Royal Gallery Mauritshuis (Mauritshuis en holandés, literalmente la casa de Moritz) - galería de arte en La Haya, Países Bajos.

Entre 1636 y 1641 se construyó un pequeño palacio cerca del Binnenhof. Gobernador del Brasil holandés, Moritz de Nassau-Siegen, diseñado por los arquitectos Jacob van Kampen y Peter Post. En 1704 el palacio se incendió y posteriormente fue restaurado, pero sin la cúpula.

En 1820, el Reino de los Países Bajos compró la casa de Moritz para albergar la colección real de arte y antigüedades. El museo abrió sus puertas dos años después. Desde 1875 es una galería de arte con una pequeña pero selecta colección de pinturas de artistas holandeses de la “edad de oro”: Johannes Vermeer, Rembrandt van Rijn, Jan Steen, Paulus Potter y Frans Hals. También se exponen varias obras de Holbein el Joven.

Rembrandt (medio ambiente) - Retrato de Rembrandt a la edad de 23 años, c. 1629, 37,9 cm x 28,9 cm, Óleo sobre madera

La Mauritshuis siguió siendo un museo estatal hasta que fue transferida a una fundación especializada en 1995. Hoy en día es uno de los museos más visitados de los Países Bajos.

La perla del museo es una colección de obras de pintores holandeses del siglo XVII. Pero además el Museo de La Haya tiene algo de qué enorgullecerse: también posee obras de representantes de la “edad de oro” flamenca: el XV.

La colección es comparable a un collar de perlas, porque cada cuadro es un ejemplo de la más alta artesanía, aunque el número de obras es pequeño.
Pero incluso entre las perlas pintorescas se destacan algunos ejemplares únicos: "Lección de anatomía" de Rembrandt, "Retrato de una niña con un pendiente de perla" o "Paisaje de Delft" de Vermeer: ​​son obras maestras de la colección de arte mundial.

Vermeer van Delft, Johannes - La muchacha del pendiente de perla, ca. 1665, 44,5 cm x 39 cm, óleo sobre lienzo

Rembrandt - Autorretrato, 1669, 63,5 cm x 57,8 cm, óleo sobre lienzo

Rembrandt - Estudio de un anciano (el padre de Rembrandt), c. 1630-31, 46,9 cm x 38,8 cm, óleo sobre madera

Rembrandt - Estudio de una anciana (la madre de Rembrandt), c. 1630-35, 18,2 cm x 14 cm, óleo sobre madera

Mauritshuis: Rembrandt (círculo) - Viajeros en reposo

Rembrandt - Andrómeda, ca. 1631, 34 cm x 24 cm, madera, aceite

Mauritshuis: Rembrandt (círculo) - Minerva

Rembrandt - Homero, 1663, 107 cm x 82 cm, óleo sobre lienzo

Rembrandt - Dos moros, 1661, 77,8 cm x 64,4 cm, óleo sobre lienzo

Rembrandt - Canción (Himno) de Simeón, 1631, 60,9 cm x 47,9 cm, óleo sobre madera

Rembrandt - Retrato de un anciano, 1650, 80,5 cm x 66,5 cm, óleo sobre lienzo

Rembrandt - Retrato de un anciano, 1667, 81,9 cm x 67,7 cm, óleo sobre lienzo

Rembrandt - Hombre sonriente, ca. 1629-30, 15,4 cm x 12,2 cm, cobre, aceite.

Rembrandt - La lección de anatomía del Dr. Nicholas Tulp, 1632, 169,5 cm x 216,5 cm, óleo sobre lienzo

Rembrandt (taller) - Saúl y David, c. 1650-55, 130 cm x 164,5 cm, óleo sobre lienzo

Vermeer van Delft, Johannes - Diana y sus ninfas, c. 1653-54, 97,8 cm x 104,6 cm, óleo sobre lienzo.

Vermeer, Johannes - Vista de la ciudad de Delft, ca. 1660-61, 96,5 cm x 115,7 cm, óleo sobre lienzo

Mauritshuis: Vermeer, Jan - Vista de Delft, 1660-61

"Vermeulen, Jan - Naturaleza muerta con libros, globo terráqueo e instrumentos musicales, ca. 1660, 30 cm x 38,5 cm, óleo sobre madera

Mauritshuis: Vermeer van Haarlem, Jan - Paisaje al borde de las dunas

Mauritshuis: Vermeer van Haarlem, Jan - Patio campesino en las dunas

Steen, Jan - Mujer cisterciense (monja) jugando, ca. 1662-65, 31 cm x 27,5 cm, óleo sobre madera

Steen, Jan - Como se escucha, así se canta, está bien. 1663-65, 134 cm x 63 cm, óleo sobre lienzo

Steen, Jan - Si eres un cerdo, deberías estar en un establo (Mujeres Borrachas), está bien. 1673-75, 86 cm x 72 cm, óleo sobre lienzo

Mauritshuis: Sten, Jan - Vida humana

Mauritshuis: Sten, Jan - Viejos haciendo ponche de huevo

Mauritshuis: Sten, Jan - Chica comiendo ostras

Mauritshuis: Sten, Jan - Adivino

Mauritshuis: Sten, Jan - Baile country en la taberna

Mauritshuis: Sten, Jan - Moisés y la corona del faraón

Mauritshuis: Sten, Jan - Visita al médico

Mauritshuis: Sten, Jan - Retrato de supuestamente Maria van Wassenaar (1654-1683), o tribunal avícola

Mauritshuis: Sten, Jan - Mordedor

Mauritshuis: Sten, Jan - Niña enferma

Mauritshuis: Potter, Paul - Vacas reflejadas en el agua, 1648

Mauritshuis: Potter, Paul - Una manada en la pradera, 1652

Mauritshuis: Potter, Paul - Toro, 1647

Mauritshuis: Hals, Frans - El niño que ríe, 1625

Mauritshuis: Hals, Frans - Retrato de un hombre, 1660

Mauritshuis: Holbein, Hans II - Retrato de Robert Cheeseman (1485-1547), 1533

Avercamp, Hendrick - Diversión sobre hielo, ca. 1610, 36 cm x 71 cm, madera, aceite

Backer, Jacob Adriaensz - Pastor con flauta, posiblemente un autorretrato, c. 1637, 52,2 cm x 40,8 cm, óleo sobre madera

Baen, Jan de - Glorificación de Cornelis de Witt (1623-1672), como ganador de la batalla de Chatham en 1667, c. 1667-70, 66 cm x 100 cm, óleo sobre lienzo

Barbari, Jacopo de (atribuido) - Retrato de Hendrik, conde de Mecklemburgo (1479-1552), 1507, 59,3 cm x 37,5 cm, óleo sobre madera

Beest, Sybrand van - Mercado del cerdo, 1638, 44 cm x 68 cm, óleo sobre madera

Bega, Cornelis Pietersz - Taberna del pueblo, 1658, 47 cm x 58 cm, óleo sobre lienzo

Berchem, Nicolaes Pietersz - La infancia de Zeus, 1648, 202 cm x 262 cm, óleo sobre lienzo

Berchem, Nicolaes Pietersz, Weenix, Jan Baptist - La vocación de Mateo, c. 1657, 98,2 cm x 120,8 cm, Óleo sobre madera

Berghe, Christoffel van den - Paisaje invernal, ca. 1615-20, 11,5 cm x 16,5 cm, cobre, aceite

Berghe, Christoffel van den - Paisaje de verano, ca. 1615-20, 11,5 cm x 16,5 cm, cobre, aceite

Beuckelaer, Joachim - Escena de cocina con Cristo en Emaús, c. 1560-65, 109,5 cm x 169 cm, óleo sobre madera

Beyeren, Abraham Hendriksz Van - Naturaleza muerta con frutas y artículos de lujo, ca. 1655, 98 cm x 76 cm, madera, aceite

Beyeren, Abraham Hendriksz Van - Naturaleza muerta lujosa, ca. 1655, 99,5 cm x 120,5 cm, óleo sobre lienzo

Bloemaert, Abraham - Dioses en las bodas de Peleo y Tetis, 1638, 193 cm x 164,5 cm, óleo sobre lienzo

Bloemaert, Abraham - Teágenes recibiendo una rama de palma de Cariclea, 1626, 157,2 cm x 157,7 cm, óleo sobre lienzo

Borch, Gerard ter - Carta, ca. 1655, 39 cm x 29,5 cm, Óleo sobre madera

Ambos, Jan - Paisaje italiano, c. 1645, 108,2 cm x 125,8 cm, óleo sobre lienzo

Bray, Jan de - Adoración de los pastores, 1665, 63 cm x 48 cm, óleo sobre madera

Breenbergh, Bartholomeus - Paisaje con ninfas cazadoras y Diana, 1647, 37,8 cm x 50 cm, óleo sobre madera

Brekelenkam, Quiringh Gerritsz - Anciana haciendo sangría, ca. 1660, 48 cm x 37 cm, madera, aceite

Brouwer, Adriaen - Lucha campesina, ca. 1625-26, 25,5 cm x 34 cm, óleo sobre madera

Brueghel de Oude, Jan - Jarrón con flores, ca. 1610-15, 42 cm x 34,5 cm, óleo sobre madera

En el marco del Año del Reino de los Países Bajos en la Federación de Rusia
en el Museo Estatal de Bellas Artes que lleva el nombre de A.S. Pushkin (Galería de arte de países europeos y americanos de los siglos XIX y XX)
hasta el 26 de enero de 2014 se realizó una exposición de obras de la colección corporativa del Grupo ING
La magia del realismo holandés.

ING Group es una de las mayores empresas financieras internacionales de origen holandés. La colección de arte del ING incluye hoy más de 15 mil obras de diversas escuelas y movimientos nacionales. En la exposición del Museo Estatal de Bellas Artes de Pushkin, el Grupo ING muestra la parte más importante de su colección: pinturas relacionadas con este movimiento artístico. realismo magico.
En la década de 1920 en Europa, bajo el lema “regreso al orden”, comenzó un resurgimiento de la tendencia clásica en el arte. En el arte europeo, la pasión por el abstraccionismo de la década anterior se está debilitando y se están reviviendo tendencias realistas. Esto se debió en parte a la dolorosa experiencia de la Primera Guerra Mundial: el lenguaje del arte abstracto era bastante limitado y los artistas se vieron obligados a buscar un nuevo estilo para expresar la crueldad de la pasada masacre. Esto llevó al nacimiento nueva forma Realismo, que abandonó la imagen. La vida cotidiana, como lo fue en el arte del siglo XIX, y centrándose en otras técnicas. Movimientos artísticos similares comenzaron a surgir en toda Europa: "nueva materialidad" en Alemania, "arte metafísico" en Italia, "surrealismo" en Francia y, en la década de 1930, "realismo mágico" en los Países Bajos.

El término "realismo mágico" se introdujo por primera vez en Alemania y luego fue utilizado en Holanda por algunos escritores. Su característica distintiva es que los objetos del mundo real están representados con precisión fotográfica (realismo), sin embargo, al estar colocados en un contexto irreal, producto de la imaginación del artista, se produce el efecto de desapego (magia), destrucción de la percepción estándar. del mundo circundante nace. Para lograr este efecto, los realistas mágicos recurrieron a las refinadas técnicas de la pintura del siglo XVII. Al mismo tiempo, detrás de la fachada de un estilo pictórico enfáticamente realista se esconde una mirada penetrante y profundamente personal, y la escrupulosa precisión con la que están realizados los cuadros genera un sentimiento de alienación.

Los artistas están empezando a mostrar interés por la propia tradición pictórica. Uno de los primeros seguidores de esta tendencia es el holandés. Karel Willink, el único artista que tiene el honor de ser incluido no sólo en la colección de ING, sino también en la gran historia del arte del siglo XX. Dado que consideraba los estilos modernos como transitorios, Willink decide poner fin a sus experimentos y pasar a los tradicionales. pintura realista.

Karel Willink. Chica con un vestido renacentista. 1946

La mirada de quien entra en la exposición se dirige inmediatamente a “Niña con traje renacentista” de Karel Willink. La niña de Rubens con un pesado vestido de brocado y una oveja de juguete atada a una correa, representada con el telón de fondo de un parque normal que se extiende en la perspectiva de Patinirov hasta el horizonte, parece la heroína de una especie de pesadilla. O bien la luz eléctrica helada, como en “Melancholia” de Lars von Trier, produce tal efecto, o el contraste entre el rostro nada infantil ni nada inocente del modelo y el entorno idílico en el espíritu de los viejos maestros, donde esta Se inserta una cara, como en un cuadro, se activa una falsificación de un estudio fotográfico provincial. "La niña" fue escrita en 1945; durante la ocupación, Karel Willink, a pesar de ser reconocido como un artista completamente ario, se negó a vender sus pinturas a los alemanes y se ganó la vida con los retratos. Sin embargo, esta imagen, con todo su carácter personalizado, se ve como un reflejo de la vieja Europa, que ha muerto y que ahora debe ser poblada por tribus jóvenes y desconocidas.

El resto de artistas mostrados en la exposición son mucho menos famosos y parecen querer entablar una discusión con Willink, demostrándole con su realismo maníaco que los valores del viejo mundo tienen derecho a la vida. Pero al mismo tiempo, la colección ING no parece en absoluto una manifestación de conservadurismo.

El término "realismo mágico", oculto en el título de la exposición, fue acuñado por un historiador y crítico de arte alemán Francisco Roch en 1925 para artistas de la “nueva materialidad”, pero rápidamente emigró al campo de la literatura y prácticamente perdió todo significado claro en el campo de las artes visuales. Lo que vemos en la exposición es una amplia gama de “ismos”. Del hiperrealismo, como en "The Box" Francisco Clemente, del que las herramientas de construcción caerán en cualquier momento, hasta el academicismo banal, como en las producciones de naturalezas muertas. Peter Sebens Y Bernardo Ferkayka. Aquí también hay fans de Andrew Wyeth... Johan Abeling con "Casa", que fácilmente podría convertirse en "La Casa de Christina". Y conceptualistas como el autor de 7 mil autorretratos Philip Ackerman, alumno del gran Jan Dibbets. Y los fanáticos de los juegos posmodernos como Barrenda Blankert, citando a viejos italianos mezclados con Georges Seurat. Y esa misma "nueva materialidad", que incluye a los pares de Karel Willink: Wim Schumacher con retratos y paisajes en plata y Dick Kath con bodegones en collage que regresan al cubismo mundo objetivo persuasión ilusionista. Sin embargo, Dick Ket, en "Naturaleza muerta para el día de San Nicolás" cifrando su nombre, ya que subió mesa festiva una marioneta llamada "ket" en frisia occidental juega juegos surrealistas. Al igual que Karel Willink, su manierismo norteño es cercano a Max Ernst y Salvador Dalí, y su cartesianismo es cercano a René Magritte.

Probablemente, la colección ING tenga un programa patriótico: después de todo, el realismo se considera un gran logro de la época dorada holandesa. Muchos artistas apelan aquí a la época dorada, y bajo el título “Naturaleza muerta con frutas en el fondo de un paisaje” de un brillante estilista Raúl Hinkes Me gustaría corregir la fecha escribiendo "1635" en lugar de "1935". Pero no se puede decir que los motivos que impulsaron la elaboración de esta colección corporativa se limiten al deseo de apoyar la marca artística nacional. La exposición ocupa sólo tres salas, y las pinturas se distribuyen simplemente entre ellas según el principio de género: retrato, paisaje, naturaleza muerta. Sin embargo, a pesar de todo el realismo fotográfico de las obras, no se siente la diferencia entre los géneros: diseñadas principalmente en tonos apagados de color gris plateado, iluminadas principalmente por una luz suave y mate, que se distingue por una claridad antinatural de las líneas, todas ellas en Primero evocan la idea de un paisaje típico holandés y luego comienzan a parecer una naturaleza muerta. Un elenco magistral y desapasionado de una realidad de la que la vida ha desaparecido. No como una imagen holística del mundo real, sino como un conjunto de signos índice que remiten al mundo real como la escena de un crimen, como una grieta en un reposabrazos y un arco en el otro. Barrenda Blankert. Que fue parcialmente descrito por el poeta. José Brodsky en un poema inspirado en el cuadro de Carl Willink: “Esto es lo que se llama “maestría”:

La capacidad de no tener miedo del procedimiento.

La inexistencia - como formas propias

Ausencia, habiéndola copiado de la vida.

Siguiendo a Willink, se están volviendo más populares representantes del realismo mágico como Peike Koch, Raoul Hinkuis, Dick Kaeth y Wim Schumacher.

Peike Koch. Cosecha. 1953

“El realismo mágico describe fenómenos que son posibles y, sin embargo, inverosímiles; el surrealismo, por su parte, demuestra situaciones que son imposibles, no existen o no pueden existir”, dijo Peike Koch, explicando la diferencia entre realismo mágico y surrealismo, dos movimientos artísticos que a menudo se confunden entre sí. El surrealismo es principalmente un mundo de fantasía y sueños, mientras que el realismo mágico es la vida cotidiana en un nuevo contexto.

Una característica común de todos los realistas mágicos es la atmósfera creada por sus pinturas. La sensación de malestar que evocan estas pinturas se debe en parte a su extremo realismo, que reduce la distancia entre el espectador y la obra. Al mismo tiempo, aquí no hay una narrativa estricta o completa. El artista sólo ofrece un conjunto de lecturas posibles, pero nunca da una respuesta completa. El espectador tiene derecho a sacar sus propias conclusiones.

La estética del realismo mágico, esta combinación de realidad y magia, por supuesto, necesitaba ciertas técnicas estilísticas. Las obras de los realistas mágicos se distinguen por una cierta frialdad y la mirada aparentemente indiferente del artista hacia el tema de la imagen, deslizándose sobre la superficie, lo que fue especialmente evidente en retratos y naturalezas muertas (Dick Kath, Wim Schumacher).

Wim Schumacher. Retrato de Adin Mees. 1933;

Wim Schumacher "Melita de blanco" 1928

Wim Schumacher "Prats de Molló" 1929

Dick Ket. San Nicolás, naturaleza muerta. 1931

Dick Ket (1902-1940). Naturaleza muerta con violín y recortes de periódico con autorretratos de W.Schumacher y R.Hynckes.Ca.1936

Raoul Hynckes (1893-1973).Naturaleza muerta con frutas y paisaje/Naturaleza muerta con frutas contra un paisaje.1935.

Ger Langeweg (1891-1970).Peras en un paisaje.Ca.1937/Ger Langeweg.Peras en un paisaje.

Para los representantes modernos del realismo mágico en Holanda, es característico y no accidental que tengan una conexión con fenómenos del arte del siglo XX como el pop art, el neoexpresionismo y el fotorrealismo. Las técnicas de construcción demostrativa del mundo imaginativo, el deseo de resaltar el utilitarismo y los estereotipos del espacio circundante, escapar al mundo de lo imaginario, el uso de alusiones ocultas, el juego libre con imágenes y significados hacen que el trabajo del moderno "mágico". “Artistas similares al surrealismo. Al mismo tiempo, el extremo grado de arte figurativo y la atención al detalle es sin duda una apelación a la tradición realista de los antiguos maestros holandeses.

El objetivo de la exposición "La magia del realismo holandés" es mostrar uno de los fenómenos más brillantes del arte de los Países Bajos del siglo XX: como un diálogo entre pintores de varias generaciones, entre realistas mágicos de la primera mitad del siglo XX. siglo, incluidos Wim Schumacher, Karel Willink, Peike Koch y sus seguidores modernos: Philipp Akkerman, Frans Stuurman, Koos van Koulen y otros, un diálogo que te hace recordar la cultura tradicional de los Países Bajos. La exposición presenta unas cuarenta obras de artistas holandeses de los siglos XX y XXI, que demuestran dominio técnico, una combinación de tradición e innovación.

Jan van Tongeren (1897-1991).Naturaleza muerta con jarra blanca.1967/ Jan van Tongeren.Naturaleza muerta con jarra blanca

Franc Clement (n. 1941).Box.1985/ Franc Clement.Box.

Frans Stuurman "Delfshaven" 1979

Frans Stuurman (g.1952) El Golfo.1994 / Frans Stuurman.Gaviota

Jan Peor "Aventurero" 1993

Kick Sailer "Frente al espejo" 1993

Kick Seiler "Noche" 1992

Pete Sebens "La mesa de Hilda" 1995

Henk Helmantel (nacido en 1945). Bodegón con frutos de granada. 1998. Madera, óleo.

Barend Blankert (n. 1941). El ejercicio. 1991 / Barend Blankert. Ejercicio

Barend Blankert "Dos niños en la naturaleza" 1988-1990

Felipe Ackerman. Auto retrato. 2001

Philip Akkerman (n. 1957) 4 Autorretratos N° 132, N° 51, N° 80, N° 20 / Philip Akerman.4 autorretratos

La luz en las pinturas realistas mágicas a menudo parece artificial, demasiado dura e intermitente. Los artistas utilizaron esta técnica para realizar plenamente los métodos de uso de la perspectiva desarrollados por los cubistas.

Además, en las pinturas de los realistas mágicos apenas se pueden encontrar matices o combinaciones de colores suaves: el primer plano y el fondo a menudo se representan con el mismo grado de detalle. Entre los seguidores modernos del realismo mágico, esta técnica es utilizada por Koos van Koulen.

Koos van Koulen. Olga. 2007

Koos van Keulen "Itier y Pisanello" 2003

Matthijs Roling (n. 1943). Jardín. 2005 / Matthijs Roling. Jardín

Bernard Verkaaik (n. 1946). Olla, cebollas y paño negro.2004/ Bernard Ferkaaik. Maceta, bombillas y tela negra.

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Kenne Gregoire (n. 1951). Descanso. 2003. Lienzo sobre madera, acrílico.

Harry van der Woude "Autorretrato con un cuenco de naranja" 2007

Aparece en Francia en los años 1960. nuevo realismo, y en Estados Unidos y Gran Bretaña el arte pop: la demanda del realismo mágico como movimiento está cayendo drásticamente. En esta época, el neoexpresionismo comenzó a surgir en Europa. Artistas belgas y holandeses, entre otros, participan activamente en este proceso. Alfonso Freimuth Y Roger Rovel. Comienzan a crear pinturas en un "estilo natural", volviendo de vez en cuando a las tradiciones de sus predecesores, quienes descubrieron la dirección del "realismo mágico". Ahora los maestros son más típicos de temas como el amor, la armonía, la muerte, los sentimientos, mientras que el nuevo realismo neurótico a menudo recurre a temas tabú en la sociedad. Los artistas de todos estos movimientos creen firmemente en la necesidad de expresar tanto sus posiciones personales, sus pensamientos como los valores humanos universales que unen estos períodos en el arte.

La exposición en su conjunto muestra claramente no sólo la continuidad de los artistas holandeses contemporáneos con sus predecesores inmediatos, sino también un diálogo constante con la cultura tradicional y la conexión con la edad de oro de la pintura holandesa. Encontrar estas intersecciones y referencias mutuas se convierte en una búsqueda fascinante para el espectador. Sin embargo, la magia también funciona con la contemplación pasiva. Aún así, el realismo mágico es un oxímoron y las paradojas y contradicciones siempre se atraen.

PD Lamentablemente no pude asistir a la exposición; recopilé material al respecto en Internet:
Enlaces:
http://pda.mn.ru/culture/20131114/362619469.html

Aproximadamente la mitad de la mesa 16. entre los pintores holandeses existe el deseo de deshacerse de las deficiencias del arte nacional (su angulosidad y sequedad góticas) estudiando a los artistas italianos del Renacimiento y combinando sus modales con las mejores tradiciones de su propia escuela. Este deseo ya es visible en las obras del citado Mostert; pero el principal divulgador del nuevo movimiento hay que considerarlo Jan Schorel (1495-1562), que vivió durante mucho tiempo en Italia y posteriormente fundó en Utrecht la escuela de la que procedía. linea entera Artistas contagiados por el deseo de convertirse en Rafaeles y Miguel Ángel holandeses. Siguieron sus pasos Maarten van Van, apodado Gemskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, apodado. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Haarlem (1562-1638) y otros pertenecientes al siguiente período de la escuela alemana, como, por ejemplo, Abraham Bloemaert (1564-1651), Gerard Gonthorst (1592-1662), fueron más allá de los Alpes para imbuirse de las perfecciones de las luminarias pintura italiana, pero cayeron, en su mayor parte, bajo la influencia de representantes de la decadencia de esta pintura que se iniciaba en ese momento y regresaron a su tierra como manieristas, imaginando que toda la esencia del arte reside en la exageración de los músculos, en la la pretensión de los ángulos y el garbo de los colores convencionales. Sin embargo, la pasión de los italianos por la pintura, que a menudo llegó a los extremos en la época de transición de Georgia, trajo una especie de beneficio, ya que aportó a esta pintura un dibujo mejor y más erudito y la capacidad de gestionar la composición con mayor libertad y audacia. Junto con la antigua tradición holandesa y el amor ilimitado por la naturaleza, el italianismo se convirtió en uno de los elementos a partir de los cuales se formó el arte original y altamente desarrollado de la época floreciente. El inicio de esta época, como ya hemos dicho, debe fecharse a principios del siglo XVII, cuando Holanda, tras alcanzar la independencia, comenzó a vivir. nueva vida. La dramática transformación de un país pobre y oprimido ayer mismo en una unión de estados políticamente importante, cómoda y rica fue acompañada por una revolución igualmente dramática en su arte. De todas partes, casi a la vez, aparecen en innumerables números. artistas maravillosos, llamados a la actividad por el auge del espíritu nacional y la necesidad de su trabajo que se ha desarrollado en la sociedad. A los centros artísticos originales, Haarlem y Leiden, se suman otros nuevos: Delft, Utrecht, Dortrecht, La Haya, Amsterdam, etc. En todas partes, las antiguas tareas de la pintura se están desarrollando de una manera nueva bajo la influencia de demandas y puntos de vista cambiantes. y sus nuevas sucursales, cuyos inicios apenas se notaron en el período anterior. La Reforma expulsó las pinturas religiosas de las iglesias; No había necesidad de decorar palacios y cámaras nobles con imágenes de dioses y héroes antiguos y, por lo tanto, la pintura histórica, que satisfacía los gustos de la rica burguesía, abandonó el idealismo y recurrió a una reproducción fiel de la realidad: comenzó a interpretar acontecimientos del pasado. como los acontecimientos del día que tuvieron lugar en Holanda, y en especial se hizo retrato, perpetuando en él los rasgos de la gente de esa época, ya sea en figuras individuales o en extensas composiciones de varias figuras que representan sociedades de fusileros (schutterstuke), que desempeñaron un papel tan destacado en la lucha por la liberación del país: los directores de sus instituciones caritativas (regentenstuke), capataces y miembros de diversas corporaciones. Si decidiéramos hablar de todos los retratistas talentosos de la época floreciente de la Galia. arte, entonces simplemente enumerar sus nombres con una indicación de sus mejores obras ocuparía muchas líneas; Por ello, nos limitamos a mencionar sólo a aquellos artistas que destacan especialmente dentro del panorama general. Se trata de: Michiel Mierevelt (1567-1641), su alumno Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572? - 1657), predecesores de los tres más grandes retratistas de Holanda: el hechicero del claroscuro Rembrandt van Rijn (1606-69), dibujante incomparable que tenía un asombroso arte de modelar figuras con luz, pero algo frío en carácter y color, Bartholomew van der Gelst (1611 o 1612-70) y sorprendente con la fuga de su pincel Frans Gols el Viejo (1581-1666). De ellos, el nombre de Rembrandt brilla especialmente en la historia, al principio muy apreciado por sus contemporáneos, luego olvidado por ellos, poco apreciado por la posteridad, y sólo en el siglo actual elevado, con toda justicia, al nivel de mundo. genio. En su característica personalidad artística se concentran, como en foco, todas las mejores cualidades de la pintura de G., y su influencia se reflejó en todos sus tipos: en retratos, pinturas historicas, escenas cotidianas y paisaje. Los más famosos entre los estudiantes y seguidores de Rembrandt fueron: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 o 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (c. 1620-54), Salomon y Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († más tarde 1645), Gerard Dou (1613-75) y Samuel van Googstraten (1626-78). Además de estos artistas, para completar la lista de los mejores retratistas y pintores históricos del período que nos ocupa, conviene nombrar a Jan Lievens (1607-30), compañero de estudios de Rembrandt de P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72). ) y Pieter Nazon (1612-91), trabajando, aparentemente, bajo la influencia de V. d. Gelsta, imitador de Hals Johannes Verspronck (1597-1662), Jan y Jacob de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) y Nicholas de Gelta-Stokade (1614-69). pintura del hogar, cuyos primeros experimentos aparecieron en el antiguo escuela holandesa , me encontré en el siglo XVII. suelo especialmente fértil en la Holanda protestante, libre, burguesa y satisfecha de sí misma. Los cuadros pequeños, que representaban ingenuamente las costumbres y la vida de diferentes clases de la sociedad local, a muchas personas les parecían más entretenidos que las grandes obras de pintura seria y, junto con los paisajes, más convenientes para decorar acogedoras casas privadas. Toda una horda de artistas satisface la demanda de este tipo de imágenes, sin pensar mucho en la elección de los temas, pero reproduciendo concienzudamente todo lo que se encuentra en la realidad, mostrando al mismo tiempo amor por su familia y luego buen humor, con precisión. caracterizando las posiciones y rostros representados y refinado en el dominio de la tecnología. Mientras algunos se ocupan de la vida de la gente común, escenas de alegría y tristeza campesina, borracheras en tabernas y tabernas, tertulias frente a posadas de carretera, vacaciones rurales, juegos y patinaje sobre el hielo de ríos y canales helados, etc., otros se ocupan de el contenido de sus obras proviene de un círculo más elegante: pintan elegantes damas en su ambiente íntimo, el cortejo de caballeros dandys, amas de casa dando órdenes a sus criadas, ejercicios de música y canto en el salón, la juerga de la juventud dorada en las casas de placer, etc. En la larga serie de artistas de la primera categoría destacan Adrian e Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 o 1606-38), Jan Stan (alrededor de 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, apodado Bambocchio en Italia (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, apodado Sorg (1621-82), Claes Molenaar (anteriormente 1630-76), Jan Minse-Molenar (alrededor de 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) y algunos. etc. Del número igualmente significativo de pintores que reprodujeron la vida de la clase media y alta, generalmente suficiente, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), Francia c. Miris la Vieja (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer de Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony y Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38), etc. La categoría de pintores de género incluye artistas que pintaron escenas de la vida militar, ociosidad de los soldados en las casetas de vigilancia. , campamentos, escaramuzas de caballería y batallas enteras, doma de caballos, así como escenas de cetrería y caza de perros similares a escenas de batalla. Principal representante Esta rama de la pintura es la del famoso e inusualmente prolífico Philips Wouwerman (1619-68). Además de él, su hermano de este maestro, Peter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), a quien pronto conoceremos entre los paisajistas, el mencionado Palamedes, Jacob Leduc (1600 - más tarde 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717), etc. Para muchos de estos artistas, el paisaje juega un papel tan importante como las figuras humanas; pero paralelamente a ellos, trabaja una masa de pintores, fijándolo como su tarea principal o exclusiva. En general, los holandeses tienen el derecho inalienable de estar orgullosos de que su patria sea la cuna no sólo del género más nuevo, sino también del paisaje en el sentido en que se entiende hoy. De hecho, en otros países, p. En Italia y Francia, el arte tenía poco interés por la naturaleza inanimada, no encontraba en ella ni una vida única ni una belleza especial: el pintor introdujo el paisaje en sus cuadros sólo como un elemento secundario, como decoración, entre los que se encontraban episodios de drama humano o Se representa la comedia, y por tanto la subordina a las condiciones de la escena, inventando líneas y lugares pintorescos que le son beneficiosos, pero sin copiar la naturaleza, sin dejarse imbuir de la impresión que ésta inspira. Del mismo modo “compuso” la naturaleza en aquellos raros casos en los que intentó pintar un cuadro puramente paisajístico. Los holandeses fueron los primeros en comprender que incluso en la naturaleza inanimada todo respira vida, todo es atractivo, todo es capaz de evocar el pensamiento y excitar el movimiento del corazón. Y esto era bastante natural, porque los holandeses, por así decirlo, crearon la naturaleza que los rodeaba con sus propias manos, la atesoraban y admiraban, como un padre aprecia y admira su propia creación. Además, esta naturaleza, a pesar de la modestia de sus formas y colores, proporcionó a coloristas como los holandeses abundante material para desarrollar motivos de iluminación y perspectiva aérea debido a las condiciones climáticas del país: su aire saturado de vapor, suavizando los contornos de objetos, produciendo una gradación de tonos en diferentes planos y cubriendo la distancia con una bruma de niebla plateada o dorada, así como la variabilidad de la apariencia de las áreas determinada por la época del año, la hora del día y las condiciones climáticas. Entre los paisajistas del período de florecimiento, los holandeses. Se respetan especialmente las escuelas que fueron intérpretes de su carácter doméstico: Jan V. Goyen (1595-1656), quien, junto con Esaias van de Velde (c. 1590-1630) y Pieter Moleyn el Viejo. (1595-1661), considerado el fundador del Goll. paisaje; luego este estudiante de maestría, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (c. 1600 - más tarde 1679), amante de los efectos de la mejor iluminación del arte. d. Nair (1603-77), el poético Jacob v. Ruisdael (1628 o 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) y Cornelis Dekker († 1678). Entre los holandeses también hubo muchos paisajistas que se embarcaron en viajes y reprodujeron motivos de carácter extranjero, lo que, sin embargo, no les impidió conservar en su pintura. caracter nacional. Alberto V. Everdingen (1621-75) representó vistas de Noruega; Jan Ambos (1610-52), Dirk v. Bergen († más tarde 1690) y Jan Lingelbach (1623-74) - Italia; Ian V. d. Mayor el Joven (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) y Jan Griffir (1656-1720) - Reina; Jan Hackart (1629-99?) - Alemania y Suiza; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) y un grupo de sus seguidores pintaron paisajes inspirados en la naturaleza italiana, con ruinas de edificios antiguos, ninfas bañándose y escenas de una Arcadia imaginaria. En una categoría especial podemos destacar a los maestros que en sus pinturas combinaron paisajes con imágenes de animales, dando preferencia al primero o al segundo, o tratando ambas partes con la misma atención. El más famoso entre estos pintores del idilio rural es Paulus Potter (1625-54); Además de él, Adrian debería incluirse aquí. d. Velde (1635 o 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) y numerosos artistas que buscaron temas preferente o exclusivamente en Italia, como: Willem Romain († más tarde 1693), Adam. Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Weick (1616?-77) Frederic de Moucheron (1633 o 1634 -86), etc. Estrechamente relacionada con la pintura de paisajes está la pintura de vistas arquitectónicas, que los artistas holandeses comenzaron a dedicarse como una rama independiente del arte sólo en la mitad del siglo XVII. Algunos de los que desde entonces han trabajado en esta área han representado sofisticadamente las calles y plazas de la ciudad con sus edificios; estos son, entre otros, menos significativos, Johannes Bärestraten (1622-66), Job y Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d. Heyden (1647-1712) y Jacob v. pueblo Yulft (1627-88). Otros, entre los cuales los más destacados son Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 o 1617-92), escribieron vistas internas iglesias y palacios. El mar tenía tal importancia en la vida de Holanda que su arte sólo podía tratarlo con la mayor atención. Muchos de sus artistas que se ocuparon del paisaje, géneros e incluso retratos, rompiendo por un tiempo con sus temas habituales, se convirtieron en pintores marinos, y si decidimos enumerar a todos los pintores holandeses. escuelas que representan un mar en calma o embravecido, barcos meciéndose en él, puertos llenos de barcos, batallas navales, etc., entonces obtendríamos una lista muy larga que incluiría los nombres de Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. y J. Ruisdal, A. Cuyp y otros ya citados en líneas anteriores. Limitándonos a señalar a aquellos para quienes la pintura de especies marinas era una especialidad, debemos nombrar a Willem v. de Velde el Viejo (1611 o 1612-93), su famoso hijo V. v. de Velde el Joven (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) y Julius Parcellis († más tarde 1634). Finalmente, la dirección realista de la escuela holandesa fue la razón por la que en ella se formó y desarrolló un tipo de pintura que en otras escuelas hasta entonces no se había cultivado como una rama especial e independiente, a saber, la pintura de flores, frutas, verduras, seres vivos, utensilios de cocina, vajillas, etc. - en una palabra, lo que ahora se llama comúnmente "naturaleza muerta" (naturaleza muerta, Stilleben). En esta zona entre el Los artistas más famosos de la época floreciente fueron Jan-Davids de Gem (1606-83), su hijo Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630). -93), Willem V. Aalst (1626-83), Willem Geda (1594 - más tarde 1678), Willem Kalf (1621 o 1622-93) y Jan Waenix (1640-1719).

El período brillante de la pintura holandesa no duró mucho: sólo un siglo. Desde principios del siglo XVIII. Su declive se acerca, no porque las costas del Zuiderzee dejen de producir talentos innatos, sino porque En la sociedad, la conciencia nacional se debilita cada vez más, el espíritu nacional se evapora y los gustos y puntos de vista franceses de la época pomposa se afianzan. Luis XIV. En el arte, este giro cultural se expresa en el olvido por parte de los artistas de aquellos principios básicos de los que dependía la originalidad de los pintores de generaciones anteriores y en una apelación a principios estéticos traídos de un país vecino. En lugar de una relación directa con la naturaleza, el amor por lo nativo y la sinceridad, el predominio de las teorías preconcebidas, las convenciones y la imitación de Poussin, Lebrun, Cl. Lorrain y otras luminarias de la escuela francesa. El principal propagador de esta lamentable corriente fue el flamenco Gerard de Leresse (1641-1711), afincado en Ámsterdam, artista muy capaz y culto en su época, que ejerció una enorme influencia en sus contemporáneos y en la posteridad inmediata tanto con su amanerado pseudo -pinturas históricas y obras de su propia pluma, entre las cuales una - " Gran libro pintor" ("t groot schilderboec") - sirvió durante cincuenta años como código para los artistas jóvenes. El famoso Adriano también contribuyó al declive de la escuela. de Werff (1659-1722), cuya elegante pintura con figuras frías, como talladas en marfil, con un color apagado e impotente, alguna vez pareció el colmo de la perfección. Entre los seguidores de este artista, Henryk v. gozaba de fama como pintor histórico. Limborg (1680-1758) y Philip V.-Dyck (1669-1729), apodado "el pequeño V.-Dyck". De los otros pintores de la época en cuestión, dotados de indudable talento, pero contagiados del espíritu de la época, cabe señalar Willem y Francia v. Miris la Joven (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) y Carel de Maur (1656-1738). Cornelis Trost (1697-1750), principalmente caricaturista, apodado holandés, dio algo de brillo a la escuela moribunda. Gogarth, el retratista Jan Quincgard (1688-1772), el pintor decorativo e histórico Jacob de Wit (1695-1754) y los pintores de naturaleza muerta Jan V. Geysum (1682-1749) y Rachel Reisch (1664-1750).

La influencia extranjera pesó sobre la pintura holandesa hasta los años veinte del siglo XIX, habiendo conseguido reflejar más o menos en ella los cambios que experimentó el arte en Francia, empezando por la confección de pelucas en la época del Rey Sol y terminando con el pseudoclasicismo de David. Cuando el estilo de este último quedó obsoleto y en toda Europa occidental, en lugar de la fascinación por los antiguos griegos y romanos, surgió un deseo romántico, dominando tanto la poesía como las artes figurativas, los holandeses, como otros pueblos, volvieron su mirada hacia su antigüedad, y por tanto a su gloriosa pintura pasada. El deseo de devolverle el brillo con el que brilló en siglo XVII, comenzó a inspirar a los artistas más nuevos y los devolvió a los principios de los antiguos maestros nacionales: una observación estricta de la naturaleza y una actitud ingeniosa y sincera hacia las tareas que tenían entre manos. Al mismo tiempo, no intentaron eliminar por completo la influencia extranjera, sino que se fueron a estudiar a París o Dusseldorf y otros. centros de arte Alemania, desde allí los llevaron a casa sólo para conocer los éxitos. tecnología moderna. Gracias a todo esto, la resucitada escuela holandesa volvió a adquirir una fisonomía original y atractiva y hoy avanza por el camino que conduce a un mayor progreso. Puede contrastar fácilmente muchas de sus figuras más recientes con los mejores pintores del siglo XIX en otros países. La pintura histórica en el sentido estricto de la palabra se cultiva en él, como antaño, de forma muy moderada y no tiene representantes destacados; Pero en términos del género histórico, Holanda puede estar orgullosa de varios maestros recientes importantes, como: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (n. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (n. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) y el talentoso Lawrence Alma-Tadema (n. 1836), que desertó a Inglaterra. En cuanto al género cotidiano, que también estaba incluido en el círculo de actividad de estos artistas (a excepción de Alma-Tadema), se pueden señalar varios pintores excelentes, encabezados por Joseph Israels (n. 1824) y Christoffel. Bisschop (n. 1828); Además de ellos, son dignos de ser nombrados Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (n. 1826), Teresa Schwarze (n. 1852) y Valli Mus (n. 1857). El objetivo más nuevo es especialmente rico. pintura de paisajistas que trabajaron y trabajan de diversas maneras, a veces con esmerada terminación, a veces con la amplia técnica de los impresionistas, pero fieles y poéticos intérpretes de su naturaleza nativa. Entre ellos se incluyen Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (n. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (n. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (n. 1837), Lodewijk Apol (n. 1850) y muchos otros. etc. Herederos directos de Ya. D. Heyden y E. de Witte, aparecieron pintores de opiniones prometedoras, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gove (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880), etc. Entre los pintores marinos más nuevos de Holanda, el La palma pertenece a Jog. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (n. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) y Henrik Mesdag (n. 1831). Finalmente, Wouters Verschoor (1812-74) y Johann Gas (n. 1832) mostraron gran habilidad en la pintura de animales.

Casarse. Van Eyden u. van der Willigen, "Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw" (4 volúmenes, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (tomos 2 y 3, 1882-1883); Waagen, "Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen" (1862); Bode, "Studien zur Geschichte der holländischen Malerei" (1883); Havard, "La pintura holandesa" (1880); E. Fromentin, "Les maîtres d"autrefois. Belgique, Hollande" (1876); A. Bredius, "Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam" (1890); P. P. Semenov, "Estudios sobre la historia de la pintura holandesa a partir de sus muestras ubicadas en San Petersburgo". (apéndice especial de revista "Vestn. Bellas Artes", 1885-90).

Los primeros años del siglo XVII se consideran el nacimiento de la escuela holandesa. Esta escuela pertenece a las grandes escuelas de pintura y es una escuela autónoma e independiente con características e identidad únicas e inimitables.

Esto tiene una explicación en gran medida histórica: surgieron simultáneamente un nuevo movimiento en el arte y un nuevo estado en el mapa de Europa.

Hasta el siglo XVII Holanda no destacó por la abundancia de artistas nacionales. Quizás por eso en el futuro habrá tantos artistas en este país, especialmente artistas holandeses. Si bien este país era un solo estado con Flandes, fue principalmente en Flandes donde se crearon y desarrollaron intensamente los movimientos artísticos originales. En Flandes trabajaron pintores destacados como Van Eyck, Memling y Rogier van der Weyden, que no se encuentran en Holanda. A principios del siglo XVI sólo se pueden observar estallidos aislados de genio en la pintura; se trata del artista y grabador Lucas de Leiden, seguidor de la escuela de Brujas. Pero Lucas de Leiden no creó ninguna escuela. Lo mismo puede decirse del pintor Dirk Bouts de Haarlem, cuyas creaciones apenas destacan en el contexto del estilo y la manera de los orígenes de la escuela flamenca, de los artistas Mostaert, Skorel y Heemskerke, quienes, a pesar de toda su importancia, No son talentos individuales que los caractericen con su originalidad país.

Luego, la influencia italiana se extendió a todos los que crearon con el pincel, desde Amberes hasta Haarlem. Ésta fue una de las razones por las que las fronteras se difuminaron, las escuelas se mezclaron y los artistas perdieron su identidad nacional. No sobrevivió ni un solo alumno de Jan Skorel. El último, el más famoso, el más grande retratista, que junto con Rembrandt es el orgullo de Holanda, un artista dotado de un talento poderoso, excelentemente educado, de estilo variado, valiente y flexible por naturaleza, un cosmopolita que lo ha perdido todo. Hay rastros de su origen e incluso de su nombre: Antonis Moreau (fue el pintor oficial del rey español) murió después de 1588.

Los pintores supervivientes casi dejaron de ser holandeses en el espíritu de su obra; carecían de la organización y la capacidad para renovar la escuela nacional. Eran representantes del manierismo holandés: el grabador Hendrik Goltzius, Cornelis de Haarlem, que imitaba a Miguel Ángel, Abraham Bloemaert, seguidor de Correggio, Michiel Mierevelt, buen retratista, hábil, preciso, lacónico, un poco frío, moderno para su época. , pero no nacional. Curiosamente, él solo no sucumbió a la influencia italiana, que subyugó la mayoría de las manifestaciones en la pintura holandesa de esa época.

A finales del siglo XVI, cuando los retratistas ya habían creado una escuela, comenzaron a aparecer y formarse otros artistas. En la segunda mitad del siglo XVI, Número grande pintores que se han convertido en un fenómeno de la pintura, esto es casi el despertar de la escuela nacional holandesa. Una amplia variedad de talentos conduce a muchos varias direcciones y formas de desarrollo de la pintura. Los artistas se prueban en todos los géneros, en diferentes combinaciones de colores: algunos trabajan de manera clara, otros de manera oscura (aquí se sintió la influencia del artista italiano Caravaggio). Los pintores apuestan por los colores claros, y los coloristas por los colores oscuros. Comienza la búsqueda de una manera pictórica y se desarrollan reglas para representar el claroscuro. La paleta se vuelve más relajada y libre, al igual que las líneas y la plasticidad de la imagen. Aparecen los predecesores directos de Rembrandt: sus maestros Jan Pace y Peter Lastman. Los métodos de género también son cada vez más libres: la historicidad ya no es tan obligatoria como antes. Un evento especial, profundamente nacional y casi genero historico- retratos de grupo destinados a lugares públicos: ayuntamientos, corporaciones, talleres y comunidades. Con este acontecimiento, el más perfecto en su forma, finaliza el siglo XVI y comienza el XVII.

Esto es sólo el comienzo, el embrión de la escuela aún no existe; Hay muchos artistas talentosos. Entre ellos se encuentran hábiles artesanos y varios grandes pintores. Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape el Viejo y, finalmente, Esayas van de Velde y van Goyen: todos ellos nacieron a finales del siglo XVI. siglo. Esta lista también incluye artistas cuyos nombres han sido preservados por la historia, aquellos que representaron solo intentos individuales de alcanzar la maestría y aquellos que se convirtieron en maestros y predecesores de futuros maestros.

Este fue un momento crítico en el desarrollo de la pintura holandesa. Con un equilibrio político inestable, todo dependía sólo del azar. En Flandes, donde se observó un despertar similar, por el contrario, ya existía una sensación de confianza y estabilidad que aún no existía en Holanda. En Flandes ya había artistas que se habían formado o estaban cerca de esto. Las condiciones políticas y sociohistóricas en este país eran más favorables. Había un gobierno, unas tradiciones y una sociedad más flexibles y tolerantes. La necesidad de lujo dio lugar a una necesidad persistente de arte. En general, Flandes tenía serios motivos para convertirse por segunda vez en un gran centro de arte. Para ello sólo faltaban dos cosas: varios años de paz y un maestro que sería el creador de la escuela.

En 1609, cuando se estaba decidiendo el destino de Holanda (Felipe III acordó una tregua entre España y los Países Bajos), apareció Rubens.

Todo dependía del azar político o militar. Derrotada y subyugada, Holanda tendría que perder completamente su independencia. Entonces, por supuesto, no podría haber dos escuelas independientes: en Holanda y en Flandes. En un país dependiente de la influencia italo-flamenca, tal escuela y artistas originales talentosos no podrían desarrollarse.

Para que naciera el pueblo holandés y para que el arte holandés viera la luz con ellos, era necesaria una revolución profunda y victoriosa. Era especialmente importante que la revolución se basara en la justicia, la razón, la necesidad, que el pueblo mereciera lo que quería lograr, que fuera decidido, convencido de que tenía razón, trabajador, paciente, comedido, heroico y sabio. Todas estas características históricas se reflejaron posteriormente durante la formación de la escuela de pintura holandesa.

La situación resultó ser tal que la guerra no arruinó a los holandeses, sino que los enriqueció; la lucha por la independencia no agotó sus fuerzas, sino que los fortaleció e inspiró; En la victoria sobre los invasores, el pueblo mostró el mismo coraje que en la lucha contra los elementos, contra el mar, contra las inundaciones de tierras, contra el clima. Lo que se suponía iba a destruir al pueblo les sirvió de mucho. Los tratados firmados con España dieron libertad a Holanda y fortalecieron su posición. Todo esto condujo a la creación de su propio arte, que glorificó, espiritualizó y expresó la esencia interior de los holandeses.

Después del tratado de 1609 y el reconocimiento oficial de las Provincias Unidas, hubo una pausa inmediata. Era como si una brisa cálida y benéfica tocara las almas humanas, reviviera la tierra, encontrara y despertara brotes listos para florecer. Es sorprendente cuán inesperadamente y por qué Corto plazo- no más de treinta años - en un pequeño espacio, en un suelo desértico ingrato, en duras condiciones de vida, apareció una maravillosa galaxia de pintores, y grandes pintores, además.

Aparecieron inmediatamente y en todas partes: en Amsterdam, Dordrecht, Leiden, Delft, Utrecht, Rotterdam, Haarlem, incluso en el extranjero, como si provinieran de semillas que cayeron fuera del campo. Los más antiguos son Jan van Goyen y Wijnants, nacidos a principios de siglo. Y además, en el intervalo comprendido entre principios de siglo y finales del primer tercio: Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen. , Jacob Ruisdaël.

Pero la creatividad no se detuvo allí. Luego nació Pieter de Hooch, Hobbema. Los últimos grandes, van der Heyden y Adrian van de Velde, nacieron en 1636 y 1637. En ese momento, Rembrandt tenía treinta años. Aproximadamente estos años pueden considerarse la época del primer florecimiento de la escuela holandesa.

Teniendo en cuenta los acontecimientos históricos de esa época, uno puede imaginar cuáles deberían ser las aspiraciones, el carácter y el destino de la nueva escuela de pintura. ¿Qué podrían escribir estos artistas en un país como Holanda?

La revolución, que dio al pueblo holandés libertad y riqueza, al mismo tiempo los privó de lo que constituye la base vital de las grandes escuelas en todas partes. Cambió creencias, cambió hábitos, abolió imágenes de escenas antiguas y evangélicas y detuvo la creación de grandes obras: iglesias y pinturas decorativas. De hecho, cada artista tenía una alternativa: ser original o no serlo en absoluto.

Era necesario crear arte para una nación de burgueses que les atrajera, los representara y fuera relevante para ellos. Eran hombres de negocios prácticos, no propensos a soñar despiertos, con tradiciones rotas y sentimientos antiitalianos. Podemos decir que los holandeses tenían una tarea simple y audaz: crear su propio retrato.

La pintura holandesa era y sólo podía ser una expresión de la apariencia exterior, un retrato fiel, fiel y similar de Holanda. Era un retrato de personas y terrenos, costumbres burguesas, plazas, calles, campos, mar y cielo. Los elementos principales de la escuela holandesa fueron los retratos, los paisajes y las escenas cotidianas. Así fue esta pintura desde el inicio de su existencia hasta su decadencia.

Puede parecer que nada puede ser más sencillo que el descubrimiento de este arte ordinario. De hecho, es imposible imaginar algo igual en amplitud y novedad.

Inmediatamente todo cambió en la manera de entender, ver y transmitir: punto de vista, ideal artístico, elección de naturaleza, estilo y método. Las mejores pinturas italiana y flamenca todavía nos resultan comprensibles, porque todavía se disfrutan, pero ya son lenguas muertas y ya nadie las utilizará.

Hubo un tiempo en que existía la costumbre de pensar con altivez y en general había un arte que consistía en la hábil selección de los objetos. En su decoración, corrección. Le encantaba mostrar la naturaleza como no existe en la realidad. Todo lo representado correspondía más o menos a la personalidad de la persona, dependía de ella y era su semejanza. Como resultado, surgió el arte, cuyo centro es el hombre, y todas las demás imágenes del universo se encarnaron en formas humanas, o se mostraban vagamente como el entorno secundario de una persona. La creatividad se desarrolló según ciertos patrones. Cada objeto tuvo que tomar prestada su forma plástica del mismo ideal. El hombre tenía que ser representado más a menudo desnudo que vestido, bien formado y guapo, para que pudiera desempeñar con la grandeza adecuada el papel que se le había asignado.

Ahora la tarea de pintar se ha vuelto más sencilla. Era necesario darle a cada cosa o fenómeno su significado verdadero, poner a una persona en el lugar que le corresponde y, si es necesario, prescindir de ella por completo.

Es hora de pensar menos, mirar con atención lo más cercano, observar mejor y escribir de otra manera. Éste es el retrato de la multitud, del ciudadano, del trabajador. Era necesario volverse modesto para todo modesto, pequeño para lo pequeño, discreto para lo discreto, aceptarlo todo sin rechazar ni despreciar nada, penetrar en la vida oculta de las cosas, fusionándose amorosamente con su existencia, era necesario volverse atento. , curioso y paciente. La genialidad consiste ahora en no tener prejuicios. No hay necesidad de embellecer, ni ennoblecer, ni exponer nada: todo esto es mentira y trabajo inútil.

Pintores holandeses, creando en algún rincón. país del norte con agua, bosques, horizontes marinos, lograron reflejar todo el universo en miniatura. Un pequeño país, cuidadosamente explorado según los gustos e instintos del observador, se convierte en un tesoro inagotable, tan abundante como la vida misma, tan rico en sensaciones como rico en ellas es el corazón humano. La escuela holandesa lleva un siglo creciendo y funcionando así.

Los pintores holandeses encontraron temas y colores que satisfacían todas las inclinaciones y afectos humanos, para naturalezas ásperas y delicadas, ardientes y melancólicas, soñadoras y alegres. Los días nublados dan paso a alegres días soleados, el mar a veces está en calma y brilla con plata, a veces tormentoso y sombrío. Hay muchos pastos con granjas y muchos barcos abarrotados a lo largo de la costa. Y casi siempre se siente el movimiento del aire sobre las extensiones y los fuertes vientos del Mar del Norte, que acumulan nubes, doblan árboles, hacen girar las alas de los molinos y generan luces y sombras. A esto hay que añadir las ciudades, la vida doméstica y callejera, las festividades en las ferias, las representaciones de diversas costumbres, las necesidades de los pobres, los horrores del invierno, la ociosidad en las tabernas con su humo de tabaco y sus jarras de cerveza. Por otro lado, un estilo de vida rico, trabajo concienzudo, cabalgatas, descanso vespertino, caza. Además, vida pública, ceremonias civiles, banquetes. El resultado fue un arte nuevo, pero con temas tan antiguos como el tiempo.

Así surgió una unidad armoniosa del espíritu de la escuela y la diversidad más asombrosa que jamás haya surgido dentro de un solo movimiento artístico.

En general, la escuela holandesa se llama escuela de género. Si lo descomponemos en los elementos que lo componen, podemos distinguir en él a paisajistas, maestros del retrato de grupo, pintores marinos, pintores de animales, artistas que pintaron retratos de grupo o naturalezas muertas. Si miras con más detalle, puedes distinguir muchas variedades de géneros: desde los amantes del pintoresquismo hasta los ideólogos, desde los copistas de la naturaleza hasta sus intérpretes, desde los hogareños conservadores hasta los viajeros, desde los que aman y sienten el humor hasta los artistas que evitan la comedia. Recordemos las pinturas del humor de Ostade y la seriedad de Ruisdael, la ecuanimidad de Potter y la burla de Jan Steen, el ingenio de Van de Velde y la sombría ensoñación del gran Rembrandt.

Con la excepción de Rembrandt, que debe considerarse un fenómeno excepcional, tanto para su país como para todos los tiempos, todos los demás artistas holandeses se caracterizan por un estilo y un método determinados. Las leyes de este estilo son la sinceridad, la accesibilidad, la naturalidad y la expresividad. Si le quitas arte holandés lo que se puede llamar honestidad, entonces dejarás de comprender su base vital y no podrás determinar ni su carácter moral ni su estilo. En estos artistas, que en su mayoría se han ganado la reputación de copistas miopes, se siente un alma sublime y bondadosa, lealtad a la verdad y amor por el realismo. Todo ello confiere a sus obras un valor que las propias cosas representadas en ellas no parecen tener.

El comienzo de este estilo sincero y el primer resultado de este enfoque honesto es un dibujo perfecto. Entre pintores holandeses Potter tiene una manifestación de genio en mediciones precisas y verificadas y en la capacidad de rastrear el movimiento de cada línea.

En Holanda, el cielo suele ocupar la mitad y, a veces, la totalidad de la imagen. Por lo tanto, es necesario que el cielo de la imagen se mueva, nos atraiga y nos lleve consigo. Para que se sienta la diferencia entre el día, la tarde y la noche, para que se sienta el calor y el frío, para que el espectador sienta frío y lo disfrute y sienta la necesidad de concentrarse. Aunque probablemente sea difícil llamar a un dibujo así el más noble de todos, trate de encontrar artistas en el mundo que pintarían el cielo, como Ruisdael y van der Neer, y dirían tanto y tan brillantemente con su trabajo. En todas partes los holandeses tienen el mismo diseño: sobrio, lacónico, preciso, natural e ingenuo, hábil y nada artificial.

La paleta holandesa es bastante digna de su dibujo, de ahí la perfecta unidad de su método pictórico. Cualquier cuadro holandés es fácil de reconocer por su apariencia. Es de tamaño pequeño y se distingue por sus colores potentes y estrictos. Esto requiere gran precisión, mano firme y profunda concentración por parte del artista para lograr un efecto concentrado en el espectador. El artista debe profundizar en sí mismo para nutrir su idea, el espectador debe profundizar en sí mismo para comprender el plan del artista. Son las pinturas holandesas las que dan la idea más clara de este proceso oculto y eterno: sentir, pensar y expresar. No hay imagen más rica en el mundo, ya que son los holandeses quienes incluyen tanto contenido en un espacio tan reducido. Por eso todo aquí adquiere una forma precisa, comprimida y condensada.

Cada pintura holandesa es cóncava, se compone de curvas descritas alrededor de un solo punto, que es la encarnación del concepto de la imagen y sombras ubicadas alrededor del punto de luz principal. Una base sólida, una parte superior y esquinas redondeadas que tienden hacia el centro: todo esto está delineado, coloreado e iluminado en un círculo. Como resultado, la pintura adquiere profundidad y los objetos representados en ella se alejan de la vista del espectador. El espectador es, por así decirlo, conducido desde el primer plano hasta el último, desde el encuadre hasta el horizonte. Parecemos habitar el cuadro, movernos, mirar profundamente, levantar la cabeza para medir la profundidad del cielo. El rigor de la perspectiva aérea, la perfecta correspondencia de color y matices con el lugar en el espacio que ocupa el objeto.

Para una comprensión más completa de la pintura holandesa, conviene considerar en detalle los elementos de este movimiento, las características de los métodos, la naturaleza de la paleta y comprender por qué es tan pobre, casi monocromática y tan rica en resultados. Pero todas estas cuestiones, como muchas otras, siempre han sido objeto de especulación por parte de muchos historiadores del arte, pero nunca han sido suficientemente estudiadas y aclaradas. La descripción de las principales características del arte holandés nos permite distinguir esta escuela de otras y rastrear sus orígenes. Una imagen expresiva que ilustra esta escuela es una pintura de Adriaen van Ostade del "Artist's Atelier" del Museo de Ámsterdam. Este tema fue uno de los favoritos de los pintores holandeses. Vemos a un hombre atento, ligeramente encorvado, con una paleta preparada, pinceles finos y limpios y óleo transparente. Escribe en el crepúsculo. Su rostro está concentrado, su mano es cuidadosa. Sólo que, tal vez, estos pintores eran más atrevidos y sabían reír más despreocupadamente y disfrutar de la vida de lo que se puede deducir de las imágenes conservadas. De lo contrario, ¿cómo se manifestaría su genio en una atmósfera de tradiciones profesionales?

Las bases de la escuela holandesa las sentaron van Goyen y Wijnants a principios del siglo XVII, estableciendo algunas leyes de la pintura. Estas leyes se transmitieron de profesores a alumnos y durante todo un siglo los pintores holandeses las vivieron sin desviarse.

Pintura manierista holandesa

La pintura holandesa es la primera rama de la llamada. La "escuela holandesa", como la segunda, la flamenca, surgió como una era separada en las bellas artes después de una revolución brutal que terminó con la victoria de los holandeses sobre los españoles que los oprimieron. A partir de ese momento, la pintura holandesa adquirió inmediatamente un carácter original, completamente nacional y rápidamente alcanzó un florecimiento brillante y abundante. La pintura, en las obras de un gran número de artistas más o menos talentosos que aparecieron casi simultáneamente, tomó aquí inmediatamente una dirección muy versátil y al mismo tiempo completamente diferente de la dirección del arte en otros países. caracteristica principal Lo que caracteriza a estos artistas es el amor por la naturaleza, el deseo de reproducirla en toda su sencillez y verdad, sin el más mínimo adorno, sin subsumirla bajo ninguna condición de un ideal preconcebido. Su segunda propiedad distintiva es un sutil sentido del color y la comprensión de que una impresión fuerte y encantadora puede producirse, además del contenido de la imagen, sólo mediante la transmisión fiel y poderosa de relaciones coloridas determinadas en la naturaleza por la acción de rayos de luz, proximidad o rango de distancias. La pintura holandesa es una pintura donde el sentido del color y de las luces y las sombras se desarrolla hasta tal punto que la luz, con sus innumerables y variados matices, juega en el cuadro, se podría decir, el papel de protagonista principal y otorga un gran interés a la trama más insignificante, las formas e imágenes más poco elegantes... ¡Les presento mi colección personal de pinturas de artistas holandeses! Un poco de historia: la mayoría de los artistas holandeses no buscan durante mucho tiempo material para su creatividad, sino que se contentan con lo que encuentran a su alrededor, en su naturaleza nativa y en la vida de su gente: la ruidosa diversión de las fiestas comunes, las fiestas campesinas. , escenas de la vida rural o de la vida íntima de los habitantes de las ciudades, dunas nativas, pólderes y vastas llanuras atravesadas por canales, rebaños pastando en exuberantes praderas, pueblos a orillas de ríos, lagos y grachts, ciudades con sus casas limpias, puentes levadizos y altos Las agujas de las iglesias y los ayuntamientos, los puertos atestados de barcos, llenos de los vapores plateados o dorados del cielo, todo esto, bajo la maleza de la hiel. maestros imbuidos de amor a la patria y orgullo nacional, se convierten en cuadros llenos de aire, luz y atractivo. Incluso en los casos en que algunos de estos maestros recurren a la Biblia, la historia antigua y la mitología como temas, incluso entonces, sin preocuparse por mantener la fidelidad arqueológica, transfieren la acción al entorno de los holandeses, rodeándola de un entorno holandés. Es cierto que junto a la multitud de artistas patrióticos hay una falange de otros pintores, buscando inspiración fuera de la patria, en el país clásico del arte, Italia; sin embargo, en sus obras también hay rasgos que exponen su nacionalidad. Finalmente, como característica de los pintores holandeses, se puede señalar su renuncia a tradiciones artísticas. Sería en vano buscar entre ellos una estricta continuidad de principios estéticos y reglas técnicas bien conocidos, no sólo en el sentido del estilo académico, sino también en el sentido de la asimilación por parte de los estudiantes del carácter de sus profesores: con Con la única excepción, quizás, de los alumnos de Rembrandt, que siguieron más o menos de cerca los pasos de su genial mentor, casi todos los pintores en Holanda, tan pronto como pasaron sus años de estudiante, y a veces incluso durante estos años, comenzaron a trabajar en a su manera, según adónde los conducía su inclinación individual y lo que les enseñaba la observación directa de la naturaleza. Por tanto, los artistas holandeses no pueden dividirse en escuelas, como hacemos con los artistas de Italia o España. Mientras tanto, ¡en todas las principales ciudades de Holanda había sociedades de artistas organizadas! Sin embargo, tales sociedades, que llevan el nombre de gremios de St. Luke, no eran academias, guardianas de famosas leyendas artísticas, sino corporaciones libres, similares a otros gremios artesanales e industriales, no muy diferentes de ellos en términos de estructura y con el objetivo de apoyarse mutuamente a sus miembros, proteger sus derechos, cuidar de su vejez, cuidar del destino de sus viudas y huérfanos. Todo pintor local que cumpliera con los requisitos de las calificaciones morales era admitido en el gremio previa confirmación de sus habilidades y conocimientos o sobre la base de la fama que ya había adquirido; Los artistas visitantes eran admitidos en el gremio como miembros temporales durante su estancia en una ciudad determinada. Las primeras obras de los pintores holandeses han llegado hasta nosotros sólo en cantidades muy limitadas, ya que la mayoría de ellas perecieron en esa época turbulenta en la que la Reforma devastó iglesias católicas, abolió monasterios y abadías, incitó a los "romptores de iconos" (beeldstormers) a destruir pinturas y esculturas sagradas. imágenes, y el levantamiento popular destruyó por todas partes los retratos de los odiados tiranos. A muchos de los artistas que precedieron a la revolución sólo los conocemos por su nombre; Podemos juzgar a los demás sólo por una o dos muestras de su trabajo. La niebla que nos envuelve de la época inicial de la escuela holandesa comienza a disiparse con la aparición en escena de Dirk Bouts, apodado Stuirbout († 1475), así como de Jan Mostaert (hacia 1470-1556), cuyo deseo de naturalismo es combinado con un toque de leyenda gótica, la calidez del sentimiento religioso con cuidado por la elegancia exterior. Además de estos maestros destacados, de la época temprana del arte holandés merecen ser mencionados: Pieter Aertsen († 1516), apodado “Long Peter” (Lange Pier) por su alta estatura, David Joris (1501-56), un hábil pintor de vidrio, fascinado por Los anabautistas desvarían y se imaginan a sí mismos como el profeta David y el hijo de Dios y Dirk Jacobs (dos pinturas de este último que representan sociedades de fusileros se encuentran en el Hermitage). Cerca mediados del siglo XVI mesa. entre los pintores holandeses existe el deseo de deshacerse de las deficiencias del arte nacional (su angulosidad y sequedad góticas) estudiando a los artistas italianos del Renacimiento y combinando sus modales con las mejores tradiciones de su propia escuela. El principal difusor del nuevo movimiento hay que considerarlo Jan van Scorel (1495-1562), que vivió durante mucho tiempo en Italia y más tarde fundó una escuela en Utrecht, de la que procedieron varios artistas contagiados por el deseo de convertirse en Rafaeles holandeses. y Miguel Ángel. Siguieron sus pasos Maarten van Van, apodado Heemskerk (1498-1574), Henrik Goltzius (1558-1616), Cornelis van Haarlem (1562-1638) y otros pertenecientes al siguiente período de la escuela, como, por ejemplo, Abraham Bloemaert (1564 -1651) y Gerard Honthorst (1592-1662), que fueron más allá de los Alpes para imbuirse de las perfecciones de las luminarias de la pintura italiana, pero cayeron, en su mayor parte, bajo la influencia de representantes de la decadencia de esta misma pintura que se estaba iniciando en ese momento. Sin embargo, la pasión por los italianos, que a menudo llegó al extremo en la época de transición, trajo una especie de beneficio, ya que aportó a esta pintura un dibujo mejor y más erudito y la capacidad de gestionar la composición con mayor libertad y audacia. Junto con la antigua tradición holandesa y el amor ilimitado por la naturaleza, el italianismo se convirtió en uno de los elementos a partir de los cuales se formó el arte original y altamente desarrollado de la época floreciente. El inicio de esta era, como ya hemos dicho, debe fecharse a principios del siglo XVII, cuando Holanda, tras lograr la independencia, comenzó a vivir una nueva vida. La dramática transformación de un país pobre y oprimido ayer mismo en una unión de estados políticamente importante, cómoda y rica fue acompañada por una revolución igualmente dramática en su arte. ¡De todas partes, casi simultáneamente, están surgiendo innumerables artistas maravillosos! A los centros artísticos originales, Harlem y Leiden, se suman otros nuevos: Delft, Utrecht, Dordrecht, La Haya, Amsterdam, etc. En todas partes las antiguas tareas de la pintura se desarrollan de una manera nueva: sus nuevas ramas, cuyos inicios apenas perceptibles en el período anterior, están floreciendo. La Reforma expulsó las pinturas religiosas de las iglesias; No era necesario decorar palacios y cámaras nobles con imágenes de dioses y héroes antiguos y, por lo tanto, la pintura histórica, que satisfacía los gustos de la rica burguesía, abandonó el idealismo y se dirigió a una reproducción fiel de la realidad. Si quisieras hablar de todos los retratistas talentosos de esta época floreciente, enumerar sus nombres con una indicación de sus mejores obras ocuparía muchas líneas; Por ello, nos limitaremos a mencionar sólo algunos. Tal es, por ejemplo, Michael Mervelt (1567-1641), predecesor de los tres más grandes retratistas de Holanda: el hechicero del claroscuro Rembrandt van Rijn (1606-69), un dibujante incomparable que poseía el asombroso arte de modelar figuras en ligero, pero Bartholomew van der era algo frío en carácter y color Helst (1611 o 1612-70) y la sorprendente fuga de su pincel por Frans Hals el Viejo (1581-1666). De ellos, el nombre de Rembrandt brilla especialmente en la historia, al principio muy apreciado por sus contemporáneos, luego olvidado por ellos, poco apreciado por la posteridad, y sólo en el siglo actual elevado, con toda justicia, al nivel de mundo. genio. En su característica personalidad artística se concentran, como si estuvieran enfocadas, todas las mejores cualidades de la pintura holandesa, y su influencia se reflejó en todos sus tipos: retratos, pinturas históricas, escenas cotidianas y paisajes. Los más famosos entre los estudiantes y seguidores de Rembrandt fueron: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 o 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (c. 1620-54), Pieter de Grebber, Willem de Porter († más tarde 1645), Gerard Dou (1613-75 ) y Samuel van Hoogstraten (1626-78). Además de estos artistas, para que la lista sea más completa, conviene nombrar también a Jan Lievens (1607-30), amigo de Rembrandt en el estudio de P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72) y Pieter Neson (1612-91). ), que trabajó en Al parecer, bajo la influencia de V. d. Helst, imitador de Hals Johannes Verspronck (1597-1662) y Jan de Bray († 1664, † 1697). etc., otros toman el contenido de sus obras de un círculo más elegante: pintan elegantes damas en su entorno íntimo, el cortejo de caballeros dandys, amas de casa dando órdenes a sus doncellas, ejercicios de salón con música y canto, las juergas de la juventud dorada. en casas de placer... En la larga lista de artistas de la primera categoría, Adrian e Isaac van Ostade (1 6 10-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 o 1606-38), Jan Steen (alrededor de 1626). -79), Cornelis Bailly (1620) tienen prioridad -64), Richart Brackenburg (1650-1702), Peter van Laer, apodado Bambocchio en Italia (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Joss Drohslot (1586- 1666), Claes Molener (anteriormente 1630-76), Jan Meins Molenaar (c. 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81). Del número igualmente significativo de pintores, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Pieter de Hooch (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), son famosos Frans van Mieris el Viejo (1635-81), Egon van der Neer (1643-1703), Jan Verkolge (1650-93), Quiring Brekelenkamp (†1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656) y Anthony Palamedes (1601-73). La categoría de pintores de género incluye artistas que pintaron escenas de la vida militar, así como escenas de cetrería y caza de perros. El principal representante de esta rama de la pintura es el famoso y extraordinariamente prolífico Philips Wouwerman (1619-68). Además de él, se desarrollaron excelentemente su hermano de este maestro, Peter (1623-82), el mencionado Palamedes, Jacob Duke (1600 - más tarde 1660) y Dirk Maas (1656-1717). Para muchos de estos artistas, el paisaje juega un papel tan importante como las figuras humanas; pero paralelamente a ellos, trabaja una masa de pintores, fijándolo como su tarea principal o exclusiva. En general, los holandeses tienen el derecho inalienable de estar orgullosos de que su patria sea la cuna no sólo del género más nuevo, sino también del paisaje en el sentido en que se entiende hoy. De hecho, en otros países, por ejemplo en Italia y Francia, el arte tenía poco interés por la naturaleza inanimada y no encontraba en ella ni una vida única ni una belleza especial. Los holandeses fueron los primeros en comprender que incluso en la naturaleza inanimada todo respira vida, todo es atractivo, todo es capaz de evocar el pensamiento y excitar el movimiento del corazón. Y esto era bastante natural, porque los holandeses, por así decirlo, crearon la naturaleza que los rodeaba con sus propias manos, la atesoraban y admiraban, como un padre aprecia y admira su propia creación. Entre los paisajistas del florecimiento de la escuela holandesa, son especialmente respetados: Jan van Goyen (1595-1656), quien, junto con Esaias van de Velde (c. 1590-1630) y Peter Moleyne el Viejo. (1595-1661), considerado el fundador del paisaje holandés; luego alumno de este maestro, Salomon van Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (c. 1600 - más tarde 1679), amante de los mejores efectos de iluminación Art van der Neer (1603-77), el poético Jacob van Ruisdael (1628 o 1629-82), Meindert Hobbema (1638-1709) y Cornelis Dekker († 1678). Entre los holandeses también hubo muchos paisajistas que emprendieron viajes y reprodujeron motivos de carácter extranjero, lo que, sin embargo, no les impidió mantener un carácter nacional en su pintura. Allaert van Everdingen (1621-75) representó vistas de Noruega; Jan Ambos (1610-52) - Italia; Hermann Saftleven (1610-85) - Reina; Cornelis Poulenburg (1586-1667) y un grupo de sus seguidores pintaron paisajes inspirados en la naturaleza italiana, con ruinas de edificios antiguos, ninfas bañándose y escenas de una Arcadia imaginaria. En una categoría especial podemos destacar a los maestros que en sus pinturas combinaron paisajes con imágenes de animales, dando preferencia al primero o al segundo, o tratando ambas partes con la misma atención. El más famoso entre estos pintores del idilio rural es Paulus Potter (1625-54); además de él, cabe contar aquí a Adrian van de Velde (1635 o 1636-72), Albert Cuyp (1620 - 91) y numerosos artistas que buscaron temas preferente o exclusivamente en Italia, como: Adam Peinaker (1622-73), Jan -Baptiste Venix (1621-60), Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), etc. Estrechamente relacionada con la pintura de paisajes está la pintura de vistas arquitectónicas, que los artistas holandeses comenzaron a dedicarse de forma independiente. rama del arte sólo en la mitad del siglo XVII. Algunos de los que desde entonces han trabajado en esta área han sido sofisticados al representar calles y plazas de la ciudad con sus edificios; se trata de Johannes Beerestraten (1622-66) y Jacob van der Ulf (1627-88). Otros, sobre todo Pieter Sanredam († 1666) y Dirk van Delen (1605-71), pintaron vistas interiores de iglesias y palacios. El mar tenía tal importancia en la vida de Holanda que su arte sólo podía tratarlo con la mayor atención. Muchos de sus artistas, que se dedicaron al paisaje, al género e incluso al retrato, rompiendo por un tiempo con sus temas habituales, se convirtieron en pintores marinos, y si se quisiera enumerar a todos los pintores de la escuela holandesa que representaron un mar en calma o embravecido , barcos balanceándose sobre él, puertos llenos de barcos, batallas navales, etc., entonces el resultado sería una lista muy larga, que incluiría los nombres de YA. v. Goyen, S. de Vlieger, S. y J. Ruisdael, A. Cuyp y otros ya citados en líneas anteriores. Limitándonos a señalar a aquellos para quienes la pintura de vistas al mar era una especialidad, debemos nombrar a Willem van de Velde el Viejo (1611 o 1612-93), su célebre hijo Willem van de Velde el Joven (1633-1707), así como como Jan van de Cappelle († 1679). Finalmente, la dirección realista de la escuela holandesa fue la razón por la que en ella se formó y desarrolló un tipo de pintura que en otras escuelas hasta entonces no se había cultivado como una rama especial e independiente, a saber, la pintura de flores, frutas, verduras, seres vivos, utensilios de cocina, vajillas, etc. - en una palabra, lo que ahora se llama comúnmente "naturaleza muerta" (naturaleza muerta, Stilleben). En esta zona, entre los artistas holandeses de la época floreciente, los más famosos fueron Jan-Davids de Heem (1606-83), su hijo Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Hondekoeter (1636 -95), Maria Oosterwijk (1630-93), Willem van Aelst (1626-83), Willem Heda (1594 - más tarde 1678), Willem Kalf (1621 o 1622-93) y Jan Weenix (1640-1719). En general, como vemos, probablemente siga siendo el principal rasgo distintivo El desarrollo del arte holandés a lo largo de todos estos años ha supuesto un predominio significativo entre todos sus tipos de pintura. Las pinturas decoraban las casas no sólo de representantes de la élite gobernante de la sociedad, sino también de burgueses, artesanos y campesinos pobres; se vendieron en subastas y ferias; a veces los artistas los utilizaban como medio para pagar facturas. La profesión de artista no era rara; había muchos pintores y competían ferozmente entre sí. Pocos de ellos podían mantenerse con la pintura; muchos asumieron diversos trabajos: Sten era posadero, Hobbema era funcionario de impuestos especiales, Jacob van Ruisdael era médico.))))) Desde principios del siglo XVIII. en la pintura holandesa se establecen los gustos y puntos de vista franceses de la pomposa época de Luis XIV: imitación de Poussin, Lebrun, Cl. Lorrain y otras luminarias de la escuela francesa. El principal divulgador de esta corriente fue el flamenco Gerard de Leresse (1641-1711), afincado en Ámsterdam, artista muy capaz y culto en su época, que ejerció una enorme influencia en sus contemporáneos y en la posteridad inmediata tanto con sus amanerados pseudo- pinturas históricas y obras de su propia pluma, entre las cuales una, "El gran libro del pintor" ("t groot schilderboec"), sirvió durante cincuenta años como código para los artistas jóvenes, así como para el famoso Adrian van de Werff ( 1659-1722), cuya pintura con figuras frías, como talladas en marfil, parecía entonces el colmo de la perfección. Entre los seguidores de este artista, apodado Henrik van Limborg (1680-1758) y Philip van Dyck (1669-1729). Los “pequeños Van Dyck” fueron famosos como pintores históricos. Entre otros pintores de la época en cuestión, dotados de un talento indudable, pero infectados por el espíritu de la época, cabe destacar a Willem y Frans van Miers el Joven (1662-). 1747, 1689-1763), Nicholas Verkolge (1673-1746), Constantijn Netscher (1668-1722) y Karel de Moor (1656-1738). Cornelis Troost (1697-1750), principalmente caricaturista, apodado el Gogarth holandés, el retratista Jan Quincheed (1688-1772), el pintor de historia decorativa Jacob de Wit (1695-1754) y el pintor de muertos dieron cierto brillo a esta escuela. naturaleza Jan van Huysum (1682) -1749). La influencia extranjera pesó sobre la pintura holandesa hasta los años veinte del siglo XIX, habiendo conseguido reflejar más o menos en ella los cambios que experimentó el arte en Francia, empezando por la confección de pelucas en la época del Rey Sol y terminando con el pseudoclasicismo de David. Cuando el estilo de este último quedó obsoleto y en toda Europa occidental, en lugar de la fascinación por los antiguos griegos y romanos, surgió un deseo romántico, dominando tanto la poesía como las artes figurativas, los holandeses, como otros pueblos, volvieron su mirada hacia su antigüedad, y por tanto a su gloriosa pintura pasada. El deseo de devolverle el brillo con el que brilló en el siglo XVII comenzó a inspirar a los artistas más nuevos y los devolvió a los principios de los antiguos maestros nacionales: a una estricta observación de la naturaleza y a una actitud ingeniosa y sincera hacia las tareas en mano. Al mismo tiempo, no intentaron excluirse por completo de la influencia extranjera, pero cuando fueron a estudiar a París o Dusseldorf y otros centros artísticos de Alemania, solo se llevaron a casa un conocimiento de los éxitos de la tecnología moderna. Gracias a todo esto, la resucitada escuela holandesa volvió a adquirir originalidad y avanzó hoy por el camino que conduce a un mayor progreso. Puede contrastar fácilmente muchas de sus figuras más recientes con los mejores pintores del siglo XIX en otros países. Holanda puede estar orgullosa de varios maestros recientes importantes: Jacob Ekgout (1793-1861), David Bles (n. 1821), Hermann ten Cate (1822-1891) y el talentoso Lawrence Alma-Tadema (n. 1836), que “desertaron” a Inglaterra Joseph Israels (n. 1824) y Christoffel Bissschop (n. 1828), Anton Mauwe (1838-88) y Jacob Maris (n. 1837), Bartholomeus van Hove (1790-1888) y Johannes Bosboom (. 1817-N), Henrik Mesdag (n. 1831), Wouters Vershuur (1812-74) y muchos otros.....

Mientras tanto, esta es un área especial de la cultura europea digna de un estudio más detallado, que refleja la vida original de los holandeses en ese momento.

Historia de la apariencia

Destacados representantes del arte artístico comenzaron a aparecer en el país en el siglo XVII. Los expertos culturales franceses les dieron un nombre común: "pequeños holandeses", que no está relacionado con la escala del talento y denota un apego a ciertos temas de la vida cotidiana, en contraposición al estilo "grande" con grandes lienzos sobre temas históricos o mitológicos. La historia del surgimiento de la pintura holandesa se describió en detalle en el siglo XIX, y los autores de obras al respecto también utilizaron este término. Los "pequeños holandeses" se distinguían por el realismo secular, se volvían hacia el mundo y las personas que los rodeaban y utilizaban pinturas ricas en tonos.

Principales etapas de desarrollo.

La historia de la pintura holandesa se puede dividir en varios períodos. La primera duró aproximadamente de 1620 a 1630, cuando el realismo se instauró en el arte nacional. La pintura holandesa experimentó su segundo período en 1640-1660. Este es el momento en que la escuela de arte local realmente floreció. Finalmente, el tercer período, el momento en que la pintura holandesa comenzó a declinar, desde 1670 hasta principios del siglo XVIII.

Cabe resaltar que centros culturales cambiado durante este tiempo. En el primer período, los principales artistas trabajaron en Haarlem, y el principal representante fue Khalsa. Luego el centro se trasladó a Amsterdam, donde la mayoría obras significativas interpretada por Rembrandt y Vermeer.

Escenas de la vida cotidiana.

Al enumerar los géneros más importantes de la pintura holandesa, es imperativo comenzar con lo cotidiano, el más vívido y original de la historia. Fueron los flamencos quienes revelaron al mundo escenas de la vida cotidiana de la gente corriente, campesinos y habitantes de la ciudad o burgueses. Los pioneros fueron Ostade y sus seguidores Audenrogge, Bega y Dusart. En las primeras pinturas de Ostade, la gente juega a las cartas, se pelea e incluso pelea en una taberna. Cada cuadro se distingue por un carácter dinámico y algo brutal. La pintura holandesa de esa época también habla de escenas pacíficas: en algunas obras, los campesinos hablan con una pipa y un vaso de cerveza, pasan tiempo en una feria o con sus familias. La influencia de Rembrandt condujo al uso generalizado de claroscuros suaves y dorados. Las escenas urbanas inspiraron a artistas como Hals, Leicester, Molenaar y Codde. A mediados del siglo XVII, los maestros representaban a médicos, científicos en el proceso de trabajo, sus propios talleres, tareas domésticas o Cada trama debería haber sido entretenida, a veces grotescamente didáctica. Algunos maestros se inclinaban a poetizar la vida cotidiana, por ejemplo, Terborch representó escenas de tocar música o coquetear. Metsyu usado colores brillantes, convirtiendo la vida cotidiana en vacaciones, y de Hooch se inspiró en la simplicidad vida familiar, inundado de luz diurna difusa. Los representantes posteriores del género, entre los que se encuentran maestros de la pintura holandeses como Van der Werff y Van der Neer, en su búsqueda de una representación elegante, crearon a menudo temas un tanto pretenciosos.

Naturaleza y paisajes

Además, la pintura holandesa está ampliamente representada en el género del paisaje. Surgió por primera vez en las obras de maestros de Haarlem como van Goyen, de Moleyn y van Ruisdael. Fueron ellos quienes empezaron a representar las zonas rurales con una cierta luz plateada. La unidad material de la naturaleza pasó a primer plano en sus obras. Los paisajes marinos merecen una mención aparte. Los marinistas del siglo XVII incluyeron a Porsellis, de Vlieger y van de Capelle. No se esforzaron tanto en transmitir determinadas escenas marinas, sino en representar el agua misma, el juego de luces sobre ella y en el cielo.

En la segunda mitad del siglo XVII, surgieron en el género obras más emocionales con ideas filosóficas. Jan van Ruisdael reveló al máximo la belleza del paisaje holandés, representándolo en todo su dramatismo, dinámica y monumentalidad. Hobbem, que prefería los paisajes soleados, continuó con sus tradiciones. Koninck pintó panoramas y van der Neer creó paisajes nocturnos y representó la luz de la luna, el amanecer y el atardecer. Varios artistas también se caracterizan por la representación de animales en paisajes, por ejemplo, vacas y caballos pastando, así como caza y escenas con soldados de caballería. Más tarde, los artistas comenzaron a interesarse por la naturaleza extranjera: Van Laar, Wenix, Berchem y Hackert representaron a Italia bañándose en los rayos del sol del sur. El fundador del género fue Sanredam, cuyos mejores seguidores pueden llamarse los hermanos Berkheide y Jan van der Heijden.

Imagen de interiores

Un género aparte que distinguió la pintura holandesa en su apogeo son las escenas con iglesias, palacios y habitaciones. Los interiores aparecieron en las pinturas de la segunda mitad del siglo XVII de los maestros de Delft: Haukgeest, van der Vliet y de Witte, quienes se convirtieron en el principal representante del movimiento. Utilizando las técnicas de Vermeer, los artistas representaron escenas bañadas por la luz del sol, llenas de emoción y volumen.

Platos y platos pintorescos.

Por último, otro género característico de la pintura holandesa es la naturaleza muerta, especialmente la representación de los desayunos. Fue adoptado por primera vez por los residentes de Haarlem, Claes y Heda, quienes pintaron mesas puestas con platos lujosos. El caos pintoresco y la transmisión especial de un interior acogedor se llenan de la luz gris plateada, característica de la plata y el peltre. Los artistas de Utrecht pintaron exuberantes naturalezas muertas florales, y en La Haya, los artistas fueron especialmente buenos representando peces y reptiles marinos. En Leiden surgió una dirección filosófica del género, en la que calaveras y relojes de arena conviven con símbolos de placer sensual o gloria terrenal, diseñados para recordar la fugacidad del tiempo. Los bodegones de cocina democráticos se convirtieron en un sello distintivo de la escuela de arte de Rotterdam.

pintura holandesa Se originó en los primeros años del siglo XVII. La escuela de pintura holandesa fue una escuela independiente, grande e independiente con características e identidad únicas e inimitables.
Hasta el siglo XVII Holanda no destacó por la abundancia de artistas nacionales. Si bien este país era un solo estado con Flandes, fue principalmente en Flandes donde se crearon y desarrollaron intensamente los movimientos artísticos originales.
En Flandes trabajaron pintores destacados como Van Eyck, Memling y Rogier van der Weyden, que no se encuentran en Holanda. A principios del siglo XVI sólo se pueden observar estallidos aislados de genio en la pintura; se trata del artista y grabador Lucas de Leiden, seguidor de la escuela de Brujas. Pero Lucas de Leiden no creó ninguna escuela. Lo mismo puede decirse del pintor Dirk Bouts de Haarlem, cuyas creaciones apenas destacan en el contexto del estilo y la manera de los orígenes de la escuela flamenca, de los artistas Mostaert, Skorel y Heemskerke, quienes, a pesar de toda su importancia, No son talentos individuales que los caractericen con su originalidad país.
A finales del siglo XVI, cuando los retratistas ya habían creado una escuela, comenzaron a aparecer y formarse otros artistas. La gran variedad de talentos conduce a muchas direcciones y caminos diferentes para el desarrollo de la pintura. Aparecen los predecesores directos de Rembrandt: sus maestros Jan Pace y Peter Lastman. Los métodos de género también se están volviendo más libres: la historicidad ya no es tan obligatoria como antes. Se está creando un género especial, profundamente nacional y casi histórico: retratos de grupo destinados a lugares públicos: ayuntamientos, corporaciones, talleres y comunidades.
Esto es sólo el comienzo, la escuela en sí aún no existe. Hay muchos artistas talentosos, entre ellos hay artesanos expertos, varios grandes pintores: Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder, finalmente, Esayas van de Velde y van Goyen: todos nacieron a finales del siglo XVI.
En desarrollo pintura holandesa Fue un momento crítico. Con un equilibrio político inestable, todo dependía sólo del azar. En Flandes, donde se observó un despertar similar, por el contrario, ya existía una sensación de confianza y estabilidad que aún no existía en Holanda. En Flandes ya había artistas que se habían formado o estaban cerca de esto.
Las condiciones políticas y sociohistóricas en este país eran más favorables. Había serias razones para que Flandes se convirtiera por segunda vez en un gran centro de arte. Para ello faltaban dos cosas: varios años de paz y un maestro que fuera el creador de la escuela.
En 1609 se decidió el destino de Holanda, tras el tratado de tregua (entre España y Países Bajos) y el reconocimiento oficial de las Provincias Unidas, inmediatamente hubo una pausa. Es sorprendente cómo inesperadamente y en qué corto período de tiempo -no más de treinta años-, en un pequeño espacio, en un suelo desértico ingrato, en duras condiciones de vida, apareció una maravillosa galaxia de pintores, y grandes pintores, además.
Aparecieron inmediatamente y en todas partes: en Amsterdam, Dordrecht, Leiden, Delft, Utrecht, Rotterdam, Haarlem, incluso en el extranjero, como si provinieran de semillas que cayeron fuera del campo. Los primeros son Jan van Goyen y Wijnants, nacidos a principios de siglo. Y además, en el intervalo comprendido entre principios de siglo y finales del primer tercio: Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen. , Jacob Ruisdaël. El siguiente es Pieter de Hooch, Hobbema. Los últimos grandes fueron van der Heyden y Adrian van de Velde en 1636 y 1637. Aproximadamente estos años pueden considerarse la época del primer florecimiento de la escuela holandesa. Era necesario crear arte para la nación.
pintura holandesa, era y sólo podía ser una expresión de la apariencia exterior, un retrato fiel, fiel y similar de Holanda. Los elementos principales de la escuela de pintura holandesa fueron los retratos, paisajes y escenas cotidianas. La escuela holandesa crece y funciona desde hace un siglo.
Los pintores holandeses encontraron temas y colores que satisfacían todas las inclinaciones y afectos humanos. La paleta holandesa es bastante digna de su dibujo, de ahí la perfecta unidad de su método pictórico. Cualquier cuadro holandés es fácil de reconocer por su apariencia. Es de tamaño pequeño y se distingue por sus colores potentes y estrictos. Esto requiere gran precisión, mano firme y profunda concentración por parte del artista.
Exactamente pintura holandesa da la idea más clara de este proceso oculto y eterno: sentir, pensar y expresar. No hay imagen más rica en el mundo, ya que son los holandeses quienes incluyen tanto contenido en un espacio tan reducido. Por eso todo aquí adquiere una forma precisa, comprimida y condensada.
Para obtener una imagen más completa de la pintura holandesa, conviene considerar en detalle los elementos de este movimiento, las características de los métodos y la naturaleza de la paleta. La descripción de las principales características del arte holandés nos permite distinguir esta escuela de otras y rastrear sus orígenes.
De manera expresiva ilustrando pintura holandesa, es una pintura de Adrian van Ostade del "Artist's Atelier" del Museo de Ámsterdam. Este tema fue uno de los favoritos de los pintores holandeses. Vemos a un hombre atento, ligeramente encorvado, con una paleta preparada, pinceles finos y limpios y óleo transparente. Escribe en el crepúsculo. Su rostro está concentrado, su mano es cuidadosa.
Sólo que, quizás, estos pintores fueron más valientes y supieron reír más despreocupadamente y disfrutar de la vida de lo que se puede deducir de las imágenes conservadas.
Las bases de la escuela de pintura holandesa las sentaron Jan van Goyen y Jan van Wijnants a principios del siglo XVII, estableciendo algunas leyes de la pintura.

Casi doscientos años después, en 1820, en este edificio se encontraba la Galería Real de Arte, una de las mejores colecciones de pintura holandesa de los siglos XV-XVII del mundo.

siglo XVII Se llama la "edad de oro" de la pintura holandesa (no debe confundirse con la "edad de oro" flamenca, que se refiere a las obras de los artistas de Flandes en el siglo XV, los llamados "primitivistas flamencos").

Todos los géneros de esta época de las bellas artes holandesas están representados de forma completa y variada en la galería: magníficos ejemplos de retratos, paisajes, naturalezas muertas, pinturas históricas y, finalmente, el principal descubrimiento de los maestros holandeses: escenas de género o escenas de la vida cotidiana. .

Parece que no hay un solo artista holandés importante cuya obra no esté representada en el Museo de La Haya. Aquí se encuentran los retratistas Anton van Dyck y Jacob van Kampen, y los maestros de la naturaleza muerta Willem van Elst y Balthasar van der Ast, famosos pintores de paisajes: Hendrik Averkamp con su famoso "Paisaje de invierno", Jan van Goyen y Salomon van Ruisdel y, por supuesto, , brillantes maestros escena de género Gerard ter Borch, Pieter de Hooch, Gerard Dou y otros.

Entre los muchos nombres famosos destacan cuatro de los más importantes del arte holandés. Se trata de Jan Steen, Frans Hals y dos de los mayores genios holandeses, Rembrandt van Rijn y Johannes Vermeer.
En esa época, el artista holandés a menudo dedicaba su arte a cualquier género favorito. Así son Sten y Hals. Durante toda su vida, estos artistas trabajaron cada uno en su propio campo: Sten desarrolló escena de genero Hals alcanzó la máxima habilidad en el retrato.

Hoy en día la obra de estos maestros se considera clásica en su género. En el museo se pueden ver "El niño que ríe" de Frans Hals y "El viejo canta - Los jóvenes cantan" de Jan Steen.
Ni Rembrandt ni Vermeer asociaron su trabajo con ningún género en particular. Ambos, aunque con diferente intensidad, trabajaron en una variedad de campos, desde el retrato hasta el paisaje, y en todas partes alcanzaron alturas inalcanzables, arrancando decisivamente a la pintura holandesa del estrecho marco del género.

Rembrandt está generosamente representado en los museos de su tierra natal. La diversidad de su patrimonio también se refleja en la exposición de La Haya. El museo exhibe tres cuadros del artista: “Simeón alabando a Cristo”, “La lección de anatomía del doctor Tulpa” y uno de los últimos autorretratos del gran maestro.
Vermeer, por el contrario, dejó muy pocas pinturas. Se pueden contar con los dedos de una mano los museos que poseen uno o dos cuadros de este enigmático pintor.

Sólo seis de sus obras maestras permanecen en la tierra natal del artista. Cuatro de ellos, la colección de Vermeer más grande del mundo, se conservan en el Riksmuseum de Ámsterdam. La Haya está legítimamente orgullosa de los otros dos. Esta es la famosa "Vista de Delft" - ciudad natal Vermeer y, quizás, su cuadro más famoso, que se convirtió en la "tarjeta de presentación" del museo: "La niña de la perla de azufre".
La colección de pinturas de los Países Bajos del siglo XVII es la principal riqueza del museo. Sin embargo, la exposición no se limita sólo a esto: la galería de La Haya está orgullosa de las creaciones de artistas de otra “edad de oro”: la flamenca. Alberga obras de maestros del siglo XV: “Lamentación de Cristo” de Rogier van der Weyden y “Retrato de un hombre” de Hans Memling.
La colección Moritzhaus se complementa con la Pinacoteca Príncipe Willem V. Ésta es cronológicamente la primera. Museo de Arte Holanda. Su exposición, antaño recogida por el propio príncipe y reflejo de su gusto, está dedicada a la pintura del siglo XVIII.

Moritzhaus está abierto de martes a sábado de 10 a 17 horas. Los domingos y fines de semana, de 11 a 17 horas. Cerrado el lunes. Precio de la entrada 12,50 NLG. Niños de 7 a 18 años: 6,50 NLG.

La Galería Willem V está abierta todos los días de 11 a. m. a 4 p. m. Cerrado el lunes. El precio de la entrada es 2,50 NLG. Niños de 7 a 18 años: 1,50 NLG. La entrada a la Galería Willem V es gratuita previa presentación de una entrada Moritzhaus.

Holanda. siglo 17 El país está experimentando una prosperidad sin precedentes. La llamada "Edad de Oro". A finales del siglo XVI varias provincias del país lograron la independencia de España.

Ahora los Países Bajos protestantes han seguido su propio camino. Y la católica Flandes (actual Bélgica) bajo el ala de España es la suya.

En la Holanda independiente casi nadie necesitaba pintura religiosa. La Iglesia protestante no aprobaba la decoración lujosa. Pero esta circunstancia "le hizo el juego" a la pintura secular.

Literalmente, cada habitante del nuevo país despertó el amor por este tipo de arte. Los holandeses querían ver sus propias vidas en las pinturas. Y los artistas los encontraron de buen grado a mitad de camino.

Nunca antes se había representado tanto la realidad circundante. Gente corriente, habitaciones corrientes y el desayuno más corriente de un habitante de la ciudad.

El realismo floreció. Hasta el siglo XX será un digno competidor del academicismo con sus ninfas y diosas griegas.

Estos artistas se llaman holandeses "pequeños". ¿Por qué? Las pinturas eran de tamaño pequeño, porque fueron creadas para casas pequeñas. Así, casi todas las pinturas de Jan Vermeer no miden más de medio metro de altura.

Pero me gusta más la otra versión. Vivió y trabajó en los Países Bajos en el siglo XVII. Gran maestro, el “gran” holandés. Y todos los demás eran “pequeños” en comparación con él.

Estamos hablando, por supuesto, de Rembrandt. Empecemos por él.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autorretrato a los 63 años. 1669 Galería Nacional de Londres

Rembrandt experimentó una amplia gama de emociones a lo largo de su vida. Por eso hay tanta diversión y valentía en sus primeros trabajos. Y hay tantos sentimientos complejos, en los últimos.

Aquí está joven y despreocupado en la foto” Hijo pródigo en la taberna." De rodillas está su amada esposa Saskia. Es un artista popular. Los pedidos están llegando a raudales.

Rembrandt. El hijo pródigo en una taberna. 1635 Galería de los Antiguos Maestros, Dresde

Pero todo esto desaparecerá en unos 10 años. Saskia morirá de tisis. La popularidad desaparecerá como el humo. Casa Grande con una colección única se le quitará por deudas.

Pero aparecerá el mismo Rembrandt que permanecerá durante siglos. Los desnudos sentimientos de los héroes. Sus pensamientos más profundos.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Auto retrato. 1650 Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

Frans Hals es uno de los más grandes retratistas de todos los tiempos. Por tanto, también lo clasificaría como un “gran” holandés.

En Holanda en aquella época era costumbre encargar retratos de grupo. Así aparecieron muchas obras similares que representan a personas trabajando juntas: tiradores de un gremio, médicos de una ciudad, administradores de una residencia de ancianos.

En este género, Hals es el que más destaca. Después de todo, la mayoría de estos retratos parecían una baraja de cartas. La gente se sienta a la mesa con la misma expresión facial y simplemente mira. Para Hals fue diferente.

Mire su retrato de grupo “Flechas del Gremio de St. Jorge."

Frans Hals. Flechas del Gremio de St. Jorge. 1627 Museo Frans Hals, Haarlem, Países Bajos

Aquí no encontrarás una sola repetición en pose o expresión facial. Al mismo tiempo, aquí no hay caos. Hay muchos personajes, pero ninguno parece superfluo. Gracias a la disposición sorprendentemente correcta de las figuras.

E incluso en un solo retrato, Hals superó a muchos artistas. Sus patrones son naturales. Las personas de la alta sociedad en sus pinturas carecen de grandeza artificial y los modelos de las clases bajas no parecen humillados.

Y sus personajes también son muy emotivos: sonríen, ríen y gesticulan. Como, por ejemplo, este “Gitano” de mirada pícara.

Frans Hals. Gitano. 1625-1630

Hals, al igual que Rembrandt, acabó su vida en la pobreza. Por la misma razón. Su realismo iba en contra de los gustos de sus clientes. ¿Quién quería embellecer su apariencia? Hals no aceptó los halagos directos y, por lo tanto, firmó su propia frase: "Oblivion".

3. Gérard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Auto retrato. 1668 Galería Real Mauritshuis, La Haya, Países Bajos

Terborch fue un maestro género cotidiano. Los burgueses ricos y no tan ricos conversan tranquilamente, las damas leen cartas y una alcahueta observa el cortejo. Dos o tres figuras muy juntas.

Fue este maestro quien desarrolló los cánones del género cotidiano. Que luego tomarían prestado Jan Vermeer, Pieter de Hooch y muchos otros “pequeños” holandeses.

Gerard Terborch. Un vaso de limonada. Década de 1660. Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo

“Un vaso de limonada” es uno de trabajos famosos Terborha. Muestra otra ventaja del artista. Increíble imagen realista telas de vestir.

Terborch también tiene obras inusuales. Lo que dice mucho de su deseo de ir más allá de las necesidades del cliente.

Su "The Grinder" muestra la vida de los más pobres de Holanda. Estamos acostumbrados a ver patios acogedores y habitaciones limpias en las pinturas de los “pequeños” holandeses. Pero Terborch se atrevió a mostrar la desagradable Holanda.

Gerard Terborch. Amoladora. 1653-1655 Museos estatales de Berlín

Como comprenderá, ese trabajo no tenía demanda. Y son algo raro incluso entre Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Taller del artista. 1666-1667 Museo Kunsthistorisches de Viena

No se sabe con certeza cómo era Jan Vermeer. Es evidente que en el cuadro “El taller del artista” se representó a sí mismo. La verdad desde atrás.

Por eso, sorprende que recientemente se haya conocido un nuevo dato de la vida del maestro. Está relacionado con su obra maestra “Delft Street”.

Jan Vermeer. Calle Delft. 1657 Rijksmuseum de Ámsterdam

Resultó que Vermeer pasó su infancia en esta calle. La casa de la foto pertenecía a su tía. Allí crió a sus cinco hijos. Quizás esté sentada en el umbral de la puerta cosiendo mientras sus dos hijos juegan en la acera. El propio Vermeer vivía en la casa de enfrente.

Pero más a menudo representó el interior de estas casas y sus habitantes. Parecería que las tramas de las pinturas son muy sencillas. Aquí hay una bella dama, una rica habitante de la ciudad, comprobando el funcionamiento de su báscula.

Jan Vermeer. Mujer con escamas. 1662-1663 Galería Nacional de Arte, Washington

¿Por qué Vermeer se destacó entre miles de otros “pequeños” holandeses?

Era un maestro de la luz insuperable. En el cuadro “Mujer con escamas”, la luz envuelve suavemente el rostro, las telas y las paredes de la heroína. Dándole a la imagen una espiritualidad desconocida.

Y las composiciones de las pinturas de Vermeer están cuidadosamente verificadas. No encontrarás ni un solo detalle innecesario. Basta con quitar uno de ellos, la imagen “se desmoronará” y la magia desaparecerá.

Todo esto no fue fácil para Vermeer. Una calidad tan asombrosa requirió un trabajo minucioso. Sólo 2-3 pinturas al año. Como resultado, la incapacidad de alimentar a la familia. Vermeer también trabajó como marchante de arte, vendiendo obras de otros artistas.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pieter de Hooch. Auto retrato. 1648-1649 Rijksmuseum, Ámsterdam

A menudo se compara a Hoch con Vermeer. Trabajaron al mismo tiempo, incluso hubo un período en la misma ciudad. Y en un género: todos los días. En Hoch también vemos una o dos figuras en acogedores patios o habitaciones holandesas.

Las puertas y ventanas abiertas hacen que el espacio de sus pinturas sea entretenido y en capas. Y las figuras encajan muy armoniosamente en este espacio. Como, por ejemplo, en su cuadro “La criada con una muchacha en el patio”.

Pieter de Hooch. Una criada con una chica en el patio. 1658 Galería Nacional de Londres

Hasta el siglo XX, Hoch fue muy valorado. Pero pocas personas notaron las pequeñas obras de su competidor Vermeer.

Pero en el siglo XX todo cambió. La gloria de Hoch se desvaneció. Sin embargo, es difícil no reconocer sus logros en la pintura. Pocas personas podrían combinar de manera tan competente el medio ambiente y las personas.

Pieter de Hooch. Jugadores de cartas en una habitación soleada. 1658 Colección Real de Arte, Londres

Tenga en cuenta que en una casa modesta sobre el lienzo "Jugadores de cartas" hay un cuadro colgado en un marco caro.

Esto es en Una vez más habla de cómo la pintura era popular entre los holandeses comunes y corrientes. Las pinturas decoraban todos los hogares: la casa de un burgués rico, un habitante modesto de la ciudad e incluso un campesino.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Steen. Autorretrato con laúd. Década de 1670 Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen es quizás el “pequeño” holandés más alegre. Pero amar la enseñanza moral. A menudo representaba tabernas o casas pobres en las que existía el vicio.

Sus personajes principales son juerguistas y damas de fácil virtud. Quería entretener al espectador, pero advertirle de forma latente contra una vida viciosa.

Jan Steen. Es un desastre. 1663 Museo Kunsthistorisches, Viena

Sten también tiene obras más tranquilas. Como, por ejemplo, "Baño de la mañana". Pero también aquí el artista sorprende al espectador con detalles demasiado reveladores. Hay restos de elástico de media y ni un orinal vacío. Y de alguna manera no es nada apropiado que el perro esté acostado sobre la almohada.

Jan Steen. Aseo matutino. 1661-1665 Rijksmuseum, Ámsterdam

Pero a pesar de toda la frivolidad, los esquemas de color de Sten son muy profesionales. En esto fue superior a muchos "pequeños holandeses". Mira qué combinación perfecta la media roja con la chaqueta azul y la alfombra beige brillante.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Retrato de Ruisdaël. Litografía de un libro del siglo XIX.