19. gadsimta pirmās puses krievu mākslinieki. 19. gadsimta krievu glezniecība Krievu tēlotājmāksla 19. gadsimta pirmajā pusē

19. gadsimta kultūra ir kultūra pastāvošās buržuāziskās attiecības. Līdz 18. gadsimta beigām. kapitālisms kā sistēma ir pilnībā izveidojies. Tas aptvēra visas materiālās ražošanas nozares, kas izraisīja atbilstošas ​​pārvērtības neproduktīvajā sfērā (politika, zinātne, filozofija, māksla, izglītība, ikdienas dzīve, sociālā apziņa).
Šī perioda kultūrai raksturīgs buržuāziskās sabiedrības iekšējo pretrunu atspoguļojums. Pretēju tendenču sadursme, galveno šķiru - buržuāzijas un proletariāta cīņa, sabiedrības polarizācija, materiālās kultūras straujais pieaugums un indivīda atsvešināšanās sākums noteica tā laika garīgās kultūras būtību.

19. gadsimtā notiek radikāla revolūcija t, kas saistīts ar mašīnas rašanos, kas atsvešina cilvēku no dabas, laužot ierastos priekšstatus par viņa dominējošo lomu un pārvērš cilvēku par būtni, kas ir atkarīga no mašīnas. Pastiprinošas mehanizācijas apstākļos cilvēks nonāk garīgās dzīves perifērijā, atraujas no saviem garīgajiem pamatiem. Amatniecības darba vietu, kas saistīta ar meistara personību un radošumu, ieņēma vienmuļš darbs.

19. gadsimta garīgā kultūra. attīstījās un darbojās divu svarīgu faktoru ietekmē: panākumi filozofijas un dabaszinātņu jomā. 19. gadsimta vadošā dominējošā kultūra. bija zinātne.
Dažādas vērtību orientācijas balstījās uz divām izejas pozīcijām: buržuāziskā dzīvesveida vērtību iedibināšana un apliecināšana, no vienas puses, un kritiska buržuāziskās sabiedrības noraidīšana, no otras puses. Līdz ar to 19. gadsimta kultūrā radās tādas atšķirīgas parādības: romantisms, kritiskais reālisms, simbolisms, naturālisms, pozitīvisms utt.

Pasaules uzskatu īpatnības 19. gadsimta Eiropas kultūra. ir to pretrunīgo principu atspulgs, ko pārstāv attīstīta buržuāziskā sabiedrība, taču tai nav līdzinieka dziļumā, kas iekļūst cilvēka eksistencē un garīgajā pasaulē un radošajā spriedzē zinātnē, literatūrā, filozofijā un mākslā.

19. gadsimta pirmajā pusē krievu valoda tēlotājmāksla attīstās akadēmiskās skolas ietvaros gleznošana. Vēsturiskais un kaujas žanrs kļūst plaši izplatīts, kas saistīts ar uzvaru 1812. gada Tēvijas karā un uzplaukumu nacionālā identitāte. Kopš 19. gadsimta 60. gadu vidus krievi māksliniekiem Viņi pievēršas tautas dzīves tēmām, un vizuālajā mākslā parādās sabiedrisks un ikdienišķs žanrs. IN pēdējās desmitgadēs gadsimtā to daļēji aizstāj ainava impresionisma stilā, in krievu mākslinieku gleznas parādās neoklasicisma un modernisma iezīmes.

Akadēmiskā skola gleznošana sākumā viņa ieņēma spēcīgu likumdevēja pozīciju mākslinieciskie stili un norādes. Galvenā metode bija klasicisms, galvenie žanri bija portrets, dekoratīvā ainava un vēsture gleznošana. Jauns māksliniekiem bija neapmierināti ar akadēmijas nepielūdzamo konservatīvismu un, lai nerakstītu gleznas par Bībeles un mitoloģijas tēmām un pievērsās portreta žanram un ainavai. Tajos arvien vairāk parādījās romantisma un reālisma iezīmes.

Portretā gleznošana O. A. Kiprenskis ir daudz romantisku attēlu: zēna A. A. Čeliščeva (1810-1811), dzīvesbiedru F. V. un E. P. Rostopčina (1809), dzīvesbiedru V. S. un D. N. Hvostovu (1814), E. S. Avdulinas (1822) portrets.

V. A. Tropiņina portreti rakstīts reālistiskā veidā. Attēlotais cilvēks tajās ir centrālais tēls, visa uzmanība ir vērsta uz viņu. Figūras un sejas vaibsti zīmēti ar anatomisku skaidrību un autentiskumu (grāfu Morkovu portreti, 1813-1815; “Bulakhovs”, 1823; “K. G. Ravich”, 1823).

V. A. Tropinina otas pieder vienam no slavenākajiem A.S.Puškina portretiem – tam, kur dzejnieks uzlika roku uz papīra kaudzes un, šķiet, klausījās viņa iekšējā balsī.
IN attēlu K. P. Bryullova “Pompejas pēdējā diena”, kas rakstīta saskaņā ar visiem akadēmiskās skolas kanoniem gleznošana, atspoguļoja krievu sociālās domas attīstību, pārmaiņu gaidas, kas bija saistītas ar nacionālās pašapziņas celšanos. Glezniecība simbolizēja to cilvēku drosmi, kas saskaras ar briesmīgu katastrofu. Citas slavenas K. P. Bryullova gleznas ir “Itālijas rīts”, “Itālijas pusdienlaiks”, “Zitniece”, “Bathsheba”. Šajos un daudzos citos gleznas māksliniekam Tikpat talantīgs viņam izdevās iemūžināt cilvēka ķermeņa skaistumu un dabas skaistumu.

Garīgās atmodas idejas cilvēki tika atspoguļoti A. A. Ivanova darbos. Virs slavenākajiem gleznošana, “Kristus parādīšanās ļaudīm”, viņš strādāja apmēram divdesmit gadus. Jēzus tālāk attēlu ir attēlots tālumā, un priekšplānā tiek izvirzīts Jānis Kristītājs, norādot ļaudīm uz tuvojošos Pestītāju. Cilvēku sejas, kas gaida Jēzu, kļūst gaišākas, viņam tuvojoties, viņu dvēseles ir prieka pilnas.

Mākslinieki A.G.Venencianovs un P.A.Fedotovs 19.gadsimta pirmajā pusē ielika pamatus sociālajai ikdienas žanrs V gleznošana. A. G. Venetsianovs savā gleznas idealizēja zemnieku dzīvi, uzsverot cilvēku skaistumu un cēlumu, neatkarīgi no sociālais statuss(“Kuls”, “Pie ražas. Vasara”, “Aramzemē. Pavasaris”, “Zemniece ar rudzupuķēm”
Kopš 19. gadsimta 50. gadiem galvenais virziens Krievu tēlotājmāksla kļūst reālisms, un galvenā tēma ir parastu cilvēku dzīves attēlojums. Jaunā virziena apstiprināšana notika spītīgā cīņā ar akadēmiskās skolas piekritējiem gleznošana. Viņi apgalvoja, ka mākslai jābūt augstākai par dzīvi, tajā nav vietas krievu dabai un sociālajām un ikdienas tēmām. Tomēr akadēmiķi bija spiesti piekāpties. 1862. gadā visi žanri tēlotājmāksla bija vienādas tiesībās, kas nozīmēja, ka tika vērtēti tikai mākslinieciskie nopelni gleznas, neatkarīgi no tēmas.

17. Pirmās puses krievu māksla - 19. gadsimta vidus. Romantisms, sentimentālisms - klasicisma mākslas virzieni.

Pēc Tēvijas kara 1812.: pieaug interese par tautas dzīvi; cilvēka individualitāte noveda pie jauna ideāla veidošanās, kuras pamatā bija ideja par garīgi neatkarīgu cilvēku, dziļi jūtot un kaislīgi paužot savas jūtas. Šis ideāls atspoguļojās jaunas radošās koncepcijas - romantisma - pārstāvju darbos, kura izveidošanās notika vienlaikus ar klasicisma nokalšanu.

Glezniecībā tas tika ievērots klasicisma nokalšanu un romantisma un reālisma iedibināšanu

Romantisms- virziens 19. gadsimta pirmās puses mākslā, kas izcēla individualitāti un apveltīja to ar ideālām tieksmēm.

Bet patiesie glezniecības panākumi slēpjas, tomēr citā virzienā - romantisms. Cilvēka dvēseles labākās tieksmes, gara kāpumus un kritumus izteica tā laika romantiskā glezniecība un galvenokārt portrets. Portreta žanrā vadošā vieta jānodod Orestam Kiprenskim (1782-1836).

Kiprenskis mācījās, sākot no izglītības skolas, Mākslas akadēmijā, kur studējis vēsturiskās glezniecības klasē. Mākslinieks izmanto treknus krāsu efektus, kas ietekmē formas modelēšanu; impasto gleznošana veicina enerģijas izpausmi un paaugstina attēla emocionalitāti. Tas ir godīgi teikt D.V. Sarabjanova, krievu romantisms nekad nav bijis tik spēcīgs mākslas virziens kā Francijā vai Vācijā. Tajā nav ne ārkārtēja saviļņojuma, ne traģiskas bezcerības. Kiprenska romantismā joprojām ir daudz no klasicisma harmonijas, no sentimentālismam tik raksturīgās smalkās cilvēka dvēseles “pagriezienu” analīzes. “Pašreizējais gadsimts un pagājušais gadsimts”, sadursme agrīnā Kiprenska darbā, kurš kļuva par radošu personību labākajos Krievijas sabiedrības militāro uzvaru un gaišo cerību gados, veidoja viņa agrīno romantisko portretu oriģinalitāti un neizsakāmo šarmu. .

Vēlajā itāļu periodā daudzo personīgā likteņa apstākļu dēļ māksliniekam reti izdevās radīt kaut ko līdzvērtīgu agrīnie darbi. Bet pat šeit šādus šedevrus varam nosaukt par vienu no labākajiem mūža portretiem Puškins(1827, Tretjakova galerija), ko mākslinieks gleznojis pēdējā uzturēšanās laikā dzimtenē, vai elēģisku skumju pilns Avduļinas portrets (ap 1822, Valsts Krievu muzejs).

Nenovērtējama Kiprenska darba sastāvdaļa- grafiski portreti, kas izgatavoti galvenokārt ar mīkstu itāļu zīmuli ar krāsojumu pasteļos, akvareļos un krāsainos zīmuļos. jebkura emocionāla kustība. Bet Kiprenska grafikā ir arī zināma evolūcija: viņa vēlākajos darbos nav spontanitātes un siltuma, bet tie ir meistarīgāki un izsmalcinātāki izpildījumā (S. S. Ščerbatovas portrets, Itālijas māksla, Tretjakova galerija).

Par konsekventu romantiķi var saukt poli A.O. Orlovskis(1777-1832), kurš nodzīvoja Krievijā 30 gadus un ienesa krievu kultūrā Rietumu romantiķiem raksturīgās tēmas (bivuaki, jātnieki, kuģu vraki. “Ņem ātro zīmuli, zīmē, Orlovski, zobenu un nokauj,” rakstīja Puškins). Viņš ātri asimilējās uz Krievijas zemes, kas ir īpaši pamanāms viņa grafiskajos portretos. Tajos caur visiem Eiropas romantisma ārējiem atribūtiem ar tā dumpīgumu un spriedzi ir redzams kaut kas dziļi personisks, slēpts, intīms (Pašportrets, 1809, Tretjakova galerija). Orlovskim bija arī zināma loma reālisma ceļa “uzliesmošanā”, pateicoties viņa žanriskām skicēm, zīmējumiem un litogrāfijām, kas attēlo Sanktpēterburgas ielu ainas un tipus, kas atdzīvināja slaveno četrrindu.

Visbeidzot, romantisms izpaužas ainavā. Silvestrs Ščedrins (1791-1830) savu radošo gaitu sāka kā sava tēvoča Semjona Ščedrina skolnieks ar klasicisma kompozīcijām: skaidru sadalījumu trīs plānos (trešais plāns vienmēr ir arhitektūra), ainu malās. Bet Itālijā, kur viņš pameta Sanktpēterburgas akadēmiju, šīs iezīmes nekļuva spēcīgākas un nepārvērsās par modeli. Tieši Itālijā, kur Ščedrins dzīvoja vairāk nekā 10 gadus un nomira sava talanta plaukumā, viņš kļuva par romantisku mākslinieku un kļuva par vienu no labākajiem gleznotājiem Eiropā kopā ar Konsteblu un Korotu. Viņš bija pirmais, kurš atklāja plenēra glezniecību Krievijai. Tiesa, tāpat kā barbizonieši, Ščedrins brīvā dabā gleznoja tikai skices un attēlu (pēc viņa definīcijas “izdekorēja”) pabeidza studijā. Tomēr pats motīvs maina uzsvaru. Tādējādi Roma viņa audeklos ir nevis majestātiskās seno laiku drupas, bet gan dzīva mūsdienu pilsēta, kurā dzīvo vienkārši cilvēki - zvejnieki, tirgotāji, jūrnieki. Bet šī parastā dzīve zem Ščedrina otas ieguva cildenu skanējumu.

Sorrento ostas, Neapoles krastmalas, Tibera pie Sv. Andžela, cilvēki, kas makšķerē, vienkārši sarunājas uz terases vai atpūšas koku ēnā - viss tiek nodots sarežģītajā gaismas-gaisa vides mijiedarbībā, apburošā sudrabpelēko toņu saplūšanā, ko parasti vieno sarkanā pieskāriens - drēbēs un galvassegā, koku sarūsējušajā lapotnē, kur pazuda viens sarkans zars. Jaunākajos Ščedrina darbos arvien vairāk izpaudās interese par gaismas un ēnu efektiem, kas paredzēja Maksima Vorobjova un viņa audzēkņu jaunā romantisma vilni (piemēram, “Neapoles skats mēness naktī”). Tāpat kā portretu gleznotājs Kiprenskis un kaujas gleznotājs Orlovskis, ainavu gleznotājs Ščedrins bieži glezno žanra ainas.

O.A. Kiprenskis(1782-1836), portretu gleznotājs, visspilgtāk iemiesoja romantisko ideālu. Viņa stils absorbēja klasiskās harmonijas un sentimentālisma iezīmes. Portreti atklāj visu, kas cilvēkā ir labākais un nozīmīgākais: viņa aktīvo un romantisko dabu; jauna cilvēka domīgums un degsme, kas joprojām mācās par pasauli. Pēdējā periodā tika izveidots labākais mūža portrets A.S. Puškins - lielā dzejnieka portrets ir vēsturiski specifisks un tajā pašā laikā ir vēlme dot kolektīvu ideālas radošas personības tēlu.

S.F.Ščedrins(1791-1830), ainavu gleznotājs. Viņš pirmais atklāja “plenēra glezniecību”, “Jauno Romu”; "Skats uz Sorento netālu no Neapoles."

V.A.Tropinins, ievieš romantisma elementus žanra portretos. Audzināta 18. gadsimta beigu sentimentālisma tradīcijās. Izjuta 19. gadsimta sākuma romantisko ietekmi. (viņa dēla portreti; A.S. Puškins; pašportrets). Viņš iemiesoja zemnieku tēlos ne tikai garīgo tīrību, bet arī muižniecību. Sadzīves detaļas un darba aktivitāte tiek tuvināti žanriskajai glezniecībai (“Mežģīņdaris”, “Zeltkalis”).

30.-40.gadu vēsturiskā glezniecība: klasicisma un romantisma krustpunkts.

30.-40.gadu krievu vēsturiskā glezniecība attīstījās romantisma zīmē. Kāds pētnieks (M.M. Allenovs) Kārli Pavloviču Briullovu (1799-1852) nosauca par “kompromisa ģēniju” starp klasicisma ideāliem un romantisma jauninājumiem. Brjuļlova slava nāca vēl akadēmijā: jau toreiz Brjuļlovs parastās skices pārvērta gatavās gleznās, kā tas notika, piemēram, ar savu “Narcisi” (1819, Krievijas Krievu muzejs). Pēc kursa pabeigšanas ar zelta medaļu mākslinieks devās uz Itāliju. Savos pirmsitāļu darbos Brjuļlovs pievēršas Bībeles tēmām (“Trīs eņģeļu parādīšanās Ābrahāmam pie Mamres ozola”, 1821, Krievu muzejs) un senajiem (“Edips un Antigone”, 1821, Tjumeņas reģionālais novadpētniecības muzejs). ), nodarbojas ar litogrāfiju, tēlniecību, raksta teātra dekorācijas un zīmē kostīmus iestudējumiem. Gleznas “Itāliešu rīts” (1823, vieta nezināma) un “Itāliešu pēcpusdiena” (1827, Krievu muzejs), īpaši pirmā, parāda, cik tuvu gleznotāja nonāca plenēra problēmām. Pats Brjuļlovs savu uzdevumu definēja šādi: “Es izgaismoju modeli saulē, pieņemot apgaismojumu no aizmugures, lai seja un krūtis būtu ēnā un atspīdētu no saules apgaismotās strūklakas, kas padara visas ēnas daudz patīkamākas. salīdzinājumā ar vienkāršu apgaismojumu no loga.

Plenēra glezniecības uzdevumi tādējādi ieinteresēja Brjulovu, taču mākslinieka ceļš tomēr veda citā virzienā. Kopš 1828. gada, pēc ceļojuma uz Pompeju, Brjuļlovs ir strādājis pie sava līdzvērtīgā darba - “Pompejas pēdējā diena” (1830-1833). Reāls notikums seno vēsturi- pilsētas nāve Vezuva izvirduma laikā mūsu ēras 79. gadā. e. - deva māksliniekam iespēju parādīt cilvēka diženumu un cieņu nāves priekšā. Ugunīga lava tuvojas pilsētai, ēkas un statujas brūk, bet bērni nepamet vecākus; māte apsedz bērnu, jauneklis izglābj savu mīļoto; mākslinieks (kurā Brjuļlovs attēloja sevi) nes prom krāsas, bet, atstājot pilsētu, viņš izskatās plaši ar atvērtām acīm, mēģinot tvert šausmīgo skatu.

Pat nāvē cilvēks paliek skaists cik skaista skaņdarba centrā ir sieviete, kuru no kaujas ratiem izmet apjukuši zirgi. Brjulova glezniecībā skaidri atklājās viena no viņa glezniecības būtiskām iezīmēm: viņa darbu klasicisma stila saikne ar romantisma iezīmēm, ar kurām Brjulova klasicismu vieno ticība cēlumam un skaistumam. cilvēka daba. No šejienes apbrīnojamā skaidrību saglabājošas plastiskās formas “izdzīvojamība”, augstākās profesionalitātes zīmējums, dominējošs pār citiem izteiksmes līdzekļiem, ar gleznainā apgaismojuma romantiskajiem efektiem. Un pati tēma par neizbēgamu nāvi, nepielūdzamu likteni ir tik raksturīga romantismam.

Kā noteikts standarts, izveidota mākslinieciskā diagramma, klasicisms daudzējādā ziņā ierobežoja romantisko mākslinieku. Akadēmiskās valodas, “skolas” valodas, kā Eiropā sauca akadēmijas, konvencijas pilnībā izpaudās Pompejā: teatrālas pozas, žesti, sejas izteiksmes, gaismas efekti. Bet mums jāatzīst, ka Bryullovs centās vēsturiskā patiesība, cenšoties pēc iespējas precīzāk reproducēt konkrētus arheologu atklātos pieminekļus, kas pārsteidza visu pasauli, lai vizuāli papildinātu ainas, ko Plīnijs Jaunākais aprakstījis vēstulē Tacitam. Glezna vispirms tika izstādīta Milānā, pēc tam Parīzē, 1834. gadā tika atvesta uz Krieviju un guva lielus panākumus. Gogols entuziastiski runāja par viņu. Brjuļlova darba nozīmi krievu glezniecībā nosaka dzejnieka labi zināmie vārdi: "Un "Pompejas pēdējā diena" kļuva par pirmo dienu krievu otai."

K.P.Bryullovs- vēsturiskās glezniecības pārstāvis, kura daiļradē savijās klasicisma un romantisma elementi. "Pēdējā Pompejas diena"

“Jātniece”, Pašportrets.

P.A.Fedotovs- žanra rakstnieks. Viņam ir dziļa dzīves izpratne, tās dramatiskā būtība. Viņa talants vispilnīgāk atklājās žanra glezniecībā, kur viņš virzījās no kariķētiem priekšmetiem ("Svaigs kavalieris"; "Izvēlīgā līgava"), līdz traģiskiem un lakoniskiem tēliem ("Atraitne"), līdz figurālās sistēmas metaforiskajam raksturam. Viņa māksla kalpoja par paraugu vairākām mākslinieku paaudzēm: ceļinieki pārņēma un attīstīja viņa daiļrades kritisko patosu, 19.-20.gadsimta mijas mākslinieki. piesaistīja drāmu un metaforu;

A.A.Ivanovs- “Kristus parādīšanās cilvēkiem” - glezna, no kuras mācījās visas nākamās krievu mākslinieku paaudzes, atspoguļoja evaņģēlija intīmāko nozīmi un cilvēku garīgo centienu būtību.

Ainavu gleznotājs un gravieris A. E. Martynovs pabeidza vienu no pirmajām litogrāfijas sērijām “Sanktpēterburgas un tās apkārtnes skatu kolekcija”.

No 19. gadsimta sākuma. krievu tēlotājmākslā tāds virziens attīstās kā sentimentālisms(no angļu val. sentimental - jutīgs) - kustība 18. gadsimta mākslā. To sagatavoja izglītības racionālisma krīze. Taču sentimentālisma elementi krievu meistaru daiļradē parasti tika apvienoti ar klasicisma vai romantisma elementiem. Sentimentālisma iezīmes vispilnīgāk iemiesojās ievērojamā mākslinieka darbos A.G. Venēcjanova, kurš ar mīlestību rakstīja viduskrievu valodā ciema ainavas, zemnieku portreti.

Krievu sentimentālisma raksturīgās iezīmes:

Uzmanību uz cilvēka personība;

Jūtu un iztēles kults;

Ģimenes psiholoģisko sižetu izstrāde;

Dabas tēls.

Īstais ikdienas žanra dibinātājs bija Aleksejs Gavrilovičs Venetsianovs(1780-1847). Mērnieks pēc izglītības Venetsianovs pameta dienestu gleznošanas dēļ, pārcēlās no Maskavas uz Sanktpēterburgu un kļuva par Borovikovska studentu. Pirmos soļus “mākslā” viņš spēra portreta žanrā, radot pārsteidzoši poētiskus, liriskus, reizēm romantiskus tēlus pasteļa, zīmuļa un eļļas krāsās (B.S. Putjatinas portrets, Tretjakova galerija). Taču drīz vien mākslinieks atteicās no portretu veidošanas karikatūrām, un vienai karikatūrai “Dižcilvēks” tika slēgts viņa iecerētā “Karikatūras žurnāla 1808. gadam Personās” pats pirmais numurs. Venecjanova oforts patiesībā bija ilustrācija Deržavina odai un attēloja lūgumrakstus, kas drūzmējās uzņemšanas telpā, savukārt spogulī bija redzams muižnieks skaistules rokās (pieņem, ka tā ir grāfa Bezborodko karikatūra).

10.-20.gadu mijā Venetsianovs no Sanktpēterburgas devās uz Tveras guberņu, kur viņš iegādājās nelielu īpašumu. Šeit viņš atrada savu galveno tēmu, veltot sevi zemnieku dzīves attēlošanai. Gleznā “Kuls” (1821-1822, Krievu muzejs) viņš interjerā rādīja darba ainu. Cenšoties precīzi atveidot ne tikai strādnieku pozas, bet arī apgaismojumu, viņš pat licis izgriezt vienu kuļ grīdas sienu. Dzīve, kāda tā ir, ir tas, ko Venecjanovs gribēja attēlot, gleznojot zemniekus, kas mizo bietes; zemes īpašnieks dodot uzdevumu pagalma meitenei; guļošā ganu sieviete; meitene ar vāverīti rokā; zemnieku bērni, kas apbrīno tauriņu; ražas novākšanas ainas, siena pļaušana utt. Protams, Venetsianovs neatklāja asākos konfliktus krievu zemnieka dzīvē, necēla mūsu laika “ērkšķus”. Šī ir patriarhāla, idilliska dzīve.

Taču mākslinieks neienesa tajā dzeju no ārpuses, to nav izdomājis, bet smēlies no pašas tautas dzīves, kuru attēlojis ar tādu mīlestību. Venetsianova gleznās nav dramatisku sižetu vai dinamisku sižetu, gluži pretēji, tie ir statiski, tajās “nekas nenotiek”. Bet cilvēks vienmēr ir vienotībā ar dabu, mūžīgā darbā, un tas padara Venetsianova attēlus patiesi monumentālus. Vai viņš ir reālists? 19. gadsimta otrās puses mākslinieku izpratnē par šo vārdu tas ir maz ticams. Viņa koncepcijā ir daudz klasicisma ideju (der atcerēties viņa "Pavasaris. Uz ara lauka", Tretjakova galerija), un īpaši no sentimentālistiskām ("Pie ražas. Vasara", Tretjakova galerija), un viņa telpas izpratnē. ir arī romantiski. Un tomēr Venetsianova daiļrade ir zināms posms ceļā uz 19. gadsimta krievu kritiskā reālisma veidošanos, un tā ir arī viņa glezniecības paliekošā nozīme. Tas nosaka viņa vietu krievu mākslā kopumā.

Venetsianovs bija lielisks skolotājs. Venetsianova skola, venecjanovieši, ir vesela plejāde 20.–40. gadu mākslinieku, kuri ar viņu strādāja gan Sanktpēterburgā, gan viņa Safonkovas muižā. Šis ir A.V. Tiranovs, E.F. Krendovskis, K.A. Zeļencovs, A.A. Aleksejevs, S.K. Zarjanko, L.K. Plahovs, N.S. Krilovs un daudzi citi. Starp Venetsianova studentiem daudzi bija no zemnieku izcelsmes. Zem Venēcijas mākslinieku otas dzima ne tikai zemnieku dzīves ainas, bet arī pilsētvides: Sanktpēterburgas ielas, tautas tipi, ainavas. A.V. Tiranovs gleznoja interjera ainas, portretus, ainavas un klusās dabas. Venēciešiem īpaši patika “ģimenes portreti interjerā” - attēlu konkrētības apvienošana ar stāstījuma detalizāciju, apkārtējās vides atmosfēras nodošana (piemēram, Tiranova glezna “Brāļu Čerņecovu mākslinieku darbnīca”, 1828, kas apvieno portrets, žanrs un klusā daba).

18. Akadēmisma problēma 19. gadsimta otrās trešdaļas krievu glezniecībā.

Akadēmisms- virziens Eiropas glezniecībā 17.-19.gs. Akadēmiskā glezniecība radās mākslas akadēmiju attīstības periodā Eiropā. Akadēmiskās glezniecības stilistiskais pamats 19. gadsimta sākumā bija klasicisms, bet 19. gadsimta otrajā pusē - eklektisms. Akadēmisms pieauga, sekojot klasiskās mākslas ārējām formām. Sekotāji šo stilu raksturoja kā senās antīkās pasaules un renesanses mākslas veidu atspoguļojumu. Akadēmisms palīdzēja mākslas izglītībā sakārtot priekšmetus, papildināja senās mākslas tradīcijas, kurās tika idealizēts dabas tēls, vienlaikus kompensējot skaistuma normu.

19. gadsimta pirmās puses krievu akadēmismam gadsimtiem raksturīgas cildenas tēmas, augsts metaforiskais stils, daudzpusība, daudzfigūras un pompība. Bija populāri Bībeles stāsti, salona ainavas un svinīgi portreti. Neskatoties uz ierobežoto gleznu tematiku, akadēmiķu darbi izcēlās ar augstu tehnisko prasmi. Pārstāvis - K. Brjuļlovs (“Jārtniece”).

19. gadsimta vidū. reālisms sāka pieņemties spēkā spītīgā cīņā pret akadēmismu, ko pārstāv Mākslas akadēmijas vadība. Akadēmijas vadītāji ieaudzināja studentos, ka māksla ir augstāka par dzīvi, un radošumam izvirzīja tikai Bībeles un mitoloģiskas tēmas. Četrpadsmit vēstures klases skolēni nevēlējās gleznot attēlus par piedāvāto tēmu no skandināvu mitoloģijas un iesniedza petīciju, lai pamestu akadēmiju. Nemiernieki apvienojās kamunnā, kuru vadīja Kramskojs.

Un 70. gadā tika izveidota Ceļotāju biedrība. Peredvižņiki" bija vienoti noraidoši pret "akadēmismu" ar tā mitoloģiju, dekoratīvajām ainavām un pompozo teatralitāti. Viņi gribēja attēlot dzīvo dzīvi. Žanra (ikdienas) ainas ieņēma vadošo vietu viņu darbā. Zemnieki izjuta īpašas simpātijas pret “ceļotājiem”. Perovs (“Troika”, “Vecie vecāki pie sava dēla kapa”, “Tējas ballīte Mitiščos”). S. A. Korovina “Pasaulē” Mjasodova “Pļāvēji”. Kramskojs - Ņekrasova, Tolstoja, “Kristus tuksnesī”, arī Mjasoedova, Savrasova, Ge portreti.

19. Ceļojošo izstāžu asociācija

70. gados progresīvā demokrātiskā glezniecība iegūst sabiedrības atzinību. Viņai ir savi kritiķi - I.N. Kramskojs un V.V. Stasovs un viņa kolekcionārs - P.M. Tretjakovs. Krievu demokrātiskā reālisma uzplaukuma laiks 19. gadsimta otrajā pusē tuvojas.

Šobrīd oficiālās skolas centrā- Sanktpēterburgas Mākslas akadēmija - risinās arī cīņa par mākslas tiesībām pievērsties reālai, reālai dzīvei, kuras rezultātā 1863. gadā notika tā sauktā “14. gadu sacelšanās”. Vairāki akadēmijas absolventi atteicās zīmēt programmatisku ainu par vienu Skandināvijas eposa tēmu, kad apkārt bija tik daudz aizraujošu mūsdienu problēmu, un, nesaņemot atļauju brīvi izvēlēties tēmu, pameta akadēmiju, nodibinot “Sanktpēterburgas Mākslinieku artelis” (F. Žuravļevs, A. Korzuhins, K. . Makovskis, A. Morozovs, A. Ļitovčenko u.c.). "Artelis" nepastāvēja ilgi. Un drīz Maskava un Sanktpēterburga virzījās uz priekšu mākslinieciskie spēki apvienojās Ceļojošo mākslas izstāžu asociācijā (1870). Šīs izstādes tika sauktas par ceļojošām, jo ​​tās tika organizētas ne tikai Pēterburgā un Maskavā, bet arī provincēs (gada laikā dažkārt 20 pilsētās). Tas bija kā mākslinieku “iešana pie cilvēkiem”. Partnerība pastāvēja vairāk nekā 50 gadus (līdz 1923. gadam). Katra izstāde bija milzīgs notikums provinces pilsētas dzīvē. Atšķirībā no Arteļa, Peredvižņikiem bija skaidra ideoloģiskā programma - atspoguļot dzīvi ar visām tās akūtajām sociālajām problēmām, visā tās aktualitātē.

Myasoedov apgalvoja, ka pirmās izrādes panākumi daudzējādā ziņā būtu jānosaka partnerības turpmākais liktenis, un viņam izrādījās taisnība. Pirmkārt kopsapulce Biedrība, kas notika 1870. gada 6. decembrī, izstādes atklāšanu paredzēja "nākamā 1871. gada 15. septembrī un ne vēlāk kā 1. oktobrī." Taču šo termiņu nevarēja ievērot: pirmā izstāde tika atklāta tikai 1871. gada 29. novembrī un slēgta 1872. gada 2. janvārī. Tādējādi tas bija pieejams apskatei nedaudz vairāk kā mēnesi. Taču šis mēnesis bija izšķirošs, vērtējot jauno organizāciju. Izstāde uzreiz atnesa atzinību, lai gan Sanktpēterburgā tajā 47 darbus izrādījuši tikai 16 mākslinieki. Tas vien to atšķīra no akadēmiskajām izstādēm, kuru eksponātu skaits bija plašāks.

“Partnerībai ir mērķis,” teikts Hartas 1. punktā, - ceļojošo mākslas izstāžu organizēšana ar atbilstošu atļauju šādos veidos: a) nodrošinot iespēju ieinteresētajiem guberņas iedzīvotājiem iepazīties ar krievu mākslu un sekot līdzi tās panākumiem, b) attīstot sabiedrībā mīlestību pret mākslu, c) ) atvieglojot māksliniekiem savu darbu pārdošanu."

Peredvižņiku māksla bija izteiksme revolucionāras demokrātijas idejas 19. gadsimta otrās puses pašmāju mākslas kultūrā. Idejas sociālā orientācija un augstais pilsoniskums to izceļ 19. gadsimta Eiropas žanra glezniecībā.

Partnerība tika izveidota pēc Myasoedova iniciatīvas, ko atbalsta Perovs, Ge, Kramskojs, Savrasovs, Šiškins, brāļi Makovski un vairāki citi “dibinātāji”, kuri parakstīja pirmo partnerības statūtu. 70.-80. gados viņiem pievienojās jaunāki mākslinieki, tostarp Repins, Surikovs, Vasņecovs, Jarošenko, Savickis, Kasatkins un citi. Kopš 80. gadu vidus Serovs, Levitāns un Poļenovs ir piedalījušies izstādēs. “Vecāko” Peredvižņiku paaudzei pārsvarā bija dažāds sociālais statuss. Viņa pasaules uzskats veidojās 60. gadu gaisotnē. Viņš bija Klīstošās kustības vadītājs un teorētiķis. Ivans Nikolajevičs Kramskojs(1837-1887), kurš 1863. gadā vadīja “14 valstu sacelšanos”, ievērojams organizators un izcils mākslas kritiķis. Viņu raksturoja nesatricināma ticība, pirmkārt, mākslas audzinošajam spēkam, kas veidots, lai veidotu indivīda pilsoniskos ideālus un pilnveidotu viņu morāli. Savukārt paša Kramskoja darbu tēmas nebija klejotājiem raksturīgas.

Viņš reti gleznoja žanra gleznas, pievērsās evaņģēlija stāstiem. Bet viņa Kristus tuksnesī" - doma par dziļi vientuļu cilvēku, kas sēž uz pamestas akmeņainas ainavas fona Kristus, viņa gatavība ziedot sevi augstākā mērķa vārdā - tas viss bija saprotams 70. gadu populistiskajai inteliģencei. Portretu žanrā viņu aizņem arī eksaltēta, ļoti garīga personība. Kramskojs izveidoja veselu galeriju ar lielāko krievu kultūras figūru tēliem - Saltikova-Ščedrina, Ņekrasova, Ļ.Tolstoja portretus. Kramskoja māksliniecisko stilu raksturo zināms protokolisks sausums un kompozīcijas shēmu vienmuļība. Spilgtuma raksturlielumu ziņā labākais ir L.N. portrets. Tolstojs, rakstīts pēc Tretjakova pavēles, kurā skatītāju pārsteidz rāmo pelēkzilo acu vērīgais, visu zinošais un visu redzošais skatiens. A. G. Litovčenko portrets izceļas ar gleznaino bagātību. Kramskojs bija mākslinieks-domātājs. Viņš ir konservatīvs savā radošumā.

Papildus Kramskojam starp tiem, kas parakstīja partnerības hartu, bija vēl viens mākslinieks, kuru interesēja kristīgās tēmas - Nikolajs Nikolajevičs Ģ(1831-1894). Beidzis akadēmiju, iegūstot majora grādu zelta medaļa gleznai “Sauls pie Endoras raganas”. 1863. gadā viņš uzstājās ar savu pirmo lielo patstāvīgs darbs"Pēdējais vakarēdiens". Gaisma un ēna, labais un ļaunais, divu dažādu principu sadursme ir Ge darba pamatā. To uzsver gaismas un ēnu kontrasti un izteiksmīgo pozu dinamika. “Pēdējais vakarēdiens” pauda mākslinieka vēlmi pēc vispārināta mākslinieciskā forma, tās monumentalizācijai, lielai mākslai, kas balstīta pagātnes lielo meistaru tradīcijās. Nav nejaušība, ka par šo gleznu viņam tika piešķirts profesora nosaukums.

Ge daudz gleznoja portretus. Viņa portreti no Kramskoja darbiem atšķiras ar emocionalitāti, dažkārt dramatismu, piemēram, Hercena portretu: modeles sejā nolasāms šaubu rūgtums, domu mokas, sasniedzot sāpes. Vēsturnieka Ņ.I. Kostomarova portrets ir neparasti temperamentīgs, svaigs un brīvi uzrakstīts. Ge, tāpat kā Kramskojs, ir viens no partnerības organizatoriem. Pirmajā izstādē 1871. gadā viņš rādīja vēsturisko gleznu “Pēteris I Pēterhofā pratināja Careviču Alekseju Petroviču”. Mākslinieks centās nodot vislielāko situācijas konkrētību. Visi Ge pēdējo gadu darbi ir caurstrāvoti ar morālo un reliģisko ideju par pasaules pārstrukturēšanu. Unikālā, jaunā veidā viņš risina arī formālas problēmas – krāsas, gaismas, faktūras meklējumus. Viņš drosmīgi pārkāpj akadēmiskos kanonus, bieži izmanto fragmentāras kompozīcijas, asus gaismas un krāsu kontrastus, raksta emocionāli un izteiksmīgi. (“Golgāta”, “Kas ir patiesība? Kristus un Pilāts”)

Kramskoy's Peredvizhniki organizatori un Ge savos darbos iet citu ceļu nekā viņu biedri apvienībā, žanra mākslinieki. Viņi pievēršas kristīgajiem priekšmetiem, tiem ir atšķirīga figurālā un gleznieciski plastiskā struktūra, kas, visticamāk, pievēršas 19. gadsimta pirmās puses mākslas tradīcijām: Ge - romantiskajam, Kramskoje - racionāli klasiskajam. .

Vasilijs Maksimovičs Maksimovs(1844-1911) jau pirmajā daudzfigūru kompozīcijā - "Burvja ierašanās zemnieku kāzās" - viņš nonāk pie savas galvenās tēmas - zemnieku dzīves atainošanas, ko viņš pats, zemnieku dzimtais, lieliski zināja. labi. Turpmākajās gleznās trūkst svētku sajūtas. Tajos visā savā kailumā izceļas nabadzīgās pēcreformu Krievijas tēls (“Ģimenes šķelšanās”, “Draumīgā vīramāte”, “Viss ir pagātnē”).

70. gadu klejotāji ietvarāžanrs spēja pacelt svarīgāko, visvairāk akūtas problēmas sabiedriskā dzīve, kā tas notika Grigorijs Grigorjevičs Mjasodovs(1834-1911) filmā “Zemstvo pusdieno”. Krievu zemnieku ticības sirsnību parādīja Konstantīns Apollonovičs Savickis (1844-1905) lielajā gleznā “Ikonas tikšanās”. Daudzfigūru kompozīciju meistars. “Dzelzceļa remontdarbi”, “Uz karu”.

Nikolajs Aleksandrovičs Jarošenko(1846-1898): “Stokers” un “Ieslodzītais”, no kuriem “Stokers” ir pirmais strādnieka tēls krievu glezniecībā, bet “Ieslodzītais” ir aktuālākais tēls vētrainās populistiskās revolucionārās kustības gados. “Students” ir tipa portrets.

Vladimirs Jegorovičs Makovskis- “Ārsta uzgaidāmajā telpā”, “Ciemos pie nabagiem”, “Gaida”, “Notiesātais”, “Bankas krahs”, “Randiņš”, “Bulvārī”. Makovskim izdevās atbildēt uz daudzām tēmām. Viņa gleznas atklāj ne tikai atsevišķu cilvēku, bet veselu slāņu un paaudžu dramatiskos likteņus. Makovskis ne vienmēr izvairījās no sentimentālām un melodramatiskām situācijām (piemēram, viņa “Es tevi nelaidīšu!”), taču savos labākajos darbos viņš palika uzticīgs dzīves patiesībai un pārsteidza ar gleznainā stāsta pilnīgumu, attēla pilnīgums, kas izauga no ikdienas ikdienas ainām, kuras pamanīja viņa asā acs.

20.Ikdienas žanrs

Žanra ainas viduslaiku mākslā, specifiski ikdienas dzīves novērojumi radās, kā likums, attīstoties sekulāri humānisma tendencēm dominējošā reliģiskā pasaules uzskata ietvaros un bieži tika ieausti reliģiskās un alegoriskās kompozīcijās. Tie ir izplatīti gleznās, reljefos un miniatūrās - 17. gadsimta krievu gleznās.

Krievijā ikdienas žanra attīstība 18. gadsimta 2. pusē. saistīts (izņemot I. Firsova "mājas skatuvi" Jauns gleznotājs") ar interesi par zemnieku; un šeit idealizēto lauku ainu idillitātei (I. M. Tankovs) pretojās M. Šibanova gleznās mīļais un precīzais tradicionālās zemnieku dzīves atainojums, zemnieka attēlojuma skarbais, bezkompromisa patiesums. nabadzība I. A. Ermeņeva akvareļos.

19. gadsimtā uzrunāti demokrātiskie mākslinieki uz ikdienas žanru kā programmatisku mākslu, kas ļāva kritiski izvērtēt un eksponēt sociālās attiecības un buržuāziski dižciltīgajā sabiedrībā valdošās morāles normas un to izpausmes sadzīvē, lai aizstāvētu strādājošo, apspiesto cilvēku tiesības, lai skatītājs kļūtu par tiešu aculiecinieku sociālajām pretrunām un konfliktiem, kas piepildīja ikdienu. 19. gadsimta 1. pusē patiess, bet vienpusīgs, ar poētisku nevainību un aizkustinošu sirsnību valdzinošs zemnieku un pilsētu demokrātisko slāņu dzīves gaišo, bez mākoņu šķautņu (A. G. Venecjanovs un venēciešu skola Krievijā) atainojums. ) spēlēja nozīmīgu lomu ikdienas dzīves estētiskajā apliecinājumā.

Krievu kritiskā reālisma ikdienas žanrā satīrisko dzimtbūšanas atmaskošanu un līdzjūtību pret nelabvēlīgajiem cilvēkiem papildināja dziļa un precīza iekļūšana varoņu garīgajā pasaulē, detalizēts stāstījums un detalizēta sižeta un varoņu attiecību dramatiskā attīstība. Šīs pazīmes skaidri parādījās 19. gadsimta vidū. dedzinošas ņirgāšanās un sāpju pilnajās P. A. Fedotova gleznās A. A. Agina un ukraiņu mākslinieka T. G. Ševčenko zīmējumos, kas savienoja tiešu un asu žurnālistiku ar dziļu lirisku pārdzīvojumu par zemnieku un pilsētu nabadzīgo dzīves traģēdiju.

Uz šī pamata pieauga sacerējis jauns posms, ceļinieku ikdienas žanrs, kas spēlēja vadošo lomu viņu mākslā, kas ekskluzīvi pilnībā un precīzi atspoguļoja 19. gadsimta 2. puses tautas dzīvi, intensīvi izprotot tās fundamentālos modeļus. Detalizētu, tipisku priekšstatu par visu Krievijas sabiedrības slāņu dzīvi sniedza G. G. Mjasodovs, V. M. Maksimovs, K. A. Savickis, V. E. Makovskis un — īpaši dziļi un vērienīgi — I. E. Repins, kurš parādīja ne tikai barbarisku tautas apspiešanu, bet arī tajā apslēptie varenie dzīvības spēki un cīnītāju varonība par tās atbrīvošanu. Šāds uzdevumu plašums žanra gleznai bieži vien tuvināja to vēsturiskai kompozīcijai. N. A. Jarošenko, N. A. Kasatkina, S. V. Ivanova, A. E. Arhipova gleznās 19. gadsimta beigās - 20. gadsimta sākumā. atspoguļoja kapitālisma pretrunas, lauku noslāņošanos, strādnieku šķiras un lauku nabadzīgo dzīvi un cīņu.

Sadzīves žanrs no 1860.-70. gadiem. tika apstiprināts arī jauns tipsžanra glezniecība, kas daudzējādā ziņā saistīta ar impresionismu un kuru Francijā izstrādāja E. Manē, E. Degā, O. Renuārs, A. Tulūza-Lotreks. Priekšplānā izvirzās mākslas pārveidotais ikdienas dzīves skaistums, šķietami nejauša, fragmentāra, negaidīta dzīves aspekta izteiksmīgums, acumirklī notvertas situācijas, mainīgas noskaņas un stāvokļi, tēlu izskata un ierasto kustību asā specifika, un interese par cilvēkiem, kuri stāv ārpus sociālajām normām. Vairākas šāda veida glezniecības žanra stilistiskās iezīmes daudzās valstīs pārņēma ikdienas žanra meistari, kuri centās apvienot tautas dzīves uztveres plašumu ar svaigumu un negaidītiem aspektiem (V. A. Serovs, F. A. Maljavins, K. F. Juons Krievijā ).

Padomju mākslā ikdienas žanrs ieguva jaunas iezīmes, ko nosaka sociālistiskas sabiedrības veidošanās un attīstība – vēsturiskais optimisms, pašaizliedzīga brīvā darba un jauna dzīvesveida apliecinājums, kas balstīts uz sociālo un personisko principu vienotību. Jau no pirmajiem padomju varas gadiem mākslinieki (B. M. Kustodijevs, I. A. Vladimirovs) centās iemūžināt pārmaiņas, ko valsts dzīvē ienesa revolūcija. A. A. Deinekas un Ju I. Pimenova darbos, kuri bija OST asociācijas dalībnieki, sāka noteikt raksturīgo un vēlāk viņiem dzīvespriecīgo, enerģisko celtniecībai, rūpnieciskajam darbam un sportam veltīto gleznu struktūru. AHRR un OST meistaru meklējumi organiski iekļuva priecīgajā, dzīvi apliecinošajā 30. gadu mākslā. Gleznotāji S. V. Gerasimovs, A. A. Plastovs, T. G. Gapoņenko, V. G. Odincovs, F. G. Kričevskis, tēlnieks I. M. Čaikovs iemūžināja pilsētas un kolhozu dzīves gaišās, krāsainās šķautnes.

Padomju ikdienas žanrā. atspoguļojās arī kara gadu grūtā frontes un aizmugures dzīve ar savām bēdām un priekiem (Ju. M. Ņeprintseva, B. M. Ņemenska, A. I. Laktionova, V. N. Kostecka gleznas; A. F. Pahomova, L. V. Soifertisa grafikas) un garīgā tiekšanās. , entuziasms par kolektīvo darbu un sabiedrisko dzīvi, tipiskas ikdienas dzīves iezīmes pēckara gadi(T. N. Jablonskajas, S. A. Čuikova, F. P. Rešetņikova, S. A. Grigorjeva, U. M. Japaridzes, E. F. Kalņina gleznas, L. A. Iļjinas gravīras). No 1950. gadu 2. puses. Padomju meistari. B.f. Viņi cenšas paplašināt mūsdienu dzīves novērojumu loku, parādīt padomju tautas drosmi un gribu, stiprinot radošajā darbā, grūtību pārvarēšanā. Gleznās G. M. Korževa, V. I. Ivanova, E. E. Moiseenko, Yu P. Kugach, T. T. Salakhova, G. S. Khandzhyan, E. K. Iltner, I. A. Zarin, I. N. Klychev, in gravers of G. F. M. Y., Tolly M. Y. šķiet bagāts un sarežģīts, pilns ar lieliskām domām un pieredzi.

Krievu mākslas kultūra guva lielus panākumus 19. gadsimta pirmajā pusē. Tieši šajā laikā veidoja Puškins, Gogolis, Ļermontovs, Griboedovs, Žukovskis, Krilovs. Šī straujā mākslas kultūras uzplaukums bija saistīts ar nacionālās pašapziņas pieaugumu Krievijas sabiedrības attīstītajās aprindās 1812. gada Tēvijas kara laikā. Cīņa par dzimtenes atbrīvošanu no ārvalstu iejaukšanās, kas izraisīja augstu patriotisko jūtu vilni, nevarēja neietekmēt krievu mākslas parādības.

Tā laika attīstītā krievu ideoloģija veidojās tiešā 1812. gada Tēvijas kara un cēlās revolucionārās kustības ietekmē, kas veidojās decembristu programmā.
Tēvijas karš cilvēku pašapziņu, patriotisma jūtas un nacionālo lepnumu pacēla neparasti augstā līmenī. Tautas raksturs kari un parasto krievu cilvēku patriotiskie varoņdarbi ilgu laiku piesaistīja progresīvās Krievijas sabiedrības uzmanību un izraisīja sava veida estētisko vērtību pārvērtēšanu: tautas tēli un nacionālie priekšmeti krievu mākslā ieņēma ārkārtīgi nozīmīgu vietu, kas nebija samērojama ar epizodisko lomu. viņi spēlēja vairuma 18. gadsimta meistaru darbos. Aicinājums tautai iepludināja jaunu spēku krievu mākslas kultūrā. Izvērstās radošās tendences balstījās uz ideju klāstu, ko izvirzīja cēlā revolucionārā doma.

Tā laika kritika norādīja uz “mūsdienu ģēnija vareno virzību pret tautu” visās mākslas jomās. Pagājušā gadsimta divdesmitajos un trīsdesmitajos gados “nacionālisms” kļuva par attīstītās krievu kultūras centrālo problēmu. Pat reakcionāri publicisti mēģināja izmantot tautības jēdzienu, iekļaujot to oficiālajā valdības politikas formulā (“Pareizticība, autokrātija, tautība”). Atšķirībā no oficiālās tautības interpretācijas progresīvās mākslas aprindās par to izveidojās pavisam cita izpratne, ko trīsdesmito gadu sākumā formulēja viens no progresīvās mākslas teorētiķiem: “Ar tautību es domāju to tēlotājmākslas patriotisko animāciju, kas, barojot par dzimtajiem iespaidiem un atmiņām, savos darbos atspoguļo dzimtās svētīgās debesis, dzimto svēto zemi, dzimtās dārgās tradīcijas, dzimtās paražas un tikumus, dzimto dzīvi, dzimto godību, dzimto varenību.

19. gadsimta pirmā puse bija spilgta lappuse krievu kultūrā. Visi virzieni - šī laikmeta literatūra, arhitektūra, glezniecība iezīmējas ar veselu vārdu plejādi, kas atnesa krievu mākslas pasaules slavu. 18. gadsimtā krievu glezniecībā dominēja klasicisma stils. Klasicismam bija nozīmīga loma pašā 19. gadsimta sākumā. Tomēr līdz 1830. g šis virziens pamazām zaudē savu sociālo nozīmi un arvien vairāk pārvēršas par formālu kanonu un tradīciju sistēmu. Šāda tradicionālā glezniecība kļūst par aukstu, oficiālu mākslu, ko atbalsta un kontrolē Sanktpēterburgas Mākslas akadēmija. Pēc tam jēdziens "akadēmisms" sāka lietot, lai apzīmētu inerto mākslu, šķirtu no dzīves.

Viņš ienesa jaunus uzskatus krievu mākslā romantisms- Eiropas kustība, kas attīstījās 18. - 19. gadsimtu mijā. Viens no galvenajiem romantisma postulātiem pretstatā klasicismam ir cilvēka personības, viņa domu un pasaules uzskatu kā galvenās vērtības apliecināšana mākslā. Cilvēka tiesību uz personisko neatkarību nodrošināšana radīja īpašu interesi par viņa iekšējo pasauli un vienlaikus paredzēja mākslinieka radošuma brīvību. Krievijā romantisms ieguva savu īpatnību: gadsimta sākumā tā bija varonīgs krāsojums, un Nikolajeva reakcijas gados - traģiski. Tajā pašā laikā romantisms Krievijā vienmēr ir bijis mākslinieciskās domāšanas veids, kas pēc gara ir tuvs revolucionāriem un brīvību mīlošiem noskaņojumiem.

Ņemot vērā konkrētas personas zināšanas, romantisms kļuva par pamatu turpmākajai rašanās un reālistiska virziena veidošanās, mākslā iedibināts 19. gadsimta otrajā pusē. Reālismam raksturīga iezīme bija tā pievilcība mūsdienu tautas dzīves tēmai, jaunas tēmas iedibināšana mākslā - zemnieku dzīve. Šeit, pirmkārt, ir jāatzīmē mākslinieka vārds A.G. Venetsianova. Vispilnīgāk reālistiskākie 19. gadsimta pirmās puses atklājumi 1840. gados atspoguļojās P.A. darbos. Fedotova.

Kopumā kultūras dzīve šajā periodā bija neviennozīmīga un daudzveidīga: dažas valdošās mākslas tendences tika aizstātas ar citām. Tāpēc pētnieki, sīkāk aplūkojot 19. gadsimta pirmās puses mākslu, parasti to iedala divos periodos - gadsimta pirmajā un otrajā ceturksnī. Tomēr ir vērts atzīmēt, ka šis sadalījums ir nosacīts. Turklāt šajā periodā nav vajadzības runāt par klasicismu, romantismu un reālismu to tīrā veidā: to diferencēšana gan hronoloģiski, gan pēc īpašībām nav absolūta.

Glezniecība 19. gadsimta pirmajā pusē ieguva daudz lielāku nozīmi sabiedrības dzīvē nekā 18. gadsimtā. Nacionālās pašapziņas attīstība, ko izraisīja uzvara Tēvijas karā 1812. cilvēku interese par nacionālā kultūra un vēsture, pašmāju talantiem. Rezultātā gadsimta pirmajā ceturksnī pirmo reizi radās sabiedriskās organizācijas, kuru galvenais uzdevums bija mākslas attīstība. Šo organizāciju vidū bija tādas kā Brīvā literatūras, zinātnes un mākslas mīļotāju biedrība, Mākslinieku veicināšanas biedrība. Parādījās īpaši žurnāli, tika veikti pirmie mēģinājumi kolekcionēt un demonstrēt krievu mākslu. Tā mazais privātais P. Svinina “Krievu muzejs” kļuva slavens izglītotajās aprindās, un 1825. gadā Imperiālajā Ermitāžā tika izveidota Krievu galerija. Kopš gadsimta sākuma Mākslas akadēmijas praksē ir iekļautas periodiskas izstādes, kas piesaistīja daudz apmeklētāju. Tajā pašā laikā liels sasniegums bija pielaide šajās izstādēs atsevišķās vienkāršos tautas dienās, kas gan izraisīja dažu žurnālu kritiķu iebildumus.

Izcilus sasniegumus 19. gadsimta sākuma krievu mākslā raksturo portrets. Visu gadsimtu krievu portrets būs tas glezniecības žanrs, kas vistiešāk saistīja māksliniekus ar sabiedrību, ar izciliem laikabiedriem. Galu galā, kā jūs zināt, mākslinieki saņēma lielu skaitu pasūtījumu no privātpersonām īpaši portretiem.

ORESTS KIPRENSKIS (1782-1836)

Orests Kiprenskis, viens no izcilākajiem 19. gadsimta pirmās puses gleznotājiem - Pašportrets (1). Šī mākslinieka māksla, tāpat kā jebkura liela meistara, ir neviendabīga. Savās radošajās tieksmēs Kiprenskis ir pakļauts gan romantisma, gan klasicisma ietekmē. Mākslinieka darbi pat no viena laika perioda bieži vien ir atšķirīgi. Kiprenska labākās gleznas izceļ romantisku izpratni par cilvēka personību. Savos darbos mākslinieks apveltī cilvēku ar garīgām īpašībām- inteliģence, muižniecība, raksturs, spēja domāt un just. Tāpēc viņa portretos galvenokārt Kiprenskis attēlotie vai ievērojamie laikabiedri– starp viņa darbiem ir 1812. gada Tēvijas kara varoņu Puškina, Batjuškova, Žukovska portreti, vai jūsu tuvākie draugi. Viņa veidotā portretu galerija ir Krievijas tēlotājmākslas lepnums. Tūlīt pēc Kiprenska Mākslas akadēmijas beigšanas pilnībā veltīta portretiem. Viens no labākajiem toreizējā jaunā mākslinieka darbiem bija Davidova portrets (2). Kiprenskis radīja laikmetam raksturīgu krievu virsnieka tēlu - dalībnieka cīņā par savas dzimtenes neatkarību. Kiprenska augstā mākslinieciskā meistarība atklājās portreta emocionālajā pacilātībā un krāsu bagātībā. Citos portreta darbos un veselā virknē zīmuļu zīmējumu mākslinieks iemūžinājis kara dalībnieku, virsnieku un miliču attēlus, ar kuriem viņš bija personīgi labi pazīstams. Visā Kiprenska portretā skaidri saskatāmas līdzās romantiskas pacilātības vaibstiem vēlme reālistiski atklāt cilvēka psiholoģiju.Ārkārtas interese ir A. S. Puškina portrets (3), patiesi iemūžinot izcilā dzejnieka tēlu nākamajām paaudzēm. Smalkā zīmētāja un kolorista Kiprenska nozīme 19. gadsimta pirmās puses krievu mākslā ir milzīga.

Laikabiedri viņa darbus salīdzināja ar liriskās dzejas žanriem, poētisku veltījumu draugiem, kas bija plaši izplatīts Puškina laikos. Kiprenska portreti vienmēr ir apveltīti ar dziļu domīgumu, tie it kā raugās pasaulē. Kiprenskis daudzējādā ziņā atklāja sev jaunas iespējas glezniecībā. Katrs viņa portrets izceļas ar jaunu attēla struktūru, labi izvēlētu gaismu un ēnu, daudzveidīgu kontrastu - “Neapoliešu meitene ar augļiem” (4), “Čigāns ar mirtes zaru” (5), “Meitene magoņu vainagā ar neļķi rokā (Mariuccia)” (6), “Jaunais dārznieks” (7), “E.P. portrets. Rostopčina" (8). Patiesi nododot savu modeļu individuālās iezīmes, K. savos labākajos portretos izdevies iemiesot lielisku sociālo saturu, parādīt attēloto cilvēku cilvēcisko cieņu un garīgās kultūras dziļumu: aiz viņu ārējā miera vienmēr jūtamas dzīvas cilvēciskas jūtas.

Nikolajeva reakcija, kas sekoja decembristu sakāvei, piespieda mākslinieku 1828. gadā atkal doties uz Itāliju, kur viņš nomira.

VASĪLIJS TROPININS (1776-1857) – (9)

Nozīmīga parādība krievu glezniecības vēsturē bija V. Tropiņina darbs, ievērojams mākslinieks reālists, nozīmīga manas dzīves daļa bijušais dzimtcilvēks.

Vasilijs Andrejevičs Tropinins bija pat nedaudz vecāks par Kiprenski, taču nelabvēlīgi apstākļi ilgu laiku aizkavēja viņa talanta attīstību.
Tajos gados, kad Kiprenskis veidoja Davidova portretu, kas iezīmēja krievu romantiskās glezniecības virsotni, Tropiņins joprojām bija nezināms dzimtcilvēks Ukrainas grāfa Morkova muižā un apvienoja konditores un vecākā kājnieka pienākumus ar gleznošanu. Muižnieka iegribas dēļ viņš nevarēja pabeigt izglītību Mākslas akadēmijā. Tropiņina jaunība pagāja pašmācības ceļā, neskatoties uz šķēršļiem, apgūstot tehniskās prasmes un sasniedzot profesionālo izcilību. Mācībās viņš izvēlējās ceļu, pa kuru parasti gāja sava laika autodidakti mākslinieki: smagi un daudz strādāja no dzīves un kopēja gleznas privātajās mākslas kolekcijās, kurām piekļuva, pateicoties sava novadnieka sakariem. Glezniecības tehnikas viņš apguvis nevis akadēmiskajā darbnīcā, bet gan no savas pieredzes un vecmeistaru darbiem, un viņa ceļojumu uz Itāliju aizstāja dzīve Ukrainā, kā vēlāk teica pats mākslinieks.

Šai pašizglītības sistēmai ar visiem tās trūkumiem joprojām varētu būt daži pozitīvi aspekti māksliniekam ar lielu un oriģinālu talantu. Brīvība no ikdienas akadēmiskās mācīšanas daļēji palīdzēja Tropininam saglabāt viņa mākslinieciskās uztveres tīrību un oriģinalitāti. Dzīva saziņa ar dabu un zināšanas par tautas dzīvi, ko atbalstīja pastāvīgs darbs no dzīves, veicināja Tropinina talantam raksturīgo reālistisku tendenču attīstību. Bet jaunībā, piespiedu kārtā nošķirts no mākslinieciskās vides, viņš vēl nebija sava laika mākslas progresīvo uzdevumu līmenī. Tropiņina daiļrade pat 1810. gadu beigās pēc stila bija līdzīga nevis viņa vienaudžu, bet 18. gadsimta mākslai.

Ilgi gaidītā brīvība no dzimtbūšanas atnāca tikai 1823. gadā, kad Tropiņinam bija jau četrdesmit septiņi gadi; Viņa talanta uzplaukums aizsākās šajā laikā. Tieši šajā periodā radās viņa paša neatkarīgā mākslas sistēma, kas unikāli pārstrādāja 18. gadsimta klasicisma un glezniecības tehnikas mantojumu, un beidzot izveidojās Tropiņina radītā. intīma ikdienas portreta žanrs. Eksperti Tropiņina portretus dēvē par Kiprenska portretu “antipodu”, jo viņa gleznās redzams brīvs, netraucēts, “mājīgs” cilvēks.
"Cilvēka portrets ir uzgleznots tuvu cilvēku piemiņai, cilvēkiem, kuri viņu mīl," sacīja pats Tropiņins; Šis nedaudz naivs apgalvojums būtībā satur veselu programmu, kas raksturo Tropiņina uzdevumus un viņa attieksmi pret realitāti. Tropinina portretos tas tiek nodots sava laikmeta cilvēku intīms, “mājīgs” izskats; Tropiņina tēli “nepozē” mākslinieka un skatītāja priekšā, bet tiek tverti tādi, kādi tie bija privātajā dzīvē, ap ģimenes pavardu.
Tropiņins pievērsās žanra motīviem, veltot vienkārša darba cilvēka attēlojums vairākus darbus. Savos darbos viņš lielu uzmanību pievērš dabas izpētei - visi viņa portreti patiesi atveido dzīvi ap mākslinieci, tajos nav nekā apzināta vai izdomāta. “Meitene ar lelli” (10), “Vecais kučieris, kas balstās uz pātagu” (11), “Mežģīņdaris” (12). Viņa maigi gleznotie portreti izceļas ar augstiem gleznieciskiem nopelniem, un cilvēka tēli tiek uztverti kā raksturīgi patiesums un mierīgums bez liela iekšēja uztraukuma . Dažiem no šiem darbiem, neskatoties uz to diezgan acīmredzamo reālistisko raksturu, ir sentimentālisma iezīmes - “Meitene ar rožu podu” (13), “Sieviete logā. (Kasieris)” (14).

1826. gada beigās S. A. Soboļevskis, tuvs Puškina draugs, vērsās pie Tropinina ar priekšlikumu uzgleznot dzejnieka portretu. “Mājības” atribūti – halāts, atpogāta krekla apkakle, izspūruši mati – tiek uztverti nevis kā pozētāja intīmā viegluma apliecinājums, bet gan drīzāk kā zīme tam “poētiskajam traucējumam”, ar kuru romantiskā māksla tik bieži asociējās. iedvesmas ideja “Puškina portrets” (15). Puškina portrets savā figurālajā struktūrā sasaucas ar Tropiņina laikmetīgās romantiskās glezniecības darbiem, taču tajā pašā laikā Tropiņinam izdevās radīt romantisku tēlu, neupurējot attēla reālistisko precizitāti un patiesumu. Puškins ir attēlots sēdus, dabiskā un atslābinātā pozā. Seja, ko aizēno krekla atloka baltums, ir attēla visintensīvākais krāsainais plankums un arī tās kompozīcijas centrs. Mākslinieks necentās “izgreznot” Puškina seju un mīkstināt viņa vaibstu nelīdzenumus; taču, apzinīgi sekojot dabai, viņam izdevās to atjaunot un iemūžināt augsts garīgums. Laikabiedri vienbalsīgi atzina Tropiņina portreta nevainojamo līdzību ar Puškinu. Salīdzinot ar slaveno Kiprenska Puškina portretu, Tropiņina portrets šķiet pieticīgāks un, iespējams, intīmāks, taču nav zemāks par to ne izteiksmības, ne gleznieciskā spēka ziņā.

19. gadsimta pirmajā ceturksnī apkārtnē norisinājās nozīmīgi procesi AINAVU GLEZNOŠANA. Ja iepriekšējo laiku mākslinieku ainavas lielākoties bija konvencionālas un apzināti konstruētas, un, kā likums, tās gleznotas studijā, bez dabas vai ar to bija ļoti maz sakara, tad tagad ainavu gleznotāji savos darbos ienes daudz vairāk. dzīves patiesība, asa novērošana un emocionāls sākums. Nozīmīgākā vieta šeit, protams, pieder Silvestram Ščedrinam.

SILVESTRS ŠEDRINS (1791–1830)

Krievu ainavu romantisma un liriskās dabas interpretācijas meistars. Silvestra Feodosjeviča Ščedrina darbs iezīmēja robežu starp veco un jauno Krievijas ainavas vēsturē. Mākslinieks pilnveidoja to, uz ko bija tiekušies viņa priekšgājēji, un lika pamatus jaunai reālistiskai krievu ainavu glezniecības attīstībai. Viņa darbi skaidri parāda neatlaidību darbs no dzīves. Viņš bija pirmais krievu gleznotājs, kurš pievērsās plenēra darbam. Visas viņa ainavas precīzi atspoguļo dabas raksturu. Ščedrins savās ainavās iepazīstina arī cilvēkus, taču vairs ne bezsejas figūru veidā, kā tas bija iepriekš, bet dzīvi cilvēki, kuri ir patiesi saistīti ar dabu. Savos labākajos darbos viņš veiksmīgi pārvarēja ierasto, “muzejisko” piegaršu un patiesi atspoguļoja dabisko dabas stāvokli- saules gaismas nianses, gaiši zila dūmaka tālumā, maigi zilo debesu nokrāsas. Viņam bija smalks liriska dabas izjūta.

Pēc Mākslas akadēmijas beigšanas g Sanktpēterburga, 1818. gadā ieradās Itālijā un dzīvoja vairāk nekā 10 gadus. Par tiem laikiem viņš bija pelnījis kaut ko neticamu. popularitāte itāļu vidū Tiem, kas vēlējās iegādāties viņa gleznas, dažkārt nācās uzrakstīt daudzas savu veiksmīgāko darbu kopijas, kuras ātri vien izpārdotas. Viņa slavenie darbi ir “Jaunā Roma “Svētā eņģeļa pils” (17), Mergellina promenāde Neapolē (18), Lielā osta Kapri salā (19) u.c. Pārvarot “varoniskās ainavas” tradīciju un Mākslas akadēmijā attīstīto dabas izpratni kā vēsturisku atmiņu cēloni, pievēršoties dzīvai, laikmetīgai realitātei un reālai dabai, Ščedrins vienlaikus pārvarēja konvencionālo akadēmisko shēmu. ainavas tēmas mākslinieciskajam risinājumam.

Nodzīvojis īsu, bet radošu dzīvi, Ščedrins nekad nevarēja atgriezties Krievijā. Lieliskas Itālijas ainavas atspoguļoja visu šī reģiona unikālo dabas skaistumu, ko daudzi krievu mākslinieki iztēlojās kā paradīzi - apsolīto zemi - “Grota Florencē” (20), “Itālijas ainava. Kapri" (21), "Mēness apspīdēta nakts Neapolē" (22), "Skats uz Nemi ezeru Romas apkaimē".

Šajā mazajā audeklā, kas pieder labākās radības Krievu ainavu glezniecība, Ščedrina jaunās mākslas sistēmas galvenās iezīmes parādās pilnīgi skaidri. “Skats uz Nemi ezeru” ir svešs tiem apzinātiem efektiem, kas veido akadēmiskās ainavas būtību. Ščedrinas ainavā nav ne klasisku birzi, ne ūdenskritumu, ne majestātisku drupu; idealizāciju nomaina dzīva un patiesa dabas tēla rekreācija. Jaunās metodes pamatā ir nevis ainavas “kompozīcija”, bet gan tieša un precīza dabas vērošana.
Gar krastu vijas šaura taciņa, kas rindota ar veciem kokiem un ieved skatītāja skatienu attēla dziļumā. Priekšplānā vairākas figūras: krastā sarunājas divas zemnieces, pastaigājas mūks, aiz muguras kāds šoferis ved ēzeli. Tālāk redzami mierīgie, gaišie ezera ūdeņi; dziļumā, aizsedzot apvārsni, zils nokrāsojas augsts ar mežu klāts kalns. Mīksta izkliedēta gaisma pārpludina attēlu, saules atspīdums krīt caur koku zariem uz smilšaino taku, ūdens mirdz sudrabaini saulē, un caurspīdīgs gaisīgs plīvurs apņem tuvus un tālus objektus.

Reālistiskā kosmosa meistarība ir viens no Ščedrina galvenajiem sasniegumiem šajā filmā. Nav aizkulišu ainu, nav objektu marķieru, kas iezīmē dziļumu. Lineārā perspektīva deva vietu gaisa perspektīvai. Tiesa, attēlā joprojām ir saglabāti trīs tradicionālie plāni, taču ceļš, kas iet dziļāk, tos savieno kopā un padara telpu nepārtrauktu. Mākslinieku vairs neapmierina atsevišķu detaļu patiesa atveidošana; viņš panāk kopējā iespaida integritāti un visu ainavu veidojošo elementu organisko vienotību. Gaismas un gaisa caurlaidība, apgaismojuma vienotība, kas savieno objektus un telpiskos plānojumus, ir galvenais līdzeklis, ar kura palīdzību attēls iegūst šo integritāti.
Ščedrina izstrādātā glezniecības sistēma, kas balstīta uz dabas izpēti brīvā dabā (tā sauktā plenēra glezniecība), paver jaunu lappusi ainavas vēsturē. Nav pārsteidzoši, ka krievu meistara jauninājums netika uzreiz novērtēts un izraisīja konservatīvās mākslas kritikas protestus. Akadēmiskās mākslas ideologiem šķita, ka Ščedrins “turas pie verdziskas dabas imitācijas, nepieļaujot novirzes pat par labu elegantajam”. Patiešām, mākslinieks apzināti atteicās no konvencionāliem un fiktīviem efektiem, kas Mākslas akadēmijai pietuvinātās aprindās tika uzskatīti par “elegantiem”. Bet, protams, viņš bija ļoti tālu no pasīvas dabas kopēšanas. Viņa glezna ne tikai iemūžina Nemi ezera krastu īsto izskatu, bet arī ar dziļu un patiesu caurstrāvošanos atklāj Itālijas dabas dzeju, tās saulaino klusumu un gaišo, mierpilno harmoniju.
Mākslinieci ieinteresēja vēl viens motīvs - vīnogām klāta terase ar skatu uz jūru - “Veranda ar vīnogām” (24).

ALEKSEJS VENĒCJANOVS (1780-1847) – (25)

Tiek saukts Venetsianovs krievu žanra (ikdienas) glezniecības pamatlicējs. Tā nav gluži taisnība – viņam bija priekšteči jau 18. gadsimtā. Bet tas sākas ar Venetsianovu reālistisku tendenču pieaugums krievu mākslā, ko pavada apelācija nacionālo un tautas tēlu pasaulē un intereses pieaugums par mūsdienu dzīvi.

Venetsianova radošums ir patriotisks un autentisks demokrātiska attieksme. Sociālā pacēluma laikmets, kas saistīts ar Tēvijas karu, pavēra mākslinieka acis uz vienkārša krievu cilvēka dziļajām morālajām īpašībām no tautas, viņa varonību un cilvēka cieņu. IN Krievu dzimtcilvēks Mākslinieks-humānists Venecjanovs spēja saskatīt nevis verga, bet, gluži pretēji, augstāka cilvēka tipa iezīmes.

Brīnišķīgs krievs žanra un portretu gleznotājs Aleksejs Gavrilovičs Venetsianovs pirmo reizi krievu glezniecībā apvienoti zemnieku un nacionālās dabas tēli. Venetsianovs - visas galerijas veidotājs zemnieku portreti - "Guļošais gans" (26).

Glezna “Guļošais gans” šajā ciklā ieņem ievērojamu vietu. Viņa ir viena no Venetsianova poētiskākajiem darbiem. Mākslinieks attēloja zemnieku bērnus ar īpašu siltumu un lirisku pacilātību. Viņa mākslinieciskās domāšanas tīrība un harmoniskā skaidrība lieliski atbilst bērna pasaules atjaunošanas uzdevumiem. Neviens no sava laika krievu meistariem bērnu tēlu un bērnības pieredzes atainojumā tādu ieskatu, tik akūtu patiesumu un vienlaikus tik poētiskas izjūtas stiprumu nesasniedza. Tomēr tas neizsmeļ grāmatas “Guļošais gans” saturu. Šeit skaidri un skaidri parādās visas galvenās Venetsianova mākslinieciskās valodas iezīmes, visa viņa tēlainās domāšanas struktūra, visi progresīvie viņa mākslas aspekti, bet tajā pašā laikā viņa reālisma vēsturiski izskaidrojamie ierobežojumi. Filmā The Sleeping Shepherdess nav nekādas darbības. Tiek attēlots zemnieku zēns, kurš aizmigt laukā; viņš sēž šauras upes krastā, atspiedies pret liela, veca bērza stumbru, un aiz viņa attēla fonā paveras tipiska krievu ainava ar ļodzīgu būdu, retām eglēm un bezgalīgiem laukiem, kas stiepjas līdz pat horizonts. Taču šajā vienkāršajā sižetā ir iestrādāts dziļš emocionāls saturs. Venetsianova gleznu caurvij miera un klusuma sajūta, liriska mīlestība pret dabu un cilvēku.
Attēla galvenā tēma ir harmoniska cilvēka saplūšana ar dabu, un Venetsianovs šeit neapšaubāmi sasaucas ar 18. gadsimta beigu sentimentālismu. “Aitietē” nav apzinātas pozēšanas pēdu, gluži otrādi, visu guļošā zēna izskatu iezīmē dzīva un nepiespiesta dabiskuma iezīmes. Venecjanovs ar īpašu rūpību izceļ viņā nacionālo krievu tipu un piešķir viņa sejai patiesi aizkustinoši garīgas tīrības izteiksmi. Kritiķi dažkārt pārmeta Venecjanovam nedaudz manierīgo ganu pozu, taču šis pārmetums ir netaisnīgs – tieši guļošā zēna poza ar savu īpatnējo nejutīgumu, kas labi atspoguļo miega stāvokli, liecina par mākslinieces dedzīgo novērošanu un viņa attēlu tuvums dzīvajai dabai. Īpaši nozīmīga loma attēlā ir ainavai. Tas vairs nekļūst par “fonu” cilvēka tēlam, bet gan par neatkarīgu un būtisku līdzekli jūtu nodošanā un tēla konstruēšanā. Tieši ainavā Venecjanovs darbojās kā jauna virziena pamatlicējs, ko vēlāk plaši attīstīja 19. gadsimta krievu māksla. Venetsianovs pievērsās dzimtās zemes vienkāršajai, “neizgreznotajai” dabai un atveidoja to ne tikai ar rūpīgu precizitāti, bet arī ar dziļu lirisku sajūtu.

Dabas tēls, tāpat kā cilvēka tēls, Venetsianova mākslā kļūst par idilliskā pasaules skatījuma nesēju.

“Zīlēšana pēc kārtīm” (27), “Pļāvēji” (28), “Zemniece ar izkapti un grābekli (Pelageja” (29), “Pirtnieki” (30), “Aramzemē. Pavasaris” (31) . Savos mākslas darbos gleznotājs pauž savu ideoloģisko un estētisko pozīciju. Venetsianovs parādīja zemnieku garīgo pievilcību, apliecināja savu personību, tādējādi aizstāvot savas cilvēktiesības. Savos darbos, kuros attēloti zemnieki, mākslinieks centās atklāt vienkārša krievu cilvēka garīgais un fiziskais skaistums. Gleznotājs dziļi juta līdzi zemnieku partijai, daudz pūlējās, lai atvieglotu dzimtcilvēku mākslinieku stāvokli, bet tajā pašā laikā tālu no sociālās kritikas. Venetsianova daiļradi lielā mērā ietekmēja klasiskais mantojums: viņš savos darbos nebaidījās izmantot senās glezniecības līdzekļus. Tajā pašā laikā, būdams reālists savos centienos, līdzās klasicisma cildenajai harmonijai viņam bija tuva romantismam raksturīgā cieņa pret individuālo. “Krievu žanra tēva” plašā pievilcība zemnieku tēmai bija patiesa mākslinieciska atklāsme tam laikam, un to sirsnīgi uzņēma Krievijas vadošā daļa.

Venetsianova jauninājums izpaudās ne tikai tajā, ka viņš pievērsās krievu glezniecībā jaunu attēlu klāstam, bet arī tajā, ka to īstenošanai viņš izstrādāja jaunus reālistiskus vizuālos līdzekļus. Venetsianovs atklāti lauza Akadēmijas veco konvencionālo mākslu un aicināts mācīties no dzīves, no dabas, to pētīt un atdarināt.

Venetsianova liela nozīme kā skolotājs. Savā Safonkovas īpašumā viņš izveidoja mākslas skolu, kurā izglītojās vesela gleznotāju plejāde, tā sauktie venēcieši. Šie mākslinieki, sekojot sava skolotāja priekšrakstiem, galvenokārt strādāja žanra jomā, attēlojot sadzīves dzīvi, ielu ainas, zemnieku un amatnieku darbus, lauku ainavas.

Lielie izdevumi, kas saistīti ar nepieciešamību uzturēt skolu un nodrošināt tās audzēkņus, uzlika īpašumam smagu nastu. Galu galā viņš bija spiests ieķīlāt īpašumu Aizbildņu padomei. Mēģinot kaut kā uzlabot savu finansiālo stāvokli, Venetsianovs uzņēmās pasūtījuma darbus. Lielākoties tie bija portreti un ikonas baznīcām. 1847. gada 4. decembrī, pabeidzis ikonu skices vienai no Tveras baznīcām, viņš gribēja tās personīgi aizvest uz Tveru. Lejā no stāvā kalna zirgi sāka buksēt, Venecjanovs tika izmests no kamanām, un viņš sapinās grožos. Trijotne aizvilka jau nedzīvu ķermeni uz Poddubye ciematu.

KARLS BRJULLOVS (1799-1852) - (32)

Kārlis Petrovičs Brjuļlovs - izcils krievu vēsturiskais gleznotājs, portretu gleznotājs, ainavu gleznotājs, monumentālu gleznu autors; Goda balvu ieguvējs: lielas zelta medaļas par gleznām “Trīs eņģeļu parādīšanās Ābrahāmam pie Mamres ozola” (1821) un “Pompeju pēdējā diena” (1834), Annas ordenis, III pakāpe; Milānas un Parmas akadēmijas, Romas Svētā Lūkas akadēmijas loceklis, Sanktpēterburgas un Florences Mākslas akadēmiju profesors, Parīzes Mākslas akadēmijas goda brīvais līdzstrādnieks.

Dekoratīvās tēlniecības akadēmiķa P.I.Brullo ģimenē visiem septiņiem bērniem bija mākslinieciskas dotības. Pieci dēli: Fjodors, Aleksandrs, Kārlis, Pāvels un Ivans kļuva par māksliniekiem. Bet slava, kas krita Kārlim, aizēnoja pārējo brāļu panākumus. Tikmēr viņš uzauga kā vājš un trausls bērns, septiņus gadus praktiski necēlās no gultas un bija tik ļoti noguris no skrofulozes, ka "kļuva par riebuma objektu saviem vecākiem".

Kārlis Pavlovičs Bryullovs bija viens no spilgtākajiem, un tajā pašā laikā strīdīgs mākslinieks 19. gadsimta krievu glezniecībā. Bryullovam bija izcils talants un neatkarīgs domāšanas veids. Neskatoties uz laika tendencēm (romantisma ietekmi), mākslinieks nespēja pilnībā atbrīvoties no klasicisma kanoniem. Iespējams, tāpēc viņa darbu augstu novērtēja tālu no progresīvā Sanktpēterburgas Mākslas akadēmija: jaunībā viņš bija tās students, vēlāk kļuva par emeritēto profesoru. Tomēr, izņemot Fedotovu, māksliniekam nebija ievērojamu talantu studentu. Viņa sekotāji lielākoties kļuva par virspusējiem salonu gleznotājiem, kas pārņēma tikai dažus no Brjulova ārējiem paņēmieniem. Neskatoties uz to, viņa dzīves laikā Brjuļlovs jeb "diženais Kārlis", kā elite viņu sauca, cienīja ne tikai Krievijā, bet arī daudzas prominentas personas Eiropā. 19. gadsimta otrajā pusē, reālisma ziedu laikos, mākslinieki un kritiķi Brjulovā saskatīja tikai sev nepieņemamu “akadēmisku” virzienu pārstāvi. Pagāja daudzi gadi, pirms mākslinieks ieņēma sev pienākošos vietu Krievijas mākslas vēsturē.

Bryullovs bija cilvēks ar milzīgu talantu, ko viņš demonstrēja visdažādākajos mākslas žanros. Attīstība Krievu vēsturiskā glezniecība, portrets, zīmējums, dekoratīvā glezniecība ir daudz parādā savam darbam. Katrā no šiem žanriem šī ievērojamā mākslinieka virtuozā meistarība ir atstājusi dziļas pēdas.
Sākotnējo izglītību ieguvis no sava tēva, Mākslas akadēmijas profesora un pēc tam pašā akadēmijā, Brjuļlovs atklāja izcilas mākslinieciskās spējas no jaunības.

Būdams pensionārs Romā un studējis klasisko mantojumu, viņš radīja darbus, kas uzreiz atklāja ne tikai viņa talanta briedumu, bet arī mākslinieciskā tēla reālistiskas izteiksmes meklējumu auglīgumu. Šādas Bryullova gleznas kā "Itālijas rīts" (33), “Pusdienlaiks” un daži citi, kas veltīti itāļu tautas dzīvei, izsauca Sanktpēterburgas klasicisma aizstāvju pārmetumus par jaunā mākslinieka pārmērīgo uzticību reālajai dzīvei. Tas Briullovu nemaz netraucēja, un viņš ar lielu entuziasmu turpināja strādāt pie sava lielākā audekla. "Pēdējā Pompejas diena" (34), kas viņam atnesa slavu kā laikmeta labākais gleznotājs. Paveicis milzīgu priekšdarbu, viņš radīja patiesi dramatisku eposu, kura attēlu romantiskā pacilātība atstāja kolosālu iespaidu uz viņa laikabiedriem. Šī glezna bija krievu tēlotājmākslas triumfs, kas pārliecinoši liecināja par tās briedumu.

“Pompejas pēdējā dienā” paustā vēsturiskās tēmas izpratne tiešā veidā sasaucas ar vēsturisko ideju loku, ko attīstījusi progresīvā krievu literatūra un 1820.-1830.gadu sociālā doma.
Pretstatā iepriekšējai vēsturiskajai glezniecībai ar varoņu kultu un akcentētu uzmanību indivīdam, pretstatā bezpersoniskajam pūlim, Briullovs “Pēdējo Pompeju dienu” uztvēra kā pūļa aina, kurā vienīgais un patiesais varonis būtu cilvēki. Visi filmas galvenie varoņi ir gandrīz līdzvērtīgi tās tēmas paudēji; Attēla nozīme ir iemiesota nevis atsevišķa varoņdarba attēlojumā, bet gan rūpīgā un precīzā masu psiholoģijas pārraidē. Darbs pie “Pompejas pēdējās dienas” ievilkās gandrīz sešus gadus.

Gleznas tēma ņemta no senās Romas vēstures.
Pompeja (vai drīzāk Pompeja) - senās Romas pilsēta, kas atrodas Vezuva pakājē - mūsu ēras 79. gada 24. augustā spēcīga vulkāna izvirduma rezultātā tā tika piepildīta ar lavu un pārklāta ar akmeņiem un pelniem. Divi tūkstoši iedzīvotāju (no kuriem kopā bija aptuveni 30 000) gāja bojā pilsētas ielās straumes laikā.
Vairāk nekā pusotru tūkstoti gadu pilsēta palika aprakta pazemē un aizmirsta. Tikai 16. gadsimta beigās, veicot rakšanas darbus, nejauši tika atklāta vieta, kur kādreiz atradās zudusi romiešu apmetne. Kopš 1748. gada sākās arheoloģiskie izrakumi, īpaši intensificēti 19. gadsimta pirmajās desmitgadēs.

Attēla centrā ir nogāzusies jaunas sievietes figūra, kura nokrita līdz nāvei no ratiem. Var pieņemt, ka šajā figūrā Brjuļlovs gribēja simbolizēt visu mirstošo seno pasauli; mājiens uz šādu interpretāciju atrodams arī laikabiedru recenzijās. Nav nejaušība, ka līdzās noslepkavotās sievietes centrālajai figūrai mākslinieks attēlojis skaistu mazuli, kā dzīvības neizsīkstošā spēka simbolu. Attēlā redzams gan pagānu priesteris, gan kristiešu priesteris, it kā personificējot aizejošo seno pasauli un uz tās drupām topošo kristīgo civilizāciju.

Būdams izcilu talantu gleznotājs, Brjuļlovs ar saviem darbiem iznīcināja šauro akadēmisko kanonu ietvaru. Viņa darbi vienmēr izcēlās ar koncepcijas plašumu.
Savos darbos mākslinieks galvenokārt pievērsa uzmanību personai, atklājot viņa prāta spēku un apliecinot viņa centienu cēlumu. Katrā Bryullova darbā, jebkurā viņa audeklā un jebkurā viņa zīmējumā vienmēr ir iemiesota mīlestība un cieņa pret cilvēku - “Mākslas ģēnijs” (35), “Narciss raugās ūdenī” (36), “Sleeping Juno” (37).

Mākslinieka sasniegumi portretu jomā nav nejauši. Bryullovs izdrukāja veselu savu laikabiedru attēlu sēriju. Kopā ar oficiālajiem pasūtījuma portretiem viņš mums atstāja vairākus dziļi reālistiskus mākslinieku, viņa loka cilvēku - rakstnieku, mākslinieku, aktieru - attēlus. “Zitniece” (38), “Zīlniece Svetlana” (39), “Princeses Volkonskas portrets” (40), “Turku sieviete” (41), “Mūķenes sapnis” (42), “Gļinkas galvas profils” (43).

ALEKSANDRS IVANOVS (1806-1858)

Jauna un vēl nozīmīgāka lappuse krievu glezniecības vēsturē bija Aleksandra Ivanova darbs. Saņēmusi mākslas izglītība Pēterburgā Ivanovs kā Mākslas veicināšanas biedrības pensionārs tika nosūtīts uz Itāliju pilnveidoties un studēt klasisko mākslu.
Tēva, Mākslas akadēmijas vēsturiskās glezniecības profesora, krievu klasicisma tradīcijās audzinātais Ivanovs akūti juta šī stila norietu jaunos vēstures apstākļos un pēdējā laikā dominējošo estētisko ideālu un ideju sabrukumu. Viņš izvirzīja visas savas dzīves mērķi atgriezt mākslai tās sociālo nozīmi. Pēc viņa domām, izcilo klasisko mākslinieku radošajiem sasniegumiem vajadzēja būt saistītiem ar jaunām, progresīvām Krievijas sabiedrības idejām.

"Apvienot Rafaela tehniku," viņš rakstīja, "ar jaunas civilizācijas idejām - tas ir mūsdienu mākslas uzdevums." "Kristus parādīšanās Marijai Magdalēnai" (44),

- pieder pie Ivanova daiļrades sākuma perioda, un tai piemīt visas klasicismam raksturīgās iezīmes: līdzsvarota kompozīcija, figūru un priekšmetu sadalījums pēc plāniem, gluds raksts un lokāla krāsa, emocionāla izteiksmība tradicionālo mitoloģisko un evaņģēlisko tēmu interpretācijā. Vadošā vērtība Ivanovam ir itāļu renesanses mākslas tēli. Pabeidz agrīnais periods radošā mākslinieka glezniecība “Apollo, hiacinte un ciprese, kas nodarbojas ar mūziku un dziedāšanu”

(44a), ko Ivanovs radījis jau Romā, kas izceļas ar neparasti smalko kompozicionālo un koloristisko harmoniju un seno mītu tēlu interpretācijas poētisko cildenumu. Tā ir senatne, kas tika uztverta caur renesansi. Mākslinieks it kā atklāj dabas apslēpto dievišķo nozīmi. Lielais krievu mākslinieks Aleksandrs Andrejevičs Ivanovs ar dziļumu bagātināja 19. gadsimta krievu un Eiropas glezniecību filozofiskā doma . Ivanovs savā darbā izvirzīja daudzas mūsdienu dzīves problēmas: mākslinieks bija pirmais krievu glezniecībā. Viņa pasaules uzskats veidojies N. V. Gogoļa iespaidā, ar kuru mākslinieks šajos gados draudzējās. Gogols lielā mērā ietekmēja Ivanova idejas par mākslas izglītības uzdevumiem. Ivanovs saprata mākslinieka izglītojošā un pravietiskā loma, viņš uzskatīja, ka mākslai jākalpo cilvēces pārveidošanai un morālajai pilnveidošanai. Mākslinieks centās saprast

Dzimtbūšanas krīze bremzē kapitālistiskās sistēmas attīstību. Laicīgās aprindās parādās brīvību mīlošas idejas, notiek 1812. gada Tēvijas karš, kā arī Krievijas karaspēks, kas piedalās Eiropas valstu atbrīvošanā no Napoleona, 1825. gada decembristu sacelšanās pret carismu, tas viss atstāj iespaidu uz glezniecību.

Kāda ir atšķirība starp glezniecību ģeniālā A.S. laikmetā? Puškins?

Iespējams, brīvību mīlošas tautas gaišo un humāno ideālu iemiesojums...

Līdz ar klasicismu attīstījās romantiskā kustība, veidojās reālisms.

Krievu glezniecības romantiskais virziens kļuva par reālisma attīstības sākumu nākamajās desmitgadēs. Tā notiek tuvināšanās Krievu mākslinieki, romantiķi ar reālo dzīvi, kas bija šī laika mākslinieku kustības būtība. Izstāžu plašā izplatība tajā pašā laikā liecina par krievu tautas tuvināšanos mākslas pasaulei, kas cenšas apmeklēt izstādes. Tiek uzskatīts, ka glezna K.P. Brjulova “Pompejas pēdējā diena” kalpoja par šādu tuvināšanos. Viņu centās satikt visu šķiru Pēterburgas iedzīvotāji.

Krievu glezniecība kļūst daudznacionāla, gleznas iegūst nacionālas nokrāsas, akadēmijā tiek uzņemti dažādu tautību studenti. Šeit mācās Ukrainas, Baltkrievijas, Baltijas valstu, Aizkaukāzijas un Vidusāzijas pamatiedzīvotāji.

19. gadsimta pirmajā pusē glezniecība bija pārstāvēta visos žanros: portrets, ainava, klusā daba, vēsturiskā glezniecība.

Slaveni krievu mākslinieki 19. gadsimta pirmajā pusē:

Krievu glezniecības šedevri

• Bryullova glezna K.P. "Pēdējā Pompejas diena"

• Aivazovska glezna I.K. "Devītais vilnis"

• Bruni glezna F.A. "Vara čūska"

• Venetsianova A.G. glezna. "Kulšanas grīda"

• Tropinina glezna V.A. "Mežģīņu meistars"

19. gadsimta pirmās puses glezniecība

19. gadsimta sākumu tradicionāli sauc par krievu kultūras zelta laikmetu. Tas ir laiks, kad uzmirdzēja A. Puškina, A. Gribojedova un N. Gogoļa ģēnijs, un krievu glezniecības skola K. Brjuļlova personā saņēma Eiropas atzinību. Šī vēstures perioda meistari, neskatoties uz dramatiskajiem dzīves apstākļiem, mākslā tiecās pēc rāmas harmonijas un gaiša sapņa, izvairoties no zemes kaislību attēlojuma. To lielā mērā noteica vispārējais vilšanās noskaņojums aktīvajā cīņā, kas Rietumeiropā un Krievijā valdīja pēc Lielās franču revolūcijas ideju sabrukuma. Cilvēki sāk “ievilkties sevī” un ļauties vientuļajiem sapņiem. Tuvojas romantisma laikmets, kas Krievijā sakrita ar jaunā imperatora Aleksandra I valdīšanas sākumu un karu ar Napoleonu.

19. gadsimta sākuma portretu māksla atspoguļo emocionālo pārdzīvojumu, melanholijas un vilšanās slēpto pasauli. Galvenais romantiskā virziena pārstāvis krievu portretu mākslā bija Orests Adamovičs Kiprenskis (1782–1836). Sanktpēterburgas Mākslas akadēmijas absolvents Kiprenskis dzīvoja vētrainu dzīvi, kurā bija viss: traki romantiski impulsi, kaislīga mīlestība, slavas uzplaukums un nāve nabadzībā svešā zemē. No viņa dzīves pirmā, Sanktpēterburgas perioda, palicis vērtīgs mantojums - spožas gleznas portreta žanrā (“A.K.Švalbes portrets”, “E.V.Davydova portrets”, “Grāfienes E.P.Rostopčinas portrets”, “D.N.Hostovas portrets”. ” utt.). Kiprenska portretu varoņi ir uzsvērti atturīgi, neizrāda savas emocijas, taču katra sejā slēpjas “gatavības” likteņa pārbaudījumiem zīmogs, romantismam raksturīgā cilvēka personības nozīme neatkarīgi no šķiras. , dzimums un vecums.

19. gadsimta pirmajos gados Krievijā no Napoleona laika Francijas ienāca ampīra stils - jauna klasicisma atgriešanās. Racionāla skaidrība, harmonisks līdzsvars, majestātisks smagums, zemes kaislību pārvarēšana patriotiskās varonības ideālu labā - visas šīs klasicisma stila iezīmes bija pieprasītas Tēvijas kara laikā ar Napoleonu. Spilgtākais klasicisma pārstāvis krievu glezniecībā bija Fjodors Petrovičs Tolstojs (1783–1873), brīnišķīgs tēlnieks, gleznotājs un zīmētājs. Viņa valdzinošajās klusajās dabās augļi un ziedi parādās kā “radības pērles”, kā senais harmoniskas pilnības ideāls, kas attīrīts no visa “zemiskā” un nejaušā.

Maskavas uguns, partizānu kustība, uzvarošās kara beigas ar Napoleonu — tas viss pirmo reizi lika muižniecībai no jauna paskatīties uz tautu, apzināties savu stāvokli un atzīt savu cilvēcisko cieņu. Alekseja Gavriloviča Venecjanova (1780–1847) darbos pirmo reizi parādās dzimtcilvēku pasaule. Šis mākslinieks gāja pretrunā ar iedibināto akadēmisko rutīnu - viņš sāka gleznot nevis pēc akadēmiskām shēmām, bet “a la nature”, kas tajos laikos bija liela drosme. Viņa dzimtcilvēki, Tveras guberņas Safonkovas ciema iedzīvotāji, pozēja Venetsianovam. Zemnieku pasaule Venetsianova gleznās redzama kā no romantiska muižnieka muižas loga: tajā nav vietas sociālās netaisnības vai pārslodzes kritikai. Venetsianova pasaule ir pilna ar harmonisku pilnību, klusu, skaidru mieru, cilvēku un dabas vienotību. Pirmo reizi Venetsianova poētiski konvencionālo zemnieku žanru caurvij klusās ziemeļkrievijas dabas pieticīgais, klusais šarms, kas veido viņa gleznu īpašo šarmu. Par saviem līdzekļiem Venetsianovs savā īpašumā izveidoja skolu māksliniekiem, kurus viņš savervēja galvenokārt no dzimtcilvēku klases. Daži viņa skolēni cienīgi turpināja savu virzienu mākslā. Līdz ar to ievērības cienīgi ir Kapitona Aleksejeviča Zeļencova (1790–1845) poētiskie interjeri, Grigorija Vasiļjeviča Sorokas (1823–1864) un Jevgrafa Fedoroviča Krendovska (1810–pēc 1853) ainavas. Pēc A. Benuā teiktā, “Venecjanovs viens pats izaudzināja veselu skolu, veselu teoriju un iesēja pirmās krievu tautas glezniecības sēklas”.

Labākie Mākslas akadēmijas absolventi saņēma tiesības uz praksi Itālijā - “dzīvās” senatnes un skaisto renesanses šedevru valstī. Daudzi mākslinieki, aizbraukuši uz Itāliju, palika šajā valstī uz laiku daudzus gadus, nevēloties atgriezties Krievijā, kur valdīja mākslas valdības regulējuma gars, gleznotāji bija atkarīgi no imperatora galma pavēlēm.

Talantīgais mākslinieks Mihails Ivanovičs Ļebedevs (1811–1837), kurš agri miris, gleznoja savas labākās romantiskās ainavas Itālijā. Valdzinošā Itālijas daba un dāsnā dienvidu saule iedvesmoja šīs paaudzes apdāvinātāko ainavu gleznotāju Silvestru Feodosijeviču Ščedrinu (1791–1830). 1818. gadā Ščedrins devās pensijas ceļojumā uz Itāliju un slimības dēļ dzīvoja tur līdz savai nāvei 1837. gadā. Viņš neskaitāmas reizes atkārtoja vienus un tos pašus motīvus – majestātiskas Romas panorāmas, rāmus skatus uz klintīm un jūru Itālijas dienvidu krastā Neapoles un Sorento apkaimē. Ščedrins bija pirmais, kurš sāka gleznot ainavas plenērā (plenērā), atbrīvojot viņu no tradicionālajām akadēmiskajām glezniecības konvencijām. Viņa ainavās nesastapsimies ar romantiskām vētrām vai lietainiem sliktiem laikapstākļiem; spoža saule un rāmu mieru, cilvēki dzīvo vienotu dzīvi ar apkārtējo dabu, un daba sniedz cilvēkiem svētlaimi, atpūtu un “palīdz” ikdienas darbos.

Kārlis Pavlovičs Brjuļlovs (1799–1852) bija slavenākais gleznotājs starp visiem 19. gadsimta sākuma krievu meistariem. Viņa Itālijā tapusī grandiozā glezna “Pompejas pēdējā diena” guva milzīgus panākumus Eiropā un Krievijā. Savā dzimtenē Bryullovs tika sveikts kā nacionālais varonis. Virtuozajam zīmētājam, iemīlējies pasaules ārējā skaistumā, Briullovam izdevās “ieliet jaunas asinis” mirstošajā akadēmismā, piepildot to ar spilgtiem romantiskiem pārdzīvojumiem. Gan stāstījuma gleznās, gan portretos Brjuļlovs pārstāv dzīvi teātra formās. Lielus panākumus pircēju vidū guva viņa lielie svinīgie portreti, kuros cilvēks attēlots kā pieķerts “lomu spēles” darbības brīdī (“Zitniece”, “N.V. Leļļu tēla portrets” u.c.). Mākslinieks neizvirzīja sev par uzdevumu nodot indivīda unikālo individualitāti, viņam galvenokārt rūpēja sieviešu valdzinošais ārējais skaistums, dārgo apģērbu krāšņums un interjera dekorēšanas greznība. Savas darbības pēdējos gados Brjuļlovs attālinājās no “rāmā” ārējā krāšņuma ideāla, viņa portreti kļuva intīmāki un psiholoģiski dziļāki (“A. N. Strugovščikova portrets”, “Pašportrets”, 1848).

Spožā meistara Aleksandra Andrejeviča Ivanova (1806–1858) figūra paceļas pāri visiem 19. gadsimta pirmās puses māksliniekiem. Pēc A. Benuā teiktā, “viņā dzīvoja bērnišķīga, eņģeļa, zinātkāra dvēsele, īsta pravieša dvēsele, kas izslāpusi pēc patiesības un nebaidās no mocekļa nāves”. Itālijā, kur Ivanovs pēc Mākslas akadēmijas absolvēšanas tika nosūtīts pensijas ceļojumā, viņš apmēram divdesmit gadus strādāja pie grandiozā audekla “Kristus parādīšanās tautai” un tikai neilgi pirms nāves atgriezās dzimtenē. Krievu sabiedrība gleznu nenovērtēja, un tās autors Sanktpēterburgā drīz vien pēkšņi nomira no holēras, nepaspējot saņemt naudu par savu mūža galveno gleznu, ko iegādājās imperators.

Ivanova sagatavošanās ainavu skices filmai “Kristus parādīšanās ļaudīm” kļuva par īstiem šedevriem. Strādājot brīvā dabā Romas apkaimē, māksliniece, meklējot krāsu patiesību, veica pārsteidzošus koloristiskus atklājumus, paredzot franču impresionistu sasniegumus. Ivanovs bija īsts reliģisko izjūtu mākslinieks-gudrais, kuram akvareļu ciklā “Bībeles skices” izdevās pateikt jaunu vārdu reliģiskās glezniecības vēsturē, grandiozāko un nesaprotamāko pasniegt ar “īstu Lieldienu svinīgumu” (A. Benuā). ).

Vasilijs Andrejevičs Tropiņins (1776 (?) - 1857) kļuva par pirmo profesionālo Maskavas portretu gleznotāju, Maskavas glezniecības skolas dibinātāju. Par dzimtcilvēku mākslinieku viņam bija laimīgs liktenis: viņa meistars grāfs Morkovs maksāja par studijām Mākslas akadēmijā, veicināja viņa radošumu un 1823. gadā deva viņam brīvību. Tūlīt pēc tam Tropinins, kurš jau bija populārs maskaviešu vidū, saņēma “ieceltā akadēmiķa” titulu. Mākslinieks mums atstāja veselu pēcugunsgrēka Maskavas seju galeriju, kurā valdīja īpaša brīvības atmosfēra, iedzīvotāju viesmīlība un spēja ļauties dzīves priekiem. Tropiņina portreti pārsteidz ar savu vitalitāti un tajā pašā laikā sirsnīgo, laipno skatienu uz cilvēku.

Pāvels Andrejevičs Fedotovs (1815–1852) bija aizsargu virsnieks Somijas pulkā, bet 29 gadu vecumā 1844. gadā pameta militāro dienestu un pilnībā nodevās mākslai. Liktenis viņam radīja apmēram astoņus gadus - Fedotovs nomira 37 gadu vecumā psihiatriskajā slimnīcā, paspējis uzgleznot ne tik daudz gleznu, taču katra no tām ir vērtīga pērle, kas iekļuva Krievijas mākslas kasē. Mākslinieks darbojās ikdienas žanra jomā, piešķirot tai jaunu augstumu un asumu. Viņš aizpilda ainas no tirgotāju un muižniecības dzīves ar maigu humoru, izjokojot mūsdienu paradumus ("Majora salidojums", "Izvēlīgā līgava" utt.). Fedotovs cilvēku pasauli un viņu objektīvo vidi attēlo ar pārsteidzošu glezniecisku pilnību, mīlestības pilnību, maigumu un patiesumu. Pēdējā smagi slima mākslinieka glezna “Enkur, vēl enkurs!” ir izmisīgi klusa un drūma, atgādinot dubļainos sapņus par drudzi. Tajā pazūd pasaules apbrīna un starojošs rāmums - vēsturiskajā ainā ienāk jauns, prātīgs un dziļi kritisks realitātes tēls - reālisms.

SILVESTRS ŠČEDRINS. Jaunā Roma. Svētā Eņģeļa pils.1824. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Ščedrina ainavā attēls Mūžīgā pilsēta gan majestātiski, gan intīmi. Smago akmeņu lielāko daļu Castel Sant'Angelo līdzsvaro ēkas un laivas Tibras kreisajā krastā. Upes majestātiskā, gludā straume skatītāja skatienu “vedina” uz seno arkveida tiltu un Svētā Pētera katedrāles siluetu – Romas diženuma simbolu. Priekšplānā mierīgi un lēni rit pilsētnieku ikdiena: viņi velk laivu krastā, gatavojas burāt, steidzas savās darīšanās... Visas ainavas detaļas ir dzīvas, redzamas dabā, bez akadēmiskām konvencijām. . Glezna pati par sevi ir ļoti skaista: viss ir apņemts ar gaisu, caurstrāvots ar rīta maigu, izkliedētu gaismu.

SILVESTRS ŠČEDRINS. Matromanio grota Kapri salā.

No grotas apēnotās alas paveras valdzinošs skats uz jūras līča ūdeņiem un akmeņiem, kas it kā gozējas zem žilbinoši spilgtajiem saules stariem. Grotas arka veido sava veida aizkulises, kas efektīvi norobežo tālo jūras līča telpu no skatītājam tuvās cilvēku ikdienas pasaules.

SILVESTRS ŠČEDRINS. Neliela osta Sorrento ar skatu uz Iskijas un Prosido salām.1826. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

No visiem Ščedrina daudzajiem Sorrento skatiem šī ainava pēc gara ir visizcilākā. Saules stari “taustāmi” nolaižas no debesīm, atspoguļojot mierīgo līča sudrabaino virsmu, maigi izgaismojot piekrastes būdiņas un laivas, izceļot ikdienas darbos aizņemto makšķernieku mazo figūru nesteidzīgās un izmērītās kustības. Ainavas krāsas ir gaišas, ēnas ir caurspīdīgas, viss ir piepildīts ar gaisu.

SILVESTRS ŠČEDRINS. Veranda savīta ar vīnogām.

Viena no mākslinieka labākajām ainavām, kas gleznota Neapoles apkaimē, ir caurstrāvota ar grieķu skaidra miera un gaišas harmonijas garu. Daba Ščedrinā parādās kā debesu attēls uz zemes. Tas pūš ar svaigu un mitru jūras elpu, uzkarsētu vīnogu lapu aromātu. Patveroties verandā no svelmainas saules, cilvēki ļaujas svētlaimīgai atpūtai. Saules zelta stari iekļūst cauri savītajiem vīnogu zariem, krīt kā atspulgi uz verandas akmens balstiem un atspīd spožos atspulgos uz izdegušās zāles... Ščedrins meistarīgi nodod vissarežģītāko apgaismojuma efektu, panākot vienotību. gaismas, krāsu un gaisa elementu, kas iepriekš ainavā nebija redzēti.

MAKSIM VOROBJEVS. Rudens nakts Sanktpēterburgā (piestātne ar Ēģiptes sfinksām Ņevas naktī).1835. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Vienā no saviem labākajiem Sanktpēterburgas skatiem Vorobjovs brīnišķīgās pilsētas un tās arhitektūras priekšā sniedz romantiskas sajūsmas pilnību. Pilnmēness spīdums īstu Sanktpēterburgas nostūri pārvērš brīnišķīgā vīzijā. Slavenās milzu akmens sfinksas ierāmē granīta uzbērumu ar tumšiem siluetiem, Mēness ceļš uz Ņevas ved skatītāju tālumā un aicina apbrīnot pretējā krasta piļu nevainojamās proporcijas. Laikabiedri Vorobjova ainavās apbrīnoja “krāsu caurspīdīgumu”, to piesātinājumu ar gaismu un siltumu, “svaigumu un pakāpeniskumu ēnās”.

MAKSIM VOROBJEVS. Zibens salauzts ozols.1842. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Šī ainava tika radīta kā alegorija uz negaidīta nāve mākslinieka sieva Kleopatra Loginovna Vorobjova, dzimusi Šustova. Apžilbinošs zibens uzplaiksnījums pāršķēla varena koka stumbru. Biezējošā zilā krēslā zeme saplūst ar debesīm, ozola pakājē paceļas dusmīgi jūras viļņi, kuros ieskrien vientuļa figūra, stihijas virpulī gandrīz neredzama. Mākslinieks šeit iemieso iemīļotu romantisma motīvu: cilvēka traģisko bezpalīdzību pirms majestātiskas, bet nežēlīgas stihijas trieciena.

MIKHAILS ĻEBEDEVS. Chiji parkā.1837. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Pēc Mākslas akadēmijas beigšanas Ļebedevs devās pensijas braucienā uz Itāliju, lai turpinātu studijas, no kurienes rakstīja: "Man šķiet, ka Itālijā (un visur) ir grēks strādāt bez dzīves." Vienā no saviem labākajiem darbiem mākslinieks drosmīgi atkāpjas no šim laikam tradicionālajiem klasiskās ainavas kanoniem. Kompozīcija veidota pa diagonāli un ir kustību pilna. Aizrautīgi un spilgti tiek nodota tveicīgas dienas atmosfēra un dienvidu veģetācijas sulīgais spēks; Plašā ceļa akmeņainā augsne, kas krāsota ar brīviem triepieniem, šķita, bija absorbējusi saules siltumu.

Kopā ar Silvu. Agri mirušais Ščedrins, Ļebedevs kļuva par dzīvas, tiešas dabas izjūtas pionieri krievu glezniecībā.

GRIGORIJS ČERNECOVS. Parāde par godu Aleksandra I pieminekļa atklāšanai Sanktpēterburgā 1834. gada 30. augustā.1834. Valsts Krievu muzejs, Sanktpēterburga

Čerņecovs bija imperatora Nikolaja I galma gleznotājs, kurš uzskatīja sevi par lielu mākslas pazinēju. Čerņecova darbi precīzi atspoguļo imperatora gaumi – Nikolajs I, kam bija tieksme uz militārām lietām, pieprasīja no māksliniekiem dabas “protokola” ierakstu parādes, formas tērpu, ieroču uc attēlojumā. Pils laukuma panorāma šķiet uzzīmēta. gar lineālu milzīgas ziemeļu debesis ar lietus mākoņiem iespaidīgi “aizēno” karaspēka parādi iepretim Aleksandra kolonnai, kas celta pēc franču arhitekta Monferāna projekta.

ORESTS KIPRENSKIS. A. K. Švāles portrets.1804. Valsts Krievu muzejs, Sanktpēterburga

Portretā attēlots mākslinieka tēvs Ādams Karlovičs Švābe, muižnieka A. S. Djakonova dzimtcilvēks. Kiprenskim patika stāstīt, kā šis Neapoles un Romas izstādēs rādītais portrets tika sajaukts ar Rembranta vai Rubensa darbu. Māksliniecei izdevies nodot tēlojamā raksturu – enerģisku un stingru. Seja ir lieliski veidota ar dziļām grumbām un spēcīgu zodu, un gaisma izceļ roku, kas pārliecinoši tur spieķi. Šis agrīnais darbs pieder pie neapstrīdamajiem Kiprenska otas šedevriem, kas liecina par viņa dziļo asimilāciju vecmeistaru glezniecības tehnikās.

ORESTS KIPRENSKIS. Grāfa F.V. Rostopčina portrets.

Maskavas mēram Fjodoram Vasiļjevičam Rostopčinam (1765–1826) bija reta humora izjūta un viņš nodarbojās ar literāru darbību. Visa tā laika Maskavas elite pulcējās slavenajā Rostopčinas salonā. Napoleona iebrukuma laikā baumas attiecināja uz Rostopčinu pavēli sadedzināt Maskavu.

Šajā darbā, kas ir izcils dizains un krāsa, mēs neredzēsim īpašas modeļa rakstura iezīmes: portrets ir vienkāršs un pat pieticīgs. Salīdzinot ar iepriekšējā laikmeta meistariem, Kiprenskis mazāk uzmanības pievērš aksesuāriem un apģērba detaļām. Melnais mētelis un saliktas rokas tiek uztvertas gandrīz kā viena vieta. Pats Rostopčins par šo darbu runāja šādi: "Es sēžu salicis rokas, dīkā un garlaicīgi."

ORESTS KIPRENSKIS. Grāfienes E. P. Rostopčinas portrets.1809. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Portretu izpildīja Kiprenskis kā pāri grāfienes F.V. Rostopčinas vīra portretam. Jekaterina Petrovna Rostopčina (1775–1859) bija Katrīnas II kalpone. Viņa slepeni pievērsās katolicismam un pēdējos gados dzīvoja ļoti noslēgtu dzīvi. Kiprenskis veido maigu, labestīgu, sirsnīgu tēlojamā tēlu. Viss viņas izskats elpo klusumu un sevī. Krāsu shēma ir bagāta ar smalkām un maigām sudraba un olīvu toņu pārejām, kas atbilst portreta noskaņai.

ORESTS KIPRENSKIS. Dzīves portrets Huzārs pulkvedis E.V. Davidovs.1809. Valsts Krievu muzejs, Sanktpēterburga

Portretā redzams brālēns slavens dzejnieks un 1812. gada kara varonis Deniss Davidovs - Evgrafs Vladimirovičs Davidovs (1775–1823). Portreta gleznošanas laikā viņš bija Dzīvības gvardes huzāru pulka pulkvedis un piedalījās kaujā ar Napoleonu pie Austerlicas. Figūru ieskauj noslēpumaina romantiska krēsla, kurā uz melni zilu debesu fona var redzēt olīvu lapotni. Kiprenskis atrod brīnišķīgu krāsu saskaņu: formas tērpa sarkanā krāsa, zelta pinumi, balti legingi... Davidova sejā ir vairāk ārēja šarma nekā dziļa psiholoģisma. Drosmīgais, bezbailīgais varonis demonstrē savu drosmīgo izturēšanos un dzīvespriecīgo jaunības laiku.

ORESTS KIPRENSKIS. A. A. Čeliščova portrets.1808. – 1809. gada sākums. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Aleksandrs Aleksandrovičs Čeliščevs (1797–1881) tika audzināts Lapu korpusā no 1808. gada, vēlāk piedalījās 1812. gada karā - tas ir, piederēja tai paaudzei, kas 19. gadsimta sākumā noteica Krievijas likteni. 11 gadus veca zēna izskatā Kiprenskis pamana īpašu, nebērnišķīgu sejas izteiksmi. Tumšas pērlīšu acis domīgi un uzmanīgi skatās uz skatītāju, tās liecina par nopietnību un “gatavību” smagiem dzīves pārbaudījumiem. Portreta krāsu shēmas pamatā ir Kiprenska iecienītā kontrastējošā melnā, baltā, sarkanā un spilgtā zelta kombinācija.

ORESTS KIPRENSKIS. D. N. Khvostovas portrets.1814. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Viens no Kiprenska valdzinošākajiem sieviešu tēliem ir piepildīts ar klusu, pārdomātu pārdomu noskaņu. Daria Nikolajevna Hvostova (1783–?) bija M. Ļermontova vecmāmiņas brāļameita.

Atšķirībā no iepriekšējā laikmeta portretistiem, māksliniece neaptur skatītāja uzmanību uz sava apģērba aksesuāriem: tie tiek pasniegti smalki, ar vispārīgi lieliem plankumiem. Portretā dzīvo acis - pārsteidzošas tumšas acis, kuras, šķiet, ir klātas ar vilšanās miglu, skumjas atmiņas un kautrīgas cerības.

ORESTS KIPRENSKIS. E. S. Avduliņas portrets.1822 (1823?). Valsts krievu muzejs, Sanktpēterburga

Jekaterina Sergejevna Avduļina (1788–1832) - ģenerālmajora A. N. Avduļina sieva, liela mākslas pazinēja un aktīva Mākslinieku veicināšanas biedrības dalībniece, pils krastmalā esošās savrupmājas un mājas kinozāles īpašniece Kamennoostrovskaya dacha. Viņa ir ģērbusies modernā cepurītē, kas pieguļ viņas galvai, un rokās tur vēdekli - šī laika dāmas neaizstājamu atribūtu ārpus mājas. Viņas saliktās rokas ir citāts no Leonardo da Vinči filmas “La Džokonda”, kuru Kiprenskis neapšaubāmi redzēja Luvrā. Viens no viņa laikabiedriem apgalvoja, ka šajā portretā “ķermeņa apaļumi un gaisma ir izpildīti meistarīgi. Un cik simboliska ir lauvas zāle, kas zaudē ziedlapiņas, stāv ūdens glāzē!..” Mūsu priekšā ir romantiska, apcerīga daba, iegrimusi savās slēptajās domās. Smalki baltu ziedu zars trauslā stiklā uz loga, šķiet, atgādina attēlotās sievietes izskatu.

ORESTS KIPRENSKIS. Pašportrets.1828. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Šis pašportrets tapis pirms mākslinieka aizbraukšanas uz Itāliju. Mūsu priekšā ir slavens meistars, kurš ieguvis izcilas laikabiedru atsauksmes, un tajā pašā laikā noguris un vīlies vīrietis. Saskaņā ar laikabiedru memuāriem "Kiprenskis bija izskatīgs, ar skaistām izteiksmīgām acīm un dabiski viļņainām cirtām." Viegli samiedzot acis, viņš pētoši skatās uz skatītāju, it kā par kaut ko jautātu. Portrets veidots siltā, piesātinātā krāsā. Sejas krāsas sasaucas ar halāta krāsām. Fons, tāpat kā citos meistara darbos, šķiet sabiezināta tumsa, no kuras maigi izceļas attēlotā cilvēka figūra.

ORESTS KIPRENSKIS. A. S. Puškina portrets.1827. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Portrets tapis Sanktpēterburgā pēc A. Delviga pasūtījuma tūlīt pēc dzejnieka atgriešanās no Mihailovska trimdas. Laikabiedri, kuri cieši pazina Puškinu, apgalvoja, ka līdzīgāks dzejnieka portrets nepastāvēja. Puškina tēlam nav ikdienas dzīves, viņa izskata raksturīgās "Arap" iezīmes ir mīkstinātas. Viņa skatiens slīd garām skatītājam – dzejnieku, šķiet, radošā ieskata brīdī noķēris mākslinieks. Izceltais fons ap galvu atgādina sava veida oreolu – zīmi, ka esat izvēlēts. Ar angļu rūtainu apmetni, kas uzmests pār plecu, Puškins tiek pielīdzināts izcilajam angļu romantiskajam dzejniekam Baironam. Attieksmi pret portretu viņš izteica poētiskā vēstījumā Kiprenskim “Vieglās modes mīļākais...” - “Es redzu sevi kā spogulī, / Bet šis spogulis man glaimo.”

VASĪLIJS TROPININS. Mākslinieka dēla A. V. Tropinina portrets.Labi. 1818. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Portretā attēlots Arsenijs Tropiņins (1809–1885), mākslinieka vienīgais dēls. Šis portrets starp citiem meistara darbiem izceļas ar īpašu iekšējo siltumu un sirsnību. Tropinīns atrisina vissarežģītāko problēmu – viņš atrod gleznieciskus līdzekļus, kas pauž bērna dvēseles īpašo pasauli. Portretā nav statiskas pozēšanas: zēns attēlots viegli sagriezies, viņa zeltaini mati izplesti, sejā spēlē smaids, krekla apkakle ir nejauši atvērta. Māksliniece veido formu ar gariem, kustīgiem triepieniem, un šis triepiena dinamisms izrādās saskanīgs ar bērna temperamentu un romantiskām atklājumu cerībām.

VASĪLIJS TROPININS. P. A. Bulahova portrets.

Šī tēla šarms slēpjas viņa dzīvīgumā un garīgajā līdzsvarā, vienkāršu un skaidru attiecību ar pasauli harmonijā. Viņa sārtainā, spožā seja ir kustīgiem triepieniem veidota, sudrabotā kažokādas veste, zilā krekla piedurkne ir plaši un brīvi nokrāsota, kakla lakats ir “sasiets” ar dažiem otas triepieniem... Šāda gleznošanas maniere lieliski atbilst pašapmierinātajam un dzīvespriecīgajam, ļoti maskaviskajam Bulahova tēlam, kurš, pēc A. Benuā, portretā atgādina “kaķi, kurš laizīja skābo krējumu”.

VASĪLIJS TROPININS. K. G. Raviha portrets.1823. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Maskavas robežbiroja ierēdņa Konstantīna Georgijeviča Raviča portrets pēc gara ir ļoti maskavisks, tālu no oficiālās stingrības un pašpārliecinātas izolācijas. Šķiet, ka Raviču mākslinieks ir pārsteidzis: viņš ir rītasvārkos, viņa mati ir nesakārtoti, kaklasaite ir vaļīga. Koši sarkanā halāta atspulgi “uzliesmo” ar sārtumu viņa gludajā un labsirdīgajā sejā. Ravičs pauž kopīgu Maskavas muižniecības veidu - viņš mīlēja karusingu un kāršu spēles. Pēc tam viņam tika izvirzīta apsūdzība par viena no spēlētājiem, kurš pēc liela zaudējuma cieta insultu, pavadīja septiņus gadus cietumā un tika izsūtīts uz Sibīriju “uz aizdomu pamata”.

VASĪLIJS TROPININS. A. S. Puškina portrets.1827. Viskrievijas A. S. Puškina muzejs, Sanktpēterburga

Portrets tapis 1827. gada pirmajos mēnešos, neilgi pēc tam, kad dzejnieks atgriezās no Mihailovska trimdas. Puškina draugs S. Soboļevskis atcerējās, ka “Puškins pats slepeni pasūtīja Tropiņinam portretu un pasniedza man to kā pārsteigumu ar dažādiem farsiem (tas viņam izmaksāja 350 rubļus).” Saskaņā ar citu versiju portretu pasūtījis pats Soboļevskis, kurš vēlējies redzēt dzejnieku nevis “izgludinātu” un “pomadētu”, bet gan “izspūrušu, ar dārgu mistisku gredzenu sejā”. īkšķis vienu roku." Rezultātā portretā attēla tuvība sadzīvo ar romantisku “pacilātību”, ko lieliski nodod lielā dzejnieka gara dzīve.

VASĪLIJS TROPININS. K. P. Bryullova portrets.

Tropiņins iepazinās ar Kārli Briullovu 1836. gadā Maskavā, kur “Pompejas pēdējā diena” autors apstājās ceļā no Itālijas uz Sanktpēterburgu. Maestro attēlots ar zīmuli un albumu uz izvirdošā Vezuva fona. "Jā, viņš pats ir īstais Vezuvs!" - viņi runāja par Bryullovu, apbrīnojot viņa talanta elementāro spēku. Portrets pauž publisko patosu par Brjuļlova kā izcila meistara uztveri, kura izskats atgādināja “zeltamataino” Apollonu. Brjuļlovs augstu novērtēja Tropininu, vienā no vēstulēm māksliniekam atzinās: "Es skūpstu tavu dvēseli, kas savā tīrībā spēj vairāk nekā jebkurš cits pilnībā izprast prieku un prieku, kas piepilda manu sirdi..."

VASĪLIJS TROPININS. Mežģīņu meistars.1823. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Šeit redzams nevis konkrētas meitenes portrets, bet kolektīvs poētisks amatnieces tēls, kādu Tropiņinu varēja sastapt dižciltīgo maskaviešu namos. Mākslinieks neattēlo smago darbu, kas bija viņas sarežģītajā un rūpīgajā darbā, viņš apbrīno un apbrīno jaunības šarmu un skaistumu. P. Sviņins par šo attēlu rakstīja, ka tas “atklāj skaistules tīro, nevainīgo dvēseli un ziņkārības skatienu, ko viņa iemeta kādam, kas tajā brīdī ienāca: viņas rokas, atkailinātas aiz elkoņa, apstājās līdz ar viņas skatienu, no jaunavas krūtis izlidoja nopūta, pārklāta ar muslīna kabatlakatiņu."

Māksliniekam bieži pārmeta viņa varoņu nemitīgo smaidīšanu. "Bet es neizgudroju, es nesaceru šos smaidus, es tos gleznoju no dzīves," atbildēja Tropiņins.

VASĪLIJS TROPININS. Pašportrets uz loga fona ar skatu uz Kremli.1846. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Pašportretā Tropiņins attēlo sevi kā strādīgu mākslinieku, kuram ar amatniecības, smaga darba un talanta palīdzību izdevies “iekļūt sabiedrības acīs”. Viņš ir ģērbies darba mētelī, balstās uz spieķa, un kreisajā rokā tur paleti un otas. Plašā Kremļa panorāma aiz viņa ir mākslinieka domu par viņa dzimto pilsētu personifikācija. “Mierīgums, kas dvesa no Tropiņina pašapmierinātās vecās sejas, viņam nenāca viegli. Nemitīgi cīnoties ar šķēršļiem un apspiešanu, šo mieru viņš ieguva ticības un mākslas ēnā,” rakstīja N. Ramazanovs, kurš pazina mākslinieku. Šo pašportretu, kas glabājās viņa mājā pēc Tropiņina nāves, maskavieši iegādājās no mākslinieka dēla abonementā un uzdāvināja Rumjanceva muzejam kā īpašas cieņas un atzinības zīmi par meistara pakalpojumiem senajai galvaspilsētai.

KARLS BRJULLOVS. Itāļu pēcpusdiena (itāliete vāc vīnogas).1827. Valsts Krievu muzejs, Sanktpēterburga

Šī glezna tika radīta kā pāris "Itālijas rītam" (1823, Kunsthalle, Ķīle) un tika nosūtīta uz Krieviju kā reportāža mākslinieka uzturēšanās laikā Itālijā. Brjuļlovs izmantoja iespēju Itālijā studēt sieviešu modeles (Sanktpēterburgas akadēmijā sievietes nepozēja māksliniekiem). Viņu interesēja sievietes figūras atveidošana dažādos gaismas efektos - agrā rītā vai spilgtā itāļu pēcpusdienas gaismā. Žanra aina ir piepildīta ar salda jutekliskuma garu. Itāļu nobriedušais skaistums sasaucas ar vīnogu gatavību, kas pildīta ar saldu sulu, dzirkstošo saulē.

KARLS BRJULLOVS. Pārtrauktais datums (“Ūdens jau tek cauri...”).Akvarelis. 1827.–1830. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Itālijā Bryullovs bija viens no “itāliešu” žanra dibinātājiem, kas guva lielus panākumus kolekcionāru un ceļotāju vidū. Mākslinieces gleznās par itāļu ikdienu apvienots klasiskais skaistums un romantisks pasaules redzējums par realitāti. Vienā no labākajiem “itāliešu” žanra akvareļiem uz saldi skaistās Itālijas dabas fona izvēršas burvīga žanra aina, kas piepildīta ar labsirdīgu humoru. Brjuļlovs meistarīgi apguva klasisko akvareļa tehniku, meistarīgi nododot uz papīra lapas karstās itāļu dienas spožo gaisu, varoņu dzirkstošos baltos kreklus, karstos no saules. akmens siena Mājas.

KARLS BRJULLOVS. Batšeba.

Sižeta pamatā ir leģenda par jaunu skaistuli peldoties, kuru ieraudzīja karalis Dāvids, ejot pa savas pils jumtu.

Briullovs ar entuziasmu dzied par sieviešu skaistumu, kas "tikai varētu vainagot Visumu". Batšebas skaistā “antīkā” ķermeņa maigumu, ko izgaismo rietošās saules slīpie stari, izceļ sulīgās drapējumu krokas, kuras māksliniece pārvērta par skaistules pjedestālu. Caurspīdīga ūdens strūkla, kas ieplūst baseinā, dzirkstī saules gaismā. Visu audeklu caurstrāvo juteklisks šarms un esības prieks.

KARLS BRJULLOVS. Jātnieks.1832. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Šo itāļu Džovanninas (jātnieces) un Amatsilijas Pačīni svinīgo portretu Briullovam pasūtīja mākslinieka draudzene grāfiene Jūlija Samoilova, kura uzņēma šīs bāreņu meitenes. Mākslinieks apvieno tradicionālo jātnieku portretu ar sižeta darbību. Pērkona negaisa priekšvakarā no izjādes steidzas atgriezties skaista jātniece. Apburošā Amazīlija izskrēja uz lodžijas satikt savu māsu. Džovanņinas seja, neskatoties uz straujo tempu, paliek mierīgi skaista. Mūsu priekšā ir iecienīts romantisma laikmeta paņēmiens: spēcīgu dabas elementu un noturības sadursme. cilvēka gars. Mākslinieks apbrīno jaunības ziedošo skaistumu, apbrīno bērna mīlīgumu, tīrasiņu zirga grāciju, zīda dzirksti un matu cirtas spīdumu... Portrets pārtop elegantā burvīgā skatē, himnā dzīves skaistums.

KARLS BRJULLOVS. Pēdējā Pompejas diena.1833. Valsts Krievu muzejs, Sanktpēterburga

Bryullovs izdomāja attēla sižetu pēc tam, kad bija apmeklējis Pompejas, senās Romas pilsētas netālu no Neapoles, izrakumus, kas nomira 1. gadsimtā no Vezuva izvirduma. Strādājot pie gleznas, mākslinieks izmantoja vēsturnieka Plīnija Jaunākā, pilsētas nāves liecinieka, aprakstus. Attēla galvenā tēma ir “tauta, kuru sagrāba bailes” no visu uzvarošā likteņa spēka. Cilvēku kustība tiek virzīta no attēla dziļumiem pret skatītāju pa diagonāli.

Aukstā zibens gaisma izceļ atsevišķas cilvēku grupas, kuras vieno viens garīgs impulss. Kreisajā pusē pūlī mākslinieks attēloja sevi ar krāsu kasti galvā. N. Gogolis rakstīja, ka Brjulova skaistās figūras nomāc viņu situācijas šausmas ar skaistumu. Mākslinieks apvienoja romantiskā pasaules uzskata degsmi ar tradicionālajiem klasicisma paņēmieniem. Attēls guva lielus panākumus Eiropā, un Krievijā Brjuļlovs tika sveikts kā triumfants: “Jūs atnesāt miera trofejas / ar sevi uz sava tēva nojume. – / Un tā bija Pompejas pēdējā diena / Krievu birstei pirmā diena” (E. Baratynskis).

KARLS BRJULLOVS. I. A. Krilova portrets.1839. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Ivana Andrejeviča Krilova (1768/1769–1844) portretu mākslinieks gleznojis vienā seansā, un tas netika pabeigts. Krilova roku no nu jau mirušā fabulista ģipša pabeidza students F. Goretskis. Krilovam portretā ir aptuveni 70 gadu, viņa izskatu raksturo stingra muižniecība un dzīva, aktīva enerģija. Portreta gleznainā meistarība, Brjulova mīļākā romantiskā un skanīgā melnā, ugunīgi sarkanā un zeltaini dzeltenā krāsu kombinācija, ir valdzinoša.

KARLS BRJULLOVS. Ņ.V. Kukolnika portrets.1836. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Pēterburgā Brjuļlovs bija regulārs vakaru dalībnieks, kur pulcējās tā laika literārā bohēma. Viņu neaizstājams dalībnieks bija Nestors Vasiļjevičs Kukolņiks (1809–1868), slavens dramaturgs, žurnālists, žurnāla Khudozhestvennaya Gazeta redaktors. Pēc laikabiedru domām, Leļļu tēlam bijis neērts izskats – ļoti gari, šauri pleci, gara seja ar neregulāriem vaibstiem, milzīgas ausis, mazas acis. Portretā Brjuļlovs estetizē savu izskatu, piešķirot viņam romantiska klejotāja noslēpumu. Ausis ir paslēptas zem garu matu cepurītes, un bālajā sejā spēlē viltīgs smaids. Romantisko gaisotni papildina arvien dziļāka aizejošās dienas tumsa, noplukusi siena, kas atgādina nepielūdzamo laika ritējumu, un jūras plašums tālumā.

KARLS BRJULLOVS. A. N. Strugovščikova portrets.1840. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Aleksandrs Nikolajevičs Strugovščikovs (1808–1878) bija Brjuļlova draugs, tulkotājs no vācu valodas un žurnāla Khudozhestvennaya Gazeta izdevējs. Portrets gleznots Sanktpēterburgā, Brjuļlova darbnīcā Pils laukumā. Strugovščikovs pozē krēslā, kas apvilkts ar sarkanu ādu (tajā pašā krēslā redzam Brjuļlovu slavenajā 1848. gada “Pašportretā”). Nedaudz nogurušā Strugovščikova izskatā mākslinieks uzsvēra zināmu nervozitāti un atslāņošanos. Nihilisms un melanholija bija šī laika paaudzes iemīļotākā maska, kad, pēc Strugovščikova vārdiem, “14.decembra pogroms atņēma... progresīvajiem sabiedrības cilvēkiem vēlmi iejaukties mūsu dzīves iekšpolitikā un ļoti ceļi uz to bija bloķēti.

KARLS BRJULLOVS. Grāfienes Ju portrets, kas pamet balli ar adoptēto meitu Amazīliju Pačīni.Ne vēlāk kā 1842. Valsts Krievu muzejs, Sanktpēterburga

Portrets gleznots Sanktpēterburgā, kur ekscentriskā un neatkarīgā grāfiene ieradās, lai saņemtu milzīgu mantojumu. Attēlā viņa attēlota kopā ar adoptēto meitu, kura ar savu trauslumu dodas ceļā un papildina Samoilovas grezno, nobriedušo skaistumu. Grāfienes figūras kustību līdzsvaro smagā samta aizkara spēcīgais izpletums, kas, šķiet, turpinās viņas žilbinoši greznajā kleitā. Šajā labākajā meistara ceremoniālajā portretā ir jūtama neparasti entuziasma uguns - sekas mākslinieka īpašajai attieksmei pret modeli.

KARLS BRJULLOVS. Pašportrets.1848. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Pēc Bryullova audzēkņa atmiņām, šo pašportretu meistars uzgleznoja smagas slimības laikā tikai divu stundu laikā. Darbs pārsteidz ar atjautīgo izpildījuma virtuozitāti: ar dažām birstes kustībām “izķemmēti” mati, novārgusi, bāla, novājējuša seja ar caurspīdīgām ēnām, ar iedvesmu uzzīmēta ļengana nokarenā roka, ar maziem triepieniem. Tajā pašā laikā tēlam netrūkst narcisma un eleganta mākslinieciskuma. Meistara sarežģītais fiziskais stāvoklis tikai uzsver radošo uguni, kas, neskatoties uz smagu slimību, Brjuļlovā neizdzisa līdz pat mūža beigām.

KARLS BRJULLOVS. Arheologa M. Lanci portrets.1851. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Šis Brjulova senā drauga, itāļu arheologa Mikelandželo Lanci (1779–1867) portrets pārsteidz ar spilgtu indivīda individualitātes atveidojumu, kas paredz reālistisku portreta mākslas metodi. Šķita, ka arheologs ir nokļuvis dzīvas sarunas vidū: viņš novilka šķipsnu un pievērsa vērīgu un saprātīgu skatienu sarunu biedram. Spilgtais, skanīgais krāsojums, kura pamatā ir koši koši halāta un sudraba kažokādas kombinācija, uzsver modeles dzīves mīlestību.

Šī portreta “enerģiskā” sonoritāte ir vēl jo ievērojamāka, jo paša Brjulova fiziskie spēki jau bija izsīkuši. Portrets kļuva par pēdējo nozīmīgo smagi slimā mākslinieka darbu.

ALEKSANDRS BRJULLOVS. N. N. Puškina portrets.1831.–1832. Papīrs, akvarelis. Viskrievijas A. S. Puškina muzejs, Sanktpēterburga

Viņa laikabiedru vidū ārkārtīgi populāri bija Kārļa Brjulova brāļa Aleksandra Brjullova akvareļu portreti. Viens no labākajiem un vērtīgākajiem pēcnācējiem ir izcilā dzejnieka sievas Natālijas Nikolajevnas Puškinas portrets. Māksliniece ne tikai tver viņas individuālās iezīmes, bet attēloto skaistumu paceļ augstāk par “dzīves prozu”, apstiprinot sievišķīgo “tīrā skaistuma” ideālu, ko atrodam Puškina dzejoļos: “Manas vēlmes piepildījās. Radītājs / sūtīja tevi pie manis, tu, mana Madonna, / vistīrākā šarma tīrākais piemērs.

ALEKSANDRS BRJULLOVS. E. P. Bakuņinas portrets.Ne vēlāk kā 1832. Kartons, akvarelis. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Jekaterina Pavlovna Bakuņina (1795–1869) bija Puškina liceja drauga Aleksandra Bakuņina māsa. Jauno Bakuņinu dzejnieks varēja satikt liceja ballēs, kurās piedalījās liceja audzēkņu uzaicinātie radinieki un paziņas. “Cik viņa bija mīļa! Kā mīļajai Bakuņinai pielipa melnā kleita! Bet es viņu neesmu redzējis astoņpadsmit stundas — ak! Kāda situācija un kādas mokas... Bet es biju laimīgs 5 minūtes” (no Puškina 1815. gada dienasgrāmatas). Intīmajā miniatūrajā portretā mēs redzam Bakuņinu jau pieaugušā vecumā, tomēr līniju muzikalitāte un smalki caurspīdīgās akvareļa krāsas saskan ar jaunā dzejnieka entuziasma izjūtu.

PĒTERS SOKOLOVS. A. S. Puškina portrets.1836. Papīrs, akvarelis. Viskrievijas A. S. Puškina muzejs, Sanktpēterburga

Sokolovs bija lielisks Puškina laikmeta intīmo akvareļportretu meistars. Mākslinieka otās ir trīs Puškina mūža portreti, viņa laikabiedru, draugu un ienaidnieku portreti. Šis portrets attēlo dzejnieku viņa mūža nogalē – nedaudz nogurušu, daudzu vilšanos un raižu piedzīvojušu. Viņa dēls akvarelists akadēmiķis A. Sokolovs stāstīja par Sokolova darba metodi:

“Ar apbrīnojamu pārdrošību sejas, kleitas, mežģīņu aksesuāra vai fona patiesais tonis nomierinājās uzreiz, gandrīz pilnā spēkā un tika izdalīts jauktos, galvenokārt pelēcīgos toņos, ar ievērojamu šarmu un garšu, tā ka otas triepiens, tā triepieni, krāsas nolaišanās uz neko, palika skatā, netraucējot visu daļu pilnīgai pabeigšanai. Tāpēc viņa darbā nekad nebija manāma nekāda spīdzināšana vai darbs; viss iznāca svaigs, viegls un tajā pašā laikā drosmīgs un iespaidīgs krāsains.

ALEKSEJS VENĒCJANOVS. Pašportrets.1811. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Pašportretā Venetsianovam ir 31 gads, taču viņš izskatās pēc noguruša, pasaules gudra cilvēka. Šajā laikā viņš jau bija pazīstams portretu gleznotāja meistars, guvis panākumus ar savu darbu un neatlaidību. Pašportrets pārsteidz ar savu nopietnību, patiesumu un vienkāršību. Mākslinieks, turot rokās paleti un otu, uzmanīgi vēro darbu. Dzīva, silta gaisma maigi modelē formu. Venetsianovs šo portretu uzdāvināja Mākslas akadēmijai un saņēma par to “ieceltā akadēmiķa” titulu.

ALEKSEJS VENĒCJANOVS. Guļ aitu meitiņa.No 1823. līdz 1826. gadam Valsts Krievu muzejs, Sanktpēterburga

Krievu ciema ainava, kas ir pārsteidzoša savā dvēseliskajā šarmā, ir piepildīta ar klusu, starojošu mieru: upes gludā virsma, un zaļi sakņu dārzi, un tāli aramzeme, un mežaini pakalni... Ainavas krāsas ir spilgts, piesātināts, it kā gaismas caurstrāvots. “Guļošais gans” ir viena no labākajām Venecjanova gleznām tās liriskās un sirsnīgās noskaņas ziņā, kas atspoguļo cilvēka un dabas intīmo saikni. Venecjanovs šeit parādās kā pieticīgās Krievijas dabas smalkā šarma pionieris.

ALEKSEJS VENĒCJANOVS. Uz aramzemes. Pavasaris.1820. gadu pirmā puse. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Glezna atspoguļo pavasara alegoriju. Zemnieku sieviete gudrā sauļošanās tērpā, pielīdzināta ziedēšanas un pavasara dievietei Florai, majestātiski soļo pāri aramzemei. Pa kreisi fonā cita zemniece ar zirgiem, šķiet, turpina apļveida kustību galvenais varonis, kas aizveras pa labi horizonta līnijā ar citu sievietes figūru, kas atgādina caurspīdīgu fantomu. Blakus nobriedušajam Floras skaistumam redzam alegoriju par dzīves sākumu - rudzupuķu vainagu ieskautu Amoru. Attēla labajā pusē, blakus izkaltušam celmam, pret sauli stiepjas tievi jauni koki.

Attēlā redzams mūžīgais dzīves cikls: gadalaiku maiņa, dzimšana un nokalšana... Pētnieki atzīmēja, ka šī Venecjanova glezna ar savu idillisko noskaņu un alegorisko apgaismību apvienojumā ar krievu motīviem sastapa imperatora Aleksandra I gaumi.

ALEKSEJS VENĒCJANOVS. Pie ražas. Vasara.1820. gadu vidus. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Šo gleznu Venetsianovs iecerējis kā pāri darbam “Aramzemē. Pavasaris" un bija daļa no sava veida cikla par gadalaikiem. Zemnieku dzīves pasaule šeit ir bez prozaiskām lauku darba grūtībām. Tā ir idille, ko mākslinieks redzējis no “romantiskā” muižnieka muižas logiem. Taču šīs idilles centrā ir mākslinieka gudrā un godīgā doma par ikdienas zemnieku rūpju skaistumu un cildeno nozīmi, par Krievijas dabas īpašo šarmu. “Kam visā krievu glezniecībā izdevās nodot tik īsteni vasarīgu noskaņu, kāda bija viņa gleznā “Vasara”, kur aiz nedaudz kantaini stādītas sievietes ar nedaudz iztaisnotu profilu, tīri krieviska daba, vairs nemaz nav iztaisnota, izplešas: tāls, dzeltens lauks, kas nogatavojas karstā, saules piesātinātā gaisā! - iesaucās A. Benuā.

ALEKSEJS VENĒCJANOVS. Meitene lakatā.

Jauno skaisto zemnieci Venetsianovs gleznoja ar neparastu siltumu un sirsnību. Viņa ar dzīvespriecīgu skatienu pievērsa savas lielās acis skatītājam, viegls smaids spēlējās uz viņas briestajām lūpām. Zili svītraina šalle un tumši, spīdīgi, gludi ķemmēti mati izceļ viņas meitenīgās sejas maigumu. Attēla telpa ir piepildīta ar maigu gaismu, krāsas pamatā ir cēls maigi zaļo, zilo un gaiši smilškrāsas toņu savienojums.

ALEKSEJS VENĒCJANOVS. Pļaujmašīnas.1820. gadu beigas. Valsts krievu muzejs, Sanktpēterburga

Šajā attēlā redzams zemnieku zēns Zakharka, vairāku Venetsianova gleznu varonis un viņa māte Anna Stepanova. Zēns, pietvīcis no smaga darba un pusdienlaika karstuma, atspiedās pret mātes plecu, sajūsmināts par spilgtajiem tauriņiem, kas sasēdušies uz viņas rokas. Forma ir veidota ar biezu, pilnbalsīgu krāsu. Gludas, noapaļotas līnijas piepilda kompozīciju ar līdzsvaru un mieru. Venetsianovs nepretenciozu ikdienas stāstu no zemnieku dzīves pārvērš poētiskā stāstījumā par pasaules valdzinošo skaistumu un vienotības prieku ar dabu.

ALEKSEJS VENĒCJANOVS. Zemnieku sieviete ar rudzupuķēm.1830. gadi Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Jaunajai zemniecei trūkst romantiskas pacilātības, viņas tēls ir vienkāršs un piepildīts ar klusu, sirsnīgu dzeju. Iegrimusi domās, viņa skumji un atrautīgi šķiro koši zilās rudzupuķes. Attēla krāsojuma pamatā ir smalkas auksti dūmakaini balta, sudraba, gaiša okera toņu harmonijas, kas atspoguļo meitenes domīgo minora noskaņojumu.

GREGORIJS SOROKA. Skats uz Spasskoje muižu, Tambovas provincē.1840. gadi Reģionālā mākslas galerija, Tvera

Serfs P.I. Miļukova Grigorijs Soroka ar pārtraukumiem mācījās pie Venetsianova viņa Safonkovas īpašumā. Mākslinieks A. Mokritskis rakstīja, ka Venecjanovs saviem audzēkņiem pamācījis: “Visi šie objekti, kuru materiālā atšķirība gleznotājam ir taustāmi jāizjūt un jānodod... Tam... nepieciešama ārkārtēja acs modrība, koncentrēšanās, analīze, pabeigtība. uzticēšanās dabai un pastāvīga tiekšanās pēc tās izmaiņām dažādās gaismas pakāpēs un pozīcijās; mums ir vajadzīga izpratnes skaidrība un mīlestība pret darbu.

Soroka talantīgi iedzīvināja sava mentora pavēles. Viņš lieliski risina sarežģītas gleznas problēmas, piepildot ainavu ar klasisku mieru un spilgtu sirsnību. Sekojot Venecjanovam, viņš atklāj skaistumu klusajos dzimtās dabas motīvos.

1840. gadi Valsts krievu muzejs, Sanktpēterburga

Attēlā valda Moldinskoje ezera mierīgā ūdens virsma, kas nosaka tā idillisko, gaišo noskaņu. Visā ir jūtams lēnums un klusums: krastā makšķerē zēns, viņa draugs klusi slīd laivā gar krastu. Muižas ēkas pretējā krastā ir apraktas majestātiskajos “mūžīgi skaistās” dabas brikšņos. Krievijas dabas īpašā poētiskā skaistuma pārraide un pārsteidzoša, apgaismota miera noskaņa, kas piepildīta ar žēlastību, padara šo ainavu līdzīgu labākie darbi A. Venetsianova.

GREGORIJS SOROKA. Zvejnieki. Skats uz Spasskoje muižu, Tambovas provincē.Fragments

KAPITONS ZELENTSOVS. Istabās.1820. gadu beigas. Valsts Tretjakova galerija, Maskava

19. gadsimta 20. gadu beigās interjera žanrs kļuva populārs mākslinieku vidū, kas atspoguļoja muižniecības klientu interesi par “sadzīves dzeju”. Zeļencova glezna pēc gara ir tuva viņa mentora A. Venetsianova labākajiem darbiem. Skatītāja priekšā paveras trīs plašas, gaumīgi iekārtotas, gaismas pārpludinātas istabas. Pie sienām ir F. Tolstoja gleznas un medaljoni, stūrī pie loga Veneras statuja, gar sienām izvietotas elegantas sarkankoka mēbeles. Telpas atdzīvina divi jauni vīrieši, kas apmāca suni. Aplūkojot šo interjeru, tevi pārņem skaidra miera un gaišas harmonijas sajūta, kas atbilda priekšstatiem par privātās dzīves ideālu.

FEDORS SLAVJANSKIS. A. G. Venēcjanova birojs.1839.–1840. Valsts krievu muzejs, Sanktpēterburga

Slavjanskis turpināja sava skolotāja A. Venecjanova līniju gan portretu glezniecībā, gan interjera žanrā. To pārņems gaišs, harmonisks noskaņojums labākais interjers, kurā attēlotas telpas mentora mājā. Lieliski uzrakstītais istabu komplekts atgādina izcilus sasniegumus perspektīvas izpētē. Istabas aizmugurē, maigā izkliedētā gaismā, uz dīvāna apgūlās jauns vīrietis - varbūt pats mākslinieks vai kāds no mājas saimnieka audzēkņiem. Viss šajā telpā atgādina kalpošanu mākslai un mākslinieciskām interesēm: kopijas no antīkas statujas, zemnieku meitenes manekens kokošņikā pie loga, it kā spožo saules staru atdzīvināts, gleznas pie sienām, “antīkā” stilā veidots krāsns apšuvums.

No autora grāmatas

19. gadsimta otrās puses glezniecība * * *19. gadsimta otrajā pusē krievu tēlotājmāksla nokļuva sociāli politisko ideju žēlastībā. Nevienā Eiropas valsts kritiskā reālisma glezniecībā tik ilga pastāvēšana nebija - vēsturiska

Ļagina Jana

Šis darbs mūs iepazīstina ar 19. gadsimta mākslu. Jebkura laika māksla kā sūklis uzsūc sava laika galvenās problēmas, idejas un uzskatus. Krievu mākslai šis apstāklis ​​ir visnozīmīgākais, jo tas vienmēr ir bijis ja ne politizēts, tad katrā ziņā cieši saistīts ar sabiedrības valdošās daļas ideoloģiju, tās reakcionārajām aprindām vai revolucionāri noskaņotajiem radikāļiem.

Lejupielādēt:

Priekšskatījums:

Pašvaldības skolēnu eseju konkurss

Pašvaldības valsts izglītības iestāde

vidusskola ar. Mīļā.

Pilna adrese: Saratovas apgabals, Jekaterinovskas rajons, ciems. Mīļā,

st. Rabočaja 1

Abstrakts darbs:

"Krievu māksla 19. gadsimtā"

10. klase

uzraugs : Sazonova Jūlija Andrejevna,

Mākslas skolotājs.

2013.-2014.mācību gads

Ievads……………………………………………………………………………………………3

1.Kultūra Krievija XIX gadsimts: vispārīgs raksturojums………………………….….4

2. Krievu māksla 19. gadsimtā……………………………………………………………….6

2.1. Krievu māksla 19. gadsimta pirmajā pusē - “Kultūras zelta laikmets”………………………………………………………………………………….… ………6

2.2. Krievu māksla 19. gadsimta otrajā pusē………………………………..11

Secinājums…………………………………………………………………………………….15

Atsauču saraksts……………………………………………………………………16

Ievads

Jebkura laika māksla kā sūklis uzsūc sava laika galvenās problēmas, idejas un uzskatus. Krievu mākslai šis apstāklis ​​ir visnozīmīgākais, jo tas vienmēr ir bijis ja ne politizēts, tad katrā ziņā cieši saistīts ar sabiedrības valdošās daļas ideoloģiju, tās reakcionārajām aprindām vai revolucionāri noskaņotajiem radikāļiem.

Darba mērķis ir analizēt krievu mākslu 19. gadsimtā.

Uzdevumi:

1.Dodiet vispārīgās īpašībasšī laikmeta;

2. Īsi raksturojiet krievu 19. gadsimta mākslu tās veidos.

1. Krievijas kultūra 19. gadsimtā: vispārīgas īpašības

Krievijas vēsture 19. gadsimta māksla gadsimtus parasti iedala posmos.

Pirmo pusi sauc par krievu kultūras zelta laikmetu. Tās sākums sakrita ar klasicisma laikmetu krievu literatūrā un mākslā. Pēc decembristu sakāves sākās jauns uzplaukums sociālajā kustībā. Tas deva cerību, ka Krievija pamazām pārvarēs savas grūtības. Šajos gados valsts guva iespaidīgākos panākumus zinātnes un īpaši kultūras jomā. Gadsimta 1. puse Krievijai un pasaulei deva Puškinu un Ļermontovu, Gribojedovu un Gogoli, Beļinski un Hercenu, Gļinku un Dargomižski, Brjuļlovu, Ivanovu un Fedotovu.

19. gadsimta pirmās puses tēlotājmākslā ir iekšēja kopība un vienotība, unikāls gaišu un humānu ideālu šarms. Klasicisms ir bagātināts ar jaunām iezīmēm, tā stiprās puses visspilgtāk izpaužas arhitektūrā, vēsturiskajā glezniecībā un daļēji arī tēlniecībā. Senās pasaules kultūras uztvere kļuva vēsturiskāka nekā 18. gadsimtā un demokrātiskāka. Līdz ar klasicismu intensīvi attīstījās romantiskais virziens un sāka veidoties jauna reālistiska metode.

Krievu mākslas romantiskais virziens bija pirmais trešās daļas XIX gadsimtu sagatavoja reālisma attīstība turpmākajās desmitgadēs, jo tas zināmā mērā tuvināja romantiskos māksliniekus realitātei, vienkāršai reālajai dzīvei. Tā bija visas 19. gadsimta pirmās puses sarežģītās mākslas kustības iekšējā būtība. Kopumā šī posma māksla – arhitektūra, glezniecība, grafika, tēlniecība, lietišķā un tautas māksla- izcila, oriģinalitātes pilna parādība Krievijas mākslas kultūras vēsturē. Attīstot iepriekšējā gadsimta progresīvās tradīcijas, tā radīja daudzus lieliskus darbus ar lielu estētisku un sociālu vērtību, sniedzot ieguldījumu pasaules mantojumā.

Otrā puse ir nacionālo formu un tradīciju galīgās apstiprināšanas un nostiprināšanas laiks krievu mākslā. IN 19. vidus gadsimtā Krievija piedzīvoja smagus satricinājumus: 1853.-1856.gada Krimas karš beidzās ar sakāvi. Imperators Nikolajs I nomira, Aleksandrs II kāpa tronī un veica ilgi gaidīto dzimtbūšanas atcelšanu un citas reformas. “Krievu tēma” kļuva populāra mākslā. Krievu kultūra nebija ierobežota ar nacionālo ietvaru un nebija atdalīta no pārējās pasaules kultūras.

1. Krievu māksla 19.gs

19. gadsimta sākums Krievijā bija kultūras un garīgā pacēluma laiks. Krievu kultūras attīstība 19. gadsimtā balstījās uz iepriekšējā laika pārvērtībām. Kapitālisma attiecību elementu iekļūšana ekonomikā ir palielinājusi vajadzību pēc rakstpratīgiem un izglītotiem cilvēkiem.Publiskajām bibliotēkām un muzejiem bija pozitīva loma valsts kultūras dzīvē (1814. gadā Sanktpēterburgā tika atvērta pirmā publiskā bibliotēka. Krievijas kultūra attīstījās uz arvien pieaugošās krievu nacionālās pašapziņas fona). cilvēkiem un saistībā ar to bija izteikts nacionāls raksturs.

2.1 Krievu māksla 19. gadsimta pirmajā pusē - “Kultūras zelta laikmets”

19. gadsimta pirmo trešdaļu sauc par krievu kultūras “zelta laikmetu”. Interese par Krievijas vēsturi kļuva par iemeslu daudzu romānu, īsu stāstu, balāžu, dažādu stāstu parādīšanās vēstures tēmas. Slavenākie romāni bija M.N. Zagoskina (1789--1852) “Jurijs Miloslavskis jeb krievi 1612. gadā”, “Roslavļevs jeb krievi 1812. gadā”, “Kuzma Roščins” I.I. Lažečņikova (1792-- 1869) “Ledus māja”, “Pēdējais atnācējs”, “Basurmens”. Jau no nosaukumiem ir skaidrs, ka šajos un citos vēsturiskās prozas darbos aplūkoti Krievijas vēstures krīzes periodi: krievu kņazu savstarpējās cīņas, Krievijas atbrīvošanas kari, politiskās intrigas un notikumi, kas no autoru viedokļa bija nozīmīgi. nozīmīga nozīme. Tajā pašā laikā autoru politiskās preferences vienmēr izvirzījās priekšplānā. Piemēram, M. N. Zagoskins bija acīmredzams monarhijas piekritējs, un šie viņa uzskati izpaužas nevis autora politiskajās deklarācijās, bet gan viņa tēlos, ikdienas dzīves elementu aprakstos un varoņu personisko attiecību atkarībā. par daudzu vēsturisku notikumu iznākumu. Un tomēr visu stāstu centrā bija viena vispārīga ideja, kas visspēcīgāk iezīmējās pēc 1812. gada kara un kuru īsi izteica I. I. Lažečņikovs romāna “Pēdējais noviks” priekšvārdā: “Sajūta, kas dominē mans romāns ir mīlestība pret tēvzemi.

Vēsture tās ekstrēmos brīžos veido saturu spožajām Gogoļa “Taras Bulba”, Puškina “Kapteiņa meita” un “Araps Pēteris Lielais”, viņa drāma “Boriss Godunovs”, dzejolis “Poltava” un tik daudz darbu, ka tos nav iespējams uzskaitīt. A.S. Puškins kļuva par sava laikmeta simbolu, kad notika straujš Krievijas kultūras attīstības kāpums. Puškins ir krievu literārās valodas radītājs. Viņa darbs ir kļuvis par paliekošu vērtību ne tikai krievu, bet arī pasaules kultūras attīstībā. Viņš bija brīvības dziedātājs un pārliecināts patriots. Dzejnieks saviem pēctečiem novēlējis: “Ir ne tikai iespējams, bet arī nepieciešams lepoties ar savu senču godību... Cieņa pret pagātni ir tā iezīme, kas atšķir izglītību no mežonības...”

Krievu sabiedrības humānistiskie ideāli atspoguļojās augsti civilizētajos šī laika arhitektūras paraugos un monumentālajā un dekoratīvajā tēlniecībā, kuras sintēzē viņš darbojas dekoratīvā krāsošana un lietišķā māksla, kas bieži vien nonāk pašu arhitektu rokās. Arhitektūrā 19.gs. Valdīja klasicisms. Šajā stilā celtās ēkas izceļas ar skaidru un mierīgu ritmu un pareizām proporcijām. Sanktpēterburgas un Maskavas arhitektūrā bija būtiskas atšķirības. Vēl 18. gadsimta vidū. Sanktpēterburga bija arhitektūras šedevru pilsēta, ko ieskauj zaļi īpašumi un daudzējādā ziņā bija līdzīga Maskavai. Tad sākās pilsētas regulāra attīstība pa alejām, kas to šķērsoja, stariem, kas izstaroja no Admiralitātes. Sanktpēterburgas klasicisms ir nevis atsevišķu ēku, bet gan veselu ansambļu arhitektūra, kas pārsteidzoša savā vienotībā un harmonijā. . Nozīmīga loma Sanktpēterburgas arhitektoniskā izskata veidošanā ir Admiralitātes ēkai, kas uzcelta pēc projekta A.D. Zaharova (1761-1811). Admiralitātes fasādestiepjas 406 m Tā centrā atrodas triumfa arka ar augstu apzeltītu smaili, kas kļuvusi par vienu no pilsētas simboliem.

Šī laika izcilākais arhitektsAndrejs Ņikiforovičs Voroņihins(1759–1814). Voroņihina galvenais veidojums ir Kazaņas katedrāle, kuras majestātiskā kolonāde veidoja laukumu Ņevska prospekta centrā, pārvēršot katedrāli un apkārtējās ēkas par Sanktpēterburgas centra nozīmīgāko pilsētplānošanas centru. 1813. gadā M.I. Kutuzovs tika apglabāts katedrālē, un katedrāle kļuva par sava veida pieminekli krievu ieroču uzvarām 1812. gada karā. Vēlāk laukumā tika uzstādītas tēlnieka darinātās Kutuzova un Barklaja de Tollija statujas. katedrāles priekšā B.I. Orlovskis. 19. gadsimta 30.–40. gadu krievu tēlniecība. kļūst arvien demokrātiskāka. Gadsimta vidus tēlniecībā ir divi galvenie virzieni: viens, kas nāk no klasikas, bet nāk uz sauso akadēmismu; otrs atklāj vēlmi pēc tiešāka un daudzpusīgāka realitātes atspoguļojuma, tā izplatās gadsimta otrajā pusē, taču nav arī šaubu, ka abi virzieni pamazām zaudē monumentālā stila iezīmes.

Tēlnieks, kuram monumentālo formu norieta gados izdevās gūt ievērojamus panākumus šajā jomā, kā arī “mazajās formās”, bijaPjotrs Karlovičs Klodts(1805–1867), zirgu autors Narvas Triumfa vārtiem Sanktpēterburgā (arhitekts V. Stasovs), “Zirgu pieradinātāji” Aņičkova tiltam (1833–1850), Nikolaja I piemineklis Sv. Īzaka laukumā ( 1850–1859), I.A. Krilovs Vasaras dārzā (1848–1855), kā arī liels skaits dzīvnieku skulptūru. Vadošais arhitektūras un tēlniecības virziens 19. gadsimta pirmajā trešdaļā bija klasicisms. Glezniecībā to galvenokārt izstrādājuši vēsturiskā žanra akadēmiskie mākslinieki (A.E. Egorovs – “Pestītāja mokas”, 1814, Krievijas Krievu muzejs; V.K.Šebujevs – “Tirgotāja Igolkina varoņdarbs”, 1839, Krievijas Krievu muzejs; F.A. Bruni – “Kamillas, Horācija māsas nāve”, 1824, Krievu muzejs “Vara čūska”, 1826–1841, Krievu muzejs; Taču patiesie glezniecības panākumi slēpjas citā virzienā - romantismā. Cilvēka dvēseles labākās tieksmes, gara kāpumus un kritumus izteica tā laika romantiskā glezniecība un galvenokārt portrets. Portreta žanrā vadošā vieta ir Orestam Kiprenskim (1782–1836) Neatsverama Kiprenska daiļrades sastāvdaļa ir grafiskie portreti, kas veidoti galvenokārt ar mīkstu itāļu zīmuli ar pasteļu, akvareļu un krāsainu zīmuļu krāsojumu. Viņš attēlo ģenerāli E.I. Čaplitsa (Tretjakova galerija), A.R. Tomilova (GRM), P.A. Brieža gaļa (GTG). Ātro zīmuļu portretu-skiču izskats pats par sevi ir nozīmīgs, raksturīgs jaunajam laikam: tie viegli fiksē jebkuras īslaicīgas izmaiņas sejā, jebkuru emocionālu kustību. Bet Kiprenska grafikā ir arī zināma evolūcija: viņa vēlākajos darbos nav spontanitātes un siltuma, bet tie ir meistarīgāki un izsmalcinātāki izpildījumā (S. S. Ščerbatovas portrets, Itālijas māksla, Tretjakova galerija).

Poliju var saukt par konsekventu romantiķi A.O. Orlovskis (1777–1832), viņš ātri asimilējās uz Krievijas zemes, kas ir īpaši pamanāms viņa grafiskajos portretos. Tajos caur visiem Eiropas romantisma ārējiem atribūtiem ar tā dumpīgumu un spriedzi ir redzams kaut kas dziļi personisks, slēpts, intīms (Pašportrets, 1809, Tretjakova galerija). Zināma loma reālisma ceļa “uzliesmošanā” bija arī Orlovskim, pateicoties viņa žanra skicēm, zīmējumiem un litogrāfijām, kas attēlo Sanktpēterburgas ielu ainas un tipus, kas atdzīvināja slaveno P. A. Vjazemska četrrindi.

Bijusī Krievija, attālināta

Jūs to nodosiet savai atvasei

Jūs pieķērāt viņu dzīvu

Zem tautas zīmuļa.

Arī 19. gadsimta pirmā puse. iezīmēja krievu mūzikas uzplaukums, kas galvenokārt saistīts ar nosaukumuMihails Ivanovičs Glinka(1804–1857), kurš iegāja vēsturē kā pirmais pasaules nozīmes krievu komponists. M.I. Glinka tiek uzskatīts par krievu valodas dibinātāju klasiskā mūzika. Viņa operas “Dzīve caram” un “Ruslans un Ludmila” lielā mērā noteica Krievijas opermūzikas tālāko attīstību vēl daudzus gadu desmitus. Atšķirīga iezīme Komponista radošā pieeja bija krievu folkloras un tautas mūzikas motīvu izmantošana. Glinka rakstīja arī romances. Glinkas laikabiedri sniedza nozīmīgu ieguldījumu krievu mūzikas kultūras attīstībāA. A. Aļabjevs, A. E. Varlamovs, A. L. Gurilevs, mūsdienās pazīstami galvenokārt kā romanču autori.

A.A Aļabjevs. A.L.Guriļevs A.E.Varlamovs

2.2 Krievu māksla 19. gadsimta otrajā pusē

Kultūras attīstības apstākļi 19. gadsimta otrajā pusē.

19. gadsimta otrā puse. - nacionālo formu un tradīciju galīgās apstiprināšanas un nostiprināšanas laiks krievu mākslā. 19. gadsimta vidū. Krievija piedzīvoja smagus satricinājumus: 1853.-1856.gada Krimas karš beidzās ar sakāvi, nomira imperators Nikolajs I, tronī kāpušais Aleksandrs II veica ilgi gaidīto dzimtbūšanas atcelšanu un citas reformas. “Krievu tēma” kļuva populāra mākslā. Krievu kultūra nebija ierobežota ar nacionālo ietvaru un nebija atdalīta no pārējās pasaules kultūras. Sasniegumi ārzemju māksla atrada atbildi Krievijā. Savukārt krievu kultūra saņēma pasaules atzinību. Krievu kultūra ir ieņēmusi lepnumu Eiropas kultūru saimē.

Tēlotājmāksla nevarēja palikt malā no sabiedrības apziņā notiekošajiem procesiem. Valsts Tretjakova galerija Maskavā ir viena no lielākajām Krievijas tēlotājmākslas kolekcijām, pasaulslavens nacionālais kultūras centrs. Muzejs nes tā dibinātāja Maskavas tirgotāja P.M.Tretjakova (1832-1898) vārdu, kurš 1892.gadā dāvināja pilsētai savu mākslas galeriju, kā arī nelielu sava brāļa kolekciju un māju, kas apmeklētājiem tika atvērta 1881.gadā.

Šajā laikā krievu mākslinieki sasniedza tādu prasmju līmeni, kas viņu darbus pielīdzināja labākajiem Eiropas mākslas paraugiem. Izveidojās kustība, kuras pamatā bija kritiskā reālisma idejas. Viens no pirmajiem šī virziena meistariem bija Vasilijs Grigorjevičs Perovs (1833–1882). Viņa žanra darbi (“Lauku reliģiskais gājiens Lieldienās” 1861, “Mirušo nostādīšana” 1865, “Troika” 1868) ir glezniecības valodā izteikti skumji stāsti par parastu cilvēku dzīvi.

Ainava ir sasniegusi nepieredzētu labklājību. Ainavu glezniecība ir kļuvusi par vienu no vadošajām mākslas attīstības jomām, šis žanrs ir pacelts jaunos augstumos. Tika uzlaboti izteiksmīgie līdzekļi un attīstīta tehnoloģija. 19. gadsimta otrās puses ainava vairs nav tikai “ainavu veidu” tēls, bet gan glezna, kas caur dabas tēliem nodod cilvēka dvēseles smalkākās kustības. Lielākie ainavu meistari Krievijā bija A.K. (“Ir ieradušies” 1871), I.I. (“Priežu mežs” 1878), A.I. Bērzu birzs"1879, "Mēness nakts uz Dņepras" 1880), V.D. Poļenovs ("Maskavas pagalms" 1878), I.I. Levitāns (" Vakara zvani"1892, "Pavasaris. Lielais ūdens" 1897), K.A.Korovins ("Ziemā" 1894, "Parīze. Kapucīnu bulvāris" 1906).

19. gadsimta otrās puses reālistiskās mākslas virsotnes. sasniegts radošumāI.E. Repins un V.I. Vēsturiskā glezniecība savu augstāko izpausmi guva Vasilija Ivanoviča Surikova (1848–1916) darbā. Vēsturē mākslinieku visvairāk interesēja cilvēki: masas un spēcīgas, spilgtas personības.

Pirmais darbs, kas atnesa V. I. Surikova slavu, bija “Strelci nāves rīts” (1881). Kompozīcija veidota uz kontrasta: skumjas, naids, ciešanas, kas iemiesotas nāvē ejošo lokšāvēju un viņu tuvinieku figūrās, kontrastē ar zirgā sēdošo, tālumā akmenī sastingušo Pēteri.

Papildus V.I.V.M.Vasņecovs rakstīja arī gleznas par vēsturiskām tēmām. Vēstures tēlam viņa darbos ir jūtama episka, pasakaina pieskaņa: “Pēc Igora Svjatoslaviča slaktiņa ar polovciešiem” (1880), “Aļonuška” (1881) eposa un vēstures kombinācija īpaši spilgti izpaudās grandiozais audekls “Bogatyrs” (1898 G.).

1898. gadā Sanktpēterburgā tika nodibināta jauna mākslinieciskā apvienība, saukta"Mākslas pasaule" . Iegūto apli vadīja mākslinieksA.N. Benuā un filantrops S.P.Djagilevs.Biedrības galvenais kodols bijaL.S. Baksts, E. E. Lansere, K.A. "Mākslas pasaule" organizēja izstādes un izdeva žurnālu ar tādu pašu nosaukumu. Apvienībā bija daudz mākslinieku:M.A.Vrubels, V.A.Serovs, I.I.Levitāns, M.V.Ņesterovs, A.P.Rjabuškins, N.K.Rērihs, B.M.Kustodijevs, Z.E.Serebrjakova, K.S.Petrovs-Vodkins.Miriskusniki aizstāvēja individuālās radošuma brīvību. Skaistums tika atzīts par galveno iedvesmas avotu. Mūsdienu pasaule, pēc viņu domām, ir bez skaistuma un tāpēc nav uzmanības vērta. Skaistuma meklējumos Mākslas pasaules mākslinieki savos darbos nereti pievēršas pagātnes pieminekļiem.

Arī 19. gadsimta otrā puse. – Šis ir izcilu zinātnes un tehnikas sasniegumu periods. Attīstās ķīmija, fizika, ģeogrāfija, bioloģija...

Dabaszinātņu attīstība un plašie sakari starp Krievijas zinātniekiem un Rietumu zinātniekiem liecināja par Krievijas pietiekamu vietu pasaules sabiedrībā.

Secinājums.

Krievu māksla jūsu gleznu arhitektūra

19. gadsimta mākslu var salīdzināt ar daudzkrāsainu mozaīku, kur katram akmenim ir sava vieta un sava nozīme. Tātad nav iespējams noņemt pat vienu, pat vismazāko, neizjaucot kopuma harmoniju. Taču šajā mozaīkā ir akmeņi, kas ir visvērtīgākie, izstaro īpaši spēcīgu gaismu.

Vēstures gadsimtu gaitā krievu māksla ir piedzīvojusi būtiskas, reizēm radikālas pārmaiņas: tā ir kļuvusi bagātināta, sarežģīta, pilnveidota, bet vienmēr palikusi oriģināla.

Krievu arhitektūra, tēlotājmāksla, tautas un lietišķā māksla liecina par nenovērtējamo ieguldījumu, ko mūsu cilvēki ir devuši pašmāju un pasaules mākslas kultūras kasē.

19. gadsimts, iespējams, ir vissarežģītākais un interesantākais periods krievu mākslas vēsturē. Šis laikmets radīja izcilu A. S. Puškina radošumu, tautas un universālu, pilnu ar sapņiem par brīvību. Šis ir garīgās kultūras uzplaukuma laiks: literatūra, filozofija, mūzika, teātris un tēlotājmāksla.

Izmantotās literatūras saraksts.

1. Iļjina T.V. Mākslas vēsture: krievu māksla. Mācību grāmata / T.V. Iļjina. - M.: Augstskola, 2007. – 407 lpp.

2. Jaunākā pilnā uzziņu grāmata 5.-11.klašu skolēniem (2.sējums). E.V. Simonova.