Introducción

El destino de la música inglesa resultó complejo y paradójico. Desde el siglo XV hasta finales del siglo XVII, en el momento de la formación y florecimiento de la tradición musical clásica inglesa, su desarrollo fue continuo. Este proceso se desarrolló intensamente gracias a la dependencia del folclore, que se determinó antes que en otras escuelas de composición, así como a la formación y preservación de géneros únicos y distintivos a nivel nacional (himno, máscara, semiópera). Música inglesa antigua arte europeo impulsos importantes, incluida la polifonía, principios de desarrollo variacional-figurativo, suite orquestal. Al mismo tiempo, refractaba de forma original los estímulos procedentes del exterior.

En el siglo XVII se produjeron acontecimientos que asestaron duros golpes a la cultura musical inglesa. Se trata, en primer lugar, del puritanismo, que se estableció durante la revolución de 1640-1660, con su deseo fanático de abolir los valores espirituales anteriores y los tipos y formas antiguos. cultura secular, y en segundo lugar, la restauración de la monarquía (1660), que cambió drásticamente la orientación cultural general del país y aumentó la influencia externa (de Francia).

Sorprendentemente, paralelamente a los síntomas evidentes de la crisis, surgen fenómenos que indican un mayor aumento arte musical. en tiempos dificiles Musica en ingles Al mismo tiempo apareció Henry Purcell (1659-1695), cuyas obras marcaron el florecimiento del movimiento nacional. escuela de compositores, aunque no tuvieron un impacto directo en la creatividad de las generaciones posteriores. George Frideric Handel (1685-1759), trabajando en Inglaterra, con sus oratorios estableció la primacía de la tradición coral en el espectro de géneros de la música inglesa, que influyó directamente en ella. mayor desarrollo. En el mismo período, "La ópera del mendigo" de Gay y Pepusch (1728), cuyo carácter paródico atestigua el advenimiento de una era de cambio cultural, se convirtió en el antepasado de muchos ejemplos de la llamada ópera balada.

Ella era una de las cimas. artes teatrales Inglaterra y al mismo tiempo evidencia del derrocamiento del arte musical - más precisamente, el movimiento de su "energía creadora de cultura" (A. Schweitzer) - de la esfera profesional a la amateur.

Una tradición musical se compone de muchos factores, como la composición, la interpretación y la forma de vida musical. Regulados por pautas ideológicas, estéticas y artísticas generales, estos factores no siempre actúan de forma coordinada, a menudo en determinadas situaciones. condiciones históricas su interacción se ve interrumpida. Esto puede ser confirmado por el período de cien años comprendido aproximadamente entre mediados del siglo XVIII y mediados del XIX en Inglaterra.

Música de Inglaterra

El alto nivel de interpretación, el amplio y profundo arraigo en la vida cotidiana de diversas formas de creación musical (instrumental, vocal y coral) crearon entonces un terreno propicio para la brillante y a gran escala de la vida concertística de Londres, que atrajo a músicos continentales al capitales del imperio: Chopin, Berlioz, Tchaikovsky, Glazunov... El viento fresco de la modernidad lo llevaron consigo los músicos alemanes, cuyo camino hacia las Islas Británicas estuvo abierto desde el reinado de la dinastía Hannover (de 1714 a 1901) - Recordemos, por ejemplo, los conciertos semanales de Bach-Abel y los conciertos de Haydn-Zalomon. Así, Inglaterra participó en el intenso proceso de formación de las sinfonías clásica y preclásica, pero no hizo una contribución creativa al mismo. En general, durante ese período la sucursal creatividad nacional en los géneros de ópera y sinfonía, que son relevantes en el continente, no se desarrolló; en otros géneros (por ejemplo, en el oratorio), el canal a veces se volvió superficial; Fue esta época la que dio a Inglaterra el ahora poco convincente nombre de “el país sin música”.

Es paradójico que la "era del silencio" se produjo en la llamada era victoriana, el período del reinado de la reina Victoria (de 1837 a 1901). El estado estaba en el cenit de su fuerza y ​​gloria. Una poderosa potencia colonial, el "taller del mundo", dio a su nación un sentimiento de confianza en sí misma y la convicción de que "está destinada a ocupar el primer lugar en el mundo hasta el final de sus días" (J. Aldridge). La época victoriana fue el apogeo de todas las áreas de la cultura inglesa: la prosa y la poesía, el drama y el teatro, la pintura y la arquitectura y, finalmente, la estética, y una época de notable declive en el campo de la composición.

Al mismo tiempo, fue precisamente a partir de mediados del siglo XIX, cuando la crisis de la escuela nacional de compositores ya era evidente, cuando comenzaron a acumularse impulsos de auge, que se hicieron evidentes a mediados del siglo XIX y se manifestaron claramente. mismo en principios del siglo XIX y siglos XX.

El movimiento coral, amateur y profesional, se expandió y creció. La tradición coral fue percibida como verdaderamente nacional. Los maestros ingleses le juraron lealtad: Hubert Parry (1848-1918), Edward Elgar (1857-1934), Frederick Dilius (1862-1934), Gustav Holst (1874-1934), Ralph Vaughan Williams (1872-1958).

Se desarrolló un movimiento folclórico paralelo, cuya figura principal fue Cecil J. Sharp (1859-1924). Incluía una dirección científica (colección de campo, comprensión teórica) y una práctica (introducción a la escuela y la vida cotidiana). Esto fue acompañado por una reevaluación crítica de la asimilación de los géneros folclóricos en los salones de entretenimiento y la penetración del material folclórico en la creatividad de los compositores. Todos estos lados del movimiento folclórico interactuaron, complementándose entre sí y, a veces, oponiéndose de manera conflictiva.

Hasta mediados del siglo XIX, por extraño que parezca a primera vista, las canciones inglesas rara vez aparecían en las colecciones, mucho menos que las canciones de Escocia, Gales y, especialmente, Irlanda. No sin ironía, Ralph Vaughan Williams escribió en el ensayo introductorio al libro del mayor folklorista del país, Cecil Sharp, “English Folk Song”: “Hasta ahora sabíamos por fuentes autorizadas que la música folklórica era “mala o irlandesa”.

El movimiento para el renacimiento de la música antigua (Purcell, Bach, madrigalistas y virginalistas ingleses) contribuyó a despertar un profundo interés entre los intérpretes, fabricantes de instrumentos musicales y científicos (como A. Dolmetsch y su familia), así como entre los compositores de

"edad de oro" de la escuela profesional inglesa. La herencia de los siglos XV-XVII, amenizada por la práctica escénica, sublime pensamiento crítico, apareció como una fuerza inspiradora de la artesanía original nacional.

Las tendencias enumeradas, al principio apenas perceptibles, gradualmente ganaron fuerza y, acercándose unas a otras, finales del siglo XIX Los siglos han explotado el suelo. Su unificación marcó el comienzo de una nueva renacimiento musical Inglaterra. Después de una larga pausa, este país no está separado personalidades creativas, pero entró en la cultura musical europea como escuela nacional. Por entonces, en el continente se hablaba de compositores ingleses; Brahms predijo un futuro interesante para la música inglesa, R. Strauss lo apoyó en la persona de E. Elgar. La intensidad de su evolución a finales del siglo XIX y XX fue grande.

La tradición del romanticismo austro-alemán ha encontrado desde hace tiempo un terreno fértil en Inglaterra. Se trata de una influencia históricamente determinada, reforzada por el sistema educación musical y la práctica de mejorar a los jóvenes compositores en las ciudades de Alemania se reflejó en el estilo (principalmente en Parry, Standford, Elgar). Los músicos ingleses entendieron que la afirmación de la identidad nacional presuponía la liberación de una influencia tan poderosa. Sin embargo, a diferencia de las declaraciones, en la creatividad este proceso fue lento y difícil, ya que los propios géneros principales, incluidos los conceptuales como la sinfonía o el poema sinfónico, se basaron en la fructífera experiencia de la escuela austro-alemana. En consecuencia, el alcance de la influencia alemana y el grado en que fue superada sirvió como criterio para la identidad nacional y la importancia de la obra del compositor. Son indicativas, por ejemplo, las siguientes valoraciones de uno de los críticos ingleses: "Mientras la música de Parry y Stanford hablaba alemán con acento inglés e irlandés... la música de Elgar hablaba inglés con acento alemán".

A principios de siglo, en Gran Bretaña, como en toda Europa, existía el deseo de crear un lenguaje musical que correspondiera a la estética moderna. La “nueva palabra” vino de Francia. El interés que surgió entre los músicos ingleses por Oriente los impulsó a prestar atención a los logros del impresionismo francés. Esto fue especialmente evidente en las obras de Cyril Scott (1879-1970), Grenville Bantock (1868-1946) y Gustav Holst. Es cierto que en Scott y Bantock el mundo de las imágenes y estados de ánimo orientales no afecta los fundamentos del pensamiento del compositor. Su imagen de Oriente es convencional y en su encarnación no es difícil detectar muchos rasgos tradicionales.

La implementación de este tema en la obra de Holst, que gravitó hacia la cultura india, alcanzó un nivel diferente. Intentó encontrar un contacto espiritual más profundo entre Occidente y culturas orientales, que es generalmente característico del arte del siglo XX. Y llevó a cabo este deseo a su manera, incompatible con lo que hacía su contemporáneo Debussy. Al mismo tiempo, los descubrimientos del impresionismo, asociados con una nueva idea del espacio musical, el timbre, la dinámica, con una nueva actitud hacia el sonido, ingresaron a la paleta de medios de expresión utilizados por los compositores en Inglaterra, la patria de “paisaje y puerto deportivo” (C. Nodier).

A pesar de todas sus diferencias estilísticas individuales, los compositores ingleses de ese período estaban unidos por el deseo de fortalecer los fundamentos folklóricos y nacionales de su música. El descubrimiento del folclore campesino y la creatividad de los maestros de la antigua escuela inglesa como dos fuentes interrelacionadas pertenece a G. Holst y R. Vaughan-Williams. Apelación al legado de la “edad de oro” arte ingles Era la única manera posible de revivir la tradición nacional. Folclore y viejos maestros, que establecen conexiones con la cultura musical europea moderna: la interacción de estas tendencias en el arte de Holst y Vaughan Williams trajo una renovación tan esperada a la música inglesa del siglo XX. Los temas, tramas e imágenes de la prosa, la poesía y el teatro ingleses sirvieron como un apoyo importante en el establecimiento de los ideales nacionales. Para los músicos, las baladas rurales de Robert Burns y los poemas impíos de John Milton, las elegías pastorales de Robert Herrick y los poemas de John Donne, ricos en tensión apasionada, adquieren un sonido moderno; fue redescubierto William Blake. Una visión cada vez más profunda Cultura nacional convertirse el factor más importante la formación y florecimiento de la escuela de composición inglesa del siglo XX, la formación del ideal estético de los compositores.

Los primeros representantes importantes del nuevo renacimiento musical inglés fueron Hubert Parry (1848-1918) y Charles Stanford (1852-1924). Compositores, eruditos, intérpretes, músicos y profesores, ellos, como los fundadores de muchas escuelas nacionales, fueron figuras destacadas cuyo trabajo multifacético estuvo dirigido desinteresadamente a crear una nueva escuela nacional de composición, capaz de revivir la tradición del glorioso pasado de la música inglesa. . Sus propias actividades sociales y creativas sirvieron alto ejemplo para los contemporáneos y para los compositores ingleses de generaciones más jóvenes y posteriores.

La formación de una nueva escuela inglesa de composición tuvo lugar durante el largo reinado (1837-1901) de la reina Victoria. Durante esta época se desarrollaron plenamente diversas áreas de la cultura inglesa. La gran tradición literaria nacional fue especialmente rica y fructífera. Si Parry y Stanford están estrechamente relacionados, relativamente hablando, con el período protorrenacentista de la época considerada, entonces el nombre de Elgar abre el camino. periodo creativo nuevo avivamiento.

Al igual que sus contemporáneos, la escuela de composición inglesa se enfrentó, en primer lugar, a los problemas del romanticismo musical europeo en su conjunto. Y, naturalmente, el arte de Wagner se convirtió en su foco de atención. La poderosa influencia de la música de Wagner en Inglaterra sólo puede compararse con su influencia entonces en Francia o con la influencia de Handel en Inglaterra en el siglo XVIII.

Ya a principios de siglo, los compositores ingleses intentaron persistentemente salir de la influencia de las tradiciones clásicas-románticas alemanas, que tan profundamente habían echado raíces en suelo inglés. Recordemos que Parry quería crear -a diferencia del de Mendelssohn- una variedad nacional de oratorio filosófico. Un logro importante fue la trilogía de pequeñas cantatas de Elgar, El espíritu de Inglaterra (1917).

El primer verdadero compositor que ha producido Inglaterra desde Purcell se llama Edward Elgar (1857-1934). Estuvo muy asociado con la cultura musical provincial inglesa. En fases iniciales Durante su vida creativa, se desempeñó como compositor y arreglista de la orquesta de su Worcester natal, también escribió para músicos en Birmingham y trabajó para sociedades corales locales. Sus primeras canciones corales y cantatas están en la línea de la gran tradición coral inglesa que surgió en los años 80 y 90. siglo XIX - es decir, exactamente cuando Elgar creó los primeros obras corales, - a la fase clímax. El oratorio de Elgar El sueño de Geroncio (1900), que dio fama a la música inglesa en el continente, fue un logro tan significativo para el compositor que en general suplantó a Elías de Mendelssohn y se convirtió en el segundo oratorio favorito del público inglés después de Los Mesías de Handel.

La importancia de Elgar para la historia de la música inglesa está determinada principalmente por dos obras: el oratorio "El sueño de Gerontius" (1900, sobre la pieza de J. Newman) y la sinfónica "Variaciones sobre un tema misterioso" ("Enigma" - variaciones (Enigma (lat.) - acertijo. ), 1899), que se convirtió en la cima del romanticismo musical inglés. El oratorio "El sueño de Gerontius" resume no sólo el largo desarrollo de los géneros cantata-oratorio en la obra del propio Elgar (4 oratorios, 4 cantatas, 2 odas), sino en muchos sentidos todo el camino anterior de la música coral inglesa. . En el oratorio se reflejó otra característica importante del Renacimiento nacional: el interés por el folclore. No es casualidad que, después de escuchar "El sueño de Gerontius", R. Strauss propusiera un brindis "por la prosperidad y el éxito del primer progresista inglés Edward Elgar, el maestro de la joven escuela progresista de compositores ingleses". A diferencia del oratorio Enigma, las variaciones sentaron la primera piedra en la base de la sinfonía nacional, que antes de Elgar era el área más vulnerable de la cultura musical inglesa. “Las variaciones de Enigma indican que en la persona de Elgar el país ha encontrado un compositor orquestal de primera magnitud”, escribió uno de los investigadores ingleses. El “misterio” de las variaciones es que en ellas están cifrados los nombres de los amigos del compositor, ocultos a la vista y tema musical ciclo. (Todo esto recuerda a las "Esfinges" del "Carnaval" de R. Schumann.) Elgar también escribió la primera sinfonía inglesa (1908).

La obra de Elgar es uno de los fenómenos más destacados del romanticismo musical. Sintetizando influencias nacionales y europeas occidentales, principalmente austro-alemanas, tiene características de direcciones lírico-psicológicas y épicas. El compositor utiliza ampliamente el sistema de leitmotiv, en el que se siente claramente la influencia de R. Wagner y R. Strauss.

El establecimiento de nuevas posiciones en la música inglesa se produjo en un momento de inflexión en la vida espiritual de Gran Bretaña. Fueron años de grandes pruebas y cambios. Primero Guerra Mundial Obligó a muchos artistas de este país, que se consideraba un bastión de inviolabilidad en Europa, a reaccionar con sensibilidad ante las contradicciones de la realidad circundante en una escala sin precedentes. La música inglesa de posguerra está dominada por una necesidad centrífuga de mirar el mundo con una visión amplia. La generación más joven entró decisivamente en contacto con las búsquedas innovadoras de los maestros europeos: Stravinsky, Schoenberg. Los orígenes de "Facade" de William Walton (1902-1983) son ideas compositivas extraídas de "Pierrot Lunaire" de Schoenberg, pero la base del estilo de la obra es el antiromanticismo proclamado por Stravinsky y los "Seis" franceses. Constant Lambert (1905-1951) sorprendió a sus compatriotas al comenzar a trabajar en el género del ballet desde los primeros pasos de su trayectoria creativa, cuyas tradiciones fueron interrumpidas en Inglaterra en la segunda mitad del siglo XVIII; De hecho, es bastante natural que el compositor se sintiera atraído por este género, que en Europa en los años 20 del siglo XX se había convertido en un símbolo de la búsqueda artística moderna. El ballet de Lambert Romeo y Julieta (1925) fue una especie de respuesta a Pulcinella de Stravinsky. Al mismo tiempo, con su otra composición, Elegiac Blues para pequeña orquesta (1927), Lambert respondió al jazz que asombró a los europeos. Alan Bush (1900-1995) relacionó sus actividades con la posición creativa de Eisler y el movimiento obrero; no sólo adoptó las correspondientes ideas sociopolíticas y filosóficas, sino que también desarrolló fructíferamente su técnica compositiva, apoyándose en la experiencia de la Nueva Escuela de Viena. refractado por Eisler.

En la primera mitad de los años 30 se determinó finalmente el cambio de generaciones de compositores surgido en la década anterior. En 1934, Inglaterra perdió a tres grandes maestros: Elgar, Dilius y Holst. De ellos, sólo Holst trabajó activamente hasta sus últimos días. Elgar, después de una década de silencio, sólo cobró vida para la creatividad a principios de los años 30. Al mismo tiempo, golpeado por una grave enfermedad y por la ceguera, Dilius, que vivía en Francia, se inspiró en el éxito inesperado de su música en su tierra natal, en Londres, donde se celebró el festival de su autor en 1929, y en una oleada de Con fuerza dictó sus últimas obras.

A finales de los años 30, la generación joven entra en una época de madurez creativa. Atrás queda el tiempo de la experimentación, se determinan los intereses principales, la creatividad se incorpora a la corriente principal de las tradiciones establecidas, aparece el dominio y el rigor en relación con las propias ideas. Así, William Walton escribe un monumental oratorio bíblico (“Belshazzar’s Feast”, 1931) y lo sigue con grandes obras orquestales (Primera Sinfonía, 1934; Concierto para violín, 1939). Michael Tippett (n. 1905) rechaza sus trabajos anteriores; nuevas obras en el género de cámara (Primera Sonata para piano, 1937) y obras de concierto orquestal (Concierto para doble orquesta de cuerdas, 1939; Fantasía sobre un tema de Handel para piano y orquesta, 1941) declara ser el inicio de su trayectoria creativa, cuya primera culminación fue el oratorio “El niño de nuestro tiempo” (1941). En esos años, Lambert (la máscara “La última voluntad y testamento del verano” para solista, coro y orquesta, 1936), Berkeley (Primera sinfonía, 1940), Bush (Primera sinfonía, 1940) estaban trabajando en composiciones a gran escala en esos años.

Entre las muchas personalidades artísticas brillantes y originales con las que es rica la escuela inglesa de compositores del siglo XX, destaca Benjamin Britten. Fue él quien estaba destinado a encontrar en su obra una interacción armoniosa de tendencias multidireccionales (y para la generación anterior de compositores ingleses, casi mutuamente excluyentes): la encarnación de las ideas de la modernidad y la implementación de la originalidad del arte nacional.

conjunto vocal de música británica

En 1904, el crítico alemán Oscar Adolf Hermann Schmitz publicó un libro sobre Gran Bretaña, tildándolo (tanto al libro como al país mismo) “La tierra sin música” (Das Land Ohne Musik). Quizás tuviera razón. Después de la muerte de Handel en 1759, Gran Bretaña hizo contribuciones insignificantes al desarrollo de la música clásica. Es cierto que Schmitz formuló su condena en el momento equivocado: el siglo XX fue testigo de un resurgimiento de la música británica, que se manifestó en la formación de un nuevo estilo nacional. Esta época también dio al mundo cuatro grandes compositores británicos.

Eduardo Elgar

No estudió formalmente el arte de la composición en ninguna parte, pero logró pasar de ser un modesto director de orquesta de Worcester y director de banda del hospital psiquiátrico de Worcester a convertirse en el primer compositor británico en doscientos años en lograr reconocimiento internacional. Después de pasar su infancia en la tienda de su padre en la calle principal de Worcestershire, rodeado de partituras, instrumentos musicales y libros de texto de música, el joven Elgar estudió de forma independiente teoría musical. En clima cálido días de verano comenzó a llevarse manuscritos fuera de la ciudad para estudiar (desde los cinco años se volvió adicto al ciclismo). Así, para él se sentó el comienzo de una fuerte relación entre la música y la naturaleza. Más tarde dirá: “La música está en el aire, la música nos rodea, el mundo está lleno de ella y puedes tomar tanta como necesites”. A la edad de 22 años, aceptó un puesto como director de banda en el Worcester Mental Hospital for the Poor en Pawick, tres millas al suroeste de Worcester, una institución progresista que creía en el poder curativo de la música. Su primera obra orquestal importante, "Variaciones sobre un tema misterioso" (Variaciones Enigma, 1899), le dio fama: misteriosa porque cada una de las catorce variaciones fue escrita sobre un tema único que nadie había escuchado nunca. La grandeza de Elgar (o su inglés, como dicen algunos) radica en su uso de atrevidos temas melódicos que transmiten un estado de ánimo de melancolía nostálgica. Su mejor ensayo llamado oratorio “El sueño de Geroncio” (1900), y su Primera Marcha de la Pompa y las Circunstancias No. 1 de 1901, también conocida como “La Tierra de la Esperanza y la Gloria”, invariablemente causa gran deleite entre los oyentes en los “conciertos de paseo” anuales.

Elgar - El sueño de Geroncio

Gustavo Holst

Holst, sueco nacido en Inglaterra, fue un compositor excepcionalmente excepcional. Maestro de la orquestación, en su trabajo se basó en tales diferentes tradiciones como Inglés Canciones folk y madrigales, el misticismo hindú y el vanguardismo de Stravinsky y Schoenberg. También estaba interesado en la astrología, y su estudio inspiró a Holst a crear su obra más famosa (aunque no la mejor), la suite sinfónica de siete movimientos (Los planetas, 1914-1916).

Gustavo Holst. "Planetas. Venus"

Ralph Vaughan Williams

Ralph Vaughan Williams es considerado el más inglés de los compositores británicos. Rechazó las influencias extranjeras, imbuyendo su música del estado de ánimo y los ritmos del folclore nacional y la obra de los compositores ingleses del siglo XVI. Vaughan Williams es uno de los compositores más importantes de la primera mitad del siglo XX, que jugó un papel importante en el resurgimiento del interés por la música académica británica. Su legado es muy extenso: seis óperas, tres ballets, nueve sinfonías, cantatas y oratorios, obras para piano, órgano y conjuntos de cámara, arreglos. Canciones folk y muchas otras obras. En su trabajo, se inspiró en las tradiciones de los maestros ingleses de los siglos XVI y XVII (revivió el género de la máscara inglesa) y en la música folclórica. Las obras de Williams se destacan por su diseño a gran escala, melodicismo, interpretación vocal magistral y orquestación original. Vaughan Williams es uno de los fundadores de la nueva escuela de composición inglesa, el llamado "renacimiento musical inglés". Vaughan Williams es mejor conocido como el autor de A Sea Symphony (1910), "Una sinfonía de Londres" (1913) y el delicioso romance para violín y orquesta” (The Lark Ascending, 1914).

Vaughan Williams. "Sinfónica de Londres"

Benjamín Britten

Britten fue, y sigue siendo hasta el día de hoy, el último gran compositor británico. Su habilidad e ingenio, especialmente como compositor vocal, le valieron un reconocimiento internacional comparable al de Elgar. entre el mejores trabajosópera Peter Grimes (1945), obra orquestal "La guía de orquesta para jóvenes, 1946) y una gran obra orquestal y coral “War Requiem” (War Requiem, 1961) basada en poemas de Wilfred Owen. Uno de los temas principales de la obra de Britten: la protesta contra la violencia, la guerra, la afirmación del valor del mundo humano frágil y desprotegido, recibió su máxima expresión en "War Requiem" (1961). Britten habló sobre lo que lo llevó al War Requiem: “Pensé mucho en mis amigos que murieron en las dos guerras mundiales. No pretendo afirmar que este ensayo esté escrito en tono heroico. Hay mucho arrepentimiento por el terrible pasado. Pero precisamente por eso Requiem se dirige al futuro. Viendo ejemplos del terrible pasado, debemos prevenir catástrofes como las guerras”. Britten no era un gran admirador del “tradicionalismo inglés” característico de los compositores de la generación anterior, aunque arregló canciones populares para su socio, el tenor Peter Pears. Ni en primeros años, ni en las últimas etapas de su evolución creativa Britten se propuso la tarea de ser pionero en nuevas técnicas de composición o justificaciones teóricas para su estilo individual. A diferencia de muchos de sus pares, Britten nunca se dejó llevar por la búsqueda de “lo más nuevo”, ni trató de encontrar apoyo en las técnicas de composición establecidas heredadas de los maestros de generaciones anteriores. Lo guía, ante todo, el libre vuelo de la imaginación, la fantasía, la conveniencia realista y no la pertenencia a una de las muchas “escuelas” de nuestro siglo. Britten valoraba más la sinceridad creativa que el dogma escolástico, por muy ultramoderno que estuviera disfrazado. Permitió que todos los vientos de la época penetraran en su laboratorio creativo, penetrarlo, pero no desecharlo.

Britten. "Guía de orquesta para jóvenes"

Desde que Britten fue enterrado en Aldborough, Suffolk, en 1976, la música clásica británica ha luchado por mantener su ilustre reputación. John Taverner, descendiente directo del compositor del siglo XVI John Taverner, y Peter Maxwell Davies crean obras que han sido recibidas favorablemente por la crítica, pero todavía no ha aparecido nada realmente sobresaliente. La música clásica ocupa un cierto nicho en la cultura británica, pero quizás no tanto como les gustaría a sus seguidores. Aparece en anuncios de televisión y en diversos eventos deportivos, y los británicos comunes y corrientes pueden ver la última noche de las "proms" en televisión (si no hay nada más interesante), pero en realidad música clásica escuchado por una parte muy pequeña de la nación, principalmente la clase media. Música respetable para gente respetable.

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¿Cómo sería nuestra vida sin música? Durante muchos años la gente se ha hecho esta pregunta y ha llegado a la conclusión de que sin los bellos sonidos de la música el mundo sería un lugar muy diferente. La música nos ayuda a sentir más alegría, a encontrar nuestro yo interior y a afrontar las dificultades. Los compositores, al trabajar en sus obras, se inspiraron en una variedad de cosas: el amor, la naturaleza, la guerra, la felicidad, la tristeza y mucho más. Algunas de las composiciones musicales que crearon permanecerán para siempre en los corazones y recuerdos de las personas. Aquí hay una lista de los diez más grandes y compositores talentosos durante todo este tiempo. Debajo de cada compositor encontrarás un enlace a una de sus obras más famosas.

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Franz Peter Schubert fue un compositor austriaco que vivió sólo 32 años, pero su música perdurará por mucho tiempo. Schubert escribió nueve sinfonías, unas 600 composiciones vocales y un gran número de Música de cámara y piano solo.

"Serenata vespertina"

Compositor y pianista alemán, autor de dos serenatas, cuatro sinfonías, así como conciertos para violín, piano y violonchelo. Actuó en conciertos desde los diez años, actuando por primera vez con concierto en solitario a los 14 años. Durante su vida, ganó popularidad principalmente gracias a los valses y danzas húngaras que escribió.

"Danza húngara nº 5".

George Frideric Handel fue un compositor alemán e inglés de la época barroca; escribió alrededor de 40 óperas, muchos conciertos de órgano y música de cámara. La música de Handel se toca en las coronaciones de los reyes ingleses desde el año 973, también se escucha en las ceremonias de bodas reales e incluso se utiliza como himno de la Liga de Campeones de la UEFA (con un pequeño arreglo).

"Música en el agua"

Joseph Haydn es un famoso y prolífico compositor austriaco de la época clásica, se le considera el padre de la sinfonía, ya que hizo importantes contribuciones al desarrollo de este género musical. Joseph Haydn es autor de 104 sinfonías, 50 sonatas para piano, 24 óperas y 36 conciertos.

"Sinfonía nº 45".

Pyotr Ilyich Tchaikovsky es el compositor ruso más famoso, autor de más de 80 obras, entre ellas 10 óperas, 3 ballets y 7 sinfonías. Fue muy popular y conocido como compositor durante su vida, y actuó como director en Rusia y en el extranjero.

"Vals de las Flores" del ballet "El Cascanueces".

Frédéric François Chopin es un compositor polaco que también es considerado uno de los mejores pianistas de todos los tiempos. el escribio mucho obras musicales para piano, incluidas 3 sonatas y 17 valses.

"Vals de la lluvia".

El compositor y virtuoso violinista veneciano Antonio Lucio Vivaldi es autor de más de 500 conciertos y 90 óperas. Tuvo una gran influencia en el desarrollo del arte del violín italiano y mundial.

"Canción de los elfos"

Wolfgang Amadeus Mozart es un compositor austriaco que asombró al mundo con su talento desde la primera infancia. Ya a la edad de cinco años, Mozart componía obras breves. En total, escribió 626 obras, incluidas 50 sinfonías y 55 conciertos. 9.Beethoven 10.Bach

Johann Sebastian Bach - compositor alemán y organista de la época barroca, conocido como un maestro de la polifonía. Es autor de más de 1000 obras, que incluyen casi todos los géneros importantes de la época.

"Broma musical"

B. Britten es uno de los compositores más importantes del siglo XX. Su obra representa casi todos los géneros musicales: desde piezas para piano y obras vocales hasta ópera.

De hecho, revivió la música inglesa que, tras la muerte de Handel, no había tenido un compositor de tal talla en casi doscientos años.

Biografía

Período inicial de creatividad.

Edward Benjamín Britten, compositor, director y pianista británico , Nacido en 1913 en Lowestoft (Suffolk) en la familia de un dentista. habilidad musical Se manifestó temprano: a los 6 años ya comenzó a componer música. Su primera profesora de piano fue su madre, luego el niño aprendió a tocar la viola.

Real Colegio de Música

en real universidad de musica en Londres estudió piano, estudiando también composición. Su obras tempranas inmediatamente llamó la atención Mundo musical– estos fueron “Himno a la Virgen” y variaciones corales “Ha nacido el niño”. Britten es invitado a una compañía de cine documental con la que colabora desde hace 5 años. Considera esta época como una buena escuela, donde tuvo que aprender mucho y componer incluso cuando la inspiración se va y sólo queda el trabajo concienzudo.

Durante este período, también trabajó en la radio: escribió música para programas de radio y luego comenzó a realizar conciertos.

Período de la Segunda Guerra Mundial

En la década de 1930 ya era un compositor cuyas obras adquirieron fama mundial: su música se escuchó en Italia, España, Austria y Estados Unidos, pero comenzó la Segunda Guerra Mundial y Britten abandonó Inglaterra y se dirigió a Estados Unidos y Canadá. El compositor regresó a su tierra natal recién en 1942. Inmediatamente comenzaron sus actuaciones en todo el país: en pequeños pueblos, refugios antiaéreos, hospitales e incluso en prisiones. Y cuando terminó la guerra, inmediatamente visitó Alemania, Bélgica, Holanda, Suiza y los países escandinavos con conciertos.

Creatividad de posguerra

En 1948 organizó la Conferencia Internacional Anual. Festival de Música, a quien dedica mucho tiempo, esfuerzo y dinero. En el primer festival de 1948 se interpretó su cantata “San Nicolás”.

A principios de la década de 1950, Britten participó en las actividades de la Organización de Músicos Partidarios de la Paz, escribió óperas y en 1956 viajó a India, Ceilán, Indonesia y Japón. Las impresiones del viaje quedaron reflejadas en la partitura del ballet “Príncipe de las Pagodas”. Este espectáculo de cuento de hadas se convierte en el primer “gran” ballet nacional antes de eso; ballets en un acto. Después de esto, Britten volvió a su ópera favorita: El Arca de Noé apareció en 1958 y El sueño de una noche de verano apareció en 1960.

En 1961, Britten creó el War Requiem, que se convirtió en un monumento a las víctimas de la guerra. Fue escrito para la ceremonia de consagración de la catedral de la ciudad de Coventry, completamente destruida por los bombardeos alemanes. "War Requiem" se presentó por primera vez en 1962. El éxito fue ensordecedor: "Requiem" vendió 200 mil discos en los primeros dos meses, lo que indica el verdadero éxito de la obra.

Ruinas de la catedral de Coventry

Al mismo tiempo, Britten escribió obras de un nuevo género: las óperas de parábolas. Basada en una historia japonesa, “Curlew River” fue escrita en 1964. “The Cave Act” (1966) está basada en un episodio del Antiguo Testamento, y “The Prodigal Son” (1968) está basada en una parábola del Evangelio. Britten escribió la “Cantata de la Misericordia” para el centenario de la fundación de la Cruz Roja; la cantata está basada en la parábola del Buen Samaritano. Se representó solemnemente en Ginebra el 1 de septiembre de 1963.

Britten y Rusia

Habiendo escuchado a M. Rostropovich tocar por primera vez en Londres, Britten decide escribirle una Sonata en cinco movimientos, cada uno de los cuales demuestra la habilidad especial del violonchelista. En marzo de 1963, se celebró un festival de música inglesa en Moscú y Leningrado, donde el propio Britten y M. Rostropovich interpretaron esta sonata. Al mismo tiempo, las óperas en un acto de Britten fueron representadas por primera vez en Rusia por el Small Troupe del Covent Garden Theatre. En 1964, Britten visitó nuestro país nuevamente, estableció relaciones amistosas con D. Shostakovich, M. Rostropovich y G. Vishnevskaya, incluso Britten celebró el Año Nuevo de 1965 con Shostakovich en su dacha.

M. Rostropovich y B. Britten

La música de Shostakovich tiene una notable influencia en la obra de Britten. Escribe un Concierto para violonchelo y lo dedica a Mstislav Rostropovich, y un ciclo de canciones basadas en los poemas de Pushkin a Galina Vishnevskaya. Shostakovich dedica su Decimocuarta Sinfonía a Britten.

La última vez que B. Britten visitó Rusia fue en 1971. D. Shostakovich murió en 1975 y Britten murió en 1976.

Las obras de B. Britten.

Britten es considerado el fundador del resurgimiento de la ópera en Inglaterra. Trabajando en varios géneros musicales A Britten le encantaba la ópera sobre todo. Completó su primera ópera, Peter Grimes, en 1945, y su producción marcó el resurgimiento de la ópera nacional. teatro musical. El libreto de la ópera se basa en la trágica historia del pescador Peter Grimes, perseguido por el destino. La música de su ópera tiene un estilo diverso: utiliza el estilo de muchos compositores según el contenido de la escena: dibuja imágenes de soledad y desesperación al estilo de G. Mahler, A. Berg, D. Shostakovich; realista escenas de genero- al estilo de D. Verdi y paisajes marinos - al estilo de C. Debussy. Y todos estos estilos están ingeniosamente unidos por una cosa: el estilo británico y el sabor de Gran Bretaña.

El compositor pasó toda su vida posterior componiendo óperas. Creó óperas de cámara: “La profanación de Lucrecia” (1946), “Albert Herring” (1947) basada en la historia de G. Maupassant. En los años 50-60. crea las óperas “Billy Budd” (1951), “Gloriana” (1953), “Otra vuelta de tuerca” (1954), “El arca de Noé” (1958), “El sueño de una noche de verano” (1960) basadas en la comedia de W. Shakespeare, la ópera de cámara “Carlew River” (1964), la ópera “El hijo pródigo” (1968), dedicada a Shostakovich, y “Muerte en Venecia” (1970) de T. Mann.

musica para niños

Britten también escribe para niños y concibe la música con fines educativos. Por ejemplo, en la obra "Hagamos una ópera" (1949), presenta al público el proceso de su interpretación. En 1945, escribió una variación y fuga sobre un tema de Purcell, A Guide to the Orchestra for jóvenes oyentes”, en el que presenta a los oyentes los timbres de varios instrumentos. S. Prokofiev tiene una ópera infantil similar: "Pedro y el lobo".

En 1949, Britten creó una ópera para niños, "El pequeño deshollinador", y en 1958, la ópera "El arca de Noé".

B. Britten actuó mucho como pianista y director de orquesta, realizando giras por diferentes paises paz.

Los compositores más grandes del mundo de todos los tiempos: listas en orden cronológico y alfabético, libros de referencia y obras

100 grandes compositores del mundo

Lista de compositores en orden cronológico

1. Josquin Despres (1450-1521)
2. Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525 –1594)
3. Claudio Monteverdi (1567-1643)
4. Heinrich Schütz (1585 –1672)
5. Jean Baptiste Lully (1632 –1687)
6. Henry Purcell (1658-1695)
7. Arcángel Corelli (1653 –1713)
8.Antonio Vivaldi (1678-1741)
9. Jean-Philippe Rameau (1683-1764)
10. George Händel (1685 –1759)
11. Domenico Scarlatti (1685 –1757)
12. Juan Sebastián Bach (1685-1750)
13. Christoph Willibald Gluck (1713-1787)
14. José Haydn (1732 –1809)
15.Antonio Salieri (1750 –1825)
16. Dmitri Stepánovich Bortnyansky (1751 –1825)
17. Wolfgang Amadeo Mozart (1756 –1791)
18. Ludwig van Beethoven (1770 –1826)
19. Johann Nepomuk Hummel (1778 –1837)
20. Nicollo Paganini (1782 –1840)
21. Giacomo Meyerbeer (1791 –1864)
22. Carl María von Weber (1786 –1826)
23. Gioachino Rossini (1792 –1868)
24. Franz Schubert (1797-1828)
25. Gaetano Donizetti (1797 –1848)
26. Vincenzo Bellini (1801-1835)
27. Héctor Berlioz (1803 –1869)
28. Mijaíl Ivánovich Glinka (1804 –1857)
29. Félix Mendelssohn-Bartholdy (1809 –1847)
30. Federico Chopin (1810 –1849)
31. Robert Schumann (1810-1856)
32. Alexander Sergeevich Dargomyzhsky (1813 –1869)
33. Franz Liszt (1811-1886)
34. Richard Wagner (1813-1883)
35. Giuseppe Verdi (1813 –1901)
36. Carlos Gounod (1818 –1893)
37. Stanislav Moniuszko (1819 –1872)
38. Jacques Offenbach (1819 –1880)
39. Alejandro Nikoláievich Serov (1820 –1871)
40. César Frank (1822 –1890)
41. Bedrich Smetana (1824 –1884)
42. Antón Bruckner (1824 –1896)
43. Johann Strauss (1825-1899)
44. Antón Grigorievich Rubinstein (1829 –1894)
45. Juan Brahms (1833 –1897)
46. ​​​​Alejandro Porfirievich Borodin (1833 –1887)
47. Camille Saint-Saëns (1835 –1921)
48. León Delibes (1836 –1891)
49. Mily Alekseevich Balakirev (1837 –1910)
50. Georges Bizet (1838 –1875)
51. Modesto Petrovich Mussorgsky (1839 –1881)
52. Piotr Ilich Tchaikovsky (1840 –1893)
53. Antonin Dvořák (1841 –1904)
54. Julio Massenet (1842 –1912)
55. Edvard Grieg (1843-1907)
56. Nikolái Andréievich Rimski-Kórsakov (1844 –1908)
57. Gabriel Fauré (1845 –1924)
58. Leos Janáček (1854 –1928)
59. Anatoli Konstantinovich Lyadov (1855 –1914)
60. Sergei Ivanovich Taneyev (1856 –1915)
61. Ruggero Leoncavallo (1857 –1919)
62. Giacomo Puccini (1858 –1924)
63. Hugo Lobo (1860 –1903)
64. Gustav Mahler (1860-1911)
65. Claude Debussy (1862 –1918)
66. Richard Strauss (1864-1949)
67. Alexander Tikhonovich Grechaninov (1864 –1956)
68. Alejandro Konstantinovich Glazunov (1865 –1936)
69. Juan Sibelius (1865 –1957)
70. Franz Lehár (1870 –1945)
71. Alejandro Nikoláievich Scriabin (1872 –1915)
72. Serguéi Vasilievich Rachmaninov (1873 –1943)
73. Arnold Schönberg (1874 –1951)
74. Mauricio Ravel (1875 –1937)
75. Nikolái Karlovich Medtner (1880 –1951)
76. Bela Bartók (1881 –1945)
77. Nikolai Yakovlevich Myaskovsky (1881 –1950)
78. Ígor Fedorovich Stravinsky (1882 –1971)
79. Antón Webern (1883 –1945)
80. Imre Kalman (1882-1953)
81. Alban Berg (1885-1935)
82. Serguéi Serguéievich Prokófiev (1891 –1953)
83. Arthur Honegger (1892-1955)
84. Darío Milhaud (1892 –1974)
85. Carl Orff (1895-1982)
86. Paul Hindemith (1895-1963)
87. George Gershwin (1898-1937)
88. Isaac Osipovich Dunaevsky (1900 –1955)
89. Aram Ilich Khachaturian (1903 –1978)
90. Dmitri Dmítrievich Shostakóvich (1906 –1975)
91. Tikhon Nikolaevich Khrennikov (nacido en 1913)
92. Benjamín Britten (1913 –1976)
93. Georgy Vasilievich Sviridov (1915 –1998)
94. Leonard Bernstein (1918 –1990)
95. Rodion Konstantinovich Shchedrin (nacido en 1932)
96. Krzysztof Penderecki (nacido en 1933)
97. Alfred Garievich Schnittke (1934 –1998)
98. Bob Dylan (n. 1941)
99. John Lennon (1940-1980) y Paul McCartney (n. 1942)
100. Sting (nacido en 1951)

OBRAS MAESTRAS DE LA MÚSICA CLÁSICA

Los compositores más famosos del mundo.

Lista de compositores en orden alfabético