oil Manufactory

Cornelis Trost - Διασκέδαση στο πάρκο

Ludolf Backhuizen - Ανατολική Ινδία Campaign Dock στο Άμστερνταμ

Pieter Bruegel the Elder - The Alchemist's Catastrofe

Ρέμπραντ - Άντριες ντε Γκρέεφ

Ολλανδία. 17ος αιώνας Η χώρα γνωρίζει πρωτοφανή ευημερία. Η λεγόμενη «Χρυσή Εποχή». Στα τέλη του 16ου αιώνα, αρκετές επαρχίες της χώρας πέτυχαν την ανεξαρτησία τους από την Ισπανία.

Τώρα οι Προτεσταντικές Κάτω Χώρες έχουν ακολουθήσει τον δικό τους δρόμο. Και η καθολική Φλάνδρα (σημερινό Βέλγιο) υπό την πτέρυγα της Ισπανίας είναι δική της.

Στην ανεξάρτητη Ολλανδία, σχεδόν κανείς δεν χρειαζόταν θρησκευτική ζωγραφική. Η Προτεσταντική Εκκλησία δεν ενέκρινε την πολυτελή διακόσμηση. Αλλά αυτή η περίσταση «έπαιξε στα χέρια» της κοσμικής ζωγραφικής.

Κυριολεκτικά κάθε κάτοικος της νέας χώρας ξύπνησε για να αγαπήσει αυτό το είδος τέχνης. Οι Ολλανδοί ήθελαν να δουν στους πίνακες την ίδια τη ζωή. Και οι καλλιτέχνες πρόθυμα τους συνάντησαν στα μισά του δρόμου.

Ποτέ πριν δεν είχε απεικονιστεί τόσο πολύ η περιρρέουσα πραγματικότητα. Απλοί άνθρωποι, συνηθισμένα δωμάτια και το πιο συνηθισμένο πρωινό ενός κατοίκου της πόλης.

Ο ρεαλισμός άνθισε. Μέχρι τον 20ο αιώνα θα είναι άξιος ανταγωνιστής του ακαδημαϊσμού με τις νύμφες και Ελληνίδες θεές.

Αυτοί οι καλλιτέχνες ονομάζονται «μικροί» Ολλανδοί. Γιατί; Οι πίνακες ήταν μικροί σε μέγεθος, γιατί δημιουργήθηκαν για μικρά σπίτια. Έτσι, σχεδόν όλοι οι πίνακες του Jan Vermeer δεν ξεπερνούν το μισό μέτρο σε ύψος.

Αλλά η άλλη εκδοχή μου αρέσει περισσότερο. Στην Ολλανδία τον 17ο αιώνα έζησε και δούλεψε ένας μεγάλος δάσκαλος, ο «μεγάλος» Ολλανδός. Και όλοι οι άλλοι ήταν «μικροί» σε σύγκριση με αυτόν.

Μιλάμε φυσικά για τον Ρέμπραντ. Ας ξεκινήσουμε με αυτόν.

1. Ρέμπραντ (1606-1669)

Ρέμπραντ. Αυτοπροσωπογραφία σε ηλικία 63 ετών. 1669 Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνο

Ο Ρέμπραντ βίωσε ένα ευρύ φάσμα συναισθημάτων κατά τη διάρκεια της ζωής του. Επομένως στο δικό του πρώιμα έργατόσο πολύ διασκεδαστικό και μπράβο. Και υπάρχουν τόσα σύνθετα συναισθήματα - στα μεταγενέστερα.

Εδώ είναι νέος και ανέμελος στον πίνακα «Ο Άσωτος Υιός στην Ταβέρνα». Στα γόνατα είναι η αγαπημένη του σύζυγος Saskia. Είναι ένας δημοφιλής καλλιτέχνης. Οι παραγγελίες πέφτουν βροχή.

Ρέμπραντ. Ο Άσωτος Υιός σε Ταβέρνα. 1635 Old Masters Gallery, Δρέσδη

Όλα αυτά όμως θα εξαφανιστούν σε περίπου 10 χρόνια. Η Saskia θα πεθάνει από την κατανάλωση. Η δημοτικότητα θα εξαφανιστεί σαν καπνός. Ένα μεγάλο σπίτι με μοναδική συλλογή θα αφαιρεθεί για χρέη.

Θα εμφανιστεί όμως ο ίδιος Ρέμπραντ που θα μείνει για αιώνες. Τα γυμνά συναισθήματα των ηρώων. Οι βαθύτερες σκέψεις τους.

2. Φρανς Χαλς (1583-1666)

Φρανς Χαλς. Αυτοπροσωπογραφία. 1650 Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη

Ο Φρανς Χαλς είναι ένας από τους μεγαλύτερους ζωγράφους πορτρέτων όλων των εποχών. Ως εκ τούτου, θα τον κατατάξω επίσης ως «μεγάλο» Ολλανδό.

Στην Ολλανδία εκείνη την εποχή ήταν συνηθισμένο να παραγγέλνουμε ομαδικά πορτρέτα. Έτσι εμφανίστηκαν πολλά παρόμοια έργα που απεικονίζουν ανθρώπους να συνεργάζονται: σκοπευτές μιας συντεχνίας, γιατροί μιας πόλης, διευθυντές οίκου ευγηρίας.

Σε αυτό το είδος, ο Χαλς ξεχωρίζει περισσότερο. Εξάλλου, τα περισσότερα από αυτά τα πορτρέτα έμοιαζαν με τράπουλα. Οι άνθρωποι κάθονται στο τραπέζι με την ίδια έκφραση του προσώπου και απλώς παρακολουθούν. Ήταν διαφορετικά για τον Χαλς.

Δείτε το ομαδικό του πορτρέτο «Arrows of the Guild of St. Γεώργιος."

Φρανς Χαλς. Βέλη της Συντεχνίας του Αγ. Γεώργιος. 1627 Μουσείο Frans Hals, Χάρλεμ, Ολλανδία

Εδώ δεν θα βρείτε ούτε μία επανάληψη σε πόζα ή έκφραση προσώπου. Ταυτόχρονα, εδώ δεν υπάρχει χάος. Υπάρχουν πολλοί χαρακτήρες, αλλά κανείς δεν φαίνεται περιττός. Χάρη στην εκπληκτικά σωστή διάταξη των μορφών.

Και ακόμη και σε ένα μόνο πορτρέτο, ο Χαλς ήταν ανώτερος από πολλούς καλλιτέχνες. Τα μοτίβα του είναι φυσικά. Άνθρωποι από την υψηλή κοινωνία στους πίνακές του στερούνται επινοημένης μεγαλοπρέπειας και τα μοντέλα από τα κατώτερα στρώματα δεν φαίνονται ταπεινωμένα.

Και οι χαρακτήρες του είναι επίσης πολύ συναισθηματικοί: χαμογελούν, γελούν και χειρονομούν. Όπως, για παράδειγμα, αυτός ο «Τσιγγάνος» με το πονηρό βλέμμα.

Φρανς Χαλς. Αθίγγανος. 1625-1630

Ο Χαλς, όπως και ο Ρέμπραντ, τελείωσε τη ζωή του στη φτώχεια. Για τον ίδιο λόγο. Ο ρεαλισμός του ήταν αντίθετος με τα γούστα των πελατών του. Που ήθελαν να στολιστεί η εμφάνισή τους. Ο Χαλς δεν δέχτηκε την καθαρή κολακεία και έτσι υπέγραψε τη δική του πρόταση - "Λήθη".

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Αυτοπροσωπογραφία. 1668 Βασιλική Πινακοθήκη Mauritshuis, Χάγη, Ολλανδία

Ο Terborch ήταν κύριος του καθημερινού είδους. Πλούσιοι και όχι και τόσο πλούσιοι μπιφτέκι μιλούν χαλαρά, κυρίες διαβάζουν γράμματα και ένας προξενητής παρακολουθεί την ερωτοτροπία. Δύο ή τρεις φιγούρες σε κοντινή απόσταση.

Ήταν αυτός ο δάσκαλος που ανέπτυξε τους κανόνες του καθημερινού είδους. Το οποίο αργότερα θα δανείστηκαν οι Jan Vermeer, Pieter de Hooch και πολλοί άλλοι «μικροί» Ολλανδοί.

Gerard Terborch. Ένα ποτήρι λεμονάδα. δεκαετία του 1660. Κρατικό Μουσείο Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Το «Ένα ποτήρι λεμονάδα» είναι ένα από τα διάσημα έργα του Τέρμπορχ. Δείχνει ένα άλλο πλεονέκτημα του καλλιτέχνη. Απίστευτος ρεαλιστική εικόναυφάσματα φορεμάτων.

Ο Terborch έχει επίσης ασυνήθιστα έργα. Κάτι που λέει πολλά για την επιθυμία του να υπερβεί τις απαιτήσεις των πελατών.

Το «The Grinder» του δείχνει τη ζωή των φτωχότερων ανθρώπων στην Ολλανδία. Έχουμε συνηθίσει να βλέπουμε άνετες αυλές και καθαρά δωμάτια στους πίνακες των «μικρών» Ολλανδών. Αλλά ο Terborch τόλμησε να δείξει την αντιαισθητική Holland.

Gerard Terborch. Τραπεζίτης. 1653-1655 Κρατικά Μουσεία του Βερολίνου

Όπως καταλαβαίνετε, μια τέτοια δουλειά δεν ήταν σε ζήτηση. Και είναι ένα σπάνιο φαινόμενο ακόμη και μεταξύ του Terborch.

4. Γιαν Βερμέερ (1632-1675)

Γιαν Βερμέερ. Εργαστήρι καλλιτέχνη. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Βιέννη

Δεν είναι γνωστό με βεβαιότητα πώς έμοιαζε ο Jan Vermeer. Είναι προφανές μόνο ότι στον πίνακα "The Artist's Workshop" απεικόνισε τον εαυτό του. Η αλήθεια από πίσω.

Είναι λοιπόν έκπληξη το γεγονός ότι πρόσφατα έγινε γνωστό ένα νέο γεγονός από τη ζωή του πλοιάρχου. Συνδέεται με το αριστούργημα του «Delft Street».

Γιαν Βερμέερ. Οδός Ντελφτ. 1657 Rijksmuseum στο Άμστερνταμ

Αποδείχθηκε ότι ο Βερμέερ πέρασε τα παιδικά του χρόνια σε αυτόν τον δρόμο. Το σπίτι που απεικονίζεται ανήκε στη θεία του. Εκεί μεγάλωσε τα πέντε παιδιά της. Ίσως κάθεται στο κατώφλι και ράβει ενώ τα δύο παιδιά της παίζουν στο πεζοδρόμιο. Ο ίδιος ο Βερμέερ έμενε στο απέναντι σπίτι.

Πιο συχνά όμως απεικόνιζε το εσωτερικό αυτών των σπιτιών και τους κατοίκους τους. Φαίνεται ότι οι πλοκές των πινάκων είναι πολύ απλές. Εδώ είναι μια όμορφη κυρία, μια πλούσια κάτοικος της πόλης, που ελέγχει τη λειτουργία της ζυγαριάς της.

Γιαν Βερμέερ. Γυναίκα με ζυγαριά. 1662-1663 Εθνική Πινακοθήκη Τέχνης, Ουάσιγκτον

Γιατί ο Βερμέερ ξεχώρισε ανάμεσα σε χιλιάδες άλλους «μικρούς» Ολλανδούς;

Ήταν ένας αξεπέραστος δάσκαλος του φωτός. Στον πίνακα «Γυναίκα με ζυγαριά» το φως τυλίγει απαλά το πρόσωπο, τα υφάσματα και τους τοίχους της ηρωίδας. Δίνοντας στην εικόνα μια άγνωστη πνευματικότητα.

Και οι συνθέσεις των πινάκων του Βερμέερ επαληθεύονται προσεκτικά. Δεν θα βρείτε ούτε μια περιττή λεπτομέρεια. Αρκεί να αφαιρέσετε ένα από αυτά, η εικόνα θα "καταρρεύσει" και η μαγεία θα φύγει.

Όλα αυτά δεν ήταν εύκολα για τον Βερμέερ. Τέτοια εκπληκτική ποιότητα απαιτούσε επίπονη δουλειά. Μόνο 2-3 πίνακες το χρόνο. Ως αποτέλεσμα, η αδυναμία σίτισης της οικογένειας. Ο Βερμέερ εργάστηκε επίσης ως έμπορος έργων τέχνης, πουλώντας έργα άλλων καλλιτεχνών.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pieter de Hooch. Αυτοπροσωπογραφία. 1648-1649 Rijksmuseum, Άμστερνταμ

Ο Χοχ συχνά συγκρίνεται με τον Βερμέερ. Δούλευαν ταυτόχρονα, υπήρξε μάλιστα περίοδος στην ίδια πόλη. Και σε ένα είδος - καθημερινό. Στο Hoch βλέπουμε επίσης μία ή δύο φιγούρες σε φιλόξενες ολλανδικές αυλές ή δωμάτια.

Οι ανοιχτές πόρτες και τα παράθυρα κάνουν τον χώρο των πινάκων του πολυεπίπεδο και διασκεδαστικό. Και οι φιγούρες ταιριάζουν σε αυτόν τον χώρο πολύ αρμονικά. Όπως, για παράδειγμα, στον πίνακα του «Υπηρέτρια με ένα κορίτσι στην αυλή».

Pieter de Hooch. Μια υπηρέτρια με ένα κορίτσι στην αυλή. 1658 Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου

Μέχρι τον 20ο αιώνα, ο Χοχ εκτιμήθηκε ιδιαίτερα. Λίγοι όμως παρατήρησαν τα μικρά έργα του ανταγωνιστή του Βερμέερ.

Αλλά στον 20ο αιώνα όλα άλλαξαν. Η δόξα του Χοχ έσβησε. Ωστόσο, είναι δύσκολο να μην αναγνωρίσουμε τα επιτεύγματά του στη ζωγραφική. Λίγοι άνθρωποι θα μπορούσαν να συνδυάσουν τόσο καλά το περιβάλλον και τους ανθρώπους.

Pieter de Hooch. Παίκτες καρτών σε ένα ηλιόλουστο δωμάτιο. 1658 Βασιλική Συλλογή Τέχνης, Λονδίνο

Λάβετε υπόψη ότι σε ένα λιτό σπίτι στον καμβά "Card Players" υπάρχει ένας πίνακας που κρέμεται σε ένα ακριβό πλαίσιο.

Αυτό είναι μέσα Αλλη μια φοράμιλά για το πώς η ζωγραφική ήταν δημοφιλής στους απλούς Ολλανδούς. Πίνακες ζωγραφικής διακοσμούσαν κάθε σπίτι: το σπίτι ενός πλούσιου κτηνοτρόφου, ενός σεμνού κατοίκου της πόλης, ακόμη και ενός αγρότη.

6. Jan Steen (1626-1679)

Γιαν Στεν. Αυτοπροσωπογραφία με λαούτο. δεκαετία του 1670 Μουσείο Thyssen-Bornemisza, Μαδρίτη

Ο Jan Steen είναι ίσως ο πιο χαρούμενος «μικρός» Ολλανδός. Αλλά αγαπώντας την ηθική διδασκαλία. Συχνά απεικόνιζε ταβέρνες ή φτωχικά σπίτια στα οποία υπήρχε η κακία.

Οι κύριοι χαρακτήρες του είναι γλεντζέδες και κυρίες της εύκολης αρετής. Ήθελε να διασκεδάσει τον θεατή, αλλά τον προειδοποιούσε λανθασμένα για μια φαύλο ζωή.

Γιαν Στεν. Είναι ένα χάος. 1663 Kunsthistorisches Museum, Βιέννη

Ο Sten έχει και πιο αθόρυβα έργα. Όπως, για παράδειγμα, η «Πρωινή τουαλέτα». Αλλά και εδώ ο καλλιτέχνης εκπλήσσει τον θεατή με πολύ αποκαλυπτικές λεπτομέρειες. Υπάρχουν ίχνη από ελαστικό κάλτσας, και όχι ένα άδειο δοχείο θαλάμου. Και κατά κάποιο τρόπο δεν είναι καθόλου κατάλληλο για τον σκύλο να είναι ξαπλωμένος ακριβώς στο μαξιλάρι.

Γιαν Στεν. Πρωινή τουαλέτα. 1661-1665 Rijksmuseum, Άμστερνταμ

Αλλά παρ' όλη την επιπολαιότητα, έγχρωμες λύσειςΤο Wall είναι πολύ επαγγελματικό. Σε αυτό ήταν ανώτερος από πολλούς «μικρούς Ολλανδούς». Δείτε πόσο τέλεια ταιριάζει η κόκκινη κάλτσα με το μπλε σακάκι και το έντονο μπεζ χαλί.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Πορτρέτο του Ruisdael. Λιθογραφία από βιβλίο του 19ου αιώνα.

Μπαρόκ "Burgher" στην ολλανδική ζωγραφικήXVII V. – απεικόνιση της καθημερινότητας (P. de Hooch, Vermeer). «Πολυτελείς» νεκρές φύσεις του Καλφ. Ομαδικό πορτρέτο και τα χαρακτηριστικά του από τους Hals και Rembrandt. Ερμηνεία μυθολογικών και βιβλικών σκηνών από τον Ρέμπραντ.

Ολλανδική τέχνη του 17ου αιώνα

Τον 17ο αιώνα Η Ολλανδία έχει γίνει πρότυπο καπιταλιστικής χώρας. Διεξήγαγε εκτεταμένο αποικιακό εμπόριο, διέθετε ισχυρό στόλο και η ναυπηγική ήταν μια από τις κορυφαίες βιομηχανίες. Ο προτεσταντισμός (ο καλβινισμός ως η πιο σκληρή του μορφή), που αντικατέστησε εντελώς την επιρροή της Καθολικής Εκκλησίας, οδήγησε στο γεγονός ότι ο κλήρος στην Ολλανδία δεν είχε την ίδια επιρροή στην τέχνη όπως στη Φλάνδρα, και ιδιαίτερα στην Ισπανία ή την Ιταλία. Στην Ολλανδία, η εκκλησία δεν έπαιζε το ρόλο του πελάτη έργων τέχνης: οι εκκλησίες δεν ήταν διακοσμημένες με εικόνες βωμού, γιατί ο Καλβινισμός απέρριπτε κάθε υπαινιγμό πολυτέλειας. Οι προτεσταντικές εκκλησίες ήταν απλές στην αρχιτεκτονική και δεν ήταν διακοσμημένες εσωτερικά με κανέναν τρόπο.

Το κύριο επίτευγμα της ολλανδικής τέχνης του 18ου αιώνα. - σε καβαλέτο ζωγραφική. Ο άνθρωπος και η φύση ήταν τα αντικείμενα παρατήρησης και απεικόνισης από Ολλανδούς καλλιτέχνες. Η οικιακή ζωγραφική γίνεται ένα από τα κορυφαία είδη, οι δημιουργοί των οποίων στην ιστορία έλαβαν το όνομα "Μικροί Ολλανδοί". Ζωγραφική στα Ευαγγέλια και βιβλικές ιστορίεςεκπροσωπείται επίσης, αλλά όχι στον ίδιο βαθμό όπως σε άλλες χώρες. Στην Ολλανδία δεν υπήρξαν ποτέ δεσμοί με την Ιταλία και η κλασική τέχνη δεν έπαιξε τέτοιο ρόλο όπως στη Φλάνδρα.

Η κυριαρχία των ρεαλιστικών τάσεων, η ανάπτυξη μιας συγκεκριμένης σειράς θεμάτων, η διαφοροποίηση των ειδών ως ενιαία διαδικασία ολοκληρώθηκαν μέχρι τη δεκαετία του 20 του 17ου αιώνα. Ιστορία της ολλανδικής ζωγραφικής του 17ου αιώνα. καταδεικνύει τέλεια την εξέλιξη του έργου ενός από τους μεγαλύτερους ζωγράφους πορτρέτων στην Ολλανδία, του Φρανς Χαλς (περίπου 1580-1666). Στη δεκαετία του 10-30, ο Hals δούλεψε πολύ στο είδος των ομαδικών πορτρέτων. Από τους καμβάδες αυτών των χρόνων, χαρούμενοι, ενεργητικοί, επιχειρηματικοί άνθρωποι κοιτούν έξω, με αυτοπεποίθηση για τις ικανότητές τους και για το μέλλον (“Riflemen’s Guild of St. Adrian”, 1627 και 1633.

«Συντεχνία Τυφεκίων του Αγ. Γεώργιος», 1627).

Οι ερευνητές αποκαλούν μερικές φορές τα ατομικά πορτρέτα του Hals πορτρέτα του είδους λόγω της ιδιαίτερης ιδιαιτερότητας της εικόνας. Το σχηματικό ύφος του Hulse, η τολμηρή γραφή του, όταν η πινελιά σμιλεύει τόσο σχήμα όσο και όγκο και μεταφέρει χρώμα.

Στα πορτρέτα του Χαλς της ύστερης περιόδου (δεκαετίες 50-60), η ανέμελη ανδρεία, η ενέργεια και η ένταση στους χαρακτήρες των εικονιζόμενων προσώπων εξαφανίζονται. Αλλά ήταν στην ύστερη περίοδο της δημιουργικότητας που ο Χαλς έφτασε στο απόγειο της μαεστρίας και δημιούργησε τα πιο βαθιά έργα. Ο χρωματισμός των πινάκων του γίνεται σχεδόν μονόχρωμος. Δύο χρόνια πριν από το θάνατό του, το 1664, ο Χαλς επέστρεψε ξανά στο ομαδικό πορτρέτο. Ζωγραφίζει δύο πορτρέτα των αντιβασιλέων και των αντιβασιλέων ενός γηροκομείου, στο ένα από τα οποία βρήκε καταφύγιο ο ίδιος στο τέλος της ζωής του. Στο πορτρέτο των αντιβασιλέων δεν υπάρχει πνεύμα συντροφικότητας προηγούμενων συνθέσεων, τα μοντέλα είναι διχασμένα, ανίσχυρα, έχουν βαρετά βλέμματα, η καταστροφή είναι γραμμένη στα πρόσωπά τους.

Η τέχνη του Χαλς είχε μεγάλη σημασία για την εποχή της και επηρέασε την ανάπτυξη όχι μόνο πορτρέτων, αλλά και καθημερινών ειδών, τοπίων και νεκρών φύσεων.

Το είδος τοπίου της Ολλανδίας του 17ου αιώνα είναι ιδιαίτερα ενδιαφέρον. Η Ολλανδία απεικονίζεται από τους Jan van Goyen (1596-1656) και Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670).

Ακμή ζωγραφική τοπίουστο ολλανδικό σχολείο χρονολογείται στα μέσα του 17ου αιώνα. Ο μεγαλύτερος δεξιοτέχνης του ρεαλιστικού τοπίου ήταν ο Jacob van Ruisdael (1628/29-1682), τα έργα του είναι συνήθως γεμάτα δράμα, είτε απεικονίζει δασικά άλματα («Δασικός βάλτος»).

τοπία με καταρράκτες («Καταρράκτης») ή ένα ρομαντικό τοπίο με νεκροταφείο («Εβραϊκό Νεκροταφείο»).

Η φύση του Ruisdael εμφανίζεται στη δυναμική, στην αιώνια ανανέωση.

Το ζωϊκό είδος είναι στενά συνδεδεμένο με το ολλανδικό τοπίο. Το αγαπημένο μοτίβο του Albert Cuyp είναι οι αγελάδες σε μια τρύπα («Ηλιοβασίλεμα στον ποταμό», «Αγελάδες στην όχθη ενός ρέματος»).

Η νεκρή φύση επιτυγχάνει λαμπρή ανάπτυξη. Η ολλανδική νεκρή φύση, σε αντίθεση με τη φλαμανδική, είναι ένας πίνακας οικείας φύσης, μέτριος σε μέγεθος και μοτίβα. Ο Pieter Claes (περ. 1597-1661), ο Billem Heda (1594-1680/82) απεικόνιζαν συχνότερα τα λεγόμενα πρωινά: πιάτα με ζαμπόν ή πίτα σε ένα σχετικά λιτά σερβιρισμένο τραπέζι. Τα «πρωινά» του Kheda αντικαθίστανται από τα πολυτελή «επιδόρπια» του Kalf. Τα απλά σκεύη αντικαθίστανται από μαρμάρινα τραπέζια, τραπεζομάντιλα χαλιών, ασημένια κύπελλα, αγγεία από όστρακα από φίλντισι και κρυστάλλινα ποτήρια. Το Kalf επιτυγχάνει εκπληκτική δεξιοτεχνία μεταφέροντας την υφή των ροδάκινων, των σταφυλιών και των κρυστάλλινων επιφανειών.

Στη δεκαετία του 20-30 του 17ου αι. Οι Ολλανδοί δημιούργησαν έναν ειδικό τύπο μικρού πίνακα ζωγραφικής. Η δεκαετία του 40-60 ήταν η περίοδος της ακμής της ζωγραφικής, δοξάζοντας την ήρεμη ζωή των burgher της Ολλανδίας, μετρημένη καθημερινή ύπαρξη.

Ο Adrian van Ostade (1610-1685) αρχικά απεικονίζει τις σκιώδεις πλευρές της ζωής της αγροτιάς («The Fight»).

Από τη δεκαετία του '40, οι σατιρικές νότες στο έργο του αντικαθίστανται όλο και περισσότερο από χιουμοριστικές («Σε μια ταβέρνα του χωριού», 1660).

Μερικές φορές αυτοί οι μικροί πίνακες είναι χρωματισμένοι με μια μεγάλη λυρική αίσθηση. Ο «Ζωγράφος στο στούντιο» (1663) του Ostade, στον οποίο ο καλλιτέχνης εξυμνεί τη δημιουργική δουλειά, θεωρείται δικαίως αριστούργημα της ζωγραφικής του Ostade.

Αλλά το κύριο θέμα των «μικρών Ολλανδών» δεν είναι ακόμα η ζωή των αγροτών, αλλά η ζωή των μπούρδων. Συνήθως πρόκειται για εικόνες χωρίς συναρπαστική πλοκή. Ο πιο διασκεδαστικός αφηγητής σε ταινίες αυτού του είδους ήταν ο Jan Stan (1626-1679) ("Revelers", "Game of Backgammon"). Ο Gerard Terborch (1617-1681) πέτυχε ακόμη μεγαλύτερη μαεστρία σε αυτό.

Το εσωτερικό των «μικρών Ολλανδών» γίνεται ιδιαίτερα ποιητικό. Ο πραγματικός τραγουδιστής αυτού του θέματος ήταν ο Pieter de Hooch (1629-1689). Τα δωμάτιά του με μισάνοιχτο παράθυρο, με παπούτσια πεταμένα κατά λάθος ή σκούπα που αφήνεται πίσω, συχνά απεικονίζονται χωρίς ανθρώπινη φιγούρα.

Ένα νέο στάδιο της ζωγραφικής του είδους ξεκινά τη δεκαετία του '50 και συνδέεται με τη λεγόμενη σχολή του Ντελφτ, με τα ονόματα καλλιτεχνών όπως οι Carel Fabricius, Emmanuel de Witte και Jan Wermeer, γνωστοί στην ιστορία της τέχνης ως Wermeer of Delft (1632-1675). ). Οι πίνακες του Vermeer δεν φαίνεται να είναι σε καμία περίπτωση πρωτότυποι. Αυτές είναι οι ίδιες εικόνες της παγωμένης ζωής των burgher: διαβάζοντας ένα γράμμα, ένας κύριος και μια κυρία που μιλάνε, υπηρέτριες που κάνουν απλές δουλειές του σπιτιού, θέα στο Άμστερνταμ ή στο Ντελφτ. Αυτοί οι πίνακες είναι απλοί στη δράση: "Κορίτσι που διαβάζει ένα γράμμα",

«Ο κύριος και η κυρία στην ράχη»

Το "The Officer and the Laughing Girl" κ.λπ. - είναι γεμάτο πνευματική διαύγεια, σιωπή και γαλήνη.

Τα κύρια πλεονεκτήματα του Vermeer ως καλλιτέχνη είναι στη μετάδοση φωτός και αέρα. Η διάλυση των αντικειμένων σε ένα περιβάλλον φωτός-αέρα, η ικανότητα δημιουργίας αυτής της ψευδαίσθησης, καθόρισε πρωτίστως την αναγνώριση και τη δόξα του Βερμέερ ακριβώς τον 19ο αιώνα.

Ο Βερμέερ έκανε κάτι που κανείς δεν έκανε τον 17ο αιώνα: ζωγράφισε τοπία από τη ζωή («Οδός», «Άποψη του Ντελφτ»).

Μπορούν να ονομαστούν τα πρώτα παραδείγματα ζωγραφικής με αέρα.

Η κορυφή του ολλανδικού ρεαλισμού, αποτέλεσμα των εικονογραφικών επιτευγμάτων του ολλανδικού πολιτισμού τον 17ο αιώνα, είναι το έργο του Ρέμπραντ. Ο Harmens van Rijn Rembrandt (1606-1669) γεννήθηκε στο Λέιντεν. Το 1632, ο Ρέμπραντ έφυγε για το Άμστερνταμ, το κέντρο της καλλιτεχνικής κουλτούρας στην Ολλανδία, που φυσικά προσέλκυσε τον νεαρό καλλιτέχνη. Η δεκαετία του '30 ήταν η εποχή της μεγαλύτερης δόξας του, ο δρόμος προς τον οποίο άνοιξε για τον ζωγράφο ένας μεγάλος πίνακας του 1632 - ένα ομαδικό πορτρέτο, γνωστό και ως "The Anatomy of Doctor Tulp" ή "Anatomy Lesson".

Το 1634, ο Ρέμπραντ παντρεύτηκε ένα κορίτσι από μια πλούσια οικογένεια, τη Saskia van Uylenborch. Ξεκινά η πιο ευτυχισμένη περίοδος της ζωής του. Γίνεται διάσημος και μοντέρνος καλλιτέχνης.

Όλη αυτή η περίοδος καλύπτεται από ρομαντισμό. Η κοσμοθεωρία του Ρέμπραντ για αυτά τα χρόνια μεταφέρεται πιο ξεκάθαρα από το περίφημο «Αυτοπροσωπογραφία με τη Σάσκια στα γόνατά της» (περίπου το 1636). Ολόκληρος ο καμβάς είναι διαποτισμένος από ειλικρινή χαρά της ζωής και αγαλλίαση.

Η γλώσσα του Μπαρόκ είναι πιο κοντά στην έκφραση του υψηλού πνεύματος. Και ο Ρέμπραντ κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου επηρεάστηκε σε μεγάλο βαθμό από το ιταλικό μπαρόκ.

Οι χαρακτήρες στον πίνακα του 1635 «Η Θυσία του Αβραάμ» εμφανίζονται μπροστά μας από πολύπλοκες οπτικές γωνίες. Η σύνθεση είναι ιδιαίτερα δυναμική, χτισμένη σύμφωνα με όλους τους κανόνες του μπαρόκ.

Την ίδια δεκαετία του '30, ο Ρέμπραντ άρχισε για πρώτη φορά να ασχολείται σοβαρά με τα γραφικά, κυρίως με τη χάραξη. Τα χαρακτικά του Ρέμπραντ είναι κυρίως βιβλικά και ευαγγελικά θέματα, αλλά στα σχέδιά του, ως γνήσιος Ολλανδός καλλιτέχνης, στρέφεται συχνά στο είδος. Στο γύρισμα της πρώιμης περιόδου του έργου του καλλιτέχνη και της δημιουργικής του ωριμότητας, εμφανίζεται μπροστά μας ένας από τους πιο διάσημους πίνακές του, γνωστός ως «The Night Watch» (1642) - ένα ομαδικό πορτρέτο της εταιρείας τουφεκιού του Captain Banning Cock.

Επέκτεινε το εύρος του είδους, παρουσιάζοντας μάλλον μια ιστορική εικόνα: μετά από σήμα συναγερμού, το απόσπασμα του Μπάνινγκ Κοκ ξεκινά μια εκστρατεία. Μερικοί είναι ήρεμοι και γεμάτοι αυτοπεποίθηση, άλλοι ενθουσιασμένοι αναμένοντας αυτό που θα ακολουθήσει, αλλά όλοι φέρουν την έκφραση της γενικής ενέργειας, του πατριωτικού ενθουσιασμού και του θριάμβου του πολιτικού πνεύματος.

Το ομαδικό πορτρέτο που ζωγράφισε ο Ρέμπραντ εξελίχθηκε σε μια ηρωική εικόνα της εποχής και της κοινωνίας.

Ο πίνακας είχε ήδη γίνει τόσο σκοτεινός που θεωρήθηκε ότι ήταν μια απεικόνιση μιας νυχτερινής σκηνής, εξ ου και η εσφαλμένη ονομασία του. Η σκιά που ρίχνει η φιγούρα του καπετάνιου στα ανοιχτόχρωμα ρούχα του υπολοχαγού αποδεικνύει ότι δεν είναι νύχτα, αλλά μέρα.

Με τον θάνατο της Saskia το ίδιο 1642, συνέβη η φυσική ρήξη του Rembrandt με τους ξένους γι' αυτόν κύκλους των πατρικίων.

Τα 40 και 50 είναι μια εποχή δημιουργικής ωριμότητας. Αυτή την περίοδο στρέφεται συχνά σε προηγούμενα έργα για να τα ξαναφτιάξει με νέο τρόπο. Αυτό συνέβη, για παράδειγμα, με τη «Δανάη», την οποία φιλοτέχνησε το 1636. Με τη στροφή του στον πίνακα τη δεκαετία του '40, ο καλλιτέχνης ενέτεινε τη συναισθηματική του κατάσταση.

Ξαναέγραψε το κεντρικό μέρος με την ηρωίδα και την υπηρέτρια. Δίνοντας στη Δανάη μια νέα χειρονομία σηκωμένου χεριού, της μετέφερε μεγάλο ενθουσιασμό, μια έκφραση χαράς, ελπίδας, έκκλησης.

Στη δεκαετία του 40-50, η μαεστρία του Ρέμπραντ αυξανόταν σταθερά. Επιλέγει για ερμηνεία τις πιο λυρικές, ποιητικές πτυχές της ανθρώπινης ύπαρξης, εκείνη την ανθρωπότητα που είναι αιώνια, πανανθρώπινη: τη μητρική αγάπη, τη συμπόνια. Η Αγία Γραφή του παρέχει το πιο υλικό, και από αυτό - σκηνές της ζωής της Αγίας Οικογένειας απεικονίζει την απλή ζωή, τους απλούς ανθρώπους, όπως στον πίνακα "Η Αγία Οικογένεια".

Τα τελευταία 16 χρόνια ήταν τα περισσότερα τραγικά χρόνιαΗ ζωή του Ρέμπραντ. είναι κατεστραμμένος και δεν έχει εντολές. Όμως αυτά τα χρόνια ήταν γεμάτα εκπληκτική δημιουργική δραστηριότητα, με αποτέλεσμα να δημιουργηθούν γραφικές εικόνες, εξαιρετικές στον μνημειώδη χαρακτήρα και την πνευματικότητά τους, έργα βαθιά φιλοσοφικά. Ακόμη και τα μικρού μεγέθους έργα του Ρέμπραντ από αυτά τα χρόνια δημιουργούν την εντύπωση εξαιρετικής μεγαλοπρέπειας και αληθινής μνημειακότητας. Το χρώμα αποκτά ηχητικότητα και ένταση. Τα χρώματά του μοιάζουν να εκπέμπουν φως. Τα πορτρέτα του όψιμου Ρέμπραντ είναι πολύ διαφορετικά από τα πορτρέτα της δεκαετίας του '30 και ακόμη και του '40. Πρόκειται για εξαιρετικά απλές (μισό μήκος ή γενιάς) εικόνες ανθρώπων κοντά στον καλλιτέχνη στην εσωτερική τους δομή. Ο Ρέμπραντ πέτυχε τη μεγαλύτερη λεπτότητα χαρακτηρισμού στις αυτοπροσωπογραφίες του, από τις οποίες περίπου εκατό έχουν φτάσει σε εμάς. Το τελευταίο κομμάτι στην ιστορία των ομαδικών πορτρέτων ήταν η απεικόνιση του Ρέμπραντ των πρεσβυτέρων του εργαστηρίου υφασμάτων - των λεγόμενων «Σίνδικων» (1662), όπου, με πενιχρά μέσα, ο Ρέμπραντ δημιούργησε ζωντανούς και ταυτόχρονα διαφορετικούς ανθρώπινους τύπους. αλλά το πιο σημαντικό, ήταν σε θέση να μεταφέρει το αίσθημα της πνευματικής ένωσης, της αμοιβαίας κατανόησης και των διασυνδέσεων μεταξύ των ανθρώπων.

Στα ώριμα χρόνια του (κυρίως στη δεκαετία του '50), ο Ρέμπραντ δημιούργησε τα καλύτερα χαρακτικά του. Ως χαράκτης δεν έχει όμοιο του στην παγκόσμια τέχνη. Σε όλα αυτά, οι εικόνες έχουν βαθύ φιλοσοφικό νόημα. μιλούν για τα μυστήρια της ύπαρξης, για την τραγωδία της ανθρώπινης ζωής.

Κάνει πολύ σχέδιο. Ο Ρέμπραντ άφησε πίσω του 2000 σχέδια. Αυτά περιλαμβάνουν σκίτσα από τη ζωή, σκίτσα για πίνακες και προετοιμασίες για χαρακτικά.

Στο τελευταίο τέταρτο του 17ου αιώνα. Αρχίζει η παρακμή της ολλανδικής ζωγραφικής σχολής, η απώλεια της εθνικής της ταυτότητας και από τις αρχές του 18ου αιώνα αρχίζει το τέλος της μεγάλης εποχής του ολλανδικού ρεαλισμού.

Εισαγωγή

1. Μικρά Ολλανδά

Ολλανδική σχολή ζωγραφικής

Είδος ζωγραφικής

4. Συμβολισμός. Νεκρή φύση

Ρέμπραντ βαν Ράιν

Βερμέερ του Ντελφτ Ιαν

συμπέρασμα

Εισαγωγή

Ο σκοπός της εργασίας ελέγχου είναι:

· Σε ανάπτυξη δημιουργικές δυνατότητες;

· Δημιουργία ενδιαφέροντος για την τέχνη.

· Εμπέδωση και αναπλήρωση γνώσεων.

Η ολλανδική τέχνη γεννήθηκε τον 17ο αιώνα. Αυτή η τέχνη θεωρείται ανεξάρτητη και ανεξάρτητη, έχει ορισμένες μορφές και χαρακτηριστικά.

Μέχρι τον 17ο αιώνα, η Ολλανδία δεν είχε τους δικούς της σημαντικούς καλλιτέχνες στην τέχνη, γιατί ανήκε στο κράτος της Φλάνδρας. Ωστόσο, λίγοι καλλιτέχνες γιορτάζονται αυτή τη χρονική περίοδο. Πρόκειται για τον καλλιτέχνη και χαράκτη Luca Leydensky (1494-1533), ζωγράφος Dirk Bouts (1415-1475), καλλιτέχνης Σκορέλε (1495-1562).

Σταδιακά, διάφορα σχολεία αναμίχθηκαν και οι δάσκαλοι έχασαν τα ιδιαίτερα χαρακτηριστικά των σχολών τους και οι υπόλοιποι καλλιτέχνες της Ολλανδίας έπαψαν να έχουν το πνεύμα της εθνικής δημιουργικότητας. Πολλά διαφορετικά και νέα στυλ εμφανίζονται. Οι καλλιτέχνες προσπαθούν να ζωγραφίσουν σε όλα τα είδη, αναζητώντας ατομικό στυλ. Οι μέθοδοι του είδους διαγράφηκαν: η ιστορικότητα δεν είναι τόσο απαραίτητη όσο πριν. Δημιουργείται ένα νέο είδος - ομαδικοί αχθοφόροι.

Στις αρχές του 17ου αιώνα, όταν αποφασιζόταν η μοίρα της Ολλανδίας, ο Φίλιππος Γ' συμφώνησε σε ανακωχή μεταξύ Ισπανίας και Ολλανδίας. Αυτό που χρειαζόταν ήταν μια επανάσταση, μια πολιτική ή στρατιωτική κατάσταση. Ο αγώνας για την ανεξαρτησία ένωσε τον λαό. Ο πόλεμος ενίσχυσε το εθνικό πνεύμα. Οι υπογραφείσες συνθήκες με την Ισπανία έδωσαν στην Ολλανδία ελευθερία. Αυτό ώθησε τη δημιουργία της δικής τους και ιδιαίτερης τέχνης, που εκφράζει την ουσία των Ολλανδών.

Η ιδιαιτερότητα των Ολλανδών καλλιτεχνών ήταν να δημιουργούν μια πραγματική εικόνα μέχρι την παραμικρή λεπτομέρεια - μια εκδήλωση συναισθημάτων και σκέψεων. Αυτή είναι η βάση του ολλανδικού σχολείου. Γίνεται ρεαλιστική τέχνη και στα μέσα του 17ου αιώνα φτάνει σε κορυφές σε όλους τους τομείς.

Για τον Holland, είναι χαρακτηριστικό να χωρίζεται όχι μόνο σε είδη, αλλά και σε πολλούς υποτύπους. Μερικοί δάσκαλοι ζωγραφίζουν σκηνές από τη ζωή των μπέργκερ και των αξιωματικών - Pieter de Hooch (1495-1562), Gerard Terborch (1617-1681), Gabriel Metsu (1629-1667), άλλοι - από τη ζωή των αγροτών - Adrian van Ostade (1610-1685). ), τρίτο - σκηνές από τη ζωή των επιστημόνων και των γιατρών - Gerrit Dou (1613-1675). τοπιογράφοι - Jan Porcellis (1584-1632), Simon de Vlieger (1601-1653), εικονιστές δασικών γωνιών - Meindert Hobbema (1638-1609), εσωτερικοί δάσκαλοι - Pieter Janssens (1623-1682). Από καιρό σε καιρό, ένα συγκεκριμένο είδος γίνεται παραδοσιακό στις σχολές τέχνης. Για παράδειγμα, οι ζωγράφοι νεκρών φύσεων του Χάρλεμ των λεγόμενων «πρωινών» - Pieter Claes (1598-1661), Willem Heda (1594-1680).

Οι καλλιτέχνες δείχνουν ήθη και έθιμα, ηθικά και ηθικά πρότυπα ανθρώπινης συμπεριφοράς. Συχνά απεικονίζονται οικογενειακά γεγονότα. Οι τοπιογράφοι και οι ζωγράφοι νεκρών φύσεων μεταδίδουν φως από κάτω ύπαιθρο, σε κλειστούς χώρους απεικονίζουν με μαεστρία την υφή των αντικειμένων. Η οικιακή ζωγραφική βρίσκεται στην κορυφή χάρη στους Jan Steen (1626-1679), Gerhard Terborch (1617-1681), Pieter de Hooch (1629-1624).

1. Μικρά Ολλανδά

Οι Μικροί Ολλανδοί είναι μια ομάδα καλλιτεχνών του 17ου αιώνα, που «ενώνει» ζωγράφους μικρού μεγέθους τοπίων και καθημερινών ειδών ζωγραφικής (εξ ου και το όνομα). Τέτοιοι πίνακες προορίζονταν για το λιτό εσωτερικό των κτιρίων κατοικιών. Αγοράστηκαν από κατοίκους της πόλης και αγρότες. Τέτοιοι πίνακες χαρακτηρίζονται από μια αίσθηση άνεσης στην εικόνα, λεπτότητα των λεπτομερειών, εγγύτητα μεταξύ του ατόμου και του εσωτερικού.

P. de Hooch, J. van Goyen (1596-1656), J. and S. van Ruisdael (1628-1682) και (1602 - 1670), E. de Witte (1617-1692), P. Claes, W. Heda, W. Kalf (1619-1693), G. Terborch, G. Metsu, A. van Ostade, J. Steen (1626-1679), A. Kuyp (1620-1691) κ.λπ. Ο καθένας ειδικευόταν, κατά κανόνα , σε ένα συγκεκριμένο είδος. Οι «Μικροί Ολλανδοί» συνέχισαν τις παραδόσεις των Ολλανδών δασκάλων της Αναγέννησης, οι οποίοι υποστήριξαν ότι η τέχνη δεν πρέπει μόνο να φέρνει ευχαρίστηση, αλλά και να θυμίζει αξίες.

Η δημιουργικότητα των καλλιτεχνών μπορεί να χωριστεί σε 3 ομάδες:

δεκαετία του 1630 - επιβεβαίωση του ρεαλισμού σε εθνική ζωγραφική(Το Χάρλεμ ήταν το κορυφαίο καλλιτεχνικό κέντρο, σημαντικός παράγοντας ήταν η επιρροή του Φ. Χαλς).

1640-1660 - η άνθηση της σχολής τέχνης (το κέντρο της τέχνης μετακομίζει στο Άμστερνταμ, προσελκύοντας καλλιτέχνες από άλλες πόλεις, η επιρροή του Ρέμπραντ γίνεται σχετική 2. Ολλανδική σχολή ζωγραφικής

Για τρία τέταρτα του αιώνα, η άνοδος της τέχνης συνεχίστηκε στα βόρεια της Ολλανδίας, στη δημοκρατία των Ηνωμένων Επαρχιών, που ονομάζεται Holland. Το 1609, αυτή η δημοκρατία έλαβε το καθεστώς του κράτους. Εδώ προέκυψε ένα αστικό κράτος.

Ο Ιταλός καλλιτέχνης Καραβάτζιο (1571-1610) είχε σημαντικό ρόλο στη ζωγραφική της Αναγέννησης. Ζωγράφιζε τους πίνακές του πολύ ρεαλιστικά και τα αντικείμενα και οι φιγούρες είχαν υψηλή τεχνική chiaroscuro.

Υπήρχαν πολλοί καλλιτέχνες και ζούσαν σε μικρές πόλεις: Χάρλεμ, Ντελφτ, Λέιντεν. Κάθε μία από αυτές τις πόλεις ανέπτυξε το δικό της σχολείο με τα δικά της θέματα, αλλά το Άμστερνταμ έπαιξε τον πιο σημαντικό ρόλο στην ανάπτυξη της ολλανδικής τέχνης.

3. Ζωγραφική του είδους

Στην Ολλανδία, μαζί με τη δημοτικότητα του είδους του τοπίου, εμφανίζονται νέα: μαρίνα - θαλασσινό τοπίο, αστικό τοπίο - veduta, εικόνες ζώων - ζωγραφική ζώων. Τα έργα του Pieter Bruegel είχαν σημαντική επίδραση στο τοπίο (1525-1529). Οι Ολλανδοί ζωγράφισαν τη δική τους μοναδική ομορφιά της φύσης της πατρίδας τους. Τον 17ο αιώνα, η ολλανδική σχολή ζωγραφικής έγινε μια από τις κορυφαίες στην Ευρώπη. Το περιβάλλον των ανθρώπων έχει γίνει πηγή έμπνευσης για τους καλλιτέχνες. Στην τέχνη αυτής της εποχής, ολοκληρώθηκε η διαμόρφωση ενός συστήματος ειδών, που ξεκίνησε στην Αναγέννηση. Σε πορτρέτα, καθημερινούς πίνακες, τοπία και νεκρές φύσεις, οι καλλιτέχνες μετέφεραν τις εντυπώσεις τους από τη φύση και την καθημερινή ζωή. Το είδος της καθημερινής ζωγραφικής - genre painting - άρχισε να αποκτά μια νέα αντίληψη. Το καθημερινό είδος έχει αναπτυχθεί σε δύο ποικιλίες - το αγροτικό και το burgher (αστικό). Οι πίνακες του είδους απεικόνιζαν τη ζωή ενός ιδιώτη: γλέντια γλεντζέδων, οικονομικές δραστηριότητες, παίζοντας μουσική. Οι καλλιτέχνες έδωσαν προσοχή στην εμφάνιση, τις πόζες και τα κοστούμια. Τα αντικείμενα έγιναν μέρος της θαλπωρής: ένα τραπέζι από μαόνι, μια ντουλάπα, μια πολυθρόνα ντυμένη με δέρμα, μια σκούρα γυάλινη καράφα και ποτήρι, φρούτα. Αυτό το είδος αντανακλούσε τη συμπεριφορά και την επικοινωνία ανθρώπων που ανήκουν σε διαφορετικές τάξεις.

Τα έργα του Garard Dow ήταν πολύ δημοφιλή εκείνη την εποχή. Ζωγραφίζει σεμνές σκηνές από τη ζωή των μικροαστών. Συχνά απεικονίζει ηλικιωμένες γυναίκες να κάθονται σε έναν περιστρεφόμενο τροχό ή να διαβάζουν. Η προφανής τάση του Dow είναι να γράφει τις επιφάνειες των αντικειμένων στις μικρές του εικόνες - σχέδια υφασμάτων, ρυτίδες σε παλιά πρόσωπα, λέπια ψαριού κ.λπ. (παράρτημα· εικ.

Αλλά η ζωγραφική του είδους έχει υποστεί εξέλιξη. Κατά την περίοδο της συγκρότησής του εκ νέου, διανεμήθηκαν ιστορίες με θέματα αναψυχής, ψυχαγωγίας και σκηνές από τη ζωή των αξιωματικών. Τέτοιες εικόνες ονομάζονταν «πρωινά», «συμπόσια», «κοινωνίες», «συναυλίες». Αυτός ο πίνακας διακρίθηκε από την ποικιλομορφία του χρώματος και τους χαρούμενους τόνους. Το αρχικό είδος ήταν «πρωινά». Πρόκειται για ένα είδος νεκρής φύσης στην οποία ο χαρακτήρας των ιδιοκτητών τους μεταδόθηκε μέσω της απεικόνισης πιάτων και διαφόρων πιάτων.

Το καθημερινό είδος είναι το πιο χαρακτηριστικό και πρωτότυπο φαινόμενο της ολλανδικής σχολής, που άνοιξε την καθημερινότητα ενός ιδιώτη στην παγκόσμια τέχνη.

Ο Jan Steen έγραψε επίσης για το είδος της τέχνης. Σημείωσε με χιούμορ τις λεπτομέρειες της καθημερινότητας και των σχέσεων μεταξύ των ανθρώπων. Στον πίνακα "Revelers", ο ίδιος ο καλλιτέχνης κοιτάζει τον θεατή χαρούμενα και πονηρά, καθισμένος δίπλα στη γυναίκα του, η οποία έχει αποκοιμηθεί μετά από ένα χαρούμενο γλέντι. Και στην ταινία, μέσα από τις εκφράσεις του προσώπου και τις χειρονομίες των χαρακτήρων, ο Jan Steen αποκαλύπτει επιδέξια την πλοκή μιας φανταστικής ασθένειας.

Στις αρχές της δεκαετίας του '30, ολοκληρώθηκε η διαμόρφωση της ολλανδικής ζωγραφικής. Η ζωγραφική του είδους χωρίστηκε σε κοινωνικό σημάδι: πλοκές με θέματα από τη ζωή της αστικής τάξης και σκηνές από τη ζωή των αγροτών και των φτωχών της πόλης.

Ένας από τους διάσημους καλλιτέχνες που ζωγράφιζε στο «αγροτικό είδος» ήταν ο Adrian van Ostad. ΣΕ πρώιμη περίοδοδημιουργικότητα, η απεικόνιση των χωρικών ήταν κωμική. Έτσι, στην εικόνα, οι μαχητές, φωτισμένοι από τραχύ φως, δεν φαίνονται ζωντανοί άνθρωποι, αλλά μαριονέτες. Η αντιπαράθεση ψυχρών και ζεστών χρωμάτων, έντονες αντιθέσεις φωτός δημιουργούν μάσκες με θυμωμένα συναισθήματα στα πρόσωπά τους.

Αργότερα, ο καλλιτέχνης ζωγραφίζει εικόνες με πιο ήρεμα θέματα, απεικονίζοντας ένα άτομο κατά τις συνήθεις δραστηριότητές του, πιο συχνά σε στιγμές ανάπαυσης. Για παράδειγμα, ο εσωτερικός πίνακας «Χωριακοί Μουσικοί». Το Ostade μεταφέρει τη συγκέντρωση των «μουσικών», απεικονίζοντας παιδιά να τους παρακολουθούν από το παράθυρο με λεπτό χιούμορ. Ο αδερφός του Adrian Isaac van Ostade, ο οποίος πέθανε νωρίς, εργάστηκε επίσης στο "αγροτικό είδος". Απεικόνισε τη ζωή στην αγροτική Ολλανδία. Ο πίνακας «Winter View» παρουσιάζει ένα τυπικό τοπίο με έναν γκρίζο ουρανό να κρέμεται πάνω από το έδαφος, ένα παγωμένο ποτάμι, στις όχθες του οποίου υπάρχει ένα χωριό.

Στη δεκαετία του 50-60 του 17ου αιώνα, τα θέματα των ειδών ζωγραφικής περιορίστηκαν και η δομή τους άλλαξε. Γίνονται πιο ήρεμοι, πιο λυρικοί, πιο στοχαστικοί. Αυτή η σκηνή αντιπροσωπεύεται από το έργο καλλιτεχνών όπως: Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Peter Janssens. Τα έργα τους χαρακτηρίζονται από μια εξιδανικευμένη εικόνα της ζωής της ολλανδικής αστικής τάξης. Έτσι, στον εσωτερικό πίνακα «Δωμάτιο σε ένα Ολλανδικό Σπίτι» του Pieter Janssens, ένα ζεστό δωμάτιο γεμάτο ηλιακό φως απεικονίζεται με ηλιαχτίδες να παίζουν στο πάτωμα και στους τοίχους. Η επιλογή της σύνθεσης τονίζει την ενότητα του ανθρώπου και του περιβάλλοντός του.

Οι Ολλανδοί ζωγράφοι προσπάθησαν να αντικατοπτρίσουν τον εσωτερικό κόσμο του ανθρώπου στα έργα τους. Σε καταστάσεις που εμφανίζονταν τακτικά, μπόρεσαν να δείξουν έναν κόσμο εμπειριών. Έτσι, ο Gerard Terborch στην ταινία «A Glass of Lemonade» απεικόνισε μια λεπτή γλώσσα χειρονομιών, αγγίγματος χεριών, οπτικής επαφής, που αποκαλύπτει μια ολόκληρη σειρά συναισθημάτων και σχέσεων μεταξύ των χαρακτήρων.

Η λεπτότητα και η ειλικρίνεια στην αναδημιουργία της πραγματικότητας συνδυάζονται από τους Ολλανδούς δασκάλους με δυσδιάκριτη και καθημερινή ομορφιά. Αυτό το χαρακτηριστικό εκδηλώθηκε πιο καθαρά στη νεκρή φύση. Οι Ολλανδοί το ονόμασαν «stilleven». Σε αυτήν την κατανόηση, οι δάσκαλοι είδαν στα άψυχα αντικείμενα μια κρυφή ζωή που σχετίζεται με τη ζωή ενός ατόμου, με τον τρόπο ζωής, τις συνήθειες και τα γούστα του. Ολλανδοί ζωγράφοι δημιούργησαν την εντύπωση του φυσικού «χαζού» στη διάταξη των πραγμάτων: έδειξαν μια κομμένη πίτα, ένα ξεφλουδισμένο λεμόνι με τη φλούδα κρεμασμένη σε μια σπείρα, ένα ημιτελές ποτήρι κρασί, ένα αναμμένο κερί, ένα ανοιχτό βιβλίο - φαίνεται πάντα ότι κάποιος άγγιξε αυτά τα αντικείμενα, μόνο που χρησιμοποιήθηκαν, γίνεται αισθητή η αόρατη παρουσία ενός ατόμου.

Οι κορυφαίοι δάσκαλοι της ολλανδικής νεκρής φύσης στο πρώτο μισό του 17ου αιώνα ήταν ο Pieter Claes 1και ο Willem Hed. Ένα αγαπημένο θέμα των νεκρών φύσεων τους είναι τα λεγόμενα «πρωινά». Στο «Breakfast with Lobster» του V. Kheda (παράρτημα· Εικ. 16) αντικείμενα με τα πιο ποικίλα σχήματα και υλικά - ένα μπρίκι, ένα ποτήρι, ένα λεμόνι, ένα ασημένιο πιάτο. Τα αντικείμενα είναι τοποθετημένα με τέτοιο τρόπο ώστε να δείχνουν την ελκυστικότητα και την ιδιαιτερότητα του καθενός. Χρησιμοποιώντας μια ποικιλία τεχνικών, η Heda μεταφέρει τέλεια το υλικό και την ιδιαιτερότητα της υφής τους. Έτσι, η λάμψη του φωτός παίζει διαφορετικά στην επιφάνεια του γυαλιού και του μετάλλου. Όλα τα στοιχεία της σύνθεσης ενώνονται με το φως και το χρώμα. Στο «Still Life with a Candle» του P. Klass, δεν είναι μόνο αξιοσημείωτη η ακρίβεια της αναπαραγωγής των υλικών ιδιοτήτων των αντικειμένων - η σύνθεση και ο φωτισμός τους δίνουν μεγάλη συναισθηματική εκφραστικότητα. Οι νεκρές φύσεις του Klass και της Kheda μοιάζουν μεταξύ τους - είναι μια διάθεση οικειότητας και άνεσης, ηρεμίας στη ζωή του σπιτιού ενός burgher, όπου υπάρχει ευημερία. Η νεκρή φύση μπορεί να θεωρηθεί ως ένα από τα σημαντικά θέματα της ολλανδικής τέχνης - το θέμα της ζωής ενός ιδιώτη. Πήρε την κύρια απόφαση της σε μια ταινία είδους.

Συμβολισμός. Νεκρή φύση

Όλα τα αντικείμενα σε μια ολλανδική νεκρή φύση είναι συμβολικά. Συλλογές που εκδόθηκαν κατά τον 18ο αιώνα Τα θρυμματισμένα πέταλα κοντά στο βάζο είναι σημάδια αδυναμίας.

ο ένα μαραμένο λουλούδι είναι ένας υπαινιγμός της εξαφάνισης των συναισθημάτων.

ο Οι ίριδες είναι σημάδι της Παναγίας.

ο Τα κόκκινα λουλούδια είναι σύμβολο της εξιλεωτικής θυσίας του Χριστού.

ο Ο λευκός κρίνος δεν είναι μόνο ένα όμορφο λουλούδι, αλλά και σύμβολο της αγνότητας της Παναγίας.

ο γαρύφαλλο - σύμβολο του χυμένου αίματος του Χριστού.

ο λευκή τουλίπα - ψεύτικη αγάπη.

ο ρόδι - σύμβολο της ανάστασης, σύμβολο αγνότητας.

ο μήλα, ροδάκινα, πορτοκάλια θύμιζαν το φθινόπωρο.

ο το κρασί σε ένα ποτήρι ή κανάτα αντιπροσώπευε το θυσιαστικό αίμα του Χριστού.

ο ελιά - σύμβολο ειρήνης.

ο Τα σάπια φρούτα είναι σύμβολο γήρανσης.

ο αυτιά σιταριού, κισσός - σύμβολο της αναγέννησης και του κύκλου της ζωής.

ο Το γυαλί είναι σύμβολο ευθραυστότητας.

ο πορσελάνη - καθαριότητα?

ο το μπουκάλι είναι σύμβολο της αμαρτίας και της μέθης.

ο Τα σπασμένα πιάτα είναι σύμβολο θανάτου.

ο ένα ανεστραμμένο ή άδειο ποτήρι σημαίνει κενό.

ο μαχαίρι - σύμβολο προδοσίας.

ο τα ασημένια αγγεία είναι η προσωποποίηση του πλούτου.

ο κλεψύδρα - μια υπενθύμιση της παροδικότητας της ζωής.

ο κρανίο - μια υπενθύμιση του αναπόφευκτου του θανάτου.

ο αυτιά σιταριού - σύμβολα της αναγέννησης και του κύκλου της ζωής.

ο Το ψωμί είναι σύμβολο του σώματος του Κυρίου.

ο Τα όπλα και η πανοπλία είναι σύμβολο δύναμης και δύναμης, ονομασία του τι δεν μπορεί να πάρει μαζί σας στον τάφο.

ο κλειδιά - συμβολίζουν τη δύναμη.

ο ένας πίπας καπνίσματος είναι σύμβολο φευγαλέων και άπιαστων γήινων απολαύσεων.

ο μάσκα καρναβαλιού - είναι ένα σημάδι της απουσίας ενός ατόμου. ανεύθυνη ευχαρίστηση.

ο καθρέφτες, γυάλινες μπάλες είναι σύμβολα ματαιοδοξίας, σημάδι αντανάκλασης, μη πραγματικότητας.

Τα θεμέλια του ολλανδικού ρεαλιστικού τοπίου διαμορφώθηκαν στις αρχές του 17ου αιώνα. Οι καλλιτέχνες απεικόνισαν την αγαπημένη τους φύση με αμμόλοφους και κανάλια, σπίτια και χωριά. Προσπάθησαν να απεικονίσουν την εθνικότητα του τοπίου, την ατμόσφαιρα του αέρα και τα χαρακτηριστικά της εποχής. Οι δάσκαλοι υποτάσσουν όλο και περισσότερο όλα τα στοιχεία της εικόνας σε έναν μόνο τόνο. Είχαν έντονη αίσθηση του χρώματος και μετέφεραν επιδέξια τις μεταβάσεις από φως σε σκιά, από τόνο σε τόνο.

Ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος του ολλανδικού ρεαλιστικού τοπίου ήταν ο Jan van Goyen (1596-1656). Εργάστηκε στο Λέιντεν και στη Χάγη. Ο καλλιτέχνης αγαπούσε να απεικονίζει κοιλάδες και επιφάνεια του νερούποτάμια σε καμβάδες μικρού μεγέθους. Ο Goyen άφησε πολύ χώρο για τον ουρανό με τα σύννεφα. Αυτός είναι ο πίνακας «Άποψη του ποταμού Waal κοντά στο Nijmegen», σχεδιασμένος σε μια διακριτική καφέ-γκρι γκάμα χρωμάτων.

Αργότερα, η χαρακτηριστική ουσία των τοπίων αλλάζει. Γίνεται λίγο ευρύτερη, πιο συναισθηματική. Η ιδιαιτερότητα παραμένει ίδια - συγκρατημένη, αλλά οι τόνοι αποκτούν βάθος.

Όλα τα νέα χαρακτηριστικά του στυλ τοπίου ενσωματώθηκαν στους πίνακές του από τον Jacob van Ruisdael (1629-1682). Απεικονίζοντας δέντρα και θάμνους ως ογκώδεις, δημιουργούσε την αίσθηση ότι κινούνταν στο προσκήνιο και γίνονταν πιο ισχυροί. Με εξαιρετική αίσθηση προοπτικής, ο Ruisdael μετέφερε επιδέξια τις μεγάλες πεδιάδες και τα περίχωρα της Ολλανδίας. Η επιλογή του τόνου και του φωτισμού προκαλεί εστίαση. Ο Ruisdael αγαπούσε επίσης τα ερείπια ως διακοσμητικές λεπτομέρειες που μιλούν για την καταστροφή και την αδυναμία της γήινης ύπαρξης. Το «Εβραϊκό Νεκροταφείο» αντιπροσωπεύει μια παραμελημένη περιοχή. Ο Ruisdael δεν είχε επιτυχία στην εποχή του. Ο ρεαλισμός των πινάκων του δεν ανταποκρινόταν στα γούστα της κοινωνίας. Ο καλλιτέχνης, που τώρα απολαμβάνει επάξια παγκόσμια φήμη, πέθανε ένας φτωχός άνδρας σε ένα σπίτι ελεημοσύνης του Χάρλεμ.

Πορτραίτα ζωγραφική. Φρανς Χαλς

Ένας από τους σπουδαίους Ολλανδούς καλλιτέχνες ήταν ο Φρανς Χαλς (περίπου 1580-1666). Γεννήθηκε τον 17ο αιώνα στην Αμβέρσα. Καθόλου νεαρός καλλιτέχνηςκατέληξε στο Χάρλεμ, όπου μεγάλωσε και σχηματίστηκε με τον τρόπο της σχολής του Κάρελ Βαν Μάντερ. Το Χάρλεμ ήταν περήφανο για τον καλλιτέχνη του και έφεραν εξέχοντες καλεσμένους στο στούντιό του - τον Ρούμπενς και τον Βαν Ντάικ.

Ο Χαλς ήταν σχεδόν αποκλειστικά ζωγράφος πορτρέτων, αλλά η τέχνη του σήμαινε πολλά όχι μόνο για την ολλανδική προσωπογραφία, αλλά και για τη διαμόρφωση άλλων ειδών. Στο έργο του Hals, μπορούν να διακριθούν τρεις τύποι συνθέσεων πορτρέτου: ένα ομαδικό πορτρέτο, ένα ατομικό πορτρέτο με παραγγελία και ένας ειδικός τύπος εικόνων πορτρέτου, παρόμοια στη φύση με τη ζωγραφική του είδους.

Το 1616, ο Χαλς ζωγράφισε «Το συμπόσιο των Αξιωματικών της Εταιρείας του Συντάγματος Τυφεκίων του Αγίου Γεωργίου», στο οποίο έσπασε εντελώς με το παραδοσιακό μοτίβο ενός ομαδικού αχθοφόρου. Δημιουργώντας ένα πολύ ζωντανό έργο, ενώνοντας χαρακτήρες σε ομάδες και δίνοντάς τους διάφορες πόζες, φάνηκε να συγχωνεύει το πορτρέτο με τη ζωγραφική του είδους. Το έργο στέφθηκε με επιτυχία και ο καλλιτέχνης πλημμύρισε από παραγγελίες.

Οι χαρακτήρες του στέκονται φυσικά και ελεύθερα στο πορτρέτο, η στάση και οι χειρονομίες τους φαίνονται ασταθείς και η έκφραση στα πρόσωπά τους πρόκειται να αλλάξει. Το πιο αξιοσημείωτο χαρακτηριστικό του δημιουργικού τρόπου του Hals είναι η ικανότητα να μεταδίδει χαρακτήρα μέσω μεμονωμένων εκφράσεων και χειρονομιών του προσώπου, σαν να τον πιάνουν στα πεταχτά - "Χαρούμενος σύντροφος ποτών", "Mulatto", "Χαμογελαστός αξιωματικός". Ο καλλιτέχνης αγαπούσε συναισθηματικές καταστάσεις γεμάτες δυναμική. Αλλά σε αυτή τη στιγμή που ο Χαλς απαθανάτισε, το πιο ουσιαστικό, ο πυρήνας της εικόνας του «Τσιγγάνου», το «Malle Baba» αποτυπώνεται πάντα.

Ωστόσο, στις εικόνες του Χαλς από το τέλος των δεκαετιών του '30 και του '40, εμφανίζεται στοχασμός και θλίψη, ξένες προς τους χαρακτήρες του, το πορτρέτο του Willem Heythuisen, και μερικές φορές γλιστράει. ελαφριά ειρωνείαστη στάση του καλλιτέχνη απέναντί ​​τους. Η χαρμόσυνη αποδοχή της ζωής και του ανθρώπου σταδιακά εξαφανίζεται από την τέχνη Khalsa.

Σημεία καμπής έχουν έρθει στη ζωγραφική Khalsa. Στα πορτρέτα του Χαλς, ζωγραφισμένα στις δεκαετίες του '50 και του '60, η εις βάθος μαεστρία του χαρακτηρισμού συνδυάζεται με ένα νέο εσωτερικό νόημα. Ένα από τα πιο δυνατά έργα του αείμνηστου Χαλς είναι το πορτρέτο ενός άνδρα από το Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης της Νέας Υόρκης (1650-1652). Η σύνθεση του πορτρέτου είναι μια γενεαλογική εικόνα της φιγούρας, η τοποθέτησή της σε ένα καθαρό μέτωπο, το βλέμμα στραμμένο απευθείας στον θεατή, η σημασία της προσωπικότητας γίνεται αισθητή. Η στάση του άντρα αποκαλύπτει ψυχρή εξουσία και αλαζονική περιφρόνηση για όλους. Η αυτοεκτίμηση συνδυάζεται μέσα του με απέραντη φιλοδοξία. Ταυτόχρονα, μια χροιά απογοήτευσης πιάνεται απροσδόκητα στο βλέμμα, σαν σε αυτό το άτομο να κρύβεται η λύπη για το παρελθόν - για τη νεολαία του και τη νεολαία της γενιάς του, των οποίων τα ιδανικά έχουν ξεχαστεί και τα κίνητρα ζωής έχουν ξεθωριάσει.

Τα πορτρέτα του Χαλς των δεκαετιών του '50 και του '60 αποκαλύπτουν πολλά για την ολλανδική πραγματικότητα εκείνων των χρόνων. Ο καλλιτέχνης έζησε μια μακρά ζωή και είχε την ευκαιρία να δει τον εκφυλισμό της ολλανδικής κοινωνίας και την εξαφάνιση του δημοκρατικού της πνεύματος. Δεν είναι τυχαίο ότι η τέχνη Khalsa είναι πλέον εκτός μόδας. Τα όψιμα έργα του Χαλς αντανακλούν με ευαισθησία το πνεύμα της εποχής, τόσο ξένο για τον πλοίαρχο, αλλά σε αυτά μπορεί κανείς να ακούσει και τη δική του απογοήτευση από τη γύρω πραγματικότητα. Σε κάποια έργα αυτών των χρόνων, αποτυπώνεται ο απόηχος των προσωπικών συναισθημάτων του παλιού καλλιτέχνη, που έχανε την παλιά του αίγλη και είχε ήδη δει το τέλος του ταξιδιού της ζωής του.

Δύο χρόνια πριν από το θάνατό του, το 1664, ο Χαλς ζωγράφισε πορτρέτα των αντιβασιλέων και των αντιβασιλέων (έμπιστων) του γηροκομείου του Χάρλεμ.

Στο «Portrait of the Regents» τους ενώνει όλους ένα αίσθημα απογοήτευσης και καταστροφής. Δεν υπάρχει ζωντάνια στους αντιβασιλείς, όπως στα πρώιμα ομαδικά πορτρέτα του Χαλς. Όλοι είναι μόνοι, ο καθένας υπάρχει μόνος του. Μαύροι τόνοι με κοκκινοροζ κηλίδες δημιουργούν μια τραγική ατμόσφαιρα.

Το «Portrait of the Regents» αποφασίζεται σε ένα διαφορετικό συναισθηματικό κλειδί. Στις σχεδόν ακίνητες πόζες των απαθών ηλικιωμένων που δεν γνωρίζουν συμπόνια, μπορεί κανείς να νιώσει την εξουσία του κυρίου και ταυτόχρονα σε όλες ζει βαθιά κατάθλιψη, ένα αίσθημα αδυναμίας και απόγνωσης μπροστά στον επικείμενο θάνατο.

Μέχρι το τέλος των ημερών του, ο Χαλς διατήρησε το αλάθητο της ικανότητάς του και η τέχνη του ογδόνταχρονου ζωγράφου απέκτησε διορατικότητα και δύναμη.

6. Ρέμπραντ βαν Ράιν

Ο Ρέμπραντ (1606-1669) είναι ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος της χρυσής εποχής της ολλανδικής ζωγραφικής. Γεννήθηκε στο Λέιντεν το 1606. Για να λάβει καλλιτεχνική εκπαίδευση, ο καλλιτέχνης μετακόμισε στο Άμστερνταμ και μπήκε στο εργαστήριο του Pieter Lastman και στη συνέχεια επέστρεψε στο Leiden, όπου το 1625 ξεκίνησε την ανεξάρτητη καριέρα του. δημιουργική ζωή. Το 1631, ο Ρέμπραντ μετακόμισε τελικά στο Άμστερνταμ και η υπόλοιπη ζωή του κυρίου συνδέθηκε με αυτήν την πόλη.

Το έργο του Ρέμπραντ είναι εμποτισμένο με μια φιλοσοφική κατανόηση της ζωής και του εσωτερικού κόσμου του ανθρώπου. Αυτή είναι η κορυφή της ανάπτυξης της ολλανδικής τέχνης του 17ου αιώνα. Καλλιτεχνική κληρονομιάΟ Ρέμπραντ διακρίνεται από μια ποικιλία ειδών. Ζωγράφισε πορτρέτα, νεκρές φύσεις, τοπία, σκηνές του είδους, πίνακες με ιστορικά, βιβλικά και μυθολογικά θέματα. Όμως το έργο του καλλιτέχνη έφτασε στο μεγαλύτερο βάθος τα τελευταία χρόνια της ζωής του. Το Ουφίτσι έχει τρία έργα του μεγάλου δασκάλου. Αυτό είναι μια αυτοπροσωπογραφία στη νεότητα, μια αυτοπροσωπογραφία σε μεγάλη ηλικία, ένα πορτρέτο ενός γέρου (ραββίνος) Σε πολλά από τα μεταγενέστερα έργα του, ο καλλιτέχνης βυθίζει ολόκληρη την επιφάνεια του καμβά στο σκοτάδι, εστιάζοντας την προσοχή του θεατή. στο πρόσωπο.

Έτσι απεικόνιζε τον εαυτό του ο Ρέμπραντ σε ηλικία 23 ετών.

Η περίοδος της μετακόμισης στο Άμστερνταμ σημαδεύτηκε από δημιουργική βιογραφία Rembrandt δημιουργώντας πολλές μελέτες για άνδρες και γυναίκες. Σε αυτά εξερευνά τη μοναδικότητα κάθε μοντέλου, τις εκφράσεις του προσώπου του. Αυτά τα μικρά έργα έγιναν αργότερα μια πραγματική σχολή του Ρέμπραντ ως προσωπογράφου. Ήταν η ζωγραφική πορτρέτου που εκείνη την εποχή επέτρεψε στον καλλιτέχνη να προσελκύει παραγγελίες από πλούσιους μπιφτέκι του Άμστερνταμ και έτσι να επιτύχει εμπορική επιτυχία.

Το 1653, αντιμετωπίζοντας οικονομικές δυσκολίες, ο καλλιτέχνης μεταβίβασε σχεδόν όλη την περιουσία του στον γιο του Τίτο, μετά την οποία κήρυξε πτώχευση το 1656. Αφού πούλησε το σπίτι και την περιουσία του, ο καλλιτέχνης μετακόμισε στα περίχωρα του Άμστερνταμ, στην εβραϊκή συνοικία, όπου πέρασε το υπόλοιπο της ζωής του. Το πιο κοντινό του πρόσωπο εκείνα τα χρόνια ήταν, προφανώς, ο Τίτος, γιατί οι εικόνες του είναι οι πιο πολλές. Ο θάνατος του Τίτου το 1668 ήταν ένα από τα τελευταία χτυπήματα της μοίρας για τον καλλιτέχνη. ο ίδιος πέθανε ένα χρόνο αργότερα. «Ο Ματθαίος και ο Άγγελος» (1661). Ίσως ο Τίτος ήταν το πρότυπο για τον άγγελο.

Οι δύο τελευταίες δεκαετίες της ζωής του Ρέμπραντ έγιναν το αποκορύφωμα της ικανότητάς του ως προσωπογράφος. Τα μοντέλα είναι οι σύντροφοι του καλλιτέχνη (Nicholas Breuning, 1652· Gerard de Leresse, 1665· Jeremias de Dekker, 1666), στρατιώτες, γέροι και γυναίκες - όλοι όσοι, όπως ο συγγραφέας, πέρασαν χρόνια θλιβερών δοκιμασιών. Τα πρόσωπα και τα χέρια τους φωτίζονται από εσωτερικό πνευματικό φως. Η εσωτερική εξέλιξη του καλλιτέχνη μεταφέρεται από μια σειρά αυτοπροσωπογραφιών, αποκαλύπτοντας στον θεατή τον κόσμο των πιο εσώτερων εμπειριών του. Η σειρά των αυτοπροσωπογραφιών συνοδεύεται από εικόνες σοφών αποστόλων. Στο πρόσωπο του αποστόλου μπορεί κανείς να διακρίνει τα χαρακτηριστικά του ίδιου του καλλιτέχνη.

7. Βερμέερ του Ντελφτ Ιαν

Ολλανδική ζωγραφική τέχνης νεκρή φύση

Vermeer of Delft Jan (1632-1675) - Ολλανδός ζωγράφος, ο μεγαλύτερος δεξιοτέχνης του ολλανδικού είδους και ζωγραφικής τοπίου. Ο Βερμέερ εργάστηκε στο Ντελφτ. Ως καλλιτέχνης αναπτύχθηκε υπό την επιρροή του Karel Fabritius, ο οποίος πέθανε τραγικά από την έκρηξη μιας πυριτιδαποθήκης.

Οι πρώιμοι πίνακες του Βερμέερ έχουν εξαιρετικές εικόνες ( Ο Χριστός με τη Μάρθα και τη Μαρία ). Το έργο του Βερμέερ επηρεάστηκε έντονα από το έργο του δεξιοτέχνη της ζωγραφικής του είδους Pieter de Hooch. Το στυλ αυτού του ζωγράφου αναπτύχθηκε περαιτέρω στους πίνακες του Βερμέερ.

Από το δεύτερο μισό της δεκαετίας του '50, ο Βερμέερ ζωγράφιζε μικρούς πίνακες με μία ή περισσότερες φιγούρες στο ασημί φως ενός εσωτερικού σπιτιού ( Κορίτσι με ένα γράμμα Υπηρέτρια με μια κανάτα γάλα ). Στα τέλη της δεκαετίας του '50, ο Βερμέερ δημιούργησε δύο αριστουργήματα ζωγραφικής τοπίου: μια ζωγραφική ζωγραφική δρόμος με λαμπερά, φρέσκα, καθαρά, χρώματα και πίνακες Άποψη της πόλης του Ντελφτ . Στη δεκαετία του '60, το έργο του Βερμέερ έγινε πιο εκλεπτυσμένο και η ζωγραφική του έγινε πιο κρύα. ( Κορίτσι με ένα μαργαριτάρι σκουλαρίκι).

Στα τέλη της δεκαετίας του '60, ο καλλιτέχνης απεικόνιζε συχνά πλούσια επιπλωμένα δωμάτια όπου κυρίες και κύριοι έπαιζαν μουσική και είχαν γενναίες συζητήσεις.

Τα τελευταία χρόνια της ζωής του Βερμέερ, η οικονομική του κατάσταση επιδεινώθηκε πολύ. Η ζήτηση για πίνακες έπεσε κατακόρυφα, ο ζωγράφος αναγκάστηκε να πάρει δάνεια για να ταΐσει έντεκα παιδιά και άλλα μέλη της οικογένειας. Αυτό μάλλον επιτάχυνε την προσέγγιση του θανάτου. Δεν είναι γνωστό τι συνέβη - μια οξεία ασθένεια ή κατάθλιψη λόγω οικονομικών, αλλά ο Βερμέερ θάφτηκε το 1675 στην οικογενειακή κρύπτη στο Ντελφτ.

Η ατομική τέχνη του Βερμέερ μετά τον θάνατό του δεν εκτιμήθηκε από τους συγχρόνους του. Το ενδιαφέρον για αυτό αναβίωσε μόλις τον 19ο αιώνα, χάρη στις δραστηριότητες του κριτικός τέχνηςκαι τον ιστορικό τέχνης Etienne Théophile Thoré, ο οποίος «ανακάλυψε» τον Vermeer για το ευρύ κοινό.

συμπέρασμα

Η έκκληση στην πραγματικότητα βοήθησε στη διεύρυνση των καλλιτεχνικών δυνατοτήτων της ολλανδικής τέχνης και εμπλούτισε το θέμα του είδους της. Εάν, μέχρι τον 17ο αιώνα, τα βιβλικά και μυθολογικά θέματα είχαν μεγάλη σημασία στην ευρωπαϊκή καλλιτεχνική τέχνη και άλλα είδη ήταν ελάχιστα αναπτυγμένα, τότε στην ολλανδική τέχνη η σχέση μεταξύ των ειδών αλλάζει δραματικά. Υπάρχει άνοδος σε είδη όπως: καθημερινή ζωή, πορτρέτο, τοπίο, νεκρή φύση. Τα ίδια τα βιβλικά και μυθολογικά θέματα στην ολλανδική τέχνη χάνουν σε μεγάλο βαθμό τις προηγούμενες μορφές ενσάρκωσής τους και πλέον ερμηνεύονται ως καθημερινοί πίνακες ζωγραφικής.

Παρ' όλα τα επιτεύγματά της, η ολλανδική τέχνη έφερε επίσης ορισμένα συγκεκριμένα χαρακτηριστικά περιορισμού - ένα στενό φάσμα θεμάτων και μοτίβων. Ένα άλλο μειονέκτημα: μόνο ορισμένοι δάσκαλοι προσπάθησαν να βρουν τη βαθιά τους βάση στα φαινόμενα.

Αλλά σε πολλούς πίνακες σύνθεσης και πορτρέτα, οι εικόνες είναι βαθύτερης φύσης και τα τοπία δείχνουν την αληθινή και πραγματική φύση. Αυτό έγινε ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα της ολλανδικής τέχνης. Έτσι, οι ζωγράφοι έκαναν μεγάλες ανακαλύψεις στην τέχνη κατακτώντας τη δύσκολη και περίπλοκη δεξιότητα της ζωγραφικής εικόνων του εσωτερικού κόσμου και των εμπειριών ενός ατόμου.

Το τεστ μου έδωσε την ευκαιρία να δοκιμάσω τις δημιουργικές μου ικανότητες, να αναπληρώσω τις θεωρητικές μου γνώσεις και να μάθω περισσότερα για τους Ολλανδούς καλλιτέχνες και τα έργα τους.

Φροντιστήριο

Χρειάζεστε βοήθεια για τη μελέτη ενός θέματος;

Οι ειδικοί μας θα συμβουλεύσουν ή θα παρέχουν υπηρεσίες διδασκαλίας σε θέματα που σας ενδιαφέρουν.
Υποβάλετε την αίτησή σαςυποδεικνύοντας το θέμα αυτή τη στιγμή για να ενημερωθείτε σχετικά με τη δυνατότητα λήψης μιας διαβούλευσης.

Ολλανδική ζωγραφική, στις καλές τέχνες

Ολλανδική ζωγραφική , η εμφάνιση και η αρχική του περίοδος συγχωνεύονται σε τέτοιο βαθμό με τα πρώτα στάδια ανάπτυξης της φλαμανδικής ζωγραφικής που οι τελευταίοι ιστορικοί τέχνης θεωρούν και τα δύο για ολόκληρο το διάστημα μέχρι τα τέλη του 16ου αιώνα. αναπόσπαστα, με ένα γενικό όνομα του «ολλανδικού σχολείου».

Και οι δύο, που αποτελούν τον απόγονο του κλάδου του Ρήνου, είναι χαζοί. Η ζωγραφική, οι κύριοι εκπρόσωποι της οποίας είναι ο Wilhelm της Κολωνίας και ο Stefan Lochner, θεωρούν τους αδερφούς van Eyck ως ιδρυτές τους. Και οι δύο κινούνται προς την ίδια κατεύθυνση εδώ και πολύ καιρό, εμψυχώνονται από τα ίδια ιδανικά, επιδιώκουν τα ίδια καθήκοντα, αναπτύσσουν την ίδια τεχνική, έτσι ώστε οι καλλιτέχνες της Ολλανδίας να μην διαφέρουν από τους Φλαμανδούς και Μπραμπάντ αδερφούς τους.

Αυτό συνεχίζεται καθ' όλη τη διάρκεια της διακυβέρνησης της χώρας, πρώτα από τους Βουργουνδούς και μετά από τον Αυστριακό οίκο, μέχρι να ξεσπάσει μια βάναυση επανάσταση, που καταλήγει στον πλήρη θρίαμβο του ολλανδικού λαού έναντι των Ισπανών που τους καταπίεσαν. Από αυτή την εποχή, καθένας από τους δύο κλάδους της ολλανδικής τέχνης αρχίζει να κινείται χωριστά, αν και μερικές φορές τυχαίνει να έρχονται σε πολύ στενή επαφή μεταξύ τους.

Η ολλανδική ζωγραφική παίρνει αμέσως έναν πρωτότυπο, εντελώς εθνικό χαρακτήρα και γρήγορα φτάνει σε μια φωτεινή και άφθονη ανθοφορία. Τα αίτια αυτού του φαινομένου, του οποίου δύσκολα συναντάμε σε όλη την ιστορία της τέχνης, βρίσκονται σε τοπογραφικές, θρησκευτικές, πολιτικές και κοινωνικές συνθήκες.

Σε αυτή τη «χαμηλή χώρα» (hol land), που αποτελείται από βάλτους, νησιά και χερσονήσους, που συνεχώς παρασύρεται από τη θάλασσα και απειλείται από τις επιδρομές της, ο πληθυσμός, μόλις πέταξε τον ξένο ζυγό, έπρεπε να δημιουργήσει τα πάντα εκ νέου, ξεκινώντας από τις φυσικές συνθήκες του εδάφους και τελειώνοντας με ηθικές και πνευματικές συνθήκες, γιατί όλα καταστράφηκαν από τον προηγούμενο αγώνα για ανεξαρτησία. Χάρη στην επιχείρησή τους, την πρακτική λογική και την επίμονη δουλειά τους, οι Ολλανδοί κατάφεραν να μετατρέψουν τους βάλτους σε καρποφόρα χωράφια και πολυτελή βοσκοτόπια, να κατακτήσουν τεράστιες εκτάσεις γης από τη θάλασσα, να αποκτήσουν υλική ευημερία και εξωτερική πολιτική σημασία. Η επίτευξη αυτών των αποτελεσμάτων διευκολύνθηκε σε μεγάλο βαθμό από την ομοσπονδιακή-δημοκρατική μορφή διακυβέρνησης που καθιερώθηκε στη χώρα και τη σοφά εφαρμοσμένη αρχή της ελευθερίας της σκέψης και των θρησκευτικών πεποιθήσεων.

Σαν από θαύμα, παντού, σε όλους τους τομείς της ανθρώπινης εργασίας, η φλογερή δραστηριότητα άρχισε ξαφνικά να βράζει σε ένα νέο, πρωτότυπο, καθαρά λαϊκό πνεύμα, μεταξύ άλλων και στον χώρο της τέχνης. Από τους κλάδους του τελευταίου, στο έδαφος της Ολλανδίας, στάθηκε τυχερός κυρίως σε έναν - τη ζωγραφική, που εδώ, στα έργα πολλών περισσότερο ή λιγότερο ταλαντούχων καλλιτεχνών που εμφανίστηκαν σχεδόν ταυτόχρονα, πήρε μια πολύ ευέλικτη κατεύθυνση και ταυτόχρονα χρόνο εντελώς διαφορετικό από την κατεύθυνση της τέχνης σε άλλες χώρες. Το κύριο χαρακτηριστικό που χαρακτηρίζει αυτούς τους καλλιτέχνες είναι η αγάπη τους για τη φύση, η επιθυμία να την αναπαράγουν με όλη της την απλότητα και αλήθεια, χωρίς τον παραμικρό εξωραϊσμό, χωρίς να την υποτάσσουν κάτω από οποιεσδήποτε συνθήκες προκαθορισμένου ιδεώδους. Η δεύτερη χαρακτηριστική ιδιότητα του Goll. Οι ζωγράφοι αποτελούνται από μια λεπτή αίσθηση του χρώματος και την κατανόηση του τι ισχυρή, μαγευτική εντύπωση μπορεί να κάνει, εκτός από το περιεχόμενο της εικόνας, μόνο από την πιστή και ισχυρή μετάδοση πολύχρωμων σχέσεων που καθορίζονται στη φύση από τη δράση του φωτός ακτίνες, εγγύτητα ή εύρος αποστάσεων.

Μεταξύ των καλύτερων εκπροσώπων της ολλανδικής ζωγραφικής, αυτή η αίσθηση του χρώματος και του φωτός και της σκιάς αναπτύσσεται σε τέτοιο βαθμό που το φως, με τις αμέτρητες και ποικίλες αποχρώσεις του, παίζει στην εικόνα, θα έλεγε κανείς, τον ρόλο του κύριου ήρωα και προσδίδει υψηλή ενδιαφέρον για την πιο ασήμαντη πλοκή, τις πιο άκομψες μορφές και εικόνες. Τότε θα πρέπει να σημειωθεί ότι οι περισσότεροι Goll. Οι καλλιτέχνες δεν κάνουν μακροχρόνιες αναζητήσεις υλικού για τη δημιουργικότητά τους, αλλά αρκούνται σε ό,τι βρίσκουν γύρω τους, στη γηγενή τους φύση και στη ζωή των ανθρώπων τους. Τυπικά χαρακτηριστικά διακεκριμένων συμπατριωτών, οι φυσιογνωμίες των απλών Ολλανδών και των Ολλανδέζων, η θορυβώδης διασκέδαση των κοινών γιορτών, οι γιορτές των χωρικών, οι σκηνές της αγροτικής ζωής ή η οικεία ζωή των κατοίκων της πόλης, οι ντόπιοι αμμόλοφοι, οι πόλντερ και οι απέραντες πεδιάδες που διασχίζονται από κανάλια, τα κοπάδια που βόσκουν σε πλούσια λιβάδια, καλύβες, φωλιασμένες στην άκρη του δάσους οξιάς ή βελανιδιάς, χωριά στις όχθες ποταμών, λιμνών και άλση, πόλεις με τα καθαρά σπίτια τους, κινητή γέφυρες και ψηλά κωδωνοστάσια εκκλησιών και δημαρχείων, λιμάνια γεμάτα πλοία, ο ουρανός γεμάτος ασημί ή χρυσαφί ατμοί - όλα αυτά, κάτω από το πινέλο των Ολλανδών δασκάλων εμποτισμένα με αγάπη για την πατρίδα και την εθνική υπερηφάνεια, μετατρέπονται σε πίνακες γεμάτους αέρα, φως και ελκυστικότητα.

Ακόμη και σε εκείνες τις περιπτώσεις που κάποιοι από αυτούς τους δασκάλους καταφεύγουν στη Βίβλο, την αρχαία ιστορία και τη μυθολογία για θέματα, ακόμη και τότε, χωρίς να ανησυχούν για τη διατήρηση της αρχαιολογικής πιστότητας, μεταφέρουν τη δράση στο περιβάλλον των Ολλανδών, περιβάλλοντάς το με ολλανδικό σκηνικό. Είναι αλήθεια ότι δίπλα στο κατάμεστο πλήθος τέτοιων πατριωτών καλλιτεχνών υπάρχει μια φάλαγγα άλλων ζωγράφων που αναζητούν έμπνευση έξω από τα σύνορα της πατρίδας τους, στην κλασική χώρα της τέχνης, την Ιταλία. όμως στα έργα τους υπάρχουν και χαρακτηριστικά που εκθέτουν την εθνικότητα τους.

Τέλος, ως χαρακτηριστικό Ολλανδοί ζωγράφοι, μπορεί κανείς να επισημάνει την αποκήρυξή τους καλλιτεχνικές παραδόσεις. Θα ήταν μάταιο να αναζητήσουμε μεταξύ τους μια αυστηρή συνέχεια γνωστών αισθητικών αρχών και τεχνικών κανόνων, όχι μόνο με την έννοια του ακαδημαϊκού στυλ, αλλά και με την έννοια της αφομοίωσης από τους μαθητές του χαρακτήρα των δασκάλων τους: η εξαίρεση, ίσως, μόνο των μαθητών του Ρέμπραντ, που λίγο πολύ ακολούθησαν τα χνάρια του ιδιοφυούς μέντορά τους, σχεδόν όλοι οι ζωγράφοι στην Ολλανδία, μόλις πέρασαν τα φοιτητικά τους χρόνια, και μερικές φορές ακόμη και σε αυτά τα χρόνια, άρχισαν να εργάζονται σε τον δικό τους τρόπο, ανάλογα με το πού τους οδήγησε η ατομική τους κλίση και τι τους δίδαξε η άμεση παρατήρηση της φύσης.

Επομένως, οι Ολλανδοί καλλιτέχνες δεν μπορούν να χωριστούν σε σχολεία, όπως ακριβώς κάνουμε με τους καλλιτέχνες της Ιταλίας ή της Ισπανίας. είναι δύσκολο ακόμη και να συνθέσουμε αυστηρά καθορισμένες ομάδες από αυτές, και η ίδια η έκφραση «ολλανδική σχολή ζωγραφικής», που έχει τεθεί σε γενική χρήση, πρέπει να ληφθεί μόνο υπό όρους, καθώς υποδηλώνει μια συλλογή φυλετικών δασκάλων, αλλά όχι μια πραγματικό σχολείο. Εν τω μεταξύ, σε όλες τις κύριες πόλεις της Ολλανδίας υπήρχαν οργανωμένοι σύλλογοι καλλιτεχνών, οι οποίοι, όπως φαίνεται, θα έπρεπε να είχαν επηρεάσει την επικοινωνία των δραστηριοτήτων τους από έναν γενική κατεύθυνση. Ωστόσο, τέτοιες εταιρείες, που φέρουν το όνομα των συντεχνιών του Αγ. Ο Λουκάς, αν συνέβαλε σε αυτό, το έκανε σε πολύ μέτριο βαθμό. Δεν ήταν ακαδημίες, θεματοφύλακες γνωστών καλλιτεχνικών παραδόσεων, αλλά ελεύθερες εταιρείες, παρόμοιες με άλλες βιοτεχνικές και βιομηχανικές συντεχνίες, που δεν διαφέρουν πολύ από αυτές ως προς τη δομή και στόχευαν στην αμοιβαία υποστήριξη των μελών τους, την προστασία των δικαιωμάτων τους, τη φροντίδα. για τα γηρατειά τους, φροντίζουν για τη μοίρα των χήρων και των ορφανών τους.

Κάθε ντόπιος ζωγράφος που πληρούσε τις προϋποθέσεις των ηθικών προσόντων γινόταν δεκτός στη συντεχνία μετά από προκαταρκτική επιβεβαίωση των ικανοτήτων και των γνώσεών του ή με βάση τη φήμη που είχε ήδη αποκτήσει. οι επισκέπτες καλλιτέχνες έγιναν δεκτοί στη συντεχνία ως προσωρινά μέλη για τη διάρκεια της παραμονής τους σε μια δεδομένη πόλη. Όσοι ανήκουν στη συντεχνία συναντήθηκαν για να συζητήσουν, υπό την προεδρία των κοσμητόρων, τις κοινές τους υποθέσεις ή για την αμοιβαία ανταλλαγή σκέψεων. αλλά σε αυτές τις συναντήσεις δεν υπήρχε τίποτα που να μοιάζει με το κήρυγμα μιας ορισμένης καλλιτεχνικής κατεύθυνσης και που θα έτεινε να περιορίσει την πρωτοτυπία οποιουδήποτε από τα μέλη.

Τα υποδεικνυόμενα χαρακτηριστικά της ολλανδικής ζωγραφικής είναι αισθητά ακόμη και στις πρώτες μέρες της - σε μια εποχή που αναπτύχθηκε αδιαχώριστα από τη φλαμανδική σχολή. Η αποστολή της, όπως και της τελευταίας, ήταν τότε κυρίως να διακοσμεί εκκλησίες με θρησκευτικές αγιογραφίες, παλάτια, δημαρχεία και αρχοντικά σπίτια με πορτρέτα κυβερνητικών αξιωματούχων και αριστοκρατών. Δυστυχώς, τα έργα των πρωτόγονων Ολλανδών ζωγράφων έχουν φτάσει σε εμάς μόνο σε πολύ περιορισμένες ποσότητες, καθώς τα περισσότερα από αυτά χάθηκαν κατά τη διάρκεια εκείνης της ταραγμένης εποχής, όταν η Μεταρρύθμιση κατέστρεψε τις καθολικές εκκλησίες, κατήργησε μοναστήρια και μοναστήρια και υποκίνησε τους «θραυστές εικόνων» (καταιγίδες) να καταστρέψουν το ζωγράφισε και σμίλεψε ιερές εικόνες και η λαϊκή εξέγερση κατέστρεψε παντού τα πορτρέτα των μισητών τυράννων. Ξέρουμε πολλούς από τους καλλιτέχνες που προηγήθηκαν της επανάστασης μόνο ονομαστικά. Μπορούμε να κρίνουμε τους άλλους μόνο από ένα ή δύο δείγματα της δουλειάς τους. Έτσι, για τον παλαιότερο από τους Ολλανδούς ζωγράφους, τον Albert van Ouwater, δεν υπάρχουν θετικά στοιχεία, εκτός από την πληροφορία ότι ήταν σύγχρονος των van Eycks και εργάστηκε στο Χάρλεμ. Δεν υπάρχουν αξιόπιστοι πίνακές του. Ο μαθητής του Gertjen van Sint-Jan είναι γνωστός μόνο από δύο πίνακες ενός τρίπτυχου («St. Sepulchre» και «Legend of the Bones of St. John»), που έγραψε για τον Καθεδρικό Ναό του Χάρλεμ, που φυλάσσεται στην Πινακοθήκη της Βιέννης. Η ομίχλη που μας σκεπάζει στην αρχική εποχή της σχολής G. αρχίζει να διαλύεται με την εμφάνιση στη σκηνή του Dirk Bouts, με το παρατσούκλι Stuerboat († 1475), με καταγωγή από το Haarlem, αλλά που εργαζόταν στο Leuven και γι' αυτό πολλοί θεωρείται ότι είναι μέρος του φλαμανδικού σχολείου (τα καλύτερα έργα του είναι δύο πίνακες «Η λανθασμένη δίκη του αυτοκράτορα Όθωνα», βρίσκονται στο Μουσείο των Βρυξελλών), καθώς και ο Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), του οποίου η κύρια αξία είναι ότι ήταν ο δάσκαλος του ο περίφημος Λουκάς του Λέιντεν (1494-1533). Αυτός ο τελευταίος, ένας πολυπράγμων, εργατικός και εξαιρετικά ταλαντούχος καλλιτέχνης, ήξερε πώς, όπως κανείς πριν από αυτόν, να αναπαράγει με ακρίβεια όλα όσα του τράβηξαν την προσοχή, και ως εκ τούτου μπορεί να θεωρηθεί ο πραγματικός πατέρας του ολλανδικού είδους, αν και έπρεπε να ζωγραφίζει κυρίως θρησκευτικά πίνακες ζωγραφικής και πορτρέτα. Στα έργα του σύγχρονου του Jan Mostaert (περίπου 1470-1556), η επιθυμία για νατουραλισμό συνδυάζεται με ένα άγγιγμα της γοτθικής παράδοσης, τη ζεστασιά του θρησκευτικού συναισθήματος με την ανησυχία για την εξωτερική κομψότητα.

Εκτός από αυτά εξαιρετικοί δάσκαλοι, για την αρχική εποχή της ολλανδικής τέχνης, αξίζει να αναφερθούν οι εξής: Hieronymus van Aken, με το παρατσούκλι Hieronymus de Bosch (περ. 1462-1516), ο οποίος έθεσε τα θεμέλια για τη σατιρική καθημερινή ζωγραφική με τις περίπλοκες, περίπλοκες και μερικές φορές εξαιρετικά παράξενες συνθέσεις του ; Jan Mundain († 1520), διάσημος στο Χάρλεμ για τις απεικονίσεις του διαβολισμού και της βαβούρας. Peter Aertsen († 1516), με το παρατσούκλι "Long Peter" (Lange Pier) για το ψηλό του ανάστημα, David Ioris (1501-56), ένας επιδέξιος ζωγράφος γυαλιού, που παρασύρθηκε από την οργή των Αναβαπτιστών και φανταζόταν τον εαυτό του ως τον προφήτη David και τον γιο του Ο Θεός, ο Jacob Swarts (1469 ? - 1535?), ο Jacob Cornelisen (1480; - αργότερα 1533) και ο γιος του Dirk Jacobs (δύο πίνακες του τελευταίου, που απεικονίζουν κοινωνίες τουφεκιού, βρίσκονται στο Ερμιτάζ).

Περίπου το μισό του 16ου πίνακα. μεταξύ των Ολλανδών ζωγράφων υπάρχει η επιθυμία να απαλλαγούν από τα μειονεκτήματα της ρωσικής τέχνης - τη γοτθική γωνιότητα και την ξηρότητά της - μελετώντας Ιταλοί καλλιτέχνεςτην Αναγέννηση και συνδυάζοντας τον τρόπο τους με τις καλύτερες παραδόσεις της δικής τους σχολής. Αυτή η επιθυμία είναι ήδη ορατή στα έργα του προαναφερθέντος Mostert. αλλά ο κύριος διαδότης του νέου κινήματος πρέπει να θεωρηθεί ο Jan Schorel (1495-1562), ο οποίος έζησε για μεγάλο χρονικό διάστημα στην Ιταλία και αργότερα ίδρυσε ένα σχολείο στην Ουτρέχτη, από το οποίο προήλθαν αρκετοί καλλιτέχνες μολυσμένοι με την επιθυμία να γίνουν Ολλανδοί Ραφαήλ. και ο Μιχαήλ Άγγελος. Στα βήματά του, ο Maarten van Van, με το παρατσούκλι Gemskerk (1498-1574), ο Henryk Goltzius (1558-1616), ο Peter Montford, παρατσούκλι. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Ο Χάρλεμ (1562-1638) και άλλοι που ανήκαν στην επόμενη περίοδο της ιταλικής σχολής, όπως, για παράδειγμα, ο Αβραάμ Μπλόμαερτ (1564-1651), ο Τζέραρντ Γκόνθορστ (1592-1662), ξεπέρασαν τις Άλπεις για να εμποτιστούν με τις τελειότητες. των διαφωτιστών της ιταλικής ζωγραφικής, αλλά έπεσε, ως επί το πλείστον, υπό την επίδραση εκπροσώπων της παρακμής αυτού του πίνακα που άρχιζε εκείνη την εποχή και επέστρεψαν στην πατρίδα τους ως μανιεριστές, φανταζόμενοι ότι όλη η ουσία της τέχνης βρίσκεται στην υπερβολή των μυών, στην επιδεξιότητα των γωνιών και την απήχηση των συμβατικών χρωμάτων.

Ωστόσο, η γοητεία με τους Ιταλούς, που συχνά επεκτεινόταν στα άκρα στη μεταβατική εποχή της ολλανδικής ζωγραφικής, έφερε ένα είδος πλεονεκτήματος, καθώς έφερε σε αυτόν τον πίνακα καλύτερο, πιο μαθημένο σχέδιο και την ικανότητα να διαχειρίζεται τη σύνθεση πιο ελεύθερα και τολμηρά. Μαζί με την παλιά ολλανδική παράδοση και την απεριόριστη αγάπη για τη φύση, ο Ιταλισμός έγινε ένα από τα στοιχεία από τα οποία διαμορφώθηκε η πρωτότυπη, ιδιαίτερα ανεπτυγμένη τέχνη της ακμάζουσας εποχής. Η έναρξη αυτής της εποχής, όπως έχουμε ήδη πει, θα πρέπει να χρονολογηθεί στις αρχές του 17ου αιώνα, όταν η Ολλανδία, έχοντας κερδίσει την ανεξαρτησία, άρχισε να ζει μια νέα ζωή. Η δραματική μετατροπή μιας καταπιεσμένης και φτωχής χώρας μόλις χθες σε μια πολιτικά σημαντική, άνετη και πλούσια ένωση κρατών συνοδεύτηκε από μια εξίσου δραματική επανάσταση στην τέχνη της.

Από όλες τις πλευρές, σχεδόν ταυτόχρονα, αναδύονται σε αμέτρητους αριθμούς υπέροχοι καλλιτέχνες, καλούμενοι να δραστηριοποιηθούν από την άνοδο του εθνικού πνεύματος και την ανάγκη για το έργο τους που έχει αναπτυχθεί στην κοινωνία. Στα αρχικά καλλιτεχνικά κέντρα, το Χάρλεμ και το Λάιντεν, προστίθενται νέα - Ντελφτ, Ουτρέχτη, Ντόρτρεχτ, Χάγη, Άμστερνταμ κ.λπ. Παντού τα παλιά καθήκοντα της ζωγραφικής αναπτύσσονται με νέο τρόπο υπό την επίδραση των μεταβαλλόμενων απαιτήσεων και απόψεων , και τους νέους κλάδους της, οι απαρχές των οποίων ήταν ελάχιστα αισθητές την προηγούμενη περίοδο.

Η Μεταρρύθμιση έδιωξε τους θρησκευτικούς πίνακες από τις εκκλησίες. δεν χρειαζόταν να διακοσμηθούν τα παλάτια και οι ευγενείς αίθουσες με εικόνες αρχαίων θεών και ηρώων, και επομένως η ιστορική ζωγραφική, που ικανοποιούσε τα γούστα της πλούσιας αστικής τάξης, απέρριψε τον ιδεαλισμό και στράφηκε σε μια ακριβή αναπαραγωγή της πραγματικότητας: άρχισε να ερμηνεύει γεγονότα του μακρού παρελθόντος όπως τα γεγονότα της εποχής που έλαβαν χώρα στην Ολλανδία, και κυρίως έλαβαν προσωπογραφία, διαιωνίζοντας σε αυτήν τα χαρακτηριστικά των ανθρώπων εκείνης της εποχής, είτε σε μονόμορφες μορφές είτε σε εκτενείς, πολυμορφικές συνθέσεις που απεικονίζουν κοινωνίες τουφεκιού (schutterstuke), οι οποίες έπαιξε τόσο εξέχοντα ρόλο στον αγώνα για την απελευθέρωση της χώρας - οι διαχειριστές των φιλανθρωπικών της ιδρυμάτων (regentenstuke), οι εργοδηγοί των καταστημάτων και τα μέλη διαφόρων εταιρειών.

Αν αποφασίσαμε να μιλήσουμε για όλους τους ταλαντούχους πορτραίτες της ακμάζουσας εποχής της ολλανδικής τέχνης, τότε και μόνο η λίστα των ονομάτων τους με ένδειξη των καλύτερων έργων τους θα χρειαζόταν πολλές γραμμές. Ως εκ τούτου, περιοριζόμαστε να αναφέρουμε μόνο εκείνους τους καλλιτέχνες που ξεχωρίζουν ιδιαίτερα από τη γενική τάξη. Αυτοί είναι οι: Michiel Miervelt (1567-1641), ο μαθητής του Paulus Morelse (1571-1638), ο Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572; - 1657), οι προκάτοχοι των τριών μεγαλύτερων προσωπογράφων της Ολλανδίας - των μάγος του chiaroscuro Rembrandt van Rijn (1606-69), ενός ασύγκριτου σχεδιαστή που είχε μια καταπληκτική τέχνη να μοντελοποιεί φιγούρες στο φως, αλλά κάπως ψυχρό χαρακτήρα και χρώμα, Bartholomew van der Gelst (1611 ή 1612-70) και εντυπωσιακό με τη φούγκα του πινέλου του Frans Gols the Elder (1581-1666). Από αυτά, το όνομα του Ρέμπραντ λάμπει ιδιαίτερα έντονα στην ιστορία, στην αρχή εκτιμήθηκε πολύ από τους συγχρόνους του, στη συνέχεια ξεχάστηκε από αυτούς, εκτιμήθηκε ελάχιστα από τους μεταγενέστερους και μόνο τον τρέχοντα αιώνα ανυψώθηκε, με κάθε δικαιοσύνη, στο επίπεδο του κόσμου. ιδιοφυία.

Στη χαρακτηριστική του καλλιτεχνική προσωπικότητα, όλες οι καλύτερες ιδιότητες της ολλανδικής ζωγραφικής συγκεντρώνονται, σαν να εστιάζονται, και η επιρροή του αντικατοπτρίστηκε σε όλους τους τύπους - σε πορτρέτα, ιστορικούς πίνακες, καθημερινές σκηνές και τοπία. Οι πιο διάσημοι μεταξύ των μαθητών και οπαδών του Ρέμπραντ ήταν οι: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 ή 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (περίπου 1620-54), Salomon and Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († αργότερα 1645), Gerard Dou (1613-75) και Samuel van Googstraten (1626-78). Εκτός από αυτούς τους καλλιτέχνες, για να συμπληρωθεί ο κατάλογος των καλύτερων προσωπογράφων και ιστορικών ζωγράφων της υπό εξέταση περιόδου, θα πρέπει να ονομάσουμε τον Jan Lievens (1607-30), τον συμμαθητή του Ρέμπραντ του P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72). ) και ο Pieter Nazon (1612-91), εργαζόμενοι, προφανώς, υπό την επιρροή του V. d Gelsta, μιμητής των Hals Johannes Verspronck (1597-1662), Jan and Jacob de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) και Nicholas de Gelta-Stokade (1614-69). Η οικιακή ζωγραφική, τα πρώτα πειράματα της οποίας εμφανίστηκαν στο παλιό ολλανδικό σχολείο, βρέθηκε τον 17ο αιώνα. ιδιαίτερα γόνιμο έδαφος στην προτεσταντική, ελεύθερη, αστική, αυτάρεσκη Ολλανδία.

Μικρές εικόνες, που αντιπροσώπευαν άτεχνα τα έθιμα και τη ζωή διαφορετικών τάξεων της τοπικής κοινωνίας, φαίνονταν σε αρκετούς ανθρώπους πιο διασκεδαστικές από μεγάλα έργα σοβαρής ζωγραφικής και, μαζί με τοπία, πιο βολικές για τη διακόσμηση φιλόξενων ιδιωτικών κατοικιών. Μια ολόκληρη ορδή καλλιτεχνών ικανοποιεί τη ζήτηση τέτοιων εικόνων, χωρίς να σκέφτεται πολύ την επιλογή των θεμάτων για αυτές, αλλά αναπαράγει συνειδητά όλα όσα συναντά κανείς στην πραγματικότητα, δείχνοντας ταυτόχρονα αγάπη για την οικογένειά τους, στη συνέχεια καλοσυνάτο χιούμορ, με ακρίβεια χαρακτηρίζοντας τις απεικονιζόμενες θέσεις και πρόσωπα και εξευγενισμένο στην κυριαρχία της τεχνολογίας. Ενώ κάποιοι ασχολούνται με τη ζωή των απλών ανθρώπων, σκηνές αγροτικής ευτυχίας και λύπης, ποτό σε ταβέρνες και ταβέρνες, συγκεντρώσεις μπροστά σε πανδοχεία στην άκρη του δρόμου, αγροτικές διακοπές, παιχνίδια και πατινάζ στους πάγους παγωμένων ποταμών και καναλιών κ.λπ., άλλοι παίρνουν το περιεχόμενο για τα έργα τους από έναν πιο κομψό κύκλο - ζωγραφίζουν χαριτωμένα κυρίες στο οικείο τους περιβάλλον, την ερωτοτροπία των δανδή κυρίων, τις νοικοκυρές που δίνουν εντολές στις υπηρέτριές τους, τις ασκήσεις κομμωτηρίου στη μουσική και το τραγούδι, το γλέντι της χρυσής νεότητας σε σπίτια αναψυχής κ.λπ. Στη μεγάλη σειρά καλλιτεχνών της πρώτης κατηγορίας διαπρέπουν οι Adrian και Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 ή 1606-38), Jan Stan (περίπου 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, με το παρατσούκλι Bambocchio στην Ιταλία (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, με το παρατσούκλι Sorg (1621-82), Claes Molenaar (πρώην 1630-76), Jan Minse-Molenar (περίπου 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) και μερικοί. κ.λπ. Από τον εξίσου σημαντικό αριθμό ζωγράφων που αναπαρήγαγαν τη ζωή της μεσαίας και ανώτερης, γενικά επαρκούς, τάξης, οι Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Γκογκ (1630-66), Κάσπαρ Νέτσερ (1639-84), Γαλλία γ. Miris the Elder (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer of Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony and Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38) κ.λπ. Η κατηγορία των ζωγράφων του είδους περιλαμβάνει καλλιτέχνες που ζωγράφιζαν σκηνές στρατιωτικής ζωής, αδράνεια στρατιωτών σε φρουρά , χώροι κατασκήνωσης, αψιμαχίες ιππικού και ολόκληρες μάχες, άλογα γυμναστικής, καθώς και σκηνές κυνηγιού γερακιών και κυνηγόσκυλων παρόμοιες με σκηνές μάχης. Επικεφαλής ΑντιπρόσωποςΑυτός ο κλάδος της ζωγραφικής είναι ο διάσημος και ασυνήθιστα παραγωγικός Philips Wouwerman (1619-68). Εκτός από αυτόν, ο αδερφός της αυτού του δασκάλου, Peter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), τον οποίο σύντομα θα συναντήσουμε ανάμεσα στους τοπιογράφους, τους προαναφερθέντες Παλαμήδη, Jacob Leduc (1600 - αργότερα 1660), Henrik. Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717), κ.λπ. Για πολλούς από αυτούς τους καλλιτέχνες, το τοπίο παίζει εξίσου σημαντικό ρόλο με τις ανθρώπινες φιγούρες. αλλά παράλληλα με αυτούς εργάζεται και μια μάζα ζωγράφων που το θέτουν ως κύριο ή αποκλειστικό έργο τους.

Γενικά, οι Ολλανδοί έχουν το αναφαίρετο δικαίωμα να είναι περήφανοι που η πατρίδα τους είναι η γενέτειρα όχι μόνο του νεότερου είδους, αλλά και του τοπίου με την έννοια που γίνεται κατανοητό σήμερα. Μάλιστα, σε άλλες χώρες, π.χ. στην Ιταλία και τη Γαλλία, η τέχνη δεν ενδιαφέρθηκε καθόλου για την άψυχη φύση, δεν βρήκε σε αυτήν ούτε μια μοναδική ζωή ούτε ιδιαίτερη ομορφιά: ο ζωγράφος εισήγαγε το τοπίο στους πίνακές του μόνο ως παράπλευρο στοιχείο, ως διακόσμηση, μεταξύ των οποίων επεισόδια ανθρώπινου δράματος ή Η κωμωδία παίζεται, και ως εκ τούτου την υποβάλλει σε συνθήκες σκηνής, επινοώντας γραφικές γραμμές και σημεία που της ωφελούν, αλλά χωρίς να αντιγράφει τη φύση, χωρίς να έχει διαποτιστεί από την εντύπωση που εμπνέει.

Με τον ίδιο τρόπο «συνέθεσε» τη φύση σε εκείνες τις σπάνιες περιπτώσεις που προσπάθησε να ζωγραφίσει έναν καθαρά τοπιογράφο. Οι Ολλανδοί ήταν οι πρώτοι που κατάλαβαν ότι ακόμα και στην άψυχη φύση όλα αναπνέουν ζωή, όλα είναι ελκυστικά, όλα είναι ικανά να προκαλούν σκέψη και να συναρπάζουν την κίνηση της καρδιάς. Και αυτό ήταν απολύτως φυσικό, γιατί οι Ολλανδοί, ας πούμε έτσι, δημιούργησαν τη φύση γύρω τους με τα χέρια τους, τη θησαύρισαν και τη θαύμασαν, όπως ο πατέρας θησαυρίζει και θαυμάζει το δικό του πνευματικό τέκνο. Επιπλέον, αυτή η φύση, παρά τη σεμνότητα των μορφών και των χρωμάτων της, παρείχε στους χρωματιστές όπως οι Ολλανδοί άφθονο υλικό για την ανάπτυξη μοτίβων φωτισμού και εναέριας προοπτικής λόγω των κλιματικών συνθηκών της χώρας - τον κορεσμένο με ατμό αέρα της, μαλακώνοντας τα περιγράμματα του αντικείμενα, που παράγουν μια διαβάθμιση τόνων σε διαφορετικά σχέδια και καλύπτουν την απόσταση με μια ομίχλη αργυρής ή χρυσής ομίχλης, καθώς και τη μεταβλητότητα της εμφάνισης των περιοχών που καθορίζονται από την εποχή του χρόνου, την ώρα της ημέρας και τις καιρικές συνθήκες.

Από τους τοπιογράφους της περιόδου της ανθοφορίας, οι Ολλανδοί. σχολεία, που ήταν οι διερμηνείς τους οικιακή φύση, ιδιαίτερα σεβαστός: Ian V. Goyen (1595-1656), ο οποίος μαζί με τον Esaias van de Velde (περ. 1590-1630) και τον Pieter Moleyn the Elder. (1595-1661), που θεωρείται ο ιδρυτής του Γκολ. τοπίο; τότε αυτός ο μαθητής του μεταπτυχιακού, ο Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (περ. 1600 - αργότερα 1679), λάτρης των εφέ του καλύτερου φωτισμού Τέχνη. d Nair (1603-77), ποιητικός Jacob v. Ruisdael (1628 ή 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) και Cornelis Dekker († 1678).

Μεταξύ των Ολλανδών υπήρχαν και πολλοί τοπιογράφοι που ξεκίνησαν ταξίδια και αναπαρήγαγαν μοτίβα ξένης φύσης, κάτι που όμως δεν τους εμπόδισε να διατηρήσουν έναν εθνικό χαρακτήρα στη ζωγραφική τους. Albert V. Ο Έβερντινγκεν (1621-75) απεικόνισε απόψεις της Νορβηγίας. Jan Both (1610-52), Dirk v. Μπέργκεν († αργότερα 1690) και Γιαν Λίνγκελμπαχ (1623-74) - Ιταλία; Ian V. δ. Δήμαρχος ο νεότερος (1656-1705), Χέρμαν Σάφτλεβεν (1610-85) και Γιαν Γκρίφιρ (1656-1720) - Ρέινα. Jan Hackart (1629-99;) - Γερμανία και Ελβετία. Ο Cornelis Pulenenburg (1586-1667) και μια ομάδα οπαδών του ζωγράφισαν τοπία εμπνευσμένα από την ιταλική φύση, με ερείπια αρχαίων κτιρίων, νύμφες που κολυμπούν και σκηνές μιας φανταστικής Αρκαδίας. Σε μια ειδική κατηγορία μπορούμε να ξεχωρίσουμε μάστορες που στους πίνακές τους συνδύασαν τοπία με εικόνες ζώων, δίνοντας προτίμηση είτε στο πρώτο είτε στο δεύτερο ή αντιμετωπίζοντας και τα δύο μέρη με την ίδια προσοχή. Ο πιο διάσημος από αυτούς τους ζωγράφους του αγροτικού ειδυλλίου είναι ο Paulus Potter (1625-54). Εκτός από αυτόν, εδώ πρέπει να συμπεριληφθεί και ο Άντριαν. d Velde (1635 ή 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) και πολυάριθμοι καλλιτέχνες που στράφηκαν για θέματα κατά προτίμηση ή αποκλειστικά στην Ιταλία, όπως: Willem Romain († αργότερα 1693), Adam. Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Wieck (1616;-77) Frederic de Moucheron (1633 ή 1634 -86) κ.λπ. Στενά συνδεδεμένη με τη ζωγραφική τοπίου είναι η ζωγραφική των αρχιτεκτονικών απόψεων, την οποία οι Ολλανδοί καλλιτέχνες άρχισαν να ασχολούνται ως ανεξάρτητος κλάδος τέχνης μόλις στα μισά του 17ου αιώνα.

Μερικοί από εκείνους που από τότε εργάστηκαν σε αυτόν τον τομέα ήταν περίπλοκοι στην απεικόνιση των δρόμων και των πλατειών της πόλης με τα κτίριά τους. αυτοί είναι, μεταξύ άλλων, λιγότερο σημαντικοί, οι Johannes Bärestraten (1622-66), Job and Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d Heyden (1647-1712) και Jacob v. χωριό Γιούλφτ (1627-88). Άλλοι, μεταξύ των οποίων οι πιο εξέχοντες είναι οι Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Ο Delen (1605-71), ο Emmanuel de Witte (1616 ή 1617-92), έγραψαν εσωτερικές απόψειςεκκλησίες και παλάτια. Η θάλασσα ήταν τόσο σημαντική στη ζωή της Ολλανδίας που η τέχνη της δεν μπορούσε να την αντιμετωπίσει παρά μόνο με τη μεγαλύτερη προσοχή. Πολλοί από τους καλλιτέχνες του που ασχολήθηκαν με το τοπίο, το είδος, ακόμα και με πορτρέτα, ξεφεύγοντας από τα συνηθισμένα τους θέματα για λίγο, έγιναν ναυτικοί ζωγράφοι και αν αποφασίσαμε να απαριθμήσουμε όλους τους ζωγράφους της ολλανδικής σχολής που απεικόνιζαν μια ήρεμη ή φουρτουνιασμένη θάλασσα, τα πλοία λικνίζονται πάνω του, σωριασμένα λιμενικά πλοία, ναυμαχίες κ.λπ., τότε θα παίρναμε μια πολύ μεγάλη λίστα, η οποία θα περιλαμβάνει τα ονόματα του Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. and J. Ruisdal, A. Cuyp και άλλοι που έχουν ήδη αναφερθεί στις προηγούμενες γραμμές. Περιοριζόμενοι στο να επισημάνουμε εκείνους για τους οποίους η ζωγραφική θαλάσσιων ειδών ήταν ειδικότητα, πρέπει να ονομάσουμε τον Willem v. de Velde the Elder (1611 ή 1612-93), ο διάσημος γιος του V. v. de Velde ο νεότερος (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) και Julius Parcellis († αργότερα 1634).

Τέλος, η ρεαλιστική κατεύθυνση της ολλανδικής σχολής ήταν ο λόγος που διαμορφώθηκε και αναπτύχθηκε σε αυτήν ένα είδος ζωγραφικής, που σε άλλα σχολεία μέχρι τότε δεν είχε καλλιεργηθεί ως ιδιαίτερος, ανεξάρτητος κλάδος, δηλαδή ζωγραφική λουλουδιών, φρούτων, λαχανικών, ζωντανά πλάσματα, μαγειρικά σκεύη, επιτραπέζια σκεύη κ.λπ. - με μια λέξη, αυτό που σήμερα αποκαλείται συνήθως «νεκρή φύση» (nature morte, Stilleben). Στην περιοχή αυτή μεταξύ των Οι πιο διάσημοι καλλιτέχνες της ακμής ήταν ο Jan-Davids de Gem (1606-83), ο γιος του Cornelis (1631-95), ο Abraham Mignon (1640-79), ο Melchior de Gondecoeter (1636-95), η Maria Osterwijk (1630). -93) , Willem V. Aalst (1626-83), Willem Geda (1594 - αργότερα 1678), Willem Kalf (1621 ή 1622-93) και Jan Waenix (1640-1719).

Η λαμπρή περίοδος της ολλανδικής ζωγραφικής δεν κράτησε πολύ - μόνο έναν αιώνα. Από τις αρχές του 18ου αιώνα. Η παρακμή του έρχεται, όχι επειδή οι ακτές του Zuiderzee παύουν να παράγουν έμφυτα ταλέντα, αλλά επειδή Στην κοινωνία, η εθνική αυτοσυνειδησία εξασθενεί ολοένα και περισσότερο, το εθνικό πνεύμα εξατμίζεται και τα γαλλικά γούστα και απόψεις της πομπώδους εποχής του Λουδοβίκου 14ου ριζώνουν. Στην τέχνη, αυτή η πολιτιστική στροφή εκφράζεται με τη λήθη εκ μέρους των καλλιτεχνών εκείνων των βασικών αρχών από τις οποίες εξαρτιόταν η πρωτοτυπία των ζωγράφων των προηγούμενων γενεών και η έφεση στις αισθητικές αρχές που προέρχονται από μια γειτονική χώρα.

Αντί για άμεση σχέση με τη φύση, η αγάπη για αυτό που είναι εγγενές και η ειλικρίνεια, η κυριαρχία των προκατασκευασμένων θεωριών, η σύμβαση και η μίμηση των Poussin, Lebrun, Cl. Λορέν και άλλοι διαφωτιστές της γαλλικής σχολής. Ο κύριος διαπραγματευτής αυτής της θλιβερής τάσης ήταν ο Φλαμανδός Gerard de Leresse (1641-1711), ο οποίος εγκαταστάθηκε στο Άμστερνταμ, ένας ικανότατος και μορφωμένος καλλιτέχνης στην εποχή του, ο οποίος άσκησε τεράστια επιρροή στους συγχρόνους του και στους άμεσους απογόνους του, τόσο με το ψεύδος του. -ιστορικούς πίνακες και με έργα της δικής του πένας, μεταξύ των οποίων ένα, το The Painter's Great Book ('t groot schilderboec), λειτούργησε ως κώδικας για νέους καλλιτέχνες για πενήντα χρόνια. Στην παρακμή της σχολής συνέβαλε και ο περίφημος Αδριανός. de Werff (1659-1722), του οποίου ο κομψός πίνακας με ψυχρές φιγούρες, σαν σκαλισμένος από ελεφαντόδοντο, με ένα θαμπό, ανίσχυρο χρώμα, φαινόταν κάποτε το ύψος της τελειότητας. Μεταξύ των οπαδών αυτού του καλλιτέχνη ο Henryk v. απόλαυσε τη φήμη ως ιστορικοί ζωγράφοι. Limborg (1680-1758) και Philip V.-Dyck (1669-1729), με το παρατσούκλι "Little V.-Dyck".

Από τους άλλους ζωγράφους της εν λόγω εποχής, προικισμένους με αναμφισβήτητο ταλέντο, αλλά μολυσμένους με το πνεύμα των καιρών, πρέπει να σημειωθεί ο Willem and France v. Miris the Younger (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) και Carel de Maur (1656-173). Λίγη λάμψη έδωσε στο ετοιμοθάνατο σχολείο ο Cornelis Troost (1697-1750), κυρίως σκιτσογράφος, με το παρατσούκλι Dutch. Γκόγκαρθ, προσωπογράφος Jan Quincgard (1688-1772), διακοσμητικός και ιστορικός ζωγράφος Jacob de Wit (1695-1754) και ζωγράφοι νεκρής φύσης Jan V. Geysum (1682-1749) και Rachel Reisch (1664-1750).

Η ξένη επιρροή βάραινε πολύ την ολλανδική ζωγραφική μέχρι τη δεκαετία του '20 XIX αιώνα, έχοντας καταφέρει να αντικατοπτρίσει λίγο-πολύ σε αυτό τις τροποποιήσεις που έκανε η τέχνη στη Γαλλία, ξεκινώντας από την κατασκευή περουκών της εποχής του Βασιλιά Ήλιου και τελειώνοντας με τον ψευδοκλασικισμό του Δαυίδ. Όταν το ύφος των τελευταίων απαρχαιώθηκε και παντού στη Δυτική Ευρώπη, αντί της γοητείας με τους αρχαίους Έλληνες και Ρωμαίους, γεννήθηκε μια ρομαντική επιθυμία, κατακτώντας τόσο την ποίηση όσο και τις παραστατικές τέχνες, οι Ολλανδοί, όπως και άλλοι

μ λαών, έστρεψαν το βλέμμα τους στην αρχαιότητα τους, άρα και στο ένδοξο παρελθόν της ζωγραφικής τους.

Η επιθυμία να του δώσει ξανά τη λάμψη με την οποία έλαμψε τον 17ο αιώνα άρχισε να εμπνέει τους νεότερους καλλιτέχνες και τους επέστρεψε στις αρχές των αρχαίων εθνικών δασκάλων - σε μια αυστηρή παρατήρηση της φύσης και μια έξυπνη, ειλικρινή στάση απέναντι στα καθήκοντα του χέρι. Ταυτόχρονα, δεν προσπάθησαν να εξαλειφθούν εντελώς από την ξένη επιρροή, αλλά όταν πήγαν για σπουδές στο Παρίσι ή στο Ντίσελντορφ και σε άλλα καλλιτεχνικά κέντρα στη Γερμανία, έμαθαν μόνο μια γνωριμία με τις επιτυχίες της σύγχρονης τεχνολογίας.

Χάρη σε όλα αυτά, το αναβιωμένο ολλανδικό σχολείο έλαβε και πάλι μια πρωτότυπη, ελκυστική φυσιογνωμία και κινείται σήμερα στο μονοπάτι που οδηγεί σε περαιτέρω πρόοδο. Μπορεί εύκολα να αντιπαραβάλει πολλές από τις νεότερες φιγούρες της με τους καλύτερους ζωγράφους του 19ου αιώνα σε άλλες χώρες. Ζωγραφική ιστορίαςΜε την αυστηρή έννοια του όρου, καλλιεργείται σε αυτό, όπως παλιά, πολύ μέτρια και δεν έχει εξαιρετικούς εκπροσώπους. αλλά εν μέρει ιστορικό είδοςΟ Holland μπορεί να υπερηφανεύεται για πολλούς σημαντικούς πρόσφατους δασκάλους, όπως: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (γεν. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (γεν. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) και τον εξαιρετικά ταλαντούχο Lawrence Alma-Tadema (γεν. 1836), που εγκατέλειψε στην Αγγλία. Το καθημερινό είδος, που περιλαμβανόταν επίσης στον κύκλο δραστηριότητας αυτών των καλλιτεχνών (με εξαίρεση τον Alma-Tadema), μπορεί να επισημανθεί ένας αριθμός εξαιρετικών ζωγράφων, με επικεφαλής τον Joseph Israels (γεν. 1824) και τον Christoffel Bisschop (β. 1828)· Εκτός από αυτούς, οι Michiel Verseg (1756-1843), ο Elhanon Vervaer (γ. 1826), η Teresa Schwarze (γ. 1852) και ο Valli Mus (γ. 1857) είναι άξιοι να ονομαστούν.

Ο νεότερος ολλανδικός πίνακας είναι ιδιαίτερα πλούσιος σε τοπιογράφους που έχουν εργαστεί και εργάζονται με διάφορους τρόπους, άλλοτε με προσεκτικό φινίρισμα, άλλοτε με την ευρεία τεχνική των ιμπρεσιονιστών, αλλά πιστούς και ποιητικούς ερμηνευτές της ιθαγενούς τους φύσης. Σε αυτούς περιλαμβάνονται οι Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (γ. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (γ. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (γ. 1837), Lodewijk Apol (γ. 1850) και πολλοί άλλοι. κλπ. Άμεσοι κληρονόμοι του Υα. Εμφανίστηκαν οι D. Heyden και E. de Witte ζωγράφοι υποσχόμενων απόψεων, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gowe (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880), κ.λπ. Από τους νεότερους ναυτικούς ζωγράφους της Ολλανδίας, οι Η παλάμη ανήκει στο Jog. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (γ. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) και Henrik Mesdag (γ. 1831). Τέλος, ο Wouters Verschoor (1812-74) και ο Johann Gas (γεν. 1832) επέδειξαν μεγάλη δεξιοτεχνία στη ζωγραφική των ζώων.

Νυμφεύομαι. Van Eyden u. van der Willigen, «Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw» (4 τόμοι, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (2ος και 3ος τόμος, 1882-1883); Waagen, «Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen» (1862); Bode, «Studien zur Geschichte der holländischen Malerei» (1883); Havard, "La peinture hollandaise" (1880); E. Fromentin, «Les maîtres d’autrefois. Belgique, Hollande» (1876); A. Bredius, «Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam» (1890); P. P. Semenov, «Σχέδια για την ιστορία της ολλανδικής ζωγραφικής με βάση τα δείγματά της που βρίσκονται στην Αγία Πετρούπολη». (ειδικό συμπλήρωμα στο περιοδικό «Vestn. Fine Arts», 1885-90).

Βιοενέργεια Η Χρυσή Εποχή της Ολλανδικής ζωγραφικής είναι μια από τις πιο σημαντικές εποχές στην ιστορία όλης της παγκόσμιας ζωγραφικής. Θεωρείται η Χρυσή Εποχή της Ολλανδικής ζωγραφικής 17ος αιώνας

. Ήταν εκείνη την εποχή που οι πιο ταλαντούχοι καλλιτέχνες και ζωγράφοι δημιούργησαν τα αθάνατα έργα τους. Οι πίνακές τους θεωρούνται ακόμη αξεπέραστα αριστουργήματα, που φυλάσσονται σε διάσημα μουσεία σε όλο τον κόσμο και θεωρούνται ανεκτίμητη κληρονομιά της ανθρωπότητας. ΑρχικάΣτην Ολλανδία, μια μάλλον πρωτόγονη τέχνη εξακολουθούσε να ανθίζει, η οποία δικαιολογούνταν από τα εγκόσμια γούστα και τις προτιμήσεις πλουσίων και ισχυρών ανθρώπων. Ως αποτέλεσμα πολιτικών, γεωπολιτικών και θρησκευτικών αλλαγών, η ολλανδική τέχνη άλλαξε δραματικά. Αν πριν από αυτό οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να συγκινήσουν τους Ολλανδούς μπέργκερ, απεικονίζοντας τη ζωή και τον τρόπο ζωής τους, χωρίς καμία υψηλή και ποιητική γλώσσα, και επίσης δούλευαν για την εκκλησία, η οποία ανέθεσε στους καλλιτέχνες να δουλέψουν σε ένα μάλλον πρωτόγονο είδος με μακροχρόνια θέματα , τότε οι αρχές του 17ου αιώνα ήταν μια πραγματική ανακάλυψη. Στην Ολλανδία βασίλευε η κυριαρχία των Προτεσταντών, οι οποίοι ουσιαστικά σταμάτησαν να παραγγέλνουν πίνακες με θρησκευτικά θέματα από καλλιτέχνες. Η Ολλανδία ανεξαρτητοποιήθηκε από την Ισπανία και επιβλήθηκε στο ιστορικό βάθρο. Οι καλλιτέχνες μετακινήθηκαν από παλαιότερα γνωστά θέματα στην απεικόνιση καθημερινών σκηνών, πορτρέτων, τοπίων, νεκρών φύσεων και ούτω καθεξής. Εδώ, σε ένα νέο πεδίο, οι καλλιτέχνες της χρυσής εποχής έμοιαζαν να έχουν ανοίξει μια νέα πνοή και πραγματικές ιδιοφυΐες τέχνης άρχισαν να εμφανίζονται στον κόσμο.

Ολλανδοί καλλιτέχνες του 17ου αιώνα εισήγαγαν τον ρεαλισμό στη ζωγραφική στη μόδα. Εκπληκτικοί σε σύνθεση, σε ρεαλισμό, σε βάθος και ασυνήθιστη, οι πίνακες άρχισαν να απολαμβάνουν τεράστια επιτυχία. Η ζήτηση για πίνακες αυξήθηκε κατακόρυφα. Ως αποτέλεσμα, άρχισαν να εμφανίζονται όλο και περισσότεροι νέοι καλλιτέχνες, οι οποίοι με εκπληκτικά γρήγορους ρυθμούς ανέπτυξαν τις βασικές αρχές της ζωγραφικής, ανέπτυξαν νέες τεχνικές, στυλ και είδη. Μερικοί από τους πιο διάσημους καλλιτέχνες της Χρυσής Εποχής ήταν οι: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel the Elder, Esaias van de Velde, Frans Hals, Adrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck και πολλοί άλλοι.

Golden Age of Steel: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel the Elder, Esaias van de Velde, Frans Hals, Andrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck και πολλοί άλλοι.

Cornelis de Man - Whale Oil Manufactory

Cornelis Trost - Διασκέδαση στο πάρκο

Ludolf Backhuizen - Ανατολική Ινδία Campaign Dock στο Άμστερνταμ

Pieter Bruegel the Elder - The Alchemist's Catastrofe

Ρέμπραντ - Άντριες ντε Γκρέεφ

Τα πρώτα χρόνια του 17ου αιώνα θεωρούνται η γέννηση της ολλανδικής σχολής. Η σχολή αυτή ανήκει στις μεγάλες σχολές της ζωγραφικής και είναι μια σχολή ανεξάρτητη και ανεξάρτητη με μοναδικά και αμίμητα χαρακτηριστικά και ταυτότητα.

Αυτό έχει μια σε μεγάλο βαθμό ιστορική εξήγηση - μια νέα κίνηση στην τέχνη και μια νέα κατάσταση στον χάρτη της Ευρώπης προέκυψαν ταυτόχρονα.

Μέχρι τον 17ο αιώνα, η Ολλανδία δεν ξεχώριζε για την αφθονία των εθνικών καλλιτεχνών. Ίσως γι' αυτό στο μέλλον σε αυτή τη χώρα μπορεί κανείς να μετρήσει τόσο μεγάλο αριθμό καλλιτεχνών, και συγκεκριμένα Ολλανδούς καλλιτέχνες. Ενώ αυτή η χώρα ήταν ένα κράτος με τη Φλάνδρα, ήταν κυρίως στη Φλάνδρα που δημιουργήθηκαν και αναπτύχθηκαν εντατικά πρωτότυπα καλλιτεχνικά κινήματα. Οι εξαιρετικοί ζωγράφοι Van Eyck, Memling, Rogier van der Weyden, παρόμοιοι των οποίων δεν βρέθηκαν στην Ολλανδία, εργάστηκαν στη Φλάνδρα. Μόνο μεμονωμένες εκρήξεις ιδιοφυΐας στη ζωγραφική μπορούν να σημειωθούν στις αρχές του 16ου αιώνα, αυτός είναι ο καλλιτέχνης και χαράκτης Luke of Leiden, ο οποίος είναι οπαδός της σχολής της Μπριζ. Αλλά ο Λουκάς του Λέιντεν δεν δημιούργησε καμία σχολή. Το ίδιο μπορεί να ειπωθεί για τον ζωγράφο Dirk Bouts από το Χάρλεμ, του οποίου οι δημιουργίες δεν ξεχωρίζουν με φόντο το ύφος και τον τρόπο προέλευσης της φλαμανδικής σχολής, για τους καλλιτέχνες Mostart, Skorel και Heemskerke, οι οποίοι, παρ' όλη τη σημασία τους, δεν είναι μεμονωμένα ταλέντα που τους χαρακτηρίζουν με την πρωτοτυπία τους χώρα.

Στη συνέχεια, η ιταλική επιρροή εξαπλώθηκε σε όλους όσους δημιούργησαν με το πινέλο - από την Αμβέρσα μέχρι το Χάρλεμ. Αυτός ήταν ένας από τους λόγους που τα σύνορα ήταν ασαφή, τα σχολεία ήταν μικτά και οι καλλιτέχνες έχασαν την εθνική τους ταυτότητα. Ούτε ένας μαθητής του Γιαν Σκόρελ δεν επέζησε. Ο τελευταίος, ο πιο διάσημος, ο μεγαλύτερος ζωγράφος πορτρέτων, που μαζί με τον Ρέμπραντ είναι το καμάρι της Ολλανδίας, ένας καλλιτέχνης προικισμένος με ισχυρό ταλέντο, άριστα μορφωμένος, ποικίλο στυλ, θαρραλέος και ευέλικτος από τη φύση του, ένας κοσμοπολίτης που έχει χάσει τα πάντα ίχνη της καταγωγής του και ακόμη και το όνομά του - Αντώνης Μορώ, (ήταν ο επίσημος ζωγράφος του Ισπανού βασιλιά) πέθανε μετά το 1588.

Οι επιζώντες ζωγράφοι σχεδόν έπαψαν να είναι Ολλανδοί στο πνεύμα της δουλειάς τους δεν είχαν την οργάνωση και την ικανότητα να ανανεώσουν το εθνικό σχολείο. Αυτοί ήταν εκπρόσωποι του ολλανδικού μανιερισμού: ο χαράκτης Hendrik Goltzius, ο Cornelis του Haarlem, που μιμήθηκε τον Michelangelo, ο Abraham Bloemaert, οπαδός του Correggio, ο Michiel Miervelt, καλός καλλιτέχνης πορτρέτων, δεξιοτέχνης, ακριβής, λακωνικός, λίγο ψυχρός, μοντέρνος για την εποχή του. , αλλά όχι εθνική. Είναι ενδιαφέρον ότι μόνο αυτός δεν υπέκυψε στην ιταλική επιρροή, η οποία υπέταξε τις περισσότερες από τις εκδηλώσεις στη ζωγραφική της Ολλανδίας εκείνη την εποχή.

Στα τέλη του 16ου αιώνα, όταν οι προσωπογράφοι είχαν ήδη δημιουργήσει μια σχολή, άρχισαν να εμφανίζονται και να σχηματίζονται άλλοι καλλιτέχνες. Στο δεύτερο μισό του 16ου αιώνα, μεγάλος αριθμόςζωγράφοι που έχουν γίνει φαινόμενο στη ζωγραφική, αυτό είναι σχεδόν το ξύπνημα της ολλανδικής εθνικής σχολής. Η μεγάλη ποικιλία ταλέντων οδηγεί σε πολλές διαφορετικές κατευθύνσεις και μονοπάτια για την ανάπτυξη της ζωγραφικής. Οι καλλιτέχνες δοκιμάζουν τον εαυτό τους σε όλα τα είδη, σε διαφορετικούς χρωματικούς συνδυασμούς: άλλοι δουλεύουν με ανοιχτόχρωμο τρόπο, άλλοι με σκούρο (η επιρροή του Ιταλού καλλιτέχνη Καραβάτζιο έγινε αισθητή εδώ). Οι ζωγράφοι είναι αφοσιωμένοι στα ανοιχτά χρώματα και οι χρωματιστές στα σκούρα χρώματα. Ξεκινά η αναζήτηση ενός εικονογραφικού τρόπου και αναπτύσσονται κανόνες για την απεικόνιση του chiaroscuro. Η παλέτα γίνεται πιο χαλαρή και ελεύθερη, όπως και οι γραμμές και η πλαστικότητα της εικόνας. Εμφανίζονται οι άμεσοι προκάτοχοι του Ρέμπραντ - οι δάσκαλοί του Jan Pace και Peter Lastman. Οι μέθοδοι του είδους γίνονται επίσης πιο ελεύθερες - η ιστορικότητα δεν είναι τόσο υποχρεωτική όσο πριν. Δημιουργείται ένα ιδιαίτερο, βαθιά εθνικό και σχεδόν ιστορικό είδος - ομαδικά πορτρέτα που προορίζονται για δημόσιους χώρους - δημαρχεία, εταιρείες, εργαστήρια και κοινότητες. Με αυτό το γεγονός, το τελειότερο σε μορφή, τελειώνει ο 16ος αιώνας και αρχίζει ο 17ος αιώνας.

Αυτή είναι μόνο η αρχή, το έμβρυο του σχολείου δεν υπάρχει ακόμα. Υπάρχουν πολλοί ταλαντούχοι καλλιτέχνες. Ανάμεσά τους υπάρχουν ικανοί τεχνίτες, αρκετοί σπουδαίοι ζωγράφοι. Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder και τέλος ο Esayas van de Velde και ο van Goyen - όλοι γεννήθηκαν στα τέλη του 16ου αιώνας. Αυτός ο κατάλογος περιλαμβάνει επίσης καλλιτέχνες των οποίων τα ονόματα έχουν διατηρηθεί από την ιστορία, εκείνους που αντιπροσώπευαν μόνο μεμονωμένες προσπάθειες να επιτύχουν κυριαρχία και εκείνους που έγιναν δάσκαλοι και προκάτοχοι μελλοντικών δασκάλων.

Αυτή ήταν μια κρίσιμη στιγμή στην ανάπτυξη της ολλανδικής ζωγραφικής. Με μια ασταθή πολιτική ισορροπία, τα πάντα εξαρτιόνταν μόνο από την τύχη. Στη Φλάνδρα, όπου παρατηρήθηκε παρόμοια αφύπνιση, αντίθετα, υπήρχε ήδη μια αίσθηση εμπιστοσύνης και σταθερότητας που δεν υπήρχε ακόμα στην Ολλανδία. Στη Φλάνδρα υπήρχαν ήδη καλλιτέχνες που είχαν σχηματίσει ή ήταν κοντά σε αυτό. Οι πολιτικές και κοινωνικοϊστορικές συνθήκες σε αυτή τη χώρα ήταν πιο ευνοϊκές. Υπήρχε μια πιο ευέλικτη και ανεκτική κυβέρνηση, παραδόσεις και κοινωνία. Η ανάγκη για πολυτέλεια γέννησε μια επίμονη ανάγκη για τέχνη. Γενικά, υπήρχαν σοβαροί λόγοι για να γίνει η Φλάνδρα για δεύτερη φορά μεγάλο κέντρο τέχνης. Για αυτό, μόνο δύο πράγματα έλειπαν: αρκετά χρόνια ειρήνης και ένας δάσκαλος που θα ήταν ο δημιουργός του σχολείου.

Το 1609, όταν αποφασιζόταν η μοίρα της Ολλανδίας - ο Φίλιππος Γ' συμφώνησε σε ανακωχή μεταξύ Ισπανίας και Ολλανδίας - εμφανίστηκε ο Ρούμπενς.

Όλα εξαρτιόνταν από πολιτικές ή στρατιωτικές πιθανότητες. Ηττημένη και υποταγμένη, η Ολλανδία θα έπρεπε να χάσει εντελώς την ανεξαρτησία της. Τότε, φυσικά, δεν θα μπορούσαν να υπάρχουν δύο ανεξάρτητα σχολεία - στην Ολλανδία και στη Φλάνδρα. Σε μια χώρα εξαρτημένη από την Ιταλο-Φλαμανδική επιρροή, μια τέτοια σχολή και ταλαντούχοι πρωτότυποι καλλιτέχνες δεν μπορούσαν να αναπτυχθούν.

Για να γεννηθούν οι Ολλανδοί και για να δει το φως μαζί τους η ολλανδική τέχνη, χρειαζόταν μια επανάσταση, βαθιά και νικηφόρα. Ήταν ιδιαίτερα σημαντικό η επανάσταση να βασίζεται στη δικαιοσύνη, τη λογική, την αναγκαιότητα, να αξίζει ο λαός αυτό που ήθελε να πετύχει, να είναι αποφασιστικός, πεπεισμένος ότι είναι σωστός, εργατικός, υπομονετικός, εγκρατής, ηρωικός και σοφός. Όλα αυτά τα ιστορικά χαρακτηριστικά αντικατοπτρίστηκαν στη συνέχεια κατά τη διαμόρφωση της ολλανδικής σχολής ζωγραφικής.

Η κατάσταση αποδείχτηκε τέτοια που ο πόλεμος δεν κατέστρεψε τους Ολλανδούς, αλλά τους πλούτισε ο αγώνας για ανεξαρτησία δεν εξάντλησε τις δυνάμεις τους, αλλά τους ενίσχυσε και τους ενέπνευσε. Στη νίκη επί των εισβολέων, ο λαός έδειξε το ίδιο θάρρος όπως στον αγώνα κατά των στοιχείων, πάνω από τη θάλασσα, πάνω από τις πλημμύρες των εδαφών, πάνω στο κλίμα. Αυτό που υποτίθεται ότι θα κατέστρεφε τους ανθρώπους τους εξυπηρετούσε καλά. Οι συνθήκες που υπογράφηκαν με την Ισπανία έδωσαν στην Ολλανδία ελευθερία και ενίσχυσαν τη θέση της. Όλα αυτά οδήγησαν στη δημιουργία της δικής τους τέχνης, η οποία δόξαζε, πνευματοποίησε και εξέφραζε την εσωτερική ουσία του ολλανδικού λαού.

Μετά τη συνθήκη του 1609 και την επίσημη αναγνώριση των Ηνωμένων Επαρχιών, επήλθε αμέσως ηρεμία. Λες και ένα ευεργετικό, ζεστό αεράκι άγγιξε ανθρώπινες ψυχές, ξαναζωντάνεψε το χώμα, βρήκε και ξύπνησε βλαστάρια που ήταν έτοιμα να ανθίσουν. Είναι εκπληκτικό πόσο απροσδόκητα και σε πόσο σύντομο χρονικό διάστημα -όχι περισσότερο από τριάντα χρόνια- εμφανίστηκε σε έναν μικρό χώρο, σε αχάριστο έρημο χώμα, σε σκληρές συνθήκες διαβίωσης, ένας υπέροχος γαλαξίας ζωγράφων, και μάλιστα σπουδαίων ζωγράφων.

Εμφανίστηκαν αμέσως και παντού: στο Άμστερνταμ, στο Ντόρντρεχτ, στο Λέιντεν, στο Ντελφτ, στην Ουτρέχτη, στο Ρότερνταμ, στο Χάρλεμ, ακόμη και στο εξωτερικό - σαν από σπόρους που έπεσαν έξω από το χωράφι. Οι πρώτοι είναι οι Jan van Goyen και Wijnants, που γεννήθηκαν στις αρχές του αιώνα. Και περαιτέρω, στο διάστημα από την αρχή του αιώνα έως το τέλος του πρώτου τρίτου του - Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jacob Ruisdael.

Αλλά οι δημιουργικοί χυμοί δεν σταμάτησαν εκεί. Στη συνέχεια γεννήθηκαν ο Pieter de Hooch, Hobbema. Οι τελευταίοι από τους μεγάλους, ο van der Heyden και ο Adrian van de Velde, γεννήθηκαν το 1636 και το 1637. Εκείνη την εποχή, ο Ρέμπραντ ήταν τριάντα ετών. Αυτά τα χρόνια περίπου μπορούν να θεωρηθούν η εποχή της πρώτης ανθοφορίας του ολλανδικού σχολείου.

Λαμβάνοντας υπόψη τα ιστορικά γεγονότα εκείνης της εποχής, μπορεί κανείς να φανταστεί ποιες πρέπει να είναι οι φιλοδοξίες, ο χαρακτήρας και η μοίρα της νέας ζωγραφικής σχολής. Τι θα μπορούσαν να γράψουν αυτοί οι καλλιτέχνες σε μια χώρα όπως η Ολλανδία;

Η επανάσταση, που έδωσε στον ολλανδικό λαό ελευθερία και πλούτο, ταυτόχρονα τους στέρησε αυτό που αποτελεί τη ζωτική βάση των παντού μεγάλων σχολείων. Άλλαξε πεποιθήσεις, άλλαξε συνήθειες, κατάργησε εικόνες τόσο αρχαίων όσο και ευαγγελικών σκηνών και σταμάτησε τη δημιουργία μεγάλων έργων - εκκλησιαστικών και διακοσμητικών πινάκων. Στην πραγματικότητα, κάθε καλλιτέχνης είχε μια εναλλακτική - να είναι πρωτότυπος ή να μην είναι καθόλου.

Ήταν απαραίτητο να δημιουργηθεί τέχνη για ένα έθνος μπιφτέκι που θα τους άρεσε, θα τους απεικόνιζε και θα ήταν σχετικό με αυτούς. Ήταν πρακτικοί, μη επιρρεπείς στην αφηρημάδα, επιχειρηματίες, με σπασμένες παραδόσεις και αντιιταλικά αισθήματα. Μπορούμε να πούμε ότι οι Ολλανδοί είχαν ένα απλό και τολμηρό έργο - να δημιουργήσουν το δικό τους πορτρέτο.

Η ολλανδική ζωγραφική ήταν και θα μπορούσε να είναι μόνο μια έκφραση της εξωτερικής εμφάνισης, ένα αληθινό, ακριβές, παρόμοιο πορτρέτο της Ολλανδίας. Ήταν ένα πορτρέτο ανθρώπων και εδάφους, έθιμα, πλατείες, δρόμοι, χωράφια, θάλασσα και ουρανός. Τα κύρια στοιχεία της ολλανδικής σχολής ήταν τα πορτρέτα, τα τοπία και οι καθημερινές σκηνές. Τέτοιος ήταν αυτός ο πίνακας από την αρχή της ύπαρξής του μέχρι την παρακμή του.

Μπορεί να φαίνεται ότι τίποτα δεν θα μπορούσε να είναι πιο απλό από την ανακάλυψη αυτής της κοινής τέχνης. Στην πραγματικότητα, είναι αδύνατο να φανταστεί κανείς κάτι αντίστοιχο σε εύρος και καινοτομία.

Αμέσως όλα άλλαξαν στον τρόπο κατανόησης, θέασης και μετάδοσης: άποψη, καλλιτεχνικό ιδανικό, επιλογή φύσης, στυλ και μέθοδος. Η ιταλική και η φλαμανδική ζωγραφική στα καλύτερά της είναι ακόμα κατανοητή σε εμάς, γιατί εξακολουθούν να τις απολαμβάνουμε, αλλά αυτές είναι ήδη νεκρές γλώσσες και κανείς δεν θα τις χρησιμοποιεί πια.

Κάποτε υπήρχε η συνήθεια να σκέφτεσαι ψηλά και γενικά υπήρχε μια τέχνη που συνίστατο στην επιδέξια επιλογή αντικειμένων. Στη διακόσμησή τους, διόρθωση. Του άρεσε να δείχνει τη φύση καθώς δεν υπάρχει στην πραγματικότητα. Όλα όσα απεικονίζονταν ήταν λίγο-πολύ συνεπή με την προσωπικότητα του ατόμου, εξαρτιόνταν από αυτήν και ήταν η ομοιότητά του. Ως αποτέλεσμα, προέκυψε μια τέχνη στην οποία ο άνθρωπος βρίσκεται στο κέντρο, και όλες οι άλλες εικόνες του σύμπαντος είτε ενσαρκώθηκαν σε ανθρώπινες μορφές είτε εμφανίστηκαν αόριστα ως δευτερεύον περιβάλλον του ανθρώπου. Η δημιουργικότητα αναπτύχθηκε σύμφωνα με ορισμένα πρότυπα. Κάθε αντικείμενο έπρεπε να δανειστεί την πλαστική του μορφή από το ίδιο ιδανικό. Ο άντρας έπρεπε να απεικονίζεται πιο συχνά γυμνός παρά ντυμένος, καλοφτιαγμένος και όμορφος, ώστε να μπορεί να παίξει τον ρόλο που του ανατέθηκε με την ανάλογη μεγαλοπρέπεια.

Τώρα το έργο της ζωγραφικής έχει γίνει πιο απλό. Ήταν απαραίτητο να δοθεί σε κάθε πράγμα ή φαινόμενο το αληθινό του νόημα, να τοποθετηθεί ένα άτομο στη σωστή του θέση και, αν χρειαζόταν, να γίνει εντελώς χωρίς αυτόν.

Ήρθε η ώρα να σκεφτείς λιγότερο, να κοιτάξεις προσεκτικά τι είναι πιο κοντά, να παρατηρήσεις καλύτερα και να γράψεις διαφορετικά. Τώρα αυτή είναι η ζωγραφιά του πλήθους, του πολίτη, του εργαζόμενου ανθρώπου. Ήταν απαραίτητο να γίνουμε σεμνοί για οτιδήποτε μέτριο, μικρό για το μικρό, δυσδιάκριτο για το δυσθεώρητο, να αποδεχθούμε τα πάντα χωρίς να απορρίπτουμε ή να περιφρονούμε τίποτα, να διεισδύσουμε στην κρυφή ζωή των πραγμάτων, να συγχωνεύσουμε με αγάπη με την ύπαρξή τους, ήταν απαραίτητο να γίνουμε προσεκτικοί , περίεργος και υπομονετικός. Η ιδιοφυΐα συνίσταται πλέον στο να μην έχεις προκαταλήψεις. Δεν χρειάζεται να εξωραΐσουμε, να εξευγενίσουμε ή να εκθέσουμε οτιδήποτε: όλα αυτά είναι ένα ψέμα και άχρηστο έργο.

Ολλανδοί ζωγράφοι, δημιουργώντας σε κάποια γωνιά της βόρειας χώρας με νερό, δάση, θαλάσσιους ορίζοντες, μπόρεσαν να αντικατοπτρίσουν ολόκληρο το σύμπαν σε μικρογραφία. Μια μικρή χώρα, προσεκτικά εξερευνημένη σύμφωνα με τα γούστα και τα ένστικτα του παρατηρητή, μετατρέπεται σε ένα ανεξάντλητο θησαυροφυλάκιο, τόσο άφθονο όσο η ίδια η ζωή, τόσο πλούσια σε αισθήσεις όσο πλούσια σε αυτές η ανθρώπινη καρδιά. Το ολλανδικό σχολείο αναπτύσσεται και λειτουργεί έτσι εδώ και έναν ολόκληρο αιώνα.

Οι Ολλανδοί ζωγράφοι βρήκαν θέματα και χρώματα για να ικανοποιήσουν τις όποιες ανθρώπινες κλίσεις και στοργές, για τραχιές και λεπτές φύσεις, φλογερές και μελαγχολικές, ονειρεμένες και χαρούμενες. Οι συννεφιασμένες μέρες δίνουν τη θέση τους σε χαρούμενες ηλιόλουστες μέρες, η θάλασσα είναι άλλοτε ήρεμη και αστραφτερή από ασήμι, άλλοτε φουρτουνιασμένη και ζοφερή. Υπάρχουν πολλά βοσκοτόπια με φάρμες και πολλά πλοία συνωστισμένα κατά μήκος της ακτής. Και μπορείτε σχεδόν πάντα να αισθανθείτε την κίνηση του αέρα πάνω από τους ανοιχτούς χώρους και ισχυροί άνεμοιαπό τη Βόρεια Θάλασσα, που στοιβάζουν τα σύννεφα, λυγίζουν τα δέντρα, γυρίζουν τα φτερά των μύλων και διώχνουν το φως και τις σκιές. Σε αυτά πρέπει να προστεθούν πόλεις, ζωή στο σπίτι και στους δρόμους, γιορτές σε πανηγύρια, απεικονίσεις διαφόρων ηθών, τις ανάγκες των φτωχών, τη φρίκη του χειμώνα, την αδράνεια στις ταβέρνες με τον καπνό του τσιγάρου και τις κούπες μπύρας. Από την άλλη πλευρά - ένας πλούσιος τρόπος ζωής, ευσυνείδητη εργασία, καβαλάρηδες, απογευματινή ανάπαυση, κυνήγι. Επιπλέον - δημόσια ζωή, πολιτικές τελετές, συμπόσια. Το αποτέλεσμα ήταν νέα τέχνη, αλλά με θέματα τόσο παλιά όσο ο χρόνος.

Έτσι προέκυψε μια αρμονική ενότητα του πνεύματος του σχολείου και η πιο εκπληκτική ποικιλομορφία που προέκυψε ποτέ μέσα σε ένα μόνο κίνημα τέχνης.

Γενικά, η ολλανδική σχολή ονομάζεται σχολή είδους. Αν το αποσυνθέσουμε στα συστατικά στοιχεία του, τότε μπορούμε να διακρίνουμε σε αυτό τοπιογράφους, δεξιοτέχνες ομαδικών πορτρέτων, θαλάσσιους ζωγράφους, ζωγράφους, καλλιτέχνες που ζωγράφιζαν ομαδικά πορτρέτα ή νεκρές φύσεις. Αν κοιτάξετε λεπτομερέστερα, μπορείτε να διακρίνετε πολλές ποικιλίες ειδών - από τους λάτρεις της γραφικότητας έως τους ιδεολόγους, από τους αντιγραφείς της φύσης έως τους ερμηνευτές της, από τους συντηρητικούς ανθρώπους μέχρι τους ταξιδιώτες, από αυτούς που αγαπούν και αισθάνονται χιούμορ έως τους καλλιτέχνες που αποφεύγουν την κωμωδία. Ας θυμηθούμε τους πίνακες με το χιούμορ του Ostade και τη σοβαρότητα του Ruisdael, την ταπεινότητα του Πότερ και την κοροϊδία του Jan Steen, το πνεύμα του Van de Velde και τη ζοφερή ονειροπόληση του μεγάλου Rembrandt.

Με εξαίρεση τον Ρέμπραντ, που πρέπει να θεωρείται εξαιρετικό φαινόμενο, τόσο για τη χώρα του όσο και για όλες τις εποχές, τότε όλοι οι άλλοι Ολλανδοί καλλιτέχνες χαρακτηρίζονται από ένα συγκεκριμένο στυλ και μέθοδο. Οι νόμοι για αυτό το στυλ είναι η ειλικρίνεια, η προσβασιμότητα, η φυσικότητα και η εκφραστικότητα. Εάν αφαιρέσετε από την ολλανδική τέχνη αυτό που μπορεί να ονομαστεί ειλικρίνεια, τότε θα πάψετε να κατανοείτε τη ζωτική της βάση και δεν θα μπορείτε να προσδιορίσετε ούτε τον ηθικό της χαρακτήρα ούτε το στυλ της. Σε αυτούς τους καλλιτέχνες, οι οποίοι ως επί το πλείστον έχουν κερδίσει τη φήμη κοντόφθαλμων αντιγραφέων, νιώθεις το υπέροχο και ευγενική ψυχή, πίστη στην αλήθεια, αγάπη για τον ρεαλισμό. Όλα αυτά δίνουν στα έργα τους μια αξία που δεν φαίνεται να έχουν τα ίδια τα πράγματα που απεικονίζονται πάνω τους.

Η αρχή για αυτό το ειλικρινές στυλ και το πρώτο αποτέλεσμα αυτής της ειλικρινούς προσέγγισης είναι ένα τέλειο σχέδιο. Μεταξύ των Ολλανδών ζωγράφων, ο Πότερ είναι μια εκδήλωση ιδιοφυΐας σε ακριβείς, επαληθευμένες μετρήσεις και την ικανότητα να παρακολουθεί την κίνηση κάθε γραμμής.

Στην Ολλανδία, ο ουρανός συχνά καταλαμβάνει το μισό, και μερικές φορές ολόκληρη την εικόνα. Επομένως, είναι απαραίτητο ο ουρανός της εικόνας να κινείται, να ελκύει και να μας παρασύρει μαζί του. Για να γίνεται αισθητή η διαφορά μεταξύ ημέρας, βραδιού και νύχτας, ώστε να γίνεται αισθητή η ζέστη και το κρύο, ώστε ο θεατής να είναι και ψυχρός και να το απολαμβάνει και να νιώθει την ανάγκη να συγκεντρωθεί. Αν και είναι μάλλον δύσκολο να αποκαλέσετε ένα τέτοιο σχέδιο το ευγενέστερο όλων, προσπαθήστε να βρείτε καλλιτέχνες στον κόσμο που θα ζωγράφιζαν τον ουρανό, όπως ο Ruisdael και ο van der Neer, και θα έλεγαν τόσα πολλά και τόσο υπέροχα με τη δουλειά τους. Παντού οι Ολλανδοί έχουν το ίδιο σχέδιο - συγκρατημένο, λακωνικό, ακριβές, φυσικό και αφελές, επιδέξιο και όχι τεχνητό.

Η ολλανδική παλέτα είναι αρκετά αντάξια του σχεδίου τους, εξ ου και η τέλεια ενότητα της μεθόδου ζωγραφικής τους. Οποιοσδήποτε ολλανδικός πίνακας είναι εύκολο να αναγνωριστεί από την εμφάνισή του. Είναι μικρό σε μέγεθος και διακρίνεται για τα δυνατά, αυστηρά χρώματά του. Αυτό απαιτεί μεγάλη ακρίβεια, σταθερό χέρι και βαθιά συγκέντρωση από τον καλλιτέχνη προκειμένου να επιτευχθεί ένα συγκεντρωμένο αποτέλεσμα στον θεατή. Ο καλλιτέχνης πρέπει να εμβαθύνει στον εαυτό του για να καλλιεργήσει την ιδέα του, ο θεατής πρέπει να εμβαθύνει στον εαυτό του για να κατανοήσει το σχέδιο του καλλιτέχνη. Είναι οι ολλανδικοί πίνακες που δίνουν την πιο ξεκάθαρη ιδέα αυτής της κρυφής και αιώνιας διαδικασίας: να αισθάνεσαι, να σκέφτεσαι και να εκφράζεις. Δεν υπάρχει εικόνα στον κόσμο πιο κορεσμένη, αφού οι Ολλανδοί είναι αυτοί που περιλαμβάνουν τέτοια εξαιρετικό περιεχόμενοσε ένα τόσο μικρό χώρο. Γι' αυτό όλα εδώ παίρνουν μια ακριβή, συμπιεσμένη και συμπυκνωμένη μορφή.

Κάθε ολλανδικός πίνακας είναι κοίλος, αποτελείται από καμπύλες που περιγράφονται γύρω από ένα μόνο σημείο, το οποίο αποτελεί την ενσάρκωση της έννοιας της εικόνας και σκιές που βρίσκονται γύρω από το κύριο σημείο φωτός. Μια συμπαγής βάση, μια επιφάνεια που τρέχει και στρογγυλεμένες γωνίες που τείνουν προς το κέντρο - όλα αυτά σκιαγραφούνται, χρωματίζονται και φωτίζονται σε κύκλο. Ως αποτέλεσμα, ο πίνακας αποκτά βάθος και τα αντικείμενα που απεικονίζονται σε αυτόν απομακρύνονται από το μάτι του θεατή. Ο θεατής οδηγείται, λες, από το προσκήνιο στο τελευταίο, από το κάδρο στον ορίζοντα. Φαίνεται να κατοικούμε στην εικόνα, να κινούμαστε, να κοιτάμε βαθιά, να σηκώνουμε το κεφάλι μας για να μετρήσουμε το βάθος του ουρανού. Η αυστηρότητα της εναέριας προοπτικής, η τέλεια αντιστοιχία χρώματος και αποχρώσεων με τη θέση στο χώρο που καταλαμβάνει το αντικείμενο.

Για μια πληρέστερη κατανόηση της ολλανδικής ζωγραφικής, θα πρέπει κανείς να εξετάσει λεπτομερώς τα στοιχεία αυτής της κίνησης, τα χαρακτηριστικά των μεθόδων, τη φύση της παλέτας και να κατανοήσει γιατί είναι τόσο φτωχή, σχεδόν μονόχρωμη και τόσο πλούσια σε αποτελέσματα. Αλλά όλα αυτά τα ερωτήματα, όπως και πολλά άλλα, ήταν πάντα αντικείμενο εικασιών από πολλούς ιστορικούς τέχνης, αλλά ποτέ δεν έχουν μελετηθεί και διευκρινιστεί επαρκώς. Η περιγραφή των κύριων χαρακτηριστικών της ολλανδικής τέχνης μας επιτρέπει να ξεχωρίσουμε αυτή τη σχολή από άλλες και να εντοπίσουμε την προέλευσή της. Μια εκφραστική εικόνα που απεικονίζει αυτό το σχολείο είναι ένας πίνακας του Adriaan van Ostade από το Μουσείο του Άμστερνταμ "Artist's Atelier". Αυτό το θέμα ήταν ένα από τα αγαπημένα των Ολλανδών ζωγράφων. Βλέπουμε έναν προσεκτικό άντρα, ελαφρώς σκυμμένο, με έτοιμη παλέτα, λεπτά, καθαρά πινέλα και διάφανο λάδι. Γράφει στο λυκόφως. Το πρόσωπό του είναι συγκεντρωμένο, το χέρι του προσεχτικό. Μόνο που, ίσως, αυτοί οι ζωγράφοι ήταν πιο τολμηροί και ήξεραν πώς να γελούν πιο αμέριμνοι και να απολαμβάνουν τη ζωή απ' ό,τι μπορεί να συναχθεί από τις σωζόμενες εικόνες. Διαφορετικά, πώς θα εκδηλωνόταν η ιδιοφυΐα τους σε μια ατμόσφαιρα επαγγελματικών παραδόσεων;

Τα θεμέλια για την ολλανδική σχολή τέθηκαν από τους van Goyen και Wijnants στις αρχές του 17ου αιώνα, θεσπίζοντας ορισμένους νόμους της ζωγραφικής. Αυτοί οι νόμοι μεταβιβάστηκαν από τους δασκάλους στους μαθητές και για έναν ολόκληρο αιώνα οι Ολλανδοί ζωγράφοι ζούσαν από αυτούς χωρίς να παρεκκλίνουν στο πλάι.

Ολλανδική ζωγραφική μανιερισμού

Ολλανδία. 17ος αιώνας Η χώρα γνωρίζει πρωτοφανή ευημερία. Η λεγόμενη «Χρυσή Εποχή». Στα τέλη του 16ου αιώνα, αρκετές επαρχίες της χώρας πέτυχαν την ανεξαρτησία τους από την Ισπανία.

Τώρα οι Προτεσταντικές Κάτω Χώρες έχουν ακολουθήσει τον δικό τους δρόμο. Και η καθολική Φλάνδρα (σημερινό Βέλγιο) υπό την πτέρυγα της Ισπανίας είναι δική της.

Στην ανεξάρτητη Ολλανδία, σχεδόν κανείς δεν χρειαζόταν θρησκευτική ζωγραφική. Η Προτεσταντική Εκκλησία δεν ενέκρινε την πολυτελή διακόσμηση. Αλλά αυτή η περίσταση «έπαιξε στα χέρια» της κοσμικής ζωγραφικής.

Κυριολεκτικά κάθε κάτοικος της νέας χώρας ξύπνησε για να αγαπήσει αυτό το είδος τέχνης. Οι Ολλανδοί ήθελαν να δουν τη δική τους ζωή στους πίνακες. Και οι καλλιτέχνες πρόθυμα τους συνάντησαν στα μισά του δρόμου.

Ποτέ πριν δεν είχε απεικονιστεί τόσο πολύ η περιρρέουσα πραγματικότητα. Απλοί άνθρωποι, συνηθισμένα δωμάτια και το πιο συνηθισμένο πρωινό ενός κατοίκου της πόλης.

Ο ρεαλισμός άνθισε. Μέχρι τον 20ο αιώνα θα είναι άξιος ανταγωνιστής του ακαδημαϊσμού με τις νύμφες και τις ελληνικές θεές.

Αυτοί οι καλλιτέχνες ονομάζονται «μικροί» Ολλανδοί. Γιατί; Οι πίνακες ήταν μικροί σε μέγεθος, γιατί δημιουργήθηκαν για μικρά σπίτια. Έτσι, σχεδόν όλοι οι πίνακες του Jan Vermeer δεν ξεπερνούν το μισό μέτρο σε ύψος.

Αλλά η άλλη εκδοχή μου αρέσει περισσότερο. Στην Ολλανδία τον 17ο αιώνα έζησε και δούλεψε ένας μεγάλος δάσκαλος, ο «μεγάλος» Ολλανδός. Και όλοι οι άλλοι ήταν «μικροί» σε σύγκριση με αυτόν.

Μιλάμε φυσικά για τον Ρέμπραντ. Ας ξεκινήσουμε με αυτόν.

1. Ρέμπραντ (1606-1669)

Ρέμπραντ. Αυτοπροσωπογραφία σε ηλικία 63 ετών. 1669 Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνο

Ο Ρέμπραντ βίωσε ένα ευρύ φάσμα συναισθημάτων κατά τη διάρκεια της ζωής του. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο υπάρχει τόσο πολύ κέφι και θάρρος στην πρώιμη δουλειά του. Και υπάρχουν τόσα σύνθετα συναισθήματα - στα μεταγενέστερα.

Εδώ είναι νέος και ανέμελος στον πίνακα «Ο Άσωτος Υιός στην Ταβέρνα». Στα γόνατα είναι η αγαπημένη του σύζυγος Saskia. Είναι ένας δημοφιλής καλλιτέχνης. Οι παραγγελίες πέφτουν βροχή.

Ρέμπραντ. Ο Άσωτος Υιός σε Ταβέρνα. 1635 Old Masters Gallery, Δρέσδη

Όλα αυτά όμως θα εξαφανιστούν σε περίπου 10 χρόνια. Η Saskia θα πεθάνει από την κατανάλωση. Η δημοτικότητα θα εξαφανιστεί σαν καπνός. Ένα μεγάλο σπίτι με μοναδική συλλογή θα αφαιρεθεί για χρέη.

Θα εμφανιστεί όμως ο ίδιος Ρέμπραντ που θα μείνει για αιώνες. Τα γυμνά συναισθήματα των ηρώων. Οι βαθύτερες σκέψεις τους.

2. Φρανς Χαλς (1583-1666)

Φρανς Χαλς. Αυτοπροσωπογραφία. 1650 Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη

Ο Φρανς Χαλς είναι ένας από τους μεγαλύτερους ζωγράφους πορτρέτων όλων των εποχών. Ως εκ τούτου, θα τον κατατάξω επίσης ως «μεγάλο» Ολλανδό.

Στην Ολλανδία εκείνη την εποχή ήταν συνηθισμένο να παραγγέλνουμε ομαδικά πορτρέτα. Έτσι εμφανίστηκαν πολλά παρόμοια έργα που απεικονίζουν ανθρώπους να συνεργάζονται: σκοπευτές μιας συντεχνίας, γιατροί μιας πόλης, διευθυντές οίκου ευγηρίας.

Σε αυτό το είδος, ο Χαλς ξεχωρίζει περισσότερο. Εξάλλου, τα περισσότερα από αυτά τα πορτρέτα έμοιαζαν με τράπουλα. Οι άνθρωποι κάθονται στο τραπέζι με την ίδια έκφραση του προσώπου και απλώς παρακολουθούν. Ήταν διαφορετικά για τον Χαλς.

Δείτε το ομαδικό του πορτρέτο «Arrows of the Guild of St. Γεώργιος."

Φρανς Χαλς. Βέλη της Συντεχνίας του Αγ. Γεώργιος. 1627 Μουσείο Frans Hals, Χάρλεμ, Ολλανδία

Εδώ δεν θα βρείτε ούτε μία επανάληψη σε πόζα ή έκφραση προσώπου. Ταυτόχρονα, εδώ δεν υπάρχει χάος. Υπάρχουν πολλοί χαρακτήρες, αλλά κανείς δεν φαίνεται περιττός. Χάρη στην εκπληκτικά σωστή διάταξη των μορφών.

Και ακόμη και σε ένα μόνο πορτρέτο, ο Χαλς ήταν ανώτερος από πολλούς καλλιτέχνες. Τα μοτίβα του είναι φυσικά. Άνθρωποι από την υψηλή κοινωνία στους πίνακές του στερούνται επινοημένης μεγαλοπρέπειας και τα μοντέλα από τα κατώτερα στρώματα δεν φαίνονται ταπεινωμένα.

Και οι χαρακτήρες του είναι επίσης πολύ συναισθηματικοί: χαμογελούν, γελούν και χειρονομούν. Όπως, για παράδειγμα, αυτός ο «Τσιγγάνος» με το πονηρό βλέμμα.

Φρανς Χαλς. Αθίγγανος. 1625-1630

Ο Χαλς, όπως και ο Ρέμπραντ, τελείωσε τη ζωή του στη φτώχεια. Για τον ίδιο λόγο. Ο ρεαλισμός του ήταν αντίθετος με τα γούστα των πελατών του. Που ήθελαν να στολιστεί η εμφάνισή τους. Ο Χαλς δεν δέχτηκε την καθαρή κολακεία και έτσι υπέγραψε τη δική του πρόταση - "Λήθη".

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Αυτοπροσωπογραφία. 1668 Βασιλική Πινακοθήκη Mauritshuis, Χάγη, Ολλανδία

Ο Terborch ήταν κύριος του καθημερινού είδους. Πλούσιοι και όχι και τόσο πλούσιοι μπιφτέκι μιλούν χαλαρά, κυρίες διαβάζουν γράμματα και ένας προξενητής παρακολουθεί την ερωτοτροπία. Δύο ή τρεις φιγούρες σε κοντινή απόσταση.

Ήταν αυτός ο δάσκαλος που ανέπτυξε τους κανόνες του καθημερινού είδους. Το οποίο αργότερα θα δανείστηκαν οι Jan Vermeer, Pieter de Hooch και πολλοί άλλοι «μικροί» Ολλανδοί.

Gerard Terborch. Ένα ποτήρι λεμονάδα. δεκαετία του 1660. Κρατικό Μουσείο Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Το «Ένα ποτήρι λεμονάδα» είναι ένα από τα διάσημα έργα του Τέρμπορχ. Δείχνει ένα άλλο πλεονέκτημα του καλλιτέχνη. Απίστευτα ρεαλιστική εικόνα του υφάσματος φορέματος.

Ο Terborch έχει επίσης ασυνήθιστα έργα. Κάτι που λέει πολλά για την επιθυμία του να υπερβεί τις απαιτήσεις των πελατών.

Το «The Grinder» του δείχνει τη ζωή των φτωχότερων ανθρώπων στην Ολλανδία. Έχουμε συνηθίσει να βλέπουμε άνετες αυλές και καθαρά δωμάτια στους πίνακες των «μικρών» Ολλανδών. Αλλά ο Terborch τόλμησε να δείξει την αντιαισθητική Holland.

Gerard Terborch. Τραπεζίτης. 1653-1655 Κρατικά Μουσεία του Βερολίνου

Όπως καταλαβαίνετε, μια τέτοια δουλειά δεν ήταν σε ζήτηση. Και είναι ένα σπάνιο φαινόμενο ακόμη και μεταξύ του Terborch.

4. Γιαν Βερμέερ (1632-1675)

Γιαν Βερμέερ. Εργαστήρι καλλιτέχνη. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Βιέννη

Δεν είναι γνωστό με βεβαιότητα πώς έμοιαζε ο Jan Vermeer. Είναι προφανές μόνο ότι στον πίνακα "The Artist's Workshop" απεικόνισε τον εαυτό του. Η αλήθεια από πίσω.

Είναι λοιπόν έκπληξη το γεγονός ότι πρόσφατα έγινε γνωστό ένα νέο γεγονός από τη ζωή του πλοιάρχου. Συνδέεται με το αριστούργημα του «Delft Street».

Γιαν Βερμέερ. Οδός Ντελφτ. 1657 Rijksmuseum στο Άμστερνταμ

Αποδείχθηκε ότι ο Βερμέερ πέρασε τα παιδικά του χρόνια σε αυτόν τον δρόμο. Το σπίτι που απεικονίζεται ανήκε στη θεία του. Εκεί μεγάλωσε τα πέντε παιδιά της. Ίσως κάθεται στο κατώφλι και ράβει ενώ τα δύο παιδιά της παίζουν στο πεζοδρόμιο. Ο ίδιος ο Βερμέερ έμενε στο απέναντι σπίτι.

Πιο συχνά όμως απεικόνιζε το εσωτερικό αυτών των σπιτιών και τους κατοίκους τους. Φαίνεται ότι οι πλοκές των πινάκων είναι πολύ απλές. Εδώ είναι μια όμορφη κυρία, μια πλούσια κάτοικος της πόλης, που ελέγχει τη λειτουργία της ζυγαριάς της.

Γιαν Βερμέερ. Γυναίκα με ζυγαριά. 1662-1663 Εθνική Πινακοθήκη Τέχνης, Ουάσιγκτον

Γιατί ο Βερμέερ ξεχώρισε ανάμεσα σε χιλιάδες άλλους «μικρούς» Ολλανδούς;

Ήταν ένας αξεπέραστος δάσκαλος του φωτός. Στον πίνακα «Γυναίκα με ζυγαριά» το φως τυλίγει απαλά το πρόσωπο, τα υφάσματα και τους τοίχους της ηρωίδας. Δίνοντας στην εικόνα μια άγνωστη πνευματικότητα.

Και οι συνθέσεις των πινάκων του Βερμέερ επαληθεύονται προσεκτικά. Δεν θα βρείτε ούτε μια περιττή λεπτομέρεια. Αρκεί να αφαιρέσετε ένα από αυτά, η εικόνα θα "καταρρεύσει" και η μαγεία θα φύγει.

Όλα αυτά δεν ήταν εύκολα για τον Βερμέερ. Τέτοια εκπληκτική ποιότητα απαιτούσε επίπονη δουλειά. Μόνο 2-3 πίνακες το χρόνο. Ως αποτέλεσμα, η αδυναμία σίτισης της οικογένειας. Ο Βερμέερ εργάστηκε επίσης ως έμπορος έργων τέχνης, πουλώντας έργα άλλων καλλιτεχνών.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pieter de Hooch. Αυτοπροσωπογραφία. 1648-1649 Rijksmuseum, Άμστερνταμ

Ο Χοχ συχνά συγκρίνεται με τον Βερμέερ. Δούλευαν ταυτόχρονα, υπήρξε μάλιστα περίοδος στην ίδια πόλη. Και σε ένα είδος - καθημερινό. Στο Hoch βλέπουμε επίσης μία ή δύο φιγούρες σε φιλόξενες ολλανδικές αυλές ή δωμάτια.

Οι ανοιχτές πόρτες και τα παράθυρα κάνουν τον χώρο των πινάκων του πολυεπίπεδο και διασκεδαστικό. Και οι φιγούρες ταιριάζουν σε αυτόν τον χώρο πολύ αρμονικά. Όπως, για παράδειγμα, στον πίνακα του «Υπηρέτρια με ένα κορίτσι στην αυλή».

Pieter de Hooch. Μια υπηρέτρια με ένα κορίτσι στην αυλή. 1658 Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου

Μέχρι τον 20ο αιώνα, ο Χοχ εκτιμήθηκε ιδιαίτερα. Λίγοι όμως παρατήρησαν τα μικρά έργα του ανταγωνιστή του Βερμέερ.

Αλλά στον 20ο αιώνα όλα άλλαξαν. Η δόξα του Χοχ έσβησε. Ωστόσο, είναι δύσκολο να μην αναγνωρίσουμε τα επιτεύγματά του στη ζωγραφική. Λίγοι άνθρωποι θα μπορούσαν να συνδυάσουν τόσο καλά το περιβάλλον και τους ανθρώπους.

Pieter de Hooch. Παίκτες καρτών σε ένα ηλιόλουστο δωμάτιο. 1658 Βασιλική Συλλογή Τέχνης, Λονδίνο

Λάβετε υπόψη ότι σε ένα λιτό σπίτι στον καμβά "Card Players" υπάρχει ένας πίνακας που κρέμεται σε ένα ακριβό πλαίσιο.

Αυτό δείχνει για άλλη μια φορά πόσο δημοφιλής ήταν η ζωγραφική στους απλούς Ολλανδούς. Πίνακες ζωγραφικής διακοσμούσαν κάθε σπίτι: το σπίτι ενός πλούσιου κτηνοτρόφου, ενός σεμνού κατοίκου της πόλης, ακόμη και ενός αγρότη.

6. Jan Steen (1626-1679)

Γιαν Στεν. Αυτοπροσωπογραφία με λαούτο. δεκαετία του 1670 Μουσείο Thyssen-Bornemisza, Μαδρίτη

Ο Jan Steen είναι ίσως ο πιο χαρούμενος «μικρός» Ολλανδός. Αλλά αγαπώντας την ηθική διδασκαλία. Συχνά απεικόνιζε ταβέρνες ή φτωχικά σπίτια στα οποία υπήρχε η κακία.

Οι κύριοι χαρακτήρες του είναι γλεντζέδες και κυρίες της εύκολης αρετής. Ήθελε να διασκεδάσει τον θεατή, αλλά τον προειδοποιούσε λανθασμένα για μια φαύλο ζωή.

Γιαν Στεν. Είναι ένα χάος. 1663 Kunsthistorisches Museum, Βιέννη

Ο Sten έχει και πιο αθόρυβα έργα. Όπως, για παράδειγμα, η «Πρωινή τουαλέτα». Αλλά και εδώ ο καλλιτέχνης εκπλήσσει τον θεατή με πολύ αποκαλυπτικές λεπτομέρειες. Υπάρχουν ίχνη από ελαστικό κάλτσας, και όχι ένα άδειο δοχείο θαλάμου. Και κατά κάποιο τρόπο δεν είναι καθόλου κατάλληλο για τον σκύλο να είναι ξαπλωμένος ακριβώς στο μαξιλάρι.

Γιαν Στεν. Πρωινή τουαλέτα. 1661-1665 Rijksmuseum, Άμστερνταμ

Όμως, παρά την επιπολαιότητα, οι χρωματικοί συνδυασμοί του Sten είναι πολύ επαγγελματικοί. Σε αυτό ήταν ανώτερος από πολλούς «μικρούς Ολλανδούς». Δείτε πόσο τέλεια ταιριάζει η κόκκινη κάλτσα με το μπλε σακάκι και το έντονο μπεζ χαλί.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Πορτρέτο του Ruisdael. Λιθογραφία από βιβλίο του 19ου αιώνα.

Ολλανδική ζωγραφική, στις καλές τέχνες

Ολλανδική ζωγραφική, η εμφάνιση και η αρχική του περίοδος συγχωνεύονται σε τέτοιο βαθμό με τα πρώτα στάδια ανάπτυξης της φλαμανδικής ζωγραφικής που οι τελευταίοι ιστορικοί τέχνης θεωρούν και τα δύο για ολόκληρο το διάστημα μέχρι τα τέλη του 16ου αιώνα. αναπόσπαστα, με ένα γενικό όνομα του «ολλανδικού σχολείου».

Και οι δύο, που αποτελούν τον απόγονο του κλάδου του Ρήνου, είναι χαζοί. Η ζωγραφική, οι κύριοι εκπρόσωποι της οποίας είναι ο Wilhelm της Κολωνίας και ο Stefan Lochner, θεωρούν τους αδερφούς van Eyck ως ιδρυτές τους. Και οι δύο κινούνται προς την ίδια κατεύθυνση εδώ και πολύ καιρό, εμψυχώνονται από τα ίδια ιδανικά, επιδιώκουν τα ίδια καθήκοντα, αναπτύσσουν την ίδια τεχνική, έτσι ώστε οι καλλιτέχνες της Ολλανδίας να μην διαφέρουν από τους Φλαμανδούς και Μπραμπάντ αδερφούς τους.

Αυτό συνεχίζεται καθ' όλη τη διάρκεια της διακυβέρνησης της χώρας, πρώτα από τους Βουργουνδούς και μετά από τον Αυστριακό οίκο, μέχρι να ξεσπάσει μια βάναυση επανάσταση, που καταλήγει στον πλήρη θρίαμβο του ολλανδικού λαού έναντι των Ισπανών που τους καταπίεσαν. Από αυτή την εποχή, καθένας από τους δύο κλάδους της ολλανδικής τέχνης αρχίζει να κινείται χωριστά, αν και μερικές φορές τυχαίνει να έρχονται σε πολύ στενή επαφή μεταξύ τους.

Η ολλανδική ζωγραφική παίρνει αμέσως έναν πρωτότυπο, εντελώς εθνικό χαρακτήρα και γρήγορα φτάνει σε μια φωτεινή και άφθονη ανθοφορία. Τα αίτια αυτού του φαινομένου, του οποίου δύσκολα συναντάμε σε όλη την ιστορία της τέχνης, βρίσκονται σε τοπογραφικές, θρησκευτικές, πολιτικές και κοινωνικές συνθήκες.

Σε αυτή τη «χαμηλή χώρα» (hol land), που αποτελείται από βάλτους, νησιά και χερσονήσους, που συνεχώς παρασύρεται από τη θάλασσα και απειλείται από τις επιδρομές της, ο πληθυσμός, μόλις πέταξε τον ξένο ζυγό, έπρεπε να δημιουργήσει τα πάντα εκ νέου, ξεκινώντας από τις φυσικές συνθήκες του εδάφους και τελειώνοντας με ηθικές και πνευματικές συνθήκες, γιατί όλα καταστράφηκαν από τον προηγούμενο αγώνα για ανεξαρτησία. Χάρη στην επιχείρησή τους, την πρακτική λογική και την επίμονη δουλειά τους, οι Ολλανδοί κατάφεραν να μετατρέψουν τους βάλτους σε καρποφόρα χωράφια και πολυτελή βοσκοτόπια, να κατακτήσουν τεράστιες εκτάσεις γης από τη θάλασσα, να αποκτήσουν υλική ευημερία και εξωτερική πολιτική σημασία. Η επίτευξη αυτών των αποτελεσμάτων διευκολύνθηκε σε μεγάλο βαθμό από την ομοσπονδιακή-δημοκρατική μορφή διακυβέρνησης που καθιερώθηκε στη χώρα και τη σοφά εφαρμοσμένη αρχή της ελευθερίας της σκέψης και των θρησκευτικών πεποιθήσεων.

Σαν από θαύμα, παντού, σε όλους τους τομείς της ανθρώπινης εργασίας, η φλογερή δραστηριότητα άρχισε ξαφνικά να βράζει σε ένα νέο, πρωτότυπο, καθαρά λαϊκό πνεύμα, μεταξύ άλλων και στον χώρο της τέχνης. Από τους κλάδους του τελευταίου, στο έδαφος της Ολλανδίας, στάθηκε τυχερός κυρίως σε έναν - τη ζωγραφική, που εδώ, στα έργα πολλών περισσότερο ή λιγότερο ταλαντούχων καλλιτεχνών που εμφανίστηκαν σχεδόν ταυτόχρονα, πήρε μια πολύ ευέλικτη κατεύθυνση και ταυτόχρονα χρόνο εντελώς διαφορετικό από την κατεύθυνση της τέχνης σε άλλες χώρες. Το κύριο χαρακτηριστικό που χαρακτηρίζει αυτούς τους καλλιτέχνες είναι η αγάπη τους για τη φύση, η επιθυμία να την αναπαράγουν με όλη της την απλότητα και αλήθεια, χωρίς τον παραμικρό εξωραϊσμό, χωρίς να την υποτάσσουν κάτω από οποιεσδήποτε συνθήκες προκαθορισμένου ιδεώδους. Η δεύτερη χαρακτηριστική ιδιότητα του Goll. Οι ζωγράφοι αποτελούνται από μια λεπτή αίσθηση του χρώματος και την κατανόηση του τι ισχυρή, μαγευτική εντύπωση μπορεί να κάνει, εκτός από το περιεχόμενο της εικόνας, μόνο από την πιστή και ισχυρή μετάδοση πολύχρωμων σχέσεων που καθορίζονται στη φύση από τη δράση του φωτός ακτίνες, εγγύτητα ή εύρος αποστάσεων.

Μεταξύ των καλύτερων εκπροσώπων της ολλανδικής ζωγραφικής, αυτή η αίσθηση του χρώματος και του φωτός και της σκιάς αναπτύσσεται σε τέτοιο βαθμό που το φως, με τις αμέτρητες και ποικίλες αποχρώσεις του, παίζει στην εικόνα, θα έλεγε κανείς, τον ρόλο του κύριου ήρωα και προσδίδει υψηλή ενδιαφέρον για την πιο ασήμαντη πλοκή, τις πιο άκομψες μορφές και εικόνες. Τότε θα πρέπει να σημειωθεί ότι οι περισσότεροι Goll. Οι καλλιτέχνες δεν κάνουν μακροχρόνιες αναζητήσεις υλικού για τη δημιουργικότητά τους, αλλά αρκούνται σε ό,τι βρίσκουν γύρω τους, στη γηγενή τους φύση και στη ζωή των ανθρώπων τους. Τυπικά χαρακτηριστικά διακεκριμένων συμπατριωτών, οι φυσιογνωμίες των απλών Ολλανδών και των Ολλανδέζων, η θορυβώδης διασκέδαση των κοινών γιορτών, οι γιορτές των χωρικών, οι σκηνές της αγροτικής ζωής ή η οικεία ζωή των κατοίκων της πόλης, οι ντόπιοι αμμόλοφοι, οι πόλντερ και οι απέραντες πεδιάδες που διασχίζονται από κανάλια, τα κοπάδια που βόσκουν σε πλούσια λιβάδια, καλύβες, φωλιασμένες στην άκρη του δάσους οξιάς ή βελανιδιάς, χωριά στις όχθες ποταμών, λιμνών και άλση, πόλεις με τα καθαρά σπίτια τους, κινητή γέφυρες και ψηλά κωδωνοστάσια εκκλησιών και δημαρχείων, λιμάνια γεμάτα πλοία, ο ουρανός γεμάτος ασημί ή χρυσαφί ατμοί - όλα αυτά, κάτω από το πινέλο των Ολλανδών δασκάλων εμποτισμένα με αγάπη για την πατρίδα και την εθνική υπερηφάνεια, μετατρέπονται σε πίνακες γεμάτους αέρα, φως και ελκυστικότητα.

Ακόμη και σε εκείνες τις περιπτώσεις που κάποιοι από αυτούς τους δασκάλους καταφεύγουν στη Βίβλο, την αρχαία ιστορία και τη μυθολογία για θέματα, ακόμη και τότε, χωρίς να ανησυχούν για τη διατήρηση της αρχαιολογικής πιστότητας, μεταφέρουν τη δράση στο περιβάλλον των Ολλανδών, περιβάλλοντάς το με ολλανδικό σκηνικό. Είναι αλήθεια ότι δίπλα στο κατάμεστο πλήθος τέτοιων πατριωτών καλλιτεχνών υπάρχει μια φάλαγγα άλλων ζωγράφων που αναζητούν έμπνευση έξω από τα σύνορα της πατρίδας τους, στην κλασική χώρα της τέχνης, την Ιταλία. όμως στα έργα τους υπάρχουν και χαρακτηριστικά που εκθέτουν την εθνικότητα τους.

Τέλος, ως χαρακτηριστικό των Ολλανδών ζωγράφων, μπορεί κανείς να επισημάνει την απάρνηση τους από τις καλλιτεχνικές παραδόσεις. Θα ήταν μάταιο να αναζητήσουμε μεταξύ τους μια αυστηρή συνέχεια γνωστών αισθητικών αρχών και τεχνικών κανόνων, όχι μόνο με την έννοια του ακαδημαϊκού στυλ, αλλά και με την έννοια της αφομοίωσης από τους μαθητές του χαρακτήρα των δασκάλων τους: η εξαίρεση, ίσως, μόνο των μαθητών του Ρέμπραντ, που λίγο πολύ ακολούθησαν τα χνάρια του ιδιοφυούς μέντορά τους, σχεδόν όλοι οι ζωγράφοι στην Ολλανδία, μόλις πέρασαν τα φοιτητικά τους χρόνια, και μερικές φορές ακόμη και σε αυτά τα χρόνια, άρχισαν να εργάζονται σε τον δικό τους τρόπο, ανάλογα με το πού τους οδήγησε η ατομική τους κλίση και τι τους δίδαξε η άμεση παρατήρηση της φύσης.

Επομένως, οι Ολλανδοί καλλιτέχνες δεν μπορούν να χωριστούν σε σχολεία, όπως ακριβώς κάνουμε με τους καλλιτέχνες της Ιταλίας ή της Ισπανίας. είναι δύσκολο ακόμη και να συνθέσουμε αυστηρά καθορισμένες ομάδες από αυτές, και η ίδια η έκφραση «ολλανδική σχολή ζωγραφικής», που έχει τεθεί σε γενική χρήση, πρέπει να ληφθεί μόνο υπό όρους, καθώς υποδηλώνει μια συλλογή φυλετικών δασκάλων, αλλά όχι μια πραγματικό σχολείο. Εν τω μεταξύ, σε όλες τις κύριες πόλεις της Ολλανδίας υπήρχαν οργανωμένοι σύλλογοι καλλιτεχνών, οι οποίοι, όπως φαίνεται, θα έπρεπε να έχουν επηρεάσει την επικοινωνία των δραστηριοτήτων τους προς μια γενική κατεύθυνση. Ωστόσο, τέτοιες εταιρείες, που φέρουν το όνομα των συντεχνιών του Αγ. Ο Λουκάς, αν συνέβαλε σε αυτό, το έκανε σε πολύ μέτριο βαθμό. Δεν ήταν ακαδημίες, θεματοφύλακες γνωστών καλλιτεχνικών παραδόσεων, αλλά ελεύθερες εταιρείες, παρόμοιες με άλλες βιοτεχνικές και βιομηχανικές συντεχνίες, που δεν διαφέρουν πολύ από αυτές ως προς τη δομή και στόχευαν στην αμοιβαία υποστήριξη των μελών τους, την προστασία των δικαιωμάτων τους, τη φροντίδα. για τα γηρατειά τους, φροντίζουν για τη μοίρα των χήρων και των ορφανών τους.

Κάθε ντόπιος ζωγράφος που πληρούσε τις προϋποθέσεις των ηθικών προσόντων γινόταν δεκτός στη συντεχνία μετά από προκαταρκτική επιβεβαίωση των ικανοτήτων και των γνώσεών του ή με βάση τη φήμη που είχε ήδη αποκτήσει. οι επισκέπτες καλλιτέχνες έγιναν δεκτοί στη συντεχνία ως προσωρινά μέλη για τη διάρκεια της παραμονής τους σε μια δεδομένη πόλη. Όσοι ανήκουν στη συντεχνία συναντήθηκαν για να συζητήσουν, υπό την προεδρία των κοσμητόρων, τις κοινές τους υποθέσεις ή για την αμοιβαία ανταλλαγή σκέψεων. αλλά σε αυτές τις συναντήσεις δεν υπήρχε τίποτα που να μοιάζει με το κήρυγμα μιας ορισμένης καλλιτεχνικής κατεύθυνσης και που θα έτεινε να περιορίσει την πρωτοτυπία οποιουδήποτε από τα μέλη.

Τα υποδεικνυόμενα χαρακτηριστικά της ολλανδικής ζωγραφικής είναι αισθητά ακόμη και στις πρώτες μέρες της - σε μια εποχή που αναπτύχθηκε αδιαχώριστα από τη φλαμανδική σχολή. Η αποστολή της, όπως και της τελευταίας, ήταν τότε κυρίως να διακοσμεί εκκλησίες με θρησκευτικές αγιογραφίες, παλάτια, δημαρχεία και αρχοντικά σπίτια με πορτρέτα κυβερνητικών αξιωματούχων και αριστοκρατών. Δυστυχώς, τα έργα των πρωτόγονων Ολλανδών ζωγράφων έχουν φτάσει σε εμάς μόνο σε πολύ περιορισμένες ποσότητες, καθώς τα περισσότερα από αυτά χάθηκαν κατά τη διάρκεια εκείνης της ταραγμένης εποχής, όταν η Μεταρρύθμιση κατέστρεψε τις καθολικές εκκλησίες, κατήργησε μοναστήρια και μοναστήρια και υποκίνησε τους «θραυστές εικόνων» (καταιγίδες) να καταστρέψουν το ζωγράφισε και σμίλεψε ιερές εικόνες και η λαϊκή εξέγερση κατέστρεψε παντού τα πορτρέτα των μισητών τυράννων. Ξέρουμε πολλούς από τους καλλιτέχνες που προηγήθηκαν της επανάστασης μόνο ονομαστικά. Μπορούμε να κρίνουμε τους άλλους μόνο από ένα ή δύο δείγματα της δουλειάς τους. Έτσι, για τον παλαιότερο από τους Ολλανδούς ζωγράφους, τον Albert van Ouwater, δεν υπάρχουν θετικά στοιχεία, εκτός από την πληροφορία ότι ήταν σύγχρονος των van Eycks και εργάστηκε στο Χάρλεμ. Δεν υπάρχουν αξιόπιστοι πίνακές του. Ο μαθητής του Gertjen van Sint-Jan είναι γνωστός μόνο από δύο πίνακες ενός τρίπτυχου («St. Sepulchre» και «Legend of the Bones of St. John»), που έγραψε για τον Καθεδρικό Ναό του Χάρλεμ, που φυλάσσεται στην Πινακοθήκη της Βιέννης. Η ομίχλη που μας σκεπάζει στην αρχική εποχή της σχολής G. αρχίζει να διαλύεται με την εμφάνιση στη σκηνή του Dirk Bouts, με το παρατσούκλι Stuerboat († 1475), με καταγωγή από το Haarlem, αλλά που εργαζόταν στο Leuven και γι' αυτό πολλοί θεωρείται ότι είναι μέρος του φλαμανδικού σχολείου (τα καλύτερα έργα του είναι δύο πίνακες «Η λανθασμένη δίκη του αυτοκράτορα Όθωνα», βρίσκονται στο Μουσείο των Βρυξελλών), καθώς και ο Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), του οποίου η κύρια αξία είναι ότι ήταν ο δάσκαλος του ο περίφημος Λουκάς του Λέιντεν (1494-1533). Αυτός ο τελευταίος, ένας πολυπράγμων, εργατικός και εξαιρετικά ταλαντούχος καλλιτέχνης, ήξερε πώς, όπως κανείς πριν από αυτόν, να αναπαράγει με ακρίβεια όλα όσα του τράβηξαν την προσοχή, και ως εκ τούτου μπορεί να θεωρηθεί ο πραγματικός πατέρας του ολλανδικού είδους, αν και έπρεπε να ζωγραφίζει κυρίως θρησκευτικά πίνακες ζωγραφικής και πορτρέτα. Στα έργα του σύγχρονου του Jan Mostaert (περίπου 1470-1556), η επιθυμία για νατουραλισμό συνδυάζεται με ένα άγγιγμα της γοτθικής παράδοσης, τη ζεστασιά του θρησκευτικού συναισθήματος με την ανησυχία για την εξωτερική κομψότητα.

Εκτός από αυτούς τους εξαιρετικούς δασκάλους, αξίζει να αναφερθούν οι ακόλουθοι για την αρχική εποχή της ολλανδικής τέχνης: Hieronymus van Aken, με το παρατσούκλι Hieronymus de Bosch (περ. 1462-1516), ο οποίος έθεσε τα θεμέλια για τη σατιρική καθημερινή ζωγραφική με το περίπλοκο, περίπλοκο και μερικές φορές εξαιρετικά περίεργες συνθέσεις. Jan Mundain († 1520), διάσημος στο Χάρλεμ για τις απεικονίσεις του διαβολισμού και της βαβούρας. Peter Aertsen († 1516), με το παρατσούκλι "Long Peter" (Lange Pier) για το ψηλό του ανάστημα, David Ioris (1501-56), ένας επιδέξιος ζωγράφος γυαλιού, που παρασύρθηκε από την οργή των Αναβαπτιστών και φανταζόταν τον εαυτό του ως τον προφήτη David και τον γιο του Ο Θεός, ο Jacob Swarts (1469 ? - 1535?), ο Jacob Cornelisen (1480; - αργότερα 1533) και ο γιος του Dirk Jacobs (δύο πίνακες του τελευταίου, που απεικονίζουν κοινωνίες τουφεκιού, βρίσκονται στο Ερμιτάζ).

Περίπου το μισό του 16ου πίνακα. μεταξύ των Ολλανδών ζωγράφων υπάρχει η επιθυμία να απαλλαγούν από τις ελλείψεις της εγχώριας τέχνης - τη γοτθική γωνιότητα και την ξηρότητά της - μελετώντας Ιταλούς καλλιτέχνες της Αναγέννησης και συνδυάζοντας τον τρόπο τους με τις καλύτερες παραδόσεις της δικής τους σχολής. Αυτή η επιθυμία είναι ήδη ορατή στα έργα του προαναφερθέντος Mostert. αλλά ο κύριος διαδότης του νέου κινήματος πρέπει να θεωρηθεί ο Jan Schorel (1495-1562), ο οποίος έζησε για μεγάλο χρονικό διάστημα στην Ιταλία και αργότερα ίδρυσε ένα σχολείο στην Ουτρέχτη, από το οποίο προήλθαν αρκετοί καλλιτέχνες μολυσμένοι με την επιθυμία να γίνουν Ολλανδοί Ραφαήλ. και ο Μιχαήλ Άγγελος. Στα βήματά του, ο Maarten van Van, με το παρατσούκλι Gemskerk (1498-1574), ο Henryk Goltzius (1558-1616), ο Peter Montford, παρατσούκλι. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Ο Χάρλεμ (1562-1638) και άλλοι που ανήκαν στην επόμενη περίοδο της ιταλικής σχολής, όπως, για παράδειγμα, ο Αβραάμ Μπλόμαερτ (1564-1651), ο Τζέραρντ Γκόνθορστ (1592-1662), ξεπέρασαν τις Άλπεις για να εμποτιστούν με τις τελειότητες. των διαφωτιστών της ιταλικής ζωγραφικής, αλλά έπεσε, ως επί το πλείστον, υπό την επίδραση εκπροσώπων της παρακμής αυτού του πίνακα που άρχιζε εκείνη την εποχή και επέστρεψαν στην πατρίδα τους ως μανιεριστές, φανταζόμενοι ότι όλη η ουσία της τέχνης βρίσκεται στην υπερβολή των μυών, στην επιδεξιότητα των γωνιών και την απήχηση των συμβατικών χρωμάτων.

Ωστόσο, η γοητεία με τους Ιταλούς, που συχνά επεκτεινόταν στα άκρα στη μεταβατική εποχή της ολλανδικής ζωγραφικής, έφερε ένα είδος πλεονεκτήματος, καθώς έφερε σε αυτόν τον πίνακα καλύτερο, πιο μαθημένο σχέδιο και την ικανότητα να διαχειρίζεται τη σύνθεση πιο ελεύθερα και τολμηρά. Μαζί με την παλιά ολλανδική παράδοση και την απεριόριστη αγάπη για τη φύση, ο Ιταλισμός έγινε ένα από τα στοιχεία από τα οποία διαμορφώθηκε η πρωτότυπη, ιδιαίτερα ανεπτυγμένη τέχνη της ακμάζουσας εποχής. Η έναρξη αυτής της εποχής, όπως έχουμε ήδη πει, θα πρέπει να χρονολογηθεί στις αρχές του 17ου αιώνα, όταν η Ολλανδία, έχοντας κερδίσει την ανεξαρτησία, άρχισε να ζει μια νέα ζωή. Η δραματική μετατροπή μιας καταπιεσμένης και φτωχής χώρας μόλις χθες σε μια πολιτικά σημαντική, άνετη και πλούσια ένωση κρατών συνοδεύτηκε από μια εξίσου δραματική επανάσταση στην τέχνη της.

Από όλες τις πλευρές, σχεδόν ταυτόχρονα, αναδύονται σε αμέτρητους αριθμούς υπέροχοι καλλιτέχνες, καλούμενοι να δραστηριοποιηθούν από την άνοδο του εθνικού πνεύματος και την ανάγκη για το έργο τους που έχει αναπτυχθεί στην κοινωνία. Στα αρχικά καλλιτεχνικά κέντρα, το Χάρλεμ και το Λάιντεν, προστίθενται νέα - Ντελφτ, Ουτρέχτη, Ντόρτρεχτ, Χάγη, Άμστερνταμ κ.λπ. Παντού τα παλιά καθήκοντα της ζωγραφικής αναπτύσσονται με νέο τρόπο υπό την επίδραση των μεταβαλλόμενων απαιτήσεων και απόψεων , και τους νέους κλάδους της, οι απαρχές των οποίων ήταν ελάχιστα αισθητές την προηγούμενη περίοδο.

Η Μεταρρύθμιση έδιωξε τους θρησκευτικούς πίνακες από τις εκκλησίες. δεν χρειαζόταν να διακοσμηθούν τα παλάτια και οι ευγενείς αίθουσες με εικόνες αρχαίων θεών και ηρώων, και επομένως η ιστορική ζωγραφική, που ικανοποιούσε τα γούστα της πλούσιας αστικής τάξης, απέρριψε τον ιδεαλισμό και στράφηκε σε μια ακριβή αναπαραγωγή της πραγματικότητας: άρχισε να ερμηνεύει γεγονότα του μακρού παρελθόντος όπως τα γεγονότα της εποχής που έλαβαν χώρα στην Ολλανδία, και κυρίως έλαβαν προσωπογραφία, διαιωνίζοντας σε αυτήν τα χαρακτηριστικά των ανθρώπων εκείνης της εποχής, είτε σε μονόμορφες μορφές είτε σε εκτενείς, πολυμορφικές συνθέσεις που απεικονίζουν κοινωνίες τουφεκιού (schutterstuke), οι οποίες έπαιξε τόσο εξέχοντα ρόλο στον αγώνα για την απελευθέρωση της χώρας - οι διαχειριστές των φιλανθρωπικών της ιδρυμάτων (regentenstuke), οι εργοδηγοί των καταστημάτων και τα μέλη διαφόρων εταιρειών.

Αν αποφασίσαμε να μιλήσουμε για όλους τους ταλαντούχους πορτραίτες της ακμάζουσας εποχής της ολλανδικής τέχνης, τότε και μόνο η λίστα των ονομάτων τους με ένδειξη των καλύτερων έργων τους θα χρειαζόταν πολλές γραμμές. Ως εκ τούτου, περιοριζόμαστε να αναφέρουμε μόνο εκείνους τους καλλιτέχνες που ξεχωρίζουν ιδιαίτερα από τη γενική τάξη. Αυτοί είναι οι: Michiel Miervelt (1567-1641), ο μαθητής του Paulus Morelse (1571-1638), ο Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572; - 1657), οι προκάτοχοι των τριών μεγαλύτερων προσωπογράφων της Ολλανδίας - των μάγος του chiaroscuro Rembrandt van Rijn (1606-69), ενός ασύγκριτου σχεδιαστή που είχε μια καταπληκτική τέχνη να μοντελοποιεί φιγούρες στο φως, αλλά κάπως ψυχρό χαρακτήρα και χρώμα, Bartholomew van der Gelst (1611 ή 1612-70) και εντυπωσιακό με τη φούγκα του πινέλου του Frans Gols the Elder (1581-1666). Από αυτά, το όνομα του Ρέμπραντ λάμπει ιδιαίτερα έντονα στην ιστορία, στην αρχή εκτιμήθηκε πολύ από τους συγχρόνους του, στη συνέχεια ξεχάστηκε από αυτούς, εκτιμήθηκε ελάχιστα από τους μεταγενέστερους και μόνο τον τρέχοντα αιώνα ανυψώθηκε, με κάθε δικαιοσύνη, στο επίπεδο του κόσμου. ιδιοφυία.

Στη χαρακτηριστική του καλλιτεχνική προσωπικότητα, όλες οι καλύτερες ιδιότητες της ολλανδικής ζωγραφικής συγκεντρώνονται, σαν να εστιάζονται, και η επιρροή του αντικατοπτρίστηκε σε όλους τους τύπους - σε πορτρέτα, ιστορικούς πίνακες, καθημερινές σκηνές και τοπία. Οι πιο διάσημοι μεταξύ των μαθητών και οπαδών του Ρέμπραντ ήταν οι: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 ή 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (περίπου 1620-54), Salomon and Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († αργότερα 1645), Gerard Dou (1613-75) και Samuel van Googstraten (1626-78). Εκτός από αυτούς τους καλλιτέχνες, για να συμπληρωθεί ο κατάλογος των καλύτερων προσωπογράφων και ιστορικών ζωγράφων της υπό εξέταση περιόδου, θα πρέπει να ονομάσουμε τον Jan Lievens (1607-30), τον συμμαθητή του Ρέμπραντ του P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72). ) και ο Pieter Nazon (1612-91), εργαζόμενοι, προφανώς, υπό την επιρροή του V. d Gelsta, μιμητής των Hals Johannes Verspronck (1597-1662), Jan and Jacob de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) και Nicholas de Gelta-Stokade (1614-69). Η οικιακή ζωγραφική, τα πρώτα πειράματα της οποίας εμφανίστηκαν στο παλιό ολλανδικό σχολείο, βρέθηκε τον 17ο αιώνα. ιδιαίτερα γόνιμο έδαφος στην προτεσταντική, ελεύθερη, αστική, αυτάρεσκη Ολλανδία.

Μικρές εικόνες, που αντιπροσώπευαν άτεχνα τα έθιμα και τη ζωή διαφορετικών τάξεων της τοπικής κοινωνίας, φαίνονταν σε αρκετούς ανθρώπους πιο διασκεδαστικές από μεγάλα έργα σοβαρής ζωγραφικής και, μαζί με τοπία, πιο βολικές για τη διακόσμηση φιλόξενων ιδιωτικών κατοικιών. Μια ολόκληρη ορδή καλλιτεχνών ικανοποιεί τη ζήτηση τέτοιων εικόνων, χωρίς να σκέφτεται πολύ την επιλογή των θεμάτων για αυτές, αλλά αναπαράγει συνειδητά όλα όσα συναντά κανείς στην πραγματικότητα, δείχνοντας ταυτόχρονα αγάπη για την οικογένειά τους, στη συνέχεια καλοσυνάτο χιούμορ, με ακρίβεια χαρακτηρίζοντας τις απεικονιζόμενες θέσεις και πρόσωπα και εξευγενισμένο στην κυριαρχία της τεχνολογίας. Ενώ κάποιοι ασχολούνται με τη ζωή των απλών ανθρώπων, σκηνές αγροτικής ευτυχίας και λύπης, ποτό σε ταβέρνες και ταβέρνες, συγκεντρώσεις μπροστά σε πανδοχεία στην άκρη του δρόμου, αγροτικές διακοπές, παιχνίδια και πατινάζ στους πάγους παγωμένων ποταμών και καναλιών κ.λπ., άλλοι παίρνουν το περιεχόμενο για τα έργα τους από έναν πιο κομψό κύκλο - ζωγραφίζουν χαριτωμένα κυρίες στο οικείο τους περιβάλλον, την ερωτοτροπία των δανδή κυρίων, τις νοικοκυρές που δίνουν εντολές στις υπηρέτριές τους, τις ασκήσεις κομμωτηρίου στη μουσική και το τραγούδι, το γλέντι της χρυσής νεότητας σε σπίτια αναψυχής κ.λπ. Στη μεγάλη σειρά καλλιτεχνών της πρώτης κατηγορίας διαπρέπουν οι Adrian και Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 ή 1606-38), Jan Stan (περίπου 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, με το παρατσούκλι Bambocchio στην Ιταλία (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, με το παρατσούκλι Sorg (1621-82), Claes Molenaar (πρώην 1630-76), Jan Minse-Molenar (περίπου 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) και μερικοί. κ.λπ. Από τον εξίσου σημαντικό αριθμό ζωγράφων που αναπαρήγαγαν τη ζωή της μεσαίας και ανώτερης, γενικά επαρκούς, τάξης, οι Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Γκογκ (1630-66), Κάσπαρ Νέτσερ (1639-84), Γαλλία γ. Miris the Elder (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer of Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony and Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38) κ.λπ. Η κατηγορία των ζωγράφων του είδους περιλαμβάνει καλλιτέχνες που ζωγράφιζαν σκηνές στρατιωτικής ζωής, αδράνεια στρατιωτών σε φρουρά , χώροι κατασκήνωσης, αψιμαχίες ιππικού και ολόκληρες μάχες, άλογα γυμναστικής, καθώς και σκηνές κυνηγιού γερακιών και κυνηγόσκυλων παρόμοιες με σκηνές μάχης. Ο κύριος εκπρόσωπος αυτού του κλάδου της ζωγραφικής είναι ο διάσημος και εξαιρετικά παραγωγικός Philips Wouwerman (1619-68). Εκτός από αυτόν, ο αδερφός της αυτού του δασκάλου, Peter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), τον οποίο σύντομα θα συναντήσουμε ανάμεσα στους τοπιογράφους, τους προαναφερθέντες Παλαμήδη, Jacob Leduc (1600 - αργότερα 1660), Henrik. Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717), κ.λπ. Για πολλούς από αυτούς τους καλλιτέχνες, το τοπίο παίζει εξίσου σημαντικό ρόλο με τις ανθρώπινες φιγούρες. αλλά παράλληλα με αυτούς εργάζεται και μια μάζα ζωγράφων που το θέτουν ως κύριο ή αποκλειστικό έργο τους.

Γενικά, οι Ολλανδοί έχουν το αναφαίρετο δικαίωμα να είναι περήφανοι που η πατρίδα τους είναι η γενέτειρα όχι μόνο του νεότερου είδους, αλλά και του τοπίου με την έννοια που γίνεται κατανοητό σήμερα. Μάλιστα, σε άλλες χώρες, π.χ. στην Ιταλία και τη Γαλλία, η τέχνη δεν ενδιαφέρθηκε καθόλου για την άψυχη φύση, δεν βρήκε σε αυτήν ούτε μια μοναδική ζωή ούτε ιδιαίτερη ομορφιά: ο ζωγράφος εισήγαγε το τοπίο στους πίνακές του μόνο ως παράπλευρο στοιχείο, ως διακόσμηση, μεταξύ των οποίων επεισόδια ανθρώπινου δράματος ή Η κωμωδία παίζεται, και ως εκ τούτου την υποβάλλει σε συνθήκες σκηνής, επινοώντας γραφικές γραμμές και σημεία που της ωφελούν, αλλά χωρίς να αντιγράφει τη φύση, χωρίς να έχει διαποτιστεί από την εντύπωση που εμπνέει.

Με τον ίδιο τρόπο «συνέθεσε» τη φύση σε εκείνες τις σπάνιες περιπτώσεις που προσπάθησε να ζωγραφίσει έναν καθαρά τοπιογράφο. Οι Ολλανδοί ήταν οι πρώτοι που κατάλαβαν ότι ακόμα και στην άψυχη φύση όλα αναπνέουν ζωή, όλα είναι ελκυστικά, όλα είναι ικανά να προκαλούν σκέψη και να συναρπάζουν την κίνηση της καρδιάς. Και αυτό ήταν απολύτως φυσικό, γιατί οι Ολλανδοί, ας πούμε έτσι, δημιούργησαν τη φύση γύρω τους με τα χέρια τους, τη θησαύρισαν και τη θαύμασαν, όπως ο πατέρας θησαυρίζει και θαυμάζει το δικό του πνευματικό τέκνο. Επιπλέον, αυτή η φύση, παρά τη σεμνότητα των μορφών και των χρωμάτων της, παρείχε στους χρωματιστές όπως οι Ολλανδοί άφθονο υλικό για την ανάπτυξη μοτίβων φωτισμού και εναέριας προοπτικής λόγω των κλιματικών συνθηκών της χώρας - τον κορεσμένο με ατμό αέρα της, μαλακώνοντας τα περιγράμματα του αντικείμενα, που παράγουν μια διαβάθμιση τόνων σε διαφορετικά σχέδια και καλύπτουν την απόσταση με μια ομίχλη αργυρής ή χρυσής ομίχλης, καθώς και τη μεταβλητότητα της εμφάνισης των περιοχών που καθορίζονται από την εποχή του χρόνου, την ώρα της ημέρας και τις καιρικές συνθήκες.

Από τους τοπιογράφους της περιόδου της ανθοφορίας, οι Ολλανδοί. σχολεία που ήταν διερμηνείς της εγχώριας φύσης τους είναι ιδιαίτερα σεβαστά: Jan V. Goyen (1595-1656), ο οποίος μαζί με τον Esaias van de Velde (περ. 1590-1630) και τον Pieter Moleyn the Elder. (1595-1661), που θεωρείται ο ιδρυτής του Γκολ. τοπίο; τότε αυτός ο μαθητής του μεταπτυχιακού, ο Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (περ. 1600 - αργότερα 1679), λάτρης των εφέ του καλύτερου φωτισμού Τέχνη. d Nair (1603-77), ποιητικός Jacob v. Ruisdael (1628 ή 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) και Cornelis Dekker († 1678).

Μεταξύ των Ολλανδών υπήρχαν και πολλοί τοπιογράφοι που ξεκίνησαν ταξίδια και αναπαρήγαγαν μοτίβα ξένης φύσης, κάτι που όμως δεν τους εμπόδισε να διατηρήσουν έναν εθνικό χαρακτήρα στη ζωγραφική τους. Albert V. Ο Έβερντινγκεν (1621-75) απεικόνισε απόψεις της Νορβηγίας. Jan Both (1610-52), Dirk v. Μπέργκεν († αργότερα 1690) και Γιαν Λίνγκελμπαχ (1623-74) - Ιταλία; Ian V. δ. Δήμαρχος ο νεότερος (1656-1705), Χέρμαν Σάφτλεβεν (1610-85) και Γιαν Γκρίφιρ (1656-1720) - Ρέινα. Jan Hackart (1629-99;) - Γερμανία και Ελβετία. Ο Cornelis Pulenenburg (1586-1667) και μια ομάδα οπαδών του ζωγράφισαν τοπία εμπνευσμένα από την ιταλική φύση, με ερείπια αρχαίων κτιρίων, νύμφες που κολυμπούν και σκηνές μιας φανταστικής Αρκαδίας. Σε μια ειδική κατηγορία μπορούμε να ξεχωρίσουμε μάστορες που στους πίνακές τους συνδύασαν τοπία με εικόνες ζώων, δίνοντας προτίμηση είτε στο πρώτο είτε στο δεύτερο ή αντιμετωπίζοντας και τα δύο μέρη με την ίδια προσοχή. Ο πιο διάσημος από αυτούς τους ζωγράφους του αγροτικού ειδυλλίου είναι ο Paulus Potter (1625-54). Εκτός από αυτόν, εδώ πρέπει να συμπεριληφθεί και ο Άντριαν. d Velde (1635 ή 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) και πολυάριθμοι καλλιτέχνες που στράφηκαν για θέματα κατά προτίμηση ή αποκλειστικά στην Ιταλία, όπως: Willem Romain († αργότερα 1693), Adam. Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Wieck (1616;-77) Frederic de Moucheron (1633 ή 1634 -86) κ.λπ. Στενά συνδεδεμένη με τη ζωγραφική τοπίου είναι η ζωγραφική των αρχιτεκτονικών απόψεων, την οποία οι Ολλανδοί καλλιτέχνες άρχισαν να ασχολούνται ως ανεξάρτητος κλάδος τέχνης μόλις στα μισά του 17ου αιώνα.

Μερικοί από εκείνους που από τότε εργάστηκαν σε αυτόν τον τομέα ήταν περίπλοκοι στην απεικόνιση των δρόμων και των πλατειών της πόλης με τα κτίριά τους. αυτοί είναι, μεταξύ άλλων, λιγότερο σημαντικοί, οι Johannes Bärestraten (1622-66), Job and Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d Heyden (1647-1712) και Jacob v. χωριό Γιούλφτ (1627-88). Άλλοι, μεταξύ των οποίων οι πιο εξέχοντες είναι οι Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Ο Delen (1605-71), ο Emmanuel de Witte (1616 ή 1617-92), ζωγράφισαν εσωτερικές όψεις εκκλησιών και παλατιών. Η θάλασσα ήταν τόσο σημαντική στη ζωή της Ολλανδίας που η τέχνη της δεν μπορούσε να την αντιμετωπίσει παρά μόνο με τη μεγαλύτερη προσοχή. Πολλοί από τους καλλιτέχνες του που ασχολήθηκαν με το τοπίο, το είδος, ακόμα και με πορτρέτα, ξεφεύγοντας από τα συνηθισμένα τους θέματα για λίγο, έγιναν ναυτικοί ζωγράφοι και αν αποφασίσαμε να απαριθμήσουμε όλους τους ζωγράφους της ολλανδικής σχολής που απεικόνιζαν μια ήρεμη ή φουρτουνιασμένη θάλασσα, τα πλοία λικνίζονται πάνω του, σωριασμένα λιμενικά πλοία, ναυμαχίες κ.λπ., τότε θα παίρναμε μια πολύ μεγάλη λίστα, η οποία θα περιλαμβάνει τα ονόματα του Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. and J. Ruisdal, A. Cuyp και άλλοι που έχουν ήδη αναφερθεί στις προηγούμενες γραμμές. Περιοριζόμενοι στο να επισημάνουμε εκείνους για τους οποίους η ζωγραφική θαλάσσιων ειδών ήταν ειδικότητα, πρέπει να ονομάσουμε τον Willem v. de Velde the Elder (1611 ή 1612-93), ο διάσημος γιος του V. v. de Velde ο νεότερος (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) και Julius Parcellis († αργότερα 1634).

Τέλος, η ρεαλιστική κατεύθυνση της ολλανδικής σχολής ήταν ο λόγος που διαμορφώθηκε και αναπτύχθηκε σε αυτήν ένα είδος ζωγραφικής, που σε άλλα σχολεία μέχρι τότε δεν είχε καλλιεργηθεί ως ιδιαίτερος, ανεξάρτητος κλάδος, δηλαδή ζωγραφική λουλουδιών, φρούτων, λαχανικών, ζωντανά πλάσματα, μαγειρικά σκεύη, επιτραπέζια σκεύη κ.λπ. - με μια λέξη, αυτό που σήμερα αποκαλείται συνήθως «νεκρή φύση» (nature morte, Stilleben). Στην περιοχή αυτή μεταξύ των Οι πιο διάσημοι καλλιτέχνες της ακμής ήταν ο Jan-Davids de Gem (1606-83), ο γιος του Cornelis (1631-95), ο Abraham Mignon (1640-79), ο Melchior de Gondecoeter (1636-95), η Maria Osterwijk (1630). -93) , Willem V. Aalst (1626-83), Willem Geda (1594 - αργότερα 1678), Willem Kalf (1621 ή 1622-93) και Jan Waenix (1640-1719).

Η λαμπρή περίοδος της ολλανδικής ζωγραφικής δεν κράτησε πολύ - μόνο έναν αιώνα. Από τις αρχές του 18ου αιώνα. Η παρακμή του έρχεται, όχι επειδή οι ακτές του Zuiderzee παύουν να παράγουν έμφυτα ταλέντα, αλλά επειδή Στην κοινωνία, η εθνική αυτοσυνειδησία εξασθενεί ολοένα και περισσότερο, το εθνικό πνεύμα εξατμίζεται και τα γαλλικά γούστα και απόψεις της πομπώδους εποχής του Λουδοβίκου 14ου ριζώνουν. Στην τέχνη, αυτή η πολιτιστική στροφή εκφράζεται με τη λήθη εκ μέρους των καλλιτεχνών εκείνων των βασικών αρχών από τις οποίες εξαρτιόταν η πρωτοτυπία των ζωγράφων των προηγούμενων γενεών και η έφεση στις αισθητικές αρχές που προέρχονται από μια γειτονική χώρα.

Αντί για άμεση σχέση με τη φύση, η αγάπη για αυτό που είναι εγγενές και η ειλικρίνεια, η κυριαρχία των προκατασκευασμένων θεωριών, η σύμβαση και η μίμηση των Poussin, Lebrun, Cl. Λορέν και άλλοι διαφωτιστές της γαλλικής σχολής. Ο κύριος διαπραγματευτής αυτής της θλιβερής τάσης ήταν ο Φλαμανδός Gerard de Leresse (1641-1711), ο οποίος εγκαταστάθηκε στο Άμστερνταμ, ένας ικανότατος και μορφωμένος καλλιτέχνης στην εποχή του, ο οποίος άσκησε τεράστια επιρροή στους συγχρόνους του και στους άμεσους απογόνους του, τόσο με το ψεύδος του. -ιστορικούς πίνακες και με έργα της δικής του πένας, μεταξύ των οποίων ένα, το The Painter's Great Book ('t groot schilderboec), λειτούργησε ως κώδικας για νέους καλλιτέχνες για πενήντα χρόνια. Στην παρακμή της σχολής συνέβαλε και ο περίφημος Αδριανός. de Werff (1659-1722), του οποίου ο κομψός πίνακας με ψυχρές φιγούρες, σαν σκαλισμένος από ελεφαντόδοντο, με ένα θαμπό, ανίσχυρο χρώμα, φαινόταν κάποτε το ύψος της τελειότητας. Μεταξύ των οπαδών αυτού του καλλιτέχνη ο Henryk v. απόλαυσε τη φήμη ως ιστορικοί ζωγράφοι. Limborg (1680-1758) και Philip V.-Dyck (1669-1729), με το παρατσούκλι "Little V.-Dyck".

Από τους άλλους ζωγράφους της εν λόγω εποχής, προικισμένους με αναμφισβήτητο ταλέντο, αλλά μολυσμένους με το πνεύμα των καιρών, πρέπει να σημειωθεί ο Willem and France v. Miris the Younger (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) και Carel de Maur (1656-173). Λίγη λάμψη έδωσε στο ετοιμοθάνατο σχολείο ο Cornelis Troost (1697-1750), κυρίως σκιτσογράφος, με το παρατσούκλι Dutch. Γκόγκαρθ, προσωπογράφος Jan Quincgard (1688-1772), διακοσμητικός και ιστορικός ζωγράφος Jacob de Wit (1695-1754) και ζωγράφοι νεκρής φύσης Jan V. Geysum (1682-1749) και Rachel Reisch (1664-1750).

Η ξένη επιρροή επιβάρυνε την ολλανδική ζωγραφική μέχρι τη δεκαετία του 20 του 19ου αιώνα, έχοντας καταφέρει να αντικατοπτρίσει λίγο πολύ τις αλλαγές που επέφερε η τέχνη στη Γαλλία, ξεκινώντας από την κατασκευή περουκών της εποχής του Βασιλιά Ήλιου και τελειώνοντας με τον ψευδοκλασικισμό του Δαβίδ. Όταν το ύφος των τελευταίων απαρχαιώθηκε και παντού στη Δυτική Ευρώπη, αντί της γοητείας με τους αρχαίους Έλληνες και Ρωμαίους, γεννήθηκε μια ρομαντική επιθυμία, κατακτώντας τόσο την ποίηση όσο και τις παραστατικές τέχνες, οι Ολλανδοί, όπως και άλλοι

μ λαών, έστρεψαν το βλέμμα τους στην αρχαιότητα τους, άρα και στο ένδοξο παρελθόν της ζωγραφικής τους.

Η επιθυμία να του δώσει ξανά τη λάμψη με την οποία έλαμψε τον 17ο αιώνα άρχισε να εμπνέει τους νεότερους καλλιτέχνες και τους επέστρεψε στις αρχές των αρχαίων εθνικών δασκάλων - σε μια αυστηρή παρατήρηση της φύσης και μια έξυπνη, ειλικρινή στάση απέναντι στα καθήκοντα του χέρι. Ταυτόχρονα, δεν προσπάθησαν να εξαλειφθούν εντελώς από την ξένη επιρροή, αλλά όταν πήγαν για σπουδές στο Παρίσι ή στο Ντίσελντορφ και σε άλλα καλλιτεχνικά κέντρα στη Γερμανία, έμαθαν μόνο μια γνωριμία με τις επιτυχίες της σύγχρονης τεχνολογίας.

Χάρη σε όλα αυτά, το αναβιωμένο ολλανδικό σχολείο έλαβε και πάλι μια πρωτότυπη, ελκυστική φυσιογνωμία και κινείται σήμερα στο μονοπάτι που οδηγεί σε περαιτέρω πρόοδο. Μπορεί εύκολα να αντιπαραβάλει πολλές από τις νεότερες φιγούρες της με τους καλύτερους ζωγράφους του 19ου αιώνα σε άλλες χώρες. Η ιστορική ζωγραφική με τη στενή έννοια της λέξης καλλιεργείται σε αυτήν, όπως παλιά, πολύ μέτρια και δεν έχει εξαιρετικούς εκπροσώπους. Αλλά όσον αφορά το ιστορικό είδος, ο Holland μπορεί να υπερηφανεύεται για αρκετούς σημαντικούς πρόσφατους δασκάλους, όπως: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (γεν. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (γεν. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) και τον εξαιρετικά ταλαντούχο Lawrence Alma-Tadema (γεν. 1836), που εγκατέλειψε στην Αγγλία. Το καθημερινό είδος, που περιλαμβανόταν επίσης στον κύκλο δραστηριότητας αυτών των καλλιτεχνών (με εξαίρεση τον Alma-Tadema), μπορεί να επισημανθεί ένας αριθμός εξαιρετικών ζωγράφων, με επικεφαλής τον Joseph Israels (γεν. 1824) και τον Christoffel Bisschop (β. 1828)· Εκτός από αυτούς, οι Michiel Verseg (1756-1843), ο Elhanon Vervaer (γ. 1826), η Teresa Schwarze (γ. 1852) και ο Valli Mus (γ. 1857) είναι άξιοι να ονομαστούν.

Ο νεότερος ολλανδικός πίνακας είναι ιδιαίτερα πλούσιος σε τοπιογράφους που έχουν εργαστεί και εργάζονται με διάφορους τρόπους, άλλοτε με προσεκτικό φινίρισμα, άλλοτε με την ευρεία τεχνική των ιμπρεσιονιστών, αλλά πιστούς και ποιητικούς ερμηνευτές της ιθαγενούς τους φύσης. Σε αυτούς περιλαμβάνονται οι Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (γ. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (γ. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (γ. 1837), Lodewijk Apol (γ. 1850) και πολλοί άλλοι. κλπ. Άμεσοι κληρονόμοι του Υα. Εμφανίστηκαν οι D. Heyden και E. de Witte ζωγράφοι υποσχόμενων απόψεων, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gowe (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880), κ.λπ. Από τους νεότερους ναυτικούς ζωγράφους της Ολλανδίας, οι Η παλάμη ανήκει στο Jog. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (γ. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) και Henrik Mesdag (γ. 1831). Τέλος, ο Wouters Verschoor (1812-74) και ο Johann Gas (γεν. 1832) επέδειξαν μεγάλη δεξιοτεχνία στη ζωγραφική των ζώων.

Νυμφεύομαι. Van Eyden u. van der Willigen, «Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw» (4 τόμοι, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (2ος και 3ος τόμος, 1882-1883); Waagen, «Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen» (1862); Bode, «Studien zur Geschichte der holländischen Malerei» (1883); Havard, "La peinture hollandaise" (1880); E. Fromentin, «Les maîtres d’autrefois. Belgique, Hollande» (1876); A. Bredius, «Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam» (1890); P. P. Semenov, «Σχέδια για την ιστορία της ολλανδικής ζωγραφικής με βάση τα δείγματά της που βρίσκονται στην Αγία Πετρούπολη». (ειδικό συμπλήρωμα στο περιοδικό «Vestn. Fine Arts», 1885-90).

Εν τω μεταξύ, αυτό είναι ένα ξεχωριστό, που αξίζει περισσότερα λεπτομερής μελέτηπεριοχή Ευρωπαϊκός πολιτισμός, που αντικατοπτρίζει την αρχική ζωή των κατοίκων της Ολλανδίας εκείνη την εποχή.

Ιστορία εμφάνισης

Επιφανείς εκπρόσωποι των καλλιτεχνικών τεχνών άρχισαν να εμφανίζονται στη χώρα τον δέκατο έβδομο αιώνα. Γάλλοι πολιτιστικοί εμπειρογνώμονες τα έδωσαν συνηθισμένο όνομα- «μικρά ολλανδικά», που δεν σχετίζεται με την κλίμακα των ταλέντων και υποδηλώνει προσκόλληση σε ορισμένα θέματα από Καθημερινή ζωή, το αντίθετο του «μεγάλου» στυλ με μεγάλους καμβάδες σε ιστορικά ή μυθολογικά θέματα. Η ιστορία της εμφάνισης της ολλανδικής ζωγραφικής περιγράφηκε λεπτομερώς τον δέκατο ένατο αιώνα και οι συγγραφείς έργων σχετικά με αυτήν χρησιμοποίησαν επίσης αυτόν τον όρο. Οι «Μικροί Ολλανδοί» διακρίθηκαν από τον κοσμικό ρεαλισμό, στράφηκαν στον περιβάλλοντα κόσμο και τους ανθρώπους και χρησιμοποιούσαν ζωγραφική πλούσια σε τόνους.

Κύρια στάδια ανάπτυξης

Η ιστορία της ολλανδικής ζωγραφικής μπορεί να χωριστεί σε διάφορες περιόδους. Η πρώτη διήρκεσε περίπου από το 1620 έως το 1630, όταν καθιερώθηκε ο ρεαλισμός στην εθνική τέχνη. Η ολλανδική ζωγραφική γνώρισε τη δεύτερη περίοδο της το 1640-1660. Αυτή είναι η εποχή που η τοπική καλλιτεχνική σχολή άνθισε πραγματικά. Τέλος, η τρίτη περίοδος, η εποχή που η ολλανδική ζωγραφική άρχισε να παρακμάζει - από το 1670 έως τις αρχές του δέκατου όγδοου αιώνα.

Αξίζει να σημειωθεί ότι τα πολιτιστικά κέντρα άλλαξαν αυτό το διάστημα. Την πρώτη περίοδο, κορυφαίοι καλλιτέχνες εργάστηκαν στο Χάρλεμ και ο κύριος εκπρόσωπος ήταν ο Χάλσα. Στη συνέχεια το κέντρο μεταφέρθηκε στο Άμστερνταμ, όπου τα σημαντικότερα έργα πραγματοποιήθηκαν από τους Ρέμπραντ και Βερμέερ.

Σκηνές της καθημερινότητας

Κατά την απαρίθμηση των πιο σημαντικών ειδών της ολλανδικής ζωγραφικής, είναι επιτακτική ανάγκη να ξεκινήσετε με την καθημερινή ζωή - την πιο ζωντανή και πρωτότυπη στην ιστορία. Οι Φλαμανδοί ήταν αυτοί που αποκάλυψαν στον κόσμο σκηνές από την καθημερινή ζωή των απλών ανθρώπων, των αγροτών και των κατοίκων της πόλης ή των τσιφλικάδων. Οι πρωτοπόροι ήταν ο Ostade και οι ακόλουθοί του Audenrogge, Bega και Dusart. Στους πρώιμους πίνακες του Ostade, οι άνθρωποι παίζουν χαρτιά, μαλώνουν ακόμα και τσακώνονται σε μια ταβέρνα. Κάθε πίνακας διακρίνεται από έναν δυναμικό, κάπως βάναυσο χαρακτήρα. Η ολλανδική ζωγραφική εκείνης της εποχής μιλά επίσης για ειρηνικές σκηνές: σε ορισμένα έργα, οι αγρότες μιλούν πάνω από ένα πίπα και ένα ποτήρι μπύρα, περνούν χρόνο σε μια έκθεση ή με τις οικογένειές τους. Η επιρροή του Ρέμπραντ οδήγησε στην ευρεία χρήση του μαλακού, χρυσού χρώματος chiaroscuro. Οι αστικές σκηνές ενέπνευσαν καλλιτέχνες όπως οι Hals, Leicester, Molenaar και Codde. Στα μέσα του δέκατου έβδομου αιώνα, οι δάσκαλοι απεικόνιζαν γιατρούς, επιστήμονες στη διαδικασία της εργασίας, τα δικά τους εργαστήρια, τις δουλειές του σπιτιού ή κάθε πλοκή θα έπρεπε να ήταν διασκεδαστική, μερικές φορές γκροτέσκο διδακτική. Μερικοί δάσκαλοι είχαν την τάση να ποιητοποιούν την καθημερινή ζωή, για παράδειγμα, ο Terborch απεικόνιζε σκηνές αναπαραγωγής μουσικής ή φλερτ. Ο Metsu χρησιμοποίησε έντονα χρώματα, μετατρέποντας την καθημερινότητα σε γιορτή, ενώ ο de Hooch εμπνεύστηκε από την απλότητα της οικογενειακής ζωής, λουσμένη στο διάχυτο φως της ημέρας. Μεταγενέστεροι εκπρόσωποι του είδους, στους οποίους περιλαμβάνονται ολλανδοί δεξιοτέχνες της ζωγραφικής όπως ο Van der Werff και ο Van der Neer, στην προσπάθειά τους για κομψή απεικόνιση, συχνά δημιούργησαν κάπως επιτηδευμένα θέματα.

Φύση και τοπία

Επιπλέον, η ολλανδική ζωγραφική εκπροσωπείται ευρέως στο είδος του τοπίου. Εμφανίστηκε για πρώτη φορά στα έργα τέτοιων δασκάλων του Χάρλεμ όπως ο van Goyen, ο de Moleyn και ο van Ruisdael. Ήταν αυτοί που άρχισαν να απεικονίζουν τις αγροτικές περιοχές με ένα συγκεκριμένο ασημί φως. Η υλική ενότητα της φύσης ήρθε στο προσκήνιο στα έργα του. Τα θαλασσινά τοπία αξίζει να αναφερθούν ξεχωριστά. Οι Μαρινιστές του 17ου αιώνα περιλάμβαναν τους Porsellis, de Vlieger και van de Capelle. Δεν προσπάθησαν τόσο να μεταφέρουν ορισμένες θαλάσσιες σκηνές όσο προσπάθησαν να απεικονίσουν το ίδιο το νερό, το παιχνίδι του φωτός πάνω του και στον ουρανό.

Στο δεύτερο μισό του δέκατου έβδομου αιώνα, εμφανίστηκαν στο είδος πιο συναισθηματικά έργα με φιλοσοφικές ιδέες. Ο Jan van Ruisdael αποκάλυψε την ομορφιά του ολλανδικού τοπίου στο μέγιστο, απεικονίζοντάς το σε όλη του τη δραματικότητα, τη δυναμική και τη μνημειακότητά του. Ο Χόμπεμ, που προτιμούσε τα ηλιόλουστα τοπία, συνέχισε τις παραδόσεις του. Ο Koninck ζωγράφισε πανοράματα και ο van der Neer δημιούργησε νυχτερινά τοπία και απέδωσε το φως του φεγγαριού, την ανατολή και το ηλιοβασίλεμα. Ορισμένοι καλλιτέχνες χαρακτηρίζονται επίσης από την απεικόνιση ζώων σε τοπία, για παράδειγμα, να βόσκουν αγελάδες και άλογα, καθώς και από το κυνήγι και τις σκηνές με ιππείς. Αργότερα, οι καλλιτέχνες άρχισαν να ενδιαφέρονται για την ξένη φύση - Και οι δύο, ο van Laar, ο Wenix, ο Berchem και ο Hackert απεικόνισαν την Ιταλία να λούζεται στις ακτίνες του νότιου ήλιου. Ο ιδρυτής του είδους ήταν ο Sanredam, του οποίου οι καλύτεροι οπαδοί μπορούν να ονομαστούν οι αδερφοί Berkheide και ο Jan van der Heijden.

Εικόνα εσωτερικών χώρων

Ένα ξεχωριστό είδος που ξεχώρισε την ολλανδική ζωγραφική στην ακμή της μπορεί να ονομαστεί σκηνές με δωμάτια εκκλησίας, παλατιού και σπιτιού. Οι εσωτερικοί χώροι εμφανίστηκαν σε πίνακες του δεύτερου μισού του δέκατου έβδομου αιώνα από τους δασκάλους του Delft - Haukgeest, van der Vliet και de Witte, οι οποίοι έγιναν ο κύριος εκπρόσωπος του κινήματος. Χρησιμοποιώντας τις τεχνικές του Vermeer, οι καλλιτέχνες απεικόνισαν σκηνές λουσμένες στο φως του ήλιου, γεμάτες συναίσθημα και όγκο.

Γραφικά πιάτα και πιάτα

Τέλος, ένα άλλο χαρακτηριστικό είδος της ολλανδικής ζωγραφικής είναι η νεκρή φύση, ειδικά η απεικόνιση πρωινού. Καταλήφθηκε για πρώτη φορά από τους κατοίκους του Χάρλεμ, Claes και Heda, οι οποίοι ζωγράφισαν στρωμένα τραπέζια με πολυτελή πιάτα. Το γραφικό χάος και η ιδιαίτερη μεταφορά ενός ζεστού εσωτερικού χώρου γεμίζουν με ασημί-γκρι φως, χαρακτηριστικό του ασημιού και του κασσίτερου. Οι καλλιτέχνες της Ουτρέχτης ζωγράφιζαν πλούσια λουλουδάτα νεκρές φύσεις και στη Χάγη, οι καλλιτέχνες ήταν ιδιαίτερα καλοί στην απεικόνιση ψαριών και θαλάσσιων ερπετών. Στο Leiden, προέκυψε μια φιλοσοφική κατεύθυνση του είδους, στην οποία κρανία και κλεψύδρες συνυπάρχουν με σύμβολα αισθησιακής ευχαρίστησης ή γήινης δόξας, σχεδιασμένα να θυμίζουν την παροδικότητα του χρόνου. Δημοκρατικές νεκρές φύσεις κουζίνας διακριτικό χαρακτηριστικόσχολή τέχνης Ρότερνταμ.

Στα πλαίσια του Έτους του Βασιλείου των Κάτω Χωρών στη Ρωσική Ομοσπονδία
στο Κρατικό Μουσείο Καλών Τεχνών με το όνομα A.S. Πούσκιν (Πινακοθήκη ευρωπαϊκών και αμερικανικών χωρών του 19ου-20ου αιώνα)
μέχρι τις 26 Ιανουαρίου 2014 υπήρχε έκθεση έργων από την εταιρική συλλογή του Ομίλου ING
Η μαγεία του ολλανδικού ρεαλισμού.

Ο Όμιλος ING είναι μια από τις μεγαλύτερες διεθνείς χρηματοοικονομικές εταιρείες Ολλανδική καταγωγή. Η συλλογή έργων τέχνης ING σήμερα περιλαμβάνει πάνω από 15 χιλιάδες έργα διαφόρων εθνικών σχολών και κινημάτων. Στην έκθεση του Κρατικού Μουσείου Καλών Τεχνών Πούσκιν, ο Όμιλος ING παρουσιάζει το πιο σημαντικό μέρος της συλλογής του - πίνακες που σχετίζονται με καλλιτεχνική διεύθυνση μαγικός ρεαλισμός.
Στη δεκαετία του 1920 στην Ευρώπη, με το σύνθημα «επιστροφή στην τάξη», ξεκίνησε μια αναβίωση της κλασικής τάσης στην τέχνη. ΣΕ Ευρωπαϊκή τέχνητο πάθος για την αφηρημένη τέχνη της προηγούμενης δεκαετίας εξασθενεί και οι ρεαλιστικές τάσεις αναβιώνουν. Αυτό οφειλόταν εν μέρει στην οδυνηρή εμπειρία του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου: η γλώσσα της αφηρημένης τέχνης ήταν αρκετά περιορισμένη και οι καλλιτέχνες αναγκάστηκαν να αναζητήσουν ένα νέο στυλ για να εκφράσουν τη βαρβαρότητα της προηγούμενης σφαγής. Αυτό οδήγησε στη γέννηση νέα μορφήο ρεαλισμός, που εγκατέλειψε την απεικόνιση της καθημερινότητας, όπως συνέβαινε στην τέχνη του 19ου αιώνα, και εστίασε σε άλλες τεχνικές. Παρόμοια κινήματα τέχνης άρχισαν να εμφανίζονται σε όλη την Ευρώπη: «νέα υλικότητα» στη Γερμανία, «μεταφυσική τέχνη» στην Ιταλία, «σουρεαλισμός» στη Γαλλία και, τη δεκαετία του 1930, «μαγικός ρεαλισμός» στην Ολλανδία.

Ο όρος «μαγικός ρεαλισμός» επινοήθηκε για πρώτη φορά στη Γερμανία και αργότερα χρησιμοποιήθηκε στην Ολλανδία από ορισμένους συγγραφείς. Το ιδιαίτερο χαρακτηριστικό του είναι ότι αντικείμενα από τον πραγματικό κόσμο απεικονίζονται με φωτογραφική ακρίβεια (ρεαλισμός), ωστόσο, αφού τοποθετούνται σε ένα εξωπραγματικό πλαίσιο - αποκύημα της φαντασίας του καλλιτέχνη - το αποτέλεσμα της αποκόλλησης (μαγεία), η καταστροφή της τυπικής αντίληψης του γύρω κόσμου γεννιέται. Για να επιτύχουν αυτό το αποτέλεσμα, οι μαγικοί ρεαλιστές στράφηκαν στις εκλεπτυσμένες τεχνικές της ζωγραφικής του 17ου αιώνα. Ταυτόχρονα, πίσω από την πρόσοψη ενός εμφατικά ρεαλιστικού στυλ ζωγραφικής κρύβεται μια διεισδυτική και βαθιά προσωπική ματιά και η σχολαστική ακρίβεια με την οποία είναι φτιαγμένοι οι πίνακες δημιουργεί ένα αίσθημα αποξένωσης.

Οι καλλιτέχνες αρχίζουν να δείχνουν ενδιαφέρον για την ίδια τη ζωγραφική παράδοση. Ένας από τους πρώτους οπαδούς αυτής της τάσης είναι ο Ολλανδός Karel Willink, ο μόνος καλλιτέχνης που έχει την τιμή να συμπεριληφθεί όχι μόνο στη συλλογή της ING, αλλά και στην ευρύτερη ιστορία της τέχνης του 20ου αιώνα, δεδομένου ότι έβλεπε τα σύγχρονα στυλ ως παροδικά, ο Willink αποφασίζει να τερματίσει τα πειράματά του και να προχωρήσει στα παραδοσιακά ρεαλιστική ζωγραφική.

Karel Willink. Κορίτσι με αναγεννησιακό φόρεμα. 1946

Το βλέμμα όποιου μπαίνει στην έκθεση τραβά αμέσως στο «Κορίτσι με αναγεννησιακό κοστούμι» του Karel Willink. Το κορίτσι του Ρούμπενς με ένα βαρύ μπροκάρ φόρεμα με ένα πρόβατο παιχνίδι σε λουρί, που απεικονίζεται με φόντο ένα κανονικό πάρκο που απλώνεται στην προοπτική του Πατίνιροφ μέχρι τον ορίζοντα, μοιάζει με ηρωίδα κάποιου είδους εφιάλτη. Είτε το παγωμένο ηλεκτρικό φως, όπως στο «Melancholia» του Lars von Trier, δίνει ένα τέτοιο αποτέλεσμα, ή η αντίθεση ανάμεσα στο καθόλου παιδικό και καθόλου αθώο πρόσωπο του μοντέλου και στο ειδυλλιακό σκηνικό στο πνεύμα των παλιών δασκάλων, όπου αυτό μπαίνει πρόσωπο, σαν σε πίνακα, ενεργοποιείται ένα ψεύτικο από επαρχιακό φωτογραφείο. Το "Girl" γράφτηκε το 1945 - κατά τη διάρκεια της κατοχής, ο Karel Willink, παρόλο που αναγνωρίστηκε ως εντελώς Άριος καλλιτέχνης, αρνήθηκε να πουλήσει τους πίνακές του στους Γερμανούς και έβγαζε τα προς το ζην από πορτρέτα. Ωστόσο, αυτή η εικόνα, με όλο τον κατά παραγγελία χαρακτήρα της, θεωρείται ως μια αντανάκλαση της Παλαιάς Ευρώπης, η οποία έχει πεθάνει και που πρέπει τώρα να κατοικηθεί από νέες, άγνωστες φυλές.

Οι υπόλοιποι καλλιτέχνες που παρουσιάζονται στην έκθεση είναι πολύ λιγότερο διάσημοι και φαίνεται να θέλουν να έρθουν σε διαμάχη με τον Willink, αποδεικνύοντάς του με τον μανιακό ρεαλισμό τους ότι οι αξίες του παλιού κόσμου έχουν δικαίωμα στη ζωή. Αλλά ταυτόχρονα, η συλλογή ING δεν μοιάζει καθόλου με εκδήλωση συντηρητισμού.

Ο όρος «μαγικός ρεαλισμός», που καλύπτεται στον τίτλο της έκθεσης, επινοήθηκε από έναν Γερμανό ιστορικό τέχνης και κριτικό Φραντς Ροχτο 1925 για καλλιτέχνες της «νέας υλικότητας», αλλά γρήγορα μετανάστευσαν στο χώρο της λογοτεχνίας και πρακτικά έχασαν κάθε σαφές νόημα στον τομέα της εικαστικής τέχνης. Αυτό που βλέπουμε στην έκθεση είναι ένα ευρύ φάσμα «ισμών». Από τον υπερρεαλισμό - όπως στο "The Box" Φρανς Κλέμεντ, από το οποίο θα πέφτουν ανά πάσα στιγμή εργαλεία κατασκευής, σε σημείο μπανάλ ακαδημαϊσμού - όπως στις παραγωγές νεκρής φύσης Πίτερ ΣέμπενςΚαι Bernard Ferkayka. Υπάρχουν και εδώ θαυμαστές του Andrew Wyeth... Γιόχαν Άμπελινγκμε το «House», που θα μπορούσε άνετα να γίνει «Christina's House». Και οι εννοιολογικοί σαν τον συγγραφέα 7 χιλιάδων αυτοπροσωπογραφιών Φίλιπ Άκερμαν, μαθητής των μεγάλων Γιαν Ντιμπετς. Και οι λάτρεις των μεταμοντέρνων παιχνιδιών όπως Μπαρέντα Μπλάνκερτ, παραθέτοντας παλιούς Ιταλούς ανάμεικτους με τον Ζωρζ Σευρά. Και αυτή η πολύ «νέα ουσία», που περιλαμβάνει τους συνομηλίκους του Karel Willink - Βιμ Σουμάχερμε ασημένια πορτρέτα και τοπία και ο Ντικ Κετ με νεκρές φύσεις κολάζ, επιστρέφοντας την ψευδαισθησιακή πειστικότητα στον κυβιστικό κόσμο των αντικειμένων. Ωστόσο, Ντικ Κετ, στο «Still Life for St. Nicholas Day» κρυπτογραφώντας το όνομά του, από τότε που ανέβηκε γιορτινό τραπέζιμια κούκλα μαριονέτα που ονομάζεται "ket" στα Δυτικά Φριζιανά, παίζει σουρεαλιστικά παιχνίδια. Όπως ο Karel Willink, ο βόρειος μανιερισμός του είναι κοντά στον Max Ernst και τον Salvador Dali και ο καρτεσιανισμός του είναι κοντά στον Rene Magritte.

Μάλλον η συλλογή ING έχει πατριωτικό πρόγραμμα: άλλωστε ο ρεαλισμός θεωρείται μεγάλο επίτευγμα της ολλανδικής χρυσής εποχής. Πολλοί καλλιτέχνες εδώ κάνουν έκκληση στη χρυσή εποχή και στο «Νεκρή φύση με φρούτα στο φόντο ενός τοπίου» από έναν λαμπρό στυλίστα Ραούλ ΧίνκςΘα ήθελα να διορθώσω την ημερομηνία γράφοντας «1635» αντί για «1935». Αλλά κανείς δεν μπορεί να πει ότι τα κίνητρα που ώθησαν τη συλλογή αυτής της εταιρικής συλλογής περιορίζονται στην επιθυμία υποστήριξης της εθνικής καλλιτεχνικής μάρκας. Η έκθεση καταλαμβάνει μόνο τρεις αίθουσες και οι πίνακες απλώς διανέμονται μεταξύ τους σύμφωνα με την αρχή του είδους: πορτρέτο, τοπίο, νεκρή φύση. Ωστόσο, παρ' όλο τον φωτογραφικό ρεαλισμό των έργων, δεν αισθάνεσαι τη διαφορά μεταξύ των ειδών: σχεδιασμένα κυρίως σε θαμπούς ασημί-γκρι τόνους, που φωτίζονται κυρίως από απαλό ματ φως, που διακρίνονται από την αφύσικη καθαρότητα των γραμμών, όλα σε προκαλέστε πρώτα την ιδέα ενός τυπικού ολλανδικού τοπίου και στη συνέχεια αρχίστε να φαίνεται σαν νεκρή φύση. Ένα αριστοτεχνικό και απαθές καστ της πραγματικότητας από το οποίο η ζωή έχει εξαφανιστεί. Δεν με ολιστικό τρόποτου πραγματικού κόσμου, αλλά με ένα σύνολο ενδείξεων που αναφέρονται στον πραγματικό κόσμο ως σκηνή εγκλήματος, όπως μια ρωγμή στο ένα υποβραχιόνιο και ένα τόξο στο άλλο. Μπαρέντα Μπλάνκερτ. Το οποίο εν μέρει περιέγραψε ο ποιητής Τζόζεφ Μπρόντσκισε ένα ποίημα εμπνευσμένο από τον πίνακα του Carl Willink: «Αυτό είναι αυτό που λέγεται «μαεστρία»:

Η ικανότητα να μην φοβάστε τη διαδικασία

Η ανυπαρξία - ως δικές της μορφές

Απουσία, έχοντας αντιγράψει από τη ζωή.

Ακολουθώντας τον Willink, εκπρόσωποι του μαγικού ρεαλισμού όπως ο Peike Koch, ο Raoul Hinkuis, ο Dick Kaeth και ο Wim Schumacher γίνονται όλο και πιο δημοφιλείς.

Πέικε Κοχ. Συγκομιδή. 1953

«Ο μαγικός ρεαλισμός απεικονίζει φαινόμενα που είναι πιθανά και όμως απίθανα. Ο σουρεαλισμός, από την πλευρά του, καταδεικνύει καταστάσεις που είναι αδύνατες, δεν υπάρχουν ή δεν μπορούν να υπάρξουν», είπε Πέικε Κοχ, εξηγώντας τη διαφορά μεταξύ του μαγικού ρεαλισμού και του σουρεαλισμού, δύο κινήματα τέχνης που συχνά συγχέονται μεταξύ τους. Ο σουρεαλισμός είναι πρωτίστως ένας κόσμος φαντασίας και ονείρων, ενώ ο μαγικός ρεαλισμός είναι η καθημερινότητα σε ένα νέο πλαίσιο.

Κοινό χαρακτηριστικό όλων των μαγικών ρεαλιστών είναι η ατμόσφαιρα που δημιουργούν οι πίνακές τους. Το αίσθημα ανησυχίας που προκαλούν αυτοί οι πίνακες οφείλεται εν μέρει στον ακραίο ρεαλισμό τους, ο οποίος μειώνει την απόσταση μεταξύ του θεατή και του έργου. Ταυτόχρονα, εδώ δεν υπάρχει αυστηρή αφήγηση ή πλήρης αφήγηση. Ο καλλιτέχνης προσφέρει μόνο μια σειρά από πιθανές αναγνώσεις, αλλά ποτέ δεν δίνει μια ολοκληρωμένη απάντηση. Δίνεται το δικαίωμα στον θεατή να βγάλει τα συμπεράσματά του.

Η αισθητική του μαγικού ρεαλισμού, αυτός ο συνδυασμός πραγματικότητας και μαγείας, φυσικά, χρειαζόταν ορισμένους στυλιστικές συσκευές. Τα έργα των μαγικών ρεαλιστών διακρίνονται από μια ορισμένη ψυχρότητα και τη φαινομενικά αποστασιοποιημένη ματιά του καλλιτέχνη στο θέμα της εικόνας, που γλιστράει στην επιφάνεια, κάτι που ήταν ιδιαίτερα εμφανές στα πορτρέτα και τις νεκρές φύσεις (Ντικ Καθ, Βιμ Σουμάχερ).

Βιμ Σουμάχερ. Πορτρέτο του Adin Mees. 1933;

Wim Schumacher "Melita in White" 1928

Wim Schumacher "Prats de Mollo" 1929

Ντικ Κετ. Άγιος Νικόλαος, νεκρή φύση. 1931

Dick Ket (1902-1940). Νεκρή φύση με βιολί και αποκόμματα εφημερίδων με αυτοπροσωπογραφίες των W.Schumacher και R.Hynckes.Ca.1936

Raoul Hynckes (1893-1973).Νεκρή φύση με φρούτα και τοπίο/Νεκρή φύση με φρούτα στο φόντο ενός τοπίου.1935.

Ger Langeweg (1891-1970).Pears in a Landscape.Ca.1937/Ger Langeweg.Pears in a landscape.

Για τους σύγχρονους εκπροσώπους του μαγικού ρεαλισμού στην Ολλανδία, είναι χαρακτηριστικό και όχι τυχαίο ότι έχουν σχέση με φαινόμενα στην τέχνη του 20ου αιώνα όπως η ποπ αρτ, ο νεοεξπρεσιονισμός και ο φωτορεαλισμός. Τεχνικές επίδειξης κατασκευής του ευφάνταστου κόσμου, η επιθυμία να παίξουμε τον ωφελιμισμό και τα στερεότυπα του περιβάλλοντος χώρου, τη φυγή στον κόσμο του φανταστικού, η χρήση κρυφών νύξεων, το ελεύθερο παιχνίδι με εικόνες και νοήματα κάνουν το έργο του σύγχρονου «μαγικού Καλλιτέχνες παρόμοιοι με τον σουρεαλισμό. Ταυτόχρονα, ο ακραίος βαθμός παραστατικής τέχνης και η προσοχή στη λεπτομέρεια είναι αναμφίβολα μια έκκληση στη ρεαλιστική παράδοση των παλιών Ολλανδών δασκάλων.

Σκοπός της έκθεσης «Η μαγεία του ολλανδικού ρεαλισμού» είναι να δείξει ένα από τα λαμπρότερα φαινόμενα στην ολλανδική τέχνη του 20ου αιώνα - ως διάλογος μεταξύ ζωγράφων πολλών γενεών, μεταξύ μαγικών ρεαλιστών του πρώτου μισού του 20ού αιώνα. αιώνα, συμπεριλαμβανομένων των Wim Schumacher, Karel Willink, Peike Koch και των σύγχρονων οπαδών τους: Philipp Akkerman, Frans Stuurman, Koos van Koulen και άλλων, ένας διάλογος που σας κάνει να θυμάστε την παραδοσιακή κουλτούρα της Ολλανδίας. Στην έκθεση παρουσιάζονται περίπου σαράντα έργα Ολλανδών καλλιτεχνών του 20ου και 21ου αιώνα, που επιδεικνύουν τεχνική μαεστρία, συνδυασμό παράδοσης και καινοτομίας.

Jan van Tongeren (1897-1991).Νεκρή φύση με λευκή κανάτα.1967/ Jan van Tongeren.Νεκρή φύση με λευκή κανάτα

Franc Clement (b.1941).Box.1985/ Franc Clement.Box.

Frans Stuurman "Delfshaven" 1979

Frans Stuurman (g.1952) The Gulf.1994 / Frans Stuurman.Seagull

Jan Worst "Adventurer" 1993

Kick Sailer "Μπροστά στον καθρέφτη" 1993

Kick Seiler "Night" 1992

Pete Sebens "Hilda's Table" 1995

Henk Helmantel (γεν. 1945). Νεκρή φύση με φρούτα ροδιού. 1998. Ξύλο, λάδι

Barend Blankert (g.1941).The Exercise.1991 / Barend Blankert. Ασκηση

Barend Blankert «Δύο αγόρια στη φύση» 1988-1990

Φίλιπ Άκερμαν. Αυτοπροσωπογραφία. 2001

Philip Akkerman (b.1957) 4 Self-Portraits No. 132, No. 51, No. 80, No. 20 / Philip Akerman.4 self-portraits

Το φως στους μαγικούς ρεαλιστικούς πίνακες συχνά φαίνεται τεχνητό, υπερβολικά σκληρό και διακοπτόμενο. Οι καλλιτέχνες χρησιμοποίησαν αυτή την τεχνική για να συνειδητοποιήσουν πλήρως τις μεθόδους χρήσης της προοπτικής που ανέπτυξαν οι κυβιστές.

Επίσης, στους πίνακες των μαγικών ρεαλιστών δύσκολα μπορεί κανείς να βρει αποχρώσεις ή απαλούς χρωματικούς συνδυασμούς: το προσκήνιο και το φόντο απεικονίζονται συχνά με τον ίδιο βαθμό λεπτομέρειας. Μεταξύ των σύγχρονων οπαδών του μαγικού ρεαλισμού, αυτή η τεχνική χρησιμοποιείται από Koos van Koulen.

Koos van Koulen. Όλγα. 2007

Koos van Keulen "Itier and Pisanello" 2003

Matthijs Roling(b.1943).Garden.2005 / Matthijs Roling.Garden

Bernard Verkaaik (γ.1946). Pot, Onions and black Cloth.2004/ Bernard Ferkaaik. Κατσαρόλα, βολβοί και μαύρο ύφασμα

em>
Kenne Gregoire (γεν. 1951). Διάλειμμα για καφέ. 2003. Καμβάς σε ξύλο, ακρυλικό

Harry van der Woude "Αυτοπροσωπογραφία με ένα πορτοκαλί μπολ" 2007

Στη δεκαετία του 1960, ο νέος ρεαλισμός εμφανίστηκε στη Γαλλία και η ποπ αρτ εμφανίστηκε στις ΗΠΑ και τη Μεγάλη Βρετανία - η ζήτηση για μαγικό ρεαλισμό ως κίνημα έπεσε απότομα. Την εποχή αυτή άρχισε να εμφανίζεται στην Ευρώπη ο νεοεξπρεσιονισμός. Σε αυτή τη διαδικασία συμμετέχουν ενεργά μεταξύ άλλων Βέλγοι και Ολλανδοί καλλιτέχνες Alphonse FreimuthΚαι Ρότζερ Ρόβελ. Αρχίζουν να δημιουργούν πίνακες σε «φυσικό στυλ», επιστρέφοντας από καιρό σε καιρό στις παραδόσεις των προκατόχων τους, οι οποίοι ανακάλυψαν την κατεύθυνση του «μαγικού ρεαλισμού». Τώρα οι κύριοι είναι πιο τυπικοί για θέματα όπως η αγάπη, η αρμονία, ο θάνατος, τα συναισθήματα, ενώ ο νέος νευρωτικός ρεαλισμός συχνά στρέφεται σε θέματα ταμπού στην κοινωνία. Οι καλλιτέχνες όλων αυτών των κινημάτων πιστεύουν ακράδαντα στην ανάγκη έκφρασης τόσο των προσωπικών τους θέσεων, των σκέψεων όσο και των οικουμενικών ανθρώπινων αξιών, που ενώνει αυτές τις περιόδους στην τέχνη.

Η έκθεση στο σύνολό της δείχνει ξεκάθαρα όχι μόνο τη συνέχεια των σύγχρονων Ολλανδών καλλιτεχνών από τους άμεσους προκατόχους τους, αλλά και έναν συνεχή διάλογο με παραδοσιακός πολιτισμόςκαι μια σύνδεση με τη χρυσή εποχή της ολλανδικής ζωγραφικής. Η εύρεση αυτών των διασταυρώσεων και των αμοιβαίων αναφορών γίνεται μια συναρπαστική αναζήτηση για τον θεατή. Ωστόσο, η μαγεία λειτουργεί και με παθητικό στοχασμό. Ωστόσο, ο μαγικός ρεαλισμός είναι οξύμωρο και τα παράδοξα και οι αντιφάσεις πάντα ελκύουν.

ΥΣΤΕΡΟΓΡΑΦΟ. Δυστυχώς, δεν μπόρεσα να παρακολουθήσω την έκθεση, συγκέντρωσα υλικό για αυτήν στο Διαδίκτυο:
Συνδέσεις:
http://pda.mn.ru/culture/20131114/362619469.html

Ολλανδία. 17ος αιώνας Η χώρα γνωρίζει πρωτοφανή ευημερία. Η λεγόμενη «Χρυσή Εποχή». Στα τέλη του 16ου αιώνα, αρκετές επαρχίες της χώρας πέτυχαν την ανεξαρτησία τους από την Ισπανία.

Τώρα οι Προτεσταντικές Κάτω Χώρες έχουν ακολουθήσει τον δικό τους δρόμο. Και η καθολική Φλάνδρα (σημερινό Βέλγιο) υπό την πτέρυγα της Ισπανίας είναι δική της.

Στην ανεξάρτητη Ολλανδία, σχεδόν κανείς δεν χρειαζόταν θρησκευτική ζωγραφική. Η Προτεσταντική Εκκλησία δεν ενέκρινε την πολυτελή διακόσμηση. Αλλά αυτή η περίσταση «έπαιξε στα χέρια» της κοσμικής ζωγραφικής.

Κυριολεκτικά κάθε κάτοικος της νέας χώρας ξύπνησε για να αγαπήσει αυτό το είδος τέχνης. Οι Ολλανδοί ήθελαν να δουν τη δική τους ζωή στους πίνακες. Και οι καλλιτέχνες πρόθυμα τους συνάντησαν στα μισά του δρόμου.

Ποτέ πριν δεν είχε απεικονιστεί τόσο πολύ η περιρρέουσα πραγματικότητα. Απλοί άνθρωποι, συνηθισμένα δωμάτια και το πιο συνηθισμένο πρωινό ενός κατοίκου της πόλης.

Ο ρεαλισμός άνθισε. Μέχρι τον 20ο αιώνα θα είναι άξιος ανταγωνιστής του ακαδημαϊσμού με τις νύμφες και τις ελληνικές θεές.

Αυτοί οι καλλιτέχνες ονομάζονται «μικροί» Ολλανδοί. Γιατί; Οι πίνακες ήταν μικροί σε μέγεθος, γιατί δημιουργήθηκαν για μικρά σπίτια. Έτσι, σχεδόν όλοι οι πίνακες του Jan Vermeer δεν ξεπερνούν το μισό μέτρο σε ύψος.

Αλλά η άλλη εκδοχή μου αρέσει περισσότερο. Στην Ολλανδία τον 17ο αιώνα έζησε και δούλεψε ένας μεγάλος δάσκαλος, ο «μεγάλος» Ολλανδός. Και όλοι οι άλλοι ήταν «μικροί» σε σύγκριση με αυτόν.

Μιλάμε φυσικά για τον Ρέμπραντ. Ας ξεκινήσουμε με αυτόν.

1. Ρέμπραντ (1606-1669)

Ρέμπραντ. Αυτοπροσωπογραφία σε ηλικία 63 ετών. 1669 Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνο

Ο Ρέμπραντ βίωσε ένα ευρύ φάσμα συναισθημάτων κατά τη διάρκεια της ζωής του. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο υπάρχει τόσο πολύ κέφι και θάρρος στην πρώιμη δουλειά του. Και υπάρχουν τόσα σύνθετα συναισθήματα - στα μεταγενέστερα.

Εδώ είναι νέος και ανέμελος στον πίνακα «Ο Άσωτος Υιός στην Ταβέρνα». Στα γόνατα είναι η αγαπημένη του σύζυγος Saskia. Είναι ένας δημοφιλής καλλιτέχνης. Οι παραγγελίες πέφτουν βροχή.

Ρέμπραντ. Ο Άσωτος Υιός σε Ταβέρνα. 1635 Old Masters Gallery, Δρέσδη

Όλα αυτά όμως θα εξαφανιστούν σε περίπου 10 χρόνια. Η Saskia θα πεθάνει από την κατανάλωση. Η δημοτικότητα θα εξαφανιστεί σαν καπνός. Ένα μεγάλο σπίτι με μοναδική συλλογή θα αφαιρεθεί για χρέη.

Θα εμφανιστεί όμως ο ίδιος Ρέμπραντ που θα μείνει για αιώνες. Τα γυμνά συναισθήματα των ηρώων. Οι βαθύτερες σκέψεις τους.

2. Φρανς Χαλς (1583-1666)

Φρανς Χαλς. Αυτοπροσωπογραφία. 1650 Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη

Ο Φρανς Χαλς είναι ένας από τους μεγαλύτερους ζωγράφους πορτρέτων όλων των εποχών. Ως εκ τούτου, θα τον κατατάξω επίσης ως «μεγάλο» Ολλανδό.

Στην Ολλανδία εκείνη την εποχή ήταν συνηθισμένο να παραγγέλνουμε ομαδικά πορτρέτα. Έτσι εμφανίστηκαν πολλά παρόμοια έργα που απεικονίζουν ανθρώπους να συνεργάζονται: σκοπευτές μιας συντεχνίας, γιατροί μιας πόλης, διευθυντές οίκου ευγηρίας.

Σε αυτό το είδος, ο Χαλς ξεχωρίζει περισσότερο. Εξάλλου, τα περισσότερα από αυτά τα πορτρέτα έμοιαζαν με τράπουλα. Οι άνθρωποι κάθονται στο τραπέζι με την ίδια έκφραση του προσώπου και απλώς παρακολουθούν. Ήταν διαφορετικά για τον Χαλς.

Δείτε το ομαδικό του πορτρέτο «Arrows of the Guild of St. Γεώργιος."

Φρανς Χαλς. Βέλη της Συντεχνίας του Αγ. Γεώργιος. 1627 Μουσείο Frans Hals, Χάρλεμ, Ολλανδία

Εδώ δεν θα βρείτε ούτε μία επανάληψη σε πόζα ή έκφραση προσώπου. Ταυτόχρονα, εδώ δεν υπάρχει χάος. Υπάρχουν πολλοί χαρακτήρες, αλλά κανείς δεν φαίνεται περιττός. Χάρη στην εκπληκτικά σωστή διάταξη των μορφών.

Και ακόμη και σε ένα μόνο πορτρέτο, ο Χαλς ήταν ανώτερος από πολλούς καλλιτέχνες. Τα μοτίβα του είναι φυσικά. Άνθρωποι από την υψηλή κοινωνία στους πίνακές του στερούνται επινοημένης μεγαλοπρέπειας και τα μοντέλα από τα κατώτερα στρώματα δεν φαίνονται ταπεινωμένα.

Και οι χαρακτήρες του είναι επίσης πολύ συναισθηματικοί: χαμογελούν, γελούν και χειρονομούν. Όπως, για παράδειγμα, αυτός ο «Τσιγγάνος» με το πονηρό βλέμμα.

Φρανς Χαλς. Αθίγγανος. 1625-1630

Ο Χαλς, όπως και ο Ρέμπραντ, τελείωσε τη ζωή του στη φτώχεια. Για τον ίδιο λόγο. Ο ρεαλισμός του ήταν αντίθετος με τα γούστα των πελατών του. Που ήθελαν να στολιστεί η εμφάνισή τους. Ο Χαλς δεν δέχτηκε την καθαρή κολακεία και έτσι υπέγραψε τη δική του πρόταση - "Λήθη".

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Αυτοπροσωπογραφία. 1668 Βασιλική Πινακοθήκη Mauritshuis, Χάγη, Ολλανδία

Ο Terborch ήταν κύριος του καθημερινού είδους. Πλούσιοι και όχι και τόσο πλούσιοι μπιφτέκι μιλούν χαλαρά, κυρίες διαβάζουν γράμματα και ένας προξενητής παρακολουθεί την ερωτοτροπία. Δύο ή τρεις φιγούρες σε κοντινή απόσταση.

Ήταν αυτός ο δάσκαλος που ανέπτυξε τους κανόνες του καθημερινού είδους. Το οποίο αργότερα θα δανείστηκαν οι Jan Vermeer, Pieter de Hooch και πολλοί άλλοι «μικροί» Ολλανδοί.

Gerard Terborch. Ένα ποτήρι λεμονάδα. δεκαετία του 1660. Κρατικό Μουσείο Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Το «Ένα ποτήρι λεμονάδα» είναι ένα από τα διάσημα έργα του Τέρμπορχ. Δείχνει ένα άλλο πλεονέκτημα του καλλιτέχνη. Απίστευτα ρεαλιστική εικόνα του υφάσματος φορέματος.

Ο Terborch έχει επίσης ασυνήθιστα έργα. Κάτι που λέει πολλά για την επιθυμία του να υπερβεί τις απαιτήσεις των πελατών.

Το «The Grinder» του δείχνει τη ζωή των φτωχότερων ανθρώπων στην Ολλανδία. Έχουμε συνηθίσει να βλέπουμε άνετες αυλές και καθαρά δωμάτια στους πίνακες των «μικρών» Ολλανδών. Αλλά ο Terborch τόλμησε να δείξει την αντιαισθητική Holland.

Gerard Terborch. Τραπεζίτης. 1653-1655 Κρατικά Μουσεία του Βερολίνου

Όπως καταλαβαίνετε, μια τέτοια δουλειά δεν ήταν σε ζήτηση. Και είναι ένα σπάνιο φαινόμενο ακόμη και μεταξύ του Terborch.

4. Γιαν Βερμέερ (1632-1675)

Γιαν Βερμέερ. Εργαστήρι καλλιτέχνη. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Βιέννη

Δεν είναι γνωστό με βεβαιότητα πώς έμοιαζε ο Jan Vermeer. Είναι προφανές μόνο ότι στον πίνακα "The Artist's Workshop" απεικόνισε τον εαυτό του. Η αλήθεια από πίσω.

Είναι λοιπόν έκπληξη το γεγονός ότι πρόσφατα έγινε γνωστό ένα νέο γεγονός από τη ζωή του πλοιάρχου. Συνδέεται με το αριστούργημα του «Delft Street».

Γιαν Βερμέερ. Οδός Ντελφτ. 1657 Rijksmuseum στο Άμστερνταμ

Αποδείχθηκε ότι ο Βερμέερ πέρασε τα παιδικά του χρόνια σε αυτόν τον δρόμο. Το σπίτι που απεικονίζεται ανήκε στη θεία του. Εκεί μεγάλωσε τα πέντε παιδιά της. Ίσως κάθεται στο κατώφλι και ράβει ενώ τα δύο παιδιά της παίζουν στο πεζοδρόμιο. Ο ίδιος ο Βερμέερ έμενε στο απέναντι σπίτι.

Πιο συχνά όμως απεικόνιζε το εσωτερικό αυτών των σπιτιών και τους κατοίκους τους. Φαίνεται ότι οι πλοκές των πινάκων είναι πολύ απλές. Εδώ είναι μια όμορφη κυρία, μια πλούσια κάτοικος της πόλης, που ελέγχει τη λειτουργία της ζυγαριάς της.

Γιαν Βερμέερ. Γυναίκα με ζυγαριά. 1662-1663 Εθνική Πινακοθήκη Τέχνης, Ουάσιγκτον

Γιατί ο Βερμέερ ξεχώρισε ανάμεσα σε χιλιάδες άλλους «μικρούς» Ολλανδούς;

Ήταν ένας αξεπέραστος δάσκαλος του φωτός. Στον πίνακα «Γυναίκα με ζυγαριά» το φως τυλίγει απαλά το πρόσωπο, τα υφάσματα και τους τοίχους της ηρωίδας. Δίνοντας στην εικόνα μια άγνωστη πνευματικότητα.

Και οι συνθέσεις των πινάκων του Βερμέερ επαληθεύονται προσεκτικά. Δεν θα βρείτε ούτε μια περιττή λεπτομέρεια. Αρκεί να αφαιρέσετε ένα από αυτά, η εικόνα θα "καταρρεύσει" και η μαγεία θα φύγει.

Όλα αυτά δεν ήταν εύκολα για τον Βερμέερ. Τέτοια εκπληκτική ποιότητα απαιτούσε επίπονη δουλειά. Μόνο 2-3 πίνακες το χρόνο. Ως αποτέλεσμα, η αδυναμία σίτισης της οικογένειας. Ο Βερμέερ εργάστηκε επίσης ως έμπορος έργων τέχνης, πουλώντας έργα άλλων καλλιτεχνών.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pieter de Hooch. Αυτοπροσωπογραφία. 1648-1649 Rijksmuseum, Άμστερνταμ

Ο Χοχ συχνά συγκρίνεται με τον Βερμέερ. Δούλευαν ταυτόχρονα, υπήρξε μάλιστα περίοδος στην ίδια πόλη. Και σε ένα είδος - καθημερινό. Στο Hoch βλέπουμε επίσης μία ή δύο φιγούρες σε φιλόξενες ολλανδικές αυλές ή δωμάτια.

Οι ανοιχτές πόρτες και τα παράθυρα κάνουν τον χώρο των πινάκων του πολυεπίπεδο και διασκεδαστικό. Και οι φιγούρες ταιριάζουν σε αυτόν τον χώρο πολύ αρμονικά. Όπως, για παράδειγμα, στον πίνακα του «Υπηρέτρια με ένα κορίτσι στην αυλή».

Pieter de Hooch. Μια υπηρέτρια με ένα κορίτσι στην αυλή. 1658 Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου

Μέχρι τον 20ο αιώνα, ο Χοχ εκτιμήθηκε ιδιαίτερα. Λίγοι όμως παρατήρησαν τα μικρά έργα του ανταγωνιστή του Βερμέερ.

Αλλά στον 20ο αιώνα όλα άλλαξαν. Η δόξα του Χοχ έσβησε. Ωστόσο, είναι δύσκολο να μην αναγνωρίσουμε τα επιτεύγματά του στη ζωγραφική. Λίγοι άνθρωποι θα μπορούσαν να συνδυάσουν τόσο καλά το περιβάλλον και τους ανθρώπους.

Pieter de Hooch. Παίκτες καρτών σε ένα ηλιόλουστο δωμάτιο. 1658 Βασιλική Συλλογή Τέχνης, Λονδίνο

Λάβετε υπόψη ότι σε ένα λιτό σπίτι στον καμβά "Card Players" υπάρχει ένας πίνακας που κρέμεται σε ένα ακριβό πλαίσιο.

Αυτό δείχνει για άλλη μια φορά πόσο δημοφιλής ήταν η ζωγραφική στους απλούς Ολλανδούς. Πίνακες ζωγραφικής διακοσμούσαν κάθε σπίτι: το σπίτι ενός πλούσιου κτηνοτρόφου, ενός σεμνού κατοίκου της πόλης, ακόμη και ενός αγρότη.

6. Jan Steen (1626-1679)

Γιαν Στεν. Αυτοπροσωπογραφία με λαούτο. δεκαετία του 1670 Μουσείο Thyssen-Bornemisza, Μαδρίτη

Ο Jan Steen είναι ίσως ο πιο χαρούμενος «μικρός» Ολλανδός. Αλλά αγαπώντας την ηθική διδασκαλία. Συχνά απεικόνιζε ταβέρνες ή φτωχικά σπίτια στα οποία υπήρχε η κακία.

Οι κύριοι χαρακτήρες του είναι γλεντζέδες και κυρίες της εύκολης αρετής. Ήθελε να διασκεδάσει τον θεατή, αλλά τον προειδοποιούσε λανθασμένα για μια φαύλο ζωή.

Γιαν Στεν. Είναι ένα χάος. 1663 Kunsthistorisches Museum, Βιέννη

Ο Sten έχει και πιο αθόρυβα έργα. Όπως, για παράδειγμα, η «Πρωινή τουαλέτα». Αλλά και εδώ ο καλλιτέχνης εκπλήσσει τον θεατή με πολύ αποκαλυπτικές λεπτομέρειες. Υπάρχουν ίχνη από ελαστικό κάλτσας, και όχι ένα άδειο δοχείο θαλάμου. Και κατά κάποιο τρόπο δεν είναι καθόλου κατάλληλο για τον σκύλο να είναι ξαπλωμένος ακριβώς στο μαξιλάρι.

Γιαν Στεν. Πρωινή τουαλέτα. 1661-1665 Rijksmuseum, Άμστερνταμ

Όμως, παρά την επιπολαιότητα, οι χρωματικοί συνδυασμοί του Sten είναι πολύ επαγγελματικοί. Σε αυτό ήταν ανώτερος από πολλούς «μικρούς Ολλανδούς». Δείτε πόσο τέλεια ταιριάζει η κόκκινη κάλτσα με το μπλε σακάκι και το έντονο μπεζ χαλί.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Πορτρέτο του Ruisdael. Λιθογραφία από βιβλίο του 19ου αιώνα.

Η Βασιλική Πινακοθήκη Mauritshuis (ολλανδικά Mauritshuis, κυριολεκτικά το σπίτι του Moritz) είναι μια γκαλερί τέχνης στη Χάγη της Ολλανδίας.

Ένα μικρό παλάτι κοντά στο Binnenhof χτίστηκε το 1636-41. Κυβερνήτης της Ολλανδικής Βραζιλίας, Moritz του Nassau-Siegen, σχεδιασμένο από τους αρχιτέκτονες Jacob van Kampen και Peter Post. Το 1704, το παλάτι κάηκε και στη συνέχεια αποκαταστάθηκε, αλλά χωρίς τον τρούλο.

Το 1820, το Βασίλειο της Ολλανδίας αγόρασε το σπίτι του Moritz για να στεγάσει τη βασιλική συλλογή έργων τέχνης και αρχαιοτήτων. Το μουσείο άνοιξε τις πόρτες του δύο χρόνια αργότερα. Από το 1875, είναι μια γκαλερί τέχνης με μια μικρή αλλά επιλεγμένη συλλογή έργων ζωγραφικής Ολλανδών καλλιτεχνών της «χρυσής εποχής» - Johannes Vermeer, Rembrandt van Rijn, Jan Steen, Paulus Potter και Frans Hals. Εκτίθενται επίσης αρκετά έργα του Holbein the Younger.

Ρέμπραντ (περιβάλλον) - Πορτρέτο του Ρέμπραντ σε ηλικία 23 ετών, γ. 1629, 37,9 cm x 28,9 cm, Λάδι σε ξύλο

Το Mauritshuis παρέμεινε κρατικό μουσείο μέχρι που μεταφέρθηκε σε ένα εξειδικευμένο ίδρυμα το 1995. Σήμερα είναι ένα από τα πιο δημοφιλή μουσεία στην Ολλανδία.

Το μαργαριτάρι του μουσείου είναι μια συλλογή έργων Ολλανδών ζωγράφων του 17ου αιώνα. Αλλά το Μουσείο της Χάγης έχει κάτι για το οποίο πρέπει να είναι περήφανο, εκτός από αυτό: διαθέτει επίσης έργα εκπροσώπων της φλαμανδικής «χρυσής εποχής» - του 15ου.

Η συλλογή είναι συγκρίσιμη με ένα μαργαριταρένιο κολιέ, γιατί κάθε πίνακας είναι ένα παράδειγμα της υψηλότερης δεξιοτεχνίας, αν και ο αριθμός των έργων είναι μικρός.
Αλλά ακόμη και ανάμεσα στα γραφικά μαργαριτάρια, ξεχωρίζουν ορισμένα μοναδικά δείγματα: «Μάθημα ανατομίας» του Ρέμπραντ, «Πορτρέτο ενός κοριτσιού με μαργαριτάρι σκουλαρίκι» ή «Τοπίο του Ντελφτ» του Βερμέερ - αυτά είναι αριστουργήματα της παγκόσμιας συλλογής τέχνης.

Vermeer van Delft, Johannes - Κορίτσι με μαργαριταρένιο σκουλαρίκι, περ. 1665, 44,5 cm x 39 cm, Λάδι σε καμβά

Rembrandt - Self-Portrait, 1669, 63,5 cm x 57,8 cm, Λάδι σε καμβά

Rembrandt - Study of an Old Man (ο Πατέρας του Ρέμπραντ), γ. 1630-31, 46,9 cm x 38,8 cm, Λάδι σε ξύλο

Rembrandt - Study of an Old Woman (Rembrandt's Mother), γ. 1630-35, 18,2 cm x 14 cm, Λάδι σε ξύλο

Mauritshuis: Rembrandt (κύκλος) - Ξεκουράζονται ταξιδιώτες

Ρέμπραντ - Ανδρομέδα, περ. 1631, 34 cm x 24 cm, Ξύλο, λάδι

Mauritshuis: Rembrandt (κύκλος) - Minerva

Ρέμπραντ - Όμηρος, 1663, 107 εκ. x 82 εκ., Λάδι σε καμβά

Rembrandt - Two Moors, 1661, 77,8 cm x 64,4 cm, Λάδι σε καμβά

Ρέμπραντ - Τραγούδι (Ύμνος) του Συμεών, 1631, 60,9 εκ. x 47,9 εκ., Λάδι σε ξύλο

Ρέμπραντ - Πορτρέτο ενός ηλικιωμένου άνδρα, 1650, 80,5 εκ. x 66,5 εκ., Λάδι σε καμβά

Ρέμπραντ - Πορτρέτο ενός ηλικιωμένου, 1667, 81,9 εκ. x 67,7 εκ., Λάδι σε καμβά

Ρέμπραντ - Χαμογελαστός άντρας, περ. 1629-30, 15,4 cm x 12,2 cm, Χαλκός, λάδι.

Rembrandt - The Anatomy Lesson of Dr. Nicholas Tulp, 1632, 169,5 cm x 216,5 cm, Λάδι σε καμβά

Ρέμπραντ (εργαστήριο) - Saul and David, c. 1650-55, 130 cm x 164,5 cm, Λάδι σε καμβά

Vermeer van Delft, Johannes - Diana and her nymphs, c. 1653-54, 97,8 cm x 104,6 cm, Λάδι σε καμβά.

Vermeer, Johannes - Άποψη της πόλης του Ντελφτ, περ. 1660-61, 96,5 cm x 115,7 cm, Λάδι σε καμβά

Mauritshuis: Vermeer, Jan - View of Delft, 1660-61

"Vermeulen, Jan - Νεκρή φύση με βιβλία, σφαίρα και μουσικά όργανα, περίπου 1660, 30 cm x 38,5 cm, Λάδι σε ξύλο

Mauritshuis: Vermeer van Haarlem, Jan - Τοπίο στην άκρη των αμμόλοφων

Mauritshuis: Vermeer van Haarlem, Jan - Αγροτική αυλή στους αμμόλοφους

Steen, Jan - Κιστερκιανή γυναίκα (μοναχή) που παίζει, περ. 1662-65, 31 cm x 27,5 cm, Λάδι σε ξύλο

Steen, Jan - Όπως ακούγεται, έτσι τραγουδιέται, οκ. 1663-65, 134 cm x 63 cm, Λάδι σε καμβά

Steen, Jan - Αν είσαι γουρούνι, θα πρέπει να είσαι σε στάβλο (Drunk Women), οκ. 1673-75, 86 cm x 72 cm, Λάδι σε καμβά

Mauritshuis: Sten, Jan - Human Life

Mauritshuis: Sten, Jan - Old Men Making Eggnog

Mauritshuis: Sten, Jan - Κορίτσι που τρώει στρείδια

Mauritshuis: Sten, Jan - Fortune Teller

Mauritshuis: Sten, Jan - Εξοχικός χορός στην ταβέρνα

Mauritshuis: Sten, Jan - Ο Μωυσής και το στέμμα του Φαραώ

Mauritshuis: Sten, Jan - Επίσκεψη γιατρού

Mauritshuis: Sten, Jan - Πορτρέτο της υποτιθέμενης Maria van Wassenaar (1654-1683), ή Πουλερικό Δικαστήριο

Mauritshuis: Sten, Jan - Teether

Mauritshuis: Sten, Jan - Άρρωστο κορίτσι

Mauritshuis: Πότερ, Παύλος - Αγελάδες που αντανακλώνται στο νερό, 1648

Mauritshuis: Potter, Paul - A Herd in the Meadow, 1652

Mauritshuis: Potter, Paul - Bull, 1647

Mauritshuis: Hals, Frans - Laughing Boy, 1625

Mauritshuis: Hals, Frans - Portrait of a Man, 1660

Mauritshuis: Holbein, Hans II - Portrait of Robert Cheeseman (1485-1547), 1533

Avercamp, Hendrick - Ice fun, περ. 1610, 36 cm x 71 cm, Ξύλο, λάδι

Backer, Jacob Adriaensz - Ποιμένας με φλάουτο, πιθανώς αυτοπροσωπογραφία, γ. 1637, 52,2 cm x 40,8 cm, Λάδι σε ξύλο

Baen, Jan de - Glorification of Cornelis de Witt (1623-1672), ως νικητής της μάχης του Chatham το 1667, γ. 1667-70, 66 cm x 100 cm, Λάδι σε καμβά

Barbari, Jacopo de (αποδίδεται) - Πορτρέτο του Χέντρικ, Κόμης του Μεκλεμβούργου (1479-1552), 1507, 59,3 cm x 37,5 cm, Λάδι σε ξύλο

Beest, Van Sybrand - Αγορά Χοιρινού, 1638, 44 cm x 68 cm, Λάδι σε ξύλο

Bega, Cornelis Pietersz - Village tavern, 1658, 47 cm x 58 cm, Λάδι σε καμβά

Berchem, Nicolaes Pietersz - Childhood of Zeus, 1648, 202 cm x 262 cm, Λάδι σε καμβά

Berchem, Nicolaes Pietersz, Weenix, Jan Baptist - The Calling of Matthew, γ. 1657, 98,2 cm x 120,8 cm, Λάδι σε ξύλο

Berghe, Christoffel van den - Χειμερινό τοπίο, περ. 1615-20, 11,5 cm x 16,5 cm, Χαλκός, λάδι

Berghe, Christoffel van den - Καλοκαιρινό τοπίο, περ. 1615-20, 11,5 cm x 16,5 cm, Χαλκός, λάδι

Beuckelaer, Joachim - Σκηνή κουζίνας με τον Χριστό στο Emmaus, γ. 1560-65, 109,5 cm x 169 cm, Λάδι σε ξύλο

Beyeren, Abraham Hendriksz Van - Νεκρή φύση με φρούτα και είδη πολυτελείας, περ. 1655, 98 εκ. x 76 εκ., Ξύλο, λάδι

Beyeren, Abraham Hendriksz Van - Πολυτελής νεκρή φύση, περ. 1655, 99,5 cm x 120,5 cm, Λάδι σε καμβά

Bloemaert, Abraham - Gods at the wedding of Peleus and Thetis, 1638, 193 cm x 164,5 cm, Λάδι σε καμβά

Bloemaert, Abraham - Theagenes που λαμβάνει ένα κλαδί φοίνικα από τη Χαρίκλεια, 1626, 157,2 cm x 157,7 cm, Λάδι σε καμβά

Borch, Gerard ter - Letter, περ. 1655, 39 cm x 29,5 cm, Λάδι σε ξύλο

Και τα δύο, Ιαν - ιταλικό τοπίο, γ. 1645, 108,2 εκ. x 125,8 εκ., Λάδι σε καμβά

Bray, Jan de - Adoration of the Shepherds, 1665, 63 cm x 48 cm, Λάδι σε ξύλο

Breenbergh, Bartholomeus - Τοπίο με κυνηγετικές νύμφες και Νταϊάνα, 1647, 37,8 cm x 50 cm, Λάδι σε ξύλο

Brekelenkam, Quiringh Gerritsz - Ηλικιωμένη γυναίκα που κάνει αιμοληψία, περ. 1660, 48 cm x 37 cm, Ξύλο, λάδι

Brouwer, Adriaen - Αγροτικός αγώνας, περ. 1625-26, 25,5 cm x 34 cm, Λάδι σε ξύλο

Brueghel de Oude, Jan - Βάζο με λουλούδια, περ. 1610-15, 42 cm x 34,5 cm, Λάδι σε ξύλο