Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Państwu bardzo wdzięczni.
WSTĘP
1. RODZAJE MALARSTWA
2. MALARSTWO I JEGO GATUNKI
WNIOSEK
REFERENCJE
WSTĘP
Słowo „malowanie” pochodzi od słów „żywie” i „pisz”. „Malować” – wyjaśnia Dahl, „przedstawiać wiernie i żywo za pomocą pędzla lub słów, pióra”. Dla malarza prawidłowe przedstawienie oznacza dokładne oddanie wyglądu zewnętrznego tego, co widział i jego najważniejszych cech. Udało się je poprawnie przekazać za pomocą środków graficznych – linii i tonu. Jednak tymi ograniczonymi środkami nie da się obrazowo oddać wielobarwności otaczającego świata, pulsowania życia w każdym centymetrze kolorowej powierzchni przedmiotu, uroku tego życia oraz ciągłego ruchu i zmiany. Malarstwo, jeden z rodzajów sztuk pięknych, pomaga wiernie oddać koloryt rzeczywistego świata.
Kolor - główny środek wizualny i wyrazowy w malarstwie - ma ton, nasycenie i lekkość; zdaje się łączyć w całość wszystko, co charakterystyczne dla przedmiotu: zarówno to, co daje się przedstawić linią, jak i to, co jest dla niej niedostępne.
Malarstwo, podobnie jak grafika, wykorzystuje jasne i ciemne linie, kreski i plamy, ale w przeciwieństwie do niego te linie, kreski i plamy są kolorowe. Przekazują barwę źródła światła poprzez odblaski i jasno oświetlone powierzchnie, rzeźbią trójwymiarową formę z podmiotowym (lokalnym) kolorem i kolorem odbitym przez otoczenie, ustanawiają relacje przestrzenne i głębię oraz przedstawiają fakturę i materialność obiektów.
Zadaniem malarstwa jest nie tylko ukazanie czegoś, ale także ujawnienie wewnętrznej istoty tego, co jest przedstawiane, odtworzenie „typowych postaci w typowych okolicznościach”. Dlatego podstawą malarstwa realistycznego jest prawdziwe artystyczne uogólnienie zjawisk życia.
1. RODZAJE MALARSTWA
Malarstwo monumentalne- to szczególny rodzaj malarstwa duża skala, zdobienie ścian i sufitów obiektów architektonicznych. Ujawnia zawartość majora zjawiska społeczne, który zapewnił pozytywny wpływ dla rozwoju społeczeństwa, wysławia je i utrwala, pomagając wychowywać ludzi w duchu patriotyzmu, postępu i człowieczeństwa. Wzniosłość treści malarstwa monumentalnego, znaczny rozmiar jego dzieł i związek z architekturą wymagają dużych mas kolorystycznych, ścisłej prostoty i lakonizmu kompozycji, przejrzystości konturów i ogólności formy plastycznej.
Malarstwo dekoracyjne służy do ozdabiania budynków i wnętrz w formie kolorowych paneli, które realistycznymi obrazami tworzą iluzję przebicia ściany, wizualnie zwiększając wielkość pomieszczenia lub wręcz przeciwnie, wykorzystując celowo spłaszczone formy, podkreślają płaskość ściana i obudowa pomieszczenia. Wzory, wianki, girlandy i inne dekoracje zdobiące dzieła monumentalnego malarstwa i rzeźby spajają ze sobą wszystkie elementy wnętrza, podkreślając ich piękno i spójność z architekturą.
Malarstwo teatralne i dekoracyjne(scenografia, kostiumy, makijaż, rekwizyty, wykonane według szkiców artysty) pozwala na dalsze odsłonięcie treści spektaklu. Szczególne teatralne warunki odbioru scenerii wymagają uwzględnienia wielu punktów widzenia widzów, ich dużej odległości, wpływu sztucznego oświetlenia i kolorowego podświetlenia. Sceneria daje wyobrażenie o miejscu i czasie akcji oraz aktywizuje percepcję widza tego, co dzieje się na scenie. Artysta teatralny stara się w szkicach kostiumów i makijażu jak najdobitniej wyrazić indywidualny charakter bohaterów, ich status społeczny, styl epoki i wiele więcej.
Malarstwo miniaturowe otrzymane świetny rozwój w średniowieczu, przed wynalezieniem druku. Odręcznie pisane książki ozdobiono najwspanialszymi nagłówkami, zakończeniami i szczegółowymi miniaturowymi ilustracjami. Rosyjscy artyści pierwszej połowy XIX wieku umiejętnie wykorzystywali technikę malarstwa miniaturowego do tworzenia małych (głównie akwareli) portretów. Czyste, głębokie kolory akwareli, ich wykwintne kombinacje, wykwintna finezja pisma wyróżnia te portrety, pełne wdzięku i szlachetności.
Malarstwo sztalugowe, wykonywana na maszynie - sztalugach, jako materiał bazowy wykorzystuje drewno, karton, papier, ale najczęściej płótno naciągnięte na noszach. Obraz sztalugowy, będący dziełem samodzielnym, może przedstawiać absolutnie wszystko: fakty i fikcje artysty, przedmioty i ludzi nieożywionych, nowoczesność i historię - słowem życie we wszystkich jego przejawach. W odróżnieniu od grafiki malarstwo sztalugowe charakteryzuje się bogactwem barwy, która pomaga emocjonalnie, psychologicznie, wieloaspektowo i subtelnie przekazać piękno otaczającego nas świata.
Ze względu na technikę i sposób wykonania malarstwo dzieli się na olej, temperę, fresk, wosk, mozaikę, witraż, akwarelę, gwasz i pastel. Nazwy te pochodzą od spoiwa lub od sposobu wykorzystania środków materiałowo-technicznych.
Malarstwo olejne zrobione po zetarciu farby oleje roślinne. Gruba farba Po dodaniu oleju lub specjalnych rozcieńczalników i lakierów ulega upłynnieniu. Farba olejna Można pracować na płótnie, drewnie, tekturze, papierze, metalu.
Tempera malowanie odbywa się farbą przygotowaną na bazie żółtka jaja lub kazeiny. Farbę temperową rozpuszcza się w wodzie i nanosi pastą lub płynem na ścianę, płótno, papier, drewno. Na Rusi za pomocą tempery wykonywano malowidła ścienne, ikony i wzory na przedmiotach codziennego użytku. Obecnie temperę wykorzystuje się w malarstwie i grafice, w sztuce dekoracyjnej i użytkowej oraz w projektowaniu artystycznym.
Malowanie alfresko zdobi wnętrza w formie monumentalnych i dekoracyjnych kompozycji nanoszonych na mokry tynk farbami wodnymi. Fresk ma przyjemną matową powierzchnię i jest trwały w warunkach wewnętrznych.
Malowanie woskiem(enkaustyczny) był używany także przez artystów starożytnego Egiptu, o czym świadczą słynne „portrety fajumskie” (I w. n.e.). Spoiwem w malarstwie enkaustycznym jest wosk bielony. Farby woskowe nakłada się w stanie stopionym na podgrzaną bazę, po czym spala się.
Malarstwo mozaikowe lub mozaikę składa się z pojedynczych kawałków smalty lub kolorowych kamieni i mocuje na specjalnym podkładzie cementowym. Przezroczysta smalta, wbijana w podłoże pod różnymi kątami, odbija lub załamuje światło, powodując rozbłyski i migotanie koloru. Mozaiki można spotkać w metrze, we wnętrzach teatrów, muzeów itp. Malarstwo witrażowe to dzieło sztuki zdobniczej, przeznaczone do dekoracji otworów okiennych w dowolnych strukturę architektoniczną. Witraże wykonane są z kawałków kolorowego szkła połączonych ze sobą mocną metalową ramą. Strumień światła przebijający się przez kolorową powierzchnię witrażu rysuje dekoracyjnie efektowne, wielobarwne wzory na podłodze i ścianach wnętrza.
2. MALARSTWO I JEGO GATUNKI
Gatunki malarskie (francuski gatunek - rodzaj, typ) to historycznie ustalony podział dzieł malarskich według tematów i przedmiotów obrazu. We współczesnym malarstwie wyróżnia się następujące gatunki: portret, historyczny, mitologiczny, batalistyczny, codzienny, pejzaż, martwa natura, gatunek zwierzęcy.
Choć pojęcie „gatunku” pojawiło się w malarstwie stosunkowo niedawno, to od czasów starożytnych istniały pewne różnice gatunkowe: wizerunki zwierząt w jaskiniach paleolitycznych, portrety starożytnego Egiptu i Mezopotamii z 3 tys. p.n.e., pejzaże i martwe natury w mozaikach hellenistycznych i rzymskich oraz freski. Kształtowanie się gatunku jako systemu w malarstwie sztalugowym rozpoczęło się w Europie w XV-XV wieku. a zakończył się głównie w XVII wieku, kiedy oprócz podziału sztuk pięknych na gatunki pojawiło się pojęcie gatunków „wysokich” i „niskich”, w zależności od tematyki obrazu, tematu, fabuły.
Gatunek „wysoki” obejmował gatunki historyczne i mitologiczne, a gatunek „niski” obejmował portret, pejzaż i martwą naturę. Ta gradacja gatunków istniała aż do XIX wieku. I tak w XVII wieku w Holandii to właśnie „niskie” gatunki stały się wiodącymi w malarstwie (pejzaż, gatunek codzienny, martwa natura), a portret ceremonialny, który formalnie należał do „niskiego” gatunku portretu, do niego nie należał.
Stając się formą ukazywania życia, gatunki malarstwa, z całą ich stabilnością, cechy wspólne nie są niezmienne, rozwijają się wraz z życiem, zmieniają się wraz z rozwojem sztuki. Niektóre gatunki wymierają lub nabierają nowego znaczenia (np. gatunek mitologiczny), pojawiają się nowe, zwykle w ramach już istniejących (np. gatunek pejzażowy). krajobraz architektoniczny i Mariny). Pojawiają się dzieła, które łączą różne gatunki(na przykład połączenie gatunku codziennego z pejzażem, portretu grupowego z gatunkiem historycznym).
Nazywa się gatunek sztuki pięknej, który odzwierciedla zewnętrzny i wewnętrzny wygląd osoby lub grupy osób portret. Gatunek ten jest szeroko rozpowszechniony nie tylko w malarstwie, ale także w rzeźbie, grafice itp. Główne wymagania dotyczące portretu to renderowanie podobieństwo zewnętrzne i objawienie wewnętrznego świata, istoty charakteru człowieka. Ze względu na charakter obrazu wyróżnia się dwie główne grupy: portrety ceremonialne i kameralne. Portret ceremonialny przedstawia osobę w pełni wzrostu (na koniu, stojącą lub siedzącą), na tle architektonicznym lub krajobrazowym. Portret kameralny wykorzystuje obraz w połowie długości lub do klatki piersiowej na neutralnym tle. Autoportret wyróżnia się w szczególnej grupie – przedstawienie samego siebie przez artystę.
Portret to jeden z najstarszych gatunków sztuki plastycznej, początkowo miał charakter kultowy i utożsamiany był z duszą zmarłego. W starożytnym świecie portret rozwinął się bardziej w rzeźbie, a także w portretach malarskich - portretach Fajum z I - III wieku. W średniowieczu koncepcję portretu zastąpiono uogólnionymi obrazami, chociaż na freskach, mozaikach, ikonach i miniaturach występowały pewne indywidualne cechy w przedstawianiu postaci historycznych. Późny gotyk i renesans to szybki okres rozwoju portretu, kiedy następuje kształtowanie się gatunku portretu, osiągającego wyżyny humanistycznej wiary w człowieka i zrozumienia jego życia duchowego.
Gatunek sztuki poświęcony wydarzeniom i postaciom historycznym nazywa się gatunek historyczny. Gatunek historyczny, charakteryzujący się monumentalnością, od dawna rozwija się w malarstwie ściennym. Od renesansu do XIX wieku. artyści używali tematów starożytna mitologia, Legendy chrześcijańskie. Często prawdziwe wydarzenia historyczne Postacie ukazane na obrazie wypełnione były postaciami alegorycznymi o charakterze mitologicznym lub biblijnym.
Gatunek historyczny przeplata się z innymi - gatunkiem codziennym (sceny historyczne i codzienne), portretem (przedstawienia postaci historycznych z przeszłości, kompozycje portretowo-historyczne), pejzażem („pejzaż historyczny”) i łączy się z gatunkiem bitewnym.
Gatunek historyczny ucieleśnia się w formach sztalugowych i monumentalnych, w miniaturach i ilustracjach. Pochodzący z czasów starożytnych gatunek historyczny łączył prawdziwe wydarzenia historyczne z mitami. W krajach starożytnego Wschodu istniały nawet rodzaje kompozycji symbolicznych (apoteoza zwycięstw militarnych monarchy, przekazanie mu władzy przez bóstwo) oraz narracyjne cykle obrazów i płaskorzeźb. W starożytnej Grecji istniały rzeźby bohaterów historycznych, w starożytnym Rzymie powstawały płaskorzeźby przedstawiające sceny kampanii wojennych i triumfów.
W średniowieczu w Europie wydarzenia historyczne znalazły odzwierciedlenie w miniaturowych kronikach i ikonach. Historyczny gatunek malarstwa sztalugowego zaczął kształtować się w Europie w okresie renesansu, w XVII-XVIII wieku. uznano go za gatunek „wysoki”, podkreślający (tematy religijne, mitologiczne, alegoryczne, historyczne).
Obrazy gatunku historycznego przepełnione były treścią dramatyczną, wysokimi ideałami estetycznymi i głębią relacji międzyludzkich.
Gatunek sztuki pięknej, poświęcony bohaterom i wydarzenia, o których mówią mity starożytnych ludów gatunek mitologiczny(z mitów greckich - legenda). Gatunek mitologiczny styka się z gatunkiem historycznym i nabiera kształtu w okresie renesansu, kiedy starożytne legendy zapewniły bogate możliwości ucieleśniania historii i postaci o złożonym wydźwięku etycznym, często alegorycznym. W XVII wieku -- początek W XIX wieku w dziełach gatunku mitologicznego poszerzył się zakres problemów moralnych i estetycznych, które ucieleśniały się w wysokich ideałach artystycznych i albo przybliżały się do życia, albo tworzyły odświętny spektakl. Z XIX – XX wieku. Popularne stały się motywy mitów germańskich, celtyckich, indyjskich i słowiańskich.
Gatunek bitewny(z francuskiego bataille - bitwa) to gatunek malarstwa należący do gatunku historycznego, mitologicznego i specjalizujący się w przedstawianiu bitew, wyczynów wojskowych, operacji wojskowych, gloryfikacji waleczności wojskowej, wściekłości bitwy i triumfu zwycięstwa. Gatunek bitewny może zawierać elementy innych gatunków - domowego, portretowego, pejzażowego, zwierzęcego, martwej natury.
Nazywa się gatunek sztuki pięknej, który pokazuje sceny z życia codziennego, osobistego, codziennego życia chłopskiego i miejskiego gatunek codzienny. Odwołania do życia i moralności ludzi można już znaleźć w obrazach i płaskorzeźbach starożytnego Wschodu, w starożytnym malarstwie i rzeźbie wazowej, w średniowiecznych ikonach i księgach godzinowych. Jednak gatunek codzienny wyróżnił się i zyskał charakterystyczne formy dopiero jako zjawisko świeckiej sztuki sztalugowej. Jego główne cechy zaczęły kształtować się w XIV - XV wieku. w obrazach ołtarzowych, płaskorzeźbach, gobelinach, miniaturach w Holandii, Niemczech, Francji. W XVI wieku w Holandii gatunek codzienny zaczął się szybko rozwijać i uległ izolacji. Jednym z jej założycieli był Hieronim Bosch.
Na rozwój gatunku codziennego w Europie duży wpływ miała twórczość Pietera Bruegla: przechodzi on do gatunku czysto codziennego, pokazuje, że życie codzienne może być przedmiotem badań i źródłem piękna. Wiek XVII można nazwać wiekiem gatunku codziennego we wszystkich szkołach malarskich Europy.
W XVIII wieku we Francji malarstwo rodzajowe kojarzony z przedstawieniem scen walecznych, „pastoralnych”, staje się wyrafinowany i pełen wdzięku, ironiczny. Prace gatunku codziennego były różnorodne: ukazywały ciepło domowego życia i egzotykę odległych krajów, sentymentalne przeżycia i romantyczne namiętności. W języku rosyjskim intensywnie rozwinął się gatunek codzienny, skupiający się na ukazaniu życia chłopskiego i życia mieszkańca miasta obrazy z XIX wieku c.: na przykład w pracach A.G. Venetsianova, P.A. Fedotova, V.G. Perova, I.E. Repina.
Gatunek sztuki pięknej, w którym najważniejsze jest przedstawienie natury, środowiska, widoków obszary wiejskie, miasta, zabytki, zwany krajobraz(płatność francuska). Występują krajobrazy wiejskie, miejskie, architektoniczne, przemysłowe, morskie (marina) i rzeczne.
W starożytności i średniowieczu pejzaże pojawiają się na obrazach świątyń, pałaców, ikonach i miniaturach. W sztuce europejskiej weneccy malarze renesansu jako pierwsi zwrócili się ku przedstawianiu natury. Od XVI wieku krajobraz staje się niezależnym gatunkiem, kształtują się jego odmiany i kierunki: pejzaż liryczny, heroiczny, dokumentalny. W XIX wieku twórcze odkrycia mistrzów krajobrazu, nasycenie go problematyką społeczną, zagospodarowanie pleneru (przedstawienie przyrody środowisko naturalne) zakończył się osiągnięciami impresjonizmu, który zapewnił nowe możliwości w obrazowym przekazywaniu głębi przestrzennej, zmienności środowiska świetlno-powietrznego i złożoności kolorystyki.
Gatunek sztuki pięknej przedstawiający przedmioty codziennego użytku, pracę, kreatywność, kwiaty, owoce, zabitą zwierzynę, złowione ryby, umieszczone w prawdziwym codziennym środowisku, nazywa się martwa natura(francuski charakter morte - martwa natura). Martwa natura może być obdarzona złożonością znaczenie symboliczne, pełnią rolę panelu dekoracyjnego, stanowią tzw. „sztuczka”, polegająca na iluzorycznym odwzorowaniu rzeczywistych przedmiotów lub postaci, wywołujących efekt obecności prawdziwej natury.
Przedstawianie przedmiotów znane jest w sztuce starożytności i średniowiecza. Ale za pierwszą martwą naturę w malarstwie sztalugowym uważa się obraz weneckiego artysty Jacopo de Barbari „Kuropatwa ze strzałą i rękawiczkami”. Już w XVI wieku martwą naturę podzielono na wiele typów: wnętrze kuchenne z ludźmi lub bez, nakryty stół w wiejskim otoczeniu, „vanitas” z przedmiotami symbolicznymi (wazon z kwiatami, zgaszona świeca, instrumenty muzyczne). Był szczególnie bogaty Holenderska martwa natura skromne w kolorze i przedstawianych rzeczach, ale wykwintne w wyrazistej fakturze przedmiotów, w grze koloru i światła.
Gatunek sztuki przedstawiającej zwierzęta nazywa się gatunek zwierzęcy(od łac. zwierzę - zwierzę). Artysta zwierzęcy zwraca uwagę na cechy artystyczne i figuratywne zwierzęcia, jego zwyczaje, dekoracyjną ekspresję postaci i sylwetki. Często zwierzęta są obdarzone cechami, działaniami i doświadczeniami właściwymi ludziom. Wizerunki zwierząt często można znaleźć w starożytnych rzeźbach i malarstwie wazowym.
WNIOSEK
Podsumowując, podsumujmy powyższe:
Malarstwo dzieli się na monumentalne, dekoracyjne, teatralno-dekoracyjne, miniaturowe i sztalugowe.
Ze względu na technikę i sposób wykonania malarstwo dzieli się na olej, temperę, fresk, wosk, mozaikę, witraż, akwarelę, gwasz i pastel.
We współczesnym malarstwie wyróżnia się następujące gatunki: portret, historyczny, mitologiczny, batalistyczny, codzienny, pejzaż, martwa natura, gatunek zwierzęcy.
Malarstwo historyczne to obrazy pewnych momentów historycznych, a także osób publicznych z przeszłości.
Malowanie bitewne ma na celu uchwycenie bitew, bitew i wojen. Malarstwo mitologiczne przedstawia wydarzenia opisane w mitach, eposach i legendach.
Malarstwo codzienne (rodzajowe) to przedstawienie scen z prawdziwego życia, jego realiów i atrybutów.
Malarstwo pejzażowe (pejzażowe) to obraz naturalnej przyrody lub dowolnego obszaru.
Malarstwo portretowe - obraz artystyczny osoba. Specyficznym typem portretu jest autoportret.
Martwa natura to obraz różnych przedmiotów nieożywionych, na przykład owoców, kwiatów, artykułów gospodarstwa domowego, przyborów kuchennych, umieszczonych w prawdziwym codziennym środowisku i kompozycyjnie zorganizowanych w jedną grupę.
REFERENCJE
1. Batrakova SP Artysta XX wieku. i język malarstwa. M., 1996.
2. Whipper B.R. Wprowadzenie do studium historyczne sztuka. M., Sztuki piękne, 1985
3. Sztuka zachodnia XX wieku. Klasyczne dziedzictwo i nowoczesność. M., 1992.
4. Historia sztuka zagraniczna. M., Sztuki piękne, 1984
5. Historia sztuki światowej. Wydanie III, Wydawnictwo „Akademia”, M., 1998.
6. Od konstruktywizmu do surrealizmu. M., 1996.
7. Polyakov V.V. Historia sztuki światowej. Sztuki piękne i architektura XX wieku. M., 1993.
8. Sadokhin A.P. Kulturologia: teoria i historia kultury: Podręcznik. -- M.: Eksmo, 2007.
9. Współczesna sztuka Zachodu. XX wiek: problemy i trendy. M., 1982.
10. Suzdalev P. O gatunkach malarstwa. // Twórczość, 2004, nr 2, 3. s. 45-49.
Podobne dokumenty
Ogólna charakterystyka, klasyfikacja i typy krajobrazu jako jednego z współczesnych gatunków sztuki. Identyfikacja cech i zależności gatunku pejzażowego w malarstwie, fotografii, kinie i telewizji. Historia powstania sztuki fotograficznej na przełomie XIX i XX wieku.
streszczenie, dodano 26.01.2014
Koncepcja malarstwa sztalugowego jako samodzielnej formy sztuki. Malarstwo koreańskie z okresu Goguryeo. Rodzaje sztuk pięknych i architektury Silla. Wybitni artyści i ich dzieła. Cechy treści koreańskiego malarstwa ludowego.
streszczenie, dodano 06.04.2012
Narodziny sztuki w epoce jaskiniowej. Rozwój sztuki w starożytnej Grecji i Rzymie. Cechy rozwoju malarstwa w średniowieczu, renesansie i baroku. Ruchy artystyczne w sztuce współczesnej. Istota piękna z moralnego punktu widzenia.
artykuł, dodano 16.02.2011
System klasyfikacji sztuki na typy przestrzenne (plastyczne), tymczasowe (dynamiczne), syntetyczne (spektakularne). Rozwój historyczny, cechy i sposoby użytkowania materiały artystyczne w grafice, rzeźbie i malarstwie.
test, dodano 29.01.2010
Studium przedstawicieli włoskiej szkoły malarstwa. Charakterystyka cech głównych rodzajów sztuk pięknych: grafiki sztalugowej i użytkowej, rzeźby, architektury i fotografii. Studium technik i technik pracy z farbami olejnymi.
praca na kursie, dodano 15.02.2012
Portret jako gatunek w malarstwie. Historia malarstwo portretowe. Portret w malarstwie rosyjskim. Konstruowanie kompozycji portretowej. Technika malarstwa olejnego. Podstawa do malowania. Oleisty farby artystyczne i pędzle. Paleta barwników i mieszania farb.
praca magisterska, dodana 25.05.2015
Geneza i rozwój w XVII wieku Sztuka holenderska. Studiując twórczość największych mistrzów niderlandzkiego i niderlandzkiego malarstwa gatunkowego i pejzażowego. Badanie specyficzne cechy takich gatunków jak życie codzienne, portret, pejzaż i martwa natura.
test, dodano 12.04.2014
Martwa natura jako jeden z gatunków sztuk pięknych, zapoznanie z umiejętnościami malarskimi. Cechy stosowania płynnych farb akrylowych. Wprowadzenie do zadań malarskich. Analiza intensywnie ascetycznej sztuki Bizancjum.
praca na kursie, dodano 09.09.2013
Charakterystyka malarstwa wnętrz, które istnieje zarówno jako samodzielny gatunek sztuki, jak i jako tło w dziełach przedstawiających wydarzenia historyczne i codzienne. Analiza cech wnętrz w obrazach mistrzów malarstwa K. Bryullova, I. Repina.
test, dodano 26.08.2011
Charakterystyczne cechy starożytnej sztuki rzymskiej. Historyczne korzenie kultury rzymskiej. Styl malarstwa rzymskiego. Główne kierunki i odmiany starożytnego malarstwa rzymskiego: portrety Fajum, monumentalne malarstwo, Malarstwo etruskie.
). Jednakże na potrzeby tego artykułu rozważymy jedynie sztukę obiektową.
Historycznie rzecz biorąc, wszystkie gatunki dzieliły się na wysokie i niskie. DO wysoki gatunek czy malarstwo historyczne obejmowało dzieła o charakterze monumentalnym, niosące ze sobą pewien rodzaj moralności, sensowny pomysł, przedstawiające wydarzenia historyczne, militarne związane z religią, mitologią lub fikcją.
DO niski gatunek obejmowało wszystko, co wiąże się z życiem codziennym. Są to martwe natury, portrety, obrazy domowe, pejzaże, zwierzęcość, wizerunki nagich ludzi itp.
Animalizm (łac. zwierzę - zwierzę)
Gatunek zwierzęcy powstał w czasach starożytnych, kiedy pierwsi ludzie malowali na skałach drapieżne zwierzęta. Stopniowo ten kierunek przekształcił się w niezależny gatunek, sugerujący wyraziste przedstawienie dowolnych zwierząt. Animaliści zazwyczaj bardzo interesują się światem zwierząt, na przykład mogą być doskonałymi jeźdźcami, hodować zwierzęta lub po prostu przez długi czas studiować swoje nawyki. W zamyśle artysty zwierzęta mogą wyglądać realistycznie lub w formie obrazów artystycznych.
Wśród rosyjskich artystów wielu dobrze znało się na przykład na koniach i. Tak, dalej słynny obraz Bohaterskie konie Wasnetsowa zostały przedstawione z największą umiejętnością: kolory, zachowanie zwierząt, uzdy i ich związek z jeźdźcami są szczegółowo przemyślane. Sierow nie lubił ludzi i pod wieloma względami traktował konie lepszy od człowieka, dlatego często portretował ją w różnych scenach. chociaż malował zwierzęta, nie uważał się za zwierzęciela, więc niedźwiedzie były jego słynny obraz„Rano w las sosnowy” został stworzony przez zwierzęcego K. Savitsky'ego.
W czasach carskich szczególną popularnością cieszyły się portrety ze zwierzętami, które były bliskie człowiekowi. Na przykład na obrazie pojawiła się cesarzowa Katarzyna II ze swoim ukochanym psem. Zwierzęta pojawiały się także na portretach innych rosyjskich artystów.
Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów w gatunku codziennym
Malarstwo historyczne
Gatunek ten obejmuje monumentalne obrazy, które mają na celu przekazanie społeczeństwu wspaniałego planu, prawdy, moralności lub ukazanie znaczących wydarzeń. Znajdują się w nim dzieła o tematyce historycznej, mitologicznej, religijnej, folklorystycznej, a także sceny militarne.
W starożytnych państwach mity i legendy przez długi czas uważano za wydarzenia z przeszłości, dlatego często przedstawiano je na freskach lub wazach. Później artyści zaczęli oddzielać zachodzące wydarzenia od fikcji, która wyrażała się przede wszystkim w obrazie sceny batalistyczne. W starożytnym Rzymie, Egipcie i Grecji sceny bohaterskich bitew często przedstawiano na tarczach zwycięskich wojowników, aby zademonstrować ich triumf nad wrogiem.
W średniowieczu, ze względu na dominację dogmatów kościelnych, dominowała tematyka religijna, w okresie renesansu społeczeństwo zwracało się ku przeszłości głównie w celu gloryfikacji swoich państw i władców, a od XVIII wieku często zwracano się ku temu gatunkowi. w celu wychowania młodzieży. W Rosji gatunek otrzymał rozkład masy w XIX wieku, kiedy artyści często próbowali analizować życie rosyjskiego społeczeństwa.
W twórczości rosyjskich artystów malowanie bitewne został przedstawiony np. i. W swoich obrazach poruszał tematy mitologiczne i religijne. Wśród nich dominowało malarstwo historyczne, wśród nich folklor.
Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku malarstwa historycznego
Martwa natura (francuska natura - natura i morte - martwa)
Ten gatunek malarstwa kojarzony jest z przedstawianiem obiektów nieożywionych. Mogą to być kwiaty, owoce, naczynia, dziczyzna, przybory kuchenne i inne przedmioty, z których artysta często tworzy kompozycję według swojego planu.
Pierwsze martwe natury pojawiły się w krajach starożytnych. W Starożytny Egipt Zwyczajowo przedstawiano ofiary bogom w postaci różnych potraw. Jednocześnie na pierwszym miejscu było rozpoznanie przedmiotu, dlatego starożytni artyści nie przywiązywali szczególnej wagi do światłocienia czy faktury martwych natur. W starożytnej Grecji i Rzymie kwiaty i owoce znajdowano na obrazach oraz w domach do dekoracji wnętrz, dzięki czemu przedstawiano je bardziej autentycznie i malowniczo. Powstanie i rozkwit tego gatunku nastąpiło w XVI i XVII wieku, kiedy martwe natury zaczęły zawierać ukryte znaczenia religijne i inne. Jednocześnie pojawiło się wiele ich odmian, w zależności od tematu obrazu (kwiat, owoc, naukowiec itp.).
W Rosji malarstwo martwej natury rozkwitło dopiero w XX wieku, gdyż wcześniej było wykorzystywane głównie do celów edukacyjnych. Ale rozwój ten był szybki i uchwycony, obejmując sztukę abstrakcyjną ze wszystkimi jej kierunkami. Tworzył na przykład piękne kompozycje z kwiatów, preferował, w nich pracował i często „rewitalizował” swoje martwe natury, dając widzowi wrażenie, że naczynia za chwilę spadną ze stołu lub że wszystkie przedmioty zaczną się obracać .
Na przedmioty przedstawiane przez artystów z pewnością wpływały ich poglądy teoretyczne czy światopoglądowe, stan umysłu. Były to więc przedmioty ukazane według odkrytej przez niego zasady perspektywy sferycznej oraz martwe natury ekspresjonistyczne, zadziwiające swoją dramaturgią.
Wielu rosyjskich artystów wykorzystywało martwą naturę głównie do celów edukacyjnych. Tym samym nie tylko doskonalił swoje umiejętności artystyczne, ale także przeprowadzał wiele eksperymentów, aranżując przedmioty na różne sposoby, pracując ze światłem i kolorem. eksperymentował z kształtem i kolorem linii, czasem odchodząc od realizmu w czysty prymitywizm, czasem mieszając oba style.
Inni artyści łączyli w martwych naturach to, co wcześniej przedstawili, z ulubionymi rzeczami. Na przykład na obrazach można znaleźć jego ulubiony wazon, nuty i stworzony wcześniej portret żony, a także przedstawił swoje ulubione kwiaty z dzieciństwa.
Na przykład wielu innych rosyjskich artystów pracowało w tym samym gatunku i innych.
Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku martwej natury
Akt (francuski akt - nagość, w skrócie nu)
Gatunek ten ma na celu przedstawienie piękna nagiego ciała i pojawił się przed naszą erą. W starożytny świat przywiązywał dużą wagę do rozwoju fizycznego, ponieważ od tego zależało przetrwanie wszystkiego rasa ludzka. Tak więc w starożytnej Grecji sportowcy tradycyjnie rywalizowali nago, aby chłopcy i młodzi mężczyźni mogli zobaczyć swoje dobrze rozwinięte ciała i dążyć do tej samej doskonałości fizycznej. Około VII-VI w. PRZED CHRYSTUSEM mi. Pojawiły się także posągi nagich mężczyzn, uosabiające fizyczną siłę mężczyzny. Przeciwnie, postacie kobiece zawsze były prezentowane publiczności w szatach, ponieważ nie było w zwyczaju eksponowanie kobiecego ciała.
W kolejnych epokach zmieniał się stosunek do nagości. Tym samym w okresie hellenizmu (od końca VI w. p.n.e.) wytrzymałość zeszła na dalszy plan, ustępując miejsca podziwowi dla męskiej sylwetki. W tym samym czasie zaczęły pojawiać się pierwsze nagie postacie kobiece. W epoce baroku kobiety o krągłej sylwetce uważano za idealne, w czasach rokoka zmysłowość stała się najważniejsza, a w XIX-XX w. często zakazano obrazów i rzeźb przedstawiających nagie ciała (zwłaszcza męskie).
Rosyjscy artyści wielokrotnie sięgali w swoich pracach do gatunku aktu. Są to więc tancerze o teatralnych atrybutach, pozujący dziewczęta lub kobiety w centrum monumentalnych scen. Jest tu wiele zmysłowych kobiet, także w parach, jest tu cała seria obrazów przedstawiających nagie kobiety podczas różnych czynności, a to ma dziewczyny pełne niewinności. Niektórzy na przykład przedstawiali zupełnie nagich mężczyzn, chociaż takie obrazy nie były mile widziane przez społeczeństwo tamtych czasów.
Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku aktu
Krajobraz (francuski Paysage, z płatów - teren)
W tym gatunku priorytetem jest przedstawienie środowiska naturalnego lub stworzonego przez człowieka: obszarów naturalnych, widoków miast, wsi, pomników itp. W zależności od wybranego obiektu wyróżnia się krajobrazy naturalne, przemysłowe, morskie, wiejskie, liryczne i inne.
Pierwsze krajobrazy autorstwa starożytnych artystów odkryto w r sztuka naskalna epoki neolitu i były wizerunki drzew, rzek i jezior. Później do dekoracji domu wykorzystano motyw naturalny. W średniowieczu krajobraz został niemal całkowicie zastąpiony motywami religijnymi, a w renesansie wręcz przeciwnie, na pierwszy plan wysunęła się harmonijna relacja człowieka z naturą.
W Rosji malarstwo pejzażowe rozwijało się od XVIII wieku i początkowo było ograniczone (w tym stylu powstawały np. Pejzaże), ale później cała plejada utalentowanych rosyjskich artystów wzbogaciła ten gatunek technikami z różne style i wskazówki. stworzył tzw. pejzaż low-key, czyli zamiast gonić za spektakularnymi widokami, ukazywał najbardziej intymne momenty rosyjskiej przyrody. i doszliśmy do lirycznego pejzażu, który zadziwił publiczność subtelnie oddanym nastrojem.
I to jest epicki krajobraz, w którym widzowi ukazuje się cała wspaniałość otaczającego świata. bez końca zwracał się do starożytności, E. Wołkow wiedział, jak zamienić każdy dyskretny krajobraz w poetycki obraz, zadziwił widza swoim cudownym światłem w krajobrazach i mógł bez końca podziwiać leśne zakątki, parki, zachody słońca i przekazywać tę miłość widzowi.
Każdy z pejzażystów skupiał swoją uwagę na pejzażu, który szczególnie go fascynował. Wielu artystów nie mogło zignorować dużych projektów budowlanych i malowało wiele pejzaży przemysłowych i miejskich. Wśród nich znajdują się dzieła,
W XVII wieku wprowadzono podział gatunków malarskich na „wysokie” i „niskie”. Pierwsza obejmowała gatunki historyczne, batalistyczne i mitologiczne. Do drugiego zaliczały się przyziemne gatunki malarstwa życie codzienne, na przykład gatunek codzienny, martwa natura, malarstwo zwierzęce, portret, akt, pejzaż.
Gatunek historyczny
Gatunek historyczny w malarstwie nie przedstawia konkretnego przedmiotu czy osoby, ale konkretny moment lub wydarzenie, które miało miejsce w historii minionych epok. Jest zawarty w głównym gatunki malarstwa w sztuce. Gatunki portretowe, bitewne, codzienne i mitologiczne często są ściśle powiązane z historycznymi.
„Podbój Syberii przez Ermaka” (1891-1895)
Wasilij Surikow
Artyści Nicolas Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Wasilij Iwanowicz Surikow, Borys Michajłowicz Kustodiew i wielu innych napisali swoje obrazy w gatunku historycznym.
Gatunek mitologiczny
Opowieści, starożytne legendy i mity, folklor- przedstawienie tych tematów, bohaterów i wydarzeń znalazło swoje miejsce w mitologicznym gatunku malarstwa. Być może można go wyróżnić na obrazach dowolnego ludu, ponieważ historia każdej grupy etnicznej jest pełna legend i tradycji. Na przykład taki wątek mitologii greckiej, jak sekretny romans boga wojny Aresa i bogini piękna Afrodyty, jest przedstawiony na obrazie „Parnas” włoskiego artysty Andrei Mantegny.
„Parnas” (1497)
Andrea Mantegna
Mitologia w malarstwie ukształtowała się ostatecznie w okresie renesansu. Przedstawicielami tego gatunku, oprócz Andrei Mantegny, są Rafael Santi, Giorgione, Lucas Cranach, Sandro Botticelli, Wiktor Michajłowicz Wasniecow i inni.
Gatunek bitewny
Malarstwo batalistyczne opisuje sceny z życia wojskowego. Najczęściej ilustrowane są różne kampanie wojskowe, a także bitwy morskie i lądowe. A ponieważ te walki są często brane z prawdziwa historia, wówczas gatunek bitewny i historyczny znajdują tu swój punkt przecięcia.
Fragment panoramy „Bitwa pod Borodino” (1912)
Franza Roubauda
Malarstwo batalistyczne ukształtowało się w okresie włoskiego renesansu w twórczości artystów Michała Anioła Buonarrotiego, Leonarda da Vinci, a następnie Teodora Gericaulta, Francisco Goyi, Franza Alekseevicha Roubauda, Mitrofana Borisowicza Grekowa i wielu innych malarzy.
Gatunek codzienny
Sceny z codziennego, publicznego lub prywatnego życia zwykłych ludzi, czy to miejskiego, czy chłopskiego, są przedstawiane w malarstwie codziennego gatunku. Podobnie jak wiele innych gatunki malarstwa, obrazy codziennego użytku rzadko spotykane są we własnej formie, stając się częścią gatunku portretu lub pejzażu.
„Sprzedawca instrumentów muzycznych” (1652)
Karola Fabriciusa
Początki malarstwa codziennego miały miejsce w X wieku na Wschodzie, a do Europy i Rosji przeniosło się dopiero w XVII-XVIII wieku. Jan Vermeer, Karel Fabricius i Gabriel Metsu, Michaił Szibanow i Iwan Aleksiejewicz Ermenew to najsłynniejsi artyści malarstwa codziennego tego okresu.
Gatunek zwierzęcy
Głównymi obiektami gatunku zwierzęcego są zwierzęta i ptaki, zarówno dzikie, jak i domowe, oraz ogólnie wszyscy przedstawiciele świata zwierząt. Początkowo do gatunków zaliczano sztukę zwierzęcą Malarstwo chińskie, odkąd po raz pierwszy pojawił się w Chinach w VIII wieku. W Europie malarstwo zwierzęce powstało dopiero w okresie renesansu - zwierzęta w tym czasie przedstawiano jako ucieleśnienie ludzkich wad i cnót.
„Konie na łące” (1649)
Paulusa Pottera
Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durer, Frans Snyders, Albert Cuyp – główni przedstawiciele malarstwa zwierzęcego w sztuki piękne.
Martwa natura
Gatunek martwej natury przedstawia przedmioty otaczające osobę w życiu. Są to obiekty nieożywione połączone w jedną grupę. Takie przedmioty mogą należeć do tego samego rodzaju (na przykład na zdjęciu przedstawiono tylko owoce) lub mogą być odmienne (owoce, przybory, instrumenty muzyczne, kwiaty itp.).
„Kwiaty w koszu, motyl i ważka” (1614)
Ambrosius Bosshart Starszy
Martwa natura jako gatunek niezależny ukształtowała się w XVII wieku. Szczególnie wyróżniają się flamandzcy i Szkoła holenderska martwa natura. Przedstawiciele różnych stylów malowali swoje obrazy w tym gatunku, od realizmu po kubizm. Niektóre z najbardziej słynne martwe natury namalowali malarze Ambrosius Bosschaert Starszy, Albertus Jonah Brandt, Paul Cezanne, Vincent Van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Willem Claes Heda.
Portret
Portret to gatunek malarstwa, który jest jednym z najpowszechniejszych w sztukach plastycznych. Celem portretu w malarstwie jest przedstawienie osoby, ale nie tylko jej wyglądu, ale także przekazanie wewnętrzne uczucia i nastrój portretowanej osoby.
Portrety mogą być pojedyncze, parowe, grupowe, a także autoportret, który czasami wyróżnia się jako odrębny gatunek. I większość słynny portret Być może wszech czasów jest obraz Leonarda da Vinci zatytułowany „Portret Madame Lisa del Giocondo”, znany wszystkim jako „Mona Lisa”.
„Mona Lisa” (1503-1506)
Leonarda da Vinci
Pierwsze portrety pojawiły się tysiące lat temu w starożytnym Egipcie – były to wizerunki faraonów. Od tego czasu większość artystów wszech czasów próbowała się w tym gatunku w taki czy inny sposób. Gatunki malarstwa portretowego i historycznego również mogą się krzyżować: przedstawienie wielkiego postać historyczna zostanie uznane za dzieło o charakterze historycznym, choć jednocześnie oddaje wygląd i charakter tej osoby jako portret.
Nagi
Celem gatunku aktu jest ukazanie nagiego ludzkiego ciała. Okres renesansu uważany jest za moment powstania i rozwoju tego rodzaju malarstwa, a głównym przedmiotem malarstwa stawało się wówczas najczęściej ciało kobiece, które ucieleśniało piękno epoki.
„Koncert wiejski” (1510)
tycjanowski
Tycjanowski, Amedeo Modiglianiego, Antonio da Correggio, Giorgione, Pablo Picasso to najsłynniejsi artyści malujący akty.
Sceneria
Tematem przewodnim gatunku krajobrazu jest przyroda, środowisko - miasto, wieś czy dzicz. Pierwsze pejzaże pojawiły się już w starożytności podczas malowania pałaców i świątyń, tworzenia miniatur i ikon. Krajobraz zaczął wyłaniać się jako niezależny gatunek w XVI wieku i od tego czasu stał się jednym z najpopularniejszych gatunków. gatunki malarstwa.
Jest obecny w twórczości wielu malarzy, począwszy od Petera Rubensa, Aleksieja Kondratievicha Savrasova, Edouarda Maneta, poprzez Izaaka Iljicza Lewitana, Pieta Mondriana, Pabla Picassa, Georgesa Braque'a, a skończywszy na wielu współczesnych artystach XXI wieku.
« Złota jesień„(1895)
Izaak Lewitan
Wśród malarstwa pejzażowego można wyróżnić takie gatunki jak pejzaże morskie i miejskie.
Weduta
Weduta to krajobraz, którego celem jest przedstawienie wyglądu obszaru miejskiego oraz przekazanie jego piękna i smaku. Później, wraz z rozwojem przemysłu, krajobraz miejski zamienia się w krajobraz przemysłowy.
„Plac św. Marka” (1730)
Canaletto
Pejzaż miejski można docenić zapoznając się z twórczością Canaletta, Pietera Bruegla, Fiodora Jakowlewich Aleksiejewa, Sylwestra Feodosiewicza Szczedrina.
Marina
Pejzaż morski lub przystań przedstawia naturę elementu morza, jego wielkość. Najbardziej znanym malarzem morskim na świecie jest chyba Iwan Konstantinowicz Aiwazowski, którego obraz „Dziewiąta fala” można nazwać arcydziełem malarstwa rosyjskiego. Rozkwit mariny nastąpił jednocześnie z rozwojem krajobrazu jako takiego.
„Żaglówka podczas burzy” (1886)
Jamesa Butterswortha
z własnymi pejzaże morskie znani są także Katsushika Hokusai, James Edward Buttersworth, Alexey Petrovich Bogolyubov, Lev Felixovich Lagorio i Rafael Monleon Torres.
Jeśli chcesz dowiedzieć się jeszcze więcej o powstaniu i rozwoju gatunków malarskich w sztuce, obejrzyj poniższy film:
Weź to dla siebie i powiedz swoim znajomym!
Przeczytaj także na naszej stronie:
Pokaż więcej
Style malarskie to temat bardzo szeroki, można by rzec wieczny. Ludzie często używają terminów, których nie do końca rozumieją, co powoduje zamieszanie i zamieszanie. Dlatego chcę krótko i jasno opowiedzieć Wam wszystko, co wiem o trendach w malarstwie. Aby nie zamienić artykułu w nudną lekcję historii, zwięźle opowiem o najbardziej popularnych i aktualnych obszarach dzisiaj. Style malowania z ilustracjami - wygodne i szybki sposób zapoznaj się z najważniejszymi nurtami w sztukach plastycznych.
gotyk
„Ołtarz rodziny Merode”. Roberta Campina. 1430.
gotyk to ruch w sztuce, który objął swoim zasięgiem wszystkie kraje Europy Zachodniej i Środkowej. Wtedy gotyk był we wszystkim - w rzeźbie, malarstwie, witrażach itp. używano go wszędzie, gdzie się dało, nastąpił „boom kulturowy”. Popularność ta wynika z najnowszego kroku w ewolucji sztuki średniowiecznej. Centrum i główna postać styl gotycki była architektura - wysokie łuki, witraże, mnóstwo detali. Epoka rzymska nie wytrzymała takiego ataku i pozostała na uboczu historii.
Lata: 1150 - 1450.
Bartolo di Fredi, Giotto, Jan Polak, Jan van Eyck.
Renesans (renesans)
„Pokutująca Maria Magdalena”. Tycjanowski. lata 60. XVI w.
Renesans powstał w wyniku upadku Cesarstwa Bizantyjskiego i przewrotu kulturowego, jaki miał miejsce przy tej okazji w Europie. Bizantyjczycy zmuszeni do ucieczki wraz z więzami kulturowymi sprowadzili na ziemie Europy dzieła sztuki i biblioteki. Nastąpiło zatem swego rodzaju odrodzenie poglądów antycznych, ale w nowoczesny sposób. Na przestrzeni lat wiele punktów zostało zweryfikowanych i zakwestionowanych. Ogólnie panował świecki humanizm i idee dobrobytu.
Lata: 1400 - 1600.
Hieronim Bosch, Leonardo da Vinci, Tycjan.
Barokowy
„Judyta i Holofernes”. Caravaggia. 1599
Barokowy— Europejski dziedzictwo kulturowe pierwotnie z Włoch. Charakteryzuje się ironicznym, złośliwym pięknem, nienaturalną elitarnością i pretensjonalnością. Cechami charakterystycznymi takich obrazów jest wysoki kontrast, napięcie fabuły i naciągnięta do granic możliwości dynamika postaci. Za kwintesencję baroku uważany jest znajdujący się w Rzymie kościół Santa Maria della Vittoria.
Lata: 1600-1740.
Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Jan Vermeer.
Klasycyzm
„Miłosierdzie Scypiona Afrykańskiego”. Pompeo Batoni. 1772
Klasycyzm odegrał ogromną rolę w sztuce, jako podstawowy nurt w malarstwie XVIII wieku. Już sama nazwa wyjaśnia wszystko (łac. classicus oznacza wzorowy, wzorowy).
Artyści postawili sobie za cel wprowadzenie widza w wzniosłość, a ich obrazy były gwiazdą przewodnią. Wysoka moralność, powściągliwa kultura i tradycyjne starożytne wartości stały się podstawą klasycyzmu. W epoce klasycyzmu w Europie nastąpił rozwój kulturowy i przewartościowanie wartości, sztuka osiągnęła zupełnie inny poziom.
Lata: 1700 - 1800.
Karl Bryullov, Jean-Baptiste Greuze, Poussin Nicolas.
Realizm
„Wędrujący akrobaci” Gustaw Dore. 1874
Realizm stara się z największą autentycznością oddać na płótnie nastrój chwili, chwili realności. Ale z kolei nie jest ograniczony wyraźnymi granicami; jedyną zasadą jest to, że w obrazie nie powinno być miejsca na rzeczy wykluczające realizm. W trakcie eksperymentów pod koniec XVIII wieku styl ten został podzielony na naturalizm i impresjonizm. Ale realizm przetrwał i jest popularny nawet we współczesnym malarstwie.
Lata: 1800 - 1880.
Williama Bouguereau, Gustave’a Courbeta, Jean-François Milleta.
Impresjonizm
"Wrażenie. Wschodzące słońce.” Claude’a Moneta. 1872
Impresjonizm wywodzi się z Francji, koncepcję tę wprowadził Louis Leroy. Impresjoniści pracujący w tym stylu chcieli uchwycić drugie wrażenie każdego przedmiotu lub chwili, którą malowali tu i teraz, niezależnie od formy i znaczenia. Obrazy pokazywały wyłącznie pozytywne i jasne chwile i chwile. Ale później na tej podstawie zaczęły się nieporozumienia wśród impresjonistów; z biegiem czasu pojawili się mistrzowie, na których mogli być pod wrażeniem problemów społecznych, głodu i chorób. Jednak impresjonizm jest miły i pozytywny styl obraz, który pokazuje dobre i jasne chwile.
Lata: 1860 - 1920.
Claude Monet, Edouard Manet i Edgar Degas.
Postimpresjonizm
„Autoportret w szarym filcowym kapeluszu III”. Vincenta Van Gogha. 1887
Postimpresjonizm pochłonęło wielu różne style i technik. Europejscy mistrzowie o świeżych poglądach na malarstwo zrodzili nowe trendy i aktywnie próbowali odejść od nudnego wówczas impresjonizmu i realizmu.
Lata: 1880 - 1920.
Vincenta Van Gogha, Paula Gauguina i Rodericka O’Conora.
Puentylizm
„Rio San Trovaso. Wenecja". Henriego Edmonda Crossa. 1904
Puentylizm(punkt - kropka) - kierunek stylistyczny w malarstwie, czyli ten sam impresjonizm, tylko w innej skorupie. Zamiast postrzępionych linii zastosowano kształty kropkowane lub prostokątne. Artyści zrezygnowali także z mieszania kolorów na palecie, nadawali na płótno czyste kolory i mieszali je bezpośrednio na płótnie, nie stykając się ze sobą.
Lata: 1885 - 1930.
Henri Edmond Cross, Georges Seurat, Paul Signac.
Modernizm
„Motyle z bliska”. Odilona Redona. 1910
Modernizm - ogólna charakterystyka wszystkie gatunki i style w malarstwie od 1850 do 1950 roku. Obejmuje takie nurty w malarstwie jak impresjonizm, ekspresjonizm, neo- i postimpresjonizm, fowizm, kubizm, futuryzm, sztuka abstrakcyjna, Dadaizm, surrealizm i wiele innych. Istnienie tych stylów oznacza całkowite odejście sztuk pięknych od akademizmu. Po opuszczeniu akademizmu śledzenie wszystkich trendów i stylów, które ukształtowały się i nadal kształtują, stało się prawie niemożliwe.
Lata: 1850 - 1950.
Salvador Dali, Kazimierz Malewicz, Auguste Renoir i wielu innych.
Akademicyzm
Akademicyzm- kierunek w sztuce kierujący się zasadami i zwyczajami starożytności i renesansu. Akademicyzm stara się narzucić jasne podstawy i granice, wykluczając fantazję i twórczą ucieczkę. Zamiast tego nacisk położony jest na poprawę braków, „szorstkości” natury – ukrywanie lub eliminowanie. Udoskonalanie rzeczywistości w stronę pięknej percepcji jest istotą akademizmu. Fabuła często zaczerpnięta jest z mitologii starożytnej, wykorzystuje się także motywy biblijne i historyczne.
Lata: 1500 - dzisiaj.
Karl Bryullov, William Bouguereau, Fiodor Bruni.
Prymitywizm
„W kuchni” Epifaniy Drovnyak. 1940~
Prymitywizm- celowe uproszczenie obrazu do tego stopnia, aby sprawiał wrażenie dzieła dziecka. Prymitywizmowi można przypisać różne rysunki i ilustracje ludowe. Tylko na pierwszy rzut oka obrazy wydają się proste i absurdalne. Ale jeśli przyjrzysz się uważnie, zobaczysz prawidłowe proporcje i zgodność z zasadami horyzontu i kompozycji. Większość znanych mistrzów prymitywizmu i sztuki naiwnej była wielkimi wielbicielami historii swojego ludu i kultury. Dlatego wszystkie ich obrazy są bogate w kolorystykę obszaru, w którym żyli. Dziś ten gatunek przekształcił się w sztuka naiwna, często zmieszanych z symboliką. Wynika to z faktu, że współczesny widz nie jest gotowy na postrzeganie prymitywizmu w czystej postaci.
Lata: 1900 - dzisiaj.
Trzech Króli Drovnyak, Henri Rousseau, Niko Pirosmanishvili.
Kubizm
„Siedząca kobieta w niebieskiej sukience”. Pabla Picassa. 1939
Kubizm to ruch modernizmu, często używany w odniesieniu do malarstwa i sztuk pięknych. Mistrzowie podzielili swoje przedmioty na geometryczne kształty, nadając każdemu unikalnemu elementowi własny, gęsty sektor.
Lata: 1906 - 1925.
Pablo Picasso, Fernand Léger, Robert Delaunay.
Surrealizm
„Trwałość pamięci”. Salvadora Dali. 1931
Surrealizm to mieszanie snów z rzeczywistością. W tym stylu artyści uwalniali swoje marzenia na zewnątrz, mieszając ze sobą obrazy z prawdziwego życia, łącząc rzeczy nieprzystające do siebie. Poruszono także osobiste tematy snów – lęki, sekretne pragnienia, nieświadome fantazje, kompleksy. Wszystko, co człowiek może zobaczyć w swoich snach. Dziś surrealiści kopiują zewnętrzną powłokę, posługując się wyłącznie pięknymi formami, nie zaszczepiając w nich znaczenia charakterystycznego dla mistrzów przeszłości.
Lata: 1920 - dzisiaj.
Salvadora Dali, Maxa Ernsta i Rene Magritte’a.
Abstrakcjonizm
„Żółty czerwony niebieski”. Wasilija Kandinsky’ego. 1925
Abstrakcjonizm- kierunek w sztuce, w którym odmówiono przedstawiania rzeczywistości i poprawności form. Głównym celem jest przedstawienie wielu kolorowych kształtów, które razem mogą opowiedzieć historię obrazu. Za kolebkę sztuki abstrakcyjnej uważa się Rosję i Amerykę.
Lata: 1910 - dzisiaj.
Wassily Kandinsky, Kazimierz Malewicz, Piet Mondrian.
Ekspresjonizm
"Krzyk." Edwarda Muncha. 1893
Ekspresjonizm stawia sobie jedno zadanie: przekazać to, co czuł autor obrazu w chwili jego pisania. Artyści reprezentujący ten styl chcą wyrazić siebie i swoje uczucia, dlatego ekspresjonizm jest antypodą impresjonizmu, w którym nacisk położony jest na ekspresję czysto zewnętrznej powłoki. Ekspresjonistów charakteryzuje skłonność do mistycyzmu, pesymizmu i przygnębienia.
Lata: 1890 - dzisiaj.
Egona Schiele, Karla Eugena Kehla, Jerzego Hulewicza.
Pop-art
„Zielone butelki Coca-Coli”. Andy’ego Warhola. 1962
Pop-art — Nowoczesny styl w sztuce za pomocą symboli kultura popularna i produkty konsumenckie. Pomagał manipulować i łączyć obiekty nowoczesne technologie z tego powodu pop-art był często krytykowany przez strażników starej szkoły. Z biegiem czasu pop-art wchłonął wiele nurtów w malarstwie.
Lata: 1950 - 1980.
Andy’ego Warhola, Davida Hockneya i Roberta Rauschenberga.
Minimalizm
Gran Kair. Franka Stellę. 1962
Minimalizm powinny minimalizować ingerencję autora w otoczenie. Minimalizm oznacza tylko najwięcej ważne punkty. Jej korzenie sięgają konstruktywizmu, suprematyzmu i Dadaizmu. Jest to bardzo kontrowersyjny gatunek malarstwa, ze względu na zbyt minimalistyczne poglądy niektórych autorów tego stylu. Dziś minimalistyczne trendy w malarstwie zmieniają się niezwykle szybko.
Lata: 1960 - dzisiaj.
Franka Stelli, Carla Andre i Sola LeWitta.
Hiperrealizm
"Owoce". Jacques’a Bodina. 2016
Hiperrealizm pojawiło się w związku z popularyzacją fotografii; artyści byli zainteresowani konkurowaniem z fotografami. Hiperrealiści tworzą alternatywną rzeczywistość, realistyczną iluzję.
Lata: 1970 - dzisiaj.
Gnoli, Gerhard Richter, Delkol.
To wszystkie kierunki w malarstwie
Tyle mogłam i chciałam powiedzieć na ten temat 😉 Tak naprawdę kierunków w malarstwie jest o wiele więcej i rozwijane są one mimowolnie dosłownie każdego dnia. W tym artykule chciałem porozmawiać o tych najpopularniejszych i najbardziej wpływowych. Jeśli spodobał Ci się materiał, udostępnij go w sieciach społecznościowych, wspólnie rozwijajmy sztukę. Dziękuję wszystkim za wsparcie!
Malarstwo to rodzaj sztuki pięknej, polegający na tworzeniu obrazów i płócien, które najpełniej i jak najbardziej oddają rzeczywistość.
Dzieło sztuki wykonane farbami (olejnymi, temperowymi, akwarelowymi, gwaszami itp.) naniesionymi na dowolne twarda powierzchnia, nazywa się malarstwem. Głównym środkiem wyrazu malarstwa jest kolor, jego zdolność do wywoływania różnych uczuć i skojarzeń wzmacnia emocjonalność obrazu. Artysta zazwyczaj rysuje na palecie kolor niezbędny do malowania, a następnie na płaszczyźnie malarskiej zamienia farbę w kolor, tworząc porządek kolorystyczny – kolorowanie. W zależności od charakteru zestawień kolorystycznych, może być ciepły i zimny, wesoły i smutny, spokojny i napięty, jasny i ciemny.
Obrazy na obrazie są bardzo wizualne i przekonujące. Malarstwo jest w stanie przekazać objętość i przestrzeń, naturę na płaszczyźnie, odsłaniając złożony świat ludzkich uczuć i postaci, ucieleśniając uniwersalne idee, wydarzenia z przeszłości historycznej, obrazy mitologiczne i loty fantazji.
W przeciwieństwie do malarstwa jako niezależnego rodzaju sztuki plastycznej, podejście (metoda) obrazkowe może być stosowane w innych jego odmianach: w rysunku, grafice, a nawet w rzeźbie. Istota podejścia obrazkowego polega na przedstawieniu obiektu w relacji z otaczającym go przestrzennym środowiskiem świetlno-powietrznym, w delikatnej gradacji przejść tonalnych.
Różnorodność przedmiotów i wydarzeń z otaczającego świata, blisko
zainteresowanie artystów nimi doprowadziło do pojawienia się w XVII w.
XX wieki gatunki malarstwa: portret, martwa natura, pejzaż, zwierzęcy, codzienny (malarstwo rodzajowe), mitologiczny, historyczny, batalistyczny. W dziełach sztuki może występować kombinacja gatunków lub ich elementów. Na przykład martwa natura lub krajobraz mogą z powodzeniem uzupełniać obraz portretowy.
Według technik technicznych i stosowanych materiałów malarstwo można podzielić na następujące rodzaje: olej, tempera, wosk (enkaustyka), emalia, klej, farby wodne na mokrym tynku (fresk) itp. W niektórych przypadkach trudno jest oddzielić malarstwo od grafiki. Prace wykonane akwarelą, gwaszem i pastelami mogą odnosić się zarówno do malarstwa, jak i grafiki.
Malowanie może być jednowarstwowe, wykonywane od razu lub wielowarstwowe, obejmujące podmalowanie i szkliwienie, nakładanie warstw farby transparentnej i półprzezroczystej na wyschniętą warstwę farby. Pozwala to uzyskać najdrobniejsze niuanse i odcienie kolorów.
Ważnymi środkami wyrazu artystycznego w malarstwie są, oprócz koloru (koloru), plama i charakter kreski, obróbka powierzchni farby (faktura), walory ukazujące subtelne zmiany tonu w zależności od oświetlenia, refleksy powstają w wyniku interakcji sąsiadujących kolorów.
Konstrukcja objętości i przestrzeni w malarstwie wiąże się z perspektywą liniową i zwiewną, przestrzennymi właściwościami ciepłych i zimnych barw, modelowaniem formy światłem i cieniem oraz przeniesieniem ogólnej tonacji kolorystycznej płótna. Aby stworzyć obraz, oprócz koloru, potrzebujesz dobry rysunek i wyrazista kompozycja. Artysta z reguły pracę na płótnie rozpoczyna od poszukiwania najskuteczniejszego rozwiązania w szkicach. Następnie w licznych malowniczych szkicach z życia on
opracowuje niezbędne elementy kompozycji. Pracę nad obrazem można rozpocząć od narysowania kompozycji pędzlem, podmalowania i
bezpośrednie malowanie płótna za pomocą tego lub innego środka obrazowego. Co więcej, nawet szkice przygotowawcze i szkice mają czasami niezależne znaczenie artystyczne, zwłaszcza jeśli należą do pędzla znany malarz. Malarstwo to bardzo stara sztuka, która ewoluowała na przestrzeni wieków od paleolitycznych malowideł naskalnych po najnowsze trendy w malarstwie XX wieku. Malarstwo ma szerokie możliwości realizacji idei od realizmu po abstrakcjonizm. W trakcie jego rozwoju zgromadzono ogromne skarby duchowe. W czasach starożytnych pojawiło się pragnienie odtworzenia prawdziwego świata tak, jak go widzi człowiek. Spowodowało to pojawienie się zasad światłocienia, elementów perspektywy i pojawienie się obrazów wolumetryczno-przestrzennych. Otworzyły się nowe możliwości tematyczne przedstawiania rzeczywistości za pomocą środków obrazowych. Malarstwo służyło do ozdabiania świątyń, mieszkań, grobowców i innych budowli, stanowiąc artystyczną jedność z architekturą i rzeźbą.
Malarstwo średniowieczne miało głównie treści religijne. Wyróżniała się ekspresją dźwięcznych, głównie lokalnych barw i wyrazistością konturów.
Tło fresków i obrazów z reguły było konwencjonalne, abstrakcyjne lub złote, ucieleśniające boską ideę w jej tajemniczym migotaniu. Symbolika kolorów odegrała znaczącą rolę.
W okresie renesansu poczucie harmonii wszechświata, antropocentryzm (człowiek w centrum wszechświata) znalazło odzwierciedlenie w kompozycjach malarskich o tematyce religijnej i mitologicznej, w portretach, scenach codziennych i historycznych. Wzrosła rola malarstwa, rozwijając oparty na nauce system perspektywy liniowej i powietrznej, światłocienia.
Pojawiło się malarstwo abstrakcyjne, które oznaczało porzucenie figuratywności i aktywne wyrażanie osobistego stosunku artysty do świata, emocjonalności i umowności koloru, przesady i geometryzacji
formy, dekoracyjność i skojarzalność rozwiązań kompozycyjnych.
W XX wieku Poszukiwania nowych barw i technicznych środków tworzenia obrazów trwają, co niewątpliwie doprowadzi do pojawienia się nowych stylów w malarstwie, jednak malarstwo olejne nadal pozostaje jedną z najbardziej ulubionych technik artystów.