Au début du XXe siècle, notre calendrier est apparu nouvelles vacances, dont le nom sonnait comme un slogan révolutionnaire : « Journée internationale de solidarité des travailleuses dans la lutte pour l’égalité des droits ».
Heureusement, au fil du temps, cette journée a acquis un tout autre sens, et pour nous, le 8 mars est une fête de la beauté et du charme féminins.
Voulant combiner l'historique avec l'agréable, nous avons rassemblé plusieurs tableaux de femmes actives douces, coquettes et fortes de grands artistes - éternelles captives de la beauté et des vertus féminines !
Alexey Venetsianov, originaire de Moscou, a visité le village pour la première fois à l'âge de 35 ans, après son mariage les jeunes mariés sont allés rendre visite aux parents de leur épouse dans la province de Tver.
L'artiste était tellement fasciné par la nature qu'il eut immédiatement envie de s'installer parmi les étendues russes et il acheta un domaine à Safonovka.
C'est ici qu'il peint le tableau « Sur le champ labouré ». Toute l’œuvre de Venetsianov est imprégnée de poésie ; ses peintures, consacrées à la vie paysanne, idéalisent la vie du village.
Depuis son enfance, Zinaida Serebryakova est amoureuse des peintures de Venetsianov. En elle premières peintures on sent un lien invisible avec l’œuvre de l’écrivain russe de la vie quotidienne. Les paysannes de Venetsianov, cent ans plus tard, semblent continuer à vivre dans ses tableaux.
Les filles du village de l’artiste sont majestueuses, avec une allure royale ; elles accomplissent tranquillement leur travail quotidien – une véritable poésie de spiritualité !
Zinaida Evgenievna Serebryakova "Récolte"
1915, 177×142 cm.
Les peintures « Harvest » et « Whitening Canvas » sont classées comme les meilleures œuvres Zinaïda Serebryakova. Ils ont été écrits sur le domaine familial Neskuchnoye, dans la province de Kharkov, où la famille Serebryakov a passé l'été et l'automne depuis 1898.
En 1914, après un long voyage dans le nord de l’Italie, Zinaida arrive à Neskuchnoye et commence immédiatement à travailler sur le tableau « Récolte ».
Étudier la créativité des artistes Renaissance italienne, vu récemment dans les musées et les galeries, se ressent dans la composition de construction classique, et la monumentalité des formes souligne la beauté des figures féminines sur fond de paysage avec des champs de blé s'étendant inégalement au-delà de l'horizon.
Ces peintures sont considérées comme les dernières peintures idylliques de la Russie pré-révolutionnaire.
Zinaida Evgenievna Serebryakova." Blanchiment de la toile "
1917, 141,8 × 173,6 cm.
Dentelle, poudre, rouge à lèvres, tout ce dont une femme charmante a besoin...
Les dames françaises travaillent également sans relâche sur les tableaux des artistes. À l’époque rococo, le métier le plus en vogue pour les citadines était celui de modiste.
Tenues élégantes et luxueuses, corsets, broderies et dentelles étaient autant de pensées féminines, car il fallait suivre la pionnière Madame Pompadour !
Et les fantasmes des jeunes filles étaient incarnés par des touche-à-tout - des modistes.
François Boucher dans le tableau « La Modiste » semble jeter un coup d'œil furtif dans la pièce et espionner les dames qui discutent du futur mannequin.
François Boucher. "La modiste"
53x64cm. Au XVIIIe siècle, au siècle des Lumières en France, il était d'usage en art de vanter et d'affirmer les vertus du tiers état, et en peinture en bonne forme
la simplicité et le naturel ont été pris en compte.
Jean-Baptiste Greuze dans le film «La blanchisseuse» ne représente pas seulement un jeune ouvrier gracieux et charmant, il glorifie ainsi le travail acharné.
En Russie dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, Grez devient un artiste à la mode, la noblesse rivalise pour lui commander des portraits, l'impératrice Catherine II elle-même, sur les conseils de Diderot, achète le tableau « Le Paralytique » au artiste.
Bien entendu, la popularité de l’œuvre de Greuze n’est pas passée inaperçue dans la peinture russe ; ses peintures ont eu une grande influence sur le portrait russe.
Jean-Baptiste Greuze "La blanchisseuse"
1761, 32×40 cm.
Dentellières Vasily Tropinin était surnommé « Les rêves russes » pour ses charmants portraits de femmes. Pour la première fois dans la peinture russe, il crée nouveau genre portrait de genre - image poétique
les filles au travail.
Les jeunes beautés des tableaux « La Dentellière » et « L'Orfèvre », occupées par leur travail, détournent un instant des yeux leur travail et regardent sournoisement le spectateur.
Vassili Andreïevitch Tropinine. "L'orfèvre"
1826, 64×81 cm.
Tropinin était un artiste serf et ce n'est qu'à l'âge de 47 ans qu'il reçut sa liberté. Il est symbolique que ce soit 1823, année d’écriture de « La Dentellière », qui apporte à l’artiste à la fois liberté et reconnaissance officielle.
Cette année, il expose pour la première fois ses œuvres à l’Académie des Arts et l’artiste reçoit le titre d’« académicien nommé ». Ainsi, un portrait intime d’une citadine a apporté liberté et réussite à sa créatrice.
Tropinin "La Dentellière"
Ménagère Ménage
On peut se poser de nombreuses questions en regardant une image. Par exemple, pourquoi une jeune fille éventre-t-elle un oiseau vêtue d'une robe élégante et de perles ? A-t-elle une famille nombreuse, car le dîner comporte une bonne quantité de plats ?
Qui est représenté sur la photo - peut-être que l'artiste a représenté sa femme et c'est pourquoi elle regarde le spectateur avec tant d'affection ? Cette option est tout à fait possible : la photo sur histoire de tous les jours Celui de Strozzi est très rare et, pour sa femme, il aurait pu faire une exception.
Bernardo Strozzi "Le cuisinier"
1625, 185×176 cm.
Auteur de la photo - artiste italienÉpoque baroque avec une biographie remarquable. Le caractère aventureux de Strozzi se reflète dans toutes ses activités : dans sa jeunesse, il rejoint l'Ordre des Capucins et devient prêtre, puis étudie la peinture dans l'atelier de l'artiste génois Sorri et travaille en même temps comme ingénieur naval dans la flotte génoise.
Plus tard, l'artiste s'est échappé du monastère et s'est caché de la persécution des moines à Venise. Mais Strozzi n’a jamais abandonné la peinture. Son thème principal était les portraits, les scènes religieuses et mythologiques, et manière créative La peinture du Caravage a eu une grande influence.
Le « métier » de bergère était autrefois très populaire et les artistes s’y tournaient souvent. Image touchante Nous trouvons une bergère d'âge moyen dans les œuvres de Van Gogh, qui a peint de simples villageois avec une chaleur et un amour particuliers.
Regardez la couleur de la photo : jaune champs de blé - la couleur du soleil et de la chaleur, doucement contrastée avec la cape bleue de la bergère - une technique fréquente dans les œuvres de l'artiste, mais elle n'évoque pas de sentiments anxieux, comme dans ses autres tableaux.
Van Gogh exprime ses sentiments avec une précision inhabituelle avec des nuances de couleurs. Peu importe les tourbillons qui font rage, la femme est calme et soumise destin difficile...Et notre dominante et sentiment sincère quand vous voyez cette image - « empathie ».
Vincent Van Gogh. "Cowgirl"
1889, 52,7 × 40,7 cm.
L'artiste a créé cette œuvre lors d'une cure à Saint-Rémy dans le sud de la France. Durant cette période 1889-1890, il étudie l'œuvre du fondateur de l'école de Barbizon, Jean François Millet, et réalise pendant cette période des copies de 23 de ses tableaux, dont « La Bergère » (bien qu'il soit difficile d'appeler Van Gogh en peint une copie).
Vincent écrit à son frère à propos de son métier :
«Je vous assure que je suis terriblement intéressé à faire des copies, et comme je n'ai pas de modèles maintenant, je n'abandonnerai pas le travail sur la figure à l'aide de ces copies.
J'utilise des reproductions en noir et blanc de Delacroix et Millet comme s'il s'agissait de sujets réels. Et puis j'improvise la couleur, bien sûr pas exactement comme si je le faisais moi-même, mais en essayant de me souvenir de leurs peintures.
Cependant, ce « souvenir », l’harmonie floue de leurs couleurs… est mon interprétation.
En comparant les peintures des deux artistes, il semble que Van Gogh ait peint la bergère dans son imagination.
Millet "Bergère" 1, Millet "Bergère" 2.
Jean Baptiste Chardin a observé la vie des citadins ordinaires et a écrit des histoires à leur sujet. Vie courante. Le tableau «La blanchisseuse» dégage un confort tranquille et familial, où tout est réchauffé par les soins de l'hôtesse.
Pendant que maman fait la lessive, le fils s'occupe de ses plaisirs simples. Les images d'enfants sont toujours présentes dans les peintures de Chardin, soulignant l'amour d'une mère pour son enfant. La démonstration de ces relations l'aide à créer une atmosphère spirituelle de chaleur et une vie modeste, mais significative et épanouissante pour les citadins.
Le travail des femmes dans les peintures de l'artiste est assimilé à un travail noble effectué avec un zèle et un amour particuliers.
Jean Baptiste Siméon Chardin. "La blanchisseuse"
Éditoriaux socialistes travaillistes - nous nouveau monde construisons-le !
Les femmes du pays soviétique maîtrisent de nouveaux métiers. Ici, il ne s'agit pas que de quelques fashionistas occidentales : une Soviétique peut même construire un métro !
Dans la série graphique des années 1930 d'Alexandre Samokhvalov, les portraits de jeunes filles qui travaillaient dans le métro incarnaient l'idéal du travail socialiste.
L'enthousiasme, l'énergie de la jeunesse, l'optimisme et la force débordent dans ces travaux - nous construirons un nouveau pays. La voici avec une perceuse, avec une pelle, belle, forte et heureuse, elle peut tout faire !
L'artiste s'est engagé dans la voie idéologique du pays ; il croit sincèrement en la création universelle au profit d'un avenir radieux. Et les élans spirituels de l’artiste sont une matière bien tangible, il suffit de regarder les œuvres !
Le portrait en peinture est un genre arts visuels, dans lequel les artistes ne réalisent pas grand-chose ressemblance extérieure combien ils essaient de réfléchir caractère interne la personne représentée. Un portrait peut être individuel ou collectif ; le maître artiste crée une image typique d'une certaine époque.
Histoire du genre
Comment il s'est développé à l'époque de l'art ancien. Sur l'île de Crète, lors de fouilles, de nombreuses fresques représentant des femmes ont été découvertes. D'autres monuments d'art remontent à l'Égypte, où des planches de bois ont été découvertes sur lesquelles étaient représentés des portraits selon la technique de l'encaustique (ce sont des peintures à base de cire). Au Moyen Âge, les portraits en peinture n'existaient que pour représenter les donateurs et faisaient partie de l'ensemble général. composition artistique sur des thèmes religieux.
L'apogée de la peinture tombe à la Renaissance. Les artistes de la Renaissance prêchaient des idées humanistes et prenaient comme base le monde de l'individu ; les paysages et les intérieurs jouaient un rôle modeste comme toile de fond. Le chef-d'œuvre de cette époque était La Joconde et son auteur Léonard de Vinci est devenu célèbre pendant des siècles.
Titien a grandement contribué au développement du genre ; il a créé toute une galerie de portraits de ses contemporains. Les autoportraits d'artistes tels que Jan van Eyck et Albrecht Durer sont des exemples pour de nombreux portraitistes.
Portrait de femme en peinture
Le thème éternel de l'art est la représentation de l'image d'une femme. Chaque époque a dessiné son propre idéal de femme et son caractère a attiré Attention particulière de nombreux artistes. En regardant le portrait de cette époque, nous pouvons voir comment l'apparence et monde intérieur influencé par certains événements vie publique, art, littérature, mode.
L’art russe en général, et le portrait en peinture en particulier, montrent à quel point l’idéal de beauté féminine a évolué au fil des siècles. Cela est dû à un changement de vision du monde, d'habitudes, de coutumes, avec un changement de systèmes de gouvernement et de générations.
Images de femmes
À la fin du XVIIIe siècle, le portrait russe en peinture atteint son apogée. Et l’un des sujets les plus importants et les plus populaires est la représentation du charme féminin. Sur les toiles, on voit des femmes coquettes et séduisantes. Et dans les portraits d'artistes étrangers, les femmes et les jeunes filles russes ressemblent à des poupées, elles sourient timidement et enjouées, et de cette manière, l'une est semblable à l'autre.
Artistes russes I.P. Argunov, D.G. Levitsky, V.L. Borovikovsky voit une femme différemment. Ils apportent une revitalisation psychologique et un caractère concret au portrait d’une femme. En peinture, ils tentent de transmettre une image vivante et réelle de la morale, des goûts et de la mode de l'ère de la toute-puissance féminine. Nous voyons tout le spectre personnages féminins: beauté froide et arrogante et rêverie tendre et douce, coquetterie et modestie, charme spirituel et secret sévère avec isolement. Mais dominer le cœur des hommes est l’essentiel.
De nouveaux idéaux
L’ère du romantisme du XIXe siècle a été conçue pour montrer la sensibilité particulière de la femme et les mouvements subtils de son âme. Les œuvres de Karamzine et de Joukovski ont eu une énorme influence sur les artistes du début du siècle, par exemple O.A. Kiprenski. Leurs toiles reflétaient toutes les caractéristiques du romantisme dans le genre du portrait. Dans la peinture et la musique, ainsi que dans la poésie de cette époque, les motifs d'expériences lyriques personnelles et la beauté mystérieuse de l'antiquité indigène étaient recherchés (l'opéra romantique de A. N. Verstovsky « La tombe d'Askold »). de 1835 était particulièrement populaire).
Mais au milieu du siècle, le sublime et le côté onirique des images féminines ont disparu sans laisser de trace. À partir des peintures de cette période, vous pourrez étudier les tendances de la mode. Les plumes des chapeaux, les bijoux et la dentelle sont soigneusement peintes ; se laissant emporter par les détails, les artistes oublient souvent le personnage lui-même. L'arrogance règne dans les images des beautés profanes, et cette chaleur et cette simplicité n'y sont plus.
Mais certains artistes du début du siècle, notamment Venetsianov et Tropinin, en quête d'images « vivantes » se tournent vers aux gens ordinaires. Le mouvement des « gens ordinaires » a émergé portrait d'une femme, une image idéalisée d’une femme qui travaille est créée.
Peintures de K.S. Petrova-Vodkina
Le nouveau siècle se caractérise par la recherche de nouvelles formes dans le genre du portrait. En peinture (la 6e année de l'école étudie en détail le thème « Images féminines » dans les cours d'art), les artistes se tournent vers le passé et l'avenir à la recherche de l'idéal féminin. Le thème de la maternité et de la féminité occupe bel endroit dans les travaux de V. Petrov-Vodkin. Dans l'œuvre « Mère », l'artiste a réussi à révéler pleinement le thème. Sa peinture est un hymne au bonheur familial et à la sainteté de l'amour. A l'image de la mère, on ressent la force morale, la pureté et la sublimité en serrant l'enfant contre elle, elle ressemble à la Madone.
Tableau « Notre-Dame. Tendresse des cœurs maléfiques » a été écrit par lui pendant la Première Guerre mondiale ; c'est la réponse émotionnelle de l'artiste aux événements sanglants de cette époque. Il a créé une image sublime et respectueuse qui, par la profondeur de son impact, est l'une des plus puissantes de son œuvre.
L'image d'une femme a changé d'époque en époque, mais a conservé les principales caractéristiques durables : la beauté, la tendresse, la maternité.
Rembrandt van Rijn Saskia dans le rôle de Flore. Femme sous la forme flore(couleurs). C'est ainsi que cette image est déchiffrée. Les fleurs dans les mains de Saska sont comme une baguette. Le bandeau ressemble à une couronne. La femme elle-même est comme la reine de la faune.
Raphael Santi Madone par Raphael. La photo est ancienne, mais belle. Les artistes ne mettent en valeur que les plus belles choses dans leurs œuvres, et voici une mère avec ses enfants. Rafael Santi a décidé de ne pas être différent des autres artistes et a peint le tableau "Madonna". Je crois que cette photo est digne d'honneur et d'une note élevée.
Rafael Santi Dame avec une licorne. L'imagination de l'artiste était élégante. Peindre une dame avec une licorne, créature qui est en soi une création magique, ne pouvait que devenir le sujet de l'art vénérable de Raphael Santi lui-même. Je pense que cela n'a aucun sens de parler de la beauté d'une femme. Cette femme est excellente.
Rafael Santi. Petite Madone de Cowper. peintre italien et
architecte, l'un des plus
de grands artistes partout
histoire du monde, maître
Madones, représentait une autre Madone aux cheveux blonds et un enfant dans ses bras. La simplicité de son visage et de son regard m'étonne.
Sandro Botticelli Vierge à l'Enfant avec les anges. La photo montre clairement que même les anges admirent la beauté surnaturelle de cet incomparable belle femme. Leurs mains se tendent vers elle, comme les mains des bébés tendent vers leur mère. Les anges sont les ambassadeurs de Dieu.
Sandro Botticelli. Vénus et Mars. Le tableau a été peint en 1483. Écrit peut-être
commandé par une famille de marchands
Vespucci. Un historien a suggéré que Mars est représentée avec une
les yeux, comme c'est le cas
Sous influence
substances intoxicantes. Et si c’est vrai ou non, personne ne le sait.
Zinaida Serebryakova Infirmière avec un enfant. Comme les femmes russes sont belles et magnifiques. Et être mère est aussi un exploit. Être mère d'enfants et toujours belle est non seulement un grand art, mais aussi un travail acharné.
Ivan Petrovich Argunov Portrait de l'impératrice Catherine II. 1762 I. P. Argunov
reçu une commande responsable
- créer un portrait
L'impératrice Catherine II. En voyant ton portrait
écrit par Ivan
Petrovich "par cœur", Catherine était
Agréablement surpris.
Ivan Petrovich Argunov Peintures d'Argunov. Portrait de Lobanova-Rostovskaya. Il suffit de la regarder taille fine. Les femmes de cette époque essayaient de prendre soin de leur silhouette au mieux. De belles tenues luxuriantes, décorées pierres précieuses Ils sont magnifiques même sur les femmes les plus laides.
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Ivan Petrovich Argunov Portrait d'une inconnue en costume de paysan. l'un des plus connus
œuvres de russe
artiste. Portrait
l'inconnu reflète l'intérêt
aux thèmes paysans,
apparut à cette époque dans
La société russe. L'intérêt est suscité par l'origine de l'auteur lui-même.
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Peintures artistes célèbres garder les secrets des personnes qui y sont représentées. Nous vous invitons à faire une promenade à travers le virtuel galerie d'art et explorez les histoires des femmes dans les peintures. Ces histoires peuvent être romantiques, mystiques ou simplement drôles.
Cette œuvre d'art - l'une des peintures les plus célèbres du peintre - a été présentée pour la première fois au public en Italie, où elle a été accueillie favorablement par la critique. Karl Bryullov fut le premier artiste russe à devenir célèbre dans la prestigieuse Europe. Pendant longtemps, on a supposé que ce tableau était un portrait de la jeune comtesse Yulia Samoilova, que l'artiste aimait beaucoup et qu'elle représentait souvent sur ses toiles. Par exemple, dans le film «Le dernier jour de Pompéi», trois personnages ont à la fois les traits de Yulia Samoilova. Cependant, en comparant le tableau « Cavalière » avec les portraits de la comtesse que Bryullov a peints plus tard, il devient clair que le tableau n'est pas Yulia Samoilova. Mais qui? Dans l'un de ses tableaux, Karl Bryullov a représenté la comtesse Samoilova avec son élève Giovannina, dans un autre tableau, il a peint la même comtesse avec fille adoptive Amazilie. Les chercheurs du travail de Bryullov sont arrivés à la conclusion que le tableau représente précisément ces filles qui ont été élevées par la comtesse. Mais les peintures d’artistes célèbres comportent généralement une sorte de mystère. Pour résoudre l'énigme de ce tableau, vous devez regarder de plus près le chien en collier, que l'artiste a représenté à côté de la petite fille. Le nom de sa propriétaire, Samoilova, est inscrit sur le col.
Il semble que la manière dont le tableau «Alyonushka» a été créé soit connue de tous depuis longtemps. On pense que Vasnetsov, à l'image de la triste héroïne des épopées russes, a représenté la fille avec laquelle le destin l'a réuni dans le village d'Akhtyrka. Parlant de ce tableau, beaucoup citent une citation de Vasnetsov lui-même, dans laquelle il admet que l'image d'Alyonushka s'est longtemps installée dans sa tête, mais version finale Le portrait s'est formé lorsque, dans le village d'Okhtyrka, il a rencontré une simple fille. Mais est-ce le cas ? Dans l’une des notes de l’artiste, vous pouvez lire l’histoire vraie du tableau. Vasnetsov admet que, même s'il possédait déjà une esquisse d'un tableau basé sur cette simple fille, il ne s'agit pas d'une œuvre de genre basée sur la vie. L’artiste s’est en fait inspiré des yeux de Verusha Mamontova. Il a admis que les yeux de cette fille en particulier lui semblaient partout et s'installaient dans son âme. Qui est Verusha Mamontova ? Bien sûr, son image est familière aux amateurs d’art, car c’est elle qui est représentée dans le tableau de Serov « La Fille aux pêches ». Désormais, connaissant les révélations de l’artiste, chez Alyonushka, vous pouvez facilement retrouver les traits du visage de Verusha Mamontova.
Parfois, les peintures d'artistes célèbres vous surprennent par l'origine d'une telle intrigue, parfois les sources d'inspiration sont inattendues. Cela peut être dit à propos de l'histoire de l'écriture du tableau «Mariage inégal». Un aristocrate de Moscou a décidé d'écrire ses mémoires, dans lesquelles il parlait de tous ses proches, y compris de son oncle Sergueï Varentsov. En 1862, cet oncle, jeune homme, tombe subitement amoureux de la jolie fille du marchand Rybnikov, Sofia. Et il est tellement tombé amoureux qu’il a même proposé le mariage, mais il a été refusé. Le père prudent de la jeune fille ne voulait pas donner sa fille en mariage à un jeune et frivole rake, mais préférait donner sa main au vieux et non au pauvre marchand Korzinkin (fait intéressant, le marié « âgé » avait alors 38 ans). Par une malheureuse coïncidence, le jeune Varentsov a dû jouer le rôle de témoin lors de ce mariage. L'artiste Vasily Pukirev était tellement imprégné de cette histoire et de ce tourment coeur aimant qui a créé ce tableau. Grâce à ce tableau, Vasily Pukirev a reçu le titre de professeur, ainsi que beaucoup d'argent : la toile a été immédiatement achetée par le collectionneur d'art Borisovsky, et Tretiakov lui l'a achetée. Certes, Pukirev a dû refaire un peu la toile, car Varentsov s'est reconnu comme le témoin de cette photo. L'artiste a dépeint Varentsov dans son œuvre avec une telle précision que, grâce à la popularité du tableau, son amour malheureux a commencé à faire l'objet de discussions dans tout Moscou. En conséquence, Poukirev a dû réécrire le visage du témoin et maintenant, en regardant la photo, le public voit en arrière-plan une image du propre visage de Poukirev.
Peinture «Portrait de M. I. Lopukhina» de Vladimir Borovikovsky
Ce tableau a été créé en 1797 et est un romantique image féminine. Il captive le public depuis des siècles et les connaisseurs d’art le considèrent comme une ode au sentimentalisme. Les peintures d'artistes célèbres sont souvent accompagnées de fables mystiques. Une telle fable est liée à cette image. L’image d’une beauté de 18 ans est le premier tableau de l’histoire de la Russie imprégné de mysticisme. La jeune fille représentée dans le portrait était la fille du comte Ivan Tolstoï. L'année où le portrait a été peint, elle a épousé Stepan Lopukhin, qui a servi dans l'administration de Paul Ier. Immédiatement après le mariage, son mari a ordonné Portrait de Borovikovski sa femme bien-aimée. Le mariage n'a pas duré longtemps, car 3 ans après le mariage, la jeune princesse est décédée des suites d'une maladie - la phtisie. Le père inconsolable a acheté à son gendre le tableau avec un portrait de sa fille et l'a accroché dans sa maison. Il faut dire que le comte Tolstoï était un maître Loge maçonnique et s'intéressait au mysticisme. Des rumeurs circulaient selon lesquelles le comte, utilisant la magie, était capable d'invoquer l'esprit de sa fille décédée et de l'insuffler dans le tableau de Borovikovsky. Il existe une fable : toute fille qui regarde le portrait mourra définitivement. Ils ont même cité des « faits très fiables » selon lesquels le portrait aurait tué au moins une douzaine de jeunes filles. Heureusement pour la postérité, Tretiakov ne croyait pas au mysticisme et, un siècle plus tard, il acheta le tableau, que des millions de spectateurs peuvent désormais voir dans la galerie qui porte son nom.
Les peintures d'artistes célèbres se distinguent par le fait que dans leurs œuvres elles glorifient l'idéal féminin. Même en représentant la Madone, les artistes de tous les temps ont peint sans un pincement au cœur des portraits de leurs amants, dont beaucoup étaient des femmes d'origine peu noble. Par exemple, les chercheurs sur le travail de Raphaël disent que l’artiste a rencontré la fille d’un pauvre boulanger, Fornarina, dans l’une des rues de Rome. L'artiste est tombé amoureux d'elle. Raphaël, qui était déjà largement connu et occupait une position élevée sur l'échelle sociale, acheta la jeune fille à son père et lui loua une maison luxueuse. L'artiste la considérait vraiment comme l'idéal de beauté et vécut avec elle jusqu'à sa mort pendant 12 ans. Mais on dit que la belle elle-même n’était pas fidèle à son bienfaiteur et l’a trompé aussi bien avec les étudiants de l’artiste qu’avec ceux qui ont commandé les tableaux. Après la mort de Raphaël, en raison de la réputation de cette femme, le Pape n'a même pas voulu lui faire des funérailles, car Fornarina se tenait à proximité. Malgré tout cela, c’est le visage de Fornarina que l’on voit dans le tableau « La Madone Sixtine ». Raphaël lui a également offert le visage de nombreuses autres Madones peintes de sa main.