Τι είναι η ζωγραφική;
Η ζωγραφική είναι ένα είδος καλών τεχνών, έργα της οποίας δημιουργούνται χρησιμοποιώντας χρώματα που εφαρμόζονται σε οποιαδήποτε επιφάνεια.
«Η ζωγραφική δεν είναι απλώς κάποιο είδος φαντασίας, είναι δουλειά, δουλειά που πρέπει να γίνει με συνείδηση, όπως κάνει κάθε ευσυνείδητος εργάτης», υποστήριξε ο Ρενουάρ.
Η ζωγραφική είναι καταπληκτικό θαύμακαθιστώντας τους πάντες προσβάσιμους υλικά τέχνηςστις πιο διαφορετικές ορατές εικόνες της πραγματικότητας. Η κυριαρχία στην τέχνη της ζωγραφικής σημαίνει ότι μπορείς να απεικονίσεις πραγματικά αντικείμενα οποιουδήποτε σχήματος, διαφορετικό χρώμακαι υλικό σε κάθε χώρο.
Η ζωγραφική, όπως όλες οι άλλες μορφές τέχνης, έχει ένα ιδιαίτερο καλλιτεχνική γλώσσα, μέσω των οποίων ο καλλιτέχνης αντικατοπτρίζει τον κόσμο. Όμως, εκφράζοντας την κατανόησή του για τον κόσμο, ο καλλιτέχνης ενσωματώνει ταυτόχρονα τις σκέψεις και τα συναισθήματά του, τις φιλοδοξίες, τα αισθητικά ιδανικά στα έργα του, αξιολογεί τα φαινόμενα της ζωής, εξηγώντας την ουσία και το νόημά τους με τον δικό του τρόπο.
Σε έργα τέχνης διαφορετικών ειδών καλών τεχνών που δημιουργούνται από ζωγράφους, χρησιμοποιούνται σχέδιο, χρώμα, φως και σκιά, εκφραστικότητα πινελιών, υφή και σύνθεση. Αυτό καθιστά δυνατή την αναπαραγωγή σε ένα επίπεδο του πολύχρωμου πλούτου του κόσμου, του όγκου των αντικειμένων, της ποιοτικής υλικής πρωτοτυπίας τους, του χωρικού βάθους και του περιβάλλοντος φωτός-αέρα.
Ο κόσμος της ζωγραφικής είναι πλούσιος και πολύπλοκος, οι θησαυροί του έχουν συσσωρευτεί από την ανθρωπότητα για πολλές χιλιετίες. Τα αρχαιότερα έργα ζωγραφικής ανακαλύφθηκαν από επιστήμονες στους τοίχους των σπηλαίων στα οποία ζούσαν πρωτόγονους ανθρώπους. Οι πρώτοι καλλιτέχνες απεικόνισαν σκηνές κυνηγιού και ζωικές συνήθειες με εκπληκτική ακρίβεια και ευκρίνεια. Έτσι προέκυψε η τέχνη της απεικόνισης με μπογιές στον τοίχο, που είχε χαρακτηριστικά γνωρίσματα μνημειακή ζωγραφική.
Υπάρχουν δύο κύριοι τύποι μνημειακής ζωγραφικής - νωπογραφία και ψηφιδωτό.
Το Fresco είναι μια τεχνική ζωγραφικής με χρώματα αραιωμένα με καθαρό ή ασβεστόνερο σε φρέσκο, υγρό σοβά.
Το μωσαϊκό είναι μια εικόνα από σωματίδια πέτρας, σμάλτου, κεραμικών πλακιδίων, ομοιογενών ή διαφορετικών σε υλικό, τα οποία στερεώνονται σε ένα στρώμα χώματος - ασβέστη ή τσιμέντο.
Οι νωπογραφίες και τα μωσαϊκά είναι τα κύρια είδη μνημειακής τέχνης, τα οποία, λόγω της αντοχής τους και της χρωματικής τους αντοχής, χρησιμοποιούνται για τη διακόσμηση αρχιτεκτονικών τόμων και επιπέδων (τοιχογραφίες, αμπαζούρ, πάνελ).
Η ζωγραφική με καβαλέτο (εικόνα) έχει ανεξάρτητο χαρακτήρα και νόημα. Πλάτος και πληρότητα κάλυψης πραγματική ζωήαντανακλάται στην ποικιλομορφία των τύπων και των ειδών που ενυπάρχουν στη ζωγραφική με καβαλέτο: πορτραίτο, τοπίο, νεκρή φύση, καθημερινά, ιστορικά, είδη μάχης.
Σε αντίθεση με τη μνημειακή ζωγραφική, η ζωγραφική με καβαλέτο δεν συνδέεται με το επίπεδο του τοίχου και μπορεί να εκτεθεί ελεύθερα.
Η ιδεολογική και καλλιτεχνική έννοια των έργων καβαλέτας δεν αλλάζει ανάλογα με τον τόπο που βρίσκονται, αν και ο καλλιτεχνικός τους ήχος εξαρτάται από τις συνθήκες έκθεσης.
Εκτός από τα παραπάνω είδη ζωγραφικής, υπάρχουν διακοσμητικοί πίνακες – σκίτσα θεατρικό σκηνικό, σκηνικά και κοστούμια για τον κινηματογράφο, καθώς και μινιατούρες και εικονογραφίες.
Για να δημιουργήσει ένα μικροσκοπικό έργο τέχνης ή ένα μνημειακό έργο (για παράδειγμα, έναν πίνακα σε έναν τοίχο), ο καλλιτέχνης πρέπει να γνωρίζει όχι μόνο την εποικοδομητική ουσία των αντικειμένων, τον όγκο, την υλικότητά τους, αλλά και τους κανόνες και τους νόμους της εικαστικής αναπαράστασης φύση, την αρμονία του χρώματος και του χρώματος. 
Σε μια εικονογραφική εικόνα από τη φύση, είναι απαραίτητο να ληφθεί υπόψη όχι μόνο η ποικιλία των χρωμάτων, αλλά και η ενότητά τους, που καθορίζεται από τη δύναμη και το χρώμα της πηγής φωτός. Κανένα σημείο χρώματος δεν πρέπει να εισάγεται στην εικόνα χωρίς να ταιριάζει με τη συνολική κατάσταση χρώματος. Το χρώμα κάθε αντικειμένου, τόσο στο φως όσο και στη σκιά, πρέπει να σχετίζεται με το χρωματικό σύνολο. Εάν τα χρώματα της εικόνας δεν μεταφέρουν την επίδραση του χρώματος του φωτισμού, δεν θα υπόκεινται σε ένα μόνο χρωματικό συνδυασμό. Σε μια τέτοια εικόνα, κάθε χρώμα θα ξεχωρίζει ως κάτι ξένο και ξένο σε μια δεδομένη κατάσταση φωτισμού. θα εμφανιστεί τυχαία και θα καταστρέψει τη χρωματική ακεραιότητα της εικόνας.
Έτσι, η φυσική ενοποίηση χρωμάτων των χρωμάτων από το γενικό χρώμα του φωτισμού είναι η βάση για τη δημιουργία μιας αρμονικής χρωματικής δομής της εικόνας.
Το χρώμα είναι ένα από τα πιο εκφραστικά μέσα που χρησιμοποιούνται στη ζωγραφική. Ο καλλιτέχνης μεταφέρει στο αεροπλάνο τον πολύχρωμο πλούτο αυτού που είδε, με τη βοήθεια της χρωματικής μορφής αναγνωρίζει και αντανακλάται ο κόσμος. Στη διαδικασία απεικόνισης της φύσης, αναπτύσσεται μια αίσθηση του χρώματος και των πολλών αποχρώσεων του, που επιτρέπει τη χρήση των χρωμάτων ως το κύριο εκφραστικό μέσο ζωγραφικής.
Η αντίληψη του χρώματος και το μάτι του καλλιτέχνη είναι σε θέση να διακρίνει περισσότερες από 200 αποχρώσεις του, είναι ίσως ένα από τα πιο χαρούμενα προσόντα με τα οποία η φύση έχει προικίσει τον άνθρωπο.
Γνωρίζοντας τους νόμους της αντίθεσης, ο καλλιτέχνης προσανατολίζεται σε εκείνες τις αλλαγές στο χρώμα της εικονιζόμενης φύσης, που σε ορισμένες περιπτώσεις είναι δύσκολο να γίνουν αντιληπτές από το μάτι. Η αντίληψη του χρώματος εξαρτάται από το περιβάλλον στο οποίο βρίσκεται το αντικείμενο. Επομένως, ο καλλιτέχνης, όταν μεταφέρει το χρώμα της φύσης, συγκρίνει τα χρώματα μεταξύ τους, διασφαλίζοντας ότι γίνονται αντιληπτά σε διασύνδεση ή αμοιβαίες σχέσεις.
«Λήψη σχέσεων φωτός-σκιάς» σημαίνει διατήρηση της διαφοράς μεταξύ των χρωμάτων στη φωτεινότητα, τον κορεσμό και την απόχρωση, ανάλογα με το πώς εμφανίζεται στη φύση. 
Η αντίθεση (τόσο στο φως όσο και στο χρώμα) είναι ιδιαίτερα αισθητή στις άκρες των παρακείμενων χρωματικών κηλίδων. Το θάμπωμα των ορίων μεταξύ των αντίθεσης χρωμάτων ενισχύει το αποτέλεσμα της χρωματικής αντίθεσης και η σαφήνεια των ορίων των κηλίδων το μειώνει. Η γνώση αυτών των νόμων διευρύνει τις τεχνικές δυνατότητες στη ζωγραφική, επιτρέπει στον καλλιτέχνη, με τη βοήθεια της αντίθεσης, να αυξήσει την ένταση του χρώματος των χρωμάτων, να αυξήσει τον κορεσμό τους, να αυξήσει ή να μειώσει την ελαφρότητά τους, πράγμα που εμπλουτίζει την παλέτα του ζωγράφου. Έτσι, χωρίς τη χρήση μειγμάτων, αλλά μόνο αντιθετικών συνδυασμών ζεστών και ψυχρών χρωμάτων, μπορείτε να επιτύχετε μια ιδιαίτερη χρωματική ηχητικότητα του πίνακα.
Όταν δημιουργεί μια εικόνα, ο καλλιτέχνης βασίζεται στη φύση, αλλά σε αυτή τη διαδικασία η δημιουργική φαντασία παίζει σημαντικό ρόλο. Η έννοια του πίνακα εφαρμόζεται κυρίως σε έργα πλοκής-θεματικής φύσης, η βάση της οποίας είναι η απεικόνιση σημαντικών ιστορικών, μυθολογικών ή κοινωνικών γεγονότων, ανθρώπινων πράξεων, σκέψεων και συναισθημάτων σε πολύμορφες σύνθετες συνθέσεις. Επομένως, η ζωγραφική παίζει πρωταγωνιστικό ρόλο στην ανάπτυξη της ζωγραφικής.
Ο πίνακας αποτελείται από μια βάση (καμβάς, ξύλινη ή μεταλλική σανίδα, κόντρα πλακέ, χαρτόνι, πεπιεσμένη σανίδα, πλαστικό, χαρτί, μετάξι κ.λπ.), πάνω στην οποία εφαρμόζεται ένα αστάρι και μια στρώση βαφής. Η αισθητική αντίληψη ενός πίνακα ωφελείται πολύ όταν περικλείεται σε ένα κατάλληλο πλαίσιο (μπαγκέτα), διαχωρίζοντας τον πίνακα από τον περιβάλλοντα κόσμο. Ο ανατολικός τύπος ζωγραφικής διατηρεί την παραδοσιακή μορφή ενός ξεδιπλωμένου κυλίνδρου που κρέμεται ελεύθερα (οριζόντια ή κάθετα). Η εικόνα, σε αντίθεση με μνημειακή ζωγραφική, δεν συνδέεται αυστηρά με συγκεκριμένο εσωτερικό. Μπορεί να αφαιρεθεί από τον τοίχο και να κρεμαστεί διαφορετικά.
Οι κορυφές της τέχνης έχουν επιτευχθεί στους πίνακες εξαιρετικών ζωγράφων. Στα ποικίλα κινήματα του μοντερνισμού, υπάρχει απώλεια της πλοκής και απόρριψη της παραστατικότητας, με αποτέλεσμα να επανεξετάζεται σημαντικά η έννοια της εικόνας. Ολο και περισσότερο ευρύς κύκλοςπίνακες ζωγραφικής του 20ου αιώνα. που ονομάζονται πίνακες ζωγραφικής. Η ζωγραφική είναι ένα από τα πιο τυπικά είδη τέχνης καβαλέτο. Ο Johann-Wolfgang Goethe έγραψε: «Οι πίνακες δεν είναι απλώς ένας ζωγραφισμένος καμβάς, επηρεάζουν συναισθήματα και σκέψεις, αφήνουν σημάδι στην ψυχή, ξυπνούν προαισθήσεις».
Αναπαραγωγή ή αντιγραφή πρωτότυπος πίνακαςμπορεί επίσης να ονομαστεί πίνακας αν, στο κατάλληλο πλαίσιο, δεν έχει σημασία αν είναι αντίγραφο ή πρωτότυπο έργο. Για παράδειγμα, «υπήρχαν αρκετοί πίνακες κρεμασμένοι στο διάδρομο».
2) Μεταφορικά ή περισσότερα γενική σημασία- οποιοδήποτε ολοκληρωμένο, αναπόσπαστο έργο τέχνης, συμπεριλαμβανομένης μιας ζωντανής και ζωντανής περιγραφής, προφορικής ή γραπτής, μιας όμορφης θέας της φύσης.
3) Σε ένα μουσικοθεατρικό έργο, ένα μέρος της πράξης δεν χωρίζεται με ένα διάλειμμα, αλλά με μια μικρή παύση, κατά την οποία η αυλαία χαμηλώνεται για λίγο.
4) Στη μουσική - ο χαρακτηρισμός οργανικών συμφωνικών έργων, τα οποία χαρακτηρίζονται από ιδιαίτερη ακρίβεια και σαφήνεια των μουσικών εικόνων. Μερικές φορές τέτοια έργα ανήκουν στο είδος της μουσικής προγράμματος.
5) Στην κατασκευή, ένα στοιχείο στέγης του οποίου οι άκρες προετοιμάζονται για αρμούς ραφής. Χρησιμοποιείται σε στέγες ραφής. Ανάλογα με την τεχνολογία, γίνεται με χειροποίητες ή μηχανικές μεθόδους. Υπάρχουν πίνακες για συνηθισμένες επικαλύψεις, καθώς και πίνακες για προεξοχές μαρκίζας, υδρορροές τοίχου, υδρορροές, κοιλάδες κ.λπ.
«Η τέχνη είναι η ίδια ανάγκη για έναν άνθρωπο με το να τρώει και να πίνει. Η ανάγκη για ομορφιά και δημιουργικότητα, που την ενσαρκώνει, είναι αδιαχώριστη από τον άνθρωπο», έγραψε ο Φ. Μ. Ντοστογιέφσκι.
Πράγματι, η ιστορία δείχνει ότι ο άνθρωπος ήταν πάντα αχώριστος από την τέχνη. Στα βουνά, στις σπηλιές διαφορετικές χώρεςαρχαίες βραχογραφίες έχουν διατηρηθεί σε όλο τον κόσμο. Αυτά τα εκφραστικά σχέδια ζώων και κυνηγών έγιναν την εποχή που οι άνθρωποι δεν ήξεραν να γράφουν.
Τα μνημεία της τέχνης μας λένε τι τεράστια σημασία είχε στη ζωή του ανθρώπου και της ανθρώπινης κοινωνίας. Οι αρχαίοι Έλληνες δημιούργησαν έναν υπέροχο μύθο για τις μούσες - αιώνια νεαρές αδερφές που προσωποποιούσαν τις τέχνες και τις επιστήμες. Η Μελπομένη είναι η μούσα της τραγωδίας, η Θάλεια - κωμωδία, η Τερψιχόρη - χορός, η Κλειώ - η μούσα της ιστορίας... Ο μύθος λέει ότι όταν εμφανίστηκε ο θεός Απόλλωνας - ο προστάτης της τέχνης, της ποίησης και της μουσικής - συνοδευόμενος από τις μούσες, τότε όλοι η φύση άκουγε το τραγούδι τους... Μουσική, μουσείο - αυτές οι λέξεις προέρχονται από τη λέξη Μούσα.
Ο ποιητικός μύθος για τις αδελφές μούσες δεν έχει χάσει το νόημά του. Κάθε είδος τέχνης έχει το δικό του μέσα έκφρασης: στη μουσική είναι ήχος, στις καλές τέχνες χρώμα, γραμμή κ.λπ., στη λογοτεχνία είναι λέξη. Αλλά η σχετική ουσία όλων των τύπων είναι ότι η τέχνη είναι μια από τις μορφές κοινωνικής συνείδησης, η οποία βασίζεται σε εικονιστική αντανάκλασηφαινόμενα της πραγματικότητας.
ΠΡΟΣ ΤΗΝ καλές τέχνεςσχετίζεται με οπτική αντίληψη, περιλαμβάνουν: ζωγραφική, γραφικά και γλυπτική. Αυτές οι τέχνες δημιουργούν μια εικόνα σε ένα επίπεδο (ζωγραφική και γραφικά) και στο χώρο (γλυπτική).
Ονομάζουμε πίνακα, σχέδιο, εκτύπωση, γλυπτική που έχει ανεξάρτητο νόημα, δηλαδή δεν σχετίζεται με κανένα καλλιτεχνικό σύνολο ή με καθαρά πρακτικό σκοπό δουλειές καβαλέτο. Αυτός ο ορισμός προέρχεται από τη λέξη «μηχανή» (στο σε αυτήν την περίπτωση- καβαλέτο) στο οποίο τοποθετείται ο καμβάς όταν ζωγραφίζεται μια εικόνα. Και ακόμη και το γεγονός ότι ο πίνακας πρέπει να μπει σε ένα πλαίσιο τονίζει την ανεξαρτησία, δηλαδή την απομόνωση της ζωγραφικής του καβαλέτου από περιβάλλον. Το κάδρο διαχωρίζει τον πίνακα και δημιουργεί την ευκαιρία να τον αντιληφθούμε ως ένα ανεξάρτητο καλλιτεχνικό σύνολο. Στο βιβλίο αναπαράγονται ορισμένοι πίνακες με καβαλέτο.
Σε αντίθεση με το καβαλέτο μνημειακή ζωγραφικήαπό το σκοπό και τη φύση του σχετίζεται αρχιτεκτονικό σύνολο. Νωπογραφίες, μωσαϊκά, πάνελ, βιτρό εντάσσονται οργανικά στην αρχιτεκτονική, συμπληρώνοντας και εμπλουτίζοντας διακόσμησηεσωτερικό ή ολόκληρο το κτίριο. Εξαιρετικά δείγματα μνημειακής ζωγραφικής είναι οι τοιχογραφίες του Ραφαήλ στο παλάτι του Βατικανού, οι πίνακες του Μιχαήλ Αγγέλου στο Καπέλα Σιξτίνα. Το υψηλότερο επίπεδομνημειακή ζωγραφική που έφτασε στη βυζαντινή και παλιά ρωσική τέχνη.
Σήμερα, η μνημειακή ζωγραφική χρησιμοποιείται ευρέως σε πολιτιστικά ανάκτορα, κλαμπ, θέατρα, σταθμούς μετρό, σιδηροδρομικούς σταθμούς κ.λπ. Πολλοί από εσάς έχετε δει ψηφιδωτά στο μετρό, δημιουργημένα σύμφωνα με σκίτσα των P. Korin, A. Deineka και άλλων σοβιετικών δασκάλων. Εσωτερικοί πίνακες του σταθμού λεωφορείων και του Μουσείου των Ενόπλων Δυνάμεων στη Μόσχα (καλλιτέχνης Yu. Korolev), πίνακες του Μουσείου Tsiolkovsky στην Kaluga (ομάδα καλλιτεχνών με επικεφαλής τον A. Vasnetsov), βιτρό από Λιθουανούς δασκάλους, ανάγλυφα πάνελ Γεωργιανοί καλλιτέχνεςδιακόσμησε πολλά νέα κτίρια στις πόλεις μας.
Η μνημειακή τέχνη έχει αποκτήσει διεθνή φήμη σύγχρονο Μεξικό. Τα ψηφιδωτά του Siqueiros και άλλων σημαντικών καλλιτεχνών αντικατοπτρίζουν τον ηρωικό αγώνα του μεξικανικού λαού για την ανεξαρτησία του.
Δεν είναι πάντα δυνατό να χαράξουμε μια οξεία γραμμή ανάμεσα σε ένα καβαλέτο και ένα μνημειακό έργο τέχνης. Αυτό εξηγείται από το γεγονός ότι η ζωγραφική με καβαλέτο συχνά έχει μια μνημειακή ποιότητα. Και τα μνημειακά έργα έχουν μερικές φορές ανεξάρτητη σημασία, καθώς γίνονται αντιληπτά ως τελειωμένοι πίνακες καβαλέτο.
Υπάρχει επίσης μια πολύ μεγάλη περιοχή διακοσμητικών και εφαρμοσμένων τεχνών. Πρόκειται για καλλιτεχνικά φτιαγμένα έπιπλα, πιάτα, ρούχα, υφάσματα, χαλιά, κεντήματα, κοσμήματακλπ. Ωστόσο, ορισμένα είδη διακοσμητικών τεχνών (ταπισερί, ανάγλυφο, διακοσμητική γλυπτική) μπορούν επίσης να θεωρηθούν ως ανεξάρτητες εργασίες. Ο πίνακας που προορίζεται να διακοσμήσει ή να αποκαλύψει το σχέδιο και τον σκοπό ενός αντικειμένου και δεν έχει ξεκάθαρα ανεξάρτητο νόημα ονομάζεται διακοσμητικός.
Έτσι, η ζωγραφική χωρίζεται σε καβαλέτο, μνημειακή και διακοσμητική.
Ζωγραφική- έργο ζωγραφικής που έχει πλήρη χαρακτήρα (σε αντίθεση με σκίτσο ή σκίτσο) και ανεξάρτητη καλλιτεχνική σημασία. Αποτελείται από βάση (καμβάς, ξύλινη ή μεταλλική σανίδα, χαρτόνι, χαρτί, πέτρα, μετάξι κ.λπ.), αστάρι και στρώμα βαφής. Η ζωγραφική είναι ένα από τα είδη της τέχνης του καβαλέτου. Οι πίνακες έρχονται σε διάφορα είδη. Όταν δημιουργεί μια εικόνα, ο καλλιτέχνης βασίζεται στη φύση, αλλά σε αυτή τη διαδικασία η δημιουργική φαντασία παίζει σημαντικό ρόλο. Το τέλος του 19ου αιώνα σε όλη την Ευρώπη σηματοδοτήθηκε από μια νέα, δυναμική θεώρηση του κόσμου. Ο καλλιτέχνης της αλλαγής του αιώνα έπρεπε να ανταποκρίνεται στη συνεχώς μεταβαλλόμενη ζωή: όχι τόσο για να αντικατοπτρίζει τον κόσμο γύρω του (η φωτογραφία και ο κινηματογράφος το κάνουν τώρα αυτό), αλλά για να μπορεί να εκφράσει την ατομικότητά του, εσωτερικός κόσμος, δικό του όραμα. Οι κορυφές της τέχνης έχουν επιτευχθεί στους πίνακες εξαιρετικών ζωγράφων. Στα ποικίλα κινήματα του μοντερνισμού, υπάρχει απώλεια της πλοκής και απόρριψη της παραστατικότητας, με αποτέλεσμα να επανεξετάζεται σημαντικά η έννοια της εικόνας. Ορισμένοι καλλιτέχνες που ανήκουν σε διάφορες σχολές ζωγραφικής έχουν απομακρυνθεί από την απεικόνιση του κόσμου (άνθρωποι, ζώα, φύση) όπως τον βλέπουμε. στο δικό τους ΠΙΝΑΚΕΣ ΖΩΓΡΑΦΙΚΗΣο κόσμος φαίνεται παραμορφωμένος, μερικές φορές εντελώς αγνώριστος, γιατί οι καλλιτέχνες καθοδηγούνται περισσότερο από τη φαντασία τους παρά από την οπτική αντίληψη των φαινομένων γύρω μας.
Στην ανάπτυξη της ζωγραφικής, η ζωγραφική παίζει ζωτικό ρόλο.
Μια αναπαραγωγή μπορεί επίσης να ονομαστεί πίνακας ζωγραφικής εάν, στο σχετικό πλαίσιο, δεν έχει σημασία αν είναι αντίγραφο ή πρωτότυπο έργο.
Πίνακας με μεταφορική ή γενικότερη έννοια είναι κάθε ολοκληρωμένο, αναπόσπαστο έργο τέχνης, συμπεριλαμβανομένης μιας ζωντανής και ζωντανής περιγραφής, προφορικής ή γραπτής, μιας άποψης της φύσης.
Η ζωγραφική είναι η τέχνη ενός αεροπλάνου και μιας άποψης, όπου ο χώρος και ο όγκος υπάρχουν μόνο στην ψευδαίσθηση. Ζωγραφική χάρη στην πολυπλοκότητα εικαστικές τέχνεςείναι ικανό να δημιουργήσει τέτοιο βάθος απατηλού χώρου και πολυδιάστατο σε ένα επίπεδο καλλιτεχνική πραγματικότητα, το οποίο δεν υπόκειται σε άλλες μεθόδους αναπαράστασης. Κάθε πίνακας εκτελεί δύο λειτουργίες - ζωγραφική και εκφραστική-διακοσμητική. Η γλώσσα του ζωγράφου είναι απολύτως κατανοητή μόνο σε όσους γνωρίζουν τις διακοσμητικές και ρυθμικές λειτουργίες του εικονογραφικού επιπέδου.
Στην αισθητική αντίληψη, όλες οι λειτουργίες της εικόνας (τόσο διακοσμητικές, επίπεδες, όσο και εικονιστικές, χωρικές) πρέπει να συμμετέχουν ταυτόχρονα. Το να αντιλαμβάνεσαι και να κατανοείς σωστά μια εικόνα σημαίνει να βλέπεις ταυτόχρονα, αδιαίρετα την επιφάνεια, το βάθος, το σχέδιο, το ρυθμό και την εικόνα.
Η αισθητική αντίληψη ενός πίνακα ωφελείται πολύ όταν περικλείεται σε ένα κατάλληλο πλαίσιο που διαχωρίζει τον πίνακα από τον περιβάλλοντα κόσμο. Ο ανατολικός τύπος ζωγραφικής διατηρεί την παραδοσιακή μορφή ενός ξεδιπλωμένου κυλίνδρου που κρέμεται ελεύθερα (οριζόντια ή κάθετα). Η ζωγραφική, σε αντίθεση με τη μνημειακή ζωγραφική, δεν συνδέεται αυστηρά με ένα συγκεκριμένο εσωτερικό. Μπορεί να αφαιρεθεί από τον τοίχο και να κρεμαστεί διαφορετικά.
Το βάθος του απατηλού χώρου των έργων ζωγραφικής
Ο καθηγητής Richard Gregory έχει περιγράψει τις «παράξενες ιδιότητες των έργων ζωγραφικής»: «Οι πίνακες είναι μια μοναδική κατηγορία αντικειμένων γιατί είναι ταυτόχρονα ορατά από μόνα τους και ως κάτι εντελώς διαφορετικό από το απλό κομμάτι χαρτί στο οποίο σχεδιάζονται. Οι εικόνες είναι παράδοξες. Κανένα αντικείμενο δεν μπορεί να βρίσκεται σε δύο σημεία ταυτόχρονα. κανένα αντικείμενο δεν μπορεί να είναι και δισδιάστατο και τρισδιάστατο. Και έτσι ακριβώς βλέπουμε τις εικόνες. Η εικόνα έχει ένα εντελώς συγκεκριμένο μέγεθος, και ταυτόχρονα δείχνει το πραγματικό μέγεθος ανθρώπινο πρόσωπο, κτίριο ή πλοίο. Οι πίνακες είναι ακατόρθωτα αντικείμενα.
Η ικανότητα ενός ατόμου να αντιδρά σε απούσες, φανταστικές καταστάσεις που παρουσιάζονται στους πίνακες είναι σημαντικό στάδιοστην ανάπτυξη της αφηρημένης σκέψης».
Πώς δημιουργούνται οι πίνακες ζωγραφικής
Η εικόνα είναι πνευματικός κόσμοςτον καλλιτέχνη, τις εμπειρίες και τα συναισθήματά του που εκφράζονται σε καμβά ή χαρτί. Είναι δύσκολο να εξηγήσεις πώς δημιουργούνται οι πίνακες - είναι καλύτερα να το δεις μόνος σου. Είναι αδύνατο να αποδοθεί με λόγια πώς ζωγραφίζει ο καλλιτέχνης τον καμβά, με τι πινέλο αγγίζει τον καμβά, τι χρώματα επιλέγει. Κατά τη διάρκεια της εργασίας, όλα γίνονται ένα: ο καλλιτέχνης, το πινέλο και ο καμβάς. Και μετά το πρώτο χτύπημα του πινέλου, η ιδιαίτερη μαγεία της ζωγραφικής αρχίζει να λειτουργεί στο στούντιο.
Οι πίνακες δεν είναι απλώς ένας ζωγραφισμένος καμβάς, επηρεάζουν συναισθήματα και σκέψεις, αφήνουν σημάδι στην ψυχή και ξυπνούν προαισθήσεις.
Πώς δημιουργείται μια εικόνα;
Φαινόταν, με χρώματα, πινέλα, σε καμβά. Μπορεί να υπάρχει μια άλλη καθολική απάντηση: με διαφορετικούς τρόπους.
Οι μέθοδοι ζωγραφικής αλλάζουν συνεχώς σε όλη την ιστορία της τέχνης. Οι καλλιτέχνες της Ιταλικής Αναγέννησης εργάστηκαν εντελώς διαφορετικά από τον Ρέμπραντ ή τους «μικρούς Ολλανδούς» του 17ου αιώνα, οι ρομαντικοί - διαφορετικά από τους ιμπρεσιονιστές, τους αφαιρετικούς και τους σύγχρονους ρεαλιστές καλλιτέχνες. Και μέσα στην ίδια εποχή και ακόμη και σε μία κατεύθυνση μπορείς να βρεις πολλή ποικιλομορφία.
Ρεαλιστές καλλιτέχνες του παρελθόντος και του παρόντος (αν κατανοήσουμε τον ρεαλισμό σε με ευρεία έννοιαλέξεις) συνδυάζει τα εξής:
Η δημιουργία ενός ολοκληρωμένου έργου, σε αυτήν την περίπτωση ενός πίνακα, ενός πορτρέτου ή ενός τοπίου, είναι αδύνατη χωρίς μια βαθιά μελέτη της ζωής και την ενεργό στάση του συγγραφέα απέναντί της. Με μέσα καλλιτεχνικές γνώσειςΗ ζωή υπηρετείται με εργασία από τη ζωή, οπτικές εντυπώσεις, ανάλυση και σύνθεση φαινομένων ζωής.
Η δημιουργία ενός πίνακα είναι πολύπλοκη και χρονοβόρα δημιουργική διαδικασία, τα αποτελέσματα του οποίου καθορίζονται όχι από τον χρόνο που αφιερώνεται, αλλά από το μέτρο του ταλέντου, της δεξιοτεχνίας του καλλιτέχνη και τη δύναμη και την αποτελεσματικότητα της αρχικής εικονιστικής λύσης. Τα σημαντικότερα ορόσημα σε αυτή τη διαδικασία είναι η έναρξη και η υλοποίηση της ιδέας, οι άμεσες παρατηρήσεις, τα σκίτσα, τα σκίτσα από τη φύση, η ουσιαστική ζωγραφική της εικόνας με τη σίγουρα δημιουργική, ενεργή επεξεργασία του υλικού ζωής.
Και όταν ένας θεατής πλησιάζει έναν πίνακα σε ένα μουσείο ή σε μια έκθεση, πριν κάνει την κρίση του γι' αυτόν, πρέπει να θυμάται ότι πίσω του υπάρχει πάντα ένας ζωντανός άνθρωπος, ένας καλλιτέχνης που έχει επενδύσει ένα κομμάτι από τη ζωή του, την καρδιά, τα νεύρα του, ταλέντο και δεξιότητες στη δουλειά. Μπορούμε να πούμε ότι ο πίνακας είναι το όνειρο του καλλιτέχνη που έγινε πραγματικότητα.
G. S. OSTROVSKY
Η πληρότητα της εικόνας
Στη ζωή, πολλά πράγματα συμβαίνουν τυχαία - σε μια εικόνα δεν μπορούν να υπάρχουν τέτοια ατυχήματα, όλα σε αυτήν πρέπει να ολοκληρωθούν, λογικά. Σε ποιο σημείο ο πίνακας θεωρείται ολοκληρωμένος;
Η αριστοτεχνική πινελιά impasto του Ρέμπραντ, που εκτιμήθηκε τόσο πολύ αργότερα και στην εποχή μας, προκάλεσε μόνο σύγχυση στους συγχρόνους του Ρέμπραντ και προκάλεσε χλευασμούς και πνευματισμούς γι' αυτόν. Αντικρούοντας τους κριτικούς του, ο Ρέμπραντ αμφισβήτησε την ορθότητα της αντίληψής τους για την πληρότητα ενός πίνακα, αντιπαραβάλλοντάς τους με τη δική του αντίληψη για αυτόν, την οποία διατύπωσε με αυτόν τον τρόπο: ένας πίνακας πρέπει να θεωρείται τελειωμένος όταν ο καλλιτέχνης λέει όλα όσα ήθελε σε αυτόν. . Για να μην ακούσει τις ερωτήσεις που τον ενοχλούσαν για το «ανολοκλήρωτο» των πινάκων του, ο Ρέμπραντ σταμάτησε να επιτρέπει στους αφελείς επισκέπτες του στούντιο του, οι οποίοι κοίταζαν με μεγάλη περιέργεια τις μπραβούρες πινελιές του πίνακα του, να τους πλησιάσουν, τρομάζοντάς τους με το γεγονός ότι δεν πρέπει να πλησιάζουν πολύ τους πίνακες, αφού το να μυρίζουν τα χρώματα τους είναι επιβλαβές για την υγεία.
Ο Matisse για τη ζωγραφική του:
«Απλώς προσπαθώ να βάλω στον καμβά αυτά τα χρώματα που εκφράζουν το συναίσθημά μου Η απαιτούμενη αναλογία τόνων μπορεί να με αναγκάσει να αλλάξω το σχήμα μιας φιγούρας ή να αλλάξω τη σύνθεση μέχρι να πετύχω αυτή την αναλογία σε όλα τα σημεία της εικόνας Ψάξε το και συνέχισε να δουλεύεις Έπειτα έρχεται η στιγμή που όλα τα μέρη αποκτούν τις τελικές τους σχέσεις και τότε δεν μπορώ να αγγίξω την εικόνα χωρίς να την ξανακάνω».
Ξεκινώντας περίπου από τους ιμπρεσιονιστές, οι κατηγορίες του σχεδίου, της μορφής και του χρώματος συνδέονται στενά, συγχωνεύονται, μοιάζουν να είναι μια συνεχής διαδικασία: σχέδιο και χρώμα, μοντελοποίηση και σύνθεση, τόνος και γραμμή εμφανίζονται και αναπτύσσονται σαν την ίδια στιγμή. Η διαδικασία της ζωγραφικής μιας εικόνας μπορεί, ας πούμε, να συνεχιστεί επ 'αόριστον η στιγμή της ολοκλήρωσης του έργου είναι κάπως υπό όρους: οπουδήποτε στον καμβά ο καλλιτέχνης μπορεί να τη συνεχίσει, εφαρμόζοντας νέες πινελιές σε παρόμοιες που βρίσκονται χαμηλότερα. Ο πιο εντυπωσιακός και συνεπής εκπρόσωπος αυτού του συστήματος είναι ο Σεζάν. Σε επιστολές και ηχογραφημένες συνομιλίες διατύπωσε επανειλημμένα αυτή τη μικτή ή, πιο σωστά, αδιαφοροποίητη μέθοδο ζωγραφικής. Ανά πάσα στιγμή, η εργασία στον πίνακα μπορεί να διακοπεί, αλλά το έργο δεν θα χάσει την αισθητική του αξία. Ο πίνακας είναι έτοιμος ανά πάσα στιγμή.
Η σύνδεση του εικαστικού χώρου της ζωγραφικής με τον πραγματικό χώρο
Ο καλλιτέχνης και θεωρητικός της τέχνης V. A. Favorsky, σε ένα μάθημα για τη θεωρία της σύνθεσης, τόνισε ότι ένα αληθινό έργο τέχνης από τη γέννηση είναι εγγενές σε μια διπλή ύπαρξη: ως αντικείμενο στον περιβάλλοντα χώρο και ως ένας σχετικά κλειστός κόσμος με το δικό του χώρο. -χρονικές σχέσεις. Στη ζωγραφική, αυτός ο στόχος επιτυγχάνεται συντονίζοντας την εσωτερική δομή της εικόνας με το πλαίσιο, στη γλυπτική - με τον περιβάλλοντα χώρο (κλασικό παράδειγμα: ένα άγαλμα σε μια κόγχη).
Για τη σύνδεση του εικονογραφικού χώρου με τον πραγματικό χώρο στον οποίο βρίσκεται ο θεατής, χρησιμοποιείται η κορνίζα. Οι καλλιτέχνες παίζουν επίσης με την πολλαπλή «αναπαραγωγή του πλαισίου» στην ίδια την εικόνα, οπτικές ρίμες, επαναλήψεις κάθετων και οριζόντιων. Μία από τις χαρακτηριστικές τεχνικές που σας επιτρέπει να "ενισχύετε" οπτικά μια εικόνα εντός των ορίων μιας ορθογώνιας μορφής είναι η "γωνιακή λοξότμηση". Ο διαχωρισμός της ζωγραφικής από την αρχιτεκτονική έδωσε αφορμή για ένα ορισμένο σύστημα αντίληψης καβαλέτο ζωγραφική. Το κύριο περιεχόμενο της εικόνας γίνεται η έκφραση μιας ολιστικής αναπαράστασης του χώρου. Η σύνθεση μετατρέπεται σε μια έκθεση στην οποία ο θεατής στέκεται μπροστά στον μεταμορφωμένο κόσμο των χωροχρονικών σχέσεων και βλέπει τον εαυτό του σε αυτόν σαν σε καθρέφτη. Έτσι το διαφανές γυαλί της Αναγέννησης μετατράπηκε σε καθρέφτη από την Κλασική και Μπαρόκ εποχή. Η τέχνη της μετα-αναγεννησιακής εποχής χαρακτηρίζεται από το παιχνίδι με τις αντανακλάσεις στον καθρέφτη, την εισαγωγή φιγούρων μεσολαβητών στη σύνθεση της εικόνας, ατόμων που με τη θέση, το βλέμμα ή τη χειρονομία τους υποδεικνύουν τη δράση που λαμβάνει χώρα στα βάθη του εικόνα, σαν να προσκαλούσε κάποιον να μπει σε αυτήν. Εκτός από το πλαίσιο, σε τέτοιες συνθέσεις υπάρχει ένα προσκήνιο - το μπροστινό μέρος της σκηνής, τα φτερά και στη συνέχεια μεσαίο σουτ, στο οποίο λαμβάνει χώρα η κύρια δράση και το φόντο είναι το «σκηνικό».
Ο καλλιτέχνης συνήθως τοποθετεί τις κύριες μορφές στη μεσαία κάτοψη του πίνακα, τοποθετώντας τις στο νοερό οριζόντιο σαν σε βάθρο. Το βάθος του «χωρικού στρώματος» εξαρτάται από τη θέση αυτής της οριζόντιας γραμμής αναφοράς (σε επιπεδομετρικούς όρους - πάνω ή κάτω σε σχέση με το κάτω άκρο της κορνίζας). Τοποθετώντας επανειλημμένα την οριζόντια προς τα πάνω, ο ζωγράφος δημιουργεί έναν ορισμένο ρυθμό κίνησης στα βάθη του φανταστικού χώρου. Χάρη σε αυτό, ακόμη και σε έναν μικρό καμβά μπορείτε να απεικονίσετε έναν χώρο οποιουδήποτε μήκους με οποιονδήποτε αριθμό φιγούρων και αντικειμένων. Σε μια τέτοια έκθεση είναι απαραίτητο να επιστήσουμε συγκεκριμένα την προσοχή του θεατή στο γεγονός ότι κάποια αντικείμενα είναι πιο κοντά και άλλα πιο μακριά. Για αυτό, χρησιμοποιούνται "δείκτες": μείωση προοπτικής, εισαγωγή ορόσημων κλίμακας (μικρές φιγούρες ανθρώπων στο παρασκήνιο), επικαλυπτόμενα σχέδια, τονική αντίθεση, πτώση σκιών από πηγή φωτός μέσα ή έξω από την εικόνα. Ένα άλλο σημείο αναφοράς για τη νοητική κίνηση του θεατή στο χώρο μιας εικόνας είναι οι διαγώνιες, η κύρια από τις οποίες είναι η «διαγώνιος εισόδου» (συνήθως από αριστερά προς τα δεξιά).
Ζωγραφική μέσα σε πίνακα
Εικόνα σε Εικόνα
Το "Image in Image" μπορεί να χρησιμοποιηθεί σε μια ειδική λειτουργία σύνθεσης. Ανάλογη ιεραρχική οργάνωση αντιπροσωπεύεται και στην περίπτωση της απεικόνισης πίνακα μέσα σε πίνακα (καθώς και τοιχογραφίες σε τοιχογραφίες κ.λπ.).
"Εικόνα μέσα σε μια εικόνα" - τεχνική σύνθεσης, που συναντάμε στην κλασική τέχνη ζωγραφική ζωγραφική XVI-XVII αιώνες Μια εικόνα μέσα σε μια εικόνα μπορεί να είναι προικισμένη με ένα ιδιαίτερο κρυφό νόημα.
Η τεχνική σύνθεσης "εικόνα μέσα σε μια εικόνα" μπορεί να εκτελέσει διάφορες εργασίες:
- εκφράσω μια ιδέα
- εξηγήστε την πλοκή
- αντίθεση ή δημιουργία αρμονίας
- είναι μια λεπτομέρεια της επίπλωσης (εσωτερικό)
Πολύ συχνά, η εικόνα ενός φόντου σε έναν πίνακα μπορεί να γίνει κατανοητή ως ένα είδος εικόνας μέσα σε μια εικόνα, δηλαδή μια ανεξάρτητη εικόνα κατασκευασμένη σύμφωνα με τους δικούς της ειδικούς νόμους. Σε αυτήν την περίπτωση, η εικόνα φόντου μέσα σε μεγαλύτερο βαθμό, επειδή η απεικόνιση των μορφών στο κύριο σχέδιο υπόκειται σε καθαρά διακοσμητικά καθήκοντα, μπορούμε να πούμε ότι αυτό που συχνά απεικονίζεται εδώ δεν είναι ο ίδιος ο κόσμος, αλλά η διακόσμηση αυτού του κόσμου, δηλαδή δεν είναι η ίδια η εικόνα που παρουσιάζεται, αλλά η εικόνα αυτής της εικόνας.
Οι Ολλανδοί έχουν έναν γεωγραφικό χάρτη, ένα καφασωτό, έναν πίνακα, ανοιχτό παράθυροπώς η εικόνα που περιλαμβάνεται στην εικόνα διευρύνει τα όρια του κόσμου ή χρησιμεύει στην ανάπτυξη του αλληγορικού νοήματος της κύριας πλοκής. Ο Βερμέερ, σηκώνοντας την αυλαία του εργαστηρίου του, γίνεται οδηγός σε τρία επίπεδα πραγματικότητας: τον χώρο του θεατή, τον χώρο του εργαστηρίου του, τον χώρο έργο τέχνης(του καμβά που στέκεται στο καβαλέτο), παρομοιάζοντας αυτές τις μεταμορφώσεις με το κολύμπι στους ωκεανούς ζωγραφισμένες γεωγραφικός χάρτηςή πετώντας πάνω από χαρτογραφημένη γη.
Η ροή πραγματικότητας - τέχνης - μύθου παρατηρείται και στον Velazquez, ο οποίος καταφεύγει πρόθυμα στην τεχνική της «εικόνας μέσα σε μια ζωγραφική», όπως παραδειγματίζουν οι «Las Meninas» και «Spinners».
«Ένας πίνακας μέσα σε πίνακα» βρίσκεται επίσης στο «Αφροδίτη πριν από έναν καθρέφτη» του Βελάσκεθ, αλλά ο ομιχλώδης καθρέφτης αντανακλά μόνο τη σκιά της θεάς του έρωτα.
Εικόνα και κορνίζα
Οποιαδήποτε εικόνα που δημιουργείται από καλλιτέχνη, εξαιρουμένων μόνο των αρχαίων βραχογραφίες, διαθέτει πλαίσιο. Το καδράρισμα είναι απαραίτητο και σημαντικό μέρος της σύνθεσης, το ολοκληρώνει και δίνει ενότητα. Το πλαίσιο μπορεί να βρίσκεται στο ίδιο επίπεδο στο οποίο είναι κατασκευασμένη η ίδια η εικονογραφική ή γραφική σύνθεση. Μπορεί επίσης να δημιουργηθεί ειδικά ως ένα είδος ανάγλυφης μορφής με τη βοήθεια διακοσμητικών, γλυπτικών και αρχιτεκτονικά στοιχεία. Τις περισσότερες φορές, βρίσκονται ορθογώνια πλαίσια, κάπως λιγότερο συχνά - στρογγυλά και οβάλ.
Το πλαίσιο βοηθά στην επισήμανση ζωγραφικήαπό το περιβάλλον ως κάτι ιδιαίτερο και άξιο προσοχής, δεν το συνδέει ταυτόχρονα με το περιβάλλον. Έτσι, εάν το στυλ του πλαισίου συμπίπτει με την καλλιτεχνική εμφάνιση, τη δομή και τον χαρακτήρα του εσωτερικού όπου βρίσκεται ο πίνακας, αυτό συμβάλλει στην ακεραιότητα του συνόλου. Ανάλογα με το χρώμα, τον κορεσμό με διακοσμητικές και γλυπτικές λεπτομέρειες, το πλαίσιο επηρεάζει σημαντικά τη συνολική εντύπωση της εικαστικής εικόνας. Όλα αυτά μας επιτρέπουν να μιλάμε για την ενότητα της εικόνας και του πλαισίου, όπου το καδράρισμα, φυσικά, δεν εκτελεί την κύρια, αλλά πολύ απαραίτητη λειτουργία.
Τα μονοπάτια για την ανάπτυξη της ζωγραφικής του καβαλέτου ήταν πολύπλοκα. Τι εντυπωσιακό ορόσημο στην ιστορία της ήταν η μετάβαση από τον Μεσαίωνα στην Αναγέννηση! Το πιο σημαντικό πράγμα σε αυτό ήταν η επιθυμία να ξεφύγουμε από την ακαμψία και την αφαίρεση της εικόνας της εικόνας που κυριαρχούσε στον Μεσαίωνα. Γύρω στον 14ο αιώνα γεννήθηκε ένας πίνακας ζωγραφικής σύγχρονη αίσθησηαυτής της λέξης, και μαζί της εμφανίζεται ένα πλαίσιο, ντυμένο ακόμα με τη δαντέλα της γοτθικής διακόσμησης.
Τα πρώτα καρέ δεν ήταν εντελώς αντίθετα με ολόκληρη την εικόνα και δεν διαχωρίστηκαν από αυτήν. τα υλικά και των δύο ήταν παρόμοια, η συμβατική επιχρύσωση του φόντου, για παράδειγμα, μιας αρχαίας ρωσικής ή βυζαντινής εικόνας, που μεταφέρθηκε στο πλαίσιο και η ίδια η εικόνα συχνά «πατούσε» πάνω της. Τότε τα όρια ανάμεσα στην εικόνα και το κάδρο άρχισαν να αναγνωρίζονται όλο και πιο καθαρά. Ωστόσο, ως ένα είδος ανάμνησης προηγούμενων αιώνων, το πλαίσιο διατήρησε το χρυσό του χρώμα. Όταν το χρυσό φόντο, που υποδήλωνε τον κόσμο του θείου, εξαφανίστηκε από τον πίνακα, η επιχρύσωση του πλαισίου άρχισε να γίνεται αντιληπτή συμβατικά, με άλλα λόγια, ως απαραίτητο χαρακτηριστικό του πλαισίου, που βοήθησε στην ανάδειξη του πίνακα στο δωμάτιο και να τραβήξει το βλέμμα του θεατή σε αυτό.
Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, επικράτησε η ιδέα της ζωγραφικής ως μια ματιά στον κόσμο μέσα από ένα παράθυρο, το πλαίσιο, με τις μορφές του, υπαινίσσεται πολύ καθαρά την κυρίαρχη ιδέα και ανταποκρίνεται σε αυτήν. Αυτά τα υπέροχα, επίσημα πλαίσια κατασκευάστηκαν σύμφωνα με τα σχέδια των καλλιτεχνών σε ειδικά εργαστήρια ή από τους βοηθούς του καλλιτέχνη που εργάζονταν στο εργαστήριό του.
Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, η ζωγραφική συγκρίθηκε συνεχώς με έναν καθρέφτη στον οποίο αντανακλάται η πραγματικότητα, και το πλαίσιο, που δημιουργήθηκε σαν το διακοσμητικό πλαίσιο ενός καθρέφτη, τόνιζε περαιτέρω αυτή τη σύγκριση. Αυτό το πλαίσιο θα μπορούσε να κατασκευαστεί όχι μόνο από ξύλινα πηχάκια και γύψο, αλλά και από πολύτιμα υλικά, όπως ασήμι, ελεφαντόδοντο, φίλντισι κ.λπ. Η πολυτιμότητα των υλικών φαινόταν να αντιστοιχεί στην πολυτιμότητα του πίνακα, ενισχύοντάς τον.
Οι παλιοί δάσκαλοι ήταν πολύ προσεκτικοί στο πλαίσιο, έλαβαν υπόψη την επιρροή του στη διαδικασία της εργασίας, μερικές φορές ακόμη και ζωγραφισμένα σε ένα τελειωμένο πλαίσιο, λαμβάνοντας υπόψη σε συγκεκριμένο τόνοκαι ο διακοσμητικός ρυθμός της κορνίζας. Ως εκ τούτου, οι συνθέσεις από παλιούς δασκάλους συχνά ωφελούνται πολύ από τα αρχικά τους πλαίσια.
Οι παρατηρήσεις των πλαισίων των παλιών δασκάλων μας επιτρέπουν να καθιερώσουμε μια άλλη αρχή - την αντιστοιχία μεταξύ του προφίλ και του πλάτους του πλαισίου και του μεγέθους της εικόνας: έτσι, Ολλανδοί ζωγράφοιχρησιμοποιούσαν για να εισάγουν τους μικρούς τους πίνακες σε μεγάλα πλαίσια με βαθιά, κάθετα προφίλ, τα οποία φαίνεται να οδηγούν το μάτι στο κέντρο της εικόνας και να το απομονώνουν από κάθε επίδραση του περιβάλλοντος
Στις αρχές του 20ου αιώνα άρχισαν να ακούγονται φωνές που ζητούσαν την πλήρη εγκατάλειψη των πλαισίων, ως κάτι υπερβολικά υλικό, που «γειώνει» την πνευματικότητα της τέχνης. Διάφοροι καλλιτέχνες της avant-garde, ακούγοντας τέτοιες εκκλήσεις, άρχισαν να εκθέτουν τα έργα τους χωρίς κορνίζες. Ωστόσο, ως αποτέλεσμα αυτής της καινοτομίας, τα ίδια τα έργα τους έπαψαν να είναι πίνακες με τη στενή έννοια του όρου. Αυτά ήταν κάποιου είδους «αντικείμενα», «κηλίδες», συχνά χωρίς σαφές νόημα.
Αν και τώρα δεν υπάρχει ένα στυλ στο σχεδιασμό των πλαισίων, όπως ήταν κάποτε, υπάρχει μεγαλύτερη αντιστοιχία του πλαισίου με το μεμονωμένο στυλ του καλλιτέχνη από πριν.
ΣΕ Πρόσφαταεπί εκθέσεις τέχνηςμπορεί κανείς να παρατηρήσει ότι η αδράνεια σχετικά με το σχεδιασμό των πλαισίων (ας είναι, αλλά τι είδους δεν είναι τόσο σημαντικό), που εκδηλώθηκε στο παρελθόν μεταξύ των καλλιτεχνών μας, αρχίζει να ξεπερνιέται. Οι κορνίζες ζωγραφίζονται σε διάφορα χρώματα, συχνά τοποθετούνται μικρές πρόσθετες εικόνες και επιγραφές, γλύπτες βοηθούν τους ζωγράφους - κορνίζες με πλούσια πλαστικά μοτίβα εμφανίζονται.
Μορφή ζωγραφικής
Υπάρχουν, ωστόσο, δύο συγκεκριμένα στοιχεία της εικόνας που φαίνεται να δημιουργούν μια μετάβαση από το επίπεδο στην εικόνα, που ανήκουν ταυτόχρονα τόσο στην πραγματικότητα της εικόνας όσο και στη μυθοπλασία της - τη μορφή και το πλαίσιο. Μπορεί να φαίνεται ότι η μορφή ενός πίνακα είναι μόνο το εργαλείο ενός καλλιτέχνη, αλλά όχι μια άμεση έκφραση της δημιουργικής του ιδέας: τελικά, ο καλλιτέχνης επιλέγει μόνο τη μορφή. Εν τω μεταξύ, η φύση της μορφής συνδέεται στενότερα με ολόκληρη την εσωτερική δομή του έργου τέχνης και συχνά υποδεικνύει ακόμη και τον σωστό τρόπο κατανόησης της πρόθεσης του καλλιτέχνη. Κατά κανόνα, η μορφή επιλέγεται πριν ο ζωγράφος αρχίσει να εργάζεται. Αλλά υπάρχει ένας αριθμός γνωστών καλλιτεχνών που τους άρεσε να αλλάζουν τη μορφή της εικόνας ενώ εργάζονταν, είτε κόβοντας κομμάτια από αυτήν είτε προσθέτοντας νέα (ο Velasquez ήταν ιδιαίτερα πρόθυμος να το κάνει αυτό).
Η πιο κοινή μορφή για έναν πίνακα ζωγραφικής είναι η τετραγωνική, με ένα καθαρό τετράγωνο να είναι πολύ λιγότερο κοινό από ένα τετράγωνο που είναι περισσότερο ή λιγότερο επιμήκη προς τα πάνω ή προς τα έξω. Ορισμένες εποχές εκτιμούν τη στρογγυλή (tondo) ή οβάλ μορφή. Δεν υπάρχει επιλογή μορφής τυχαίος, η μορφή συνήθως αποκαλύπτει μια βαθιά, οργανική σύνδεση τόσο με το περιεχόμενο του έργου τέχνης, με τον συναισθηματικό του τόνο, όσο και με τη σύνθεση της εικόνας, αντικατοπτρίζει εξίσου καθαρά την ατομική ιδιοσυγκρασία του καλλιτέχνη και το γούστο μιας ολόκληρης εποχής . Νιώθουμε την κρυφή αιτιώδη σύνδεση μεταξύ της μορφής και της πρόθεσης του καλλιτέχνη πριν από κάθε πίνακα, από την οποία πηγάζει η γοητεία ενός αληθινού έργου τέχνης. Υπάρχουν πίνακες των οποίων το περιεχόμενο έχει γίνει τόσο συνυφασμένο με τη φύση της μορφής που η παραμικρή αλλαγή στις αναλογίες φαίνεται να διαταράσσει την υφολογική και ιδεολογική ισορροπία του πίνακα.
Η οριζόντια, επιμήκης μορφή, γενικά, είναι σίγουρα πιο κατάλληλη για αφηγηματική σύνθεση, για τη διαδοχική ανάπτυξη της κίνησης πέρα από τον θεατή. Ως εκ τούτου, οι καλλιτέχνες που έχουν επική σκέψη και αγωνίζονται για ενεργή σύνθεση και δράση στρέφονται εύκολα σε αυτό το σχήμα, για παράδειγμα, Ιταλοί ζωγράφοι του 14ου και του πρώτου μισού του 15ου αιώνα (ειδικά στις τοιχογραφίες). Αντίθετα, ένα τετράγωνο σχήμα ή ένα στο οποίο το ύψος υπερισχύει κάπως στο πλάτος, σαν να σταματά αμέσως τη δυναμική της δράσης και να δίνει στη σύνθεση τον χαρακτήρα μιας επίσημης αναπαράστασης - ήταν αυτό το είδος μορφής που προτιμούσαν οι κύριοι οι ζωγραφιές του βωμού τους Υψηλή Αναγέννηση(«Σιξτίνα Μαντόνα»). Με τη σειρά του, με σημαντική υπεροχή του ύψους έναντι του πλάτους, η σύνθεση αποκτά και πάλι δυναμική, ισχυρή ώθηση, αλλά αυτή τη φορά προς τα πάνω ή προς τα κάτω. ένα τόσο στενό σχήμα άρεσε ιδιαίτερα σε αριστοκρατικούς, διακοσμητικούς (Crivelli) ή μυστικιστικούς καλλιτέχνες (μανεριστές, Γκρέκο), που προσπαθούσαν να ενσαρκώσουν ορισμένα συναισθήματα και διαθέσεις.
Η σύνδεση μεταξύ της μορφής και της ατομικής ιδιοσυγκρασίας του καλλιτέχνη είναι επίσης αναμφισβήτητη: η αισθησιακή, δυναμική φαντασίωση του Ρούμπενς απαιτεί ένα μεγαλύτερο σχήμα από τη συγκρατημένη και πνευματική φαντασίωση του Ρέμπραντ. Τέλος, η μορφή εξαρτάται άμεσα από την τεχνική της ζωγραφικής. Όσο πιο πλατύ και ελεύθερο είναι το χτύπημα του καλλιτέχνη, τόσο πιο φυσική είναι η επιθυμία του για μεγάλο σχήμα.