Œuvres de Cézanne avec titres. Paul Cézanne, biographie et peintures de l'artiste. Tentation de Saint Antoine

01.07.2020

Intelligence et passion, équilibre et dynamisme, harmonie et expression de l'individualité.

Il a tenté de concilier classiques et modernité, même si, comme on le sait, liberté et canon sont « deux choses incompatibles ». Le classicisme affirmait les lois de la stabilité et de l'équilibre, qui correspondaient largement aux lois du monde existant. Cézanne croyait également que la base de l'existence est l'ordre, pas le chaos, et que la force créatrice construit l'harmonie à partir du chaos.
Cette croyance explique l'attitude négative de Cézanne envers la peinture de nombre de ses contemporains : Gauguin, Van Gogh, Seurat et d'autres, précisément parce qu'il voyait dans leurs œuvres la prédominance de l'arbitraire, sa propre vision du monde sur la recherche des lois fondamentales de sa véritable existence. Représentant éminent du post-impressionnisme, Cézanne était un adversaire de l'approche décorative en peinture, car la décoration, à son avis, supprimait le volume de la peinture, privant l'espace de l'image de la tridimensionnalité, que Cézanne considérait comme la plus grande réussite du Renaissance. Cézanne qualifiait les œuvres de Gauguin de « tableaux chinois peints ».

P. Cézanne « Les Baigneurs » (1906). Toile, huile. 201,5 x 250,8 cm. Musée d'Art de Philadelphie (États-Unis)
Plus tard, Cézanne s'intéresse à l'aquarelle et adopte certaines techniques la peinture à l'aquarelleà la peinture à l'huile : il commence à peindre sur des toiles blanches spécialement non apprêtées. La couche picturale de ces toiles est devenue plus claire, brillante de l'intérieur. Cézanne commence à se limiter à trois couleurs : le vert, le bleu et l'ocre, mélangées à la couleur blanche de la toile elle-même. Avec ce minimum de moyens, il atteint le résultat artistique maximum.

Extrait de la biographie de Paul Cézanne (1839-1906)

P. Cézanne. Autoportrait (1875)
L'artiste français Paul Cézanne est né dans la ville provinciale d'Aix-en-Provence, dans le sud de la France, le 19 janvier 1839. Son père était marchand de chapeaux et Cézanne était le fils unique d'un père puissant (il y avait 2 autres filles dans le famille). Ensuite, le père est devenu copropriétaire de la banque de la ville.
Cézanne a reçu une bonne éducation, excellant particulièrement en mathématiques, en latin et en grec.
Cézanne s'est toujours intéressé à l'art, mais n'a montré aucun talent exceptionnel. Le dessin était une matière obligatoire à l'école et au Collège et, à l'âge de 15 ans, il commença à fréquenter l'académie libre de dessin.
Le père souhaite voir son fils devenir avocat, mais l'envoie quand même à Paris en 1861 pour étudier la peinture et lui assigne même un modeste salaire.
À Paris, Cézanne a commencé à étudier à l'Académie de Suisse, où chacun pouvait s'inscrire en payant une somme modique pour la nature et les frais généraux. Camille Pissarro, l'un des fondateurs de l'impressionnisme, a su reconnaître son talent encore modeste. Emile Zola, son camarade de classe, a également soutenu le jeune homme à Paris. En 1886, cette amitié se termine par une rupture brutale. Zola a publié le roman "Créativité" personnage principal qui, artiste raté, a été copié sur Cézanne. Dès lors, Cézanne et Zola ne se parlèrent plus ni ne se revirent.
Mais à cette époque, Cézanne doute beaucoup de son talent et quitte Paris pour son Aix natale, rejoignant la banque de son père.
Le service bancaire de Cézanne était un fardeau et il se fixa pour objectif de devenir artiste. En novembre 1862, il revient à Paris.

P. Cézanne « Fille au piano (Ouverture de Tannhäuser) » (1868) Huile sur toile 57,8 x 92,5 cm. Musée de l'Ermitage(Saint-Pétersbourg)
Le tableau a été peint dans le domaine de la famille Cézanne près d'Aix-en-Provence. La sœur de l’artiste est représentée au piano et sa mère en train de coudre.
Le compositeur Richard Wagner était à cette époque un symbole d'innovation musicale, Cézanne aimait son travail.
La palette de couleurs sobre et intense du tableau est basée sur le contraste du noir et du blanc, qui crée une ambiance positive. Le monde matériel de l’image est équilibré par l’unité des personnes et des objets dans l’image. L'impressionnisme de Cézanne était complètement différent, avec sa propre vision du monde.
En 1869, Cézanne rencontre Marie-Hortens Fiquet, qui gagne de l'argent en posant. Elle avait 19 ans. En 1872, Hortense donne naissance au fils de Cézanne, également prénommé Paul. L'artiste a longtemps caché à son père le fait de fonder une famille, même si sa mère savait tout et adorait son petit-fils.
L'artiste décide de quitter Paris et s'installe avec sa famille dans la pittoresque ville de Pontoise. Après 2 ans, la famille revient à Paris, et c'est à cette époque que Cézanne décide de devenir artiste. Il commence à peindre de manière impressionniste et participe aux première (1874) et troisième (1877) expositions impressionnistes. La même année, Cézanne officialise son mariage avec Hortense. La cérémonie de mariage a eu lieu à Aix et le père de l’artiste était présent, ce qui signifiait leur réconciliation. Et à l'automne, le père mourut, laissant à son fils un héritage important. Cézanne, 47 ans, a eu l'occasion, sans se soucier de son pain quotidien, de se consacrer entièrement à la peinture au cours des 20 dernières années de sa vie.

Confession

Les œuvres de Cézanne sont parfois exposées à Paris et dans d'autres villes, mais la véritable reconnaissance ne commence qu'en 1895, lorsque le jeune collectionneur Ambroise Vollard organise une grande exposition personnelle de Cézanne (environ 150 œuvres). Le public ordinaire a accueilli cette exposition avec tiédeur, mais les jeunes artistes ont été choqués par ce qu'ils ont vu et Cézanne est devenu presque une légende.
En 1901, l'artiste achète un terrain dans la banlieue nord d'Aix et y crée un atelier. En 1906, alors qu'il travaillait à l'extérieur, il fut surpris par de fortes pluies. Alors qu'il revenait avec du matériel lourd à travers un terrain vallonné lors d'un orage, il est tombé sur la route et a été ramené chez lui inconscient. Une semaine plus tard, l'artiste décède d'une pneumonie.

Création

P. Cézanne. Nature morte. Vase, verre et pommes (1880)
Les œuvres de Cézanne expriment la vie intérieure de l'artiste. Les contradictions ont toujours été caractéristiques de Cézanne : d'une part, il croyait en son talent, et de l'autre, il doutait constamment de sa capacité à trouver des moyens d'exprimer ce qu'il voyait et voulait exprimer dans l'image. C'est peut-être précisément cette circonstance qui a servi raison principale Le travail fanatique de Cézanne sur ses peintures. DANS années de maturité les contradictions sont passées au second plan et une compréhension de la brièveté du langage même de l'existence est apparue. C'est à ce stade que naissent les œuvres les meilleures, les plus profondes et les plus significatives de Cézanne.

P. Cézanne « Pierrot et Arlequin » (1888-1890). Toile, huile. 102 x 81 cm. Musée d'État Beaux-Arts nommé d'après. COMME. Pouchkine (Moscou)
C'est le plus image célèbre Cézanne.
Pierrot et Arlequin - personnages traditionnels comédie italienne del arte (un type de théâtre folklorique (carré) italien, dont les représentations ont été créées par la méthode de l'improvisation, sur la base d'un scénario contenant un bref aperçu de l'intrigue du spectacle, avec la participation d'acteurs vêtus de masques). Son fils Paul (Arlequin) et son ami Louis Guillaume (Pierrot) ont posé pour Cézanne. La figure blanche de Pierrot semble être en plâtre. Les collants rouges et noirs d'Arlequin symbolisent la flamme sur les braises. La disposition différente des rideaux colorés à droite et à gauche souligne le mouvement vers l'avant d'Arlequin et la position plus statique de Pierrot.
L'intrigue du tableau est liée aux festivités de Maslenitsa, mais il n'y a aucune trace de vacances sur la toile : les personnages et les expressions faciales ressemblent davantage à des marionnettes. Les personnages sont sur le point de participer à une représentation théâtrale dédiée à Maslenitsa.
Cézanne a soigneusement élaboré les petits détails de l'image et les visages des personnages, ce qui n'est généralement pas typique de son travail.

P. Cézanne « Nature morte aux draperies » (1895). Toile, huile. 55 x 74,5 cm. Musée de l'Ermitage (Saint-Pétersbourg)
Dans ce tableau, Cézanne a représenté du tissu avec ornement floral, un pichet blanc peint de fleurs, de pommes et d'oranges sur deux assiettes, une nappe légère froissée et une serviette translucide froissée... La table semble convexe et surélevée sur un bord. Le critique d'art A. Dubeshko note : « Cézanne autorise délibérément une telle violation de perspective comme signe de rejet de la nature morte académique habituelle, où tous les objets sont vus sous le même angle. »
Mais la toile crée l'impression de l'intégrité du monde matériel.

P. Cézanne "Joueurs de cartes"

Il s'agit d'une série de 5 tableaux de Paul Cézanne, peints par lui dans la période 1890-1895. Les images diffèrent les unes des autres par le nombre de joueurs et leur taille. 4 tableaux sont conservés dans des musées en Europe et en Amérique, et le cinquième, jusqu'à récemment, était conservé dans collection privée jusqu'à ce qu'il soit acheté par les autorités qataries pour le musée national.

1890-1892 Toile, huile. 65,4 × 81,9 cm. Musée métropolitain d'art (New York)

1890-1892 134,6 × 180,3 cm. Fondation Barnes (Philadelphie)

1892-1893 97 × 130 cm. Collection familiale de l'émir du Qatar.

1892-1895 60 × 73 cm. Institut d'art Courtauld (Londres)

1894-1895 47 × 56,5 cm Musée d'Orsay (Paris)
Sujet jeu de cartes traditionnel pour arts visuels.
La peinture de Cézanne peut être attribuée à genre de tous les jours, mais son contenu est plus élevé et plus significatif que la représentation d'une scène quotidienne dans une taverne.
Cézanne a toujours été absorbé par un énorme travail intérieur, s'est efforcé d'atteindre la perfection spirituelle et n'a jamais traité les gens avec manque de respect ou d'indifférence. Il valorise la vie en tant qu'être et s'efforce de transmettre dans ses œuvres toutes les composantes de cet être : mouvement, paix, concentration, tension. «Voici les gens», semble dire Cézanne avec son tableau «Les joueurs de cartes». Et ça suffit, il ne veut pas développer davantage le récit (K. Bogemskaya).

P. Cézanne « Bords de Marne » (1888). Toile, huile. 65,5 x 81,3 cm. Musée de l'Ermitage (Saint-Pétersbourg)
Le tableau a été peint à Chantilly (Nord de la France). Il représente un manoir solitaire à deux étages avec une tourelle au bord de la Marne. La maison est entourée de peupliers et de saules qui se reflètent dans l'eau.
Cézanne pensait que ses peintures ne devaient pas être décrites et qu'il ne fallait pas non plus y rechercher une sorte de théorie ou de philosophie. Il ne voulait pas qu'il y ait d'intermédiaires entre sa peinture et le spectateur. L'essentiel est de regarder et de percevoir ce qui est représenté.
Essayons d'entendre l'artiste.

Paul Cézanne (Français Paul Cézanne ; 1839-1906) est un artiste-peintre français, un éminent représentant du post-impressionnisme.

BIOGRAPHIE DE L'ARTISTE

Paul Cézanne est né le 19 janvier 1839 dans l'ancienne ville française d'Aix-en-Provence. Le fils unique d'un père grossier et avide, Paul, n'avait pratiquement rien à voir avec la peinture lorsqu'il était enfant, mais a reçu une très bonne éducation dans d'autres domaines. Étudier était pour lui facile et efficace. Il a constamment reçu des récompenses scolaires en latin, en grec et en mathématiques.

Le dessin et la peinture faisaient partie des disciplines obligatoires, mais dans sa jeunesse, Paul n'a remporté aucun laurier particulier dans ce domaine. A noter que le prix annuel de dessin collégial a été décerné à un camarade de classe du jeune Cézanne, le futur classiciste Emile Zola. Il convient de noter que les deux Français exceptionnels ont réussi à perpétuer leur forte amitié d'enfance tout au long de leur vie. Et le choix du chemin de vie a été presque entièrement déterminé par les conseils amicaux d’Emil.

En 1858, Cézanne réussit les examens de licence à l'Université d'Aix et entre à la faculté de droit de l'université. Complètement dénué d'intérêt pour le droit, le jeune Paul a été contraint de le faire sur l'insistance de son parent dominateur. Il a « souffert » dans cette école pendant deux ans, et pendant ce temps, il a fermement pris la décision de se consacrer à la peinture.

Le fils et le père parviennent à un compromis : Louis Auguste équipe son fils d'un atelier où, entre deux cabinets juridiques, il peut consacrer du temps à l'étude des compétences artistiques sous la direction de l'artiste local Joseph Gibert.

En 1861, le père envoie néanmoins son fils à Paris suivre une véritable formation de peinture. En visite à l'Atelier Suisse, l'impressionnable Paul Cézanne, sous l'influence des artistes locaux, s'éloigne rapidement de la manière académique et se lance dans des recherches propre style. De retour brièvement à Aix, Paul suivit ensuite de nouveau son ami Zola dans la capitale. Il tente d'entrer à l'Ecole de Bozar, mais les examinateurs ont jugé le travail qu'il a soumis trop « violent », ce qui n'est pourtant pas si loin de la réalité.

Pourtant, 23 ans est un âge plein d'espoir, et Cézanne, pas trop bouleversé, continue d'écrire. Chaque année, il présentait ses créations au Salon. Mais le jury exigeant a rejeté toutes les toiles de l’artiste. L'orgueil blessé oblige Cézanne à s'immerger de plus en plus profondément dans son œuvre, développant progressivement son propre style. Une certaine reconnaissance, aux côtés d'autres impressionnistes, est venue à Cézanne au milieu des années 70. Plusieurs riches bourgeois achètent plusieurs de ses œuvres.

En 1869, Maria-Hortensia Fike devient l'épouse de Paul. Ils vécurent ensemble quarante ans. Cézanne, sa femme et son fils Paul se déplaçaient constamment d'un endroit à l'autre jusqu'à ce qu'enfin, en 1885, Ambroise Vollard organise une exposition personnelle de l'artiste. Mais les dettes liées au décès de sa mère obligent l'artiste à vendre le domaine familial. Au tournant du siècle, il ouvre son propre atelier et continue à travailler sans relâche jusqu'au 22 octobre 1906, date à laquelle une pneumonie interrompt sa vie complexe et fructueuse.

CRÉATION

Devenu proche très tôt de Camille Pissarro, Édouard Manet et Claude Monet, Cézanne participe à des expositions impressionnistes en 1874 et 1877, mais déjà à cette période, son propre système de peinture prend forme. S'écartant fondamentalement de cette époque de la méthode de l'impressionnisme, Paul Cézanne ne s'intéressait pas à la dynamique de l'environnement lumière-air et à la variabilité des couleurs dans l'atmosphère, mais aux modèles stables de combinaisons de couleurs et de formes, à la matérialité du sujet. et mondes naturels(« Maison du Pendu à Auvers », 1872-1873, Musée d'Orsay, Paris).

Comprenant avec persistance ces lois, Cézanne développa longtemps le même motif à la recherche de la constructivité structurale des formes naturelles (nombreuses images de la montagne Sainte-Victoire, notamment au Corthold Institute de Londres, 1887 ; à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg, vers 1900 et dans d'autres réunions).

Opérant principalement avec des dégradés de trois couleurs primaires (vert, bleu et jaune), tantôt fines et transparentes, tantôt très contrastées, appliquées par des traits denses du corps, il les utilise pour indiquer les plans spatiaux et le degré d'éclairage. Le poids matériel de la texture colorée est harmonieusement combiné dans les œuvres de Cézanne avec un design audacieux et laconique, une forme sculpturale structurellement claire et plastiquement généralisée et un équilibre clair de composition (« Autoportrait », 1879-1885, « Pierrot et Arlequin » , 1888, « Pêches et poires », 1895, - le tout au Musée Pouchkine, Moscou).

Dans des paysages à la large couverture panoramique d'un paysage rempli de lumière, Cézanne réalise une épopée majestueuse (« Bords de Marne », 1888, Musée national des Beaux-Arts de Moscou).

Dans les natures mortes, soulignant la structure de l'objet, comme pour l'alourdir à l'aide de textures colorées et de l'utilisation de couleurs pures, l'artiste révèle la matérialité et la stricte plasticité monde objectif(« Pot avec géranium et fruits », 1890-1894, Metropolitan Museum of Art ; « Nature morte avec draperie », 1898-1899, Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg). L'œuvre de Cézanne, l'un des principaux maîtres du post-impressionnisme, qui s'est efforcé de créer une sorte d'art classique, dépourvu de tout ce qui est éphémère et éphémère, pour révéler la grandeur immuable et l'équilibre harmonieux de la nature, l'unité organique de ses formes, a eu une influence considérable à la fois sur de nombreux artistes du XXe siècle et sur des directions entières des beaux-arts, qui, en règle générale, ont développé des aspects individuels de l'héritage de Cézanne (cubisme, rayonisme, peinture dite simultanée, etc.).

Dans son œuvre, l'artiste tente, au prix d'efforts titanesques, de concilier classiques et modernité, Poussin et nature, lois grand style et le droit au choix individuel. Bien entendu, à l'ère du triomphe du choix individuel, aucun style ne pouvait plus être un modèle pour les artistes, dont chacun choisissait désormais librement sa propre voie artistique, obéissant exclusivement aux propriétés intérieures de son âme, et non aux exigences de l'art. la communauté artistique. Par conséquent, la tâche que Cézanne s’était fixée était en principe impossible, ce qui prédéterminé les doutes constants de l’artiste. Il est impossible d’affirmer à la fois la liberté et les canons. Mais les résultats artistiques spécifiques obtenus par Cézanne dans son œuvre étaient si impressionnants qu'ils suscitaient le respect des représentants des plus grands différentes directions en peinture.

La peinture de Cézanne, dans un certain sens, est devenue un renouveau dans l'art des anciennes traditions pythagoriciennes, bien que Cézanne, bien sûr, n'ait ressenti que la coïncidence de ses vues finales avec cette tradition et n'ait pas consciemment suivi le pythagoricisme. Ici, nous pouvons plutôt dire que le pythagorisme, à son tour, n'a exprimé que certaines idées caractéristiques de personnes de différentes origines. époques historiques, que ces personnes connaissent ou non les vues des Pythagoriciens. Cela signifie que Cézanne est d'abord parvenu à ses croyances par lui-même, et n'a ensuite réalisé qu'à quelle tradition elles étaient liées.

Cézanne devint finalement le fondateur de la peinture des formes en art européen, dont l'une des orientations, peu après Cézanne, fut le cubisme. Mais le cubisme, même en la personne de Picasso, s'est avéré plus pauvre en contenu que la peinture de Cézanne, car il a perdu ces qualités purement picturales, la richesse des couleurs, l'écriture multicouche que Cézanne a obtenues grâce à un travail acharné. De plus, le cubisme pour Picasso n'était qu'une étape, une expérience consciente, un jeu artistique, et non une recherche des fondements de l'être, donc le contenu interne des œuvres de Picasso de l'ère cubiste est beaucoup plus pauvre en contenu. meilleures œuvres Cézanne.

Au fil du temps, lorsque Cézanne s'intéresse à l'aquarelle, il transfère certaines des techniques de l'aquarelle à la peinture à l'huile : il commence à peindre sur des toiles blanches spécialement non apprêtées. En conséquence, la couche de peinture sur ces toiles est devenue plus claire, comme si elle brillait de l'intérieur. Cézanne commence à se limiter à trois couleurs : le vert, le bleu et l'ocre, mélangées naturellement à la couleur blanche de la toile elle-même. Cézanne avait besoin de cette approche du choix des couleurs afin d'obtenir le résultat artistique le plus significatif avec un minimum de moyens. Durant cette période, la sculpture des formes sur toile, ainsi que leur généralisation, deviennent plus laconiques.

Le patrimoine artistique de Cézanne s'élève à plus de 800 œuvres à l'huile, sans compter les aquarelles et autres œuvres. Personne ne peut compter le nombre d’œuvres détruites comme imparfaites par l’artiste lui-même au cours des années de sa longue carrière. chemin créatif. Au Salon d'automne de Paris de 1904, une salle entière était consacrée à l'exposition des peintures de Cézanne. Cette exposition est devenue le premier véritable succès, d'ailleurs, un triomphe de l'artiste.

Les œuvres de Cézanne portent l'empreinte de la vie intérieure de l'artiste. Ils sont remplis d’énergie interne d’attraction et de répulsion. Les contradictions étaient initialement inhérentes à la fois à l’univers mental de l’artiste et à ses aspirations artistiques. Dans la vie quotidienne de Cézanne, le tempérament méridional se conjuguait avec l'isolement et l'ascétisme, la piété - avec des tentatives pour se libérer des contraintes de son tempérament. traditions religieuses. Confiant en son génie, Cézanne était pourtant éternellement obsédé par la peur de ne pas trouver le moyen exact d'exprimer ce qu'il voyait et voulait exprimer dans le tableau par le biais de la peinture. Il parlait toujours de son incapacité à « réaliser » sa propre vision, il doutait toujours de pouvoir le faire, et chaque Nouvelle photo en est devenu à la fois une réfutation et une confirmation.

Cézanne avait évidemment de nombreuses peurs et phobies, et son caractère instable trouvait refuge et salut dans l'œuvre de peintre. Peut-être que cette circonstance était la principale raison du travail fanatique de Cézanne sur ses peintures. Méfiant et insociable, Cézanne fait partie intégrante de son œuvre et homme fort. La créativité l'a guéri de ses propres contradictions spirituelles non résolues d'autant plus intensément et de manière permanente.

DÉCLARATIONS DE L'ARTISTE SUR L'ART

« Les artistes devraient se consacrer entièrement à l’étude de la nature et essayer de créer des peintures pédagogiques. Parler d’art est presque inutile. Le travail qui aide un homme à réussir dans son entreprise est une compensation suffisante pour le manque de compréhension dont font preuve les imbéciles. Un écrivain s'exprime à travers des abstractions, tandis qu'un artiste concrétise ses sentiments et ses perceptions à travers le dessin et la couleur. Un artiste ne doit pas être trop scrupuleux, ni trop sincère, ni trop dépendant de la nature ; l’artiste est plus ou moins maître de son modèle, et principalement de ses moyens d’expression.

« Mon âge et ma santé ne me permettront pas de réaliser le rêve pour lequel j'ai lutté toute ma vie. Mais je serai toujours reconnaissant envers ceux amateurs intelligents arts qui, malgré mes hésitations, ont compris ce que je cherchais à réaliser pour renouveler mon art. Je crois que vous ne remplacez pas le passé par votre art, mais que vous y ajoutez seulement un nouveau lien.

"Il faut aller dans le sens des classiques, mais par la nature, c'est-à-dire par la sensation."

« Ma méthode, c'est la haine de l'image fantastique. Je n'écris que la vérité."

"La couleur est le point où notre cerveau entre en contact avec l'univers."

"Je veux frapper Paris avec une carotte et une pomme."

« Travailler sans regarder en arrière et gagner en force, tel est le but de l’artiste. Et ne vous souciez pas de tout le reste !

"Lorsque vous faites ne serait-ce qu'un petit progrès dans votre travail, c'est une récompense suffisante pour ne pas être compris des imbéciles."

Traduction : « Le travail qui vous rend bon dans votre métier est une récompense suffisante pour être incompris par les imbéciles. »

Autre option de traduction : « Le travail d'un artiste, avec lequel il atteint la perfection dans son métier, est une récompense suffisante pour le fait que les imbéciles ne le comprennent pas. »

« L’approbation des autres est un stimulant, contre lequel il faut parfois se méfier. La conscience de sa force rend humble.

«J'ai obtenu un certain succès. Pourquoi si tard et pourquoi avec tant de difficulté ? L’art est-il vraiment un sacerdoce qui requiert des âmes pures qui s’y consacrent entièrement ?

«Je n'ai rien à cacher dans l'art. Seule la force originelle, c’est-à-dire le tempérament, peut conduire une personne vers le but qu’elle doit atteindre.

« J’ai l’impression de progresser chaque jour, même si c’est très lentement. »

« Même avec un petit tempérament, on peut être un vrai peintre, et on peut bien peindre sans être un coloriste particulier et sans une compréhension très subtile de l'harmonie. Assez pour avoir sentiment artistique, et c'est ce sentiment qui est le croquemitaine de tous les bourgeois. Les instituts, les bourses, les distinctions ne sont inventés que pour les imbéciles, les bouffons et les scélérats. Arrêtez de critiquer et commencez à peindre. Le salut est en elle.

Il n’y a ni lignes ni formes, il n’y a que des contrastes. Ces contrastes ne sont pas générés par le noir et blanc, mais par la sensation des couleurs. La forme est créée par une relation précise de tons. Lorsque les tons se juxtaposent harmonieusement et sans omissions, le tableau se crée tout seul.

L'effet coloristique est l'essentiel du tableau, il fait du tableau un tout, l'organise ; cet effet doit être basé sur une tache de couleur dominante.

Le motif et la couleur sont indissociables ; Au fur et à mesure que vous écrivez, vous dessinez, et plus la couleur devient harmonieuse, plus le dessin devient précis. Quand la couleur atteint la plus grande richesse, le formulaire devient complet. Les contrastes et les relations tonales sont tout le secret du dessin et du modelage.

"Le tableau est ici, à l'intérieur", dit-il en se frappant le front.

BIBLIOGRAPHIE

Yavorskaya N.V. Cézanne. - M., 1936
Perrucho A. Cézanne. Par. du français - M., 1966
Comp. Yavorskaya N.V. Paul Cézanne : Correspondance. Mémoires des contemporains. - M., 1972
Comp. Barskaya A. L. Paul Cézanne : Album. - 1975
Lindsay J. Paul Cézanne. Par. de l'anglais = J. Lindsay. Cézanne : sa vie et son art. - L. : Evelyn, Adams et Mackay, 1969. - M. : Art, 1989
Venturi L. V. 1-2 // Cézanne, son art, son œuvre. - Paris, 1936
Rewald J. Le calvaire de Paul Cézanne. - Londres, 1950
Novotny F. Cézanne et das Ende wissenschftlicher Perspektive. - Vienne, 1938
Badt K. Die Kunst Cézannes. - Munich, 1956
Murina Elena. Cézanne. - M. : Art - XXIème siècle, 2014

Lors de la rédaction de cet article, des éléments provenant des sites suivants ont été utilisés :fr.wikipedia.org ,

Si vous constatez des inexactitudes ou souhaitez compléter cet article, envoyez-nous des informations à l'adresse e-mail admin@site, nous et nos lecteurs vous en serons très reconnaissants.

AVEC petite enfance Paul était un ami d'Émile Zola, qui soutenait de temps à autre l'œuvre de Cézanne. En 1861, l'artiste se rend à Paris, où il rencontre Camille Pissarro. Célèbre impressionniste a grandement influencé le développement de Cézanne en tant qu'artiste. Paul partage sa vie entre la Provence et Paris jusqu'à son départ pour Aix en 1899.

Les premières œuvres de Paul Cézanne sont marquées par l'usage fréquent du couteau à palette (spatule). C’est ainsi que Paul a créé des formes à la texture dense et très déformées, des scènes fantastiques et mythiques. Cette peinture impulsive s’est également manifestée dans les styles ultérieurs de l’artiste, comme s’il anticipait le style expressionniste du XXe siècle.

Cézanne s'est familiarisé avec le travail de Monet et d'autres artistes impressionnistes. Après 1870, il s’intéresse à l’utilisation de la couleur pour transmettre la perspective. Cependant, la lumière constante et diffuse de ses œuvres est extrêmement loin des effets de lumière impressionnistes et éphémères.

Le tableau « Maison du Pendu » (1873-1874, Louvre) caractérise cette période de la biographie de Cézanne. Il expose son travail dans des expositions collectives en 1874, mais s'éloigne plus tard du style impressionniste, développant une forte structure dans ses toiles.

Cézanne a tenté de retrouver une « nature récupérée » en simplifiant les formes à des équivalents géométriques de base, en utilisant la lumière et en déformant considérablement l'essence du paysage. Par exemple, « Mont Sainte-Victoir » (Phillips Collection Museum, Washington), nature morte « La Table de la cuisine » (1888-1890, Louvre), composition « Les Joueurs de cartes » (1890-1892). Ses portraits semblent explorer les traits de vie des héros. Par exemple, les œuvres « Madame Cézanne » (1885), « Ambroise Vollard ».

Dans sa biographie, Paul Cézanne a développé un nouveau type de schémas spatiaux. Au lieu de se concentrer habituellement sur la perspective, il a représenté les objets depuis des points de vue changeants. Cézanne a créé l'effet d'un système oscillant en jouant avec des plans perpendiculaires, en déplaçant doucement les tons et les couleurs.

Toute l'œuvre de Cézanne révèle un respect pour la pureté et la dignité des formes simples en les représentant avec une stabilité structurelle presque classique. Ses Baigneuses (1898-1905, Philadelphia Museum of Art) sont une reproduction monumentale des multiples systèmes visuels de Cézanne.

Les œuvres ultérieures de Paul Cézanne sont pour la plupart des natures mortes, des figures d'hommes et parfois des objets naturels. Parmi ces œuvres, une nature morte aux pommes est célèbre. Essayant de conserver des bases solides, l'artiste semble plus libre et spontané dans ses œuvres. Il a utilisé plus d'effets transparents que dans premières œuvres Oh. Cézanne utilisé Peinture à l'huile, aquarelles, supports de dessin, réalisant souvent plusieurs versions de l'œuvre.

L'influence de Cézanne sur le développement ultérieur de l'art, principalement du cubisme, est colossale. Ses théories ont donné lieu à nouvelle école critique esthétique, notamment en Angleterre. C'est ce fait qui élève la biographie de Paul Cézanne au-dessus des autres maîtres français de l'époque. Une collection de ses peintures est présentée au Louvre, au Metropolitan Museum of Art, au Museum of Modern Art de New York et au Barnes Foundation Museum de Merione.

Cézanne est une personne si inhabituelle, originale et unique qu’on ne sait pas comment entamer au mieux une conversation à son sujet. Si vous me demandiez à qui je voulais ressembler, je répondrais sans hésiter : « Cézanne ».

Cézanne- un bloc, une montagne immense, lui-même semblable à la montagne Sainte-Victoire, qui l'a peint d'innombrables fois. En la regardant, je le vois : puissant, solitaire, silencieux, impénétrable.

Il a accompli des actes sacrés plutôt qu'écrit, a connu des échecs et a tout recommencé. Confiant en son génie, il avait constamment peur d’échouer. Persistant et persévérant dans son travail, il était tout aussi instable et explosif dans la vie.

Très timide, colérique, voire colérique, qui n'aimait pas que quiconque le touche ou, pire encore, tente de pénétrer dans son espace personnel à son insu,
Cézanne a trouvé le seul endroit où il se sentait chez lui, son travail.
Il s'y plonge et trouve ici son espace de vie.

Travailler : tous les jours, sans s'arrêter, méthodiquement, sans lever la tête, sans se laisser distraire par quoi que ce soit. Il voulait que tout le monde l’oublie et le laisse travailler en paix. D'une vie qui lui était insupportable, douloureuse, terrible et effrayante, il s'est fait un refuge, trouvant en lui la seule niche dans laquelle il se sentait bien.

Vers la fin de sa vie, le peintre développe une discipline stricte, menant une vie quasi monastique. Sa routine habituelle : il se levait avant l’aube, était déjà à l’atelier à six heures du matin et y travaillait jusqu’à onze heures. Ces dernières années, lorsque l'artiste ne pouvait pas rester longtemps dans la chaleur pour cause de maladie, il commençait à travailler dès quatre heures du matin.

Après avoir travaillé à l'atelier, il a pris son petit-déjeuner et s'est reposé un peu. Puis il se rendit aux croquis, emportant toutes les peintures, toiles et autres accessoires. Lorsqu'il devient difficile de marcher (Cézanne souffre d'une forme sévère de diabète depuis quinze ans), il se met à louer une calèche, puis l'abandonne pour se tourner vers l'aquarelle claire.

Paul Cézanne revint du plein air vers cinq heures du soir, à temps pour un dîner matinal. Après le dîner, vers six heures du soir, je me couchais pour tout recommencer le matin. Et ainsi chaque jour, par tous les temps, concentré, mesuré, non-stop, jusqu'au dernier jour de la vie.

« J’ai juré de mourir au travail, mais de ne pas tomber dans l’impuissance humiliante que craignent tant les personnes âgées », écrivait-il moins d’un mois avant sa mort. Car il est arrivé à une autre triste conclusion : personne ne peut aider personne avec quoi que ce soit...

Dépendant de sa famille et toujours en quête de liberté et d'indépendance, attiré par les gens et en même temps les repoussant, tous tissés de contradictions, il cherchait son salut dans la peinture. Elle l'a guéri, l'a élevé, l'a libéré de ses peurs et de ses complexes.

Cézanne s'est cherché toute sa vie, est allé vers lui-même, s'est construit et s'est construit, comme une composition dans ses tableaux. Déjà dans ses années de déclin, croyant avoir trouvé les contours de la Terre Promise, il continuait à douter de sa possibilité d'y entrer. Ou bien, comme Moïse, il la regardera seulement de loin, du haut de la montagne, mais Dieu ne lui permettra pas d'entrer en elle.

L'artiste n'a jamais complètement compris ce qu'il avait créé, ce qu'il avait trouvé et ce qu'il avait découvert. Doutant toujours de sa capacité à incarner sur toile ce qu'il voit, toujours insatisfait de lui-même, il a laissé derrière lui plus d'un millier de tableaux, dessins, croquis, sans compter les milliers déchirés, détruits et jetés au four.

À la fin de sa vie, il entre dans la légende : certains pensaient que « Cézanne » était le pseudonyme d’un artiste qui ne voulait pas révéler son vrai nom ; d'autres - que Cézanne est un personnage fictif, tandis que d'autres le considéraient même comme mort.

Son destin est unique ; de son vivant, il fut comme un mythe, devenant à la fois célèbre et inconnu. Il est vrai que l'artiste ne remarqua même pas sa célébrité ; elle passa devant lui sans le toucher. Il a continué à vivre de la même manière qu'avant : avec mesure, seul, évitant les gens et la société, s'abandonnant à sa seule joie et bonheur : la créativité.

Cézanne. Grands baigneurs. 1898-1905

Ayant visité la Provence il y a vingt ans, je me suis souvenu de la chaleur insupportable dans laquelle fondait Marseille. Je me souviens du Château d'If avec ses cellules de prison, son paysage de pierre désert, ses maisons solitaires en pierre, ses montagnes et son silence solennel. Une collègue, avec qui nous roulions en voiture en Provence, n'a pas pu se retenir et a dit d'une manière ou d'une autre froidement : « Quelle nature sombre et laide ici, et les maisons sont en quelque sorte en pierre, inesthétiques.

Ce à quoi Jacques, le Français qui nous accompagnait, a vivement réagi : « Il y a ici une beauté divine ! Je n’ai jamais rien vu de pareil dans toute la France. Jacques était d'accord avec Cézanne, qui pensait que quiconque visite la Provence au moins une fois sera à jamais captivé par sa beauté.

Cézanne était une personne poétique très vulnérable, réceptive et facilement excitée. Depuis son enfance, il était attiré par l'art, il écrivait de la poésie en latin, possédait une capacité pour les langues anciennes, connaissait par cœur de nombreux poètes anciens, étudiait dans une école d'art de sa ville natale, mais pendant longtemps il ne parvint pas à décider par lui-même. choix de profession, parce que le garçon avait des capacités prononcées, il semble que cela n'existait pas.

Le chemin parcouru par l'artiste dans son développement, d'abord en tant que personne, puis en tant qu'artiste, est d'autant plus étonnant.

« Ce qui compte, ce n’est pas ce que fait un artiste, mais qui il est. Une persévérance sans limites, c’est ce qu’il nous enseigne.

Ce sont les mots de Picasso. Mais je suis entièrement d'accord avec lui : il est impossible de séparer son art et sa personnalité chez Cézanne, l'un a créé l'autre.

Portrait du jardinier Valle. 1906

Il s'est créé, surmontant sa nature tendre, vulnérable et irritable par le travail et le dévouement à l'art. Les jeunes générations d'artistes - Henri Matisse, Georges Braque, Paul Gauguin, Pablo Picasso et d'autres - n'admiraient pas moins sa vie que sa peinture.

"Cézanne est notre père commun", a déclaré Matisse. Il s'est avéré être un pont entre le passé et le futur, par lequel les jeunes sont entrés dans le XXe siècle, en le démontant en citations et en morceaux : certains colorés, d'autres constructifs, d'autres compositionnels, d'autres personnels.

Je suis délibérément parti de la fin de la vie de l’artiste, car dans sa jeunesse, personne n’aurait dit ou soupçonné qu’il était un génie qui a déterminé le développement de la peinture pour les décennies et les années à venir. Tout l’art moderne est né de Cézanne.

Et en même temps, aucun des artistes novateurs n’a été plus soumis à une telle obstruction et à une telle haine que Cézanne. Il n'a été reconnu dans sa ville natale qu'à sa mort. Même Zola, un ami d’enfance avec qui ils étaient amis depuis de nombreuses décennies, ne croyait pas en lui.

A l'exposition. Réaction du public aux peintures de Cézanne

Après avoir écrit le livre «Créativité», il y fait ressortir le personnage principal dans lequel Cézanne est reconnu. Le héros, selon l'écrivain, avait des capacités, mais resta un perdant et se suicida. C'est là que l'amitié s'est terminée.

Zola, après s'être écrit et s'être dirigé vers une vie bourgeoise bien nourrie, ne comprenait toujours pas Cézanne. Il a acheté une riche maison, l’a meublée de riches bibelots, a eu une femme, une maîtresse et deux enfants illégitimes, et c’est là qu’il s’est calmé.

Cézanne fut et resta ascète jusqu'à la fin de sa vie. Ayant reçu un héritage important de son père, banquier, il le distribua : 2/3 à sa femme et à son enfant, et 1/3 à lui-même pour vivre avec sa mère et sa sœur.

Vers la fin de sa vie, il fut contraint de vendre la maison de son père, dans laquelle il passa la majeure partie de sa vie. Paul Cézanne ne s'intéressait qu'à l'art, estimant que les affaires du monde n'étaient pas pour lui, les confiant aux soins de sa sœur, de sa mère, puis de son fils.

Domaine du Père - le domaine du Jas de Bouffan

Outre la peinture, il aimait la poésie, idolâtrait Charles Baudelaire et connaissait par cœur toutes les Fleurs du Mal. Le chemin de Cézanne a été dans une certaine mesure repris au milieu de notre siècle par Glenn Gould, se construisant selon les mêmes schémas de travail, de solitude et de dévouement à l'art.

"Je n'ai jamais arrêté, jamais pour rien !" - telle était la devise de Paul Cézanne et est devenue un exemple pour nombre de ses disciples.

Cézanne. Ermite provençal. Partie 2

Autoportrait à la palette. 1885-1887 Cézanne est né le 19 décembre 1839 dans la petite ville d'Aix dans le sud de la France. Né hors mariage, il ne devient fils légitime qu’à l’âge de cinq ans.

Son père et tous ses parents paternels étaient originaires de la petite ville de Cesanne Turinese dans les Alpes italiennes et avaient des racines juives. D’où le nom de famille – Cézanne.

Son père Louis-Auguste avait un sens aigu des affaires et, après une formation de chapelier à Paris, ouvre un petit commerce de chapeaux de feutre dans sa ville.

Lorsqu'il avait besoin de chapeaux et que les fournisseurs n'avaient pas assez d'argent pour les fabriquer, afin qu'il n'y ait pas d'interruption du commerce, il leur prêtait de l'argent à un certain pourcentage. Maintenant, c'est une pratique courante, mais il l'a ensuite fait à ses risques et périls.

Louis-Auguste se rend vite compte que prêter de l’argent est bien plus rentable que produire soi-même. Il est donc d'abord devenu un prêteur majeur, puis, après avoir ouvert une banque locale, un financier majeur. Français révolution bourgeoise 1848 donne des droits à la bourgeoisie, facilite son développement, et les affaires d’Auguste se gâtent.

Le père de l'artiste Louis-Auguste Cézanne

Rapidement devenu riche et devenu nouveau riche, l'aîné Cézanne acquiert la propriété du domaine du Jas de Bouffand, résidence d'été du gouverneur de Provence. Mais dans la ville, ils le détestaient comme n’importe quel étranger parvenu, et même pour son agressivité, son caractère dur et sa judéité.

« Républicain moqueur ; froid, gourmand et petit-bourgeois», voilà comment Zola le caractérise. L'aversion de la ville pour Auguste s'étend également à ses enfants.

La mère de Cézanne, Anne Aubert, était l'une des jeunes vendeuses d'une chapellerie que Cézanne choisit comme maîtresse. Analphabète et opprimée, issue d'une famille ouvrière marseillaise, elle lui donne un fils, puis deux autres filles.

Pour être juste, il faut dire que Louis-Auguste les reconnut immédiatement comme les siens. Mais le mariage n’a été officiellement enregistré que cinq ans après la naissance de Paul. Non seulement les habitants craignaient et détestaient l'aîné Cézanne, mais aussi son fils Paul, le futur brillant artiste. Dans le premier portrait de Cézanne sur son père, on peut voir cette aversion pour son père.

Portrait d'un père lisant un journal. 1868-1871.

Mais Paul aimait beaucoup sa mère, même si toute sa vie il a essayé de se débarrasser de la dépendance familiale. Ann-Elizabeth adorait son fils, le caressait et, du mieux qu'elle pouvait, le protégeait de son père. Elle a rarement posé pour l'artiste ; le seul portrait d'elle qui ait survécu est cercle familial dans le tableau de Cézanne "Ouverture de Tannhäuser".

La peur de son père et le besoin de protection maternelle ont rendu Paul Cézanne névrosé, misanthrope, asocial et inadapté à la vie en société. « Je dois être seul, car je ne peux pas faire face à la fraude humaine », a-t-il écrit un jour. Et c'était vrai.

Il avait toujours peur et détestait la société. Cela n'est pleinement compréhensible que pour ceux qui eux-mêmes n'ont jamais accepté la socialité, mais ont réprimé en eux-mêmes la haine à son égard, contraints de s'adapter à la société et à ses goûts.

Paul a étudié dans l'école la plus prestigieuse de la ville d'Aix - Bourbon College. Elle était destinée aux habitants riches et prospères et, malgré la pauvreté et le manque de commodités, elle possédait de riches traditions humanitaires.

Fille au piano (Ouverture de Tannhäuser). Portrait de famille. La sœur de l'artiste au piano et la mère à la couture. 1868

Paul était un élève très discipliné, appliqué et brillant. Ses capacités en langues anciennes et en mathématiques ont été particulièrement remarquées. Il écrivait de la poésie en latin et en français, connaissait presque tout Homère et Virgile par cœur et pouvait citer Apulée et Lucrèce des années plus tard. Il a reçu à plusieurs reprises des diplômes et aimait écrire des essais.

Plus tard, les lettres sont devenues pratiquement le seul lien de Paul Cézanne avec le monde et la société, compte tenu de son caractère fermé et peu communicatif. A l'école, il se lie d'amitié avec Emile Zola, dont le père est muté dans une ville de province pour construire un ouvrage d'art.

Paul Cézanne s'est lié d'amitié avec le garçon après un incident au cours duquel il a défendu Emile. Zola était originaire de la capitale et n'était pas accepté en province. De plus, il zézayait et à l'école, il est rapidement devenu un bouc émissaire. Un jour, voyant à quel point il était battu, Paul a aidé Emil.

Le lendemain, le garçon lui apporta un panier de pommes en signe de gratitude. Paul dit alors qu'il conquérirait Paris avec des pommes. Même si c'était une plaisanterie, elle est devenue prophétique : Paul Cézanne a véritablement conquis Paris quarante ans plus tard avec ses natures mortes de pommes.

Émile Zola

Paul Cézanne est resté ami avec Emile Zola pendant près de 40 ans, jusqu'à ce que l'écrivain dans son dernier livre « Créativité » qualifie son ami et artiste, écrit sous un faux nom, de perdant qui s'est suicidé. Paul a jugé à juste titre qu’il s’agissait d’une trahison.

L'horaire du collège comprenait également des cours de dessin, mais Paul Cézanne en avait peur, contrairement à Zola qui aimait dessiner. Tout le monde pensait que Paul serait écrivain et Emil artiste. Mais la vie a changé les choses. Pourquoi? Dur à dire. Mais Cézanne est devenu un artiste brillant, et Zola n'était qu'un écrivain.

Après avoir terminé ses études, Zola part à la conquête de Paris, Cézanne est contraint, sous la pression de son père, d'entrer à l'université locale à la Faculté de droit : son père voulait le préparer comme associé et faire de lui le successeur de son activité bancaire. .

Zola l'invite à Paris, mais Paul ne peut résister à son père tyrannique et trouve un débouché en suivant des cours de peinture dans une école-atelier locale. La vie au domaine du Jas de Bouffan sous la pression constante de son père devient de plus en plus insupportable. Mais ici, l'artiste a vécu la majeure partie de sa vie.

Jas de Bouffant. Cézanne. 1878

Finalement, le père abandonne néanmoins son fils et s'engage d'abord à équiper un atelier sur le domaine, puis à partir pour Paris, et alloue même 100 francs mensuels pour la formation et l'entretien de sa résidence.

Dès son arrivée à Paris, à l'âge de 22 ans, et presque jusqu'à la fin de sa vie, Paul Cézanne continuera à faire la navette entre sa Provence natale et Paris. Dans le premier, tout lui était familier, familier et aimé, dans le second, tout était inconfortable, ennuyeux et déprimant pour le psychisme.

Paris n'a pas accepté Cézanne. Un rustre de province, au fort accent provençal, un montagnard grossier et grossier, vêtu d'une sorte de robe incroyable et indécente pour la capitale, irritable, complexe et craintif, Paul Cézanne a fait une impression déprimante dans la société métropolitaine raffinée des artistes.

Il est devenu l’objet de plaisanteries et de moqueries, auxquelles il a réagi avec beaucoup de sensibilité, ce qui lui a valu le surnom de « l’homme sans peau ». Il est sauvé par la peinture, les études en Suisse et la visite du Louvre, où il copie Delacroix, Titien et Rubens. Leur influence se fait clairement sentir dans ses premières œuvres : sombres, romantiques, pleines de passion et de tension intérieure de l'artiste lui-même.

Cézanne. Enlèvement. 1868

L'Académie Suisse fournissait des modèles mais n'enseignait rien. Elle s'est préparée à l'admission au plus influent école d'art Ecole de Beauzar. En Suisse, il a vu beaucoup plus rapidement ceux qui maîtrisaient les techniques et les techniques académiques, et il a décidé de quitter Paris, après avoir acquis quelques complexes supplémentaires.

À la maison, il part travailler dans le bureau de son père, mais il ne parvient pas à vaincre sa haine des affaires : « maintenant, moi, un paresseux, je ne suis heureux que quand je bois ; C’est dur pour moi de continuer, je suis léthargique et bon à rien », écrit Paul après Paris dans une lettre à Zola. Il est profondément déprimé. La peinture lui redonne vie.

Un an plus tard, il est de retour à Paris, entrant à nouveau en Suisse, mais il n'est pas accepté à l'Ecole de Bozard. Mais il était déjà prêt pour ça. C’est ainsi que se sont écoulées les dix premières années douloureuses d’un métier que j’appelais autrefois « le métier de chien ».

Les espoirs ont cédé la place à la déception, les horizons du futur sont devenus plus sombres. Il voulait réussir en peinture, mais sa passion personnelle, sa sensualité et son imagination débordante l'en empêchaient. Pour devenir artiste, il a dû vaincre sa nature, l'apprivoiser et apprendre à gérer son talent.

Paul Cézanne. 22 ans.

Il a noyé tous les malheurs et les critiques par un travail acharné. Cézanne s'est enfermé dans l'atelier et a peint toile après toile toute la journée, sans jamais s'arrêter, pour rien. Peindre n’était pas pour lui tant un plaisir qu’une lourde tâche.

Chaque soir, il tombait dans une mélancolie noire, parlait d'apathie et sommeil léthargique. Il lui semblait que la vie devenait mortellement monotone et il dessinait pour s'amuser. Le divertissement a duré quarante ans.

Des années de travail acharné et acharné ont fait leur travail : tous les dix ans sont devenus une étape dans sa vie et dans sa peinture.

Cézanne. Moïse de l'art moderne. Partie 3

Cézanneà la fin de sa vie, il se compara à Moïse. Il y avait des raisons à cela. Pendant quarante ans, il a parcouru un désert désert, où aucun artiste n'avait mis les pieds auparavant :

c'était un innovateur, un expérimentateur, un brillant visionnaire, surmontant pas à pas les résistances de sa nature, de son environnement, de sa nature, de sa lumière, de sa couleur.

Cézanne a surmonté ses complexes pendant plus de quarante ans et, fatigué de lutter contre la société, la non-reconnaissance, les goûts académiques et autres obstacles sur le chemin vers le sommet, il est resté lui-même, choisissant la voie d'un ermite solitaire.

Ce n'est que vers la fin de sa vie que Cézanne, comme Moïse, saisit les contours de la Terre Promise.

"Est-ce que je serai comme le grand prophète juif et serai-je autorisé à entrer dans ce pays ?", doutait-il trois ans avant sa mort, ne croyant pas avoir réalisé ce qu'il cherchait. Paul Cézanne marchait lentement, très lentement, scrutant et réfléchissant à ce qu'il voyait devant lui. Pas un trait supplémentaire, pas un détail supplémentaire, tout a été pensé et ajusté avec soin. Ceux qui sont dans période tardive regardait le maître travailler, on disait qu'il pouvait regarder pendant des heures, puis faire un seul coup et se plonger à nouveau dans ce qui était devant lui.

Les changements dans son comportement ne deviennent perceptibles que plusieurs années après le début étape suivante. Même les historiens de l'art ont parfois du mal à attribuer l'une ou l'autre de ses peintures à une année et à une période spécifiques, tant les changements dans son œuvre ont été lents. manière artistique, il marchait si lentement.

Autoportrait avec chevalet. 1898

Si Picasso a radicalement changé de style et qu'il était facile de périodiser ses peintures en fonction de la femme qui se trouvait à proximité, alors Cézanne s'est inspiré de la nature, de sa puissance, de son silence, de sa stabilité et de son immobilité, qui sont devenues de plus en plus visibles dans ses dernières œuvres.

Il cherchait à représenter non pas tant la nature que l'éternité elle-même. Il était philosophe et recherchait l'éternel, scrutant non seulement la nature et l'homme, mais aussi lui-même.

Parallèlement, il cherche à montrer à la fois la mobilité et les différents points de vue d'un même objet, sa nouveauté, qui se manifeste selon le côté sous lequel on regarde.

Essayant de représenter le plus fidèlement possible ce qu'il voyait, il est lui-même devenu partie intégrante de ses peintures, comme s'il se plaçait au centre et montrait au spectateur des objets de différents côtés en même temps : tantôt d'en bas, tantôt d'en haut, tantôt depuis le côté. Cette technique sera plus tard adoptée par Picasso.

Cézanne a laissé quelques tableaux inachevés, pour qu'au bout d'un moment il puisse Et Déni et nouvelle technologie pour y revenir, en les complétant avec de nouvelles techniques.

Nature morte aux pommes et aux oranges. 1895-1900

Même s'il est difficile, le parcours de Paul Cézanne peut néanmoins être divisé en quatre étapes, chacune équivalant à environ dix ans. Tous les dix ans, il devenait différent, développant ce qui avait été découvert lors des étapes précédentes et ajoutant quelque chose de nouveau à chaque étape suivante.

Les années soixante étaient une période romantique, dans lequel Cézanne tentait d'exprimer ses passions, ses expériences, ses pensées lourdes et sombres. Il ne maîtrise pas encore la couleur, la lumière, la forme ou le coup de pinceau, il ne pouvait donc pas exprimer ce qu’il voulait.

Les premières peintures sont très sombres, elles montrent la passion, l'érotisme, la violence, la mort, et les couleurs expriment une telle explosion émotionnelle, comme si l'artiste se vengeait de quelque chose. Les noms des tableaux parlent d'eux-mêmes : « Violence », « Femme étranglée », « Tueur », « Autopsie », « Orgie », « Courtisane ».

Mais en même temps, à la fin de la période, le désir de Cézanne de minutie, de réflexion, d’équilibre, de stabilité et d’ordre des objets individuels est déjà visible. Dans certaines peintures, ils s'emboîtent si étroitement qu'ils ressemblent à des briques dans un mur monolithique, clairement alignés horizontalement et verticalement, constituant le cadre d'un tout unique.

Nature morte à l'horloge noire. 1869-1871

Peu à peu il abandonne la courbure des silhouettes, lui préférant les lignes architecturales droites. C'est ainsi que Cézanne apprivoise son tempérament violent, utilisant des méthodes d'agencement méthodique et précis des détails de ses tableaux, comme pour ralentir son tempo. Mais il y a encore une certaine mélancolie dans les peintures.

À la fin des années soixante, de sérieux changements s'opèrent dans sa vie personnelle : en 1869 à Paris, il rencontre une jeune fille travaillant au noir comme mannequin, Maria Hortense Fiquet. Elle a onze ans de moins que Paul, mais il s'est attaché à elle.

C’est la première et la dernière femme de la vie de l’artiste avec laquelle il noue une relation permanente. Mais on ne peut pas dire que Cézanne l'aimait. Des amis appelaient Hortense « Poids », ce qui signifiait qu'elle pendait comme un poids sur ses jambes.

L'hortensia est présente dans plus de quarante tableaux du maître, mais personne ne peut dire exactement à quoi elle ressemblait. Cézanne n'a jamais cherché à obtenir une ressemblance exacte dans ses portraits, percevant l'homme comme une partie de la nature, également immuable et immobile. Mais tout le monde parle du contraste entre Paul et Marie Fiquet.

Madame Cézanne. 1883-1887

C’est peut-être pour cela que l’artiste vivait rarement avec sa famille ; elle était un fardeau pour lui. Hortense vivait principalement à Paris, elle aimait Saveur, contrairement à Cézanne, qui recherchait la solitude et la paix. Il aimait vivre au Jas de Bouffan, où il avait son atelier. A Paris, il est devenu découragé.

Cézanne cache soigneusement sa relation à son père, craignant qu'il ne réduise ses moyens de subsistance, dont il a particulièrement besoin maintenant. Au début de la guerre franco-prussienne, Cézanne part pour l'Est avec Hortensia. UN dans un village proche de Marseille, situé dans une gorge entre les rochers.

Se gardant toujours à l'écart de toutes sortes de batailles sociales et politiques, il espère ne pas être appelé à service militaire et il pourra travailler sereinement. Il a réussi. Pour la première fois, il se plonge dans le jeu des couleurs des montagnes, de la mer et des collines, résolvant ainsi le problème de la combinaison de la nature et de ce qu'il ressent en la regardant.

HNE UNétait très proche de la maison de ses parents et l’artiste pouvait rendre visite à sa famille sans que son père ne le remarque. En 1872, il eut un fils. Il a donc continué en secret pendant huit ans. la vie de famille, jusqu'au jour où Cézanne aîné, qui avait l'habitude d'ouvrir les lettres de ses proches, découvrit que son Paul avait une femme et un fils illégitime.

La mer à l'Estac. 1876

En effet, comme Paul le craignait, son père réduisit son allocation de moitié. La mère, qui aimait son fils et son petit-fils, était très inquiète et a finalement persuadé son mari de restituer la totalité de la pension alimentaire à Paul. Mais Cézanne légalise officiellement sa relation avec Hortense six mois seulement avant la mort de son père, en 1886. Son fils avait alors quatorze ans et Cézanne lui-même presque cinquante ans.

Les années 70 - la période impressionniste. L'artiste commence à maîtriser la technique découverte par les impressionnistes. Il s'efforce de maîtriser la lumière et la couleur, de nouveaux coups de lumière et de travailler en plein air.

Lors de sa première visite à Paris, il rencontre Camille Pissarro, qui avait neuf ans de plus que lui. Camille appartient aux impressionnistes et conseille à Cézanne d'éclaircir sa palette de couleurs et d'éclaircir ses coups de pinceau, de s'éloigner des techniques d'écriture lourdes et des tons sombres.

Cézanne s'installe avec sa famille chez Pissaro à Ponto UN Ze, puis à Ov e re et apprend à maîtriser la lumière et la couleur. Pissarro était l'un des rares à pouvoir supporter le personnage de Cézanne. Paul s'est disputé avec tout le monde.

Olympie moderne. 1872-1873

Sous l'influence de Pissarro, que Cézanne appelait son père, Ange Gardien et Bon Dieu, les peintures de Cézanne deviennent légères, ensoleillées, rayonnantes, ses coups de pinceau acquièrent légèreté et transparence.

Ce fut le premier et le dernier apprentissage de Cézanne. Et il fut le premier artiste à ne pas avoir suivi une formation académique, ce à quoi on faisait constamment allusion en affirmant que ses peintures étaient fausses.

Dans le même temps, Cézanne conserve le désir d'exprimer la stabilité du monde, qui apparaît déjà dans ses premières œuvres. Il n'était pas inspiré par les couleurs et les formes qui changeaient rapidement sous l'influence d'impressions et de sentiments momentanés, ce n'était pas son monde ;

À Ponto UN ze et ov e il a travaillé pendant près de trois ans, son efficacité était étonnante chaque jour, matin et soir, beau temps, mauvais temps, il allait au grand air ; La coloration de ses tableaux devient plus vive, les traits sont plus courts et plus doux, les violents chocs d'ombre et de lumière disparaissent, il s'éloigne des sujets sombres de la première période.

Maison du Pendu à Auvers. 1872-1873

Son premier tableau impressionniste fut « La Maison du Pendu », peint en 1872. C'est très clair, ensoleillé, très différent des œuvres antérieures. Il est peint avec des traits fins et légers, mais en même temps il a cette force, cette puissance et cette stabilité qui distinguent les peintures de Cézanne.

En 1874, Cézanne participe à l'exposition impressionniste avec les tableaux « L'Olympia moderne » et « La Maison du Pendu ». Mais pas un seul tableau de l’exposition n’a reçu autant de critiques et de critiques acerbes : « L’auteur est un fou, il écrit dans un état de delirium tremens ».

Une réaction hystérique face à Cézanne l'a hanté presque jusqu'à la fin de sa vie. Il y eut une autre exposition en 1877, au cours de laquelle il fut à nouveau ridiculisé. Il n'a plus jamais exposé.

Puis l'artiste ne se fait plus remarquer pendant près de vingt ans, durant lesquels il ne cesse de travailler, améliorant ce qu'il a trouvé. Peu à peu, Cézanne commence à ressentir la forme géométrique, à pénétrer dans sa profondeur, le noyau des peintures devient des lignes horizontales et verticales, un rythme, une répétition des mêmes couleurs, mais à des endroits différents du tableau, créant un espace unique.

Victor Choquet sur une chaise. 1879-1882

Les vingt années les plus fructueuses nous attendent, qui rendront l'artiste célèbre. Ces années comprennent deux périodes : constructiviste et synthétique, qui jettent les bases de tout l’art moderne.

Cézanne. Un triomphe tardif. Partie 4. Fin

Cézanne vingt dernières années- Années 80 et 90 - était en exil volontaire, tout le monde l'oubliait : il visite rarement Paris, se dispute avec des amis, rencontre sa femme de temps en temps, seul son fils le met en relation avec elle.

Mais ces mêmes années sont devenues Cézanne le plus fécond et le plus innovant, même si, sur le plan personnel, on ne sait presque rien de ces années de l'artiste. Seul Camille Pissarro se souvient et aime Cézanne.

Pendant ce temps, l'artiste ne cesse de travailler, se déplaçant d'un endroit à un autre, sans s'arrêter nulle part. plus d'un an. En vingt ans, Cézanne passe de bon artiste en un génie, découvrant de nouvelles techniques et significations.

Il peint des natures mortes et chacune d'elles devient un chef-d'œuvre. Il peint des portraits et des groupes de personnes, et ils deviennent une révélation. Il peint la Montagne Sainte-Victoire et des paysages, et ils étonnent par leur nouveauté, leur profondeur philosophique et leurs couleurs. Il réalise des aquarelles, et elles étonnent par leur tendresse et leur apesanteur.

rivière près du pont des Trois Fleuves. 1906

La troisième période de Cézanne - les années 80 - constructiviste. Au cours de ces années, l'artiste s'est concentré sur la construction d'un espace holistique et unifié, sur la recherche de nouvelles façons de représenter la tridimensionnalité du monde naturel sur une toile bidimensionnelle, sans recourir à la perspective rectiligne ou, pire encore, à la perspective imaginaire, qui était utilisé par les impressionnistes.

Cézanne a rendu chaque morceau de toile égal, en utilisant une séquence de couleurs et de formes qui parcourent toute la toile, la regroupant dans un seul espace. Il utilise de petits traits strictement parallèles, qui donnent l’impression que le tableau a été tissé à partir d’une seule pièce.

Domaine à Medan. 1879-1881

Mais avant de commencer l'image, Cézanne scrute longuement ce qui est sous ses yeux. Il cherche du sens, de la profondeur, un point de départ, et ce n'est que lorsqu'il « voit » l'image dans sa tête et comprend comment elle sera construite qu'il commence à travailler. Le peering est l’étape principale et la plus essentielle du travail.

Une fois terminé, ce qui est considéré disparaît, laissant place à la perception subjective du paysage et aux significations investies par l'artiste dans le tableau. Cézanne a dit que toutes les images ne peuvent pas être appelées et devenir une peinture. Un tableau est plus qu'une image.

C'est particulièrement vrai pour les tableaux représentant la montagne Sainte-Victoire, qu'il a peints plus de 60 fois. À des moments différents et de différents points vision. Les vues sur la montagne deviennent de plus en plus laconiques, les détails non essentiels et les scintillements inutiles étant éliminés. Il n'en reste que l'essentiel, reflet de la beauté de la nature provençale, de son silence, de sa silence et de sa puissance.

Mont Sainte-Victoire. 1885-1887

Parallèlement, Cézanne commence à peindre des natures mortes, qui l'attirent par les mêmes choses : le silence, le silence, la stabilité et la beauté. Et il a peint des natures mortes avec autant de soin et avec la même attention dans chaque ligne, trait et détail qu'il peignait des paysages.

Ce qui était important pour l'artiste était que les pommes, poires, vases et autres objets inanimés restent toujours les mêmes. Quand les fruits se gâtaient, il fabriquait des mannequins. Pour Cézanne, qui travaillait très lentement et réfléchissait longtemps à la composition de ses tableaux, les construisant selon ses propres significations, c'était très important. Pour lui, une pomme était plus qu’une pomme.

Nature morte au bol à soupe. 1884

Lorsqu'il commençait ses portraits, Cézanne exigeait la même chose de ses modèles : immobilité absolue, statique, silence et paix. Ils devaient être aussi immobiles que les fruits, les légumes, les crânes et les vases des natures mortes.

Ils devaient se figer dans une position et la maintenir pendant plusieurs heures. Ce n’est qu’alors qu’il put voir le sens et la profondeur qu’il recherchait. Il ne s'intéressait pas à l'individualité et au portrait psychologique.

Il voyait plus profondément, pénétrant dans la nature de l'éternité, qui était la même partout : dans les montagnes, dans la nature, dans la pomme et chez l'homme. Les principaux modèles de Cézanne étaient ses proches, sa femme et son fils.

Les séries de portraits les plus intéressantes de cette période sont les tableaux « Le dernier jour du carnaval » et « Arlequin ». Son fils Paul y a posé pour lui.

Dernier jour du carnaval. 1888

Ce n’était plus de l’impressionnisme. Une nouvelle direction de la peinture est apparue : le post-impressionnisme. L'artiste n'a pas nié ce qui avait été réalisé dans les étapes précédentes ; il a seulement utilisé ce qui avait déjà été trouvé pour transmettre son idée.

Et Cézanne l’avait compris : il voulait trouver la logique interne de la nature, qui est la logique interne de lui-même et de chaque personne. La nature et l'homme sont soumis aux mêmes lois, que Cézanne cherche et tente avec persistance d'exprimer.

Le résultat de la recherche de cette période est la conclusion que dans la nature il n'y a que trois formes dont tout consiste : cylindre, cercle, sphère.

La quatrième période - les années 90 et zéro– synthétique, final.
Cézanne utilise tout ce qu'il a trouvé au fil des années. Ce n’est plus du réalisme, de l’impressionnisme ou du constructivisme. C'est une percée vers quelque chose de nouveau espace artistique, dans lequel tout est subordonné à l'unité du design, tout s'est développé au fil du temps. de longues années la recherche est ajustée et attachée à l’idée.

Son eau et son ciel sont aussi denses que la Montagne Sainte-Victoire, les reflets dans l'eau sont comme structures architecturales. Rien n’indique ici la transparence, la légèreté et la mobilité de l’impressionnisme, dont Cézanne s’est finalement éloigné. Dans ses tableaux tout est stable, solide et immobile, tout est subordonné à un sens secret et à un ordre immuable.

Lac à Annecy. 189

Cela s’exprime encore plus clairement dans les portraits dans lesquels les gens sont représentés dans des poses tendues et silencieuses. La série Card Players est considérée comme l’un des chefs-d’œuvre les plus célèbres et reconnus. Elle représente de simples paysans assis dans des poses immobiles, concentrés sur le jeu.

Cézanne retire de ses peintures tout ce qui est « littéraire », émotif et superficiel, qui cache et obscurcit le sens réel et profond. Il véhicule la solidité, la fiabilité, la dignité et la paix des paysans provençaux.

Ses peintures deviennent ascétiques et exemptes de détails sans importance. Puis Matisse, Rousseau, Gauguin et d'autres le mettront en service.

Joueurs de cartes. 1892-1893

Tomber malade diabète sucré Lorsqu’il devient difficile pour un artiste de transporter des peintures et des objets lourds, il se tourne de plus en plus vers l’aquarelle, qu’il avait un temps abandonnée. Vers la fin de sa carrière, Paul Cézanne a appris à travailler avec rapidité et précision, ce qui est particulièrement important pour l'aquarelle, qui ne tolère pas le traitement, contrairement au travail à l'huile.

De plus, cela correspondait davantage à sa nature impétueuse et colérique. Ses aquarelles sont délicieusement légères, précises et transparentes. Souvent, il ne peint pas sur le papier, laissant des taches blanches qui ressemblent à un tout, renforçant l'effet de transparence du dessin.

Paysage en Provence. 1902 Aquarelle

Paul a passé le dernier été de sa vie sur les rives de la rivière Ark, où il a créé le chef-d'œuvre « La rivière au pont des trois ruisseaux » (1906). Dans ce lieu, Paul Cézanne et son ami Emile Zola ont nagé dans leur lointaine enfance et, probablement, les souvenirs étaient vivants en lui lorsqu'il a créé ce chef-d'œuvre (voir ci-dessus dans le texte).

Un triomphe tardif. Hommage à l'admiration. Depuis le milieu des années 90, Cézanne a progressivement commencé à gagner en renommée. Les premiers collectionneurs de ses tableaux furent, dans les années soixante-dix, Victor Choquet et le docteur Gachet d'Auvers, dans la maison desquels Cézanne écrivit « L'Olympia moderne ». Ils voyaient tous deux de la fraîcheur et de la nouveauté dans les peintures de Cézanne.

Parallèlement, ses tableaux commencent à être acceptés en échange de nécessaire à l'artiste peintres, propriétaire d’une petite boutique et d’une galerie à temps partiel, le père de Tanguy, qui avait un œil sensible pour la nouveauté. En échange de peintures, il accepte des peintures de nombreux artistes alors persécutés et méconnus : Picasso, Van Gogh, Gauguin, Cézanne et d'autres.

Ce n’est que dans sa boutique que l’on pouvait voir les peintures de Cézanne et, au début des années 90, les artistes venaient en masse chez lui pour regarder les peintures de l’artiste, car elles n’étaient disponibles nulle part ailleurs.

Mais le rôle le plus important pour attirer l’attention sur le nom de Cézanne a été joué par le propriétaire de la galerie, Ambroise Vollard. Camille Pissarro, qui se souvenait et aimait Cézanne, lui conseilla d'organiser une exposition des œuvres de l'artiste. Vollard demande à Cézanne de lui envoyer plusieurs œuvres, ce à quoi l'artiste, que le public n'a jamais privilégié avec attention, répond rapidement.

Portrait d'Ambroise Vollard. 1895

Il envoie à Vollard 160 toiles qui constituent sa première exposition en 1895. Cézanne lui-même n’est pas venu à l’exposition, mais une fois à Paris, il l’a visitée de passage et n’a dit qu’une chose : « Waouh, ils sont tous encadrés ».

Puis il y eut une autre exposition en 1898, organisée par le même Vollard, et en 1915 il écrivit et publia sa première biographie. Après la mort de Vollard en 1936, la collection resta artistes contemporains d'une valeur totale de huit millions de dollars.

Désormais, ce n'était plus Cézanne qui allait à Paris, mais de Paris on allait à Cézanne en Provence. Nous sommes allés à la rencontre du mystérieux artiste, voir ses esclaves, le photographier au travail et lui poser des questions sur son travail. Autour de Cézanne se forme spontanément un cercle de jeunes artistes en herbe.

Mais le véritable succès n’est venu au maître qu’après sa mort en 1906. Un an plus tard, une exposition de ses aquarelles a eu lieu, une exposition de 48 peintures a été organisée en sa mémoire, des études ont commencé à être écrites sur lui et une correspondance avec des amis a été publiée.

De jeunes artistes - Matisse, Picasso, Braque, Gauguin, Rousseau - l'idolâtraient, le copiaient et le répétaient. Picasso a donc écrit ses « Beautés d’Avignon » sous l’influence des « Baigneuses » de Cézanne, et Matisse s’est endetté rien que pour acheter ce tableau. Gauguin ne s'est pas séparé des tableaux de Cézanne, même lorsqu'il mourait de faim, mais il n'en a vendu aucun.

Les grands baigneurs. 1898-1905

Sept ans plus tard, les tableaux de Cézanne apparaissent au Louvre : « La Maison du Pendu », un des tableaux de la série « Les Joueurs de cartes », des natures mortes et des aquarelles de la collection privée du banquier millionnaire Isaac de Commando.

Trois ans plus tard, le Louvre acquiert le tableau « Polars ». Et puis toutes les œuvres de Cézanne, léguées au Musée du Luxembourg par le collectionneur Cabot, autrefois achetées à des prix dérisoires, ont été transférées ici.

Peupliers. 1879-1882

Aujourd'hui, les tableaux de Cézanne coûtent des millions aux enchères. Ainsi, en 2007, sa « Nature morte aux melons » a été vendue pour 25,5 millions de dollars. Mais si l’artiste vivait de l’argent de ses tableaux, il mourrait de faim.

Les jeunes adeptes de Cézanne se souviennent bien de ses leçons : « Il n'y a qu'un seul artiste au monde - moi-même », a déclaré Cézanne et « Si quelqu'un essaie de fonder une nouvelle école qui porte mon nom, cela signifie qu'il n'a jamais compris et n'a pas aimé ce que Je l'ai fait "

Paul Cézanne né le 19 janvier 1839 dans l'ancienne ville française d'Aix-en-Provence. Le fils unique d'un père grossier et avide, Paul, n'avait pratiquement rien à voir avec la peinture lorsqu'il était enfant, mais a reçu une très bonne éducation dans d'autres domaines. Étudier était pour lui facile et efficace. Il a constamment reçu des récompenses scolaires en latin, en grec et en mathématiques.

En 1861, le père envoie néanmoins son fils à Paris suivre une véritable formation de peinture. En visitant l'Atelier Suisse, l'impressionnable Paul Cézanne, sous l'influence des artistes locaux, s'éloigne rapidement du style académique et se met à la recherche de son propre style.

De retour brièvement à Aix, Paul suivit ensuite de nouveau son ami Zola dans la capitale. Il tente d'entrer à l'Ecole de Bozar, mais les examinateurs ont jugé le travail qu'il a soumis trop « violent », ce qui n'est pourtant pas si loin de la réalité.