Pocas personas conocen a Vrubel como un artista polifacético que demostró dominio en diferentes generos Artes visuales. Su vida fue corta, pero compleja y fructífera. Estudió las obras de viejos maestros, desarrolló sus propias técnicas de trabajo, experimentó, buscando la belleza y la perfección. Fue un genio que creó un nuevo hito en el arte ruso. Se adelantó a su tiempo como pintor, escultor, decorador, arquitecto, restaurador, investigador, experimentador...
Gracias a su talento y trabajo duro, muchos tipos de arte pasaron a una nueva etapa de desarrollo.
Conociendo lo fantástico pinturas fabulosas un artista brillante debe comenzar desde el más joven edad escolar. Sin embargo, es necesario comprender gradualmente el arte del maestro, ya que la mayoría de sus creaciones son comprensibles para los niños mayores.
Al conocer la obra de Vrubel, es importante que profesores y padres llamen la atención de los niños sobre su brillante versatilidad (trabajos gráficos, escultóricos, de restauración, proyectos arquitectónicos...)
¡¡¡Nota!!!
Gracias a este truco tu ordenador quedará en perfectas condiciones después de cada reinicio. Si su computadora está configurada de acuerdo con nuestras recomendaciones, no importa lo que suceda con su sistema operativo y sus archivos, solo necesita reiniciarla y volverá a funcionar como antes.
Biografía
El artista nació en 1856 en Omsk, en la familia del ayudante superior A. M. Vrubel. En 1859, su madre Anna Grigorievna murió de tisis. En 1863, A. M. Vrubel se casó con la actriz E. H. Wessel, quien se dedicó a su marido y a sus hijos. La familia de Vrubel se movía constantemente por el lugar de servicio de su padre. A la edad de 5 años, Mikhail comenzó a dibujar. A la edad de 8 años ingresó a la escuela de dibujo para estudiantes gratuitos de San Petersburgo (la familia entonces vivía en San Petersburgo, A. M. Vrubel era un estudiante voluntario en la Academia de Derecho Militar de San Petersburgo). Al año siguiente, los Vrubel se mudaron a Saratov y Mikhail contrató a un profesor de arte del gimnasio de Saratov, A. S. Godin. Una vez trajeron a Saratov una copia del fresco de Miguel Ángel " Juicio Final”, lo que no pudo evitar impresionar al niño. Después de la inspección, Vrubel reprodujo el fresco con todos sus detalles típicos.
A los diez años se interesó por el teatro y la música.
En 1870, tras una nueva asignación de su padre, la familia se mudó a Odessa. Mikhail estaba matriculado en el gimnasio Richelieu. Destacó en literatura, historia, ciencias y lenguas extranjeras.
En una carta a su hermana Anna, Mikhail se quejó de que iba a leer "Fausto" durante las vacaciones y tomar 50 lecciones de inglés del libro de texto, pero en lugar de eso pintó una copia al óleo del cuadro "Puesta de sol en el mar" de Aivazovsky.
Después de graduarse con éxito de la escuela secundaria (recibiendo una medalla de oro), Vrubel ingresó a la Universidad de San Petersburgo. Durante sus años universitarios pintó ilustraciones para obras literarias clásicas y modernas. De esa época se conserva una obra gráfica: "La cita de Anna Karenina con su hijo".
En 1880, Vrubel, sin graduarse de la universidad, realizó un breve servicio militar y se convirtió en estudiante voluntario en la Academia de las Artes.
De 1880 a 1884 estudió simultáneamente en el taller de P. P. Chistyakov, donde estudiaron V. D. Polenov, V. I. Surikov, I. E. Repin, V. A. Serov. Aquí el artista trabaja incansablemente, estudiando las leyes del arte de los viejos maestros. Entre los académicos era conocido como un maestro de la acuarela y un asombroso compositor de escenas de multitudes. En eso período temprano La creatividad de Vrubel crea retratos veraces que transmiten con precisión el estado de ánimo de una persona.
En la primavera de 1883, la composición de Vrubel "Los esponsales de María con José" recibió una medalla de plata de la Academia. En el otoño de 1883, el profesor A.V. Prakhov invitó a Vrubel, por recomendación de P.P. Chistyakov, a Kiev para restaurar la Iglesia de San Cirilo. Durante 5 años (de 1884 a 1889), el artista realizó una enorme cantidad de trabajo: pintó la Iglesia de San Cirilo, dibujó 150 figuras de restauración y restauró la cúpula de la Catedral de Santa Sofía. No sólo restauró los frescos, sino que también creó nuevas obras para reemplazar las perdidas.
Esto es lo que escribe la famosa crítica de arte N.A. Dmitrieva sobre esta etapa tan importante. biografía artística Rubel:
Esta “coautoría” con los maestros del siglo XII era desconocida para ninguno de los grandes artistas del siglo XIX siglo. Recién pasó la década de 1880, apenas comenzaba la primera búsqueda de antigüedades nacionales, que no interesaba a nadie excepto a los especialistas, e incluso los especialistas se interesaban por ella desde un punto de vista más histórico que artístico.<…>Vrubel en Kiev fue el primero en construir un puente entre la investigación y la restauración arqueológica y la vida. creatividad moderna. Al mismo tiempo, no pensé en la estilización. Simplemente se sentía partícipe del arduo trabajo de los antiguos maestros y trataba de ser digno de ellos.
En 1889, Vrubel se mudó a Moscú, donde recibió el encargo de paneles decorativos. Aparecen los paneles “Venecia”, “España”, “La princesa soñando”, “Mikula Selyaninovich”...
En Moscú trabaja en el mismo taller junto con K. Korovin y V. Serov, ayudando a S.I. Mamontov a crear un círculo artístico. En la década de 1890, el artista se centró en el tema del demonio y el mal.
Desde 1890, Vrubel trabaja en el teatro, creando escenografía para la ópera privada de S. I. Mamontov.
En 1891, M. A. Vrubel viajó por Europa, visitando Italia, Francia, Alemania (1892), Grecia y Constantinopla. Durante estos años el artista escribe pinturas de caballete, acuarelas, paneles decorativos para mansiones de Moscú, ilustraciones para las obras de M. Yu. Son las ilustraciones de Lermontov las que constituyen el pináculo del dominio gráfico de Vrubel.
A principios de 1896, el artista vino de Moscú a San Petersburgo para el estreno ruso de la ópera-cuento de hadas "Hansel y Gretel" de E. Humperdinck. Vrubel recibió el encargo de crear la escenografía y el vestuario de la ópera. En uno de los ensayos, Mikhail Alexandrovich escuchó la magnífica voz de Nadezhda Ivanovna Zabela, quien interpretó el papel de Gretel. Ese mismo día, el artista le propuso matrimonio. La boda tuvo lugar en Suiza.
Desde el otoño de 1896, N.I. Zabela trabajó en la Ópera de Jarkov, y Mikhail Alexandrovich no tenía pedidos en ese momento y se interesó por la pintura teatral y el diseño de vestuario. A Vrubel le encantaba la música y el teatro desde pequeño. Escuchó la ópera "Sadko", donde N.I. Zabela cantó el papel de la princesa Volkhova, 90 veces. Le explicó a su esposa su interés por la música de esta manera:
“Puedo escuchar la orquesta sin cesar, especialmente el mar. Cada vez que encuentro un nuevo encanto en él, veo algunos tonos fantásticos”.
En 1896-1898, Vrubel recurrió a temas mitológicos y de cuentos de hadas. hasta el mismísimo Pinturas famosas Este período incluye "Bogatyr", "Pan" y "La princesa cisne".
De 1899 a 1900, Vrubel dirigió el taller de mayólica de Abramtsevo.
Vrubel cumple con los pedidos de composiciones de estufas, crea una capilla de mayólica sobre la tumba de A. Mamontov y desarrolla un proyecto para una ampliación de la casa de los Mamontov en el "estilo romano-bizantino". El crítico de arte N.A. Dmitrieva admira la versatilidad del artista:
“Vrubel... resultó ser indispensable, ya que realmente podía hacer todo con facilidad, pero no componía textos. Su talento reveló posibilidades universales. Esculturas, mosaicos, vidrieras, mayólicas, máscaras arquitectónicas, diseños arquitectónicos, escenografías teatrales, disfraces: en todas partes se encontraba en su elemento. Motivos decorativos y gráficos surgieron de una cornucopia: pájaros sirena, sirenas, divas del mar, caballeros, elfos, flores, libélulas, y todo se hizo "con estilo", teniendo en cuenta las características del material y el entorno. Fue en este momento, en busca de una "belleza pura y elegante", que al mismo tiempo se aplicara a la vida cotidiana y, por tanto, al corazón del público, Vrubel se convirtió en uno de los creadores del Art Nouveau ruso: que " nuevo estilo”, que se superpuso al romanticismo neorruso del círculo Mamontov, y que en parte surgió de él”.
Fue la cerámica de Abramtsevo la que jugó el papel más importante en el resurgimiento del arte de la mayólica en Rusia. La cerámica le dio a Vrubel la oportunidad de experimentar libremente con las posibilidades plásticas y pictóricas del material, y la falta de formación artesanal con sus patrones le permitió realizar libremente sus fantasías.
Esto es interesante
Las obras decorativas de Vrubel combinaron pintura con arquitectura, escultura y artes aplicadas. Ésta fue la versatilidad de los talentos del artista.
Su obra escultórica más importante es la composición "gótica" "Roberto y las monjas", que adorna el farol de la escalera de la mansión Morozov.
El artista A. Matveev escribió sobre las esculturas de Vrubel: "sin Vrubel no habría Konenkov...".
La literatura arquitectónica enfatiza el papel destacado de Vrubel en la configuración del aspecto artístico de las obras del Art Nouveau de Moscú. Es autor de numerosas obras de cerámica arquitectónica (pequeñas esculturas de mayólica y azulejos), que decoran importantes obras de estilo Art Nouveau y neoruso (la casa de Vasnetsov, la estación de Yaroslavl, la mansión de Yakunchikova...).
En la Exposición Universal de París de 1900, recibió una medalla en el departamento de artes aplicadas por sus obras creadas en el taller de cerámica de Abramtsevo.
En 1903-1906, el artista experimentó graves problemas de salud mental. En 1906 se añadió la ceguera a las enfermedades mentales.
Vrubel no tenía estudiantes ni seguidores. Vivía de la creatividad y no trabajaba por la recompensa... El éxito le llegó cuando estaba irremediablemente enfermo.
V. A. Vrubel murió a la edad de 54 años el 14 de abril de 1910. Alexander Blok pronunció un discurso sobre la tumba en el que llamó al artista “un mensajero de otros mundos”:
“Vrubel vino a nosotros como un mensajero de que la noche lila se intercalaba con el oro de una tarde clara. Nos dejó a sus Demonios, como hechiceros contra el mal púrpura, contra la noche. Sólo puedo temblar ante lo que Vrubel y otros como él revelan a la humanidad una vez por siglo. No vemos los mundos que ellos vieron”.
Se puede invitar a niños en edad de escuela primaria y secundaria a ver un video sobre la vida y obra de Vrubel.
El conocimiento de la obra del artista debe comenzar desde la edad de la escuela primaria. Utilizando ejemplos de pinturas del género de los cuentos de hadas, los padres inculcan a sus hijos. gusto artístico, forman una cultura común.
"Pan" 1899
La pintura representa al héroe mítico Pan. Según una antigua leyenda, el dios de los bosques y los campos con patas de cabra se enamoró de una hermosa ninfa y corrió tras ella. Por miedo, la ninfa se convierte en caña. Pan fabrica una flauta con esta caña y desde entonces toca una suave melodía.
La pintura de Vrubel parece transmitir el contenido de este hermoso cuento de hadas. Pan es como un demonio astuto. Su apariencia no causa ningún temor. Con una mano agarra la flauta y con la otra se apoya en su rodilla peluda. Cuernos negros curvos en su cabeza calva, cabello gris rizado, barba larga, cejas y bigote blancos, patas de cabra con un rastro de pelusa... Es como un viejo tocón cubierto de musgo. Pan está doblado por la vejez y cansado de la vida. El artista representó a un anciano en el contexto de un paisaje nocturno con la luna flotando más allá del horizonte. Los astutos ojos azules de Pan se parecen al agua clara de un arroyo del bosque. Vrubel logró encarnar en su héroe de cuento de hadas el espíritu de la naturaleza, convirtiéndolo en parte integrante de ella.
Cuéntele a su hijo la antigua historia griega sobre el nacimiento de la primera flauta.
Un día, el dios del bosque Pan se enamoró de la bella ninfa Syringa. A la virgen no le agradaba el dios con patas de cabra, carácter alegre y rostro terrible. Ella decidió huir de él, pero Pan casi la alcanza y Syringa le pidió al río que la escondiera. El río convirtió a la bella doncella en una caña. Por resentimiento, el desafortunado Pan cortó un tallo de caña e hizo con él una flauta de varios tallos. El sonido triste de esta flauta, parecido al llanto de un niño, aún se puede escuchar en los bosques de Grecia.
Llame la atención del niño sobre el hecho de que en Grecia la flauta lleva el nombre de la ninfa: Syringa; en Rusia, este instrumento musical se llama flauta;
Después de presentarle a su hijo (hija) el destino del héroe del mundo antiguo, pídale que describa la imagen.
“La princesa cisne” 1900
La trama de la imagen está tomada de la obra de A. S. Pushkin "El cuento del zar Saltan".
“...Dicen que hay una princesa,
De lo que no puedes quitar la vista:
Durante el día la luz de Dios se eclipsa,
Por la noche la tierra se ilumina.
La luna brilla bajo la guadaña,
Y en la frente arde la estrella.
Y ella misma es majestuosa
Actúa como una pava..."
Ante nosotros hay un retrato escénico de N. I. Zabela en el papel de la Princesa Cisne en la ópera de N. Rimsky-Korsakov "El cuento del zar Saltan". Una lujosa corona adornada con perlas brilla como encaje plateado, los anillos brillan en los dedos y una capa sobre los hombros está bordeada de piedras preciosas. Los matices de colores de nácar animan la imagen: la princesa cisne flota en el mar sombrío, lanzando una mirada alarmante.
Durante mucho tiempo, la imagen causó controversia: no todos los críticos la reconocieron como una obra maestra.
El crítico de arte N.A. Dmitrieva describió la pintura de la siguiente manera:
“En él suena algo alarmante”, no en vano este era el cuadro favorito de Blok. En el crepúsculo cada vez más profundo con un rayo carmesí del atardecer, la princesa flota hacia la oscuridad y sólo en ultima vez Se giró para hacer su extraño gesto de advertencia. Es poco probable que este pájaro con cara de doncella se convierta en la obediente esposa de Guidon, y su triste mirada de despedida no promete bienestar. No se parece a Nadezhda Ivanovna Zabela, es una persona completamente diferente, aunque Zabela desempeñó este papel en "El cuento del zar Saltan".
Lea un cuento de hadas de A. S. Pushkin a su hijo. Cuéntanos que en la antigüedad todos los cuentos de hadas tenían títulos largos. Pida repetir el título de este cuento de hadas (“La historia del zar Saltan, de su glorioso y poderoso hijo, el príncipe Guidon Saltanovich, y de la bella princesa cisne”).
Invite a su hijo (hija) a mirar el cuadro "La princesa cisne" y pídale encontrar su descripción en el cuento de hadas de A. S. Pushkin.
(Aquí ella bate sus alas,
Voló sobre las olas
Y a la orilla desde arriba
Ella se hundió entre los arbustos.
Empecé, me sacudí
Y se convirtió en princesa.)
Llame la atención del niño sobre el hecho de que la imagen muestra el momento de la transformación de la Princesa en Cisne. (El ala derecha se levanta de espuma de perlas de mar, la izquierda está cubierta de plumaje. El artista logró representar la fusión de la imagen del Cisne y la Princesa. Aquí hay dos criaturas. La mano de la Princesa, decorada con anillos , se asemeja a un cuello de cisne alargado, las piedras preciosas de los anillos se asemejan a los ojos de un cisne. Ocurre magia: la princesa, volviéndose hacia el espectador, se convierte en un cisne).
Ofrezca escuchar la ópera "El cuento del zar Saltan". Ayude a su hijo a sentir la animación del cuadro con la música de N. Rimsky-Korsakov. Esta será una confirmación del gran amor del artista por la música y la literatura.
"Héroe" 1898-1899
Inicialmente el cuadro se llamaba “Ilya Muromets”.
Héroe épico épico presentado en la imagen como la encarnación de la fuerza heroica rusa. Ilya Muromets se parece a una roca de piedra. Su pesada armadura brilla como cristales preciosos. Sirve fielmente a la Patria. Alrededor del héroe crecen pequeños pinos. Vrubel expresó las palabras de la epopeya en su cuadro:
“Un poco por encima del bosque en pie, un poco por debajo de la nube andante”.
El poderoso caballo pareció “crecer” en el suelo, escuchando los misteriosos sonidos del bosque. La noche cayó sobre la tierra. El resplandor del atardecer arde de manera alarmante. Ilya Muromets personifica las mejores cualidades de los defensores de la tierra rusa: firmeza, invencibilidad y valentía.
Cuéntele a su hijo sobre el héroe de los cuentos populares y las epopeyas, Ilya Muromets. Según las epopeyas, era el héroe ruso más poderoso y poderoso. Defendió la tierra rusa de los enemigos.
Pídale a su hijo (hija) que le hable sobre sus sentimientos por el defensor de Rusia.
La investigación moderna puede atraer el interés de un niño por el héroe épico. Los investigadores creen que Ilya Muromets no es un héroe de ficción, sino una figura histórica. Derrotó a Nightingale el Ladrón, que estaba cazando a lo largo del camino forestal hacia Kiev y silbó para notificar a su banda del ataque.
A los niños les interesará conocer la historia del milagro que ocurrió en la vida de Ilya Muromets.
El abuelo de Elijah era pagano (no reconoció el cristianismo) y un día destruyó un ícono, después de lo cual una maldición cayó sobre su familia: los niños nacieron lisiados. Ilya Muromets estuvo inmovilizado durante 33 años y de repente se produjo la curación. Los vagabundos mendigos llegaron a su casa y le pidieron agua. Ilya se levantó y les dio agua a los mayores.
Este caso sigue siendo un misterio inexplicable para muchos investigadores.
Las siguientes pinturas de Vrubel son complejas e inusuales y debes comenzar a familiarizarte con ellas en la escuela secundaria y preparatoria.
Cuadro "Princesa Sueño"
La trama de la imagen está tomada del drama. escritor francés Edmundo Rostand. Según la leyenda, el trovador Geoffroy Rudel, encantado por las historias de los peregrinos que la vieron, se enamora de la princesa Melissinda y vive el sueño de encontrarla... Antes de morir, el poeta emprende un largo viaje para ver a su sueño en realidad. El caballero muere feliz porque su sueño se hizo realidad: vio a su hermosa Melissinda.
El trovador Rudel aparece en el drama como un caballero del espíritu. La caballerosidad de Rudel es similar a una obsesión por un sueño elevado, la lucha por un ideal. Siempre se ha creído que un caballero debía ser un guerrero con una fuerza extraordinaria. El escritor Rostand presenta a su héroe. espíritu fuerte, no el cuerpo. Rudel está exhausto, pero su amor está vivo y es real.
M. Gorky en uno de sus artículos escribió sobre la obra de Rostand:
"Esta obra es una ilustración del poder de una idea y una imagen de la búsqueda de un ideal".
En Rusia, el estreno de la obra "La princesa de los sueños" tuvo lugar en 1896. Ese mismo año, S.I. Mamontov encargó paneles decorativos para la exposición de toda Rusia en Nizhny Novgorod. Vrubel crea paneles fabulosos: "Mikula Selyaninovich" y "Princess Dream". Estas obras fueron rechazadas por la Academia de las Artes y adquiridas por S.I. Mamontov. Pronto Mamontov expone los paneles en un nuevo pabellón construido para ellos. La altura del lienzo "La princesa de los sueños" es de 7,5 metros y su longitud es de 14 metros.
La pintura representa al caballero Geoffroy Rudel tocando el arpa. Él llama a su sueño, tocando las cuerdas. instrumento musical. En la mirada sin vida del héroe se puede ver la esperanza de conocer a la princesa de sus sueños, Melisinda. Melisinda vuela hacia él como una visión de la Belleza divina con un vestido rosa perla transparente y el pelo largo y esponjoso. La princesa mira desde el cielo al soñador Rudel, sosteniendo un lirio en la mano como señal de puro amor sublime. En el último momento de su vida, el caballero está feliz: ve a su amada.
El artista interpreta la trama de la leyenda del amor con un espíritu simbólico. Para el moribundo Príncipe Rudel, la vida en la tierra es un refugio temporal y conocer a Melisinda es imposible, pero sus corazones están unidos gracias a la mágica música del amor.
- ¿Por qué Rudel fue en busca de la princesa?
- ¿Qué le pasó durante el viaje?
- ¿Cómo llamó Rudel a su amada? (Tocaba las cuerdas del arpa, tocando una música suave)
- ¿Cómo se le apareció Melisinda? (Ella voló hacia él como una visión).
- ¿Qué flor tenía Greza en la mano? ¿Qué significa?
- ¿Por qué Rudel fue llamado caballero?
No olvides concluir: Vrubel representó en la imagen su idea del amor puro y sublime. Esta historia de amor no tiene final feliz. La princesa de los sueños es un cuento de hadas para adultos, y estos cuentos de hadas suelen tener finales tristes.
"Adivino" 1895
El cuadro fue pintado en un día. Esta aguda trama psicológica fue tomada por el artista de la ópera "Carmen". El modelo del cuadro fue una mujer cosaca siberiana, la amante del artista. Una mujer está sentada sobre el fondo de una alfombra rosa lila y tiene cartas extendidas delante de ella. Su mirada pétrea se desvía hacia un lado. El rostro es inescrutable. El adivino aprendió el terrible secreto del futuro artista en el as de espadas caído. Sus ojos ardientes anticipan un destino triste.
Presente a su hijo la biografía del artista. Pídale que adivine qué presagia la mirada del adivino en la vida y obra de Vrubel. Haga preguntas sobre la biografía del artista:
- cual sera el proximo camino de la vida¿Vrúbel?
- ¿Qué prevé?
- ¿El artista creyó las predicciones?
Llame la atención del niño sobre la textura de la imagen. (La pintura parece un mosaico. Las pinturas se aplican con una espátula (un cuchillo para raspar pinturas). La adivina sobresale del lienzo como una escultura).
"Demonio sentado" 1890
Un gigante triste se sienta en una montaña en medio de un espacio parpadeante alarmante. A su alrededor hay una extraordinaria belleza cósmica: flores multicolores florecen en forma de enormes cristales brillantes.
Sin embargo, tiene las rodillas dobladas, los brazos torcidos, la cabeza gacha, la mirada resignada. Una lágrima de tristeza rueda por tu mejilla.
Esto es lo que Vrubel le escribió sobre este cuadro a su hermana Anna el 22 de mayo de 1890:
... Estoy escribiendo un Demonio, es decir, no exactamente un Demonio monumental, que escribiré con el tiempo, sino uno "demoníaco": una figura semidesnuda, alada, joven, tristemente pensativa, sentada, abrazada a sus rodillas, con el telón de fondo de la puesta de sol y mira el prado florido del que se extienden hacia ella ramas que se inclinan bajo las flores.
Según Vrúbel,
“Demonio significa “alma” y representa lucha eterna un espíritu humano inquieto, que busca la reconciliación de las pasiones que lo abruman, el conocimiento de la vida, y no encuentra respuesta a sus dudas ni en la tierra ni en el cielo”.
En esta pintura, Vrubel mostró la habilidad de un monumentalista. Pinta con trazos amplios que, convirtiéndose en manchas de color, se asemejan a piedras de mosaico. La elección de colores (lila, azul, negro, gris...) corresponde estado mental el artista, enfatiza su melancolía.
El cuadro es una especie de autorretrato de Vrubel, que ha habilidades únicas, pero dudando de la verdad y no reconocido. Este trabajo central artista. El héroe de Vrubel es complejo y simbólico. Presenta un demonismo especial con una imagen del sufrimiento general de las personas involucradas en la gran Rusia. cultura XIX siglo.
Mire al héroe de la imagen con su hijo y descríbalo. Haga algunas preguntas orientativas:
- ¿Cómo presentó el artista a su héroe?
- ¿Cómo se siente el Demonio sentado en la cima de la montaña?
- ¿Qué colores usó Vrubel en la pintura: cálidos o fríos?
- ¿Por qué la figura del Demonio está cortada arriba y abajo? (Así, el artista representó la soledad del héroe).
Explique el significado de las palabras de Vrubel: "El demonio es un espíritu poderoso y majestuoso". Tenga en cuenta que el Demonio no tiene pensamientos diabólicos o malvados. Es como una escultura tallada en piedra preciosa. En él, Vrubel se representa a sí mismo, su alma, sus experiencias. El artista no fue comprendido ni apreciado.
“El demonio derrotado” 1902
Este es uno de los más obras trágicas artista. Revela su biografía. El demonio, arrojado desde las alturas y extendido sobre las crestas de las montañas, sigue vivo. Tiene los brazos rotos, dedos puntiagudos se hunden en su cuerpo y el fuego de la protesta arde en sus ojos enojados.
Montañas cubiertas hielo eterno, iluminado por los últimos rayos refrescantes del atardecer.
La combinación de colores oscuros transmite el agotamiento mental del héroe. Esta imagen encarna la tragedia de una personalidad rota. Un artista decepcionado, que no ha desperdiciado del todo su enorme potencial creativo, por el presentimiento de un final cercano. Muerte trágica cae en agonía. Le resulta difícil darse cuenta de su terrible destino, ya que no cumplió plenamente sus grandiosos planes.
Cuéntale a tu hijo sobre años recientes vida de un artista. El hijo del artista murió. Esta tragedia se convirtió en la causa de la enfermedad mental de Vrubel. El genio perdió la paz en la lucha contra la locura y trabajó continuamente.
Las opiniones de los investigadores sobre la importancia de la obra de Vrubel en el arte ruso y mundial difieren. Según N. A. Dmitrieva, el lugar del artista en la historia del arte es “exclusivo y aislado”.
Vrubel creó más de 200 varias obras: pinturas, retratos, ilustraciones, paneles decorativos, bocetos de telones de teatro... Realizó vidrieras, pintó frescos, creó carteles para libros, decoraciones teatrales, se dedicó a las artes aplicadas, la arquitectura...
Gracias a la versatilidad de Vrubel, se estableció por primera vez en el arte ruso un nuevo concepto: el de artista universal.
Puede familiarizarse con más detalle con la biografía y la obra de Mikhail Aleksandrovich Vrubel, el artista más fantástico de finales del siglo XIX y principios del XX, leyendo el fascinante libro "Vrubel" de Vera Mikhailovna Domiteyeva de "La vida de personas notables". serie.
¡Estimados padres! Enseñe a los niños a comprender, comparar, evaluar, analizar, expresar su punto de vista y percibir emocionalmente el arte real.
Pertenece a toda una época del arte; las búsquedas de Vrubel se comparan con el método de Leonardo. El primer simbolista, su estilo de pintura fue original y resultó profético para las nuevas direcciones en la pintura del siglo XX.
El padre del artista, Alexander Mikhailovich Vrubel, era un abogado militar, ex oficial de combate, que participó en la campaña de Crimea y en las operaciones militares en el Cáucaso. La madre del artista, Anna Grigorievna Basargina, pariente del famoso decembrista, dio a luz a cuatro hijos y murió cuando Misha tenía cuatro años. Debido al servicio de su padre, la familia se mudaba con frecuencia. SOY. Vrubel se casará con E.Kh. Wessel. La relación de Vrubel Jr. con su madrastra se desarrolló bien y gracias a su vocación (era pianista), la artista creció escuchando música clásica.
En 1874, M. Vrubel se graduó en el famoso gimnasio Richelieu de Odessa con una medalla de oro.
Ya a la edad de cinco años, el niño dibujaba con entusiasmo y, al llegar a San Petersburgo, su padre lo inscribió en la escuela de la Sociedad para el Fomento de los Artistas. En Odessa, un niño aprende a dibujar en la escuela de la Sociedad Bellas Artes. A la edad de nueve años, M. Vrubel copió a Miguel Ángel de memoria. Sin embargo educación artística el padre inculcó a su hijo sólo para el desarrollo general. Así, en 1874, el señor Vrubel estudió derecho en la Universidad de San Petersburgo. Pero el sueño del señor Vrubel sigue siendo pintar; asiste a exposiciones, estudia, participa en debates sobre el propósito del arte y asiste a clases nocturnas en la Academia de las Artes.
Después de graduarse de la Universidad de San Petersburgo y completar el servicio militar, M.A. Vrubel, en 1880 se convirtió en estudiante de la Academia de las Artes. Vrubel desarrolló una estrecha relación con otro artista ruso de la Academia, V. Serov. Y en 1886 conoció a K. Korovin. Sus profesores fueron P. Chistyakov e I. Repin. Fue crítico con el arte moderno. Por ejemplo, le dijo en la cara al profesor Repin que no sabía dibujar. Por sus declaraciones, Vrubel recibió la reputación de una persona arrogante, aunque parecía modesto y tímido. Se sabe por sus memorias que Vrubel actuó en una variedad de imágenes. O es un “noble caballero” vestido de punta en blanco (su padre era polaco), luego viste un traje de terciopelo negro, pantalones y medias como un veneciano de un cuadro de Tiziano, luego se rodea gente extraña: snobs, juerguistas, artistas de circo, italianos, gente pobre, alcohólicos (como decía el amigo Korovin).
En 1884, Vrubel abandonó la Academia. Por recomendación de Chistyakov, va a Kiev a A. Prakhov para restaurar las pinturas antiguas de la iglesia de San Cirilo. En Kiev, el artista ruso pasó seis años estudiando bajo la dirección de Prájov Pintura de iconos bizantinos, también trabaja en la Catedral de Vladimir. La audacia iconográfica de Vrubel causó confusión, por lo que en 1889 fue apartado de esta obra. Luego se mudó a Moscú. Aquí su vida y su búsqueda están conectadas con la casa y finca de Moscú cerca de Moscú en Abramtsevo, propiedad del famoso amante del arte, filántropo e inspirador del famoso círculo artístico, Sava Mamontov. Además de pintar, en ese momento Vrubel se dedicó a la escultura, se dedicaba a la cerámica, el diseño, el diseño de producciones teatrales y paneles decorativos. En 1890 vio la luz su cuadro “El demonio sentado”. Esta imagen fue concebida en Kiev. Posteriormente, la pintura se convirtió en un símbolo de la era venidera: la era del simbolismo, el reformismo religioso, que tentó a la entonces cultura secular.
En 1896 tuvo lugar la primera exposición de Vrubel, que fue consecuencia de un escándalo. Las pinturas encargadas por Mamantov fueron rechazadas por la Academia de las Artes, calificándolas de “no artísticas”. Se trataba de dos obras: "La princesa Dream" y "Mikula Selyanovich". Como protesta, Mamontov organizó la exposición "Paneles de Vrubel".
Inmediatamente después de la exposición, Vrubel se casó con la cantante Nadezhda Zabela; los jóvenes se casaron en verano en Ginebra. Por invitación de Mamontov, Zabele se convierte en el artista principal de su ópera privada.
En los siguientes cinco años, el artista ruso creó todas sus obras más famosas; este fue un período fructífero de su vida. Expuso mucho: en las exposiciones del "Mundo del Arte", la Secesión de Viena, "36"... Aunque el mismo A. Benois siempre fue muy crítico con sus innovaciones pictóricas.
En 1899, Vrubel perdió a su padre y en 1901 nació su hijo Savva, con un defecto congénito, el "labio hendido", que causó una dolorosa impresión en el artista. A principios de 1902, V. Bekhterev descubrió que había enfermedad incurable(sabor de la médula espinal), que amenazaba con la locura. En 1903, el pequeño hijo de Vrubeby murió, un año después de que se pintara su retrato. Entonces Vrubel se convierte en residente permanente de clínicas psiquiátricas. No mucho antes de esto, pintó un cuadro, terrible en su fatalidad, “El demonio derrotado”. Durante los períodos de oscuridad, el artista caía en delirios de grandeza o en una total humillación.
Antes de 1906, hubo períodos de ilustración en los que el artista comenzó a trabajar intensamente. En 1905 fue elegido académico de pintura. Este fue el último evento percibido por su mente. En 1906 quedó ciego.
La vida del famoso artista ruso M.A. Vrubel terminó dentro de los muros de la clínica del Dr. Bari en San Petersburgo. En el funeral, A. Blok llamó al artista autor de "dibujos robados de la eternidad" y "mensajero de otros mundos".
Vrubel se sentía solo y perplejo como persona, y la gente no entendía ni aceptaba sus pinturas. Sólo al final de su vida, cuando acabó en un hospital psiquiátrico, sus pinturas se hicieron famosas.
Cuadros famosos de M.A. Vrúbel
El cuadro “Pan” (1899) abre una serie de “nocturnos” del artista ruso. La continuación fueron las pinturas "La princesa cisne" y "Lila". N. Zabela era sobrina de N. Ge, quien influyó en las historias nocturnas de Vrubel. Ge era considerado un maestro del color nocturno.
Pan es un personaje de la mitología griega, representado, sin embargo, por Vrubel bajo la influencia del folclore ruso, que tanto amaba en aquella época. Pan, la deidad de los bosques y los campos, es un símbolo de la noche, que es una ventana a otros mundos inaccesibles a la conciencia diurna.
El fondo de la imagen es un paisaje ruso. Dios parece surgir de un tocón cubierto de musgo, y a su alrededor hay campos, ríos y abedules, dormidos en el silencio de la noche. Los ojos de Dios, azules, luminosos, asombran por su insondable. De la mitología griega, en la imagen sólo interviene una pipa. Según las historias mitológicas, Pan era juez en los concursos de flauta de pastor. El medio cuerno de la luna llena el espacio de la imagen con una luz fantástica, al mismo tiempo que se hace eco de los cuernos de la deidad.
El cuadro “El demonio volador” (1899) es una obra inacabada. El tema del demonio preocupó a Vrubel toda su vida y en esta obra vuelve a tocarlo. Esta imagen es un himno a la libertad y la belleza. En ese momento, Vrubel estaba leyendo las obras de Nietzsche. Es posible que el artista no haya completado la pintura porque, en un esfuerzo por mostrar libertad, representó una imagen de fatalidad.
El rostro del demonio transmite una premonición de tragedia. Ojos enormes, palidez mortal, determinación, la escultura tosca del rostro crea la imagen del “dolor mundial”. La figura alargada del demonio transmite la sensación de un vuelo rápido. Características distintivas Los cuadros de Vrubel son de tonos violetas y lilas, fondo decorativo.
El cuadro de Vrubel "La princesa cisne" (1900) está dedicado a N. Zabela, quien interpretó el papel de la Princesa cisne en la obra "El cuento del zar Saltan". El compositor de la obra fue Rimsky-Korsakov. Esta pintura fue el resultado de la amistad del artista con el compositor, quien reconoció a N. Zabele. En esta obra, el artista transmitió una imagen musical conmovedora de una criatura frágil y extraña arrojada a nuestro mundo.
Se muestra en el fondo escenario de teatro- ventanas naranjas ardientes. Un exuberante kokoshnik decorativo del traje escénico de Zabela en la cabeza de la Princesa Cisne. El virtuosismo del uso del pincel se ve en la imagen del plumaje, los rayos del sol poniente juegan sobre él. Los colores brillantes y las sutiles transiciones de gris y rosa hacen que esta obra "suene" casi verdaderamente como música sobrenatural. Esta imagen es el avance hacia el otro mundo que pedían los simbolistas.
La pintura "Lila" (1900) está asociada con la granja de N. Ge en la provincia de Chernigov, donde Vrubel vio matorrales de lilas en flor. “Lila” representó el diseño del lenguaje pictórico del simbolismo. Esta es una de las obras más complejas de Vrubel que también representó; significado filosófico, es decir, cerrar la brecha entre forma-apariencia y esencia-significado. El cuadro "Lila" reconcilió a Vrubel con A. Benois, quien admitió que mientras estaba cerca del cuadro, olía flores primaverales.
Vrubel llama a la heroína de la película Natasha, conectándola con el mundo de Pushkin. La niña encarna el alma de la lila.
Obra maestra de Vrubel M.A. – cuadro “Demonio sentado”
El cuadro “Demonio sentado” fue pintado en 1890 y se encuentra en el Estado Galería Tretiakov, en Moscu. Esta imagen fue concebida por el artista ruso mientras trabajaba en Kiev; está inspirada en el poema de Lermontov y está en sintonía con la era del simbolismo. Vrubel ya trabajó en el cuadro en Moscú, en la casa de Mamontov, en el estudio proporcionado. Vrubel le escribió a su padre sobre su pintura: "El demonio no es tanto un espíritu maligno como un espíritu sufriente y de luto, además de un espíritu poderoso y majestuoso". A. Blok se enamoró del cuadro y lo calificó como “un símbolo de nuestro tiempo”. El artista le escribió a su hermana: “Mi búsqueda es exclusivamente en el campo de la tecnología. El resto ya se hizo antes que yo, solo elige”. Con esto se refiere al atractivo de la pintura para la literatura. V. Vasnetsov también retrató con sensibilidad obras literarias en sus pinturas.
Cuando el artista pintó al demonio, al inicio de la obra, éste encajaba bastante bien en el lienzo. Al final de la obra, el demonio había crecido tanto que el artista tuvo que construir sobre el lienzo; en la versión final, el demonio está representado con la cabeza cortada; Sólo el fondo de esta imagen es realista. Al mismo tiempo, parece teatral: fantástico, inmóvil, decorativo. Se hace eco del vacío del alma. El propio artista mencionó más de una vez que demonio se traduce del griego como “alma”. El colorido del cuadro es un contraste de colores: el color lila predominante lucha con algún que otro color naranja dorado. La forma en que Vrubel escribió "el demonio" no pudo ser escrita por ninguno de sus contemporáneos. El artista disecciona audazmente una sola forma en facetas separadas, convirtiendo el mundo que creó en un mosaico de piedras preciosas hábilmente talladas. El "demonio" de Vrubel combina belleza, inteligencia, grandeza, poder y al mismo tiempo impotencia, impotencia (como se puede ver en sus manos irremediablemente entrelazadas). Blok vio al "demonio" como "un joven en el olvido del" Aburrimiento ". Todo el cuerpo del Demonio está formado por músculos metálicos.
- virgen y niño
- Tamara en un ataúd
- Tamara y el demonio
» Doce
» Trece
» Catorce
» Quince
» Shestnad
» Diecisiete
» Ocho
» Diecinueve
» Veinte
» puerta uno
» Puerta dos
» Puerta tres
» Doble cuarto
» Doble quinta
» Puerta seis
» Puerta del séptimo
» Puerta ocho
» puerta nueve
» Treinta
» primero
» Tr.segundo
» tercero
» tercer jueves
» Tr.quinto
» Tr.sexto
» Séptima parte El historiador de arte A.M. Efros dijo una vez sobre Vrubel que era como si hubiera pasado toda su vida sin salir en una ópera mágica, contemplando criaturas teatralmente inusuales. El comentario es injusto (porque toda su vida Vrubel contempló fauna silvestre y personas vivas), pero también con precisión: realmente hay algo de “ópera mágica” en sus pinturas. ¿Pero eso los hace menos hermosos? Las artes no están separadas unas de otras y la influencia de la música y el teatro en la pintura es tan posible como cualquier otra. Aquí está la Princesa del Mar: al amanecer, se encuentra tranquilamente entre los matorrales de juncos, con una corona de perlas. El largo cabello castaño rojizo cae suavemente sobre sus hombros y brazos y fluye hacia abajo como un arroyo: son similares al elemento agua, al igual que la túnica suelta de la princesa de tonos delicados y esquivos, que son difíciles de nombrar: tales desbordamientos ocurren en el superficie tranquila del lago en una tarde clara. ¿Qué es esto: una princesa del mar de los cuentos de hadas rusos, una imagen inspirada en la música de "Sadko" o un retrato de Zabela en el papel de Volkhova? Lo más probable es que se trate de una imagen con la que soñó el artista, donde se fusionaron las impresiones de los cuentos de hadas, la música y la apariencia de Zabela y, sobre todo, de la contemplación de los remansos del río en las tranquilas horas de la tarde, de la observación de las asombrosas formas. y colores de plantas, conchas, estrellas de mar y nenúfares. Por supuesto, este no es un retrato de la esposa del artista en el papel de la Princesa del Mar, sino de la Princesa del Mar disfrazada de su esposa; es necesario sentir esta diferencia. El concepto de la pintura contiene una antítesis oculta de “El demonio sentado”. Aquí, como allí, una criatura humanoide fantástica se presenta cara a cara con un misterioso paisaje crepuscular, y en ambos casos el significado interno, el subtexto de la imagen está determinado por la relación entre esta criatura y la naturaleza. Pero el Demonio es rechazado por la naturaleza, ella está petrificada por él, toda su figura y su rostro expresan melancolía y anhelo. La princesa está en armonía con la naturaleza. Mire la calma en su postura, en la media sonrisa apenas perceptible. Los brazos se bajan y los dedos se entrelazan casi de la misma manera que los del Demonio, pero no hay tensión dolorosa en este movimiento: los brazos caen fácilmente, como caen las alas. La princesa está lista para desaparecer, para desbordarse como un río, y esto no le da miedo: ella misma es un río, ella misma es la naturaleza. En realidad, todo el tema épico y de cuento de hadas ruso en Vrubel se opone al tema del Demonio, como el polo opuesto. En El Demonio todo está al límite de la tensión, todo es dramático, pero aquí suena suavemente la cantilena, aquí la Doncella de las Nieves, bañada por estrellas de nieve, sonríe tierna y somnolienta, agita lánguidamente a los pajaritos de la Primavera Roja, en Al resplandor diamantino de la mañana treinta y tres héroes emergen del mar.
La tragedia del Demonio de Vrubel es la tragedia de un intelecto que ha perdido su suelo, esa misma tierra madre y húmeda sobre la que Mikula Selyaninovich se mantiene firme. El demonio está atormentado por preguntas insolubles sobre el significado de la existencia; los personajes de la epopeya popular no se preguntan por ellos. Son seres elementales, su existencia está inmersa en la existencia de todo el todo cósmico, del que no se separan: ésta es la “música de toda la persona”.
Una vez más, no discutamos cuán históricamente correcta es tal comprensión o tal sentimiento de la antigüedad legendaria rusa. Puede que no sea cierto, pero Vrubel creó sus cuentos de hadas, al igual que su demonio. Esto, sin embargo, no significa que no profundizara en las fuentes primarias. Al crear, por ejemplo, "El héroe", sinceramente se acostumbró al mundo de los cuentos épicos. Su lienzo fue pintado casi simultáneamente con "Bogatyrs" de Vasnetsov, que causó sensación en la exposición de 1899. Rimsky-Korsakov, como muchos, estaba encantado con el trabajo de Vasnetsov. En esta imagen, los tres héroes se muestran, sin embargo, sin el hiperbolismo característico de las epopeyas y fuera de su modo majestuoso y melodioso. Vrubel buscó acercarse al estilo del folclore. Hizo que su héroe, Ilya Muromets, fuera fornido, enorme, sentado sobre un caballo toro. Un “campesino campesino” así puede pelear con un garrote de “noventa pood”, beber un cubo y medio de vino, como dice la epopeya; está "pesado por la fuerza, como por una carga pesada", pero cabalga "un poco más alto que el bosque en pie, un poco más bajo que la nube que camina" - en la imagen se pueden ver las copas de los abetos en el patas de caballo. El bosque es prístinamente denso, dos halcones acechan en su espesa ligadura. De hombros anchos, rechoncho, como un oso, el héroe mira atentamente y con atención, escucha con atención, su ropa y armadura están estampadas, elegantes, también de acuerdo con la epopeya, que habla del garbo del "viejo cosaco" Ilya:
Ilya se puso zapatos de líber de seda,
Se puso una bolsa de terciopelo negro,
Se puso un sombrero de tierra griego en la cabeza.
Después del caballero de Vrubel, los héroes de Vasnetsov probablemente parecerán ligeros y algo prosaicos. Pero aún así, Vrubel, si se me permite decirlo, fue demasiado lejos al representar el poder terrenal del héroe. Hay una especie de hinchazón artificial en la figura del caballero y, especialmente, en su caballo. (La hermana de Zabela escribió en su diario: “Su caballo es más ancho que largo”). Vrubel sintió el poder de la epopeya heroica, pero probablemente estaba más cerca de imágenes más frágiles y líricas, “derretiéndose y escapándose”, similares a los que su esposa creó en el escenario. gran linea cuentos de hadas casado por dos Pinturas famosas, que sin duda son recordados por todos los que conocen al menos algunas de las pinturas de Vrubel: "La princesa cisne" y "Pan". Ambos fueron escritos a principios de siglo: “Pan” en 1899, “La princesa cisne” en 1900.
Se han expresado diferentes opiniones sobre los méritos de "La princesa cisne": no todos están de acuerdo en considerarla una obra maestra, pero "Pan" es unánimemente reconocido como la cima, si no de toda la obra de Vrubel, al menos de su suite de cuento de hadas. El resultado del trabajo artístico suele ser impredecible e inesperado. Sucede que un artista dedica meses, incluso años, a una idea preciada, preparándola, pensando, escribiendo y reescribiendo cuidadosamente, pero nunca llega a materializarse. Y a veces las grandes obras se crean de repente, como improvisadas. Vrubel escribió “Pana” en dos o tres días, tomando, con su característica impaciencia, un lienzo que había comenzado con el retrato de su esposa. Dicen que el impulso fue la lectura del cuento “San Sátiro” de A. France. Y el artista llamó por primera vez a su cuadro “Sátiro”. El dios helénico con patas de cabra y el duende ruso se unen en una sola persona. Pero hay más del diablo en él: tanto el paisaje ruso como la aparición de Pan. ¿De dónde vino esta apariencia, de dónde sacó el artista esta notable cabeza calva, cara redonda, con cejas, ojos azules y rizos salvajes? Por lo general, los héroes de las pinturas de Vrubel tienen un retrato parecido a alguien que él conocía, y los contemporáneos no tuvieron dificultad en adivinar quién sirvió como prototipo. Pero “Pan” no parece haber sido identificado; En cualquier caso, nadie posó para el artista y no se buscó un tipo. ¿Vrubel vio a un hombre tan anciano en algún lugar de un pueblo ucraniano o simplemente se lo imaginó? noche de Luz de Luna al ver un viejo tocón cubierto de musgo, desconocido. Pero los espectadores de diferentes generaciones encuentran en "Pan" un parecido con alguien que conocieron y a quien Vrubel no pudo conocer, prueba de cuán vital y tenaz es este abuelo de cuento de hadas.
Y al mismo tiempo, es completamente fantástico, es el no-muerto del bosque, la personificación de lo que uno imagina e imagina cuando se pierde en la noche. Un muñón gris comienza a moverse, los cuernos de carnero se curvan bajo el musgo peludo, una mano nudosa se desprende, agarrando una pipa de varios tallos, y de repente se abren unos ojos azules y redondos, como luciérnagas fosforescentes. Como respondiendo a la llamada silenciosa del dueño del bosque, la luna aparece lentamente desde detrás del horizonte, la superficie del río y una pequeña flor azul destellan con un brillo azul. El duende es a la vez el alma y el cuerpo de estos bosquetes y llanuras pantanosas; los rizos de su pelaje son como una media luna ascendente, la curva de su brazo hace eco de la curvatura de un abedul torcido, y es todo nudoso, marrón, hecho de tierra, musgo, corteza de árbol y raíces. El vacío mágico de sus ojos habla de una especie de sabiduría animal o vegetal, ajena a la conciencia: este ser es completamente elemental, infinitamente alejado de ese doloroso reflejo que acalambra los poderosos músculos del Demonio.
“La Princesa Cisne” es diferente. No tiene la serenidad de la “Princesa del Mar” - en mundo de hadas La ansiedad aparece, las premoniciones proféticas aparecen. A.P. Ivanov habló sobre esta imagen: "¿No es la misma Virgen del Resentimiento, quien, según un antiguo poema, "bate sus alas de cisne en el mar azul" antes de los días de los grandes desastres?"
Vrúbel M.A. Auto retrato. 1904 - 1905. Papel, lápiz carboncillo, sanguina. Galería estatal Tretiakov
Mikhail Alexandrovich Vrubel (5 de marzo de 1856, Omsk, Región del Kirguistán Siberiano, Imperio ruso- 1 de abril de 1910, San Petersburgo) - Artista ruso de principios del siglo XIX y XX, que trabajó en casi todos los tipos y géneros de bellas artes: pintura, gráfica, escultura decorativa y arte teatral.
Un lugar especial en la obra de M.A. Vrubel está ocupado con la poesía de M.Yu. Lermontov, con muchas de sus aspiraciones cercanas a la cosmovisión del artista. Patetismo romántico, poderosas imágenes rebeldes (principalmente la trágica imagen del Demonio), humanismo, protesta contra la supresión del individuo, convicción en el alto propósito del arte (el tema del Profeta): todo esto encontró una respuesta en las obras de MAMÁ. Vrúbel. El tema de Lermontov apareció en su obra en 1884-1885 y continuó durante toda su vida.
El primero fue el dibujo "Cabeza del Profeta" (lápiz). La aparición del tema del Profeta en Vrubel suele asociarse con A.S. Pushkin. De hecho, tanto El Profeta de Pushkin como el de Lermontov proporcionaron el impulso artístico para la aparición de esta imagen. El artista comenzó a trabajar en ilustraciones para los poemas de Pushkin más tarde (en 1898 - 1899), y todas las pinturas sobre este tema reflejan el momento del encuentro del futuro profeta con los serafines de seis alas. Del poema de Lermontov surge la imagen de un Profeta solitario cumpliendo la hazaña que le está destinada.
Vrúbel M.A. Profeta. 1898. Óleo sobre lienzo. Galería estatal Tretiakov
La idea del cuadro no realizado "Un ángel voló a través del cielo de medianoche" basado en un poema de M.Yu. Lermontov “Ángel” (dibujo a lápiz).
El tema del demonio es de excepcional importancia para Vrubel. La primera versión de “El demonio” (1885-1886) no ha sobrevivido. En 1887-1888, el artista creó las primeras versiones del escultórico Demonio. En su opinión, se trata de “... un espíritu que no es tanto malo como sufriente y doloroso, pero al mismo tiempo un espíritu poderoso... majestuoso”.
Vrúbel M.A. Cabeza de demonio. 1889. Papel, carboncillo prensado, sanguina. Galería estatal Tretiakov
Vrúbel M.A. Cabeza de demonio. 1890 - 1891. Papel, técnica mixta
En 1890 apareció el cuadro "El demonio sentado", presentado por primera vez en 1903 en la exposición "World of Art" (óleo). También se conoce un boceto de este cuadro (acuarela, cal, lápiz). Pero este no es todavía el demonio "monumental" que Vrubel sueña con escribir, sino, en sus palabras, sólo "demoníaco".
Vrúbel M.A. Demonio sentado. Bosquejo. 1890
.jpg)
Vrúbel M.A. Demonio sentado. 1890. Óleo sobre lienzo. Galería estatal Tretiakov
"El demonio sentado", según la justa observación de S. Durylin, se asocia con las primeras apariciones de esta imagen en Lermontov, su verso juvenil. “Mi demonio” (1829; “...entre los vientos entumecidos, / Se sienta triste y lúgubre”) y una de las primeras ediciones del poema “Demonio” (1833 - 1834): “Cuán a menudo en la cima helada / Solo entre el cielo y la tierra / Bajo el techo de un arco iris de fuego / Estaba sentado, sombrío y mudo”.
En 1889, la “Canción sobre... el comerciante Kalashnikov” atrajo la atención del artista. Sólo se conoce una ilustración de M.A. Vrubel a esta obra: "Kiribeevich en la fiesta del zar" (acuarela en color; colección privada).
En el mismo 1889, por sugerencia de P.P. Konchalovsky, editor de las Obras completas del aniversario de M.Yu. Lermontov, Vrubel comienza una serie de ilustraciones para esta publicación (1891, edición de I.N. Kushnerev). El primer volumen contenía tres ilustraciones de la letra del poeta: "Sirena" (acuarela negra), "Melodía judía" (acuarela negra; colección privada) y "Periodista, lector y escritor" (acuarela negra). En la última ilustración, Vrubel le dio a los tres personajes sin nombre las características específicas de V.G. Belinsky, I.I. Panaev y el propio M.Yu. Lermontov, creando uno de los retratos póstumos más interesantes del poeta. El segundo volumen de la publicación contenía ilustraciones de los poemas "El demonio", "Ishmael Bey" y la novela "Un héroe de nuestro tiempo".
Vrúbel M.A. Sirena
Vrúbel M.A. Melodía judía. 1890
Vrúbel M.A. Periodista, lectora y escritora
Para "El demonio", Vrubel completó más de 20 dibujos (contando variaciones), pero solo se colocaron 11: "Flying Demon" - pantalla de presentación (acuarela negra), "Los camellos miraron horrorizados" (acuarela negra), "Un caballo corre más rápido que una cierva” (acuarela negra, cal; lápiz, boceto inicial; Casa de Lermontov), “Demon and Tamara” (“No llores, niña”; acuarela negra, cal), “Flying Demon” - pantalla de presentación (negro acuarela; ubicación original desconocida), “Muros demoníacos del monasterio" (acuarela negra), "Demonio y Tamara" ("¡Ámame!"; acuarela negra, encalado), "Tamara en el ataúd" (acuarela negra, encalado), "Ángel con alma de Tamara y el demonio" (acuarela negra), “Cabeza del demonio con el telón de fondo de montañas” (acuarela negra, cal), “Monasterio de Kazbek” (acuarela negra). Las siguientes ilustraciones no se incluyeron en la edición de Kushnerev: "El demonio mirando el valle", "La danza de Tamara", "Un caballo corre más rápido que una cierva", "El demonio en los muros del monasterio", "¡Ámame!" (segunda y tercera opción), “Tamara en el ataúd” (segunda opción), “Cabeza del demonio” (segunda opción), “Cabeza de Tamara”, “Demonio volador”.
Vrúbel M.A. Tamara y Demonio. 1890 - 1891. Papel, acuarela negra, encalado. Galería estatal Tretiakov
Profunda penetración en la poesía de M.Yu. Lermontov permitió al artista crear una serie de ilustraciones que transmiten el patetismo del poema; El poder y la tragedia del demonio de Vrubel corresponden a la imagen de Lermontov. Sin embargo, en algunas versiones hay rasgos de neurastenismo que son ajenos al héroe del poema. Sin lugar a dudas, la imagen de Tamara de Lermontov está en consonancia con la imagen de Lermontov: alegría de vivir, desesperación, pasión invencible, paz de la muerte: todos estos estados contradictorios están perfectamente expresados por el artista. Trabajando en ilustraciones principalmente en acuarela negra, introduciendo moderadamente cal, tinta y sepia, Vrubel logra un pintoresquismo asombroso; la riqueza de tonos crea la impresión de multicolor. Ilustraciones de M.A. De Vrubel a "El demonio", en términos de profundidad filosófica y técnicas innovadoras, no tienen análogos entre las ilustraciones creadas por sus predecesores, contemporáneos y artistas de épocas posteriores.
Vrúbel M.A. Demonio volador. 1899
Al poema “Ishmael Bey” de M.A. Vrubel completó un conjunto de tres ilustraciones (todas reproducidas en el segundo volumen de Kushnerev): "El viejo checheno" (acuarela negra), "La despedida de Zara a Izmail Bey" (acuarela negra, cal, sepia), "El cadáver de Izmail Bey” (acuarela negra). En el centro de esta suite se encuentra la escena de la despedida, la tragedia de la separación. La severidad armoniza con este estado de ánimo. paisaje de montaña. El artista también concibió una ilustración para el poema "El fugitivo" - "Harun corrió más rápido que una cierva" (se desconoce la ubicación del original; no fue reproducido).
Vrúbel M.A. El adiós de Zara a Izmail Bey. 1891
Vrúbel M.A. Viejo checheno
A “Héroe de nuestro tiempo” de M.A. Vrubel completó 4 ilustraciones (incluidas en el segundo volumen de Kushnerev): para "Bela" - "Kazbich y Azamat" (dos versiones: la primera - acuarela negra, cal; la segunda - acuarela negra), para "Princesa María" - " Pechorin” (acuarela negra), también hubo más versión temprana(acuarela negra), “La princesa María y Grushnitsky en la fuente” (acuarela negra, encalado), “Duelo de Pechorin con Grushnitsky” (acuarela negra, encalado).
Vrúbel M.A. Kazbich y Azamat. 1890 - 1891
Vrúbel M.A. Princesa María y Grushnitsky. 1890 - 1891
La mejor ilustración de la novela de Vrubel es la escena del duelo. Construido como puesta en escena de un complejo trabajo dramático(disposición de figuras, poses, gestos), ayuda a comprender el significado final trágico. En la imagen de Pechorin, Vrubel revela rasgos contrastantes: masculinidad y orgullo, soledad y debilidad, crueldad y reflexión constante.
Vrúbel M.A. Duelo entre Pechorin y Grushnitsky. 1890 - 1891
Las ilustraciones de Vrubel no fueron apreciadas ni comprendidas por sus contemporáneos y fueron objeto de críticas despiadadas (Pepo, S. Vasiliev). Al editor P.P. Konchalovsky, con el apoyo de algunos artistas (principalmente K.A. Korovin, L.O. Pasternak y V.A. Serov), apenas logró que las ilustraciones de Vrubel se incluyeran en la publicación de Kushnerev.
La escultura policromada de Vrubel "Cabeza del demonio" data de 1894 y se exhibió en 1898 en la "Exposición de artistas ruso-finlandeses" en San Petersburgo; En los años 90 Se creó un bajorrelieve decorativo "Cabeza del demonio" (mayólica policromada). Un rostro con rasgos afilados, con una expresión tensa y feroz: este demonio es el más cercano a la imagen. ultima edicion poema: “Y otra vez quedó, arrogante, / Solo, como antes, en el universo / ¡Sin esperanza y sin amor!...”.
Vrúbel M.A. Cabeza de demonio. 1890. Yeso pintado. Museo Estatal Ruso
Desde finales de 1899 hasta 1900, Vrubel trabajó en el gran lienzo "El demonio volador" (óleo). Este es el último demonio "Lermontov" de Vrubel: un paria que deambula sin rumbo fijo siglo tras siglo por el desierto del mundo. El cuadro en su conjunto no estaba terminado; Al parecer sólo está terminada la cabeza.
En 1901-1902, el artista creó el lienzo monumental "El demonio derrotado" (óleo), para el cual realizó una serie de bocetos preliminares. La búsqueda continuó en el lienzo terminado: el rostro del Demonio cambió muchas veces. En la última versión, el Demonio es la encarnación del sufrimiento, el odio, la desesperación y el orgullo. “El demonio derrotado”, enojado, pero exhausto, con las alas rotas que ya no puede volar, no es la imagen de Lermontov. En M.Yu. Lérmontov no está demonio derrotado: derrotado, habiendo aprendido la inutilidad de los sueños locos, todavía es poderoso...
Vrúbel M.A. El demonio está derrotado. 1902
En la primavera de 1902, la pintura se presentó en la cuarta exposición del Mundo del Arte. Y esta obra del artista no fue entendida por el público. Hubo críticas hostiles en la prensa. Una crítica positiva perteneció a M. Sudkovsky. Al también elogió la imagen. Benoit.
A lo largo de su vida, el artista llevó otra imagen de Lermontov: el Profeta. Volviendo a él nuevamente en 1904, crea una obra de caballete que sorprende por su profundidad y fuerza (carboncillo, lápiz, cal, acuarela; la segunda opción es carboncillo, lápiz, cal). Es esta imagen trágica del Profeta, que ya conoció la amargura del rechazo, la más autobiográfica en la obra de Vrubel. No es casualidad que parezca un autorretrato, también pintado en 1904 (lápiz italiano, carboncillo, tiza; otra opción es carboncillo, sanguina).
Vrúbel M.A. Cabeza del Profeta. 1904 - 1905. Papel sobre cartulina, carboncillo, lápiz grafito, acuarela. Galería estatal Tretiakov
Las obras de Vrubel sobre temas de Lermontov se reproducen en ediciones de las obras del poeta, monografías sobre el artista y álbumes. Los mejores de ellos están reproducidos facsímilmente en el álbum “Vrubel. Dibujos para la producción. M.Yu. Lérmontov" (1964).
Enciclopedia Lérmontov. M., 1980. P. 94 - 95.
Mikhail Aleksandrovich Vrubel (1856 - 1910) se distinguió en muchos géneros artísticos. En pintura, se convirtió en el fundador del movimiento simbólico ruso del estilo Art Nouveau. Vrubel escribió una "Lila" tan sensacional precisamente en este estilo, pero en el apogeo de su actividad creativa no tuvo un reconocimiento público significativo, no fue aceptado por la comunidad artística y fue condenado por los críticos.
El reconocimiento oficial del artista sólo llegó al final de su vida: en 1905 se convirtió en académico de pintura.
Vrubel pertenecía al círculo de "Mirsussniki", es decir, a la asociación personalidades creativas en torno a la revista "World of Art". Junto con ellos, él, cautivado por las ideas del eslavofilismo, buscó manifestaciones de la belleza del alma rusa, inspirándose en la naturaleza. "Lila", creada en 1900 por M. A. Vrubel, se exhibió precisamente gracias a esta asociación creativa.
Su estilo de escritura suele atribuirse al movimiento simbólico del Art Nouveau. Pero las obras del maestro no se parecen a otras de este estilo; tiene su propio reconocimiento único, su brillo característico, una visión original y no estándar de los personajes representados.
Vrubel imbuyó la trama de la pintura "Lila" con un contenido filosóficamente significativo. Esta y otras obras suyas son como sueños. De ahí el carácter fantástico y el simbolismo de los personajes y las imágenes argumentales de su pinturas, porque sólo en los sueños las imágenes fantásticas creadas por nuestros sueños y deseos se entrelazan de forma tan orgánica con la realidad.
Se sabe que Mikhail Alexandrovich Vrubel tenía sinestesia: ver música en color. Se cree que Vrubel concibió "Lila", creada en 1900, bajo la influencia del romance de Rachmaninov, que su esposa interpretó en sus conciertos.
El artista distinguió decenas de tonos de blanco, mientras que el ojo de una persona común y corriente solo veía siete. Y lo más importante es que tenía un estilo de pintura tan inimitable que todavía los protege de las falsificaciones.
Circunstancias de la pintura.
En 1898, N.I. Zabela se convirtió en la esposa de M.A. Vrubel, cuyo hijo ya estaba casado con su hermana. pintor famoso Nikolai Nikolaevich Ge (1831-1894). Los estrechos vínculos familiares de las dos familias permitieron en mayo de 1900 a Mikhail Alexandrovich visitar a la familia Ge en una granja en la provincia de Chernigov, ubicada cerca de la estación de tren de Pliski. Aquí crecían muchas lilas, como vio Vrubel. El cuadro "Lila" fue pintado inmediatamente, directamente en el taller de N. N. Ge, y la flor misma se convirtió en el leitmotiv de muchas de sus creaciones.
La creación fue escrita en la cima de la actividad creativa. Fue entonces cuando comenzaron a aparecer los primeros síntomas del deterioro de la salud mental del artista. De ahí los colores sombríos de su pintura, el misticismo y la ansiedad de las imágenes, la pesimismo de su estado de ánimo.
“Lila” de Vrubel: descripción
En el cuadro, el maestro nos muestra un rincón del jardín de noche. Entre la oscuridad y los contornos poco claros, las inflorescencias de los arbustos de lilas en todos sus tonos de azul y violeta llaman la atención como puntos brillantes.
Vrubel representó lilas en casi toda la superficie del cuadro, y parece que esto continúa más allá de sus fronteras. Hay tantas lilas que llenan todo el espacio alrededor del espectador. Incluso empezamos a sentir su sutil aroma.
Tejida en la oscuridad de la noche, una silueta femenina emerge en este derroche de colores como una sombra alarmante justo en el primer plano de la imagen. Podemos ver los negros. pelo largo, cayendo en una espesa ola sobre los hombros y mezclándose con color oscuro batas. La figura se mueve serena y lentamente por el cuadro. luz de la luna Unos rayos tenues iluminan selectivamente la imagen de la niña: delgada y pálida, como sin vida, las manos tocando flores lilas llenas de colores, junto a las cuales la niña camina tranquila y triste, su rostro severo y pensativo, medio cubierto por las sombras de la noche.
Los límites de la imagen se vuelven borrosos, creando la ilusión de algo en común entre dos personas: el arbusto de lilas y la niña. El ambiente del cuadro es melancolía y soledad, un presentimiento de muerte.
Simbolismo en la imagen.
Al describir "Lila" de Vrubel, nos preguntamos quién está representado en el lienzo como una niña vestida de negro.
El artista vio en ella el alma de la lila y le puso un nombre: Tatyana, comparándola con la heroína de Pushkin, en quien, según le pareció al artista, estaba impresa el alma del poeta. Los historiadores del arte encuentran en esta chica los rasgos de la esposa de Vrubel, a quien a menudo representaba en sus lienzos.
Se cree que esta pintura se hace eco de otra: "Pan" de la serie de nocturnos del "Ciclo de los cuentos de hadas", a la que pertenece "Lila". En esta aliteración, confirmada por el propio maestro, en la silueta de la niña reconocemos a la ninfa Syringa, de quien el sátiro está enamorado en “Pan”.
¡Cuántas imágenes ambiguas, complejas y profundas ha recogido "Lila"! Vrubel probablemente asustó con esto a sus contemporáneos, que querían ver algo más comprensible, más familiar en sus pinturas.
En consonancia con esta obra, se concibió otro lienzo, pero nunca se completó: "Lilac Blossom" de 1901, que el propio pintor llamó una obra más seria y reflexiva, donde pretendía reflejar más plenamente su diseño artístico, implementado en el trabajo descrito.
Sin embargo, fue él quien estaba destinado a convertirse en un punto de inflexión en el destino del pintor. Vrubel mostró su "Lila" en la exposición "El mundo de las artes" en 1900, en la Academia de las Artes. Allí fue vista por el emperador Nikolai Alexandrovich, un famoso conservador en el arte. Se interesó por ella y dejó una crítica favorable, que inmediatamente cambió la actitud de los críticos hacia Mikhail Alexandrovich, dándole fama y gloria.
Resultados
Hay opiniones polarizadas sobre las obras de Vrubel y sobre él mismo. Los partidarios de uno de ellos quedan impresionados por el misterioso misticismo de sus pinturas, reconocidas como obras maestras de la pintura. Otros veneraban su genio por su mediocridad, que se esconde detrás de temas y técnicas de dibujo no estándar. Así, A. N. Benois en “La historia de la pintura rusa en el siglo XIX” escribió que “durante muchos años Vrubel fue el hazmerreír universal, y sólo un pequeño puñado de personas lo tomaban en serio y admiraban su enorme talento pictórico”.
Hoy en Rusia, las obras del maestro se pueden ver en el Museo Estatal Ruso de San Petersburgo, en la Galería Estatal Tretyakov y en el Museo Bellas Artes lleva el nombre de M.A. Vrubel en Omsk.