Ρώσοι καλλιτέχνες του πρώτου μισού του 19ου αιώνα. Ρωσική ζωγραφική του 19ου αιώνα Ρωσική τέχνη του πρώτου μισού του 19ου αιώνα

Πολιτισμός του 19ου αιώνα είναι πολιτισμόςυπάρχουσες αστικές σχέσεις. Μέχρι τα τέλη του 18ου αιώνα. ο καπιταλισμός ως σύστημα είναι πλήρως διαμορφωμένος. Κάλυψε όλους τους τομείς της υλικής παραγωγής, που συνεπάγονταν αντίστοιχους μετασχηματισμούς στη μη παραγωγική σφαίρα (πολιτική, επιστήμη, φιλοσοφία, τέχνη, εκπαίδευση, καθημερινότητα, κοινωνική συνείδηση).
Ο πολιτισμός αυτής της περιόδου χαρακτηρίζεται από μια αντανάκλαση των εσωτερικών αντιφάσεων της αστικής κοινωνίας. Η σύγκρουση των αντίθετων τάσεων, η πάλη των κύριων τάξεων - της αστικής τάξης και του προλεταριάτου, η πόλωση της κοινωνίας, η ταχεία άνοδος του υλικού πολιτισμού και η αρχή της αποξένωσης του ατόμου καθόρισαν τη φύση της πνευματικής κουλτούρας εκείνης της εποχής.

Τον 19ο αιώνα συντελείται μια ριζική επανάσταση t, συνδέεται με την εμφάνιση μιας μηχανής, που αποξενώνει τον άνθρωπο από τη φύση, σπάζοντας τις συνήθεις ιδέες για τον κυρίαρχο ρόλο του και μετατρέπει τον άνθρωπο σε πλάσμα που εξαρτάται από τη μηχανή. Σε συνθήκες εντεινόμενης μηχανοποίησης, ο άνθρωπος πηγαίνει στην περιφέρεια της πνευματικής ζωής, ξεφεύγει από τα πνευματικά του θεμέλια. Η θέση της χειροτεχνίας που σχετίζεται με την προσωπικότητα και τη δημιουργικότητα του πλοιάρχου καταλήφθηκε από μονότονη εργασία.

Πνευματικός πολιτισμός του 19ου αιώνα. αναπτύχθηκε και λειτούργησε υπό την επίδραση δύο σημαντικών παραγόντων: των επιτυχιών στον τομέα της φιλοσοφίας και των φυσικών επιστημών. Η κορυφαία κυρίαρχη κουλτούρα του 19ου αιώνα. υπήρχε επιστήμη.
Διάφοροι αξιακά προσανατολισμοί βασίστηκαν σε δύο αφετηρίες: την καθιέρωση και επιβεβαίωση των αξιών του αστικού τρόπου ζωής, από τη μια και την κριτική απόρριψη της αστικής κοινωνίας, από την άλλη. Εξ ου και η εμφάνιση τέτοιων ανόμοιων φαινομένων στον πολιτισμό του 19ου αιώνα: ο ρομαντισμός, κριτικός ρεαλισμός, συμβολισμός, νατουραλισμός, θετικισμός κ.λπ.

Ιδιαιτερότητες της κοσμοθεωρίαςΕυρωπαϊκός πολιτισμός του 19ου αιώνα. είναι μια αντανάκλαση εκείνων των αντιφατικών αρχών που αντιπροσωπεύει μια ανεπτυγμένη αστική κοινωνία, αλλά, παρόλα αυτά, δεν έχει όμοιο στο βάθος της διείσδυσης στην ύπαρξη και τον πνευματικό κόσμο του ανθρώπου και στη δημιουργική ένταση στην επιστήμη, τη λογοτεχνία, τη φιλοσοφία και την τέχνη.

Στο πρώτο μισό του 19ου αιΡωσική τέχνη αναπτύσσεται μέσα στο ακαδημαϊκό σχολείο ζωγραφική. Τα ιστορικά και πολεμικά είδη γίνονται ευρέως διαδεδομένα, γεγονός που συνδέεται με τη νίκη στον Πατριωτικό Πόλεμο του 1812 και την άνοδο του Εθνική ταυτότητα. Από τα μέσα της δεκαετίας του '60 του 19ου αιώνα, οι Ρώσοι καλλιτέχνεςΣτρέφονται σε θέματα της λαϊκής ζωής και ένα κοινωνικό και καθημερινό είδος εμφανίζεται στις εικαστικές τέχνες. ΣΕ τις τελευταίες δεκαετίεςαιώνα, αντικαθίσταται εν μέρει από το τοπίο στο ιμπρεσιονιστικό στυλ, σε πίνακες ζωγραφικής Ρώσων καλλιτεχνώνεμφανίζονται χαρακτηριστικά νεοκλασικισμού και μοντερνισμού.

Ακαδημαϊκό σχολείο ζωγραφικήστις αρχές του 19ου αιώνα κατέλαβε ισχυρή θέση ως νομοθέτης καλλιτεχνικά στυλκαι οδηγίες. Η κύρια μέθοδος ήταν ο κλασικισμός, τα κύρια είδη ήταν το πορτρέτο, το διακοσμητικό τοπίο και το ιστορικό ζωγραφική. Νέος καλλιτέχνεςήταν δυσαρεστημένοι με τον αδυσώπητο συντηρητισμό της Ακαδημίας και για να μη γράφουν ΠΙΝΑΚΕΣ ΖΩΓΡΑΦΙΚΗΣσε βιβλικά και μυθολογικά θέματα, στράφηκε στο είδος του πορτραίτου και του τοπίου. Τα χαρακτηριστικά του ρομαντισμού και του ρεαλισμού εμφανίζονταν όλο και περισσότερο σε αυτά.

Σε πορτραίτο ζωγραφική O. A. Kiprensky υπάρχουν πολλές ρομαντικές εικόνες: ένα πορτρέτο ενός αγοριού A. A. Chelishchev (1810-1811), οι σύζυγοι F. V. και E. P. Rostopchin (1809), σύζυγοι V. S. και D. N. Khvostov (1814), E. S. Avdulina (1814)

Πορτρέτα του V. A. Tropininγραμμένο με ρεαλιστικό τρόπο. Το πρόσωπο που απεικονίζεται είναι η κεντρική εικόνα σε αυτά, όλη η προσοχή είναι στραμμένη σε αυτόν. Οι φιγούρες και τα χαρακτηριστικά του προσώπου σχεδιάζονται με ανατομική σαφήνεια και αυθεντικότητα (πορτρέτα του Counts Morkov, 1813-1815· «Bulakhov», 1823· «K. G. Ravich», 1823).

Βούρτσες του V. A. Tropininανήκει σε ένα από τα πιο διάσημα πορτρέτα του A.S. Pushkin - αυτό όπου ο ποιητής έβαλε το χέρι του σε μια στοίβα χαρτί και φαινόταν να ακούει την εσωτερική του φωνή.
ΣΕ εικόνα«Η τελευταία μέρα της Πομπηίας» του K. P. Bryullov, γραμμένο σύμφωνα με όλους τους κανόνες της ακαδημαϊκής σχολής ζωγραφική, αντανακλούσε την ανάπτυξη της ρωσικής κοινωνικής σκέψης, την προσδοκία της αλλαγής, η οποία συνδέθηκε με την άνοδο της εθνικής αυτογνωσίας. Ζωγραφικήσυμβόλιζε το θάρρος των ανθρώπων που αντιμετώπιζαν μια τρομερή καταστροφή. Μεταξύ άλλων διάσημων έργων ζωγραφικής του K. P. Bryullov μπορεί κανείς να ονομάσει τα «Ιταλικό πρωί», «Ιταλικό μεσημέρι», «Ιππέας», «Bathsheba». Σε αυτά και σε πολλά άλλα πίνακες ζωγραφικής στον καλλιτέχνηΕξίσου ταλαντούχος, κατάφερε να αποτυπώσει την ομορφιά του ανθρώπινου σώματος και την ομορφιά της φύσης.

Ιδέες πνευματικής αφύπνισηςοι άνθρωποι αντικατοπτρίστηκαν στο έργο του A. A. Ivanov. Πάνω από τα πιο διάσημα ζωγραφική, «Η εμφάνιση του Χριστού στους ανθρώπους», εργάστηκε για περίπου είκοσι χρόνια. Ο Ιησούς επάνω εικόνααπεικονίζεται στο βάθος και ο Ιωάννης ο Βαπτιστής φέρεται στο προσκήνιο, δείχνοντας τους ανθρώπους προς τον Σωτήρα που πλησιάζει. Τα πρόσωπα των ανθρώπων που περιμένουν τον Ιησού φωτίζουν καθώς πλησιάζει, οι ψυχές τους γεμίζουν χαρά.

ΚαλλιτέχνεςΟ A.G. Venetsianov και ο P.A Fedotov στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα έθεσαν τα θεμέλια για την κοινωνική καθημερινό είδος V ζωγραφική. Ο A. G. Venetsianov στο δικό του ΠΙΝΑΚΕΣ ΖΩΓΡΑΦΙΚΗΣεξιδανικεύσει τη ζωή των αγροτών, τονίζοντας την ομορφιά και την αρχοντιά των ανθρώπων, ανεξάρτητα από κοινωνική θέση(«Το αλώνι», «Στο θερισμό. Καλοκαίρι», «Στην καλλιεργήσιμη γη. Άνοιξη», «Αγροίκα με κενταύριο»
Από τη δεκαετία του '50 του 19ου αιώνα, η κύρια κατεύθυνση Ρωσικές καλές τέχνεςο ρεαλισμός γίνεται και το κύριο θέμα είναι η απεικόνιση της ζωής των απλών ανθρώπων. Η έγκριση της νέας κατεύθυνσης έγινε σε έναν επίμονο αγώνα με τους οπαδούς της ακαδημαϊκής σχολής ζωγραφική. Υποστήριξαν ότι η τέχνη πρέπει να είναι υψηλότερη από τη ζωή, δεν υπάρχει θέση σε αυτήν για τη ρωσική φύση και τα κοινωνικά και καθημερινά θέματα. Ωστόσο, οι ακαδημαϊκοί αναγκάστηκαν να κάνουν υποχωρήσεις. Το 1862 όλα τα είδη εικαστικές τέχνεςήταν ίσα σε δικαιώματα, πράγμα που σήμαινε ότι αξιολογούνταν μόνο τα καλλιτεχνικά πλεονεκτήματα ΠΙΝΑΚΕΣ ΖΩΓΡΑΦΙΚΗΣ, ανεξάρτητα από το θέμα.

17. Ρωσική τέχνη του πρώτου μισού - μέσα του 19ου αιώνα. Ρομαντισμός, συναισθηματισμός - κατευθύνσεις της κλασικιστικής τέχνης.

Μετά τον Πατριωτικό Πόλεμο του 1812.: αυξανόμενο ενδιαφέρον για τη λαϊκή ζωή. στην ανθρώπινη ατομικότητα οδήγησε στο σχηματισμό ενός νέου ιδανικού, το οποίο βασίστηκε στην ιδέα ενός πνευματικά ανεξάρτητου ατόμου, που νιώθει βαθιά και εκφράζει με πάθος τα συναισθήματά του. Αυτό το ιδανικό αντικατοπτρίστηκε στο έργο των εκπροσώπων μιας νέας δημιουργικής αντίληψης - του ρομαντισμού, η καθιέρωση της οποίας συνέβη ταυτόχρονα με τον μαρασμό του κλασικισμού.

Στη ζωγραφική παρατηρήθηκεο μαρασμός του κλασικισμού και η εγκαθίδρυση του ρομαντισμού και του ρεαλισμού

Ρομαντισμός- μια κατεύθυνση στην τέχνη του πρώτου μισού του 19ου αιώνα, που ανέδειξε την ατομικότητα και την προίκισε με ιδανικές φιλοδοξίες.

Αλλά οι πραγματικές επιτυχίες της ζωγραφικής ήταν, ωστόσο, προς μια διαφορετική κατεύθυνση - τον ρομαντισμό. Οι καλύτερες φιλοδοξίες της ανθρώπινης ψυχής, τα σκαμπανεβάσματα του πνεύματος εκφράστηκαν με τη ρομαντική ζωγραφική εκείνης της εποχής και κυρίως με την προσωπογραφία. Στο είδος του πορτραίτου ηγετική θέσηθα πρέπει να δοθεί στον Orest Kiprensky (1782-1836).

Ο Kiprensky σπούδασε, ξεκινώντας από την Εκπαιδευτική Σχολή, στην Ακαδημία Τεχνών, όπου σπούδασε στο μάθημα της ιστορικής ζωγραφικής. Ο καλλιτέχνης χρησιμοποιεί έντονα χρωματικά εφέ που επηρεάζουν τη μοντελοποίηση της φόρμας. Η ζωγραφική impasto προάγει την έκφραση της ενέργειας και ενισχύει τη συναισθηματικότητα της εικόνας. Είναι δίκαιο να πούμε D.V. Σαραμπιάνοβα, ο ρωσικός ρομαντισμός δεν ήταν ποτέ τόσο ισχυρό καλλιτεχνικό κίνημα όσο στη Γαλλία ή τη Γερμανία. Δεν υπάρχει ούτε ακραίος ενθουσιασμός ούτε τραγική απελπισία. Στον ρομαντισμό του Κιπρένσκι υπάρχει ακόμη μεγάλο μέρος της αρμονίας του κλασικισμού, της λεπτής ανάλυσης των «ανατροπών» της ανθρώπινης ψυχής, τόσο χαρακτηριστικές του συναισθηματισμού. «Ο σημερινός αιώνας και ο περασμένος αιώνας», που συγκρούονται στο έργο του πρώιμου Kiprensky, ο οποίος αναδείχθηκε ως δημιουργική προσωπικότητα στα καλύτερα χρόνια των στρατιωτικών νικών και των φωτεινών ελπίδων της ρωσικής κοινωνίας, αποτέλεσαν την πρωτοτυπία και την ανέκφραστη γοητεία των πρώιμων ρομαντικών πορτρέτων του. .

Στην ύστερη ιταλική περίοδολόγω πολλών συνθηκών της προσωπικής του μοίρας, ο καλλιτέχνης σπάνια κατάφερε να δημιουργήσει κάτι αντίστοιχο πρώιμα έργα. Αλλά ακόμη και εδώ μπορούμε να ονομάσουμε τέτοια αριστουργήματα ως ένα από τα καλύτερα πορτρέτα ζωής Πούσκιν(1827, Πινακοθήκη Τρετιακόφ), ζωγραφισμένο από τον καλλιτέχνη την τελευταία περίοδο της παραμονής του στην πατρίδα του ή ένα πορτρέτο της Αβντουλίνα (περίπου 1822, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο), γεμάτο ελεγειακή θλίψη.

Ένα ανεκτίμητο μέρος του έργου του Kiprensky- γραφικά πορτρέτα, φτιαγμένα κυρίως με απαλό ιταλικό μολύβι με χρωματισμό σε παστέλ, ακουαρέλες και χρωματιστά μολύβια Η εμφάνιση των γρήγορων πορτραίτων-σκίτσων με μολύβι είναι από μόνη της σημαντική, χαρακτηριστική της νέας εποχής: καταγράφουν εύκολα κάθε φευγαλέα αλλαγή στο πρόσωπο. οποιαδήποτε συναισθηματική κίνηση. Αλλά στα γραφικά του Kiprensky υπάρχει επίσης μια ορισμένη εξέλιξη: στα μεταγενέστερα έργα του δεν υπάρχει αυθορμητισμός και ζεστασιά, αλλά είναι πιο αριστοτεχνικά και πιο εκλεπτυσμένα στην εκτέλεση (πορτρέτο της S.S. Shcherbatova, ιταλική τέχνη., Tretyakov Gallery).

Ένας συνεπής ρομαντικός μπορεί να ονομαστεί ο Pole A.O. Ορλόφσκι(1777-1832), που έζησε στη Ρωσία για 30 χρόνια και έφερε στη ρωσική κουλτούρα θέματα χαρακτηριστικά των δυτικών ρομαντικών (μπιβουάκ, ιππείς, ναυάγια. «Πάρε το γρήγορο μολύβι σου, ζωγράφισε, Ορλόφσκι, σπαθί και σφάξε», έγραψε ο Πούσκιν). Γρήγορα αφομοιώθηκε στο ρωσικό έδαφος, κάτι που φαίνεται ιδιαίτερα στα γραφικά του πορτρέτα. Σε αυτά, μέσα από όλα τα εξωτερικά χαρακτηριστικά του ευρωπαϊκού ρομαντισμού με την εξέγερση και την έντασή του, είναι ορατό κάτι βαθιά προσωπικό, κρυμμένο, οικείο (Αυτοπροσωπογραφία, 1809, Γκαλερί Τρετιακόφ). Ο Ορλόφσκι έπαιξε επίσης έναν συγκεκριμένο ρόλο στο «φωτίζοντας» το μονοπάτι προς τον ρεαλισμό χάρη στα σκίτσα, τα σχέδια και τις λιθογραφίες του που απεικόνιζαν σκηνές και τύπους δρόμων της Αγίας Πετρούπολης, που ζωντάνεψαν το διάσημο τετράστιχο

Τέλος, ο ρομαντισμός βρίσκει έκφραση στο τοπίο. Ο Sylvester Shchedrin (1791-1830) ξεκίνησε τη δημιουργική του σταδιοδρομία ως μαθητής του θείου του Semyon Shchedrin με κλασικιστικές συνθέσεις: μια σαφής διαίρεση σε τρία σχέδια (το τρίτο σχέδιο είναι πάντα αρχιτεκτονική), στις πλευρές των σκηνών. Αλλά στην Ιταλία, όπου άφησε την Ακαδημία της Αγίας Πετρούπολης, αυτά τα χαρακτηριστικά δεν έγιναν πιο δυνατά και δεν μετατράπηκαν σε πρότυπο. Στην Ιταλία, όπου ο Shchedrin έζησε για περισσότερα από 10 χρόνια και πέθανε στην ακμή του ταλέντου του, αναδείχθηκε ως ρομαντικός καλλιτέχνης και έγινε ένας από τους καλύτερους ζωγράφους στην Ευρώπη μαζί με τον Constable και τον Corot. Ήταν ο πρώτος που ανακάλυψε την plein air painting για τη Ρωσία. Είναι αλήθεια ότι, όπως και οι Barbizonians, ο Shchedrin ζωγράφισε μόνο σκίτσα στο ύπαιθρο και ολοκλήρωσε την εικόνα («διακοσμημένη», σύμφωνα με τον ορισμό του) στο στούντιο. Ωστόσο, το ίδιο το κίνητρο αλλάζει έμφαση. Έτσι, η Ρώμη στους καμβάδες του δεν είναι τα μεγαλοπρεπή ερείπια των αρχαίων χρόνων, αλλά μια ζωντανή σύγχρονη πόλη απλών ανθρώπων - ψαράδων, εμπόρων, ναυτικών. Αλλά αυτή η συνηθισμένη ζωή κάτω από το πινέλο του Shchedrin απέκτησε έναν υπέροχο ήχο.

Λιμάνια του Σορέντο, αναχώματα Νάπολης, Τίβερης κοντά στο κάστρο του Αγ. Angela, άνθρωποι που ψαρεύουν, απλώς μιλούν στη βεράντα ή χαλαρώνουν στη σκιά των δέντρων - όλα μεταφέρονται στη σύνθετη αλληλεπίδραση του περιβάλλοντος φωτός-αέρα, σε μια απολαυστική συγχώνευση ασημί-γκρι αποχρώσεων, που συνήθως ενώνονται με μια πινελιά κόκκινου - με ρούχα και κόμμωση, στο σκουριασμένο φύλλωμα των δέντρων, όπου χάθηκε ένα κόκκινο κλαδί. Στα τελευταία έργα του Shchedrin, το ενδιαφέρον για τα εφέ φωτός και σκιάς ήταν όλο και πιο εμφανές, προμηνύοντας το κύμα του νέου ρομαντισμού του Maxim Vorobyov και των μαθητών του (για παράδειγμα, «Προβολή της Νάπολης σε μια νύχτα με φεγγάρι»). Όπως ο πορτραίτης Kiprensky και ο ζωγράφος μάχης Orlovsky, ο τοπιογράφος Shchedrin συχνά ζωγραφίζει σκηνές του είδους.

Ο.Α.Κιπρένσκι(1782-1836), προσωπογράφος, ενσάρκωσε πιο έντονα το ρομαντικό ιδανικό. Το στυλ του απορροφούσε χαρακτηριστικά κλασικής αρμονίας και συναισθηματισμού. Τα πορτρέτα αποκαλύπτουν όλα όσα είναι καλύτερα και σημαντικά σε ένα άτομο: τη δραστήρια και ρομαντική φύση του. τη στοχαστικότητα και τη θέρμη ενός νεαρού άνδρα που ακόμα μαθαίνει για τον κόσμο. Την τελευταία περίοδο δημιουργήθηκε το καλύτερο πορτρέτο ζωής του Α.Σ. Πούσκιν - το πορτρέτο του μεγάλου ποιητή είναι ιστορικά συγκεκριμένο και ταυτόχρονα υπάρχει η επιθυμία να δοθεί μια συλλογική εικόνα μιας ιδανικής δημιουργικής προσωπικότητας.

S.F. Shchedrin(1791-1830), τοπιογράφος. Ήταν ο πρώτος που ανακάλυψε τη «ζωγραφική στον αέρα», τη «Νέα Ρώμη». "Άποψη του Σορέντο κοντά στη Νάπολη."

V.A.Tropinin, εισάγει στοιχεία ρομαντισμού στα πορτρέτα του είδους. Αναπτύχθηκε στις συναισθηματικές παραδόσεις του τέλους του 18ου αιώνα. Βίωσε τη ρομαντική επιρροή των αρχών του 19ου αιώνα. (πορτρέτα του γιου του, A.S. Pushkin, αυτοπροσωπογραφία). Ενσάρκωσε στις εικόνες των αγροτών όχι μόνο την πνευματική αγνότητα, αλλά και την αρχοντιά. Οικιακά στοιχεία και εργασιακή δραστηριότηταφέρονται πιο κοντά στη ζωγραφική του είδους («The Lacemaker», «The Goldsmith»).

Ιστορική ζωγραφική του 30-40: η διασταύρωση κλασικισμού και ρομαντισμού.

Ρωσική ιστορική ζωγραφική της δεκαετίας 30-40αναπτύχθηκε κάτω από το πρόσημο του ρομαντισμού. Ένας ερευνητής (M.M. Allenov) αποκάλεσε τον Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852) την «ιδιοφυΐα του συμβιβασμού» μεταξύ των ιδανικών του κλασικισμού και των καινοτομιών του ρομαντισμού. Η φήμη του Bryullov ήρθε ενώ ήταν ακόμη στην Ακαδημία: ακόμη και τότε, ο Bryullov μετέτρεψε τα συνηθισμένα σκίτσα σε τελειωμένους πίνακες, όπως συνέβη, για παράδειγμα, με τον «Νάρκισσο» του (1819, Ρωσικό Ρωσικό Μουσείο). Αφού ολοκλήρωσε το μάθημα με χρυσό μετάλλιο, ο καλλιτέχνης έφυγε για την Ιταλία. Στα προϊταλικά έργα του, ο Bryullov στρέφεται σε βιβλικά θέματα (“The Appearance of Three Angels to Abraham at the Oak of Mamre”, 1821, Russian Museum) και αρχαία (“Oedipus and Antigone”, 1821, Tyumen Regional Museum of Local Lore ), ασχολείται με τη λιθογραφία, τη γλυπτική, γράφει θεατρικά σκηνικά και σχεδιάζει κοστούμια για παραγωγές. Οι πίνακες «Italian Morning» (1823, άγνωστη τοποθεσία) και «Italian Afternoon» (1827, Russian Museum), ειδικά ο πρώτος, δείχνουν πόσο κοντά έφτασε ο ζωγράφος στα προβλήματα του plein air. Ο ίδιος ο Bryullov όρισε το καθήκον του ως εξής: «Φώτισα το μοντέλο στον ήλιο, υποθέτοντας φωτισμό από πίσω, έτσι ώστε το πρόσωπο και το στήθος να βρίσκονται στη σκιά και να αντανακλώνται από το σιντριβάνι που φωτίζεται από τον ήλιο, γεγονός που κάνει όλες τις σκιές πολύ περισσότερες ευχάριστο σε σύγκριση με τον απλό φωτισμό από το παράθυρο.»

Οι εργασίες της plein air painting ενδιέφεραν έτσι τον Bryullov, αλλά η πορεία του καλλιτέχνη, ωστόσο, βρισκόταν σε διαφορετική κατεύθυνση. Από το 1828, μετά από ένα ταξίδι στην Πομπηία, ο Bryullov εργάζεται στο ίδιο έργο του - "The Last Day of Pompeii" (1830-1833). Πραγματικό γεγονός αρχαία ιστορία- ο θάνατος της πόλης κατά την έκρηξη του Βεζούβιου το 79 μ.Χ. μι. - έδωσε στον καλλιτέχνη την ευκαιρία να δείξει το μεγαλείο και την αξιοπρέπεια του ανθρώπου μπροστά στο θάνατο. Πύρινη λάβα πλησιάζει την πόλη, κτίρια και αγάλματα καταρρέουν, αλλά τα παιδιά δεν αφήνουν τους γονείς τους. η μάνα σκεπάζει το παιδί, ο νεαρός σώζει την αγαπημένη του. ο καλλιτέχνης (στον οποίο απεικόνισε τον εαυτό του ο Bryullov) παρασύρει τα χρώματα, αλλά, φεύγοντας από την πόλη, φαίνεται πλατιά με ανοιχτά μάτια, προσπαθώντας να απαθανατίσει το τρομερό θέαμα.

Ακόμα και στο θάνατο ο άνθρωπος παραμένει όμορφοςπόσο όμορφη είναι η γυναίκα που πέταξαν από το άρμα τρελαμένα άλογα στο κέντρο της σύνθεσης. Η ζωγραφική του Bryullov αποκάλυψε ξεκάθαρα ένα από τα βασικά χαρακτηριστικά της ζωγραφικής του: τη σύνδεση μεταξύ του κλασικιστικού στυλ των έργων του και των χαρακτηριστικών του ρομαντισμού, με τα οποία ο κλασικισμός του Bryullov ενώνεται με την πίστη στην αρχοντιά και την ομορφιά. ανθρώπινη φύση. Εξ ου και η εκπληκτική «βιωσιμότητα» της πλαστικής μορφής που διατηρεί τη διαύγειά της, το σχέδιο του υψηλότερου επαγγελματισμού, που υπερισχύει των άλλων εκφραστικών μέσων, με τα ρομαντικά εφέ του γραφικού φωτισμού. Και το ίδιο το θέμα του αναπόφευκτου θανάτου, της αδυσώπητης μοίρας είναι τόσο χαρακτηριστικό του ρομαντισμού.

Ως ένα ορισμένο πρότυπο, καθιερώθηκε καλλιτεχνικό διάγραμμα, ο κλασικισμός περιόρισε από πολλές απόψεις τον ρομαντικό καλλιτέχνη. Οι συμβάσεις της ακαδημαϊκής γλώσσας, της γλώσσας της «Σχολής», όπως ονομάζονταν οι Ακαδημίες στην Ευρώπη, εκδηλώθηκαν πλήρως στον Πομπήιο: θεατρικές πόζες, χειρονομίες, εκφράσεις προσώπου, εφέ φωτισμού. Αλλά πρέπει να παραδεχτούμε ότι ο Bryullov προσπάθησε ιστορική αλήθεια, προσπαθώντας με όσο το δυνατόν μεγαλύτερη ακρίβεια να αναπαράγει συγκεκριμένα μνημεία που ανακάλυψαν οι αρχαιολόγοι και κατέπληξαν ολόκληρο τον κόσμο, για να ολοκληρώσει οπτικά τις σκηνές που περιγράφει ο Πλίνιος ο Νεότερος σε μια επιστολή του προς τον Τάκιτο. Εκτέθηκε αρχικά στο Μιλάνο και μετά στο Παρίσι, ο πίνακας μεταφέρθηκε στη Ρωσία το 1834 και γνώρισε απίστευτη επιτυχία. Ο Γκόγκολ μίλησε με ενθουσιασμό για εκείνη. Η σημασία του έργου του Bryullov για τη ρωσική ζωγραφική καθορίζεται από τα γνωστά λόγια του ποιητή: «Και η «Τελευταία μέρα της Πομπηίας» έγινε η πρώτη μέρα για τη ρωσική βούρτσα».

K.P Bryullov- εκπρόσωπος της ιστορικής ζωγραφικής, του οποίου το έργο συνέπλεξε στοιχεία κλασικισμού και ρομαντισμού. "Η τελευταία μέρα της Πομπηίας"

“Ιππέας”, Αυτοπροσωπογραφία.

P.A.Fedotov- ζωγράφος του είδους Έχει βαθιά κατανόηση της ζωής και της δραματικής της ουσίας. Το ταλέντο του αποκαλύφθηκε πλήρως στη ζωγραφική του είδους, όπου προχώρησε από θέματα καρικατούρας («Fresh Cavalier», «The Picky Bride»), σε τραγικές και λακωνικές εικόνες («The Widow»), στη μεταφορική φύση του παραστατικού συστήματος. Η τέχνη του λειτούργησε ως πρότυπο για πολλές γενιές καλλιτεχνών: οι Περιπλανώμενοι υιοθέτησαν και ανέπτυξαν το κριτικό πάθος του έργου του, καλλιτέχνες της αλλαγής του 19ου - 20ού αιώνα. προσέλκυσε το δράμα και τη μεταφορά.

A.A.Ivanov- "Η εμφάνιση του Χριστού στους ανθρώπους" - ο πίνακας από τον οποίο μελέτησαν όλες οι επόμενες γενιές Ρώσων καλλιτεχνών, αντανακλούσε το πιο οικείο νόημα του Ευαγγελίου και την ουσία των πνευματικών φιλοδοξιών του λαού.

Ο A.E. Martynov, τοπιογράφος και χαράκτης, ολοκλήρωσε μια από τις πρώτες λιθογραφημένες σειρές, «Συλλογή απόψεων της Αγίας Πετρούπολης και των περιχώρων της».

Από τις αρχές του 19ου αι. στις ρωσικές καλές τέχνεςαναπτύσσεται μια τέτοια κατεύθυνση όπως συναισθηματισμός(από τα αγγλικά sentimental - sensitive) - ένα κίνημα στην τέχνη του 18ου αιώνα. Προετοιμάστηκε από την κρίση του εκπαιδευτικού ορθολογισμού. Ωστόσο, στοιχεία συναισθηματισμού στο έργο των Ρώσων δασκάλων συνδυάζονταν συνήθως με στοιχεία κλασικισμού ή ρομαντισμού. Τα χαρακτηριστικά του συναισθηματισμού ενσωματώθηκαν πλήρως στα έργα του αξιόλογου καλλιτέχνη A.G. Venetsianova, ο οποίος έγραφε με αγάπη την Κεντρική Ρωσική χωριάτικα τοπία, πορτρέτα αγροτών.

Χαρακτηριστικά γνωρίσματα του ρωσικού συναισθηματισμού:

Προσοχή στο ανθρώπινη προσωπικότητα;

Λατρεία συναισθήματος και φαντασίας.

Ανάπτυξη οικογενειακών ψυχολογικών πλοκών.

Εικόνα της φύσης.

Ο πραγματικός ιδρυτής του καθημερινού είδους ήταν ο Alexey Gavrilovich Venetsianov(1780-1847). Τοπογράφος γης με εκπαίδευση, ο Βενετσιάνοφ άφησε την υπηρεσία του για χάρη της ζωγραφικής, μετακόμισε από τη Μόσχα στην Αγία Πετρούπολη και έγινε μαθητής του Μποροβικόφσκι. Έκανε τα πρώτα του βήματα στις «τέχνες» στο είδος της προσωπογραφίας, δημιουργώντας εκπληκτικά ποιητικές, λυρικές, ενίοτε ρομαντικές εικόνες με παστέλ, μολύβια και λάδια (πορτρέτο του B.S. Putyatina, Γκαλερί Tretyakov). Σύντομα όμως ο καλλιτέχνης εγκατέλειψε τα πορτρέτα για καρικατούρες και για μια γεμάτη δράση καρικατούρα, το «The Nobleman», το πρώτο κιόλας τεύχος του «Magazine of Caricatures for 1808 in Persons», το οποίο είχε συλλάβει, έκλεισε. Η χαλκογραφία του Βενετσιάνοφ ήταν, στην πραγματικότητα, μια εικονογράφηση για την ωδή του Ντερζάβιν και απεικόνιζε τους αναφέροντες να συνωστίζονται στην αίθουσα υποδοχής, ενώ στον καθρέφτη ένας ευγενής ήταν ορατός στην αγκαλιά μιας καλλονής (υποτίθεται ότι πρόκειται για καρικατούρα του Κόμη Μπεζμπορόντκο).

Στο γύρισμα της δεκαετίας 10-20, ο Βενετσιάνοφ έφυγε από την Αγία Πετρούπολη για την επαρχία Τβερ, όπου αγόρασε ένα μικρό κτήμα. Εδώ βρήκε το κύριο θέμα του, αφοσιωμένος στην απεικόνιση της αγροτικής ζωής. Στον πίνακα «The Threshing Barn» (1821-1822, Ρωσικό Μουσείο), έδειξε μια σκηνή εργασίας στο εσωτερικό. Σε μια προσπάθεια να αναπαράγει με ακρίβεια όχι μόνο τις πόζες των εργατών, αλλά και τον φωτισμό, έκοψε ακόμη και έναν τοίχο του αλώνι. Η ζωή, όπως είναι, είναι αυτό που ήθελε να απεικονίσει ο Βενετσιάνοφ όταν ζωγράφιζε χωρικούς να ξεφλουδίζουν παντζάρια. ένας ιδιοκτήτης γης που δίνει μια εργασία σε ένα κορίτσι της αυλής. κοιμισμένη βοσκοπούλα? ένα κορίτσι με ένα μικρό σκίουρο στο χέρι? Παιδιά χωρικών που θαυμάζουν την πεταλούδα. σκηνές συγκομιδής, χόρτου κλπ. Φυσικά, ο Βενετσιάνοφ δεν αποκάλυψε τις πιο οξείες συγκρούσεις στη ζωή του Ρώσου αγρότη, δεν έθεσε «ακανθώδη ζητήματα» της εποχής μας. Αυτή είναι μια πατριαρχική, ειδυλλιακή ζωή.

Αλλά ο καλλιτέχνης δεν έφερε την ποίηση από έξω, δεν το επινόησε, αλλά το έβγαλε από την ίδια τη ζωή των ανθρώπων, την οποία απεικόνιζε με τόση αγάπη. Στους πίνακες του Βενετσιάνοφ δεν υπάρχουν δραματικές πλοκές ή δυναμικές πλοκές, αντίθετα, είναι στατικές, «δεν συμβαίνει τίποτα». Αλλά ο άνθρωπος είναι πάντα σε ενότητα με τη φύση, στο αιώνιο έργο, και αυτό κάνει τις εικόνες του Βενετσιάνοφ πραγματικά μνημειώδεις. Είναι ρεαλιστής; Κατά την κατανόηση αυτής της λέξης από καλλιτέχνες του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα, είναι απίθανο. Η ιδέα του έχει πολλές κλασικιστικές ιδέες (αξίζει να θυμηθούμε την «Άνοιξη. Στο οργωμένο χωράφι», Γκαλερί Tretyakov), και ειδικά από συναισθηματιστικές («Στο συγκομιδή. Καλοκαίρι», Γκαλερί Τρετιακόφ) και στην κατανόησή του για το διάστημα υπάρχουν και ρομαντικά. Και, ωστόσο, το έργο του Βενετσιάνοφ είναι ένα ορισμένο στάδιο στην πορεία προς τη διαμόρφωση του ρωσικού κριτικού ρεαλισμού του 19ου αιώνα, και αυτή είναι επίσης η διαρκής σημασία της ζωγραφικής του. Αυτό καθορίζει τη θέση του στη ρωσική τέχνη συνολικά.

Ο Βενετσιάνοφ ήταν εξαιρετικός δάσκαλος.Η σχολή του Βενετσιάνοφ, οι Βενετσιανοβίτες, είναι ένας ολόκληρος γαλαξίας καλλιτεχνών της δεκαετίας του 20-40 που δούλεψαν μαζί του τόσο στην Αγία Πετρούπολη όσο και στο κτήμα του στο Σαφόνκοβο. Αυτός είναι ο A.V. Tyranov, E.F. Κρεντόφσκι, Κ.Α. Zelentsov, A.A. Alekseev, S.K. Zaryanko, L.K. Plakhov, N.S. Krylov και πολλοί άλλοι. Μεταξύ των μαθητών του Βενετσιάνοφ, πολλοί προέρχονταν από αγροτική καταγωγή. Κάτω από το πινέλο των Βενετών καλλιτεχνών γεννήθηκαν όχι μόνο σκηνές αγροτικής ζωής, αλλά και αστικές: δρόμοι της Αγίας Πετρούπολης, λαϊκοί τύποι, τοπία. A.V. Ο Tyranov ζωγράφισε εσωτερικές σκηνές, πορτρέτα, τοπία και νεκρές φύσεις. Οι Βενετοί αγαπούσαν ιδιαίτερα τα «οικογενειακά πορτρέτα στο εσωτερικό» - συνδυάζοντας τη συγκεκριμένη εικόνα με τη λεπτομέρεια της αφήγησης, μεταφέροντας την ατμόσφαιρα του περιβάλλοντος (για παράδειγμα, ο πίνακας του Tyranov «The Chernetsov Brothers Artists' Workshop», 1828, που συνδυάζει ένα πορτρέτο, ένα είδος και μια νεκρή φύση).

18. Το πρόβλημα του ακαδημαϊσμού στη ρωσική ζωγραφική του δεύτερου τρίτου του 19ου αιώνα.

Ακαδημαϊσμός- κατεύθυνση στην ευρωπαϊκή ζωγραφική του 17ου-19ου αιώνα. Η ακαδημαϊκή ζωγραφική προέκυψε κατά την περίοδο ανάπτυξης των ακαδημιών τέχνης στην Ευρώπη. Η στυλιστική βάση της ακαδημαϊκής ζωγραφικής στις αρχές του 19ου αιώνα ήταν ο κλασικισμός, και στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα - ο εκλεκτικισμός. Ο ακαδημαϊσμός αναπτύχθηκε ακολουθώντας τις εξωτερικές μορφές της κλασικής τέχνης. Οι οπαδοί χαρακτήρισαν αυτό το στυλ ως προβληματισμό για τη μορφή τέχνης του αρχαίου αρχαίου κόσμου και της Αναγέννησης. Ο ακαδημαϊσμός βοήθησε στη διάταξη των αντικειμένων στην καλλιτεχνική εκπαίδευση, συμπλήρωσε τις παραδόσεις της αρχαίας τέχνης, στην οποία εξιδανικεύτηκε η εικόνα της φύσης, αντισταθμίζοντας παράλληλα τον κανόνα της ομορφιάς.

Για τον ρωσικό ακαδημαϊσμό του πρώτου μισού του 19ου αιώναΟι αιώνες χαρακτηρίζονται από υπέροχα θέματα, υψηλό μεταφορικό ύφος, ευελιξία, πολυμορφία και μεγαλοπρέπεια. Ήταν δημοφιλείς βιβλικές ιστορίες, τοπία σαλονιού και τελετουργικά πορτρέτα. Παρά την περιορισμένη θεματολογία των πινάκων, τα έργα των ακαδημαϊκών διακρίνονταν από υψηλή τεχνική δεξιοτεχνία. Εκπρόσωπος - K. Bryullov ("Ιππασία").

Στα μέσα του 19ου αιώνα. ο ρεαλισμός άρχισε να επικρατείσε έναν επίμονο αγώνα ενάντια στον ακαδημαϊσμό, που εκπροσωπείται από την ηγεσία της Ακαδημίας Τεχνών. Οι ηγέτες της ακαδημίας ενστάλαξαν στους μαθητές ότι η τέχνη ήταν ανώτερη από τη ζωή και πρόβαλαν μόνο βιβλικά και μυθολογικά θέματα για δημιουργικότητα. Δεκατέσσερις μαθητές από το μάθημα της ιστορίας δεν θέλησαν να ζωγραφίσουν εικόνες για το προτεινόμενο θέμα από τη σκανδιναβική μυθολογία και υπέβαλαν αίτηση για να αποχωρήσουν από την ακαδημία. Οι αντάρτες ενώθηκαν σε ένα kamunna, με επικεφαλής τον Kramskoy.

Και το 70 συγκροτήθηκε η Εταιρεία των Πλανόδιων. Οι Peredvizhniki» ενώθηκαν στην απόρριψη του «ακαδημαϊσμού» με τη μυθολογία, τα διακοσμητικά τοπία και την πομπώδη θεατρικότητά του. Ήθελαν να απεικονίσουν ζώντας την ζωή. Οι σκηνές του είδους (καθημερινές) κατείχαν πρωταγωνιστική θέση στη δουλειά τους. Η αγροτιά απολάμβανε ιδιαίτερη συμπάθεια με τους «Πλανωτούς». Perov («Τρόικα», «Γέροι γονείς στον τάφο του γιου τους», «Τσάϊ πάρτι στο Mytishchi»). S. A. Korovina "On the World" Myasoedov "Mowers". Kramskoy - πορτρέτα του Nekrasov, Tolstoy, "Christ in the Desert", επίσης Myasoedov, Savrasov, Ge.

19. Σύνδεσμος Περιοδευτικών Εκθέσεων

Στη δεκαετία του '70, η προοδευτική δημοκρατική ζωγραφικήκερδίζει τη δημόσια αναγνώριση. Έχει τους δικούς της κριτικούς - Ι.Ν. Kramskoy και V.V. Ο Stasov και ο συλλέκτης του - P.M. Τρετιακόφ. Έρχεται η ώρα να ανθίσει ο ρωσικός δημοκρατικός ρεαλισμός στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα.

Αυτή την ώρα στο κέντρο του επίσημου σχολείου- Ακαδημία Τεχνών της Αγίας Πετρούπολης - ένας αγώνας επίσης μαγειρεύεται για το δικαίωμα της τέχνης να στραφεί στην πραγματική, πραγματική ζωή, που κατέληξε στη λεγόμενη «εξέγερση του 14» το 1863. Αρκετοί απόφοιτοι της Ακαδημίας αρνήθηκαν να ζωγραφίσουν μια προγραμματική εικόνα για ένα θέμα του Σκανδιναβικού έπους, όταν υπήρχαν τόσα πολλά συναρπαστικά σύγχρονα προβλήματα και, μη λαμβάνοντας άδεια να επιλέξουν ελεύθερα ένα θέμα, εγκατέλειψαν την Ακαδημία, ιδρύοντας την «Αγία Πετρούπολη Artel of Artists» (F. Zhuravlev, A. Korzukhin, K. . Makovsky, A. Morozov, A. Litovchenko, κ.ά.). Το «Artel» δεν υπήρχε για πολύ. Και σύντομα η Μόσχα και η Αγία Πετρούπολη προχώρησαν καλλιτεχνικές δυνάμειςενώθηκε στην Ένωση Περιοδευόμενων Εκθέσεων Τέχνης (1870). Αυτές οι εκθέσεις ονομάστηκαν ταξιδιωτικές επειδή διοργανώνονταν όχι μόνο στην Αγία Πετρούπολη και τη Μόσχα, αλλά και στις επαρχίες (μερικές φορές σε 20 πόλεις κατά τη διάρκεια του έτους). Ήταν σαν να «πάω στους ανθρώπους» των καλλιτεχνών. Η συνεργασία υπήρχε για περισσότερα από 50 χρόνια (μέχρι το 1923). Κάθε έκθεση ήταν ένα τεράστιο γεγονός στη ζωή της επαρχιακής πόλης. Σε αντίθεση με το Artel, το Peredvizhniki είχε ένα σαφές ιδεολογικό πρόγραμμα - να αντικατοπτρίζει τη ζωή με όλα τα οξεία κοινωνικά προβλήματα, σε όλη τη σημασία της.

Ο Myasoedov ισχυρίστηκε ότι η επιτυχία της πρώτης παράστασηςθα πρέπει να προκαθορίσει με πολλούς τρόπους τη μελλοντική μοίρα της Συνεργασίας - και αποδείχθηκε ότι είχε δίκιο. Πρώτα γενική συνάντησηΟ Σύλλογος, που έγινε στις 6 Δεκεμβρίου 1870, προγραμμάτισε τα εγκαίνια της έκθεσης «στις 15 Σεπτεμβρίου του μέλλοντος 1871 και όχι αργότερα από την 1η Οκτωβρίου». Αλλά αυτή η προθεσμία δεν μπορούσε να τηρηθεί: η πρώτη έκθεση άνοιξε μόλις στις 29 Νοεμβρίου 1871 και έκλεισε στις 2 Ιανουαρίου 1872. Έτσι, ήταν διαθέσιμο για προβολή για λίγο περισσότερο από ένα μήνα. Αλλά αυτός ο μήνας ήταν κρίσιμος για την αξιολόγηση του νέου οργανισμού. Η έκθεση έφερε αμέσως αναγνώριση, αν και μόνο 16 καλλιτέχνες παρουσίασαν 47 έργα σε αυτήν στην Αγία Πετρούπολη. Αυτό και μόνο το ξεχώριζε από τις ακαδημαϊκές εκθέσεις που ήταν πιο εκτεταμένες στον αριθμό των εκθεμάτων.

«Η εταιρική σχέση έχει τον στόχο», λέει η § 1 του Χάρτη, - η διοργάνωση, με την κατάλληλη άδεια, περιοδευόμενων εκθέσεων τέχνης με τους εξής τρόπους: α) παροχή της ευκαιρίας στους ενδιαφερόμενους κατοίκους της επαρχίας να εξοικειωθούν με τη ρωσική τέχνη και να παρακολουθήσουν τις επιτυχίες της, β) να αναπτύξουν την αγάπη για την τέχνη στην κοινωνία, γ. ) διευκολύνοντας τους καλλιτέχνες να πουλήσουν τα έργα τους».

Η τέχνη των Peredvizhniki ήταν μια έκφρασηεπαναστατικές δημοκρατικές ιδέες στην εγχώρια καλλιτεχνική κουλτούρα του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα. Ο κοινωνικός προσανατολισμός και η υψηλή ιδιότητα του πολίτη της ιδέας τη διακρίνουν στην ευρωπαϊκή ζωγραφική ειδών του 19ου αιώνα.

Η συνεργασία δημιουργήθηκε με πρωτοβουλία του Myasoedov, με την υποστήριξη των Perov, Ge, Kramskoy, Savrasov, Shishkin, των αδελφών Makovsky και ορισμένων άλλων «ιδρυτικών μελών» που υπέγραψαν τον πρώτο χάρτη της εταιρικής σχέσης. Στη δεκαετία του 70-80 προστέθηκαν νεότεροι καλλιτέχνες, συμπεριλαμβανομένων των Repin, Surikov, Vasnetsov, Yaroshenko, Savitsky, Kasatkin και άλλων Από τα μέσα της δεκαετίας του '80, ο Serov, ο Levitan και ο Polenov έχουν λάβει μέρος σε εκθέσεις. Η γενιά των «παλαιότερων» Peredvizhniki ήταν ως επί το πλείστον διαφορετικών βαθμίδων στην κοινωνική θέση. Η κοσμοθεωρία του αναπτύχθηκε στην ατμόσφαιρα της δεκαετίας του '60. Υπήρξε αρχηγός και θεωρητικός του Κινήματος Περιπλανώμενου. Ιβάν Νικολάεβιτς Κράμσκοϊ(1837-1887), ο οποίος το 1863 ηγήθηκε της «εξέγερσης των 14», ένας αξιόλογος διοργανωτής και εξαιρετικός κριτικός τέχνης. Χαρακτηρίστηκε από μια ακλόνητη πίστη, πρώτα απ 'όλα, στην εκπαιδευτική δύναμη της τέχνης, σχεδιασμένη να διαμορφώνει τα πολιτικά ιδανικά του ατόμου και να το βελτιώνει ηθικά. Τα θέματα της δουλειάς του ίδιου του Kramskoy, ωστόσο, δεν ήταν τυπικά των Wanderers.

Σπάνια ζωγράφιζε πίνακες του είδους, στράφηκαν σε ιστορίες ευαγγελίου. Αλλά αυτός" Χριστόςστην έρημο" - η σκέψη ενός βαθιά μοναχικού ατόμου που κάθεται με φόντο ένα έρημο βραχώδες τοπίο Χριστός, την προθυμία του να θυσιαστεί στο όνομα του υψηλότερου στόχου - όλα αυτά ήταν κατανοητά στη λαϊκιστική διανόηση της δεκαετίας του '70. Στο είδος της προσωπογραφίας διακατέχεται επίσης από μια εξυψωμένη, άκρως πνευματική προσωπικότητα. Ο Kramskoy δημιούργησε μια ολόκληρη γκαλερί εικόνων των μεγαλύτερων μορφών του ρωσικού πολιτισμού - πορτρέτα των Saltykov-Shchedrin, Nekrasov, L. Tolstoy. Το καλλιτεχνικό στυλ του Kramskoy χαρακτηρίζεται από μια ορισμένη ξηρότητα πρωτοκόλλου και μονοτονία των σχημάτων σύνθεσης. Το καλύτερο όσον αφορά τα χαρακτηριστικά φωτεινότητας είναι το πορτρέτο του L.N. Τολστόι, γραμμένο με εντολή του Τρετιακόφ, στο οποίο ο θεατής εντυπωσιάζεται από το οξυδερκές, παντογνώστης και παντός βλέμμα των ήρεμων γκρι-μπλε ματιών. Το πορτρέτο του A. G. Litovchenko διακρίνεται για τον γραφικό του πλούτο. Ο Kramskoy ήταν καλλιτέχνης-στοχαστής. Είναι συντηρητικός στη δημιουργικότητά του.

Εκτός από τον Kramskoy, μεταξύ αυτών που υπέγραψαν τη Χάρτα της εταιρικής σχέσης, υπήρχε ένας άλλος καλλιτέχνης που ενδιαφερόταν για χριστιανικά θέματα - Νικολάι Νικολάεβιτς Γκε(1831-1894). Αποφοίτησε από την Ακαδημία, λαμβάνοντας Major χρυσό μετάλλιογια τον πίνακα «Ο Saul at the Witch of Endor». Το 1863 έκανε την πρώτη του μεγάλη μια ανεξάρτητη εργασία"Το τελευταίο δείπνο". Φως και σκιά, καλό και κακό, η σύγκρουση δύο διαφορετικών αρχών βρίσκονται στην καρδιά του έργου του Ge. Αυτό τονίζεται από τις αντιθέσεις φωτός και σκιάς και τη δυναμική των εκφραστικών στάσεων. Το "The Last Supper" εξέφρασε την επιθυμία του καλλιτέχνη για μια γενικευμένη καλλιτεχνική μορφή, στη μνημειοποίησή του, στη μεγάλη τέχνη βασισμένη στις παραδόσεις των μεγάλων δασκάλων του παρελθόντος. Δεν είναι τυχαίο ότι του απονεμήθηκε ο τίτλος του καθηγητή για αυτόν τον πίνακα.

Ο Ge έκανε πολλά πορτραίτα. Τα πορτρέτα του διαφέρουν από τα έργα του Kramskoy ως προς τη συναισθηματικότητά τους, μερικές φορές τον δραματισμό, όπως το πορτρέτο του Herzen: η πικρία της αμφιβολίας, το μαρτύριο των σκέψεων, που φτάνουν στο σημείο του πόνου, διαβάζονται στο πρόσωπο του μοντέλου. Το πορτρέτο του ιστορικού N.I Kostomarov είναι ασυνήθιστα ιδιοσυγκρασιακό, φρέσκο ​​και ελεύθερα γραμμένο. Η Ge, όπως και ο Kramskoy, είναι ένας από τους διοργανωτές της Συνεργασίας. Στην πρώτη έκθεση το 1871, έδειξε τον ιστορικό πίνακα «Ο Πέτρος Α' ανακρίνει τον Τσαρέβιτς Αλεξέι Πέτροβιτς στο Πέτερχοφ». Ο καλλιτέχνης προσπάθησε να μεταφέρει τη μέγιστη ακρίβεια της κατάστασης. Όλα τα έργα του Ge των τελευταίων ετών διαποτίζονται από την ηθική και θρησκευτική ιδέα της αναδιάρθρωσης του κόσμου. Επιλύει επίσης επίσημα προβλήματα με έναν μοναδικό, νέο τρόπο - την αναζήτηση χρώματος, φωτός, υφής. Παραβιάζει με τόλμη τους ακαδημαϊκούς κανόνες, χρησιμοποιεί συχνά αποσπασματικές συνθέσεις, έντονες αντιθέσεις φωτός και χρώματος και γράφει συναισθηματικά και εκφραστικά. («Γολγοθάς», «Τι είναι αλήθεια; Χριστός και Πιλάτος»)

Διοργανωτές του Kramskoy's Peredvizhnikiκαι ο Ge στη δουλειά τους ακολουθούν διαφορετικό δρόμο από τους συντρόφους τους στο σύλλογο, καλλιτέχνες του είδους. Στρέφονται σε χριστιανικά θέματα, έχουν μια διαφορετική εικονιστική και εικονογραφική-πλαστική δομή, πιο πιθανό να έλκονται προς τις παραδόσεις της τέχνης του πρώτου μισού του 19ου αιώνα: στο Ge - στο ρομαντικό, στο Kramskoy - στο ορθολογικό-κλασικό .

Βασίλι Μαξίμοβιτς Μαξίμοφ(1844-1911) ήδη στην πρώτη πολυμορφική σύνθεση - «Η άφιξη ενός μάγου σε έναν αγρότη» - έρχεται στο κύριο θέμα του - την απεικόνιση της αγροτικής ζωής, την οποία ο ίδιος, γέννημα θρέμμα αγροτών, γνώριζε τέλεια Καλά. Οι επόμενοι πίνακες στερούνται κάθε εορταστικής αίσθησης. Σε αυτά, σε όλη της τη γύμνια, αναδύεται η εικόνα της εξαθλιωμένης μετα-μεταρρυθμιστικής Ρωσίας («Οικογενειακός Διχασμός», «Εξόρμητη πεθερά», «Όλα είναι στο παρελθόν»).

Οι περιπλανώμενοι των 70s στο πλαίσιοείδος μπόρεσαν να αναδείξουν τα πιο σημαντικά, τα περισσότερα οξέα προβλήματατη δημόσια ζωή, όπως και έγινε Γκριγκόρι Γκριγκόριεβιτς Μυασόεντοφ(1834-1911) στην ταινία «The Zemstvo είναι να γευματίζει». Η ειλικρίνεια της πίστης των Ρώσων αγροτών έδειξε ο Konstantin Apollonovich Savitsky (1844-1905) στον μεγάλο πίνακα "Συνάντηση της εικόνας". Master των πολυμορφικών συνθέσεων. «Εργασίες επισκευής στο σιδηρόδρομο», «Στον πόλεμο».

Νικολάι Αλεξάντροβιτς Γιαροσένκο(1846-1898): «Stoker» και «Prisoner», εκ των οποίων το «Stoker» είναι η πρώτη εικόνα εργάτη στη ρωσική ζωγραφική και ο «Prisoner» είναι η πιο σχετική εικόνα στα χρόνια του ταραχώδους λαϊκιστικού επαναστατικού κινήματος. Το "Student" είναι ένα πορτραίτο τύπου.

Βλαντιμίρ Εγκόροβιτς Μακόφσκι- «Στην αίθουσα αναμονής του γιατρού», «Επίσκεψη στους φτωχούς», «Αναμονή», «Κατάδικος», «Κατάρρευση τράπεζας», «Ραντεβού», «Στη λεωφόρο». Ο Μακόφσκι κατάφερε να απαντήσει σε πολλά θέματα. Οι πίνακές του αποκαλύπτουν τη δραματική μοίρα όχι μόνο μεμονωμένων ανθρώπων, αλλά ολόκληρων στρωμάτων και γενεών. Ο Μακόφσκι δεν απέφευγε πάντα συναισθηματικές και μελοδραματικές καταστάσεις (για παράδειγμα, το «Δεν θα σε αφήσω να μπεις!»), αλλά στα καλύτερα έργα του έμεινε πιστός στην αλήθεια της ζωής και έκπληκτος με την πληρότητα της εικονογραφικής ιστορίας, πληρότητα της εικόνας, που προέκυψε από τις καθημερινές καθημερινές σκηνές που παρατηρούσε το οξυδερκές μάτι του.

20. Καθημερινό είδος

Είδος σκηνών στη μεσαιωνική τέχνη, συγκεκριμένες παρατηρήσεις της καθημερινής ζωής προέκυψαν, κατά κανόνα, με την ανάπτυξη κοσμικών ουμανιστικών τάσεων στο πλαίσιο της κυρίαρχης θρησκευτικής κοσμοθεωρίας και συχνά υφάνθηκαν σε θρησκευτικές και αλληγορικές συνθέσεις. Είναι κοινά σε πίνακες, ανάγλυφα και μινιατούρες - ρωσικές ζωγραφιές του 17ου αιώνα.

Στη Ρωσία, η ανάπτυξη του καθημερινού είδους στο 2ο μισό του 18ου αιώνα. συνδεδεμένο (με εξαίρεση το «home stage» του I. Firsov Νέος ζωγράφος") με ενδιαφέρον για τον αγρότη· και εδώ η ειδυλλικότητα των εξιδανικευμένων αγροτικών σκηνών (I. M. Tankov) αντιμετώπισε την αγαπημένη και ακριβή απεικόνιση της παραδοσιακής αγροτικής ζωής στους πίνακες του M. Shibanov, τη σκληρή, ασυμβίβαστη ειλικρίνεια της επίδειξης του χωρικού φτώχεια στις ακουαρέλες του I. A. Ermenev.

Τον 19ο αιώνα απευθυνόμενοι δημοκρατικοί καλλιτέχνεςστο καθημερινό είδος ως μια προγραμματική τέχνη που κατέστησε δυνατή την κριτική αξιολόγηση και έκθεση κοινωνικές σχέσειςκαι τα ηθικά πρότυπα που επικρατούσαν στην αστική-ευγενή κοινωνία και οι εκδηλώσεις τους στην καθημερινή ζωή, για να υπερασπιστούν τα δικαιώματα των εργαζομένων, καταπιεσμένων ανθρώπων, να κάνουν τον θεατή άμεσο αυτόπτη μάρτυρα στις κοινωνικές αντιθέσεις και συγκρούσεις που γέμιζαν την καθημερινότητα. Στο 1ο μισό του 19ου αιώνα, μια αληθινή, αλλά μονόπλευρη, σαγηνευτική με ποιητική αθωότητα και συγκινητική ειλικρίνεια των φωτεινών, χωρίς σύννεφα πτυχές της ζωής των αγροτικών και αστικών δημοκρατικών στρωμάτων (A.G. Venetsianov και η Βενετσιάνικη σχολή στη Ρωσία ) έπαιξε σημαντικό ρόλο στην αισθητική επιβεβαίωση της καθημερινότητας.

Στο καθημερινό είδος του ρωσικού κριτικού ρεαλισμούη σατιρική έκθεση της δουλοπαροικίας και η συμπάθεια για τους μειονεκτούντες συμπληρώθηκαν από μια βαθιά και ακριβή διείσδυση στον πνευματικό κόσμο των χαρακτήρων, μια λεπτομερή αφήγηση και μια λεπτομερή δραματική εξέλιξη της πλοκής και των σχέσεων των χαρακτήρων. Αυτά τα χαρακτηριστικά εμφανίστηκαν ξεκάθαρα στα μέσα του 19ου αιώνα. στους πίνακες του P. A. Fedotov, γεμάτους κοροϊδία και πόνο, στα σχέδια του A. A. Agin και του Ουκρανού καλλιτέχνη T. G. Shevchenko, που συνδύασαν την άμεση και αιχμηρή δημοσιογραφία με μια βαθιά λυρική εμπειρία των τραγωδιών της ζωής των αγροτών και των φτωχών της πόλης.

Σε αυτή τη βάση μεγάλωσεέχοντας συνθέσει νέο στάδιο, το καθημερινό είδος των Πλανόδιων, που έπαιξε πρωταγωνιστικό ρόλο στην τέχνη τους, που αντανακλούσε αποκλειστικά πλήρως και με ακρίβεια τη ζωή των ανθρώπων του 2ου μισού του 19ου αιώνα, κατανοώντας έντονα τα θεμελιώδη πρότυπα της. Μια λεπτομερής, τυπική εικόνα της ζωής όλων των στρωμάτων της ρωσικής κοινωνίας έδωσαν οι G. G. Myasoedov, V. M. Maksimov, K. A. Savitsky, V. E. Makovsky και - με ιδιαίτερο βάθος και εμβέλεια - ο I. E. Repin, που έδειξε όχι μόνο τη βάρβαρη καταπίεση του λαού, αλλά και τις ισχυρές ζωτικές δυνάμεις που κρύβονται μέσα της και τον ηρωισμό των αγωνιστών για την απελευθέρωσή της. Ένα τέτοιο εύρος εργασιών για μια ζωγραφική του είδους την έφερνε συχνά πιο κοντά σε μια ιστορική σύνθεση. Στους πίνακες των N. A. Yaroshenko, N. A. Kasatkin, S. V. Ivanov, A. E. Arkhipov στα τέλη του 19ου - αρχές του 20ου αιώνα. αντανακλούσε τις αντιφάσεις του καπιταλισμού, τη διαστρωμάτωση της υπαίθρου, τη ζωή και τον αγώνα της εργατικής τάξης και των φτωχών της υπαίθρου.

Οικιακό είδος από τις δεκαετίες 1860-70. εγκρίθηκε επίσης ένας νέος τύποςη ζωγραφική του είδους, που συνδέεται με πολλούς τρόπους με τον ιμπρεσιονισμό και αναπτύχθηκε στη Γαλλία από τους E. Manet, E. Degas, O. Renoir, A. Toulouse-Lautrec. Αυτό που έρχεται στο προσκήνιο είναι η ομορφιά της καθημερινής ζωής που μεταμορφώνεται από την τέχνη, η εκφραστικότητα μιας φαινομενικά τυχαίας, αποσπασματικής, απροσδόκητης πτυχής της ζωής, οι στιγμιαία αποτυπωμένες καταστάσεις, οι μεταβαλλόμενες διαθέσεις και καταστάσεις, η οξεία ιδιαιτερότητα της εμφάνισης και οι συνήθεις κινήσεις των χαρακτήρων. και ενδιαφέρον για άτομα που βρίσκονται εκτός κοινωνικών κανόνων. Μια σειρά από στιλιστικά χαρακτηριστικά αυτού του είδους ζωγραφικής υιοθετήθηκαν σε πολλές χώρες από δασκάλους του καθημερινού είδους, οι οποίοι προσπάθησαν να συνδυάσουν το εύρος της αντίληψης της λαϊκής ζωής με τη φρεσκάδα και τις απροσδόκητες πτυχές (V. A. Serov, F. A. Malyavin, K. F. Yuon στη Ρωσία ).

Στη σοβιετική τέχνη, το καθημερινό είδος απέκτησε νέα χαρακτηριστικά, που εξαρτάται από τη διαμόρφωση και ανάπτυξη μιας σοσιαλιστικής κοινωνίας - ιστορική αισιοδοξία, επιβεβαίωση της ανιδιοτελούς ελεύθερης εργασίας και ενός νέου τρόπου ζωής, βασισμένου στην ενότητα κοινωνικών και προσωπικών αρχών. Από τα πρώτα κιόλας χρόνια της σοβιετικής εξουσίας, οι καλλιτέχνες (B. M. Kustodiev, I. A. Vladimirov) προσπάθησαν να αποτυπώσουν τις αλλαγές που έφερε η επανάσταση στη ζωή της χώρας. Στο έργο των A. A. Deineka και Yu I. Pimenov, που ήταν μέρος του συλλόγου OST, άρχισε να καθορίζεται η χαρακτηριστική και αργότερα χαρούμενη, ενεργητική δομή των πινάκων που ήταν αφιερωμένες στην κατασκευή, τη βιομηχανική εργασία και τον αθλητισμό. Η αναζήτηση των δασκάλων του AHRR και του OST μπήκε οργανικά στη χαρούμενη, επιβεβαιωτική τέχνη της δεκαετίας του 1930. Οι ζωγράφοι S. V. Gerasimov, A. A. Plastov, T. G. Gaponenko, V. G. Odintsov, F. G. Krichevsky, γλύπτης I. M. Chaikov απαθανάτισαν τις φωτεινές, πολύχρωμες πλευρές της αστικής και συλλογικής ζωής των αγροκτημάτων.

Στο σοβιετικό καθημερινό είδος. αντικατοπτρίστηκε επίσης η δύσκολη ζωή της πρώτης γραμμής και του πίσω μέρους των χρόνων του πολέμου με τις λύπες και τις χαρές της (πίνακες των Yu. M. Neprintsev, B. M. Nemensky, A. I. Laktionov, V. N. Kostetsky· γραφικά των A. F. Pakhomov, L. V. Soyfertis) και πνευματική φιλοδοξία , ενθουσιασμός για τη συλλογική εργασία και την κοινωνική ζωή, χαρακτηριστικά γνωρίσματα της καθημερινότητας στο μεταπολεμικά χρόνια(πίνακες των T. N. Yablonskaya, S. A. Chuikov, F. P. Reshetnikov, S. A. Grigoriev, U. M. Japaridze, E. F. Kalnyn, χαρακτικά του L. A. Ilyina). Από το 2ο μισό της δεκαετίας του 1950. Σοβιετικοί δάσκαλοι. B.f. Προσπαθούν να διευρύνουν τον κύκλο των παρατηρήσεων της σύγχρονης ζωής, να δείξουν το θάρρος και τη θέληση του σοβιετικού λαού, δυναμώνοντας στη δημιουργική εργασία, στην υπέρβαση των δυσκολιών. Στους πίνακες των G. M. Korzhev, V. I. Ivanov, E. E. Moiseenko, Yu P. Kugach, T. T. Salakhov, G. S. Khandzhyan, E. K. Iltner, I. A. Zarin, I. N. Klychev, στα χαρακτικά του V. F. Zakharov, κάθε μέρα. του λαού εμφανίζεται πλούσιος και σύνθετος, γεμάτος μεγάλες σκέψεις και εμπειρίες.

Η ρωσική καλλιτεχνική κουλτούρα σημείωσε μεγάλη επιτυχία στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα. Ήταν εκείνη την εποχή που δημιουργούσαν οι Πούσκιν, Γκόγκολ, Λερμόντοφ, Γκριμπογιέντοφ, Ζουκόφσκι, Κρίλοφ. Αυτή η ταχεία άνθιση της καλλιτεχνικής κουλτούρας συνδέθηκε με την άνοδο της εθνικής αυτογνωσίας στους προηγμένους κύκλους της ρωσικής κοινωνίας κατά τη διάρκεια του Πατριωτικού Πολέμου του 1812. Ο αγώνας για την απελευθέρωση της πατρίδας από την ξένη επέμβαση, που προκάλεσε κύμα υψηλών πατριωτικών συναισθημάτων, δεν μπορούσε παρά να επηρεάσει τα φαινόμενα της ρωσικής τέχνης.

Η προηγμένη ρωσική ιδεολογία εκείνης της εποχής διαμορφώθηκε υπό την άμεση επιρροή του Πατριωτικού Πολέμου του 1812 και του ευγενούς επαναστατικού κινήματος που διαμορφώθηκε στο πρόγραμμα Decembrist.
Ο Πατριωτικός Πόλεμος ανέβασε την αυτογνωσία των ανθρώπων, τα συναισθήματα πατριωτισμού και εθνικής υπερηφάνειας σε ασυνήθιστα υψηλό επίπεδο. Λαϊκός χαρακτήραςοι πόλεμοι και τα πατριωτικά κατορθώματα των απλών Ρώσων για μεγάλο χρονικό διάστημα προσέλκυσαν την προσοχή του προοδευτικού κοινού της Ρωσίας και προκάλεσαν ένα είδος επανεκτίμησης των αισθητικών αξιών: οι λαϊκές εικόνες και τα εθνικά θέματα κατέλαβαν μια εξαιρετικά σημαντική θέση στη ρωσική τέχνη, ασύμβατη με τον επεισοδιακό ρόλο έπαιξαν στο έργο των περισσότερων δασκάλων του 18ου αιώνα. Η έκκληση προς τον λαό έδωσε νέα δύναμη στη ρωσική καλλιτεχνική κουλτούρα. Οι προηγμένες δημιουργικές τάσεις βασίστηκαν στο φάσμα των ιδεών που προτάθηκαν από την ευγενή επαναστατική σκέψη.

Η κριτική της εποχής έδειξε την «ισχυρή κατεύθυνση της σύγχρονης ιδιοφυΐας προς τον λαό» σε όλους τους τομείς της τέχνης. Ο «εθνικισμός» έγινε το κεντρικό πρόβλημα της προηγμένης ρωσικής κουλτούρας στη δεκαετία του 20 και του 30 του περασμένου αιώνα. Ακόμη και αντιδραστικοί δημοσιογράφοι προσπάθησαν να χρησιμοποιήσουν την έννοια της εθνικότητας, συμπεριλαμβανομένης της στην επίσημη φόρμουλα της κυβερνητικής πολιτικής («Ορθοδοξία, αυτοκρατορία, εθνικότητα»). Σε αντίθεση με την επίσημη ερμηνεία της εθνικότητας στους προηγμένους καλλιτεχνικούς κύκλους, αναπτύχθηκε μια εντελώς διαφορετική κατανόησή της, που διατυπώθηκε από έναν από τους θεωρητικούς της προοδευτικής τέχνης στις αρχές της δεκαετίας του '30: «Με την εθνικότητα εννοώ εκείνο το πατριωτικό κινούμενο σχέδιο των καλών τεχνών, το οποίο τροφοδοτεί στις εγγενείς εντυπώσεις και μνήμες, αντικατοπτρίζει στα έργα του τον γηγενή ευλογημένο ουρανό, την γηγενή αγία γη, τις γηγενείς πολύτιμες παραδόσεις, τα ιθαγενή ήθη και ήθη, τη γηγενή ζωή, τη γηγενή δόξα, το εγγενές μεγαλείο».

Το πρώτο μισό του 19ου αιώνα ήταν μια φωτεινή σελίδα στον ρωσικό πολιτισμό. Όλες οι κατευθύνσεις - λογοτεχνία, αρχιτεκτονική, ζωγραφική αυτής της εποχής χαρακτηρίζονται από έναν ολόκληρο αστερισμό ονομάτων που έφεραν τη ρωσική τέχνη παγκόσμια φήμη. Τον 18ο αιώνα, το στυλ του κλασικισμού κυριάρχησε στη ρωσική ζωγραφική. Ο κλασικισμός έπαιξε σημαντικό ρόλο στις αρχές κιόλας του 19ου αιώνα. Ωστόσο, μέχρι τη δεκαετία του 1830 αυτή την κατεύθυνσηχάνει σταδιακά την κοινωνική του σημασία και μετατρέπεται όλο και περισσότερο σε ένα σύστημα επίσημων κανόνων και παραδόσεων. Μια τέτοια παραδοσιακή ζωγραφική γίνεται μια ψυχρή, επίσημη τέχνη, που υποστηρίζεται και ελέγχεται από την Ακαδημία Τεχνών της Αγίας Πετρούπολης. Ακολούθως έννοια του «ακαδημαϊσμού»άρχισε να χρησιμοποιείται για να δηλώσει την αδρανή τέχνη, διαζευγμένη από τη ζωή.

Έφερε νέες απόψεις στη ρωσική τέχνη ρομαντισμός- ένα ευρωπαϊκό κίνημα που αναπτύχθηκε στις αρχές του 18ου - 19ου αιώνα. Ένα από τα κύρια αξιώματα του ρομαντισμού, σε αντίθεση με τον κλασικισμό, είναι επιβεβαίωση της προσωπικότητας ενός ατόμου, των σκέψεων και της κοσμοθεωρίας του ως κύριας αξίας στην τέχνη.Η κατοχύρωση του δικαιώματος του ατόμου στην προσωπική ανεξαρτησία προκάλεσε ιδιαίτερο ενδιαφέρον για τον εσωτερικό του κόσμο και ταυτόχρονα προϋπέθετε την ελευθερία της δημιουργικότητας του καλλιτέχνη. Στη Ρωσία, ο ρομαντισμός απέκτησε τη δική του ιδιαιτερότητα: στις αρχές του αιώνα είχε ηρωικός χρωματισμόςκαι κατά τα χρόνια της αντίδρασης του Νικολάεφ - τραγικός. Ταυτόχρονα, ο ρομαντισμός στη Ρωσία ήταν ανέκαθεν μια μορφή καλλιτεχνικής σκέψης, κοντά στο πνεύμα των επαναστατικών και φιλελεύθερων συναισθημάτων.

Έχοντας ως ιδιαιτερότητά του τη γνώση ενός συγκεκριμένου προσώπου, ο ρομαντισμός έγινε η βάση για τη μετέπειτα ανάδυση και τη διαμόρφωση μιας ρεαλιστικής κατεύθυνσης, καθιερώθηκε στην τέχνη το δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. Ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα του ρεαλισμού ήταν η έκκλησή του στο θέμα της σύγχρονης λαϊκής ζωής, η καθιέρωση ενός νέου θέματος στην τέχνη - η ζωή των αγροτών. Εδώ, πρώτα απ 'όλα, είναι απαραίτητο να σημειώσουμε το όνομα του καλλιτέχνη A.G. Βενετσιάνοβα. Οι πιο πλήρως ρεαλιστικές ανακαλύψεις του πρώτου μισού του 19ου αιώνα αντικατοπτρίστηκαν τη δεκαετία του 1840 στα έργα του P.A. Φεντότοβα.

Συνολικά πολιτισμικά η ζωή αυτή την περίοδο ήταν διφορούμενη και ποικιλόμορφη: κάποιες επικρατούσες τάσεις στην τέχνη αντικαταστάθηκαν από άλλες. Ως εκ τούτου, οι ερευνητές, όταν εξετάζουν την τέχνη του πρώτου μισού του 19ου αιώνα με περισσότερες λεπτομέρειες, συνήθως τη χωρίζουν σε δύο περιόδους - το πρώτο και το δεύτερο τέταρτο του αιώνα. Ωστόσο, αξίζει να σημειωθεί ότι η διαίρεση αυτή είναι υπό όρους. Επιπλέον, δεν χρειάζεται να μιλήσουμε για τον κλασικισμό, τον ρομαντισμό και τον ρεαλισμό στην καθαρή τους μορφή αυτή την περίοδο: η διαφοροποίησή τους, τόσο χρονολογικά όσο και ως προς τα χαρακτηριστικά, δεν είναι απόλυτη.

Η ζωγραφική στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα απέκτησε πολύ μεγαλύτερη σημασία στη ζωή της κοινωνίας από ό,τι τον 18ο αιώνα. Η ανάπτυξη της εθνικής αυτοσυνείδησης, που προκλήθηκε από τη νίκη στον Πατριωτικό Πόλεμο του 1812, ανέδειξε το ενδιαφέρον των ανθρώπων για εθνικό πολιτισμόκαι ιστορία, στα εγχώρια ταλέντα. Ως αποτέλεσμα, κατά το πρώτο τέταρτο του αιώνα, εμφανίστηκαν για πρώτη φορά δημόσιοι οργανισμοί, κύριο έργο των οποίων ήταν η ανάπτυξη των τεχνών. Μεταξύ αυτών των οργανώσεων ήταν όπως Ελεύθερη Εταιρεία Λογοτεχνών, Επιστημών και Τεχνών, Εταιρεία Ενθάρρυνσης Καλλιτεχνών.Εμφανίστηκαν ειδικά περιοδικά και έγιναν οι πρώτες προσπάθειες συλλογής και προβολής ρωσικής τέχνης. Έτσι, το μικρό ιδιωτικό «Ρωσικό Μουσείο» του Π. Σβίνιν έγινε διάσημο στους μορφωμένους κύκλους και η Ρωσική Πινακοθήκη δημιουργήθηκε στο Αυτοκρατορικό Ερμιτάζ το 1825. Από τις αρχές του αιώνα, η πρακτική της Ακαδημίας Τεχνών περιλαμβάνει περιοδικές εκθέσεις, οι οποίες προσέλκυαν πολλούς επισκέπτες. Ταυτόχρονα, μεγάλο επίτευγμα ήταν η είσοδος σε αυτές τις εκθέσεις ορισμένες μέρες του απλού κόσμου, που όμως προκάλεσε αντιρρήσεις από κάποιους κριτικούς περιοδικών.

Τα εξαιρετικά επιτεύγματα στη ρωσική τέχνη των αρχών του 19ου αιώνα χαρακτηρίζονται από ζωγραφική πορτρέτου.Καθ' όλη τη διάρκεια του αιώνα, το ρωσικό πορτρέτο θα είναι το είδος της ζωγραφικής που συνέδεσε πιο άμεσα τους καλλιτέχνες με την κοινωνία, με εξαιρετικούς σύγχρονους. Άλλωστε, όπως γνωρίζετε, οι καλλιτέχνες έλαβαν μεγάλο αριθμό παραγγελιών από ιδιώτες ειδικά για πορτρέτα.

ΟΡΕΣΤ ΚΙΠΡΕΝΣΚΙ (1782-1836)

Orest Kiprensky, ένας από τους μεγαλύτερους ζωγράφους του πρώτου μισού του 19ου αιώνα - Αυτοπροσωπογραφία (1). Η τέχνη αυτού του καλλιτέχνη, όπως κάθε μεγάλου δασκάλου, είναι ετερογενής. Στις δημιουργικές του φιλοδοξίες, ο Kiprensky υπόκειται επηρεασμένος τόσο από τον ρομαντισμό όσο και από τον κλασικισμό.Τα έργα ενός καλλιτέχνη ακόμη και της ίδιας περιόδου είναι συχνά ανόμοια. Οι καλύτεροι πίνακες του Kiprensky αναδεικνύουν μια ρομαντική κατανόηση της ανθρώπινης προσωπικότητας. Στα έργα του ο καλλιτέχνης προικίζει ένα άτομο με πνευματικές ιδιότητες- ευφυΐα, αρχοντιά, χαρακτήρας, ικανότητα σκέψης και αίσθησης. Γι' αυτό στα πορτρέτα του ο Kiprensky κυρίως απεικονίζονται ή επιφανείς σύγχρονοι– μεταξύ των έργων του είναι πορτρέτα των Πούσκιν, Μπατιούσκοφ, Ζουκόφσκι, ηρώων του Πατριωτικού Πολέμου του 1812, ή τους στενούς σου φίλους. Η γκαλερί των πορτρέτων που δημιούργησε είναι το καμάρι της ρωσικής τέχνης. Αμέσως μετά την αποφοίτησή του από την Ακαδημία Τεχνών Kiprensky αφιερωμένο εξ ολοκλήρου στην προσωπογραφία. Ένα από τα καλύτερα έργα του νεαρού τότε καλλιτέχνη ήταν πορτρέτο του Davydov (2). Ο Kiprensky δημιούργησε την εικόνα ενός Ρώσου αξιωματικού χαρακτηριστική της εποχής - συμμετέχοντα στον αγώνα για την ανεξαρτησία της πατρίδας του. Η υψηλή καλλιτεχνική δεξιοτεχνία του Kiprensky αποκαλύφθηκε στη συναισθηματική αγαλλίαση του πορτρέτου και στον πλούτο των χρωμάτων του. Σε άλλα έργα πορτρέτου και σε μια ολόκληρη σειρά σχεδίων με μολύβι, ο καλλιτέχνης απαθανάτισε εικόνες συμμετεχόντων στον πόλεμο, αξιωματικών και πολιτοφυλακών με τους οποίους γνώριζε καλά προσωπικά. Σε όλο το πορτρέτο του Kiprensky, μαζί με τα χαρακτηριστικά της ρομαντικής αγαλλίασης, μπορεί κανείς να δει καθαρά την επιθυμία για μια ρεαλιστική αποκάλυψη της ανθρώπινης ψυχολογίας.Εξαιρετικό ενδιαφέρον είναι πορτρέτο του A. S. Pushkin (3), αποτυπώνοντας αληθινά την εικόνα του μεγάλου ποιητή για τις επόμενες γενιές. Η σημασία του Kiprensky, ενός λεπτού σχεδιαστή και χρωματιστή, στη ρωσική τέχνη του πρώτου μισού του 19ου αιώνα είναι τεράστια.

Οι σύγχρονοι συνέκριναν τα έργα του με τα είδη της λυρικής ποίησης, την ποιητική αφιέρωση σε φίλους, κάτι που ήταν πολύ συνηθισμένο στην εποχή του Πούσκιν. Τα πορτρέτα του Kiprensky είναι πάντα προικισμένα με βαθιά στοχαστικότητα. Ο Kiprensky με πολλούς τρόπους ανακάλυψε νέες δυνατότητες για τον εαυτό του στη ζωγραφική. Κάθε πορτρέτο του διακρίνεται από μια νέα ζωγραφική δομή, καλά επιλεγμένο φως και σκιά, ποικίλη αντίθεση - «Νεαπολίτη με φρούτα» (4), «Τσιγγάνα με κλαδί μυρτιάς» (5), «Κορίτσι με στεφάνι παπαρούνας με ένα γαρύφαλλο στο χέρι (Mariuccia)» (6), «Νεαρός κηπουρός» (7), «Πορτρέτο του Ε.Π. Ροστόπτσινα» (8). Μεταφέροντας με ειλικρίνεια τα ατομικά χαρακτηριστικά των μοντέλων του, ο Κ. κατάφερε να ενσωματώσει μεγάλο κοινωνικό περιεχόμενο στα καλύτερα πορτρέτα του, να δείξει την ανθρώπινη αξιοπρέπεια και το βάθος της πνευματικής κουλτούρας των ανθρώπων που απεικονίζονται: πίσω από την εξωτερική τους ηρεμία, αισθάνονται πάντα ζωντανά ανθρώπινα συναισθήματα.

Η αντίδραση του Nikolaev που ακολούθησε την ήττα των Decembrists ανάγκασε τον καλλιτέχνη να φύγει ξανά το 1828 για την Ιταλία, όπου και πέθανε.

ΒΑΣΙΛΥ ΤΡΟΠΙΝΙΝ (1776-1857) –(9)

Σημαντικό φαινόμενο στην ιστορία της ρωσικής ζωγραφικής ήταν το έργο του V. Tropinin, ένα αξιόλογο ρεαλιστής καλλιτέχνης, ένα σημαντικό κομμάτι της ζωής μου πρώην δουλοπάροικος.

Ο Vasily Andreevich Tropinin ήταν ακόμη και κάπως μεγαλύτερος από τον Kiprensky, αλλά οι δυσμενείς συνθήκες καθυστέρησαν την ανάπτυξη του ταλέντου του για μεγάλο χρονικό διάστημα.
Εκείνα τα χρόνια που ο Kiprensky δημιούργησε το πορτρέτο του Davydov, σηματοδοτώντας την κορυφή της ρωσικής ρομαντικής ζωγραφικής, ο Tropinin ήταν ακόμα ένας άγνωστος δουλοπάροικος καλλιτέχνης στο ουκρανικό κτήμα του Count Morkov και συνδύαζε τα καθήκοντα του ζαχαροπλάστη και του ανώτερου πεζού με τη ζωγραφική. Λόγω της ιδιοτροπίας του γαιοκτήμονα, δεν μπόρεσε να ολοκληρώσει τις σπουδές του στην Ακαδημία Τεχνών. Τα νιάτα του Tropinin πέρασαν αυτοδίδακτα, παρά τα εμπόδια, κατέχοντας τεχνικές δεξιότητες και επιτυγχάνοντας επαγγελματική αριστεία. Στις σπουδές του επέλεξε τον δρόμο που ακολουθούσαν συνήθως οι αυτοδίδακτοι καλλιτέχνες της εποχής του: δούλεψε σκληρά και πολύ από τη ζωή και αντέγραφε πίνακες σε ιδιωτικές συλλογές τέχνης, στις οποίες είχε πρόσβαση χάρη στις διασυνδέσεις του γαιοκτήμονα του. Σπούδασε τεχνικές ζωγραφικής όχι σε ακαδημαϊκό εργαστήριο, αλλά από τη δική του εμπειρία και από έργα παλιών δασκάλων, και η ζωή στην Ουκρανία, όπως είπε αργότερα ο ίδιος ο καλλιτέχνης, αντικατέστησε το ταξίδι του στην Ιταλία.

Αυτό το σύστημα αυτοεκπαίδευσης, με όλες τις αδυναμίες του, θα μπορούσε να έχει κάποιες θετικές πλευρές για έναν καλλιτέχνη με μεγάλο και πρωτότυπο ταλέντο. Η ελευθερία από τη συνηθισμένη ακαδημαϊκή διδασκαλία βοήθησε εν μέρει τον Τροπινίν να διατηρήσει ανέπαφη την αγνότητα και την πρωτοτυπία των καλλιτεχνικών του αντιλήψεων. Η ζωντανή επικοινωνία με τη φύση και η γνώση της λαϊκής ζωής, υποστηριζόμενη από συνεχή δουλειά από τη ζωή, συνέβαλε στην ανάπτυξη ρεαλιστικών τάσεων που είναι εγγενείς στο ταλέντο του Tropinin. Όμως στα νεότερα του χρόνια, αποχωρισμένος με το ζόρι από το καλλιτεχνικό περιβάλλον, δεν βρισκόταν ακόμη στο επίπεδο των προχωρημένων καθηκόντων της τέχνης της εποχής του. Το έργο του Tropinin, ακόμη και στα τέλη της δεκαετίας του 1810, ήταν πιο κοντά σε στυλ όχι με τα έργα των συνομηλίκων του, αλλά με την τέχνη του 18ου αιώνα.

Η πολυαναμενόμενη ελευθερία από τη δουλοπαροικία ήρθε μόλις το 1823, όταν ο Τροπινίν ήταν ήδη σαράντα επτά ετών. Η άνθιση του ταλέντου του χρονολογείται από αυτή την εποχή. Ήταν κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου που προέκυψε το δικό του, ανεξάρτητο καλλιτεχνικό σύστημα, το οποίο επεξεργάστηκε μοναδικά την κληρονομιά του κλασικισμού και των τεχνικών ζωγραφικής του 18ου αιώνα, και αυτό που δημιούργησε ο Tropinin τελικά διαμορφώθηκε. είδος οικείου καθημερινού πορτρέτου.Οι ειδικοί αποκαλούν τα πορτρέτα του Tropinin «αντίποδα» των πορτρέτων του Kiprensky, καθώς οι πίνακές του δείχνουν ένα ελεύθερο, ανεμπόδιστο, «οικιακό» άτομο.
«Ένα πορτρέτο ενός ατόμου ζωγραφίζεται για τη μνήμη των κοντινών του ανθρώπων, των ανθρώπων που τον αγαπούν», είπε ο ίδιος ο Tropinin. Αυτή η κάπως αφελής δήλωση περιέχει, στην ουσία, ένα ολόκληρο πρόγραμμα που χαρακτηρίζει τα καθήκοντα του Tropinin και τη στάση του απέναντι στην πραγματικότητα. Στα πορτρέτα του Tropinin μεταφέρεται οικεία, «οικιακή» εμφάνιση των ανθρώπων της εποχής του; Οι χαρακτήρες του Tropinin δεν «ποζάρουν» μπροστά στον καλλιτέχνη και τον θεατή, αλλά αποτυπώνονται όπως ήταν στην ιδιωτική ζωή, γύρω από την οικογενειακή εστία.
Το Tropinin στράφηκε σε μοτίβα του είδους, αφιερώνοντας απεικόνιση ενός απλού εργαζομένουμια σειρά έργων. Στα έργα του, δίνει μεγάλη προσοχή στη μελέτη της φύσης - όλα τα πορτρέτα του αναπαράγουν με ειλικρίνεια τη ζωή γύρω από τον καλλιτέχνη, δεν υπάρχει τίποτα σκόπιμο ή κατασκευασμένο σε αυτά - «Girl with a Doll» (10), «Old Coachman Leaning on a Whip» (11), «Lacemaker» (12). Τα απαλά ζωγραφισμένα πορτρέτα του διακρίνονται από υψηλά εικονογραφικά πλεονεκτήματα και οι ανθρώπινες εικόνες γίνονται αντιληπτές ως χαρακτηριστικές ειλικρίνεια και ηρεμίαχωρίς πολύ εσωτερικό ενθουσιασμό . Μερικά από αυτά τα έργα, παρά τον προφανή ρεαλιστικό τους χαρακτήρα, έχουν χαρακτηριστικά συναισθηματισμού - «Κορίτσι με μια γλάστρα με τριαντάφυλλα» (13), «Γυναίκα στο παράθυρο. (Ταμίας)» (14).

Στα τέλη του 1826, ο S. A. Sobolevsky, στενός φίλος του Πούσκιν, πλησίασε τον Tropinin με μια πρόταση να ζωγραφίσει ένα πορτρέτο του ποιητή. Τα χαρακτηριστικά της «οικίας» - μια ρόμπα, ένας ξεκούμπωτος γιακάς πουκαμίσου, ατημέλητα μαλλιά - δεν γίνονται αντιληπτά ως απόδειξη της οικείας ευκολίας του ποζητή, αλλά μάλλον ως ένδειξη αυτής της «ποιητικής διαταραχής» με την οποία η ρομαντική τέχνη τόσο συχνά συνέδεε ιδέα της έμπνευσης «Πορτρέτο του Πούσκιν» (15). Στην εικονιστική του δομή, το πορτρέτο του Πούσκιν απηχεί τα έργα της σύγχρονης ρομαντικής ζωγραφικής του Τροπινίν, αλλά ταυτόχρονα ο Τροπινίν κατάφερε να δημιουργήσει μια ρομαντική εικόνα χωρίς να θυσιάζει τη ρεαλιστική ακρίβεια και την αλήθεια της εικόνας. Ο Πούσκιν απεικονίζεται καθισμένος, σε φυσική και χαλαρή στάση. Το πρόσωπο, που σκιάζεται από τη λευκότητα του πέτο του πουκαμίσου, είναι το πιο έντονο πολύχρωμο σημείο στην εικόνα και είναι επίσης το συνθετικό του κέντρο. Ο καλλιτέχνης δεν επιδίωξε να «στολίσει» το πρόσωπο του Πούσκιν και να απαλύνει την ανωμαλία των χαρακτηριστικών του. αλλά, ακολουθώντας ευσυνείδητα τη φύση, κατάφερε να την αναδημιουργήσει και να την συλλάβει υψηλή πνευματικότητα.Οι σύγχρονοι αναγνώρισαν ομόφωνα την άψογη ομοιότητα με τον Πούσκιν στο πορτρέτο του Τροπινίν. Σε σύγκριση με το διάσημο πορτρέτο του Πούσκιν από τον Κιπρένσκι, το πορτρέτο του Τροπινίν φαίνεται πιο μέτριο και, ίσως, οικείο, αλλά δεν είναι κατώτερο από αυτό ούτε στην εκφραστικότητα ούτε στη ζωγραφική δύναμη.

Το πρώτο τέταρτο του 19ου αιώνα σημειώθηκαν σημαντικές διεργασίες στην περιοχή ΖΩΓΡΑΦΙΚΗ ΤΟΠΙΟΥ.Αν τα τοπία των καλλιτεχνών των προηγούμενων εποχών ήταν σε μεγάλο βαθμό συμβατικά και σκόπιμα κατασκευασμένα και, κατά κανόνα, ζωγραφίζονταν στο στούντιο, χωρίς φύση ή είχαν πολύ μικρή σχέση με αυτήν, τώρα οι τοπιογράφοι φέρνουν πολύ περισσότερα στη δουλειά τους αλήθεια ζωής, έντονη παρατήρηση και συναισθηματική αρχή. Το πιο σημαντικό μέρος εδώ ανήκει, φυσικά, στον Sylvester Shchedrin.

SYLVESTER SHCHEDRIN (1791-1830)

Δάσκαλος του ρωσικού ρομαντισμού τοπίων και της λυρικής ερμηνείας της φύσης. Το έργο του Sylvester Feodosievich Shchedrin σημάδεψε το όριο μεταξύ παλιού και νέου στην ιστορία του ρωσικού τοπίου. Ο καλλιτέχνης έφερε στην τελειότητα αυτό για το οποίο είχαν προσπαθήσει οι προκάτοχοί του και έθεσε τα θεμέλια για μια νέα ρεαλιστική ανάπτυξη της ρωσικής τοπιογράφου. Τα έργα του δείχνουν ξεκάθαρα μια επίμονη δουλειά από τη ζωή. Ήταν ο πρώτος Ρώσος ζωγράφος που στράφηκε στην απλή δουλειά. Όλα του τα τοπία αποδίδουν με ακρίβεια τον χαρακτήρα της φύσης. Ο Shchedrin εισάγει επίσης τους ανθρώπους στα τοπία του, ωστόσο, όχι πλέον με τη μορφή απρόσωπων μορφών για κλίμακα, όπως συνέβαινε πριν, αλλά ζωντανοί άνθρωποι που είναι πραγματικά συνδεδεμένοι με τη φύση.Στα καλύτερα έργα του, ξεπέρασε με επιτυχία τη συμβατική, «μουσειακή» γεύση και με ειλικρίνεια μετέφερε τη φυσική κατάσταση της φύσης- αποχρώσεις του ηλιακού φωτός, γαλάζια ομίχλη στο βάθος, απαλές αποχρώσεις του γαλάζιου ουρανού. Είχε μια λεπτή λυρική αίσθηση της φύσης.

Μετά την αποφοίτησή του από την Ακαδημία Τεχνών στο Αγία Πετρούπολη, το 1818 έφτασε στην Ιταλίακαι έζησε για περισσότερα από 10 χρόνια. Του άξιζε κάτι απίστευτο για εκείνες τις εποχές. δημοτικότητα μεταξύ των ΙταλώνΌσοι ήθελαν να αγοράσουν τους πίνακές του μερικές φορές έπρεπε να γράψουν πολλά αντίτυπα από τα πιο επιτυχημένα έργα τους, τα οποία εξαντλήθηκαν γρήγορα. Τα διάσημα έργα του - “New Rome “Castle of the Holy Angel” (17), Promenade Mergellina στη Νάπολη (18), Grand Harbor στο νησί Capri (19) κτλ. Έχοντας ξεπεράσει την παράδοση του «ηρωικού τοπίου» και την κατανόηση της φύσης που αναπτύχθηκε στην Ακαδημία Τεχνών ως αφορμή για ιστορικές μνήμες, στρέφοντας στη ζωή, τη σύγχρονη πραγματικότητα και την πραγματική φύση, ο Shchedrin ξεπέρασε ταυτόχρονα το συμβατικό ακαδημαϊκό σχήμα για την καλλιτεχνική λύση του θέματος του τοπίου.

Έχοντας ζήσει μια σύντομη αλλά δημιουργική ζωή, ο Shchedrin δεν μπόρεσε ποτέ να επιστρέψει στη Ρωσία. Τα υπέροχα ιταλικά τοπία αντανακλούσαν όλη τη μοναδική ομορφιά της φύσης αυτής της περιοχής, την οποία πολλοί Ρώσοι καλλιτέχνες φαντάζονταν ως παράδεισο - μια γη της επαγγελίας - «Σπηλιά στη Φλωρεντία» (20), «Ιταλικό τοπίο. Κάπρι» (21), «Φεγγαρόλουστη νύχτα στη Νάπολη» (22), «Άποψη της λίμνης Νέμι στην περιοχή της Ρώμης».

Σε αυτόν τον μικρό καμβά που ανήκει σε τα καλύτερα πλάσματαΗ ρωσική τοπογραφία, τα κύρια χαρακτηριστικά του νέου καλλιτεχνικού συστήματος του Shchedrin είναι απολύτως εμφανή. Το «View of Lake Nemi» είναι ξένο προς εκείνα τα σκόπιμα αποτελέσματα που αποτελούν την ίδια την ουσία του ακαδημαϊκού τοπίου. Στο τοπίο του Shchedrin δεν υπάρχουν κλασικά άλση, ούτε καταρράκτες, ούτε μεγαλοπρεπή ερείπια. η εξιδανίκευση αντικαθίσταται από μια ζωντανή και αληθινή αναπαράσταση της εικόνας της φύσης. Η βάση της νέας μεθόδου δεν είναι η «σύνθεση» ενός τοπίου, αλλά άμεση και ακριβής παρατήρηση της φύσης.
Ένα στενό μονοπάτι, γεμάτο γέρικα δέντρα, στριφογυρίζει κατά μήκος της ακτής και οδηγεί το βλέμμα του θεατή στα βάθη της εικόνας. Στο προσκήνιο υπάρχουν πολλές φιγούρες: δύο χωριάτες μιλάνε στην ακτή, ένας μοναχός περπατά και ένα αγόρι οδηγός οδηγεί έναν γάιδαρο πίσω του. Πιο πέρα ​​μπορείτε να δείτε τα ήρεμα, ελαφριά νερά της λίμνης. στα βάθη, καλύπτοντας τον ορίζοντα, ένα ψηλό βουνό σκεπασμένο από δάσος γίνεται μπλε. Απαλό διάχυτο φως πλημμυρίζει την εικόνα, η λάμψη του ήλιου πέφτει μέσα από τα κλαδιά του δέντρου στο αμμώδες μονοπάτι, το νερό λάμπει ασημί στον ήλιο και ένα διαφανές αέρινο πέπλο τυλίγει κοντινά και μακρινά αντικείμενα.

Η ρεαλιστική κυριαρχία του χώρου είναι ένα από τα κύρια επιτεύγματα του Shchedrin σε αυτή την ταινία. Δεν υπάρχουν παρασκηνιακές σκηνές, δεν υπάρχουν δείκτες αντικειμένων που σημαδεύουν το βάθος. Η γραμμική προοπτική έδωσε τη θέση της στην εναέρια προοπτική. Είναι αλήθεια ότι τα τρία παραδοσιακά σχέδια διατηρούνται ακόμη στην εικόνα, αλλά ο δρόμος βαθύτερα τα συνδέει μεταξύ τους και κάνει τον χώρο συνεχή. Ο καλλιτέχνης δεν είναι πλέον ικανοποιημένος με την αληθινή αναπαραγωγή μεμονωμένων λεπτομερειών. πετυχαίνει την ακεραιότητα της συνολικής εντύπωσης και την οργανική ενότητα όλων των στοιχείων που συνθέτουν το τοπίο. Μετάδοση φωτός και αέρα, ενότητα φωτισμού, που συνδέει αντικείμενα και χωροταξικά σχέδια, είναι το βασικό μέσο μέσω του οποίου η εικόνα αποκτά αυτή την ακεραιότητα.
Το σύστημα ζωγραφικής που αναπτύχθηκε από τον Shchedrin με βάση τη μελέτη της φύσης στην ύπαιθρο (η λεγόμενη plein air painting) ανοίγει μια νέα σελίδα στην ιστορία του τοπίου. Δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι η καινοτομία του Ρώσου πλοιάρχου δεν εκτιμήθηκε αμέσως και προκάλεσε διαμαρτυρίες από τη συντηρητική κριτική τέχνης. Στους ιδεολόγους της ακαδημαϊκής τέχνης φάνηκε ότι ο Shchedrin «προσκολλήθηκε σε μια δουλική μίμηση της φύσης, μην επιτρέποντας παρεκκλίσεις ακόμη και υπέρ του κομψού». Πράγματι, ο καλλιτέχνης εγκατέλειψε συνειδητά τα συμβατικά και πλασματικά εφέ, τα οποία θεωρήθηκαν «κομψά» σε κύκλους κοντά στην Ακαδημία Τεχνών. Αλλά, φυσικά, απείχε πολύ από το να αντιγράψει παθητικά τη φύση. Η ζωγραφική του όχι μόνο αποτυπώνει την πραγματική εμφάνιση των ακτών της λίμνης Νέμι, αλλά αποκαλύπτει επίσης με βαθιά και γνήσια διείσδυση την ποίηση της ιταλικής φύσης, την ηλιόλουστη ηρεμία και τη φωτεινή, γαλήνια αρμονία της.
Ο καλλιτέχνης ενδιαφέρθηκε για ένα άλλο μοτίβο - μια βεράντα καλυμμένη με σταφύλια με θέα στη θάλασσα - «Βεράντα μπλεγμένη με σταφύλια» (24).

ALEXEY VENETSIANOV (1780-1847) – (25)

Ο Βενετσιάνοφ καλείται ιδρυτής της ρωσικής ζωγραφικής (καθημερινού είδους).. Αυτό δεν είναι απολύτως αλήθεια - είχε προκατόχους τον 18ο αιώνα. Αλλά ξεκινά με τον Βενετσιάνοφ άνοδος ρεαλιστικών τάσεωνστη ρωσική τέχνη, συνοδευόμενη από μια έκκληση στον κόσμο των εθνικών και λαϊκών εικόνων και μια αύξηση του ενδιαφέροντος για τη σύγχρονη ζωή.

Η δημιουργικότητα του Βενετσιάνοφ είναι εμποτισμένη με πατριωτικό και αυθεντικό δημοκρατική στάση.Η εποχή της κοινωνικής έξαρσης που σχετίζεται με τον Πατριωτικό Πόλεμο άνοιξε τα μάτια του καλλιτέχνη στις βαθιές ηθικές ιδιότητες ενός απλού Ρώσου από τον λαό, στον ηρωισμό και την ανθρώπινη αξιοπρέπειά του. ΣΕ Ρωσική δουλοπαροικίαΟ Βενετσιάνοφ, ένας ανθρωπιστής καλλιτέχνης, μπόρεσε να διακρίνει τα χαρακτηριστικά όχι ενός δούλου, αλλά, αντίθετα, ενός ανώτερου ανθρώπινου τύπου.

Υπέροχο ρωσικό ζωγράφος του είδους και ζωγράφος πορτρέτωνΟ Alexey Gavrilovich Venetsianov για πρώτη φορά στη ρωσική ζωγραφική συνδυασμένες εικόνες αγροτών και εθνικής φύσης. Venetsianov - ο δημιουργός μιας ολόκληρης γκαλερί πορτραίτα αγροτών - «The Sleeping Shepherd» (26).

Εξέχουσα θέση σε αυτόν τον κύκλο κατέχει ο πίνακας «The Sleeping Shepherd». Είναι μια από τις πιο ποιητικές δημιουργίες του Βενετσιάνοφ. Ο καλλιτέχνης απεικόνιζε τα παιδιά των χωρικών με ιδιαίτερη ζεστασιά και λυρική αγαλλίαση. Η αγνότητα και η αρμονική διαύγεια της καλλιτεχνικής του σκέψης ταίριαζαν απόλυτα στα καθήκοντα της αναδημιουργίας του παιδικού κόσμου. Κανένας από τους Ρώσους δασκάλους της εποχής του δεν πέτυχε τέτοια διορατικότητα, τόσο οξεία ειλικρίνεια και ταυτόχρονα τέτοια δύναμη ποιητικού συναισθήματος στην απεικόνιση των εικόνων των παιδιών και των παιδικών εμπειριών. Αυτό, ωστόσο, δεν εξαντλεί το περιεχόμενο του «The Sleeping Shepherd». Εδώ φαίνονται καθαρά και ξεκάθαρα όλα τα κύρια χαρακτηριστικά της καλλιτεχνικής γλώσσας του Βενετσιάνοφ, ολόκληρη η δομή της ευφάνταστης σκέψης του, όλες οι προοδευτικές πτυχές της τέχνης του, αλλά ταυτόχρονα οι ιστορικά εξηγήσιμοι περιορισμοί του ρεαλισμού του. Δεν υπάρχει δράση στο The Sleeping Shepherdess. Ένα αγόρι αγρότης απεικονίζεται να κοιμάται σε ένα χωράφι. κάθεται στην όχθη ενός στενού ποταμού, ακουμπισμένος στον κορμό μιας μεγάλης παλιάς σημύδας και πίσω του στο φόντο της εικόνας ανοίγει ένα τυπικό ρωσικό τοπίο με μια ξεχαρβαλωμένη καλύβα, σπάνια έλατα και ατελείωτα χωράφια που εκτείνονται μέχρι το ορίζοντας. Όμως σε αυτή την απλή πλοκή ενσωματώνεται βαθύ συναισθηματικό περιεχόμενο. Ο πίνακας του Βενετσιάνοφ είναι εμποτισμένος με ένα αίσθημα γαλήνης και ηρεμίας, μια λυρική αγάπη για τη φύση και τον άνθρωπο.
Το κύριο θέμα της εικόνας είναι η αρμονική συγχώνευση του ανθρώπου με τη φύση και ο Βενετσιάνοφ αναμφίβολα απηχεί εδώ τον συναισθηματισμό του τέλους του 18ου αιώνα. Στο «The Shepherdess» δεν υπάρχουν ίχνη σκόπιμης πόζας, αντίθετα, ολόκληρη η εμφάνιση του αγοριού που κοιμάται χαρακτηρίζεται από χαρακτηριστικά ζωηρής και χαλαρής φυσικότητας. Ο Βενετσιάνοφ τονίζει με ιδιαίτερη προσοχή τον εθνικό ρωσικό τύπο σε αυτόν και δίνει στο πρόσωπό του μια έκφραση γνήσιας συγκινητικής πνευματικής αγνότητας. Μερικές φορές οι κριτικοί επέπληξαν τον Βενετσιάνοφ για την κάπως ήρεμη πόζα μιας βοσκοπούλας, αλλά αυτή η μομφή είναι άδικη - είναι η στάση του αγοριού που κοιμάται, με το περίεργο μούδιασμα του, που μεταφέρει καλά την κατάσταση του ύπνου, που μαρτυρεί την έντονη παρατήρηση του καλλιτέχνη και την εγγύτητα των εικόνων του στη ζωντανή φύση. Το τοπίο παίζει ιδιαίτερα σημαντικό ρόλο στην εικόνα. Δεν γίνεται πλέον «φόντο» για την εικόνα ενός ατόμου, αλλά ένα ανεξάρτητο και ουσιαστικό μέσο για τη μετάδοση συναισθημάτων και την κατασκευή μιας εικόνας. Ήταν στο τοπίο που ο Βενετσιάνοφ έδρασε ως ο ιδρυτής μιας νέας κατεύθυνσης, η οποία αργότερα αναπτύχθηκε ευρέως από τη ρωσική τέχνη του 19ου αιώνα. Ο Βενετσιάνοφ στράφηκε στην απλή, «άστολη» φύση της πατρίδας του και την αναδημιούργησε όχι μόνο με προσεκτική ακρίβεια, αλλά και με μια βαθιά λυρική αίσθηση.

Η εικόνα της φύσης, όπως και η εικόνα του ανθρώπου, στην τέχνη του Βενετσιάνοφ γίνεται φορέας μιας ειδυλλιακής κοσμοθεωρίας.

«Μάντια με κάρτες» (27), «Θεριστές» (28), «Χωρική με δρεπάνι και τσουγκράνα (Pelageya» (29), «Λουόμενοι» (30), «Στην καλλιεργήσιμη γη. Άνοιξη» (31) . Στα έργα τέχνης του ο ζωγράφος εκφράζει την ιδεολογική και αισθητική του θέση. έδειξε ο Βενετσιάνοφ η πνευματική ελκυστικότητα των αγροτών, επιβεβαίωσε την προσωπικότητά του, υπερασπιζόμενος έτσι τα ανθρώπινα δικαιώματά του. Στα έργα του που απεικονίζουν αγρότες, ο καλλιτέχνης προσπάθησε να αποκαλύψει πνευματική και σωματική ομορφιά ενός απλού Ρώσου ατόμου. Ο ζωγράφος συμπαθούσε βαθιά τον αγρότη, κατέβαλε μεγάλη προσπάθεια για να ανακουφίσει την κατάσταση των δουλοπάροικων καλλιτεχνών, αλλά ταυτόχρονα ήταν μακριά από την κοινωνική κριτική. Το έργο του Βενετσιάνοφ επηρεάστηκε σε μεγάλο βαθμό από την κλασική κληρονομιά: δεν φοβόταν να χρησιμοποιήσει τα μέσα της παλιάς ζωγραφικής στα έργα του. Ταυτόχρονα, όντας ρεαλιστής στις επιδιώξεις του, μαζί με την υπέροχη αρμονία των κλασικιστών, ήταν κοντά στο σεβασμό του ατομικού χαρακτηριστικού του ρομαντισμού. Η ευρεία έκκληση του «πατέρα του ρωσικού είδους» στο θέμα των χωρικών ήταν μια γνήσια καλλιτεχνική αποκάλυψη για εκείνη την εποχή και έγινε δεκτή θερμά από το ηγετικό μέρος της ρωσικής κοινωνίας.

Η καινοτομία του Βενετσιάνοφ εκδηλώθηκε όχι μόνο στο γεγονός ότι στράφηκε σε μια σειρά εικόνων που ήταν νέες στη ρωσική ζωγραφική, αλλά και στο γεγονός ότι για να τις εφαρμόσει ανέπτυξε νέα ρεαλιστικά εικαστικά μέσα. Ο Βενετσιάνοφ έσπασε ανοιχτά με την παλιά συμβατική τέχνη της Ακαδημίας και καλείται να μάθει από τη ζωή, από τη φύση, να τη μελετήσει και να τη μιμηθεί.

Μεγάλη σημασία του Βενετσιάνοφ σαν δάσκαλος. Στο κτήμα του στο Σαφόνκοβο, δημιούργησε μια σχολή τέχνης, στην οποία εκπαιδεύτηκε ένας ολόκληρος γαλαξίας ζωγράφων, οι λεγόμενοι Βενετοί. Αυτοί οι καλλιτέχνες, ακολουθώντας τις επιταγές του δασκάλου τους, εργάστηκαν κυρίως στον τομέα του είδους, απεικονίζοντας την οικιακή ζωή, τις σκηνές του δρόμου, τη δουλειά των αγροτών και των τεχνιτών και τα αγροτικά τοπία.

Τα υπέρογκα έξοδα που συνδέονται με την ανάγκη συντήρησης του σχολείου και παροχής των μαθητών του επέβαλαν βαρύ φορτίο στο κτήμα. Στο τέλος, αναγκάστηκε να υποθηκεύσει την περιουσία στο Συμβούλιο των Κηδεμόνων. Προσπαθώντας να βελτιώσει με κάποιο τρόπο την οικονομική του κατάσταση, ο Βενετσιάνοφ ανέλαβε εργασία που είχε ανατεθεί. Ως επί το πλείστον, αυτά ήταν πορτρέτα και εικόνες για εκκλησίες. Στις 4 Δεκεμβρίου 1847, έχοντας ολοκληρώσει σκίτσα εικόνων για μια από τις εκκλησίες του Τβερ, θέλησε να τις μεταφέρει προσωπικά στο Τβερ. Στο δρόμο προς το απότομο βουνό, τα άλογα άρχισαν να γλιστρούν, ο Βενετσιάνοφ πετάχτηκε έξω από το έλκηθρο και μπλέχτηκε στα ηνία. Η τρόικα έσυρε το ήδη άψυχο σώμα στο χωριό Poddubye.

KARL BRYULLOV (1799-1852) - (32)

Karl Petrovich Bryullov - ένας εξαιρετικός Ρώσος ιστορικός ζωγράφος, ζωγράφος πορτρέτων, τοπιογράφος, συγγραφέας μνημειακών έργων ζωγραφικής. νικητής των τιμητικών βραβείων: μεγάλα χρυσά μετάλλια για τους πίνακες «Η εμφάνιση τριών αγγέλων στον Αβραάμ στη βελανιδιά του Mamre» (1821) και «Η τελευταία μέρα της Πομπηίας» (1834), Τάγμα της Άννας, βαθμός III. Μέλος των Ακαδημιών του Μιλάνου και της Πάρμας, της Ακαδημίας του Αγίου Λουκά στη Ρώμη, καθηγητής των Ακαδημιών Τεχνών της Αγίας Πετρούπολης και της Φλωρεντίας, επίτιμος ελεύθερος συνεργάτης της Ακαδημίας Τεχνών του Παρισιού.

Στην οικογένεια του ακαδημαϊκού της διακοσμητικής γλυπτικής P.I Brullo, και τα επτά παιδιά είχαν καλλιτεχνικά χαρίσματα. Πέντε γιοι: ο Fedor, ο Alexander, ο Karl, ο Pavel και ο Ivan έγιναν καλλιτέχνες. Όμως η δόξα που έπεσε στον Καρλ επισκίασε τις επιτυχίες των άλλων αδελφών. Εν τω μεταξύ, μεγάλωσε ως αδύναμο και αδύναμο παιδί, ουσιαστικά δεν σηκώθηκε από το κρεβάτι για επτά χρόνια και ήταν τόσο εξαντλημένος από το σκρόφουλα που «έγινε αντικείμενο αηδίας για τους γονείς του».

Ο Karl Pavlovich Bryullov ήταν ένα από τα πιο φωτεινά, και ταυτόχρονα αμφιλεγόμενος καλλιτέχνηςστη ρωσική ζωγραφική του 19ου αιώνα. Ο Bryullov είχε ένα λαμπρό ταλέντο και ανεξάρτητο τρόπο σκέψης.Παρά τις τάσεις των καιρών (την επιρροή του ρομαντισμού), ο καλλιτέχνης δεν μπόρεσε να απαλλαγεί εντελώς από τους κλασικιστικούς κανόνες. Ίσως γι' αυτό το έργο του εκτιμήθηκε ιδιαίτερα από την πολύ προχωρημένη Ακαδημία Τεχνών της Αγίας Πετρούπολης: στα νιάτα του ήταν μαθητής της και αργότερα έγινε επίτιμος καθηγητής. Ωστόσο, με εξαίρεση τον Fedotov, ο καλλιτέχνης δεν είχε μαθητές με σημαντικό ταλέντο. Οι οπαδοί του ως επί το πλείστον έγιναν επιφανειακοί ζωγράφοι σαλονιών, έχοντας υιοθετήσει μόνο μερικές από τις εξωτερικές τεχνικές του Bryullov. Ωστόσο, κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Bryullov, ή «ο μεγάλος Καρλ», όπως τον ονόμασε η ελίτ, ήταν σεβαστός όχι μόνο στη Ρωσία, αλλά και από πολλούς εξέχοντες ανθρώπους στην Ευρώπη. Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, κατά τη διάρκεια της ακμής του ρεαλισμού, οι καλλιτέχνες και οι κριτικοί είδαν στον Bryullov μόνο έναν εκπρόσωπο μιας «ακαδημαϊκής» τάσης που τους ήταν απαράδεκτη. Πέρασαν πολλά χρόνια πριν ο καλλιτέχνης πάρει τη θέση που του αξίζει στην ιστορία της ρωσικής τέχνης.

Ο Bryullov ήταν ένας άνθρωπος με τεράστιο ταλέντο, το οποίο απέδειξε σε μια μεγάλη ποικιλία ειδών τέχνης. Ανάπτυξη Ρωσική ιστορική ζωγραφική, πορτρέτο, σχέδιο, διακοσμητική ζωγραφικήοφείλει πολλά στη δουλειά του. Σε κάθε ένα από αυτά τα είδη, η δεξιοτεχνία αυτού του αξιόλογου καλλιτέχνη έχει αφήσει βαθύ σημάδι.
Έχοντας λάβει την αρχική του εκπαίδευση από τον πατέρα του, καθηγητή στην Ακαδημία Τεχνών, και στη συνέχεια στην ίδια την Ακαδημία, ο Bryullov ανακάλυψε εξαιρετικές καλλιτεχνικές ικανότητες από τη νεολαία του.

Ενώ ήταν συνταξιούχος στη Ρώμη και έχοντας μελετήσει την κλασική κληρονομιά, δημιούργησε έργα που αποκάλυψαν αμέσως όχι μόνο την ωριμότητα του ταλέντου του, αλλά και την καρποφορία της αναζήτησής του για ρεαλιστική εκφραστικότητα της καλλιτεχνικής εικόνας. Τέτοιοι πίνακες του Bryullov όπως "Ιταλικό πρωινό" (33), Το «Μεσημέρι» και μερικά άλλα, αφιερωμένα στη ζωή του ιταλικού λαού, προκάλεσαν μια μομφή από τους υπερασπιστές του κλασικισμού στην Αγία Πετρούπολη για την υπερβολική δέσμευση του νεαρού καλλιτέχνη στην πραγματική ζωή. Αυτό δεν ενόχλησε καθόλου τον Bryullov και συνέχισε να εργάζεται στον μεγαλύτερο καμβά του με μεγάλο ενθουσιασμό. "Η τελευταία μέρα της Πομπηίας" (34), που του έφερε φήμη ως ο καλύτερος ζωγράφος της εποχής. Έχοντας κάνει μια τεράστια ποσότητα προκαταρκτικής εργασίας, δημιούργησε ένα πραγματικά δραματικό έπος, η ρομαντική αγαλλίαση των εικόνων του οποίου έκανε κολοσσιαία εντύπωση στους συγχρόνους του. Αυτός ο πίνακας ήταν ένας θρίαμβος της ρωσικής τέχνης, πειστική απόδειξη της ωριμότητάς του.

Η κατανόηση του ιστορικού θέματος που εκφράζεται στο «The Last Day of Pompeii» αντηχεί άμεσα με το φάσμα των ιστορικών ιδεών που αναπτύχθηκαν από την προηγμένη ρωσική λογοτεχνία και την κοινωνική σκέψη της δεκαετίας 1820-1830.
Σε αντίθεση με την προηγούμενη ιστορική ζωγραφική με τη λατρεία των ηρώων και την έμφαση στο άτομο, σε αντίθεση με το απρόσωπο πλήθος, ο Bryullov συνέλαβε την «Τελευταία μέρα της Πομπηίας» ως σκηνή πλήθους, όπου ο μόνος και αληθινός ήρωας θα ήταν ο λαός.Όλοι οι κύριοι χαρακτήρες της ταινίας είναι σχεδόν ίσοι εκφραστές του θέματός της. Το νόημα της εικόνας ενσωματώνεται όχι στην απεικόνιση μιας μόνο ηρωικής πράξης, αλλά σε μια προσεκτική και ακριβή μετάδοση της ψυχολογίας των μαζών. Οι εργασίες στο «The Last Day of Pompeii» διήρκεσαν σχεδόν έξι χρόνια.

Το θέμα του πίνακα είναι παρμένο από την αρχαία ρωμαϊκή ιστορία.
Η Πομπηία (ή μάλλον η Πομπηία) - μια αρχαία ρωμαϊκή πόλη που βρίσκεται στους πρόποδες του Βεζούβιου - στις 24 Αυγούστου 79 μ.Χ., ως αποτέλεσμα μιας ισχυρής ηφαιστειακής έκρηξης, γέμισε με λάβα και καλύφθηκε με πέτρες και στάχτη. Δύο χιλιάδες κάτοικοι (από τους οποίους ήταν περίπου 30.000 συνολικά) έχασαν τη ζωή τους στους δρόμους της πόλης κατά τη διάρκεια ταραχής.
Για περισσότερα από μιάμιση χιλιάδες χρόνια, η πόλη παρέμεινε θαμμένη υπόγεια και ξεχασμένη. Μόλις στα τέλη του 16ου αιώνα, κατά τη διάρκεια ανασκαφικών εργασιών, ανακαλύφθηκε κατά λάθος ένα μέρος όπου κάποτε βρισκόταν ένας χαμένος ρωμαϊκός οικισμός. Από το 1748 ξεκίνησαν οι αρχαιολογικές ανασκαφές, που εντάθηκαν ιδιαίτερα τις πρώτες δεκαετίες του 19ου αιώνα.

Στο κέντρο της εικόνας η προσκεκλημένη φιγούρα μιας νεαρής γυναίκας που έπεσε μέχρι θανάτου από άρμα. Μπορεί να υποτεθεί ότι σε αυτό το σχήμα ο Bryullov ήθελε να συμβολίσει ολόκληρο τον ετοιμοθάνατο αρχαίο κόσμο. Ένας υπαινιγμός μιας τέτοιας ερμηνείας βρίσκεται επίσης στις κριτικές των συγχρόνων του. Στην εικόνα υπάρχει και ένας ειδωλολάτρης ιερέας και ένας χριστιανός ιερέας, σαν να προσωποποιεί τον αρχαίο κόσμο που αναχωρεί και τον χριστιανικό πολιτισμό που αναδύεται στα ερείπιά του.

Όντας ζωγράφος με μεγάλο ταλέντο, ο Bryullov κατέστρεψε με τα έργα του το στενό πλαίσιο των ακαδημαϊκών κανόνων. Τα έργα του διακρίνονταν πάντα από το εύρος των εννοιών τους.
Στο έργο του ο καλλιτέχνης κυρίως έδωσε προσοχή στο άτομο, αποκαλύπτοντας τη δύναμη του μυαλού του και επιβεβαιώνοντας την αρχοντιά των φιλοδοξιών του. Σε κάθε έργο του Bryullov, σε οποιονδήποτε από τους καμβάδες του και σε οποιοδήποτε από τα σχέδιά του, η αγάπη και ο σεβασμός για τον άνθρωπο ενσωματώνονται πάντα - «The Genius of Art» (35), «Narcissus Looking into the Water» (36), «Sleeping Juno» (37).

Τα επιτεύγματα του καλλιτέχνη στον τομέα της προσωπογραφίας δεν είναι τυχαία. Ο Bryullov τύπωσε μια ολόκληρη σειρά εικόνων των συγχρόνων του. Μαζί με επίσημα πορτρέτα, μας άφησε μια σειρά από βαθιά ρεαλιστικές εικόνες καλλιτεχνών, ανθρώπων του κύκλου του - συγγραφείς, καλλιτέχνες, ηθοποιοί - "Ιππασία" (38), "Μάντια Σβετλάνα" (39), "Πορτρέτο της πριγκίπισσας Βολκόνσκαγια" (40), "Τουρκίδα" (41), "Όνειρο μιας καλόγριας" (42), "Προφίλ του κεφαλιού της Γκλίνκα" (43).

ΑΛΕΞΑΝΔΡΟΣ ΙΒΑΝΩΦ (1806-1858)

Μια νέα και ακόμη πιο σημαντική σελίδα στην ιστορία της ρωσικής ζωγραφικής ήταν το έργο του Alexander Ivanov. Έχοντας λάβει καλλιτεχνική εκπαίδευσηστην Αγία Πετρούπολη, ο Ιβάνοφ, ως συνταξιούχος της Εταιρείας για την Ενθάρρυνση των Τεχνών, στάλθηκε στην Ιταλία για να βελτιώσει και να σπουδάσει κλασική τέχνη.
Μεγαλωμένος από τον πατέρα του, καθηγητή ιστορικής ζωγραφικής στην Ακαδημία Τεχνών, σύμφωνα με τις παραδόσεις του ρωσικού κλασικισμού, ο Ιβάνοφ ένιωσε έντονα την παρακμή αυτού του στυλ σε νέες ιστορικές συνθήκες και την κατάρρευση των αισθητικών ιδεωδών και ιδεών που είχαν πρόσφατα κυριαρχήσει. Έθεσε στόχο ολόκληρης της ζωής του να επαναφέρει την τέχνη στην κοινωνική της σημασία. Τα δημιουργικά επιτεύγματα των μεγάλων κλασικών καλλιτεχνών, κατά τη γνώμη του, θα έπρεπε να είχαν συνδεθεί με νέες προηγμένες ιδέες της ρωσικής κοινωνίας.

«Να συνδυάσεις την τεχνική του Ραφαήλ», έγραψε, «με τις ιδέες ενός νέου πολιτισμού - αυτό είναι το καθήκον της τέχνης αυτή τη στιγμή». «Η εμφάνιση του Χριστού στη Μαρία τη Μαγδαληνή» (44),

- Ανήκει στην πρώιμη περίοδο του έργου του Ivanov και έχει όλα τα χαρακτηριστικά που ενυπάρχουν στον κλασικισμό: ισορροπημένη σύνθεση, κατανομή μορφών και αντικειμένων σύμφωνα με σχέδια, απαλό σχέδιο και τοπικό χρώμα, συναισθηματική εκφραστικότητα στην ερμηνεία παραδοσιακών μυθολογικών και ευαγγελικών θεμάτων.Ηγετική αξία για τον Ιβάνοφ είναι εικόνες της τέχνης της ιταλικής Αναγέννησης. Ολοκληρώνεταιπρώιμη περίοδο δημιουργικός καλλιτέχνης ζωγραφική «Ο Απόλλωνας, ο Υάκινθος και το Κυπαρίσσι, ασχολούνται με τη μουσική και το τραγούδι»

(44a), που δημιουργήθηκε από τον Ivanov ήδη στη Ρώμη, η οποία διακρίνεται για την ασυνήθιστα λεπτή συνθετική και χρωματική αρμονία και την ποιητική υπεροχή της ερμηνείας των εικόνων του αρχαίου μύθου. Αυτή είναι η αρχαιότητα αντιληπτή μέσα από την Αναγέννηση. Ο καλλιτέχνης φαίνεται να αποκαλύπτει το κρυμμένο θεϊκό νόημα της φύσης. Ο μεγάλος Ρώσος καλλιτέχνης Alexander Andreevich Ivanov εμπλούτισε με βάθος τη ρωσική και ευρωπαϊκή ζωγραφική του 19ου αιώναφιλοσοφική σκέψη . Στο έργο του, ο Ιβάνοφ έθεσε πολλά προβλήματα της σύγχρονης ζωής: ο καλλιτέχνης ήταν ο πρώτος στη ρωσική ζωγραφική που έθεσε. Η κοσμοθεωρία του διαμορφώθηκε υπό την επίδραση του N.V. Gogol, με τον οποίο ο καλλιτέχνης ήταν φίλος αυτά τα χρόνια. Ο Γκόγκολ επηρέασε σε μεγάλο βαθμό τις ιδέες του Ιβάνοφ για τα εκπαιδευτικά καθήκοντα της τέχνης. κατάλαβε ο Ιβάνοφ εκπαιδευτικός και προφητικός ρόλος του καλλιτέχνη, πίστευε ότι η τέχνη πρέπει να υπηρετεί τη μεταμόρφωση και την ηθική βελτίωση της ανθρωπότητας. Ο καλλιτέχνης προσπάθησε να κατανοήσει

Η κρίση της δουλοπαροικίας επιβραδύνει την ανάπτυξη του καπιταλιστικού συστήματος. Ελευθεροφιλικές ιδέες αναδύονται στους κοσμικούς κύκλους, ο Πατριωτικός Πόλεμος του 1812 συνεχίζεται, καθώς και τα ρωσικά στρατεύματα που συμμετέχουν στην απελευθέρωση των ευρωπαϊκών κρατών από τον Ναπολέοντα, την εξέγερση των Δεκεμβριστών το 1825 κατά του τσαρισμού, όλα αυτά έχουν αντίκτυπο στη ζωγραφική.

Ποια είναι η διαφορά μεταξύ της ζωγραφικής στην εποχή του ιδιοφυούς A.S. Πούσκιν;

Πιθανώς η ενσάρκωση των φωτεινών και ανθρώπινων ιδανικών ενός λαού που αγαπά την ελευθερία...

Μαζί με τον κλασικισμό αναπτύχθηκε το ρομαντικό κίνημα και διαμορφωνόταν ο ρεαλισμός.

Η ρομαντική κατεύθυνση της ρωσικής ζωγραφικής έγινε η αρχή της ανάπτυξης του ρεαλισμού στις επόμενες δεκαετίες. Έτσι γίνεται η προσέγγιση Ρώσοι καλλιτέχνες, ρομαντικοί με την πραγματική ζωή, που ήταν η ουσία του καλλιτεχνικού κινήματος αυτής της εποχής. Η ευρεία διανομή των εκθέσεων μιλά ταυτόχρονα για την προσέγγιση του ρωσικού λαού με τον κόσμο της τέχνης. Πιστεύεται ότι ο πίνακας του Κ.Π. Το «The Last Day of Pompeii» του Bryulov χρησίμευσε ως μια τέτοια προσέγγιση. Άνθρωποι όλων των τάξεων της Αγίας Πετρούπολης προσπάθησαν να τη δουν.

Η ρωσική ζωγραφική γίνεται πολυεθνική, οι πίνακες αποκτούν εθνικές αποχρώσεις, μαθητές διαφορετικών εθνικοτήτων γίνονται δεκτοί στην Ακαδημία. Ιθαγενείς της Ουκρανίας, της Λευκορωσίας, των Βαλτικών Χωρών, της Υπερκαυκασίας και της Κεντρικής Ασίας σπουδάζουν εδώ.

Στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα, η ζωγραφική εκπροσωπήθηκε σε όλα τα είδη: πορτραίτο, τοπίο, νεκρή φύση, ιστορική ζωγραφική.

Διάσημοι Ρώσοι καλλιτέχνες στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα:

Αριστουργήματα της ρωσικής ζωγραφικής

• Πίνακας του Bryullov K.P. "Η τελευταία μέρα της Πομπηίας"

• Πίνακας του Aivazovsky I.K. "Το ένατο κύμα"

• Πίνακας του Bruni F.A. "Χάλκινο Φίδι"

• Πίνακας του Venetsianov A.G. «Το αλώνι»

• Πίνακας του Tropinin V.A. "Ο δαντέλας"

Ζωγραφική του πρώτου μισού του 19ου αιώνα

Οι αρχές του 19ου αιώνα αποκαλούνται παραδοσιακά η χρυσή εποχή του ρωσικού πολιτισμού. Αυτή είναι η εποχή που έλαμψε η ιδιοφυΐα των Α. Πούσκιν, Α. Γκριμπογιέντοφ και Ν. Γκόγκολ και η ρωσική ζωγραφική σχολή στο πρόσωπο του Κ. Μπριούλοφ έλαβε ευρωπαϊκή αναγνώριση. Οι δάσκαλοι αυτής της ιστορικής περιόδου, παρά τις δραματικές συνθήκες της ζωής, προσπάθησαν στην τέχνη για γαλήνια αρμονία και ένα φωτεινό όνειρο, αποφεύγοντας την απεικόνιση των γήινων παθών. Αυτό οφειλόταν σε μεγάλο βαθμό στη γενική διάθεση απογοήτευσης στον ενεργό αγώνα που βασίλευε στη Δυτική Ευρώπη και τη Ρωσία μετά την κατάρρευση των ιδεών της Μεγάλης Γαλλικής Επανάστασης. Οι άνθρωποι αρχίζουν να «αποσύρονται στον εαυτό τους» και να επιδίδονται σε μοναχικά όνειρα. Έρχεται η εποχή του ρομαντισμού, που στη Ρωσία συνέπεσε με την έναρξη της βασιλείας του νέου αυτοκράτορα Αλέξανδρου Α' και τον πόλεμο με τον Ναπολέοντα.

Η τέχνη των πορτρέτων των αρχών του 19ου αιώνα αντικατοπτρίζει τον κρυμμένο κόσμο των συναισθηματικών εμπειριών, της μελαγχολίας και της απογοήτευσης. Ο κύριος εκπρόσωπος της ρομαντικής τάσης στη ρωσική τέχνη πορτρέτων ήταν ο Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836). Απόφοιτος της Ακαδημίας Τεχνών της Αγίας Πετρούπολης, ο Kiprensky έζησε μια θυελλώδη ζωή, στην οποία υπήρχαν τα πάντα: τρελές ρομαντικές παρορμήσεις, παθιασμένη αγάπη, άνοδος της φήμης και θάνατος στη φτώχεια σε μια ξένη χώρα. Από την πρώτη περίοδο της ζωής του στην Αγία Πετρούπολη, παραμένει μια πολύτιμη κληρονομιά - λαμπρά έργα στο είδος του πορτρέτου («Πορτρέτο του A.K. Shvalbe», «Portrait of E.V. Davydov», «Portrait of Countess E.P. Rostopchina», «Portrait D. N. Khvost ", και τα λοιπά.). Οι ήρωες των πορτρέτων του Kiprensky είναι εμφατικά συγκρατημένοι, δεν δείχνουν τα συναισθήματά τους, αλλά στο πρόσωπο του καθενός κρύβεται η σφραγίδα της «ετοιμότητας» για τις δοκιμασίες της μοίρας, η σημασία της ανθρώπινης προσωπικότητας, χαρακτηριστικό του ρομαντισμού, ανεξαρτήτως τάξης , φύλο και ηλικία.

Τα πρώτα χρόνια του 19ου αιώνα, το στυλ της Αυτοκρατορίας ήρθε στη Ρωσία από τη Γαλλία του Ναπολέοντα - μια νέα επιστροφή του κλασικισμού. Ορθολογική σαφήνεια, αρμονική ισορροπία, μεγαλειώδης σοβαρότητα, υπερνίκηση των γήινων παθών για χάρη των ιδανικών της πατριωτικής ανδρείας - όλα αυτά τα χαρακτηριστικά του κλασικιστικού στυλ ήταν ζητούμενα κατά τη διάρκεια του Πατριωτικού Πολέμου με τον Ναπολέοντα. Ο πιο εντυπωσιακός εκφραστής του κλασικισμού στη ρωσική ζωγραφική ήταν ο Φιοντόρ Πέτροβιτς Τολστόι (1783–1873), ένας υπέροχος γλύπτης, ζωγράφος και σχεδιαστής. Στις μαγευτικές νεκρές φύσεις του, τα φρούτα και τα λουλούδια εμφανίζονται ως «μαργαριτάρια της δημιουργίας», ως το αρχαίο ιδεώδες της αρμονικής τελειότητας, εξαγνισμένο από οτιδήποτε «γήινο» και τυχαίο.

Η φωτιά της Μόσχας, το κομματικό κίνημα, το νικηφόρο τέλος του πολέμου με τον Ναπολέοντα - όλα αυτά για πρώτη φορά ανάγκασαν τους ευγενείς να ρίξουν μια νέα ματιά στους ανθρώπους, να συνειδητοποιήσουν τη θέση τους και να αναγνωρίσουν την ανθρώπινη αξιοπρέπειά τους. Στα έργα του Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780–1847), εμφανίζεται για πρώτη φορά ο κόσμος της δουλοπαροικίας. Αυτός ο καλλιτέχνης πήγε ενάντια στην καθιερωμένη ακαδημαϊκή ρουτίνα - άρχισε να ζωγραφίζει όχι σύμφωνα με ακαδημαϊκά σχήματα, αλλά «α λα φύση», που ήταν μεγάλο θάρρος εκείνες τις μέρες. Οι δουλοπάροικοι του, κάτοικοι του χωριού Σαφόνκοβο της επαρχίας Τβερ, πόζαραν στον Βενετσιάνοφ. Ο κόσμος των αγροτών στους πίνακες του Βενετσιάνοφ φαίνεται σαν από το παράθυρο ενός ρομαντικού ευγενούς κτήματος: δεν υπάρχει θέση σε αυτόν για κριτική της κοινωνικής αδικίας ή της υπερκόπωσης. Ο κόσμος του Βενετσιάνοφ είναι γεμάτος αρμονική τελειότητα, ησυχία, καθαρή ειρήνη, ενότητα ανθρώπων και φύσης. Για πρώτη φορά, το ποιητικά συμβατικό αγροτικό είδος του Βενετσιάνοφ διεισδύει από τη σεμνή, ήσυχη γοητεία της ήσυχης βόρειας ρωσικής φύσης, που αποτελεί την ιδιαίτερη γοητεία των έργων του. Χρησιμοποιώντας δικά του κεφάλαια, ο Βενετσιάνοφ ίδρυσε στο κτήμα του μια σχολή καλλιτεχνών, τους οποίους στρατολόγησε κυρίως από την τάξη των δουλοπάροικων. Κάποιοι μαθητές του συνέχισαν επάξια τη γραμμή του στην τέχνη. Έτσι, τα ποιητικά εσωτερικά του Kapiton Alekseevich Zelentsov (1790-1845), τα τοπία του Grigory Vasilyevich Soroka (1823-1864) και του Evgraf Fedorovich Krendovsky (1810 - μετά το 1853) είναι άξια προσοχής. Σύμφωνα με τον Α. Μπενουά, «ο Βενετσιάνοφ μόνος του δημιούργησε ένα ολόκληρο σχολείο, μια ολόκληρη θεωρία και έσπειρε τους πρώτους σπόρους της ρωσικής λαϊκής ζωγραφικής».

Οι καλύτεροι απόφοιτοι της Ακαδημίας Τεχνών έλαβαν το δικαίωμα πρακτικής άσκησης στην Ιταλία - τη χώρα της «ζωντανής» αρχαιότητας και των όμορφων αριστουργημάτων της Αναγέννησης. Πολλοί από τους καλλιτέχνες, έχοντας φύγει για την Ιταλία, έμειναν σε αυτή τη χώρα για πολλά χρόνια, μη θέλοντας να επιστρέψουν στη Ρωσία, όπου βασίλευε το πνεύμα της κυβερνητικής ρύθμισης της τέχνης, οι ζωγράφοι εξαρτιόνταν από εντολές της αυτοκρατορικής αυλής.

Ο ταλαντούχος καλλιτέχνης Mikhail Ivanovich Lebedev (1811–1837), που πέθανε νωρίς, ζωγράφισε τα καλύτερα ρομαντικά τοπία του στην Ιταλία. Η σαγηνευτική ιταλική φύση και ο γενναιόδωρος ήλιος του νότου ενέπνευσαν τον πιο προικισμένο τοπιογράφο αυτής της γενιάς, τον Sylvester Feodosievich Shchedrin (1791–1830). Ο Shchedrin πήγε σε ένα ταξίδι συνταξιοδότησης στην Ιταλία το 1818 και έζησε εκεί λόγω ασθένειας μέχρι το θάνατό του το 1837. Επανέλαβε τα ίδια μοτίβα πολλές φορές - μαγευτικά πανοράματα της Ρώμης, γαλήνια θέα στους βράχους και τη θάλασσα στη νότια ακτή της Ιταλίας, κοντά στη Νάπολη και το Σορέντο. Ο Shchedrin ήταν ο πρώτος που άρχισε να ζωγραφίζει τοπία στο ύπαιθρο (open air), απαλλάσσοντάς τον από τις παραδοσιακές ακαδημαϊκές συμβάσεις της βαφής. Δεν θα συναντήσουμε ρομαντικές καταιγίδες και βροχερή κακοκαιρία στα τοπία του. ΛΑΜΠΕΡΟΣ Ηλιοςκαι γαλήνια γαλήνη, οι άνθρωποι ζουν μια ενωμένη ζωή με τη γύρω φύση και η φύση δίνει στους ανθρώπους ευδαιμονία, χαλάρωση και «βοηθά» στην καθημερινή εργασία.

Ο Karl Pavlovich Bryullov (1799–1852) ήταν ο πιο διάσημος ζωγράφος μεταξύ όλων των Ρώσων δασκάλων των αρχών του 19ου αιώνα. Ο μεγαλειώδης πίνακας του «Η Τελευταία Ημέρα της Πομπηίας», που φιλοτεχνήθηκε στην Ιταλία, γνώρισε απίστευτη επιτυχία στην Ευρώπη και τη Ρωσία. Στην πατρίδα του, ο Bryullov χαιρετίστηκε ως εθνικός ήρωας. Ένας βιρτουόζος σχεδιαστής, ερωτευμένος με την εξωτερική ομορφιά του κόσμου, ο Bryullov κατάφερε να «χύσει νέο αίμα» στον ετοιμοθάνατο ακαδημαϊσμό, γεμίζοντάς τον με φωτεινές ρομαντικές εμπειρίες. Τόσο στους αφηγηματικούς πίνακες όσο και στα πορτρέτα, ο Bryullov αντιπροσωπεύει τη ζωή με τις μορφές του θεάτρου. Τα μεγάλα τελετουργικά πορτρέτα του, όπου ένα άτομο απεικονίζεται σαν να πιάστηκε τη στιγμή μιας δράσης «παιχνιδιών ρόλων» («Ιππέας», «Πορτρέτο του N.V. Puppeteer», κ.λπ.), γνώρισαν μεγάλη επιτυχία μεταξύ των πελατών. Ο καλλιτέχνης δεν έθεσε στον εαυτό του το καθήκον να μεταφέρει τη μοναδική ατομικότητα του ατόμου, τον απασχολούσε πρωτίστως η σαγηνευτική εξωτερική ομορφιά των γυναικών, η λαμπρότητα των ακριβών ρούχων και η πολυτέλεια της εσωτερικής διακόσμησης. Τα τελευταία χρόνια της δουλειάς του, ο Bryullov απομακρύνθηκε από το ιδανικό της "γαλήνιας" εξωτερικής λαμπρότητας, τα πορτρέτα του έγιναν πιο οικεία και ψυχολογικά βαθιά ("Πορτρέτο του A. N. Strugovshchikov", "Αυτοπροσωπογραφία" του 1848.)

Η φιγούρα του λαμπρού δασκάλου Alexander Andreevich Ivanov (1806–1858) υψώνεται πάνω από όλους τους καλλιτέχνες του πρώτου μισού του 19ου αιώνα. Σύμφωνα με τον A. Benoit, «ζούσε μέσα του μια παιδική, αγγελική, περίεργη ψυχή, μια αληθινή ψυχή προφήτη, διψασμένη για αλήθεια και που δεν φοβόταν το μαρτύριο». Στην Ιταλία, όπου ο Ιβάνοφ στάλθηκε σε ένα ταξίδι συνταξιοδότησης μετά την αποφοίτησή του από την Ακαδημία Τεχνών, εργάστηκε για περίπου είκοσι χρόνια στον μεγαλοπρεπή καμβά «Η εμφάνιση του Χριστού στους ανθρώπους» και μόνο λίγο πριν το θάνατό του επέστρεψε στην πατρίδα του. Το ρωσικό κοινό δεν εκτίμησε τον πίνακα και ο συγγραφέας του πέθανε σύντομα ξαφνικά από χολέρα στην Αγία Πετρούπολη, μη έχοντας χρόνο να λάβει χρήματα για τον κύριο πίνακα της ζωής του, που απέκτησε ο αυτοκράτορας.

Τα προπαρασκευαστικά σκίτσα τοπίων του Ιβάνοφ για την «Εμφάνιση του Χριστού στους ανθρώπους» έγιναν πραγματικά αριστουργήματα. Δουλεύοντας στην ύπαιθρο στην περιοχή της Ρώμης, ο καλλιτέχνης, αναζητώντας την αλήθεια του χρώματος, έκανε εκπληκτικές χρωματιστικές ανακαλύψεις, προβλέποντας τα επιτεύγματα των Γάλλων ιμπρεσιονιστών. Ο Ιβάνοφ ήταν ένας αληθινός καλλιτέχνης-σοφός θρησκευτικού συναισθήματος, που κατάφερε στον κύκλο ακουαρέλας «Βιβλικά σκίτσα» να πει μια νέα λέξη στην ιστορία της θρησκευτικής ζωγραφικής, να παρουσιάσει την πιο μεγαλειώδη και ακατανόητη με «πραγματικά πασχαλινή επισημότητα» (A. Benois ).

Ο Βασίλι Αντρέεβιτς Τροπίνιν (1776 (;) - 1857) έγινε ο πρώτος επαγγελματίας προσωπογράφος της Μόσχας, ο ιδρυτής της σχολής ζωγραφικής της Μόσχας. Για έναν δουλοπάροικο καλλιτέχνη, είχε μια ευτυχισμένη μοίρα: ο αφέντης του, κόμης Μόρκοφ, πλήρωσε για τις σπουδές του στην Ακαδημία Τεχνών, ενθάρρυνε τη δημιουργικότητά του και το 1823 του έδωσε την ελευθερία του. Αμέσως μετά από αυτό, ο Tropinin, ήδη δημοφιλής στους Μοσχοβίτες, έλαβε τον τίτλο του "διορισμένου ακαδημαϊκού". Ο καλλιτέχνης μας άφησε μια ολόκληρη γκαλερί με πρόσωπα της Μόσχας μετά την πυρκαγιά, στην οποία βασίλευε μια ιδιαίτερη ατμόσφαιρα ελευθερίας, φιλοξενίας των κατοίκων και η ικανότητα να επιδοθούν στις χαρές της ζωής. Τα πορτρέτα του Tropinin εκπλήσσουν με τη ζωντάνια τους και ταυτόχρονα τη στοργική, ευγενική ματιά σε ένα άτομο.

Ο Πάβελ Αντρέεβιτς Φεντότοφ (1815–1852) ήταν αξιωματικός φρουρών στο Φινλανδικό Σύνταγμα, αλλά σε ηλικία 29 ετών το 1844 άφησε τη στρατιωτική του θητεία και αφοσιώθηκε ολοκληρωτικά στην τέχνη. Η μοίρα του επέτρεψε περίπου οκτώ χρόνια να δημιουργήσει - ο Fedotov πέθανε σε ηλικία 37 ετών σε ένα ψυχιατρείο, έχοντας καταφέρει να ζωγραφίσει όχι πολλούς πίνακες, αλλά καθένας από αυτούς είναι ένα πολύτιμο μαργαριτάρι που μπήκε στο θησαυροφυλάκιο της ρωσικής τέχνης. Ο καλλιτέχνης εργάστηκε στον τομέα του καθημερινού είδους, δίνοντάς του νέο ύψος και οξύτητα. Γεμίζει σκηνές από τη ζωή των εμπόρων και των αρχόντων με απαλό χιούμορ, κοροϊδεύοντας τα σύγχρονα ήθη («The Major’s Matchmaking», «The Picky Bride» κ.λπ.). Ο Fedotov απεικονίζει τον κόσμο των ανθρώπων και το αντικειμενικό τους περιβάλλον με εκπληκτική εικαστική τελειότητα, αγαπητική διείσδυση, τρυφερότητα και ειλικρίνεια. Ο τελευταίος πίνακας ενός βαριά άρρωστου καλλιτέχνη, «Άγκυρα, κι άλλο άγκυρα!», είναι απελπιστικά ήσυχος και σκοτεινός, θυμίζοντας τα λασπωμένα όνειρα ενός πυρετού. Σε αυτό εξαφανίζεται ο θαυμασμός του κόσμου και η αστραφτερή γαλήνη - μια νέα, νηφάλια και βαθιά κριτική εικόνα της πραγματικότητας - ο ρεαλισμός - μπαίνει στην ιστορική σκηνή.

SYLVESTER SHCHEDRIN. Νέα Ρώμη. Κάστρο του Αγίου Αγγέλου.1824. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα

Στο τοπίο του Shchedrin η εικόνα Αιώνια Πόλητόσο μεγαλειώδες όσο και οικείο. Ο βαρύς πέτρινος όγκος του Castel Sant'Angelo εξισορροπείται από κτίρια και βάρκες στην αριστερή όχθη του Τίβερη. Η μαγευτική, ομαλή ροή του ποταμού «οδηγεί» το βλέμμα του θεατή στην αρχαία τοξωτή γέφυρα και τη σιλουέτα του καθεδρικού ναού του Αγίου Πέτρου - σύμβολο του μεγαλείου της Ρώμης. Στο προσκήνιο, η καθημερινότητα των κατοίκων της πόλης κυλάει ειρηνικά και αργά: τραβούν το καράβι στη στεριά, ετοιμάζονται να κάνουν ιστιοπλοΐα, βιάζονται για τις δουλειές τους... Όλες οι λεπτομέρειες του τοπίου είναι ζωντανές, φαίνονται στη φύση, στερούνται ακαδημαϊκών συμβάσεων . Ο ίδιος ο πίνακας είναι πολύ όμορφος: τα πάντα είναι τυλιγμένα στον αέρα, διαποτισμένα από το πρωινό απαλό, διάχυτο φως.

SYLVESTER SHCHEDRIN. Grotto Matromanio στο νησί Κάπρι.

Από τη σκιασμένη σπηλιά του σπηλαίου υπάρχει μια μαγευτική θέα στα νερά και τα βράχια του θαλάσσιου κόλπου, που μοιάζουν να λιάζονται κάτω από τις εκθαμβωτικές ακτίνες του ήλιου. Η αψίδα του σπηλαίου σχηματίζει ένα είδος παρασκηνίου που ουσιαστικά περιφράσσει τον μακρινό χώρο του θαλάσσιου κόλπου από τον κόσμο της καθημερινής ζωής των ανθρώπων που είναι κοντά στον θεατή.

SYLVESTER SHCHEDRIN. Μικρό λιμάνι στο Σορέντο με θέα στα νησιά Ischia και Procido.1826. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα

Από όλες τις πολυάριθμες απόψεις του Σορέντο από τον Shchedrin, αυτό το τοπίο είναι το πιο ελληνικό σε πνεύμα. Οι ακτίνες του ήλιου κατεβαίνουν «απτοί» ​​από τον ουρανό, αντανακλώνται στην ήρεμη ασημένια επιφάνεια του κόλπου, φωτίζοντας απαλά τις παράκτιες καλύβες και τις βάρκες, τονίζοντας τις χαλαρές και μετρημένες κινήσεις των μικρών μορφών των ψαράδων, απασχολημένοι με τις καθημερινές τους δουλειές. Τα χρώματα του τοπίου είναι φωτεινά, οι σκιές διάφανες, όλα γεμίζουν αέρα.

SYLVESTER SHCHEDRIN. Βεράντα μπλεγμένη με σταφύλια.

Ένα από τα καλύτερα τοπία του καλλιτέχνη, ζωγραφισμένο στην περιοχή της Νάπολης, διαποτίζεται από το ελληνικό πνεύμα της καθαρής ειρήνης και της φωτεινής αρμονίας. Η φύση εμφανίζεται στο Shchedrin ως εικόνα του ουρανού στη γη. Φυσάει με τη φρέσκια και υγρή ανάσα της θάλασσας, το άρωμα των θερμαινόμενων αμπελόφυλλων. Καταφεύγοντας στη βεράντα από τον καυτό ήλιο, οι άνθρωποι επιδίδονται σε ευχάριστη χαλάρωση. Οι χρυσές ακτίνες του ήλιου διαπερνούν τα πλεγμένα κλαδιά των σταφυλιών, πέφτουν σαν αντανακλάσεις στα πέτρινα στηρίγματα της βεράντας και αντανακλώνται σε φωτεινές ανταύγειες στο καμένο γρασίδι... Ο Shchedrin μεταφέρει με μαεστρία το πιο περίπλοκο εφέ φωτισμού, επιτυγχάνοντας μια ενότητα στοιχείο φωτός, χρώματος και αέρα που δεν είχε προηγουμένως εμφανιστεί στο τοπίο.

MAXIM VOROBYEV. Φθινοπωρινή νύχτα στην Αγία Πετρούπολη (Αποβάθρα με αιγυπτιακές σφίγγες στον Νέβα τη νύχτα).1835. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα

Σε μια από τις καλύτερες απόψεις του στην Αγία Πετρούπολη, ο Vorobyov μεταφέρει την πληρότητα της ρομαντικής απόλαυσης μπροστά στην υπέροχη πόλη και την αρχιτεκτονική της. Η λάμψη της πανσελήνου μετατρέπει μια πραγματική γωνιά της Αγίας Πετρούπολης σε ένα υπέροχο όραμα. Οι περίφημες γιγάντιες πέτρινες σφίγγες πλαισιώνουν το γρανιτένιο ανάχωμα με σκούρες σιλουέτες το σεληνιακό μονοπάτι στον Νέβα οδηγεί το βλέμμα του θεατή στην απόσταση και προσκαλεί κάποιον να θαυμάσει τις άψογες αναλογίες των παλατιών στην απέναντι όχθη. Οι σύγχρονοι στα τοπία του Vorobyov θαύμασαν τη «διαφάνεια των χρωμάτων», τον κορεσμό τους με φως και ζεστασιά, «τη φρεσκάδα και τη σταδιακή εμφάνιση στις σκιές».

MAXIM VOROBYEV. Μια βελανιδιά θρυμματισμένη από κεραυνό.1842. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα

Αυτό το τοπίο δημιουργήθηκε ως αλληγορία σε απροσδόκητος θάνατοςη σύζυγος του καλλιτέχνη, Cleopatra Loginovna Vorobyova, το γένος Shustova. Μια εκτυφλωτική αστραπή έσπασε τον κορμό ενός πανίσχυρου δέντρου. Στο πυκνό γαλάζιο λυκόφως, η γη συγχωνεύεται με τον ουρανό, στους πρόποδες της βελανιδιάς, υψώνονται θυμωμένα κύματα θάλασσας, μέσα στα οποία ορμάει μια μοναχική φιγούρα, σχεδόν αόρατη στη δίνη των στοιχείων. Ο καλλιτέχνης ενσαρκώνει εδώ ένα αγαπημένο μοτίβο του ρομαντισμού: την τραγική αδυναμία του ανθρώπου μπροστά στο χτύπημα ενός μεγαλειώδους αλλά ανελέητου στοιχείου.

ΜΙΧΑΗΛ ΛΕΜΠΕΝΤΕΒ. Στο πάρκο Chiji.1837. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα

Μετά την αποφοίτησή του από την Ακαδημία Τεχνών, ο Λεμπέντεφ πήγε σε ένα ταξίδι συνταξιοδότησης στην Ιταλία για να συνεχίσει τις σπουδές του, από όπου έγραψε: «Μου φαίνεται ότι είναι αμαρτία στην Ιταλία (και παντού) να δουλεύεις χωρίς ζωή». Σε ένα από τα καλύτερα έργα του, ο καλλιτέχνης αποκλίνει με τόλμη από τους κανόνες του παραδοσιακού για αυτήν την εποχή κλασικού τοπίου. Η σύνθεση είναι χτισμένη διαγώνια και είναι γεμάτη κίνηση. Η ατμόσφαιρα μιας αποπνικτικής μέρας και η πλούσια δύναμη της νότιας βλάστησης μεταφέρονται με ενθουσιασμό και ζωηρά. Το βραχώδες χώμα του φαρδύ δρόμου, βαμμένο με ελεύθερες πινελιές, έμοιαζε να είχε απορροφήσει τη ζέστη του ήλιου.

Μαζί με τον Σιλβ. Ο Shchedrin, Lebedev, που πέθανε νωρίς, έγινε ο πρωτοπόρος στη ρωσική ζωγραφική μιας ζωντανής, άμεσης αίσθησης της φύσης.

ΓΚΡΙΓΚΟΡΙ ΤΣΕΡΝΕΤΣΟΦ. Παρέλαση με αφορμή τα εγκαίνια του μνημείου του Αλέξανδρου Α' στην Αγία Πετρούπολη στις 30 Αυγούστου 1834.1834. Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη

Ο Τσερνέτσοφ ήταν αυλικός ζωγράφος του αυτοκράτορα Νικολάου Α', ο οποίος θεωρούσε τον εαυτό του μεγάλο γνώστη της τέχνης. Τα έργα του Τσερνέτσοφ αντικατοπτρίζουν με ακρίβεια τα γούστα του αυτοκράτορα - έχοντας μια τάση για στρατιωτικές υποθέσεις, ο Νικόλαος Α ζήτησε από τους καλλιτέχνες μια «πρωτόκολλη» καταγραφή της φύσης στην απεικόνιση παρελάσεων, στολών, όπλων κ.λπ. Το πανόραμα της πλατείας του Παλατιού φαίνεται να σχεδιάζεται κατά μήκος ενός χάρακα, ο τεράστιος βόρειος ουρανός με τα σύννεφα βροχής είναι εντυπωσιακός «επισκιάζει» την παρέλαση των στρατευμάτων μπροστά από τη Στήλη του Αλεξάνδρου, που χτίστηκε σύμφωνα με το σχέδιο του Γάλλου αρχιτέκτονα Μονφεράν.

ΟΡΕΣΤ ΚΙΠΡΕΝΣΚΙ. Πορτρέτο του A. K. Schwalbe.1804. Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη

Το πορτρέτο απεικονίζει τον πατέρα του καλλιτέχνη Adam Karlovich Schwalbe, έναν δουλοπάροικο του γαιοκτήμονα A. S. Dyakonov. Ο Kiprensky αγαπούσε να διηγείται πώς αυτό το πορτρέτο, που παρουσιάστηκε σε εκθέσεις στη Νάπολη και τη Ρώμη, παρερμηνευόταν με το έργο του Ρέμπραντ ή του Ρούμπενς. Ο καλλιτέχνης κατάφερε να μεταφέρει τον χαρακτήρα του ατόμου που απεικονίζεται - ενεργητικός και σταθερός. Το πρόσωπο είναι υπέροχα σμιλεμένο με βαθιές ρυτίδες και δυνατό πηγούνι και το φως αναδεικνύει το χέρι που κρατά με αυτοπεποίθηση ένα μπαστούνι. Αυτό το πρώιμο έργο ανήκει στα αδιαμφισβήτητα αριστουργήματα του πινέλου του Kiprensky, μαρτυρώντας τη βαθιά αφομοίωση των τεχνικών ζωγραφικής των παλιών δασκάλων.

ΟΡΕΣΤ ΚΙΠΡΕΝΣΚΙ. Πορτρέτο του Κόμη F.V.

Ο δήμαρχος της Μόσχας Fyodor Vasilyevich Rostopchin (1765–1826) είχε μια σπάνια αίσθηση του χιούμορ και ασχολούνταν με λογοτεχνικές δραστηριότητες. Όλη η ελίτ της Μόσχας εκείνη την εποχή συγκεντρώθηκε στο διάσημο σαλόνι Rostopchin. Κατά τη διάρκεια της εισβολής του Ναπολέοντα, φήμες απέδωσε στον Ροστόπτσιν την εντολή να κάψει τη Μόσχα.

Σε αυτό το έργο, εξαιρετικό σε σχέδιο και χρώμα, δεν θα δούμε κανένα ιδιαίτερο χαρακτηριστικό του χαρακτήρα του μοντέλου: το πορτρέτο είναι απλό και σεμνό. Σε σύγκριση με τους δασκάλους της προηγούμενης εποχής, ο Kiprensky δίνει λιγότερη σημασία στα αξεσουάρ και τις λεπτομέρειες των ρούχων. Το μαύρο φόρεμα και τα διπλωμένα χέρια γίνονται αντιληπτά σχεδόν ως ένα μόνο σημείο. Έτσι μίλησε ο ίδιος ο Rostopchin για αυτό το έργο: «Κάθομαι με σταυρωμένα χέρια, αδρανής και βαριέμαι».

ΟΡΕΣΤ ΚΙΠΡΕΝΣΚΙ. Πορτρέτο της κόμισσας E. P. Rostopchina.1809. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα

Το πορτρέτο εκτελέστηκε από τον Kiprensky ως ζευγάρι με το πορτρέτο του συζύγου της κόμισσας F.V. Η Ekaterina Petrovna Rostopchina (1775–1859) ήταν κουμπάρα της Αικατερίνης Β΄. Ασπάστηκε κρυφά τον καθολικισμό και έζησε μια πολύ απομονωμένη ζωή τα τελευταία χρόνια. Ο Kiprensky δημιουργεί μια απαλή, καλοπροαίρετη, ειλικρινή εικόνα του προσώπου που απεικονίζεται. Όλη της η εμφάνιση αναπνέει σιωπή και αυτοαπορρόφηση. Ο χρωματικός συνδυασμός είναι πλούσιος σε λεπτές και απαλές μεταβάσεις σε ασημί και λαδί τόνους, που ταιριάζει με τη διάθεση του πορτρέτου.

ΟΡΕΣΤ ΚΙΠΡΕΝΣΚΙ. Πορτρέτο της Ζωής Ο συνταγματάρχης Χουσάρ Ε.Β.1809. Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη

Το πορτρέτο δείχνει έναν ξάδερφο διάσημος ποιητήςκαι ο ήρωας του πολέμου του 1812 Denis Davydov - Evgraf Vladimirovich Davydov (1775–1823). Την εποχή της ζωγραφικής του πορτρέτου, ήταν συνταγματάρχης του Συντάγματος των Χουσάρων των Ζωοφυλάκων και πήρε μέρος στη μάχη με τον Ναπολέοντα στο Άουστερλιτς. Η φιγούρα περιβάλλεται από ένα μυστηριώδες ρομαντικό λυκόφως, στο οποίο μπορείτε να δείτε φύλλωμα ελιάς με φόντο έναν μαύρο-μπλε ουρανό. Ο Κιπρένσκι βρίσκει μια υπέροχη συνάφεια χρώματος: το κόκκινο χρώμα της στολής, το χρυσό πλέξιμο, το λευκό κολάν... Στο πρόσωπο του Νταβίντοφ υπάρχει περισσότερη εξωτερική γοητεία παρά βαθύς ψυχολογισμός. Ο γενναίος, ατρόμητος ήρωας επιδεικνύει το θαρραλέο όρκο του και την εύθυμη ανδρεία της νιότης του.

ΟΡΕΣΤ ΚΙΠΡΕΝΣΚΙ. Πορτρέτο του A. A. Chelishchev.1808 – αρχές 1809. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα

Ο Alexander Alexandrovich Chelishchev (1797–1881) ανατράφηκε στο Corps of Pages από το 1808 και αργότερα συμμετείχε στον πόλεμο του 1812 - δηλαδή ανήκε στη γενιά που καθόρισε τη μοίρα της Ρωσίας στις αρχές του 19ου αιώνα. Στην εμφάνιση ενός 11χρονου αγοριού, ο Kiprensky παρατηρεί μια ιδιαίτερη, μη παιδική έκφραση στο πρόσωπό του. Σκούρα σφαιρίδια μάτια κοιτάζουν προσεκτικά και προσεκτικά τον θεατή, δείχνουν σοβαρότητα και «ετοιμότητα» για δύσκολες δοκιμασίες ζωής. Ο χρωματικός συνδυασμός του πορτρέτου βασίζεται στον αγαπημένο αντιθετικό συνδυασμό μαύρου, λευκού, κόκκινου και λαμπερού χρυσού του Kiprensky.

ΟΡΕΣΤ ΚΙΠΡΕΝΣΚΙ. Πορτρέτο του D. N. Khvostova.1814. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα

Μία από τις πιο σαγηνευτικές γυναικείες εικόνες του Kiprensky είναι γεμάτη με μια διάθεση ήσυχης, στοχαστικής περισυλλογής. Η Daria Nikolaevna Khvostova (1783–?) ήταν ανιψιά της γιαγιάς του M. Lermontov.

Σε αντίθεση με τους ζωγράφους πορτρέτων της προηγούμενης εποχής, η καλλιτέχνις δεν σταματά την προσοχή του θεατή στα αξεσουάρ των ρούχων της: παρουσιάζονται με λεπτότητα, με γενικά μεγάλα σημεία. Τα μάτια ζουν στο πορτρέτο - εκπληκτικά σκοτεινά μάτια, που μοιάζουν να καλύπτονται με μια ομίχλη απογοήτευσης, θλιβερές αναμνήσειςκαι δειλές ελπίδες.

ΟΡΕΣΤ ΚΙΠΡΕΝΣΚΙ. Πορτρέτο της E. S. Avdulina.1822 (1823;). Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη

Ekaterina Sergeevna Avdulina (1788–1832) - η σύζυγος του ταγματάρχη A. N. Avdulin, σπουδαίος γνώστης των τεχνών και ενεργός συμμετέχων στην Εταιρεία για την Ενθάρρυνση των Καλλιτεχνών, ιδιοκτήτης μιας έπαυλης στο Palace Embankment και ενός οικιακού κινηματογράφου στο Kamennoostrovskaya dacha. Είναι ντυμένη με ένα μοντέρνο σκουφάκι που ταιριάζει στο κεφάλι της και κρατά μια βεντάλια στα χέρια της - ένα απαραίτητο χαρακτηριστικό μιας κυρίας αυτής της εποχής έξω από το σπίτι. Τα διπλωμένα χέρια της είναι ένα απόσπασμα από τη Τζοκόντα του Λεονάρντο ντα Βίντσι, που αναμφίβολα είδε ο Κιπρένσκι στο Λούβρο. Ένας από τους συγχρόνους του ισχυρίστηκε ότι σε αυτό το πορτρέτο «η στρογγυλότητα του σώματος και το φως έγιναν αριστοτεχνικά. Και πόσο συμβολικό είναι το λιοντάρι που χάνει τα πέταλά του, στέκεται σε ένα ποτήρι νερό!..» Μπροστά μας βρίσκεται μια ρομαντική, στοχαστική φύση, βυθισμένη στις κρυφές της σκέψεις. Ένα κλαδί από ευαίσθητα λευκά λουλούδια σε ένα εύθραυστο γυαλί στο παράθυρο φαίνεται να παρομοιάζεται με την εικόνα της γυναίκας που απεικονίζεται.

ΟΡΕΣΤ ΚΙΠΡΕΝΣΚΙ. Αυτοπροσωπογραφία.1828. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα

Αυτή η αυτοπροσωπογραφία ζωγραφίστηκε πριν ο καλλιτέχνης φύγει για την Ιταλία. Μπροστά μας είναι ένας διάσημος δάσκαλος που έχει κερδίσει διθυραμβικές κριτικές από τους συγχρόνους του, και ταυτόχρονα ένας κουρασμένος και απογοητευμένος άνθρωπος. Σύμφωνα με τα απομνημονεύματα των συγχρόνων, «ο Kiprensky ήταν όμορφος, με όμορφα εκφραστικά μάτια και φυσικά κυματιστές μπούκλες». Στραβίζοντας ελαφρά τα μάτια του, κοιτάζει ψαχτικά τον θεατή, σαν να ρωτάει για κάτι. Το πορτρέτο είναι σχεδιασμένο σε ζεστό, πλούσιο χρώμα. Τα χρώματα στο πρόσωπο απηχούν τα χρώματα της ρόμπας. Το φόντο, όπως και σε άλλα έργα του δασκάλου, μοιάζει να είναι πυκνό σκοτάδι, από το οποίο αναδεικνύεται απαλά η φιγούρα του εικονιζόμενου.

ΟΡΕΣΤ ΚΙΠΡΕΝΣΚΙ. Πορτρέτο του A. S. Pushkin.1827. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα

Το πορτρέτο ζωγραφίστηκε στην Αγία Πετρούπολη με εντολή του A. Delvig αμέσως μετά την επιστροφή του ποιητή από την εξορία του Μιχαηλόφσκι. Οι σύγχρονοι που γνώριζαν τον Πούσκιν από κοντά υποστήριξαν ότι δεν υπήρχε πιο παρόμοιο πορτρέτο του ποιητή. Η εικόνα του Πούσκιν στερείται καθημερινής ζωής, τα χαρακτηριστικά χαρακτηριστικά "Arap" της εμφάνισής του μαλακώνουν. Το βλέμμα του γλιστρά μπροστά από τον θεατή - ο ποιητής φαίνεται να έχει πιαστεί από τον καλλιτέχνη τη στιγμή της δημιουργικής ενόρασης. Το τονισμένο φόντο γύρω από το κεφάλι μοιάζει με ένα είδος φωτοστέφανου - ένα σημάδι επιλογής. Με έναν αγγλικό καρό μανδύα πεταμένο στον ώμο του, ο Πούσκιν παρομοιάζεται με τον μεγάλο Άγγλο ρομαντικό ποιητή Βύρωνα. Εξέφρασε τη στάση του απέναντι στο πορτρέτο σε ένα ποιητικό μήνυμα προς τον Kiprensky «Αγαπημένο της μόδας με φως...» - «Βλέπω τον εαυτό μου σαν σε καθρέφτη, / Αλλά αυτός ο καθρέφτης με κολακεύει».

ΒΑΣΙΛΥ ΤΡΟΠΙΝΙΝ. Πορτρέτο του A.V Tropinin, γιου του καλλιτέχνη.ΕΝΤΑΞΕΙ. 1818. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα

Το πορτρέτο απεικονίζει τον Arseny Tropinin (1809–1885), τον μονάκριβο γιο του καλλιτέχνη. Αυτό το πορτρέτο ξεχωρίζει ανάμεσα σε άλλα έργα του μαέστρου με την ιδιαίτερη εσωτερική του ζεστασιά και εγκαρδιότητα. Το Tropinin λύνει το πιο δύσκολο πρόβλημα - βρίσκει εικονογραφικά μέσα που εκφράζουν τον ιδιαίτερο κόσμο της παιδικής ψυχής. Το πορτρέτο στερείται στατικής πόζας: το αγόρι απεικονίζεται σε μια ελαφριά στροφή, τα χρυσά μαλλιά του απλωμένα, ένα χαμόγελο παίζει στο πρόσωπό του, ο γιακάς του πουκαμίσου του είναι ανέμελα ανοιχτός. Ο καλλιτέχνης σμιλεύει τη φόρμα με μακριές, κινούμενες πινελιές και αυτός ο δυναμισμός της πινελιάς αποδεικνύεται ότι είναι συντονισμένος με το παιδικό ταμπεραμέντο και τη ρομαντική προσδοκία της ανακάλυψης.

ΒΑΣΙΛΥ ΤΡΟΠΙΝΙΝ. Πορτρέτο του P. A. Bulakhov.

Η γοητεία αυτού του χαρακτήρα βρίσκεται στη ζωντάνια και την ψυχική του ισορροπία, στην αρμονία των απλών και ξεκάθαρων σχέσεων με τον κόσμο. Το κατακόκκινο, γυαλιστερό του πρόσωπο είναι σμιλεμένο με κινούμενες πινελιές, το ασημένιο γούνινο γιλέκο του, το μανίκι ενός μπλε πουκάμισου είναι φαρδιά και ελεύθερα βαμμένα, το μαντήλι του «δεμένο» με μερικές πινελιές του πινέλου... Αυτός ο τρόπος ζωγραφικής ταιριάζει απόλυτα στην αυτάρεσκη και χαρούμενη, πολύ Μόσχα εικόνα του Μπουλάχοφ, που, σύμφωνα με τον Α. Μπενουά, στο πορτρέτο, μας θυμίζει «τη γάτα που έγλειψε την κρέμα γάλακτος».

ΒΑΣΙΛΥ ΤΡΟΠΙΝΙΝ. Πορτρέτο του K. G. Ravich.1823. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα

Το πορτρέτο ενός αξιωματούχου του γραφείου συνόρων της Μόσχας, του Konstantin Georgievich Ravich, είναι πολύ Μόσχα στο πνεύμα, μακριά από την επίσημη αυστηρότητα και την αυτο-απορροφημένη απομόνωση. Ο Ράβιτς φαίνεται να ξαφνιάστηκε από τον καλλιτέχνη: είναι ντυμένος με ρόμπα, τα μαλλιά του είναι μπερδεμένα, η γραβάτα του είναι χαλαρή. Οι αντανακλάσεις μιας φωτεινής κόκκινης ρόμπας «φουντώνουν» με ένα ρουζ στο κομψό και καλοσυνάτο πρόσωπό του. Ο Ράβιτς εκφράζει έναν κοινό τύπο ευγένειας της Μόσχας - ήταν λάτρης του καρουζάρισμα και του τραπουλόχαρτου. Στη συνέχεια κατηγορήθηκε για το θάνατο ενός από τους παίκτες που υπέστη εγκεφαλικό μετά από μια μεγάλη απώλεια, πέρασε επτά χρόνια στη φυλακή και εξορίστηκε στη Σιβηρία «κατ' υποψία».

ΒΑΣΙΛΥ ΤΡΟΠΙΝΙΝ. Πορτρέτο του A. S. Pushkin.1827. Πανρωσικό Μουσείο A. S. Pushkin, Αγία Πετρούπολη

Το πορτρέτο ζωγραφίστηκε τους πρώτους μήνες του 1827, λίγο μετά την επιστροφή του ποιητή από την εξορία του Μιχαηλόφσκι. Ο φίλος του Πούσκιν, Σ. Σομπολέφσκι, θυμήθηκε ότι «ο ίδιος ο Πούσκιν παρήγγειλε κρυφά το πορτρέτο στον Τροπίνιν και μου το παρουσίασε ως έκπληξη με διάφορες φάρσες (του κόστισε 350 ρούβλια). Σύμφωνα με μια άλλη εκδοχή, το πορτρέτο παραγγέλθηκε από τον ίδιο τον Σομπολέφσκι, ο οποίος ήθελε να δει τον ποιητή όχι «λειασμένο» και «πομαδισμένο», αλλά «ατημέλητο, με ένα πολύτιμο μυστικιστικό δαχτυλίδι στο πρόσωπό του». αντίχειραςένα χέρι." Ως αποτέλεσμα, στο πορτρέτο, η οικειότητα της εικόνας συνυπάρχει με μια ρομαντική «έξαρση», που αποδίδεται τέλεια από τη ζωή του πνεύματος του μεγάλου ποιητή.

ΒΑΣΙΛΥ ΤΡΟΠΙΝΙΝ. Πορτρέτο του K. P. Bryullov.

Ο Tropinin συνάντησε τον Karl Bryullov το 1836 στη Μόσχα, όπου ο συγγραφέας του «The Last Day of Pompeii» σταμάτησε στο δρόμο του από την Ιταλία στην Αγία Πετρούπολη. Ο μαέστρος απεικονίζεται με μολύβι και άλμπουμ με φόντο τον εκρηκτικό Βεζούβιο. «Ναι, είναι ο ίδιος ο πραγματικός Βεζούβιος!» - μίλησαν για τον Bryullov, θαυμάζοντας τη στοιχειώδη δύναμη του ταλέντου του. Το πορτρέτο εκφράζει το δημόσιο πάθος της αντίληψης του Bryullov ως λαμπρό δάσκαλο, του οποίου η εμφάνιση έμοιαζε με τον «χρυσόμαλλο» Απόλλωνα. Ο Bryullov εκτιμούσε πολύ τον Tropinin, ομολόγησε σε μια από τις επιστολές του προς τον καλλιτέχνη: «Φιλάω την ψυχή σου, η οποία στην αγνότητά της είναι πιο ικανή από οποιονδήποτε άλλον να κατανοήσει πλήρως τη χαρά και τη χαρά που γεμίζουν την καρδιά μου...»

ΒΑΣΙΛΥ ΤΡΟΠΙΝΙΝ. Δαντέλα.1823. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα

Αυτό που βλέπουμε εδώ δεν είναι ένα πορτρέτο ενός συγκεκριμένου κοριτσιού, αλλά μια συλλογική ποιητική εικόνα μιας τεχνίτης, του ευγενικού Tropinin που θα μπορούσε να συναντήσει στα σπίτια των ευγενών Μοσχοβιτών. Ο καλλιτέχνης δεν απεικονίζει τη σκληρότητα που υπήρχε στο περίπλοκο και επίπονο έργο της, θαυμάζει και θαυμάζει τη γοητεία και την ομορφιά της νεότητας. Ο P. Svinin έγραψε σχετικά με αυτήν την εικόνα ότι «αποκαλύπτει την αγνή, αθώα ψυχή της ομορφιάς και το βλέμμα της περιέργειας που έριξε σε κάποιον που μπήκε εκείνη τη στιγμή: τα χέρια της, γυμνά από τον αγκώνα, σταμάτησαν μαζί με το βλέμμα της. Ο αναστεναγμός πέταξε από το παρθένο στήθος, καλυμμένο με ένα μαντήλι μουσελίνας».

Ο καλλιτέχνης επικρίθηκε συχνά για το συνεχές χαμόγελο των χαρακτήρων του. «Αλλά δεν εφευρίσκω, δεν συνθέτω αυτά τα χαμόγελα, τα ζωγραφίζω από τη ζωή», απάντησε ο Τροπινίν.

ΒΑΣΙΛΥ ΤΡΟΠΙΝΙΝ. Αυτοπροσωπογραφία με φόντο ένα παράθυρο με θέα στο Κρεμλίνο.1846. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα

Στην αυτοπροσωπογραφία, ο Tropinin απεικονίζει τον εαυτό του ως έναν σκληρά εργαζόμενο καλλιτέχνη που κατάφερε να «μπει στη δημοσιότητα» με τη βοήθεια της τέχνης, της σκληρής δουλειάς και του ταλέντου. Είναι ντυμένος με ένα παλτό εργασίας, ακουμπά σε ένα μπαστούνι και κρατά μια παλέτα και πινέλα στο αριστερό του χέρι. Το ευρύ πανόραμα του Κρεμλίνου πίσω του είναι η προσωποποίηση των σκέψεων του καλλιτέχνη για την πατρίδα του. «Η ηρεμία που ανέπνεε από το αυτάρεσκο γέρο πρόσωπο του Τροπινίν δεν του ήρθε εύκολα. Παλεύοντας συνεχώς με εμπόδια και καταπίεση, απέκτησε αυτή την ηρεμία κάτω από τη σκιά της πίστης και της τέχνης», έγραψε ο Ν. Ραμαζάνοφ, ο οποίος γνώριζε τον καλλιτέχνη. Αυτή η αυτοπροσωπογραφία, που φυλάχθηκε στο σπίτι του μετά το θάνατο του Τροπινίν, αγοράστηκε από Μοσχοβίτες από τον γιο του καλλιτέχνη με συνδρομή και παρουσιάστηκε ως δώρο στο Μουσείο Rumyantsev ως ένδειξη ιδιαίτερου σεβασμού και αναγνώρισης των υπηρεσιών του πλοιάρχου στην αρχαία πρωτεύουσα.

ΚΑΡΛ ΜΠΡΙΟΥΛΟΦ. Ιταλικό απόγευμα (Ιταλίδα που μαζεύει σταφύλια).1827. Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη

Αυτός ο πίνακας δημιουργήθηκε ως ζευγάρι για το «Italian Morning» (1823, Kunsthalle, Κίελο) και στάλθηκε στη Ρωσία ως αναφορά κατά τη διάρκεια της παραμονής του καλλιτέχνη στην Ιταλία. Ο Bryullov εκμεταλλεύτηκε την ευκαιρία στην Ιταλία για να σπουδάσει γυναικεία μοντέλα (στην Ακαδημία της Αγίας Πετρούπολης οι γυναίκες δεν πόζαραν για καλλιτέχνες). Τον ενδιέφερε να αποδώσει τη γυναικεία φιγούρα σε διαφορετικά εφέ φωτισμού - νωρίς το πρωί ή στο έντονο φως του ιταλικού απογεύματος. Η σκηνή του είδους είναι γεμάτη με το πνεύμα του γλυκού αισθησιασμού. Η ώριμη ομορφιά του Ιταλού αντηχεί την ωριμότητα των σταφυλιών γεμάτα με γλυκό χυμό, που αστράφτουν στον ήλιο.

ΚΑΡΛ ΜΠΡΙΟΥΛΟΦ. Ημερομηνία διακοπής ("Το νερό τρέχει ήδη...").Ακουαρέλα. 1827–1830. Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα

Στην Ιταλία, ο Bryullov ήταν ένας από τους ιδρυτές του «ιταλικού» είδους, το οποίο γνώρισε μεγάλη επιτυχία μεταξύ συλλεκτών και ταξιδιωτών. Οι πίνακες του καλλιτέχνη για την καθημερινή ζωή των Ιταλών συνδυάζουν την κλασική ομορφιά και μια ρομαντική κοσμοθεωρία της πραγματικότητας. Σε μια από τις καλύτερες ακουαρέλες του «ιταλικού» είδους, μια γοητευτική σκηνή του είδους, γεμάτη με καλοσυνάτο χιούμορ, ξετυλίγεται με φόντο τη γλυκά όμορφη ιταλική φύση. Ο Bryullov κατέκτησε με μαεστρία την κλασική τεχνική της ακουαρέλας, μεταφέροντας με μαεστρία σε ένα φύλλο χαρτί τον φωτεινό αέρα μιας καυτής ιταλικής ημέρας, τα αστραφτερά λευκά πουκάμισα των ηρώων, καυτά από τον ήλιο πέτρινος τοίχοςΣπίτια.

ΚΑΡΛ ΜΠΡΙΟΥΛΟΦ. Bathsheba.

Η πλοκή βασίζεται στον μύθο μιας νεαρής ομορφιάς που έκανε μπάνιο, την οποία είδε ο βασιλιάς Δαβίδ ενώ περπατούσε στην οροφή του παλατιού του.

Ο Bryullov υμνεί με ενθουσιασμό τη γυναικεία ομορφιά, η οποία «μόνο θα μπορούσε να στεφανώσει το σύμπαν». Η τρυφερότητα του πανέμορφου «αντίκα» σώματος της Bathsheba, που φωτίζεται από τις λοξές ακτίνες του ήλιου που δύει, αναδύεται από τις καταπράσινες πτυχές των κουρτινών, τις οποίες ο καλλιτέχνης μετέτρεψε σε βάθρο για την ομορφιά. Ένα διαφανές ρεύμα νερού που ρέει στην πισίνα αστράφτει από το φως του ήλιου. Ολόκληρος ο καμβάς διαποτίζεται από αισθησιακή γοητεία και τη χαρά της ύπαρξης.

ΚΑΡΛ ΜΠΡΙΟΥΛΟΦ. Καβαλάρης.1832. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα

Αυτό το τελετουργικό πορτρέτο των Ιταλών Giovannina (ιππέας) και Amatsilia Paccini παραγγέλθηκε στον Bryullov από την κόμισσα Yulia Samoilova, μια φίλη του καλλιτέχνη, η οποία πήρε αυτά τα ορφανά κορίτσια. Ο καλλιτέχνης συνδυάζει ένα παραδοσιακό ιππικό πορτρέτο με τη δράση της πλοκής. Την παραμονή μιας καταιγίδας, μια όμορφη καβαλάρη σπεύδει να επιστρέψει από μια βόλτα. Η γοητευτική Αμαζίλια έτρεξε έξω για να συναντήσει την αδερφή της στο χαγιάτι. Το πρόσωπο της Giovannina, παρά τον γρήγορο ρυθμό, παραμένει ήρεμα όμορφο. Μπροστά μας είναι μια αγαπημένη τεχνική της εποχής του ρομαντισμού: η σύγκρουση ισχυρών φυσικών στοιχείων και η ανθεκτικότητα ανθρώπινο πνεύμα. Ο καλλιτέχνης θαυμάζει την ανθισμένη ομορφιά της νιότης, θαυμάζει τη χαριτότητα ενός παιδιού, τη χάρη ενός καθαρόαιμου αλόγου, τη λάμψη του μεταξιού και τη λάμψη των μπούκλες των μαλλιών... Το πορτρέτο μετατρέπεται σε ένα κομψό μαγευτικό θέαμα, έναν ύμνο στον ομορφιά της ζωής.

ΚΑΡΛ ΜΠΡΙΟΥΛΟΦ. Η τελευταία μέρα της Πομπηίας.1833. Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη

Ο Bryullov σκέφτηκε την πλοκή της εικόνας αφού επισκέφτηκε τις ανασκαφές της Πομπηίας, μιας αρχαίας ρωμαϊκής πόλης κοντά στη Νάπολη που πέθανε τον 1ο αιώνα από την έκρηξη του Βεζούβιου. Όταν εργαζόταν στον πίνακα, ο καλλιτέχνης χρησιμοποίησε περιγραφές του ιστορικού Πλίνιου του νεότερου, μάρτυρα του θανάτου της πόλης. Το κύριο θέμα της εικόνας είναι «ένας λαός που τον πιάνει ο φόβος» της δύναμης της μοίρας που κατακτά τα πάντα. Η κίνηση των ανθρώπων κατευθύνεται από τα βάθη της εικόνας προς τον θεατή διαγώνια.

Το κρύο φως του κεραυνού αναδεικνύει ξεχωριστές ομάδες ανθρώπων που ενώνονται από μια ενιαία πνευματική παρόρμηση. Αριστερά, μέσα στο πλήθος, ο καλλιτέχνης απεικόνισε τον εαυτό του με ένα κουτί μπογιές στο κεφάλι του. Ο N. Gogol έγραψε ότι οι όμορφες φιγούρες του Bryullov πνίγουν τη φρίκη της κατάστασής τους με την ομορφιά. Ο καλλιτέχνης συνδύασε τη θέρμη της ρομαντικής κοσμοθεωρίας με τις παραδοσιακές τεχνικές του κλασικισμού. Η εικόνα είχε τεράστια επιτυχία στην Ευρώπη και στη Ρωσία ο Bryullov χαιρετίστηκε ως θριαμβευτής: «Έφερες τα τρόπαια της ειρήνης / Μαζί σου στο κουβούκλιο του πατέρα σου. – / Και ήταν η τελευταία μέρα της Πομπηίας / Για τη ρωσική βούρτσα, η πρώτη μέρα» (Ε. Μπαρατίνσκι).

ΚΑΡΛ ΜΠΡΙΟΥΛΟΦ. Πορτρέτο του I. A. Krylov.1839. Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα

Το πορτρέτο του Ιβάν Αντρέεβιτς Κρίλοφ (1768/1769–1844) ζωγραφίστηκε από τον καλλιτέχνη σε μία συνεδρία και δεν ολοκληρώθηκε. Το χέρι του Κρίλοφ συμπλήρωσε ο μαθητής Φ. Γκορέτσκι από ένα γύψινο εκμαγείο του νεκρού πλέον παραμυθιού. Ο Krylov στο πορτρέτο είναι περίπου 70 ετών, η εμφάνισή του χαρακτηρίζεται από αυστηρή αρχοντιά και ζωηρή, ενεργή ενέργεια. Η γραφική μαεστρία του πορτρέτου, ο αγαπημένος ρομαντικός και ηχηρός συνδυασμός του μαύρου, του φλογερού κόκκινου και του χρυσοκίτρινου χρώματος του Bryullov, σαγηνεύει.

ΚΑΡΛ ΜΠΡΙΟΥΛΟΦ. Πορτρέτο του N.V. Kukolnik.1836. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα

Στην Αγία Πετρούπολη, ο Bryullov συμμετείχε τακτικά στις βραδιές όπου συγκεντρωνόταν η λογοτεχνική μποέμ της εποχής. Απαραίτητος συμμετέχων τους ήταν ο Νέστορ Βασίλιεβιτς Κουκόλνικ (1809–1868), διάσημος θεατρικός συγγραφέας, δημοσιογράφος, εκδότης του περιοδικού Khudozhestvennaya Gazeta. Σύμφωνα με τους σύγχρονους, ο Κουκλοπαίκτης είχε μια άβολη εμφάνιση - πολύ ψηλός, στενοί ώμοι, μακρύ πρόσωπο με ακανόνιστα χαρακτηριστικά, τεράστια αυτιά, μικρά μάτια. Στο πορτρέτο, ο Bryullov αισθητικοποιεί την εμφάνισή του, δίνοντάς του το μυστήριο ενός ρομαντικού περιπλανώμενου. Τα αυτιά είναι κρυμμένα κάτω από ένα σκουφάκι με μακριά μαλλιά, και ένα πονηρό χαμόγελο παίζει στο χλωμό πρόσωπο. Η ρομαντική ατμόσφαιρα συμπληρώνεται από το βαθύτερο σκοτάδι της ημέρας που φεύγει, ένα ερειπωμένο τείχος που θυμίζει το αδυσώπητο πέρασμα του χρόνου και την έκταση της θάλασσας στο βάθος.

ΚΑΡΛ ΜΠΡΙΟΥΛΟΦ. Πορτρέτο του A. N. Strugovshchikov.1840. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα

Ο Alexander Nikolaevich Strugovshchikov (1808–1878) ήταν φίλος του Bryullov, μεταφραστή από τα γερμανικά και εκδότη της Khudozhestvennaya Gazeta. Το πορτρέτο ζωγραφίστηκε στην Αγία Πετρούπολη, στο στούντιο του Bryullov στην πλατεία του Παλατιού. Ο Strugovshchikov ποζάρει σε μια καρέκλα ντυμένη με κόκκινο δέρμα (στην ίδια καρέκλα βλέπουμε τον Bryullov στο περίφημο «Αυτοπροσωπογραφία» του 1848). Στην εμφάνιση του ελαφρώς κουρασμένου Strugovshchikov, ο καλλιτέχνης τόνισε κάποια νευρικότητα και αποστασιοποίηση. Ο μηδενισμός και η μελαγχολία ήταν η αγαπημένη μάσκα της γενιάς αυτής της εποχής, όταν, σύμφωνα με τον Strugovshchikov, «το πογκρόμ της 14ης Δεκεμβρίου αφαίρεσε... την επιθυμία των προοδευτικών ανθρώπων της κοινωνίας να παρέμβουν στην εσωτερική πολιτική της ζωής μας και πολύ δρόμοι προς αυτό ήταν αποκλεισμένοι».

ΚΑΡΛ ΜΠΡΙΟΥΛΟΦ. Πορτρέτο της κόμισσας Yu P. Samoilova που αφήνει τη μπάλα με την υιοθετημένη κόρη της Amazilia Pacini.Το αργότερο το 1842. Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη

Το πορτρέτο ζωγραφίστηκε στην Αγία Πετρούπολη, όπου η εκκεντρική και ανεξάρτητη κόμισσα ήρθε να λάβει μια τεράστια κληρονομιά. Στην εικόνα απεικονίζεται μαζί με την υιοθετημένη κόρη της, η οποία με την ευθραυστότητά της ξεκινά και συμπληρώνει την πολυτελή, ώριμη ομορφιά της Samoilova. Η κίνηση της σιλουέτας της Κοντέσας εξισορροπείται από το δυνατό άπλωμα της βαριάς βελούδινης κουρτίνας, που φαίνεται να συνεχίζει μέσα στο εκθαμβωτικά πολυτελές φόρεμά της. Σε αυτό το καλύτερο τελετουργικό πορτρέτο του δασκάλου, γίνεται αισθητή μια εξαιρετική ενθουσιώδης φωτιά - συνέπεια της ιδιαίτερης στάσης του καλλιτέχνη προς το μοντέλο.

ΚΑΡΛ ΜΠΡΙΟΥΛΟΦ. Αυτοπροσωπογραφία.1848. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα

Σύμφωνα με τις αναμνήσεις του μαθητή του Bryullov, αυτή η αυτοπροσωπογραφία ζωγραφίστηκε από τον δάσκαλο κατά τη διάρκεια μιας σοβαρής ασθένειας σε μόλις δύο ώρες. Το έργο εκπλήσσει με την ευρηματική δεξιοτεχνία της εκτέλεσής του: τα μαλλιά «χτενίζονται» με μερικές κινήσεις της βούρτσας, ένα εξαντλημένο, χλωμό, αδυνατισμένο πρόσωπο με διάφανες σκιές, ένα άτονο κρεμασμένο χέρι τραβιέται με έμπνευση, με μικρές πινελιές. Ταυτόχρονα, η εικόνα δεν στερείται ναρκισσισμού και κομψής καλλιτεχνίας. Η δύσκολη φυσική κατάσταση του πλοιάρχου τονίζει μόνο τη δημιουργική φωτιά, η οποία, παρά μια σοβαρή ασθένεια, δεν έσβησε στο Bryullov μέχρι το τέλος της ζωής του.

ΚΑΡΛ ΜΠΡΙΟΥΛΟΦ. Πορτρέτο του αρχαιολόγου M. Lanci.1851. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα

Αυτό το πορτρέτο του παλιού φίλου του Bryullov, του Ιταλού αρχαιολόγου Michelangelo Lanci (1779–1867), εκπλήσσει με τη ζωντανή αναπαράσταση της ατομικότητας του ατόμου, προμηνύοντας τη ρεαλιστική μέθοδο στην τέχνη της προσωπογραφίας. Ο αρχαιολόγος φάνηκε να έχει πιαστεί στη μέση μιας ζωηρής συζήτησης: έβγαλε το τσιμπίκι του και κάρφωσε ένα προσεκτικό και έξυπνο βλέμμα στον συνομιλητή του. Ο λαμπερός, ηχηρός χρωματισμός, που βασίζεται σε έναν συνδυασμό φωτεινής κόκκινης ρόμπας και ασημί γούνας, τονίζει την αγάπη του μοντέλου για τη ζωή.

Αυτή η «ενεργητική» ηχητικότητα του πορτρέτου είναι ακόμη πιο αξιοσημείωτη αφού η φυσική δύναμη του ίδιου του Bryullov είχε ήδη εξαντληθεί. Το πορτρέτο έγινε το τελευταίο σημαντικό έργο του βαριά άρρωστου καλλιτέχνη.

ALEXANDER BRYULLOV. Πορτρέτο του N. N. Pushkina.1831–1832. Χαρτί, ακουαρέλα. Πανρωσικό Μουσείο A. S. Pushkin, Αγία Πετρούπολη

Τα πορτρέτα με ακουαρέλα του Alexander Bryullov, αδελφού του Karl Bryullov, ήταν εξαιρετικά δημοφιλή μεταξύ των συγχρόνων του. Ανάμεσα στα καλύτερα και πιο πολύτιμα για τους επόμενους είναι το πορτρέτο της Νατάλια Νικολάεβνα Πούσκινα, συζύγου του μεγάλου ποιητή. Ο καλλιτέχνης όχι μόνο αποτυπώνει τα ατομικά χαρακτηριστικά της, αλλά εξυψώνει την απεικονιζόμενη ομορφιά πάνω από την «πεζογραφία της ζωής», επιβεβαιώνοντας το γυναικείο ιδεώδες της «αγνής ομορφιάς» που βρίσκουμε στα ποιήματα του Πούσκιν: «Οι επιθυμίες μου έγιναν πραγματικότητα. Ο Δημιουργός / σε έστειλε σε μένα, εσύ, Μαντόνα μου, / το πιο αγνό παράδειγμα της πιο αγνής γοητείας».

ALEXANDER BRYULLOV. Πορτρέτο του E. P. Bakunina.Το αργότερο το 1832. Χαρτόνι, ακουαρέλα. Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα

Η Ekaterina Pavlovna Bakunina (1795–1869) ήταν αδελφή του Alexander Bakunin, φίλου του Πούσκιν στο λύκειο. Ο ποιητής μπορούσε να συναντήσει τη νεαρή Μπακούνινα σε χοροεσπερίδες λυκείου, στις οποίες συμμετείχαν προσκεκλημένοι συγγενείς μαθητών λυκείου και γνωστοί. «Τι γλυκιά που ήταν! Πώς κόλλησε το μαύρο φόρεμα στην αγαπημένη Μπακουνίνα! Αλλά δεν την έχω δει για δεκαοκτώ ώρες - αχ! Τι κατάσταση και τι μαρτύριο... Αλλά ήμουν χαρούμενος για 5 λεπτά» (από το ημερολόγιο του Πούσκιν του 1815). Στο οικείο, μικροσκοπικό πορτρέτο βλέπουμε τον Μπακούνινα ήδη στην ενηλικίωση, ωστόσο, η μουσικότητα των γραμμών και τα λεπτά διάφανα χρώματα της ακουαρέλας συντονίζονται με το ενθουσιώδες συναίσθημα του νεαρού ποιητή.

ΠΙΤΕΡ ΣΟΚΟΛΟΦ. Πορτρέτο του A. S. Pushkin.1836. Χαρτί, ακουαρέλα. Πανρωσικό Μουσείο A. S. Pushkin, Αγία Πετρούπολη

Ο Σοκόλοφ ήταν εξαιρετικός δεξιοτέχνης των οικείων πορτρέτων ακουαρέλας της εποχής Πούσκιν. Τα πινέλα του καλλιτέχνη περιλαμβάνουν τρία πορτρέτα ζωής του Πούσκιν, πορτρέτα συγχρόνων του, φίλων και εχθρών. Αυτό το πορτρέτο αντιπροσωπεύει τον ποιητή στο τέλος της ζωής του - ελαφρώς κουρασμένος, έχοντας βιώσει πολλές απογοητεύσεις και αγωνίες. Ο γιος του, ο ακουαρέλας Ακαδημαϊκός A. Sokolov, μίλησε για τη μέθοδο εργασίας του Sokolov:

«Με αξιοσημείωτη τόλμη, ο αληθινός τόνος προσώπου, φορέματος, αξεσουάρ δαντέλας ή φόντου απλώνονταν αμέσως, σχεδόν σε πλήρη ισχύ και ήταν λεπτομερής σε ανάμεικτους, κυρίως γκριζωπούς τόνους, με αξιοσημείωτη γοητεία και γούστο, έτσι ώστε το χτύπημα του πινέλου, Οι πινελιές του, η κάθοδος του χρώματος στο μηδέν, παρέμειναν στη θέα, χωρίς να παρεμποδίζουν την πλήρη ολοκλήρωση όλων των μερών. Εξαιτίας αυτού, κανένα βασανιστήριο ή μόχθος δεν ήταν ποτέ αντιληπτό στη δουλειά του. όλα βγήκαν φρέσκα, εύκολα και ταυτόχρονα τολμηρά και εντυπωσιακά χρωματικά.”

ΑΛΕΞΕΪ ΒΕΝΕΤΣΙΑΝΟΦ. Αυτοπροσωπογραφία.1811. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Μόσχα

Στην αυτοπροσωπογραφία, ο Βενετσιάνοφ είναι 31 ετών, αλλά φαίνεται σαν ένας κουρασμένος, κοσμοσοφημένος άνθρωπος. Εκείνη την εποχή, ήταν ήδη γνωστός δεξιοτέχνης προσωπογράφος, έχοντας επιτύχει με τη δική του δουλειά και επιμονή. Η αυτοπροσωπογραφία εκπλήσσει με τη σοβαρότητα, την αλήθεια και την απλότητά της. Ο καλλιτέχνης, κρατώντας μια παλέτα και μια βούρτσα στα χέρια του, κοιτάζει προσεκτικά το έργο. Το ζωηρό, ζεστό φως διαμορφώνει απαλά το σχήμα. Ο Βενετσιάνοφ παρουσίασε αυτό το πορτρέτο στην Ακαδημία Τεχνών και έλαβε τον τίτλο του «διορισμένου ακαδημαϊκού» γι' αυτό.

ΑΛΕΞΕΪ ΒΕΝΕΤΣΙΑΝΟΦ. Κοιμωμένη βοσκοπούλα.Μεταξύ 1823 και 1826. Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη

Το τοπίο του ρωσικού χωριού, εκπληκτικό στην ψυχική του γοητεία, είναι γεμάτο με ήσυχη, λαμπερή γαλήνη: η λεία επιφάνεια του ποταμού, οι πράσινοι κήποι με λαχανικά, και η μακρινή καλλιεργήσιμη γη και οι δασώδεις λόφοι... Τα χρώματα του τοπίου είναι φωτεινό, γεμάτο σώμα, σαν να είναι διαποτισμένο από φως. Ο «Κοιμωμένος Ποιμένας» είναι ένας από τους καλύτερους πίνακες του Βενετσιάνοφ όσον αφορά τη λυρική και ειλικρινή του διάθεση, ως προς τη μετάδοση της στενής σχέσης μεταξύ ανθρώπου και φύσης. Ο Βενετσιάνοφ εμφανίζεται εδώ ως πρωτοπόρος της λεπτής γοητείας της σεμνής ρωσικής φύσης.

ΑΛΕΞΕΪ ΒΕΝΕΤΣΙΑΝΟΦ. Στην καλλιεργήσιμη γη. Ανοιξη.Πρώτο μισό της δεκαετίας του 1820. Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα

Ο πίνακας παρουσιάζει μια αλληγορία της Άνοιξης. Μια αγρότισσα με ένα έξυπνο σαλαμάκι, που παρομοιάζεται με τη θεά της ανθοφορίας και της άνοιξης, τη Φλώρα, διασχίζει μεγαλοπρεπώς την καλλιεργήσιμη γη. Αριστερά στο βάθος, μια άλλη αγρότισσα με άλογα φαίνεται να συνεχίζει μια κυκλική κίνηση κύριος χαρακτήρας, που κλείνει δεξιά στη γραμμή του ορίζοντα με μια άλλη γυναικεία φιγούρα, που θυμίζει ημιδιαφανές φάντασμα. Δίπλα στην ώριμη ομορφιά της Φλώρας βλέπουμε μια αλληγορία της αρχής της ζωής - το μωρό Έρως περιτριγυρισμένο από στεφάνια από κενταύριο. Στη δεξιά πλευρά της εικόνας, δίπλα σε ένα ξερό κούτσουρο, λεπτά νεαρά δέντρα απλώνονται προς τον ήλιο.

Η εικόνα δείχνει τον αιώνιο κύκλο της ζωής: η αλλαγή των εποχών, η γέννηση και ο μαρασμός... Οι ερευνητές παρατήρησαν ότι αυτός ο πίνακας του Βενετσιάνοφ, με την ειδυλλιακή του διάθεση και τον αλληγορικό του διαφωτισμό, σε συνδυασμό με ρωσικά μοτίβα, ανταποκρίθηκε στα γούστα του αυτοκράτορα Αλέξανδρου Α'.

ΑΛΕΞΕΪ ΒΕΝΕΤΣΙΑΝΟΦ. Στη συγκομιδή. Καλοκαίρι.Μέσα δεκαετίας 1820. Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα

Αυτός ο πίνακας σχεδιάστηκε από τον Βενετσιάνοφ ως ένα ζεύγος για το έργο «Σε καλλιεργήσιμη γη. Άνοιξη» και ήταν μέρος ενός είδους κύκλου για τις εποχές. Ο κόσμος της αγροτικής ζωής εδώ στερείται των πεζών κακουχιών της αγροτικής εργασίας. Αυτό είναι ένα ειδύλλιο που βλέπει ο καλλιτέχνης από τα παράθυρα ενός «ρομαντικού» αρχοντικού κτήματος. Αλλά στην καρδιά αυτού του ειδυλλίου βρίσκεται η έξυπνη και ειλικρινής σκέψη του καλλιτέχνη για την ομορφιά και την εξαιρετική σημασία των καθημερινών ανησυχιών των αγροτών, για την ιδιαίτερη γοητεία της ρωσικής φύσης. «Ποιος σε όλη τη ρωσική ζωγραφική κατάφερε να μεταφέρει μια τόσο αληθινά καλοκαιρινή διάθεση όπως αυτή που έβαλε στον πίνακα του «Καλοκαίρι», όπου πίσω από μια κάπως γωνιακά φυτεμένη γυναίκα, με ελαφρώς ισιωμένο προφίλ, καθαρή ρωσική φύση, που δεν ισιώνεται πλέον καθόλου, απλώνεται: μακρινό, κίτρινο ένα χωράφι που ωριμάζει στον καυτό, κορεσμένο από τον ήλιο αέρα!» - αναφώνησε ο Α. Μπενουά.

ΑΛΕΞΕΪ ΒΕΝΕΤΣΙΑΝΟΦ. Κορίτσι με μαντίλα.

Η νεαρή όμορφη αγρότισσα ζωγραφίστηκε από τον Βενετσιάνοφ με εξαιρετική ζεστασιά και ειλικρίνεια. Κάρφωσε τα μεγάλα μάτια της στον θεατή με ένα ζωηρό βλέμμα, ένα ελαφρύ χαμόγελο να έπαιζε στα παχουλά χείλη της. Ένα μπλε ριγέ κασκόλ και σκούρα, λαμπερά, απαλά χτενισμένα μαλλιά αναδεικνύουν την τρυφερότητα του κοριτσίστικου προσώπου της. Ο χώρος της εικόνας είναι γεμάτος με απαλό φως, το χρώμα βασίζεται σε έναν ευγενή συνδυασμό απαλών πράσινων, μπλε και ανοιχτών μπεζ τόνων.

ΑΛΕΞΕΪ ΒΕΝΕΤΣΙΑΝΟΦ. Θεριστές.Τέλη δεκαετίας 1820. Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη

Σε αυτή την εικόνα βλέπουμε το αγρότη Zakharka, τον ήρωα πολλών έργων ζωγραφικής του Venetsianov, και τη μητέρα του Anna Stepanova. Το αγόρι, αναψοκοκκινισμένο από τη σκληρή δουλειά και τη ζέστη του μεσημεριού, έγειρε στον ώμο της μητέρας του, γοητευμένο από τις λαμπερές πεταλούδες που σκαρφαλώνουν στο χέρι της. Η φόρμα είναι σμιλεμένη με χοντρό, ολόφωνο χρώμα. Οι λείες, στρογγυλεμένες γραμμές γεμίζουν τη σύνθεση με ισορροπία και γαλήνη. Ο Βενετσιάνοφ μετατρέπει μια ανεπιτήδευτη καθημερινή ιστορία από τη ζωή των αγροτών σε μια ποιητική αφήγηση για τη μαγευτική ομορφιά του κόσμου και τη χαρά της ενότητας με τη φύση.

ΑΛΕΞΕΪ ΒΕΝΕΤΣΙΑΝΟΦ. Χωρική με άνθη αραβοσίτου.δεκαετία του 1830 Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα

Η νεαρή αγρότισσα στερείται ρομαντικής αγαλλίασης, η εικόνα της είναι απλή και γεμάτη με ήσυχη, ειλικρινή ποίηση. Χαμένη στις σκέψεις της, λυπημένη και αποστασιοποιημένη ταξιδεύει ανάμεσα στα λαμπερά γαλάζια άνθη. Ο χρωματισμός της εικόνας βασίζεται σε λεπτές αρμονίες ψυχρού καπνιστού λευκού, ασημί, ανοιχτόχρωμες αποχρώσεις ώχρας, που αντανακλούν τη συλλογισμένη δευτερεύουσα διάθεση του κοριτσιού.

ΓΡΗΓΟΡΟΣ ΣΩΡΟΚΑ. Άποψη του κτήματος Spasskoye, επαρχία Tambov.δεκαετία του 1840 Περιφερειακή Πινακοθήκη, Τβερ

Ο δουλοπάροικος P.I Milyukova, ο Grigory Soroka σπούδασε κατά διαστήματα με τον Venetsianov στο κτήμα του Safonkovo. Ο καλλιτέχνης A. Mokritsky έγραψε ότι ο Βενετσιάνοφ έδωσε οδηγίες στους μαθητές του: «Όλα αυτά τα αντικείμενα, την υλική διαφορά των οποίων ο ζωγράφος πρέπει να νιώσει και να μεταφέρει απτή... Γι' αυτό... χρειάζεται εξαιρετική επαγρύπνηση του ματιού, συγκέντρωση, ανάλυση, πλήρης Η εμπιστοσύνη στη φύση και η συνεχής επιδίωξη των αλλαγών της σε διαφορετικούς βαθμούς και θέσεις φωτός. χρειαζόμαστε σαφήνεια κατανόησης και αγάπη για το έργο».

Ο Soroka ζωντάνεψε με ταλέντο τις εντολές του μέντορά του. Λύνει τέλεια σύνθετα εικονογραφικά προβλήματα, γεμίζοντας το τοπίο με κλασική ειρήνη και φωτεινή ειλικρίνεια. Ακολουθώντας τον Βενετσιάνοφ, ανακαλύπτει την ομορφιά στα ήσυχα μοτίβα της γηγενούς φύσης.

δεκαετία του 1840 Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη

Η ήρεμη υδάτινη επιφάνεια της λίμνης Moldinskoye βασιλεύει στην εικόνα, ορίζοντας την ειδυλλιακή, λαμπερή της διάθεση. Υπάρχει μια αίσθηση βραδύτητας και σιωπής σε όλα: ένα αγόρι ψαρεύει στην ακτή, ο φίλος του γλιστράει ήσυχα σε μια βάρκα κατά μήκος της ακτής. Τα κτίρια του κτήματος στην απέναντι όχθη είναι θαμμένα στα μαγευτικά αλσύλλια της «αιώνιας όμορφης» φύσης. Η μετάδοση της ιδιαίτερης ποιητικής ομορφιάς της ρωσικής φύσης και η διάθεση μιας καταπληκτικής, φωτισμένης γαλήνης γεμάτη χάρη κάνουν αυτό το τοπίο παρόμοιο με καλύτερα έργαΑ. Βενετσιάνοβα.

ΓΡΗΓΟΡΟΣ ΣΩΡΟΚΑ. Ψαράδες. Άποψη του κτήματος Spasskoye, επαρχία Tambov.Θραύσμα

KAPITON ZELENTSOV. Στα δωμάτια.Τέλη δεκαετίας 1820. Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα

Στα τέλη της δεκαετίας του 20 του 19ου αιώνα, το εσωτερικό είδος έγινε δημοφιλές μεταξύ των καλλιτεχνών, το οποίο αντανακλούσε το ενδιαφέρον των πελατών από την αριστοκρατία για την «ποίηση της οικιακής ζωής». Ο πίνακας του Zelentsov είναι κοντά στο πνεύμα με τα καλύτερα έργα του μέντορά του A. Venetsianov. Μια σουίτα από τρία ευρύχωρα, όμορφα διακοσμημένα δωμάτια, πλημμυρισμένα από φως, ξεδιπλώνεται μπροστά στον θεατή. Υπάρχουν πίνακες και μετάλλια του Φ. Τολστόι στους τοίχους, ένα άγαλμα της Αφροδίτης στη γωνία δίπλα στο παράθυρο, κομψά έπιπλα από μαόνι είναι τοποθετημένα κατά μήκος των τοίχων. Τα δωμάτια ζωντανεύουν από δύο νεαρούς άντρες που εκπαιδεύουν έναν σκύλο. Όταν κοιτάζετε αυτό το εσωτερικό, σας κυριεύει μια αίσθηση καθαρής γαλήνης και φωτεινής αρμονίας, που αντιστοιχούσε στις ιδέες για το ιδανικό της ιδιωτικής ζωής.

FEDOR SLAVYANSKY. Γραφείο A. G. Venetsianov.1839–1840. Κρατικό Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη

Ο Slavyansky συνέχισε τη γραμμή του δασκάλου του A. Venetsianov τόσο στη ζωγραφική πορτρέτων όσο και στο εσωτερικό είδος. Θα εμποτιστεί με μια φωτεινή, αρμονική διάθεση καλύτερο εσωτερικό, που απεικονίζει δωμάτια στο σπίτι του μέντορα. Η υπέροχα γραμμένη σουίτα δωματίων θυμίζει λαμπρές εξελίξεις στη μελέτη της προοπτικής. Στο πίσω μέρος του δωματίου, στο απαλό διάχυτο φως, ένας νεαρός άνδρας ξάπλωσε στον καναπέ - ίσως ο ίδιος ο καλλιτέχνης ή ένας από τους μαθητές του ιδιοκτήτη του σπιτιού. Τα πάντα σε αυτόν τον χώρο θυμίζουν την εξυπηρέτηση της τέχνης και των καλλιτεχνικών ενδιαφερόντων: αντίγραφα από αντίκες αγάλματα, ένα μανεκέν μιας αγρότισσας με ένα kokoshnik δίπλα στο παράθυρο, σαν να ζωντάνεψε από τις λαμπερές ακτίνες του ήλιου, πίνακες στους τοίχους, μια επένδυση σόμπας σε στιλ «αντίκα».

Από το βιβλίο του συγγραφέα

Ζωγραφική του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα * * *Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, η ρωσική τέχνη βρέθηκε στο έλεος των κοινωνικοπολιτικών ιδεών. Όχι σε κανένα ευρωπαϊκή χώραδεν υπήρχε τόσο μεγάλη ύπαρξη στη ζωγραφική του κριτικού ρεαλισμού - ιστορικού

Λιαγίνα Γιάνα

Αυτό το έργο μας εισάγει στην τέχνη του 19ου αιώνα. Η τέχνη κάθε εποχής, σαν σφουγγάρι, απορροφά τα κύρια προβλήματα, ιδέες και απόψεις της εποχής της. Για τη ρωσική τέχνη, αυτή η περίσταση είναι η πιο σημαντική, αφού ήταν πάντα, αν όχι πολιτικοποιημένη, τότε, ούτως ή άλλως, στενά συνδεδεμένη με την ιδεολογία του κυρίαρχου τμήματος της κοινωνίας, των αντιδραστικών κύκλων ή των επαναστατικών ριζοσπαστών της.

Κατεβάστε:

Προεπισκόπηση:

Δημοτικός διαγωνισμός δοκιμίων μαθητών

Δημοτικό κρατικό εκπαιδευτικό ίδρυμα

γυμνασίου με. Γλυκιά μου.

Πλήρης διεύθυνση: Περιοχή Σαράτοφ, περιοχή Εκατερινόφσκι, χωριό. Γλυκιά μου,

αγ. Ραμποτσάγια 1

Αφηρημένη εργασία:

"Η ρωσική τέχνη τον 19ο αιώνα"

Βαθμός 10

Επόπτης : Sazonova Yulia Andreevna,

ΚΑΘΗΓΗΤΗΣ ΚΑΛΛΙΤΕΧΝΙΚΩΝ.

ακαδημαϊκό έτος 2013-2014

Εισαγωγή………………………………………………………………………………………………3

1.Πολιτισμός Ρωσία XIXαιώνα: γενικά χαρακτηριστικά…………………………..4

2. Η ρωσική τέχνη τον 19ο αιώνα……………………………………………………………….6

2.1 Ρωσική τέχνη στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα - «Χρυσή Εποχή του Πολιτισμού»…………………………………………………………………………………… ………6

2.2 Η ρωσική τέχνη στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα……………………………………………………………………

Συμπέρασμα………………………………………………………………………………….15

Κατάλογος αναφορών………………………………………………………………………16

Εισαγωγή

Η τέχνη κάθε εποχής, σαν σφουγγάρι, απορροφά τα κύρια προβλήματα, ιδέες και απόψεις της εποχής της. Για τη ρωσική τέχνη, αυτή η περίσταση είναι η πιο σημαντική, αφού ήταν πάντα, αν όχι πολιτικοποιημένη, τότε, ούτως ή άλλως, στενά συνδεδεμένη με την ιδεολογία του κυρίαρχου τμήματος της κοινωνίας, των αντιδραστικών κύκλων ή των επαναστατικών ριζοσπαστών της.

Στόχος της εργασίας - αναλύει τη ρωσική τέχνη του 19ου αιώνα.

Καθήκοντα:

1.Δώσε γενικά χαρακτηριστικάαυτής της εποχής?

2. Περιγράψτε συνοπτικά τη ρωσική τέχνη του 19ου αιώνα στους τύπους της.

1. Πολιτισμός της Ρωσίας τον 19ο αιώνα: γενικά χαρακτηριστικά

Ρωσική ιστορία τέχνη του 19ου αιώναοι αιώνες συνήθως χωρίζονται σε στάδια.

Το πρώτο μισό ονομάζεται Χρυσή Εποχή του ρωσικού πολιτισμού. Η αρχή του συνέπεσε με την εποχή του κλασικισμού στη ρωσική λογοτεχνία και τέχνη. Μετά την ήττα των Δεκεμβριστών, ξεκίνησε μια νέα άνοδος στο κοινωνικό κίνημα. Αυτό έδωσε ελπίδα ότι η Ρωσία θα ξεπερνούσε σταδιακά τις δυσκολίες της. Η χώρα σημείωσε τις πιο εντυπωσιακές επιτυχίες αυτά τα χρόνια στον τομέα της επιστήμης και ιδιαίτερα του πολιτισμού. Το 1ο μισό του αιώνα έδωσε στη Ρωσία και τον κόσμο ο Πούσκιν και ο Λερμόντοφ, ο Γκριμπογιέντοφ και ο Γκόγκολ, ο Μπελίνσκι και ο Χέρτσεν, ο Γκλίνκα και ο Νταργκομίζσκι, ο Μπριούλοφ, ο Ιβάνοφ και ο Φεντότοφ.

Οι καλές τέχνες του πρώτου μισού του 19ου αιώνα έχουν μια εσωτερική κοινότητα και ενότητα, μια μοναδική γοητεία φωτεινών και ανθρώπινων ιδανικών. Ο κλασικισμός εμπλουτίζεται με νέα χαρακτηριστικά. Η αντίληψη του πολιτισμού του αρχαίου κόσμου έγινε πιο ιστορική από τον 18ο αιώνα και πιο δημοκρατική. Μαζί με τον κλασικισμό, η ρομαντική κατεύθυνση έλαβε εντατική ανάπτυξη και μια νέα ρεαλιστική μέθοδος άρχισε να διαμορφώνεται.

Η ρομαντική κατεύθυνση της ρωσικής τέχνης ήταν η πρώτη τρίτα του XIXαιώνα προετοιμάστηκε από την ανάπτυξη του ρεαλισμού τις επόμενες δεκαετίες, γιατί ως ένα βαθμό έφερε τους ρομαντικούς καλλιτέχνες πιο κοντά στην πραγματικότητα, στην απλή πραγματική ζωή. Αυτή ήταν η εσωτερική ουσία του πολύπλοκου καλλιτεχνικού κινήματος ολόκληρου του πρώτου μισού του 19ου αιώνα. Σε γενικές γραμμές, η τέχνη αυτού του σταδίου - αρχιτεκτονική, ζωγραφική, γραφικά, γλυπτική, εφαρμοσμένη και παραδοσιακή τέχνη- ένα εξαιρετικό φαινόμενο γεμάτο πρωτοτυπία στην ιστορία του ρωσικού καλλιτεχνικού πολιτισμού. Αναπτύσσοντας τις προοδευτικές παραδόσεις του προηγούμενου αιώνα, δημιούργησε πολλά θαυμάσια έργα μεγάλης αισθητικής και κοινωνικής αξίας, συμβάλλοντας στην παγκόσμια κληρονομιά.

Το δεύτερο μισό είναι η εποχή της τελικής έγκρισης και εμπέδωσης των εθνικών μορφών και παραδόσεων στη ρωσική τέχνη. ΣΕ μέσα του 19ου αιώνααιώνα, η Ρωσία γνώρισε σοβαρές ανατροπές: ο Κριμαϊκός πόλεμος του 1853-1856 έληξε με ήττα. Ο αυτοκράτορας Νικόλαος Α' πέθανε, ο Αλέξανδρος Β' ανέβηκε στο θρόνο και πραγματοποίησε την πολυαναμενόμενη κατάργηση της δουλοπαροικίας και άλλες μεταρρυθμίσεις. Το "ρωσικό θέμα" έγινε δημοφιλές στην τέχνη. Ο ρωσικός πολιτισμός δεν περιοριζόταν σε ένα εθνικό πλαίσιο και δεν ήταν διαχωρισμένος από τον πολιτισμό του υπόλοιπου κόσμου.

1. Η ρωσική τέχνη τον 19ο αιώνα

Οι αρχές του 19ου αιώνα ήταν μια εποχή πολιτιστικής και πνευματικής ανόδου στη Ρωσία. Η ανάπτυξη του ρωσικού πολιτισμού τον 19ο αιώνα βασίστηκε στους μετασχηματισμούς της προηγούμενης εποχής. Η διείσδυση στοιχείων των καπιταλιστικών σχέσεων στην οικονομία έχει αυξήσει την ανάγκη για εγγράμματους και μορφωμένους ανθρώπους.Οι δημόσιες βιβλιοθήκες και τα μουσεία έπαιξαν θετικό ρόλο στην πολιτιστική ζωή της χώρας (η πρώτη δημόσια βιβλιοθήκη άνοιξε στην Αγία Πετρούπολη το 1814. Ο πολιτισμός της Ρωσίας αναπτύχθηκε στο πλαίσιο της διαρκώς αυξανόμενης εθνικής αυτογνωσίας των Ρώσων). λαού και επομένως είχε έντονο εθνικό χαρακτήρα.

2.1 Ρωσική τέχνη στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα - "Χρυσή Εποχή του Πολιτισμού"

Το πρώτο τρίτο του 19ου αιώνα ονομάζεται «χρυσή εποχή» του ρωσικού πολιτισμού. Το ενδιαφέρον για τη ρωσική ιστορία έγινε η αιτία για την εμφάνιση πολλών μυθιστορημάτων, διηγημάτων, μπαλάντες, ιστοριών σε διάφορα ιστορικά θέματα. Τα πιο γνωστά μυθιστορήματα ήτανΜ.Ν. Ζαγκόσκινα (1789--1852) «Γιούρι Μιλοσλάβσκι, ή Ρώσοι το 1612», «Ροσλάβλεφ, ή Ρώσοι το 1812», «Κούζμα Ρόστσιν», I.I. Lazhechnikova (1792-1869) «The Ice House», «The Last Newcomer», «Basurman». Ακόμη και από τους τίτλους είναι σαφές ότι αυτά και άλλα έργα ιστορικής πεζογραφίας εξέτασαν περιόδους κρίσης της ρωσικής ιστορίας: τον ενδοτικό αγώνα των Ρώσων πριγκίπων, τους Ρώσους απελευθερωτικούς πολέμους, τις πολιτικές ίντριγκες και τα γεγονότα που, από τη σκοπιά των συγγραφέων τους, ήταν σημαντική σημασία. Παράλληλα, οι πολιτικές προτιμήσεις των συγγραφέων έρχονταν πάντα στο προσκήνιο. Για παράδειγμα, ο M. N. Zagoskin ήταν προφανής υποστηρικτής της μοναρχίας και αυτές οι απόψεις του δεν εκδηλώνονται στις πολιτικές δηλώσεις του συγγραφέα, αλλά στους χαρακτήρες του, σε περιγραφές στοιχείων της καθημερινής ζωής και στην εξάρτηση των προσωπικών σχέσεων των χαρακτήρων. για την έκβαση πολλών ιστορικών γεγονότων. Και όμως, στο κέντρο όλων των ιστοριών υπήρχε μια γενική ιδέα, η οποία διαμορφώθηκε πιο έντονα μετά τον πόλεμο του 1812 και εκφράστηκε εν συντομία από τον I.I. Lazhechnikov στον πρόλογο του μυθιστορήματος «The Last Novik»: «Το συναίσθημα που κυριαρχεί. Το μυθιστόρημά μου είναι η αγάπη για την πατρίδα.

Η ιστορία στις ακραίες στιγμές της διαμορφώνει το περιεχόμενο του λαμπρού «Taras Bulba» του Γκόγκολ, «Η κόρη του καπετάνιου» και «Arap Peter the Great» του Πούσκιν, το δράμα του «Boris Godunov», το ποίημα «Poltava» και τόσα πολλά έργα που είναι αδύνατο να τα απαριθμήσω.ΟΠΩΣ ΚΑΙ. Πούσκιν έγινε σύμβολο της εποχής του, όταν σημειώθηκε ταχεία άνοδος στην πολιτιστική ανάπτυξη της Ρωσίας. Ο Πούσκιν είναι ο δημιουργός της ρωσικής λογοτεχνικής γλώσσας Το έργο του έχει γίνει μια διαρκής αξία στην ανάπτυξη όχι μόνο της ρωσικής, αλλά και του παγκόσμιου πολιτισμού. Ο ποιητής κληροδότησε στους απογόνους του: «Δεν είναι μόνο δυνατό, αλλά και απαραίτητο να είσαι περήφανος για τη δόξα των προγόνων σου... Ο σεβασμός στο παρελθόν είναι το χαρακτηριστικό που διακρίνει την παιδεία από την αγριότητα...»

Τα ανθρωπιστικά ιδανικά της ρωσικής κοινωνίας αντικατοπτρίστηκαν στα εξαιρετικά πολιτισμένα δείγματα αρχιτεκτονικής αυτής της εποχής και στη μνημειακή και διακοσμητική γλυπτική, στη σύνθεση των οποίων ενεργεί διακοσμητική ζωγραφικήκαι εφαρμοσμένης τέχνης, που συχνά καταλήγει στα χέρια των ίδιων των αρχιτεκτόνων. Στην αρχιτεκτονική του 19ου αιώνα. Ο κλασικισμός βασίλευε. Τα κτίρια που κατασκευάζονται σε αυτό το στυλ διακρίνονται από καθαρό και ήρεμο ρυθμό και σωστές αναλογίες. Υπήρχαν σημαντικές διαφορές στην αρχιτεκτονική της Αγίας Πετρούπολης και της Μόσχας. Πίσω στα μέσα του 18ου αιώνα. Η Αγία Πετρούπολη ήταν μια πόλη με αρχιτεκτονικά αριστουργήματα, περιτριγυρισμένη από καταπράσινα κτήματα και έμοιαζε από πολλές απόψεις με τη Μόσχα. Τότε άρχισε η τακτική ανάπτυξη της πόλης κατά μήκος των λεωφόρων που την διέσχιζαν, ακτίνες που ακτινοβολούσαν από το Ναυαρχείο. Ο κλασικισμός της Αγίας Πετρούπολης είναι η αρχιτεκτονική όχι μεμονωμένων κτιρίων, αλλά ολόκληρων συνόλων, που εντυπωσιάζει στην ενότητα και την αρμονία τους. . Σημαντικό ρόλο στη διαμόρφωση της αρχιτεκτονικής εμφάνισης της Αγίας Πετρούπολης παίζει το κτίριο του Admiralty, που ανεγέρθηκε σύμφωνα με το έργο A.D. Zakharova (1761-1811). Πρόσοψη ναυαρχείουεκτείνεται για 406 μ. Στο κέντρο του υπάρχει μια αψίδα θριάμβου με ψηλό επίχρυσο κωδωνοστάσιο, που έχει γίνει ένα από τα σύμβολα της πόλης.

Ο μεγαλύτερος αρχιτέκτονας αυτής της εποχήςΑντρέι Νικηφόροβιτς Βορονίχιν(1759–1814). Το κύριο δημιούργημα του Voronikhin είναι ο Καθεδρικός Ναός του Καζάν, η μεγαλοπρεπής κιονοστοιχία του οποίου σχημάτιζε μια πλατεία στο κέντρο του Nevsky Prospect, μετατρέποντας τον καθεδρικό ναό και τα γύρω κτίρια στον πιο σημαντικό πολεοδομικό κόμβο του κέντρου της Αγίας Πετρούπολης. Το 1813, ο M.I Kutuzov θάφτηκε στον καθεδρικό ναό και ο καθεδρικός ναός έγινε ένα είδος μνημείου για τις νίκες των ρωσικών όπλων στον πόλεμο του 1812. Αργότερα, αγάλματα του Kutuzov και του Barclay de Tolly, κατασκευασμένα από τον γλύπτη, τοποθετήθηκαν στην πλατεία. μπροστά στον καθεδρικό ναό B.I. Orlovsky. Ρωσική γλυπτική των δεκαετιών 30-40 του 19ου αιώνα. γίνεται όλο και πιο δημοκρατικό. Στη γλυπτική του μέσου αιώνα υπάρχουν δύο κύριες κατευθύνσεις: η μία, που προέρχεται από τους κλασικούς, αλλά καταλήγει στον στεγνό ακαδημαϊσμό. το άλλο αποκαλύπτει την επιθυμία για μια πιο άμεση και πολύπλευρη αντανάκλαση της πραγματικότητας, γίνεται ευρέως διαδεδομένη στο δεύτερο μισό του αιώνα, αλλά δεν υπάρχει αμφιβολία ότι και οι δύο κατευθύνσεις χάνουν σταδιακά τα χαρακτηριστικά του μνημειακού στυλ.

Ο γλύπτης που στα χρόνια της παρακμής των μνημειακών μορφών κατάφερε να σημειώσει σημαντική επιτυχία στον τομέα αυτό, αλλά και σε «μικρές φόρμες», ήτανΠιότρ Κάρλοβιτς Κλοντ(1805–1867), συγγραφέας των αλόγων για τη Θριαμβευτική Πύλη Narva στην Αγία Πετρούπολη (αρχιτέκτων V. Stasov), «Horse Tamers» για τη γέφυρα Anichkov (1833–1850), το μνημείο του Νικολάου Α στην πλατεία του Αγίου Ισαάκ ( 1850–1859), Ι.Α. Ο Κρίλοφ στον καλοκαιρινό κήπο (1848–1855), καθώς και μεγάλος αριθμός γλυπτών ζώων. Η κορυφαία κατεύθυνση της αρχιτεκτονικής και της γλυπτικής στο πρώτο τρίτο του 19ου αιώνα ήταν ο κλασικισμός. Στη ζωγραφική αναπτύχθηκε κυρίως από ακαδημαϊκούς καλλιτέχνες του ιστορικού είδους (A.E. Egorov – «The Torment of the Savior», 1814, Russian Russian Museum· V.K. Shebuev – «The Feat of the Merchant Igolkin», 1839, Russian Russian Museum; F.A. Μπρούνι – «Ο θάνατος της Καμίλας, της αδελφής του Οράτιου», 1824, Ρωσικό Μουσείο· «Το Χάλκινο Φίδι», 1826–1841, Ρωσικό Μουσείο). Αλλά οι πραγματικές επιτυχίες της ζωγραφικής βρίσκονται, ωστόσο, σε μια διαφορετική κατεύθυνση - τον ρομαντισμό. Οι καλύτερες φιλοδοξίες της ανθρώπινης ψυχής, τα σκαμπανεβάσματα του πνεύματος εκφράστηκαν με τη ρομαντική ζωγραφική εκείνης της εποχής και κυρίως με την προσωπογραφία. Στο είδος του πορτραίτου, η κορυφαία θέση πρέπει να δοθεί στον Orest Kiprensky (1782–1836). Απεικονίζει τον στρατηγό Ε.Ι. Chaplitsa (Gallery Tretyakov), A.R. Tomilova (GRM), P.A. Ελαφιού (GTG). Η εμφάνιση γρήγορων πορτρέτων-σκίτσων με μολύβι είναι από μόνη της σημαντική, χαρακτηριστικό της νέας εποχής: καταγράφουν εύκολα κάθε φευγαλέα αλλαγή στο πρόσωπο, κάθε συναισθηματική κίνηση. Αλλά στα γραφικά του Kiprensky υπάρχει επίσης μια ορισμένη εξέλιξη: στα μεταγενέστερα έργα του δεν υπάρχει αυθορμητισμός και ζεστασιά, αλλά είναι πιο αριστοτεχνικά και πιο εκλεπτυσμένα στην εκτέλεση (πορτρέτο της S.S. Shcherbatova, ιταλική τέχνη., Tretyakov Gallery).

Ένας Πολωνός μπορεί να ονομαστεί συνεπής ρομαντικόςΟ Α.Ο. Ορλόφσκι (1777–1832), αφομοιώθηκε γρήγορα στο ρωσικό έδαφος, κάτι που είναι ιδιαίτερα αισθητό στα γραφικά του πορτρέτα. Σε αυτά, μέσα από όλα τα εξωτερικά χαρακτηριστικά του ευρωπαϊκού ρομαντισμού με την εξέγερση και την έντασή του, είναι ορατό κάτι βαθιά προσωπικό, κρυμμένο, οικείο (Αυτοπροσωπογραφία, 1809, Γκαλερί Τρετιακόφ). Ο Ορλόφσκι έπαιξε επίσης έναν συγκεκριμένο ρόλο στο «φωτίζοντας» το μονοπάτι προς τον ρεαλισμό χάρη στα σκίτσα του είδους, τα σχέδια και τις λιθογραφίες του που απεικονίζουν σκηνές και τύπους δρόμου της Αγίας Πετρούπολης, που ζωντανεύουν το διάσημο τετράστιχο του P.A.

Πρώην Ρωσία, τηλεχειριστήριο

Θα το μεταδώσεις στους απογόνους σου

Την έπιασες ζωντανή

Κάτω από το μολύβι του λαού.

Επίσης, το πρώτο μισό του 19ου αι. χαρακτηρίζεται από την άνθηση της ρωσικής μουσικής, που συνδέεται κυρίως με το όνομαΜιχαήλ Ιβάνοβιτς Γκλίνκα(1804–1857), ο οποίος έμεινε στην ιστορία ως ο πρώτος Ρώσος συνθέτης παγκόσμιας σημασίας. Ο Μ.Ι. Γκλίνκα θεωρείται ο ιδρυτής του ρωσικού κλασσική μουσική. Οι όπερες του «Μια ζωή για τον Τσάρο» και «Ρουσλάν και Λιουντμίλα» καθόρισαν σε μεγάλο βαθμό την περαιτέρω ανάπτυξη της ρωσικής μουσικής όπερας για πολλές επόμενες δεκαετίες. Διακριτικό χαρακτηριστικόΗ δημιουργική προσέγγιση του συνθέτη ήταν να χρησιμοποιήσει μοτίβα από τη ρωσική λαογραφία και τη λαϊκή μουσική. Η Γκλίνκα έγραψε επίσης ειδύλλια. Οι σύγχρονοι του Γκλίνκα συνέβαλαν σημαντικά στην ανάπτυξη της ρωσικής μουσικής κουλτούραςA.A Alyabyev, A.E. Varlamov, A.L. Gurilev, γνωστοί σήμερα κυρίως ως συγγραφείς ρομάντζων.

A.A Alyabyev. A.L.Gurilev A.E.Varlamov

2.2 Ρωσική τέχνη στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα

Προϋποθέσεις ανάπτυξης του πολιτισμού στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα.

Δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. - ο χρόνος της τελικής έγκρισης και ενοποίησης των εθνικών μορφών και παραδόσεων στη ρωσική τέχνη. Στα μέσα του 19ου αιώνα. Η Ρωσία γνώρισε σοβαρές ανατροπές: ο Κριμαϊκός πόλεμος του 1853-1856 έληξε με ήττα, ο αυτοκράτορας Νικόλαος Α' πέθανε, ο Αλέξανδρος Β', που ανέβηκε στο θρόνο, πραγματοποίησε την πολυαναμενόμενη κατάργηση της δουλοπαροικίας και άλλες μεταρρυθμίσεις. Το "ρωσικό θέμα" έγινε δημοφιλές στην τέχνη. Ο ρωσικός πολιτισμός δεν περιοριζόταν σε ένα εθνικό πλαίσιο και δεν ήταν διαχωρισμένος από τον πολιτισμό του υπόλοιπου κόσμου. Επιτεύγματα ξένη τέχνηβρήκε ανταπόκριση στη Ρωσία. Με τη σειρά του, ο ρωσικός πολιτισμός έλαβε παγκόσμια αναγνώριση. Ο ρωσικός πολιτισμός έχει πάρει μια τιμητική θέση στην οικογένεια των ευρωπαϊκών πολιτισμών.

Η τέχνη δεν θα μπορούσε να μείνει μακριά από τις διαδικασίες που λαμβάνουν χώρα στη συνείδηση ​​του κοινού. Η Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov στη Μόσχα είναι μια από τις μεγαλύτερες συλλογές ρωσικής τέχνης, ένα παγκοσμίου φήμης εθνικό πολιτιστικό κέντρο. Το μουσείο φέρει το όνομα του ιδρυτή του, του εμπόρου της Μόσχας P.M Tretyakov (1832-1898), ο οποίος δώρισε την γκαλερί τέχνης του στην πόλη το 1892, καθώς και μια μικρή συλλογή του αδελφού του και ένα σπίτι, το οποίο άνοιξε στους επισκέπτες το 1881.

Εκείνη την εποχή, οι Ρώσοι καλλιτέχνες έφτασαν σε ένα επίπεδο δεξιοτήτων που έθεσε τα έργα τους στο ίδιο επίπεδο με τα καλύτερα παραδείγματα ευρωπαϊκής τέχνης. Δημιουργήθηκε ένα κίνημα, βασισμένο στις ιδέες του κριτικού ρεαλισμού. Ένας από τους πρώτους δασκάλους αυτής της κατεύθυνσης ήταν ο Vasily Grigorievich Perov (1833-1882). Τα έργα του είδους («Αγροτική θρησκευτική πομπή το Πάσχα» 1861, «Seeing off the dead man» 1865, «Troika» 1868) είναι θλιβερές ιστορίες της ζωής των απλών ανθρώπων που εκφράζονται στη γλώσσα της ζωγραφικής.

Το τοπίο έχει γνωρίσει πρωτοφανή ακμή. Η ζωγραφική τοπίου έχει γίνει ένας από τους κορυφαίους τομείς της καλλιτεχνικής ανάπτυξης. Τα εκφραστικά μέσα βελτιώθηκαν και η τεχνολογία αναπτύχθηκε. Το τοπίο του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα δεν είναι πλέον απλώς μια εικόνα «ειδών τοπίων», αλλά ένας πίνακας που μεταφέρει τις πιο λεπτές κινήσεις της ανθρώπινης ψυχής μέσα από εικόνες της φύσης. Οι μεγαλύτεροι δάσκαλοι του τοπίου στη Ρωσία ήταν ο A.K Savrasov ("The Rooks Have Arrived" 1871), ο I.I. Birch Grove"1879, "Moonlit Night on the Dnieper" 1880), V.D. Polenov ("Moscow Courtyard" 1878), I.I. Levitan (" βραδινή κλήση, βραδινό κουδούνι«1892, «Άνοιξη. Big Water" 1897), K.A. Korovin ("In Winter" 1894, "Paris. Boulevard of the Capuchins" 1906).

Κορυφές ρεαλιστικής τέχνης του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα. που επιτυγχάνεται στη δημιουργικότηταI.E. Repin και V.I Surikov. Η ιστορική ζωγραφική βρήκε την υψηλότερη έκφραση της στο έργο του Vasily Ivanovich Surikov (1848–1916). Στην ιστορία, ο καλλιτέχνης ενδιαφερόταν περισσότερο για τους ανθρώπους: τις μάζες και τις δυνατές, φωτεινές προσωπικότητες.

Το πρώτο έργο που έφερε φήμη στον V.I. Surikov ήταν το "The Morning of the Streltsy Execution" (1881). Η σύνθεση βασίζεται σε αντίθεση: θλίψη, μίσος, ταλαιπωρία, που ενσωματώνονται στις φιγούρες των τοξότων που πηγαίνουν προς το θάνατο και των αγαπημένων τους, αντιπαραβάλλονται με τον Πέτρο που κάθεται σε ένα άλογο, παγωμένος στην πέτρα στο βάθος.

Εκτός από τον V.I Surikov, ο V.M. Vasnetsov έγραψε επίσης πίνακες με ιστορικά θέματα. Η εικόνα της ιστορίας στα έργα του έχει μια απτή επική, παραμυθένια χροιά: «Μετά τη σφαγή του Igor Svyatoslavich με τους Polovtsians» (1880), «Alyonushka» (1881), ο συνδυασμός του έπους και της ιστορίας εκδηλώθηκε ιδιαίτερα καθαρά σε ο μεγαλοπρεπής καμβάς «Bogatyrs» (1898 G.).

Το 1898 ιδρύθηκε στην Αγία Πετρούπολη ένας νέος καλλιτεχνικός σύλλογος με την επωνυμία"Κόσμος της Τέχνης" . Επικεφαλής του κύκλου που προέκυψε ήταν ένας καλλιτέχνηςΟ A.N Benois και ο φιλάνθρωπος S.P.Diaghilev.Ο βασικός πυρήνας του συλλόγου ήτανL.S Bakst, E.E. Lansere, K.A. Ο «Κόσμος της Τέχνης» διοργάνωσε εκθέσεις και εξέδιδε ομώνυμο περιοδικό. Στον σύλλογο συμμετείχαν πολλοί καλλιτέχνες:M.A.Vrubel, V.A.Serov, I.I.Levitan, M.V.Nesterov, A.P.Ryabushkin, N.K.Roerich, B.M.Kustodiev, Z.E.Serebryakova, K. S. Petrov-Vodkin.Ο Miriskusniki υπερασπίστηκε την ελευθερία της ατομικής δημιουργικότητας. Η ομορφιά αναγνωρίστηκε ως η κύρια πηγή έμπνευσης. Ο σύγχρονος κόσμος, κατά τη γνώμη τους, στερείται ομορφιάς και επομένως ανάξιος προσοχής. Αναζητώντας την ομορφιά, οι καλλιτέχνες του Κόσμου της Τέχνης στρέφονται συχνά σε μνημεία του παρελθόντος στα έργα τους.

Επίσης το δεύτερο μισό του 19ου αι. - Αυτή είναι μια περίοδος εξαιρετικών επιτευγμάτων της επιστήμης και της τεχνολογίας. Η χημεία, η φυσική, η γεωγραφία, η βιολογία αναπτύσσονται...

Η ανάπτυξη των φυσικών επιστημών και οι ευρείες διασυνδέσεις μεταξύ των Ρώσων επιστημόνων και των δυτικών μαρτυρούν την επαρκή θέση της Ρωσίας στην παγκόσμια κοινότητα.

Συμπέρασμα.

Ρωσική τέχνη η ζωγραφική σας αρχιτεκτονική

Η τέχνη του 19ου αιώνα μπορεί να συγκριθεί με ένα πολύχρωμο μωσαϊκό, όπου κάθε πέτρα έχει τη δική της θέση και έχει τη δική της σημασία. Είναι αδύνατο λοιπόν να αφαιρέσετε έστω και ένα, έστω και το πιο μικρό, χωρίς να διαταραχθεί η αρμονία του συνόλου. Ωστόσο, σε αυτό το μωσαϊκό υπάρχουν πέτρες που είναι οι πιο πολύτιμες, εκπέμποντας ιδιαίτερα δυνατό φως.

Κατά τη διάρκεια των αιώνων της ιστορίας, η ρωσική τέχνη γνώρισε σημαντικές, μερικές φορές ριζικές αλλαγές: έχει εμπλουτιστεί, περίπλοκη, βελτιωθεί, αλλά παρέμεινε πάντα πρωτότυπη.

Η ρωσική αρχιτεκτονική, οι καλές, οι λαϊκές και εφαρμοσμένες τέχνες μαρτυρούν την ανεκτίμητη συμβολή του λαού μας στο θησαυροφυλάκιο του εγχώριου και παγκόσμιου καλλιτεχνικού πολιτισμού.

Ο 19ος αιώνας είναι ίσως η πιο περίπλοκη και ενδιαφέρουσα περίοδος στην ιστορία της ρωσικής τέχνης. Αυτή η εποχή γέννησε τη λαμπρή δημιουργικότητα του A.S. Pushkin, λαϊκή και καθολική, γεμάτη όνειρα ελευθερίας. Αυτή είναι η ακμή του πνευματικού πολιτισμού: λογοτεχνία, φιλοσοφία, μουσική, θέατρο και καλές τέχνες.

Βιβλιογραφία.

1. Ilyina T.V. Ιστορία της τέχνης: Ρωσική τέχνη. Σχολικό βιβλίο / T.V. Ilyina. - Μ.: Ανώτερη Σχολή, 2007. – 407 σελ.

2. Το νεότερο πλήρες βιβλίο αναφοράς για μαθητές 5-11 τάξεων (τόμος 2). E.V. Simonova.