Biographie de l'artiste Matisse brièvement. Tableaux célèbres d'Henri Matisse. Picasso dans la vie de Matisse

L'éclat des couleurs, la simplicité de la technique, l'expression, les tableaux de l'artiste français Henri Matisse étonnent par leur originalité. Le leader du fauvisme a essayé de nombreuses tendances dans les beaux-arts avant de trouver propre style, caractérisé par un caractère « sauvage ».

Enfance et jeunesse

Le lieu de naissance du grand artiste est la ville du nord de Le Cateau-Cambrésy en France. Ici, en 1869, naît le premier enfant de la famille d'un marchand de céréales prospère, Henri Emile Benoit Matisse. Le sort de l'enfant était prédéterminé - à cette époque, le premier héritier de la famille était obligé de reprendre à l'avenir l'entreprise de son père. Mais apparemment, le garçon a hérité des gènes de sa mère, qui aimait passer du temps temps libre pour peindre des objets artisanaux en céramique.

Henri était parfaitement préparé pour l'avenir ; il étudia à l'école, puis au lycée. Ensuite, le fils obstiné, contre la volonté du chef de famille, se rend à Paris pour étudier les sciences juridiques. Avec un diplôme qui est loin d'être artistique, il rentre chez lui, où il travaille pendant plusieurs mois comme commis.

La maladie a décidé du sort. La biographie créative de l’artiste doué a commencé en 1889, lorsque Henri Matisse tomba sous le couteau du chirurgien souffrant d’une appendicite.

Il a fallu deux mois pour récupérer après l'opération. Pour éviter que son fils ne s'ennuie, sa mère a apporté du matériel de dessin à l'hôpital et Matisse a commencé à copier de manière désintéressée des cartes postales en couleur. A cette époque, le jeune homme comprend enfin à quoi il veut consacrer sa vie.

Peinture

Le rêve de devenir étudiant à l’École des Beaux-Arts de la capitale n’était pas acquis. Henri a échoué à sa première candidature, il a donc dû d'abord s'asseoir aux bureaux des autres. les établissements d'enseignement, où ils ont été initiés aux bases de la peinture. Et pourtant, en 1895, la « forteresse » se rendit - avec l'avenir artiste célèbre Albert Marquet Matisse entre à la très convoitée Ecole des Beaux-Arts, dans l'atelier de Gustave Moreau.

Au début de sa carrière, ses intérêts incluaient l'art contemporain ; Henri Matisse était également curieux du mouvement japonais. Symboliste dans l’âme, Moreau envoie ses étudiants apprendre à « jouer avec la couleur » au Louvre, où Henri tente d’imiter les classiques de la peinture en copiant des tableaux. Le maître a appris à « rêver de couleurs », c’est là qu’est née la passion de l’artiste Matisse pour trouver des nuances appropriées pour transmettre des émotions.

DANS premiers travaux un mélange des enseignements de Moreau avec des éléments empruntés à des maîtres reconnus du pinceau est déjà apparu. Par exemple, la nature morte « Bouteille de Schiedam » se distingue par son ambiguïté : d’une part, couleurs sombres indiquent une imitation de Chardin, et les larges traits et le mélange de noir et d'argent - . Henri a admis plus tard :

« Je perçois le côté expressif de la couleur de manière purement intuitive. Lors de la transmission d'un paysage d'automne, je ne me souviendrai pas quelles nuances de couleurs conviennent à cette période de l'année, je m'inspirerai uniquement des sensations de l'automne... Je choisis les couleurs non pas selon une théorie scientifique, mais selon le ressenti, observation et expérience. »

L'artiste s'ennuie vite d'étudier les classiques, et il se tourne vers les impressionnistes, en particulier il adore les toiles. La couleur des premières œuvres était encore terne, mais s'est progressivement enrichie ; l'attrait pour l'impressionnisme a commencé à se transformer en son propre style unique. Déjà en 1896, les premières créations du peintre débutant commençaient à apparaître dans les salons d'art.

La première exposition personnelle n'a pas fait sensation parmi les connaisseurs d'art. Henri Matisse décide de quitter la capitale française plus au nord, où il s'essaye à la technique des traits en points. A cette époque, le premier chef-d'œuvre sort de sa plume : « Luxe, Paix et Plaisir ». Mais l’homme n’a pas trouvé ce style d’écriture « natif ».

La révolution dans le travail de l’artiste se produit en 1905. Matisse, avec un groupe de personnes partageant les mêmes idées, a créé un nouveau style en peinture, appelé fauvisme. L'énergie des couleurs présentée lors de l'exposition d'automne a choqué le public. Henri a présenté deux œuvres : le portrait « Femme au chapeau » et le tableau « Fenêtre ouverte ».

Une vague d'indignation a frappé les artistes ; les visiteurs de l'exposition n'ont pas compris comment on pouvait ainsi négliger toutes les traditions des beaux-arts. Les fondateurs du style s'appelaient Fauves, c'est-à-dire sauvages.

Cependant, une telle attention, bien que négative, a apporté à Matisse une popularité et de bons dividendes : les tableaux ont gagné des fans qui les ont achetés avec plaisir. Par exemple, « La femme au chapeau » a été immédiatement retirée de l'exposition de l'écrivaine américaine Gertrude Stein, et le tableau « La joie de vivre », paru en 1906, a été acheté par le célèbre collectionneur Leo Stein.

C'est arrivé un peu plus tard événement important– l’artiste a rencontré un inconnu, la communication a donné lieu à des décennies d’amitié, au cours desquelles les maîtres du pinceau se sont affrontés. Picasso a déclaré que la mort de l'un d'entre eux serait une perte irréparable pour tout le monde, car il n'y avait personne d'autre pour discuter avec autant de vigueur de certaines questions créatives.

Les deux plus de célèbres tableaux– « Danse » et « Musique » – Matisse a écrit pour le philanthrope Sergueï Chtchoukine. Un Russe commande des tableaux pour une maison à Moscou. L'artiste, travaillant sur les croquis, s'est fixé pour objectif de créer quelque chose pour que quiconque entre dans le manoir ressente du soulagement et de la paix. Il est intéressant de noter qu'Henri a personnellement supervisé l'installation des peintures - le Français est venu dans la capitale de la Russie, où il a été reçu avec délice. L'artiste lui-même a été impressionné par la collection d'icônes anciennes du propriétaire de la maison et par la simplicité des Russes.

Apparemment, l'artiste a reçu une bonne rémunération, car il est immédiatement parti en voyage. J'ai visité le conte de fées oriental de l'Algérie et, de retour chez moi, je me suis immédiatement mis au travail - le tableau «Blue Nude» a vu le jour. Ce voyage laisse une impression indélébile sur Matisse ; de nouveaux éléments apparaissent dans son œuvre ; l'homme réalise des lithographies, des gravures sur céramique et sur bois.

Le charme de l'Orient ne le lâche pas, le Français continue de se familiariser avec l'Afrique en voyageant au Maroc. Et puis il part en voyage en Europe et en Amérique. A cette époque, son œuvre commence progressivement à perdre les signes du fauvisme, se remplissant de subtilité et de profondeur particulière, un lien avec la nature apparaît.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, l'artiste a reçu un diagnostic de cancer ; après l'opération, l'homme ne pouvait plus bouger. Au cours de cette période, Matisse invente une nouvelle direction dans le domaine du découpage, basée sur la composition de peintures à partir de morceaux de papier coloré.

Henri Matisse met fin à sa créativité avec un projet d'aménagement à grande échelle pour un couvent à Vence. On raconte que l'artiste n'avait été chargé que de modifier les croquis des vitraux, mais il a retroussé ses manches avec enthousiasme et a créé un projet complet. D'ailleurs, l'homme considérait cette œuvre comme une sorte de signe du destin à la fin de sa vie et la meilleure de sa collection d'œuvres artistiques.

Vie privée

La vie personnelle d'Henri Matisse a été décorée par trois femmes. En 1984, l'artiste est devenu père pour la première fois - le mannequin Carolina Zhoblo a donné une fille au talentueux peintre, Margarita. Cependant, Henri n'a pas du tout épousé cette fille.

Conjoint officiel devient Amélie Pareire, que la représentante du monde de la peinture a rencontrée au mariage d’un ami. La jeune fille a fait office de demoiselle d'honneur et Henri s'est accidentellement retrouvé assis à table à côté de lui. Amélie a eu un coup de foudre et le jeune homme a également commencé à montrer des signes d'attention. La jeune fille est devenue la première personne proche à croire inconditionnellement en son talent.

Avant le mariage, le marié a averti la mariée que le travail occuperait toujours la place principale dans la vie. Même sur Voyage de noces la nouvelle famille est allée à Londres pour se familiariser avec la créativité.

Le mariage a donné naissance aux fils Jean-Gérard et Pierre. Le couple a également emmené Margarita dans leur famille pour l'élever. Pendant de nombreuses années, la fille et l’épouse ont occupé les places des principaux modèles et muses de l’artiste. L’un des célèbres tableaux dédiés à sa femme est « Green Stripe », peint en 1905.

Ce portrait d’une femme bien-aimée paraissait « laid » aux connaisseurs d’art de l’époque. Les téléspectateurs ont estimé que le représentant du fauvisme allait trop loin avec l'éclat des couleurs et la franche véracité.

Au sommet de sa popularité, survenu dans les années 30, l'artiste avait besoin d'un assistant. Matisse s'installe alors avec sa famille à Nice. Un jour, une jeune émigrée russe, Lydia Delectorskaya, fait son apparition dans la maison et devient la secrétaire du peintre. Au début, la femme ne voyait pas de danger chez la fille - son mari n'aimait pas les personnes blondes. Mais la situation changea instantanément : par hasard apercevant Lydia dans la chambre de sa femme, Henri se précipita pour la dessiner.

Par la suite, Amélie a divorcé de son célèbre mari et Dillectorskaya est devenue la dernière muse Matisse. On ne sait toujours pas quel genre de relation régnait dans cette union, s'il s'agissait d'amour ou si le couple se limitait à travailler ensemble. Parmi la dispersion des dessins et des peintures représentant Lydia, le tableau « Odalisque » se démarque. Harmonie bleue."

La mort

Le 1er novembre 1954, Henri Matisse est victime d'un micro-accident vasculaire cérébral. Deux jours plus tard Grand artiste décédé. La légende raconte que Dillectorskaya, juste avant sa mort, a rendu visite au peintre dans la chambre, où elle a dit :

« Un autre jour, vous diriez : « Donnez-moi un crayon et du papier. » »

Henri répondit avec un sourire :

"Donnez-moi un crayon et du papier."

Travaux

• 1896 – « Bouteille de Schiedam »
• 1905 – « La joie de vivre »
• 1905 – « Femme au chapeau »
• 1905 – « Bande verte »
• 1905 – « Fenêtre ouverte à Collioure »
• 1907 – « Nu bleu »
• 1908 – « La Chambre Rouge »
• 1910 – « Musique »
• 1916 – « Baigneuse au bord de la rivière »
• 1935 – « Nu rose »
• 1937 – « Femme au manteau violet »
• 1940 – « Chemisier roumain »
• 1952 – « La tristesse du roi »

Henri Matisse

Henri Matisse (1869-1954), un artiste français exceptionnel. Né le 31 décembre 1869 au Cateau dans le nord de la France. En 1892, il vient à Paris, où il étudie à l'Académie Julian, puis avec Gustave Moreau. La recherche d'un transfert direct de sensations à l'aide de couleurs intenses, de dessins simplifiés et d'images plates se reflète dans les œuvres qu'il présente à l'exposition du « sauvage » (Fauve) au Salon d'automne de 1905. Il expose de nombreuses œuvres. Ces œuvres, qui font scandale, marquent les débuts du fauvisme. A cette époque, Matisse découvre la sculpture des peuples d'Afrique, commence à la collectionner et s'intéresse aux gravures sur bois classiques japonaises et arabes. art décoratif. En 1906, il achève la composition « La joie de vivre », dont l'intrigue est inspirée du poème « L'après-midi d'un faune » de S. Mallarmé : l'intrigue combine des motifs pastoraux et bacchanales. Les premières lithographies, gravures sur bois et céramiques apparaissent. Les graphismes de Matisse allient l'arabesque à un rendu subtil du charme sensuel de la nature. En 1907, Matisse voyage à travers l'Italie (Venise, Padoue, Florence, Sienne). Dans « Notes d'un peintre » (1908), il formule ses principes artistiques et parle de la nécessité « d'émotions par des moyens simples ». Des étudiants de différents pays apparaissent dans l'atelier d'Henri Matisse.
"Autoportrait" 1918, Musée Matisse, Le Caté-Cambrai, France

En 1908, S.I. Chtchoukine commande à l'artiste trois panneaux décoratifs pour sa propre maison à Moscou. Le panneau « Danse » (1910, Hermitage) présente une danse extatique inspirée des impressions des saisons russes de S. Diaghilev, des performances d'Isadora Duncan et de la peinture sur vase grec. Dans Musique, Matisse présente des personnages isolés chantant et jouant de divers instruments. Le troisième panneau - «Bain ou méditation» - n'est resté que sous forme d'esquisses. Exposées au Salon de Paris avant d'être envoyées en Russie, les compositions de Matisse font scandale par la nudité choquante des personnages et l'inattendu de l'interprétation des images. Dans le cadre de l'installation du panneau, Matisse s'est rendu à Moscou, a accordé plusieurs interviews à des journaux et a exprimé son admiration pour la peinture russe ancienne. Dans le tableau « Poissons rouges » (1911, Musée des Beaux-Arts de Moscou), en utilisant les techniques des perspectives elliptiques et inversées, l'appel des tons et le contraste du vert et du rouge, Matisse crée l'effet de poissons tournant dans un verre. navire. Au cours des mois d'hiver 1911 à 1913, l'artiste visite Tanger (Maroc), réalise le triptyque marocain «Vue depuis une fenêtre à Tanger», «Zora sur la terrasse» et «Entrée de la Kasbah» (1912, ibid.), acquis par I. A. Morozov. Les effets des ombres bleues et des rayons aveuglants du soleil sont magistralement rendus.

"Plats et Fruits" 1901 Ermitage

John McLaughlin - "Les Paons" ("La Promesse")

"Femme au chapeau" (Portrait d'épouse) 1904 - Présentée au Salon de 1905.

"Nature morte au vase, bouteille et fruit" 1903-1906 Ermitage

"La Place de Saint-Tropez" 1904 Musée d'Art, Copenhague

"Fenêtre" 1916 Institute of Art, Détroit

"Genou surélevé" 1922, Collection privée

Après la Première Guerre mondiale, Matisse vit principalement à Nice. En 1920, il réalise des esquisses de décors et de costumes pour le ballet « Le Rossignol » de I. Stravinsky (chorégraphie de L. Massine, mise en scène de S. Diaghilev). Sous l'influence de la peinture d'O. Renoir, que Matisse a rencontré à Nice, il s'intéresse à la représentation de modèles en vêtements clairs (cycle « odalisque ») ; intéressé par les maîtres rococo. En 1930, il se rend à Tahiti, travaille sur deux versions de panneaux décoratifs pour la Fondation Barnes à Merion (Philadelphie), qui devaient être placés au-dessus fenêtres hautes principal salle d'exposition. Le thème du panel est la danse. Les huit personnages sont présentés sur un fond composé de rayures roses et bleues, les personnages eux-mêmes étant d'un ton rose grisâtre. La solution compositionnelle est volontairement plate et décorative.
Dans le processus de création de croquis, Matisse a commencé à utiliser la technique des découpages sur papier de couleur (« découpage »), qu'il a ensuite largement utilisée (par exemple, dans la série « Jazz », 1944-47, reproduite plus tard en lithographies). Avant la Seconde Guerre mondiale, Matisse illustrait des livres réalisés en petits tirages (gravure ou lithographie). Pour les productions de Diaghilev, il réalise des croquis du décor du ballet « Rouge et Noir » sur la musique de D. Chostakovitch. Il travaille abondamment et fructueusement avec les arts plastiques, poursuivant les traditions de A. Bari, O. Rodin, E. Degas et A. E. Bourdelle. Son style de peinture est sensiblement simplifié ; le dessin comme base de la composition se révèle de plus en plus clairement (« Chemisier roumain », 1940, Centre d'art contemporain J. Pompidou). En 1948-53, mandaté par l'Ordre Dominicain, il travaille à la construction et à la décoration de la « Chapelle du Rosaire » à Vence. Une croix ajourée flotte au-dessus du toit en céramique représentant le ciel avec des nuages ​​; au-dessus de l'entrée de la chapelle se trouve un panneau en céramique représentant saint. Dominique et la Vierge Marie. D’autres panneaux, exécutés d’après les croquis du maître, sont placés à l’intérieur ; l'artiste est extrêmement avare de détails, des lignes noires agitées racontent de manière dramatique l'histoire du Jugement dernier (le mur ouest de la chapelle) ; à côté de l'autel se trouve une image de Dominique lui-même. Cette dernière œuvre de Matisse, à laquelle il attachait une grande importance, est une synthèse de plusieurs de ses quêtes antérieures. Matisse a travaillé dans différents genres et types d’art et a utilisé diverses techniques. En plastique comme en graphisme, il préfère travailler en série (par exemple quatre versions du relief « Debout dos au spectateur », 1930-40, Centre d'art contemporain J. Pompidou, Paris).
Le monde de Matisse est un monde de danses et de pastorales, de musique et instruments de musique, de beaux vases, des fruits juteux et des plantes de serre, des récipients divers, des tapis et des tissus colorés, des figurines en bronze et des vues infinies depuis la fenêtre (le motif préféré de l'artiste). Son style se distingue par la souplesse des lignes, tantôt intermittentes, tantôt arrondies, traduisant des silhouettes et des contours variés (« Thèmes et Variations », 1941, fusain, plume), rythmant clairement ses compositions strictement réfléchies et pour la plupart équilibrées.
Le laconisme des moyens artistiques raffinés, les harmonies coloristiques, combinant soit des harmonies contrastées vives, soit l'équilibre de grandes taches locales et de masses de couleurs, servent l'objectif principal de l'artiste - transmettre le plaisir de la beauté sensuelle des formes extérieures.
De plus, Matisse a été fortement influencé par les œuvres d'art islamique présentées à l'exposition de Munich. Les deux hivers que l'artiste passe au Maroc (1912 et 1913) l'enrichissent de la connaissance des motifs orientaux, et sa longue vie sur la Riviera contribue au développement d'une palette lumineuse. Contrairement au cubisme contemporain, l’œuvre de Matisse n’était pas spéculative, mais reposait sur une étude scrupuleuse de la nature et des lois de la peinture. Ses peintures de figures féminines, de natures mortes et de paysages peuvent sembler mineures dans leurs sujets, mais sont le résultat d'une longue étude des formes naturelles et de leur simplification audacieuse. Matisse a réussi à exprimer harmonieusement la sensation émotionnelle immédiate de la réalité dans le sens le plus strict forme artistique. Excellent dessinateur, Matisse était avant tout un coloriste, obtenant l'effet d'un son coordonné dans une composition de nombreuses couleurs intenses. Matisse meurt le 3 novembre 1954 à Cimiez, près de Nice.

Les premières natures mortes de Matisse

"Nature morte" 1890

"Femme lisant" 1894

"Atelier de Gustave Moreau" 1895

"La Pucelle" 1896

"Pot Bleu et Citron" 1897. Huile sur toile. Ermitage

"Table à dîner" 1897

"Fruits et cafetière" 1899 Ermitage

"Autoportrait"

"Nature morte aux oranges 1899

"Atelier au grenier" 1903. Huile sur toile. Musée Fitzwilliam, Cambridge, Royaume-Uni

"Le bonheur de l'existence (la joie de vivre)" 1905-06 Fondation Barnes, Université Lincoln, Merion, Pennsylvanie

"Marin" 1906

Portraits insolites de Matisse

"Autoportrait" 1900 Centa. Georges Pompidou

"Auguste Pellerin" (II) 1916

"Greta Mall" 1908, National Gallery, Londres

"Autoportrait en chemise rayée" 1906 Musée d'État de Copenhague

"Portrait de la femme de l'artiste" 1912-13 Ermitage

"Italien" 1916

"Aïcha et Lorette" 1917

"Plume Blanche" 1919

"Portrait de Sarah Stein" 1916

En 1914, les meilleures œuvres de Matisse, appartenant à Michael et Sarah Stein, disparaissent en Allemagne alors qu'elles participaient à une exposition à Berlin peu avant le déclenchement de la Première Guerre mondiale. Deux ans plus tard, Matisse réalise deux portraits de Michael et Sarah Stein, ses premiers collectionneurs les plus dévoués, pour compenser les œuvres qu'ils avaient perdues à Berlin.

"Portrait de Michael Stein" 1916

"Thé dans le jardin" 1919

"Lorette avec une tasse de café" 1917

"Figure sur fond d'ornement" 1925-26. Centre Pompidou, Paris

"Laurette au turban blanc" 1916 Ch.k

"Ballerine, harmonie en vert" 1927. Ch.k

"Greta Prozor" 1916

André Derain "Portrait d'Henri Matisse" 1905

"Portrait d'André Derain" 1905. Huile sur toile Tate Gallery, Londres, Royaume-Uni.

"Madame Matisse" 1907

"Rêve" 1935

Plus de natures mortes de Matisse

"Nappe bleue" 1909

"Torse grec avec des fleurs" 1919

"Vase aux oranges" 1916. Ch.k.

"Nature morte au miroir"

"Intérieur avec un violon" 1917-18 Musée d'État de Copenhague

Et encore des portraits

"Femme au chapeau avec des fleurs" 1919

"Ballerine" 1927 Collection d'Otto Krebs, Holzdorf. Maintenant à l'Ermitage

"Fille au chemisier bleu" (Portrait de Lydia Delectorskaya, assistante de l'artiste). 1939 Ermitage

"Fille en rose" 1942

"Fille en vert avec un œillet" 1909. Ermitage

"Portrait de Marguerite" 1906-1907

"La Fille aux yeux verts" 1908

"Trois sœurs" 1916

"La leçon de musique" 1917 Fondation Barnes, Université de Lincoln

"Laurette en robe rouge" 1917

"Yvonne Landsberg" 1914. Gravure du Philadelphia Museum of Art

"Lorette en robe verte, sur fond noir" 1916

Thèmes orientaux dans les peintures de Matisse

"Harmonie dans les tons rouges" 1908. X, M. Hermitage

"L'habitant de Tsora sur la terrasse" 1912 Musée Pouchkine im. A.S. Pouchkine

"Chambre maure" 1923

"Odalisque en pantalon rouge" 1917

"Marabout" 1912

"Jardin marocain" 1912

"Marocain en Grèce" 1912-13. Ermitage

"Femme maure aux mains levées" 1923

"Odalisque au Magnolia" 1924

"Conversation" 1909

"Odalisque au tambourin" 1926

"Nu sur un oreiller bleu" 1924 Ch.k.

"Asie" 1946

"Nu bleu aux cheveux au vent" 1952

"Nu bleu. Souvenirs de Biskra" 1907

Ce tableau a été peint après une visite en Algérie. Par son exécution incompréhensible, sa configuration brutale et sa pose torsadée, ce tableau est l'une des œuvres clés de sa carrière et de l'art occidental en général.

"Femme au parapluie" 1905

"Deux filles" 1941

"Aperçu de Notre-Dame la nuit" 1902

"Luxe, calme et volupté" 1904 Centre Georges Pompidou, Paris

Dessins de Matisse

"Portrait féminin" 1945

"Portrait de Ilya Ehrenbourg"

"Portrait d'une femme aux cheveux flottants"

"Femme de profil"

Henri Matisse

Article original et commentaires sur

Henri Matisse ( Henri Matisse) - un artiste français exceptionnel, leader du mouvement fauviste - connu pour son rendu magistral d'émotions et de sentiments exquis en couleur. Le monde de Matisse est un monde de danses et de pastorales, de beaux vases, de fruits juteux, de plantes de serre, de tapis et de tissus colorés, de figurines en bronze et de paysages sans fin. Son style se distingue par la souplesse des lignes, tantôt intermittentes, tantôt arrondies, véhiculant une variété de silhouettes et de contours, d'ambiances et de motifs. Raffiné médias artistiques, des harmonies coloristiques combinant des harmonies lumineuses et contrastées, comme pour appeler le spectateur de ces œuvres à profiter de la beauté sensuelle du monde.

On dit de la peinture de Matisse qu'elle est musicale. L’art de l’artiste a souvent été défini comme « profane » et « de salon », voyant dans la fête et l’élégance de ses peintures une influence directe des goûts des riches mécènes. On lui reproche d'être déconnecté de la réalité, de décadence, d'incompréhension problèmes modernes. En effet, à de rares exceptions près, vous ne verrez pas de motifs indescriptibles du quotidien dans ses peintures. Henri a essayé de capturer quelque chose de complètement différent : des femmes élégantes dans un cadre magnifique et élégant, des bouquets de fleurs luxuriants, des tapis aux couleurs vives.

Le futur artiste est venu au monde, qu'il a ensuite glorifié avec tant d'amour à l'aide d'un pinceau et de peintures, juste avant le début de la nouvelle année - le 31 décembre 1869 à Cateau Cambrésy, dans le nord de la France. Le père voulait que son fils se remette sur pied le plus vite possible, il le voyait comme un avocat, un homme riche, mais ses désirs restaient un rêve. Certes, après avoir été diplômé du lycée Saint-Quentin, Matisse devait encore étudier le droit à Paris. Il s’essaye pour la première fois à la peinture à l’hôpital, où il souffre d’appendicite. Il y avait beaucoup de temps libre, Henri faisait un dessin, un autre et... le travail le fascinait. À l'âge de 20 ans, il commence à s'entraîner école d'art Ventin de la Tour, et en 1891 il se rend à Paris, où il entre à l'École des Beaux-Arts. Puis, contre la volonté de son père, Matisse quitte la jurisprudence et s'installe complètement à Paris, entre à l'Académie Julian et prend des cours auprès du maître de la peinture française, Gustave Moreau.

Mystique et symboliste, Moreau prédit un grand avenir à l'artiste en herbe, appréciant particulièrement ses techniques innovantes dans des combinaisons de couleurs inattendues. Peindre demande du temps et de l’argent. La famille s’agrandit : au tournant de deux siècles, naissent les fils de l’artiste – Jean et Pierre. Selon les mémoires des contemporains, le mariage de Matisse était extrêmement heureux : Amélie Matisse, dévouée à l'artiste, travaillait dur pour que son mari ne puisse se consacrer qu'à la créativité. Cette belle femme est représentée dans de nombreux tableaux du maître ; les œuvres les plus célèbres sont « Femme au chapeau » et « Portrait d'épouse ». Amélie a fait tout son possible pour faire voyager Henri davantage, voir le monde et s'imprégner de ses couleurs. Ensemble, le couple voyage en Algérie, où Matisse se familiarise avec l'art de l'Orient, qui l'a beaucoup influencé. D'où, dans son œuvre, la prédominance de la couleur sur la forme, la panachure et le motif, la stylisation dans la conception des objets.

La recherche d'un transfert direct de sensations à l'aide de couleurs intenses, de dessins simplifiés et d'images plates se reflète dans les œuvres présentées à l'exposition fauve au Salon d'automne de Paris en 1905. A cette époque, Matisse découvre la sculpture des peuples d'Afrique et s'intéresse aux gravures sur bois classiques japonaises et à l'art décoratif arabe.

En 1908, le collectionneur russe Sergueï Chtchoukine charge l'artiste de créer trois panneaux décoratifs pour sa propre maison à Moscou. L'œuvre « Danse » (1910) présente une danse extatique inspirée des impressions des saisons russes de Sergei Diaghilev, des performances d'Isadora Aunkan et de la peinture sur vase grec. Dans « Musique », il y a des figures d'artistes jouant de divers instruments. Le troisième panneau - «Bain ou méditation» - n'est resté que sous forme d'esquisses. Les tableaux de la collection Chtchoukine, « coupés » du reste du monde par la guerre, furent confisqués par l'État après la révolution, restèrent enfermés dans les sous-sols soviétiques tout au long du milieu du XXe siècle et ne virent le jour qu'après la mort de Staline (et de Matisse lui-même).

On ne peut pas dire que le beau monde artistique ait accueilli l’œuvre de Matisse de manière positive et sans ambiguïté. Par exemple, Pablo Picasso ne percevait pas du tout le peintre français et le considérait comme son rival. Igor Stravinsky se souvient : « Qu'est-ce que Matisse ? - Pablo aimait répéter. "Il y a un balcon et il y a un pot de fleurs lumineux dessus."

Contrairement à Picasso, Matisse a dû faire face à l'opposition de son père, qui a eu honte toute sa vie que son fils ait décidé de devenir artiste. Matisse a vécu de nombreuses années dans la pauvreté. Il avait environ quarante ans lorsqu’il put enfin subvenir seul aux besoins de sa famille. Henri recherchait dans l'art la paix et la stabilité que la vie ne pouvait lui donner ; Pablo, au contraire, a sapé les fondements du monde.

Lorsqu'ils se rencontrent en 1906, Picasso a 25 ans, vient d'arriver d'Espagne, parle à peine français et pratiquement personne ne le connaît à Paris. Matisse, alors âgé de trois ans, était déjà reconnu comme un artiste de premier ordre. Le premier tableau que Matisse offre à Picasso en 1907 est un portrait de la fille d'Henri, Marguerite. Picasso a accroché l'œuvre dans son atelier et a invité ses amis à l'utiliser comme cible de fléchettes.

Matisse a été fortement influencé par l'art islamique, présenté lors d'une exposition à Munich en 1911. Les deux hivers que l'artiste passa au Maroc (1912 et 1913) enrichirent encore sa connaissance des motifs orientaux, et sa longue vie sur la Riviera contribua au développement d'une palette vibrante. Contrairement aux maîtres du cubisme, l’œuvre de Matisse n’était pas spéculative ; elle reposait sur une étude scrupuleuse de la nature et des lois de la peinture. Toutes ces peintures, représentant des figures féminines, des natures mortes et des paysages, sont le résultat d'une longue étude des formes naturelles. On peut dire que Matisse a réussi à exprimer harmonieusement la sensation émotionnelle immédiate de la réalité sous la forme artistique la plus stricte. Excellent dessinateur, il était avant tout coloriste, réalisant l'effet d'un son coordonné de plusieurs couleurs intenses. Par exemple, dans le tableau « Luxe, Paix et Volupté », le style Art Nouveau se combine avec le style de peinture en pointillés caractéristique du pointillisme. Par la suite, l'énergie des couleurs augmente, un intérêt pour l'expression apparaît ( mot préféré Matisse), auréoles colorées, élaboration coloristique au sein de la composition picturale.

L'impact des couleurs des peintures de Matisse sur le spectateur est incroyable ; les couleurs crient et hurlent comme de grandes fanfares. Les contrastes de couleurs sont nettement mis en valeur et accentués. Voici ce que dit l'artiste lui-même : « Dans mon tableau « Musique », le ciel est peint d'une belle couleur bleue, le plus bleu des bleus, l'avion est peint d'une couleur si saturée que le bleu, l'idée du bleu absolu , se révèle pleinement ; La verdure pure a été prise pour les arbres et le cinabre retentissant pour les corps humains. Car l’expression dépend de la surface colorée adoptée par le spectateur dans son ensemble.

Dans les œuvres de Matisse, la couleur prédomine tellement sur le dessin qu'on peut dire : c'est la couleur qui est le véritable héros du contenu des tableaux. Cette méthode créative était caractéristique non seulement de Matisse, mais aussi du fauvisme en général. Un critique a écrit à propos des Fauves : « Ils ont jeté un pot de peinture au visage du public. » Matisse, dans un de ses essais, rétorque : « Les couleurs d’un tableau doivent exciter les sentiments jusqu’au plus profond, quoi qu’en disent les critiques. » Ce n’est pas pour rien que Guillaume Apollinaire s’est exclamé : « Si l’œuvre de Matisse avait besoin de comparaison, il faudrait prendre une orange. Matisse est un fruit aux couleurs éclatantes."

La précision avec laquelle il construit une composition sur toile est remarquable. Matisse saisit l'axe même du mouvement, conférant au dessin intégrité et régularité. Ses croquis sont si nets, dynamiques, lapidaires et en même temps flexibles qu'ils ne peuvent être confondus avec les travaux d'autres dessinateurs - ils sont immédiatement reconnaissables !

Les artistes français de l’époque Art Nouveau étaient friands de danse. Ballerines gracieuses de Degas, cabaret prima de Toulouse-Lautrec - diverses incarnations de ce qui est devenu à la mode thème de danse. Henri Matisse ne fait pas exception. Et bien que le réalisme soit étranger aux images de Matisse et que ses toiles décoratives aient peu de points communs avec une représentation fiable de ballerines sur pointes, le thème de la danse surgit invariablement aux tournants de son parcours créatif.

Le panneau « Danse parisienne » a été conçu par Matisse dans ses années de déclin. Cependant, l’œuvre est considérée comme l’une des plus audacieuses et innovantes. Surtout pour cette commande, l'auteur a inventé et développé Equipements originels- découpage (traduit du français par « coupe »). Comme un puzzle géant, l’image a été assemblée à partir de fragments individuels. A partir de feuilles pré-peintes à la gouache, le maestro découpait lui-même aux ciseaux figures et morceaux de fond, puis, d'après le dessin marqué au fusain, les attachait au socle avec des épingles... La « danse parisienne » est connue en trois versions. La version la plus ancienne, inachevée, est essentiellement une esquisse préparatoire. Avec la deuxième œuvre, presque achevée, une histoire malheureuse a émergé : Matisse s'est trompé sur la taille de la pièce et la toile entière a dû être réécrite. La version finale a été approuvée par le client et est partie avec succès à l'étranger. Et l'artiste précédent, « défectueux », a réussi à terminer, en 1936 il a donné l'œuvre contre une modeste rémunération au Musée d'Art Moderne de Paris. Aujourd'hui, la « Danse parisienne » est à juste titre considérée comme la perle de la collection de ce musée - ce n'est pas un hasard si une salle spéciale a été construite pour exposer la toile géante. Autre détail intéressant : en travaillant sur « La Danse parisienne », Henri Matisse a dû se rendre à Moscou, où, avec le poète Valery Bryusov et l'artiste Valentin Serov, qui ont découvert à Matisse la beauté des icônes russes, dont Le peintre français était ravi, il rencontra Lydia Aelektorskaya. Cette simple jeune fille russe était destinée à entrer dans l’histoire : elle devint secrétaire, puis assistante indispensable, puis amie la plus proche et dernière muse de l’artiste. En octobre 1933, Lydia Lelektorskaya s'installe dans la maison de Matisse et y reste près de 22 ans.

Matisse a écrit à propos de ses impressions sur la Russie : « Hier, j'ai vu une collection d'icônes anciennes. C'est du vrai grand art. Je suis amoureux de leur simplicité touchante, qui m'est plus proche et plus chère que les peintures de Fra Angelico. Dans ces icônes, telle une fleur mystique, l'âme des artistes se révèle. Et c’est grâce à eux que nous devons apprendre à comprendre l’art.

La Première Guerre mondiale, qui marque profondément l’âme de Matisse, modifie son style artistique. La coloration des tableaux devient sombre et le dessin devient presque schématique. Depuis 1918, l'artiste vit presque constamment à Nice, visitant occasionnellement Paris. Les couleurs joyeuses et vives ne reviendront pas de sitôt dans sa peinture... Dans de nombreuses compositions de cette période, parmi lesquelles les plus célèbres sont « Robe persane », « Musique » (1939), « Chemisier roumain » (1940), l'artiste à nouveau affirme les principes de la « peinture pure » » Peints avec des traits négligents, ces tableaux créaient une impression joyeuse mais trompeuse - comme s'ils avaient été peints facilement, du premier coup, grâce à une inspiration heureuse et insouciante. Mais en réalité, chacune des créations du maître est le résultat de recherches minutieuses, d’un travail acharné et d’un énorme stress moral et physique. Pas différent bonne santé, souffrant d'insomnie, Matisse s'est refusé de nombreux plaisirs juste pour conserver sa capacité de travailler. En créant une image, il a tout oublié du monde.

L'artiste continue de créer même dans les moments les plus difficiles pour lui. Depuis 1941, il est gravement malade, sa femme et sa fille sont arrêtées par la Gestapo pour participation à la Résistance, Matisse ne sait rien de leur sort depuis longtemps. Depuis quelques années, Henri travaille davantage comme illustrateur et s'intéresse aux collages. Avec quel plaisir il peignait les motifs des tapis d'Orient, avec quel soin il réalisait des relations de couleurs précises et harmonieuses ! Ses natures mortes et portraits des derniers temps sont également magnifiques, pleins d'une mystérieuse lumière intérieure. Ce n’est plus une peinture intimiste, elle prend une sonorité cosmique. Contraint d'abandonner la peinture à l'huile, incapable de tenir un pinceau et une palette dans ses mains, l'artiste a développé une technique permettant de composer une image à partir de bouts de papier coloré. En 1948-53, sur ordre de l'Ordre Dominicain, Matisse travaille à la construction et à la décoration de la « Chapelle du Rosaire » à Vence. Une croix ajourée flotte au-dessus du toit en céramique représentant le ciel avec des nuages ​​; au-dessus de l'entrée de la chapelle se trouve un panneau en céramique représentant saint. Dominique et la Vierge Marie. D’autres panneaux, exécutés d’après les croquis du maître, sont placés à l’intérieur ; l'artiste est extrêmement avare de détails, noir agité, les lignes racontent de manière dramatique l'histoire du Jugement dernier (le mur ouest de la chapelle) ; à côté de l'autel se trouve une image de Dominique lui-même. Cette dernière œuvre de Matisse, à laquelle il attachait une grande importance, synthèse de nombreuses quêtes antérieures, complétait dignement son parcours artistique. Pourtant, Matisse peint jusqu'au dernier moment, même la nuit, même après une crise cardiaque, la veille de sa mort, le 3 novembre 1954, il demande un crayon et réalise trois croquis de portraits.

L'artiste a heureusement eu une longue et intense vie créative- dans un monde plein de catastrophes, de révolutions techniques, scientifiques et sociales. Ce monde était assourdissant, il changeait à une vitesse vraiment explosive, et Matisse bouleversait toutes les idées habituelles, entassé les ruines, multipliait les découvertes et cherchait de nouvelles formes d'être dans l'art. J'ai cherché et trouvé !

Biographie

Henri Émile Benoit Matisse est né le dernier jour de 1869 dans la ville du Château-Cambrésy, dans le nord-est de la France, dans la famille d'un marchand de céréales et de peinture. L'enfance de Matisse a été heureuse. Sa mère a sûrement joué un rôle important dans le destin du garçon: ayant une nature artistique, en plus de travailler dans le magasin familial, elle fabriquait des chapeaux et de la porcelaine peinte.

Après avoir quitté l'école, Henri étudie à Paris pour devenir avocat. Après avoir obtenu son diplôme, il a travaillé comme parajuriste à Saint-Quentin. Le travail semblait infiniment ennuyeux à Matisse. Le tournant de sa vie fut la maladie. Pour « dissiper » en quelque sorte son fils alors qu'il se remettait d'une opération pour l'appendicite, sa mère lui a offert une boîte de peinture. "Quand j'ai commencé à écrire", se souvient plus tard Matisse, "j'avais l'impression d'être au paradis..."

Après avoir obtenu l'autorisation de son père, il part étudier comme artiste dans la capitale, où en octobre 1891 il entre à l'Académie Julian. La relation de Matisse avec Adolphe Bouguereau, dont il s'est retrouvé dans l'atelier, n'a pas fonctionné et il a rapidement rejoint l'École des Beaux-Arts sous la direction de Postav Moreau. C'était le destin. Premièrement, Moreau s'est avéré être un excellent professeur ; d'autre part, ici, dans son atelier, l'artiste en herbe se lie d'amitié avec Albert Marquet et Georges Rouault, ses futurs camarades du fauvisme.

01 - Table à manger, 1897

02 - Pot Bleu et Citron, 1897

03 - Fruits et cafetière, 1899

Sur les conseils de Moreau, il copie assidûment les œuvres des maîtres anciens du Louvre. Les idées du maître, qui croyait que l'essentiel chez un peintre était sa capacité à exprimer son attitude envers le monde par la peinture, ont trouvé une vive réponse dans l'âme du jeune Matisse. Quant à son style d’écriture à cette époque, il était proche de l’impressionnisme. Mais la couleur, d'abord atténuée, a progressivement gagné en force et a même alors commencé à acquérir sens indépendant dans les œuvres de l’artiste, qui y voyait « une force capable d’accentuer la sensation ».

04 - Plats sur la table, 1900

05 - Vaisselle et fruits, 1901

06 - Aperçu de Notre-Dame la nuit, 1902

07 - Atelier dans les combles, 1903

Matisse a vécu une vie difficile à cette époque. Il avait une fille illégitime qui avait besoin de soins. En 1898, l'artiste épouse Amélie Pereire. Les jeunes mariés passent leur lune de miel à Londres, où Matisse s'intéresse au travail du grand maître de la couleur Turner. De retour en France, le couple part pour la Corse (les étonnantes couleurs de la Méditerranée éclatent alors sur les toiles du peintre). Henri et Amélie ont eu successivement deux fils. Matisse, qui manquait de fonds, a conçu représentations théâtrales, et Amélie a ouvert une boutique de chapeaux. À cette époque, Matisse rencontre le disciple le plus éminent de Seurat, Paul Signac, et s'intéresse au divisionnisme, dont le sens est d'écrire en points séparés de couleur primaire pure. Cette passion s'est manifestée dans plusieurs de ses œuvres.

Henri Matisse était un leader du fauvisme et l'une des figures clés de l'art du XXe siècle. Artistevécu une très longue vie. Il est décédé en 1954. Picasso, ayant appris la mort de Matisse, s'est exclamé : « Comment vais-je travailler maintenant ? Le maître voulait dire qu'il chemin créatif Il y avait une rivalité constante avec Matisse, et avec la mort de Matisse, il semblait perdre le cœur de la rivalité.

Henri Matisse. Au début de votre parcours créatif

Matisse a commencé à peindre assez tard. Ses parents voulaient qu'Henri soit avocat et il le devint. Mais le futur artiste se rend vite compte que la jurisprudence n'est pas son affaire et part à Paris pour étudier l'art. Il considérait Gustav Moreau comme son professeur et, suivant les conseils de son professeur, il étudia les œuvres des maîtres anciens et les copia même au Louvre.

A ce stade, il essaie d'écrire « dans l'esprit », à la recherche d'affinités artistiques avec l'une ou l'autre direction de l'art. La collection du Musée Pouchkine contient une nature morte réalisée « dans l’esprit hollandais ». Dans cette œuvre, Matisse fait scintiller le verre de la bouteille d'une couleur extraordinaire. Ce premiers travaux Le style est très proche du style d'Édouard Manet. (Il est intéressant de noter que même si de nombreuses personnes classent Manet parmi les impressionnistes, il n’en était pas un. Les experts soulignent toujours cela en disant : « Edouard Manet et les impressionnistes »).

Revenons au Matisse des débuts. Le ton de sa peinture est sombre et hétérogène, les couleurs individuelles sont nacrées argentées. Contrairement à Cézanne, Matisse sculpte et soigne la forme d'une toute autre manière. Il accorde plus d'attention à la couleur et construit la toile selon les canons classiques. Le tableau a été peint en 1896, alors que l’artiste avait 39 ans.

À la toute fin du XIXe siècle, l’artiste s’intéresse aux couleurs vives, aux combinaisons de couleurs vibrantes et aux techniques de composition audacieuses.

À la fin des années 1900, il avait développé une nouvelle compréhension du rôle de l’art dans le monde moderne. Le maître croyait que la tâche de la peinture moderne est de créer un environnement harmonieux pour un spectateur fatigué et spirituellement épuisé, de le distraire des soucis et des soucis. monde moderne et vous aider à vous détendre. Matisse appréciait les idéaux de l'unité de l'homme et de la nature ; il était attiré par la fusion de l'instinct et de la raison présente dans les cultures archaïques.
Matisse recherchait la pureté des sentiments caractéristiques de dessin d'enfant ou art primitif.

Fauvisme de Matisse « Statue et vases sur un tapis d'Orient »

« Une figurine et des vases sur un tapis d'Orient. (Nature morte en rouge vénitien)” 1908
En 1908, lorsque Matisse réalise ce tableau, une exposition d'art oriental et musulman a lieu à Paris, qui interdit de représenter des visages de personnes ainsi que d'animaux. Dans l’art islamique, seuls les ornements et les inscriptions calligraphiques sont autorisés. Matisse a étudié attentivement les arts orientaux et en a beaucoup tiré pour son travail.

Dans cette nature morte Matisse nie tous les canons de la peinture et utilise des couleurs très vives.

Il faut garder à l’esprit que le sens de la couleur est donné à une personne par nature, tout comme une voix ou une oreille musicale. Soit cela existe, soit cela n’existe pas ; il est impossible de développer le sens de la couleur, tout comme développer une voix. Matisse avait un sens parfait de la couleur. Il n’avait rien à inventer, il savait tout exactement. Et on peut faire confiance à Matisse en cela.

Le tapis sur cette photo est réel. Le même que Matisse avait chez lui. Il a jeté ce tapis sur la cheminée, la commode ou d'autres meubles. Mais le maître ne donne pas ici la profondeur de l'espace conformément aux lois mathématiques, mais écrit la profondeur uniquement avec des triangles d'espace non remplis de tapis. Un récipient, un vase japonais, une chope, une sculpture, son champ, du cognac. Couleurs – rouge, vert, bleu, noir. Donne aux coins de la pièce une couleur différente. À partir du moment où Matisse a commencé à peindre de telles compositions, son développement en tant qu'artiste a commencé.La liberté dans le choix des couleurs et des couleurs est bien visible sur la toile – intense, presque flamboyante.

Il semble que les objets du tapis soient inclus dans l'ornement du revêtement, en arabesque, comme élément d'un motif oriental. Le maître a également inclus dans cette composition un modèle en plâtre de sa sculpture.

Le fauvisme de Matisse. « Fruits et Bronze »

En 1910, il crée la toile "Fruits et Bronze". Cette œuvre a été écrite pour un collectionneur moscovite, admirateur de son talent, Sergueï Chtchoukine. Ici, comme dans les œuvres précédentes, il n’y a ni clair-obscur, ni perspective, ni reflet.

Matisse n'utilise pas de modelage d'ombres et de lumières sur les objets ; il les marque de taches colorées et les décrit. La ligne et la couleur sont au cœur de son travail. Les formes des objets sont réalisées avec des traits couleur différente et tout cela sur fond de tapis bleu.

Le fauvisme de Matisse. "Femme espagnole avec un tambourin"

Cette composition est l’une des peintures fauvistes les plus étonnantes. La figure du danseur est dessinée avec un contour coloré très dynamique et contraste avec la répartition de la lumière et de l'ombre. C’est innovant, inhabituel et « sauvagement » expressif. La couleur de fond est bleue. Un chemisier noir et une jupe rouge sont très beaux sur un fond bleu. Ce sont des couleurs contrastées avec lesquelles l'artiste crée la profondeur de l'espace.

Henri Matisse et Sergueï Chtchoukine. Le tout premier mécène « idéal » de Matisse, celui qui accepta toutes ses idées, fut le collectionneur moscovite Sergueï Chtchoukine. Les peintures de Matisse décoraient le manoir Chtchoukine et formaient un ensemble unique.

Chtchoukine faisait entièrement confiance à Matisse. Il confie à Matisse la décoration de sa maison dans le style que l'artiste jugeait nécessaire et correct. Chtchoukine a donné à Matisse l'occasion de s'exprimer. La relation entre le mécène et l'artiste était très confiante, pleine de compréhension mutuelle. Très peu de temps avant la révolution de 1917, Matisse a peint toute une série de tableaux pour Chtchoukine, qui font aujourd'hui la fierté de la collection du Musée des Beaux-Arts. Les célèbres panneaux « Musique » et « Danse » - cette dernière œuvre se trouve à Zrmitazh - ont également été commandés par Chtchoukine pour son hôtel particulier de Moscou.

Chtchoukine a payé Matisse très généreusement. Avec cet argent, l’artiste a pu vivre plus de 7 ans sans se soucier de rien.

La révolution de 1917 a tout changé. Chtchoukine part en exil. Un jour, Sergueï Chtchoukine se rendait en train à Nice. Matisse était également passager de ce train et a appris que son patron voyageait sur le même vol. Matisse cherchait Chtchoukine partout, voulait saluer et parler avec le mécène des arts, mais ne le trouvait nulle part. Ils ne se sont pas rencontrés, même s'ils voyageaient dans le même train. Le fait est que Matisse cherchait son patron en 1ère classe et Chtchoukine voyageait en troisième.

Dans l’exposition de la salle voisine, le visiteur est accueilli par des fleurs et des natures mortes, thèmes favoris de Matisse.

Le fauvisme de Matisse. « Fleurs sur fond de miel »

Un vase avec un bouquet de fleurs luxuriant se dresse sur la table. Le dessus de table blanc est en fait une toile blanche translucide non peinte. Pour que tout cela ne se confonde pas avec le vase blanc, le maître en dessine les contours. Le fond jaune miel de la toile, d'une beauté et d'une chaleur inhabituelles, embrasse un bouquet de fleurs.

Matisse lui-même a noté que les gens modernes- Ce les gens fatigués. Dans ce monde fou, nous devons utiliser l’art et sa luminosité pour donner aux gens la possibilité de se détendre. Laissez-les se détendre en regardant de telles peintures - tel était précisément le but de Matisse.

Matisse attachait une grande importance à l'harmonie : « Je veux apporter aux gens détente et joie. » Dans ses peintures, l'artiste met constamment en œuvre son programme de vie.

Le fauvisme de Matisse. "Paysage corse. Olives." 1898

De nombreuses œuvres de Matisse, situées au musée Pouchkine, ont été offertes par Lydia Nikolaevna Delectorskaya. Parmi ses cadeaux figurent des palettes d'artistes. Dans la collection du musée Pouchkine, il existe de nombreuses étiquettes portant son nom - le nom du secrétaire Henri Matisse. Et même si Delectorskaya pouvait présenter la collection de peintures à n'importe quel autre musée, elle préférait Pouchkine. C'est peut-être le mérite d'Irina Alexandrovna Antonova (directrice du musée Pouchkine), qui a réussi à plaire à Delectorskaya.

Le paysage corse présente des traits purement impressionnistes. Mais les traits de Matisse sont beaucoup plus denses et les couleurs sont appliquées plus intensément.

Les palettes de Matisse. La première ressemble à des fleurs.

Le portrait de Delectorskaya est également conservé au musée, c'est un petit croquis, sous verre. Mais les traits du visage ont une indéniable ressemblance avec un portrait.

Deux toiles assez grandes de la collection sont des intérieurs de l’atelier de l’artiste ; il y en a trois dans le musée, mais il est presque impossible de les voir exposées en même temps. Une toile représente un coin de l'atelier, l'autre un atelier rose avec un morceau de son tableau « Danse ». Mathis se cite dans plusieurs de ses tableaux.

Henri Matisse « L'atelier de l'artiste. (Atelier Rose) »

Il s'agit de l'un des ateliers de Matisse, avec un intérieur dit symphonique qui incarne sur toile l'harmonie des couleurs et de la composition.
Matisse inclut dans cette composition ses peintures sur les murs de son atelier et une figurine en bronze.

Sur cette image, il est bon de retracer comment cette composition a été créée. L'artiste se connecte différents genres(nature morte et intérieur) avec un ornement d'arabesques. Devant l’écran se trouve une chaise avec un vase vide et sans fleurs dessus. Ensuite, il y a un paravent, un paravent sur lequel on jette des vêtements. Et les plis de ces vêtements semblent être des tiges de fleurs, ils semblent partir du vase et créer une imitation des fleurs qui s'y trouvent, et en même temps ces plis forment un ornement arabesque.

Ensuite, tout cela résonne organiquement avec de vraies fleurs et arbres devant la fenêtre. Et cela complète le thème de l'arabesque. La couleur joue un rôle très important dans cette toile. Aucun autre artiste, à l'exception de Matisse, n'avait un tel sens de la couleur. Il existe un terme musical. À propos d'une personne très douée musicalement, on dit qu'il a hauteur absolue. Et si l’on applique un terme musical aux beaux-arts, alors il faut dire de Matisse qu’il avait un œil absolu.

Cet « Atelier Rose » a été peint au retour de Matisse de Russie. Avec l'argent que Chtchoukine lui a versé, l'artiste a loué cet atelier, où il a peint le tableau, et il a ensuite acheté l'atelier.

Henri Matisse « Coin atelier »

« Coin atelier ».

Matisse aimait beaucoup les draperies bleues. Comme une nouvelle mélodie fleurie. Et la lumière du jour se transmet en couleurs. Et dans le coin supérieur gauche de la toile, vous pouvez voir les mêmes murs à rayures roses de son atelier, qui sont représentés dans « l'Atelier Rose ».

“ Triptyque marocain. 1912-1913

Avant de venir en Russie, Matisse envisageait de se rendre en Italie, où il souhaitait étudier les œuvres des maîtres anciens. Mais après avoir vu l'art russe, il se rend compte qu'il ne trouvera rien de spécifique en Italie et se rend au Maroc. (Matisse a vu des icônes dans la collection Ostroukhov et dans la cathédrale de l'Annonciation du Kremlin de Moscou.)

Ce triptyque a été commandé à Matisse par Ivan Morozov.Et, en comparant les natures mortes, les bouquets et les ateliers de Matisse avec ce triptyque, il semble qu’il s’agisse d’un tout autre artiste.

Il est intéressant de noter que le cadre de ce tableau a été spécialement commandé et payé par Morozov.
L'ensemble du triptyque est présenté comme trois moments différents de la journée ou comme une perception philosophique de l'Orient.

1 – Matin. Et Matisse ouvre une fenêtre sur la ville. Nous voyons la cathédrale Saint-Pierre, une forteresse, deux ânes et un Arabe chevauchant l'un d'eux.

L'ombre enveloppe toujours la ville de sa fraîcheur et de sa fraîcheur. À travers une fenêtre ouverte, Matisse montre un paysage urbain, lui-même introduit à travers une nature morte. Fenêtre nature morte – paysage urbain.

2 jours. La vie de l'Orient épicé se déroule à l'intérieur des terrasses et tout ressemble à un mirage. La jeune fille représentée au centre de la toile est la fille de Zora, employée de l'hôtel Villa de France, qui posait très souvent pour Matisse.

Quelque temps plus tard, ils ont commencé à la rechercher, mais elle a disparu, dissoute et on ne sait rien d'elle. Matisse aimait la peindre et la représentait à plusieurs reprises sur ses toiles.

3 – Soirée. La chaleur dans la ville est insupportable et tout le monde attend la fraîcheur de la nuit, et l'Arabe assis devant l'entrée se dissout, disparaît, comme une image et une vision. Les contours de sa silhouette deviennent à peine visibles.

Voici Matisse, qui pouvait faire ce qu'il voulait dans le domaine de la couleur.

Henri Matisse « Vase bleu avec des fleurs sur une nappe »

«Arums, iris et mimosa (Vase bleu avec des fleurs sur une nappe bleue)» 1913. Le tableau faisait partie de l'ensemble du Salon Rose de la maison de S.I. Chtchoukine, pour lequel Matisse a créé plusieurs œuvres du même format, dont "Poissons rouges". Ce bouquet de notre exposition est écrit dans des tons froids. "Arums..." - la compréhension de la toile vient du hiéroglyphe oriental ; des boucles sont dispersées sur tout le fond de l'image - des éléments d'ornement oriental. Le vase est recouvert d'une feuille d'émeraude d'une fleur.

Avant Matisse, la combinaison du vert et du bleu ne rentrait pas dans la tête et une telle combinaison de couleurs n'était jamais utilisée. Et Matisse l'a appliqué et on a vu comme c'est beau et harmonieux.

Le fauvisme de Matisse. "Poissons rouges"

"Poissons rouges". La combinaison de couleurs vives et intenses crée un effet inimitable effet décoratif. La liberté, voire l'ampleur du dessin, renforce l'impression que le tableau a été peint « d'une seule séance », « d'un seul souffle ».

La toile est interprétée comme quelque chose entre une nature morte et un paysage. Ce qui est ingénieux est toujours très simple, c’est pourquoi très souvent les amateurs disent à propos du travail de Matisse : « Moi aussi, je dessinerai comme ça ». Oui, tu sais dessiner. Mais donner une telle combinaison de couleurs et d'objets, offrir une telle harmonie dans la toile - il est peu probable que quelqu'un d'autre y parvienne.

La toile joue avec une forme ronde. Il s'agit du dessus de table, du fond de l'aquarium, du couvercle de l'aquarium, de l'eau de l'aquarium. Et dans cette palette gris-asphalte et vert, l'artiste tisse des poissons rouges, dont l'image se double dans leur reflet sur la surface. Ces poissons attirent toute l'attention, le regard fait le tour du cercle et revient vers eux.

Dans cette revue, nous avons parlé de presque toutes les peintures exposées au musée. Beaux-Arts eux. Pouchkine à Moscou. Il faut dire qu’il y en avait beaucoup plus dans la collection de S.I. Chtchoukine. La collection était répartie entre Moscou et Léningrad (comme on appelait alors Saint-Pétersbourg) et de nombreuses peintures font désormais partie de la collection de l'Ermitage.

Matisse est décédé en 1954 à l'âge de 84 ans. Pablo Picasso a évalué son rôle dans l'art moderne de manière brève et simple : « Matisse a toujours été le seul et l'unique. »