Arts décoratifs et appliqués. Section recherche

art décoratif, un type d'arts plastiques dont les œuvres, avec l'architecture, façonnent artistiquement l'environnement matériel entourant une personne et y introduisent un début esthétique, idéologique et figuratif.

Comprend divers arts, servant à décorer des œuvres d'architecture et d'art paysager (art monumental et décoratif), à créer des objets artistiques pour la vie publique et privée (arts décoratifs et appliqués), à concevoir artistiquement des festivals, des spectacles, des expositions, etc.

l'artisanat

(du latin decoro - je décore) - une section de revêtement d'art création de produits artistiques, ayant une finalité utilitaire et artistique. Terme collectif qui regroupe classiquement deux grands types d’arts : les arts décoratifs et appliqués. Contrairement aux œuvres d'art, destinées au plaisir esthétique et liées à art pur, de nombreuses manifestations l'artisanat peut avoir une utilité pratique dans la vie quotidienne.

Les œuvres d'art décoratif et appliqué font partie de l'environnement objectif qui entoure une personne et l'enrichissent esthétiquement.

Oeuvres d'art décoratif et appliqué répondre à plusieurs exigences : avoir une qualité esthétique ; conçu pour un effet artistique ; servir pour. Ces produits sont : les vêtements, les tissus vestimentaires et décoratifs, les tapis, les meubles, le verre d'art, la porcelaine, la faïence, les bijoux et autres produits artistiques. DANS littérature scientifique Depuis la seconde moitié du XIXe siècle, une classification des branches des arts décoratifs et appliqués a été établie selon le matériau (métal, céramique, textile, bois), selon la technique de transformation de la matière (sculpture, peinture, impression, fonte). , gaufrage, intarsia, etc.) et selon les caractéristiques fonctionnelles de l'utilisation d'un objet (meubles, vaisselle, jouets). Cette classification est due au rôle important des principes de conception et technologiques dans l'artisanat et son lien direct avec la production.

Apparus dans l'Antiquité, les arts décoratifs et appliqués sont devenus l'un des domaines les plus importants art folklorique. Son histoire est liée à l'artisanat artistique, à l'industrie artistique, aux activités des artistes professionnels et des artisans populaires et, depuis le début du XXe siècle, à la construction et au design artistiques.

Histoire du développement des arts décoratifs

l'artisanat existait déjà à un stade précoce du développement de la société humaine et a été pendant de nombreux siècles le domaine le plus important et pour un certain nombre de tribus et de nationalités, le principal domaine de la créativité artistique. Les œuvres les plus anciennes l'artisanat caractérisé par un contenu exceptionnel des images, une attention portée à l'esthétique du matériau, à une construction rationnelle. Dans l’art populaire traditionnel, cette tendance a persisté jusqu’à nos jours.

L’homme cherche depuis longtemps à décorer sa maison et tout ce qu’il rencontre au quotidien. Lorsqu'il fabriquait quelque chose, l'artisan populaire pensait non seulement à son objectif pratique, mais aussi à sa beauté. De la plus matériaux simples- bois, métal, pierre, argile - il crée de véritables œuvres d'art qui transmettent la compréhension poétique du maître du monde qui l'entoure.

La nature autochtone a toujours été reflétée dans l’art populaire. Les herbes et les fleurs, familières à tous depuis l’enfance, les images d’oiseaux et d’animaux, le ciel et le soleil, la terre et l’eau, transformés par l’imagination de l’artiste, ont été transformés en un ornement lumineux et expressif dans le produit.

Au fil du temps, l'intérêt pour la richesse matérielle et... Sont distingués les produits qui servent à la représentation (objets pour les rituels religieux ou les cérémonies de cour, pour la décoration des maisons de la noblesse), dans lesquels, afin d'augmenter leur son émotionnel, l'opportunité quotidienne de construire la forme est souvent sacrifiée.

Les produits modernes des arts décoratifs et appliqués sont créés en tenant compte à la fois traditions folkloriques Il en va de même pour les tendances de la mode d’aujourd’hui. Jusqu'à présent, les objets les plus populaires de cet art, recouverts de la brume des traditions anciennes, sont les produits en acier et en bronze, les tapis faits à la main et décorés de motifs traditionnels - dans les pays de l'Est ; céramiques, objets fabriqués à partir de coquillages - dans le sud ; masques rituels - en Afrique ; produits ambrés - dans la région baltique ; porcelaine, émaux cloisonnés, tissus peints de fleurs, de fruits, d'animaux fantastiques - en Chine et au Japon, en Corée.

Stylisation dans les arts et métiers

Les arts décoratifs et appliqués ont leur propre langage et leurs propres lois. Exprimant l'idée de la beauté avec ses moyens spécifiques, elle ne cherche jamais à copier aveuglément le monde qui l'entoure, mais n'en transmet que le plus caractéristique et le plus expressif. L'artiste retravaille de manière créative les formes trouvées dans la nature, en tenant compte d'un matériau spécifique, de ses avantages décoratifs et des caractéristiques technologiques de son traitement.

Le langage des arts décoratifs et appliqués se distingue par une stylisation ou, au contraire, une extraordinaire précision des formes ; identifier et jouer avec la texture et les propriétés plastiques du matériau ; l'utilisation d'ornements, comprenant à la fois des motifs d'images traditionnelles et des formes d'avant-garde. La construction compositionnelle du décor des objets d'art décoratif et appliqué repose toujours sur l'harmonie des parties et du tout.

Connu depuis l'Antiquité. En tant que méthode de créativité artistique, elle a atteint un niveau élevé dans les ornements assyriens-babyloniens, persans, égyptiens anciens et grecs anciens, dans lesquels, avec des lignes et des motifs géométriques, des objets de la flore et de la faune, à la fois réels et fictifs, étaient souvent utilisés. , stylisés avec un grand talent artistique et un bon goût, et même des figures de personnes. De nos jours, les compositions ornementales avec des éléments de stylisation sont largement utilisées dans les peintures murales, les mosaïques, le stuc, les bijoux et produits sculptés, ciselés et forgés, la broderie et les couleurs de tissus.

La stylisation créative dans les beaux-arts est nécessairement de nature individuelle, impliquant la vision et le traitement artistique par l'auteur des phénomènes et des objets de la réalité environnante et, par conséquent, les affichant avec des éléments de nouveauté.

A la stylisation créative, il existe une stylisation imitative, qui présuppose la présence échantillon fini pour l'imitation et consiste à imiter le style d'une époque particulière, les mouvements artistiques connus, les styles et techniques de créativité d'un peuple particulier, les styles de maîtres célèbres. Cependant, malgré l'échantillon existant, la stylisation imitative ne devrait pas avoir le caractère d'une copie directe. En imitant un style particulier, le créateur d'une œuvre stylisée doit s'efforcer d'y introduire sa propre individualité, par exemple avec une intrigue choisie, une nouvelle vision de la couleur ou une solution de composition générale. C'est le degré de cette nouveauté artistique qui déterminera, en règle générale, dans une large mesure la valeur d'une œuvre stylisée.

Lors de la création de produits d’art décoratif et appliqué, la méthode la plus fructueuse est la stylisation créative. Un nom plus réussi pour cette méthode artistique importante pourrait être non pas la stylisation, mais l'interprétation, qui transmet plus précisément l'essence et la particularité de ce processus créatif : l'artiste regarde un objet de la vie environnante, l'interprète et le transmet émotionnellement comme il le ressent. ça, ça le sent. Autrement dit, il semble recréer cet objet naturel, mais sous la forme d'un symbole artistique. Avec cette interprétation, il est préférable de suivre principe créatif triade : « Connaître, évaluer et améliorer ».

Une composition décorative est une composition qui présente un haut degré d'expressivité et des éléments modifiés, stylisés ou abstraits qui lui confèrent aspect décoratif, améliore sa perception sensorielle. Ainsi, l'objectif principal d'une composition décorative est d'atteindre une expressivité et une émotivité maximales avec un rejet partiel ou total (dans les compositions non objectives) de l'authenticité, qui devient inutile voire dérangeant.

Les principales caractéristiques communes qui apparaissent dans le processus de stylisation des objets et des éléments d'une composition décorative sont la simplicité des formes, leur généralité et leur symbolisme, leur excentricité, leur géométrie, leur couleur et leur sensualité.

La stylisation décorative se caractérise par la généralité et le symbolisme des objets et des formes représentés. Cette méthode artistique implique un rejet conscient de l'authenticité totale de l'image et de ses détails détaillés. La méthode de stylisation consiste à séparer de l'image tout ce qui est inutile, secondaire et à interférer avec un perception visuelle afin d'exposer l'essence des objets représentés, d'en afficher la chose la plus importante, d'attirer l'attention du spectateur sur la beauté auparavant cachée et d'évoquer en lui les émotions vives correspondantes.

Avec le développement du design d'intérieur, le besoin s'est fait sentir de créer des œuvres d'art décoratif et appliqué qui, sans stylisation, ne répondraient pas aux exigences esthétiques modernes.

Variétés décoratives et appliquées des arts et métiers

Il est nécessaire de faire la distinction entre les variétés décoratives et appliquées des arts décoratifs et appliqués. Ainsi, si les objets d'art appliqué (meubles, ustensiles, vaisselle, bijoux) s'avèrent artistiquement expressifs principalement du fait de la perfection esthétique de leur forme (beauté de la silhouette, proportions, élégance des lignes, traitement magistral de la matière, etc.) , puis les œuvres décoratives (peinture de murs et d'objets ménagers, reliefs sculpturaux décoratifs, petites figurines, tapisseries, broderies, tapis, bijoux sculptés, etc.) sont inhérentes aux beaux-arts, compositions d'histoires ou des décorations ornementales.

Pour s'assurer que les produits ne sont pas dénués de valeur esthétique, un artiste est invité, dont les fonctions n'incluent pas la fabrication du produit dans son ensemble, mais seulement sa décoration : l'artiste a commencé à « appliquer » son art au produit fini. Ainsi, avec l'expansion de la production industrielle, une industrie de l'art apparaît, où la méthode des arts appliqués trouve sa place - finition des produits avec peinture, sculpture, incrustation, etc. Mais la beauté d'un objet ne réside pas seulement dans la finition, même si cela aussi nécessite une grande habileté. L'objet doit être expressif dans son intégralité – dans sa conception, ses proportions et ses détails.

Dans les arts appliqués, la forme d'un produit, sa conception architecturale, porte en elle à la fois l'essence utilitaire de l'objet et son expressivité esthétique. Dans le même temps, les formes des produits des arts appliqués sont historiquement changeantes : dans différentes époques ils se caractérisent par une différence de motifs - luxe, maniérisme ou, au contraire, simplicité, naturel. La réalité moderne exprime une tendance à la simplicité, à la concision, au refus du détail excessif, à la petite taille et à l'économie. Les objets conçus de manière artistique décorent non seulement la vie quotidienne, mais jouent également un rôle important dans la formation du goût artistique.

De nombreux exemples merveilleux d'art décoratif et appliqué peuvent être vus dans les musées d'art, historiques, ethnographiques et d'histoire locale, ainsi que dans les livres, les albums et sur les pages des magazines. Chaque exposition d'art populaire est toujours une découverte du monde de la beauté et de la perfection. Les produits fabriqués par des maîtres anciens et des artistes modernes suscitent invariablement l'admiration des visiteurs, et certains souhaitent suivre l'exemple des artisans populaires.

Pour qu'un objet devienne une œuvre d'art, il doit non seulement être traité « selon les lois de la beauté », mais aussi être porteur d'un certain contenu idéologique et émotionnel. Pour cela, le matériau est utilisé correctement, la forme la plus appropriée de l'objet est prise en compte (ses proportions, répétitions rythmiques, structure tectonique), le rapport des échelles entre en parties séparées objet et personne, une méthode spéciale de traitement de la surface de l'objet est utilisée - le décor. Par conséquent, créer de belles choses est une manifestation significative d’une activité objective porteuse d’une profonde expressivité esthétique. L'impression faite arts appliqués, peut souvent être aussi fort que l’impact d’une peinture ou d’une sculpture.

Contrairement aux produits sans visage produits en série, les articles faits à la main sont toujours uniques. Les ustensiles ménagers, les meubles et les éléments intérieurs fabriqués de main de maître coûtent cher. Et si autrefois de telles choses étaient des objets à vocation utilitaire, alors de nos jours elles sont passées dans la catégorie de l'art. Une belle chose réalisée par un artisan qualifié aura toujours de la valeur.

Afflux de forces artistiques dans les arts appliqués

Techniques artisanales

En Europe occidentale, la position de l’artiste commence à changer au XVIe siècle. Le déclin de l’économie urbaine, qui couvrait la quasi-totalité Europe de l'Ouest, a entraîné une crise dans la vie artistique. En Italie, les ateliers d'art perdent leur importance d'antan. En effet, quel pourrait être le véritable pouvoir de la guilde s'il existait des personnalités aussi indépendantes que Michel-Ange ou Titien ? Dans certaines villes, les ateliers sont subordonnés le pouvoir de l'État Dans d’autres, ils sont complètement liquidés et les artistes se retrouvent sans le soutien de classe habituel, livrés à eux-mêmes. Certains d’entre eux deviennent un élément déclassé, une sorte d’ancêtre de la bohème. Certains tentent de trouver refuge à la cour et deviennent serviteurs des nobles. Le désir d'accéder aux rangs de la cour et au titre de noblesse est répandu.

Une conséquence du sort des beaux-arts, créé en relation avec la propagation de la Réforme, fut la marée forces artistiques dans les arts appliqués : la bijouterie, l'orfèvrerie, la menuiserie, la fabrication de poterie et d'étain, etc. fleurissent souvent (montres de conception luxueuse, instruments de navigation, armes et armures). Un trait caractéristique du XVIe siècle dans les pays d'Europe du Nord était la subordination des maîtres des beaux-arts aux artisans appliqués : les dessinateurs et les graveurs réalisaient des motifs ornementaux spéciaux, les sculpteurs créaient des modèles pour décorer les meubles, les appareils électroménagers et la vaisselle. Les techniques artisanales se généralisent : reproduction d'échantillons sculpturaux, utilisation de techniques de gravure en gravure pour accélérer le traitement des plaques de cuivre, etc.

Les arts et métiers populaires sont un phénomène complexe et multiforme. Il comprend une variété de directions, d'espèces et de formes. Mais ils sont tous unis par une combinaison de l'opportunité pratique des produits avec la beauté naturelle de leur apparence, provenant de la nature environnante (69, p. 263).

Les arts décoratifs et appliqués populaires font partie intégrante de la culture, influencent activement la formation des goûts artistiques, enrichissent art professionnel et moyens d'expression de l'esthétique industrielle.

L'art décoratif et appliqué populaire est appelé art qui nous est parvenu du fond des siècles, du fond des générations, principalement un art collectif, formé dans l'environnement populaire et paysan.

Les traditions dans le domaine des arts et métiers populaires incluent les proportions et les formes les plus expressives des objets, leur palette de couleurs, sélectionnées et polies par de nombreuses générations d'artisans, dans l'ornement le reflet artistique de l'environnement naturel, de la flore et de la faune, sur la base dont cette culture ornementale et les compétences artisanales accumulées au fil des siècles ont été formées par la transformation de divers matériaux naturels. De génération en génération, seul ce qui était vital, progressiste, ce dont les gens avaient besoin et capable de se développer davantage était transmis.

Dans la Russie antique, toute la vie des gens était littéralement imprégnée du désir de beauté et d'harmonie avec l'environnement naturel. La maison, le foyer, les meubles, les outils, les vêtements, les ustensiles, les jouets - tout ce que touchaient les mains des artisans populaires incarnait leur l'amour pour leur terre natale et un sens inné de la beauté, puis les objets ménagers ordinaires sont devenus des œuvres d'art. La beauté de leur forme était complétée par des ornements décoratifs sous forme d'ornements, d'images de personnes, d'animaux, d'oiseaux et de scènes d'intrigue.

Depuis l'Antiquité, les artisans populaires utilisaient dans leur créativité ce que la nature elle-même leur donnait - le bois, l'argile, l'os, le fer, le lin, la laine. La nature a toujours été la principale source d'inspiration des artisans populaires. Mais, incarnant des images de la nature dans leurs œuvres, les maîtres ne l'ont jamais copiée littéralement. Éclairée par la fantaisie populaire, la réalité y acquérait parfois des traits magiques et féeriques, réalité et fiction semblaient indissociables ;

C'est cette originalité des arts et métiers populaires, son expressivité et sa proportionnalité uniques qui ont inspiré et continuent d'inspirer les artistes professionnels. Cependant, tous ne parviennent pas à comprendre pleinement et à repenser toute sa profondeur et son potentiel spirituel.

DANS conditions modernes Le besoin de la population pour l'art populaire, pour son authenticité et sa spiritualité, augmente. Mais trouver des moyens de préserver l’art populaire et son développement fructueux n’est possible qu’en comprenant son essence, créative et spirituelle, et sa place dans la culture moderne.

Les arts et métiers populaires sont variés. Il s'agit de la broderie, de la céramique, des vernis artistiques, du tissage de tapis, du traitement artistique du bois, de la pierre, du métal, de l'os, du cuir, etc.

Transformation artistique du bois. L'arbre est l'un des anciens symboles de la Russie. Dans la mythologie slave ancienne, l’arbre de vie symbolisait l’univers. Depuis l'Antiquité, les bosquets et les forêts de chênes ombragés, les fourrés sombres et mystérieux et la dentelle vert clair des lisières des forêts ont attiré les connaisseurs de la beauté et éveillé l'énergie créatrice de notre peuple. Ce n'est pas un hasard si le bois est l'un des matériaux naturels les plus appréciés des artisans populaires.

Dans différentes régions de Russie, des types originaux de travail du bois artistique se sont développés. Chacun d’eux a sa propre histoire et ses propres caractéristiques.

Sculpture Abramtsevo-Kudrinskaya.

Vase décoratif

Produits de Bogorodsk sont fabriqués à partir de bois tendres - tilleul, aulne, tremble. Les principaux outils des artisans populaires étaient une hache, un couteau spécial Bogorodsk et un ensemble de ciseaux ronds de différentes tailles. La lame du couteau Bogorodsk se termine par un biseau triangulaire et est affûtée au tranchant d'un rasoir.

Sculpture Bogorodskaya. I. K. Stulov.

"Le roi Dodon et l'astrologue"

Au fil des siècles, les techniques dites de swing carving se sont développées. Tout produit est découpé au couteau « tout de suite », immédiatement nettoyé, rapidement, avec précision, sans aucun croquis préalable préparé en dessin ou en argile.

Les jouets de Bogorodsk sont intéressants non seulement pour leurs sculptures, mais aussi pour leur design original. Le plus souvent, ce sont des jouets en mouvement. Leur héros traditionnel est l'ours de Bogorodsk, un ourson intelligent et actif qui se produit en compagnie d'un homme.

Sculpture Bogorodskaya. CONTRE. Chichkine. Jouet "Pompiers"

Aspect traditionnel L'art et l'artisanat populaires russes consistent en la production de produits artistiquement conçus à partir d'écorce de bouleau, écorce de bouleau.

Même dans les temps anciens, l'écorce de bouleau attirait les artistes populaires par sa blancheur éclatante. Une fois transformée, l'écorce de bouleau a conservé ses propriétés naturelles : douceur, velouté, flexibilité et résistance étonnante, grâce auxquelles elle a été utilisée pour fabriquer des récipients pour les liquides, le lait et le miel. On sait que sur le territoire forestier de la Russie - les provinces de Vologda, Arkhangelsk, Olonetsk, Viatka, Vladimir, Nijni Novgorod, ainsi que dans l'Oural et la Sibérie - dans les provinces de Perm et Tobolsk, l'artisanat est devenu célèbre pour les produits en écorce de bouleau depuis l'Antiquité. fois.

Il s'agit notamment de navires bas, larges et ouverts - chèques, boîtes, cadrans. Une part importante est représentée par la vannerie. Ceux-ci comprennent des salières, des chaussures en osier - des brodki, des couvertures, des sacs - des épaulettes. Les ustensiles les plus complexes et les plus exigeants en main-d'œuvre sont les betteraves, les boîtes et les tueski.

Mardi.

Veliki Oustioug. Mardi. A.E. Markova

Écorce de bouleau expansée

Traitement artistique de la pierre. La spécificité du matériau - sa dureté, sa résistance, sa beauté et la variété de ses couleurs - détermine l'utilisation généralisée de la pierre dure dans l'industrie de la bijouterie. Il s'agit d'un domaine particulier du traitement artistique de la pierre dure, actuellement très répandu. Colliers, pendentifs, broches, bracelets, bagues, boucles d'oreilles, épingles à cheveux, une large gamme de produits en pierres dures.

Les artisans travaillant à la création de bijoux s'appuient sur les traditions les plus riches de cet art en Russie. Les artistes s'efforcent de faire ressortir la beauté naturelle de la pierre, en utilisant une surface non taillée, dans laquelle les nuances de couleur et les inclusions naturelles sont particulièrement clairement visibles.

En plus des bijoux, une gamme assez étendue de produits est fabriquée à partir de pierre dure. Ce sont de petits vases décoratifs, des plateaux pour bijoux, de la vaisselle pour instruments d'écriture et une sculpture animalière miniature.

Sculpture sur pierre.

L.N. Pouzanov. Vase «Automne» Sculpture en pierre.

T.Ch. Ondar. Chèvre avec enfant

Sculpture sur os. L’os est un matériau largement utilisé depuis l’Antiquité.

L'artisanat d'art pour le traitement des os s'est développé principalement dans le Nord. Les matériaux utilisés pour le traitement artistique étaient les défenses d'éléphants, de mammouths et de morses. Les artisans traditionnels étaient capables d'identifier et d'utiliser les propriétés remarquables de ce matériau pour des produits artistiques.

L'ivoire de mammouth a un beau ton jaunâtre et une texture en forme de maille miniature. En raison de sa dureté, de sa taille impressionnante et de sa belle couleur, il convient à la création d'une variété de produits artistiques. Vous pouvez l'utiliser pour fabriquer des vases, des tasses, des sculptures décoratives de table et des objets avec des sculptures ajourées.

La défense de morse est un beau matériau blanc-jaune. Elle était utilisée pour créer des sculptures miniatures, divers produits avec des sculptures ajourées et en relief, ainsi que pour la gravure. En plus de ces principaux types d'os, de simples os d'animaux - le tarse, ainsi que des cornes de bétail - sont utilisés pour créer des produits artistiques. Bien qu'après blanchiment et dégraissage, un simple os d'animal acquière une couleur blanche, il n'a pas les propriétés, la beauté, la couleur et la dureté des défenses de morse et de mammouth.

Sculpture sur os de Kholmogory. Vase décoratif « Printemps ». Os de morse. Sculpture ajourée

Os sculpté.

L.I. Teyutine. "Abattage de morses à la colonie"

Os sculpté. Tabatière de table

"Sur Tony", 1976. A.V. Léontiev

Os sculpté.

N. Kililo.

Famille d'ours

Traitement artistique des métaux a des traditions anciennes. L'émergence de centres de transformation artistique des métaux dans une région particulière était due à un certain nombre de raisons historiques, géographiques et économiques.

Foule russe. Pied. XVIIe siècle Armureries

Pos. Mstéra.

Vase-bonbonnière.

Cuivre, filigrane, argenture

Céramiques folkloriques. Céramiques - divers objets en terre cuite. Ils sont créés par des potiers. Partout où il y avait des réserves naturelles d'argile propice à la transformation, les maîtres potiers fabriquaient des bols, des cruches, des plats, des flacons et d'autres objets de formes et de décorations diverses, qui étaient largement utilisés par les gens dans la vie quotidienne.

Céramique de Skopino. Cruche.

Dernier trimestre XIX siècle

Céramique de Gjel.À Gjel, dans la région de Moscou, il existe depuis longtemps une production de produits céramiques, réalisée par la quasi-totalité de la population des villages locaux.

Déjà au 17ème siècle. Les artisans de Gjel étaient célèbres pour leurs poteries et les argiles qu'ils utilisaient étaient de haute qualité.

Au milieu du XVIIIe siècle, les artisans de Gjel ont commencé à fabriquer des produits selon la technique de la majolique, peints sur émail brut. Ils décoraient les plats, le kvas et les cruches d'élégantes peintures dans les tons verts, jaunes et violets. Ils représentaient des fleurs, des arbres, de l’architecture et des scènes entières d’intrigue.

Les récipients étaient également décorés de sculptures : figures humaines, oiseaux et animaux rendus de manière conventionnelle. La sculpture a été réalisée séparément.

Céramique. I.A. Rojko.

Kvasnik sur deux oiseaux Céramique. Z.V. Okoulova. Ensemble de théières

Fabrication de dentelle. La dentelle russe tissée à la main est connue dans l'histoire de notre artisanat artistique populaire depuis la fin du XVIIIe siècle. La dentelle faite à la main est née et s'est immédiatement formée comme un artisanat populaire, sans passer par le stade de l'artisanat domestique. La dentelle d'Europe occidentale a commencé à pénétrer en Russie dans la seconde moitié du XVIIe et au début du XVIIIe siècle ; il servait de décoration pour les vêtements des nobles et des propriétaires terriens. Avec la diffusion de la mode pour la dentelle et les garnitures en dentelle, de nombreux nobles ont créé des ateliers de fabrication de dentelle de serf, remontant au XVIIIe et à la première moitié du XIXe siècle, étaient souvent fabriqués à partir de fils d'or et d'argent avec l'ajout de perles. .

Dentelle de Vologda

Dentelle Yelets

Broderie- un des espèce la plus ancienne arts appliqués. Cet art est né dans des temps immémoriaux et s'est transmis de génération en génération. Au fil des siècles, une gamme traditionnelle de motifs et de couleurs s’est progressivement développée et de nombreuses techniques de broderie ont été développées.

La broderie folklorique était réalisée sans dessin préalable. Les brodeuses connaissaient leurs modèles par cœur, les apprenaient et les mémorisaient tout en maîtrisant le processus d'exécution lui-même. Basique modèles traditionnels, caractéristiques de chaque localité, ont survécu jusqu'à nos jours (69, pp. 263-304).

Broderie Mstéra

Broderie Ivanovo Broderie Krestetsky

La créativité est un processus de l'activité humaine dont le résultat est la création de nouvelles valeurs matérielles et spirituelles de qualité, caractérisées par l'unicité, l'originalité et l'originalité. Son origine remonte à l’Antiquité. Depuis lors, il existe un lien inextricable entre lui et le développement de la société. Le processus créatif implique de l’imagination et des compétences, qu’une personne acquiert en acquérant des connaissances et en les mettant en pratique.

La créativité est un état actif et une manifestation de la liberté humaine, le résultat de l'activité créatrice, c'est un don offert à une personne d'en haut. Il n’est pas nécessaire d’être grand et talentueux pour créer, créer de la beauté et donner aux gens de l’amour et de la gentillesse envers tout ce qui les entoure. Aujourd’hui, les activités créatives sont accessibles à tous, puisqu’il existe différents types d’arts, et chacun peut choisir une activité à son goût.

Qui est considéré comme une personne créative ?

Il ne s’agit pas seulement d’artistes, sculpteurs, acteurs, chanteurs et musiciens. Toute personne qui utilise des approches non standard dans son travail est créative. Même une femme au foyer peut être comme ça. L'essentiel est d'aimer son travail et d'y mettre son âme. Rassurez-vous : le résultat dépassera toutes vos attentes !

Créativité décorative

Il s'agit d'un type d'art plastique qui comprend le design décoratif de l'intérieur (décoration d'une pièce à l'aide de peintures sur chevalet) et de l'extérieur (à l'aide de vitraux et de mosaïques), l'art du design (à l'aide de graphiques et d'affiches industriels) et les arts appliqués.

Ces types de créativité offrent une occasion unique de se familiariser avec les traditions culturelles de leur peuple, de favoriser un sentiment de patriotisme et un grand respect pour le travail humain. Créer un produit créatif inculque l’amour de la beauté et développe les capacités et compétences techniques.

Créativité appliquée

Il s'agit d'un art décoratif populaire conçu pour décorer la vie et la vie quotidienne des gens en fonction de leurs besoins. En créant des objets d'une certaine forme et d'un certain but, une personne leur trouve toujours une utilité et essaie de préserver l'attrait et la beauté qu'elle voit. Les objets d’art se transmettent en héritage, des ancêtres aux descendants. Ils révèlent la sagesse populaire, le mode de vie et le caractère. Dans le processus de créativité, une personne met son âme, ses sentiments et ses idées sur la vie dans des œuvres d'art. C'est probablement pour cela que leur valeur éducative est si grande.

Conduite fouilles archéologiques, les scientifiques trouvent diverses choses, des articles ménagers. Ils déterminent l'époque historique, les relations dans la société de cette époque lointaine, les conditions de l'environnement social et naturel, les capacités technologiques, la situation financière, les traditions et les croyances du peuple. Les types de créativité peuvent nous renseigner sur le genre de vie que mènent les gens, ce qu’ils font et ce qui les intéresse, comment ils se rapportent à tout ce qui les entoure. Les caractéristiques artistiques des œuvres d'art appliqué inculquent à une personne le respect de la culture et du patrimoine de la nation.

Arts décoratifs et appliqués. Types de techniques

Quels types de créativité appliquée existe-t-il ? Il y en a un grand nombre ! Selon la méthode de fabrication d'un article particulier et le matériau utilisé, on distingue les techniques artisanales suivantes :

• Liés à l'utilisation du papier : pliage iris, ou pliage arc-en-ciel de papier, papier plastique, tubes ondulés, quilling, origami, papier mâché, scrapbooking, gaufrage, passepoil.
• Techniques de tissage : ganutel, perlage, macramé, tissage aux fuseaux, frivolité ou tissage de nœuds.
• Peinture : Zhostovo, Khokhloma, Gorodets, etc.
• Types de peinture : batik - peinture sur tissu ; vitrail - peinture sur verre; impression au tampon et à l'éponge; dessiner avec des empreintes de palmiers et de feuilles ; ornement - répétition et alternance d'éléments de motif.
• Créer des dessins et des images : souffler de la peinture à travers un tube ; guillochage - graver un motif sur du tissu ; mosaïque - créer une image à partir de petits éléments ; graphiques de fils - créer une image avec des fils sur une surface dure.
• Techniques de broderie sur tissu : point de croix simple et bulgare, point bourdon droit et oblique, tapisserie, broderie de tapis et de rubans, broderie d'or, cutwork, ajouré et bien d'autres.
• Couture sur tissu : patchwork, quilting, quilting ou patchwork ; artichaut, kanzashi et autres.
• Techniques de tricotage : fourchette ; sur des aiguilles à tricoter (simples européennes); Crochet tunisien; jacquard, filet, guipure.
• Types de créativité associés à la transformation du bois : brûlage, sciage, sculpture.

Comme vous pouvez le constater par vous-même, il existe grande quantité différents types de techniques d'art et d'artisanat. Seuls quelques-uns d’entre eux sont répertoriés ici.

Art folklorique

Dans les œuvres d'art créées par le peuple, l'essentiel est sélectionné et soigneusement conservé ; il n'y a pas de place pour les choses inutiles. Les objets d'art populaire sont dotés des propriétés les plus expressives. Cet art incarne la simplicité et le goût. Par conséquent, il est devenu compréhensible, aimé et accessible aux gens.

Depuis l'Antiquité, les gens cherchent à décorer leurs maisons avec des objets d'art populaire. Après tout, ils conservent la chaleur des mains d'un artisan qui comprend la nature et sélectionne habilement les plus belles choses pour ses objets. Les créations ratées sont éliminées, seules les plus précieuses et les plus remarquables restent en vie.

Chaque époque a sa propre mode pour l’intérieur de la maison, qui est en constante évolution. Au fil du temps, les lignes strictes et les formes rectangulaires deviennent de plus en plus privilégiées. Mais aujourd'hui encore, les gens puisent leurs idées dans une réserve inestimable : les talents des gens.

Folklore

Il s'agit du folklore, qui se reflète dans l'activité créatrice artistique collective de l'homme ordinaire. Ses œuvres reflètent la vie, les idéaux et les visions du monde créées par le peuple. Ils existent alors parmi les masses.

Types d'art populaire :

• Les proverbes sont des mini-œuvres poétiques sous forme de courtes paroles rythmées. La base est la conclusion, l'enseignement et la morale généralisée.
• Les dictons sont des figures de style ou des phrases qui reflètent des phénomènes de la vie. Il y a souvent des notes humoristiques.
• Chansons folkloriques - elles n'ont pas d'auteur ou il est inconnu. Les paroles et la musique choisies pour eux se sont formées au cours du développement historique de la culture d'un groupe ethnique particulier.
• Les chatushki sont des chansons folkloriques russes en miniature, généralement sous forme de quatrains, au contenu humoristique.
• Énigmes - on les retrouve à n'importe quel stade de développement de la société chez tous les peuples. Dans les temps anciens, ils étaient considérés comme un test de sagesse.
• Pestushki - courtes mélodies de mères et de nounous sous forme poétique.
• Les comptines sont des chansons et des dictons qui accompagnent les jeux avec les mains et les pieds d’un enfant.
• Les blagues sont des nouvelles drôles sous forme poétique.
• Il est impossible d'imaginer des types d'art populaire sans chants, avec l'aide desquels les gens se sont tournés vers la propagation du paganisme. phénomènes divers la nature, leur demandant protection, ou encore aux animaux et aux oiseaux.
• Les comptines sont de petites rimes rythmées. Avec leur aide, le leader du jeu est déterminé.
• Les virelangues sont des phrases construites sur une combinaison de sons qui les rendent difficiles à prononcer rapidement.

Créativité liée à la littérature

La créativité littéraire est représentée par trois types : épique, lyrique et dramatique. Ils ont été créés dans l’Antiquité, mais existent encore aujourd’hui, car ils déterminent les moyens de résoudre les problèmes posés à la littérature par la société humaine.

La base de l'épopée est la reproduction artistique du monde extérieur, lorsque le locuteur (l'auteur ou le narrateur lui-même) rapporte les événements et leurs détails comme quelque chose de passé et de souvenir, en recourant simultanément à des descriptions du cadre de l'action et de l'apparence de l'action. personnages, et parfois au raisonnement. Les paroles sont l’expression directe des sentiments et des pensées de l’écrivain. La méthode dramatique combine les deux premières, lorsque personnages avec des personnages très différents sont présentés dans une seule pièce avec une révélation lyrique directe de soi.

La créativité littéraire, représentée par l'épopée, le lyrisme et le drame, ouvre pleinement des possibilités illimitées pour une réflexion profonde sur la vie des gens et leur conscience. Chaque genre littéraire a ses propres formes :

• Épique - fable, poème, ballade, histoire, récit, roman, essai, mémoire artistique.
• Lyrique - ode, élégie, satire, épigramme.
• Dramatique - tragédie, comédie, drame, vaudeville, blague, scène.

De plus, les formes individuelles de tout type de poésie sont divisées en groupes ou types. Par exemple, le type d’œuvre littéraire est épique. La forme est un roman. Types : socio-psychologique, philosophique, familial, aventure, satirique, historique, science-fiction.

Art folklorique

Il s'agit d'un concept vaste qui inclut divers genres et types de créativité artistique. Ils s'appuient sur des traditions originales et des modes et formes uniques d'activité créatrice, associés au travail humain et se développant collectivement, sur la base de la continuité des traditions.

L'art populaire reflète monde intérieur une personne, son apparence spirituelle, la mémoire vivante du peuple. Il y a plusieurs périodes dans son développement :

• Païen (jusqu'au 10ème siècle).
• Chrétien (X-XVII siècles).
• Histoire domestique (XVII-XIX siècles).
• XXe siècle.

L'art populaire a subi un long processus de développement, à la suite duquel les types de créativité artistique suivants ont émergé :

• Le folklore est la vision du monde et les croyances morales des gens, leurs points de vue sur l'homme, la nature et la société, qui s'expriment sous des formes verbales, poétiques, musicales, chorégraphiques et dramatiques.
• Les arts décoratifs et appliqués sont conçus pour satisfaire les besoins esthétiques et les besoins quotidiens d'une personne.
• La créativité amateur domestique est phénomènes artistiques dans la vie festive et quotidienne d'une personne.
• L’art amateur est une créativité organisée. Il se concentre sur l’enseignement des compétences artistiques aux gens.

Créativité associée à la technologie

L'activité de travail humain s'améliore constamment et acquiert un caractère créatif. De nombreuses personnes parviennent à s'élever au plus haut niveau dans leurs créations et inventions. Alors, qu’est-ce que la créativité technique ? Il s'agit d'une activité dont la tâche principale est de créer des solutions techniques qui seront nouvelles et auront une signification sociale non seulement dans leur propre pays, mais aussi au-delà de ses frontières, c'est-à-dire dans le monde entier. Autrement, on parle alors d’invention, ce qui équivaut à la notion de créativité technique. Et il est interconnecté avec les types scientifiques, artistiques et autres.

De grandes opportunités s'offrent à nos contemporains et toutes les conditions sont réunies pour faire ce qu'ils aiment. Il existe un grand nombre de clubs, palais, cercles spécialisés, sociétés scientifiques. Dans ces institutions, les adultes et les enfants s'adonnent à la modélisation d'avions et de navires, aux sports moto, au karting, à la conception automobile, à la programmation, à l'informatique et à la technologie informatique. Des types de créativité tels que le développement de modèles de véhicules de sport : mini-voitures, automobiles, équipements pour pêcheurs, touristes et grimpeurs sont très populaires.

Dans la critique d'art moderne, un certain système de classification des arts s'est développé, même s'il peut aussi être qualifié de relatif. Selon ce système, tous les types d’art peuvent être divisés en trois groupes.

Premier groupe : arts de l'espace ou arts plastiques : beaux-arts, arts décoratifs et appliqués, architecture, photographie.

Deuxième groupe : arts temporaires ou dynamiques : musique, littérature.

Le troisième groupe représente les types spatio-temporels : chorégraphie, littérature, arts performants, cinématographie.

Arts décoratifs (DI) Tout comme l'architecture, les beaux-arts appartiennent aux arts plastiques. Cependant, il s'agit d'un type particulier de créativité artistique dont les objectifs diffèrent de ceux des autres types d'arts plastiques. Avec l'architecture, l'art décoratif façonne l'environnement matériel et spatial qui entoure une personne, en y introduisant un principe esthétique, idéologique et figuratif. DI comprend :

• art monumental et décoratif directement lié à l'architecture (reliefs décoratifs, statues, peintures, vitraux, fresques, mosaïques d'intérieurs et de façades, décor architectural, fontaines, sculpture de parc, etc.)
• décoratif et appliqué art (articles ménagers)
• conception art (conception artistique pour expositions, vitrines, festivals)

1.Art monumental et décoratif (MDA) est toujours associé à une conception architecturale spécifique et est considéré comme un phénomène d'ensemble, comme une harmonie indissoluble de l'architecture, de la sculpture et de la peinture. L'environnement matériel-spatial est une structure importante pour une personne, une structure en contact avec elle. L’esthétique et la fonctionnalité des espaces ouverts pour la vie et les activités des personnes sont l’un des principaux objectifs de MDI. Fresques, mosaïques, panneaux, vitraux sont organiquement inclus dans l'architecture, complétant et enrichissant la conception artistique de l'intérieur ou de l'ensemble du bâtiment. Cela se manifeste dans l'unité stylistique, dans la structure compositionnelle, conformément à la conception idéologique et thématique de l'œuvre monumentale avec la finalité fonctionnelle et l'image plastique de la structure architecturale.

L'art monumental et décoratif fait partie de l'art monumental, qui se caractérise par des objets réalistes dédiés à des événements historiques importants et à des personnalités célèbres. Monumental avecles armes se distinguent par un contenu idéologique, politique ou socialement significatif, incarné dans une forme plastique majestueuse (ou majestueuse) expressive à grande échelle, créée à partir de matériaux durables. Les œuvres MDI se caractérisent par des qualités architecturales et ornementales et un désir d'esthétisation. MDI résout les problèmes sur l'organisation décorative de divers éléments architecturaux, murs, façades et plafonds, ensembles de jardinage ou encore le paysage lui-même. Et pourtant, il est difficile de tracer une frontière stricte entre l’art monumental et l’art monumentalement décoratif. Cela est particulièrement vrai pour la peinture monumentale. Dans certains cas peinture monumentale fait partie intégrante de l'ensemble architectural et, dans certains cas, on le retrouve comme surface décorative sur les murs, les façades ou les plafonds divers. Ce n'est pas un hasard si la peinture murale est également appelée monumentale et décorative, soulignant ainsi son rôle énorme dans la finalité des peintures décoratives. D'excellents exemples de peinture monumentale sont les fresques de Raphaël au Palais du Vatican, les peintures de Michel-Ange à Chapelle Sixtine. Le plus haut niveau peinture monumentale atteinte dans l'art byzantin et russe ancien.

Peinture "La Création d'Adam" de Michel-Ange

De nos jours, la peinture monumentale est largement utilisée dans les palais culturels, les clubs, les théâtres, les stations de métro, les gares ferroviaires, etc. Le mouvement du « muralisme », l’art monumental du Mexique moderne, a acquis une renommée internationale. Ce mouvement est né dans les années 20 du XXe siècle et, à notre époque, il s'est développé dans d'autres pays, où il a brillé de nouvelles couleurs.

Peinture murale « Fille à la chemise brodée » de Guido van Helten. Kyiv, 2015

Concepts : l'art monumental et monumental-décoratif ne s'applique pas à architecture populaire. Ceci s'explique par le caractère intime des volumes des structures architecturales, la petite taille des piliers, plateaux, poules, etc., leur compatibilité avec les objets ménagers, et le caractère appliqué de l'imagerie d'un environnement paysan ou pavillonnaire.

2.Arts et artisanat - une section des beaux-arts, couvrant la création de produits artistiques ayant des finalités utilitaires et artistiques. Il s'agit d'un terme collectif qui regroupe classiquement deux types d'arts : décoratif Et appliqué .

Articles arts appliqués: meubles, ustensiles, vaisselle, bijoux s'avèrent artistiquement expressifs principalement grâce à la perfection esthétique de leur forme : la beauté de la silhouette, les proportions, l'élégance des lignes, le traitement magistral de la matière, puis le design artistique. Alors que travaux de décoration: peintures murales, reliefs sculpturaux décoratifs, petites figurines, tapisseries, broderies, tapis, décors sculptés, etc. sont initialement inhérents aux compositions picturales, intrigues ou aux décors ornementaux.

Le latin « decorare » se traduit par « décorer », dans le sens de « magnifier, glorifier ». On pense que le concept de « décor » est apparu dans la Rome antique. L'empire le plus riche se délectait de sa puissance et glorifiait ses victoires. Le culte de la décoration régnait partout.

Cependant décor- non seulement une définition traditionnelle d'un système de bijoux, mais aussi une manière de refléter l'expérience spirituelle dans l'esprit d'une personne.L'art décoratif existait en effet dès la préhistoire, lorsque les hommes des cavernes décoraient leurs maisons avec des peintures rupestres. Pendant une longue période, la décoration était réalisée.

De tout temps, les artisans étaient des professionnels dans leurs activités, de génération en génération ils ont amélioré leurs compétences, gardant soigneusement les secrets au sein de la famille. Lors de la création d'articles ménagers - vêtements, meubles, vaisselle, les artisans les décoraient d'ornements, de motifs, de sculptures et les incrustaient de pierres précieuses, les transformant en de véritables œuvres d'art.

DANS littérature académique concept "d'art décoratif" apparu uniquement dansAnnées 50 du 19ème siècle.À cette époque, la révolution industrielle a eu lieu. En raison de la croissance rapide de la production mécanique, la production de biens par la plupart des artisans s'est déplacée vers les usines et les usines. Les produits se sont unifiés et ont perdu leur caractère unique et leur attrait. Son caractéristique principale Il s’est avéré qu’il ne s’agissait que d’une fonctionnalité grossière. Dans ces conditions, les produits que les artisans continuaient à fabriquer gagnaient considérablement en termes d’esthétique et d’originalité et possédaient une grande valeur artistique. Maîtrise appliqué son art, créant des articles ménagers décorés exclusifs, qui, dans le contexte du décollage industriel, ont commencé à être particulièrement demandés par les acheteurs fortunés.

Peinture décorative a beaucoup en commun avec la peinture sur chevalet.Si peinture scénique exécuté sur les murs et les plafonds d'un bâtiment principalement à des fins ornementales (peintures des murs et des plafonds, fresques) et dont l'élément principal est, nous parlons alors de peinture décorative. Il peut s'agir de belles combinaisons de lignes et de figures géométriques, ainsi que de combinaisons de formes du règne animal et végétal, stylisées ou réalistes (par exemple, peintures murales des maisons de Pompéi, arabesques maures de l'Alhambra, grotesques des boîtes de Raphaël dans le Vatican, etc.).

Arabesque. Palais de l'Alhambra. Espagne XIVe siècle.

En outre, une peinture destinée à décorer ou à révéler le design et la fonction d'un objet et qui n'a pas clairement de signification indépendante sera également appelée décorative. Il s'agit de meubles, de vaisselle, de vêtements, de tissus, de tapis, de broderies, de bijoux, etc., de fabrication artistique.

Peinture décorative. Samovar de Toula.

Au fil du temps, les motifs de la peinture décorative ont changé, cela dépendait du développement de la culture et de l'art, du goût et du style architectural qui prévalaient à une certaine époque et chez différents peuples. Les Français ont utilisé ce nom au 19ème siècle art décoratif(Français l’art décoratif), en relation avec diverses branches de la production artisanale qui ont besoin de l’aide de l’art. Comme la production de meubles élégants, de tapis, de dentelles, de verres et de poteries, de bijoux, de bronzes, de papiers peints et d'autres objets de luxe et de confort - en un mot, pour tout ce que les Allemands appellent habituellement « petits arts », et en Russie - appliqué arts ou industrie de l’art.

Appliquéart- un domaine de l'art couvrant un certain nombre de branches de la créativité dédiées à la création de produits artistiques destinés

principalement pour un usage quotidien. Cependant, l'expression « art appliqué » ne devrait être appliquée qu'aux objets d'activité créatrice qui portent non seulement un contenu artistique et figuratif, mais sont de nature spirituelle et évoquent un certain état émotionnel.

Mot " appliqué" est né avec l'avènement de l'art, appelé chevalet, du mot « machine » (chevalet), sur lequel l'œuvre a été créée. L'art du chevalet est indépendant, non lié au mobilier ou à l'ameublement, il s'adresse directement au spectateur et ne dépend que sur le ressenti de l'artiste et les moyens qu'il a choisis expression artistique.Taille et format travail sur chevalet, en règle générale, sont choisis par l'artiste lui-même, quelle que soit sa proximité future avec les œuvres d'autres auteurs.

DANS Ancien monde le terme « art appliqué » n'est pas utilisé, il n'y a pas de distinction entre les concepts de « technologie » et d'« art », puisque toutes les fonctions de l'art sont indissociables. DANS La Grèce ancienne les statues n'étaient pas des objets à admirer, comme dans un musée. Ils étaient vénérés, offraient de la nourriture et des boissons, étaient décorés de fleurs, habillés de tissus coûteux et faisaient des demandes.

Au milieu du XVe siècle. L'artiste avec ses apprentis et étudiants, en plus de réaliser des peintures, a peint des enseignes pour les magasins, des drapeaux, des assiettes cadeaux pour la confirmation et Noël, des sculptures, des incrustations, des devises héraldiques et des dessins pour tapis. Exécuter de telles commandes n’était pas encore considéré comme inacceptable pour la réputation de l’artiste. Au Moyen Âge, ces activités étaient appelées « métiers artistiques » ou « petites formes d’art », par exemple les « petites formes » d’art traditionnel en Chine et au Japon.

Couronne-reliquaire de Louis Saint Roi de France de 1226

Au XVe siècle. position Artistes italiens a changé. La peinture parmi les « arts mécaniques » acquiert progressivement le statut de « libre ». Non sans l'influence des humanistes, un large éventail de clients commence à apprécier non pas le savoir-faire des choses, mais la maîtrise de la conception et de l'exécution. À l'époque de la Renaissance italienne et nordique, la peinture et la sculpture avaient tendance à être plus sérieuses que décoratives.

Plateaux pour la naissance d'un enfant 14-15 siècles. en Toscane

Mais au XVIe siècle, le déclin de l'économie urbaine, qui touche presque tous les pays de cette région, entraîne une crise de la vie artistique. En Italie, les ateliers d'art perdent leur importance d'antan. Dans certaines villes, ils sont subordonnés au pouvoir de l'État, dans d'autres, ils sont complètement liquidés et les artistes se retrouvent sans le soutien de classe habituel, livrés à eux-mêmes.

Conséquence de la situation difficile des beaux-arts liée à la propagation de la Réforme, il y eut un afflux de forces artistiques dans les arts appliqués : la bijouterie, l'orfèvrerie et la menuiserie, la fabrication de poterie et d'étain, etc. Souventle métier artistique était étroitement lié au métier de mécanicien, de serrurier et d'armurier (montres luxueusement décorées, instruments de navigation, armes et armures). Un trait caractéristique du XVIe siècle dans les pays d'Europe du Nord était la subordination des maîtres des beaux-arts aux artisans appliqués : les dessinateurs et les graveurs réalisaient des motifs ornementaux spéciaux, les sculpteurs créaient des modèles pour décorer les meubles, les appareils électroménagers et la vaisselle. Les techniques artisanales se généralisent : reproduction d'échantillons sculpturaux, utilisation de techniques de gravure en gravure pour accélérer le traitement des plaques de cuivre, etc.

Les œuvres des arts décoratifs et appliqués commencent à interagir agir dans le processus de développement historique. A la fin de la Renaissance italienne, avec la démarcation de l'architecture, de la peinture et de la sculpture et la formation de l'art du chevalet, apparaissent la peinture et la sculpture, non associées à une place spécifique dans l'environnement architectural. Depuis lors, une sphère distincte des arts décoratifs et appliqués a émergé.

En raison de la variété des techniques de traitement des matériaux dans la fabrication des produits, le DPI est très étroitement lié à d'autres types d'art : peinture, graphisme, sculpture. Par exemple, la technologie de décoration d'objets DPI avec une peinture multicolore est la même qu'en peinture, la décoration avec des sculptures est une technique caractéristique de la sculpture et la gravure des produits DPI est la même qu'en graphisme.

Les produits modernes des arts décoratifs et appliqués sont créés en tenant compte à la fois des traditions populaires et des tendances de la mode d'aujourd'hui.

Jusqu'à présent, les objets les plus populaires de cet art, recouverts de la brume des traditions anciennes, sont les produits en acier et en bronze, les tapis faits à la main et décorés de motifs traditionnels - dans les pays de l'Est ; céramiques, objets fabriqués à partir de coquillages - dans le sud ; masques rituels - en Afrique ; produits ambrés - dans la région baltique ; porcelaine, émaux cloisonnés, tissus peints de fleurs, de fruits, d'animaux fantastiques - en Chine et au Japon, en Corée.

Tapis Ispahan moderne fait à la main en Iran.

Produit ambré moderne

Des domaines tels que le design, l'art du design, le modelage de vêtements, dont le contenu principal n'est pas artistique, mais des valeurs esthétiques, ne devraient pas être appelés art appliqué. Contrairement à la lecture littérale du terme, l’art n’est appliqué nulle part ; il existe par définition. La valeur artistique ne s’attache pas à la valeur matérielle, mais l’une se transforme en l’autre.

3.Art de la conception

L'art du design, à l'aide des moyens d'expression des beaux-arts et de la technologie de l'éclairage, crée des exemples de synthèse d'arts qui se distinguent par leur impact émotionnel sur une personne. L'art du design comprend généralement un contenu programmatique, concret, visuel et de propagande.

Cela s'apparente à un décor de théâtre ; mais si dans un théâtre traditionnel le décor et d'autres éléments du spectacle sont perçus de l'extérieur depuis l'auditorium, alors dans l'art du design, le spectateur se trouve généralement à l'intérieur d'un espace aux multiples facettes (par exemple, une exposition) ou il devient lui-même un participant dans une action artistiquement décidée. L'art du design est une réaction rapide, souvent journalistiquement aiguë, à aujourd'hui, dans laquelle le laconisme des images se combine avec la légèreté des matériaux, la mobilité des structures et la netteté des solutions spatiales et chromatiques. Utiliser les possibilités des moyens d'expression de tous les arts, réalisations technologie moderne

, les spécialistes de l'art du design s'efforcent de créer des images idéologiquement riches et profondément émotionnelles, en utilisant souvent le symbolisme ; recherchent de nouvelles solutions pour la conception artistique et esthétique des villes et des villages ; Ils développent de nouvelles méthodes de présentation dans les musées et les expositions, de nouvelles formes de propagande visuelle.

Développement méthodologique en beaux-arts

Sujet:

Préparé par:

Rodionova Galina Léonidovna

Titre d'emploi:

Professeur classes primaires

Lieu de travail:

MBOU "Okhvatskaya OOSH"

Village d'Okhvat, région de Tver

Fédération Russe

INTRODUCTION 3

1. Travail du bois artistique 5

   Tissage de vigne 8

   Céramique, poterie 10

   Broderie 12

   Technique du patchwork 16

   Jouet textile folklorique 17

   Costume folklorique 19

   Tissage, tapisserie 20

   1. Perles 22

      Fabrication de dentelle 25

      Peinture (sur verre, faïence, bois) 26

CONCLUSION29

LISTE DES RÉFÉRENCES UTILISÉES 30

INTRODUCTION

Les arts et métiers populaires sont le résultat de la créativité de plusieurs générations de maîtres. C'en est un dans son structure artistique et est inhabituellement diversifié dans ses caractéristiques nationales, qui se manifestent dans tout, depuis le choix (l'utilisation) du matériau jusqu'à l'interprétation des formes visuelles.

La profonde compréhension du matériau par l’artiste populaire lui permet de créer des œuvres parfaites d’art décoratif et appliqué. Bois et argile, pierre et os, cuir et fourrure, paille et osier - tous ces matériaux trouvent une utilisation biologique dans divers articles ménagers. Ils ne sont pas contrefaits avec des matériaux coûteux, mais sont traités et décorés selon leurs propres propriétés naturelles. Par conséquent, la poterie en argile simple ne peut pas être confondue avec des plats en porcelaine, mais avec un récipient en cuivre étamé avec un objet en argent.

Cette capacité à utiliser les qualités naturelles du matériau s'est incarnée dans des techniques artistiques et techniques qui permettent la conception et la décoration les plus rationnelles de produits avec des ornements ou des images d'intrigue, en combinant de vrais prototypes avec l'imagination audacieuse du créateur. C'est ainsi que se sont développés les métiers d'art traditionnels pour de nombreux peuples de notre pays : vannerie, poterie, dentellerie, tissage de tapis, tissage, broderie, transformation artistique du bois, de l'os, de la pierre, du métal et d'autres matériaux.

Cet ouvrage présente divers types et techniques d'art décoratif et appliqué.

Lors de la classification des produits des maîtres de l'artisanat populaire, il est conseillé d'utiliser une caractéristique aussi importante que le matériau. Pour les produits d’art populaire, le matériau dicte les méthodes de traitement, de finition et de décoration.

En fonction du matériau utilisé pour fabriquer des produits artistiques, ils sont divisés en produits artistiques en bois, papier mâché, métal, os et corne, pierre, céramique, verre, cuir, fils et fils, tissus, fourrure et plastiques.

Selon le mode de fabrication, les produits artistiques sont : moulés, gaufrés, filigranés, pressés, forgés, galvanisés, menuisés, tournés, sculptés, osiers, tricotés, tissés, brodés, soufflés. Et donc, regardons les principaux types d'arts décoratifs et appliqués.

1Types et techniques des arts décoratifs et appliqués

1.1 Transformation artistique du bois

La sculpture sur bois, qui a longtemps été utilisée pour décorer les maisons, les navires, les meubles, la vaisselle, les outils et les objets de divertissement et de loisirs, est divisée en groupes principaux suivants : à entailles plates ou en profondeur, à relief plat, en relief, à fentes ou ajourée, sculpturale ou tridimensionnelle, maison (navire) . À leur tour, chacun de ces groupes est divisé en plusieurs variétés en fonction de la technique de conception et d'exécution.

À encoche plate la sculpture s'apparente à d'anciens pétroglyphes ou même à des dessins primitifs sur du sable côtier dense, caractérisés par le fait que des compositions de complexité variable sont découpées (retirées) techniques spéciales et des méthodes à partir du plan d'un flan de bois, dont les zones intactes constituent ainsi le fond de la sculpture. Selon la forme des évidements et la nature du motif, les sculptures plates peuvent être géométriques ou de contour.

Sculpture géométrique il s'agit essentiellement d'évidements en forme de coin répétés dans une certaine composition, qui peuvent varier en taille, en profondeur et en géométrie des angles selon lesquels l'évidement est réalisé. Il peut également y avoir des différences dans le nombre d'arêtes de chaque encoche. Les plus courantes sont les encoches à deux et trois côtés. Moins souvent, des évidements tétraédriques, carrés et rectangulaires sont utilisés, car leur exécution nécessitera plus d'habileté, même si la technique ne diffère pas des précédentes.

Fil de contour représente un ornement linéaire ou dessin d'histoire sur le plan d'un flan de bois (objet du quotidien), réalisé sous la forme de fines fentes dièdres (en forme de coin), appliquées sur la surface le long du contour du motif à l'aide de couteaux et de divers ciseaux. Contrairement à la sculpture géométrique, la sculpture de contours utilise principalement des motifs figuratifs : feuilles, fleurs, figures d'animaux, d'oiseaux, d'humains, motifs architecturaux, objets, meubles et articles ménagers. Une image réalisée avec des contours sculptés s'apparente à un dessin gravé : ses lignes de découpe sont rigides et il n'y a quasiment aucun jeu de clair-obscur. La sculpture de contour est le plus souvent utilisée en combinaison avec d'autres types de sculpture - relief plat géométrique, ainsi qu'avec la peinture. Cette technique est souvent utilisée pour réaliser des panneaux décoratifs.

Fil volumétrique(haut-relief ou sculptural) tant dans la nature de la solution plastique de la forme que dans la technique d'exécution est à égalité avec la sculpture. Les sculptures en haut-relief ne sont pas très répandues en Russie. Un exemple de sculpture volumétrique peut être ce qu'on appelle "okhlupen" - une image sculptée de la tête et de la partie supérieure du corps d'un cheval, d'un cerf ou d'un grand oiseau, qui a été découpée dans un rhizome entier avec une hache et placée sur le faîte du toit au-dessus du fronton.

Sculpture en relief plat. Dans la sculpture en relief plat, le dessin pénètre profondément dans l'épaisseur de la planche ; il se caractérise par le fait que l'image sculptée est dans le même plan que le fond de la planche. Un ornement réalisé selon la technique de sculpture en relief plat peut également être utilisé selon la technique du sciage. La sculpture en relief plat a plusieurs variétés : la sculpture à contours ovales (ovales ou « ovales »), la sculpture à fond coussin, la sculpture à fond sélectionné (sélectionné), la facture ajourée et à fond enlevé. Une caractéristique commune à tous les types de sculptures est un faible relief conventionnel situé dans un plan au niveau de la surface à décorer.

Filetage du support. Sa principale caractéristique est que la coupe (encoche) s'effectue non pas avec un ciseau droit, mais avec un ciseau semi-circulaire. Chaque détourage s'effectue en deux étapes : d'abord un détourage à angle droit, puis un angle aigu dont la valeur est déterminée par la nature du motif.

Fil de scie- un type de transformation du bois décoratif dans lequel des motifs tracés sur une surface plane sont découpés à l'aide d'une scie sauteuse ou d'une scie hélicoïdale. Dans la sculpture découpée à la scie, le caractère décoratif est obtenu grâce à un maillage ajouré. Le fil de saignée est une continuation du fil à relief plat. De plus, le fil scié est un type de fil fendu. Les bases de la sculpture à la scie sont planaires grâce à l’ornementation. Le motif le plus courant est une boucle en forme de S avec des extrémités torsadées.

Sculpture à fente. DANS filetage fendu Le plus souvent, un motif plat est utilisé. Caractéristique de l'ornement pour sculpture à fentes : les éléments de sculpture, dépourvus de fond, doivent être en contact les uns avec les autres et avec le cadre. Si les éléments du motif ont des hauteurs différentes, on parle d'ajouré. Dans la sculpture à fentes, les zones de l'arrière-plan qui sont supprimées sont de taille insignifiante, mais en forme, elles sont très belles et créent leur propre motif associé à l'ornement sculpté. Cette technique de sculpture utilise de grandes coupes de bois. Le relief saillant de l’ornement sculpté se détache sur le fond en bois. La différence entre un fil fendu et un fil scié réside dans la méthode d'obtention des parties tombantes. Dans un fil fendu, le treillis est formé à l'aide d'un coupeur, dans un fil coupant - avec une scie hélicoïdale, c'est-à-dire la coupe au cutter est remplacée par le sciage.

Sculpture forestière. La sculpture forestière fait référence à des trouvailles transformées à partir de matériaux forestiers obsolètes ou voués à l'échec en utilisant leur plasticité, leur texture et leur texture naturelles. L'idée de l'image est suggérée par la trouvaille elle-même. La principale caractéristique de la sculpture forestière est son caractère unique.

La nature ne peut pas répéter la même courbure dans les branches et les racines des arbres, c'est pourquoi une personne ne peut pas réaliser deux sculptures forestières identiques à partir de découvertes naturelles. Vous ne pouvez répéter que le thème, l'idée, mais en aucun cas vous ne pouvez répéter le travail. C'est son avantage. L'auteur envahit le matériau avec beaucoup de soin - il libère d'abord la pièce de l'écorce, la frotte et lui donne de la stabilité. Cela « aide » un peu la nature à révéler l’image qu’elle s’est créée.

1.2. tissage d'osier

Tissage en osier- l'artisanat russe traditionnel. À partir de brindilles, de branches, de vignes, de quenouilles et même de maïs, les artisans fabriquent facilement une grande variété de choses utiles et belles : des paniers de champignons aux clôtures ajourées en broussailles, qui autrefois tout cosaque qui se respectait clôturait la maison.

Parmi les principales méthodes de tissage, on peut distinguer le tissage direct,

corde, bords, design ajouré et bordure.

Tissage droit. C'est l'un des types de tissage les plus connus, utilisé dans la fabrication du fond, des parois et du couvercle de la plupart des produits. Très souvent, on l'appelle «tresse». Avec l'aide du tissage direct, vous pouvez compléter facilement et rapidement n'importe quelle partie du produit, surtout si vous disposez d'au moins un peu de temps pour vous familiariser avec celui-ci. C'est la base de tout produit et l'élément de liaison de ses éléments constitutifs, c'est ce qui donne et maintient la forme de tout objet en osier, ce dont aucun tisserand ne pourrait se passer, c'est le début du chemin vers la maîtrise.

Tissage simple. Un simple tissage est utilisé pour fabriquer de l'osier

meubles. La tige de tressage est passée à travers un espace selon le motif « devant »

contremarche, derrière la contremarche. Un tissage simple peut être réalisé avec une ou plusieurs tiges à la fois.

Araignée ajourée. L'ajouré est tissé selon un simple tissage à partir de fines brindilles.

De fines brindilles de 15 à 20 cm de long sont insérées à l'endroit prévu dans le précédent

tisser et tresser 3-4 rangées de 2-6 supports. Obtenez le tissage d'un carré-

mi. Une « araignée » en est formée.

1.3. Céramique, poterie

La notion de « céramique » englobe toutes variétés de produits ménagers ou artistiques fabriqués à partir d'argile ou de mélanges contenant de l'argile, cuits au four ou séchés au soleil. Les céramiques comprennent la poterie, la terre cuite, la majolique, la faïence, la pierre massive et la porcelaine. La vaisselle - cruches, bols, assiettes, flacons, casseroles ainsi que les jouets sont les produits les plus typiques de la céramique populaire.

Vaisselle en céramique- des plats en terre cuite. Selon le mode de fabrication, les plats sont divisés en plats faits à la main et réalisés sur un tour de potier.

tour de potier– une machine pour mouler des produits céramiques. Initialement, le maître faisait tourner le cercle sur un axe vertical avec sa main gauche. Plus loin tour de potier a commencé à être entraîné par les jambes, ce qui a libéré les mains du maître et amélioré la qualité des produits. L’une des techniques les plus anciennes de décoration de la vaisselle est le polissage. Lors du « polissage », la surface du produit est frottée jusqu'à obtenir un éclat miroir avec une pierre nue, un os, une cuillère en acier ou un flacon en verre. Dans le même temps, le polissage compacte la surface du tesson, le rendant moins perméable et plus durable. Dans le même temps, la couche supérieure d'argile est compactée, devient plus durable et laisse passer moins d'eau. Autrefois, cette méthode simple remplaçait même le vitrage, qui demandait plus de travail.

Il existe des céramiques polies en rouge et en noir. La première est la couleur naturelle de l’argile de poterie rouge. Le second est enfumé, brûlé dans une flamme enfumée sans accès à l'oxygène. À la toute fin de la cuisson, du bois de pin résineux, des chiffons inutiles, du fumier brut et de l'herbe étaient introduits dans la forge de poterie, bref tout ce qui produisait une épaisse fumée noire. Après mijotage, les récipients acquièrent une couleur noire profonde. Sur un fond noir velouté, les motifs avaient une teinte bleutée.

éclat d'acier, pour lequel de tels plats étaient communément appelés « blues ».

Chamotte– argile réfractaire (kaolin), cuite jusqu'à perte de plasticité et

amené à un certain degré de frittage. Dans la pratique de la céramique artistique, la chamotte est souvent appelée produits finis cuits à partir de cette masse -

vases en argile réfractaire.

Porcelaine– est un type spécial de céramique imperméable à l’eau

et du gaz. Il est translucide en couche mince. Lorsqu'on le frappe légèrement avec un bâton en bois

produit un son très clair. Selon la forme et l'épaisseur du produit, le ton

peut être différent.

La porcelaine est généralement produite par cuisson à haute température de particules finement divisées.

un mélange de kaolin, de quartz, de feldspath et d'argile plastique (cette porcelaine est dite feldspathique).

Faïence– ce sont des produits denses, finement poreux, généralement blanc. Par

La composition de la faïence diffère de celle de la porcelaine par la plus grande présence d'argile et moins

le nombre de composants différents : kaolin, quartz, etc. Cela réduit

sa transparence (vitréosité).

Petit plastique ou sculpture de petites formes - un type de sculpture de chevalet,

caractérisé par sa petite taille. Il utilise une grande variété de matériaux : pierre, argile, métal, porcelaine, verre, pierres semi-précieuses et précieuses, etc. Les petits objets en plastique comprennent des produits tels qu'un jouet en argile - l'une des manifestations les plus brillantes de la culture russe. Les traditions de l'artisanat et de l'art des jouets se transmettent de génération en génération, et les idées sur la vie, le travail et la beauté sont transmises aux gens. Le jouet est proche du folklore et crée une impression des particularités de l'art populaire national russe.

1.4. Broderie

Broderie- l'un des types d'art populaire les plus répandus. L’ornementation de la broderie populaire trouve ses racines dans l’Antiquité. Il conserve des traces de l'époque où les hommes spiritualisaient la nature environnante. En brodant des images du soleil, de l'arbre de vie, des oiseaux et d'une figure féminine sur des vêtements et des articles ménagers, ils pensaient ainsi apporter la prospérité à la maison.

Point de croix- l'un des plus anciens et en même temps le plus types simples la broderie, et le point de croix compté est l’une des techniques de broderie les plus anciennes et les plus simples. Le point de croix compté est réalisé sur un type de tissu spécial. Au point de croix moderne, la base de la broderie est la toile. Il s'agit d'une toile spécialement réalisée en usine, marquée en damier de telle sorte que chaque cellule de la toile soit un endroit pour dessiner une croix avec des fils.

Surface est un type de broderie dans lequel la forme du motif est recouverte de points denses. Il existe de nombreux types de points satin dans la broderie folklorique, mais tous peuvent être divisés en deux grands groupes : le point satin double face, dans lequel le fond du motif sur l'image est recouvert de points sur le devant et le dos, et unilatéral, dans lequel le recto de la broderie est très différent de celui

envers.

Il y a aussi point noueux, dans lequel l'ensemble du motif est cousu avec des nœuds simples avec une infusion de tons. Le plus souvent, le point satin noué est utilisé comme élément décoratif dans une grande variété de broderies. Ainsi, lors de travaux avec des coutures simples ou au point satin, des éléments individuels (par exemple des noyaux de fleurs, des étamines, des feuilles, des tiges ou des troncs d'arbres) sont brodés avec différents points noués.

Broderie d'accords– isonth ou autre image avec fil, le fil graphique est la création d’une image avec fil sur un support solide, papier, carton, disques CD.

Richelieu– l’un des plus difficiles à réaliser, mais en même temps – incroyable

de beaux types de broderie, qui sont un tissu ajouré dans lequel les fils sont assortis au ton du tissu. La technique tire son nom d'un fan de foulards en dentelle - le cardinal français Richelieu. La broderie ajourée est principalement utilisée pour décorer le linge de table et de lit, les cols, les volants et les mouchoirs en tissus fins. La broderie présente plusieurs variétés dans la conception des pulls, dans la conception du motif lui-même et dans la présence de garnitures supplémentaires. Le contour du motif dans tous les types de broderie est réalisé avec un point « boucle » ou, comme on l'appelait auparavant, une couture « festonnée ».

Broderie dorée s'appelle broderie avec des fils métalliques de couleur or et argent. Jusqu'au XIe siècle, l'or tréfilé était utilisé dans ce type de couture.

et de l'argent. La broderie était réalisée avec un fil métallique dans l'attache, c'est-à-dire qu'un fil métallique était appliqué sur le tissu, tandis qu'un fil de lin ou de soie était cousu sur le fil métallique. Des points parallèles rapprochés ont créé une surface lisse et brillante. L’effet de la broderie dorée était le jeu d’ombre et de lumière des fils métalliques. Si vous souhaitez créer un motif convexe, ajoutez du papier ou du coton. La richesse de la broderie dorée en a fait la principale technique de décoration des objets d'église.

Perlage. Depuis l'Antiquité, les artisans russes admirent leur magnifique savoir-faire en broderie, d'abord avec des perles, puis, à partir du milieu du XVIIe siècle, avec des perles de verre colorées. Les perles de clairon étaient utilisées pour décorer les vêtements et broder des peintures représentant divers paysages, églises, icônes, etc. À notre époque, la broderie de perles est redevenue populaire. Des éléments en perles sont utilisés pour décorer les vêtements, ce qui leur donne un look original et élégant. De nombreux styles de mode sont incomplets sans bijoux en perles. La broderie de peintures avec des perles représentant des fleurs, des oiseaux et des animaux est extrêmement populaire.

Broderie avec des rubans de soie- un type de travaux d'aiguille artistique, défini

une méthode de broderie d'un motif sur une toile de densité variable à l'aide d'une aiguille et de rubans de soie colorés. La broderie avec des rubans de soie est largement utilisée pour créer des peintures artistiques. De plus, c'est l'attribut principal dans la conception des cérémonies et des fêtes : la robe de mariée de la mariée est brodée de rubans et de volants,

sacs à main, mouchoirs, serviettes et nappes sur les tables.

1.5. Technique du patchwork

Patchwork (patchwork)) - un type de couture dans lequel, selon le principe de la mosaïque, un produit entier est cousu à partir de morceaux de tissu multicolores et panachés (lambeaux) avec un certain motif. En cours de travail, une toile est créée avec un nouveau Schéma de couleur, motif, parfois texture. En Russie, les techniques du patchwork sont utilisées depuis longtemps, notamment pour la confection de quilts. Les maîtres modernes exécutent également la technique

Compositions tridimensionnelles patchwork.

Couette folle– un mélange de techniques de couture et de broderie, où vous pouvez utiliser des chutes de formes, tailles et couleurs variées, des rubans,

dentelles, boutons, perles, diverses méthodes de broderie avec n'importe quoi : fils, rubans de soie et bien plus encore. Une envolée totale. Compatible avec incompatible.

Piquage. Bien qu'il existe d'innombrables variantes de quilting selon les peuples et les cultures, elles sont basées sur la même technique : deux ou plusieurs couches de tissu sont matelassées à l'aide de points de quilting, ce qui donne lieu à une pièce décorative. Selon le choix de la couturière, le quilting peut être simple ou complexe ; il peut être réalisé à la main ou à l'aide d'une machine à coudre - dans tous les cas, il laisse place à l'imagination et à l'expérimentation. Les motifs de cette technique sont réalisés avec de petits points vers l'avant. Les fils multicolores permettent de mettre en valeur l'élément central

décorez et créez des bordures étonnantes.

1.6. Jouet textile folklorique

Depuis l'Antiquité Poupée de chiffonétait un jouet traditionnel du peuple russe.

Jouer avec des poupées était encouragé par les adultes parce que... En y jouant, l'enfant apprend à tenir un foyer et acquiert l'image d'une famille. La poupée n'était pas seulement un jouet, mais un symbole de procréation, un gage de bonheur familial. Elle accompagnait une personne de la naissance à la mort et était un attribut indispensable de toute fête.

Plus de 90 types de poupées sont désormais connues. La poupée de chiffon folklorique était

pas seulement un jouet, il remplissait une certaine fonction : on croyait que

une telle poupée protège le sommeil des enfants et protège l'enfant des forces du mal. Souvent une poupée

rendu sans visage. Selon d'anciennes croyances, une poupée sans visage (c'est-à-dire sans âme) ne peut pas

les mauvais esprits peuvent s’y installer. Selon leur destination, les poupées sont divisées en trois

grands groupes : poupées - amulettes, jeux et rituels.

Poupées - amulettes

Amulette - une amulette ou un sortilège magique qui sauve une personne de divers

dangers, ainsi que l'objet sur lequel le sort est lancé et qui est

asseyez-vous sur le corps comme un talisman.

Bereginya est un exemple de poupée talisman - symbole du principe féminin. Bereginya

on ne peut pas piquer avec une aiguille (coudre les rabats ensemble), on ne peut pas dessiner un visage. Si l'amulette est destinée à un petit enfant, le tissu n'est pas coupé avec des ciseaux, mais déchiré à la main. La particularité de la production de Beregini réside dans le fait que

que les volets qui le composent sont reliés entre eux à l'aide

noeuds et fils.

Jouer aux poupées destiné à l'amusement des enfants. Ils étaient divisés en

cousu et roulé. Les poupées enroulées étaient fabriquées sans aiguilles ni fils. Sur Baton de bois ils ont enveloppé une épaisse couche de tissu puis l'ont attachée avec une corde. Ensuite, ils attachèrent une tête avec des poignées à ce bâton et l'habillèrent de vêtements élégants.

Poupées rituelles avait un but rituel et symbolisait la fertilité et la prospérité (poupée "Vepskaya" - chou, séché). La poupée rituelle à plusieurs bras « Dix Mains » était destinée à aider les filles à préparer leur dot et les femmes dans diverses activités, comme le tissage, la couture, la broderie, le tricot, etc. La poupée « Kupavka » est une poupée rituelle d'un jour.

« Kupavka » représentait le début du bain. La poupée rituelle Maslenitsa était fabriquée à partir de paille ou de liber, mais elle utilisait toujours du bois - mince

tronc de bouleau. La paille, comme le bois, personnifiait le pouvoir luxuriant de la végétation.

Les vêtements de la poupée doivent avoir un motif floral. Elle était fixée sur une croix en bois.

1.7. Costume folklorique

Costume folklorique Il s'agit d'un patrimoine inestimable et inaliénable de la culture populaire, accumulé au fil des siècles. Le costume folklorique n'est pas seulement brillant et original

élément de culture, mais aussi de synthèse divers types créativité décorative. Le costume folklorique est une sorte de chronique de la vie du peuple. Ce lien relie fermement le passé artistique du peuple au présent et au futur. Et peu importe qu'il soit utilisé comme costumes de scène pour des groupes folkloriques ou pour décorer une collection de jouets folkloriques.

1.8. Tissage, tapisserie

L’art du tissage est la forme la plus ancienne des arts décoratifs et appliqués.

Tissage de motifs. Dans le tissage à motifs russe, des types de tissage tels que l'hypothèque, le branoe, le choisi, le cueilli, la guérison étaient très répandus. . Selon les types de tissage et les caractéristiques de style de l'ornement, il se distingue particulièrement

tissage du nord de la Russie, qui comprend les régions d'Arkhangelsk, Vologda, Pskov et Novgorod.

Tapisserie– un des types d'art décoratif et appliqué, un tapis mural non pelucheux avec une intrigue ou une composition ornementale, tissé à la main par des fils croisés. Les tapisseries sont tissées à partir de fils de soie et/ou de laine colorés en pièces séparées, qui sont ensuite cousues ensemble (souvent des taches de couleur individuelles).

Fabrication de tapis. Selon la technique de fabrication, les tapis sont divisés en tapis et en poils. Le tissage de tapis est typique des régions de la Russie centrale - Voronej, Belgorod et surtout les régions de Koursk.

1.9. Batik

Batik est un nom générique de diverses manières divers tissus peints à la main. La base de toutes ces techniques, à l'exception de la technologie

peinture graduée libre, réside le principe de réserve, c'est-à-dire

enduire avec une composition imperméable à la peinture les zones du tissu qui doivent rester non peintes et former un motif. Il existe plusieurs techniques

batik, chacun varie en termes de degré de complexité, d'effet de l'image résultante, de matériaux et de techniques utilisés pour peindre le tissu.

Batik chaud- la plus ancienne et la plus complexe de toutes les techniques de peinture sur tissu. Le travail ici est réalisé avec de la cire fondue au feu (et donc chaude en température) (le plus souvent), de la paraffine, de la stéarine ou un mélange de celles-ci. Ils sont rapidement appliqués sur le tissu à l'aide d'une brosse à poils spéciaux ou d'un appareil spécial pour appliquer un contour de cire fondue. Une fois le travail terminé, la cire est retirée du tissu à l'aide d'un fer chaud et d'une pile de vieux journaux.

Batik froid-avec la technique du batik à froid, le rôle de la cire est joué par des contours et des réserves spéciaux pour le batik, qui peuvent être achetés dans n'importe quel magasin de fournitures artisanales. Le fait qu'il n'est pas nécessaire de chauffer les substances, de graver la cire et de la réappliquer simplifie grandement la technologie de peinture sur tissu. La réserve froide peut être appliquée avec des tubes batik en verre spéciaux.

Batik noué - est appelé un type ancien de conception de tissu. Sa signification

simple - les nœuds sont noués sur le tissu (au hasard ou sans respect

dessin) à l’aide de fil. Vous pouvez créer des dessins à l'aide de l'outil

matériaux faits à la main - boutons, cailloux, boules rondes. La chose principale que

l'article n'avait pas peur des températures élevées, car il était lié avec

bien enfiler, il bouillira dans de l'eau avec une solution de colorant.

T-shirts, robes,

nappes, serviettes.

Peinture gratuite – Cette technique du batik démontre surtout le talent de l’artiste ; ici il est impossible de réaliser un dessin à partir d’un gabarit tout fait. Le caractère unique de l'œuvre est créé. Fondamentalement, la peinture de forme libre est pratiquée à l'aide de colorants à l'aniline ou Peinture à l'huile avec des solvants spéciaux.

1.10. Perles

Le travail du perlage existe depuis longtemps et garde ses secrets, à savoir comment les petites perles - les perles - sont transformées en produits d'une beauté unique. A la demande du maître, perles, perles et paillettes se transforment en belles fleurs, bijoux élégants, colliers ou arbres insolites aux formes les plus bizarres.

Tissage croisé ( ou carrés) est connu et populaire depuis un certain temps. Il est utilisé pour créer des pendentifs, des colliers, des ceintures et des bracelets, ainsi que des serviettes en perles. Les produits ressemblent à un maillage dense de croix. Ce type de tissage demande beaucoup d’habileté et de patience.

Technique de tissage rayon de miel assez complexe et rare. Elle est réalisée avec deux aiguilles. Le produit se compose d’hexagones réguliers et ressemble à une toile composée de nombreuses fleurs.

Tissage multibrins-utilisé dans les temps anciens. De cette manière, les brins étaient tissés en reliant de longs fils avec des perles enfilées dans un ordre prédéterminé. Pour tisser selon cette méthode, vous devez disposer d'un

un endroit avec un grand plan libre pour que les fils avec les perles ne s'emmêlent pas.

Technique de la mosaïque- la méthode de tissage la plus dense. Les perles sont disposées en rangées décalées comme de la maçonnerie. Ce tissage est utilisé pour réaliser des bijoux et des accessoires – bracelets, colliers.

Tissage de mailles– une méthode très courante de tissage de récipients, de fabrication d’œufs de Pâques, ainsi que de colliers et de couvertures en perles. Perlé

les couvertures en maille à petites cellules gardent parfaitement leur forme et les cols en dentelle et perles en maille grossière s'adaptent très bien à la robe.

Vous pouvez également réaliser des colliers, des ceintures et divers bijoux en utilisant cette technique.

Le tissage des mailles se fait principalement en un seul fil.

Technique tissage parallèle Elle est le plus souvent réalisée sur fil. Ra-

Le botta est maintenu avec les deux extrémités du fil (fil) l'une vers l'autre dans chaque rangée. Cette technique est utilisée pour fabriquer des feuilles et des pétales de fleurs en perles, ainsi que divers éléments de figures en perles tridimensionnelles.

Tissage volumétrique- est apparu relativement récemment et se développe activement. AVEC

Grâce à cette technique, divers faisceaux sont réalisés - ronds et carrés,

dense et ajouré, avec inclusion de boutures et clairons, colliers volumineux, boules,

fleurs, flocons de neige, diverses figures d'animaux, papillons, etc.

1.11 Fabrication de dentelle

La dentelle fonctionne différentes façons: tissage, tricot,

broderie, tissage, etc.

Dentelle à la main est un tissu en maille à motifs qui est une œuvre d'art décoratif et appliqué. Actuellement, les meilleures traditions de fabrication de dentelle populaire sont développées par les dentellières des régions de Vologda, Lipetsk, Kirov, Riazan, Leningrad et Arkhangelsk. Pour la fabrication de dentelles et de produits en dentelle, on utilise du coton blanc ou brillant, du lin blanchi et gris, en petites quantités, de la soie, de la laine, des fils de nylon et des fils de numéros différents. Les fils métalliques sont utilisés pour des vêtements élégants.

Sur les bobines la dentelle est tissée selon des motifs spéciaux - des éclats. L'artisane déplace les bobines dans un certain ordre, créant ainsi des motifs de dentelle complexes. La dentelle et les produits en dentelle faits à la main sont classés selon leur objectif, leur matériau, la nature des motifs et l'artisanat populaire.

Frivolité- Il s'agit d'une technique de tissage de dentelle à la main à l'aide de navettes spéciales. La dentelle de frivolité est utilisée pour la finition de vêtements, nappes, serviettes, couvre-lits, etc. Les produits fabriqués à partir de frivolité justifient le nom de cette technique de dentelle car ils sont vraiment légers et presque sans poids.

1.12. Peinture (sur verre, faïence, bois)

Peinture sur verre attrayant simplement parce que vous n’avez pas besoin de l’être Grand artiste. Et le champ d'application de cette technique permet non seulement de créer des peintures et des cadres originaux dans le style du vitrail, mais aussi de donner une nouvelle vie à tous ces vieux verres en verre, verres à shot, carafes, bouteilles et flacons qui se trouvent dans chaque maison.

Peinture sur bois- C'est l'un des types d'art décoratif et appliqué les plus anciens. Depuis l'Antiquité, la décoration de divers produits en bois avec de la peinture colorée est très appréciée et chaque maison possédait certainement plusieurs planches ou assiettes peintes. Aujourd’hui, l’intérêt pour la peinture sur bois connaît un regain. Presque tout peut être décoré avec de la peinture sur bois. Il peut s'agir de vaisselle, de divers accessoires pour la maison, de boîtes, de vases, de peignes, de bracelets, de perles, de boucles d'oreilles, de jouets. Vous pouvez également peindre des meubles en bois et des sculptures en bois.

Les types de peinture les plus célèbres sont Khokhloma, Gorodets, Polkhovmaidan.

Peinture à la laque. Dans chaque métier, la peinture sur laque a ses propres caractéristiques d'exécution, sa propre tradition de décoration des objets avec des ornements.

La peinture sur laque de Fedoskino a été guidée par des exemples de la peinture classique russe. D'elle, elle a appris la technique de la peinture multicouche avec des peintures à l'huile. La miniature Fedoskino est toujours réalisée entourée d'un fond de boîte noire.

La peinture sur laque Palekh, suivant l'ancienne technique de la peinture d'icônes, est réalisée avec des peintures à la détrempe (pigments de couleur dilués avec de la colle et du jaune d'œuf). La nature de la peinture montre une continuation des traditions de la peinture d’icônes. Réalisé sur fond noir.

Peinture de céramiques, faïences

Céramique Semikarakorsk. Une particularité de la céramique Semikarakorsk est que la méthode de production utilise une méthode unique travail manuel, originalité des formes, ingéniosité et poésie dans la décoration. La particularité de la lettre s'exprime dans l'écriture individuelle, dont le motif est la peinture de bouquets et d'ornements floraux sur un fond de faïence blanc comme neige. La peinture de paysage confère aux produits une sophistication et une sophistication particulières. Dans le même temps, l'ornement comprend des compositions d'intrigues de la flore et de la faune stylisées du Don, issues du folklore cosaque.

Céramique de Gjel. Le nom de l'artisanat est associé à la région de Moscou, où la poterie, les tuiles et les tuiles sont fabriquées depuis plus de 8 siècles. Le décor traditionnel est une peinture bleue sous glaçure sur fond blanc avec des doublures dorées.

Jouet Dymkovo. Le jouet Dymkovo a caractéristiques en peinture. Moulé en argile rouge, il est après cuisson peint à la craie diluée dans du lait. La peinture est réalisée sur fond blanc avec des peintures à la détrempe.

Jouet Kargopol. Le thème comprend des figures d'ours, de chevaux, de cerfs et de chiens. Les figures du peuple sont trapues, fortes de manière rustique.

Jouet Filimonovskaya– il compense la proportion allongée des figures traditionnelles en peignant avec des rayures horizontales de couleurs rouges, jaunes et vertes.

Peinture décorative sur métal selon le lieu de production a le sien caractéristiques distinctives.

Plateaux peints de l'Oural a commencé à être fabriqué au début du XVIIIe siècle, pendant la période de développement de la production métallurgique, également associée à la production de tôle.

Plateaux Zhostovo. Au début du 19ème siècle. les plateaux étaient fabriqués dans les villages et hameaux de Zhostovo, Troitsky, Novosiltsev (région de Moscou), etc. L'artisanat de Zhostovo a été influencé par la peinture de l'Oural, la peinture sur laque de Fedoskino et la peinture sur porcelaine.

CONCLUSION

Dans cet essai, nous avons considéré une liste loin d'être complète

types et techniques des arts décoratifs et appliqués. La vie moderne dicte ses propres règles. Avec le développement des nouvelles technologies, des changements sont apportés au processus de création d’art et d’artisanat, les rendant plus intéressants et modernes. Cependant, chaque technologie repose sur des techniques de fabrication et des matériaux traditionnels.

Les créations des maîtres artisans modernes surprennent par la variété des formes, les images vives, l'originalité de l'exécution, l'expressivité de la couleur, le plastique, les solutions de composition et l'unité de l'utilité et de la beauté.

En règle générale, la plupart de leurs œuvres sont réalisées à partir de matériaux simples et courants : bois, argile, laine, lin, etc. Mais grâce au savoir-faire unique et original artistes contemporains En termes de valeur artistique, ces œuvres ont une valeur bien plus élevée que de nombreux produits fabriqués à partir de matériaux coûteux. C'est dans ces œuvres, à première vue simples, réalisées à partir des matériaux les plus ordinaires que l'on peut retracer le plus complètement les origines de la vie spirituelle du peuple. Ils sont saturés d'une signification particulière et d'un contenu riche - gentillesse, sagesse et dignité.

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