Ασχοληθείτε με κάποιο είδος τέχνης, μουσική, τραγούδι, χορό, υποκριτική, σχέδιο, σκηνή, ποίηση, μυθοπλασία, δοκίμιο, ρεπορτάζ, ανεξάρτητα από το αν είναι επιτυχημένο ή αποτυχημένο, όχι για χάρη των χρημάτων ή της φήμης, αλλά για να νιώσετε τη διαμόρφωση, να βρεις αυτό που έχεις μέσα σου, να μεγαλώσεις την ψυχή.
Από μια επιστολή του μυθιστοριογράφου Kurt Vonnegut προς μαθητές του γυμνασίου Xavier
Έχετε νιώσει ποτέ την καρδιά σας άδεια αφού παρακολουθήσατε μια υπέροχη παράσταση; Ξέρεις πόσο τρελό νιώθεις όταν ο αγαπημένος σου ήρωας αποφασίζει να κάνει κάτι απίστευτο και κερδίζει; Αν βίωσες παρόμοια πράγματα τουλάχιστον μία φορά μετά την επίσκεψη στο θέατρο, να ξέρεις ότι τότε μεγάλωσε η ψυχή σου. Δεν είναι τα πολυτελή κοστούμια ή οι πομπώδεις διακοσμήσεις που σε κάνουν να το νιώθεις αυτό, αλλά το ανθρώπινο ταλέντο. Αυτή είναι μια τέχνη που δεν μπορεί να μετρηθεί με κέρδη ή επιτυχία - ο θεατής είτε το πιστεύει είτε όχι.
Συγκεντρώσαμε τα θέατρα του Λονδίνου που πρέπει να επισκεφτείτε για να ζήσετε τη μοναδική δύναμη του ταλέντου. Προσθέστε τουλάχιστον ένα από αυτά στη λίστα επιθυμιών σας και σίγουρα δεν θα το μετανιώσετε. Ίσως μια μοιραία παράσταση να αλλάξει ολόκληρη τη ζωή σας και να αποκαλύψει εκείνες τις πλευρές της ψυχής σας που εσείς οι ίδιοι δεν ήξερες ότι υπήρχαν.
Royal Court Theatre (πηγή – PhotosForClass)
Το καινοτόμο Royal Court Theatre
Το Royal Court είναι ένα από τα πιο διάσημα θέατρα του Λονδίνου. Αγαπήθηκε από κοινό και κριτικούς λόγω του καινοτόμου στυλ του. Το θέατρο συνεργάζεται συνεχώς με νέους σεναριογράφους και διοργανώνει εκπαίδευση συγγραφέων. Κάθε χρόνο, το γραφείο του ιδρύματος επεξεργάζεται περίπου 2,5 χιλιάδες σενάρια. Τα καλύτερα από αυτά παίζονται επί σκηνής. Το Royal Court έχει ήδη συστήσει στον κόσμο τον σεναριογράφο της ταινίας «The Neon Demon», Polly Stenham, και τον σεναριογράφο του διάσημου δράματος του BBC «Doctor Foster», Mike Bartlett. Ίσως και εσείς να δείτε μια πρεμιέρα από το μελλοντικό Tarantino ή Coppola.
Διεύθυνση: Sloane Square, Chelsea, Λονδίνο
Lyric Hammersmith Youth Theatre
Αυτό το λονδρέζικο θέατρο δεν είναι απλώς ένας καλλιτεχνικός θεσμός με μια νέα ματιά στις παραγωγές, αλλά και μια πλατφόρμα για προοπτικές. Δημιουργεί ευκαιρίες για παιδιά με χαμηλό εισόδημα και νέους που θέλουν να συνδέσουν τη ζωή τους με τη σκηνή. Η θεατρική ομάδα πιστεύει ότι η τέχνη βοηθά να αποκτήσει κανείς αυτοπεποίθηση και να ανακαλύψει τις δυνατότητές του. Αυτός είναι ο λόγος που η Lyric Hammersmith απασχολεί τόσους πολλούς νέους. Εδώ μπορείτε να περάσετε χρόνο όχι μόνο παρακολουθώντας μια παράσταση, αλλά και κατά τη διάρκεια οικογενειακών διακοπών. Μετά την ανακαίνιση το 2015, το θέατρο έγινε ένας ανοιχτός δημόσιος χώρος όπου ακόμη και τα παιδιά μπορούν να συμμετέχουν στη μάθηση και να παίζουν στη σκηνή.
Διεύθυνση: The Lyric Centre, King Street, Hammersmith, Λονδίνο
Old Vic Theatre (πηγή – PhotosForClass) Θέατρο με ιστορία Old Vic
Στα 200 χρόνια ύπαρξής του, το Old Vic υπήρξε ταβέρνα, κολέγιο και καφετέρια. Κάποτε στέγαζε το Εθνικό Θέατρο και Εθνική Λυρική Σκηνή. Έχει εξελιχθεί από ένα εκλεκτικό κατεστημένο σε μια σύγχρονη πλατφόρμα νεολαίας. Το θέατρο είναι ανοιχτό σε όλους: εκπαιδευτικά προγράμματα για νεαρά ταλέντα, οικονομικές παραστάσεις για το ενδιαφερόμενο κοινό, οικογενειακή διασκέδαση και βραδιές με φίλους στην τοπική παμπ. Στη σκηνή του Old Vic μπορείτε να δείτε τους πιο διάσημους ηθοποιούς του κόσμου, συμπεριλαμβανομένων των Daniel Radcliffe, Ralph Fiennes και Kevin Spacey. Ο τελευταίος, παρεμπιπτόντως, κατάφερε να εργαστεί ως καλλιτεχνικός διευθυντής του θεάτρου.
Διεύθυνση: The Cut, Lambeth, Λονδίνο
Αντισυμβατικό θέατρο χωρίς στερεότυπα Young Vic
Ο νεαρός διάδοχος του θεάτρου Old Vic του Λονδίνου ξεκίνησε ως ένα πειραματικό έργο. Ο τότε επικεφαλής του Old Vic, Laurence Olivier, ήθελε να δημιουργήσει έναν χώρο όπου θα αναπτύσσονταν έργα νέων συγγραφέων και θα ενώνονταν νεανικό κοινό και νεαρές θεατρικές ομάδες. Αν και οι καλλιτεχνικοί διευθυντές του ιδρύματος άλλαξαν, οι φιλοδοξίες παρέμειναν. Στα σχεδόν 50 χρόνια του, το θέατρο διατηρεί μια ατμόσφαιρα καινοτομίας και μοναδικότητας. Μεταξύ της κοινότητας Lambeth αυτοχαρακτηρίζεται ως «το σπίτι που δεν ήξερες ότι υπήρχε». Φαίνεται ότι αυτός είναι ο λόγος που οι ντόπιοι λατρεύουν να το επισκέπτονται τόσο πολύ. Εδώ μπορείτε πραγματικά να συναντήσετε πολλούς νέους που συζητούν ενεργά την επόμενη εκδήλωση ή περιμένουν την πρεμιέρα με ένα φλιτζάνι καφέ.
Διεύθυνση: 66 The Cut, Waterloo, Λονδίνο
London Palladium Theatre (πηγή – PhotosForClass) Μουσικά θέατρα West End LW
Μία από τις πιο διάσημες αλυσίδες θεάτρων στο Λονδίνο παραμένει το LW Theatres. Ενώνει 7 ιδρύματα, στη σκηνή των οποίων ανεβάζουν κυρίως μιούζικαλ. Το LW περιλαμβάνει: Adelphi Theatre London, Cambridge, Gillian Lynne Theatre, Her Majesty's Theatre, Palladium London, Theatre Royal Drury Lane και The Other Palace. Τα περισσότερα από αυτά υπάρχουν εδώ και πολλές δεκαετίες και εκπλήσσουν τους επισκέπτες με το μεγαλείο και τον πλούτο τους. Επιχρυσωμένα μπαλκόνια και κουτιά, αντίκες κηροπήγια και ζωγραφισμένοι τοίχοι - όλα αυτά αξίζει να τα δείτε για να νιώσετε το πνεύμα της παλιάς Αγγλίας. Το Other Palace είναι το νεότερο θέατρο από αυτά. Πρόκειται για έναν μεγάλο νεανικό χώρο με στούντιο ψυχαγωγίας, εκδηλώσεων και ηχογραφήσεων και προβών. «Το αίσθημα του ενθουσιασμού, του αυθορμητισμού, της συνεχούς ανταλλαγής ενέργειας μεταξύ κοινού και ερμηνευτή». – αυτό προσφέρει στους επισκέπτες του η ομάδα LW Theaters. Το London Broadway σας περιμένει.
Barbican Theatre and Arts Center
Αυτό το μέρος συνδυάζει κινηματογράφο, βιβλιοθήκη, αίθουσες συνεδριάσεων, εστιατόρια και θέατρο. Η τελευταία δημιουργήθηκε από την Royal Shakespeare Company ως κατοικία της στο Λονδίνο. Μέσω αυτής της συνεργασίας οι επισκέπτες μπορούν να βιώσουν σύγχρονες ενσαρκώσεις κλασικών σαιξπηρικών έργων. Επιπλέον, στο κέντρο μπορείτε να παρακολουθήσετε μεταδόσεις παραστάσεων από το Βασιλικό Εθνικό Θέατρο και το Θέατρο Globe στο Λονδίνο. Το "Barbican" είναι ένα μείγμα καινοτομίας και παράδοσης, ένα κλασικό που φέρεται στην τρέχουσα πραγματικότητα με προκλήσεις και προβλήματα σύγχρονος κόσμος. Μη χάσετε την ευκαιρία να επισκεφτείτε το μεγαλύτερο κέντρο τέχνης στην Ευρώπη.
Διεύθυνση: Barbican Centre, Silk Street, Λονδίνο
Royal Opera (πηγή – PhotosForClass) Το κλασικό στολίδι της Βασιλικής Όπερας του Λονδίνου
Το Θέατρο Όπερας και Μπαλέτου του Λονδίνου είναι μια από τις μεγαλύτερες και πιο πολυτελείς σκηνές της πόλης. Έγινε το σπίτι της Βασιλικής Όπερας, του Βασιλικού Μπαλέτου και της Ορχήστρας. Η Αυτού Μεγαλειότητα Βασίλισσα Ελισάβετ είναι προστάτης του Θεάτρου Μπαλέτου του Λονδίνου και ο Πρίγκιπας Κάρολος της Ουαλίας είναι προστάτης της Όπερας. Ο τελευταίος είναι επίσης ιδιοκτήτης ενός άλλου ιδρύματος με μακρά παράδοση - του Coliseum Theatre στο Λονδίνο. Το Εθνικό Μπαλέτο της Αγγλίας εμφανίζεται σε αυτή την υπέροχη αίθουσα μεταξύ των περιοδειών. Παρεμπιπτόντως, μπορείτε να επισκεφθείτε το μεγαλύτερο θέατρο της πόλης όχι μόνο κατά τη διάρκεια της παράστασης. Εδώ προσφέρονται ξεναγήσεις για επισκέπτες που ονειρεύονται να μάθουν τα μυστικά της δημιουργίας των πιο διάσημων παραγωγών.
Royal Opera House Διεύθυνση: Bow Street, Λονδίνο
Το μουσικό θαύμα της πρωτεύουσας, το θέατρο Piccadilly
Τα θέατρα του Λονδίνου προσφέρουν μια τεράστια λίστα παραστάσεων για τους γνώστες όλων των ειδών τέχνης. Οι λάτρεις των μιούζικαλ απλά θα μαγευτούν από τις παραγωγές του θεάτρου Piccadilly στο Λονδίνο. Η ομάδα του λαμβάνει υπόψη όλα τα σχόλια των επισκεπτών και είναι ανοιχτή σε κριτική: όλα τα σχόλια και οι εντυπώσεις μπορούν να αφεθούν στον ιστότοπο. Ωστόσο, ας το παραδεχτούμε, είναι εξαιρετικά δύσκολο να βρεις αρνητικές κριτικές για αυτό το μέρος. Οι Λονδρέζοι είναι παθιασμένοι με όλες τις πτυχές του, από τα υπέροχα σόου μέχρι το φιλικό προσωπικό. Φωτεινά σκηνικά, ταλαντούχοι ηθοποιοί, μια πραγματική μουσική δίνη σας βοηθούν να αποσπάσετε το μυαλό σας από τις καθημερινές υποθέσεις και να αποκτήσετε έμπνευση.
Διεύθυνση: 16 Denman St, Soho, Λονδίνο
Θέατρο Λυκείου (πηγή – PhotosForClass) Χώρος συναυλίας και θέατρο Λυκείου
Αγαπάτε τον μυστικισμό και ό,τι σχετίζεται με αυτόν; Τότε θα σας ενδιαφέρει ο τόπος όπου γεννήθηκε ένα από τα πιο διάσημα γοτθικά μυθιστορήματα στον κόσμο, ο «Δράκουλας». Ο συγγραφέας Bram Stoker εργάστηκε ως διευθυντής επιχειρήσεων στο Lyceum Theatre στο Λονδίνο. Ο διάσημος συγγραφέας προσκλήθηκε στη θέση από τον Henry Irving, καλλιτεχνικό διευθυντή και ηθοποιό. Ωστόσο, η λίστα με τους celebrities που ασχολούνται με την ιστορία του Λυκείου δεν τελειώνει εκεί. Εδώ έπαιξαν στη σκηνή η Sarah Bernhardt, η Eleanor Duse και η κυρία Patrick Campbell. Μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, το κτίριο έγινε αίθουσα χορού όπου έπαιζαν οι Led Zeppelin, οι Queen και ο Bob Marley. Και μόνο το 1996 έγινε ξανά θέατρο μιούζικαλ και όπερας. Μέχρι τώρα, το «We face» είναι ένα από τα τα καλύτερα θέατρακαι αίθουσες συναυλιών στο Λονδίνο.
Διεύθυνση: Wellington Street, Λονδίνο
Μουσικό Θέατρο Dominion Hit
Dominion Theatre (πηγή – PhotosForClass) «Η Λίμνη των Κύκνων», η «Πεντάμορφη και το Τέρας» της Disney, «Notre Dame de Paris» - η λίστα συνεχίζεται για πάντα. Ίσως κανένα άλλο θέατρο στο Λονδίνο δεν μπορεί να καυχηθεί με τέτοιο ρεπερτόριο διάσημων παραγωγών. Στη δεκαετία του '80, αυτή η τοποθεσία έγινε ένας από τους πιο δημοφιλείς χώρους στην πόλη. Εδώ πραγματοποιούνται συναυλίες των Duran Duran, Bon Jovi και David Bowie. Αλλά το Dominion Theatre στο Λονδίνο φημίζεται για κάτι περισσότερο από τις παραστάσεις του. Η ετήσια φιλανθρωπική εκδήλωση Royal Variety έχει πραγματοποιηθεί εδώ σε αρκετές περιπτώσεις. Συνδυάζει παραστάσεις από δημοφιλείς μουσικούς, χορευτές και κωμικούς σε μια τηλεοπτική συναυλία. Αυτή η συλλογή δωρεών προς το Βασιλικό Φιλανθρωπικό Ίδρυμα πραγματοποιείται υπό την αιγίδα της Αυτού Μεγαλειότητας. Η ίδια η βασίλισσα Ελισάβετ παρακολουθεί συχνά τη συναυλία, όπως και άλλα μέλη της βασιλικής οικογένειας.
Διεύθυνση: 268-269 Tottenham Court Road, Λονδίνο
Το θέατρο του Λονδίνου είναι απίστευτα διαφορετικό, από καινοτόμο έως κλασικό, από δράμα μέχρι μιούζικαλ και κωμωδία. Μπορείτε επίσης να νιώσετε σαν στο σπίτι σας επισκεπτόμενοι θέατρα διαφορετικών εθνών. Για παράδειγμα, μια από τις μεγαλύτερες κοινότητες αντιπροσωπεύει πολλά ρωσικά θέατρα στο Λονδίνο.
Ακόμα κι αν προηγουμένως ένιωθες ότι το αμφιθέατρο δεν ήταν για σένα, η πρωτεύουσα θα σπάσει αυτές τις σκέψεις. Δεν υπάρχει διαχωρισμός σε τάξεις ή κοινωνικές συνθήκες, γιατί η τέχνη των θεάτρων και των μουσείων του Λονδίνου είναι προσβάσιμη σε όλους.
Φυσικά, η λίστα με τα θέατρα που αξίζει την προσοχή σας δεν τελειώνει με αυτό το top 10. Είναι δέκα φορές περισσότερα από αυτά: Almeida, Novello, Palace. Δεν μπορούμε να ξεχάσουμε το περίφημο Θέατρο Σαίξπηρ στο Λονδίνο και το Βασιλικό Εθνικό Θέατρο. Για να δείτε όλα τα θέατρα του Λονδίνου, τις καταχωρίσεις και τα εισιτήρια, χρησιμοποιήστε τον ιστότοπο London Theatres.
Ganna Koval
Μερίδιο:
Το Λονδίνο φημίζεται για τα μουσεία, τα ιστορικά κτίρια και τα υπερσύγχρονα εστιατόρια. Όμως μόνο η θεατρική ζωή που κυριαρχεί στην πόλη τη διακρίνει από τις άλλες πόλεις. Αν ένα έργο είχε επιτυχία στο Λονδίνο, θα επαναλάμβανε την επιτυχία του αλλού.
Ο μόνος ανταγωνιστής του Λονδίνου μπορεί να είναι η Νέα Υόρκη με το Μπρόντγουεϊ, αλλά ακόμη και αυτό δεν μπορεί να καυχηθεί για θεατρικά κτίρια που έχουν μακρά και πλούσια ιστορία. Το κεντρικό τμήμα της πόλης, οι συνοικίες West End, South Bank και Victoria εκπλήσσουν με μια ιδιαίτερη συγκέντρωση θεάτρων - από μικρά στούντιο για 100 θεατές μέχρι μεγάλους ναούς της Μελπομένης. Προσφέρουμε μια επισκόπηση των δέκα μεγαλύτερων θεάτρων στο Λονδίνο.
Το Θέατρο Shaftesbury, που βρίσκεται ακριβώς έξω από την οδό Holborn, είναι καταχωρισμένο ως ένα από τα πιο αξιόλογα αρχιτεκτονικά και ιστορικά κτίρια της Βρετανίας. Χάρη σε ένα μικρό ατύχημα που συνέβη με την οροφή του κτιρίου το 1973, δόθηκε προσοχή σε αυτό. Από το 1968, το διάσημο μιούζικαλ "Hair" έχει προβληθεί στη σκηνή του 1998 φορές. Η παράσταση, η οποία προωθούσε το κίνημα των χίπις, έκλεισε αργότερα. Όταν το μιούζικαλ προβλήθηκε για πρώτη φορά στη σκηνή στο Γουέστ Εντ, ο λογοκριτής του θεάτρου Λόρδος Κάμερον Φρόεντιλ «Κιμ» Μπάρον Κόμπολντ το απαγόρευσε. Οι παραγωγοί στράφηκαν στο Κοινοβούλιο για βοήθεια, και αυτό έδωσε την άδεια εκδίδοντας ένα νομοσχέδιο που ακύρωσε εντελώς την απαγόρευση του βαρώνου. Αυτό το πρωτοφανές γεγονός στην ιστορία της θεατρικής τέχνης έδωσε τέλος στη θεατρική λογοκρισία στη Βρετανία - καθόλου άσχημα για ένα θέατρο χωρητικότητας 1.400 θεατών.
Μόλις λίγα τετράγωνα από το Shaftesbury βρίσκεται το Palace Theatre, το οποίο μπορεί επίσης να φιλοξενήσει 1.400 θεατές. Η ειδικότητά του είναι τα μιούζικαλ, όπως το Singin' in the Rain ή το Spamalot. Το θέατρο άνοιξε το 1891 και έγινε γνωστό ως Βασιλική Αγγλική Όπερα υπό την αιγίδα του Richard d'Oyly Carte Sound of Music» προβλήθηκε στο θέατρο 2385 φορές Το θέατρο συμπεριλήφθηκε στη λίστα με τα κτίρια στη Βρετανία που έχουν αρχιτεκτονική και ιστορική αξία Μαζί με αυτό συμπεριλήφθηκαν στη λίστα και άλλα κτίρια της περιοχής.
Το Θέατρο Αδελφοί γιόρτασε πρόσφατα τα 200 χρόνια λειτουργίας του. Παρά το μικρό μέγεθος του κτιρίου, το θέατρο μπορεί να φιλοξενήσει 1.500 θεατές. Είναι γνωστός για παραγωγές όπως το Chicago and Joseph και το Amazing Technicolor Dreamcoat. Το κτήριο Art Deco του 1930 βρίσκεται δίπλα στο Strand Palace Hotel. Αυτό είναι το τέταρτο κτίριο σε ολόκληρη την ιστορία του θεάτρου από το 1809. Μια πλάκα στον τοίχο ενός κοντινού μπαρ κατηγορεί το θέατρο για τον θάνατο του ηθοποιού, τον οποίο κάποτε υποστήριξε η μεγάλη Terriss. Αλλά στην πραγματικότητα, ο πρίγκιπας Ρίτσαρντ Άρτσερ, ένας αποτυχημένος ηθοποιός που είχε χάσει τη δημοτικότητα και την αξιοπρέπεια λόγω εθισμού στον αλκοολισμό, ομολόγησε την ενοχή του για τη δολοφονία του μέντορά του Τέρις σε κατάσταση παραφροσύνης και στάλθηκε για υποχρεωτική θεραπεία σε ψυχιατρείο, όπου ηγήθηκε της ορχήστρας των φυλακών μέχρι το θάνατό του. Λένε ότι το φάντασμα του αδικημένου Τέρις, που είναι αναστατωμένο από την επιεική ποινή που επιβλήθηκε στον προστατευόμενο και δολοφόνο του, εξακολουθεί να περιφέρεται στο κτίριο του θεάτρου τη νύχτα.
Ορισμένες παραστάσεις βρίσκονται στη σκηνή στο West End του Λονδίνου για δεκαετίες, και το Victoria Palace προσφέρει συνεχώς φρέσκο ρεπερτόριο, όπως το μιούζικαλ Billy Elliott. Αν και είναι στη σκηνή από το 2005, που είναι πολύ, σύμφωνα με τους τακτικούς τηλεθεατές. Το θέατρο έχει μια μακρά ιστορία, η οποία ξεκίνησε το 1832, όταν ήταν απλώς μια μικρή αίθουσα συναυλιών. Σήμερα το κτίριο, που χτίστηκε το 1911, μπορεί να φιλοξενήσει 1.517 θεατές. Είναι εξοπλισμένο με συρόμενη οροφή, η οποία ανοίγει κατά τα διαλείμματα για αερισμό της αίθουσας. Το θέατρο ανέβασε πολλές αξιομνημόνευτες παραστάσεις, αλλά το πιο αξιομνημόνευτο από αυτά ήταν το πατριωτικό έργο Young England του 1934, το οποίο έλαβε πολλές αρνητικές κριτικές. Διήρκεσε μόνο 278 παραστάσεις.
Το Prince Edward Theatre βρίσκεται στην καρδιά του Soho και μπορεί να φιλοξενήσει 1.618 άτομα. Πήρε το όνομά του από τον διάδοχο του θρόνου του βρετανικού στέμματος, Εδουάρδο Η', ενός βασιλιά που ήταν στο θρόνο για λίγους μόνο μήνες και τον εγκατέλειψε στο όνομα της αγάπης. Παραδοσιακά, ρομαντικές παραστάσεις και παραστάσεις λαμβάνουν χώρα στη σκηνή, για παράδειγμα, "Show Boat", "Mamma Mia", "West Side Story", "Miss Saigon". Το θέατρο έχει μακρά ιστορία, που χρονολογείται από το 1930 όταν ήταν απλώς ένας κινηματογράφος και αίθουσα χορού. Μόλις το 1978 άνοιξε το θέατρο, χρονικά να συμπέσει με την έναρξη του με την πρεμιέρα του μιούζικαλ "Evita" για τον κόσμο διάσημη γυναίκα, σύζυγος του Προέδρου της Αργεντινής. Το έργο συνέχισε για 3.000 παραστάσεις και η ηθοποιός Elaine Page, η οποία έπαιξε την Evita, είχε ένα λαμπρό ξεκίνημα στη θεατρική της καριέρα και έγινε σταρ.
Παρά την ανάπλαση της Tottenham Court Road στο Λονδίνο για τη δημιουργία μιας καλύτερης οδικής διασταύρωσης, ένα πράγμα παραμένει αμετάβλητο - το γιγάντιο άγαλμα του Φρέντι Μέρκιουρι με το χέρι του σηκωμένο ενώ τραγουδούσε το "We Will Rock You" μπροστά από το Dominion Theatre. Η παράσταση βρίσκεται στη σκηνή του θεάτρου από το 2002 και, παρά τις αρνητικές κριτικές των κριτικών, γνώρισε επιτυχία στο κοινό. Το θέατρο, που χτίστηκε το 1929 στη θέση μιας παλιάς ζυθοποιίας του Λονδίνου, μπορεί να φιλοξενήσει 2.000 θεατές. Στο κτίριο στεγάζεται επίσης η Αυστραλιανή Κυριακάτικη Εκκλησία, η οποία χρησιμοποιεί τη σκηνή και τον φωτισμό του θεάτρου κατά τη διάρκεια των λειτουργιών.
Αυτό είναι ένα από τα μεγαλύτερα θέατρα του Λονδίνου. Στήλες που διακοσμούν Κύρια είσοδος, χρονολογούνται από το 1834, και το ίδιο το κτίριο ανακατασκευάστηκε το 1904 σε στυλ ροκοκό. Σε όλη την ιστορία της ύπαρξής του, που χρονολογείται από το 1765, είχε τα πάντα εκτός από ένα θέατρο, για παράδειγμα, για 50 χρόνια φιλοξενούσε δείπνα της Secret Beef Steak Society. Το 1939 ήθελαν να κλείσουν το κτίριο, αλλά λόγω της έναρξης της οδοποιίας σώθηκε. Για 14 χρόνια, το έργο «Ο Βασιλιάς των Λιονταριών» παιζόταν στη σκηνή του θεάτρου και η δραματοποίηση της Disney φαίνεται να έχει εγκατασταθεί εδώ και πολύ καιρό και φέρνει καλές εισπράξεις από τα εισιτήρια.
Αυτός δεν είναι ο λόγος που το Theatre Royal, που μπορεί να φιλοξενήσει 2.196 θεατές, θεωρείται το κορυφαίο θέατρο του Λονδίνου. Από το 1663, υπάρχουν πολλά θέατρα σε αυτόν τον ιστότοπο και η ίδια η Drury Lane θεωρείται θεατρικός δρόμος. Όπως πολλά άλλα θέατρα, το Royal εργάστηκε υπό τη διεύθυνση του Andrew Lloyd Webber, συγγραφέα των μιούζικαλ Evita και Cats. Άλλες παραγωγές που έχουν παρουσιαστεί στη σκηνή είναι ο Όλιβερ, που έγινε η ομώνυμη μουσική ταινία, οι Παραγωγοί, ο Σρεκ και ο Τσάρλι και το Εργοστάσιο Σοκολάτας, που εξακολουθεί να λειτουργεί. Εκτός από τα μιούζικαλ και τους ηθοποιούς, το θέατρο φημίζεται για τα φαντάσματα του, όπως το φάντασμα ενός άνδρα ντυμένου με γκρι κοστούμι και καπέλο. Σύμφωνα με τον μύθο, σκοτώθηκε στο κτίριο του θεάτρου τον 18ο και 19ο αιώνα. Ένα άλλο φάντασμα είναι ο Joseph Grimaldi, ένας κλόουν που λέγεται ότι βοηθά νευρικούς ηθοποιούς στη σκηνή.
Το London Paladium Theatre είναι διάσημο όχι μόνο στο Λονδίνο, αλλά σε όλο τον κόσμο. Απέχει λίγα βήματα από την Oxford Street. Έγινε δημοφιλής χάρη στη νυχτερινή εκπομπή "Sunday Night at the London Palladium", η οποία προβλήθηκε από το 1955 έως το 1967. Εκατομμύρια θεατές γνώρισαν τις περιστροφικές σκηνικές και σκηνικές δράσεις διαφόρων τύπων. Το 1966, οι ιδιοκτήτες του κτιρίου προσπάθησαν να το πουλήσουν για περαιτέρω ανακατασκευή, αλλά σώθηκε χάρη στους θεατρικούς επενδυτές και το γεγονός ότι εκτός από το θέατρο, το 1973 άνοιξε εκεί μια αίθουσα συναυλιών για παραστάσεις από το ροκ γκρουπ «Slade ". Τα συνεχή sold-out πλήθη και οι ενεργές ενέργειες των θαυμαστών του συγκροτήματος παραλίγο να προκαλέσουν την κατάρρευση του μπαλκονιού στην αίθουσα. Το 2014 άνοιξε στην αίθουσα του θεάτρου το talent show «The X Factor: The Musical».
Εάν το θέατρο Appollo Victoria δεν είναι το πιο δημοφιλές στο Λονδίνο, τότε μπορεί να αναγνωριστεί με ασφάλεια ως το υψηλότερο. Βρίσκεται λίγα μέτρα από το Victoria Palace και μπορεί να φιλοξενήσει 2.500 θεατές. Πολλά θέατρα από την παρουσιαζόμενη κριτική βρίσκονται κοντά και δημιουργούν ένα είδος «χώρας θεάτρου». Το Apollo Victoria άνοιξε το 1930. Το κτίριο είναι σχεδιασμένο σε στυλ art deco με ναυτικό θέμα με συντριβάνια και κοχύλια ως διακόσμηση. Χρειάστηκαν 18 χρόνια για να κατασκευαστεί ο σιδηρόδρομος για το μιούζικαλ «Starlight Express», έτσι ώστε το τρένο να κινείται γύρω από την περίμετρο του αμφιθέατρου σύμφωνα με το σενάριο. Ένα άλλο δημοφιλές μιούζικαλ που ανέβηκε στο θέατρο είναι το "Wicked". Οι εισπράξεις από την πρεμιέρα ανήλθαν στις 761.000 λίρες και σε 7 χρόνια τα έσοδα από την παράσταση υπολογίζονται στα 150 εκατομμύρια. Οι λάτρεις του κινηματογράφου ισχυρίζονται ότι το θέατρο θα πεθάνει στο εγγύς μέλλον, αλλά τα στατιστικά στοιχεία που σχετίζονται με τον αριθμό των θεατών σε κάθε μιούζικαλ και το ποσό των εισπράξεων από τα ταμεία δείχνουν διαφορετικά. Η μυρωδιά του ρουζ και του ασβεστίου, ο θόρυβος της αίθουσας δεν θα εξαφανιστεί ποτέ.
Ωστόσο, η σύγχρονη αρχιτεκτονική δεν είναι σε καμία περίπτωση κατώτερη από την ομορφιά και την κομψότητα των ιστορικών κτιρίων του θεάτρου.
Δημοτικό Τμήμα Παιδείας της Διοίκησης του Polysayevo
Πληροφοριακό και μεθοδολογικό κέντρο
Δημοτικό Εκπαιδευτικό Ίδρυμα
"Γυμνάσιο Νο. 35"
Ιστορία του θεάτρου στη Μεγάλη Βρετανία
Polysayevo 2007
Δημοτικό Τμήμα Παιδείας της Διοίκησης του Polysayevo
Πληροφοριακό και μεθοδολογικό κέντρο
Δημοτικό Εκπαιδευτικό Ίδρυμα
"Γυμνάσιο Νο. 35"
Ιστορία του θεάτρου στη Μεγάλη Βρετανία
Ντάρια Πούτιντσεβα,
Προτάθηκε έρευναπεριέχει μια περιγραφή της ιστορίας του θεάτρου στη Μεγάλη Βρετανία. Το ερευνητικό έργο χαρακτηρίζει το αγγλικό θέατρο από τον Μεσαίωνα μέχρι σήμερα, τις κατευθύνσεις και τις τάσεις του. Το έργο ανιχνεύει τη διαμόρφωση και ανάπτυξη των κύριων θεατρικών τάσεων, την πρωτοτυπία του θεατρικού αγώνα σε διάφορα στάδια ιστορική εξέλιξη. Ιδιαίτερη προσοχή δίνεται στο θέμα των εθνικών ιδιαιτεροτήτων του αγγλικού θεάτρου.
Ιστορία του θεάτρου στη Μεγάλη Βρετανία:έρευνα / . – Polysayevo: Πληροφοριακό και Μεθοδολογικό Κέντρο, 2007.
Επεξηγηματικό σημείωμα
Στόχος της εργασίας:εξοικείωση με μια ξενόγλωσση κουλτούρα.
Στόχοι Εργασίας: επέκταση της πολιτιστικής γνώσης της Μεγάλης Βρετανίας.
Το αγγλικό θέατρο είναι αναπόσπαστο μέρος του παγκόσμιου πολιτισμού. Οι καλύτερες παραδόσεις της εθνικής αγγλικής τέχνης έχουν εμπλουτίσει την παγκόσμια θεατρική διαδικασία. Το έργο Άγγλων ηθοποιών, σκηνοθετών και θεατρικών συγγραφέων έχει κερδίσει αγάπη και αναγνώριση πολύ πέρα από τα σύνορα της Αγγλίας.
Το έργο ηθοποιών, σκηνοθετών και θεατρικών συγγραφέων από τη Μεγάλη Βρετανία χαίρει από καιρό αναγνώρισης και αγάπης στη Ρωσία.
Η ιστορία του θεάτρου έχει συνδεθεί από καιρό με την ιστορία της ανθρωπότητας. Από εκείνη την αρχική σελίδα της ιστορίας, όπως θυμάται η ανθρωπότητα τον εαυτό της, θυμάται και το θέατρο, που έγινε ο αιώνιος σύντροφός της.
Αγαπάτε το θέατρο όσο το αγαπώ εγώ; – ρώτησε τους συγχρόνους του ο μεγάλος συμπατριώτης μας Βησσαρίων Μπελίνσκι, βαθιά πεπεισμένος ότι ο άνθρωπος δεν μπορεί παρά να αγαπήσει το θέατρο.
Αγαπάς το θέατρο; Πριν από 20 και πλέον αιώνες, οι μεγάλοι πατέρες του αρχαίου θεάτρου Αισχύλος και Σοφοκλής, ο Ευριπίδης και ο Αριστοφάνης θα μπορούσαν να έχουν κάνει την ίδια ερώτηση στους θεατές τους που γέμιζαν τα πέτρινα παγκάκια των τεράστιων υπαίθριων αμφιθεάτρων της Ελλάδας.
Μετά από αυτούς, ήδη σε άλλους αιώνες, άλλες ιστορικές εποχές, ο Σαίξπηρ και ο Μπεν Τζόνσον στην Αγγλία θα μπορούσαν να έχουν απευθυνθεί στους σύγχρονούς τους με παρόμοια απήχηση. Και όλοι τους, έχοντας ρωτήσει τους ανθρώπους της εποχής τους: «Σας αρέσει το θέατρο;» - θα έχει το δικαίωμα να υπολογίζει σε μια καταφατική απάντηση.
Το αγγλικό θέατρο, η λογοτεχνία, η μουσική αποτελούν αναπόσπαστο κομμάτι του παγκόσμιου πολιτισμού. Οι καλύτερες παραδόσεις του αγγλικού πολιτισμού έχουν εμπλουτίσει τον κόσμο πολιτιστική διαδικασία, κέρδισε την αγάπη και την αναγνώριση πολύ πέρα από τα σύνορα της Αγγλίας.
Το έργο των Άγγλων θεατρικών συγγραφέων χαίρει από καιρό αναγνώρισης και αγάπης στη Ρωσία. Οι μεγαλύτεροι ηθοποιοί του ρωσικού θεάτρου έπαιξαν στις τραγωδίες του Σαίξπηρ.
Οι ακόλουθες κύριες περίοδοι διακρίνονται στην ιστορία του αγγλικού πολιτισμού: ο Μεσαίωνας, η Αναγέννηση, ο 17ος αιώνας, ο 18ος αιώνας (η Εποχή του Διαφωτισμού), ο 19ος αιώνας (ρομαντισμός, κριτικός ρεαλισμός), η περίοδος του τέλους του 19ου αιώνα - αρχές 20ου αιώνα (1871 - 1917) και 20ος αιώνας, στον οποίο διακρίνονται δύο περίοδοι: 1917 - 1945. και 1945–σήμερα.
Πρώιμος Μεσαίωνας ( V – XI αιώνες)
Τον 6ο αιώνα π.Χ., τα βρετανικά νησιά υπέστησαν επιδρομές των Κελτών. Τον 1ο αιώνα μ.Χ., η Βρετανία κατακτήθηκε από τους Ρωμαίους. Η κυριαρχία της Ρωμαϊκής Αυτοκρατορίας συνεχίστηκε μέχρι τον 5ο αιώνα, όταν οι Αγγλοσάξονες και οι Γιούτες εισέβαλαν στη Βρετανία. Οι αγγλοσαξονικές φυλές έφεραν τη γλώσσα, τον πολιτισμό και τον τρόπο ζωής τους στα βρετανικά νησιά.
Η ιστορία του μεσαιωνικού θεάτρου είναι η ιστορία της πάλης μεταξύ ιδεαλιστικών, θρησκευτικών απόψεων για τη ζωή και της ρεαλιστικής κοσμοθεωρίας των ανθρώπων.
Για πολλούς αιώνες, στη ζωή των ανθρώπων της φεουδαρχικής Ευρώπης, διατηρήθηκαν οι παραδόσεις των παγανιστικών τελετουργικών εορτών που περιείχαν στοιχεία θεατρικότητας: η σύγκρουση του Χειμώνα και του Καλοκαιριού, οι Αγώνες του Μαΐου, στους οποίους παίζονταν σκηνές με τη συμμετοχή του Βασιλιά και της Βασίλισσας Μαΐου, κ.λπ. κλπ. Θίασοι τριγυρνούσαν στην Ευρώπη λαϊκές διασκεδάσεις - ιστρίονες. Ήξεραν πώς να κάνουν τα πάντα: τραγούδι, χορό, ταχυδακτυλουργία, ηθοποιία. Ερμηνεύοντας κωμικές σκηνές, συχνά όχι μόνο διασκέδαζαν το κοινό, αλλά κορόιδευαν και εκείνους που καταπίεζαν και καταπίεζαν τους απλούς ανθρώπους. Ως εκ τούτου, η εκκλησία απαγόρευσε τα τελετουργικά παιχνίδια και καταδίωκε τους Ιστριώτες, αλλά ήταν αδύναμη να καταστρέψει την αγάπη του λαού για τις θεατρικές παραστάσεις.
Σε μια προσπάθεια να γίνει πιο αποτελεσματική η λειτουργία, η λειτουργία, οι ίδιοι οι κληρικοί αρχίζουν να χρησιμοποιούν θεατρικά σχήματα. Εμφανίστηκε το πρώτο είδος του μεσαιωνικού θεάτρου - το λειτουργικό δράμα (IX-XIII αιώνες). Κατά τη διάρκεια της λειτουργίας οι ιερείς έπαιξαν ιστορίες από την Αγία Γραφή. Με την πάροδο του χρόνου, οι παραστάσεις των λειτουργικών δραμάτων μεταφέρονται από το ναό στο προστώο και στην αυλή της εκκλησίας.
XI – XV αιώνας
Τον 11ο αιώνα, τα βρετανικά νησιά κατακτήθηκαν από τους Νορμανδούς. Αυτό συνέβαλε στη γαλλική επιρροή στην πολιτιστική ζωή της χώρας.
Στους XIII-XIV αιώνες. εμφανίζεται ένα νέο είδος μεσαιωνικής θεατρικής παράστασης – miraculus («θαύμα»). Οι πλοκές των θαυμάτων είναι δανεισμένες από τους θρύλους για τους αγίους και την Παναγία.
Η κορυφή ενός μεσαιωνικού θεάτρου – μυστήριο . Αναπτύσσεται στους XIV-XV αιώνες, κατά την ακμή των μεσαιωνικών πόλεων. Τα έργα μυστηρίου παίζονται στις πλατείες των πόλεων. Η παρουσίαση του μυστηρίου ήταν μαζική - και ως προς τον αριθμό των συμμετεχόντων, η Αλληγορία "href="/text/category/allegoriya/" rel="bookmark">αλληγορική. Οι χαρακτήρες στα ηθικά έργα συνήθως προσωποποιούσαν διάφορες ιδιότητες του ανθρώπου, τις κακίες και τις αρετές του.
Ο ήρωας του παραμυθιού της ηθικής είναι ένας άνθρωπος γενικά. «Every Man» ήταν ο τίτλος ενός αγγλικού ηθικού θεατρικού έργου του τέλους του 15ου αιώνα. Σε αυτό το έργο, ο Θάνατος εμφανιζόταν σε κάθε άτομο και τον κάλεσε σε ένα «μακρινό ταξίδι», επιτρέποντάς του να πάρει οποιονδήποτε σύντροφο μαζί του. Ο άντρας στράφηκε στη Φιλία, τη Συγγένεια, τον Πλούτο, αλλά τον αρνήθηκαν παντού. Δύναμη, Ομορφιά, Λόγος, Πέντε Αισθήσεις συμφώνησαν να συνοδεύσουν έναν άνθρωπο, αλλά στην άκρη του τάφου τον άφησαν όλοι. Μαζί του πήδηξαν στον τάφο μόνο οι Καλές Πράξεις. Η ηθική λογοτεχνία εγκατέλειψε τα βιβλικά θέματα, αλλά διατήρησε τη θρησκευτική οικοδόμηση.
Φάρσα - το πρώτο είδος του μεσαιωνικού θεάτρου που έσπασε με τη θρησκευτική ηθική. Η φάρσα, ένα αστείο και σατιρικό είδος, χλεύαζε τις κοινωνικές, πολιτικές και ηθικές έννοιες της φεουδαρχικής κοινωνίας. Η φάρσα παρουσιάζει ηλίθιους ιππότες, άπληστους εμπόρους και ηδονικούς μοναχούς. Αλλά αληθινός ήρωαςαυτό το είδος, όλες οι όχι πολύ αξιοπρεπείς, αλλά πάντα αστείες, φαρσικές πλοκές - ένας χαρούμενος απατεώνας από τον απλό κόσμο. Σε μια φάρσα, αυτός που ξεπερνά τους πάντες έχει δίκιο.
Η εμπειρία των φαρσικών παραστάσεων χρησιμοποιήθηκε ευρέως από το θέατρο των επόμενων εποχών. Οι κωμωδίες του Σαίξπηρ υιοθέτησαν όχι μόνο τις slapstick τεχνικές της φάρσας, αλλά και το πνεύμα της λαϊκής ελεύθερης σκέψης που τη γέμιζε.
Αναγέννηση
Στο XV - 16ος αιώνας V ΕΥΡΩΠΑΙΚΕΣ ΧΩΡΕΣυπάρχει «η μεγαλύτερη προοδευτική επανάσταση από όλα όσα έχει βιώσει η ανθρωπότητα μέχρι εκείνη την εποχή» - η μετάβαση από τον φεουδαρχικό Μεσαίωνα στους σύγχρονους χρόνους, που σημαδεύτηκε από την αρχική περίοδο της ανάπτυξης του καπιταλισμού. Αυτή η μεταβατική εποχή ονομάστηκε Αναγέννηση, ή Αναγέννηση.
Αυτή ήταν η εποχή της ανάδυσης ενός νέου πολιτισμού, της ρήξης με τα θρησκευτικά δόγματα, μια εποχή ραγδαίας ανάπτυξης της τέχνης και της λογοτεχνίας, αναβίωσης των ιδανικών της αρχαιότητας. Μεγάλες ευκαιρίες για ενεργό δημιουργική δραστηριότητα ανοίγονται μπροστά σε ένα άτομο. Την εποχή αυτή συντελείται η διαμόρφωση του εθνικού πολιτισμού.
Ο 16ος αιώνας στην Αγγλία ήταν η ακμή του δράματος. Το αγγλικό θέατρο ανταποκρίθηκε στα λαϊκά συμφέροντα και ήταν εξαιρετικά δημοφιλές σε ένα περιβάλλον εθνικής έξαρσης. Μέχρι το τέλος του 16ου αιώνα υπήρχαν περίπου είκοσι θέατρα στο Λονδίνο. Μεταξύ αυτών, το θέατρο James Burbage και το θέατρο Philip Henslowe ήταν ιδιαίτερα διάσημα. Η ανάπτυξη της θεατρικής κουλτούρας δεν προχώρησε χωρίς δυσκολίες.
Οι θεατρικοί συγγραφείς εκείνης της εποχής ήταν οι Robert Greene, Thomas Kyd, Christopher Marlowe και άλλοι.
Τα έργα του Beaumont (1584 - 1616) και του Fletcher (1579 - 1625) χαρακτηρίζουν μια διαφορετική εποχή στην ιστορία του αγγλικού θεάτρου. Επιδίωξαν να αριστοκρατήσουν το θέατρο και να φέρουν μια κάποια επιτήδευση και ευπρέπεια στις παραστάσεις. Οι ευγενείς, μοναρχικές ιδέες γίνονται αντικείμενο ιδιαίτερης προσοχής στο θέατρο του Μπομόν και του Φλέτσερ. Από τη σκηνή ακούγονται συνεχώς εκκλήσεις για ανιδιοτελή υπηρεσία στον βασιλιά.
Ουίλιαμ Σαίξπηρ
Το θέατρο της Αγγλικής Αναγέννησης οφείλει την άνθησή του, πρώτα απ' όλα, στον Ουίλιαμ Σαίξπηρ. Η δραματουργία του Σαίξπηρ είναι το αποτέλεσμα όλης της προηγούμενης εξέλιξης του δράματος, της κορυφής του θεάτρου.
«Η τραγωδία γεννήθηκε στην πλατεία», έγραψε, αναφερόμενος στις μακρινές απαρχές του έργου του Σαίξπηρ - το λαϊκό θέατρο των μεσαιωνικών έργων μυστηρίου. Οι παραδόσεις του τετράγωνου θεάτρου - ένα ευρύ φάσμα γεγονότων, η εναλλαγή κωμικών και τραγικών επεισοδίων, η δυναμική της δράσης - διατηρήθηκαν από τους προκατόχους του Σαίξπηρ - τους θεατρικούς συγγραφείς R. Green, C. Marlowe και άλλους. Έφεραν ιδέες που αγαπούν την ελευθερία στη σκηνή και έδειξαν νέους ήρωες - αυτούς με ισχυρή θέληση και αναπόσπαστο χαρακτήρα.
Στην πρώτη, «αισιόδοξη» περίοδο του έργου του, ο Σαίξπηρ έγραψε κωμωδίες, περιτριγυρισμένες από φωτεινές, χαρούμενες διαθέσεις. Αλλά όταν μια «θάλασσα από καταστροφές» άνοιξε μπροστά στο οξυδερκές βλέμμα του ποιητή, όταν η αδυσώπητη πορεία της ιστορίας αποκάλυπτε όλο και πιο έντονα τις αντιφάσεις της φεουδαρχίας και του αναδυόμενου καπιταλισμού, ο ιδανικός ήρωας στα έργα του αντικαταστάθηκε από έναν διψασμένο για εξουσία, εγωιστής και εγωιστής, και μερικές φορές ακόμη και εγκληματίας.
Αυτή η ανατροπή αποκαλύφθηκε για πρώτη φορά στην τραγωδία Άμλετ. Όμως οι ήρωες του Σαίξπηρ δεν υποκλίθηκαν στον κόσμο του κακού. Μπαίνοντας στον αγώνα και πέφτοντας θύματα των παντοδύναμων αντιπάλων τους, οι ήρωες των τραγωδιών του Σαίξπηρ, ακόμη και μέσα από τον ίδιο τους τον θάνατό τους, επιβεβαίωσαν την πίστη στον άνθρωπο και τη φωτεινή μοίρα του. Αυτή ακριβώς είναι η αθανασία των τραγωδιών του Σαίξπηρ και ο σύγχρονος ήχος τους.
Το Shakespeare's Globe Theatre βρισκόταν ανάμεσα σε άλλα θέατρα στη νότια όχθη του Τάμεση, έξω από το Λονδίνο, καθώς οι αρχές απαγόρευσαν τις παραστάσεις στο
Ουίλιαμ Σαίξπηρ
θέατρο Globus». Εμφάνιση.
η ίδια η πόλη. Το κτίριο στέφθηκε από έναν μικρό πύργο, όπου μια σημαία κυμάτιζε κατά τη διάρκεια της παράστασης.
Η δράση έλαβε χώρα στο ύπαιθρο - μια μάζα ανθρώπων στεκόταν μπροστά από τη σκηνή, πλούσιοι κάτοικοι της πόλης βρίσκονταν στις γκαλερί, οι οποίες περιέβαλαν τους στρογγυλούς τοίχους του θεάτρου σε τρεις βαθμίδες. Η σκηνή χωριζόταν σε 3 μέρη: το μπροστινό - προσκήνιο, το πίσω μέρος, που χωρίζεται από δύο πλαϊνές κολώνες και καλύπτεται με αχυρένιο κουβούκλιο, και το πάνω μέρος - σε μορφή μπαλκονιού. Η σκηνή ήταν διακοσμημένη με χαλιά και ψάθες και από πάνω κρέμονταν ένα πανό: μαύρο για τραγωδίες και μπλε για κωμωδίες. Η τοποθεσία της δράσης υποδεικνυόταν από μια λεπτομέρεια (το δέντρο έδειχνε ότι η δράση γινόταν στο δάσος και ο θρόνος έδειχνε ότι ήταν στο παλάτι).
Η σύνθεση του θιάσου ήταν μικρή - μόνο 8-12 άτομα. Μερικές φορές κάθε ηθοποιός έπρεπε να παίξει έως και τρεις ή περισσότερους ρόλους στο έργο. Τις ηρωίδες έπαιζαν όμορφοι, εύθραυστοι νέοι. Οι μεγαλύτεροι τραγικοί ηθοποιοί ήταν ο Έντουαρντ Άλεϊν, που έπαιξε με ιδιαίτερη επιτυχία στα έργα του Σι Μάρλοου, και ο Ρίτσαρντ Μπέρμπατζ, ο καλύτερος ερμηνευτής των ρόλων του Άμλετ, του Ληρ, του Οθέλλου και του Μάκβεθ. Ο Richard Tarleton και ο William Kemp πρωταγωνίστησαν σε κωμικούς ρόλους.
XVII αιώνας
Αν κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης στην Αγγλία το δράμα και το θέατρο γνώρισαν την ακμή τους, τα θεατρικά ήθη στο Λονδίνο εκείνη την εποχή ήταν αρκετά ελεύθερα, η απόλυτη ευκολία βασίλευε τόσο στη σκηνή όσο και στο αμφιθέατρο, τόσο οι ηθοποιοί όσο και οι θεατές δεν ντρέπονταν για εκφράσεις, τότε τον 17ο αιώνα διώχτηκαν από τους πουριτανούς.
Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, μπορούσες να δεις έναν μάγο στη σκηνή με έναν σκύλο, ο οποίος απεικόνιζε «τον βασιλιά της Αγγλίας, τον πρίγκιπα της Ουαλίας και όταν κάθεται στην πλάτη του, τον Πάπα και τον Βασιλιά της Ισπανίας». Κάποια κυρία σε μια κωμωδία θα μπορούσε να ανακοινώσει από τη σκηνή ότι μπορείς να δεις περιουσίες με τα ούρα ή ένας κύριος θα μπορούσε να γράψει πού ούρησε. «Στη σκηνή μας μερικές φορές υπάρχει η ίδια βρωμιά και δυσωδία όπως στο Smithfield (ένα προάστιο του Λονδίνου όπου γίνονταν εκθέσεις και μερικές φορές έκαιγαν αιρετικούς), λέει ο Ben Jonson. «Όλα εκεί λέγονται με το όνομά τους», έγραψε ο Βολταίρος για την αγγλική σκηνή ήδη από τον 18ο αιώνα.
Για τα θεατρικά ήθη μπορεί να συναχθεί το συμπέρασμα από την ανώνυμη «Διαμαρτυρία ή καταγγελία ηθοποιών κατά της καταστολής του επαγγέλματός τους και της αποπομπής τους από πολλά θέατρα» (1643). «Υποσχόμαστε για το μέλλον να μην δεχθούμε ποτέ στα κουτιά μας διαλυμένες γυναίκες, που έρχονται εκεί μόνο για να παρασυρθούν από μαθητευόμενους και υπαλλήλους δικηγόρων, και κανένα άλλο είδος γυναικών αυτού του είδους, εκτός από αυτές που έρχονται με τους συζύγους τους ή κλείνουν συγγενείς. Θα αλλάξει και η στάση απέναντι στον καπνό: δεν θα πουληθεί... όσο για βρωμοδουλειές και παρόμοια πονηρά πράγματα που μπορούν να σκανδαλίσουν αξιοπρεπείς ανθρώπους και να σπρώξουν τους κακούς ανθρώπους στην ακολασία, θα τους διώξουμε εντελώς μαζί με ανήθικους και αγενείς συγγραφείς και ποιητές».
Η δημιουργία θεατρικών έργων και η παράστασή τους χαρακτηρίστηκαν αμαρτωλές δραστηριότητες. η επίσκεψη στο θέατρο καταδικάστηκε έντονα και θεωρήθηκε επιβλαβής και επιβλαβής δραστηριότητα. Με την έλευση των πουριτανών στην εξουσία, οι θεατρικές παραστάσεις απαγορεύτηκαν στην Αγγλία. Στις 2 Σεπτεμβρίου 1642, το αγγλικό κοινοβούλιο έκλεισε τα θέατρα και απαγόρευσε όλες τις παραστάσεις, επικαλούμενος το γεγονός ότι τα θεάματα «συχνά εκφράζουν αχαλίνωτη ευθυμία και επιπολαιότητα», ενώ κάποιος πρέπει να κατευθύνει τις σκέψεις του σε «μετάνοια, συμφιλίωση και στροφή προς τον Θεό». Πέντε χρόνια αργότερα, το κοινοβούλιο επιβεβαίωσε αυτό το διάταγμα, τώρα με πιο σκληρούς όρους και διατάσσοντας όσους δεν υπάκουσαν (οι ηθοποιοί) να οδηγηθούν στη φυλακή ως εγκληματίες. Έμπειρος πολιτισμός οξεία κρίση. Η Εκκλησία πολέμησε επί μακρόν και επίμονα τα θεατρικά θεάματα. «Τα θέατρα είναι γεμάτα, αλλά οι εκκλησίες είναι άδειες», παραπονιούνται οι πουριτανοί λειτουργοί. Στο θέατρο «βασιλεύουν ελεύθερες χειρονομίες, χαλαροί λόγοι, γέλια και γελοιοποιήσεις, φιλιά, αγκαλιές και άκομψα βλέμματα», οι κληρικοί αγανακτούν. «Ο λόγος του Θεού παραβιάζεται εκεί και η θεία θρησκεία που έχει καθιερωθεί στο κράτος μας βεβηλώνεται», λέει ο Κύριος Δήμαρχος.
Το θέατρο του 17ου αιώνα αντιπροσωπεύτηκε από την πουριτανική αστική τάξη της Αγγλίας ως θέατρο ξεφτίλας και εξαχρείωσης, ένα θέατρο που εξυπηρετούσε τα γούστα των αριστοκρατών και των διεφθαρμένων κοινών.
Υπήρχαν και αμυντικοί. Ο θεατρικός συγγραφέας Τόμας Νας έγραψε το 1592 ότι οι πλοκές των έργων ήταν δανεισμένες από αγγλικά χρονικά, οι σπουδαίες πράξεις των προγόνων ανασύρθηκαν από τον «τάφο της λήθης» και έτσι καταδίκασε την «παρακμιακή και εφέ νεωτερικότητα», ότι τα έργα «ανατομοποιήθηκαν». ένα ψέμα, επιχρυσωμένο με εξωτερική αγιότητα».
Τα χαρακτηριστικά του πολιτισμού καθορίστηκαν από τα γεγονότα της αστικής επανάστασης. Οι ταξικές αντιθέσεις μεταξύ της αστικής τάξης και των μεγάλων γαιοκτημόνων εντάθηκαν.
Οι Στιούαρτ, που επέστρεψαν στην εξουσία, άνοιξαν ξανά θέατρα το 1660 και η λαμπρή αλλά ανήθικη κωμωδία της εποχής της Αποκατάστασης φάνηκε να επιβεβαιώνει την αρνητική εκτίμηση που έδωσαν στο θέατρο οι συνεργάτες του Κρόμγουελ.
Μετά το πραξικόπημα, ο Γουλιέλμος Γ' του Πορτοκαλί ανέλαβε την εξουσία. Το λαϊκό κίνημα μεγάλωσε.
Ο Wilhelm III δεν έκλεισε τα θέατρα, αλλά με διάταγμα της 1ης Ιανουαρίου 2001, προειδοποίησε αυστηρά τους ηθοποιούς ότι «αν συνεχίσουν να παίζουν έργα που περιέχουν εκφράσεις αντίθετες με τη θρησκεία και την ευπρέπεια και επιτρέπουν τη βλασφημία και την ανηθικότητα στη σκηνή, τότε γι' αυτό πρέπει να απαντήσουν με το κεφάλι τους».
Το ίδιο έτος, 1698, δημοσιεύτηκε μια πραγματεία ενός πουριτανού θεολόγου ονόματι Jeremy Collier με τον πολύχρωμο τίτλο «A Brief Survey of the Immorality and Impiety of the English Stage». Ο θεολόγος καταδίκασε αυστηρά την υπάρχουσα θεατρική πρακτική. Έγραψε ότι υπάρχει θυμός και κακία στη σκηνή. «Το αίμα και η βαρβαρότητα έχουν σχεδόν αποθεωθεί», ότι «η έννοια της τιμής διαστρεβλώνεται, οι χριστιανικές αρχές ταπεινώνονται», ότι «διάβολοι και ήρωες είναι φτιαγμένοι από το ίδιο μέταλλο» και απαίτησε μια ριζική αναδιάρθρωση των δραστηριοτήτων των θεάτρων, μετατρέποντάς τα σε ένα είδος σχολής αρετής, καλών τρόπων και ευπρέπειας: «Σκοπός των έργων είναι να ενθαρρύνουν την αρετή και να αποκαλύψουν την κακία, να δείξουν την ευθραυστότητα του ανθρώπινου μεγαλείου, τις ξαφνικές αντιξοότητες της μοίρας και τις βλαβερές συνέπειες της βίας και της αδικίας».
Η αγγλική αστική τάξη δεν ήθελε πλέον να κλείσει τα θέατρα, όπως πριν, αλλά να τα προσαρμόσει στις ανάγκες της τάξης. Αν και η «ένδοξη επανάσταση» του 1688 έφερε μια συμμαχία μεταξύ της αστικής τάξης και των νέων ευγενών, η εχθρότητα εξακολουθούσε να υφίσταται. Οι θέσεις των γαιοκτημόνων ήταν ακόμα ισχυρές, οι αριστοκράτες, αν και υποτάχθηκαν στην κατάσταση των πραγμάτων, σε καμία περίπτωση δεν συμβιβάστηκαν πλήρως. Επιθέσεις στην αριστοκρατία ακούστηκαν και σε θεατρικές παραστάσεις.
Το 1713, ο Joseph Addison (1672 - 1719) προσπάθησε να καθιερώσει την κλασική τραγωδία στην αγγλική σκηνή.
Αυτή τη στιγμή, εμφανίστηκε ένα νέο είδος - δράμα, αλλά η κωμωδία δεν ήθελε να εγκαταλείψει τη θέση της. Το κοινό, που έχυσε άφθονα δάκρυα στις παραστάσεις του The Merchant of London και γέμισε φρίκη πριν από το ζοφερό τέλος του έργου, ήθελε από καιρό σε καιρό να γελάσει. Αυτή η ευκαιρία τους δόθηκε από τον Fielding, και αργότερα από τους Oliver Goldsmith και Richard Brinsley Sheridan.
Ο Goldsmith ήθελε να αναβιώσει την «gay κωμωδία» της εποχής του Shakespeare και του Ben Jonson. Στην πραγματεία του «A Essay on the Theatre, or Comparison of Merry and Sentimental Comedy» (1733), μίλησε ευθέως γι' αυτό και έγραψε πολλά κωμικά έργα χωρίς ηθικολογίες, χωρίς ιδιαίτερη τάση, κοροϊδεύοντας με χαρά την απειρία των νέων που είναι εξαπατούνται εύκολα. Τα έργα είναι γεμάτα αστεία λάθη, οι χαρακτήρες απεικονίζονται αρκετά φυσικά.
Ωστόσο, το μεγαλύτερο σημάδι στην ιστορία του αγγλικού δράματος αυτής της περιόδου άφησε ο Richard Brinsley Sheridan (1751 - 1816). Έγραψε για λίγο. Όλα τα καλύτερα έργα του δημιουργήθηκαν μέσα σε πέντε χρόνια. Η φωτιά του θεάτρου του στο Drury Lane έδωσε στον συγγραφέα το τελειωτικό χτύπημα.
Ο κλασικισμός στην κλασική του μορφή δεν μπορούσε να βρει σταθερό έδαφος στην Αγγλία. Υπήρχαν δύο λόγοι για αυτό: η πολιτική κατάσταση της χώρας και η εξουσία του θεάτρου του Σαίξπηρ.
Όσο για τον Σαίξπηρ, επισκίασε τόσο τα επιτεύγματα του αρχαίου δράματος που μετά από αυτόν ήταν απλώς αδιανόητο να βασιστεί εξ ολοκλήρου στο παράδειγμα των αρχαίων Ελλήνων συγγραφέων. Οι Άγγλοι θεατρικοί συγγραφείς που δούλευαν για το θέατρο δεν μπορούσαν να ακολουθήσουν τον Αισχύλο, τον Σοφοκλή και τον Ευριπίδη τόσο άνευ όρων όσο οι Γάλλοι συνάδελφοί τους. Πριν από αυτούς ήταν το παράδειγμα του Σαίξπηρ, ο οποίος εργάστηκε σύμφωνα με ένα εντελώς διαφορετικό σύστημα και πέτυχε πρωτόγνωρα αποτελέσματα.
Το 1644, το Shakespeare's Globe Theatre κατεδαφίστηκε, ξαναχτίστηκε μετά από πυρκαγιά το 1613, το 1649 - τα θέατρα Fortune και Phoenix, το 1655 - Blackfriars. Οι ηθοποιοί σκορπίστηκαν σε όλη τη χώρα, έγιναν στρατιώτες και εξαφανίστηκαν, όπως αναφέρει ένας ανώνυμος συγγραφέας του 17ου αιώνα (Historia histrionica).
Το 1643, οι ηθοποιοί συνέταξαν ένα συγκινητικό, ανώνυμο έγγραφο: μια καταγγελία για την καταστολή του επαγγέλματός τους. «Στρέφουμε σε σένα, μεγάλο Φοίβο, και σε σένα, εννέα αδερφές - μούσες, προστάτιδες του νου και προστάτες μας, φτωχοί ταπεινωμένοι ηθοποιοί», έγραψαν. «Αν, με τη βοήθεια της παντοδύναμης παρέμβασής σας, μπορούσαμε να αποκατασταθούμε στα παλιά μας θέατρα και να επιστρέψουμε ξανά στο επάγγελμά μας...» Οι ηθοποιοί έγραψαν ότι οι κωμωδίες και οι τραγωδίες που έπαιξαν ήταν «ζωντανές αναπαραγωγές των πράξεων των ανθρώπων», ότι εκεί ήταν μια κακία σε αυτούς τιμωρήθηκε, και η αρετή ανταμείφθηκε, ότι " Αγγλική ομιλίαεκφράστηκε πιο σωστά και φυσικά». Ο Φοίβος και οι εννέα αδερφές - μούσες, προστάτες των τεχνών, δεν ανταποκρίθηκαν. Το θέατρο υπέστη ανεπανόρθωτη ζημιά.
Ο Τζον Μίλτον, ο μεγαλύτερος Άγγλος ποιητής του 17ου αιώνα, δεν συμμεριζόταν την αρνητική στάση των πουριτανών απέναντι στις θεατρικές παραστάσεις. Ο Μίλτον ήταν ιδιαίτερα αντίθετος με τους θεατρικούς συγγραφείς και το θέατρο της εποχής της Αποκατάστασης, που είχαν έντονα διασκεδαστικό χαρακτήρα. Ο Μίλτον θεωρούσε ότι η τραγωδία, τα κλασικά παραδείγματα της αρχαίας ελληνικής τέχνης, ήταν το κύριο πράγμα στη δραματική τέχνη. Μιμούμενος τους, εισήγαγε μια χορωδία σχολιάζοντας όσα συνέβαιναν και καθιέρωσε την ενότητα του χρόνου: η διάρκεια των γεγονότων στην τραγωδία δεν υπερβαίνει τις 24 ώρες. Διατηρείται αυστηρά η ενότητα τόπου και δράσης.
Περίοδος αποκατάστασης
Η περίοδος της αποκατάστασης ξεκίνησε στην Αγγλία λίγο μετά το θάνατο του Κρόμγουελ.
Οι απαγορεύσεις που επέβαλλαν οι πουριτανοί στις θεατρικές παραστάσεις και στα διάφορα είδη ψυχαγωγίας καταργήθηκαν. Τα θέατρα άνοιξαν ξανά, αλλά διέφεραν πολύ από το αγγλικό θέατρο του 16ου και των αρχών του 17ου αιώνα τόσο στον εξωτερικό τους σχεδιασμό όσο και στη φύση των έργων. Στη σκηνή χρησιμοποιήθηκαν πλούσια σκηνικά και πολυτελή κοστούμια.
Οι κωμωδίες των William Wycherley (1640 - 1716) και William Congreve (1670 - 1729) γνώρισαν ιδιαίτερη επιτυχία.
Αγγλικά θέατρα Drury Lane και Covent Garden
Ας επισκεφτούμε τώρα τα θέατρα του Λονδίνου. Το 1663 χτίστηκε στο Λονδίνο το Drury Lane Theatre, το οποίο έλαβε το δικαίωμα του μονοπωλίου στην επιλογή του ρεπερτορίου. Το 1732 εμφανίστηκε άλλος μεγαλύτερο θέατρο- Κόβεντ Γκάρντεν. Υπήρχε λίγη τάξη στα θέατρα του Λονδίνου. Το κοινό, που έσπευσε στο αμφιθέατρο, όρμησε κατευθείαν μπροστά στους πάγκους για να πιάσει θέσεις πιο κοντά στη σκηνή. Από καιρό σε καιρό, συνέβαιναν ένα είδος «θεατρικών ταραχών» - θεατές, δυσαρεστημένοι με την παράσταση, την αύξηση των τιμών ή κάποιος ερμηνευτής, έπνιξε τις φωνές των ηθοποιών, τους πέταξε φρούτα και μερικές φορές ξέσπασε στη σκηνή.
Σε αυτό το ταραχώδες Λονδίνο του 18ου αιώνα, οι ηθοποιοί προσπάθησαν να παίξουν με ηρεμία και να μιλήσουν με μετρημένες φωνές. Ωστόσο, ο αγγλικός κλασικισμός δεν ήταν πλήρης, αναπόσπαστος - «διορθωνόταν» συνεχώς από τη ρεαλιστική παράδοση που προερχόταν από τον Σαίξπηρ.
Ο ηθοποιός Thomas Betterton (1635 - 1710) έπαιξε το ρόλο του Άμλετ καθώς τον έπαιξε κάποτε ο Burbage, έχοντας λάβει οδηγίες από τον ίδιο τον Σαίξπηρ. Ο ηθοποιός Τζέιμς Κουίν (1693 - 1766), που στους Βρετανούς φαινόταν πολύ κλασικός, έπαιξε τον ρόλο του Φάλσταφ αρκετά ρεαλιστικά. Το 1741, ο Charles Maclean (1697 - 1797) έπαιξε ρεαλιστικά τον Shylock στον Έμπορο της Βενετίας του Shakespeare. Την ίδια χρονιά, ο Ντέιβιντ Γκάρικ (1717 – 1779), ο οποίος έγινε ο μεγαλύτερος ρεαλιστής ηθοποιός του 18ου αιώνα, έπαιξε ως Ριχάρδος Γ'. Ο Garrick έπαιξε εξίσου καλά κωμικούς και τραγικούς ρόλους. Ως μίμος καλλιτέχνης, ο Garrick δεν είχε όμοιο. Το πρόσωπό του μπορούσε να απεικονίζει με συνέπεια όλες τις αποχρώσεις και τις μεταβάσεις των συναισθημάτων. Ήξερε να είναι αστείος, αξιολύπητος, μεγαλοπρεπής, τρομακτικός. Ο Garrick ήταν ένας πολύ έξυπνος ηθοποιός, με πλούσια ανεπτυγμένη και ακριβή τεχνική και ταυτόχρονα ηθοποιός του συναισθήματος. Κάποτε, ενώ έπαιζε τον Βασιλιά Ληρ στην τραγωδία του Σαίξπηρ, ο Γκάρικ παρασύρθηκε τόσο πολύ που έσκισε την περούκα του από το κεφάλι του και την πέταξε στο πλάι.
Ο Garrick σκηνοθέτησε το Drury Lane Theatre για πολλά χρόνια, όπου συγκέντρωσε μια υπέροχη παρέα και ανέβασε 25 σαιξπηρικές παραστάσεις. Πριν από αυτόν, κανείς δεν είχε δουλέψει τόσο ευσυνείδητα και επίμονα σε παραγωγές έργων του Σαίξπηρ. Μετά τον Garrick, οι άνθρωποι έμαθαν να εκτιμούν τον Σαίξπηρ πολύ περισσότερο από πριν. Η φήμη αυτού του ηθοποιού βρόντηξε σε όλη την Ευρώπη.
Το έργο του Garrick συνόψιζε την ανάπτυξη του θεάτρου τον 18ο αιώνα - από τον κλασικισμό στον ρεαλισμό.
XVIII αιώνα
Εποχή του Διαφωτισμού
Τον 18ο αιώνα ξεκίνησε μια μεταβατική εποχή που έληξε με τη γαλλική αστική επανάσταση. Το απελευθερωτικό κίνημα αναπτύχθηκε και προέκυψε η ανάγκη να καταστραφεί η φεουδαρχία και να αντικατασταθεί με τον καπιταλισμό.
Αγγλική λογοτεχνία" href="/text/category/anglijskaya_literatura/" rel="bookmark">Αγγλική λογοτεχνία στις δεκαετίες του '30 και του '40 του 19ου αιώνα. Η Βιομηχανική Επανάσταση ήταν μια ισχυρή ώθηση για την ανάπτυξη του καπιταλισμού στη χώρα. Το προλεταριάτο μπήκε στον ιστορικό χώρο.
Η ταραγμένη εποχή έφερε στη ζωή την άνθηση του δημοκρατικού πολιτισμού, συμπεριλαμβανομένης της θεατρικής δημιουργικότητας.
DIV_ADBLOCK684">
ΧΧ αιώνα
1945–σήμερα
Μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, σε σχέση με τη διαμόρφωση του παγκόσμιου σοσιαλιστικού συστήματος και την ανάπτυξη του εθνικοαπελευθερωτικού πολέμου των λαών, η κατάρρευση της Βρετανικής Αυτοκρατορίας έγινε αναπόφευκτη και φυσική. Τα θέατρα αντιπροσωπεύουν ταραχώδη γεγονότα και κοινωνικές αλλαγές.
Τα πρώτα χρόνια μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, ο πιο δημοφιλής συγγραφέας στην Αγγλία ήταν ο John Boynton Priestley. Έχει γράψει πάνω από σαράντα θεατρικά έργα. Τα πιο σημαντικά από αυτά είναι τα "Dangerous Corner" (1932), "Time and the Conways" ("Time and the Conways", 1937).
Στα έργα του Priestley είναι αισθητή η επίδραση της δραματουργίας του Τσέχοφ. Ο Priestley προσπαθεί να μεταφέρει το δράμα της καθημερινότητας, να δείξει τη ζωή με όλους τους τόνους, να αποκαλύψει τους χαρακτήρες όχι μόνο των κύριων χαρακτήρων, αλλά και των δευτερευόντων.
Τα έργα του John Osborne (John Osborne, 1929) έπαιξαν σημαντικό ρόλο στην αγγλική κουλτούρα. Τα έργα του John Osborne τόνωσαν την άνοδο στην ανάπτυξη του αγγλικού δράματος στη δεκαετία του '60.
Το 1956, το έργο του John Osborne Look Back in Anger ανέβηκε στο Royal Court Theatre, το οποίο γνώρισε τεράστια επιτυχία. Ο θεατρικός συγγραφέας μετέφερε με μεγάλη ακρίβεια τη διάθεση της αγγλικής νεολαίας εκείνης της εποχής. Ο Τζίμι Πόρτερ ανέβηκε στη σκηνή - ο νεαρός «θυμωμένος» ήρωας, όπως τον αποκαλούσαν οι κριτικοί. Αυτός ο νεαρός άνδρας από τα κατώτερα στρώματα, που είχε περάσει σε ένα κοινωνικό περιβάλλον εχθρικό απέναντί του, δεν είχε ιδέα για το τι συνίσταται η αξιοπρεπής ύπαρξη. Πήρε τα όπλα, μη φείδοντας προσπάθεια, ενάντια στις υπάρχουσες ηθικές αξίες, τον παραδοσιακό τρόπο κοινωνικής ζωής και εν μέρει ενάντια στους κοινωνικούς νόμους. Αυτά τα ίδια χαρακτηριστικά χαρακτηρίζουν ορισμένους από τους χαρακτήρες, τόσο σύγχρονους όσο και ιστορικούς, στα έργα του John Arden, της Sheila Delaney και άλλων.
Οι προοδευτικοί ηθοποιοί και σκηνοθέτες σε ορισμένες χώρες βελτιώνουν τις δεξιότητές τους χρησιμοποιώντας κλασικό δραματικό υλικό και τα καλύτερα παραδείγματα ρεαλιστικής λογοτεχνίας. Χρησιμοποιούν τα κλασικά για να θέτουν πιεστικά σύγχρονα θέματα. Ο Άγγλος ηθοποιός Laurence Olivier, στην εικόνα του Οθέλλου, μετέφερε μια οργισμένη διαμαρτυρία ενάντια στον αναδυόμενο αστικό πολιτισμό. Ο Άμλετ εξυπηρέτησε τον Πωλ Σκόφιλντ για να εκφράσει τις θλιβερές, δύσκολες σκέψεις της νέας μεταπολεμικής γενιάς Ευρωπαίων διανοουμένων που ένιωθαν υπεύθυνοι για τα εγκλήματα που διαπράχθηκαν στον κόσμο.
Οι παραγωγές των έργων του Σαίξπηρ από τον Άγγλο σκηνοθέτη Πίτερ Μπρουκ γνωρίζουν άξια επιτυχία στο κοινό.
Η θεατρική τέχνη των τελευταίων χρόνων χαρακτηρίζεται από πολλούς μικρούς επαγγελματικούς, ημιεπαγγελματικούς και μη θιάσους, που περιπλανώνται από τη μια τοποθεσία στην άλλη. εντατικοποίηση των δραστηριοτήτων των φοιτητικών θεάτρων. αυξανόμενη διαμαρτυρία ηθοποιών και σκηνοθετών ενάντια στην εμπορευματοποίηση στις τέχνες. Οι νέοι χρησιμοποιούν συχνά τη σκηνή για έντονες πολιτικές συζητήσεις. Το θέατρο βγαίνει στους δρόμους, όπου παίζονται παραστάσεις ημι-αυτοσχεδιασμού.
Σχεδόν κάθε φαινόμενο της θεατρικής δημιουργικότητας στην Αγγλία διαποτίζεται από έντονες εσωτερικές αντιφάσεις, γεμάτες με μια σύγκρουση αντίθετων ιδεολογικών και αισθητικών τάσεων.
Ο Τζον Όσμπορν είναι υποστηρικτής του θεάτρου, που ασκεί κριτική στις κοινωνικές τάξεις στον καπιταλιστικό κόσμο, που είναι το πιο πειστικό όπλο της εποχής.
Τα έργα του Τζον Όσμπορν καθόρισαν την ανάπτυξη του αγγλικού δράματος στη δεκαετία του '60.
Η πρωτοτυπία της δραματουργίας του Sean O'Casey, ενός εξαιρετικού Αγγλο-Ιρλανδού θεατρικού συγγραφέα, καθορίζεται από τη σύνδεσή της με την ιρλανδική λαογραφική παράδοση. Τα έργα του χαρακτηρίζονται από έναν περίεργο συνδυασμό τραγικών και
Laurence Olivier ως Richard III
«Richard III» του W. Shakespeare
κωμικό, αληθινό και φανταστικό, καθημερινό και αξιολύπητο. Τα δράματα του O'Casey χρησιμοποιούν τις συμβάσεις του εξπρεσιονιστικού θεάτρου.
Το κίνημα των λαϊκών θεάτρων, που επιδίωκε πρωτίστως εκπαιδευτικούς στόχους, σάρωσε όλη την Ευρώπη. Στην Αγγλία, το Θέατρο Workshop προέκυψε και έγινε πολύ γνωστό υπό τη διεύθυνση της Joan Littlewood.
αγγλικό θέατρο
Το αγγλικό θέατρο του 18ου αιώνα έπαιξε πολύ αξιοσημείωτο ρόλο στην ιστορία της ανάπτυξης ολόκληρου του ευρωπαϊκού θεάτρου. Όχι μόνο έγινε ο ιδρυτής της δραματουργίας του Διαφωτισμού, αλλά συνέβαλε και σε αυτήν σημαντικά. Παρόλα αυτά, η τραγωδία στο αγγλικό θέατρο του Διαφωτισμού αντικαταστάθηκε από ένα νέο δραματικό είδος - αστικό δράμα, ή, όπως ονομαζόταν επίσης, αστική τραγωδία. Στην Αγγλία προέκυψαν τα πρώτα δείγματα αστικού δράματος, που αργότερα διείσδυσαν στα θέατρα της Γερμανίας, της Γαλλίας και της Ιταλίας. Η κωμωδία δεν κατέλαβε επίσης την τελευταία θέση στο ρεπερτόριο. Η μορφή και το περιεχόμενό του έχουν μεταρρυθμιστεί με τον πιο ριζοσπαστικό τρόπο από την Αναγέννηση.
Η μετάβαση από το θέατρο της Αναγέννησης στο θέατρο του Διαφωτισμού ήταν μακρά, ταραχώδης και μάλλον επώδυνη. Το Αναγεννησιακό Θέατρο σταδιακά έσβησε, αλλά δεν το άφησαν να πεθάνει με φυσικό θάνατο. Το τελευταίο χτύπημα του δόθηκε από την τετελεσμένη πουριτανική επανάσταση. Οι αρχαίες παραδόσεις του για τη λεγόμενη αυστηρή ζωή ταίριαζαν απόλυτα στις συνθήκες της σύγχρονης εποχής. Η Αγγλία, που πρόσφατα ήταν φωτεινή, πολύχρωμη και γεμάτη ζωή, έγινε ευσεβής, ευσεβής και ντύθηκε με σκουρόχρωμες στολές. Απλώς δεν υπήρχε θέση για το θέατρο σε μια τέτοια ζωή. Όλα τα θέατρα έκλεισαν και λίγο αργότερα κάηκαν.
Το 1688-1689 έγινε στην Αγγλία η λεγόμενη Ένδοξη Επανάσταση. Μετά από αυτό, έγινε μια μετάβαση στην ανάπτυξη του θεάτρου από την Αναγέννηση στον Διαφωτισμό. Οι Στιούαρτ, επιστρέφοντας στην εξουσία, αποκατέστησαν το θέατρο, το οποίο είχε σημαντικές διαφορές από το θέατρο της προηγούμενης εποχής.
Η περίοδος της αποκατάστασης παρέμεινε στην ιστορία της Αγγλίας ως εποχή υποτίμησης όλων των ηθικών και ηθικών αξιών. Οι αριστοκράτες, έχοντας καταλάβει την εξουσία και ό,τι συνδέεται με αυτήν, επιδόθηκαν σε πλήρες γλέντι. Είναι απολύτως φυσικό ότι το θέατρο αντικατόπτριζε τη νέα κατάσταση των ηθών. Στους ήρωες των έργων που παίζονταν στη σκηνή δεν επιτρεπόταν ένα πράγμα: να είναι τουλάχιστον κατά κάποιο τρόπο όμοιοι με τους μισητούς πουριτανούς.
Καθώς το καθεστώς της αποκατάστασης παρήκμαζε, η θέση των θεατρικών συγγραφέων άρχισε να αλλάζει δραματικά. Στοιχεία αστικής δραματουργίας και σατιρικές απεικονίσεις των συγχρόνων τους άρχισαν να εμφανίζονται στα έργα τους. Η πηγή του κόμικ ήταν εκείνες οι αποκλίσεις από την ανθρώπινη νόρμα που υπήρχε στην κοινωνία.
Ο ιδρυτής της εκπαιδευτικής κωμωδίας ήταν ο William Congreve. Έγινε διάσημος αφού έγραψε την πρώτη του κωμωδία, «The Old Bachelor» (1692).
Ρύζι. 45. Τζορτζ Φάρκερ
Ακόμη πιο κοντά στον Διαφωτισμό ήταν ο George Farquer (1678-1707) ( ρύζι. 45). Ξεκίνησε τη δουλειά του γράφοντας θεατρικά έργα σύμφωνα με την κωμωδία της Αποκατάστασης. Στη συνέχεια όμως υπήρξε μια στροφή στο έργο του προς την πολιτική και κοινωνική σάτιρα.
Η κωμωδία του Farquer The Recruiting Officer (1706) επέκρινε τις μεθόδους στρατολόγησης στρατιωτών για τον αγγλικό στρατό. Η κωμωδία «Το πονηρό σχέδιο των φοπών» (1707) ήταν το αποτέλεσμα ολόκληρης της εξέλιξης της κωμωδίας των ηθών του 17ου αιώνα. Ο θεατρικός συγγραφέας ζωγράφισε τόσο ενδιαφέρουσες και αληθινές εικόνες επαρχιακών ηθών που η κωμωδία του ήταν η πηγή του ρεαλισμού τον 18ο αιώνα και τα ονόματα πολλών χαρακτήρων έγιναν γνωστά ονόματα.
Στις αρχές της δεκαετίας του 1730, είχε εμφανιστεί ένα είδος που ονομαζόταν αστικό δράμα. Η εμφάνισή του αποδείχθηκε ισχυρό πλήγμα στην ταξική αισθητική των ειδών. Οι απλοί άνθρωποι άρχισαν να κατακτούν τη σκηνή του θεάτρου. Λίγο αργότερα έγινε ο μοναδικός ιδιοκτήτης του. Στην καθιέρωση της αστικής τραγωδίας στη σκηνή βοήθησε η εκπληκτική επιτυχία του έργου του Τζορτζ Λίλο (1693-1739) «Ο έμπορος του Λονδίνου, ή η ιστορία του Τζορτζ Μπάρνγουελ» (1731). Το αντικείμενο προς μίμηση ήταν ένα άλλο θεατρικό έργο του Lillo - η τραγωδία σε στίχο «Fatal Curiosity» (1736). Κατά καιρούς ήταν κοντά στο να δείξει το έγκλημα στα έργα του ως κανόνα της αστικής κοινωνίας. Όμως η τάση εξιδανίκευσης υπερβαίνει την κριτική τάση. Τα ατελείωτα κηρύγματα του υποδειγματικού ενάρετου εμπόρου Thorogood στο The Merchant of London και η έκκληση να σηκώσει κανείς τον σταυρό του χωρίς παράπονο, με το οποίο τελειώνει το Fatal Curiosity, δίνουν στα έργα του Lillo έναν μάλλον ιεροπρεπή τόνο. Ο θεατρικός συγγραφέας, φυσικά, πλησίασε το «ανθρωπάκι», αλλά μόνο για να τον προειδοποιήσει κακές σκέψειςκαι δράσεις.
Περισσότερα από είκοσι χρόνια μετά τη συγγραφή του «The Merchant of London», μια άλλη διάσημη αστική τραγωδία δημιουργήθηκε στην Αγγλία, ο «The Gambler» (1753). Συγγραφέας του ήταν ο Έντουαρντ Μουρ (1712-1757). Αυτό το έργο είχε πολλά δραματικά πλεονεκτήματα, αλλά απλώς διακρινόταν από την εκπληκτική στενότητα του κοινωνικού του ορίζοντα. Ο συγγραφέας έθεσε στον εαυτό του τον μοναδικό στόχο - να απομακρύνει τους συγχρόνους του από το καταστροφικό πάθος για τα παιχνίδια με χαρτιά. Ακολουθω κοινωνική κριτικήεπί σκηνής συνδέεται στο πρώτο μισό του 18ου αιώνα με ονόματα άλλων θεατρικών συγγραφέων.
Το πιο ριζοσπαστικό κομμάτι Άγγλοι συγγραφείςείδε στις ανθρώπινες κακίες όχι μόνο την κληρονομιά του παρελθόντος, αλλά και το αποτέλεσμα μιας νέας τάξης πραγμάτων. Ο αναγνωρισμένος ηγέτης αυτής της τάσης ήταν ο μεγάλος Άγγλος σατιρικός Jonathan Swift και οι πιο πιστοί οπαδοί του στο θέατρο ήταν ο John Gay (1685-1732). (Εικ. 46)και Henry Fielding (1707-1754).
Ρύζι. 46. Τζον Γκέι
Τον 18ο αιώνα, τα μικρά είδη άρχισαν να ανθίζουν στο αγγλικό θέατρο. Η παντομίμα, η όπερα μπαλάντα και η πρόβα είναι εξαιρετικά δημοφιλή. Τα δύο τελευταία είδη εξέφρασαν την πιο κριτική στάση απέναντι στις υπάρχουσες παραγγελίες.
Η ακμή της όπερας της μπαλάντας, και μάλιστα το κριτικό κίνημα που σχετίζεται με δευτερεύοντα είδη, ξεκίνησε με την παραγωγή της Όπερας του ζητιάνου του Τζον Γκέι το 1728. Η παράσταση ήταν μια εκπληκτική επιτυχία. Οι στίχοι των τραγουδιών από το έργο κρεμάστηκαν στις βιτρίνες, γράφτηκαν σε θαυμαστές και τραγουδήθηκαν στους δρόμους. Είναι γνωστή η περίπτωση που δύο ηθοποιοί πάλεψαν για το δικαίωμα να παίξουν τον ρόλο της Polly Peachum. Στην είσοδο του θεάτρου, για περισσότερο από δύο συνεχόμενους μήνες, επικρατούσε καθημερινά πραγματικό πανδαιμόνιο.
Ο Χένρι Φίλντινγκ ήταν επίσης πολύ διάσημος θεατρικός συγγραφέας τη δεκαετία του 1730. Έγραψε 25 θεατρικά έργα. Ανάμεσά τους είναι έργα όπως «Ο δικαστής στην παγίδα» (1730), «Η Όπερα της οδού Grub, ή η γυναίκα κάτω από το παπούτσι» (1731), «Ο Δον Κιχώτης στην Αγγλία» (1734), «Πασκουίν» (1736) και «Ιστορικό ημερολόγιο για το 1736» (1737).
Από τη δεκαετία του 1760, οι κρίσιμες τάσεις έχουν διεισδύσει όλο και περισσότερο στον τομέα της λεγόμενης σωστής κωμωδίας. Για πρώτη φορά μετά το Congreve και το Farquer, μια πλήρης ρεαλιστική κωμωδία τρόπων αναδημιουργείται. Έκτοτε, η συναισθηματική κωμωδία αντιπαραβάλλεται με την εύθυμη κωμωδία.
Αυτός ο όρος επινοήθηκε από τον Oliver Goldsmith (1728-1774). Είναι συγγραφέας της πραγματείας «Ένα δοκίμιο για το θέατρο, ή σύγκριση εύθυμης και συναισθηματικής κωμωδίας» (1772) και δύο κωμωδιών: «Ο καλός» (1768) και «Η νύχτα των σφαλμάτων» (1773).
Ρύζι. 47. Richard Brinsley Sheridan
Η σχολή της εύθυμης κωμωδίας προκαθόρισε την άφιξη του μεγαλύτερου Άγγλου θεατρικού συγγραφέα του 18ου αιώνα - Richard Brinsley Sheridan (1751-1816) ( ρύζι. 47). Σε ηλικία 24 ετών σκηνοθέτησε την πρώτη του κωμωδία, The Rivals (1775). Ακολούθησαν πολλά ακόμη έργα, μεταξύ των οποίων το «Duenna» (1775). Το 1777, ο Sheridan δημιούργησε το διάσημο έργο του, The School for Scandal. Δύο χρόνια αργότερα, κυκλοφόρησε η τελευταία του κωμωδία, The Critic. Όλη η δουλειά του Σέρινταν ως κωμικός χωρούσε σε λιγότερο από 5 χρόνια. Μόλις 20 χρόνια αργότερα επέστρεψε στο δράμα και έγραψε την τραγωδία «Pizarro» (1799). Από την περίοδο της αποκατάστασης, οι αγγλικές τέχνες του θεάματος έλκονται προς τον κλασικισμό. Το πρώτο, αλλά πολύ αποφασιστικό βήμα προς τον ρεαλισμό έγινε από τον Charles Maclean (1699-1797). Ήταν ηθοποιός κωμικών χαρακτήρων. Το 1741, έλαβε το ρόλο του Σάιλοκ (εκείνη την εποχή ο ρόλος αυτός θεωρούνταν κωμικός). Αλλά ο Maclean έπαιξε αυτόν τον ρόλο ως τραγικό. Αυτό έγινε μια τεράστια αισθητική ανακάλυψη, η οποία ξεπέρασε κατά πολύ την ερμηνεία ενός μόνο ρόλου. Ο MacLean συνειδητοποίησε ότι είχε έρθει η ώρα του ρεαλισμού και προέβλεψε πολλά από τα χαρακτηριστικά του.
Στον τομέα των παραστατικών τεχνών, μεγάλη σημασία είχαν οι δραστηριότητες του David Garrick (1717-1779). Ο Garrick ήταν μαθητής του Maclean, αλλά ένας πραγματικά λαμπρός μαθητής. Ο Ντέιβιντ ήταν γιος ενός αξιωματικού, Γάλλου στην εθνικότητα, και μιας Ιρλανδής. Η οικογένειά του αγαπούσε το θέατρο, αλλά ο γιος τους προετοιμαζόταν για μια διαφορετική καριέρα - την καριέρα του δικηγόρου. Ωστόσο, ο Garrick αποδείχθηκε ότι ήταν ένας απρόσεκτος μαθητής. Την άνοιξη του 1741, χάρη σε ένα ευτυχές ατύχημα, κατέληξε στη σκηνή του θεάτρου Goodman's Fields. Μετά από αυτό, συμμετείχε σε περιοδείες με αυτόν τον θίασο, κατά τις οποίες χρησιμοποίησε τις συμβουλές του Maclean και ήδη τον Οκτώβριο έπαιξε έξοχα τον ρόλο του Richard III, που τον έκανε διάσημο ( ρύζι. 48).
Ρύζι. 48. David Garrick ως Richard III
Το 1747, ο Garrick αγόρασε το Drury Lane Theatre, του οποίου ήταν επικεφαλής για σχεδόν 30 χρόνια. Όλα αυτά τα χρόνια ήταν κεντρικό πρόσωπο στο θεατρικό Λονδίνο. Στο θέατρό του συγκέντρωσε τους καλύτερους ηθοποιούς της αγγλικής πρωτεύουσας. Παρά το γεγονός ότι όλοι οι ηθοποιοί προέρχονταν από διαφορετικά θέατρα, ο Garrick κατάφερε να δημιουργήσει έναν μόνο θίασο. Έδινε μεγάλη σημασία στις πρόβες, κατά τις οποίες εξάλειψε επιμελώς τη διακήρυξη, πέτυχε φυσικότητα στην υποκριτική των ηθοποιών και τελείωσε προσεκτικά τον ρόλο. Οι χαρακτήρες που δημιουργήθηκαν έπρεπε να είναι όσο το δυνατόν πιο ευέλικτοι. Οι πρόβες του Garrick ήταν πολλές ώρες και μερικές φορές επώδυνες για τους ηθοποιούς, αλλά τα αποτελέσματα ήταν απλά υπέροχα.
Η πολυσχιδής υποκριτική και σκηνοθετική δουλειά του Garrick, που βυθίστηκε στα πεδία της τραγωδίας και της κωμωδίας, είχε μεγάλη σημασία. Παρέμεινε στην ιστορία του αγγλικού θεάτρου ως ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος του.
Από το βιβλίο Λαϊκή Ιστορία του Θεάτρου συγγραφέας Galperina Galina AnatolevnaΑγγλικό Θέατρο Το Αγγλικό Αναγεννησιακό Θέατρο γεννήθηκε και αναπτύχθηκε στην πλατεία της αγοράς, που καθόρισε την εθνική βρετανική του γεύση και τη δημοκρατία. Τα πιο δημοφιλή είδη στις δημόσιες σκηνές ήταν τα ηθικά έργα και οι φάρσες. Επί βασιλείας της Ελισάβετ
Από το βιβλίο Japan: Language and Culture συγγραφέας Αλπάτοφ Βλάντμιρ ΜιχαήλοβιτςΑγγλικό θέατρο Το αγγλικό θέατρο του 18ου αιώνα έπαιξε πολύ αξιοσημείωτο ρόλο στην ιστορία της ανάπτυξης ολόκληρου του ευρωπαϊκού θεάτρου. Όχι μόνο έγινε ο ιδρυτής της δραματουργίας του Διαφωτισμού, αλλά συνέβαλε και σε αυτήν σημαντικά. Παρόλα αυτά, τραγωδία στο αγγλικό θέατρο του Διαφωτισμού
Από το βιβλίο Κατηγορία Ευγένειας και Στυλ Επικοινωνίας συγγραφέας Λαρίνα Τατιάνα ΒικτόροβναΚεφάλαιο 6 ΑΓΓΛΙΚΟΙ ΔΑΝΕΙΣΜΟΙ ΚΑΙ Η ΑΓΓΛΙΚΗ ΓΛΩΣΣΑ ΣΤΗΝ ΙΑΠΩΝΙΑ Το κεφάλαιο εξετάζει κυρίως ζητήματα που σχετίζονται με την πολιτισμική σύγκρουση μεταξύ της Ιαπωνικής και της Αγγλικής γλώσσας. Τώρα Αμερικανός Μαζική κουλτούρακυριαρχεί ολοένα και περισσότερο στον κόσμο και η εξάπλωσή του
Από το βιβλίο The Book of the Samurai από τον Daidoji Yuzan Από το βιβλίο Tale of Prose. Προβληματισμοί και ανάλυση συγγραφέας Σκλόφσκι Βίκτορ Μπορίσοβιτς Από το βιβλίο Fates of Fashion συγγραφέας Βασίλιεφ, (κριτικός τέχνης) Αλεξάντερ Αλεξάντροβιτς Από το βιβλίο Καθημερινή ζωή των κυρίαρχων της Μόσχας στον 17ο αιώνα συγγραφέας Chernaya Lyudmila AlekseevnaΠρόλογος του μεταφραστή στα αγγλικά Ιστορικά έγγραφα που εξηγούν τις βασικές έννοιες που σχετίζονται με το bushido (η έννοια του "bushido", όπως ο "σαμουράι", εισήλθε στις δυτικές γλώσσες ως δανεική λέξη που σημαίνει "το εθνικό, ιδιαίτερα στρατιωτικό, πνεύμα της Ιαπωνίας, παραδοσιακό
Από το βιβλίο Μόσχα Διευθύνσεις του Λέοντος Τολστόι. Στην 200ή επέτειο του Πατριωτικού Πολέμου του 1812 συγγραφέαςΑγγλικό κλασικό μυθιστόρημα Σχετικά με το πώς ο Fielding χρησιμοποίησε την αναγνώριση για την επιτυχή έκβαση του μυθιστορήματός του. Πώς διαφέρει αυτή η αναγνώριση από την αναγνώριση του αρχαίου δράματος Οι άνθρωποι στον κόσμο δεν είναι ίσοι - άλλοι ήταν πλούσιοι, άλλοι ήταν φτωχοί, όλοι ήταν συνηθισμένοι σε αυτό; Υπήρχε σε
Από το βιβλίο Μόσχα υπό τους Ρομανόφ. Στην 400η επέτειο της δυναστείας των Ρομανόφ συγγραφέας Vaskin Alexander AnatolievichEnglish melange Ήρθα για πρώτη φορά στο Λονδίνο το 1983. Στη συνέχεια, εντυπωσιακοί πανκ περιπλανήθηκαν κατά μήκος του King's Road στο Τσέλσι, φθινοπωρινά φύλλα ανακατεμένα με βροχή τραγούδησαν κάτι από τον Μπρίτεν σε εμάς, διώροφα κόκκινα λεωφορεία αντηχούσαν το κόκκινο του κλασικά θαμπού τηλεφώνου
Από βιβλίο Λαϊκές παραδόσειςΚίνα συγγραφέας Martyanova Lyudmila MikhailovnaΘέατρο Το πρώτο δικαστικό θέατρο, που υπήρχε το 1672-1676, ορίστηκε από τον ίδιο τον Τσάρο Αλεξέι Μιχαήλοβιτς και τους συγχρόνους του ως ένα είδος νεότυπης «διασκέδασης» και «ψυχραιμίας» κατά την εικόνα και την ομοιότητα των θεάτρων των Ευρωπαίων μοναρχών. Το θέατρο στη βασιλική αυλή δεν εμφανίστηκε αμέσως. Ρώσοι
Το αγγλικό αναγεννησιακό θέατρο γεννήθηκε και αναπτύχθηκε στην πλατεία της αγοράς, που καθόρισε την εθνική βρετανική του γεύση και τη δημοκρατία. Τα πιο δημοφιλή είδη στις δημόσιες σκηνές ήταν τα ηθικά έργα και οι φάρσες. Κατά τη διάρκεια της βασιλείας της Elizabeth Tudor, τα μυστήρια απαγορεύτηκαν. Από τις αρχές του 16ου αιώνα, η αγγλική θεατρική τέχνη πλησίασε ένα νέο στάδιο - την αρχή της ανάπτυξης του ανθρωπιστικού δράματος, το οποίο άρχισε να διαμορφώνεται με φόντο πολιτικό αγώναβασιλική εξουσία με την Καθολική Εκκλησία.
Από τη σκηνή του θεάτρου προήλθε απροκάλυπτη οξύτατη κριτική και προπαγάνδα μιας νέας ουμανιστικής ιδεολογίας, η οποία ήταν ντυμένη με τα γνωστά ιντερμέδια και τα ηθικά έργα. Στο έργο του ουμανιστή John Rastell «Interlude on the Nature of the Four Elements» (1519), εκτός από τις παραδοσιακές φιγούρες για έργα ηθικής, υπάρχουν και οι εξής χαρακτήρες: Δίψα για γνώση, Κυρία Φύση, Εμπειρία και, αντίθετα. σε αυτούς, ο διάβολος Άγνοια και η πόρνη Διψάει για ηδονή. Ο ασυμβίβαστος αγώνας αυτών των χαρακτήρων στο έργο τελειώνει με τη νίκη του διαφωτισμού επί του σκοταδισμού και της άγνοιας.
Ο Τζον Μπέιλ ήταν εξέχουσα προσωπικότητα της Αγγλικής Μεταρρύθμισης και διάσημος συγγραφέας, συγγραφέας του θεατρικού έργου King John. Προσθέτοντας κοινωνικά θέματα στο έργο ηθικής, έθεσε τα θεμέλια για τη δραματουργία στο είδος του ιστορικού χρονικού.
Το νέο θέατρο γεννήθηκε από τη μεσαιωνική φάρσα. Ο ποιητής της αυλής, μουσικός και διοργανωτής πολύχρωμων θεαμάτων John Gaywood ανέπτυξε τη φάρσα γράφοντας σατιρικά ιντερμέδια. Σε αυτά χλεύαζε την απάτη των μοναχών και των τερατοπωλών, τις ραδιουργίες των άπληστων για το κέρδος κληρικών και τα πονηρά τεχνάσματα των ιερέων που κάλυπταν τις αμαρτίες τους με επιδεικτική ευλάβεια. Εκτός από τον κεντρικό χαρακτήρα - τον απατεώνα - και αρνητικών χαρακτήρων– κλήρος – απλοϊκοί και καλοσυνάτοι κοινοί συμμετείχαν σε σύντομες καθημερινές σκηνές. Τα σατιρικά ιντερμέδια των αρχών του 16ου αιώνα έγιναν ο σύνδεσμος μεταξύ του μεσαιωνικού φαρσικού θεάτρου και του αναδυόμενου δραματικού θεάτρου.
Η εισαγωγή του αγγλικού λαού στην ιταλική κουλτούρα και τέχνη συνέβαλε στην ενεργό αντίληψη και εκλαΐκευση αρχαίο πολιτισμόκαι επιτεύγματα του αρχαίου πολιτισμού. Η εντατική μελέτη της λατινικής γλώσσας και των έργων του Σενέκα και του Πλαύτου οδήγησε σε μεταφράσεις αρχαίων τραγωδιών και κωμωδιών στα αγγλικά. Οι παραστάσεις που βασίστηκαν σε αυτές τις μεταφράσεις έγιναν πολύ δημοφιλείς στο αριστοκρατικό και πανεπιστημιακό περιβάλλον.
Ταυτόχρονα, οι αριστοκράτες και το φωτισμένο κοινό θαύμασαν τα σονέτα του Πετράρχη και τα ποιήματα του Αριόστο. Οι νουβέλες του Boccaccio και του Bandello ήταν γνωστές στην ποικιλόμορφη κοινωνία. Στη βασιλική αυλή, οι μεταμφιέσεις εισήχθησαν ως ψυχαγωγικές και ψυχαγωγικές εκδηλώσεις, στις οποίες παίζονταν σκηνές από Ιταλούς ποιμένες.
Εμφανίστηκαν τα πρώτα δείγματα εθνικής κωμωδίας και τραγωδίας στη θεατρική σκηνή μέσα του 16ου αιώνααιώνας. Ο Nicholas Udall, ο συγγραφέας της πρώτης αγγλικής κωμωδίας, Ralph Royster Doyster (περίπου 1551), ήταν ένας μορφωμένος διοργανωτής αυλικής ψυχαγωγίας και μέσω των έργων του προσπάθησε να διδάξει στους ανθρώπους «καλούς κανόνες ζωής».
Το έργο «Horboduc» (1562) των Thomas Norton και Thomas Sequile παίχτηκε για πρώτη φορά στην αυλή της βασίλισσας Ελισάβετ και θεωρείται η πρώτη αγγλική τραγωδία. Δείχνει ξεκάθαρα τη μίμηση της ρωμαϊκής τραγωδίας: ο χωρισμός του έργου σε 5 πράξεις, το χορωδιακό τραγούδι και οι μονόλογοι των αγγελιοφόρων, τα αιματηρά εγκλήματα, αλλά η πλοκή βασίζεται σε ιστορικό γεγονόςαπό τη μεσαιωνική ιστορία. Το ηθικό δίδαγμα της τραγωδίας βρισκόταν στην αλληγορική παντομίμα και τα ιντερμέδια που παρουσίαζαν οι ηθοποιοί ανάμεσα στις πράξεις, εξηγώντας τις απροσδόκητες ανατροπές της πλοκής.
Μετά το φαρσικό μυστήριο και τις πρωτόγονες φάρσες, με βάση το αρχαίο και ιταλικό δράμα, προέκυψε ένα νέο αγγλικό δράμα, στο οποίο υπήρχε μια συνθετική βάση, η αναλογικότητα των μερών, η λογική στην ανάπτυξη της δράσης και των χαρακτήρων.
Σχεδόν όλοι η νέα γενιά θεατρικών συγγραφέων είχαν πανεπιστημιακή μόρφωση και προέρχονταν από δημοκρατικό περιβάλλον. Έχοντας ενωθεί σε μια δημιουργική ομάδα που ονομάζεται «University Minds», στα έργα τους προσπάθησαν να συνθέσουν την υψηλή ανθρωπιστική κουλτούρα των αριστοκρατών και τη λαϊκή σοφία με τη λαογραφία της.
Ο προκάτοχος του Ουίλιαμ Σαίξπηρ, ο διάσημος Άγγλος θεατρικός συγγραφέας Τζον Λάλι (περ. 1554-1606), ήταν ποιητής της αυλής. Στην πιο ενδιαφέρουσα κωμωδία του, «Alexander and Campaspe» (1584), γραμμένη βασισμένη σε μια ιστορία του Έλληνα ιστορικού Πλίνιου, έδειξε τη γενναιοδωρία του Μεγάλου Αλεξάνδρου, ο οποίος, βλέποντας την αγάπη του φίλου του, του καλλιτέχνη Απελλή, για τον αιχμάλωτος Campaspe, την παρέδωσε στον φίλο του. Έτσι, στον αγώνα μεταξύ καθήκοντος και συναισθήματος, το καθήκον κέρδισε. Η εξιδανικευμένη εικόνα του Αλέξανδρου στο έργο έρχεται σε αντίθεση με τη σκεπτικιστική φιγούρα του φιλοσόφου Διογένη, του οποίου η λαϊκή σοφία και η κοινή λογική θριαμβεύουν πάνω από την αυτοπεποίθηση και την αλαζονεία του μονάρχη και της συνοδείας του.
Ο Τζον Λίλι έβαλε τις βάσεις για τη λεγόμενη ρομαντική κωμωδία. Εισήγαγε το λυρικό στοιχείο στη δραματική δράση, δίνοντας στον πεζό λόγο μια φωτεινή ποιητική γεύση. Έδειξε τον δρόμο για τη μελλοντική συγχώνευση δύο ειδών κωμωδίας - της ρομαντικής και της φαρσικής.
Ο πραγματικός ιδρυτής του αγγλικού δράματος της Αναγέννησης ήταν ο Κρίστοφερ Μάρλοου (1564-1593), διάσημος θεατρικός συγγραφέας, συγγραφέας έργων φιλοσοφικού και αθεϊστικού περιεχομένου. Γιος υποδηματοποιού, που με την επιμονή του πέτυχε τον ακαδημαϊκό τίτλο Master of Science, τον διέκρινε θάρρος και ελεύθερη σκέψη. Ο Κ. Μάρλοου προτίμησε τη δουλειά ενός ηθοποιού σε θεατρικό θίασο από την καριέρα ενός ιερέα που άνοιξε μπροστά του μετά την αποφοίτησή του από το Πανεπιστήμιο του Κέιμπριτζ. Το πρώτο του δραματικό έργο, ο Μέγας Ταμερλάνος, ήταν γεμάτο αθεϊστικές ιδέες. Αυτό το μνημειώδες έργο σε δύο μέρη γράφτηκε σε διάστημα δύο ετών (Μέρος Α' το 1587 και Μέρος ΙΙ το 1588). Ο «Ταμερλάνος ο Μέγας» είναι μια δραματοποιημένη βιογραφία του διάσημου ανατολικού κατακτητή του τέλους του 14ου αιώνα, του Τιμούρ. Ο Μάρλοου έδωσε στον ήρωά του τη δύναμη και την εμφάνιση ενός θρυλικού ήρωα. Και, αυτό που είναι ιδιαίτερα σημαντικό, έκανε έναν ευγενή φεουδάρχη, όπως ήταν στην πραγματικότητα ο Τιμούρ, έναν «χαμηλό βοσκό» που μόνο με τη δύναμη της θέλησης, της ενέργειας και της ευφυΐας του υψώθηκε πάνω από τους νόμιμους ηγεμόνες.
Θεατρικό έργο του Κ. Μάρλοου «The Tragic History of Doctor Faustus» (1588) ( ρύζι. 22) αποκαλύπτει την άλλη πλευρά ΑΝΘΡΩΠΙΝΗ ζωη. Η απόρριψη των ασκητικών αρχών και η άνευ όρων υποταγή στην ανώτερη δύναμη για χάρη της δίψας για γνώση και χαρά της ζωής είναι ντυμένη με την εικόνα του άθεου γιατρού Φάουστου. Το δράμα της απελευθερωμένης συνείδησης και της μοναξιάς του γιατρού Φάουστους τον οδηγεί στη μετάνοια, ενώ απελευθερώνει τεράστια ενέργεια στον αγώνα για την ελευθερία της σκέψης.
Η τελευταία τραγωδία του C. Marlowe, «Edward II», γραμμένη σε υλικό ιστορικών χρονικών, έγινε η βάση του αγγλικού δράματος, το οποίο ο W. Shakespeare ανέπτυξε με επιτυχία στα έργα του.
Ο βασιλιάς και η ακολουθία του πίστευαν ότι ο C. Marlowe και τα έργα του αποτελούσαν σοβαρή απειλή για την εξουσία. Ως προς αυτό, δόθηκε εντολή να εξαλειφθεί σωματικά ο θεατρικός συγγραφέας. Στις 30 Μαΐου 1593, ο Μάρλοου δολοφονήθηκε από έναν πράκτορα του μυστικού συμβουλίου του βασιλιά.
Ρύζι. 22. Χαρακτικό από την έκδοση του “The Tragic History of Doctor Faustus”, 1636
Ταυτόχρονα με τα έργα του C. Marlowe, στη σκηνή ανέβηκαν έργα άλλων θεατρικών συγγραφέων από την ομάδα "University Minds": Thomas Kyd - "The Spanish Tragedy" (1587) και Robert Greene - "Monk Bacon and Friar Bongay", " James IV» και «George Greene», φύλακας πεδίου του Γουέικφιλντ» (1592).
Η δημιουργική κοινότητα των θεατρικών συγγραφέων της ομάδας «University Minds» προηγήθηκε ενός νέου σταδίου στην ανάπτυξη του εθνικού δράματος – την εμφάνιση της αναγεννησιακής τραγωδίας και κωμωδίας. Σταδιακά, αναδύθηκε η εικόνα ενός νέου ήρωα - τολμηρού και θαρραλέου, αφοσιωμένου στο ουμανιστικό ιδεώδες.
Στα τέλη του 16ου αιώνα, το αγγλικό λαϊκό θέατρο προσέλκυσε τεράστια πλήθη στις παραστάσεις του, απορροφώντας όλες τις επαναστατικές ιδέες και μιμούμενοι τους γενναίους ήρωες που υπερασπίστηκαν την ανθρώπινη αξιοπρέπειά τους στον αγώνα. Ο αριθμός των θεατρικών θιάσων αυξανόταν σταθερά από τις αυλές των ξενοδοχείων και τις πλατείες των πόλεων σε θέατρα που κατασκευάστηκαν ειδικά για το σκοπό αυτό.
Το 1576, χτίστηκε το πρώτο θέατρο στο Λονδίνο από τον James Burbage, το οποίο ονομάστηκε «Θέατρο». Ακολούθησε η κατασκευή πολλών θεατρικών κτιρίων: Curtain, Blackfriars, Rose και Swan ( ρύζι. 23). Παρά το γεγονός ότι το δημοτικό συμβούλιο των κοινών με διαταγή του απαγόρευσε τη σκηνοθεσία θεατρικών παραστάσεων στο ίδιο το Λονδίνο το 1576, τα θέατρα βρίσκονταν στη νότια όχθη του Τάμεση, σε μια περιοχή που ήταν πέρα από τις αρμοδιότητες του συμβουλίου των κοινών.
Ρύζι. 23. Θέατρο "Κύκνος"Τα μεγάλα ξύλινα κτίρια του δημόσιου θεάτρου είχαν διάφορα σχήματα: στρογγυλά, τετράγωνα ή οκταγωνικά. Το κτίριο δεν είχε στέγη, μόνο ένα μικρό κουβούκλιο πάνω από τη σκηνή. Αυτά τα θέατρα μπορούσαν να φιλοξενήσουν έως και 2.000 θεατές. Το μεγαλύτερο μέρος του κοινού, αποτελούμενο από απλούς ανθρώπους, παρακολούθησε την παράσταση όρθιος. Πλούσιοι κάτοικοι της πόλης έπαιρναν θέσεις στις στοές, οι οποίες βρίσκονταν σε τρεις βαθμίδες μέσα στους στρογγυλούς τοίχους του θεάτρου.
Το 1599 χτίστηκε το Globe Theatre, όπου εργάστηκε ο W. Shakespeare. Το κτίριο είχε οκταγωνικό σχήμα, η σκηνή ήταν τραπεζοειδής, η βάση του προεξείχε στο αμφιθέατρο. Ο λειτουργικός χώρος χωρίστηκε σε τρία μέρη: το μπροστινό μέρος της σκηνής - προσκήνιο. Το πίσω μέρος, το οποίο χωριζόταν από δύο κολώνες που στηρίζουν ένα αχυρένιο θόλο. το πάνω είναι ένα μπαλκόνι πάνω από την πίσω σκηνή. Αυτή η πολύπλοκη κατασκευή ολοκληρώθηκε από έναν μικρό πύργο, στον οποίο αναρτήθηκε μια σημαία κατά τη διάρκεια της παράστασης. Η σκηνή ήταν συνήθως διακοσμημένη με χαλιά και ψάθες και η κουρτίνα, ανάλογα με το είδος (κωμωδία ή τραγωδία), μπορούσε να είναι μπλε ή μαύρη. Το κτίριο του πρώτου θεάτρου Globe καταστράφηκε από πυρκαγιά το 1613. Μετά την αποκατάσταση υπήρχε μέχρι το 1645 ( ρύζι. 24).
Ρύζι. 24. Θέατρο GlobusΗ πλειοψηφία των ηθοποιών στα θέατρα του Λονδίνου, χωρίς να υπολογίζουμε τους διάσημους που απολάμβαναν την προστασία των ευγενών, ήταν άνθρωποι χαμηλού εισοδήματος και ανίσχυροι. Το βασιλικό διάταγμα εξίσωσε τους καλλιτέχνες με τους άστεγους αλήτες και προέβλεπε τιμωρία για τους θιάσους που δεν είχαν πλούσιους θαμώνες. Παρά τη σκληρή στάση απέναντι στα θέατρα από τις αρχές, η δημοτικότητά τους αυξανόταν χρόνο με το χρόνο και ο αριθμός τους αυξανόταν.
Η μορφή οργάνωσης των θεατρικών θιάσων εκείνη την εποχή ήταν δύο ειδών: μια αμοιβαία σύμπραξη ηθοποιών με την αυτοδιοίκηση και μια ιδιωτική επιχείρηση με επικεφαλής έναν επιχειρηματία που είχε τα σκηνικά και αγόραζε τα δικαιώματα της παράστασης από τους θεατρικούς συγγραφείς. Ένας ιδιώτης επιχειρηματίας θα μπορούσε να προσλάβει οποιονδήποτε θίασο, βάζοντας τους ηθοποιούς σε δέσμια των ιδιοτροπιών του.
Ρύζι. 25. Ουίλιαμ Σαίξπηρ
Ρύζι. 26. Ρίτσαρντ ΜπέρμπατζΟ θίασος, με επικεφαλής τον W. Shakespeare ( ρύζι. 25) και ο φίλος του, διάσημος ηθοποιός Richard Burbage ( ρύζι. 26), ονομαζόταν «The Lord Chamberlain's Men». Τα έσοδα του θιάσου μοιράζονταν μεταξύ του θεατρικού συγγραφέα και των πρωταγωνιστών του θεάτρου ανάλογα με τις μετοχές τους.
Η ποσοτική σύνθεση του θιάσου δεν ξεπερνούσε τα 10-14 άτομα, που έπρεπε να ερμηνεύσουν αρκετούς ρόλους στο ρεπερτόριο του θεάτρου. Τους γυναικείους ρόλους έπαιξαν όμορφοι νέοι, πετυχαίνοντας αυθεντικές ερμηνείες μέσα από την πλαστικότητα των κινήσεών τους και τον λυρισμό της φωνής τους. Ο γενικός τρόπος υποκριτικής των ηθοποιών βίωνε ένα στάδιο μετάβασης από ένα επικό ύφος και ένα υπέροχο πάθος σε μια συγκρατημένη μορφή εσωτερικού δράματος. Οι κορυφαίοι ηθοποιοί του τραγικού είδους στην εποχή του Ουίλιαμ Σαίξπηρ ήταν οι Ρίτσαρντ Μπάρμπατζ και Έντουαρντ Άλεϊν ( ρύζι. 27).
Ρύζι. 27. Έντουαρντ ΆλευνΟ W. Shakespeare εμπιστεύτηκε τον Richard Burbage, τον στενό φίλο και βοηθό του, τους βασικούς ρόλους στις τραγωδίες του. Ο Burbage, με άριστο χειρισμό της φωνής του, όχι μόνο ερμήνευσε επιδέξια τους μονολόγους του, αλλά και ενίσχυσε συναισθηματικός χρωματισμόςρόλους με βλέμματα και χειρονομίες. Στο είδος της κωμωδίας, οι ηθοποιοί Robert Armin και William Kemp ( ρύζι. 28) και Richard Tarleton. Ο πιο χαρακτηριστικός κωμικός ήταν ο Ρόμπερτ Άρμιν, ο οποίος έπαιξε τον πλήρη ρόλο του γελωτοποιού στα έργα του Σαίξπηρ όπως σας αρέσει και ο Βασιλιάς Ληρ. φιλοσοφικό νόημακαι δραματικό περιεχόμενο.
Ρύζι. 28. Ουίλιαμ ΚεμπΩς θεατρικός συγγραφέας και σκηνοθέτης, ο W. Shakespeare συνέθεσε στο έργο του όλα τα επιτεύγματα της θεατρικής τέχνης που δημιουργήθηκαν πριν από αυτόν, και έφερε αυτή την τέχνη στην τελειότητα. Καθόρισε την κύρια κατεύθυνση του, που ήταν να επιτύχει μια κατοπτρική εικόνα της ουσίας της ανθρώπινης φύσης, σε όποιες μορφές κι αν εμφανιστεί.
Οι παραστατικές τέχνες αυτής της περιόδου χαρακτηρίζονται από σημαντική συναισθηματική ένταση υποκριτικής. Ο τόνος του έργου δεν δόθηκε από τη δυνατή απαγγελία και τις ενεργητικές χειρονομίες, αλλά από την πλούσια φαντασία και την ικανότητα του ηθοποιού να μεταφέρει την κατάσταση που βίωνε. Οι συμβουλές προς τους ηθοποιούς, που ο W. Shakespeare εξέφρασε με το στόμα του Άμλετ στην τραγωδία του, είναι αιώνιος οδηγός για όλες τις γενιές καλλιτεχνών, όσο η ρεαλιστική θεατρική τέχνη παραμένει ζωντανή. Το δραματικό θέατρο έφτασε στο απόγειο της ανάπτυξής του στο έργο του μεγάλου Άγγλου θεατρικού συγγραφέα. Ευρωπαϊκή Αναγέννηση. Το έργο του Σαίξπηρ διεύρυνε τα συνηθισμένα όρια και έδειξε στις επόμενες γενιές ηθοποιών τους τρόπους ανάπτυξης και βελτίωσης της δραματικής τέχνης προς την αποκάλυψη του πνευματικού κόσμου του ανθρώπου.
Στα μέσα του 17ου αιώνα, μια μακρά αστική-πουριτανική επανάσταση έληξε στην Αγγλία, η οποία οδήγησε στην εγκαθίδρυση του πουριτανισμού στην κοινωνία. Ένα από τα πουριτανικά δόγματα, που υποστήριζαν ότι ένα άτομο δεν πρέπει να υποτάσσεται μοιρολατρικά στη μοίρα του, έγινε το ιδεολογικό του λάβαρο. Στη χώρα εκείνη την εποχή, σύμφωνα με τους σύγχρονους, βασίλευε η ασέβεια και η ηθική φθορά. Η φιλία, η συνείδηση και το δημόσιο καθήκον έχουν χάσει τελείως το νόημά τους. Στα τέλη του 17ου και στις αρχές του 18ου αιώνα, ο ελευθεριασμός, ή η ελεύθερη σκέψη, έγινε η κορυφαία τάση στην αγγλική φιλοσοφία, η οποία επηρέασε σε μεγάλο βαθμό το δράμα και το θέατρο. Αργότερα, αυτή η κατεύθυνση πήρε μια συγκεκριμένη μορφή και έγινε γνωστή ως εξυπνάδα. Μετά την αποκατάσταση της μοναρχίας των Στιούαρτ στην Αγγλία, η εξυπνάδα ήταν πολύ σεβαστή στην αριστοκρατική κοινότητα. Σταδιακά, σύμφωνα με το γεγονός ότι διαμορφωνόταν μια νέα αστική ιδεολογία, άλλαξε και η στάση απέναντι στην εξυπνάδα, γινόταν όλο και πιο επικριτική. Αυτό δεν θα μπορούσε να μην επηρεάσει την τέχνη. Από την άποψη των οπαδών του πνεύματος, η ζωή είναι μια περίπλοκη τέχνη που απαιτεί προσοχή και διορατικότητα από ένα άτομο. Τα ψέματα πρέπει να συνδυάζονται επιδέξια με την αλήθεια και η ειλικρίνεια και η ευθύτητα πρέπει να συνδυαστούν με την πονηριά και την εξαπάτηση. Ο εκκλησιαστικός γάμος θεωρούνταν δεσμός, που μαρτυρούσε τη σκλαβιά του άνδρα.
Οι ανήθικες αρχές προκάλεσαν δίκαιη αγανάκτηση από την πλευρά των αξιοσέβαστων αστών, καθώς και των συγγραφέων και των φιλοσόφων. Καθώς ενισχύθηκε η δύναμη της αστικής τάξης και αυξανόταν η επιρροή της, άρχισε να επιτίθεται ενεργά στους «πνευματώδεις» λαούς. Αυτό εκφράστηκε πρωτίστως στον αγώνα της με το αγγλικό θέατρο.
Πριν την αποκατάσταση της μοναρχίας στην Αγγλία, επί βασιλείας του Κρόμγουελ, το θέατρο απαγορεύτηκε με ειδικό κοινοβουλευτικό διάταγμα. Η πουριτανική κυβέρνηση θεωρούσε το θέατρο πρόσφορο έδαφος για ανηθικότητα, αμαρτωλότητα και κακία. Τα δημοτικά συμβούλια απήγγειλαν πολυάριθμες κατηγορίες εναντίον θεατρικών εταιρειών, μερικές φορές άσχετες ούτε με τους ηθοποιούς ούτε με τα έργα. Η φήμη των θεάτρων ήταν τόσο χαμηλή που οι κάτοικοι της πόλης σταμάτησαν να τα επισκέπτονται. Για να αποφύγουν την πείνα, οι ηθοποιοί αναγκάστηκαν να εγκαταλείψουν πόλεις για απομακρυσμένες επαρχίες όπου μπορούσαν να κερδίσουν κάτι. Οι θεατρικοί θίασοι και τα σχολεία διαλύθηκαν, οι δάσκαλοι ρητορικής και παραστατικών τεχνών, μουσικής και χορού εγκατέλειψαν την πόλη. Οι επαρχιακές αρχές ήταν πιστές στις ερασιτεχνικές παραστάσεις που φιλοξενούσαν ιδιοκτήτες κάστρων. Και στις πόλεις το θέατρο αναβίωσε σε μουσικές και δραματικές παραστάσεις (μασκαράδες).
Μετά την αποκατάσταση της μοναρχίας των Στιούαρτ στην Αγγλία, ξεκίνησε μια ευνοϊκή περίοδος για την αναβίωση του θεάτρου. Το κοινό των θεάτρων της πόλης αποτελούνταν αποκλειστικά από την αριστοκρατία και την αρχοντιά της πόλης. Η δραματική τέχνη εξέφραζε το αντιπουριτανικό και αντιαστικό πνεύμα, που διέρρευσε μετά από πολλά χρόνια διώξεων και καταναγκαστικής σιωπής. Σε πολυάριθμες σατιρικές κωμωδίεςο ρόλος ενός ανόητου απλοϊκού ή ενός κακομαθημένου συζύγου ανατέθηκε πάντα στον δύσμοιρο αστό.
Το θέατρο της εποχής της Αποκατάστασης αναστηλώθηκε για μεγάλο χρονικό διάστημα και οι αλλαγές που συνέβησαν σε αυτό κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ήταν σημαντικές. Στην Αγγλία δημιουργήθηκε θεατρικό μονοπώλιο. Εκδόθηκε βασιλική πατέντα για το δικαίωμα οργάνωσης θεατρικού θιάσου και δημιουργίας θεάτρου. Και ο Λόρδος Τσάμπερλεν ήταν υπεύθυνος για τη λογοκρισία, η οποία επεκτάθηκε και στις δραστηριότητες του θεατρικού θιάσου. Ο αριθμός των εταιρειών ηθοποιών και των θεατρικών χώρων στο Λονδίνο ελεγχόταν και ρυθμιζόταν από την αγγλική κυβέρνηση. Ιδιαίτερη προσοχή δόθηκε στο ρεπερτόριο του θεάτρου.
Κατά την περίοδο της αποκατάστασης στην Αγγλία, χτίστηκε ένα ειδικό κτίριο για να επιδείξει παραστάσεις και να στεγάσει θεατρικούς θιάσους και σκηνικά. Ήταν ένα ορθογώνιο κλειστό δωμάτιο σημαντικού μεγέθους, στο οποίο οι θεατές βρίσκονταν σε πιο άνετες συνθήκες σε σύγκριση με την περίοδο πριν από την αποκατάσταση. Το θέατρο είχε πλέον παρασκήνια και ένα προσκήνιο που εκτεινόταν στους πάγκους και περιβαλλόταν από μια διπλή σειρά κουτιών. Στην αρχή, σε τέτοια θέατρα, ιδιαίτερα ευγενείς θεατές κάθονταν σε καρέκλες ακριβώς στη σκηνή, σε κοντινή απόσταση από τους ηθοποιούς. Αυτό δημιούργησε κάποια ταλαιπωρία στους ερμηνευτές.
Ρύζι. 29. Nell GuinΓια να ανεβάσουν παραστάσεις, κατασκευάστηκαν ειδικά σκηνικά, καθώς και διάφορες συσκευές που επέτρεπαν την προσομοίωση πτήσεων και διαφόρων μεταμορφώσεων. Οι ηθοποιοί ανέβηκαν στη σκηνή σε γυναικείους ρόλους για να αντικαταστήσουν τα αγόρια του θεάτρου του Σαίξπηρ. Ανάμεσα στις πιο ταλαντούχες γυναίκες ηθοποιούς της περιόδου της αποκατάστασης είναι η Nell Guinn ( ρύζι. 29), Mary Knapp, Elizabeth Barry (Εικ. 30), Έλινορ Λι και άλλες επαναστάτριες ηθοποιούς. Το εύρος της ίδιας της θεατρικής παράστασης έχει επίσης διευρυνθεί. Εκτός από το παραδοσιακό δράμα, στην παράσταση θα μπορούσαν να εισαχθούν παντομίμα ή φάρσα. Τα διαλείμματα μουσικού χορού ήταν πολύ δημοφιλή. Αργότερα στο ρεπερτόριο του θεάτρου συμπεριλήφθηκαν και όπερες μπαλάντας. Οι κλασικές τραγωδίες γνώρισαν μεγάλη επιτυχία εκείνη την περίοδο.
Ρύζι. 30. Ελίζαμπεθ ΜπάριΟι διάφορες αλλαγές στην πολιτική και κοινωνική ζωή που γνώρισε η Αγγλία κατά τη διάρκεια αυτής της εποχής αντικατοπτρίστηκαν με τη σειρά τους στο ρεπερτόριο των θεάτρων του Λονδίνου. Η αστική τάξη ήρθε με σιγουριά στην εξουσία και το κοινό του τρίτου κτήματος ήρθε στο θέατρο. Αυτό το κοινό, καταλαμβάνοντας τις περισσότερες από τις φτηνές θέσεις της αίθουσας, μπορούσε αποφασιστικά και δυνατά να εκφράσει τη γνώμη του σχετικά με την παράσταση, εγκρίνοντας ή αποδοκιμάζοντας την.
Στην κοινωνία, η οργή άρχισε να εμφανίζεται όλο και πιο συχνά σε παραστάσεις που παρουσίαζαν ελκυστικά τις ανθρώπινες κακίες και την ανηθικότητα. Το βιβλίο του αντιδραστικού ιεροκήρυκα Jeremy Collier, «A Brief Sketch of the Immorality and Impiety of the English Stage», προκάλεσε σωρεία απαντήσεων και αγανάκτησης στη θεατρική κοινότητα. Παρά το γεγονός ότι το βιβλίο δέχτηκε έντονη κριτική από τους εργαζόμενους στο θέατρο, έφερε απτά θετικά αποτελέσματα. Το ρεπερτόριο έχει αλλάξει, το οποίο περιλαμβάνει πλέον δραματικά έργα με θέματα που επιβεβαιώνουν τις αστικές αρετές: ευσέβεια, λιτότητα και ακεραιότητα.
Οι κοινωνίες των πολιτών για τη διόρθωση των ηθών παρακολουθούσαν αυστηρά το περιεχόμενο των έργων που ανέβαζαν τα θέατρα του Λονδίνου. Στις παραστάσεις παρευρέθηκαν ειδικοί πράκτορες που παρατηρούσαν την εξέλιξη της παράστασης και κατέγραφαν τυχόν επιθέσεις κατά της ηθικής. Οι λογοκριτές οδήγησαν επιχειρηματίες και ηθοποιούς σε δίκη για αυτές τις παραβιάσεις. Όχι μόνο μέρη που προκαλούσαν δυσπιστία από την πλευρά των λογοκριτών, αλλά και ολόκληρες πράξεις αποκόπηκαν ανελέητα από τα κείμενα των έργων. Κορυφαίος ηθοποιός της αγγλικής σκηνής της περιόδου της αποκατάστασης Thomas Betterton ( ρύζι. 31), ο οποίος απειλήθηκε με θάνατο για ανήθικο παιχνίδι, αναγκάστηκε να αναθεωρήσει την ερμηνεία του για πολλούς ρόλους, ώστε να αντιστοιχούν στο νέο σύστημα αξιών.
Ρύζι. 31. Thomas BettertonΣτις αρχές του 18ου αιώνα, το αγγλικό θέατρο άλλαξε, έχοντας αναθεωρήσει τις ηθικές και ηθικές του αξίες. Η μεγαλύτερη προσοχή δόθηκε όχι μόνο στις ανθρώπινες κακίες, αλλά και στις προσπάθειες κατανόησης της προέλευσης και του κοινωνικού τους υπόβαθρου. Στο θέατρο μπορούσε κανείς να γελάσει με τους κλουτς αριστοκράτες και τους αστούς αρχάριους, τους υποκριτές της αυλής και τους νεόπλουτους εμπόρους. Παρακολουθώντας τη ζωή κάποιου άλλου στη σκηνή, ο θεατής σκέφτηκε τη δική του και στη συνέχεια βρέθηκαν οι απαραίτητες απαντήσεις σε πολλά ερωτήματα της ζωής.
Το θέατρο ήταν ένα είδος σχολείου στο οποίο ο θεατής μάθαινε να αναγνωρίζει την αληθινή αρετή και κακία. Χρησιμοποιώντας τα παραδείγματα των δραματικών ηρώων, ανέπτυξε τη θέση της ζωής και τον τρόπο συμπεριφοράς του. Το θέατρο αυτής της εποχής ήταν αναπόσπαστο μέρος του εθνικού πολιτισμού της Αγγλίας. Η αντιμετώπιση ενός κοινωνικού θέματος, η έκθεση ανθρώπινων και κρατικών κακών με την παραμικρή λεπτομέρεια έχει γίνει παράδοση του αγγλικού θεάτρου που έχει επιβιώσει μέχρι σήμερα. Σε αυτή την παράδοση οι μεγάλοι Άγγλοι θεατρικοί συγγραφείς και εργάτες του θεάτρου είδαν την καταγωγή και τις γενετικές τους ρίζες.
Στην Αγγλία, κατά την περίοδο μετά την αποκατάσταση της μοναρχίας των Στιούαρτ, το θέατρο και το έργο των θεατρικών συγγραφέων αναπτύχθηκαν σε διάφορες κατευθύνσεις, η κύρια από τις οποίες ήταν ο κλασικισμός. Μόνο επισήμως μιμούμενοι αρχαία έργα, οι Άγγλοι θεατρικοί συγγραφείς χαρακτήρισαν τη δράση πιο συναισθηματικά, εμπότισαν τα έργα με καθημερινές λεπτότητες, τονίζοντας τα εθνικά χαρακτηριστικά και τις περιττές λεπτομέρειες της προέλευσης των ηρώων αυτών των έργων. Υπήρξαν επίσης προβληματισμοί για την μεταβλητότητα των στόχων, των επιθυμιών και των διαθέσεών τους.
Ρύζι. 32. Τζον ΝτράιντενΟ πιο εξέχων κλασικιστής αυτής της περιόδου μπορεί να ονομαστεί John Dryden (1631-1700) - ποιητής, θεατρικός συγγραφέας και κριτικός λογοτεχνίας ( ρύζι. 32). Έγραψε 27 θεατρικά έργα, μεταξύ των οποίων τραγωδίες, κωμωδίες και τραγικοκωμωδίες. Θεωρείται επίσης ο δημιουργός του ηρωικού δράματος. Εξέφρασε τις κριτικές του απόψεις για το δράμα κυρίως σε ποιητικούς προλόγους και επιλόγους δικών του και άλλων έργων.
Τα έργα του Ντράιντεν πλημμύριζαν από βίαια πάθη, ανέπνεαν με αγάπη για ελευθερία και υψηλές φιλοδοξίες. Συνέκρινε τη δραματουργία με την αρχαία γλυπτική. Κατά την άποψή του, η δραματουργική δημιουργικότητα, ενώ αντανακλά τη φύση, πρέπει να την ξεπερνά για να γίνει σωστά αντιληπτή από τον θεατή από σκηνική προοπτική.
Κατά την περίοδο 1664-1675 έγραψε τα καλύτερα παραδείγματα αγγλικού ηρωικού δράματος: «Η Βασίλισσα των Ινδιάνων», «Ο Αυτοκράτορας των Ινδιάνων ή η κατάκτηση του Μεξικού από τους Ισπανούς», «Τυραννικός Έρωτας» και «Η κατάκτηση». της Γρανάδας από τους Ισπανούς» με κομμένη ποιητική μορφή του κειμένου και τη δήλωση των εννοιών του για την τιμή και το καθήκον. Αρκετές από τις τραγωδίες του θεατρικού συγγραφέα αγγίζουν το θέμα της ματαιοδοξίας της ύπαρξης και της ψευδαίσθησης της επίγειας ευτυχίας.
Ένα από τα καλύτερα έργα του, το «Don Sebastian», αποκαλύπτει το θέμα της απατηλής φύσης της ερωτικής ευτυχίας και της απάτης της ερωτικής ευδαιμονίας. Ο νεαρός Πορτογάλος βασιλιάς Sebastian, που αιχμαλωτίστηκε, ερωτεύτηκε τη βάρβαρη βασίλισσα Almeida. Η αγάπη τον έκανε να ξεχάσει τα πάντα. Σύντομα ο Σεμπάστιαν έμαθε ότι αυτός που του έδωσε την ευτυχία της αγάπης και τον απελευθέρωσε από την αιχμαλωσία αποδείχθηκε ότι ήταν δικός του αδελφή. Η ψευδαίσθηση της ευτυχίας εξαφανίστηκε και οι δυστυχισμένοι εραστές αποσύρθηκαν οικειοθελώς σε ένα μοναστήρι.
Εκτός από τα έργα του Ντράιντεν, το ρεπερτόριο κάθε αγγλικού θεάτρου περιελάμβανε απαραίτητα έργα δύο άλλων διάσημων ηθοποιών και θεατρικών συγγραφέων - του Nathaniel Lee (1653-1692) και του Thomas Otway (1652-1685). Το έργο του N. Lee «Rival Queens, or the Death of Alexander the Great» έκανε έντονη εντύπωση στον Ρώσο αυτοκράτορα Πέτρο Α' κατά την παραμονή του στο Λονδίνο το 1698. Δημοφιλή ήταν και τα δράματά του Μιθριδάτης και Θεοδόσιος.
Ο Thomas Otway είναι γνωστός στην ιστορία του αγγλικού θεάτρου ως συγγραφέας των «οικιακών τραγωδιών» από τη ζωή της μεσαίας τάξης. Τα πιο διάσημα από αυτά είναι το "The Orphan, or an Unhappy Marriage" και το "Venice Saved, or the Uncovered Conspiracy". Η ικανότητα του Ότγουεϊ βρισκόταν στην απεικόνιση της καταστροφικής δύναμης των παθών και της τυφλότητας των συναισθημάτων για ένα άτομο.
Τα έργα του δημιουργικού διδύμου John Fletcher (1579-1625) και Francis Beaumont (1584-1616) ήταν πολύ δημοφιλή. Η πρώτη έκδοση μιας συλλογής των θεατρικών τους έργων, που περιέχει 34 έργα, χρονολογείται από το 1647. Τα έργα «Philastre», «Ο βασιλιάς και όχι ο βασιλιάς», «Η τραγωδία ενός κοριτσιού» επανεκδόθηκαν πολλές φορές. Αυτά τα έργα απεικόνιζαν αριστοτεχνικά τον έρωτα και όλο τον συνοδό του ανθρώπινα πάθη. Οι κωμωδίες αυτών των συγγραφέων ήταν πραγματικά αστείες και οι τραγωδίες σε έκαναν να νιώθεις θλίψη και ανησυχία μαζί με τους ήρωες.
Η αγγλική γλώσσα στα έργα των Beaumont και Fletcher έφτασε στην τελειότητα. Αυτό συζητήθηκε πολλές φορές αργότερα από κριτικούς λογοτεχνίας, οι οποίοι πίστευαν ότι όλες οι λέξεις που μπήκαν στην καθημερινή ομιλία μετά τον θάνατο αυτών των θεατρικών συγγραφέων ήταν περιττές. Τα έργα τους παίζονται στις σκηνές των αγγλικών θεάτρων εδώ και 40 χρόνια με συνεχή επιτυχία. Εξάλλου, σε κάθε νέα θεατρική σεζόν, το ρεπερτόριό τους περιελάμβανε σίγουρα τα έργα «The Wayward Centurion», «How to Manage a Wife», «Hunting the Hunter», «The King and Not the King», «Philastre», που παίζονταν. στο πρωτότυπο, χωρίς μειώσεις ή αλλαγές.
Ρύζι. 33. Τζόζεφ ΆντισονΤον 18ο αιώνα στην Αγγλία αναπτύχθηκε μια διφορούμενη στάση απέναντι στον W. Shakespeare. Επιφανείς εκπαιδευτικοί Joseph Addison ( ρύζι. 33) και Richard Steele ( ρύζι. 34), ο οποίος αγωνίστηκε για τη συγκρότηση ενός εθνικού αγγλικού θεάτρου και ενάντια στην κυριαρχία της ξένης, ιδιαίτερα της ιταλικής, όπερας και μίλησε υπέρ της δημιουργικής κληρονομιάς της. Αλλά ορισμένοι κριτικοί, όπως ο Τόμας Ράιμερ, χαρακτήρισαν τις τραγωδίες του «μια φάρσα χωρίς κανένα κέφι».
Ρύζι. 34. Ρίτσαρντ ΣτιλΩς εκ τούτου, πολλά σαιξπηρικά έργα επαναδημιουργήθηκαν από τους συγγραφείς για να ταιριάζουν στα σύγχρονα γούστα. Ο Τ. Ότγουεϊ διασκεύασε το έργο του W. Shakespeare "Romeo and Juliet", αλλάζοντας τον τίτλο σε "The Life and Fall of Caius Maria", και ο D. Dryden - "Antony and Cleopatra" ("Όλα για την αγάπη"). Και παρόλο που το όνομα του Σαίξπηρ συνέχιζε να εμφανίζεται στις αφίσες, η αλλοίωση του κειμένου του έργου ήταν τόσο σημαντική που η παράσταση δεν είχε τίποτα κοινό με το πρωτότυπο. Πολλά από τα έργα του διάσημου θεατρικού συγγραφέα παίχτηκαν στις σκηνές του Λονδίνου την ίδια σεζόν, τόσο σε πρωτότυπη όσο και σε ανανεωμένη μορφή, και το κοινό απόλαυσε να παρακολουθεί και τις δύο εκδοχές του έργου «Ρωμαίος και Ιουλιέτα»: με το τραγικό τέλος του W. Shakespeare και ο ευτυχισμένος του Τζέιμς Χάουαρντ.
Στο ρεπερτόριο του αγγλικού θεάτρου έπαιξε και η κοινωνική, οξεία σατιρική κωμωδία ήθη. Ένας πρώιμος εκπρόσωπος αυτού του τύπου δημιουργικότητας μπορεί να ονομαστεί ο George Etheridge (1634-1691), ο οποίος θεωρήθηκε χλευαστής των ηθών του αιώνα και δημιούργησε πολλά έργα που έμειναν στην ιστορία της θεατρικής τέχνης στην Αγγλία: "Comic Revenge, or Love in a Barrel», «She Would If» Could» και «Slave of Fashion». Αργότερα, αυτό το είδος κωμωδίας στις θεατρικές σπουδές ονομάστηκε «κωμωδία της εποχής της αποκατάστασης».
Ρύζι. 35. William WycherleyΟι κωμωδίες ήταν πολύ δημοφιλείς εκείνη την περίοδο. Οι ηθοποιοί αγαπούσαν ιδιαίτερα να παίζουν στα έργα του William Wycherley (1640-1716) ( ρύζι. 35), που διακρίνονταν για χιούμορ και λαμπερή σκηνική παρουσία. Σε ορισμένες θεατρικές εποχές, πολλά θέατρα ανέβασαν ταυτόχρονα το έργο του "The Country Wife" και στη συνέχεια ένας πραγματικός ανταγωνιστικός αγώνας για το κοινό ξέσπασε μεταξύ των ιδιοκτητών του θεάτρου. Για τις κωμωδίες του William Congreve ( ρύζι. 36), που γνώρισαν συνεχή επιτυχία με το κοινό, πολλές γενιές Άγγλων ηθοποιών αλίευσαν τις σκηνικές τους δεξιότητες. Στα έργα «The Old Bachelor», «Double Game» και «Love for Love», η κοινωνική ανάλυση που βασίζεται σε ακριβή καθημερινά χαρακτηριστικά έρχεται πρώτη θέση.
Εικ. 36 William CongreveΗ τελευταία κωμωδία του Congreve, "That's What You Do in the World", αποκαλύπτει ένα πορτρέτο ενός ανθρώπου της σύγχρονης εποχής - της Mirabella. Το πλεονέκτημα του ήρωα έγκειται στον ήχο, τη λογική συλλογιστική και την πνευματική του ευγένεια. Η γλώσσα του έργου είναι πολύ κομψή, απαλλαγμένη από κενά λογοπαίγνια και πομπώδεις φράσεις.
Τον 18ο αιώνα, το ρεπερτόριο των δραματικών θεάτρων επεκτάθηκε σημαντικά. Οι παραστάσεις αποτελούνταν από πολλές πράξεις και μετά την παράσταση συμπληρώθηκαν από φάρσα, παντομίμα, μουσική διαφοροποίηση ή παραστάσεις από κλόουν και ακροβάτες. Το τέλος της παράστασης θα μπορούσε επίσης να διακοσμηθεί με μια παρωδία κάποιου δημοφιλούς θεατρικού έργου ή όπερας. Για πολλά χρόνια παίζονταν οι ίδιες περίφημες φάρσες, ανεξάρτητα από το πρόγραμμα ολόκληρης της βραδιάς. Οι μουσικές διαφοροποιήσεις, ή τα ιντερμέδια, ήταν οι πιο δημοφιλείς στο θεατρικό ρεπερτόριο οργανικές συναυλίεςή φωνητικές παραστάσεις που αντιπροσώπευαν λογοτεχνικά θέματαχιουμοριστικό περιεχόμενο, μελοποιημένο και φέρει τους χιουμοριστικούς τίτλους «Love and a Beer Mug», «The Confounded Dandy», «Professor of Joking Sciences» κ.λπ.
Εκτός από την όπερα μπαλάντα, τις φάρσες και τα ιντερμέδια, τον 18ο αιώνα εμφανίστηκε το φαινόμενο των θεατρικών παραστάσεων όπως οι «ζωντανές εικόνες» και οι «τελετουργικές πομπές» τον Οκτώβριο του 1727, στο έργο «Richard III» στο Drury Lane Theatre του Λονδίνου. , το κοινό το είδε για πρώτη φορά», η οποία απεικόνιζε την επίσημη τελετή στέψης της Anne Boleyn, της δεύτερης συζύγου του βασιλιά Henry VIII. Κέρδισε τεράστια δημοτικότητα στο κοινό και ανέβηκε ανεξάρτητα από το θέμα των παραστάσεων που γίνονταν εκείνη την ημέρα.
Κεντρικός πυρήνας μιας πολύωρης θεατρικής παράστασης ήταν πάντα ένα έργο, το οποίο κυρίως επέλεγε ο θεατρικός θίασος και δοκίμαζε αρκετή ώρα. Λόγω του αυξημένου ανταγωνισμού, οι ιδιοκτήτες θεάτρου προσπάθησαν να λάβουν υπόψη τις απαιτήσεις του μαζικού κοινού. Μέχρι το 1868, το ρεπερτόριο διανεμόταν μεταξύ των θεάτρων από τον Λόρδο Τσάμπερλεν, ο οποίος ήταν υπεύθυνος για το βασιλικό σπίτι και έδωσε την άδεια να ανέβει το έργο. Αυτό το σύστημα επέτρεψε στα θέατρα να αναπτύξουν ένα ατομικό στυλ. Το Duke's Theatre στο Λονδίνο φημιζόταν για το μικτό ρεπερτόριό του, ενώ στο Royal Theatre προτιμήθηκε ο W. Shakespeare και ο B. Johnson ( ρύζι. 3 7). Οι δημιουργοί των νέων έργων ήταν τόσο επαγγελματίες θεατρικοί συγγραφείς όσο και ερασιτέχνες, που έγραφαν έργα όχι μόνο για χρήματα, αλλά και λόγω της αγάπης για το θέατρο. Ένας κύριος θεατρικός συγγραφέας που δεν υπηρέτησε στο θέατρο, με άλλα λόγια, «εξωτερικός συγγραφέας», στο πλαίσιο συμφωνίας με το θέατρο, ξαναέφτιαξε διάσημα έργα ή συνέθεσε προλόγους και επιλόγους για παραστάσεις. Κάθε θέατρο είχε τους δικούς του θεατρικούς συγγραφείς και «εξωτερικούς συγγραφείς». Πολλοί διάσημοι ηθοποιοί συνέθεσαν και νέες παραστάσεις, στις οποίες συμμετείχε με χαρά ο θίασος.
Ρύζι. 37. Μπεν ΤζόνσονΟι μονάρχες παρήγγειλαν συχνά έργα, προτείνοντας τις δικές τους πλοκές, οι οποίες άλλοτε γεννήθηκαν αυτοσχέδια και άλλοτε κατόπιν συμβουλής ευγενών της αυλής. Μαζί με ταλαντούχα και σοβαρά έργα, μεταφέρθηκαν στις αίθουσες ένας τεράστιος αριθμός χειρογράφων χαμηλής ποιότητας δραματουργίας, τα οποία υπέστησαν αυστηρή επιλογή, προκαλώντας τη δυσαρέσκεια πολλών συγγραφέων.
Το έργο, το οποίο εγκρίθηκε από τη θεατρική ομάδα, έπρεπε να λάβει άδεια από τη βασιλική λογοκρισία για παραγωγή στο θέατρο. Στη βασιλική αυλή, τα καθήκοντα του αρχιλογοκριτή ανατέθηκαν στον Λόρδο Τσάμπερλεν και στον Αρχιάρχοντα Τελετών, ο οποίος ηγήθηκε του θεσμού της κρατικής λογοκρισίας. Τα θεατρικά έργα θα μπορούσαν να απαγορευτούν εάν απεικονίζονταν βίαιος θάνατοςμονάρχες ή ακατάλληλη χρήση αποσπασμάτων της Βίβλου. Μια σκηνή που πραγματευόταν τη δωροδοκία που άκμασε στη βασιλική αυλή, εάν επιτρεπόταν από τη λογοκρισία, θα μπορούσε να προκαλέσει την οργή του βασιλιά και να οδηγήσει στη φυλάκιση του λογοκριτή που έχασε την εξέγερση. Υπήρξαν τέτοιες περιπτώσεις στην ιστορία του αγγλικού δράματος.
Όταν, στα τέλη του 17ου αιώνα, εντάθηκαν οι δραστηριότητες πολλών κοινωνιών για τη διόρθωση της ηθικής, η θεατρική λογοκρισία έγινε επίσης αυστηρότερη, η οποία, κατά την περίοδο όξυνσης του πολιτικού αγώνα μεταξύ Ουίγκ και Τόρις στη χώρα, πήρε ακραίες μορφές. . Το 1737, η κυβέρνηση εξέδωσε τον νόμο περί λογοκρισίας. Έγινε ο νόμος περί αδειών θεάτρου, βάσει του οποίου μπορούσαν να υπάρχουν μόνο θέατρα που είχαν βασιλική άδεια. Όλα τα έργα, χωρίς εξαίρεση, έπρεπε να λογοκριθούν από τον Λόρδο Τσάμπερλεν. Στα θεατρικά έργα, απαγορεύτηκε στους συγγραφείς να θίγουν πολιτικά ζητήματα και να ασκούν κριτική σε κυβερνητικούς αξιωματούχους.
Ως αποτέλεσμα αυτού του νόμου, εμφανίστηκε ένα κρατικό μονοπώλιο στα θέατρα, δηλαδή όλα τα θέατρα στο Λονδίνο έκλεισαν, εκτός από τα κεντρικά - το Covent Garden και το Drury Lane. Το ρεπερτόριο επικαιρικής και κριτικής φύσης εξαφανίστηκε από τη σκηνή, δεν υπήρχαν αυτοσχεδιαστικά έργα που έθιγαν προβλήματα εξωτερικής ή εσωτερικής πολιτικής. Όμως, παρ' όλα τα μέτρα λογοκρισίας, θεατρικοί συγγραφείς και ηθοποιοί, χρησιμοποιώντας συγκεκριμένες θεατρικές τεχνικές και αλληγορίες, μετέφεραν στο κοινό αυτό που δεν μπορούσαν να εκφράσουν ανοιχτά.
Δύο καλλιτεχνικοί σύμβουλοι του βασιλιά Γεωργίου Β', διάσημοι θεατρικοί συγγραφείς και επιχειρηματίες William Davenant (1606-1683) και Thomas Killigrew (1612-1683), έχοντας λάβει βασιλική πατέντα το 1660 για το μονοπωλιακό δικαίωμα να ανοίγουν θέατρα, χώρισαν μεταξύ τους τους ηθοποιούς του Λονδίνου. Ο θίασος του Killigrew έγινε γνωστός ως ο θίασος του Βασιλιά και ο θίασος του Ντάβεναντ έγινε ο θίασος του Δούκα του Γιορκ. Αυτοί οι θίασοι δεν είχαν δικά τους κτίρια και καταλάμβαναν διάφορους χώρους προσαρμοσμένους για παραστάσεις.
Στις αρχές κιόλας του 17ου αιώνα, το Red Bull Theatre χτίστηκε στα νοτιοανατολικά προάστια του Λονδίνου στην οδό St. John. Ήταν ένα ανοιχτού τύπου θέατρο χωρίς στέγη, που εξαρτούσε τη δουλειά του θιάσου από τις καιρικές συνθήκες. Αυτός ο χώρος νοικιαζόταν από διάφορους θιάσους, κάποιοι από αυτούς δεν είχαν άδειες και το θέατρο έκλεινε περιοδικά για παράβαση του νόμου. Στο θεατρικό περιβάλλον της Red Bull επικρατούσε αταξία και σειρές και στο αμφιθέατρο δεν συγκεντρώθηκαν ούτε εκατό θεατές. Οι ηθοποιοί με τα φτωχά κοστούμια έπαιζαν μέτρια, και μερικές φορές εντελώς ανίκανα. Στη δεκαετία του '70, η Red Bull έπαψε να υπάρχει και το κτίριο ανέλαβε η λέσχη ξιφασκίας.
Η κατασκευή του θεάτρου Cockpit χρονολογείται επίσης στις αρχές του 17ου αιώνα. Ήταν ένα αρκετά ευρύχωρο κτίριο από τούβλα που βρισκόταν στην κεντρική περιοχή του Drury Lane. Το θέατρο έλαβε το δεύτερο όνομά του - "Phoenix" - μετά από μια πυρκαγιά το 1617 και την ταχεία αποκατάσταση. Το θέατρο υπήρχε για περίπου 60 χρόνια και κατεδαφίστηκε λόγω του ότι δεν πληρούσε πλέον τις σύγχρονες απαιτήσεις.
Στα πρώτα χρόνια της Αποκατάστασης, δηλαδή το 1629, χτίστηκε το τρίτο θέατρο στο Λονδίνο - το Salisbury Court. Το 1652, ο ιδιοκτήτης του έγινε η εξέχουσα θεατρική φιγούρα στην Αγγλία, ο William Beeston, ο οποίος, παρά την αυστηρή απαγόρευση, μπόρεσε να ανεβάσει πολλές παραστάσεις κατά τη διάρκεια του σκληρού καθεστώτος του Oliver Cromwell και θεωρήθηκε ένας από τους καλύτερους δασκάλους θεάτρου. Ξεκίνησε την ανοικοδόμηση του κτιρίου του θεάτρου, το οποίο τέθηκε σε άθλια κατάσταση κατά την επανάσταση. Σύμφωνα με το σχέδιό του, η οροφή ανυψώθηκε 30 πόδια και ένα μάθημα χορού εγκαταστάθηκε στην αίθουσα πάνω από τη σκηνή. Τα κιβώτια και οι πάγκοι, που περιβάλλονταν από στοές, επεκτάθηκαν σημαντικά. Το κτίριο του θεάτρου δεν επέζησε από την πυρκαγιά του Λονδίνου του 1666.
Στις 7 Μαΐου 1663 άνοιξε το διάσημο αγγλικό θέατρο Drury Lane, το οποίο εξακολουθεί να είναι το κορυφαίο θέατρο στο Λονδίνο σήμερα. Η πρώτη παράσταση που ανέβηκε στη σκηνή του ήταν το έργο «The Wayward Centurion» των F. Beaumont και D. Fletcher. Το θέατρο χτίστηκε μεταξύ Drury Lane και Bridges Street.
Το κτίριο είχε στρογγυλό σχήμα. Το θέατρο είχε ευρύχωρους πάγκους και πολυτελώς διακοσμημένα κουτιά. Η αψίδα του προσκήνιο ήταν διακοσμημένη με εξαιρετική διακόσμηση. Παρά την πολύ μεγάλη απόσταση από τη σκηνή μέχρι τα κουτιά, τα στενά περάσματα στους πάγκους και την ατυχή θέση της ορχήστρας, αυτό το θέατρο είχε σημαντικά πλεονεκτήματα έναντι των προκατόχων του. Στους πάγκους, τα παγκάκια ήταν τοποθετημένα σε ομόκεντρα ημικύκλια, σχηματίζοντας ένα αμφιθέατρο. Οι πάγκοι περιβάλλονταν από δύο σειρές κουτιών, που χωρίζονταν με χωρίσματα και περιείχαν πολλές σειρές από άνετες καρέκλες. Μέχρι εκείνη τη στιγμή, οι γυναίκες επιτρεπόταν να βρίσκονται στα κουτιά με άνδρες.
Το μεγαλύτερο μέρος του κοινού ήταν καθισμένο στους πάγκους, οι οποίοι φωτίζονταν κατά τη διάρκεια της ημέρας μέσα από έναν τεράστιο γυάλινο θόλο που στεφάνωνε την κορυφή του κτιρίου. Κατά τη διάρκεια μιας από τις έντονες βροχοπτώσεις, ρυάκια έπεσαν στα κεφάλια των θεατών, γεγονός που προκάλεσε βίαιη αγανάκτηση στο κοινό. Το βράδυ οι πάγκοι φωτίστηκαν με κεριά. Οι πάγκοι των πάγκων ήταν καλυμμένοι με πράσινο ύφασμα.
Στο κέντρο της κάτω βαθμίδας των πάγκων υπήρχε ένα βασιλικό κουτί, το οποίο ήταν διακοσμημένο με μια επιχρυσωμένη μορφή του Απόλλωνα και το κρατικό οικόσημο της Αγγλίας. Όταν μέλη της βασιλικής οικογένειας δεν ήταν παρόντα στην παράσταση, τα εισιτήρια για το βασιλικό κουτί πωλούνταν σε όλους.
Στις 25 Νοεμβρίου 1672, ξέσπασε φωτιά στο θέατρο, καταστρέφοντας ολοσχερώς τόσο τους χώρους του θεάτρου όσο και τα παρακείμενα κτίρια. Το Βασιλικό Θέατρο, αναγκασμένο για αρκετά χρόνια να συγκεντρώσει κεφάλαια για νέες εγκαταστάσεις, μόλις το 1674 έλαβε ένα κτίριο που σχεδιάστηκε από τον διάσημο αρχιτέκτονα Christopher Wren. Το δωμάτιο δεν ξεχώριζε σε κάτι ιδιαίτερο και ήταν απλό και άτεχνο. Οι πάγκοι είχαν σχήμα αμφιθεάτρου, στο οποίο οι θεατές κάθονταν σε πάγκους ντυμένους με ύφασμα και χωρίς πλάτη. Οι άνθρωποι κάθονταν όλοι μαζί: ευγενείς κυρίες και κύριοι, καθώς και κυρίες με εύκολη αρετή που φλέρταραν και μιλούσαν κατά τη διάρκεια της παράστασης. κάποιοι έπαιξαν χαρτιά, μη δίνοντας σημασία στους ηθοποιούς. Ακριβώς μπροστά από τη σκηνή, κάτω από το κουβούκλιο της κάτω γκαλερί, βρίσκονταν τα πιο ακριβά καθίσματα και οι φτωχότεροι θεατές συνωστίζονταν στην πάνω στοά.
Για τον θίασο του Δούκα της Υόρκης το 1671, σύμφωνα με το σχέδιο του ίδιου Christopher Wren, χτίστηκε ένα θέατρο στη συνοικία Dorset Garden του Λονδίνου, το οποίο στέγαζε ένα θέατρο και μια όπερα. Ξεχώριζε για την αρχιτεκτονική και την πολυτέλεια της διακόσμησης. Η πρόσοψη του θεάτρου έβλεπε στον Τάμεση και ήταν διακοσμημένη με το οικόσημο του Δούκα της Υόρκης. Ο τελευταίος όροφος προοριζόταν για τα διαμερίσματα διάσημων Άγγλων ηθοποιών.
Το θέατρο φιλοξενούσε περίπου 1.200 θεατές και κατέπληξε με την ομορφιά του εσωτερικού του. Η αψίδα του προσκήνιο ήταν σκαλισμένη σε στυλ μπαρόκ από τον διάσημο ξυλογλύπτη Grinling Gibbons και επιχρυσώθηκε πλούσια. Το εσωτερικό της αίθουσας ήταν πολύ πιο όμορφο από τους καλύτερους εσωτερικούς χώρους του θεάτρου στη Γαλλία και είχε μια πιο βολική διάταξη. Στους πάγκους, που είχαν σχήμα αμφιθεάτρου, δεν ακουγόταν σχεδόν κανένας θόρυβος. Το παρτέρι περιβαλλόταν από επτά κιβώτια που μπορούσαν να φιλοξενήσουν 20 άτομα, ακολουθούμενα από 7 κουτιά της πρώτης βαθμίδας, και ακόμη πιο ψηλά - τα ράφια.
Ρύζι. 38. John VanbrughΣτις αρχές κιόλας του 18ου αιώνα, το 1705, στο Λονδίνο, ο θεατρικός συγγραφέας John Vanbrugh ( ρύζι. 38) χτίστηκε η πρώτη όπερα, η οποία έγινε γνωστή ως Όπερα της Βασίλισσας προς τιμήν της βασίλισσας Άννας. Η τεράστια σκηνή για εκείνες τις παραστάσεις και η συγκεκριμένη ακουστική δεν ήταν κατάλληλη για δραματικές παραστάσεις, έτσι τραγουδιστές και μουσικοί εγκαταστάθηκαν στο θέατρο. Αυτό το θέατρο υπήρχε σχεδόν 85 χρόνια. Μη έχοντας ξεφύγει από τη μοίρα πολλών θεάτρων του Λονδίνου, καταστράφηκε από μια πυρκαγιά που ξέσπασε στις αποθήκες του στις 17 Ιουνίου 1789.
Κατά την περίοδο της Αποκατάστασης και της περαιτέρω ανάπτυξης του πολιτισμού στην Αγγλία στις αρχές του 18ου αιώνα, τα θέατρα άλλαξαν σημαντικά. Η αρχιτεκτονική τους έχει γίνει πιο περίπλοκη σύμφωνα με τις αυξημένες απαιτήσεις. Εσωτερικό θεάτρων και εσωτερική διακόσμησηαντανακλούσε τον πλούτο των ιδιοκτητών τους. Ο σχεδιασμός της σκηνής συνδύαζε μια σαιξπηρική σκηνή πλατφόρμας και μια σκηνή box με μια πύλη που τη χώριζε από το κοινό. Το μπροστινό μέρος της σκηνής, που εκτεινόταν μέχρι το αμφιθέατρο, έγινε οβάλ. Εμφανίστηκαν παρασκήνια και σκηνικά ζωγραφισμένα από καλλιτέχνες.
Το κύριο μέρος της παράστασης έγινε στο προσκήνιο. Προς το τέλος, οι ηθοποιοί έπρεπε να βγουν μπροστά στο οβάλ μέρος της σκηνής, που ήταν πιο κοντά στον θεατή και πολύ καλύτερα φωτισμένο. Το εσωτερικό της σκηνής, όπου βρισκόταν το σκηνικό, ήταν στο λυκόφως, που δημιουργούσε μια αίσθηση μυστικισμού σε όλη την παράσταση. Τα κεριά, που απαιτούσαν πολύ μεγάλο αριθμό για επαρκή φωτισμό, ήταν ακριβά και ήταν μια πολυτέλεια που οι ιδιοκτήτες θεάτρων επέτρεπαν στον εαυτό τους μόνο για χάρη των μελών της βασιλικής οικογένειας. Το αχνό φως που τρεμοπαίζει και οι ταλαντευόμενες σκιές στους τοίχους προκαλούσαν μια αίσθηση κάτι υπερφυσικού στη θεατρική παράσταση. Το ίδιο το επίπεδο της σκηνής είχε μια μικρή κλίση προς το προσκήνιο, το οποίο ήταν διακοσμημένο με μια τελετουργική λαξευμένη αψίδα, όπου ήταν τοποθετημένα ανάγλυφα και γλυπτά, και επιδέξιοι τεχνίτες σκάλισαν περίπλοκα στολίδια και όλα αυτά καλύφθηκαν με επιχρύσωση. Κατά τη διάρκεια της Αποκατάστασης, οι Άγγλοι ηθοποιοί θεωρούνταν επίσημα στη βασιλική υπηρεσία. Οι ηθοποιοί του βασιλικού θεάτρου φορούσαν τη στολή των βασιλικών υπηρετών από κόκκινο ύφασμα, στολισμένη με κόκκινο βελούδο, αλλά στην πραγματικότητα στην κοινωνία θεωρούνταν εκπρόσωποι της κατώτερης τάξης. Έλαβαν έναν μικρό μισθό, για τον οποίο έπρεπε να δουλέψουν σκληρά.
Οι ηθοποιοί έπρεπε να έχουν τη σωματική αντοχή για να αντέξουν πολύωρες πρόβες και παραστάσεις. Οι αίθουσες, στις οποίες υπήρχαν πολλά άτομα μεταξύ των παραστάσεων, δεν θερμάνονταν. Μόνο σε εξαιρετικές περιπτώσεις προβλεπόταν ξεχωριστό δωμάτιο με τζάκι. Συχνά, αμέσως μετά από μια επιτυχημένη πρεμιέρα, ο υποκριτικός θίασος έπρεπε να επαναλάβει την παράσταση αργά το βράδυ στο αυλικό θέατρο του βασιλικού παλατιού. Μόνο με εξαιρετική μνήμη θα μπορούσε ένας ηθοποιός να απομνημονεύσει τα κείμενα πολλών ρόλων σε μια παράσταση ή διαφορετικών ρόλων πολλών παραστάσεων σε σύντομο χρονικό διάστημα.
Δεν ήταν δυνατό να κερδίσετε πολλά χρήματα κατά τη διάρκεια της θεατρικής σεζόν, η οποία διακόπηκε το καλοκαίρι όταν η βασιλική οικογένεια έφυγε από το Λονδίνο. Οι εργασίες διακόπηκαν λόγω επιδημιών, πυρκαγιών, πλημμυρών, θρησκευτικών εορτών ή πένθους στη βασιλική οικογένεια. Λόγω λογοκρισίας ή απλώς μιας παρατήρησης από τον βασιλιά ή τον άρχοντα θαλαμοφύλακα, το θέατρο έκλεισε επίσης επ' αόριστον.
Οι περισσότεροι ηθοποιοί νοίκιαζαν σπίτια κοντά στο θέατρο για να μην ξοδεύουν χρήματα για ταξίδια. Οι πλούσιοι ηθοποιοί είχαν την οικονομική δυνατότητα να ζουν σε αριστοκρατικές περιοχές του Λονδίνου. Εάν οι ιδιοκτήτες του θεάτρου ενδιαφέρονταν για έναν συγκεκριμένο ηθοποιό (και τις περισσότερες φορές ήταν ηθοποιοί), τότε τα διαμερίσματα γι 'αυτούς βρίσκονταν στο ίδιο το κτίριο του θεάτρου ή σε κτίρια δίπλα σε αυτό.
Οι αγγλικοί νόμοι στέκονταν πάντα στο πλευρό των πλουσίων στους αγώνες τους ή στις μονομαχίες τους με ηθοποιούς, αν και οι υποθέσεις που αντιμετωπίζονταν στα δικαστήρια προέκυψαν από υπαιτιότητά τους. Δεν κόστιζε τίποτα να προσβάλεις ή να ταπεινώσεις τον ηθοποιό. Αυτό θεωρήθηκε φυσιολογικό μεταξύ της τάξης των ευγενών.
Κατά τη διάρκεια της Αποκατάστασης, ηθοποιοί εμφανίστηκαν στη σκηνή του αγγλικού θεάτρου, αντικαθιστώντας θηλυκούς νεαρούς άνδρες ντυμένους με γυναικεία φορέματα. Για να παίξουν γυναικείους ρόλους, οι νέοι άνδρες έπρεπε να σπουδάσουν για αρκετά χρόνια. Οι πρώτες γυναίκες ηθοποιοί έπρεπε να έχουν αρκετή θέληση και κουράγιο για να βγουν στη σκηνή σε μια τόσο πουριτανική χώρα όπως η Αγγλία και η σημερινή γυναικεία εικόνασε όλη του τη γοητεία.
Οι πρώτες ηθοποιοί ήρθαν στο θέατρο από ιδιωτικές πανσιόν. Όλοι τους ήταν ταπεινής καταγωγής και σπούδασαν γραμματεία, λεξικό, μουσική και χορό σε οικοτροφεία. Κορίτσια από την αστική τάξη ήρθαν στο θέατρο με συστάσεις από δασκάλους χορού και ιδιωτικούς διευθυντές χορωδιών. Πολλές υπέροχες ηθοποιοί προέρχονταν από το χώρο της υποκριτικής. Σε μια εποχή που η γυναικεία εκπαίδευση ήταν σε πολύ χαμηλό επίπεδο, το επάγγελμα της ηθοποιού άρχισε να φαίνεται πολλά υποσχόμενο και δελεαστικό σε πολλά κορίτσια.
Το θέατρο τους άνοιξε το δρόμο για έναν κόσμο απαλλαγμένο από την εγχώρια τυραννία και που παρείχε σημαντικές ευκαιρίες για προσωπική ανάπτυξη. Αλλά την ίδια στιγμή, νεαρά ταλέντα, μη μπορώντας να εξασφαλίσουν στους εαυτούς τους ελάχιστους πόρους διαβίωσης, έπεσαν κάτω από την επιρροή πλούσιων κυρίων και έγιναν κρατημένες γυναίκες τους. Μια ηθοποιός με την αμοιβή ενός πλούσιου κυρίου - αυτό το φαινόμενο ήταν πολύ συνηθισμένο και απολύτως νόμιμο. Οι ίδιες οι νεαρές ηθοποιοί φιλοδοξούσαν να γίνουν κρατημένες γυναίκες και συχνά κορίτσια που είχαν εκπαιδευτεί στην υποκριτική στο θέατρο για αρκετά χρόνια εγκατέλειπαν το θέατρο για 1-2 χρόνια τέτοιας συντήρησης, μετά τα οποία στις περισσότερες περιπτώσεις βρήκαν καταφύγιο σε οίκους ανοχής του Λονδίνου. Στη σκηνή έμειναν μόνο όσοι ήταν ολόψυχα αφοσιωμένοι στο υποκριτικό τους επάγγελμα. Κυρίως αυτές ήταν οι γυναίκες των ηθοποιών.
Οι Άγγλοι ηθοποιοί έπρεπε συχνά να ταξιδεύουν σε άλλες χώρες για να βγάλουν τα προς το ζην. Κατά καιρούς αυτά τα ταξίδια ήταν πολύ απειλητικά για τη ζωή. Οι ηθοποιοί έπρεπε συχνά να πεινάσουν και να βιώσουν κάθε είδους δυσκολίες. Έπαιζαν, κατά κανόνα, σε πλατείες και υπαίθριες αγορές. Παρά τις διαφορές στη γλώσσα, οι Άγγλοι ηθοποιοί έγιναν δεκτοί πολύ καλά σε διάφορες ευρωπαϊκές χώρες, ο κλασικός τρόπος υποκριτικής τους και οι υποκριτικές τους δεξιότητες προκάλεσαν θαυμασμό στους συγχρόνους τους. Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, Άγγλοι ηθοποιοί επέδειξαν τις ικανότητές τους στη Γερμανία, την Ολλανδία, τη Δανία και τη Γαλλία.
Στη Γαλλία, εκτός από δραματικούς ηθοποιούς, έκαναν περιοδεία Άγγλοι ακροβάτες, μίμοι και χορευτές. Οι αδερφοί Woolton, με την άδεια της γαλλικής κυβέρνησης, άνοιξαν τσίρκο στη Ντιζόν. Διάσημος ηθοποιόςΟ Thomas Betterton επισκέφθηκε τη Γαλλία εκ μέρους της αγγλικής κυβέρνησης. Έπρεπε να εξοικειωθεί με το ρεπερτόριο και τη δομή των θεάτρων.
Γάλλοι ηθοποιοί ήρθαν επίσης σε περιοδεία στην Αγγλία, αλλά το εκλεπτυσμένο κοινό του Λονδίνου αντιμετώπισε τις παραστάσεις τους με κάποια περιφρόνηση. Τα θεατρικά στηρίγματα και η συνοδεία των προσκεκλημένων ερμηνευτών ήταν ανεπιτήδευτα και οι παραστάσεις αποδείχθηκαν βαρετές και χωρίς ενδιαφέρον. Αυτό οφειλόταν στο γεγονός ότι ήταν κυρίως χαμηλού εισοδήματος ηθοποιοί που έκαναν περιοδείες.
Οι καλλιτέχνες του κουκλοθεάτρου ήταν οι πρώτοι που ήρθαν από την Ιταλία στην Αγγλία. Η ερμηνεία τους εντυπωσίασε πολύ τον βασιλιά και απένειμε στον κορυφαίο ηθοποιό του κουκλοθέατρου ένα μετάλλιο και μια χρυσή αλυσίδα. Οι Ιταλοί ηθοποιοί που ήρθαν σε περιοδεία απολάμβαναν την ιδιαίτερη εύνοια του βασιλιά. Για παραστάσεις τους δόθηκε Whitehall στο βασιλικό παλάτι. Τον 18ο αιώνα, η ιταλική όπερα ρίζωσε στο Λονδίνο και την παρακολούθησαν κυρίως οι ευγενείς του Λονδίνου. Το ρεπερτόριό της, σχεδιασμένο για το εκλεπτυσμένο γούστο της αγγλικής αριστοκρατίας, καθήλωσε τους κοινωνικούς κύκλους του Λονδίνου.
Οι όπερες παίχτηκαν αρχικά στα αγγλικά, αλλά αυτό έκανε δύσκολη την ερμηνεία τους, προκαλώντας ασυμφωνίες μεταξύ του μουσικού θέματος και της αγγλικής μετάφρασης του ιταλικού κειμένου. Αργότερα, Άγγλοι και Ιταλοί ερμηνευτές τραγούδησαν άριες στις δικές τους γλώσσες, και ακόμη αργότερα, όλες οι άριες παίχτηκαν στα ιταλικά. Το κοινό κατάλαβε ελάχιστα από το περιεχόμενο και αντιλήφθηκε αυτό που συνέβαινε στη σκηνή μόνο ως μηχανική διασκέδαση, που δεν προκαλούσε ούτε συμπάθεια ούτε προβληματισμό. Πολλοί εξέχοντες παιδαγωγοί στην Αγγλία θεώρησαν ότι η ιταλική όπερα ήταν εισβολή στον εθνικό πολιτισμό, προκαλώντας σημαντική βλάβη σε αυτήν.
Νέα έργα σε χειρόγραφη μορφή μεταφέρθηκαν απευθείας στο θέατρο για έλεγχο και έγκριση. Συνήθως οι πρώτες αναγνώσεις γίνονταν από τον συγγραφέα. Η αντίληψη εξαρτιόταν σε μεγάλο βαθμό από τις δραματικές του ικανότητες. νέο παιχνίδιηθοποιούς. Ο συγγραφέας χρειάστηκε να διαβάσει μερικά έργα αρκετές φορές για να μεταφέρει στους ηθοποιούς την ιδέα και το πάθος του έργου. Μετά τις αναγνώσεις του συγγραφέα, πολλά έργα χρειάστηκαν επεξεργασία και αναθεώρηση από διάσημους ηθοποιούς, που αυθαίρετα ξαναέγραφαν τους ρόλους, προσαρμόζοντάς τους στα ήθη ή τους χαρακτήρες των συντρόφων τους. Μερικές φορές τέτοιες επεξεργασίες βελτίωσαν σημαντικά τα έργα και μερικές φορές τα έργα ξαναγράφτηκαν σχεδόν πλήρως για να τα γεμίσουν με «ζωντανό περιεχόμενο».
Οι ρόλοι ανατέθηκαν με την άμεση συμμετοχή του θεάτρου, ο οποίος ήταν συνήθως ένας από τους κορυφαίους ηθοποιούς. Μια ηθοποιός που ήταν δημοφιλής αυτή την περίοδο ανατέθηκε στον κύριο ρόλο, ανεξάρτητα από το αν μπορούσε να ανταπεξέλθει στον ρόλο ή όχι. Μερικές φορές η ερμηνεία μιας δημοφιλής ηθοποιού σε έναν ρόλο αχαρακτηριστικό του ρόλου της χαλούσε εντελώς την εντύπωση της παράστασης. Αλλά συνέβη ότι ο ίδιος ο βασιλιάς συμμετείχε στη διανομή των ρόλων.
Οι αναγνωρισμένοι ταλαντούχοι θεατρικοί συγγραφείς είχαν το δικαίωμα να επιλέγουν ηθοποιούς για να συμμετάσχουν στις παραστάσεις τους. Και έγραψαν τα έργα λαμβάνοντας υπόψη ποιος ακριβώς θα έπαιζε αυτόν τον ρόλο. Αλλά ο κύριος ρόλος του ηθοποιού ήταν ακόμα καθοριστικός σε αυτό το θέμα. Το κοινό ανέπτυξε ένα ορισμένο στερεότυπο για τον χαρακτήρα και το κοινό θα μπορούσε να ξεκινήσει μια ταραχή στο θέατρο, αν δεν ήταν ο κύριος ηθοποιός που έπαιζε στο έργο, αλλά η υποψία του. Στη συνέχεια, η παράσταση έπρεπε να διακοπεί επειδή κάθε είδους αντικείμενα πετούσαν στη σκηνή, συμπεριλαμβανομένων αναμμένων κεριών.
Χρειάστηκε τουλάχιστον ένας μήνας για την προετοιμασία της πρεμιέρας. Η σκηνοθεσία αυτή καθαυτή δεν υπήρχε ακόμη εκείνη την εποχή, και κατά τη διάρκεια των προβών το κείμενο μπορούσε να υποστεί διάφορες μη εξουσιοδοτημένες αλλαγές. Αφού παρακολούθησαν τέτοιες παραστάσεις, οι θεατρικοί συγγραφείς παραπονέθηκαν ότι τους είχαν κλέψει τουλάχιστον χίλιες γραμμές. Συχνά ο θεατρικός συγγραφέας αναλάμβανε το ρόλο του σκηνοθέτη του έργου. Φρόντισε για την παραγωγή και την οργάνωση των εργασιών στους ρόλους. Ανέπτυξε επίσης τη mise-en-scène και τις κινήσεις των χαρακτήρων στο σκηνικό χώρο, μέχρι τις χειρονομίες και την πλαστικότητα.
Οι πρόβες ξεκίνησαν το πρωί και τελείωναν πριν την παράσταση. Πραγματοποιήθηκαν με διαφορετικούς τρόπους, συχνά θορυβώδεις και μπερδεμένες, αλλά μερικές φορές αποδείχτηκαν αρκετά επαγγελματίες. Ο βραδινός χρόνος μετά τις παραστάσεις διατέθηκε για την απομνημόνευση νέων κειμένων και την εκμάθηση χορών. Πολύ λιγότερος χρόνος και προσπάθεια των ηθοποιών δαπανήθηκε για την επαναφορά στο ρεπερτόριο του θεάτρου ενός έργου που είχε παιχτεί στο παρελθόν. Αυτό δεν κράτησε περισσότερο από δύο εβδομάδες.
Μερικές φορές οι πολύ βιαστικές προετοιμασίες για παραστάσεις οδήγησαν στο γεγονός ότι οι ηθοποιοί δεν γνώριζαν καλά το κείμενο. Στη συνέχεια κουβάλησαν ένα τέτοιο φίμωτρο στη σκηνή που οι σύντροφοί τους δεν μπόρεσαν να αντισταθούν στα δυνατά γέλια και, βγαίνοντας από τον χαρακτήρα, διέκοψαν την παράσταση. Συχνά στους θιάσους του θεάτρου υπήρχε έλλειψη αυστηρής πειθαρχίας και η απροθυμία ορισμένων ηθοποιών να δουλέψουν στη λεξική τους. Ως αποτέλεσμα, η ερμηνεία τους προκάλεσε εκνευρισμό και δυσαρέσκεια στο κοινό, επειδή στο κοινό ήταν αδύνατο να ξεχωρίσει μια λέξη που είπε ένας τέτοιος ηθοποιός.
Ορισμένοι ηθοποιοί επέτρεψαν στον εαυτό τους να είναι σοφιστικέ στο να διακοσμούν τα κείμενα του συγγραφέα με περίτεχνες εκφράσεις δική του σύνθεση. Ολόκληρα αποσπάσματα από τέτοιους ερασιτέχνες συγγραφείς προκάλεσαν ανεπανόρθωτη ζημιά στις παραστάσεις και χάλασαν τη φήμη του θεατρικού συγγραφέα. Ένας από αυτούς τους ζηλωτές ηθοποιούς, ο John Lacy, συνελήφθη με εντολή του βασιλιά. Αυτό έγινε γιατί έκανε αυθόρμητα ομιλίες με μεγάλο πάθος και διεύρυνε το μητρώο των αστικών κακιών στο έργο «Αλλαγή των στεμμάτων», που παρακολούθησε ο Κάρολος Β'. Μερικοί κωμικοί ηθοποιοί επέτρεψαν στον εαυτό τους να μιλήσει στο κοινό για αρκετά λεπτά. Ήταν άχρηστο να τους απαγορεύσουμε να το κάνουν και οι συγγραφείς, λαμβάνοντας υπόψη τα χαρακτηριστικά τέτοιων ηθοποιών, έγραψαν στις σημειώσεις του συγγραφέα: «Συνεχίστε στο ίδιο πνεύμα» ή «Κατά την κρίση του ερμηνευτή».
Για πολλές δεκαετίες, η προετοιμασία μιας παράστασης παρέμεινε το αδύναμο σημείο του αγγλικού δράματος. Οι επί πληρωμή πρόβες ενδυματολογικών παραστάσεων με πρόσκληση θεατών άρχισαν να εξασκούνται τον 18ο αιώνα. Πρώτα παρουσιάστηκαν στο σπίτι όπερες, και αργότερα - δραματικές.
Η μοίρα της παράστασης εξαρτιόταν από πολλές συνθήκες, αλλά η επιτυχία της καθορίστηκε εξ ολοκλήρου την ημέρα της πρεμιέρας. Το θέατρο έλαβε τις πλουσιότερες αμοιβές του την περίοδο από τον Νοέμβριο έως τον Φεβρουάριο. Η ημέρα της πρεμιέρας επιλέχθηκε συγκεκριμένα. Ψάξαμε να δούμε αν υπήρχαν άλλες μαζικές εκδηλώσεις στο Λονδίνο εκείνη την ημέρα που θα μπορούσαν να καταδικάσουν το θέατρο σε πλήρη απουσία θεατών στην αίθουσα. Το Σάββατο θεωρήθηκε η καλύτερη μέρα για την πρεμιέρα.
Στον προφήτη δόθηκε μια αρκετά σημαντική θέση στην προετοιμασία της παράστασης. Ξαναέγραφε ευανάγνωστα κάθε ρόλο ξεχωριστά για τους ηθοποιούς και, έναντι αμοιβής, έδεσε τα φύλλα σε μορφή βιβλίου με εξώφυλλο. Στις σελίδες αυτών των βιβλίων, οι υποστηρικτές έκαναν σημειώσεις και σχόλια για τους ηθοποιούς, κάνοντας τις δικές τους προσαρμογές στην πορεία της παράστασης. Εκτός από χαρτί, στυλό και μελάνι, το απόθεμα του υποψηφίου περιελάμβανε πάντα ένα κουδούνι και μια σφυρίχτρα. Ο ήχος της σφυρίχτρας έθεσε σε κίνηση και συγκίνησε το σκηνικό και το κουδούνι ειδοποίησε την ορχήστρα για τη μουσική εισαγωγή.
Η μουσική ήταν ένα σημαντικό δομικό στοιχείο της παράστασης. Δημιούργησε μια ιδιαίτερη συναισθηματική ατμόσφαιρα, ενώνοντας τους ερμηνευτές με το κοινό. Αλλαγή μουσικό θέμαέργα κατά τη διάρκεια της παράστασης, ήταν δυνατό να του δοθούν διαφορετικές σημασιολογικές αποχρώσεις. Πολλοί θεατρικοί συγγραφείς συνεργάστηκαν ειδικά με συνθέτες για να δημιουργήσουν μουσικά νούμεραγια τα έργα τους, κατανοώντας πόσο σημαντικός είναι ο ρόλος της μουσικής και του ήχου μεμονωμένων μουσικών οργάνων.
Οι θεατρικοί συγγραφείς αγάπησαν ιδιαίτερα το βιολί, το φλάουτο και το όμποε. Η αριστοκρατία του Λονδίνου προτιμούσε την κιθάρα, η οποία παιζόταν σε έργα από κοσμικούς γλεντζέδες και κυρίες. Ο αριθμός των βιολιών στις ορχήστρες του θεάτρου έφτανε μερικές φορές τα 24. Ένα τσέμπαλο ήταν πάντα παρόν.
Η θέση της ορχήστρας στο θέατρο άλλαξε αρκετές φορές. Στην αρχή βρισκόταν πάνω από τη σκηνή, στο βάθος του σκηνικού χώρου. Το κοινό δεν μπορούσε να δει τους μουσικούς. Το μέρος όπου βρίσκονταν οι μουσικοί ονομαζόταν «μουσική σοφίτα». Αργότερα κατέβηκε και τοποθετήθηκε ανάμεσα στη σκηνή και τους πάγκους, και ακόμη αργότερα βυθίστηκε στο χαμηλότερο επίπεδο, κάτω από τη σκηνή. Η θέση της ορχήστρας στο θέατρο άλλαξε αρκετές φορές, μετακινώντας από το χαμηλότερο επίπεδο στην κορυφή και πάλι πίσω.
Όμως ούτε μια παράσταση δεν έγινε χωρίς μουσική συνοδεία. Εκεί που η παράσταση έδινε την παραμικρή ευκαιρία για μουσικό νούμερο, σίγουρα αξιοποιήθηκε. Μουσικά ένθετα, φωνητικές άριες και σκηνές χορού εμφανίστηκαν στα έργα του Σαίξπηρ και άλλων παλαιότερων συγγραφέων. Η χρήση της μουσικής ζωντάνεψε την παραγωγή. Για να διακοσμήσουν την παράσταση, οι θεατρικοί συγγραφείς έγραψαν ειδικά τους ρόλους των τσιγγάνων, των περιπλανώμενων τραγουδιστών ή χαρούμενοι καλεσμένοιπου τραγούδησαν και χόρεψαν προκαλώντας χαρμόσυνη αναζωπύρωση του κοινού.
Πριν ξεκινήσουν οι παραστάσεις, ακουγόταν πάντα ευχάριστη μουσική για να απαλλάσσει το κοινό από την πλήξη της αναμονής. Πολλοί θεατές ήρθαν ειδικά εκ των προτέρων για να απολαύσουν την εξαιρετική απόδοση των μουσικών έργων.
Μια μουσική ουβερτούρα (αναγκαστικά «στο γαλλικό στυλ») προηγήθηκε του προλόγου της παράστασης. Το «Curtain Melody» ολοκλήρωσε κάθε πράξη. Αυτή η μελωδία ξεκίνησε στις τελευταίες γραμμές των χαρακτήρων. Η επόμενη πράξη ξεκίνησε με μια μουσική εισαγωγή. Το τέλος της παράστασης σημαδεύτηκε συχνά από έναν γενικό χορό των ηθοποιών, οι οποίοι χόρεψαν τον χορό chaconne, δημοφιλή στην Αγγλία. Μουσική συνόδευε τις πλώρες των ηθοποιών και των αποχωρούντων θεατών μέχρι που δεν έμεινε κανείς στην αίθουσα.
Ο αριθμός των μουσικών αριθμών στο έργο διέφερε ανάλογα με το είδος του έργου. Μια τραγωδία δεν περιελάμβανε περισσότερα από δύο τραγούδια, μια κωμωδία θα μπορούσε να έχει περισσότερα από πέντε. Έπρεπε να παίζεται μουσική σε σκηνές γιορτών, γάμων και κηδειών. Υπήρχαν περισσότερα από είκοσι μουσικά νούμερα στην κωμωδία του Thomas Durfey. Κατά τη διάρκεια αυτής της εποχής, εμφανίστηκε ένας νέος τύπος δραματικής παράστασης, που στην εποχή μας ονομάζεται «οπερέτα».
Οι εραστές υπέφεραν κάτω από σερενάτες, οι υπηρέτες συνέθεταν σατιρικά δίστιχα για τα αφεντικά τους, επικοί ήρωεςτραγουδούσαν μπαλάντες και τα αγόρια του δρόμου τραγουδούσαν παρωδίες των πλουσίων. Όλα αυτά διεύρυναν τα όρια του είδους, εμπλούτισαν την παράσταση με νέες λεπτομέρειες, προσθέτοντας επιπλέον χρώμα στις ερμηνείες των ηθοποιών. Η μουσική, λειτουργικά συνυφασμένη με τους διαλόγους των χαρακτήρων, έπαιξε το ρόλο της ψυχολογικής κορύφωσης της παράστασης. Μια τέτοια παράσταση δεν θα μπορούσε παρά να αγγίξει τα βαθύτερα συναισθήματα ενός ανθρώπου, ενώ ξυπνούσε τις σκέψεις του.
Οι μινιατούρες του χορού ήταν τόσο αναπόσπαστο μέρος μιας δραματικής παράστασης όσο και η μουσική. Και δεν έχει σημασία αν ήταν μια τραγωδία ή μια κωμωδία, μια συνηθισμένη φάρσα ή ένα έργο παρωδίας. Αυτές οι μινιατούρες χορού αναπτύχθηκαν αργότερα σε μπαλέτο, το οποίο έγινε μια ανεξάρτητη μορφή δραματικής τέχνης.
Οι θεατρικοί συγγραφείς και οι ιδιοκτήτες θεάτρου έδιναν μεγάλη σημασία στο χορευτικό ρεπερτόριο όχι μόνο των παραστάσεων, αλλά και των διαλειμμάτων. Στα διαλείμματα, προσελκύοντας το κοινό με φλογερές μελωδίες, η διοίκηση διατηρούσε μια γαλήνια ατμόσφαιρα στο θέατρο, αποσπώντας έτσι την προσοχή των πιο ένθερμων θεατών από τους αναπόφευκτους καβγάδες.
Σε αφίσες του Λονδίνου, μαζί με το όνομα της παράστασης, αναφέρονταν και τα ονόματα των χορών που θα προσφερόταν στο κοινό. Ήταν δημοφιλείς εθνικούς χορούς, ανάμεσά τους σκωτσέζικα, ισπανικά, ιρλανδικά jig και κωμικοί χοροί έτυχαν ιδιαίτερης προσοχής. Η χορογραφία ήταν αναπόσπαστο μέρος της ικανότητας του δραματικού ηθοποιού. Και ο θεατής προτιμούσε όλο και περισσότερο να παρακολουθήσει μια διασκεδαστική μουσική παράσταση με τραγούδια και χορούς, μη δίνοντας σημασία στην πλοκή του έργου. Ο κύριος σκοπός του θεάτρου - η εκπαίδευση των συναισθημάτων και η ανάπτυξη της σκέψης - έδωσε τη θέση του στη διασκέδαση και την ψυχαγωγία.
Στο Μεσαίωνα, λίγες μέρες πριν την έναρξη μιας παράστασης, πανό ή κήρυκες έτρεχαν στην πόλη με σημαίες αναγνώρισης, φωνάζοντας το όνομα του θαυματουργού έργου που επρόκειτο να παρουσιαστεί από έναν περιοδεύοντα θίασο θεάτρου. Για μεγάλο χρονικό διάστημα διατηρήθηκε η προφορική μορφή των προσκλητικών ανακοινώσεων, τα κείμενα των οποίων ήταν ομοιοκαταληκτικά και προφέρονταν με τη συνοδεία μουσικών οργάνων. Στο Λονδίνο, τα εφέ δυνατού θορύβου που συνόδευαν τις θεατρικές ανακοινώσεις ήταν απαγορευμένα, αλλά στις επαρχιακές πόλεις, οι κήρυκες της τρομπέτας και των τυμπάνων τραβούσαν πάντα πολύ περισσότερους θεατές στα θέατρα τους από ό,τι η καμπάνα της εκκλησίας στην εκκλησία. Περισσότεροι από χίλιοι θεατές θα μπορούσαν να συγκεντρωθούν για μια παράσταση από ταξιδιώτες ηθοποιούς μέσα σε λίγα λεπτά.
Οι αρχαίες παραδόσεις της αναγγελίας μιας επερχόμενης θεατρικής παράστασης συνεχίστηκαν μέχρι τα τέλη του 18ου αιώνα. Ο ντράμερ και ο κλαίρας ήταν αναπόσπαστο μέρος της γεύσης της αγροτικής Αγγλίας εκείνης της εποχής. Ενώ ο ντράμερ τράβηξε την προσοχή των κατοίκων της πόλης με ένα περίπλοκο τυμπανοκρουσίες, ο κήρυξ φώναξε όλες τις πληροφορίες για την επερχόμενη παράσταση και μοίρασε προγράμματα που έδειχναν το όνομα του έργου και την ώρα έναρξης της παράστασης.
Στο Λονδίνο, μια σημαία υψώθηκε πάνω από το κτίριο του θεάτρου την ημέρα που επρόκειτο να γίνει μια παράσταση. Η ώρα της έναρξης του ανακοινώθηκε με τρομπέτα και ένας τρομπετίστας από το παράθυρο του θεάτρου σάλπισε τρεις σάλπιγγες σε ορισμένα διαστήματα.
Η πρώτη θεατρική αφίσα εμφανίστηκε στη Γαλλία το δεύτερο μισό του 16ου αιώνα. Στην Αγγλία, οι αφίσες εμφανίστηκαν πολύ αργότερα, μόλις το 1564. Χειρόγραφες αφίσες κρεμούσαν συνήθως σε στύλους κοντά στο θέατρο, στις πύλες κολεγίων και εκπαιδευτικών ιδρυμάτων, σε πυκνοκατοικημένες περιοχές. Στην αφίσα ξεχώριζαν με μεγάλα γράμματα το όνομα του θεάτρου και της παράστασης. Στην κορυφή του υπήρχε το κρατικό οικόσημο με τη λατινική επιγραφή «Ζήτω ο βασιλιάς!» Τον 18ο αιώνα, η αφίσα άρχισε να δείχνει το καστ των ηθοποιών που συμμετείχαν στο έργο και την ώρα έναρξης της παράστασης. Το όνομα του θεατρικού συγγραφέα εμφανίστηκε για πρώτη φορά σε ένα playbill το 1699. Αυτό ήταν το όνομα του συγγραφέα της κωμωδίας Double Game, William Congreve. Το 1700, το Μεγάλο Δικαστήριο του Λονδίνου απαγόρευσε στα θέατρα να αναρτούν τις αφίσες τους στην πόλη και τα περίχωρά της.
Οι εφημερίδες άρχισαν να δημοσιεύουν ανακοινώσεις για τις επερχόμενες παραστάσεις, τους συγγραφείς τους και το καστ. Εκεί, μαζί με διαφημιστικές πληροφορίες, μπορούσε κανείς να βρει τη διεύθυνση του βιβλιοπωλείου όπου πουλήθηκε το κείμενο της παράστασης. Η Daily Courant έβγαζε τακτικά τέτοιες διαφημίσεις το 1702, ακολουθούμενη από την Daily Post και την Daily Journal τη δεκαετία του 1920. Εκείνη την εποχή, οι θεατρικές ανακοινώσεις περιείχαν, εκτός από πληροφορίες για την ίδια την παράσταση, λεπτομέρειες όπως το αίτημα του οποίου (ένα από τα βασιλικά πρόσωπα ή μια ευγενή κυρία) δόθηκε η παράσταση, τιμές για θέσεις στους πάγκους, τα κουτιά και τις γκαλερί, κλπ. Σε ορισμένες περιπτώσεις, οι ιδιοκτήτες θεάτρων ζήτησαν από τους εκδότες να συμπεριλάβουν μερικές γραμμές που να χαρακτηρίζουν τις ερμηνείες των ηθοποιών ή να σχετίζονται με το περιεχόμενο του έργου.
Το 1702, άρθηκε η απαγόρευση για την ανάρτηση playbill στο Λονδίνο. Μαυροκόκκινες αφίσες άρχισαν να εμφανίζονται ξανά στους δρόμους της πόλης. Τα κόκκινα ήταν πιο ακριβά και τυπώνονταν, κατά κανόνα, την ημέρα της πρεμιέρας ή της απόδοσης του οφέλους.
Στους δρόμους, μια μικρή αφίσα μπορούσε να αγοραστεί από μια πορτοκαλοπώλη και για μια μικρή δωροδοκία ανέφερε τα τελευταία θεατρικά νέα ή πήγαινε ένα γράμμα σε μια από τις ηθοποιούς. Οι ιδιοκτήτες θεάτρου προσέλαβαν ειδικά αυτούς τους εμπόρους για να πουλήσουν φρούτα και γλυκά κατά τη διάρκεια των διαλειμμάτων και τους χρέωναν μια ορισμένη αμοιβή για αυτό. Αυτοί οι έμποροι ήταν οι πιο πολύτιμες πηγές πληροφοριών για ζωή στα παρασκήνιαθέατρο, και οι πιο επιδέξιοι και πολυμήχανοι από αυτούς μπόρεσαν να κάνουν μια σημαντική περιουσία για τους εαυτούς τους μέσω του εμπορίου και των συναλλαγών με τους εφημερίδες.
Τα θεατρικά προγράμματα στα θέατρα του Λονδίνου εμφανίστηκαν στη δεκαετία του '60 του 18ου αιώνα μετά από τακτικές περιοδείες Γάλλων ηθοποιών. Παρουσιάστηκε το πολύχρωμα σχεδιασμένο πρόγραμμά τους σε 18 φύλλα Λεπτομερής περιγραφήμηχανήματα με τη βοήθεια των οποίων ο ήρωας του έργου Ορφέας κατεβαίνει στην κόλαση. Το κείμενο στο εξώφυλλο έδειχνε από πού τραβήχτηκε η πλοκή, καθώς και ποιος και πού ακριβώς θα παρουσίαζε αυτή την παράσταση. Στα αγγλικά προγράμματα θα μπορούσαν να δίνονται κείμενα για εξοικονόμηση χρόνου μακριά γράμματα, με το οποίο το κοινό μπορούσε να εξοικειωθεί εκ των προτέρων και έτσι η δράση του έργου δεν ενοχλούσε το κοινό με αναγκαστικά βαρετές σκηνές. Μερικές φορές ο πρόλογος και ο επίλογος μιας παράστασης τυπώνονταν σε ξεχωριστά φύλλα και πωλούνταν πριν από την έναρξη της παράστασης. Στο τέλος κάθε παράστασης γινόταν ανακοίνωση για την επόμενη παράσταση. Η αντίδραση του κοινού (έγκριση ή αγανάκτηση) στην πρόταση της διοίκησης του θεάτρου καθόρισε την τύχη της επερχόμενης παράστασης.
Χρονικά θεατρικών εφημερίδων περιέγραφαν όλα όσα συνέβαιναν στις σκηνές των θεάτρων και στα παρασκήνια, μέχρι την παραμικρή λεπτομέρεια. Το επίκεντρο ήταν επίσης τα γεγονότα που εκτυλίχθηκαν στο αμφιθέατρο, συμπεριλαμβανομένων των καβγάδων μεταξύ άχαρων γλεντζέδων. Περιείχε επίσης τα διατάγματα του Λόρδου Τσάμπερλεν και σχόλια από τη βασιλική λογοκρισία, και επίσης κάλυπτε επισκέψεις σε θέατρα από υψηλόβαθμους ξένους αξιωματούχους που ήταν συχνοί επισκέπτες των θεάτρων του Λονδίνου.
Η αίθουσα του θεάτρου, γεμάτη κόσμο, ήταν καθρέφτηςΑγγλική κοινωνία. Ήταν ένα μέρος για επαγγελματικές συναντήσεις και έρωτες. Οι νέοι μπορούσαν να καυχηθούν για τα πλεονεκτήματα και τα ταλέντα τους και οι γονείς μπορούσαν να επιδείξουν τις κόρες τους ως παντρεμένα κορίτσια. Οι επισκέπτες της υπαίθρου πλούσιοι, έχοντας δει αρκετά από τους fashionistas της πρωτεύουσας, έφεραν στα σπίτια τους νέες εντυπώσεις και μοντέρνα ρούχα.
Άνθρωποι από διαφορετικές τάξεις, παθιασμένοι και ειλικρινά παθιασμένοι με τη δραματική τέχνη, μαζεύονταν στο θέατρο, μερικές φορές στους πιο απροσδόκητους και πολύχρωμους συνδυασμούς. Οι καλύτερες θέσεις στους πάγκους καταλαμβάνονταν πάντα από ευγενείς ανθρώπους και κριτικούς. Το κοινό στους πάγκους ήταν ανάμεικτο, και ως εκ τούτου οι πάγκοι γίνονταν συχνά ο τόπος θορυβωδών διαφωνιών και τσακωμών, που συχνά μετατρέπονταν σε μονομαχίες.
Η μεσαία στοά προοριζόταν για γυναίκες με εύκολη αρετή, που εμφανίζονταν στο θέατρο καλύπτοντας τα πρόσωπά τους με μάσκες. Η πάνω στοά στέγαζε υπηρέτες που συνόδευαν τους κυρίους και ελεύθερους θεατές.
Ήταν δύσκολο να προβλεφθεί η αντίδραση ενός τόσο διαφορετικού κοινού στην παράσταση και το πιο δύσκολο ήταν το έργο των ηθοποιών να υποτάξουν την προσοχή του κοινού. Αυτό, όμως, είναι μάλλον το μαγικό αποτέλεσμα της θεατρικής τέχνης, όταν η δεξιοτεχνία και τα συναισθήματα των ηθοποιών αιχμαλωτίζουν και μεταφέρουν μαζί τους στον χώρο της παράστασης αυτό το παρτέρι, ενίοτε αχαλίνωτο στα πάθη του και μια γκαλερί μακριά από εκλεπτυσμένα συναισθήματα.