Este término denota tipos de arte unidos por la percepción visual: pintura, gráfica, escultura, fotografía. La arquitectura y las obras de artes decorativas y aplicadas a menudo se clasifican como tipos de bellas artes, ya que también se caracterizan por el predominio de la forma visual de percepción.
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BELLAS ARTES
Grupo de artes (pintura, gráfica, escultura), que reproduce el mundo circundante en imágenes visuales. Al encarnar la percepción visual del mundo en un plano o en el espacio, las artes visuales se ven limitadas a la hora de transmitir la acción en el tiempo, pero esto no significa que representen el mundo estáticamente, como congelado. Bellas artes capaz de transmitir movimiento, mostrar la vida en desarrollo, recrear no solo la apariencia sensorial de los objetos, sino también la naturaleza espiritual de los fenómenos representados. En la escultura, por ejemplo, sólo se registra un momento de lo que está sucediendo, pero en ese momento se puede concentrar una generalización de gran poder. Las bellas artes se dividen en de caballete y monumentales. Las obras de arte de caballete (“una máquina” es un caballete, una máquina escultórica) (pinturas, grabados, dibujos, esculturas de cámara, etc.) tienen un carácter independiente. Las obras de arte monumental (monumentos, monumentos, paneles monumentales, esculturas de parques, etc.) se crean para un entorno arquitectónico específico y pueden realizar funciones decorativas. El arte decorativo y aplicado a menudo recurre a la forma visual, aunque la representación de la realidad en él no es una reproducción directa de fenómenos reales. Visual básico medios de expresión– dibujo, color, plasticidad, claroscuro, etc. diferentes tipos En las bellas artes, estos medios se utilizan en proporciones desiguales. Entonces, en la escultura, a diferencia de la pintura, el color juega papel menor; Para los gráficos, los rasgos más característicos son el dibujo y la línea.
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BELLAS ARTES
grupo de tipos de arte creatividad que reproduce la realidad percibida visualmente. Pinchar. Yo y. tener una forma objetiva que no cambia en el tiempo y el espacio. K I. y. incluyen: pintura, escultura, gráfica, arte monumental y, en gran medida, artes decorativas y aplicadas, recurriendo a menudo a la forma visual, que, sin embargo, no es obligatoria para ello. Habilidad I. y. recrear en una forma claramente reconocible toda la diversidad del mundo visible determina sus amplias capacidades artísticas y cognitivas, la persuasión inmediata de su producción. La realidad se reproduce en I. y. según las características de sus diferentes tipos en tales y gracias a propiedades objetivas como la forma material de los objetos y el entorno espacial, como el volumen, el color, la luz, la textura del objeto, etc. I. y. es capaz no solo de registrar la percepción visual directa de los fenómenos del mundo, sino también de transmitir su movimiento y desarrollo en el tiempo y el espacio. Pintura, producción, tiene capacidades específicas en este ámbito. corte: la imagen es de un artista que existe de forma independiente. un mundo que recrea las propiedades de la realidad con extrema plenitud. Yo y. capaz de penetrar en la esencia interna de los fenómenos percibidos en su forma visible, revelar su interconexión, evaluar el significado y la importancia, es decir, recrear no solo la apariencia sensorial de la realidad, sino también su esencia espiritual, incluido el mundo interior del hombre, su espiritual. asimilación de la naturaleza, encarnación de ideas sociales, políticas, filosóficas, éticas. Debido a esto, yo. y. juega un papel importante en la vida espiritual de la sociedad, siendo el foco de la lucha de ideas sociales, actuando como una fuerza activa vida social. Las capacidades específicas del realismo, que se realizan de manera más consistente y completa en el arte realista. La creatividad (Realismo), adquiere diversas modificaciones en determinadas condiciones históricas. En la historia. Los juicios son conocidos por períodos de estricta regulación de I. y. e incluso la imposición de una prohibición religiosa de la escultura, de la representación de seres vivos. En situaciones de crisis en la historia de la cultura surgen conceptos que niegan el derecho de la historia y la historia. a la encarnación del contenido espiritual e ideológico (por ejemplo, la iconoclasia bizantina, una serie de movimientos modernistas del siglo XX, que ven en la pintura sólo pintura aplicada al lienzo y "abolin" por completo el comienzo pictórico del arte). Basado en diferentes artistas. métodos, I. y. también se dirige al artista realista. forma y al art. convenciones, utiliza símbolos, metáforas, asociaciones, que en ciertos tipos y géneros de I. y., para reflejar la realidad y lograr una mayor profundidad de impacto social. (por ejemplo, en un cartel) son propiedad indispensable del artista. imagen.
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ClasificaciónLas bellas artes se clasifican según los objetos de aplicación de los esfuerzos creativos, los medios artísticos y técnicos utilizados y los conceptos de creatividad históricamente establecidos. MedioLos medios artísticos de las bellas artes en sus diversos tipos son apelaciones a todos los aspectos. percepción visual(volumen, plasticidad, color, claroscuro, textura, etc.) - medios visuales - y medios expresivos asociados a la naturaleza de la imaginería de la obra (complejo argumental-asociativo). El conjunto de características un cierto tipo u obras de medios visuales y las características específicas de su uso se denomina lenguaje figurado. InfluenciaLas bellas artes son extremadamente históricas y específicas de las comunidades etnoculturales (la prohibición religiosa de la figuratividad determinó su carácter en las culturas del judaísmo y el Islam, el surgimiento del género del paisaje se debe a la urbanización [[K:Wikipedia:Artículos sin fuentes (país: Error de Lua: callParserFunction: no se encontró la función "#property". )]][[K:Wikipedia:Artículos sin fuentes (país: Error de Lua: callParserFunction: no se encontró la función "#property". )]] etc.). Al mismo tiempo, la calidad estética de las obras es completamente independiente del tiempo y las condiciones de su origen y es accesible a la percepción de una persona de una cultura extranjera que esté suficientemente desarrollada estéticamente. Las obras de bellas artes, junto con la arquitectura y la escultura, son la única evidencia de la cultura espiritual de muchas civilizaciones desaparecidas que han sobrevivido hasta el día de hoy. Según datos arqueológicos modernos, las bellas artes aparecen a principios del Paleolítico superior (Auriñaciense) y están asociadas con la aparición del hombre moderno. Las fuentes de las formas pictóricas fueron "modelos naturales" de presas de caza, huellas de manos coloreadas, "pasta" (complejos de líneas paralelas aplicadas con los dedos en las paredes de las cuevas) y algunos otros productos de la actividad del hombre antiguo. Casi al mismo tiempo aparecieron pinturas monumentales en las paredes de las cuevas, formas primitivas de gráficos y esculturas. Se están desarrollando el género animal (el conjunto principal de obras de la Edad de Piedra) y las imágenes de humanos (la “Venus” paleolítica, más tarde, escenas de caza). Las bellas artes se utilizan para dominar nuevas ramas de la actividad humana. La mejora de la cultura material en el Mesolítico y el Neolítico conduce al surgimiento de artes decorativas y aplicadas en diversas formas. El surgimiento de la escritura en tiempos históricos conduce al surgimiento de la caligrafía. En las civilizaciones del mundo antiguo, las bellas artes ya estaban presentes en una importante variedad de géneros, adquirieron una marcada especificidad etnocultural y estaban sujetas a una comprensión teórica. Se forman ideas desarrolladas sobre la autoría. Las bellas artes se desarrollaron en estrecha conexión con la arquitectura y la escritura, reguladas por los cánones de la antigüedad y los “grandes estilos” de la Edad Media y la Edad Moderna. Estos períodos estuvieron marcados por la difusión de la gráfica en circulación, el desarrollo exponencial de la pintura y la escultura, el surgimiento y aislamiento de nuevos géneros. A principios de los siglos XIX-XX. aparece el arte fotográfico y el diseño toma forma en un sentido moderno; En las formas tradicionales, están surgiendo nuevas direcciones no pictóricas. En el siglo XX, las bellas artes están experimentando un intenso intercambio sin precedentes con formas de arte dinámicas. Sus métodos y tecnologías se exportan al cine (animación). Al mismo tiempo, el accionismo y movimientos relacionados implican procesos que se desarrollan con el tiempo en la esfera visual. A lo largo del siglo XX, siguen surgiendo nuevos tipos y subtipos de bellas artes, incluidas las asociadas con la realidad virtual. Escribe una reseña sobre el artículo "Bellas Artes"NotasVer tambiénAlusiones personalesLiteratura
Campo de golf
Un extracto que caracteriza las Bellas ArtesAlgunas personas llevaron al patio del castillo a una joven bonita y bien vestida, encadenada con cadenas. Gritos y risas de borrachos comenzaron por todos lados. La mujer fue agarrada bruscamente por los hombros y arrojada al pozo. Inmediatamente se escucharon gemidos y gritos ahogados y lastimeros desde las profundidades. Continuaron hasta que los cruzados, por orden del líder, llenaron el pozo con piedras...– Era Lady Giralda… La dueña del castillo y de esta ciudad… Todos sus súbditos, sin excepción, la querían mucho. Era suave y amable... Y llevaba bajo su corazón a su primer bebé por nacer. – Terminó con dureza Norte. Luego me miró y aparentemente comprendió de inmediato que simplemente ya no me quedaban fuerzas... El horror terminó inmediatamente. Sever se acercó a mí con simpatía y, al ver que todavía temblaba violentamente, puso suavemente su mano sobre mi cabeza. Él acarició el mío pelo largo, susurrando en voz baja palabras tranquilizadoras. Y poco a poco comencé a cobrar vida, recuperando el sentido después de un shock terrible e inhumano... Un enjambre de preguntas no formuladas se arremolinaba molestamente en mi cabeza cansada. Pero todas estas preguntas ahora parecían vacías e irrelevantes. Por tanto, preferí esperar a ver qué decía el Norte. - Perdón por el dolor, Isidora, pero quería mostrarte la verdad... Para que entiendas la carga de Katar... Para que no pienses que perdieron fácilmente al Perfecto... – ¡Todavía no entiendo esto, Sever! Así como yo no pude entender tu verdad... ¡¿Por qué los Perfectos no lucharon por la vida?! ¿Por qué no usaron lo que sabían? Después de todo, ¡casi cada uno de ellos podría destruir un ejército entero con un solo movimiento!... ¿Por qué había alguna necesidad de rendirse? – Probablemente esto fue de lo que te hablé tantas veces, amigo mío... Simplemente no estaban listos. – ¡¿No estás listo para qué?! – por vieja costumbre, exploté. – ¿No estás listo para salvar tus vidas? ¿No estás listo para salvar a otras personas que sufren? ¡Pero todo esto está tan mal!... ¡¡¡Esto está mal!!! "No eran guerreros como tú, Isidora". – dijo Sever en voz baja. "No mataron, creyendo que el mundo debería ser diferente". Creyendo que podrían enseñar a las personas a cambiar... Enseñar Comprensión y Amor, enseñar Bondad. Esperaban dar a la gente el Conocimiento... pero, lamentablemente, no todos lo necesitaban. Tienes razón al decir que los cátaros eran fuertes. Sí, eran magos perfectos y poseían un poder enorme. Pero ellos no quisieron pelear con la FUERZA, prefiriendo pelear con la PALABRA. Esto es lo que los destruyó, Isidora. Por eso te digo amigo, no estaban preparados. Y para ser muy precisos, el mundo no estaba preparado para ellos. La tierra, en aquella época, respetaba la fuerza. Y los cátaros trajeron Amor, Luz y Conocimiento. Y llegaron demasiado pronto. La gente no estaba preparada para ellos... – Bueno, ¿qué pasa con esos cientos de miles que llevaron la fe de Qatar por toda Europa? ¿Por qué te atrajo la Luz y el Conocimiento? ¡Había muchos de ellos! – Tienes razón, Isidora… Eran muchos. ¿Pero qué pasó con ellos? Como te dije antes, el Conocimiento puede ser muy peligroso si llega demasiado pronto. La gente debe estar dispuesta a aceptarlo. Sin resistir ni matar. De lo contrario, este Conocimiento no les ayudará. O peor aún: si cae en las sucias manos de alguien, destruirá la Tierra. Perdón si te molesté... – Y sin embargo, no estoy de acuerdo contigo, Norte... El tiempo del que hablas nunca llegará a la Tierra. La gente nunca pensará igual. Esto está bien. Mira la naturaleza: cada árbol, cada flor es diferente entre sí... ¡Y quieres que las personas sean iguales!... Se le ha mostrado demasiada maldad, demasiada violencia al hombre. Y aquellos con un alma oscura no quieren trabajar y SABEN cuándo es posible simplemente matar o mentir para obtener lo que necesitan. ¡Debemos luchar por la Luz y el Conocimiento! Y gana. Esto es exactamente lo que debería faltar. a una persona normal. La Tierra puede ser hermosa, Norte. Sólo tenemos que mostrarle CÓMO puede volverse pura y hermosa... Norte estaba en silencio, mirándome. Y yo, para no demostrar nada más, volví a sintonizar con Esclarmonde... ¿Cómo pudo esta niña, casi una niña, soportar un dolor tan profundo?... Su valentía era asombrosa, haciendo que la respetaran y se sintieran orgullosos de ella. Era digna de la familia Magdalena, aunque sólo fuera la madre de su descendiente lejano. ¡Y mi corazón nuevamente dolía por las personas maravillosas cuyas vidas fueron truncadas por la misma iglesia, que proclamó falsamente “perdón”! Y de repente recordé las palabras de Caraffa: “¡Dios perdonará todo lo que suceda en su nombre!” Ante mis ojos se encontraba nuevamente la joven y exhausta Esclarmonde... Una madre desafortunada que había perdido a su primer y último hijo... Y nadie podía explicarle realmente por qué les hicieron esto... ¿Por qué ellos, amables e inocentes? , vete a la muerte... De repente, un niño delgado y sin aliento entró corriendo al pasillo. Claramente venía directamente de la calle, mientras el vapor brotaba de su amplia sonrisa. - ¡Señora, señora! ¡¡¡Se salvaron!!! Querida Esclarmonde, ¡hay un incendio en la montaña!.. Esclarmonde se levantó de un salto, a punto de echar a correr, pero su cuerpo resultó estar más débil de lo que la pobre hubiera imaginado... Se desplomó directamente en los brazos de su padre. Raymond de Pereille tomó en brazos a su hija, ligera como una pluma, y salió corriendo por la puerta... Y allí, reunidos en la cima de Montsegur, estaban todos los habitantes del castillo. Y todos los ojos miraban sólo en una dirección: ¡¡¡hacia donde ardía un gran fuego en la cima nevada del monte Bidorta!!!.. ¡¡¡Lo que significaba que los cuatro fugitivos habían llegado al punto deseado!!! Su valiente esposo y su hijo recién nacido escaparon de las brutales garras de la Inquisición y pudieron continuar felizmente con sus vidas. Fue una despedida... Montsegur se despidió de ellos, despidiéndolos con ternura hacia otra vida... Abajo, un hombre pequeño, brutalizado por el frío, gritó roncamente a los cruzados, ordenándoles que talaran más árboles y los arrastraran al fuego. Por alguna razón la llama no se encendió, ¡pero el hombrecito quería que ardiese hasta el cielo!... ¡Se lo merecía, lo había estado esperando durante diez largos meses y ahora había sucedido! Precisamente ayer soñaba con volver rápidamente a casa. Pero la ira y el odio hacia los malditos cátaros se apoderaron de él, y ahora sólo quería una cosa: ver cómo finalmente arderían los últimos Perfectos. ¡Estos últimos Hijos del Diablo!.. Y sólo cuando de ellos lo único que quede sea un montón de cenizas calientes, se irá tranquilamente a casa. Este hombrecito era el senescal de la ciudad de Carcasona. Su nombre era Hugues des Arcis. Actuó en nombre de Su Majestad el Rey de Francia, Felipe Augusto. | ||||||||||||||||||||||||||||
Introducción
Relevancia del tema de investigación.
Cada período de la historia tiene su propio temas actuales. El mundo moderno está experimentando una tercera revolución tecnológica. La publicidad surge aquí como una función de la producción, como una industria para la producción de imágenes. Dota a los bienes y servicios de signos específicos y establece las normas para un consumo prestigioso.
La atribución de significados en una imagen publicitaria se centra en un solo objeto: el producto anunciado. El sentimiento de la realidad, su comprensión, se logra sólo mediante la posesión de lo anunciado. La publicidad es un texto ideológico que se crea para formar, mantener o corregir una determinada ideología: el consumo sin fin.
De particular importancia para la publicidad es el uso de medios y métodos del arte. El arte siempre ha sido el componente más importante en la publicidad y en cualquier otro ámbito de la actividad humana. El arte es esa gran habilidad y visión que puede insuflar alma a cualquier fenómeno que antes no tenía vida. El arte se ha utilizado en la publicidad desde los inicios de este tipo de actividad, por lo que hoy es especialmente importante estudiar la experiencia del uso del arte en la publicidad para mejorar los métodos y técnicas de la publicidad moderna sobre la base de la continuidad.
El objetivo de este trabajo es identificar la relación entre bellas artes y publicidad utilizando el ejemplo de la obra de A. Toulouse-Lautrec y A. Mucha.
Para lograr este objetivo, es necesario resolver las siguientes tareas:
1) considerar las particularidades de las bellas artes como un tipo de actividad creativa;
2) identificar las características específicas de la pintura;
3) considerar la historia de la interacción entre las bellas artes y la publicidad;
4) considerar el trabajo de artistas famosos en el campo de la publicidad;
5) identificar las particularidades de la creatividad publicitaria de A. Toulouse-Lautrec;
6) identificar las particularidades de la creatividad de A. Mucha en publicidad.
El objeto de investigación es la creatividad visual en la publicidad.
El tema del estudio es la creatividad de A. Toulouse-Lautrec y A. Mucha en publicidad.
El trabajo consta de introducción, capítulo 1, capítulo 2, conclusión, lista de referencias. El primer capítulo examina las características específicas de las bellas artes como tipo de actividad creativa, identifica las características específicas de la pintura y examina la historia de la interacción entre las bellas artes y la publicidad. El capítulo 2 examina el trabajo de artistas famosos en el campo de la publicidad y también revela los detalles del trabajo de A. Toulouse-Lautrec y A. Mucha en la publicidad.
Detalles de las bellas artes
Las bellas artes como tipo de actividad creativa.
Veamos los detalles de las bellas artes e identifiquemos los principales tipos de bellas artes.
“El arte es una forma de cultura asociada a la capacidad del sujeto para asimilar estéticamente el mundo de la vida, reproducirlo de forma figurativa y simbólica, apoyándose en los recursos de la imaginación creativa” Culturología. Siglo XX Enciclopedia. En 2 vols. - T. 1 - San Petersburgo, 1998. - P. 274..
Los criterios para definir el arte son diferentes: dependen de las características específicas de la cultura dentro de la cual crea el artista, del lugar y el momento de la creación y la percepción de la obra.
En el muy en un sentido amplio El concepto de “arte” se utiliza con dos significados:
1. El arte es habilidad, habilidad, habilidad, destreza, una alta valoración de la capacidad para realizar cualquier trabajo. Así es como evalúan a menudo a una persona que no sólo hace su trabajo profesionalmente, sino que lo hace de manera hermosa, fácil o de alguna manera particularmente inspirada. Por lo tanto, un conserje que esparce hojas puede sentirse o ser percibido por los demás como un poeta.
2. El arte es una actividad creativa encaminada a crear obras de arte y formas estéticamente expresivas.
Si combinas estos dos valores, obtienes la siguiente definición:
El arte es una actividad artística basada en la habilidad y la habilidad Ryklin M. El arte como obstáculo. - M.: Editorial "AdMarginem", 1997. - P. 12..
Las artes incluyen literatura, música, teatro, artes visuales, cine y televisión. Cada tipo de arte tiene su propio lenguaje.
La literatura es el arte de las palabras; la música es un mundo de armonía sonora; cine, teatro: una síntesis de literatura, música y actuación.
En las bellas artes, los fenómenos de la vida circundante se representan mediante líneas, relaciones tonales, combinaciones de colores, formas tridimensionales y ritmos brillantes.
Las bellas artes son un complejo de artes plásticas originalmente asociadas con la creación de imágenes estáticas y formas materiales. Las obras de bellas artes surgen como resultado del desarrollo estético de la esfera visual de percepción.
Las bellas artes se clasifican según los objetos del esfuerzo creativo, los medios artísticos y técnicos utilizados y los conceptos de creatividad históricamente establecidos. Se trata de escultura, pintura, gráfica, fotografía, pintura digital, infografía, artes decorativas y aplicadas, microminiatura, caligrafía, diseño, arquitectura.
Las bellas artes se caracterizan por obras cuyo valor estético e imágenes se perciben de forma puramente visual. Las obras de bellas artes pueden ser no objetivas e incluso intangibles (protector de pantalla, tipografía de libro), pero, independientemente de la materialidad y la objetividad, las obras de bellas artes típicas tienen las características de un objeto (limitación en el espacio, estabilidad en el tiempo). La capacidad de generar objetos es la propiedad más importante de las bellas artes, asociada a su origen, que determinó su historia y determina su desarrollo. Las bellas artes crean objetos independientes que no tienen valor utilitario (escultura, pintura, gráficos, fotografía) u organizan estéticamente objetos utilitarios y conjuntos de información (artes decorativas y aplicadas, diseño). Las bellas artes influyen activamente en la percepción del entorno del objeto y la realidad virtual. Gran Enciclopedia Soviética: en 30 volúmenes - M.: " enciclopedia soviética", 1969-1978..
Así, las bellas artes se caracterizan por reflejar los fenómenos de la realidad. Imágenes que utilizan líneas, relaciones tonales, combinaciones de colores, formas volumétricas, ritmos brillantes.
Arte(de la gloria de la iglesia. arte(lat. experimento- experiencia, prueba); Arte. - gloria iskous - experiencia, con menos frecuencia tortura, tortura) - comprensión figurativa de la realidad; proceso o resultado de expresar interna o mundo exterior el creador en una imagen (artística); creatividad dirigida de tal manera que refleje los intereses no solo del propio autor, sino también de otras personas.
El arte (junto con la ciencia) es una de las formas de conocimiento, tanto en las ciencias naturales como en la imagen religiosa de la percepción del mundo.
El concepto de arte es extremadamente amplio: puede manifestarse como una habilidad extremadamente desarrollada en un área particular. Durante mucho tiempo el arte fue considerado una forma actividades culturales, satisfaciendo el amor de una persona por la belleza. Junto con la evolución de las normas y valoraciones estéticas sociales, cualquier actividad encaminada a crear formas estéticamente expresivas ha adquirido el derecho a ser llamada arte.
A escala de toda la sociedad, el arte es una forma especial de conocer y reflejar la realidad, una de las formas de actividad artística de la conciencia pública y parte de la cultura espiritual tanto del individuo como de toda la humanidad, un resultado diverso de la creatividad. actividad de todas las generaciones.
El término arte se puede utilizar en diferentes sentidos: el proceso de utilizar el talento, el trabajo de un maestro talentoso, el consumo de obras de arte por parte de una audiencia y el estudio del arte (crítica de arte). " Bellas artes"es un conjunto de disciplinas (artes) que producen obras de arte(objetos) creados por artesanos talentosos (arte como actividad) y que evocan una respuesta, estado de ánimo, transmiten simbolismo y otra información al público (arte como consumo). Las obras de arte son interpretaciones deliberadas y talentosas de una variedad ilimitada de conceptos e ideas con el objetivo de comunicarlos a los demás. Pueden crearse específicamente para un propósito específico o representarse mediante imágenes y objetos. El arte estimula pensamientos, sentimientos, ideas e ideas a través de sensaciones. Expresa ideas, adopta muchas formas diferentes y sirve para muchos propósitos diferentes.
Historia
Actualmente, la tradición cultural mundial utiliza conceptos de arte que se originan en la antigüedad mediterránea, especialmente en la comprensión grecorromana de este término.
Apariencia
EN sociedad primitiva artes visuales primitivas nace con una vista Homo sapiens como una forma de actividad humana para resolver problemas prácticos. Surgió en el Paleolítico Medio y el arte primitivo alcanzó su apogeo en Paleolítico superior, hace unos 40 mil años, y podría ser un producto social de la sociedad, encarnando una nueva etapa en el desarrollo de la realidad. obras antiguas Arte como un collar de conchas encontrado en Sudáfrica se remonta al 75º milenio antes de Cristo. mi. y más. En la Edad de Piedra, el arte estaba representado por rituales primitivos, música, danzas, todo tipo de adornos corporales, geoglifos - imágenes en el suelo, dendrógrafos - imágenes en la corteza de los árboles, imágenes en pieles de animales, pintura rupestre, pinturas rupestres, petroglifos y esculturas.
El surgimiento del arte está asociado a juegos, rituales y ceremonias, incluidos los basados en ideas mitológicas y mágicas.
El arte primitivo era sincrético. Según algunos autores, tiene su origen en habilidades y técnicas previas al habla para transmitir, percibir y almacenar información lingüística en la memoria. El utilitarismo comunicativo de la creatividad primitiva, junto con el desarrollo del aspecto estético, se observa claramente en el período anterior a la imprenta del folclore de las culturas de todos los pueblos. También existen teorías sobre el arte como una función biológica (instinto artístico).
Artes en el mundo antiguo.
Las bases del arte en el sentido moderno de la palabra fueron puestas por civilizaciones antiguas: egipcia, babilónica, persa, india, china, griega, romana, así como árabe (antiguos Yemen y Omán) y otras. Cada uno de los centros mencionados de las primeras civilizaciones creó su propio estilo artístico único, que sobrevivió a los siglos y ejerció su influencia en las culturas posteriores. También dejaron las primeras descripciones del trabajo de los artistas. Por ejemplo, los antiguos maestros griegos superaron en muchos aspectos a otros en la representación del cuerpo humano y pudieron mostrar los músculos, la postura, las proporciones correctas y la belleza de la naturaleza.
Artes en la Edad Media
El arte bizantino y el arte gótico de la Edad Media occidental se centraron en verdades espirituales y temas bíblicos. Destacaron la grandeza sublime invisible del mundo celestial, utilizando fondos dorados en pinturas y mosaicos, y representando figuras humanas en formas planas e idealizadas.
En el este, en países islámicos, se creía ampliamente que la imagen de una persona raya en la creación prohibida de ídolos, por lo que las bellas artes se limitaban principalmente a la arquitectura, la ornamentación, la escultura, la caligrafía, la joyería y otros tipos de artes decorativas y aplicadas (ver Islámico arte). En la India y el Tíbet, el arte se centró en la danza y la escultura religiosas, que fueron imitadas por la pintura, que tendía a colores brillantes y contrastantes y contornos claros. En China florecieron en grado más alto varios tipos de arte: talla de piedra, escultura de bronce, cerámica (incluido el famoso ejército de terracota del emperador Qin), poesía, caligrafía, música, pintura, teatro, fantasía, etc. Estilo arte chino cambió de una era a otra y tradicionalmente lleva el nombre de la dinastía gobernante. Por ejemplo, la pintura de la era Tang, refinada y monocromática, representa un paisaje idealizado, y en la era Ming estaban de moda los colores densos y ricos y las composiciones de género. Los estilos artísticos japoneses también llevan los nombres de dinastías imperiales locales, y existe una importante interconexión e interacción en su pintura y caligrafía. Desde el siglo XVII también se ha extendido aquí el grabado en madera.
Del Renacimiento a la actualidad
El Renacimiento occidental volvió a los valores del mundo material y el humanismo, lo que nuevamente fue acompañado por un cambio en el paradigma de las bellas artes, en cuyo espacio apareció la perspectiva y las figuras humanas recuperaron su fisicalidad perdida. Durante la Ilustración, los artistas buscaron reflejar la certeza física y racional del Universo, que parecía un mecanismo de relojería complejo y perfecto, así como las ideas revolucionarias de su época. Así, William Blake pintó un retrato de Newton como un geómetra divino, y Jacques-Louis David puso su talento al servicio de la propaganda política. Los artistas de la época romántica gravitaron hacia el lado emocional de la vida y la individualidad humana, inspirados en los poemas de Goethe. A finales del siglo XIX apareció el siglo toda una serie Estilos artísticos como el academicismo, el simbolismo, el impresionismo, el fauvismo.
Sin embargo, su siglo duró poco y el fin de las direcciones anteriores se acercó no solo por los nuevos descubrimientos de la relatividad por parte de Einstein y el subconsciente de Freud, sino también por el desarrollo sin precedentes de la tecnología, impulsado por la pesadilla de dos guerras mundiales. La historia del arte del siglo XX está llena de búsqueda de nuevas posibilidades artísticas y nuevos estándares de belleza, cada uno de los cuales entró en conflicto con los anteriores. Las normas del impresionismo, fauvismo, expresionismo, cubismo, dadaísmo, surrealismo, etc. no sobrevivieron a sus creadores. La creciente globalización ha llevado a la interpenetración y la influencia mutua de las culturas. Así, la obra de Matisse y Pablo Picasso estuvo muy influenciada por el arte africano, y los grabados japoneses (aparecieron bajo la influencia del Renacimiento occidental) sirvieron como fuente de inspiración para los impresionistas. Las ideas del comunismo y el posmodernismo, de origen occidental, también tuvieron una influencia colosal en el arte.
El modernismo con su búsqueda idealista de la verdad en la segunda mitad del siglo XX. allanó el camino para la realización de su propia inalcanzabilidad. La relatividad fue aceptada como una verdad inmutable, lo que marcó el advenimiento del período. arte contemporáneo y críticos posmodernos. La cultura y la historia mundiales también se convirtieron en categorías relativas y transitorias, que comenzaron a ser tratadas con ironía, y la difuminación de las fronteras de las culturas regionales llevó a su comprensión como partes de una única cultura global.
Clasificación
Las artes se pueden clasificar según diferentes criterios. El tema de las bellas artes es la realidad externa, mientras que las no bellas artes encarnan el mundo interior. Según el tipo de expresión y percepción, las artes no visuales también se dividen en musicales, danzarias y literarias; La diferenciación de género es inherente a los diferentes tipos de arte.
Según la dinámica del arte, el arte se puede dividir en espacial y temporal. Según su utilidad, las artes se dividen en aplicadas y finas (puras).
Según los materiales, el arte se puede dividir en tipos que utilizan
- Materiales tradicionales y modernos (pinturas, lienzos, arcilla, madera, metal, granito, mármol, yeso, materiales químicos, productos de producción masiva, etc.)
- métodos modernos de almacenamiento de información (ingeniería eléctrica moderna, computadoras digitales)
Arte multimedia: arte por ordenador, pintura digital, net art, etc.
- sonido (vibraciones audibles del aire)
Música: clásica, académica, electrónica (ver géneros y estilos musicales)
- palabra (unidad de lenguaje)
caligrafía, canciones, literatura (prosa, poesía)
- intermediario humano (intérprete: actor, cantante, payaso, etc.)
Cualquier tipo de actividad puede denominarse arte condicionalmente si el intérprete plasma sus sentimientos en una forma nueva, original y significativa. Así, por ejemplo, el ikebana, las artes marciales, los juegos de ordenador, etc. pueden clasificarse como arte en función de la percepción estética de los elementos de esta actividad asociados a los gráficos, el sonido, el movimiento y en función del grado de habilidad en la ejecución.
La manifestación del talento emprendedor se manifiesta en el arte de construir un sistema empresarial. La creación de una nueva empresa no se puede reducir a una secuencia predeterminada de acciones y se reconoce desde hace mucho tiempo. tipo especial El arte en el entorno socioeconómico.
A veces en lugar del término arte utilizar un sinónimo de origen extranjero arte: pixel art, ORFO art, arteterapia, body art (uno de los tipos de arte de vanguardia), videoarte, arte sonoro, net art.
bellas artes
Las bellas artes se caracterizan por obras cuyo valor estético e imágenes se perciben de forma puramente visual. Las obras de bellas artes pueden ser no objetivas e incluso intangibles (protector de pantalla, tipografía de libro), pero, independientemente de la materialidad y la objetividad, las obras de bellas artes típicas tienen las características de un objeto (limitación en el espacio, estabilidad en el tiempo). La capacidad de generar objetos es la propiedad más importante de las bellas artes, asociada a su origen, que determinó su historia y determina su desarrollo. Las bellas artes crean objetos independientes que no tienen valor utilitario (escultura, pintura, gráficos, fotografía) u organizan estéticamente objetos utilitarios y conjuntos de información (artes decorativas y aplicadas, diseño). Las bellas artes influyen activamente en la percepción del entorno del objeto y la realidad virtual.
Tipos de bellas artes:
- Arquitectura
- Cuadro
- Gráficos
- Escultura
- Artes y oficios
- Artes teatrales y decorativas.
- Diseño
Arquitectura
Arquitectura Es el arte de construir edificios y estructuras para la vida y actividades de las personas. La palabra "arquitectura" proviene del griego "Arhus" - principal, más alto; "Tectónico" - construcción. Requiere espacio tridimensional. También tiene espacio interno: el interior.
Cuadro
La pintura es un tipo de bellas artes cuyas obras se crean utilizando pinturas (tempera, óleos, acrílicos, gouache, ...).
Gráficos
Gráficos Es un tipo de bellas artes que incluye dibujos e imágenes impresas. “Grapho” - escribo, dibujo, dibujo. Los dibujos se realizan a lápiz, tinta, sepia, sanguina... Imágenes impresas: grabados, litografías, xilografías, monotipos. Los gráficos se dividen en caballete, libro y aplicados. La acuarela, el gouache y el pastel se encuentran al borde de la pintura y la gráfica. Las primeras obras de gráfica - pinturas rupestres. arte primitivo. En la antigua Grecia arte gráfico estaba en el nivel más alto: la pintura de jarrones.
Escultura
El término proviene del latín "sculpere" - cortar, tallar. A diferencia de la pintura y la gráfica, la escultura tiene volumen. Una escultura es una imagen tridimensional. Materiales: hueso, piedra, madera, arcilla, metal, cera... La escultura es una de las formas de arte más antiguas. Las primeras obras escultóricas fueron ídolos, amuletos y representaban dioses antiguos. Se distingue entre escultura redonda (vista desde diferentes lados) y relieve (alto, medio, bajo, contrarrelieve). La escultura se divide en tipos: de caballete y monumental (monumentos, monumentos) y monumental-decorativa (decoración arquitectónica).
Artes decorativas y aplicadas (DAI)
En cada hogar viven y nos sirven diversos objetos. Y si son tocados por la mano de un artista, joyero o artesano popular, se convierten en una obra de arte decorativo y aplicado. El término apareció en el siglo XVIII. de palabra francesa La “decoración” es decoración en todas partes. Aplicado significa algo a lo que se aplica habilidad o arte.
Diseño
A partir del período primitivo se puede rastrear el desarrollo de este tipo de arte.
Arte teatral y decorativo.
Este tipo de arte incluye la creación de escenografía, utilería, vestuario y maquillaje.
GÉNEROS
El término " género" viene del francés - especie, género. Los primeros géneros independientes aparecieron en los Países Bajos en el siglo XVI. Histórico Mitológico, religioso Retrato de batalla Paisaje Naturaleza muerta Hogar Puerto deportivo Animalista Interior
Género histórico – son obras de arte que reflejan personajes o acontecimientos históricos reales.
Género mitológico- Son obras de arte que reflejan temas mitológicos.
Género de batalla Son obras de arte que reflejan episodios militares. Un artista que escribe sobre temas de batalla se llama pintor de batalla.
Retrato es la imagen de una persona en escultura, pintura y gráfica. Los retratos pintados por artistas nos traen imágenes de personas de épocas pasadas.
Escenario- una imagen en la que la naturaleza se ha convertido en su contenido principal. El término "paisaje" (paysage) proviene de Francés, que traducido significa “naturaleza”. El paisaje como género independiente se originó en Holanda. La pintura de paisajes es variada. Hay paisajes que transmiten con precisión ciertos rincones de la naturaleza, mientras que otros transmiten sutilmente el estado. También hay paisajes fantásticos.
El término " bodegón"proviene de una palabra francesa que significa literalmente "naturaleza muerta". Se trata de cuadros cuyos héroes son diversos artículos del hogar, frutas, flores o alimentos (pescado, caza, etc.). Las naturalezas muertas nos hablan no sólo de las cosas, sino también de sus dueños, de su vida, forma de vida y hábitos.
género cotidiano- Son pinturas que reflejan episodios de la vida cotidiana de las personas.
Puerto pequeño Son obras de arte que representan el mar. Al artista que pinta el mar se le llama pintor marino.
género animal- Son obras de arte que representan animales.
Interior- imagen decoración de interiores estructura arquitectónica.
estilo de arte
El concepto de “estilo” es una originalidad que permite determinar de inmediato en qué época histórica se creó la obra. Un estilo artístico (alto) es una dirección que incluye todo tipo de arte. Por ejemplo, el barroco es un estilo elevado y el rococó es una dirección. Los grandes o altos estilos incluyen los clásicos de la antigüedad, el estilo románico y gótico en la Edad Media, el estilo renacentista, que marcó el período de transición de la Edad Media a la Edad Moderna, el Barroco y el Clasicismo en la Edad Moderna. El último estilo importante de finales del siglo XIX y XX. se convirtió en Art Nouveau, en el que se intentó revivir la unidad de la arquitectura, las artes decorativas y las bellas artes. La combinación de varios tipos de arte en una sola obra se llama síntesis de artes. En otras palabras estilo artístico alcanza su nivel más alto cuando involucra todas las formas de arte. Habiéndose desarrollado en una determinada época histórica, los altos estilos se transformaron continuamente y revivieron en la siguiente etapa con una nueva calidad. Por ejemplo, el clasicismo del siglo XVII. en Francia se basó en los clásicos antiguos, mientras que es muy diferente del neoclasicismo de la segunda mitad del siglo XVIII. y, por supuesto, del neoclasicismo como una de las tendencias del eclecticismo de la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX.
Tarea:
Prepare ejemplos para cada tipo y género de bellas artes.
Bellas artes, sus tipos y géneros.
1. El papel del arte en la vida de la sociedad.
2. Tipos de bellas artes (pintura, gráfica, arquitectura, escultura, artes decorativas y aplicadas).
3. Géneros de bellas artes (mitológico, religioso, cotidiano, histórico, batalla, retrato, paisaje, animal; naturaleza muerta) (elaboración de un resumen).
4. Etapas de desarrollo de las bellas artes (elaboración de un resumen).
1. El arte es una de las formas de conciencia social. La base del arte es un reflejo artístico y figurativo de la realidad. El arte conoce y evalúa el mundo, forma la imagen espiritual de las personas, sus sentimientos y pensamientos, su cosmovisión, educa a una persona, amplía sus horizontes, despierta habilidades creativas. El arte es fundamentalmente popular.
El papel cognitivo del arte lo acerca a la ciencia. El artista, como el científico, se esfuerza por comprender el significado de los fenómenos de la vida, por ver en lo aleatorio, transitorio, lo más característico y típico, los patrones en el desarrollo de la realidad. El conocimiento profundo de la realidad está asociado en última instancia al deseo de transformarla y mejorarla. El hombre domina las fuerzas de la naturaleza, aprende las leyes del desarrollo de la sociedad para cambiar el mundo de acuerdo con las necesidades y objetivos que el colectivo, la sociedad se propone a sí misma. A diferencia de la ciencia, el arte expresa la verdad no en conceptos abstractos, sino. en imágenes concretas llenas de vida.
El objetivo del arte es revelar su verdadera esencia en los fenómenos de la vida que nos rodean, mostrar claramente en imágenes impresionantes lo más importante para el hombre y la sociedad. Uno de los principales técnicas artísticas Sirve para generalizar la imagen, su tipificación. Te permite mostrar claramente lo bello de la vida, exponer lo feo y lo malvado. El arte de cada época está indisolublemente ligado a la cultura nacional y las condiciones históricas, a la lucha de clases, al nivel de vida espiritual de la sociedad.
2. Una de las principales tareas de nuestra sociedad ante el sistema educativo moderno es la formación de una cultura personal. Formar la cultura de la generación más joven es imposible sin abordar valores artísticos acumulado por la sociedad durante su existencia. Para comprender mejor el arte de una época determinada, es necesario navegar por la terminología histórica del arte. Conocer y comprender la esencia de cada forma de arte. Sólo si uno ha dominado el sistema categórico-conceptual podrá comprender plenamente el valor estético de los monumentos de arte.
Los tipos de arte son formas históricamente establecidas de actividad creativa que tienen la capacidad de realizar artísticamente el contenido de la vida y difieren en los métodos de su encarnación material.
CUADRO
La pintura es una bella arte plana, cuya especificidad es representar, mediante pinturas aplicadas a la superficie, una imagen del mundo real, transformada por la imaginación creativa del artista. Pintar significa "pintar la vida", "pintar vívidamente", es decir, transmitir la realidad de forma plena y convincente. La pintura es el arte del color.
La pintura se divide en:
- monumental - fresco (del italiano Fresco) - pintura sobre yeso húmedo con pinturas diluidas en agua y mosaico (del francés mosaiqe), una imagen hecha de piedras de colores, esmalte (el esmalte es vidrio transparente coloreado), baldosas de cerámica.
- caballete (de la palabra "máquina") - un lienzo creado sobre un caballete.
La pintura está representada en varios géneros:
- Un retrato es la tarea principal de transmitir una idea de la apariencia externa de una persona, revelando el mundo interior de una persona, enfatizando su individualidad, imagen psicológica y emocional.
- Paisaje: reproduce el mundo circundante en toda su diversidad de formas. Imagen marina definido por el término marinismo.
- Naturaleza muerta: representación de artículos para el hogar, herramientas, flores, frutas. Ayuda a comprender la cosmovisión y la forma de vida de una determinada época.
- Género histórico: habla de momentos históricamente importantes en la vida de la sociedad.
- Género cotidiano: refleja la vida cotidiana de las personas, el carácter, las costumbres y las tradiciones de un grupo étnico en particular.
- La iconografía (traducida del griego como “imagen de oración”) es el objetivo principal de guiar a una persona en el camino de la transformación.
-El animalismo es la imagen de un animal como personaje principal de una obra de arte.
Se llama obra de arte realizada con pinturas (óleo, témpera, acuarela, gouache, etc.) aplicadas sobre cualquier superficie. cuadro.
Temple: pintura vegetal molida sobre yema de huevo, utilizada en el pasado. Antiguo Egipto(ahora acetato de polivinilo, sintético, aceite de caseína). La témpera se diluye con agua y no se lava después del secado. pinturas al óleo Comenzó a utilizarse a partir del Renacimiento en el siglo XVI. Gouache: pinturas opacas, mate, densas, diluidas con agua, cada pintura gouache contiene blanco, apareció en la Edad Media. Acuarela: pinturas sobre pegamento vegetal, diluidas con agua. Apareció en el siglo XVI. Pintura de caballete: cuadros pintados sobre lienzo, papel, cartón, montados sobre un caballete. Pintura monumental - pinturas grandes en el interior y exterior de edificios (paredes, techos, columnas, pilares, soportes, etc.), frescos, paneles, pinturas, mosaicos.
Cabe destacar tipos de pintura como la pintura decorativa, la pintura de iconos, la miniatura, la teatral y la decorativa. El mosaico (del latín musiqum, literalmente dedicado a las musas) es uno de los tipos de arte monumental. Las imágenes y patrones en los mosaicos se componen de piezas de diversas piedras, vidrio (esmalte), cerámica, madera y otros materiales.
Gráficos(del griego Grapho - escribo, dibujo) - una imagen en un plano usando líneas, un trazo, un contorno, una mancha y un tono. Los gráficos se llaman el arte del blanco y negro. Sin embargo, esto no excluye el uso del color en los gráficos. La gráfica también incluye obras multicolores realizadas sobre papel: grabados en color, dibujos con lápices de colores, pasteles sanguinarios y acuarelas.
Los gráficos incluyen dibujo y varios tipos gráficos impresos (grabado en madera (xilografía), metal (grabado), linóleo - sobre linóleo, litografía sobre piedra).
Según la finalidad del cronograma, se divide en los siguientes tipos:
- caballete - el dibujo real;
- libros y periódicos-revistas;
- artes aplicadas: tarjetas de felicitación, calendarios coloridos, sobres para discos;
- gráficos industriales - etiquetas para envases diversos, diseño de productos industriales y alimentarios;
- cartel (traducido del francés - anuncio, cartel): un tipo de gráfico, una imagen lacónica y pegadiza, diseñada para la atención general, acompañada de texto (político, propagandístico, educativo, publicitario, medioambiental, deportivo, teatral, publicitario cinematográfico, etc. . .d.);
- diseño gráfico - fuentes y varias imágenes icónicas.
Arquitectura- (latín arhitektura, del griego archi - principal y tektos - construir, erigir), arquitectura (zye - arcilla rusa, erigir) - arte de la construcción.
Tres tipos de arquitectura:
1. Edificios volumétricos: lugares de culto (iglesias, templos), públicos (escuelas, teatros, estadios, tiendas), industriales (plantas, fábricas) y otros edificios.
2. Arquitectura paisajística: miradores, puentes, fuentes y escaleras para plazas, bulevares, parques.
3. Planificación urbana: creación de nuevas ciudades y reconstrucción de las antiguas.
Las formas de las estructuras arquitectónicas dependen de las condiciones geográficas y climáticas, la naturaleza del paisaje, la intensidad. luz del sol, seguridad sísmica, etc. La arquitectura no reproduce directamente la realidad; no es de naturaleza pictórica, sino expresiva.
Escultura(Latín sculptura, de sculpo - cortar, tallar, esculpir, plástico): un tipo de bellas artes en las que el artista crea imágenes tridimensionales. La escultura incluye obras de bellas artes creadas mediante tallado, tallado, escultura, fundición y estampado.
Según su finalidad, la escultura puede ser:
- monumental (monumentos, conjuntos conmemorativos);
- caballete (museo: estatuas, retratos, escenas de género);
- monumental y decorativa (escultura decorativa en jardines y parques, relieves y estatuas);
- escultura de pequeñas formas.
Por género, la escultura se divide en:
- retrato;
- género (cotidiano - reproducción de varias escenas cotidianas);
- animalista (imagen de animales);
- histórico (retratos de personajes históricos y escenas históricas)
Tipos de escultura:
Redondo, ubicado libremente en el espacio real:
Cabeza; busto; grupo escultórico.
El relieve (traducido del francés - elevar) es un tipo de arte en el que se ubican imágenes tridimensionales en un plano, un tipo de escultura diseñada principalmente para la percepción frontal.
El contrarrelieve es un relieve en profundidad que se utiliza para imágenes impresas o para visualización a contraluz.
En el Antiguo Egipto se utilizaba un relieve con un contorno profundo y un modelado convexo de la forma.
El bajorrelieve (bajorrelieve francés - bajo relieve) es un tipo de relieve convexo en el que la imagen (figura, objeto, adorno) sobresale del plano en menos de la mitad de su volumen.
El alto relieve (francés hout-relieve - alto relieve) es un tipo de relieve en el que las imágenes (figuras, objetos) sobresalen del plano en más de la mitad de su volumen y las partes individuales pueden alejarse completamente del plano.
artes decorativas(del latín dekoro - decorar) - uno de los tipos de artes plásticas. Se divide en:
monumental y decorativo: las vidrieras (latín vitrum - vidrio) son una obra de arte decorativa hecha de vidrio coloreado; pinturas, frescos; mosaicos, decoración, esculturas de jardín;
PPP- el campo de las artes decorativas: la creación de productos artísticos que tienen un propósito práctico en la vida cotidiana y se distinguen por su uniformidad decorativa. Los objetos no sólo deben ser cómodos, sino que también deben brindar placer estético a la persona.
Diseño (diseño en inglés: diseñar, construir, dibujar) es el proceso de creación de nuevos objetos, herramientas, equipos y la formación de un área temática. Su objetivo es organizar un entorno estético holístico para la vida humana. Área de diseño: electrodomésticos, vajilla, muebles, máquinas, vehículos, gráfica industrial, indumentaria, maquillaje, fitodiseño, etc.
3. Géneros de pintura
Retrato(Imagen francesa): una imagen de una persona o grupo de personas. Excepto parecido externo Los artistas se esfuerzan en un retrato por transmitir el carácter de una persona, su mundo espiritual.
Distinguir íntimo, formal, grupal, infantil retratos.
Autorretrato- la representación que el artista hace de sí mismo.
Escenario(Paus francés - área, patria): una imagen de la naturaleza, tipos de terreno, paisaje. El paisaje se divide en: rural, urbano, industrial, marino, etc.; Puede ser histórico, heroico, fantástico, lírico, épico.
Bodegón(Naturemorte francés - naturaleza muerta): una imagen de objetos inanimados (verduras, frutas, flores, artículos para el hogar, utensilios, comida, juegos, atributos del arte).
Género de batalla(del francés bataille - batalla, batalla) está dedicado a temas de guerra, batallas, campañas y episodios de la vida militar.
Histórico- dedicado a fenómenos y acontecimientos históricos Muy a menudo estos dos géneros se encuentran en una sola obra, formándose. batalla historica género.
Doméstico refleja la vida cotidiana de las personas, la estructura social y nacional, la moral y la forma de vida de un determinado momento histórico.
animalista (del latín animal - animal) se asocia con la representación de animales en pintura, gráfica y escultura.
Mitológico o fabuloso-épico está dedicado a hechos y héroes sobre los cuales cuentan mitos, leyendas, tradiciones, historias y cuentos de hadas, epopeyas de los pueblos del mundo.
Para memorizar rápida y eficazmente las definiciones de algunos géneros pictóricos, se puede pedir a los niños que las memoricen en forma poética.
4. Desarrollo del pensamiento artístico y pedagógico nacional y extranjero y de la práctica educativa artística en el contexto del desarrollo de las bellas artes. La capacidad de dibujar siempre ha sido y es de no poca importancia para una persona, y su uso ha servido y sigue sirviendo como uno de los medios de comunicación entre las personas. El hombre comenzó a desarrollar sus habilidades para el dibujo desde la antigüedad. Ya gente primitiva a Logró un gran éxito en esto, como lo demuestran los dibujos encontrados por los arqueólogos. Entre estas imágenes encontramos una imagen convincentemente representada de un reno caballo estepario y otras escenas de la vida real.
El hombre ha acumulado experiencia en el dibujo de líneas y patrones, en la representación de animales e incluso personas durante miles de años. Hombre primitivo pintado con carboncillo y piedra afilada, y pinturas ocres. Así lo indican las pinturas de paredes y techos que se conservan en las cuevas de Combarel, Les Eisy, Altamira (España), en las regiones montañosas del Sahara y en la Cueva del Cabo en los Urales.
Es especialmente importante señalar que todas estas imágenes eran de naturaleza mágica ritual y, por tanto, constituían una forma única de transmisión del pensamiento humano. Sobre esta base surgió y se desarrolló posteriormente la escritura, primero pictográfica (dibujo), luego ideográfica, donde cada signo correspondía a una palabra o parte de ella, y, finalmente, la letra-sonido. El hombre primitivo adquirió la habilidad de dibujar mediante la observación directa y la imitación. No existía el aprendizaje como tal en el Paleolítico.
El carácter agrícola y artesanal del Neolítico cambió la actitud del hombre hacia el arte. La gente comenzó a utilizar la capacidad de dibujar. decorar tus artículos artesanales, principalmente imagen de artículos de cerámica. Los productos del arte de la alfarería estaban cubiertos con adornos. En diferentes países tenía sus propios tipos y características. En este sentido, comenzaron a surgir métodos de enseñanza. El artista-artesano ya no permaneció indiferente ante el éxito de su alumno. Así, se comenzaron a desarrollar técnicas y métodos de enseñanza. Pero todavía no había principios de enseñanza claramente desarrollados. La verdadera formación en las artes, con la organización de escuelas, surgió sólo en la era de la civilización.
Organización de las escuelas en el Antiguo Egipto. Sistema de educación y formación, cánones en el Antiguo Egipto. Los documentos históricos indican que en el Antiguo Egipto, el dibujo se enseñaba en las escuelas junto con el dibujo. Después de graduarse de la escuela, el joven tenía que poder medir y dibujar el área de un campo, esbozar un plano, dibujar y trazar un diagrama de un canal. Así, encontramos por primera vez el dibujo como materia de educación general entre los antiguos egipcios.
Al enseñar a los niños a leer y escribir, la atención principal se prestaba al dibujo, ya que la naturaleza misma de la escritura jeroglífica requería la representación de todo tipo de objetos. En el Antiguo Egipto, el dibujo se convirtió en un tema por primera vez enseñanza, que ya no se produjo caso por caso, sino sistemáticamente. El método y sistema de enseñanza de todos los artistas-maestros era el mismo, porque los cánones y reglas aprobados prescribían la más estricta observancia de todas las normas establecidas.
Cabe señalar también que los egipcios sentaron las bases para la justificación teórica de la práctica del dibujo. Fueron los primeros en establecer las leyes de la imagen y se las enseñaron a la nueva generación. Se desconoce si existió una teoría del proceso de aprendizaje en sí, la didáctica, pero aparentemente hubo algo similar, ya que la propia existencia de los cánones habla de reglas claras y leyes de representación que los estudiantes debían observar estrictamente.
La enseñanza del dibujo en el Antiguo Egipto no se basó en el conocimiento del mundo circundante, sino en memorizar diagramas y cánones, copiar muestras.
Formación y educación en la antigua Grecia Los artistas de la antigua Grecia abordaron el problema de la formación y la educación de una manera nueva y enriquecieron significativamente los métodos de enseñanza. Alentaron a los jóvenes artistas a estudiar cuidadosamente la realidad, encontrar en ella la armonía y argumentaron que lo más bello de la vida es el hombre. En sus trabajos teóricos, los artistas griegos señalaron que en el mundo reina un patrón estricto y la esencia de la belleza radica en el orden armonioso, en la simetría, en la armonía de las partes y del todo, en las correctas relaciones matemáticas. Entonces, en 432 a.C. mi. En Sición, el escultor Policleto de Argos escribió el ensayo "Canon" sobre la relación proporcional ideal entre las partes del cuerpo humano. Para ilustrar sus principios teóricos, creó la estatua "Doriphoros", o "Spearman", que comenzó a utilizarse como ayuda visual y didáctica. No sólo los jóvenes que estudiaban bellas artes, sino también los estudiantes de escuelas secundarias hicieron dibujos de esta escultura. Los artistas-maestros griegos establecieron por primera vez un método para enseñar dibujo, en que se basó en el dibujo de la naturaleza. En la Antigua Grecia, el dibujo comenzó a considerarse una asignatura de educación general.
era Antigua Roma, Parecería que se suponía que iba a desarrollar los logros de los artistas-maestros griegos. Los romanos respetaban las obras de arte destacadas. Valoraron especialmente las obras de los artistas griegos. Los ricos acumularon colecciones de pinturas y los emperadores construyeron pinacotecas (museos) públicos.
Sin embargo, en realidad, los romanos no introdujeron nada nuevo en la metodología y el sistema de enseñanza. Sólo aprovecharon los logros de los artistas griegos; Además, no lograron preservar muchos principios valiosos de la metodología para la enseñanza del dibujo.
Durante la Edad Media los logros del arte realista fueron rechazados. Los artistas de la Edad Media no conocían ni los principios de la construcción de una imagen en un plano ni los métodos de enseñanza desarrollados por los griegos. Durante la formación del cristianismo, las obras teóricas de los grandes maestros de Grecia, así como muchas obras de bellas artes famosas, fueron bárbaramente destruidas.
Se abre el renacimiento nueva era tanto en la historia del desarrollo de las bellas artes como en el campo de los métodos de enseñanza del dibujo. Aunque dibujar es como materia academica no estaba incluido en curso escolar Sin embargo, el Renacimiento hizo una gran contribución a la teoría de los métodos de enseñanza del dibujo tanto para la formación profesional como para la educación general. Los artistas de esta época volvieron a desarrollar la teoría de las bellas artes y, al mismo tiempo, los métodos de enseñanza del dibujo.
Al dar una base científica al método de enseñanza, Alberti considera el dibujo no como un ejercicio mecánico, sino como un ejercicio de la mente. Esta sabia actitud le dio más tarde a Miguel Ángel la oportunidad de decir: “Se dibuja con la cabeza, no con las manos”.
Prestemos atención a la secuencia metodológica de presentación del material educativo en la obra de Albert. En el primer libro, establece un estricto sistema de formación. El conocimiento comienza con un punto y líneas rectas, luego se familiariza con varios ángulos, luego con planos y, finalmente, con cuerpos volumétricos. Siguiendo la coherencia, Alberti introduce al alumno en los principios básicos de la perspectiva lineal y explica las propiedades de los rayos de visión. Aquí también toca cuestiones de perspectiva aérea. Gran valor Alberti le brinda al maestro un show personal.
El siguiente trabajo que tuvo una gran influencia en el desarrollo de los métodos de enseñanza del dibujo es “El Libro de la Pintura” de Leonardo da Vinci. Este libro aborda las cuestiones del dibujo y, lo que es especialmente importante, Leonardo considera el dibujo como una disciplina científica seria. Se dedicó a la investigación anatómica, estableció las leyes de proporcionalidad del cuerpo humano y dedicó mucho tiempo a la fundamentación científica de la teoría del dibujo.
Resumiendo las actividades de los artistas del Renacimiento, en primer lugar, observemos el colosal trabajo que realizaron en el campo de la fundamentación científica y teórica de las reglas del dibujo. Sus trabajos en perspectiva ayudaron a los artistas a afrontar el difícil problema de construir una imagen de la forma tridimensional de los objetos en un plano. Muchos artistas del Renacimiento, fascinados por la perspectiva, dedicaron todo su tiempo a esta materia.
Esta importante obra comenzó a realizarse Academia de Artes, inaugurado a finales del siglo XVI. A partir de ese momento se empezaron a impartir lecciones de dibujo en instituciones de educación especial. Dibujo maestro sin seriedad. conocimiento científico está prohibido. Mientras dibuja, el estudiante aprende simultáneamente sobre el mundo. De ahí la conclusión: las lecciones de dibujo son útiles para todos. Esta idea comienza a ocupar las mentes no sólo de las personas del arte, sino también de figuras de la educación pública.
La posición sobre los beneficios del dibujo como materia de educación general fue expresada por el gran maestro checo J. A. Komensky en su "Gran didáctica". Es cierto que Comenius aún no había decidido incluir el dibujo en el plan de estudios escolar como materia obligatoria. Pero el valor de sus pensamientos sobre el dibujo radicaba en que estaban estrechamente relacionados con cuestiones de pedagogía. De particular valor para nosotros son los pensamientos de Comenius sobre la necesidad de estudiar los métodos de enseñanza.
Casi simultáneamente con Comenius, el profesor y filósofo inglés John Locke comenzó a defender el valor educativo general del dibujo. Sin embargo, al no ser un especialista, J. Locke no pudo dar instrucciones metodológicas en la enseñanza del dibujo. Se limitó a discusiones generales sobre los beneficios de la formación.
El filósofo y enciclopedista francés Jacques-Jean Rousseau habló con más detalle sobre el dibujo como materia de educación general.
Creía que el dibujo debía enseñarse exclusivamente a partir de la naturaleza y que el niño no debía tener otro maestro que la propia naturaleza. Expresó muchos pensamientos valiosos sobre la metodología de la enseñanza del dibujo. Juan Wolfgang Goethe.
Para dominar el arte del dibujo se necesita conocimiento, conocimiento y conocimiento, afirmó. Sin embargo, a pesar de las declaraciones autorizadas sobre el enorme papel del dibujo como materia de educación general, ni en el siglo XVII ni en el XVIII se introdujo el dibujo en el curso de las materias académicas de las escuelas. Sólo en principios del XIX siglos comienza a entrar en el círculo actividades escolares . La iniciativa en este asunto perteneció a un profesor suizo. Johann Heinrich Pestalozzi.
Después de Pestalozzi, el dibujo ganó firmemente su lugar en las escuelas secundarias. No es casualidad que los profesores de arte lo llamaran el padre de los métodos escolares.
El mérito de Pestalozzi radica en el hecho de que fue el primero en combinar la ciencia de la enseñanza escolar con el arte y planteó la cuestión de la necesidad de un desarrollo metodológico de cada posición del dibujo. Pestalozzi creía que para el desarrollo del ojo debería haber un método, para comprender las formas, otro, para la técnica, un tercero. Este trabajo fue realizado por sus alumnos y seguidores.
Fueron muy famosas las obras de Joseph Schmidt, alumno de Pestalozzi, Peter Schmid, Soldan, los hermanos Dupuis y Galliard. Al enseñar dibujo, I. Schmidt consideró necesario desarrollar ejercicios especiales: 1) desarrollar la mano y prepararla para dibujar; 2) crear y encontrar formas hermosas; 3) para el desarrollo de la imaginación; 4) en dibujo geométrico de objetos; 5) en el futuro.
El papel de las bellas artes en la educación estética es enorme; sin embargo, la ciencia pedagógica nacional considera el problema de la educación estética de manera más amplia y no lo reduce únicamente a la educación a través del arte. Los medios de educación estética son la realidad que nos rodea y el conocimiento científico del mundo, que revela la belleza de las leyes objetivas de la naturaleza; y el trabajo, las relaciones sociales de las personas, la vida cotidiana y mucho más.
En 1735, se publicó en alemán y al mismo tiempo en ruso un libro de texto sobre dibujo de I. D. Preisler, "Reglas fundamentales o una breve guía para el dibujo artístico". La formación según el sistema Preisler comienza dibujando líneas rectas y curvas, figuras geométricas y cuerpos tridimensionales, después de lo cual el alumno pasa a dibujar partes del cuerpo humano, luego la cabeza y, finalmente, la figura completa. , profesores, Preisler basó la enseñanza del dibujo en la geometría y el dibujo del natural. Sin embargo, Preisler advierte que el uso de figuras geométricas debe combinarse con el conocimiento de las reglas y leyes de la perspectiva, así como de la anatomía.
Métodos de enseñanza del dibujo en las escuelas soviéticas..
en los años 20 En las escuelas soviéticas, el dibujo se convirtió en parte de programas integrales capacitación.
Los nuevos programas no se basaron en la enseñanza de la alfabetización visual, sino en intentos unilaterales de desarrollar habilidades creativas, dando a los niños total libertad. A principios de los años 20, muchas escuelas no enseñaban a los niños a dibujar de forma correcta y realista. Los trucos formalistas no solo negaron la importancia de la metodología, sino que también distorsionaron las metas y objetivos de la enseñanza del dibujo en las escuelas secundarias. El dibujo no sólo no aportaba nada para el desarrollo mental de los niños, sino que esencialmente interfería en su educación estética.
En los años 40, la escuela de dibujo soviética estaba firmemente en el camino del arte realista. Se aprueban los principios y métodos de la enseñanza del dibujo. Existe una necesidad creciente de una solución científica más profunda a los problemas del dibujo educativo.
En los años 50 y 60 aparecieron toda una serie de trabajos de investigación que enriquecieron enormemente la teoría de los métodos de enseñanza. Estos trabajos ayudaron a los metodólogos a abordar más correctamente la solución de sus problemas.
Para agilizar el trabajo metodológico en las escuelas en los años 50 surgió la idea de crear libros de texto especiales sobre dibujo. Anteriormente, los libros de texto sobre dibujo para escuelas primarias y secundarias no se publicaban ni en Rusia ni en el extranjero.
En 1957, se publicaron los primeros libros de texto de prueba para el primer y segundo grado (autor N.N. Rostovtsev), y luego una nota metodológica para ellos. En 1961, se publicaron dos libros de texto más, para tercer y cuarto grado (autor N.N. Rostovtsev). Todos estos libros de texto se basaron en el sistema P.P. Chistyakova, que enseña a los niños a sacar provecho de la vida desde los primeros pasos del aprendizaje. A partir de ese momento, desde principios de los años 60, se empezaron a publicar sistemáticamente libros de texto de dibujo experimental, pero no en cantidad suficiente.
En 1970 se revisaron y aprobaron nuevos programas educativos, donde se formularon las metas y objetivos de la enseñanza de las bellas artes y se determinó el contenido del material educativo. La expansión de las tareas de la educación estética, el conocimiento de las obras de grandes artistas del pasado y destacados artistas modernos llevó al hecho de que en lugar de la asignatura "dibujo" surgió una nueva asignatura académica: "Bellas Artes". se introdujeron cosas nuevas en sistema común escuelas secundarias: escuela primaria pasó de una educación de cuatro años a una de tres años; y nuevamente durante cuatro años; Se han introducido cursos optativos especiales para el estudio en profundidad de materias individuales, incluidas las bellas artes.
La metodología de la enseñanza de las bellas artes en las instituciones educativas se está desarrollando actualmente de manera muy intensa. Hay muchos desarrollos interesantes de autores como E.I. Kubyshkina, V.S. Kuzin, T.S. Komarova, B.M. ayudas visuales para dibujo, pintura, composición, artes populares y decorativas. Por primera vez en muchos años se han publicado libros de texto sobre bellas artes para escuelas primarias y secundarias.