Caricatura de Vivaldi "El Sacerdote Rojo"

Apodado "El Sacerdote Rojo" por el color brillante de su cabello, fue un talentoso violinista y uno de los grandes compositores de la época barroca.

Son conocidos sus conciertos instrumentales, principalmente para violín, corales sagrados, así como más de 40 óperas. Uno de sus mejores conciertos– “Seasons” ha pasado por muchos renacimientos y algunas de sus partes se utilizan en todas partes. Pasemos a la biografía del maestro.

Antonio Lucio Vivaldi nació el 4 de marzo de 1678 en Venecia. Su padre era violinista en la Catedral de San Marcos. Lo más probable es que haya sido el padre quien le dio a Antonio su primera educación musical. Vivaldi se formó como clérigo y, renunciando a pretensiones seculares, fue ordenado sacerdote en 1703. Existe la opinión de que tenía la intención de asegurarse contra las dificultades financieras, recibir una educación gratuita y también poder concentrarse en su carrera musical.

Orfanato para niñas ("Ospedale della Pietà"), dirigido por Antonio

Hubo una broma de que Vivaldi se dio por enfermo, abandonó el altar y se escondió en la sacristía para componer otra obra. Sea como fuere, así comenzó el camino del compositor hacia la fama. Las habilidades del violinista y su buena capacidad organizativa hicieron que el conjunto instrumental del orfanato de niñas (“Ospedale della Pietà”), dirigido por Antonio, fuera tan popular que grandes multitudes acudieron al concierto del domingo en la iglesia de La Pietà.

El desarrollo de Vivaldi como compositor.

Vivaldi siempre buscó la sencillez y la claridad. En 1705, la reputación del compositor le permitió publicar una serie de 12 sonatas en trío y, tres años más tarde, una colección de sonatas para violín. Los venecianos empezaron a darse cuenta de que su compatriota era genio musical , quien perfeccionó la forma de concierto barroco y, al mismo tiempo, encontró un nuevo enfoque para el desarrollo de la expresividad en la música instrumental. Muy importante en este sentido fue la publicación de la colección de 12 conciertos “L’Estro Armonico”. Esta colección se ha convertido en el estándar de la organización. material musical

Vivaldi siempre buscó la sencillez y la claridad, evitando la grandilocuencia y centrándose en el desarrollo expresivo de una sola melodía, acompañándola de una impecable armonía transparente. Estos conciertos se convirtieron en una revelación para los contemporáneos, tachando todo lo que se había escrito anteriormente en este género. Se convirtieron en un desafío para otros que buscaban superar a Antonio, pero pocos podían acercarse a tal combinación de pasión, imaginación, gracia y armonía.

Por tanto, no es casualidad que el joven, tras conocer L'Estro Armonico, lo utilizara como modelo para sus propias composiciones.

Su biógrafo Nikolaus Forkel comentó este hecho: “Los escuchaba a menudo, con gran atención, y finalmente decidió transcribirlos para su clave. Así, aprendió la lógica de las ideas musicales, la estructura, secuencia correcta modulaciones y mucho más... aprendió a pensar musical... a tomar sus ideas musicales no de sus dedos, sino de su imaginación."

El atractivo de Vivaldi para los géneros musicales vocales.

La ópera “Ottone in villa” marcó nueva etapa en la vida del compositor

Vivaldi, por su parte, no se durmió en los laureles y se interesó por la ópera. El debut de Ottone en villa en 1713 marcó una nueva etapa en la vida del compositor, que empezó a dedicar cada vez más tiempo a componer, buscar financiación y dirigir producciones de ópera. Otro punto de inflexión importante fue el traslado en 1714 de su superior Gasparini a Roma. Como consecuencia de este suceso, Antonio tuvo que crear material para el coro Pietà, además de trabajar en sus obras instrumentales y operísticas.

Ya a finales del año siguiente, Vivaldi presentó una misa, un oratorio, vísperas y más de 30 cánticos. Antes de eso, en 1714, logró publicar otra obra exitosa en el género de concierto: "La stravanganza". Una y otra vez, el público aceptó con gratitud sus obras, en las que tuvo lugar el desarrollo de formas musicales, tanto conciertos instrumentales solistas como conciertos orquestales en conjunto: el concerto grosso.

En 1714, Vivaldi publicó otra obra exitosa en el género de concierto: "La stravanganza".

Después de una serie de victorias, Vivaldi decide tomarse unas largas vacaciones, viajando por Italia y Europa. Hubo un tiempo en el que estuvo al servicio del gobernador de Mantua, Philip von Hesse-Homburg. Mientras estaba allí, Antonio conoció a la cantante Anna Giraud, quien luego apareció como soprano en sus óperas. Su relación era bastante estrecha; Anna y su hermana eran a menudo las compañeras del compositor en sus viajes.

Mientras vivía en Roma en 1723-1724, el compositor tuvo la oportunidad de presentar su música al Papa, donde le causó una buena impresión.

En Amsterdam continúa publicando conciertos. El mayor logro de su creatividad fue un conjunto de 8 conciertos, publicado en 1725. La colección, titulada "Il cimento dell' armonia e dell' invente", incluía conciertos de renombre internacional titulados "The Seasons". Estaban acompañados de poemas breves que describían escenas estacionales, que Vivaldi intentó repetir en su música. Otras obras de esta colección, como los conciertos para violín “Storm at Sea” y “The Hunt”, no fueron menos pintorescas.
Los conciertos, titulados "Las estaciones" de Vivaldi, estuvieron acompañados de breves poemas que describían las escenas estacionales.

El siguiente ciclo de conciertos, el último publicado, “La Cetra”, se publicó en 1727. Esta colección estuvo dedicada al emperador de Austria Carlos VI, a quien Vivaldi conoció en Viena a principios de los años 20. El Emperador, siendo un compositor aficionado, quedó impresionado por las obras de Antonio.

Esto se confirma en el informe de su encuentro de 1728: “El Emperador habló con Vivaldi durante mucho tiempo sobre música; dicen que en 15 días habló más privadamente con él que con sus ministros en dos años”.

Es curioso que, llamado “La Cetra”, exista un segundo ciclo de 12 conciertos, también dedicado al emperador, pero que contiene sólo una composición común. La música de esta colección no es menos interesante que la colección anterior y es de la misma alta calidad.

Regreso a la patria y período de decadencia.

Desde principios de los años 30, A. Vivaldi atraviesa un largo período de decadencia.

Desde principios de los años 30, la fama de Antonio Vivaldi entró en un largo período de decadencia. Nuevos compositores y nuevos estilos de música captaron la atención del público. Su larga ausencia de Venecia pasó factura y ya no pudo volver a sus actividades anteriores en Pietà.

Muerte de Antonio Vivaldi

En 1737, sus óperas fueron prohibidas con el pretexto de que, debido a su relación con Anne Giraud, ya no podía ser sacerdote. Esto también provocó la rescisión del contrato con Pieta. A finales de 1740, cansado de su largo aislamiento, Vivaldi se dirigió a Viena, pero su amigo, el emperador Carlos VI, murió poco antes de la llegada del compositor y Austria se sumergió en la Guerra de Sucesión Real. Como resultado, al no encontrar apoyo al final de su vida, Antonio Vivaldi murió el 28 de julio de 1741 y fue enterrado como mendigo.

Las primeras orquestas aparecieron entre los siglos XVII y XVIII. Estaban formados por músicos de la corte real y los compositores escribían música para los instrumentos que tenían a su disposición. La orquesta tal como la conocemos hoy comienza a tomar forma a mediados del siglo XVII, después de que el grupo instrumentos de cuerda estableció su lugar en él.

VENECIA

1678–1741

Antonio Vivaldi

1678–1741

4 de marzo de 1678 en Venecia en la familia vivaldi apareció el primogénito. El niño nacido en el séptimo mes tenía una constitución tan débil que debido a peligro mortal Inmediatamente fue bautizado por una partera con el nombre antonio lucio. A pesar de vivaldi Luego nacieron dos hijos más y tres hijas, ninguno de ellos, a excepción del primogénito, se convirtió en músico. Los hermanos menores heredaron de su padre la profesión de peluquero.

Sobre los primeros años de vida. Antonio poco se sabe. Su talento musical se manifestó muy temprano. Ya a la edad de diez años, reemplazaba a menudo a su padre en la orquesta de la Catedral de San Marcos cuando actuaba fuera de Venecia. El primer y principal maestro. antonio era Giovanni Battista Vivaldi(su padre), quien en ese momento ya se había convertido en un famoso virtuoso. La primera composición atribuida a Vivaldi data de 1691 (13 años). El estilo virtuoso del joven Vivaldi y las características de sus primeras obras también hacen suponer que a principios del siglo XVIII estudió en Roma con Arcangelo Corelli, famoso violinista y compositor italiano.

Enorme influencia en la formación de los jóvenes vivaldi influenciado por el ambiente musical de la ciudad donde nació y creció. Decidí elegir la carrera de sacerdote. Probablemente, esta decisión de Antonio estuvo influenciada por los muchos años de actividad de su padre en la catedral. San Marcos. Según documentos, el 18 de septiembre de 1693, a la edad de 15 años y medio, Antonio Vivaldi se convirtió en vicario. A juzgar por los documentos, Vivaldi aprovechó la oportunidad para convertirse en uno, sin pasar por un seminario espiritual especial. Gracias a esto tuvo mucho más tiempo para estudiar música. No es de extrañar que incluso antes de completar su educación espiritual adquiriera una reputación destacado virtuoso del violín .

"Ospedale della Pietà" . Así comenzó el primer período de su brillante actividad pedagógica y creativa.

Habiéndose convertido en profesor en uno de los mejores “conservatorios” de Venecia, vivaldi Se encontró en un entorno con brillantes tradiciones musicales, donde se le abrieron oportunidades para implementar una amplia variedad de ideas creativas. Como otros compositores XVIII siglos, que actuaron como maestros, vivaldi Tuvo que crear regularmente para sus alumnos una gran cantidad de música sacra y profana: oratorios, cantatas, conciertos, sonatas y obras de otros géneros. Además, enseñó a coristas, ensayó con la orquesta y dirigió conciertos, y también enseñó teoría musical. Gracias a actividades tan intensivas y multifacéticas vivaldi su “conservatorio” empezó a destacar notablemente entre otros en Venecia.

"Estaciones" compositor veneciano Antonio vivaldi- los primeros cuatro de los doce conciertos para violín de su octava obra, algunas de sus obras más famosas y algunas de las obras musicales más famosas del estilo barroco. Conciertos escritos en 1723 y publicado por primera vez dos años después. Cada concierto está dedicado a uno época del año y consta de tres partes correspondientes a cada mes.

El compositor precedió cada uno de los conciertos con soneto- una especie de programa literario. Se supone que el autor de los poemas es el propio Vivaldi. Cabe agregar que el pensamiento artístico barroco no se limita a un solo significado o trama, sino que involucra significados secundarios, insinuaciones y símbolos.

La primera alusión obvia son las cuatro edades del hombre, desde el nacimiento hasta la muerte.

Igualmente manifiesta es la alusión a las cuatro regiones de Italia, según los cuatro puntos cardinales y la trayectoria del sol en el cielo. Este es el amanecer (este, Adriático, Venecia), el mediodía (sur soñoliento y caluroso), el magnífico atardecer (Roma, Lacio) y la medianoche (frías estribaciones de los Alpes, con sus lagos helados).

Al mismo tiempo, Vivaldi alcanza aquí las cimas del género y la representación directa, sin rehuir el humor: la música contiene ladridos de perros, zumbidos de moscas, rugido de un animal herido, etc.

Todo esto, junto con la forma impecablemente bella, llevó al reconocimiento del ciclo como una obra maestra indiscutible.

Antonio Vivaldi es un destacado violinista y compositor, uno de los más brillantes representantes del violín italiano. arte XVIII siglo. A diferencia de Corelli, que se centra poco en unos pocos géneros, el compositor y violinista Vivaldi, que escribió más de 500 conciertos para diferentes composiciones y 73 sonatas para diversos instrumentos, creó 46 óperas, 3 oratorios, 56 cantatas y decenas de obras de culto. Pero su género favorito en su obra fue sin duda el concierto instrumental. Además, los concerti grossi representan sólo un poco más de una décima parte de sus conciertos: siempre prefirió las obras en solitario. Más de 344 de ellos están escritos para un instrumento (con acompañamiento) y 81 para dos o tres instrumentos. Entre los conciertos solistas hay 220 conciertos de violín. Provisto de sentido agudo Coloración sonora, Vivaldi creó conciertos para una amplia variedad de composiciones.

El género del concierto atrajo especialmente al compositor por la amplitud de su impacto, la accesibilidad a una gran audiencia, el dinamismo del ciclo de tres partes con predominio de tempos rápidos, los sorprendentes contrastes de tutti y soli y la brillantez de una presentación virtuosa. . El virtuoso estilo instrumental contribuyó al brillo general de las impresiones de la estructura figurativa de la obra. Fue en esta interpretación creativa que el concierto en ese momento era el más grande y accesible de los géneros instrumentales y permaneció así hasta el establecimiento de la sinfonía en la vida del concierto.

En la obra de Vivaldi, el concierto adquirió por primera vez una forma completa, dándose cuenta de las posibilidades ocultas del género. Esto se nota especialmente en la interpretación del comienzo en solitario. Si en el Concierto grosso de Corelli los breves episodios solistas de algunos compases tienen cada uno un carácter cerrado, en Vivaldi, nacidos de un vuelo ilimitado de imaginación, están estructurados de otra manera: en una presentación libre, casi improvisada, de sus partes, el virtuoso

naturaleza de las herramientas. En consecuencia, la escala de los ritornellos orquestales aumenta y toda la forma adquiere un carácter dinámico completamente nuevo, con una claridad funcional acentuada de las armonías y ritmos marcadamente acentuados.

Como ya se mencionó, Vivaldi posee una gran cantidad de conciertos para diversos instrumentos, principalmente para violín. Durante la vida del compositor, se publicaron relativamente pocos conciertos: 9 opus, de los cuales 5 opus cubren 12 conciertos y 4 cubren 6. Todos ellos, con la excepción de 6 conciertos op. 10 para flauta y orquesta, destinado a uno o más violines con acompañamiento. Por lo tanto, se publicó menos de 1/5 del número total de conciertos de Vivaldi, lo que se explica no solo por el poco desarrollado negocio editorial musical en ese momento. Quizás Vivaldi deliberadamente no permitió la publicación de sus conciertos más complejos y técnicamente exitosos, tratando de mantener en secreto los secretos de sus habilidades interpretativas. (Más tarde, N. Paganini hizo lo mismo.) Es significativo que la gran mayoría de las obras publicadas por el propio Vivaldi (4, 6, 7, 9, 11, 12) consistan en los conciertos para violín más fáciles de interpretar. La excepción son los famosos opus 3 y 8: op. 3 incluye los primeros conciertos publicados de Vivaldi y, por tanto, particularmente significativos, con cuya difusión buscó establecer su reputación como compositor; de 12 conciertos op. 8–7 tienen nombres de programas y ocupan un lugar muy especial en la obra del compositor.

Doce conciertos del op. 3, llamados por el compositor “Inspiración Armónica” (“L"Estro Armonico”), sin duda eran ampliamente conocidos mucho antes de su publicación en Ámsterdam (1712). Esto lo confirman las copias manuscritas de conciertos individuales celebrados en muchas ciudades europeas. estilo y original “ La división de dos acordes de las partes de la orquesta nos permite fechar los orígenes del ciclo a principios del siglo XVIII, cuando Vivaldi tocaba en la Catedral de San Marcos. Las partes orquestales de cada uno de los conciertos se presentan en un. Versión a 8 voces (4 violines, 2 violas, violonchelo y contrabajo con platillo u órgano); gracias a esto, la sonoridad orquestal se divide en due cori (en dos coros), lo que luego se encuentra muy raramente en las creaciones de Vivaldi. en este caso En las composiciones de “dos coros”, Vivaldi siguió una larga tradición, que en ese momento ya se había agotado por completo.

O. 3 refleja una etapa de transición en el desarrollo concierto instrumental cuando las técnicas tradicionales aún conviven con las nuevas tendencias. Toda la obra se divide en 3 grupos de 4 conciertos cada uno según el número de violines solistas utilizados. Hay 4 de ellos en el primer grupo, 2 en el segundo y uno en el tercero. Los conciertos para cuatro violines, con una excepción, nunca se volvieron a crear. Este grupo de conciertos, con su pequeño desmembramiento de secciones solistas y tutti, es el más cercano al Concierto grosso de Corelli. Los conciertos para dos violines con ritornellos más desarrollados en la interpretación del principio solista también recuerdan en muchos aspectos a Corelli. Y sólo en los conciertos para un violín los episodios solistas reciben un desarrollo suficientemente completo.

Los mejores conciertos de esta obra se encuentran entre los más interpretados. Estos son los conciertos en si menor para 4 violines, la menor para 2 y mi mayor para uno. Se suponía que su música sorprendería a los contemporáneos con la novedad de su sentido de la vida, expresado en imágenes inusualmente vívidas. Ya en nuestros días, uno de los investigadores escribió sobre el penúltimo episodio solista de la tercera parte del doble concierto en La menor: “Parece que en la lujosa sala de la época barroca se abrieron ventanas y puertas, y la naturaleza libre entró con un saludo; la música suena con un patetismo orgulloso y majestuoso, aún no familiar en el siglo XVII: la exclamación de un ciudadano del mundo”.

Publicación op. 3 marcó el comienzo del fuerte contacto de Vivaldi con los editores de Ámsterdam, y durante menos de dos décadas, hasta finales de la década de 1720, todos los demás se publicaron en Ámsterdam. ediciones de por vida conciertos del compositor. Algunas de estas obras también tienen títulos, aunque no programáticos en el sentido estricto de la palabra, pero que ayudan a comprender la intención musical del autor. Aparentemente, reflejan la fascinación de los compositores por las asociaciones figurativas que era característica de ese período. Así, 12 conciertos para un violín con acompañamiento op. 4 se llaman “La Stravaganza”, que puede traducirse como “excentricidad, extrañeza”. Este título, quizás, debería haber enfatizado la extraordinaria valentía del pensamiento musical inherente a esta obra. 12 conciertos para uno y dos violines con acompañamiento del op. 9 tienen el título “Lyre” (“La Cetra”), que aquí obviamente simboliza el arte de la música. Finalmente, el ya mencionado op. 8 con su programa de 7 conciertos se titula “Una experiencia de armonía y fantasía” (“II Cimento dell'Armonia e dell" Inventione”), como si el autor quisiera advertir a los oyentes que esto es sólo un modesto intento, una tentativa de búsqueda en un área de expresividad musical hasta ahora desconocida.

La publicación de los conciertos coincidió con el apogeo de la actividad de Vivaldi como virtuoso violinista y director de la orquesta del Ospedale. EN años maduros Durante su vida fue uno de los violinistas más famosos de Europa en ese momento. Las partituras publicadas durante la vida del músico no dan una imagen completa de sus increíbles habilidades interpretativas, que desempeñaron un papel muy importante en el desarrollo de la técnica del violín. Se sabe que en esa época todavía existía un tipo común de violín con mástil corto y cuello pequeño, que no permitía el uso de posiciones altas. A juzgar por el testimonio de sus contemporáneos, Vivaldi poseía un violín con un mástil especialmente alargado, gracias al cual podía alcanzar libremente la posición 12 (en una de las cadencias de sus conciertos, la nota más alta es el fa sostenido de la 4ª octava, por En comparación, observamos que Corelli se limitó a utilizar las posiciones 4 y 5).

Así describe uno de sus contemporáneos la impresionante impresión de la actuación de Vivaldi en el Teatro Sant'Angelo el 4 de febrero de 1715: “... acompañando al cantante al final de la actuación, Vivaldi interpretó excelentemente un solo, que luego se convirtió en una Fantasía, que me produjo verdadero horror, porque nadie ha podido ni podrá jugar jamás; Con una velocidad increíble, realizando algo parecido a una fuga en las 4 cuerdas, levantó los dedos de su mano izquierda tan alto en el diapasón que estaban separados del soporte por una distancia no mayor que el grosor de una pajita, y no había queda espacio para que el arco toque las cuerdas…” .

A pesar de posibles exageraciones, esta descripción parece en general plausible, como lo confirman las cadencias supervivientes de Vivaldi (se conocen en total 9 manuscritos de sus cadencias). Revelan más plenamente el asombroso talento técnico de Vivaldi, que le permitió ampliar significativamente las capacidades expresivas no solo del violín, sino también de otros instrumentos. Su música para instrumentos de arco utiliza con inventiva nuevas técnicas técnicas que se generalizaron en ese momento: tocar acordes con varias opciones de arpegio, uso de posiciones altas, efectos de staccato, lanzamientos bruscos, bariolage, etc. Sus conciertos demuestran que era un violinista con un arco altamente desarrollado, una técnica que incluía no sólo staccato simple y volátil, sino también sofisticadas técnicas de arpegio con sombreado que era inusual en ese momento. La imaginación de Vivaldi al inventar varias opciones para tocar arpegios parece inagotable. Basta hacer referencia al Larghetto de 21 compases del segundo movimiento del Concierto en si menor op. 3, en el que se utilizan simultáneamente tres tipos de arpegios que pasan a primer plano alternativamente.

Y sin embargo la mayoría punto fuerte El violinista Vivaldi aparentemente tenía una movilidad extraordinaria en su mano izquierda, que no conocía restricciones en el uso de ninguna posición en el diapasón.

Las peculiaridades del estilo interpretativo de Vivaldi dieron un sello de originalidad única a la interpretación de la orquesta del Ospedale, que dirigió durante muchos años. Vivaldi logró una extraordinaria sutileza de gradaciones dinámicas, dejando muy atrás todo lo conocido en este ámbito entre sus contemporáneos. También es importante que las actuaciones de la orquesta del Ospedale se desarrollaran en una iglesia, donde reinaba el más estricto silencio, permitiendo distinguir los más mínimos matices de sonoridad. (En el siglo XVIII, la música orquestal solía acompañar a las comidas ruidosas, donde no podía haber atención al detalle en la interpretación). Los manuscritos de Vivaldi muestran una abundancia de sutiles transiciones de matices sonoros, que el compositor generalmente no transfirió a partituras impresas. , ya que en ese momento tales matices se consideraban inaplicables. Los investigadores de la obra de Vivaldi han establecido que la escala dinámica completa de sus obras cubre 13 (!) gradaciones de sonoridad: desde pianissimo hasta fortissimo. El uso constante de estos tonos conducía en realidad a efectos de crescendo o diminuendo, entonces completamente desconocidos. (En la primera mitad del siglo XVIII, el cambio de sonoridad en las cuerdas tenía un carácter de "terraza", como un platillo u órgano de múltiples manos).

Después del violín, el violonchelo atrajo la mayor atención de Vivaldi entre las cuerdas. Su legado incluye 27 conciertos para este instrumento con acompañamiento. La cifra es sorprendente, ya que en aquella época el violonchelo rara vez se utilizaba como instrumento solista. En el siglo XVII era conocido principalmente como instrumento de continuo y recién a principios del siglo siguiente se convirtió en solista. Los primeros conciertos para violonchelo aparecieron en el norte de Italia, en Bolonia, y sin duda eran familiares para Vivaldi. Sus numerosos conciertos dan testimonio de una comprensión profundamente orgánica de la naturaleza del instrumento y de su interpretación innovadora. Vivaldi resalta claramente los tonos bajos del violonchelo, que recuerdan al sonido de un fagot, limitando en ocasiones el acompañamiento a un continuo para potenciar el efecto. Las partes solistas de sus conciertos contienen importantes dificultades técnicas, lo que exige al intérprete una gran movilidad de la mano izquierda.

Poco a poco, Vivaldi introdujo nuevas técnicas de interpretación del violín en las partes del violonchelo: ampliando el número de posiciones, staccato, lanzamientos de arco, uso de cuerdas no adyacentes en movimiento rápido, etc. El alto nivel artístico de los conciertos para violonchelo de Vivaldi nos permite clasificarlos entre los ejemplos más destacados de este género. La obra del compositor abarca dos períodos de diez años, especialmente significativos para el desarrollo del nuevo instrumento, el décimo aniversario que precede a la aparición de las suites para violonchelo solo de Bach (1720).

Cautivado por las nuevas variedades de cuerdas, Vivaldi casi no prestó atención a la familia de las violas. La única excepción es la viola d'amore (lit. - viola del amor), para la que escribió seis conciertos. Sin duda, Vivaldi se sintió atraído por el delicado sonido plateado de este instrumento, creado por los matices de cuerdas metálicas resonantes (alícuotas) estiradas debajo del soporte. La viola d'amore se utiliza repetidamente como instrumento solista indispensable en sus obras vocales (en particular, en una de mejores arias oratorio "Judit". Vivaldi también posee un concierto para viola d'amore y laúd.

De particular interés son los conciertos de Vivaldi para instrumentos de viento: madera y metal. Aquí fue uno de los primeros en recurrir a nuevas variedades de instrumentos, sentando las bases de su repertorio moderno. Al crear música para instrumentos fuera del ámbito de su propia práctica interpretativa, Vivaldi descubrió una inventiva inagotable en la interpretación de sus posibilidades expresivas. Incluso hoy en día, sus conciertos para vientos imponen serias exigencias técnicas a los intérpretes.

La flauta se utiliza de diversas formas en la obra de Vivaldi. A principios del siglo XVIII, existían dos variedades: longitudinal y transversal. Vivaldi escribió para ambos tipos de instrumentos. Fue especialmente significativa su contribución a la creación del repertorio para flauta travesera como instrumento de concierto solista. Tenga en cuenta que prácticamente no hubo composiciones de concierto para ella. Los flautistas a menudo interpretaban obras destinadas a violín u oboe. Vivaldi fue uno de los primeros en crear conciertos para flauta travesera, que revelaron nuevas posibilidades expresivas y dinámicas de su sonido.

Además de las dos variedades principales del instrumento, Vivaldi también escribió para el flautino, una flauta aparentemente similar a la flauta piccolo moderna. Vivaldi prestó gran atención al oboe, que ocupaba un lugar de honor en las orquestas de ópera del siglo XVII. El oboe se utilizaba especialmente en la “música al aire libre”. Se conservan 11 conciertos de Vivaldi para oboe y orquesta y 3 conciertos para dos oboes. Muchos de ellos fueron publicados durante la vida del compositor.

En tres conciertos para diversos instrumentos (“con molti Istromenti”), Vivaldi utilizó el clarinete, que entonces se encontraba todavía en la fase experimental de su desarrollo. El clarinete también está incluido en la partitura del oratorio “Judith”.

Vivaldi escribió una cantidad asombrosa para fagot: 37 conciertos solistas con acompañamiento. Además, el fagot se utiliza en casi todos los conciertos de cámara, en los que suele combinarse con el timbre del violonchelo. La interpretación del fagot en los conciertos de Vivaldi se caracteriza por el uso frecuente de registros bajos y densos y un staccato rápido, lo que requiere una técnica muy desarrollada por parte del intérprete.

Vivaldi recurrió a los instrumentos de metal con mucha menos frecuencia que a los de viento, lo que se explica por la dificultad de utilizarlos en un recital en aquella época. En el siglo XVIII, la escala del latón todavía se limitaba a los tonos naturales. Por lo tanto, en los conciertos en solitario, las partes de metales no solían ir más allá de C y Re mayor, y los contrastes tonales necesarios se confiaban a las cuerdas. El Concierto para dos trompetas y los dos conciertos para dos trompas y orquesta de Vivaldi muestran la notable capacidad del compositor para compensar las limitaciones de la escala natural con la ayuda de frecuentes imitaciones, repeticiones de sonidos, contrastes dinámicos y técnicas similares.

En diciembre de 1736 aparecieron dos conciertos de Vivaldi para una y dos mandolinas y orquesta. Gracias a una orquestación transparente con frecuentes pizzicatos, logran una unidad orgánica con el timbre de los instrumentos solistas, llenos de la encantadora belleza del sonido. La mandolina atrajo la atención de Vivaldi por su colorido timbre y como instrumento de acompañamiento. En una de las arias del oratorio “Judith” se utilizó la mandolina como instrumento obligatorio. Las partes de dos mandolinas están incluidas en la partitura de un concierto realizado en el Ospedale en 1740.

Entre otros instrumentos punteados, Vivaldi utilizó el laúd, utilizándolo en dos de sus conciertos. (Hoy en día, la parte del laúd se suele tocar con la guitarra).

Violinista de vocación, el compositor Vivaldi siempre siguió esencialmente los patrones de la cantilena del violín. No es de extrañar que casi nunca utilizara teclados como instrumentos solistas, aunque invariablemente conservó para ellos la función de continuar. Una excepción es el Concierto en do mayor para varios instrumentos con dos platillos solistas. Vivaldi estaba muy interesado en otro instrumento de teclado: el órgano, con su rica paleta de colores y sonidos. Se conocen seis conciertos de Vivaldi con órgano solista.

Apasionado por las posibilidades nueva forma recital, Vivaldi buscó utilizarlo en obras para conjuntos de diversas composiciones. Escribió mucho para dos o más instrumentos con acompañamiento orquestal; en total se conocen 76 de sus conciertos de este tipo. A diferencia del Concerto grosso, con su grupo habitual de tres solistas (dos violines y bajo continuo), estas obras representan un tipo completamente nuevo de concierto en conjunto. Sus secciones solistas utilizan grupos de instrumentos muy diversos en composición y número, llegando a incluir hasta diez participantes; en el desarrollo pasan a primer plano los solistas individuales o domina la forma del diálogo instrumental.

Vivaldi también recurrió repetidamente al tipo de concierto orquestal, en el que predomina la sonoridad tutti, sólo intercalada con actuaciones de solistas individuales. Se conocen 47 obras de este tipo, cuyas ideas estaban muy adelantadas a su tiempo. el dio varios nombres a sus conciertos orquestales, designándolos como “Sinfonia”, “Concerto”, “Concerto a quattro” (cuatro piezas) o “Concerto ripieno” (tutti).

La gran cantidad de conciertos orquestales de Vivaldi indica su constante interés por este tipo de género. Aparentemente, su trabajo en el Ospedale lo obligó a utilizar a menudo formas similares de hacer música que no requerían solistas de primera clase.

Finalmente, un grupo especial está formado por los conciertos de cámara de Vivaldi para varios solistas sin acompañamiento orquestal. Utilizan con especial ingenio las posibilidades de combinar instrumentos de diferente naturaleza. Entre las 15 obras de este tipo se encuentran los 4 conciertos ya mencionados del op. 10 de la primera edición.

El desarrollo del concierto solista (principalmente el concierto de violín) es mérito de A. Vivaldi, cuya principal área de creatividad fue la música instrumental. Entre sus numerosos conciertos, los conciertos para uno o dos violines y orquesta ocupan un lugar central.

Vivaldi realizó importantes adquisiciones en el campo del desarrollo temático y la forma compositiva. Para las primeras partes de sus conciertos, finalmente desarrolló y estableció una forma cercana al rondó, que luego fue adoptada por I.S. Bach, así como compositores clásicos.

Vivaldi contribuyó al desarrollo de la técnica virtuosa del violín, estableciendo un estilo de interpretación nuevo y dramático. El estilo musical de Vivaldi se distingue por la generosidad melódica, el sonido dinámico y expresivo, la transparencia de la escritura orquestal y la armonía clásica combinada con la riqueza emocional.

Referencias

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IVALDI Antonio (1678-1741), compositor italiano, virtuoso violinista. Creador del género de concierto instrumental solista y, junto con A. Corelli, del concerto grosso. Su ciclo “Las estaciones” (1725) es uno de los primeros ejemplos de programación musical. Más de 40 óperas, oratorios, cantatas; conciertos instrumentales de diversas composiciones (465), etc.

El 18 de septiembre de 1693 Vivaldi fue tonsurado como monje. El 18 de septiembre de 1700 fue elevado al rango de diácono. El 23 de marzo de 1703 Vivaldi fue ordenado sacerdote. Al día siguiente celebró su primera misa independiente en la iglesia de San Giovanni in Oleo. Por su color de pelo, poco común entre los venecianos, le apodaron el sacerdote rojo. El 1 de septiembre de 1703 fue admitido en el Orfanato Pietà como maestro de violín. Encargo de la condesa Lucrezia Trevisan para servir 90 maitines votivos en la iglesia de San Giovanni in Oleo. El 17 de agosto de 1704 recibió una compensación adicional por enseñar la viola d'amore. Habiendo servido la mitad de los maitines votivos, Vivaldi rechaza por motivos de salud el encargo de Lucrezia Trevisan. 1706 primera representación pública en el palacio de la embajada de Francia. Una edición de la “Guía de Venecia” elaborada por el cartógrafo Coronelli, que menciona al padre y al hijo Vivaldi como virtuosos del violín. Traslado de Piazza Bragora a una casa nueva y más grande en la vecina parroquia de San Provolo.

En 1723 realizó el primer viaje a Roma. 1724: segundo viaje a Roma para el estreno de la ópera Giustino. Audiencia con el Papa Benedicto XIII. 1711 publicación de 12 conciertos “L’estro armonico” (“Inspiración armónica”) op. 3.1725 op. publicado en Ámsterdam. VIII "Il Cimento dell'Armonia e dell'Invenzione. En este ciclo "El arte de la armonía y la invención" o ("La controversia de la armonía con la invención"), Op. 8 (ca. 1720), que ya entonces dejó un recuerdo imborrable Impresionó a los oyentes con su pasión frenética e innovación, ahora incluía cuatro conciertos de fama mundial "Las cuatro estaciones" Jean Jacques Rousseau, que trabajaba en la embajada francesa en Venecia en ese momento, apreciaba mucho la música de Vivaldi y le encantaba interpretar algunas de ellas. También son muy conocidos los conciertos de Vivaldi que toca su flauta favorita: “La notte” (la noche), “Il cardellino” (el jilguero), para flauta y orquesta, concierto para dos mandolinas RV532, que se distingue por su expresión artística y armónica. generosidad característica de sus obras, así como de obras sacras: “Gloria”, “Magnificat” ", "Stabat Mater", "Dixit Dominus".

En 1703-1725 - profesor, luego director de orquesta y director de conciertos, y también desde 1713 - director de orquesta y coro en el orfanato "della Pieta" de Venecia, famoso por ser uno de los mejores escuelas de musica para niñas. En 1735 volvió a desempeñarse brevemente como director de banda.

Vivaldi - mayor representante Arte del violín italiano del siglo XVIII, que estableció un nuevo estilo de interpretación dramatizado, llamado "lombardo". Creó el género del concierto instrumental solista e influyó en el desarrollo de la técnica virtuosa del violín. Maestro del concierto conjunto-orquestal - concerto grosso. Vivaldi prepara el concierto grosso en tres partes forma cíclica, destacó la parte virtuosa del solista.

Durante su vida, se hizo conocido como un compositor capaz de crear una ópera en tres actos en cinco días y componer muchas variaciones sobre un tema. Se hizo famoso en toda Europa como violinista virtuoso. Aunque favorecido por Vivaldi, Goldoni, tras la muerte del sacerdote pelirrojo, habló de él en sus memorias como un compositor bastante mediocre. Durante mucho tiempo, Vivaldi fue recordado sólo porque J. S. Bach hizo una serie de transcripciones de las obras de su predecesor, y recién en el siglo XX se publicó la colección completa de las obras instrumentales de Vivaldi. Los conciertos instrumentales de Vivaldi fueron una etapa en el camino hacia la formación de una sinfonía clásica. Se creó en Siena el Instituto Italiano Vivaldi (dirigido por F. Malipiero).

A mediados de mayo de 1740, el músico abandonó finalmente Venecia. Llegó a Viena en un momento desafortunado, ya que el emperador Carlos VI acababa de morir y la Guerra de Sucesión de Austria había comenzado. Viena no tenía tiempo para Vivaldi. Olvidado por todos, enfermo y sin medios de sustento, murió en Viena el 28 de julio de 1741. El médico trimestral registró la muerte del “reverendo don Antonio Vivaldi por inflamación interna”. Fue enterrado en el cementerio de los pobres por una módica suma de 19 florines y 45 coronas. Un mes después, las hermanas Margherita y Zanetta recibieron la noticia de la muerte de Antonio. El 26 de agosto, el alguacil se apoderó de sus bienes para saldar sus deudas.

Los contemporáneos lo criticaron a menudo por su excesiva pasión por el escenario de la ópera y su prisa e ilegibilidad. Es curioso que después de la producción de su ópera "Furious Roland", sus amigos llamaron a Vivaldi, nada menos que Dirus (lat. Furious). La herencia operística del compositor (aproximadamente 90 óperas) aún no ha pasado a ser propiedad del escenario operístico mundial. No fue hasta la década de 1990 que Roland Furious se representó con éxito en San Francisco.

La obra de Vivaldi tuvo una gran influencia no sólo en los compositores italianos contemporáneos, sino también en músicos de otras nacionalidades, principalmente alemanes. Aquí es especialmente interesante rastrear la influencia de la música de Vivaldi en J. S. Bach, el más grande compositor alemán del siglo I. mitad del siglo XVIII siglo. En la primera biografía de Bach, publicada en 1802, su autor, Johann Nikolaus Forkel, destacó a Vivaldi entre los maestros que se convirtieron en tema de estudio del joven Johann Sebastian. El fortalecimiento del carácter virtuoso instrumental del tematicismo de Bach durante el período Köthen de su obra (1717-1723) está directamente relacionado con el estudio de la música de Vivaldi. Pero su influencia se manifestó no sólo en la asimilación y procesamiento de técnicas expresivas individuales, sino que fue mucho más amplia y profunda. Bach adoptó el estilo de Vivaldi de forma tan orgánica que se convirtió en su propio lenguaje musical. La intimidad interior con la música de Vivaldi es palpable en los más varias obras Bach hasta su famosa Misa “Alta” en si menor. La influencia que tuvo la música de Vivaldi en el compositor alemán fue sin duda enorme. Según A. Casella, “Bach es su mayor admirador y probablemente el único que en aquel momento supo comprender la grandeza del genio de este músico”.

Ensayos
Más de 40 óperas, entre ellas "Roland el loco imaginario" (Orlando fiato pozzo, 1714, Teatro Sant'Angelo, Venecia), "Nerón, que se convirtió en César" (Nerone fatto Cesare, 1715, ibid.), "La coronación de Darío" (L'incoronazione di Daria, 1716, ibid.), "El engaño triunfante en el amor" (L'inganno trionfante in amore, 1725, ibid.), "Farnace" (1727, ibid., más tarde también llamado "Farnace, gobernante de Pontus"), "Cunegonde" (1727, ibid.), "Olympiad" (1734, ibid.), "Griselda" (1735, Teatro San Samuele, Venecia), "Aristide" (1735, ibid.), “Oracle in Messenia” (1738, Teatro Sant'Angelo, Venecia), “Theraspes” (1739, ibid.); oratorios - "Moisés, Dios del Faraón" (Moyses Deus Pharaonis, 1714), "Judith triunfante" (Juditha Triumphans devicta Holofernis barbarie, 1716), "Adoración de los magos" (L'Adorazione delli tre Re Magi, 1722), etc. .
Autor de más de 500 conciertos, entre ellos:
44 conciertos para orquesta de cuerdas y bajo continuo;
49 concherti grossi;
352 conciertos para un instrumento con acompañamiento de orquesta de cuerdas y/o bajo continuo (253 para violín, 26 para violonchelo, 6 para viola de amor, 13 para travesera, 3 para flautas longitudinales, 12 para oboe, 38 para fagot, 1 para mandolina );
38 conciertos para 2 instrumentos con acompañamiento de orquesta de cuerdas y/o bajo continuo (25 para violín, 2 para violonchelo, 3 para violín y violonchelo, 2 para trompa, 1 para mandolinas);
32 conciertos para 3 o más instrumentos con acompañamiento de orquesta de cuerdas y/o bajo continuo.

Una de las obras más famosas es el ciclo de cuatro conciertos para violín "Las Estaciones", un ejemplo temprano de música sinfónica programada. La contribución de Vivaldi al desarrollo de la instrumentación fue significativa (fue el primero en utilizar oboes, trompas, fagotes y otros instrumentos como independientes, en lugar de duplicados).

Introducción

Capítulo I. El papel de A. Vivaldi en el desarrollo del concierto para violín en el siglo XVIII

1.1.

1.2.La contribución creativa de A. Vivaldi al desarrollo del concierto instrumental.

Capítulo II. La herencia creativa de A. Vivaldi. Análisis de las obras más famosas del compositor.

1 "Estaciones"

2 Concierto para violín “La menor”

Conclusión

Bibliografía

Introducción

Antonio Vivaldi es un prolífico compositor, autor de obras instrumentales y óperas, cuyas producciones dirigió en gran medida él mismo, formando cantantes, dirigiendo representaciones e incluso desempeñando funciones de empresario. La extraordinaria riqueza de esta existencia inquieta, las fuerzas creativas aparentemente inagotables y la rara versatilidad de intereses se combinaron en Vivaldi con manifestaciones de un temperamento brillante y desenfrenado.

Estos rasgos de personalidad se reflejan plenamente en el arte de Vivaldi, que está lleno de riqueza. fantasía artística y fuerza de temperamento y no pierde vitalidad con el paso de los siglos. Si algunos de sus contemporáneos vieron frivolidad en la apariencia y las acciones de Vivaldi, entonces en su música el pensamiento creativo está siempre despierto, la dinámica no se debilita y la plasticidad de la forma no se altera. El arte de Vivaldi es, ante todo, un arte generoso, que nace de la vida misma, absorbiendo sus jugos saludables. No había ni podía haber nada en él que fuera inverosímil, alejado de la realidad o que no hubiera sido probado por la práctica. El compositor conocía perfectamente la naturaleza de su instrumento.

Objetivo trabajo del curso: estudia la interpretación del género instrumental de concierto en la obra de Antonio Vivaldi.

Objetivos de este trabajo de curso:

.Estudiar literatura sobre un tema determinado;

2.Consideremos a A. Vivaldi como representante de la escuela italiana de violín;

3.Analiza las obras más famosas del compositor.

Este trabajo de curso es relevante hoy, ya que la obra del compositor A. Vivaldi es de interés para sus contemporáneos, sus obras se interpretan en salas de conciertos por todo el mundo.

Capítulo I. El papel de A. Vivaldi en el desarrollo del concierto para violín en el siglo XVIII

1.1.La escuela italiana de violín y el desarrollo de los géneros musicales instrumentales y de violín.

El temprano florecimiento del arte del violín italiano tuvo sus propias razones sociales y culturales, arraigadas en el desarrollo socioeconómico del país. Debido a condiciones históricas especiales en Italia, antes que en otros países europeos, las relaciones feudales fueron reemplazadas por relaciones burguesas, que eran más progresistas en esa época. En el país que F. Engels llamó la "primera nación capitalista", las características nacionales de la cultura y el arte comenzaron a tomar forma muy temprano.

El Renacimiento floreció activamente en suelo italiano. Condujo al surgimiento de brillantes creaciones de escritores, artistas y arquitectos italianos. Italia le dio al mundo la primera ópera, desarrolló el arte del violín, el surgimiento de nuevos géneros musicales progresistas, los logros excepcionales de los violinistas que crearon insuperables. diseños clásicos Instrumentos de arco (Amati, Stradivarius, Guarneri).

Los fundadores de la escuela italiana de violinistas fueron Andrea Amati y Gasparo da Salo, y la mayoría maestros destacados durante el apogeo de la escuela (desde mediados del siglo XVII hasta mediados del XVIII) - Niccolò Amati y sus dos alumnos, Antonio Stradivari y Giuseppe Guarneri del Gesù.

Se cree que Antonio Stradivari nació en el año 1644, aunque no consta su fecha exacta de nacimiento. Nació en Italia. Se cree que de 1667 a 1679 sirvió como estudiante libre de Amati, es decir. hizo el trabajo duro.

El joven mejoró diligentemente el trabajo de Amati, logrando melodía y flexibilidad de voces en sus instrumentos, cambiando su forma por una más curva y decorando los instrumentos.

La evolución de Stradivarius muestra una liberación gradual de la influencia del maestro y el deseo de crear un nuevo tipo de violín, que se distinga por la riqueza tímbrica y el sonido potente. Pero el período de búsqueda creativa durante el cual Stradivari buscó su propio modelo duró más de 30 años: sus instrumentos alcanzaron la perfección de forma y sonido sólo a principios del siglo XVIII.

Generalmente se acepta que sus mejores instrumentos fueron fabricados entre 1698 y 1725, superando en calidad a los instrumentos fabricados posteriormente entre 1725 y 1730. Entre los famosos violines Stradivarius se encuentran los Betts, Viotti, Alard y Messiah.

Además de violines, Stradivarius también fabricó guitarras, violas, violonchelos y al menos un arpa: un total de más de 1.100 instrumentos, según las estimaciones actuales.

El gran maestro murió a la edad de 93 años el 18 de diciembre de 1837. Sus herramientas de trabajo, dibujos, dibujos, modelos y algunos violines terminaron en la colección del famoso coleccionista del siglo XVIII, el Conde Cosio di Salabue. Actualmente esta colección se conserva en el Museo Stradivarius de Cremona.

Los cambios en la situación histórica, las necesidades sociales y culturales, los procesos espontáneos de desarrollo del arte musical, la estética: todo esto contribuyó a un cambio en los estilos, géneros y formas de la creatividad musical y las artes escénicas, lo que a veces condujo a una imagen heterogénea de la convivencia de Diferentes estilos en el mundo. camino común el avance del arte desde el Renacimiento al Barroco, y luego a los estilos preclasicista y clasicista temprano del siglo XVIII.

El arte del violín jugó un papel importante en el desarrollo de la cultura musical italiana. No se puede subestimar el papel destacado de los músicos italianos en el florecimiento temprano de la creatividad del violín como uno de los principales fenómenos de la música europea. Esto se evidencia convincentemente en los logros de los violinistas y compositores italianos de los siglos XVII-XVIII, que dirigieron la escuela de violín italiana: Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldi y Giuseppe Tartini, cuyo trabajo ha conservado un gran significado artístico.

Arcangelo Corelli nació el 17 de febrero de 1653 en Fusignano, cerca de Bolonia, en el seno de una familia inteligente. Su talento musical se reveló temprano y se desarrolló bajo la influencia directa de la escuela boloñesa: el joven Corelli dominó el violín en Bolonia bajo la dirección de Giovanni Benvenuti. Sus éxitos asombraron a quienes lo rodeaban y recibieron un gran reconocimiento por parte de los especialistas: a la edad de 17 años, Corelli fue elegido miembro de la Academia Filarmónica de Bolonia. Sin embargo, no permaneció mucho tiempo en Bolonia y a principios de la década de 1670 se trasladó a Roma, donde pasó toda su vida. En Roma, el joven músico complementó su formación estudiando contrapunto con la ayuda del experimentado organista, cantante y compositor Matteo Simonelli de la Capilla Papal. actividades musicales Corelli comenzó primero en la iglesia (violinista en la capilla), luego en la Ópera de Capranica (kapellmeister). Aquí se distinguió no sólo como un maravilloso violinista, sino también como líder de conjuntos instrumentales. A partir de 1681, Corelli comenzó a publicar sus obras: hasta 1694, se publicaron cuatro colecciones de sus sonatas en trío, lo que le dio gran fama. De 1687 a 1690 dirigió la capilla del cardenal B. Panfili, y luego se convirtió en jefe de la capilla del cardenal P. Ottoboni y organizador de conciertos en su palacio.

Esto significa que Corelli se comunicó con un amplio círculo de conocedores del arte, amantes del arte ilustrados y músicos destacados de su tiempo. Ottoboni, rico y brillante filántropo, apasionado del arte, fue anfitrión de oratorios y conciertos "academianos", a los que asistió una numerosa sociedad. El joven Handel, Alessandro Scarlatti y su hijo Domenico y muchos otros músicos, artistas, poetas y científicos italianos y extranjeros visitaron su casa. La primera colección de sonatas en trío de Corelli está dedicada a Cristina de Suecia, la reina sin trono que vivía en Roma. Esto sugiere que Corelli participó de alguna manera en los festivales musicales organizados en el palacio que ocupaba o bajo sus auspicios.

A diferencia de la mayoría de los músicos italianos de su época, Corelli no escribió óperas (aunque estuvo asociado con la ópera) ni obras vocales para la iglesia. Como compositor e intérprete, estuvo completamente inmerso únicamente en la música instrumental y algunos de sus géneros asociados con la participación principal del violín. En 1700 se publicó una colección de sus sonatas para violín con acompañamiento. Desde 1710, Corelli dejó de actuar en conciertos; dos años más tarde se trasladó del Palacio Ottoboni a su propio apartamento.

Durante muchos años, Corelli enseñó a los estudiantes. Entre sus alumnos se encuentran los compositores e intérpretes Pietro Locatelli, Francesco Geminiani y J.B. Somis. Dejó una gran colección de pinturas, entre las que se encontraban cuadros de maestros italianos, paisajes de Poussin y un cuadro de Bruegel, muy valorado por el compositor y mencionado en su testamento. Corelli murió en Roma el 8 de enero de 1713. 12 de sus conciertos fueron publicados póstumamente, en 1714.

Con todas sus raíces, el arte de Corelli se remonta a la tradición del siglo XVII, sin romper con la polifonía, dominando la herencia de la suite de danza, desarrollando aún más los medios expresivos y, con ello, la técnica de su instrumento. La obra de los compositores boloñeses, basada especialmente en el modelo de sonata en trío, ya ha adquirido una influencia significativa no sólo en Italia: como es sabido, cautivó a Purcell en su época. Corelli, el creador de la escuela romana de arte del violín, ganó verdadera fama mundial. En las primeras décadas del siglo XVIII, su nombre encarnaba, a los ojos de sus contemporáneos franceses o alemanes, los mayores éxitos y la especificidad misma de la música instrumental italiana en general. El arte del violín del siglo XVIII se desarrolló a partir de Corelli, representado por luminarias como Vivaldi y Tartini, y toda una galaxia de otros maestros destacados.

El legado creativo de Corelli en ese momento no era tan grande: 48 sonatas en trío, 12 sonatas para violín con acompañamiento y 12 “grandes conciertos”. Los compositores italianos contemporáneos de Corelli, por regla general, fueron mucho más prolíficos y crearon docenas de óperas, cientos de cantatas, sin mencionar una gran cantidad de obras instrumentales. A juzgar por la música de Corelli, es poco probable que el trabajo creativo le resultara difícil. Al parecer, profundamente concentrado en ello, sin dispersarse, pensó detenidamente en todas sus ideas y no tenía prisa por publicar. ensayos terminados. No hay rastros de inmadurez evidente en sus primeras obras, como tampoco hay signos de estabilización creativa en sus obras posteriores. Es muy posible que lo que se publicó en 1681 se creara a lo largo de varios años anteriores y que los conciertos publicados en 1714 comenzaran mucho antes de la muerte del compositor.

2 La contribución creativa de A. Vivaldi al desarrollo del concierto instrumental

El destacado violinista y compositor Antonio Vivaldi (1678-1741) es uno de los representantes más brillantes del arte del violín italiano del siglo XVIII. Su importancia, especialmente en la creación del concierto para violín solo, va mucho más allá de las fronteras de Italia.

A. Vivaldi nació en Venecia, en la familia de un excelente violinista y profesor, miembro de la capilla de la Catedral de San Marco Giovanni Battista Vivaldi. CON primera infancia su padre le enseñó a tocar el violín y lo llevó a los ensayos. A partir de los 10 años, el niño empezó a sustituir a su padre, que también trabajaba en uno de los conservatorios de la ciudad.

El director del coro, G. Legrenzi, se interesó por el joven violinista y estudió órgano y composición con él. Vivaldi asistió a los conciertos en casa de Legrenzi, donde se escucharon nuevas obras del propio propietario, de sus alumnos: Antonio Lotti, el violonchelista Antonio Caldara, el organista Carlo Polarolli y otros. Lamentablemente, Legrenzi murió en 1790 y los estudios cesaron.

En ese momento, Vivaldi ya había comenzado a componer música. Su primera obra que nos ha llegado es trabajo espiritual, que data de 1791. El padre consideró mejor darle a su hijo una educación espiritual, ya que su rango y voto de celibato le daban a Vivaldi el derecho a enseñar en el conservatorio de mujeres. Así comenzó la formación espiritual en el seminario. En 1693 fue ordenado abad. Esto le permitió acceder al conservatorio más prestigioso, el Ospedale della Piet. à " Sin embargo, la sagrada orden resultó más tarde ser un obstáculo para el desarrollo del enorme talento de Vivaldi. Después del abad, Vivaldi ascendió en las filas del clero y finalmente, en 1703, fue ordenado al último rango inferior: sacerdote, lo que le dio el derecho a realizar un servicio independiente: la misa.

Su padre preparó plenamente a Vivaldi para la docencia, habiendo hecho él mismo lo mismo en el Conservatorio de los “Mendigos”. La música era la materia principal en el conservatorio. A las niñas se les enseñó a cantar, tocar varios instrumentos y dirigir. El conservatorio contaba con una de las mejores orquestas de Italia en aquella época, en la que participaban 140 estudiantes. B. Martini, C. Burney, K. Dittersdorf hablaron con entusiasmo de esta orquesta. Junto con Vivaldi, alumno de Corelli y Lotti, enseñó aquí Francesco Gasparini, un experimentado violinista y compositor cuyas óperas se representaron en Venecia.

En el conservatorio, Vivaldi enseñó violín y “viola inglesa”. La orquesta del conservatorio se convirtió para él en una especie de laboratorio donde realizar sus planes. Ya en 1705 se publicó su primera obra de sonatas en trío (sonatas de cámara), en la que todavía se siente la influencia de Corelli. Es característico, sin embargo, que en ellos no se note ningún signo de aprendizaje. Se trata de composiciones artísticas maduras, que atraen con la frescura y la imaginación de la música.

Como si enfatizara el homenaje al genio de Corelli, concluye la Sonata n.° 12 con las mismas variaciones sobre el tema de Folia. El año que viene se lanzará la segunda obra: concerti grossi “Harmonic Inspiration”, que apareció tres años antes que los conciertos de Torelli. Es entre estos conciertos que el famoso La menor Nueva York.

El servicio en el conservatorio fue un éxito. A Vivaldi se le confía la dirección de la orquesta y luego del coro. En 1713, debido a la marcha de Gasparini, Vivaldi pasó a ser el compositor principal con la obligación de componer dos conciertos al mes. Trabajó en el conservatorio casi hasta el final de su vida. Llevó la orquesta del conservatorio a la máxima perfección.

La fama del compositor Vivaldi se está extendiendo rápidamente no sólo en Italia. Sus obras se publican en Amsterdam. En Venecia conoce a Handel, A. Scarlatti, su hijo Domenico, que estudia con Gasparini. Vivaldi también ganó fama como violinista virtuoso, para quien no había dificultades imposibles. Su habilidad se hacía evidente en las cadencias improvisadas.

En una de esas ocasiones, alguien que estaba presente en una representación de la ópera de Vivaldi en el Teatro San Angelo recordó su actuación: “Casi al final, acompañando a un magnífico solista, Vivaldi finalmente realizó una fantasía que realmente me asustó, porque era algo increíble, como el que nadie ha tocado y no puede tocar, porque con los dedos subió tan alto que ya no quedaba lugar para el arco, y con esto en las cuatro cuerdas realizó una fuga con una velocidad increíble”. Los registros de varias de estas cadencias permanecen en manuscritos.

Vivaldi se compuso rápidamente. Se publican sus sonatas solistas y conciertos. Para el conservatorio creó su primer oratorio, "Moisés, dios del faraón", y preparó su primera ópera, "Ottone en la Villa", que se representó con éxito en 1713 en Vicenza. Durante los siguientes tres años, crea tres óperas más. Luego viene un descanso. Vivaldi escribió con tanta facilidad que incluso él mismo lo notó a veces, como en el manuscrito de la ópera "Tito Manlio" (1719): "trabajó en cinco días".

En 1716, Vivaldi creó uno de sus mejores oratorios para el conservatorio: “Judit triunfante, derrotando a Holofernes de los bárbaros”. La música atrae con su energía y alcance y al mismo tiempo con su sorprendente color y poesía. Ese mismo año, durante las celebraciones musicales en honor a la llegada del duque de Sajonia a Venecia, se invitó a actuar a dos jóvenes violinistas: Giuseppe Tartini y Francesco Veracini. El encuentro con Vivaldi tuvo un profundo impacto en su obra, especialmente en los conciertos y sonatas de Tartini. Tartini decía que Vivaldi era un compositor de conciertos, pero pensaba que era un compositor de ópera por vocación. Tartini tenía razón. Las óperas de Vivaldi están hoy olvidadas.

Las actividades docentes de Vivaldi en el conservatorio fueron cosechando éxitos gradualmente. Otros violinistas también estudiaron con él: J.B. Somis, Luigi Madonis y Giovanni Verocai, que sirvieron en San Petersburgo, Carlo Tessarini, Daniel Gottlob Troy, director de orquesta en Praga. Estudiante del conservatorio, Santa Tasca se convirtió en concertista de violín y luego en músico de la corte de Viena; También actuó Hiaretta, con quien estudió el destacado violinista italiano G. Fedeli.

Además, Vivaldi resultó ser un buen profesor de canto. Su alumna Faustina Bordoni recibió el sobrenombre de “Nueva Sirena” por la belleza de su voz (contralto). El alumno más famoso de Vivaldi fue Johann Georg Pisendel, concertino de la Capilla de Dresde.

En 1718, Vivaldi aceptó inesperadamente una invitación para trabajar como director de la capilla del Landgrave en Mantua. Aquí representó sus óperas, creó numerosos conciertos para la capilla y dedicó una cantata al Conde. En Mantua conoció a su antigua alumna, la cantante Anna Giraud. Se propuso desarrollar sus habilidades vocales, lo logró, pero se interesó seriamente por ella. Giraud se convirtió en un cantante famoso y cantó en todas las óperas de Vivaldi.

En 1722, Vivaldi regresó a Venecia. En el conservatorio, ahora debe componer dos conciertos instrumentales al mes y realizar 3 o 4 ensayos con los estudiantes para aprenderlos. En caso de salida, debía enviar los conciertos por mensajería.

Ese mismo año creó Doce Conciertos, que comprendía el op. 8 - “Una Experiencia de Armonía y Fantasía”, que incluye las famosas “Estaciones” y algunos otros conciertos programados. Fue publicado en Amsterdam en 1725. Los conciertos se extendieron rápidamente por toda Europa y el Four Seasons ganó una enorme popularidad.

Durante estos años, la intensidad de la creatividad de Vivaldi fue excepcional. Sólo para la temporada 1726/27 creó ocho nuevas óperas, decenas de conciertos y sonatas. A partir de 1735 comenzó la fructífera colaboración de Vivaldi con Carlo Goldoni, en cuyo libreto creó las óperas “Griselda”, “Aristide” y muchas otras. Esto también afectó a la música del compositor, en cuya obra se manifiestan más claramente los rasgos de la ópera buffa y los elementos folclóricos.

Poco se sabe sobre el intérprete Vivaldi. Como violinista, actuó muy raramente, solo en el Conservatorio, donde a veces tocaba sus conciertos y, a veces, en la ópera, donde actuaba solos de violín o cadencias. A juzgar por las grabaciones conservadas de algunas de sus cadencias, sus composiciones, así como por los testimonios fragmentarios de sus contemporáneos sobre su forma de tocar que han llegado hasta nosotros, fue un violinista destacado que controlaba magistralmente su instrumento.

Como compositor pensaba como un violinista. El estilo instrumental también brilla en sus obras operísticas y oratorias. El hecho de que fue un violinista destacado también lo demuestra el hecho de que muchos violinistas en Europa quisieron estudiar con él. Las características de su estilo interpretativo ciertamente se reflejan en sus composiciones.

El legado creativo de Vivaldi es enorme. Ya se han publicado más de 530 de sus obras. Escribió alrededor de 450 conciertos diferentes, 80 sonatas, alrededor de 100 sinfonías, más de 50 óperas y más de 60 obras espirituales. Muchos de ellos aún permanecen manuscritos. La editorial Ricordi ha publicado 221 conciertos para violín solo, 26 conciertos para 2-4 violines, 6 conciertos para viola d cupido, 11 conciertos para violonchelo, 30 sonatas para violín, 19 sonatas para trío, 9 sonatas para violonchelo y otras obras, incluso para instrumentos de viento.

En cualquier género que tocara el genio de Vivaldi, se abrían posibilidades nuevas e inexploradas. Esto ya era evidente en su primera obra.

Las doce sonatas en trío de Vivaldi se publicaron por primera vez como op. 1, en Venecia en 1705, pero fueron compuestos mucho antes; Esta obra probablemente incluyó obras seleccionadas de este género. En estilo se acercan a Corelli, aunque también revelan algunos rasgos individuales. Es interesante que, tal como ocurre en el op. 5 Corelli, la colección de Vivaldi termina con diecinueve variaciones sobre el entonces popular tema de la folia española. Cabe destacar la diferente presentación (melódica y rítmica) del tema en Corelli y Vivaldi (este último es más estricto). A diferencia de Corelli, que solía distinguir entre estilos de cámara y de iglesia, Vivaldi ya en su primera obra ofrece ejemplos de su entrelazamiento e interpenetración.

En términos de género, siguen siendo más bien sonatas de cámara. En cada uno de ellos se destaca la parte del primer violín y se le da un carácter virtuoso y más libre. Las sonatas se abren con exuberantes preludios de carácter lento y solemne, a excepción de la Décima Sonata, que comienza con un baile rápido. Las partes restantes son casi todas de género. Aquí hay ocho allemandes, cinco jigs, seis campanadas, que se reinterpretan instrumentalmente. La gavota solemne de la corte, por ejemplo, la utiliza cinco veces como final rápido en tempo Allegro y Presto.

La forma de las sonatas es bastante libre. La primera parte da un tono psicológico al conjunto, tal como lo hizo Corelli. Sin embargo, Vivaldi abandona aún más la parte de fuga, la polifonía y la elaboración, y se esfuerza por lograr un movimiento de danza dinámico. A veces, todas las demás partes transcurren casi al mismo tempo, violando así el antiguo principio de tempos contrastantes.

Ya en estas sonatas se puede sentir la imaginación más rica de Vivaldi: ninguna repetición de fórmulas tradicionales, melodía inagotable, deseo de protagonismo, entonaciones características, que luego serían desarrolladas por el propio Vivaldi y otros autores. Así, el comienzo de la Tumba de la segunda sonata aparecerá luego en las “Estaciones”. La melodía del preludio de la undécima sonata quedará reflejada en el tema principal del Concierto para dos violines de Bach. Características También hay amplios movimientos de figuración, repetición de entonaciones, como si fijaran el material principal en la mente del oyente, y una implementación consistente del principio de desarrollo secuencial.

La fuerza y ​​la inventiva del espíritu creativo de Vivaldi se demostraron especialmente en el género de concierto. Es en este género donde se escribieron la mayoría de sus obras. Al mismo tiempo, en el patrimonio del concierto. maestro italiano Se combinan libremente obras escritas en forma de concierto grosso y en forma de concierto solista. Pero incluso en aquellos de sus conciertos que gravitan hacia el género del concerto grosso, la individualización de las partes del concierto se siente claramente: a menudo adquieren un carácter de concierto, y entonces no es fácil trazar la línea entre un concerto grosso y un concierto para solista. .

compositor violín vivaldi

Capítulo II. La herencia creativa de A. Vivaldi. Análisis de las obras más famosas del compositor.

1 "Estaciones"

Ciclo de cuatro conciertos para violín solo con orquesta de cuerdas y el platillo “The Seasons” fue escrito presumiblemente en 1720-1725. Estos conciertos se incluyeron posteriormente en el opus 8, “La controversia de la armonía con la invención”. Como escribe N. Harnoncourt, el compositor recopiló y publicó aquellos de sus conciertos que podrían combinarse con un título tan sonoro.

El concierto "Primavera", como los otros tres conciertos "Cuatro Estaciones", está escrito en tres partes, cuyo establecimiento en la historia de la música está asociado precisamente con el nombre de A. Vivaldi. Los movimientos extremos son rápidos y están escritos en la antigua forma de concierto. La segunda parte es lenta, con una melodía melodiosa, escrita en la antigua forma de dos partes.

Para la composición de la primera parte del concierto, la actividad y la energía del movimiento inherentes al tema principal son de suma importancia. Repitiéndose más de una vez en el Allegro, como si regresara en círculo, parece estimular el movimiento general dentro de la forma y al mismo tiempo la mantiene unida, conservando la impresión principal.

La actividad dinámica de las primeras partes del ciclo se contrasta con la concentración de las partes lentas con la unidad interna de su temática y una mayor sencillez de composición. En este marco, los numerosos Largos, Adagios y Andantes de los conciertos de Vivaldi están lejos de ser del mismo tipo. Pueden ser tranquilamente idílicos en varias opciones, en particular, los pastorales, destacan por la amplitud del lirismo, incluso pueden transmitir la tensión restringida de los sentimientos en el género siciliano o encarnar la severidad del dolor en forma de pasacalles. El movimiento de la música en los centros líricos es más unidimensional (los contrastes internos no son característicos ni de la temática ni de la estructura en su conjunto), más tranquilo, pero sin duda está presente aquí en Vivaldi: en el amplio despliegue del melodicismo lírico, en el contrapunteo expresivo de las voces superiores, como a dúo (llamado Siciliana), en el desarrollo variacional de la pasacalle.

El tema temático de los finales, por regla general, es más simple, internamente homogéneo y más cercano a los orígenes del género folclórico que el tema temático del primer Allegro. Movimiento rápido en 3/8 o 2/4, frases cortas, ritmos agudos (danza, sincopados), entonaciones ardientes “al gusto lombardo”: aquí todo es desafiantemente vital, a veces alegre, a veces scherzoico, a veces bufón, a veces tormentoso, a veces dinámicamente pintoresco.

Sin embargo, no todos los finales de los conciertos de Vivaldi son dinámicos en este sentido. Final en concierto grosso op. 3 No. 11, donde está precedido por la mencionada Siciliana, está impregnado de ansiedad y es inusual por la agudeza de sus sonidos. Los violines solistas comienzan a liderar una presentación imitativa de un tema alarmante y uniformemente pulsante, y luego, a partir del cuarto compás, se marca en el bajo un descenso cromático con el mismo ritmo pulsante.

Esto confiere inmediatamente a la dinámica del final del concierto un carácter lúgubre e incluso algo nervioso.

En todas las partes del ciclo, la música de Vivaldi se mueve de manera diferente, pero su movimiento ocurre naturalmente tanto dentro de cada parte como en la relación entre las partes. Esto se debe tanto a la naturaleza misma del tematicismo como a la creciente madurez del pensamiento armónico modal en la nueva estructura homofónica, cuando la claridad de las funciones modal y la claridad de la gravedad activan el desarrollo musical. Esto también está enteramente relacionado con el sentido clásico de la forma característico del compositor, quien, sin siquiera evitar la fuerte intrusión de las entonaciones del género popular local, siempre se esfuerza por mantener la más alta armonía del conjunto en la alternancia de patrones contrastantes, en el escala de partes del ciclo (sin duración), en la plasticidad de su entonación que se despliega en la dramaturgia general del ciclo.

En cuanto a los subtítulos del programa, sólo describían la naturaleza de la imagen o imágenes, pero no afectaban la forma del conjunto, no predeterminaban el desarrollo dentro de sus límites. El programa relativamente extenso incluye las partituras de cuatro conciertos de la serie “Estaciones”: cada uno de ellos tiene su correspondiente soneto que revela el contenido de las partes del ciclo. Es posible que los sonetos fueran compuestos por el propio compositor. En cualquier caso, el programa declarado en ellos no requiere en absoluto repensar la forma del concierto, sino que “se curva” según esta forma. Las imágenes del movimiento lento y el final, con las peculiaridades de su estructura y desarrollo, eran generalmente más fáciles de expresar en poesía: bastaba con nombrar las imágenes mismas. Pero la primera parte del ciclo, el rondó de concierto, recibió una interpretación tan programática que no le impidió conservar su forma habitual y encarnar naturalmente en él la “trama” elegida. Esto sucedió en cada uno de los cuatro conciertos.

En el concierto “Primavera”, el programa del primer movimiento se revela en el soneto de esta manera: “Ha llegado la primavera, y los pájaros alegres la saludan con su canto, y los arroyos corren y gorgotean. El cielo se cubre de nubes oscuras, relámpagos y truenos también presagian la primavera. Y los pájaros vuelven a sus dulces cantos”. El tema ligero y fuerte de danza de acordes (tutti) determina el tono emocional de todo el Allegro: “Ha llegado la primavera”. Los violines de concierto (episodio) imitan el canto de los pájaros. Vuelve a sonar el “tema primaveral”. Nuevo episodio de pasaje - corto tormenta de primavera. Y vuelve otra vez tema principal Rondo "Ha llegado la primavera" Por eso ella siempre domina la primera parte del concierto, encarnando el alegre sentimiento de la primavera, y los episodios visuales aparecen como una especie de detalle de la imagen general de la renovación primaveral de la naturaleza. Como puede ver, la forma rondó sigue estando en plena vigencia aquí y el programa se "divide" fácilmente en sus secciones. Parece que el soneto "Primavera" en realidad fue compuesto por un compositor que previó de antemano las posibilidades estructurales de su encarnación musical.

En todas las segundas partes de “The Seasons” hay una unidad de textura en todo el movimiento (aunque el tamaño del movimiento no permite contrastes particulares). La pieza está escrita en la antigua forma de dos partes.

En total, la textura tiene tres capas: superior - melódica - melodiosa, cantilen. Medio - relleno armónico - "susurro de hierba y follaje", muy silencioso, escrito en pequeñas duraciones de puntos, realizando ecos en tercios paralelos. El movimiento de las voces medias es principalmente parecido a un trino, en círculos. Además, los dos primeros tiempos del compás son un movimiento estático: un tercer “trino” que, aunque monótono, se mueve gracias a la exquisita línea de puntos. En el tercer tiempo, se activa el movimiento melódico; con esto parece preparar el tono del sonido del siguiente compás, creando un ligero "desplazamiento" o "balanceo" de la textura. Y el bajo, que enfatiza la base armónica, es rítmicamente característico y representa el "ladrido de un perro".

Es interesante rastrear exactamente cómo pensaba Vivaldi sobre la estructura figurativa de los movimientos lentos en el ciclo de conciertos. La música Largo (cis-menor) del concierto “Primavera” corresponde a las siguientes líneas del soneto: “En un césped florido, bajo el susurro de los bosques de robles, un pastor de cabras duerme con un perro fiel a su lado”. Naturalmente, se trata de una pastoral en la que se desarrolla una única imagen idílica. Los violines de octava cantan una melodía tranquila, sencilla y de ensueño sobre un fondo poético de terceras oscilantes, y todo esto está matizado después del Allegro mayor por un suave paralelo menor, lo cual es natural para la parte lenta del ciclo.

Para el final, el programa tampoco prevé ninguna variedad y ni siquiera detalla en lo más mínimo su contenido: “Las ninfas bailan al son de las gaitas de los pastores”.

Movimiento ligero, ritmos de baile, estilización. instrumento folklórico- Aquí todo puede no depender del programa, ya que normalmente es para finales.

En cada concierto de Las cuatro estaciones, el movimiento lento es monótono y destaca por su tranquilo pintoresquismo después del dinámico Allegro: una imagen de la languidez de la naturaleza y de todos los seres vivos en el calor del verano; sueño reparador aldeanos después del festival de la cosecha de otoño; "Es agradable sentarse junto a la chimenea y escuchar la lluvia golpear la ventana detrás de la pared", cuando el viento helado del invierno es feroz.

El final de "Verano" es la imagen de una tormenta, el final de "Otoño" es "Caza". Esencialmente, las tres partes del ciclo de conciertos del programa mantienen las relaciones habituales en términos de su estructura figurativa, la naturaleza del desarrollo interno y las comparaciones contrastantes entre Allegro, Largo (Adagio) y el final. Y, sin embargo, los programas poéticos revelados en cuatro sonetos son interesantes porque parecen confirmar con la palabra del autor las impresiones generales de la imaginería del arte de Vivaldi y su posible expresión en su género principal del concierto.

Por supuesto, el ciclo "Estaciones", un tanto idílico por la naturaleza de sus imágenes, revela sólo una pequeña parte de la obra del compositor. Sin embargo, su idilio estaba muy en el espíritu de sus contemporáneos y con el tiempo dio lugar a repetidas imitaciones de “Las Estaciones”, llegando incluso al punto de convertirse en curiosidades individuales. Pasaron muchos años y Haydn, en otra etapa del desarrollo del arte musical, encarnó el tema de las "estaciones" en un oratorio monumental. Como era de esperar, su concepto resultó ser más profundo, más serio, más épico que el de Vivaldi; planteó cuestiones éticas en relación con el trabajo y la vida de la gente corriente cerca de la naturaleza. Sin embargo, los aspectos poéticos y pictóricos de la trama, que una vez inspiraron a Vivaldi, también atrajeron la atención creativa de Haydn: también tiene imágenes de una tormenta y una tormenta eléctrica en "Verano", "Festival de la cosecha" y "Caza" en "Otoño". Los contrastes entre un difícil camino invernal y el confort del hogar en “Invierno”.

2. Concierto para violín “La menor”

El tema del famoso concierto en menor (Op. 3 No. 6) podría haber abierto una fuga en su primera entonación, pero el flujo de repeticiones y secuencias posteriores le da dinámica de baile, a pesar de la tonalidad menor y su apariencia marcadamente memorable.

Tal naturalidad de movimiento incluso dentro del primer tema, tal facilidad para combinar varias fuentes de entonación es una cualidad asombrosa de Vivaldi, que no lo deja en una escala mayor. Entre sus temas "principales" hay, por supuesto, más homogéneos en su composición entonativa.

En un concierto en la menor, el tutti inicial se basa en brillantes entonaciones de fanfarria, repeticiones de sonidos y frases. Ya la fórmula inicial, caracterizada por la “perforación” de un sonido, se vuelve típica del compositor. El principio predominante es: “sin límites”. La dinámica extrema y la presión decidida ayudan a encarnar una imagen valiente y aspirante.

Reforzando el carácter competitivo, que confiere especial brillo a la música de los conciertos de Vivaldi, a su género y a su programación, el contraste no sólo entre en partes separadas ciclo, pero también dentro de su primera parte principal (en Vivaldi suele adoptar la forma de una ronda) con una marcada oposición entre tutti y soli, el uso sutil del timbre, medios de expresión dinámicos y rítmicos: todas estas características en su La combinación armoniosa contribuyó a fortalecer las características de la concertación y aumentar la fuerza del impacto emocional en el oyente. Los contemporáneos ya enfatizaron en los conciertos de Vivaldi la expresividad inherente especial, la pasión y el uso generalizado del llamado "estilo lombardo".

Si en sus sonatas Vivaldi desplaza el centro de gravedad hacia los movimientos medios, entonces en el concierto hay una clara tendencia a resaltar el primer movimiento como el principal y más significativo. En este sentido, el compositor complica un poco su estructura tradicional: dinamiza los episodios del primero al tercero, aumentando la significación, la escala y el carácter evolutivo e improvisado del último episodio, interpretado como una repetición extendida y dinamizada; se acerca a dos tinieblas, que es de naturaleza contrastante.

En las partes medias, realza la profundidad psicológica de revelar el mundo interior de una persona; introduce elementos líricos en el final del género, como si dibujara una sola línea lírica. Todas estas características aquí reseñadas se revelarán íntegramente en los siguientes conciertos.

En total, han sobrevivido unos 450 conciertos de Vivaldi; aproximadamente la mitad de ellos son conciertos escritos para violín solista y orquesta. Los contemporáneos de Vivaldi (I. Quantz y otros) no pudieron evitar prestar atención a las novedades que introdujo en el concierto. estilo XVIII siglos que atrajeron su interés creativo. Baste recordar que J. S. Bach valoraba mucho la música de Vivaldi e hizo varias transcripciones de sus conciertos para teclado y órgano.

Conclusión

En su conjunto, los géneros instrumentales del siglo XVII y principios del XVIII, con sus diversos principios compositivos y técnicas especiales presentación y desarrollo, plasmados amplio círculo imágenes musicales que antes eran inaccesibles a la música instrumental, y así la elevaron al primer nivel alto, a la par de otros géneros de origen sintético.

Lo más significativo, sin duda, fue que los logros de la música instrumental a principios del siglo XVIII (y en parte en sus primeras décadas) abrieron grandes perspectivas para su avance en una línea hacia la polifonía clásica de Bach, en otra, uno más extendido, a la sinfonía clásica de finales de siglo.

En general, tanto el contenido figurativo de la música de Vivaldi como sus principales géneros, sin duda, reflejaban con gran plenitud las principales aspiraciones artísticas de su época, y no sólo de Italia. Los conciertos de Vivaldi, que se extendieron por toda Europa, tuvieron una influencia fructífera en muchos compositores y sirvieron como ejemplos del género de conciertos en general para sus contemporáneos.

Al finalizar el trabajo de curso se logró el objetivo planteado, es decir, se estudió la interpretación del género instrumental de concierto en la obra de Antonio Vivaldi.

También se cumplieron las tareas asignadas: se estudió la literatura sobre un tema determinado, se consideró a A. Vivaldi como representante de la escuela italiana de violín y se analizaron las obras más famosas del compositor.

El estilo de Vivaldi es el mismo tipo de entonación, repetido de concierto en concierto con algunos cambios, "giros", pero siempre reconocible como típicamente "Vivaldi".

Lo nuevo en el género de conciertos de Vivaldi estuvo determinado por la profundización del contenido musical, su expresividad e imaginería, la introducción de elementos programáticos, el establecimiento, por regla general, de un ciclo tripartito (con la secuencia rápido-lento-rápido), el fortalecimiento de la interpretación propiamente dicha del concierto, la interpretación concertante de la parte solista, el desarrollo del lenguaje melódico, un amplio desarrollo motivo-temático, enriquecimiento rítmico y armónico. Todo esto estuvo impregnado y unido por la imaginación creativa y el ingenio de Vivaldi como compositor e intérprete.

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