La historia del surgimiento del clasicismo ruso. Literatura. teoría. El clasicismo como movimiento literario.

30.04.2019

El clasicismo (del latín classicus - ejemplar) es un estilo y una dirección en el arte y la literatura del siglo XVII y principios del XIX, que marcó un regreso a la herencia antigua como norma y modelo ideal.
Esta dirección se caracteriza por el racionalismo, la normatividad, una tendencia a la armonía, la claridad y sencillez de expresión, el equilibrio de la composición y al mismo tiempo una cierta esquematización e idealización en las obras de arte, que se expresó, por ejemplo, en la jerarquía. de estilos “alto” y “bajo” en la literatura, la exigencia de “tres unidades” (tiempo, lugar y acción) en el drama, enfatizó el purismo en el campo del lenguaje, etc.
Bajo la influencia de la filosofía racionalista del gran pensador francés René Descartes (1596-1650), los principios del clasicismo se establecen en todo tipo de arte.
El principal postulado estético del clasicismo es la fidelidad a la naturaleza, la racionalidad natural del mundo con su belleza objetivamente inherente, que se expresa en simetría, proporción, medida, armonía, que debe recrearse en el arte en perfecta forma. A mediados del siglo XIX. El clasicismo, rezagado con respecto al desarrollo del sentimiento estético público, degeneró en un academicismo sin vida.

Clasicismo(del latín classicus - ejemplar), estilo artístico y dirección estética en la literatura y el arte europeos del siglo XVII y principios del XIX, una de cuyas características importantes fue la apelación a las imágenes y formas de la literatura y el arte antiguos como estética ideal. estándar. K. se forma experimentando la influencia de otras corrientes artísticas paneuropeas que están directamente en contacto con él: parte de la estética del Renacimiento que lo precedió y se enfrenta al arte barroco que coexiste activamente con él, imbuido de la conciencia. de la discordia general generada por la crisis de los ideales de la época pasada. Continuando con algunas tradiciones del Renacimiento (admiración por los antiguos, fe en la razón, ideal de armonía y proporción), K. era para él una especie de antítesis; detrás de la armonía externa en K. se esconde la antinomia interna de la cosmovisión, que la hace similar al barroco (a pesar de todas sus profundas diferencias). Lo genérico y lo individual, lo público y lo personal, la razón y el sentimiento, la civilización y la naturaleza, que aparecieron (en una tendencia) en el arte del Renacimiento como un todo único y armonioso, en K. se polarizan y se convierten en conceptos mutuamente excluyentes. Esto reflejó un nuevo estado histórico, cuando las esferas política y privada comenzaron a desintegrarse y las relaciones sociales comenzaron a convertirse en una fuerza separada y abstracta para los humanos. La idea de razón en el siglo XVII. inseparable de la idea de un Estado absolutista (ver Absolutismo), que en ese momento, según K. Marx, actuaba “... como razón universal...” (ver K. Marx y F. Engels, Obras, 2ª ed., vol. 1, p. 254), “... como centro civilizador, como principio unificador de la sociedad” (ibid., vol. 10, p. 431), como fuerza capaz de frenar el feudalismo. anarquía y establecimiento de la calma y el orden. Los principios del racionalismo, correspondientes a las ideas filosóficas de R. Descartes y el cartesianismo, subyacen a la estética de K. Determinan la visión de obra de arte como una creación artificial: creada conscientemente, organizada inteligentemente, construida lógicamente. Habiendo propuesto el principio de "imitación de la naturaleza", los clasicistas consideran que su condición indispensable es el estricto cumplimiento de las reglas inquebrantables extraídas de la poética antigua (Aristóteles, Horacio) y del arte, que definen las leyes de la forma artística, en las que el creativo razonable Se manifiesta la voluntad del escritor, transformando el material de la vida en la bella, lógicamente una obra de arte esbelta y clara. La transformación artística de la naturaleza, la transformación de la naturaleza en bella y ennoblecida es al mismo tiempo un acto de su más alto conocimiento: el arte está llamado a revelar el modelo ideal del universo, a menudo oculto detrás del caos externo y el desorden de la realidad. Por lo tanto, la mente, al comprender el patrón ideal, actúa como un principio "arrogante" en relación con las características individuales y la diversidad viviente de la vida. Para K. sólo lo genérico, duradero y atemporal tiene valor estético. En cada fenómeno, K. se esfuerza por encontrar y capturar sus características esenciales y estables (esto está asociado con una apelación a la antigüedad como norma estética suprahistórica absoluta, así como a los principios de tipificación del carácter, que actúan como la encarnación de cualquier fuerzas sociales o espirituales). La imagen clasicista gravita hacia un modelo en el que la vida se detiene en su forma idealmente eterna, es un espejo especial donde el individuo se convierte en genérico, lo temporal en eterno, lo real en ideal, la historia en mito, representa lo que está en todas partes y lo que no está en ninguna parte en realidad; es el triunfo de la razón y el orden sobre el caos y el fluido empirismo de la vida. La encarnación de ideas éticas sublimes en formas armoniosamente hermosas y adecuadas a ellas confiere a las obras creadas según los cánones de K. un toque de utopismo, que también se debe al hecho de que la estética de K. concede gran importancia a la función social y educativa. de arte. K. la estética establece una estricta jerarquía de géneros, que se dividen en "altos" (tragedia, épica, oda y, en pintura, géneros históricos, mitológicos y religiosos; su esfera es vida publica o historia religiosa, sus héroes son monarcas, generales, personajes mitológicos, ascetas religiosos) y "bajos" (comedia, sátira, fábula, que representan la vida privada de las personas de las clases medias, y en la pintura, los llamados "pequeños género” - paisaje, retrato, naturaleza muerta). Cada género tiene límites estrictos y características formales claras; no se permite ninguna mezcla de lo sublime y lo vil, lo trágico y lo cómico, lo heroico y lo ordinario. En las artes plásticas, los requisitos previos para K. surgieron ya en la segunda mitad del siglo XVI. en Italia, en la teoría y práctica arquitectónica de Palladio, los tratados teóricos de Vignola, S. Serlio; Se expresan de manera más consistente en las obras de J. P. Bellori (siglo XVII), así como en los estándares estéticos desarrollados por los académicos de la escuela boloñesa. Sin embargo, a lo largo del siglo XVII. K., desarrollándose en interacción y polémica con el barroco, solo en el arte francés se convirtió en un sistema estilístico integral y se convirtió en un estilo paneuropeo en el siglo XVIII y principios del XIX. La arquitectura kazaja en su conjunto se caracteriza por un geometrismo de formas marcadamente estáticas y una planificación lógica, una apelación constante a las formas de la arquitectura antigua; esto significaba no sólo seguir sus motivos y elementos individuales, sino también comprender sus patrones tectónicos generales. La base del lenguaje arquitectónico de Kazajstán es el orden, en proporciones y formas más cercanas a la antigüedad que en la arquitectura de siglos anteriores. Las paredes se tratan como superficies lisas que delimitan volúmenes claros y ubicados simétricamente; La decoración arquitectónica se introduce de tal manera que nunca “oculta” la estructura general, sino que se convierte en su acompañamiento sutil y discreto. El interior de K. se caracteriza por la claridad de las divisiones espaciales y la suavidad de los colores: haciendo amplio uso de los efectos de perspectiva en la pintura monumental y decorativa, K. separa fundamentalmente el espacio ilusorio del real. En la síntesis clasicista de las artes, las formas están subordinadas a una estricta jerarquía, donde la arquitectura domina claramente. La planificación urbana está genéticamente relacionada con los principios del Renacimiento y el Barroco y desarrolla activamente el concepto de “ciudad ideal”; a finales del siglo XVIII - 1er tercio del siglo XIX. Están surgiendo nuevas técnicas de planificación que prevén la combinación orgánica del desarrollo urbano con elementos de la naturaleza, la creación de áreas abiertas que se fusionan espacialmente con la calle o el terraplén. La claridad tectónica de la arquitectura kazaja corresponde a la estricta demarcación de los planos espaciales en la escultura y la pintura. La escultura plástica, en la que predominan los volúmenes monocromáticos cerrados, generalmente diseñados para un punto de vista fijo, se distingue por un modelado suave y estabilidad de formas. En la pintura de Kazán, el dibujo y el claroscuro adquieren una importancia predominante (especialmente en la Kazán tardía, cuando la pintura a veces tiende hacia la monocromía y los gráficos hacia una linealidad pura y estilizada, el color local se basa en una combinación de tres colores dominantes (por ejemplo, el marrón); el primero, verde para el segundo, azul para el fondo), el ambiente luminoso y aireado se enrarece y se convierte en un relleno neutro de los huecos entre los volúmenes plásticos, la acción se desarrolla como en un escenario. El mayor artista y teórico de la cultura francesa del siglo XVII. fue N. Poussin, cuyas pinturas están marcadas por la sublimidad del contenido ético, la armonía ilustrada de la estructura rítmica y el color. El paisaje ideal (N. Poussin, Claude Lorrain, G. Duguay), que encarna el sueño de una época dorada, recibió un brillante desarrollo en esta época. En arquitectura, los principios de la arquitectura toman forma en los edificios de F. Mansart, marcados por la claridad del orden, las divisiones y la composición, en la fachada oriental del Louvre, creada por C. Perrault (), el ejemplo más puro del estilo del siglo XVII. siglo, en la obra de L. Levo, F. Blondel. De la segunda mitad del siglo XVII. French K. lo absorbe todo más elementos Barroco, que se manifestó, en particular, en la arquitectura y el diseño de Versalles (arquitecto J. Hardouin-Mansart y otros, diseño del parque - A. Le Nôtre). La consolidación de las doctrinas de la cultura fue facilitada por la creación en París de la Real Academia de Pintura y Escultura (1648) y la Academia de Arquitectura (1671), que desarrollaron un conjunto de leyes de composición y dibujo, estándares para representar emociones. un sistema de géneros en pintura y proporciones en arquitectura. En el siglo XVII y principios del XVIII. K. también está muy extendido en la arquitectura de Holanda (arquitecto Jacob van Kampen, P. Post), lo que dio lugar a una versión particularmente sobria del mismo, en la arquitectura palladiana de Inglaterra, donde aún se conservan ecos del Renacimiento en estricto nobleza de los edificios de I. Jones, y en las obras de K. Wren y sus seguidores, finalmente se forma la versión nacional de K.

Estilo clásico expresa una cierta tendencia del pensamiento artístico, basada en el deseo natural de sencillez, claridad, racionalidad y coherencia de la imagen artística. El estilo artístico del Clasicismo representa la máxima expresión de la Idea de integridad, claridad, integridad y equilibrio compositivo. En la arquitectura del clasicismo hay un cierto conjunto de características formales. Lo horizontal prevalece sobre lo vertical. Composicionalmente destaca el eje de simetría, de ahí la habitual división de la fachada en tres partes con un saliente central ampliado y dos laterales más pequeños. Todas las formas tienden a ser cuadradas, circulares o de arco de medio punto. En términos de planta, las estructuras céntricas son especialmente populares, ya que garantizan la misma percepción desde diferentes puntos de vista. En escultura, la formación del pensamiento artístico clasicista estuvo acompañada de una transición del colorido naturalista de estatuas y relieves, un intento ingenuo de "revivirlos" en la decoración arcaica o variada griega del arte oriental, a la expresividad lacónica del volumen mismo. , limpiándolo de todo lo superfluo y accidental. Las funciones del color fueron asumidas por la pintura, que se separó de la arquitectura y la escultura. En la pintura clásica, la imagen también se construye siempre según el "principio del relieve", es decir, alternando planos espaciales paralelos al plano de la imagen. Al percibir un edificio, pintura, fresco o escultura de estilo clásico, surge una sensación de tranquilidad, claridad e iluminación. Incluso a pesar de saber que lo más probable es que se trate de una decoración hábil, esencialmente estilización, un engaño artístico, y a pesar de que el clasicismo pierde en detalles decorativos, complejidad y otros estilos en el arte, es más atractivo y siempre deseado.
En general, las tendencias del estilo clásico en diferentes eras y en diferentes tipos el arte muestra una cosa: la lucha del artista por el ideal a través del rechazo de lo aleatorio, temporal, cambiante.

El arte del clasicismo.

Introducción

El tema de mi trabajo es el arte del clasicismo. Este tema me interesó mucho y me llamó la atención. El arte en general abarca muchas cosas, incluye la pintura y la escultura, la arquitectura, la música y la literatura, y en general todo lo creado por el hombre. Mirando las obras de muchos artistas y escultores, me parecieron muy interesantes; me atrajeron por su idealidad, claridad de líneas, corrección, simetría, etc.

El propósito de mi trabajo es considerar la influencia del clasicismo en la pintura, la escultura y la arquitectura, en la música y la literatura. También considero necesario definir el concepto de “clasicismo”.

1. Clasicismo

El término clasicismo proviene del latín classicus, que literalmente significa ejemplar. En crítica literaria y de arte, el término denota una determinada dirección, método artístico y estilo de arte.

Esta dirección de arte se caracteriza por el racionalismo, la normatividad, una tendencia hacia la armonía, la claridad y la simplicidad, el esquematismo y la idealización. Rasgos de personaje se expresan en la jerarquía de estilos "alto" y "bajo" en la literatura. Por ejemplo, en la dramaturgia se requería unidad de tiempo, acción y lugar.

Los partidarios del clasicismo se adhirieron a la fidelidad a la naturaleza, las leyes del mundo racional con su belleza inherente, todo esto se reflejó en la simetría, las proporciones, el lugar, la armonía, todo debería haberse presentado como ideal en su forma perfecta.

Bajo la influencia del gran filósofo y pensador de la época, R. Descartes, los rasgos y características del clasicismo se extendieron a todos los ámbitos de la creatividad humana (música, literatura, pintura, etc.).

2. El clasicismo y el mundo de la literatura

El clasicismo como movimiento literario surgió en 16-17. Sus orígenes se encuentran en las actividades de las escuelas académicas italianas y españolas, así como en la asociación escritores franceses“Pléyades”, que durante el Renacimiento recurrió al arte antiguo, a las normas marcadas por los teóricos antiguos. (Aristóteles y Horacio), tratando de encontrar en las antiguas imágenes armoniosas un nuevo apoyo a las ideas del humanismo que había atravesado una profunda crisis. El surgimiento del clasicismo se debe históricamente a la formación. monarquía absoluta- una forma de estado de transición, cuando la aristocracia debilitada y la burguesía, que aún no había ganado fuerza, estaban igualmente interesadas en el poder ilimitado del rey. El clasicismo alcanzó su mayor florecimiento en Francia, donde su conexión con el absolutismo fue especialmente clara.

Las actividades de los clasicistas estuvieron a cargo de la Academia Francesa, fundada en 1635 por el cardenal Richelieu. La creatividad de escritores, artistas, músicos y actores del clasicismo dependía en gran medida del benevolente rey.

Como movimiento, el clasicismo se desarrolló de manera diferente en los países europeos. En Francia, se desarrolló en la década de 1590 y se volvió dominante a mediados del siglo XVII; su mayor florecimiento se produjo en 1660-1670. Luego el clasicismo atravesó una crisis y en la primera mitad del siglo XVIII se convirtió en el sucesor del clasicismo. clasicismo educativo, que en la segunda mitad del siglo XVIII perdió su posición de liderazgo en la literatura. Durante la Revolución Francesa del siglo XVIII, el clasicismo de la Ilustración formó la base del clasicismo revolucionario, que dominó todas las esferas del arte. El clasicismo prácticamente degeneró en el siglo XIX.

Como método artístico, el clasicismo es un sistema de principios de selección, valoración y reproducción de la realidad. La principal obra teórica, que establece los principios básicos de la estética clásica, es "El arte poético" de Boileau (1674). Los clasicistas vieron la finalidad del arte en el conocimiento de la verdad, que actúa como ideal de belleza. Los clasicistas propusieron un método para lograrlo, basado en tres categorías centrales de su estética: la razón, el ejemplo y el gusto, que se consideraban criterios objetivos del arte. Las grandes obras no son fruto del talento, ni de la inspiración, ni de la imaginación artística, sino de la persistente adhesión a los dictados de la razón, el estudio de las obras clásicas de la antigüedad y el conocimiento de las reglas del gusto. De esta manera los clasicistas reunieron actividad artística De lo científico, por tanto, el método filosófico racionalista de Descartes resultó aceptable para ellos. Descartes argumentó que la mente humana tiene ideas innatas, cuya verdad está fuera de toda duda. Si se pasa de estas verdades a posiciones no dichas y más complejas, dividiéndolas en simples, pasando metódicamente de lo conocido a lo desconocido, sin permitir lagunas lógicas, entonces cualquier verdad puede aclararse. Así es como la razón se convirtió en el concepto central de la filosofía del racionalismo y luego en el arte del clasicismo. El mundo parecía inmóvil, la conciencia y el ideal, inmutables. El ideal estético es eterno y el mismo en todo momento, pero sólo en la época de la Antigüedad se materializó en el arte con la mayor plenitud. Por tanto, para reproducir el ideal es necesario recurrir al arte antiguo y estudiar sus leyes. Es por eso que los clasicistas valoraban mucho más la imitación de modelos que la creatividad original.

Volviendo a la Antigüedad, los clasicistas abandonaron la imitación de modelos cristianos, continuando la lucha de los humanistas del Renacimiento por un arte libre de dogmas religiosos. Los clasicistas tomaron prestados rasgos externos de la Antigüedad. Bajo los nombres de los héroes antiguos, las personas de los siglos XVII y XVIII eran claramente visibles, y los objetos antiguos permitieron plantear los problemas más urgentes de nuestro tiempo. Se proclamó el principio de imitación de la naturaleza, limitando estrictamente el derecho del artista a la imaginación. En el arte no se prestaba atención a lo particular, individual, aleatorio, sino a lo general, típico. El carácter de un héroe literario no tiene rasgos individuales, actuando como una generalización de todo un tipo de personas. El carácter es una propiedad distintiva, cualidad general, especificidad de uno u otro. tipo humano. El carácter puede agudizarse de manera extrema e inverosímil. Moral significa general, ordinaria, consuetudinaria; carácter significa especial, raro precisamente en el grado de expresión de la propiedad dispersa en la moral de la sociedad. El principio del clasicismo llevó a la división de los héroes en negativos y positivos, serios y divertidos. La risa se vuelve satírica y se refiere principalmente a personajes negativos.

Los clasicistas no se sienten atraídos por toda la naturaleza, sino sólo por la "naturaleza agradable". Todo lo que contradice el modelo y el gusto es excluido del arte; toda una serie de objetos parecen “indecentes”, indignos del gran arte. En el caso de que sea necesario reproducir un fenómeno feo de la realidad, se refleja a través del prisma de lo bello.

Mucha atención Los clasicistas prestaron atención a la teoría de los géneros. No todos los géneros establecidos cumplían con los principios del clasicismo. Apareció un principio previamente desconocido de jerarquía de géneros, afirmando su desigualdad. Hay géneros principales y no principales. A mediados del siglo XVII, la tragedia se había convertido en el principal género literario. La prosa, especialmente la ficción, se consideraba un género inferior a la poesía, por lo que se generalizaron los géneros en prosa que no estaban diseñados para la percepción estética: sermones, cartas, memorias, la ficción cayó en el olvido; El principio de jerarquía divide los géneros en “altos” y “bajos”, y a los géneros se les asignan determinadas esferas artísticas. Por ejemplo, a los géneros "altos" (tragedia, oda) se les asignaron problemas de carácter nacional. En los géneros “bajos” era posible tocar problemas privados o vicios abstractos (tacañería, hipocresía). Los clasicistas prestaron la mayor atención a la tragedia; las leyes de su escritura eran muy estrictas. Se suponía que la trama reproduciría tiempos antiguos, la vida de estados lejanos ( Antigua Roma, Antigua Grecia); Había que adivinarlo por el título, la idea, desde las primeras líneas.

El clasicismo como estilo es un sistema de pictórica. medios expresivos, tipificando la realidad a través del prisma de modelos antiguos, percibidos como el ideal de armonía, sencillez, inequívoco y sistema ordenado. El estilo reproduce la capa exterior ordenada racionalmente de la cultura antigua, sin transmitir su esencia pagana, compleja e indiferenciada. La esencia del estilo clasicista era expresar la visión del mundo de un hombre de la era absolutista. El clasicismo se distinguió por la claridad, la monumentalidad, el deseo de eliminar todo lo innecesario, de crear una impresión única e integral.

Los mayores representantes del clasicismo en la literatura son F. Malherbe, Corneille, Racine, Moliere, La Fontaine, F. La Rochefoucauld, Voltaire, G. Miltono, Goethe, Schiller, Lomonosov, Sumarokov, Derzhavin, Knyazhnin. Las obras de muchos de ellos combinan rasgos del clasicismo y de otros movimientos y estilos (barroco, romanticismo, etc.). El clasicismo se desarrolló en muchos países europeos, en Estados Unidos, América Latina etc. El clasicismo revivió repetidamente en las formas de clasicismo revolucionario, estilo imperio, neoclasicismo e influye en el mundo del arte hasta hoy.

3. Clasicismo y bellas artes

La teoría de la arquitectura se basa en el tratado de Vitruvio. El clasicismo es el sucesor espiritual directo de las ideas y principios estéticos del Renacimiento, reflejados en el arte renacentista y las obras teóricas de Alberti, Palladio, Vignola, Serlio.

En diferentes países europeos, las etapas temporales del desarrollo del clasicismo no coinciden. Así, ya en el siglo XVII, el clasicismo ocupó posiciones importantes en Francia, Inglaterra y Holanda. En la historia del arte alemán y ruso, la era del clasicismo data de la segunda mitad del siglo XVIII y el primer tercio del siglo XIX; para los países enumerados anteriormente, este período está asociado con el neoclasicismo.

Los principios y postulados del clasicismo se desarrollaron y existieron en constante polémica y al mismo tiempo en interacción con otros conceptos artísticos y estéticos: manierismo y barroco en el siglo XVII, rococó en el siglo XVIII, romanticismo en el siglo XIX. Al mismo tiempo, la expresión del estilo en diferentes tipos y géneros de arte de un determinado período fue desigual.

En la segunda mitad del siglo XVI se produjo el colapso de la visión única y armoniosa del mundo y del hombre como centro inherente a la cultura renacentista. El clasicismo se caracteriza por la normatividad, la racionalidad, la condena de todo lo subjetivo y una fantástica exigencia del arte de naturalidad y corrección. El clasicismo también se caracteriza por una tendencia a sistematizar, a crear una teoría completa de la creatividad artística y a buscar modelos perfectos e inmutables. El clasicismo buscó desarrollar un sistema de reglas y principios generales y universales destinados a comprender y encarnar a través de medios artísticos el ideal eterno de la belleza y la armonía universal. Esta dirección se caracteriza por los conceptos de claridad y medida, proporción y equilibrio. Las ideas clave del clasicismo quedaron esbozadas en el tratado de Bellori "Vidas de artistas, escultores y arquitectos modernos" (1672), el autor expresó la opinión de que era necesario elegir un camino intermedio entre copiar mecánicamente la naturaleza y dejarla en el reino de la fantasía; .

Las ideas y las imágenes perfectas del clasicismo nacen de la contemplación de la naturaleza, ennoblecida por la mente, y la naturaleza misma en el arte clásico aparece como una realidad purificada y transformada. Antigüedad - mejor ejemplo arte natural.

En arquitectura, las corrientes del clasicismo se dieron a conocer en la segunda mitad del siglo XVI en las obras de Palladio y Scamozzi, Delorme y Lescaut. El clasicismo del siglo XVII tuvo varias características. El clasicismo se distinguió por una actitud bastante crítica hacia las creaciones de los antiguos, que fueron percibidas no como un ejemplo absoluto, sino como un punto de partida en la escala de valores del clasicismo. Los maestros del clasicismo se propusieron aprender las lecciones de los antiguos, pero no para imitarlos, sino para superarlos.

Otra característica es la estrecha conexión con otros movimientos artísticos, principalmente el barroco.

Para la arquitectura del clasicismo, cualidades como la sencillez, la proporcionalidad, la tectónica, la regularidad de la fachada y la composición volumétrico-espacial, la búsqueda de proporciones agradables a la vista y la integridad de la imagen arquitectónica, expresada en la armonía visual de todos sus piezas, son de particular importancia. En la primera mitad del siglo XVII, las mentalidades clasicistas y racionalistas se reflejaron en varios edificios de Desbros y Lemercier. En la segunda mitad de las décadas de 1630 y 1650, se intensificó la inclinación hacia la claridad geométrica y la integridad de los volúmenes arquitectónicos y la silueta cerrada. El período se caracteriza por un uso más moderado y una distribución uniforme de los elementos decorativos, concienciación significado independiente plano libre de la pared. Estas tendencias surgieron en los edificios seculares de Mansar.

La naturaleza y el paisaje se convirtieron en una parte orgánica de la arquitectura clasicista. La naturaleza actúa como un material a partir del cual la mente humana puede crear formas correctas, de apariencia arquitectónica y matemática en esencia. El principal exponente de estas ideas es Le Nôtre.

En las bellas artes, los valores y reglas del clasicismo se expresaron exteriormente en la exigencia de claridad de la forma plástica y el equilibrio ideal de la composición. Esto determinó la prioridad de la perspectiva lineal y el dibujo como principal medio para identificar la estructura y la “idea” de la obra incrustada en ella.

El clasicismo penetró no sólo en la escultura y la arquitectura de Francia, sino también en el arte italiano.

Los monumentos públicos se generalizaron en la era del clasicismo; dieron a los escultores la oportunidad de idealizar el valor militar y la sabiduría de los estadistas. La fidelidad al modelo antiguo requería que los escultores representaran modelos desnudos, lo que entraba en conflicto con las normas morales aceptadas.

Los clientes privados de la época clásica preferían perpetuar sus nombres en lápidas. La popularidad de esta forma escultórica se vio facilitada por la disposición de cementerios públicos en las principales ciudades de Europa. De acuerdo con el ideal clasicista, las figuras de las lápidas suelen encontrarse en un estado de profundo reposo. La escultura del clasicismo es generalmente ajena a los movimientos bruscos y a las manifestaciones externas de emociones como la ira.

El clasicismo imperial tardío, representado principalmente por el prolífico escultor danés Thorvaldsen, está imbuido de un patetismo seco. Se valoran especialmente la pureza de líneas, la moderación de los gestos y las expresiones desapasionadas. Al elegir modelos a seguir, el énfasis se desplaza del helenismo al período arcaico. Se están poniendo de moda las imágenes religiosas que, según la interpretación de Thorvaldsen, producen en el espectador una impresión algo escalofriante. La escultura de lápida del clasicismo tardío a menudo tiene un ligero toque de sentimentalismo.

4. Música y clasicismo

El clasicismo en la música se formó en el siglo XVIII sobre la base del mismo conjunto de ideas filosóficas y estéticas que el clasicismo en la literatura, la arquitectura, la escultura y las artes visuales. No se han conservado imágenes antiguas en la música; la formación del clasicismo en la música se produjo sin ningún apoyo.

Los representantes más brillantes del clasicismo son los compositores de Viena. Escuela Clásica Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven. Su arte admira la perfección de la técnica compositiva, la orientación humanista de la creatividad y el deseo, especialmente notable en la música de V.A. Mozart, para mostrar la belleza perfecta a través de la música. El concepto mismo de Escuela Clásica de Viena surgió poco después de la muerte de L. Van Beethoven. El arte clásico se distingue por un delicado equilibrio entre sentimientos y razón, forma y contenido. La música del Renacimiento reflejaba el espíritu y el aliento de su época; en la época barroca, el tema de exhibición en la música era la condición humana; la música de la era clásica glorifica las acciones y hechos del hombre, las emociones y sentimientos que experimenta, la mente humana atenta y holística.

Se está desarrollando una nueva cultura musical burguesa con sus característicos salones privados, conciertos y representaciones de ópera, abiertos a cualquier público, un público sin rostro, actividades editoriales y crítica musical. En esta nueva cultura, el músico tiene que hacer valer su posición como artista independiente.

El apogeo del clasicismo comenzó en los años 80 del siglo XVIII. En 1781, J. Haydn creó varias obras innovadoras, incluido su Cuarteto de cuerda op. 33; Tiene lugar el estreno de la ópera de V.A. "El rapto del serrallo" de Mozart; Se publican el drama de F. Schiller "Los ladrones" y la "Crítica de la razón pura" de I. Kant.

En la era del Clasicismo, la música se entiende como un arte supranacional, una especie de lenguaje universal comprensible para todos. Está surgiendo una nueva idea sobre la autosuficiencia de la música, que no sólo describe la naturaleza, entretiene y educa, sino que también es capaz de expresar la verdadera humanidad a través de un lenguaje metafórico sencillo y comprensible.

Tono lenguaje musical cambia de sublimemente serio, algo sombrío, a más optimista y alegre. Por primera vez, la base de una composición musical es una melodía imaginativa, libre de grandilocuencia vacía, y un desarrollo dramático contrastante, encarnado en forma de sonata basada en la oposición de los principales temas musicales. La forma sonata predomina en muchas obras de este período, incluidas sonatas, tríos, cuartetos, quintetos, sinfonías, que al principio no tenían límites estrictos con la música de cámara, y conciertos de tres movimientos, principalmente para piano y violín. Se están desarrollando nuevos géneros: diversión, serenata y casación.

Conclusión

clasicismo arte literatura música

En este trabajo, examiné el arte de la época clásica. Al escribir la obra, leí muchos artículos sobre el tema del clasicismo y también miré muchas fotografías que representan pinturas, esculturas y estructuras arquitectónicas de la época del clasicismo.

Creo que el material que he proporcionado es suficiente para una comprensión general de este tema. Me parece que para desarrollar un conocimiento más amplio en el campo del clasicismo es necesario visitar museos de bellas artes, escuchar obras musicales de ese tiempo y familiarícese con al menos 2-3 obras literarias. Visitar museos te permitirá sentir mucho más profundamente el espíritu de la época, experimentar esos sentimientos y emociones que los autores y los finales de las obras intentaron transmitirnos.

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Instrucciones

El clasicismo como movimiento literario se originó en el siglo XVI en Italia. En primer lugar, los avances teóricos afectaron a la dramaturgia, un poco menos a la poesía y, por último, a la prosa. El movimiento recibió su mayor desarrollo cien años después en Francia y está asociado con nombres como Corneille, Racine, Lafontaine, Molière y otros. El clasicismo se caracteriza por una orientación hacia la antigüedad. Los autores de esa época creían que un escritor no debía guiarse por la inspiración, sino por reglas, dogmas y modelos probados. El texto debe ser coherente, lógico, claro y preciso. Cómo determinar si el texto que tienes delante pertenece al movimiento del “clasicismo”.

Para el clasicismo, la posición de la "trinidad" es de fundamental importancia. Sólo hay una acción y se desarrolla en un lugar y en un momento. La única historia se desarrolla en un solo lugar: llegó al clasicismo desde la antigüedad.

Definición de conflicto. Las obras de la época del clasicismo se caracterizan por el enfrentamiento entre razón y sentimiento, deber y pasiones. Al mismo tiempo, los héroes negativos se guían por las emociones, mientras que los positivos viven según la razón, por eso ganan. Al mismo tiempo, las posiciones de los héroes son muy claras, solo blanco y negro. El concepto principal es el concepto de deber, servicio civil.

Al trabajar con personajes, destaca la presencia de máscaras estables. Necesariamente presentes: una chica, su novia, su padre, varios pretendientes (al menos tres), y uno de los pretendientes es positivo, héroe positivo, reflejando la moralidad. Las imágenes carecen de individualidad, porque su propósito es capturar lo básico, características de nacimiento héroes.

Definición de composición. El clasicismo presupone la presencia de exposición, trama, desarrollo de la trama, clímax y desenlace. Al mismo tiempo, necesariamente se entreteje algún tipo de desgracia en la trama, como resultado de lo cual la niña se casa con un novio "positivo".

La evidencia de que el texto pertenece al clasicismo refuerza las técnicas de catarsis y desenlace inesperado. En el primer caso, a través de los personajes negativos que se encuentran en una situación difícil, el lector queda espiritualmente limpio. En el segundo, el conflicto se resuelve mediante intervención externa. Por ejemplo, una orden de arriba, una manifestación de la voluntad divina.

El clasicismo representa la vida de una manera idealizada. Al mismo tiempo, la tarea del trabajo es mejorar la sociedad y su moral. Los textos fueron diseñados para la mayor audiencia posible, razón por la cual Atención especial Los autores prestaron atención a los géneros dramáticos.

Uno de los elementos más importantes en la composición de cualquier obra literaria es el clímax. El clímax, por regla general, se sitúa justo antes del desenlace de la obra.

El término "culminación" en la crítica literaria.

Este término proviene del vocablo latino “culminatio”, que significa punto mas alto la tensión de cualquier fuerza dentro del trabajo. Muy a menudo, la palabra "culminatio" se traduce como "cima", "pico", "punto". En una obra literaria, lo más frecuente es que se implique un pico emocional.

En la crítica literaria se suele utilizar la palabra “clímax” para designar el momento de mayor tensión dentro del desarrollo de la acción en una obra. Este es el momento en el que se produce un choque importante (incluso decisivo) entre personajes en las circunstancias más difíciles. Tras este choque, la trama de la obra avanza rápidamente hacia un desenlace.

Es importante entender que a través de los personajes el autor suele confrontar ideas, cuyos portadores son los personajes de las obras. Cada uno de ellos no aparece en la obra por casualidad, sino precisamente con el propósito de promover su propia idea y oponerse a la idea principal (a menudo puede coincidir con la idea del autor).

Clímax complejo en la obra.

Dependiendo de la complejidad de la obra, la cantidad de personajes, las ideas involucradas, los conflictos creados, la culminación de la obra puede volverse más complicada. Algunas novelas largas tienen múltiples clímax. Por regla general, esto se aplica a las novelas épicas (aquellas que describen la vida de varias generaciones). Estas obras vívidas son las novelas "Guerra y paz" de L.N. Tolstoi, " Don tranquilo» Sholojov.

No sólo una novela épica, sino también obras menos voluminosas pueden tener un clímax complejo. Su complejidad compositiva puede explicarse por la plenitud ideológica, un gran número de historias y personajes. En cualquier caso, el clímax siempre juega un papel importante en la percepción del texto por parte del lector. El clímax puede cambiar radicalmente las relaciones dentro del texto y la actitud del lector hacia los personajes y el desarrollo de la historia.

El clímax es una parte integral de la composición de cualquier historia.

El clímax suele seguir a una o más complicaciones del texto. El clímax puede ir seguido de un desenlace o el final puede coincidir con el clímax. Este final a menudo se llama "abierto". El clímax revela la esencia del problema de toda la obra. Esta regla se aplica a todo tipo de textos literarios, desde cuentos de hadas y fábulas hasta grandes obras literarias.

Vídeo sobre el tema.

Consejo 3: Cómo resaltar las características clave del personaje en una novela.

La capacidad de identificar las características clave de los héroes de las obras ayuda a la hora de escribir ensayos en la escuela y sirve como una buena preparación para el Examen Estatal Unificado de Literatura. Para analizar una imagen artística es importante seguir un determinado orden de acciones y trazar un plan correctamente. La observación cuidadosa de los medios de creación de imágenes utilizados por el autor y el resumen competente del material recopilado ayudarán a caracterizar de manera más completa y precisa. personajes literarios.

Medios importantes para representar una imagen.

La imagen artística es creada por el autor a través de diversos medios de representación. Comience a identificar características clave determinando el lugar del héroe en el sistema de otros personajes de la novela: principal, secundario o extra-escenario. Los personajes secundarios le dan al personaje principal la oportunidad de revelarse y quedan en un segundo plano. Fuera del escenario realizar funciones oficiales.

Las imágenes literarias suelen tener prototipos. Se sabe que el prototipo de la joven y encantadora Natasha Rostova fue su amado hermano L.N. Tolstoi Tanya Bers. Ostap Bender Ilf y Petrov aparecieron gracias a Osip Shor, residente de Odessa, que era propenso a la aventura. Establecer la presencia de un prototipo. actor novela analizada.

Observe los principales medios de representación del héroe, gracias a los cuales tendrá una idea de las características clave de la imagen. Éstas incluyen:

Descripción del retrato: descripción de la apariencia (rostro, figura, andar, etc.). La vestimenta, la manera de hablar y el porte indican estatus social. Los cambios en las expresiones faciales, posturas y gestos son evidencia de experiencias emocionales. La actitud del escritor hacia su héroe se expresa a través del retrato.

Las principales características se revelan en las acciones y actitud hacia el medio ambiente. El personaje puede ser simple: un héroe negativo o positivo. Lo complejo es contradictorio y paradójico; se caracteriza por varios rasgos. El dueño de tal personaje se desarrolla constantemente espiritualmente, está en busca de su propio camino de la vida. El comportamiento indica humanidad o inhumanidad y merece condena o empatía. Las condiciones de vida están directamente relacionadas con la manifestación de diferentes rasgos de carácter.

El habla en las versiones clásicas de las obras encarna los pensamientos del personaje y sirve como medio de comunicación con los demás. Ayuda a establecer el origen social. Puntos a capacidad mental y cualidades internas.

Los detalles artísticos pueden reemplazar de manera muy precisa y vívida las descripciones extensas. El artista de las palabras dota a este detalle de carga emocional y semántica. Por ejemplo, M.A. Sholokhov para la divulgación estado mental de su héroe Andrei Sokolov, la atención principal se presta a "los ojos, como si estuvieran salpicados de cenizas".

La elección del nombre y apellido por parte del escritor no suele ser aleatoria. Un nombre puede indicar la esencia humana, predeterminar acciones y destino. Varias opciones indican cualidades personales y contienen sugerencias para comprender los rasgos clave del carácter (Anna, Anka y Nyuska). El apellido del personaje principal de la novela F.M. Dostoievski "Crimen y castigo" - Raskolnikov. Los disidentes son personas que se han separado y rechazado la dirección principal. Inicialmente, la teoría de Rodion Raskolnikov contradecía las leyes de la vida y la moralidad y, por lo tanto, lo separaba de quienes lo rodeaban.

Las características directas e indirectas del autor del héroe de la novela también indican las características clave de la imagen que creó.

Tipos literarios

Para comprender mejor la imagen del personaje, determine su relación con un determinado tipo literario. Los clásicos se caracterizan por la máxima tipicidad. Los héroes se dividen estrictamente en positivos y negativos. Estos tipos se suelen encontrar en tragedias y comedias de la época clásica. La capacidad de experiencia, introspección y contemplación emocional es inherente a los héroes sentimentales. Un ejemplo es el joven Werther de la novela de Goethe. La imagen romántica apareció como resultado del reflejo en el arte de los rebeldes. Espíritu humano. Los héroes románticos no viven en la realidad; se caracterizan por sentimientos fuertes y deseos secretos. La pasión ardiente es el principal motor de la acción. Deben considerarse los tipos realistas más llamativos “ hombrecito", "una persona extra." Las circunstancias y el entorno tienen una fuerte influencia en el comportamiento de los personajes de las novelas realistas.

En el siglo XVII, hubo dos movimientos literarios principales que se oponían: el barroco y el clasicismo.

Los intérpretes del clasicismo suelen declarar que el rasgo más importante de la poética clasicista es su carácter normativo. El pensamiento teórico del clasicismo, por delante de práctica artística y mucho antes de la aparición del código de leyes clasicistas más completo y autorizado que adquirió importancia paneuropea: "Arte poético" de Nicolas Boileau (1674), formó un conjunto de leyes y reglas obligatorias para todos los artistas. Y, sin embargo, muchos partidarios del clasicismo no siempre cumplieron estrictamente sus reglas. Sin embargo, de esto no se sigue que destacados representantes del clasicismo (en particular, Moliere) hayan ido más allá de los límites del clasicismo en sus actividades literarias. Incluso violando algunos requisitos particulares, los escritores se mantuvieron fieles a los principios básicos y fundamentales del clasicismo.

Por tanto, a pesar de la importancia de la normatividad para el arte del clasicismo, no es su característica más importante. Además, la normatividad es sólo el resultado del antihistoricismo fundamental inherente al clasicismo. Los clasicistas declararon que el “buen gusto”, condicionado por las leyes “eternas e inmutables” de la razón, era el “juez” supremo de la belleza. Los clasicistas reconocieron el ejemplo e ideal de la encarnación de las leyes de la razón y, por tanto, del buen gusto. arte antiguo y poética Aristóteles Y horacio fueron interpretados como una declaración de estas leyes.

Reconocimiento de la existencia de lo eterno y objetivo, es decir. Independientemente de la conciencia del artista, las leyes del arte implicaban el requisito de una estricta disciplina de la creatividad, la negación de la inspiración "desorganizada" y la imaginación obstinada. Para los clasicistas, por supuesto, la exaltación barroca de la imaginación como fuente más importante de impulsos creativos es absolutamente inaceptable. Los partidarios del clasicismo vuelven al principio renacentista de "imitación de la naturaleza", pero lo interpretan de manera más estricta. En la interpretación de los clasicistas, no asumió la veracidad de la reproducción de la realidad, sino la verosimilitud, por lo que entendían la descripción de las cosas no como son en realidad, sino como deberían ser según la razón. De ahí la conclusión más importante: el tema del arte no es toda la naturaleza, sino sólo una parte de ella, identificada después de una cuidadosa selección y esencialmente reducida a la naturaleza humana, tomada sólo en sus manifestaciones conscientes. La vida, sus lados feos, deberían aparecer en el arte como una naturaleza ennoblecida y estéticamente bella, como una “naturaleza hermosa”, que brinda placer estético. Pero este placer estético no es un fin en sí mismo, es sólo un camino hacia la mejora. la naturaleza humana y, en consecuencia, la sociedad.

En la práctica, el principio de “imitación de la bella naturaleza” a menudo significaba un llamado a imitar obras antiguas como ejemplos ideales de la encarnación de las leyes de la razón en el arte.

La preferencia por la razón sobre el sentimiento, lo racional sobre lo emocional, lo general sobre lo particular, se explica por factores tanto fuertes como lados débiles clasicismo. Por un lado, esto determina la atención del clasicismo a mundo interior hombre, a la psicología: el mundo de las pasiones y experiencias, la lógica de los movimientos mentales y el desarrollo del pensamiento están en el centro tanto de la tragedia clásica como de la prosa clásica. Por otro lado, lo general y lo individual están en completa ruptura y los héroes encarnan la contradicción de la esencia humana como algo abstracto, desprovisto de individualidad, que contiene sólo lo general.

Esta mala comprensión de la dialéctica entre lo general y lo individual determina también la forma de construir el carácter en el clasicismo. El método racionalista de “dividir las dificultades”, formulado por el mayor filósofo racionalista del siglo XVII, René Descartes, aplicado al arte significaba identificar, por regla general, un carácter principal en el carácter humano, caracteristica principal. Por tanto, la forma de escribir caracteres aquí es profundamente racionalista. Se puede decir, usando la expresión de Lessing, que los héroes de los clasicistas son más “personajes personificados” que “personalidades caracterizadas”.

La forma clasicista de tipificar personajes resaltando el rasgo principal y definitorio en ellos sin duda contribuyó a la mejora del arte. análisis psicológico, agudización satírica del tema en las comedias. Al mismo tiempo, el requisito de integridad razonable, unidad y coherencia lógica de carácter interfiere con su desarrollo. El interés exclusivo en la vida interior "consciente" de una persona a menudo nos obliga a ignorar el entorno externo y las condiciones materiales de la vida. En general, los personajes de las obras clásicas, especialmente las tragedias, carecen de especificidad histórica. Los héroes mitológicos y antiguos que en ellos se sienten, piensan y actúan como nobles del siglo XVII. Una mayor conexión entre personaje y circunstancias, aunque dentro de los límites de la tipificación clásica, se encuentra en la comedia, cuya acción suele tener lugar en los tiempos modernos, y las imágenes adquieren, a pesar de su generalidad, autenticidad realista.

De los principios estéticos generales del clasicismo surgen las exigencias específicas de su poética, formuladas de forma más completa en “ arte poético» Caldera:

1) armonía y proporcionalidad de partes;

2) armonía lógica y laconismo de la composición;

3) simplicidad de la trama;

4) claridad y claridad del lenguaje;

5) negación de la fantasía (excepto en la mitología antigua, interpretada como "razonable")

Uno de los principios teóricos fundamentales y estables del clasicismo es el principio de dividir cada arte en géneros y su correlación jerárquica. La jerarquía de géneros en la poética clasicista llega a su fin lógico y concierne a todos los aspectos del arte.

Los géneros se dividen en "altos" y "bajos", y mezclarlos se considera inaceptable. Los géneros “elevados” (épica, tragedia, oda) pretenden encarnar el estado o eventos históricos, es decir. la vida de monarcas, generales, héroes mitológicos; "bajo" (sátira, fábula, comedia): debe representar la vida privada y cotidiana de los "simples mortales", personas de clase media. El estilo y el lenguaje deben corresponder estrictamente al género elegido. Los clasicistas limitaron el vocabulario permitido en la poesía, tratando de evitar palabras ordinarias "bajas" y, a veces, incluso nombres específicos de objetos cotidianos. De ahí el uso de alegorías, expresiones descriptivas y una predilección por los clichés poéticos convencionales. Por otro lado, el clasicismo luchó contra la excesiva ornamentación y la pretensión del lenguaje poético, contra metáforas y comparaciones rebuscadas y refinadas, juegos de palabras y cosas por el estilo. aparatos estilizados, oscureciendo el significado.

A diferencia del barroco, que a finales del siglo XVII prácticamente había agotado sus posibilidades artísticas y dio paso a otros movimientos, el clasicismo resultó ser muy persistente y viable, existiendo en la cultura europea hasta el siglo XIX. Al mismo tiempo, en cada etapa del desarrollo literario, adquirió nuevas formas que correspondían a las nuevas tareas del arte (el clasicismo ilustrado del siglo XVIII y la época de la Ilustración, el llamado “clasicismo de Weimar” de Goethe y Schiller en el siglo XIX). período de madurez de su trabajo). Sólo en las primeras décadas del siglo XIX, cuando el romanticismo pasó a primer plano, el clasicismo se convirtió en un freno para el mayor desarrollo literatura y fue rechazado decididamente por la estética romántica.

Francia se convirtió en el centro reconocido del clasicismo del siglo XVII. Aquí se formó primero y aquí tomó sus formas más completas.

Información relacionada.

Movimiento literario -a menudo identificado con método artístico. Designa un conjunto de principios espirituales y estéticos fundamentales de muchos escritores, así como de una serie de grupos y escuelas, sus actitudes programáticas y estéticas, y los medios utilizados. Las leyes del proceso literario se expresan más claramente en la lucha y el cambio de dirección.

Se acostumbra distinguir las siguientes corrientes literarias:

a) Clasicismo,
b) Sentimentalismo,
c) Naturalismo,
d) romanticismo,
d) Simbolismo,
f) Realismo.

Movimiento literario: a menudo identificado con un grupo literario y una escuela. Designa un conjunto de personalidades creativas que se caracterizan por la afinidad ideológica y artística y la unidad programática y estética. De lo contrario, un movimiento literario es una variedad (como si fuera una subclase) de un movimiento literario. Por ejemplo, en relación con el romanticismo ruso se habla de movimientos “filosóficos”, “psicológicos” y “civiles”. En el realismo ruso, algunos distinguen tendencias "psicológicas" y "sociológicas".

Clasicismo

Estilo y dirección artística en la literatura y el arte europeos del siglo XVII. Siglos XIX. El nombre proviene del latín “classicus” - ejemplar.

Características del clasicismo.:

Apelar a imágenes y formas. literatura antigua y el arte como estándar estético ideal, proponiendo sobre esta base el principio de “imitación de la naturaleza”, que implica una estricta adherencia a reglas inmutables extraídas de la estética antigua (por ejemplo, en la persona de Aristóteles, Horacio).
La estética se basa en los principios del racionalismo (del latín “ratio” - razón), que afirma la visión de una obra de arte como una creación artificial: creada conscientemente, organizada inteligentemente y construida lógicamente.
Las imágenes en el clasicismo carecen de características individuales, ya que están diseñadas principalmente para capturar características estables, genéricas y duraderas en el tiempo, actuando como la encarnación de cualquier fuerza social o espiritual.
La función social y educativa del arte. Educación de una personalidad armoniosa.
Se ha establecido una estricta jerarquía de géneros, que se dividen en “altos” (tragedia, epopeya, oda; su ámbito es la vida pública, hechos históricos, mitología, sus héroes son monarcas, generales, personajes mitológicos, devotos religiosos) y “bajos”. ”(comedia, sátira, fábulas que describían la vida cotidiana privada de la gente de clase media). Cada género tiene límites estrictos y características formales claras; no se permitió ninguna mezcla de lo sublime y lo bajo, lo trágico y lo cómico, lo heroico y lo ordinario. El género principal es la tragedia.
La dramaturgia clásica aprobó el llamado principio de "unidad de lugar, tiempo y acción", lo que significaba: la acción de la obra debe tener lugar en un lugar, la duración de la acción debe limitarse a la duración de la representación (posiblemente más, pero el tiempo máximo sobre el cual debería haberse narrado la obra es un día), la unidad de acción implicaba que la obra debía reflejar una intriga central, no interrumpida por acciones secundarias.

El clasicismo se originó y se desarrolló en Francia con el establecimiento del absolutismo (el clasicismo con sus conceptos de "ejemplaridad", una estricta jerarquía de géneros, etc. generalmente se asocia a menudo con el absolutismo y el florecimiento de la estadidad - P. Corneille, J. Racine, J Lafontaine, J. B. Moliere, etc. Habiendo entrado en un período de decadencia a finales del siglo XVII, el clasicismo revivió durante la Ilustración: Voltaire, M. Chenier, etc. Después del Grande. revolución Francesa con el colapso de las ideas racionalistas, el clasicismo declina, el estilo dominante arte europeo se convierte en romanticismo.

Clasicismo en Rusia:

El clasicismo ruso surgió en el segundo cuarto del siglo XVIII en las obras de los fundadores de la nueva literatura rusa: A. D. Kantemir, V. K. Trediakovsky y M. V. Lomonosov. En la era del clasicismo, la literatura rusa dominó el género y las formas estilísticas que se habían desarrollado en Occidente, se unió al desarrollo literario paneuropeo, manteniendo al mismo tiempo su identidad nacional. Rasgos característicos del clasicismo ruso:

A) Orientación satírica: un lugar importante lo ocupan géneros como la sátira, la fábula y la comedia, dirigidos directamente a fenómenos específicos de la vida rusa;
b) El predominio de los temas históricos nacionales sobre los antiguos (las tragedias de A. P. Sumarokov, Ya. B. Knyazhnin, etc.);
V) Nivel alto desarrollo del género de odas (por M. V. Lomonosov y G. R. Derzhavin);
GRAMO) El patetismo patriótico general del clasicismo ruso.

A finales del XVIII - principios. En el siglo XIX, el clasicismo ruso estuvo influenciado por ideas sentimentales y prerrománticas, lo que se refleja en la poesía de G. R. Derzhavin, las tragedias de V. A. Ozerov y las letras civiles de los poetas decembristas.

Sentimentalismo

El sentimentalismo (del inglés sentimental - "sensible") es un movimiento en la literatura y el arte europeos del siglo XVIII. Fue preparado por la crisis del racionalismo ilustrado y fue la etapa final de la Ilustración. Cronológicamente, precedió principalmente al romanticismo, transmitiéndole algunas de sus características.

Los principales signos del sentimentalismo.:

El sentimentalismo se mantuvo fiel al ideal de la personalidad normativa.
En contraste con el clasicismo con su patetismo educativo, declaró que el sentimiento, y no la razón, era el dominante de la “naturaleza humana”.
La condición para la formación de una personalidad ideal no se consideraba la "reorganización razonable del mundo", sino la liberación y mejora de los "sentimientos naturales".
El héroe de la literatura del sentimentalismo está más individualizado: por origen (o convicciones) es un demócrata, el rico mundo espiritual del plebeyo es una de las conquistas del sentimentalismo.
Sin embargo, a diferencia del romanticismo (prerromanticismo), lo "irracional" es ajeno al sentimentalismo: percibía la inconsistencia de los estados de ánimo y la impulsividad de los impulsos mentales como accesibles a la interpretación racionalista.

El sentimentalismo tomó su expresión más completa en Inglaterra, donde se formó por primera vez la ideología del tercer poder: las obras de J. Thomson, O. Goldsmith, J. Crabb, S. Richardson, JI. Popa.

Sentimentalismo en Rusia:

En Rusia, los representantes del sentimentalismo fueron: M. N. Muravyov, N. M. Karamzin (la obra más famosa - “ pobre lisa"), I. I. Dmitriev, V. V. Kapnist, N. A. Lvov, joven V. A. Zhukovsky.

Rasgos característicos del sentimentalismo ruso.:

a) Las tendencias racionalistas se expresan con bastante claridad;
b) La actitud didáctica (moralizadora) es fuerte;
c) Tendencias educativas;
d) Mejorar lenguaje literario, los sentimentalistas rusos recurrieron a normas coloquiales e introdujeron coloquialismos.

Los géneros favoritos de los sentimentales son la elegía, la epístola, la novela epistolar (novela en letras), notas de viaje, diarios y otros tipos de prosa en los que predominan los motivos confesionales.

Romanticismo

Uno de los destinos más importantes de Europa y literatura americana finales del siglo XVIII - primera mitad del siglo XIX, que adquirió importancia y distribución mundial. En el siglo XVIII se llamaba romántico a todo lo fantástico, insólito, extraño, que sólo se encontraba en los libros y no en la realidad. A finales de los siglos XVIII y XIX. El “romanticismo” comienza a denominarse un nuevo movimiento literario.

Principales características del romanticismo.:

Orientación anti-Ilustración (es decir, contra la ideología de la Ilustración), que se manifestó en el sentimentalismo y el prerromanticismo, y alcanzó su punto más alto en el romanticismo. Prerrequisitos sociales e ideológicos: decepción por los resultados de la Gran Revolución Francesa y los frutos de la civilización en general, protesta contra la vulgaridad, la rutina y la prosaicidad de la vida burguesa. La realidad de la historia resultó estar más allá del control de la "razón", irracional, llena de secretos y acontecimientos imprevistos, y el orden mundial moderno resultó ser hostil a la naturaleza humana y su libertad personal.
La orientación pesimista general son las ideas de "pesimismo cósmico", "dolor mundial" (héroes en las obras de F. Chateaubriand, A. Musset, J. Byron, A. Vigny, etc.). Tema "mentir en el mal" mundo aterrador“se reflejó especialmente claramente en el “drama del rock” o la “tragedia del rock” (G. Kleist, J. Byron, E. T. A. Hoffmann, E. Poe).
Creencia en la omnipotencia del espíritu humano, en su capacidad para renovarse. Los románticos descubrieron la extraordinaria complejidad, la profundidad interior de la individualidad humana. Para ellos, el hombre es un microcosmos, un pequeño universo. De ahí la absolutización del principio personal, la filosofía del individualismo. En el centro trabajo romantico Siempre hay una personalidad fuerte y excepcional que se opone a la sociedad, sus leyes o normas morales.
“Mundo dual”, es decir, la división del mundo en real e ideal, que se oponen entre sí. La percepción espiritual, la inspiración a la que está sujeto el héroe romántico, no es más que la penetración en este mundo ideal (por ejemplo, las obras de Hoffmann, especialmente vívidamente en: "La olla de oro", "El cascanueces", "Los pequeños Tsakhes, apodado Zinnober”). Los románticos contrastaron la “imitación de la naturaleza” clasicista con la actividad creativa del artista con su derecho a transformar el mundo real: el artista crea su propio mundo especial, más bello y verdadero.
"Color local" Una persona que se opone a la sociedad siente una cercanía espiritual con la naturaleza, sus elementos. Por eso los románticos utilizan con tanta frecuencia países exóticos y su naturaleza (Oriente) como escenario de acción. Exótico Naturaleza salvaje Era bastante coherente en espíritu con la personalidad romántica que se esforzaba más allá de los límites de la vida cotidiana. Los románticos son los primeros en convertirse mucha atención sobre el patrimonio creativo del pueblo, sus características nacionales, culturales e históricas. La diversidad nacional y cultural, según la filosofía de los románticos, era parte de un gran todo unificado: el "universum". Esto se vio claramente en el desarrollo del género de la novela histórica (autores como W. Scott, F. Cooper, V. Hugo).

Los románticos, absolutizando la libertad creativa del artista, negaron la regulación racionalista en el arte, lo que, sin embargo, no les impidió proclamar sus propios cánones románticos.

Se han desarrollado géneros: historias de fantasía, novela histórica, poema lírico-épico, el letrista alcanza un florecimiento extraordinario.

Los países clásicos del romanticismo son Alemania, Inglaterra, Francia.

A partir de la década de 1840, el romanticismo en los principales países europeos dio paso al realismo crítico y pasó a un segundo plano.

Romanticismo en Rusia:

El origen del romanticismo en Rusia está asociado con la atmósfera socioideológica de la vida rusa: el levantamiento nacional después de la guerra de 1812. Todo esto determinó no sólo la formación, sino también el carácter especial del romanticismo de los poetas decembristas (por ejemplo, K. F. Ryleev, V. K. Kuchelbecker, A. I. Odoevsky), cuya obra se inspiró en la idea del servicio civil, imbuida de la pathos del amor a la libertad y la lucha.

Rasgos característicos del romanticismo en Rusia.:

A) La aceleración del desarrollo de la literatura en Rusia en principios del XIX siglo supuso la “acumulación” y combinación de diversas etapas, que en otros países se vivieron por etapas. En el romanticismo ruso, las tendencias prerrománticas se entrelazaron con las tendencias del clasicismo y la Ilustración: las dudas sobre el papel omnipotente de la razón, el culto a la sensibilidad, la naturaleza, la melancolía elegíaca se combinaron con el orden clásico de estilos y géneros, el didactismo moderado ( edificación) y la lucha contra la metáfora excesiva en aras de la “precisión armónica” (expresión de A. S. Pushkin).

b) Una orientación social más pronunciada del romanticismo ruso. Por ejemplo, la poesía de los decembristas, las obras de M. Yu.

En el romanticismo ruso, géneros como la elegía y el idilio reciben un desarrollo especial. El desarrollo de la balada (por ejemplo, en la obra de V. A. Zhukovsky) fue muy importante para la autodeterminación del romanticismo ruso. Los contornos del romanticismo ruso se definieron más claramente con la aparición del género del poema lírico-épico (poemas sureños de A. S. Pushkin, obras de I. I. Kozlov, K. F. Ryleev, M. Yu. Lermontov, etc.). La novela histórica se desarrolla como una gran forma épica (M. N. Zagoskin, I. I. Lazhechnikov). Una forma especial de crear una gran forma épica es la ciclación, es decir, la combinación de obras aparentemente independientes (y parcialmente publicadas por separado) ("Doble o Mis tardes en la Pequeña Rusia" de A. Pogorelsky, "Tardes en una granja cerca de Dikanka" de N. V. Gogol, "La hora de Nuestro Héroe" de M. Yu. Lermontov, "Noches rusas" de V. F. Odoevsky).

Naturalismo

El naturalismo (del latín natura - “naturaleza”) es un movimiento literario que se desarrolló en el último tercio del siglo XIX en Europa y Estados Unidos.

Características del naturalismo:

El deseo de una descripción objetiva, precisa y desapasionada de la realidad y del carácter humano, determinado por la naturaleza fisiológica y el entorno, entendido principalmente como el entorno cotidiano y material inmediato, pero sin excluir los factores sociohistóricos. La principal tarea de los naturalistas era estudiar la sociedad con la misma plenitud con la que un científico natural estudia la naturaleza; el conocimiento artístico se comparaba con el conocimiento científico.
Una obra de arte era considerada como un “documento humano”, y el principal criterio estético era la integridad del acto cognitivo realizado en ella.
Los naturalistas rechazaron la moralización, creyendo que la realidad representada con imparcialidad científica era en sí misma bastante expresiva. Creían que la literatura, como la ciencia, no tiene derecho a elegir el material, que no hay tramas inadecuadas ni temas indignos para un escritor. De ahí que en las obras de los naturalistas surgieran a menudo la falta de trama y la indiferencia social.

El naturalismo recibió un desarrollo particular en Francia; por ejemplo, el naturalismo incluye el trabajo de escritores como G. Flaubert, los hermanos E. y J. Goncourt, E. Zola (quien desarrolló la teoría del naturalismo).

En Rusia, el naturalismo no estaba muy extendido; sólo jugó un cierto papel en la etapa inicial del desarrollo del realismo ruso. Se pueden rastrear tendencias naturalistas entre los escritores de la llamada "escuela natural" (ver más abajo): V. I. Dal, I. I. Panaev y otros.

Realismo

El realismo (del latín tardío realis - material, real) es un movimiento literario y artístico de los siglos XIX y XX. Tiene su origen en el Renacimiento (el llamado “realismo renacentista”) o en la Ilustración (“realismo ilustrado”). Las características del realismo se observan en el folclore antiguo y medieval y en la literatura antigua.

Principales características del realismo.:

El artista representa la vida en imágenes que corresponden a la esencia de los fenómenos de la vida misma.
La literatura en el realismo es un medio para que una persona se conozca a sí misma y al mundo que la rodea.
El conocimiento de la realidad se produce con la ayuda de imágenes creadas mediante la tipificación de hechos de la realidad (“personajes típicos en un entorno típico”). La tipificación de los personajes en el realismo se lleva a cabo a través de la “veracidad de los detalles” en las “especificidades” de las condiciones de existencia de los personajes.
El arte realista es un arte que afirma la vida, incluso con una resolución trágica del conflicto. La base filosófica de esto es el gnosticismo, la creencia en la cognoscibilidad y en un reflejo adecuado del mundo circundante, en contraste, por ejemplo, con el romanticismo.
El arte realista se caracteriza por el deseo de considerar la realidad en desarrollo, la capacidad de detectar y captar el surgimiento y desarrollo de nuevas formas de vida y relaciones sociales, nuevos tipos psicológicos y sociales.

El realismo como movimiento literario se formó en los años 30 del siglo XIX. El predecesor inmediato del realismo en la literatura europea fue el romanticismo. Habiendo hecho de lo inusual el tema de la imagen, creando un mundo imaginario de circunstancias especiales y pasiones excepcionales, él (el romanticismo) al mismo tiempo mostró una personalidad más rica en términos mentales y emocionales, más compleja y contradictoria que la que tenía el clasicismo. , sentimentalismo y otros movimientos de épocas anteriores. Por tanto, el realismo no se desarrolló como antagonista del romanticismo, sino como su aliado en la lucha contra la idealización. relaciones públicas, por la originalidad histórico-nacional de las imágenes artísticas (color de lugar y tiempo). No siempre es fácil trazar límites claros entre el romanticismo y el realismo de la primera mitad del siglo XIX; en las obras de muchos escritores se fusionaron rasgos románticos y realistas, por ejemplo, las obras de O. Balzac, Stendhal, V. Hugo; y en parte Charles Dickens. En la literatura rusa, esto se reflejó especialmente en las obras de A. S. Pushkin y M. Yu Lermontov (los poemas sureños de Pushkin y "Héroe de nuestro tiempo" de Lermontov).

En Rusia, donde ya se encontraban las bases del realismo en las décadas de 1820 y 1830. establecido por el trabajo de A. S. Pushkin ("Eugene Onegin", "Boris Godunov", "La hija del capitán", letra tardía), así como de algunos otros escritores ("Ay de Wit" de A. S. Griboedov, fábulas de I. A. Krylov) , esta etapa está asociada con los nombres de I. A. Goncharov, I. S. Turgenev, N. A. Nekrasov, A. N. Ostrovsky y otros. El realismo del siglo XIX suele llamarse "crítico", ya que el principio que lo definió fue precisamente social-crítico. El mayor patetismo socialcrítico es uno de los principales características distintivas Realismo ruso - por ejemplo, "El inspector general", " Almas muertas"N.V. Gogol, las actividades de los escritores de la “escuela natural”. El realismo de la segunda mitad del siglo XIX alcanzó su apogeo precisamente en la literatura rusa, especialmente en las obras de L.N. Tolstoi y F.M. Dostoievski, quienes se convirtieron en figuras centrales del proceso literario mundial a finales del siglo XIX. ellos enriquecieron literatura mundial nuevos principios para la construcción de una novela socio-psicológica, cuestiones filosóficas y morales, nuevas formas de revelar la psique humana en sus capas más profundas.