¿Qué es pintar?
La pintura es una vista. Artes visuales, cuyas obras se crean utilizando pinturas aplicadas sobre cualquier superficie.
“La pintura no es sólo una especie de fantasía, es trabajo, un trabajo que debe realizarse concienzudamente, como lo hace todo trabajador concienzudo”, afirmó Renoir.
La pintura es un milagro asombroso al transformar materiales artísticos accesibles en una variedad de imágenes visibles de la realidad. Dominar el arte de la pintura significa poder representar objetos reales de cualquier forma, color y material diferentes en cualquier espacio.
La pintura, como todas las demás formas de arte, tiene un carácter especial. lenguaje artístico, a través del cual el artista refleja el mundo. Pero, al expresar su comprensión del mundo, el artista encarna simultáneamente en sus obras sus pensamientos y sentimientos, aspiraciones, ideales estéticos, evalúa los fenómenos de la vida, explicando su esencia y significado a su manera.
EN obras de arte Los diferentes géneros de bellas artes creados por pintores utilizan el dibujo, el color, la luz y la sombra, la expresividad de los trazos, la textura y la composición. Esto permite reproducir en un plano la riqueza colorida del mundo, el volumen de los objetos, su originalidad material cualitativa, la profundidad espacial y el entorno luminoso.
El mundo de la pintura es rico y complejo, sus tesoros han sido acumulados por la humanidad durante muchos milenios. Las obras de pintura más antiguas fueron descubiertas por los científicos en las paredes de las cuevas en las que vivían. gente primitiva. Los primeros artistas representaron escenas de caza y hábitos animales con asombrosa precisión y nitidez. Así surgió el arte de pintar en la pared, que tenía rasgos característicos de la pintura monumental.
Hay dos tipos principales de pintura monumental: el fresco y el mosaico.
El fresco es una técnica de pintura con pinturas diluidas con agua limpia o con cal sobre yeso fresco y húmedo.
Un mosaico es una imagen hecha de partículas de piedra, esmalte, baldosas cerámicas de materiales homogéneos o diferentes, que se fijan en una capa de suelo: cal o cemento.
Los frescos y mosaicos son los principales tipos de arte monumental que, debido a su durabilidad y solidez del color, se utilizan para decorar volúmenes y planos arquitectónicos (pinturas murales, pantallas de lámparas, paneles).
La pintura de caballete (cuadro) tiene un carácter y un significado independientes. Amplitud e integridad de la cobertura vida real se refleja en la diversidad de tipos y géneros inherentes a la pintura de caballete: retrato, paisaje, naturaleza muerta, géneros cotidianos, históricos, de batalla.
A diferencia de la pintura monumental, la pintura de caballete no está conectada al plano de la pared y puede exhibirse libremente.
Ideológico valor artístico Las obras de arte de caballete no cambian dependiendo del lugar donde se ubican, aunque su sonido artístico depende de las condiciones de exposición.
Además de los tipos de pintura anteriores, existen pinturas decorativas: bocetos. escenografía teatral, escenografía y vestuario para cine, así como miniaturas e iconografía.
Para crear una obra de arte en miniatura o monumental (por ejemplo, una pintura en la pared), el artista debe conocer no solo la esencia constructiva de los objetos, su volumen, materialidad, sino también las reglas y leyes de la representación pictórica de la naturaleza, la armonía del color y el color. 
En una imagen pictórica de la naturaleza, es necesario tener en cuenta no solo la variedad de colores, sino también su unidad, determinada por la intensidad y el color de la fuente de luz. No se debe introducir ninguna mancha de color en la imagen sin que coincida con el estado general del color. El color de cada objeto, tanto en la luz como en la sombra, debe estar relacionado con el color del todo. Si los colores de la imagen no transmiten la influencia del color de la iluminación, no estarán sujetos a una única combinación de colores. En tal imagen, cada color se destacará como algo extraño y ajeno a un estado de iluminación determinado; aparecerá aleatorio y arruinará la integridad del color de la imagen.
Así, la combinación natural de colores de las pinturas con el color general de la iluminación es la base para crear una estructura cromática armoniosa del cuadro.
El color es uno de los medios más expresivos utilizados en la pintura. El artista transmite en el plano la riqueza colorida de lo que ve, con la ayuda de la forma del color conoce y refleja el mundo que lo rodea. En el proceso de representar la naturaleza, se desarrolla el sentido del color y sus múltiples matices, lo que permite el uso de pinturas como principal. Medios de expresión cuadro.
La percepción del color, y el ojo del artista es capaz de distinguir más de 200 de sus matices, es quizás una de las cualidades más felices que la naturaleza ha dotado al hombre.
Conociendo las leyes del contraste, el artista navega por esos cambios en el color de la naturaleza representada, que en algunos casos son difíciles de captar a simple vista. La percepción del color depende del entorno en el que se encuentra el objeto. Por lo tanto, el artista, al transmitir el color de la naturaleza, compara los colores entre sí, asegurándose de que se perciban en interconexión o relaciones mutuas.
“Tomar relaciones de luces y sombras” significa preservar la diferencia entre colores en luminosidad, saturación y matiz, según como ocurre en la naturaleza. 
El contraste (tanto de luz como de color) es especialmente notable en los bordes de las manchas de color adyacentes. Difuminar los límites entre colores contrastantes mejora el efecto del contraste de color y la claridad de los límites de las manchas lo reduce. El conocimiento de estas leyes amplía las capacidades técnicas en la pintura, permite al artista, con la ayuda del contraste, aumentar la intensidad del color de las pinturas, aumentar su saturación, aumentar o disminuir su luminosidad, lo que enriquece la paleta del pintor. Por lo tanto, sin utilizar mezclas, sino solo combinaciones contrastantes de colores cálidos y fríos, se puede lograr una sonoridad colorista especial de la pintura.
La palabra "pintura" proviene de las palabras rusas "vivir" y "escribir", lo que da lugar a la frase "letra viva". Por pintura se entiende una imagen del mundo real, dibujada con materiales improvisados (lápices, pinturas, plastilina, etc.) sobre superficies planas. Podemos decir que la proyección del mundo real a través del prisma de la imaginación del artista también es
tipos de pintura
Esto está repleto de una variedad de tipos y técnicas para representar la realidad, que dependen no sólo de la técnica de ejecución de la obra del artista y los materiales utilizados, sino también del contenido y el mensaje semántico de la creatividad. Para transmitir sentimientos, emociones y pensamientos, el artista utiliza en primer lugar las reglas del juego con el color y la luz: la relación de los tonos de color y el juego de luces y sombras. Gracias a este secreto, las pinturas resultan estar verdaderamente vivas.
Para lograr este efecto, es necesario utilizar hábilmente materiales coloridos. Por tanto, en la pintura, cuyos tipos dependen de la técnica de dibujo y del tipo de pintura, se puede utilizar acuarela, óleo, témpera, pastel, gouache, cera, acrílico, etc. Todo depende del deseo del artista.
En las bellas artes existen los siguientes tipos principales de pintura:
1. Pintura monumental. El mismo nombre de este tipo de arte sugiere que la creación vivirá durante muchos siglos. Este tipo implica una simbiosis de arquitectura y bellas artes. La pintura monumental se puede ver con mayor frecuencia en los templos religiosos: se trata de paredes, bóvedas, arcos y techos pintados. Cuando el dibujo y el edificio mismo se vuelven uno, dichas obras tienen un significado profundo y conllevan un valor cultural global. Los frescos suelen incluirse en este tipo de pintura. Por regla general, se fabrican no sólo con pinturas, sino también con baldosas de cerámica, vidrio, piedras de colores, conchas, etc.
2. Pintura de caballete. Los tipos de bellas artes son muy comunes y accesibles para cualquier artista. Para que la pintura se considere de caballete, el creador necesitará un lienzo (caballete) y un marco para ello. Por lo tanto, la pintura será de naturaleza independiente y no importa dónde ni en qué estructura arquitectónica se ubique.
3. Los tipos y formas de expresión de la creatividad son ilimitados, y este tipo de arte puede servir como prueba. existe desde hace miles de años: se trata de decoración del hogar, pintar platos, crear souvenirs, pintar telas, muebles, etc. La esencia de la creatividad es que el objeto y el diseño que contiene se conviertan en un todo. Se considera de mal gusto que un artista represente un diseño completamente inapropiado en un objeto.
4. Implica diseño visual para representaciones teatrales, así como para cine. Este tipo de arte permite al espectador comprender y aceptar con mayor precisión la imagen de una obra de teatro, actuación o película.
Géneros de pintura
En la teoría del arte también es importante distinguir entre géneros de pintura, cada uno de los cuales tiene sus propias características:
Retrato.
Naturaleza muerta.
Iconografía.
Animalismo.
Historia.
Estos son los principales que existen desde hace mucho tiempo en la historia del arte. Pero el progreso no se detiene. Cada año la lista de géneros crece y aumenta. Así apareció la abstracción y la fantasía, el minimalismo, etc.
La pintura es una de las artes antiguas, que a lo largo de muchos siglos ha ido evolucionando desde las pinturas rupestres del Paleolítico hasta las últimas tendencias del siglo XX e incluso XXI. Este arte nació casi con la llegada de la humanidad. Los pueblos antiguos, sin siquiera darse cuenta plenamente de sí mismos como humanos, sintieron la necesidad de representar el mundo que los rodeaba en la superficie. Pintaron todo lo que vieron: animales, naturaleza, escenas de caza. Para pintar utilizaron algo parecido a pinturas elaboradas con materiales naturales. Eran pinturas de tierra, carbón y hollín negro. Los pinceles se hacían con pelos de animales o simplemente se pintaban con los dedos.
Como resultado de los cambios surgieron nuevos tipos y géneros de pintura. Al período antiguo le siguió el período de la Antigüedad. Existía un deseo entre pintores y artistas de reproducir la vida real que nos rodea, tal como aparece ante los humanos. El deseo de precisión en la transmisión provocó el surgimiento de los fundamentos de la perspectiva, los fundamentos de las construcciones de luces y sombras de diversas imágenes y el estudio de estas por parte de los artistas. Y, en primer lugar, estudiaron cómo representar el espacio volumétrico en el plano de una pared, en pintura al fresco. Algunas obras de arte, como el espacio volumétrico, los claroscuros, comenzaron a utilizarse para decorar habitaciones, centros religiosos y entierros.
El siguiente período importante en el pasado de la pintura es la Edad Media. En esta época, la pintura era de carácter más religioso y la cosmovisión comenzó a reflejarse en el arte. La creatividad de los artistas se centró en la pintura de iconos y otras melodías religiosas. Principal puntos importantes, que el artista tuvo que enfatizar, no era tanto un fiel reflejo de la realidad, sino más bien una transferencia de espiritualidad incluso en las más diversas pinturas. Los lienzos de los maestros de esa época asombraron por su expresividad de contornos, color y colorido. La pintura medieval nos parece plana. Todos los personajes de los artistas de esa época están en la misma línea. Y por eso muchas obras nos parecen algo estilizadas.
El período de la gris Edad Media fue reemplazado por el período más brillante del Renacimiento. El Renacimiento volvió a marcar un punto de inflexión en el desarrollo histórico de este arte. Nuevos estados de ánimo en la sociedad, una nueva cosmovisión comenzó a dictarle al artista: qué aspectos de la pintura revelar de manera más completa y clara. Géneros pictóricos como el retrato y el paisaje se convertirán en estilos independientes. Los artistas expresan las emociones del hombre y su mundo interior a través de nuevas formas de pintar. Los siglos XVII y XVIII presenciaron un crecimiento aún más significativo de la pintura. Durante este período, la Iglesia católica pierde su importancia y los artistas reflejan cada vez más en sus obras las verdaderas opiniones de las personas, la naturaleza y la vida cotidiana. Durante este período también se formaron géneros como el barroco, el rococó, el clasicismo y el manierismo. Surge el romanticismo, que luego es reemplazado por un estilo más espectacular: el impresionismo.
A principios del siglo XX, la pintura cambió drásticamente y apareció una nueva dirección del arte moderno: la pintura abstracta. La idea de esta dirección es transmitir la armonía entre el hombre y el arte, crear armonía en combinaciones de líneas y reflejos de color. Esto es arte sin objetividad. No busca reproducir fielmente una imagen real, sino que, por el contrario, transmite lo que hay en el alma del artista, sus emociones. Las formas y los colores juegan un papel importante en esta forma de arte. Su esencia es transmitir objetos previamente familiares de una manera nueva. Aquí los artistas tienen total libertad de imaginación. Esto impulsó el surgimiento y desarrollo. tendencias modernas como el arte abstracto, underground y de vanguardia. Desde finales del siglo XX hasta nuestros días, la pintura ha ido cambiando constantemente. Pero, a pesar de todos los nuevos logros y tecnologías modernas, los artistas siguen siendo fieles al arte clásico: óleo y pintura de acuarela, crean sus obras maestras utilizando pinturas y lienzos.
Natalia Martynenko
historia de las bellas artes
La historia de la pintura es una cadena interminable que comenzó con las primeras pinturas realizadas. Cada estilo surge de los estilos anteriores. Cada gran artista añade algo a los logros de artistas anteriores e influye en artistas posteriores.
Podemos disfrutar de la pintura por su belleza. Sus líneas, formas, colores y composición (disposición de piezas) pueden apelar a nuestros sentidos y permanecer en nuestros recuerdos. Pero el disfrute del arte aumenta cuando sabemos cuándo, por qué y cómo se creó.
La historia de la pintura ha estado influenciada por muchos factores. Geografía, religión, características nacionales, eventos históricos, el desarrollo de nuevos materiales: todo esto ayuda a dar forma a la visión del artista. A lo largo de la historia, la pintura ha reflejado el mundo cambiante y nuestras ideas sobre él. A su vez, los artistas han proporcionado algunos de los mejores registros del desarrollo de la civilización, revelando a veces más que la palabra escrita.
pintura prehistórica
Los habitantes de las cavernas eran los más primeros artistas. Se han encontrado dibujos en color de animales que datan del 30.000 al 10.000 a. C. en las paredes de cuevas del sur de Francia y España. Muchas de estas pinturas están notablemente bien conservadas porque las cuevas estuvieron selladas durante muchos siglos. Los primeros pueblos hacían dibujos de los animales salvajes que veían a su alrededor. En África y el este de España se han encontrado figuras humanas muy toscas realizadas en posiciones naturales.
Los artistas rupestres llenaron las paredes de las cuevas con dibujos en colores ricos y vibrantes. Algunas de las pinturas más bellas se encuentran en la Cueva de Altamira, en España. Un detalle muestra un búfalo herido, que ya no puede mantenerse en pie, probablemente víctima de un cazador. Está pintado de un color marrón rojizo y está delineado de forma sencilla, pero hábil, en negro. Los pigmentos utilizados por los artistas rupestres son el ocre (óxidos de hierro que varían en color del amarillo claro al naranja oscuro) y el manganeso (un metal oscuro). Se molieron hasta obtener un polvo fino, se mezclaron con un lubricante (posiblemente aceite graso) y se aplicaron a la superficie con una especie de cepillo. A veces los pigmentos tomaban la forma de barras, similares a crayones. La grasa mezclada con pigmentos en polvo formaba una pintura líquida y las partículas de pigmento se pegaban entre sí. Los habitantes de las cavernas fabricaban pinceles con pelos de animales o plantas y herramientas afiladas de silicona (para dibujar y rayar).
Hace ya 30.000 años, el hombre inventó las herramientas y materiales básicos para pintar. Los métodos y materiales se perfeccionaron y mejoraron durante los siglos siguientes. Pero los descubrimientos del cavernícola siguen siendo fundamentales para la pintura.
Pintura egipcia y mesopotámica (3400-332 a. C.)
Una de las primeras civilizaciones apareció en Egipto. Se sabe mucho sobre sus vidas a partir de los registros escritos y el arte dejados por los egipcios. Creían que el cuerpo debía preservarse para que el alma pudiera vivir después de la muerte. Las Grandes Pirámides eran tumbas elaboradas para gobernantes egipcios ricos y poderosos. Gran parte del arte egipcio se creó para las pirámides y tumbas de reyes y otras personas importantes. Para estar absolutamente seguros de que el alma seguiría existiendo, los artistas crearon imágenes de un muerto en piedra. También reprodujeron escenas de la vida humana en pinturas murales de cámaras funerarias.
Las técnicas del arte egipcio no han cambiado durante siglos. En un método, se aplicaba pintura de acuarela a superficies de arcilla o piedra caliza. En otro proceso, se tallaron contornos en paredes de piedra y se pintaron con acuarelas. Probablemente se utilizó un material llamado goma arábiga para adherir la pintura a la superficie. Afortunadamente, el clima seco y las tumbas selladas impidieron que algunos de estos pinturas de acuarela deteriorarse por la humedad. Muchas escenas de caza de las paredes de las tumbas de Tebas, que datan aproximadamente del 1450 a. C., están bien conservadas. Muestran cómo los cazadores persiguen pájaros o peces. Estos temas todavía se pueden identificar hoy porque fueron pintados con cuidado y cuidado.
La civilización mesopotámica, que duró del 3200 al 332 a. C., estuvo ubicada en el valle entre los ríos Tigris y Éufrates en el Medio Oriente. Las casas en Mesopotamia se construían principalmente con arcilla. A medida que la lluvia ablanda la arcilla, sus edificios se convirtieron en polvo, destruyendo cualquier pintura mural que pudiera haber sido muy interesante. Lo que sobrevive es cerámica decorada (pintada y cocida) y coloridos mosaicos. Aunque los mosaicos no pueden considerarse pintura, muchas veces influyen en ella.
Civilización del Egeo (3000-1100 a. C.)
el tercer gran cultura temprana Existió una civilización egea. Los egeos vivieron en las islas frente a la costa de Grecia y en la península de Asia Menor aproximadamente al mismo tiempo que los antiguos egipcios y mesopotámicos.
En 1900, los arqueólogos comenzaron a excavar el palacio del rey Minos en Knossos, en la isla de Creta. Las excavaciones han descubierto obras de arte pintadas alrededor del 1500 a.C. en el estilo inusualmente libre y elegante de la época. Al parecer, los cretenses eran un pueblo despreocupado y amante de la naturaleza. Entre sus temas favoritos en el arte estaban vida marina animales, flores, juegos de deporte, procesiones masivas. En Cnosos y otros palacios del Egeo, las pinturas se realizaban sobre paredes de yeso húmedo utilizando pinturas hechas de sustancias minerales, arena y ocres de tierra. La pintura empapó el yeso húmedo y se convirtió en una parte permanente de la pared. Más tarde, estas pinturas se denominaron frescos (de la palabra italiana que significa "fresco" o "nuevo"). A los cretenses les gustaban los amarillos, rojos, azules y verdes brillantes.
Pintura clásica griega y romana (1100 a. C. – 400 d. C.)
Los antiguos griegos decoraban las paredes de templos y palacios con frescos. De fuentes literarias antiguas y de copias romanas del arte griego, se puede decir que los griegos pintaban pequeños cuadros y hacían mosaicos. Se conocen poco de los nombres de los maestros griegos y de sus vidas y obras, aunque muy poca pintura griega sobrevivió a los siglos y a las secuelas de las guerras. Los griegos no escribían mucho en las tumbas, por lo que sus obras no estaban protegidas.
Los jarrones pintados son todo lo que queda de la pintura griega actual. La alfarería era una gran industria en Grecia, especialmente en Atenas. Los contenedores tenían una gran demanda, tanto para exportación como para aceite y miel, y para uso interno. La pintura de vasijas más antigua se realizó en formas geométricas y adornos (1100-700 a. C.). Los jarrones también estaban decorados con figuras humanas vidriadas de color marrón sobre arcilla clara. En el siglo VI, los artistas de jarrones solían pintar figuras humanas negras sobre arcilla roja natural. Los detalles fueron tallados en arcilla con una herramienta afilada. Esto permitió que el rojo apareciera en las profundidades del relieve.
El estilo de figuras rojas finalmente reemplazó al negro. Es decir, al revés: las figuras son rojas y el fondo es negro. La ventaja de este estilo era que el artista podía utilizar un pincel para crear contornos. El pincel produce una línea más suelta que la herramienta de metal utilizada en los jarrones con figuras negras.
Se han encontrado pinturas murales romanas principalmente en villas ( casas de campo) en Pompeya y Herculano. En el año 79 d.C., estas dos ciudades quedaron completamente sepultadas por la erupción del Monte Vesubio. Los arqueólogos que excavaron el área pudieron aprender mucho sobre la vida romana antigua en estas ciudades. Casi todas las casas y villas de Pompeya tenían pinturas en las paredes. Los pintores romanos prepararon cuidadosamente la superficie de la pared aplicando una mezcla de polvo de mármol y yeso. Pulieron las superficies hasta obtener un acabado de mármol. Muchas de las pinturas son copias de pinturas griegas del siglo IV a.C. Las elegantes poses de las figuras pintadas en las paredes de la Villa de los Misterios de Pompeya inspiraron a los artistas del siglo XVIII cuando se excavaron la ciudad.
Los griegos y los romanos también pintaron retratos. Un pequeño número de ellos, en su mayoría retratos de momias realizados al estilo griego por artistas egipcios, sobreviven en los alrededores de Alejandría, en el norte de Egipto. Fundada en el siglo IV a. C. por Alejandro Magno de Grecia, Alejandría se convirtió en un importante centro de la cultura griega y romana. Los retratos fueron pintados mediante técnica encáustica sobre madera y instalados en forma de momia tras la muerte del retratado. Las pinturas encáusticas realizadas con pintura mezclada con cera de abejas derretida duran mucho tiempo. De hecho, estos retratos todavía parecen recientes, a pesar de que fueron tomados en el siglo II a.C.
Pintura paleocristiana y bizantina (300-1300)
El Imperio Romano decayó en el siglo IV d.C. Al mismo tiempo, el cristianismo iba ganando fuerza. En 313, el emperador romano Constantino reconoció oficialmente la religión y se convirtió al cristianismo.
El surgimiento del cristianismo influyó mucho en el arte. Se encargó a los artistas que decoraran las paredes de las iglesias con frescos y mosaicos. Hicieron paneles en las capillas de las iglesias, ilustraron y decoraron libros de la iglesia. Bajo la influencia de la Iglesia, se esperaba que los artistas comunicaran las enseñanzas del cristianismo con la mayor claridad posible.
Los primeros cristianos y los artistas bizantinos continuaron la técnica del mosaico que aprendieron de los griegos. Se colocaron pequeños trozos planos de vidrio o piedra de colores sobre cemento o yeso húmedo. En ocasiones se utilizaban otros materiales duros, como trozos de barro cocido o conchas. En el mosaico italiano los colores son especialmente profundos y llenos. Artistas italianos realizaron el fondo con trozos de vidrio dorado. Representaban figuras humanas en ricos colores sobre un fondo de oro brillante. El efecto general era plano, decorativo y nada realista.
Los mosaicos de los artistas bizantinos eran a menudo incluso menos realistas y más decorativos que los motivos de los primeros cristianos. "Bizantino" es el nombre estilo dado arte que se desarrolló alrededor ciudad antigua Bizancio (ahora Estambul, Türkiye). La técnica del mosaico se adaptaba perfectamente al gusto bizantino por las iglesias magníficamente decoradas. Los famosos mosaicos de Teodora y Justiniano, realizados hacia el año 547 d.C., demuestran el gusto por la riqueza. Joyas las figuras brillan y los vestidos de corte de colores brillan sobre un fondo de oro resplandeciente. Los artistas bizantinos también utilizaron oro en frescos y paneles. En la Edad Media se utilizaba oro y otros materiales preciosos para separar los objetos espirituales del mundo cotidiano.
Pintura medieval (500-1400)
La primera parte de la Edad Media, aproximadamente entre los siglos VI y XI d.C., suele denominarse Edad Oscura. Durante esta época de disturbios, el arte se conservaba principalmente en los monasterios. En el siglo V d.C. Las tribus warran del norte y centro de Europa vagaban por el continente. Durante cientos de años dominaron Europa occidental. Estas personas produjeron arte en el que el elemento principal es el patrón. Estaban particularmente fascinados por las estructuras de dragones y pájaros entrelazados.
Lo mejor del arte celta y sajón se puede encontrar en manuscritos de los siglos VII y VIII. Las ilustraciones de libros, la iluminación y la pintura en miniatura, practicadas desde la época romana tardía, se generalizaron en la Edad Media. La iluminación es la decoración del texto, mayúsculas y márgenes. Se utilizaron oro, plata y colores brillantes. Una miniatura es un cuadro pequeño, a menudo un retrato. El término se utilizó originalmente para describir el bloque decorativo alrededor de las letras iniciales de un manuscrito.
Carlomagno, que fue coronado Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico a principios del siglo IX, intentó revivir el arte clásico de los períodos tardorromano y paleocristiano. Durante su reinado, los pintores de miniaturas imitaban el arte clásico, pero también transmitían sentimientos personales a través de sus personajes.
De la Edad Media se conservan muy pocas pinturas murales. Las iglesias construidas durante el período románico (siglos XI-XIII) tenían grandes frescos, pero la mayoría de ellos han desaparecido. En las iglesias del período gótico (siglos XII-XVI) no había suficiente espacio para las pinturas murales. La ilustración de libros fue la principal obra del pintor gótico.
Entre los manuscritos mejor ilustrados se encontraban libros de horas: colecciones de calendarios, oraciones y salmos. Una página de un manuscrito italiano muestra elaboradas iniciales y una escena marginal finamente detallada de San Jorge matando a un dragón. Los colores son brillantes y similares a gemas como vidrieras, y el oro brilla sobre la página. Diseños florales y de hojas elegantemente sutiles bordean el texto. Los artistas probablemente usaron lupas para producir trabajos tan intrincados y detallados.
Italia: Cimabue y Giotto
Los artistas italianos de finales del siglo XIII todavía trabajaban en estilo bizantino. Las figuras humanas se hicieron planas y decorativas. Los rostros rara vez tenían expresión. Los cuerpos no pesaban y parecían flotar en lugar de estar firmes en el suelo. En Florencia, el artista Cimabue (1240-1302) intentó modernizar algunas de las antiguas técnicas bizantinas. Los ángeles de Madonna Enthroned son más activos de lo habitual en las pinturas de la época. Sus gestos y rostros muestran un sentimiento un poco más humano. Cimabue añadió una nueva sensación de monumentalidad o esplendor a sus pinturas. Sin embargo, continuó siguiendo muchas tradiciones bizantinas, como el fondo dorado y la disposición estampada de objetos y figuras.
Fue el gran artista florentino Giotto (1267-1337) quien realmente rompió con la tradición bizantina. Su serie de frescos en la Capilla de la Arena de Padua deja muy atrás el arte bizantino. Hay verdadera emoción, tensión y naturalismo en estas escenas de las vidas de María y Cristo. Todas las cualidades de la calidez y la simpatía humanas están presentes. La gente no parece completamente irreal o celestial. Giotto sombreó los contornos de las figuras y colocó sombras profundas en los pliegues de la ropa para dar una sensación de redondez y solidez.
Para sus pequeños paneles, Giotto utilizó témpera pura al huevo, un medio que fue perfeccionado por los florentinos en el siglo XIV. La claridad y el brillo de sus colores debieron influir mucho en las personas acostumbradas a los colores oscuros de los paneles bizantinos. Las pinturas al temple dan la impresión de que la suave luz del día cae sobre la escena. Tienen un aspecto casi plano, en contraste con el brillo de la pintura al óleo. La tempera al huevo siguió siendo la pintura principal hasta que el aceite la reemplazó casi por completo en el siglo XVI.
Pintura medieval tardía al norte de los Alpes
A principios del siglo XV, los artistas del norte de Europa trabajaban con un estilo completamente diferente al de la pintura italiana. artistas del norte lograron el realismo añadiendo innumerables detalles a sus pinturas. Todo el cabello estaba elegantemente definido y cada detalle de las cortinas o el piso estaba colocado con precisión. La invención de la pintura al óleo facilitó los detalles.
El artista flamenco Jan van Eyck (1370-1414) hizo una gran contribución al desarrollo de la pintura al óleo. Cuando se utiliza témpera, los colores deben aplicarse por separado. No pueden sombrearse bien porque la pintura se seca rápidamente. Con óleo que se seca lentamente, el artista puede lograr efectos más complejos. Sus retratos de 1466-1530 fueron realizados con la técnica del óleo flamenco. Todos los detalles e incluso los reflejos especulares son claros y precisos. El color es duradero y tiene una superficie dura similar al esmalte. El panel de madera imprimado se preparó de la misma manera que Giotto preparó sus paneles para témpera. Van Eyck creó la pintura con capas de fino color llamadas esmalte. Probablemente se utilizó témpera en la maleza original y para resaltar.
Renacimiento italiano
En la época en que Van Eyck trabajaba en el Norte, los italianos estaban entrando en una época dorada del arte y la literatura. Este período se llama Renacimiento, que significa renacimiento. Los artistas italianos se inspiraron en la escultura de los antiguos griegos y romanos. Los italianos querían revivir el espíritu del arte clásico, que glorifica la independencia y la nobleza humanas. Los artistas del Renacimiento continuaron pintando. escenas religiosas. Pero también enfatizaron vida terrenal y los logros de las personas.
Florencia
Los logros de Giotto a principios del siglo XIV marcaron el comienzo del Renacimiento. italiano artistas XVII siglos continuó. Masaccio (1401-1428) fue uno de los líderes de la primera generación de artistas del Renacimiento. Vivió en Florencia, una rica ciudad comercial donde se inició el arte renacentista. Cuando murió, a finales de los años veinte, había revolucionado la pintura. En su famoso mural "The Tribute Money" coloca imponentes figuras escultóricas en un paisaje que parece extenderse en la distancia. Es posible que Masaccio haya estudiado la perspectiva del arquitecto y escultor florentino Brunelleschi (1377-1414).
La técnica del fresco fue muy popular durante el Renacimiento. Era especialmente adecuado para grandes murales porque los colores del fresco son secos y perfectamente planos. La imagen se puede ver desde cualquier ángulo sin deslumbramientos ni reflejos. También se puede acceder a los frescos. Por lo general, los artistas tenían varios asistentes. La obra se realizó por partes porque hubo que terminarla mientras el yeso aún estaba húmedo.
El estilo completamente "tridimensional" de Masaccio fue típico del nuevo movimiento progresista del siglo XV. El estilo de Fra Angelico (1400-1455) representa un enfoque más tradicional, utilizado por muchos artistas del Renacimiento temprano. Estaba menos preocupado por el futuro y más interesado en patrón decorativo. Su “Coronación de la Virgen” es un ejemplo de témpera en su máxima expresión. Colores divertidos y ricos contrastados con el dorado y acentuados con oro. La imagen parece una miniatura ampliada. Las figuras largas y estrechas tienen poco en común con Masaccio. La composición se organiza en amplias líneas de movimiento que giran en torno a las figuras centrales de Cristo y María.
Otro florentino que trabajó en el estilo tradicional fue Sandro Botticelli (1444-1515). Líneas rítmicas fluidas conectan secciones de La primavera de Botticelli. La figura de la Primavera, llevada por el viento del oeste, pasa por la derecha. Las Tres Gracias bailan en círculo, los pliegues fluidos de sus vestidos y los elegantes movimientos de sus manos expresan los ritmos de la danza.
Leonardo da Vinci (1452-1519) estudió pintura en Florencia. El es famoso por su investigación científica e inventos, así como sus pinturas. Muy pocas de sus pinturas sobreviven, en parte porque a menudo experimentó con diferentes formas de crear y aplicar pintura en lugar de utilizar métodos probados y verdaderos. " última cena" (pintado entre 1495 y 1498) fue realizado al óleo, pero lamentablemente Leonardo lo pintó sobre una pared húmeda, lo que provocó que la pintura se agrietara. Pero incluso en mal estado (antes de la restauración), la pintura tenía la capacidad de despertar emociones en todo aquel que la ve.
Una de las características distintivas del estilo de Leonardo fue su método para representar luces y oscuridad. Los italianos llamaban a su tenue iluminación "sfumato", que significa humo o niebla. Las figuras de la Virgen de las Rocas están veladas en una atmósfera de sfumato. Sus formas y rasgos están suavemente sombreados. Leonardo logró estos efectos utilizando gradaciones muy sutiles de tonos claros y oscuros.
Roma
La culminación de la pintura renacentista se produjo en el siglo XVI. Al mismo tiempo, el centro de arte y cultura se trasladó de Florencia a Roma. Bajo el Papa Sixto IV y su sucesor, Julio II, la ciudad de Roma fue gloriosamente y ricamente decorada por artistas del Renacimiento. Algunos de los proyectos más ambiciosos de este período se iniciaron durante el papado de Julio II. Julio encargó al gran escultor y pintor Miguel Ángel (1475-1564) que pintara el techo. Capilla Sixtina y tallar una escultura para la tumba del Papa. Julio también invitó al pintor Rafael (1483-1520) a ayudar a decorar el Vaticano. Rafael pintó con sus ayudantes cuatro habitaciones de los aposentos del Papa en el Palacio del Vaticano.
Miguel Ángel, florentino de nacimiento, desarrolló un estilo de pintura monumental. Las figuras de su cuadro son tan fuertes y voluminosas que parecen esculturas. El techo Sixtino, que Miguel Ángel tardó 4 años en completar, está formado por cientos de figuras humanas del Antiguo Testamento. Para completar este grandioso fresco, Miguel Ángel tuvo que acostarse boca arriba sobre un andamio. Algunos expertos consideran que el rostro pensativo de Jeremías entre los profetas que rodean el techo es un autorretrato de Miguel Ángel.
Rafael llegó a Florencia desde Urbino siendo aún muy joven. En Florencia absorbió las ideas de Leonardo y Miguel Ángel. Cuando Rafael fue a Roma para trabajar en el Vaticano, su estilo se había convertido en uno de los más bellos de ejecución. Le gustaban especialmente sus bellos retratos de la Virgen y el Niño. Han sido reproducidos por miles y se pueden ver en todas partes. Su Madonna del Granduca triunfa por su sencillez. Atemporal en su paz y pureza, es tan atractivo para nosotros como lo fue para los italianos de la época de Rafael.
Venecia
Venecia fue la principal ciudad del Renacimiento del norte de Italia. Fue visitado por artistas de Flandes y otras regiones que conocían los experimentos flamencos con pintura de aceite. Esto estimuló el uso temprano de la tecnología petrolera en la ciudad italiana. Los venecianos aprendieron a pintar sobre lienzos muy tensos, en lugar de los paneles de madera comúnmente utilizados en Florencia.
Giovanni Bellini (1430-1515) fue el mayor artista veneciano del siglo XV. También fue uno de los primeros artistas italianos en utilizar óleo sobre lienzo. Giorgione (1478-1151) y Tiziano (1488-1515), el más famoso de todos los artistas venecianos, fueron aprendices en el estudio de Bellini.
Maestro de la pintura al óleo, Tiziano pintó enormes lienzos con colores cálidos y ricos. En sus pinturas maduras sacrificó detalles para crear efectos sorprendentes, como en la Virgen de Pesaro. Usó pinceles grandes para hacer trazos grandes. Sus colores son especialmente ricos porque pacientemente creó veladuras de colores contrastantes. Por lo general, los esmaltes se aplicaban sobre una superficie templada de color marrón, lo que daba a la pintura un tono uniforme.
Otro gran artista veneciano del siglo XVI fue Tintoretto (1518-1594). A diferencia de Tiziano, solía trabajar directamente sobre lienzo sin bocetos ni esquemas preliminares. A menudo distorsionaba sus formas (las retorcía) en aras de la composición y el dramatismo de la trama. Su técnica, que incluye pinceladas amplias y dramáticos contrastes de luz y oscuridad, parece muy moderna.
El artista Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) era conocido como El Greco ("El Griego"). Nacido en la isla de Creta, ocupada por el ejército veneciano, El Greco se formó con artistas italianos. De joven fue a estudiar a Venecia. La influencia combinada del arte bizantino, que vio a su alrededor en Creta, y el arte renacentista italiano, hizo que la obra de El Greco fuera excepcional.
En sus pinturas distorsionó las formas naturales y utilizó colores aún más extraños y sobrenaturales que Tintoretto, a quien admiraba. Posteriormente, El Greco se trasladó a España, donde la oscuridad del arte español influyó en su obra. En su dramática visión de Toledo, una tormenta azota el silencio sepulcral de la ciudad. Azules fríos, verdes y tonos azul-blancos esparcen un escalofrío sobre el paisaje.
Renacimiento en Flandes y Alemania
La época dorada de la pintura en Flandes (hoy parte de Bélgica y el norte de Francia) fue el siglo XV, la época de van Eyck. En el siglo XVI, muchos artistas flamencos imitaron artistas italianos Renacimiento. Sin embargo, algunos flamencos continuaron la tradición flamenca del realismo. Luego se extendió pintura de género- escenas de la vida cotidiana a veces encantadoras y otras fantásticas. Jerónimo El Bosco(1450-1515), que precedió a los pintores de género, tenía una imaginación inusualmente viva. Se le ocurrieron todo tipo de criaturas extrañas y grotescas para La tentación de San Pedro. Antonio." Pieter Bruegel el Viejo (1525-1569) también trabajó en la tradición flamenca, pero añadió perspectiva y otras características renacentistas a sus escenas de género.
Alberto Durero (1471-1528), Hans Holbein el Joven (1497-1543) y Lucas Cranach el Viejo (1472-1553) fueron tres de los artistas alemanes más importantes del siglo XVI. Hicieron mucho para suavizar el sombrío realismo de la pintura alemana temprana. Durero visitó Italia al menos una vez, donde quedó impresionado por las pinturas de Giovanni Bellini y otros italianos del norte. A través de esta experiencia inculcó en la pintura alemana el conocimiento de la perspectiva, el sentido del color y la luz y una nueva comprensión de la composición. Holbein absorbió aún más logros italianos. Su dibujo sensible y su capacidad para seleccionar sólo los detalles más importantes lo convirtieron en un maestro retratista.
pintura barroca
El siglo XVII se conoce en el arte como el período Barroco. En Italia, los artistas Caravaggio (1571-1610) y Annibale Carracci (1560-1609) representaron dos puntos de vista contrastantes. Caravaggio (nombre real Michelangelo Merisi) siempre se inspiró directamente en las realidades de la vida. Una de sus principales preocupaciones era copiar lo más fielmente posible la naturaleza sin glorificarla de ninguna manera. Carracci, por otra parte, siguió el ideal de belleza renacentista. El estudió escultura antigua y obras de Miguel Ángel, Rafael y Tiziano. El estilo de Caravaggio admiró a muchos artistas, especialmente al español Ribera y al joven Velázquez. Carracci inspiró a Nicolas Poussin (1594-1665), un famoso pintor francés del siglo XVII.
España
Diego Velázquez (1599-1660), pintor de la corte del rey Felipe IV de España, fue uno de los más grandes artistas españoles. Fanático de la obra de Tiziano, era un maestro en el uso de colores ricos y armoniosos. Ningún artista podría crear mejor la ilusión de tejido rico o piel humana. El Retrato del Principito Felipe de Próspero muestra esta habilidad.
Flandes
Pinturas artista flamenco Peter Paul Rubens (1577-1640) representa la encarnación del estilo barroco a todo color. Están llenos de energía, color y luz. Rubens rompió con la tradición flamenca de pintar cuadros pequeños. Sus lienzos son enormes, llenos de figuras humanas. Recibió más pedidos de cuadros de gran tamaño de los que podía manejar. Por lo tanto, a menudo dibujaba sólo un pequeño boceto en color. Luego, sus ayudantes transfirieron el boceto a un gran lienzo y completaron la pintura bajo la dirección de Rubens.
Holanda
Los logros del pintor holandés Rembrandt (1606-1669) se encuentran entre los más destacados de la historia. Tenía el maravilloso don de capturar y transmitir con precisión las emociones humanas. Al igual que Tiziano, trabajó durante mucho tiempo en la creación de pinturas de varias capas. Los colores tierra (amarillo ocre, marrón y marrón rojizo) eran sus favoritos. Sus pinturas están realizadas principalmente en colores oscuros. La importancia de las piezas oscuras multicapa hace que su técnica sea inusual. El énfasis se transmite mediante una iluminación brillante en zonas relativamente luminosas.
Jan Vermeer (1632-1675) formó parte de un grupo de artistas holandeses que pintaron escenas modestas de la vida cotidiana. Era un maestro en pintar cualquier textura: satén, alfombras persas, cortezas de pan, metal. La impresión general del interior de Vermeer es la de una habitación alegre y soleada llena de objetos cotidianos icónicos.
pintura del siglo XVIII
En el siglo XVIII, Venecia produjo varios artistas destacados. El más famoso fue Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Decoró los interiores de palacios y otros edificios con grandes y coloridos frescos que representaban escenas de riqueza. Francesco Guardi (1712-1793) era muy hábil con el pincel y con sólo unas pocas pinceladas de color podía evocar la idea de una diminuta figura en un barco. Las espectaculares vistas de Antonio Canaletto (1697-1768) celebraron las glorias pasadas de Venecia.
Francia: estilo rococó
En Francia, el gusto por los colores pastel y la decoración intrincada llevó al desarrollo del estilo rococó a principios del siglo XVIII. Jean Antoine Watteau (1684-1721), pintor de la corte del rey Luis XV, y más tarde François Boucher (1703-1770) y Jean Honoré Fragonard (1732-1806) se asociaron con las tendencias rococó. Watteau escribió visiones de ensueño, una vida en la que todo es divertido. El estilo se basa en picnics en parques y fiestas en el bosque, donde caballeros alegres y damas elegantes se divierten en la naturaleza.
Otros artistas del siglo XVIII representaron escenas vida ordinaria clase media. Al igual que el Vermeer holandés, Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) apreciaba los temas domésticos sencillos y las naturalezas muertas. Sus colores son sobrios y tranquilos en comparación con Watteau.
Inglaterra
En el siglo XVIII, los británicos desarrollaron por primera vez una escuela de pintura independiente. El núcleo estaba formado principalmente por retratistas, influenciados por los artistas del Renacimiento veneciano. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) y Thomas Gainsborough (1727-1788) son los más famosos. Reynolds, que viajó a Italia, siguió los ideales de la pintura renacentista. Sus retratos, aunque encantadores y conmovedores, no son particularmente interesantes en color o textura. Gainsborough, por otro lado, tenía talento para la brillantez. Las superficies de sus pinturas brillan con colores radiantes.
pintura del siglo XIX
A veces se considera que el siglo XIX es el período durante el cual arte Moderno. Una de las razones importantes de la llamada revolución del arte en esa época fue la invención de la cámara, que obligó a los artistas a reconsiderar el propósito de la pintura.
Más evento importante Hubo un uso generalizado de pinturas prefabricadas. Hasta el siglo XIX, la mayoría de los artistas o sus asistentes fabricaban sus propias pinturas moliendo pigmentos. Las primeras pinturas comerciales eran inferiores a las pinturas manuales. Los artistas de finales del siglo XIX descubrieron que los azules y marrones oscuros eran más primeras pinturas a los pocos años se volvieron negros o grises. Comenzaron a utilizar colores puros nuevamente para preservar su trabajo y, a veces, porque intentaban reflejar la luz del sol con mayor precisión en las escenas callejeras.
España: Goya
Francisco Goya (1746-1828) fue el primer gran artista español surgido desde el siglo XVII. Como artista favorito de la corte española, realizó numerosos retratos de la familia real. Los personajes reales están equipados con ropas elegantes y finas joyas, pero en algunos de sus rostros lo único que se refleja es vanidad y codicia. Además de retratos, Goya pintó escenas dramáticas, como el 3 de mayo de 1808. Esta pintura representa la ejecución de un grupo de rebeldes españoles por soldados franceses. Audaces contrastes de colores claros, oscuros y sombríos, mezclados con toques de rojo, evocan el horror sombrío del espectáculo.
Aunque Francia fue un gran centro de arte en el siglo XIX, los paisajistas ingleses John Constable (1776-1837) y Joseph Mallord William Turner (1775-1851) hicieron valiosas contribuciones a la pintura del siglo XIX. Ambos estaban interesados en pintar la luz y el aire, dos aspectos de la naturaleza que los artistas del siglo XIX exploraron en profundidad. El agente utilizó un método conocido como división o color roto. Usó colores contrastantes sobre el color de fondo principal. A menudo usaba una espátula para aplicar el color con fuerza. El cuadro "Hay Wain" le hizo famoso tras ser expuesto en París en 1824. Esta es una sencilla escena de producción de heno en un pueblo. Las nubes flotan sobre prados cubiertos de manchas de luz solar. Las pinturas de Turner son más dramáticas que las de Constable, quien pintó majestuosas vistas de la naturaleza: tormentas, paisajes marinos, atardeceres ardientes, altas montañas. A menudo, una neblina dorada oscurece parcialmente los objetos de sus pinturas, haciéndolos parecer flotar en un espacio infinito.
Francia
El período del reinado de Napoleón y Revolución Francesa Marcó el surgimiento de dos tendencias opuestas en el arte francés: el clasicismo y el romanticismo. Jacques Louis David (1748-1825) y Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) se inspiraron en el arte griego y romano antiguo y en el Renacimiento. Destacaron los detalles y utilizaron el color para crear formas sólidas. Como artista favorito del gobierno revolucionario, David solía pintar acontecimientos históricos de la época. En sus retratos, como el de Madame Recamier, se esforzó por lograr la sencillez clásica.
Théodore Guéricault (1791-1824) y el romántico Eugène Delacroix (1798-1863) se rebelaron contra el estilo de David. Para Delacroix el color era el elemento más importante en la pintura y no tenía paciencia para imitar las estatuas clásicas. En cambio, admiraba a Rubén y a los venecianos. Para sus pinturas eligió temas coloridos y exóticos, que brillan con luz y están llenos de movimiento.
Los artistas de Barbizon también formaron parte del movimiento romántico general, que duró aproximadamente entre 1820 y 1850. Trabajaban cerca del pueblo de Barbizon, al borde del bosque de Fontainebleau. Se inspiraron en la naturaleza y completaron las pinturas en sus estudios.
Otros artistas experimentaron con objetos cotidianos y corrientes. Los paisajes de Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) reflejan su amor por la naturaleza y sus estudios del cuerpo humano muestran una especie de calma equilibrada. Gustave Courbet (1819-1877) se llamó a sí mismo realista porque describió el mundo tal como él lo veía, incluso en su lado duro y desagradable. Limitó su paleta a unos pocos colores oscuros. Edouard Manet (1832-1883) también tomó como base para sus temas el mundo circundante. La gente quedó impactada por sus coloridos contrastes y sus técnicas inusuales. Las superficies de sus pinturas suelen tener una textura plana y estampada de pinceladas. Los métodos de Manet para aplicar los efectos de la luz a la forma influyeron en los artistas jóvenes, especialmente los impresionistas.
Trabajando en las décadas de 1870 y 1880, un grupo de artistas conocidos como impresionistas querían representar la naturaleza exactamente tal como era. Fueron mucho más lejos que Constable, Turner y Manet al estudiar los efectos de la luz en el color. Algunos de ellos desarrollaron teorías científicas sobre el color. Claude Monet (1840-1926) pintó a menudo la misma vista en diferente tiempo días para mostrar cómo cambia bajo diferentes condiciones de iluminación. Cualquiera que sea el tema, sus pinturas se componen de cientos de pequeñas pinceladas colocadas una al lado de la otra, a menudo en colores contrastantes. A distancia, los trazos se mezclan para crear la impresión de formas sólidas. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) utilizó técnicas impresionistas para capturar la celebración de la vida parisina. En su Baile en el Moulin de la Galette, personas vestidas con ropas de colores brillantes se agolpaban y bailaban alegremente. Renoir pintó todo el cuadro con pequeños trazos. Los puntos y trazos de pintura crean una textura en la superficie de una pintura que le da un clase especial. Multitudes de personas parecen disolverse bajo la luz del sol y los colores brillantes.
pintura del siglo 20
Varios artistas pronto quedaron insatisfechos con el impresionismo. Artistas como Paul Cezanne (1839-1906) sintieron que el impresionismo no describía la solidez de las formas en la naturaleza. A Cézanne le encantaba pintar naturalezas muertas porque le permitían centrarse en la forma de las frutas u otros objetos y su disposición. Los sujetos de sus naturalezas muertas parecen sólidos porque los redujo a formas geométricas simples. Su técnica de colocar salpicaduras de pintura y trazos cortos de colores vivos uno al lado del otro muestra que aprendió mucho de los impresionistas.
Vincent Van Gogh (1853-90) y Paul Gauguin (1848-1903) respondieron al realismo de los impresionistas. A diferencia de los impresionistas, que decían que veían la naturaleza objetivamente, a Van Gogh le importaba poco la precisión. A menudo distorsionaba objetos para expresar sus pensamientos de forma más creativa. Usó principios impresionistas para colocar colores contrastantes uno al lado del otro. A veces exprimió pintura de tubos directamente sobre el lienzo, como en “Yellow Corn Field”.
A Gauguin no le gustaban los colores moteados de los impresionistas. Aplicó color con fluidez en áreas grandes y planas, que separó entre sí con líneas o bordes oscuros. Los coloridos pueblos tropicales proporcionaron gran parte de su tema.
El método de Cezanne para crear espacio utilizando formas geométricas simples fue desarrollado por Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) y otros. Su estilo llegó a ser conocido como cubismo. Los cubistas pintaban objetos como si pudieran verse desde varios ángulos a la vez, o como si los hubieran desmontado y vuelto a montar sobre un lienzo plano. A menudo los objetos resultaban no parecerse a nada que exista en la naturaleza. A veces los cubistas recortaban figuras de tela, cartón, papel tapiz u otros materiales y las pegaban sobre lienzos para hacer un collage. También se variaron las texturas añadiendo arena u otras sustancias a la pintura.
Las tendencias más recientes han sido poner menos énfasis en el tema. La composición y la técnica de la imagen comenzaron a recibir mayor énfasis.
Cuadro- el tipo más común de bellas artes, cuyas obras se crean utilizando pinturas aplicadas sobre cualquier superficie.
Las obras de arte creadas por pintores utilizan el dibujo, el color, la luz y la sombra, la expresividad de los trazos, la textura y la composición. Esto permite reproducir en un plano la riqueza colorida del mundo, el volumen de los objetos, su originalidad material cualitativa, la profundidad espacial y el entorno luminoso.
La pintura, como cualquier arte, es una forma de conciencia social y es un reflejo artístico y figurativo del mundo. Pero, reflejando el mundo, el artista encarna simultáneamente en sus obras sus pensamientos y sentimientos, aspiraciones, ideales estéticos, evalúa los fenómenos de la vida, explica a su manera su esencia y significado, y expresa su comprensión del mundo.
El mundo de la pintura es rico y complejo, sus tesoros han sido acumulados por la humanidad durante muchos milenios. Las pinturas más antiguas fueron descubiertas por los científicos en las paredes de las cuevas en las que vivían los pueblos primitivos. Los primeros artistas representaron escenas de caza y hábitos animales con asombrosa precisión y nitidez. Así surgió el arte de pintar en la pared, que tenía rasgos característicos de la pintura monumental.
Pintura monumental Hay dos tipos principales de pintura monumental. fresco (del fresco italiano - fresco) y mosaico (del italiano mosaico, literalmente dedicado a las musas).
Fresco Es una técnica de pintar con pinturas diluidas con agua limpia o con cal sobre yeso fresco y húmedo.
Mosaico– una imagen formada por partículas de piedra, esmalte, baldosas cerámicas, homogéneas o de diferentes materiales, que se fijan en una capa de suelo: cal o cemento.
Los frescos y mosaicos son los principales tipos de arte monumental que, debido a su durabilidad y solidez del color, se utilizan para decorar volúmenes y planos arquitectónicos (pinturas murales, pantallas de lámparas, paneles). Entre los monumentalistas rusos los nombres son bien conocidos. AUTOMÓVIL CLUB BRITÁNICO. Deineki, P.D. Korina, A.V. Vasnetsova, B.A. Talberga, D.M. Merperta, B.P. Milyukova y otros.
pintura de caballete(la imagen) tiene un carácter y un significado independientes. La amplitud e integridad de la cobertura de la vida real se refleja en la diversidad de tipos y Géneros: naturaleza muerta, vida cotidiana, histórico, géneros de batalla, paisaje, retrato.
A diferencia de la pintura monumental, la pintura de caballete no está conectada al plano de la pared y puede exhibirse libremente. El significado ideológico y artístico de las obras de arte de caballete no cambia. dependiendo del lugar donde se encuentren, aunque su sonido artístico depende de las condiciones de exposición.
Además de los tipos de pintura anteriores, existen decorativo- bocetos de decorados y vestuario de teatro y cine, - así como miniaturas Y pintura de iconos.
Un monumento de gran habilidad de la pintura rusa antigua del siglo XV. El icono de la "Trinidad", creado por Andrei Rublev, se considera legítimamente una obra maestra y se conserva en la Asociación de Museos de toda Rusia "Galería Estatal Tretyakov" (fig. 6). Aquí el ideal moral de la armonía del espíritu con el mundo y la vida se expresa en una forma perfecta y más elevada para su época. El icono está lleno de un profundo contenido poético y filosófico. La imagen de tres ángeles está inscrita en un círculo, subordinando todas las líneas de contorno, cuya consistencia produce un efecto casi musical. Los tonos claros y puros, especialmente el azul aciano ("rollo de col") y el verde transparente, se fusionan en una gama finamente coordinada. Estos colores contrastan con la túnica color cereza oscuro del ángel del medio, enfatizando el papel protagónico de su figura en la composición general.
La belleza de la pintura de iconos rusa, los nombres. Teófanes el griego, Andrei Rublev, Dionisio, Prokhor de Gorodets, Daniil Cherny se abrió al mundo sólo después del siglo XX. aprendió a borrar iconos antiguos de registros posteriores.
Lamentablemente, existe una comprensión simplificada del arte, cuando en las obras se busca la necesaria claridad de la trama, el reconocimiento de lo representado por el artista, desde el punto de vista de “similar” o “disimilar”. Al mismo tiempo, lo olvidan: no en todos los tipos de arte se puede encontrar un parecido directo de lo representado en el lienzo con una imagen de una vida concreta familiar. Con este enfoque, es difícil evaluar los méritos de la pintura de Andrei Rublev. Por no hablar de tipos de creatividad "no visuales" como la música, la arquitectura, las artes aplicadas y decorativas.
La pintura, como todas las demás formas de arte, tiene un lenguaje artístico especial a través del cual el artista transmite sus ideas y sentimientos que reflejan la realidad. En la pintura, “la imagen a gran escala de la realidad se realiza a través de la imagen artística, la línea y el color. A pesar de toda su perfección técnica, la pintura todavía no es una obra de arte si no evoca empatía y emociones en el espectador.
¡Con una ejecución absolutamente precisa, el artista se ve privado de la oportunidad de mostrar su actitud hacia lo que está representado si su objetivo es transmitir solo similitudes!
Para los maestros famosos, la imagen nunca transmite de forma completa y precisa la realidad, sino que sólo la refleja desde un determinado punto de vista. El artista identifica principalmente lo que consciente o intuitivamente considera especialmente importante, en este caso lo principal. El resultado de una actitud tan activa hacia la realidad no será sólo una imagen fiel, sino imagen artística de la realidad, en el que el autor, resumiendo detalles individuales, enfatiza la característica más importante. Así, la cosmovisión y la posición estética del artista se manifiestan en la obra.
Naturaleza muerta- uno de los géneros independientes de pintura. La singularidad del género radica en sus grandes posibilidades visuales. A través de la esencia material de objetos específicos, un verdadero artista puede reflejar en forma figurativa los aspectos esenciales de la vida, los gustos y la moral, el estatus social de las personas, acontecimientos históricos importantes y, a veces, toda una época. A través de la selección selectiva de objetos de imagen y su interpretación, expresa su actitud ante la realidad, revela sus pensamientos y sentimientos.
A modo de comparación, tomemos una naturaleza muerta pintada por un destacado pintor soviético. EM. saryan(1880-1972), “Flores de Ereván” (il. 7). El maestro expresó su actitud hacia las flores en las palabras que se convirtieron en el epígrafe de la monografía de sus obras creativas: “¿Qué podría ser más hermoso que las flores que decoran la vida de una persona? ...Cuando ves flores, inmediatamente te contagia un estado de ánimo alegre... La pureza de los colores, la transparencia y la profundidad que vemos en las flores sólo se pueden ver en el plumaje de los pájaros y los frutos”1.
“Detrás de la aparente facilidad y espontaneidad de la pintura se esconde una gran cultura pictórica y la vasta experiencia de un artista de gran talento, su capacidad, como de una sola vez, para pintar un cuadro de gran tamaño (96x103 cm), ignorando deliberadamente los detalles típicos. de la manera creativa del pintor, esforzándose por transmitir lo principal: la riqueza ilimitada de colores de la naturaleza de nuestra Armenia natal.
género cotidiano, o simplemente "género" (de Palabra francesa género - género, tipo) es el tipo más común de pintura de caballete, en el que el artista recurre a representar la vida en sus manifestaciones cotidianas.
En las bellas artes rusas, el género cotidiano ocupó una posición de liderazgo en el siglo XIX, cuando 154 destacados representantes del movimiento democrático en la pintura contribuyeron a su desarrollo: VC. Perov (1833-1882), K.A. Savitsky (1844-1905), N.A. Yaroshenko (1846-1896), V.E. Makovsky (1846-1920), es decir. Repin (1844-1930).
El indudable éxito creativo de A.A. Plastova (1893-1972) Se considera que en el cuadro “Primavera” la artista expresó un casto y sutil sentimiento de admiración por la maternidad. La figura de una madre atando un pañuelo en la cabeza de su hijo queda genial en el contexto de la ligera nieve primaveral. El artista dedicó muchas pinturas de género a las sencillas situaciones de la vida de sus compañeros del pueblo.
Género histórico Formado en el arte ruso en la segunda mitad del siglo XIX. Ayudó a destacados artistas rusos a prestar mucha atención al pasado de su patria, a los agudos problemas de la realidad de entonces. La pintura histórica rusa alcanzó su punto máximo en creatividad en los años 80 y 90 del siglo pasado. ES DECIR. Repina, V.I. Surikova, V.M. Vasnetsova, K.P. Bryullov. Artista ruso famoso P.D. Corinna (1892-1967) creó un tríptico (una composición de tres lienzos separados conectados tema común) "Alexander Nevskiy". La obra fue creada durante los duros tiempos de la Gran guerra patriótica(1942-1943). Durante los difíciles años de la guerra, el artista recurrió a la imagen del gran guerrero de la antigua Rusia, mostrando su conexión indisoluble con el pueblo, con la propia tierra rusa. El tríptico de Korin se convirtió en uno de los documentos más sorprendentes del período heroico de nuestra historia, expresando la fe del artista en el coraje y la resistencia de las personas que fueron sometidas a duras pruebas.
Género de batalla(del francés bataille - batalla) se considera un tipo de género histórico. Las obras más destacadas de este género incluyen pinturas. AUTOMÓVIL CLUB BRITÁNICO. Deineki“Defensa de Petrogrado” (1928), “Defensa de Sebastopol” (1942) y “Downdown Ace” (1943).
Escenario A menudo se utiliza como una adición importante a las pinturas históricas y de batalla cotidianas, pero también puede actuar como un género independiente. Las obras de pintura de paisajes nos resultan cercanas y comprensibles, aunque la persona en el lienzo suele estar ausente.
Las imágenes de la naturaleza entusiasman a todas las personas, proporcionándoles estados de ánimo, experiencias y pensamientos similares. ¿Quién de nosotros no está cerca de los paisajes de los pintores rusos?: “Han llegado los grajos” ALASKA. Savrasova, "Descongelar" F. Vasilyeva,"Centeno" I.I. shishkina,"Noche en el Dnieper" AI. Kuindzhi,"Patio de Moscú" ENFERMEDAD VENÉREA. polenova y "Sobre la paz eterna" I.I. levitan. Involuntariamente comenzamos a mirar el mundo a través de los ojos de artistas que han revelado la belleza poética de la naturaleza.
Los paisajistas vieron y transmitieron la naturaleza, cada uno a su manera. Tenían sus propios motivos favoritos. I.K. Aivazovski (1817-1900), que representan diferentes estados del mar, barcos y personas luchando con los elementos. Sus lienzos se caracterizan por una sutil gradación de claroscuro, efectos de iluminación, euforia emocional y una tendencia al heroísmo y el patetismo.
Obras destacadas de este género de paisajistas soviéticos: NORDESTE. Gerásimova (1885-1964), autor de cuadros como “Invierno” (1939) y “El hielo desaparecido” (1945),
NOTARIO PÚBLICO. Krímova(1884-1958), creador de los cuadros “Otoño” (1918), “Día gris” (1923), “Mediodía” (1930), “Antes del anochecer” (1935) y otros, acuarelas AP Ostroumova-Lebedeva(1871-1955) - “Pavlovsk” (1921), “Petrogrado. Campo de Marte" (1922), pinturas. SOY. Gritsaya (nacido en 1917)“Jardín de verano” (1955), “Tarde” (1964), “Mayo. Calor primaveral" (1970), etc.
Retrato(del francés portraire - representar): una imagen, una imagen de una persona o grupo de personas que existen o existieron en la realidad.
Uno de los criterios más importantes. pintura de retrato es la similitud de la imagen con el modelo (original). Son posibles varias soluciones para la composición de un retrato (hasta el busto, hasta la cintura, de cuerpo entero, grupo). Pero a pesar de toda la variedad de soluciones y modales creativos, la principal cualidad del retrato no es sólo la transmisión del parecido externo, sino también la revelación de la esencia espiritual de la persona retratada, su profesión y su estatus social.
En el arte ruso, el retrato comenzó su brillante historia a principios del siglo XVIII. F.S. Rokotov (1735-1808), D.G. Levitsky (1735-1822), V.A. Borovikovski (1757-1825) a finales del siglo XVIII. alcanzó el nivel de los más altos logros del arte mundial.
A principios del siglo XIX. artistas rusos VIRGINIA. Tropinina (1776-1857) Y O.A. Kiprenski (1782-1836) Creó retratos ampliamente conocidos de A.S. Pushkin.
Los artistas itinerantes continuaron las tradiciones del retrato pictórico ruso: V.G. Perov (1833/34-1882), N.N. Ge (1831 - 1894), I.N. Kramskoy (1837-1887), es decir. Repin (1844-1930) y etc.
Un brillante ejemplo de la composición de retratos de figuras destacadas de la ciencia y el arte es una serie de lienzos creados por el artista. MV Nésterov (1877-1942). El maestro pareció encontrar a sus héroes en el momento más intenso de su búsqueda espiritual, de pensamiento creativo y concentrado (fig. 13). Así se diseñaron los retratos de famosos escultores soviéticos IDENTIFICACIÓN. Shadra (1934) y V.I. Mukhina (1940), académico IP Pávlova (1935) y un destacado cirujano S.S. Yudina (1935).
La pintura es un tipo de bellas artes que implica la creación de imágenes, pinturas, que refleja la realidad de forma más completa y realista.
Una obra de arte realizada con pinturas (óleo, temple, acuarela, gouache, etc.) aplicadas a cualquier superficie dura, se llama pintura. El principal medio expresivo de la pintura es el color, su capacidad para evocar diversos sentimientos y asociaciones realza la emotividad de la imagen. El artista generalmente dibuja el color necesario para pintar en una paleta y luego convierte la pintura en color en el plano de pintura, creando un orden de color: la coloración. Según la naturaleza de las combinaciones de colores, puede ser cálido y frío, alegre y triste, tranquilo y tenso, claro y oscuro.
Las imágenes del cuadro son muy visuales y convincentes. La pintura es capaz de transmitir volumen y espacio, naturaleza y revelar. mundo complejo Los sentimientos y personajes humanos, encarnan ideas humanas universales, acontecimientos del pasado histórico, imágenes mitológicas y vuelos de fantasía.
A diferencia de la pintura como una forma independiente de bellas artes, el enfoque (método) pictórico se puede utilizar en sus otros tipos: en dibujo, gráfica e incluso en escultura. La esencia del enfoque pictórico radica en representar un objeto en relación con el entorno espacial de luz y aire que lo rodea, en una sutil gradación de transiciones tonales.
La variedad de objetos y eventos del mundo circundante, cerca.
El interés de los artistas por ellos propició el surgimiento durante el siglo XVII.
Siglos XX Géneros de pintura: retrato, naturaleza muerta, paisaje, animal, cotidiano (pintura de género), mitológico, histórico, géneros de batalla. En las obras de arte puede haber una combinación de géneros o de sus elementos. Por ejemplo, una naturaleza muerta o un paisaje pueden complementar con éxito una imagen de retrato.
Por metodos tecnicos Según los materiales utilizados, la pintura se puede dividir en los siguientes tipos: óleo, temple, cera (encáustica), esmalte, cola, pinturas al agua sobre yeso húmedo (fresco), etc. En algunos casos, resulta difícil separar la pintura de la gráfica. . Las obras realizadas en acuarelas, gouache y pasteles pueden relacionarse tanto con la pintura como con la gráfica.
La pintura puede ser de una sola capa, de inmediato o de varias capas, incluida la pintura de base y el vidriado, capas de pintura transparentes y translúcidas aplicadas a la capa de pintura seca. De esta forma se consiguen los matices y matices de color más finos.
Por medios importantes expresión artística en la pintura existen, además del color (color), la mancha y el carácter del trazo, el tratamiento de la superficie de la pintura (textura), valores que muestran cambios sutiles de tono en función de la iluminación, reflejos que aparecen a partir de la interacción. de colores adyacentes.
La construcción de volumen y espacio en la pintura está asociada con la perspectiva lineal y aireada, las propiedades espaciales de los colores cálidos y fríos, el modelado de formas con luces y sombras y la transferencia del tono de color general del lienzo. Para crear una imagen, además del color, necesitas buen dibujo y composición expresiva. El artista, por regla general, comienza a trabajar en el lienzo buscando la solución más exitosa en los bocetos. Luego, en numerosos bocetos pintorescos del natural,
elabora los elementos necesarios de la composición. El trabajo en un cuadro puede comenzar dibujando la composición con un pincel, pintando de base y
pintar directamente el lienzo con uno u otro medio pictórico. Además, incluso los bocetos y bocetos preparatorios a veces tienen un significado artístico independiente, especialmente si pertenecen al pincel. pintor famoso. La pintura es un arte muy antiguo, que ha evolucionado a lo largo de muchos siglos desde las pinturas rupestres del Paleolítico hasta las últimas tendencias en pintura del siglo XX. La pintura tiene una amplia gama de posibilidades para hacer realidad ideas desde el realismo hasta el abstraccionismo. En el transcurso de su desarrollo se han acumulado enormes tesoros espirituales. EN tiempos antiguos Surgió el deseo de reproducir el mundo real tal como lo ve una persona. Esto provocó el surgimiento de los principios del claroscuro, elementos de perspectiva y el surgimiento de imágenes pictóricas volumétrico-espaciales. Se han abierto nuevas posibilidades temáticas para representar la realidad a través de medios pictóricos. La pintura sirvió para decorar templos, viviendas, tumbas y otras estructuras, y estaba en unidad artística con la arquitectura y la escultura.
pintura medieval era predominantemente de contenido religioso. Se distinguió por la expresión de colores sonoros, principalmente locales, y la expresividad de los contornos.
El fondo de los frescos y pinturas, por regla general, era convencional, abstracto o dorado, encarnando la idea divina en su misterioso parpadeo. El simbolismo del color jugó un papel importante.
Durante el Renacimiento, el sentimiento de armonía del universo, el antropocentrismo (el hombre en el centro del universo) se reflejó en composiciones pictóricas sobre temas religiosos y mitológicos, en retratos, escenas cotidianas e históricas. El papel de la pintura ha aumentado, desarrollándose un sistema de perspectiva lineal y aérea con base científica, el claroscuro.
Apareció la pintura abstracta, que marcó el rechazo de la figuratividad y la expresión activa de la actitud personal del artista hacia el mundo, la emotividad y la convencionalidad del color, la exageración y la geometrización.
Formas, decoratividad y asociatividad de soluciones compositivas.
En el siglo 20 La búsqueda continúa de nuevas pinturas y medios técnicos para crear. pinturas, lo que sin duda conducirá al surgimiento de nuevos estilos en la pintura, pero pintura al óleo sigue siendo una de las técnicas favoritas de los artistas.