1. Proces historyczny rozwój malarstwa holenderskiego XVII wieku
Można śmiało powiedzieć, że w żadnym innym kraju malarstwo nie przeżyło wcześniej tak szybkiego i intensywnego rozwoju, nie miało tak wyjątkowego rozpowszechnienia, tak niesamowitej popularności i tak głęboko nie wkroczyło w życie najszerszych warstw społeczeństwa. W krótkim czasie, w ciągu zaledwie pół wieku, pojawia się niezliczona liczba malarzy; wybitnych artystów jest dziesiątki. Zawód malarstwa traci swoją ekskluzywność i staje się jednym z najpowszechniejszych. Obrazy nabywają najszersze warstwy społeczeństwa – nie tylko szlachta i przedstawiciele wielkiej burżuazji, ale także biedni mieszczanie, rzemieślnicy, a nawet zamożni chłopi. Domy mieszczan były pełne obrazów, mało znani ludzie posiadali najcenniejsze zbiory. Tak szeroką dystrybucję obrazów ułatwiła ich niesamowita obfitość, a co za tym idzie, ekstremalna taniość. Obrazy sprzedawano nie tylko za pośrednictwem licznych sprzedawców, ale także na specjalnych aukcjach i jarmarkach wiejskich; Sami artyści bardzo często używali swoich dzieł jako środka płatniczego przy dokonywaniu płatności pieniężnych.
Należy jednak mieć na uwadze, że obfitość i szerokie rozpowszechnienie dzieł sztuki tłumaczono nie tylko ogólnym rozkwitem gospodarczym i kulturalnym kraju oraz naturalną chęcią przedstawicieli klas zamożnych do ozdabiania swoich domów dziełami sztuki sztuka. W szybko rozwijającym się społeczeństwie kapitalistycznym kształtuje się nowe podejście do sztuki. Obrazy ceni się nie tylko jako wyjątkowe, niepowtarzalne dzieła sztuki, ale także jako aktywa materialne, jako dobro; służą do inwestowania pieniędzy i spekulacji. Artysta w Holandii nie był już w takim stopniu jak w innych krajach zależny od zamówień dworu królewskiego, szlacheckich panów feudalnych, kościoła czy wreszcie zamożnych mecenasów sztuki. Holenderski malarz pracuje przede wszystkim na rynek; jest tym samym sprzedawcą swoich towarów, co kupiec czy rzemieślnik. Formalnie holenderski artysta jest wolny w swojej sztuce, jednak popyt rynkowy, odzwierciedlający gusta klasy rządzącej, z góry przesądził o zależności artysty od społeczeństwa burżuazyjnego. Historia sztuki holenderskiej wielokrotnie pokazała, jak mistrz sprzeciwiający się panującym gustom był skazany na biedę i śmierć.
Holenderscy artyści to zazwyczaj synowie rzemieślników, handlarzy i urzędników; Często też postrzegali zawód malarza jako spadek po ojcach i dziadkach. Malarstwo ze względu na konkurencję, spadające ceny i brak popytu nie zawsze mogło je wspierać, a artyści musieli szukać dodatkowego źródła dochodu w innym zawodzie. I tak na przykład Jacob van Ruisdael był lekarzem, Sten karczmarzem, Hobbema urzędnikiem akcyzowym, a Vermeer pod koniec życia zajmował się malarstwem.
W sztuce holenderskiej istniało wiele różnych kierunki artystyczne, zwykle kojarzony z określonymi ośrodkami artystycznymi. Powstawanie szkół artystycznych w niektórych holenderskich miastach tłumaczono różnymi przyczynami, przede wszystkim specyfiką rozwoju poszczególnych ośrodków kulturalnych. Zatem w katolickim Utrechcie malarze byli pod silnym wpływem Sztuka włoska natomiast w miastach charakteryzujących się szybkim rozwojem kapitalizmu i kultury burżuazyjnej zatriumfowały nowe kierunki charakter narodowy. Niebagatelne znaczenie w powstaniu szkół artystycznych mieli najwięksi malarze holenderscy, skupiający wokół siebie dużą liczbę uczniów i naśladowców; Tak powstała szkoła Fransa Halsa w Haarlemie, szkoła Rembrandta w Amsterdamie i tak ich zwolennicy zjednoczyli się wokół Fabriciusa i Vermeera w Delft. Pewne znaczenie miały wreszcie tradycje artystyczne zakorzenione w poszczególnych ośrodkach. Nie należy jednak przesadzać z izolacją tych szkół artystycznych; w Holandii, gdzie wiele miast położonych jest w niewielkiej odległości od siebie, a malarze często zmieniali lokalizację, istniały bliskie relacje między artystami różnych szkół.
Historyczny proces rozwoju malarstwa holenderskiego XVII wieku można podzielić na trzy główne etapy: okres powstawania (1609-1640), okres rozkwitu (1640-1670) i okres upadku (po 1670).
Okres powstawania malarstwa holenderskiego charakteryzował się różnorodnością ruchów artystycznych, rozwijających się równolegle lub wzajemnie przeplatających się i walczących ze sobą. Nowe nurty postępowe już w momencie pojawienia się zmuszone są torować drogę uporczywej walce z ruchami konserwatywnymi, które pojawiły się pod koniec XVI wieku – głównie z akademizmem i manieryzmem.
Pierwsza ćwierć XVII wieku była dla malarstwa niderlandzkiego okresem przejściowym, kiedy wymienione powyżej cechy nie osiągnęły jeszcze pełnego rozwoju i następowało stopniowe kształtowanie się narodowej szkoły sztuk pięknych. Tematycznie główne rodzaje malarstwa holenderskiego – pejzaż i życie codzienne – były nadal słabo zróżnicowane. Elementy gatunkowe i pejzażowe w obrazach tamtych czasów są często równoważne. W przedstawianiu przyrody panuje duża konwencja, zarówno w ogólnej konstrukcji krajobrazu, jak i kolorystyce.
Główne cechy szkoły holenderskiej pojawiają się konsekwentnie i wyraźnie w niezwykle rozwiniętym krajobrazie tej szkoły. Artyści porzucili tradycyjny schemat panoramicznego pejzażu z wysoką linią horyzontu, obejmującą wiele różnorodnych motywów, na rzecz prostych, niewyszukanych widoków rodzimej przyrody. Z drugiej strony stworzyli pejzaż we właściwym tego słowa znaczeniu, odróżniając go od istniejących wcześniej kompozycji pejzażowo-rodzajowych.
Krajobraz holenderski wszedł w okres dojrzałości około 1630 roku. Mniej więcej następne dwadzieścia lat charakteryzuje się niezwykłą prostotą ogólnej koncepcji i brakiem jakiejkolwiek dekoracyjności. Dla przeciętnego holenderskiego artysty tamtych czasów nie ma skutecznych i nieefektywnych motywów natury. Z miłością i prawdą uwiecznia to, co najzwyklejsze, a jednocześnie typowe dla swojej ojczyzny: pustynne wydmy, skromne wioski, kanały, po których płyną cicho rybackie łodzie, czy te same kanały zimą animowane przez łyżwiarzy.
Płaska przyroda Holland zdeterminowała także typowy schemat konstruowania pejzażu dla jej malarstwa, który nie jest ograniczony niczym na krawędziach, ma bardzo niski horyzont i ponad dwie trzecie powierzchni malarskiej poświęca niebu. Szaroniebieskie, mgliste lub niosące ogromne chmury, to niebo stwarza wrażenie nieskończonej przestrzeni i porządkuje pozostałe części kompozycji w jedną całość. Organizację tej jedności ułatwia także wyjątkowa umiejętność holenderskich mistrzów przekazywania światła, wilgotnego powietrza i łagodzenia wszelkiej surowości konturów przedmiotów. Dbałość o zjawiska atmosferyczne wreszcie uczy Holendrów unikania kwiecistych kolorów. Uporządkując go całościowej, nieco neutralnej tonacji, osiągają ostateczne zespolenie wszystkich elementów krajobrazu i malarską integralność w przedstawieniu natury.
Pod koniec XVII wieku sztuka holenderska przeżywała kryzys, a tendencje realistyczne słabły. Coraz większą rolę odgrywają wpływy zagraniczne, zwłaszcza francuskie i włoskie. Niewielu malarzy pozostaje na swoich dotychczasowych stanowiskach, ale ich sztuka nie osiąga poziomu mistrzów epoki świetności.
Panel dekoracyjny do malowania ścian
Krajobraz, jak każde dzieło sztuki, odzwierciedlał ideały i idee ludzi. Obraz natury był dla różnych artystów pojemnikiem na różne treści. Zadecydowała o tym epoka, która zrodziła ten czy inny ruch artystyczny...
Złoty wiek malarstwo hiszpańskie. Twórczość Diego Velazqueza
Strój historyczny z Holandii z XVII wieku
W historii Tradycja europejska modelowanie wyraźnie identyfikuje kilka znaczących źródeł zapożyczeń i interpretacji przy tworzeniu nowych form modnego stroju...
Krajobraz Kubania
Przetłumaczone z francuskie słowo„krajobraz” (paysage) oznacza „naturę”. Tak nazywa się ten gatunek w sztuce pięknej, główne zadanie czyli reprodukcja natury naturalnej lub zmodyfikowanej przez człowieka. Oprócz...
Subkultura młodzieżowa
Gotowie (angielski Goths, z angielskiego gotyk oznacza barbarzyński, niegrzeczny) to subkultura, która powstała pod koniec lat 70. XX wieku w Wielkiej Brytanii na gruncie ruchu punkowego. Subkultura gotycka jest dość różnorodna i niejednorodna...
Wizerunek Newskiego Prospektu w malarstwie i grafice rosyjskich artystów XIX wieku
Ikonografia Petersburga jest bogata. Historia całej Rosji i jej kultury ukazuje się w powiązaniu z Petersburgiem z bardzo nietypowej perspektywy, zwracając uwagę na miasto, jego architekturę i życie...
Optymalne metody konserwacji i restauracji dzieł sztalugowych malarstwo olejne
Paleta barw poprzednich wieków uległa niemal całkowitej zmianie w XIX wieku. - wiek szybkiego rozwoju przemysłu chemicznego. Ale ten sam asortyment materiały artystyczne jest nadal produkowany w następnym, XX wieku...
Cechy portretu w twórczości K.A. Korovin na przykładzie dwóch dzieł „Dama z lampą” i „Dwie panie na tarasie”
Sceneria
Początki malarstwa olejnego nie są właściwie znane, ale przypisuje się je malarzom holenderskim, braciom Van Eyck (1366-1440); w każdym razie byli to transformatory współczesnych technik malarskich...
Pierwsi malarze Baszkortostanu
Malarstwo Baszkortostanu może słusznie zająć szczególne miejsce w systemie sztuki: jest znacznie wcześniejsze...
Proces tworzenia ilustracji książkowej
Historia ilustracji sięga wieków wstecz. Nawet w starożytnym Egipcie zaklęciom i hymnom spisywanym na papirusach towarzyszyły ilustracje. Powstały w celu zilustrowania treści tekstów. Zabytkowe próbki przetrwały do dziś...
Rozwój malarstwa w Rosji pod koniec XIX - na początku XX wieku
Wraz z kryzysem ruchu populistycznego w latach 90. powstała „analityczna metoda realizmu XIX wieku”. Lapshina N. „Świat sztuki”. Eseje z historii i praktyki twórczej. M., 1977.- s. 86., jak to się nazywa nauka narodowa, staje się nieaktualne...
Rozwój umiejętności artystycznych uczniów dziecięcych szkół artystycznych poprzez malarstwo pejzażowe
Aby rozwijać umiejętności artystyczne uczniów szkół artystycznych na zajęciach z malarstwa pejzażowego, ważne jest wprowadzenie techniki porównywania podczas oglądania obrazów i zachęcenie ich do oceny tych prac...
Cechy Malarstwo rosyjskie drugie połowa XIX wieku wiek
Druga połowa XIX wieku. charakteryzował się rozkwitem rosyjskiej sztuki pięknej. Stała się naprawdę wielką sztuką, przesiąknięta patosem walki wyzwoleńczej ludu, odpowiedziała na wymagania życia i aktywnie wkroczyła w życie...
Zmysłowe powiązania w codziennym gatunku malarstwa holenderskiego XVII wieku
Malarstwo holenderskie, gatunek codzienny Państwowy Ermitaż posiada jedną z największych na świecie kolekcji malarstwa holenderskiego. Pierwsze eksponaty pojawiły się nad brzegami Newy w 1716 roku, na długo przed założeniem muzeum...
Wiek XVII był „złotym wiekiem malarstwa” w Europie. Znaczące szkoły artystyczne rozwinęły się we Włoszech, Holandii, Flandrii, Hiszpanii i Francji. Wśród nich szczególne miejsce zajmuje sztuka holenderska. Siedem północnych prowincji holenderskich, zjednoczonych wokół największej z nich, Holandii, pokonało Hiszpanów. Historyczne losy tych ziem zostały określone po zawarciu Unii Utrechckiej w 1579 roku, która przekazała władzę ustawodawczą Stanom Generalnym, ogłosiła tolerancję religijną, a bogatym prowincjom Holandii i Zelandii zapewniła szczególne warunki polityczne i gospodarcze. Położyło to podwaliny pod przyszłą republikę, która otrzymała status państwa w 1609 roku po zawarciu rozejmu z Hiszpanią.
Zjednoczone Prowincje stały się pierwszym na świecie państwem burżuazyjnym, władza namiestnika była tu nominalna, a przedstawiciele Domu Orańskiego byli przede wszystkim dowódcami. Ich dwór w Hadze nie był szczególnie okazały i nie miał zauważalnego wpływu na rozwój kultury w kraju. W Holandii panuje zasada, że mieszczanie są przedsiębiorczy, rozważni i praktyczni. Inwestowała kapitał w handel i budowę statków, torowała szlaki do odległych krajów Azji i Ameryki oraz zakładała tam kolonie. „Ta garstka ludzi” – napisał przewodniczący rady królewskiej Francji, kardynał Richelieu – „posiadając kawałek ziemi składający się z wody i pastwisk, zaopatruje narody europejskie w większość potrzebnych im towarów”.
Dominującą religią w kraju stał się kalwinizm, najbardziej radykalny kierunek ruchu reformatorskiego XVI-XVII w. Kościół kalwiński miał charakter „republikański”. Jej głównymi cechami była doktryna absolutnej predestynacji, apologia przedsiębiorczości i sukcesu zawodowego oraz wymóg światowej ascezy - roztropnej burżuazyjnej oszczędności. Względna tolerancja religijna w początkowym okresie życia republiki stwarzała sprzyjającą atmosferę dla twórczości naukowej i filozoficznej. Kraj zasłynął ze swoich przyrodników i wydał na świat sławnych prawników i historyków. Wyemigrował tu z Francji słynny filozof Rene Descartes, rozwinęły się tu materialistyczne poglądy Spinozy. Wkład Holandii w Literatura europejska nie było tu znaczących architektów i rzeźbiarzy. Główne sukcesy przypadły malarzom z małego północnego kraju. Stworzyła prężną narodową szkołę malarstwa, która swoją tematyką, stylem malarskim i aspiracjami ideowymi stanowiła szczególny rozdział w sztuce XVII wieku i pozostawiła niezatarty ślad w światowej kulturze artystycznej.
Kościół holenderski wypędził wspaniały kult ze swoich świątyń, które nie posiadały świętych obrazów – kościołów katolickich było niewiele. Dzieła sztuki przeznaczone były głównie do budynków użyteczności publicznej i domów prywatnych, a ich tematyka, choć odzwierciedlała moralność protestancką, miała charakter świecki. Obrazy o tematyce biblijnej i starożytnej były postrzegane jako historyczne. Prawdziwe powołanie Holenderscy artyści stało się malarstwem sztalugowym. Było wielu artystów. Rzadko malowali na zamówienie; większość obrazów sprzedawano na targowiskach. „Targ w Rotterdamie” – napisał angielski podróżnik z XVII wieku – „był przeładowany obrazami (zwłaszcza pejzażami i scenami rodzajowymi)… Wszystkie domy są wypełnione obrazami, a Holendrzy sprzedają je z wielkim zyskiem”.
W latach 20. XVII wieku kształtowanie się gatunków malarstwa holenderskiego zostało w zasadzie zakończone. Specjalizacja artystów według gatunku jest typowa dla Holandii. Na początku XVII w. w Holandii najpopularniejszy stał się gatunek portretu, w pejzażu holenderskim szeroko rozbrzmiewał temat narodowy, w latach trzydziestych XVII w. ukształtował się także gatunek chłopski. Jednym z najbardziej charakterystycznych gatunków malarstwa holenderskiego była martwa natura. W połowie XVII wieku w malarstwie holenderskim dominował gatunek krajowy.
Formacja sztuki holenderskiej odbywała się w kilku ośrodkach, które konkurując ze sobą, w różnym czasie albo szły do przodu, albo się cofały. Początkowo był to Haarlem, od lat trzydziestych, po przeniesieniu się tam Rembrandta, Amsterdam zaczął zdobywać pozycję lidera, potem poszedł na uniwersytet w Lejdzie i spokojne arystokratyczne Delft. Odrębnie wyróżniała się Haga, w której mieścił się dwór namiestnika.
Pokaż pełny tekst
Złoty wiek malarstwa holenderskiego to jedna z najwybitniejszych epok w historii całego malarstwa światowego. Rozważany jest złoty wiek malarstwa holenderskiego XVII wiek. To właśnie w tym czasie stworzyli swoje dzieła nieśmiertelne najbardziej utalentowani artyści i malarze. Ich obrazy nadal uważane są za niezrównane arcydzieła, które przechowywane są w słynnych muzeach na całym świecie i uważane są za bezcenne dziedzictwo ludzkości.
Na początku XVII wiek W Holandii nadal kwitła dość prymitywna sztuka, co było uzasadnione przyziemnymi gustami i preferencjami bogatych i wpływowych ludzi. W wyniku zmian politycznych, geopolitycznych i religijnych sztuka holenderska zmieniła się dramatycznie. Jeśli wcześniej artyści próbowali przypodobać się mieszczanom holenderskim, przedstawiając ich życie i sposób życia, pozbawionych wzniosłego i poetyckiego języka, a także pracowali dla kościoła, który zlecał artystom pracę w dość prymitywnym gatunku z dawno wytartymi tematami , to początek XVII wieku był prawdziwym przełomem. W Holandii panowała dominacja protestantów, którzy praktycznie przestali zamawiać u artystów obrazy o tematyce religijnej. Holandia uniezależniła się od Hiszpanii i zapewniła sobie miejsce na historycznym podium. Artyści przeszli od znanych wcześniej tematów do przedstawiania scen codziennych, portretów, pejzaży, martwych natur i tak dalej. Tutaj, na nowym polu, artyści złotego wieku zdawali się złapać nowy oddech, a na świecie zaczęli pojawiać się prawdziwi geniusze sztuki.
Holenderscy artyści XVII wieku wprowadzili do mody realizm w malarstwie. Oszałamiające kompozycją, realizmem, głębią i niezwykłością obrazy zaczęły odnosić ogromny sukces. Popyt na obrazy gwałtownie wzrósł. W rezultacie zaczęło pojawiać się coraz więcej nowych artystów, którzy w zadziwiająco szybkim tempie rozwijali podstawy malarstwa, opracowywali nowe techniki, style i gatunki. Jeden z najbardziej znani artyści Złoty wiek stali: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel Starszy, Esaias van de Velde, Frans Hals, Andrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck i wielu innych.
Obrazy malarzy holenderskich
Cornelis de Man – Manufaktura oleju wielorybiego
Cornelis Trost - Zabawa w parku
Ludolf Backhuizen – Dok kampanii w Indiach Wschodnich w Amsterdamie
Pieter Bruegel Starszy – Katastrofa Alchemika
XVII wiek pokazał światu dwa szkoły artystyczne – holenderskie i flamandzkie. Obaj byli spadkobiercami tradycji artystycznych Holandii – europejskiego kraju, na którego terytorium ukształtowała się już wówczas katolicka Flandria, nazwana od najważniejszej prowincji (dziś jest to terytorium Belgii i Francji). Inne prowincje, broniąc swojego zaangażowania w idee reformacyjne, zjednoczyły się i stały się znane jako Republika Holenderska lub po prostu Holandia. W XVII wieku w Holandii około trzy czwarte ludności stanowili mieszkańcy miast, a klasę średnią uważano za klasę główną. Kościół reformowany porzucił przepych dekoracji, nie było klientów koronowanych i arystokracji patrymonialnej, co oznacza, że głównymi odbiorcami sztuki stali się przedstawiciele mieszczaństwa. Przestrzeń przeznaczoną do malowania ograniczała się do domów mieszczańskich i budynków użyteczności publicznej.
Wymiary obrazów z reguły nie były duże (w porównaniu z obrazami pałacowymi czy kompozycjami ołtarzowymi do kościołów), a tematyka miała charakter intymny, przedstawiała sceny z życia prywatnego, codziennego. Główne osiągnięcie sztuki holenderskiej XVII wieku. - w malarstwie sztalugowym. Obiektem obserwacji i przedstawienia przez holenderskich artystów był człowiek i przyroda. Ciężka praca, pracowitość, umiłowanie porządku i czystości znajdują odzwierciedlenie w obrazach przedstawiających życie Holendrów. Dlatego nazywano holenderskich mistrzów XVII wieku (z wyjątkiem Rembrandta i Halsa) „mały Holender” ( szerokie grono malarzy holenderskich XVII wieku. wynikało z kameralnego charakteru ich twórczości, niewielkich rozmiarów obrazów (pejzaż, wnętrze, codzienne historie). Małe malarstwo holenderskie charakteryzuje się subtelnością pisma, wyrazistością drobnych szczegółów, pięknem światła i niuansów kolorystycznych, ogólnym poczuciem komfortu, intymnością i jednością postaci w krajobrazie lub otoczeniu wnętrza. Do najwybitniejszych przedstawicieli zaliczają się Jan Wermeer, bracia Ostade (Adrian van O. i Izak van O.), Gerard Terborch, Jan Steen, Gabriel Metsu).
Większość artystów znajdowała w nich motywy do swoich obrazów kraj ojczysty, kierując się radą Rembrandta: „Naucz się przede wszystkim podążać za bogatą naturą i przede wszystkim eksponować to, co w niej znajdziesz. Niebo, ziemia, morze, zwierzęta, dobrzy i źli ludzie – wszystko służy naszemu ćwiczeniu. Równiny, wzgórza, strumienie i drzewa zapewniają artyście mnóstwo pracy. Miasta, rynki, kościoły i tysiące zasobów naturalnych wzywają nas i mówią: przyjdźcie spragnieni wiedzy, kontemplujcie nas i rozmnażajcie nas. Produktywność artystów osiągnęła niewiarygodne rozmiary, w rezultacie wzrosła konkurencja wśród malarzy, co z kolei doprowadziło do specjalizacji mistrzów. Być może z tego powodu istnieje duże zróżnicowanie gatunkowe. Pojawiali się artyści, którzy pracowali wyłącznie w gatunku pejzaży morskich lub widoków miejskich lub przedstawiali wnętrza pomieszczeń (pokoje, świątynie). W historii malarstwa zdarzały się przykłady martwych natur i pejzaży, jednak nigdy wcześniej gatunki te nie osiągnęły tak powszechnej popularności i samowystarczalności, jak w XVII-wiecznej Holandii.
Holendrzy chcieli zobaczyć cały różnorodny świat na zdjęciach. Stąd szeroka gama malarstwa tego stulecia, „wąska specjalizacja” w pewne gatunki tematyka: portret i pejzaż, martwa natura i gatunki zwierzęce. W Holandii nie było powiązań z Włochami i sztuka klasyczna nie odgrywała takiej roli jak we Flandrii. Opanowanie tendencji realistycznych, rozwinięcie pewnego zakresu tematów i podział gatunkowy jako jeden proces zakończyły się w latach dwudziestych XVII wieku.
Historia malarstwa holenderskiego XVII wieku. doskonale ukazuje ewolucję twórczości jednego z największych portrecistów w Holandii Fransa Halsa(1580-1666) Jego działalność miała miejsce niemal wyłącznie w Harlemie. Tutaj około 1616 roku wyłonił się jako najważniejszy malarz portretowy i zachował swoją rolę w tej dziedzinie do końca życia. Wraz z pojawieniem się Halsa ściśle realistyczny i niezwykle indywidualny portret holenderski osiąga dojrzałość. Wszystko, co nieśmiałe, drobne, naturalistyczne, co wyróżnia jego poprzedników, zostaje przezwyciężone.
Początkowa faza sztuki Khalsa nie jest jasna. Od razu widzimy mistrza rozwiązującego najtrudniejszy problem portretu grupowego. Maluje jeden po drugim obrazy przedstawiające strzelców Korporacji Św. Adriana i św. George (Harlem, Muzeum Fransa Halsa), gdzie zarówno ożywienie zatłoczonego spotkania, jak i jasność typów każdego z obecnych są oddane z niezrównaną łatwością. Umiejętności malarskie i zaradność kompozycyjna grup idą w parze w tych portretach z niezwykłą ostrością charakteryzacji. Hals nie jest psychologiem: życie psychiczne jego modeli zwykle go omija. I pisze w większości o ludziach, których całe życie toczy się w warunkach intensywnej, aktywnej aktywności, ale którzy nie zagłębiają się zbytnio w kwestie natury psychologicznej. Ale Hals jak nikt inny potrafi uchwycić wygląd tych ludzi, umie uchwycić to co najbardziej ulotne, a jednocześnie najbardziej charakterystyczne w wyrazie twarzy, postawie i gestach. Wesoły z natury, stara się uchwycić każdy obraz w chwili ożywienia, radości, a nikt nie przekazuje śmiechu z taką subtelnością i różnorodnością jak on. Portret oficera (1624, Londyn, zbiory Wallace'a), kołyszący się na krześle „Geitheusen” (koniec lat 30. XVII w., Bruksela, galeria sztuki), „Cygan” (koniec lat 20. XVII w., Luwr), czy też tzw. „Czarownica z Harlemu” – „Malle Bobbe”(Berlin) można przytoczyć jako typowe przykłady jego ostrej i często zabawnej sztuki. Portretuje mężczyzn, kobiety i dzieci z tym samym poczuciem żywego obrazu („ Portret młodego mężczyzny z rękawiczką", OK. 1650, Ermitaż). Wrażenie ożywienia potęguje także sama technika Khalsa, która jest niezwykle swobodna i z biegiem lat poszerza się. Dekoracyjna kolorowość wczesne prace później ulega złagodzeniu, kolor staje się srebrzysty, swoboda panowania nad tonami czarno-białymi mówi o mistrzostwie, które stać na najśmielszą malarską śmiałość.
W portretach z późnego okresu (50-60 lat) zanika beztroska waleczność, energia i presja. W portrecie mężczyzny w Ermitażu, pomimo imponowania sylwetki, można doszukać się zmęczenia i smutku. Cechy te dodatkowo pogłębia znakomicie namalowany portret mężczyzny w kapeluszu z szerokim rondem (muzeum w Kassel). Hals w tych latach przestaje być popularny, bo nigdy nie schlebia i okazuje się obcy zdegenerowanym gustom bogatych klientów, którzy zatracili ducha demokratycznego. Ale właśnie w późny okres kreatywność Hals osiąga szczyt umiejętności i tworzy najgłębsze dzieła. Niektóre prace przedstawiają impresjonistyczne techniki rozwiązań kolorystycznych. Hals do ostatnich lat życia malował niezliczoną ilość portretów indywidualnych, jednak ponownie powrócił do portretów grupowych. Maluje 2 portrety regentów i regentów domu opieki, w jednym z nich sam znalazł schronienie pod koniec życia. W portrecie regentów nie ma ducha koleżeństwa z poprzednich kompozycji, modele są rozdzieleni, bezsilni, mają tępe spojrzenia, na twarzach wypisane jest zniszczenie. Różowo-czerwona plama na kolanie jednego z regentów dodaje szczególnego napięcia ponurej kolorystyce (czerń, szarość i biel). Tak więc w dziewiątej dekadzie swojego życia chory, samotny i zubożały artysta tworzy swoje najbardziej dramatyczne i najwspanialsze dzieła sztuki.
Sztuka Halsa miała w swoim czasie ogromne znaczenie, wpłynęła na rozwój nie tylko portretu, ale także gatunków codziennych, pejzaży i martwych natur.
Gatunek pejzażowy Holandia XVII w szczególnie interesujące. To wcale nie jest natura, niektórzy duży obraz wszechświat, ale narodowy, a konkretnie krajobraz holenderski, który rozpoznajemy we współczesnej Holandii: słynne wiatraki, pustynne wydmy. Szare niebo zajmuje kompozycje świetne miejsce. Tak właśnie przedstawia się Holandię Jana Van Goyena (1596-1656) i Salomona Van Ruisdaela (1600-1670).
Początek malarstwa pejzażowego Szkoła holenderska należy do ser. XVII wiek Największym mistrzem realistycznego krajobrazu był Jacob van Ruisdael (1628-1682), artysta o niewyczerpanej wyobraźni. Jego prace są zazwyczaj pełne głębokiej dramatyzmu, czy to leśnych zarośli („Leśne Bagna”), pejzaży z wodospadami („Wodospad”), czy romantycznych pejzaży z cmentarzem („Cmentarz Żydowski”). Natura Ruisdaela objawia się w dynamice, w wiecznej odnowie. Nawet najbardziej skomplikowane motywy natury pod pędzlem artysty zyskują monumentalny charakter. Ruisdael ma tendencję do łączenia starannego przedstawienia z wielką integralnością żywotną z obrazem syntetycznym.
Urodził się w Haarlemie w 1628 lub 1629 r. Jego pierwsze zachowane dzieło, datowane na rok 1646, wygląda na dzieło dojrzałego mistrza – a miał wtedy zaledwie 18 lat. Możemy z całą pewnością powiedzieć, że w 1648 roku Ruisdael został członkiem Gildii Artystów w Haarlemie.
W młodości Ruisdael sporo podróżował w poszukiwaniu natury – nie opuszczając jednak ponad stu mil od swojego rodzinnego Haarlemu. W połowie lat pięćdziesiątych XVII wieku artysta przeniósł się z Haarlemu do Amsterdamu, gdzie mieszkał do końca swoich dni.
Metropolia Amsterdamu w czasach Ruisdaela uderzająco różniła się od prowincjonalnego Haarlemu (choć już wtedy odległość między tymi miastami pokonywano w dwie godziny). Ruisdael malował swoje obrazy nie na prywatne zamówienia, ale na darmową sprzedaż. Około 1670 roku przeniósł się do ścisłego centrum miasta, na plac Dam, gdzie wynajął mieszkanie bezpośrednio nad sklepem Hieronima Sweertsa, handlarza obrazami i książkami. .
Meinderta Hobbemę(1638, Amsterdam, - 7 grudnia 1709) - najwybitniejszy mistrz holenderskiego krajobrazu po swoim mentorze, Jacobie van Ruisdaelu.
Wiadomo, że Hobbema i Ruisdael podróżowali razem i wykonywali szkice z natury. W listopadzie 1668 roku Hobbema poślubiła kucharkę burmistrza Amsterdamu i za jej pośrednictwem otrzymała stanowisko sprawdzania jakości importowanych win. Przez długi czas sądzono, że to koniec jego działalności malarskiej.
Być może musiał poświęcić mniej czasu na malowanie niż wcześniej, ale jego najlepsze dzieło, Aleja w Middelharnis, pochodzi z 1689 r., a inny londyński obraz, Ruiny zamku Brederode, pochodzi z 1671 r. Te późne dzieła należą do najbardziej udanych osiągnięć holenderskiego malarstwa pejzażowego i w istocie wyznaczają granicę jego rozwoju.
Artysta umarł w biedzie, jednak już w XVIII wieku był bardzo naśladowany, a jego dzieła stały się przedmiotem rywalizacji wśród kolekcjonerów. W przeciwieństwie do Ruisdaela, który wolał uwieczniać dziką przyrodę, Hobbemę pociągały ciche wiejskie sceny z widokiem na zalane rzeki. światło słoneczne wioski, które urozmaicają wysokie tu i ówdzie grupy drzew. W tych wiejskich idyllach wszystko jest pomalowane z wielką starannością, zwłaszcza liście.
Ściśle powiązany z holenderskim krajobrazem jest gatunek zwierzęcy. Wielu przedstawicieli malarstwa pejzażowego interesuje się przedstawianiem zwierząt. Te ostatnie bardzo często okazują się równoznaczne z elementami czysto pejzażowymi, a czasami pejzaż stanowi dla nich jedynie tło. Umiejętność rozpoznania rasy zwierzęcia, jego budowy, koloru i charakterystycznych ruchów to jedna z uderzających cech Holendrów. Subtelność oddania atmosfery i światła w połączeniu z tą umiejętnością osiąga u niektórych malarzy zwierząt wyjątkową doskonałość. Świadczą o tym liczne prace Paulusa Pottera(1625-1654) i Alberta Cuypa(1620-1691). Obydwa wraz z malowidłami przedstawiającymi zwierzęta pasące się lub odpoczywające pod nimi na wolnym powietrzu(„Farma” Pottera, Ermitaż, 1649), poszczególne ich kopie malowano także w zbliżeniu. Potter oprócz długich ujęć lubi przedstawiać jedno lub kilka zwierząt w zbliżeniu na tle pejzażu („Pies na łańcuchu”). Ulubionym motywem Cape są krowy przy wodopoju („Zachód słońca nad rzeką”, „Krowy na brzegu potoku”). Obraz „Pejzaż ze stadem, jeźdźcem i chłopami”.
Spokojna wiejska sceneria skąpana jest w złotym blasku zachodu słońca. Ciepłe światło przenika każdy szczegół kompozycji, tworząc efekt świetlistości. To sprawia, że kolorystyka Przylądka uderzająco różni się od chłodnych błękitów i zieleni jego współczesnych, takich jak Meinderta Hobbemę. Pozorna przypadkowość ułożenia zwierząt została w istocie starannie przemyślana, aby ukazać grę światła i cienia.
Przylądek ma także jedno z czołowych miejsc wśród czystych krajobrazów. Jego obrazy wyróżniają się wyjątkową umiejętnością oddania złota, światło słoneczne, są niezwykle zróżnicowane pod względem motywów i obejmują wiele przystani (gatunków morskich).
Tylko pejzaż morski(Marina) studiowała Iana Porcellisa(1584-1632). Marina odegrała bardzo ważną rolę w sztuce XVII-wiecznej Holandii i wypromowała szereg pierwszorzędnych specjalistów. Ogólny przebieg rozwoju mariny wydaje się być równy temu, co powszechnie obserwuje się w historii holenderskiego krajobrazu. Na wczesnym etapie kompozycje są proste. Artysta widzi swój cel osiągnięty, jeśli z największą prawdopodobieństwem odda przestrzeń morza, kołyszące się na nim statki i samą wodę. Tak pisze Jan Porcellis. W następnym pokoleniu charakter przenoszenia gatunków morskich zmienia się w stronę większej dynamiki. To prawda, że wciąż powstają obrazy przedstawiające spokój żywiołu wody, ale to już nie wystarczy; burze zaczynają rzucać statki na skały, gigantyczne fale Grożą im śmiercią i zmuszają marynarzy do schronienia się w porcie. W obu przypadkach Backhuisen (1631-1709) nie miał żadnych trudności. Z równą wirtuozerią jego pędzel oddaje bezchmurne niebo, cyklony, rozpryski, skały i ślady wraków.
Martwa natura osiąga genialny rozwój. Martwa natura holenderska, w odróżnieniu od martwej natury flamandzkiej, jest obrazem o charakterze intymnym, skromnym pod względem wielkości i motywów. Piotr Klas (1597-1661), Willema Hedę(1594-1680) najczęściej przedstawiano tzw. śniadania: dania z szynką lub ciastem na stosunkowo skromnie podanym stole. W umiejętnym ułożeniu przedmioty są pokazane w taki sposób, że można odnieść wrażenie, że życie wewnętrzne rzeczy (nie bez powodu Holendrzy nazywali martwą naturę „still leven” - „ spokojne życie”, a nie „natura morte” - „martwa natura”). Kolorystyka jest powściągliwa i wyrafinowana (Heda „Śniadanie z homarem”, 1658; Klasa „Martwa natura ze świecami”, 1627)
Willem Heda pracował w Haarlemie i był pod wpływem Pietera Claesa. Skromne martwe natury Heada - „śniadania”, które zwykle przedstawiały niewielki zestaw artykułów gospodarstwa domowego i posiłków, charakteryzują się subtelną umiejętnością oddania faktury rzeczy, powściągliwą srebrno-zieloną lub srebrno-brązową barwą („Śniadanie z jeżynowym ciastem” , 1631, Galeria Sztuki, Drezno „Szynka i sztućce”, 1649, Muzeum Państwowe sztuki piękne, Moskwa).
Wraz ze zmianą w życiu społeczności holenderskiej w drugiej połowie. W XVII wieku, wraz ze stopniowym wzrostem pragnień burżuazji do arystokracji i utratą dawnej demokracji, zmienił się także charakter martwych natur. „Śniadania” Khedy zastępowane są luksusowymi „deserami” Willem Kalf (1619-1693). Proste naczynia zastępują marmurowe stoły, dywanowe obrusy, srebrne kielichy, naczynia z muszli z masy perłowej i kryształowe kieliszki. Kalf osiąga niesamowitą wirtuozerię w przekazywaniu tekstury brzoskwiń, winogron i powierzchni kryształów. Jednolitą tonację martwych natur z poprzedniego okresu zastępuje bogata gradacja najwykwintniejszych odcieni barwnych.
Malarz holenderski. W latach 1640-1645 działał we Francji, od 1653 - w Amsterdamie. Następnie Willem Kalf mieszkał i pracował głównie w Amsterdamie. Ten malarz martwej natury mógł zawdzięczać głębokie, bogate kolory swoich obrazów wpływowi twórczości współczesnego mu Johannesa Vermeera. Jeden z największych mistrzów holenderskiej szkoły martwej natury Kalf malował zarówno skromne obrazy oparte na obrazach biednych kuchni i podwórek („Dziedziniec chłopskiego domu”, Państwowe Muzeum Ermitażu, Petersburg), jak i efektowne kompozycje z cenne naczynia i egzotyczne owoce południa („Śniadanie”, Rijksmuseum, Amsterdam; „Martwa natura”, Państwowe Muzeum Ermitażu, St. Petersburg). Wirtuozeria Kalfa jako malarza martwych natur przejawiała się w klasycznej precyzji konstrukcji przestrzennych, subtelnym wyczuciu oryginalności i wartości każdej rzeczy, wyrafinowaniu i bogactwie światła i cienia oraz relacji barwnych, a także skuteczności kontrastowego porównywania różne tekstury i materiały.
„Martwa natura z homarem, rogiem wina i kieliszkami”. Kolekcja egzotycznych i luksusowych przedmiotów ułożonych na stole jest pomalowana z doskonałym kunsztem i głębokim wyczuciem koloru. Homar, róg wina z błyszczącą filigranową srebrną obwódką, przezroczyste kieliszki, cytryna i turecki dywan są wykonane z tak niezwykłą starannością, że powstaje złudzenie, że są prawdziwe i można je dotknąć ręką. Rozmieszczenie każdego elementu jest wybierane z taką starannością, aby grupa jako całość tworzyła harmonię koloru, kształtu i faktury. Ciepłe światło otaczające przedmioty nadaje im dostojność cennej biżuterii, a ich rzadkość, przepych i fantazja odzwierciedlają wyrafinowane gusta holenderskich kolekcjonerów w XVII wieku, kiedy martwe natury były niezwykle popularne.
Holenderska martwa natura- jedna z artystycznych realizacji najważniejszego tematu sztuki holenderskiej - tematu życia prywatnego zwykłego człowieka. Temat ten jest w pełni zawarty w filmie gatunkowym. W latach 20-30. XVII wiek Holendrzy stworzyli szczególny rodzaj malarstwa małych postaci. 40-60 lat - rozkwit malarstwa sławiącego spokojne życie mieszczańskie Holandii, mierzone codziennością. Już w środowisku Halsa, w którym ukształtował się także malarz flamandzki Adrian Brouwer, ukształtowało się wyraźne zainteresowanie tematyką z życia chłopskiego. Adriana van Ostade’a(1610-1685) – był największym pod względem malarskim walorem przedstawiającym życie chłopskie. Zwykle ukazuje jej mroczne strony („Walka”) Podobnie jak inni jej przedstawiciele, zwykle podchodzi do swoich tematów całkowicie w duchu ideologii klasy panującej i albo idealizuje rzeczywistość, albo widzi w chłopach jedynie śmieszne stworzenia, których moralność budzi śmiech i żarty. („W wiejskiej karczmie” 1660).
W późniejszym okresie jego twórczość nabrała cech liryzmu, a dotychczasowe tematy zostały zastąpione obrazami spokojnego wypoczynku na progu chaty lub na dziedzińcu wiejskiej karczmy, a także wnętrzami ze scenami spokojnego zacisza rodzinnego („ Koncert wiejski”, 1655, Ermitaż). Oprócz takich małych postaci Ostade często malował więcej zbliżenieściśle realistyczne półfigurki przedstawicieli różnych rzemiosł. Jego „Malarz w pracowni” (1663) słusznie uważany jest za arcydzieło malarstwa Ostade’a, w którym artysta gloryfikuje ludzką pracę, nie popadając w żadne deklaracje ani patos.
Ale głównym tematem „małego Holendra” nadal nie było życie chłopskie, ale życie mieszczańskie. Zwykle są to obrazy bez fascynującej fabuły. W filmach tego gatunku wydaje się, że nic się nie dzieje. Kobieta czyta list, pan i pani grają muzykę. Albo po prostu się poznali i rodzi się ich pierwsze uczucie, ale jest to tylko zarysowane, widz ma prawo do własnych domysłów. Najbardziej zabawnym narratorem w filmach tego typu był Iana Stana(1626-1679). Dla Stana, w przeciwieństwie do większości jego współczesnych, fabuła nie jest obojętna. W swoich obrazach przypisuje dużą rolę elementowi narracyjnemu i lubi przedstawiać pewne zabawne sceny z życia codziennego drobnomieszczaństwa. Mistrz wykazuje w nich wnikliwą obserwację, trafnie charakteryzuje typy i opowiada wybrane przez siebie epizody z subtelnym, pogodnym humorem. Wskazuje na niego obraz „Chora i lekarz” (ok. 1660, Ermitaż). W późniejszym okresie twórczości Stana cechy te tracą na ostrości i zgodnie z ogólnym trendem wkracza on na drogę sztuki, bardziej eleganckiej i poświęconej problematyce czysto wizualnego postrzegania realnego świata.
Osiągnięto wielkie mistrzostwo Gerarda Terborcha(1617-1681). Zaczął od tematów najbardziej demokratycznych („Młynkowie”). Wyróżniał się najwyższą umiejętnością przedstawiania jedwabi i atłasów, przezroczystością szklanych okularów i powierzchni czegokolwiek. Postaci Terborcha bardzo często charakteryzują się pewnym arystokratycznym wyglądem, co tłumaczy się wyborem modeli spośród szlachty. Wyrafinowanie sztuki Terborcha wynika w dużej mierze z jej koloru, w którym dominują wykwintne srebrzyste odcienie. Do najlepszych obrazów artysty należą „Kieliszek lemoniady” (Ermitaż) i „Koncert” (Berlin, Dahlem).
Wnętrze staje się szczególnie poetyckie wśród małych Holendrów. Życie Holendrów toczyło się głównie w domu. Prawdziwym piosenkarzem tego tematu był Pietera de Hoocha(1629-1689). Iluzoryczny charakter przekazania rzeczy schodzi u tego mistrza na dalszy plan, a zainteresowanie koncentruje się na rozwoju relacji przestrzennych, w szczególności na przedstawieniu wnętrz, a także dziedzińców i otwierających się za nimi ulic („Pani z Służąca”, Ermitaż, ok. 1660). jego pokoje z uchylonym oknem, z przypadkowo wyrzuconymi butami lub porzuconą miotłą są zwykle przedstawiane bez postaci ludzkiej, ale osoba jest tu niewidoczna, zawsze istnieje związek między wnętrzem a ludźmi. Kiedy przedstawia ludzi, celowo podkreśla zamrożony rytm, przedstawia życie jakby zamrożone, równie nieruchome jak same rzeczy („Dziedziniec”).
Powolny rytm życia, precyzja codziennej rutyny i pewna monotonia istnienia doskonale to oddaje Gabriel Metsu(1629-1667; „Śniadanie”). W ogólnym charakterze swoich obrazów gatunkowych jest zbliżony do Terborcha, ale ma jaśniejsze kolory.
Nowy etap malarstwa gatunkowego rozpoczyna się w latach 50. i wiąże się z tzw. Szkoła w Delfcie, z nazwiskami takich artystów jak Karel Fabricius, Emmanuel de Witte i Jan Wermeer(1632-1675), znany w historii sztuki jako Wermeer z Delft (nazwa pochodzi od miejsca jego działalności). Sztuka Wermeera z Delft należy do późnego rozwoju Holandii. Pokolenie bohaterskich, ale prymitywnych bojowników o niepodległość i trzeźwych biznesmenów – organizatorów gospodarki kapitalistycznej – należało już do przeszłości. Ich wnuki weszły na arenę historyczną i mogły bezpiecznie cieszyć się zdobytymi dobrodziejstwami. W tych warunkach kształtuje się żywa, radosna sztuka. ostatni etap powstanie Republiki Holenderskiej.
Do tego okresu należy dojrzała, pełna emocji, a jednocześnie jasna i prosta, pomimo całego wyrafinowania technologii, sztuka Wermeera z Delft. Niewiele jest oryginalnych dzieł Vermeera, tylko nieliczne muzea posiadają małe i zawsze cenne obrazy mistrza z Delft. Tematyka Vermeera jest mniej więcej tradycyjna; młode kobiety czytające list, haftujące w towarzystwie pana, malarza przed sztalugami, dziewczyny po prostu śniącej przy oknie („Dziewczyna z listem”, Drezno; „Kawaler i dama u szpinetu, ” itp.) - jednym słowem wszystko, co nie raz było przedstawiane przez malarzy holenderskich. Pod względem tematycznym, w wąskim tego słowa znaczeniu, Vermeer nie ma nic oryginalnego. Tylko w nielicznych przypadkach sięga po tematy rozrywkowe i wprowadza do kompozycji element akcji („U alfonsa”, 1656, Drezno). Jednak wszystkie jego obrazy mają całkowicie indywidualny charakter. We wszystkich portretowanych przez niego postaciach jest jakiś rodzaj lekkiej i jasnej poezji, a wraz z tą poezją i miękkością wszystkie jego dzieła cechuje szczególne poczucie surowej prostoty, czegoś prawdziwie klasycznego.
Vermeer to niewątpliwie jeden z najwybitniejszych kolorystów w historii Sztuka zachodnioeuropejska. Nie tylko on delikatny smak w doborze kolorów, ale także umiejętność odnajdywania ich wzajemnych relacji czynią Vermeera jednym z najbardziej wyrafinowanych mistrzów koloru. Z najwyższym wyczuciem proporcji i taktu łączy cytrynową żółć, błękit, fiolet w różnych odcieniach, szkarłat i bladozieloną kolory w jeden dźwięczny zakres tonalny. Tradycyjny problem światła w sztuce holenderskiej znalazł najdoskonalsze rozwiązanie tradycyjnego w sztuce holenderskiej problemu światła Wermeera z Delft. Opalizujące światło masy perłowej to jedna z najbardziej charakterystycznych cech malarstwa mistrza z Delft. Nie ma też wątpliwości, że Wermeer z Delft był jednym z najnowocześniejszych techników swoich czasów. Jego nieliczne obrazy utrzymane są w bogatej i różnorodnej fakturze. Jego sposób nakładania farby, wyznaczający późniejszą technikę impresjonistów, umożliwił samemu Vermeerowi przedstawienie światła spowijającego przedmioty w całej jego malarskiej konkretności. Światło w obrazach Vermeera to nie tylko przezroczyste medium, ale powietrze, bogate w subtelne przejścia srebrzystych tonów.
Vermeer zrobił coś, czego nie zrobił nikt w XVII wieku: malował pejzaże z życia („Ulica”, „Widok Delft”). Można je nazwać pierwszymi przykładami malarstwa plenerowego. Dojrzała, klasyczna w swej prostocie sztuka Vermeera miała ogromne znaczenie dla przyszłych epok.
Szczyt realizmu holenderskiego, będący efektem malarskich osiągnięć kultury holenderskiej XVII wieku. jest dziełem Rembrandta. Ale znaczenie R., jak każdego genialnego artysty, wykracza poza granice jedynie sztuki holenderskiej i szkoły holenderskiej. Zajmując centralne miejsce w szkole holenderskiej w jej szczytowym okresie, Rembrandt nadal wyróżnia się wśród licznych artystów swojej ojczyzny. Obca była im szerokość zainteresowań artystycznych Rembrandta i głęboki psychologizm jego twórczości.
Harmensa van Rijna Rembrandta urodził się w 1606 roku w Lejdzie i był synem zamożnego właściciela młyna. Wcześnie odkrył w sobie pociąg do malarstwa i po krótkim pobycie na Uniwersytecie w Lejdzie całkowicie poświęcił się sztuce. Pod koniec zwykłego trzyletniego okresu studiów u mało znaczącego lokalnego artysty Jacoba Swannenburcha Rembrandt wyjechał do Amsterdamu w celu doskonalenia, gdzie został uczniem Lastmana. Lastman, wykwalifikowany rzemieślnik, który studiował we Włoszech, zapoznał Rembrandta z efektem światłocienia, używanym do nadawania objętości i ukazywania dramatyzmu akcji. Technika ta stanie się centralnym elementem twórczości artysty. Rembrandt spędził kolejne lata pracując w Lejdzie, zyskując reputację mistrza scen biblijnych i mitologicznych. Dlatego też zwykle nazywa się lata 1625-1632. okres jego twórczości w Lejdzie.
W 1632 przeniósł się do Amsterdamu, gdzie od razu zyskał sławę pisząc „Lekcję anatomii doktora Tulpa”. Lata 30. to czas największej świetności, drogę do CT otworzył przed malarzem obraz ten, uznawany za portret zbiorowy i noszący także nazwę „Lekcja anatomii”. Na tym płótnie ludzie są zjednoczeni swoim działaniem, wszyscy są przedstawieni w naturalnych pozach, ich uwaga skupia się na tym, co najważniejsze charakter– Doktor Tulpa demonstruje budowę mięśni zwłok. Mieszka z handlarzem dziełami sztuki Hendrikiem van Uylenborchem, który go patronuje, organizuje zamówienia na portrety, co tworzy do młodego artysty reputację modnego, odnoszącego sukcesy mistrza. W 1634 r. Rembrandt pomyślnie poślubił siostrzenicę Hendrika Saskii, a do 1639 r. wraz z żoną nabył w stolicy wspaniały dom. Do początków lat czterdziestych XVII w. cieszy się dużym powodzeniem u klientów, jest to czas jego osobistego dobrego samopoczucia. W słynnym arcydziele tego okresu – „Autoportrecie z Saskią na kolanach” (ok. 1635 r., Galeria Obrazów, Drezno) Rembrandt przedstawił siebie z młodą żoną za świąteczny stół. Delikatne połyski złotych tonów i przebijające się przez obraz strumienie światła oddają radosny nastrój młodego, odnoszącego sukcesy artysty i jego żony, pełnych nadziei i marzeń.
Cały ten okres owiany jest romansem. Malarz niejako szczególnie stara się w swojej twórczości oderwać od nudnej mieszczańskiej codzienności. Maluje siebie i Saskię w luksusowych strojach, w fantastycznych strojach i nakryciach głowy, tworząc efektowne kompozycje, we wszystkim, w pozach, w ruchach, dominuje to, co wspólne – radość bycia. (Saskia jako Flora). Najbliższy wyrazowi tego wzniosłego nastroju jest język baroku. Rembrandt w tym okresie pozostawał pod dużym wpływem włoskiego baroku.
Postacie z obrazu „Ofiara Abrahama” (1635) pojawiają się przed nami ze skomplikowanych perspektyw. Zdjęcie pokazuje stan umysłu Abrahama, który nie zdążył odczuć radości uwolnienia od nagłego pojawienia się anioła straszna ofiara, żadnej wdzięczności, ale wciąż odczuwam jedynie zmęczenie i dezorientację.
Rembrandt zawsze przywiązywał dużą wagę do akwaforty (grawerowania) i rysunku, dzięki czemu wkrótce stał się największym mistrzem technik graficznych w Europie. Portrety i pejzaże, sceny codzienne i religijne, które wykonał techniką akwaforty, wyróżniały się nowością. techniki artystyczne, głęboki psychologizm obrazów, bogactwo światłocienia, wyrazistość i lakoniczność linii. Dotarło do nas około dwóch tysięcy rysunków Rembrandta. Wśród nich są szkice przygotowawcze, szkice do obrazy, szkice scen z życia codziennego i pomysłów zrodzonych w jego wyobraźni.
Na zakręcie wczesny okres kreatywności, pojawia się jeden z jego najsłynniejszych obrazów „Nocna straż” - portret grupowy gildii strzeleckiej. Portier grupowy to jednak formalna nazwa dzieła, wynikająca z życzeń klientów. W „Nocnej straży” Rembrandt w nowy sposób podchodzi do tradycyjnego dla sztuki holenderskiej gatunku portretów grupowych. Obraz (1642, Muzeum Rijks, Amsterdam) jest portretem grupowym członków cechu strzeleckiego kapitana Banninga Cocka i jest przedstawiany przez artystę jako prawdziwa scena uliczna. Rembrandt porzucił przyjęty wówczas statyczny układ wszystkich uczestników, tworząc scenę pełną ruchu. Kontrasty światła i cienia oraz emocjonalność obrazu oddają emocje związane z wydarzeniem. Obraz nabiera charakteru historycznego, opowiadając o odważni ludzie gotowi bronić wolności i niepodległości narodowej swojej ojczyzny z bronią w ręku. Klienci nie zrozumieli intencji artysty i począwszy od tego obrazu konflikt z dominującym otoczeniem nasili się, ale nie zmniejszy energii mistrza, a Rembrandt nadal będzie tworzył realistyczne płótna, niezwykłe w swoim emocjonalnym oddziaływaniu. Imponująca, niewątpliwie nieco teatralna, swobodna kompozycja, jak już wspomniano, nie miała na celu reprezentowania każdego z klientów. Wiele twarzy po prostu trudno „odczytać” w ostrym światłocieniu, w kontrastach gęstych cieni i jasnego światła słonecznego, gdy wyłania się oddział (w XIX wieku obraz stał się tak ciemny, że uznano go za przedstawienie sceny nocnej, stąd błędna nazwa. Cień rzucany przez figurę kapitana na lekkie ubranie porucznika świadczy o tym, że to nie noc, ale dzień). Pojawienie się w tej scenie obcych osób, zwłaszcza dziewczynki w złotożółtej sukience, wydawało się widzowi niezrozumiałe i absurdalne. Wszystko tutaj wywołało dezorientację i irytację publiczności i można powiedzieć, że od tego obrazu zaczyna się konflikt między artystą a społeczeństwem. Wraz ze śmiercią Saskii w tym samym roku nastąpiło naturalne zerwanie Rembrandta z obcym mu środowiskiem mieszczańskim.
Z biegiem lat realistyczne mistrzostwo Rembrandta pogłębiało się. Rezygnuje ze zbędnych detali i efektów zdobniczych na rzecz większej głębi i intensywności emocjonalnej obrazu artystycznego. Portret kameralny zaczyna zajmować bardzo ważne miejsce w twórczości artysty. Rembrandt odsłania życie duchowe człowieka, jakby trwające w czasie i przestrzeni. To rodzaj portretu-biografii. Są to np. „Portret starszej damy”, „Hendrickje w oknie”, „Czytanie Tytusa”, portrety przyjaciół artysty N. Breuninga, J. Six, liczne autoportrety (ponad sto w oleju i węgiel).
40-50 lat – to czas dojrzałości twórczej. Jest to czas kształtowania się jego systemu twórczego, z którego wiele stanie się przeszłością i zostaną nabyte nowe, bezcenne cechy. W tym okresie często sięga do wcześniejszych dzieł, aby przerobić je w nowy sposób. Tak było w przypadku „Danae”, namalowanego już w 1636 roku. Wracając do obrazu w latach 40., artysta spotęgował swój stan emocjonalny. Część centralną z bohaterką i służącą przepisał na nowo. Dając Danae nowy gest podniesionej ręki, przekazał jej wielkie wzruszenie, wyraz radości, nadziei, apelu. Światło odgrywa ogromną rolę: strumień światła zdaje się otaczać postać Danae, cała promienieje miłością i szczęściem, to światło jest postrzegane jako wyraz ludzkich uczuć.
Na początku lat 50. artysta tworzył jedno arcydzieło za drugim. Wyszło to już z mody, ale bogatych klientów nie przenoszono.
W tych latach wybiera do interpretacji najbardziej liryczne, poetyckie aspekty ludzkiej egzystencji, to, co ludzkie, wieczne i ogólnoludzkie: miłość matczyną, współczucie. Najwspanialszego materiału dostarcza mu Pismo Święte, a z niego sceny z życia świętej rodziny. Religijny tematycznie, ale czysto gatunkowy w interpretacji fabuły, obraz Ermitażu „Święta Rodzina” (1645) jest niezwykle charakterystyczny dla tego czasu.
Wraz z biblijnymi kompozycjami gatunkowymi okres ten obfituje w nowy rodzaj przedstawiania rzeczywistości dla Rembrandta - krajobrazy. W niektórych przypadkach składając hołd swoim romantycznym pragnieniom, tworzy jednocześnie obrazy pozbawionej ozdób holenderskiej wioski, które ekscytują swoim surowym podejściem do realizmu. Mały „Widok zimowy” (1646, Kassel), przedstawiający podwórko chłopskie i kilka postaci na powierzchni zamarzniętego kanału w świetle jasnego, mroźnego dnia, pod względem subtelności uczuć i prawdziwości percepcji wzrokowej, służy jako jeden z najdoskonalszych przykładów realistycznego krajobrazu holenderskiego.
Pomimo ogromu i wartość artystyczna powstałe w tym okresie, sytuacja finansowa Rembrandta w połowie lat pięćdziesiątych XVII w. okazała się niezwykle trudna. W związku ze spadkiem zamówień, trudną sprzedażą obrazów, a zwłaszcza zaniedbaniami mistrza w prowadzeniu swoich spraw, Rembrandt popadł w ogromne trudności finansowe. Dług związany z zakupem drogiego domu za życia Saskii groził całkowitą ruiną. Próby wyjścia z długów mogły jedynie opóźnić katastrofę, a ona i tak wybuchła. Latem 1656 roku Rembrandt ogłosił upadłość, a cały jego majątek został sprzedany na aukcji. Pozbawiony zwykłego schronienia, zmuszony był przenieść się wraz z rodziną do biednej żydowskiej dzielnicy stolicy handlowej i tu ostatnie dni jego życia minęły w dotkliwie odczuwalnym niedostatku.
Te przeciwności losu, a także nieszczęścia, które później spotkały Rembrandta - śmierć Hendrika, śmierć jego jedynego syna Tytusa - nie były w stanie powstrzymać dalszego rozwoju jego geniuszu.
Koniec lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XVII w. to najtragiczniejsze lata w życiu R., obfitujące jednak w ogromną aktywność twórczą Rembrandta. Stanowi jakby syntezę wszystkich jego wcześniejszych poszukiwań psychologicznych i obrazowych. Na tych obrazach wszystko jest oczyszczone z przemijania i przypadkowości. Szczegóły są ograniczone do minimum, gesty, postawy i pochylenie głowy są starannie przemyślane i znaczące. Postacie są powiększone, blisko przedniej płaszczyzny płótna. Nawet niewielkie dzieła tych lat sprawiają wrażenie niezwykłej wielkości i prawdziwej monumentalności. Główny wyraziste środki jest światło i linie. Bardziej trafne byłoby stwierdzenie o zmarłym R., że jego kolor jest „świetlisty”, gdyż w jego płótnach światło i kolor stanowią jedność, jego kolory zdają się emitować światło. Ta złożona interakcja koloru i światła nie jest celem samym w sobie; tworzy określone środowisko emocjonalne cechy psychologiczne obraz.
W portretach Rembrandt ma teraz większą swobodę w wyborze modeli i maluje głównie twarze o wyraźnej indywidualności. Są to głównie starsze kobiety i starzy mężczyźni pochodzenia żydowskiego. Ale z tą samą ostrością jest w stanie przekazać urok młodej kobiecej twarzy lub urok młodzieńczego wyglądu. Wszystko, co drobne w tych portretach, ustępuje miejsca uogólnionemu, ale jednocześnie niezwykle przejmującemu przedstawieniu obrazu. Jest to znacznie ułatwione dzięki rosnącemu zakresowi sposobów wykonania technicznego.
Ostatnim dziełem w historii portretu zbiorowego było przedstawienie Rembrandta starszego warsztatu sukienniczego – tzw. „Syndycy” (1662, Amsterdam). zasłużenie uznawany za jedno ze szczytowych osiągnięć twórczości Rembrandta). Ostre cechy psychologiczne, prostota konstrukcji, skrywająca nieomylność rytmu linii i mas, a także skromna liczba kolorów, ale intensywna kolorystyka, podsumowują całą dotychczasową drogę Rembrandta jako portrecisty.
W wieku dojrzałym (50 lat) Rembrandt stworzył swoje najlepsze ryciny. Charakterystyczna głębia Rembrandta analiza psychologiczna, wyrazisty realizm obrazów i doskonałość własności technika artystyczna znalazły odzwierciedlenie w długiej serii niezwykłych arkuszy, tematycznie jeszcze bardziej zróżnicowanych niż obrazy mistrza. Do szczególnie znanych należą: „Chrystus uzdrawiający chorych” (tzw. „Liść stu florenów”, ok. 1649), „Trzy krzyże” (1653), portrety Lutmy (1656), Haringa (1655), Sześć ( 1647 ), a także krajobrazy znane jako „Trzy drzewa” (1643) i „Posiadłość ważników złota” (1651).
Nie mniej znaczące miejsce Dziedzictwo graficzne Rembrandta obejmuje rysunki. Ostrość i oryginalność postrzegania otaczającego świata przez Rembrandta ze szczególną siłą znalazła odzwierciedlenie w tych licznych i różnorodnych kartach. Sposób rysowania, podobnie jak styl malarstwa Rembrandta, ulega zauważalnej ewolucji w trakcie twórczego rozwoju mistrza. O ile wczesne rysunki Rembrandta były szczegółowo opracowane i dość złożone pod względem kompozycyjnym, to w dojrzalszym okresie wykonywał je w sposób szeroki obrazowo, niezwykle lakonicznie i prosto. Rembrandt malował najczęściej piórem gęsim lub trzcinowym i potrafił osiągnąć wyjątkową siłę wyrazu za pomocą najprostszych technik. R. pozostawił po sobie 2000 rysunków. Jego rysunki, nawet jeśli są drobnymi szkicami jakiegoś codziennego motywu, stanowią kompletną całość, w pełni oddającą całą różnorodność natury.
Epilog twórczości R. można uznać za jego wspaniałe płótno „Powrót syna marnotrawnego” (ok. 1668–1669, Ermitaż), w którym najpełniej zademonstrowano estetyczny wzrost i kunszt malarski artysty. Artysta wypełnia ewangeliczną przypowieść o młodzieńcu, który opuścił dom, roztrwonił majątek i wrócił do ojca żałosny, obdarty i upokorzony o głęboko ludzkiej treści. Szlachetna idea miłości do cierpiącego człowieka objawia się tutaj w obrazach, które uderzają życiową przekonywalnością. Twarz starego, na wpół niewidomego ojca i gest jego rąk wyrażają nieskończoną dobroć, a postać syna w brudnych łachmanach, przytulonego do ojca, wyraża szczerą i głęboką skruchę. Chyba żaden inny obraz Rembrandta nie wywołuje tak wielu głębokich i współczujących uczuć. Rembrandt uczył swoich widzów miłości i przebaczenia. Następnie w ostatnich latach i miesiącach życie Rembrandta toczy się na pozór spokojnie. Przeżywszy Hendrickje i Tytusa, zmarł 4 października 1669 roku.
R. miał ogromny wpływ na sztukę. Nie było w Holandii malarza swoich czasów, który nie doświadczyłby wpływu wielkiego artysty, z których najsłynniejszymi byli Ferdinand Bol (1616-1680), Gerbrand van den Eckout (1621-1674) i Art de Gelder (1645). -1727). Po opanowaniu tematów, technik kompozytorskich i typów nauczycieli, w malowaniu postaci nadal nie poszli dalej niż zewnętrzne naśladownictwo technik Rembrandta. Wręcz przeciwnie, żywy wpływ mistrza był zdecydowanie odczuwalny wśród wielu sąsiadujących z nim malarzy pejzażystów - Philipsa Konincka (1619–1688), Doomera (1622–1700) i innych. Ale większość go zdradziła, przechodząc na stanowiska akademizmu i naśladowania modnych wówczas Flamandów, a potem Francuzów.
Jak to często bywa w historii sztuki, mimo genialnego talentu, Rembrandt zmarł w biedzie i samotności jako zapomniany, bezużyteczny mistrz. Im jednak czas mija, tym cenniejsze jest dziedzictwo artysty w oczach ludzkości. Można bez przesady powiedzieć, że Rembrandt to jeden z najwybitniejszych artystów w historii sztuki światowej. Wielu nazwałoby to niezrównanym. Grób Rembrandta zaginął, ale jego dzieła przetrwają stulecia.
W ostatniej ćwierci XVII w. zaczyna się upadek malarstwa holenderskiego, utrata tożsamości narodowej i to od początku. XVIII wiek Nadchodzi koniec wielkiej ery holenderskiego realizmu.
Malarstwo holenderskie - malarstwo XVII w
Istotną cechą sztuki holenderskiej była znacząca przewaga wszystkich jej rodzajów malarstwa. Przedstawiciele najwyższych szczebli władzy, biedni mieszczanie, rzemieślnicy i chłopi, dekorowali swoje domy malowidłami. Sprzedawano je na aukcjach i jarmarkach; artyści czasami używali ich nawet jako środka do płacenia rachunków.
Droga w lesie, Meindert Hobbema, 1670
Malarzy było pod dostatkiem, a konkurencja była dość zacięta, gdyż zawód artysty był powszechny. Niewielu mogło zarabiać na życie malarstwem. Większość artystów musiała wykonywać różne prace: Jacob van Ruisdael był lekarzem, Meindert Hobbema pracował jako urzędnik akcyzowy, a Jan Steen był karczmarzem.
W XVII wieku malarstwo holenderskie rozwijało się dynamicznie nie tylko ze względu na rosnące zapotrzebowanie na pragnących ozdobić swoje domy obrazami, ale także z uwagi na fakt, że zaczęto je postrzegać jako towar, środek spekulacji i źródło zysku. zysk. Artysta był całkowicie zależny od trendów rynkowych, uwalniając się od takich bezpośrednich klientów, jak wpływowi mecenasi (panowie feudalni) i Kościół katolicki. Wyznaczono ścieżki rozwoju społeczeństwa holenderskiego, a artyści sprzeciwiający się im i broniący swojej niezależności twórczej zostali odizolowani i przedwcześnie umierali w samotności i biedzie. W większości przypadków byli to po prostu najbardziej utalentowani artyści, jak Rembrandt i Frans Hals.
Malarze holenderscy przedstawiali głównie otaczającą rzeczywistość, której artyści innych szkół malarskich nie oddawali tak w pełni. Główne miejsce w utrwalaniu nurtów realistycznych zajmowały portrety, życie codzienne, martwe natury i pejzaże, gdyż artyści zwracali się ku różnym aspektom życia. Tak głęboko i prawdziwie przedstawili rozgrywający się przed nimi realny świat, że ich prace robiły wrażenie.
Jan Steen, Spotkanie z biesiadnikami, 1679
Każdy gatunek miał swoje własne ruchy. Wśród malarzy przedstawiających pejzaże byli malarze morscy i malarze preferujący równiny lub lasy, byli też mistrzowie pejzaży zimowych i widoków przedstawiających światło księżyca. Wśród artystów gatunkowych wyróżniali się ci, którzy przedstawiali mieszczan i chłopów, sceny z życia domowego i zabaw, bazary i polowania. Nie zabrakło także artystów specjalizujących się we wnętrzach kościelnych i różnego rodzaju martwych naturach, takich jak „ławka”, „deser”, „śniadanie” itp. Na liczbę wykonywanych zadań wpływ miała taka cecha malarstwa holenderskiego, jak ograniczoność. Wirtuozerii malarza sprzyjał jednak fakt, że każdy artysta skupiał się na konkretnym gatunku. Malowali tylko najważniejsi holenderscy artyści różne gatunki.
Rozwój realistycznego malarstwa holenderskiego nastąpił w ramach walki z manieryzmem i ruchem naśladującym włoską sztukę klasyczną. Formalnie zapożyczone od Włoscy artyści, przedstawicieli tych kierunków, techniki były skrajnie nienaturalne dla tradycji narodowego malarstwa holenderskiego. Trendy realistyczne ujawniły się wyraźniej w potocznym gatunku i portrecie w okresie rozwoju malarstwa niderlandzkiego, który przypadł na lata 1609-1640.
Jacoba van Ruisdaela(1628-1682) był wybitny mistrz w gatunku pejzażu (malowali klasyczny holenderski pejzaż - pustynne wydmy, słynne wiatraki, łodzie kanałowe, łyżwiarze, a nie przyroda w ogóle), artysta o nieograniczonej wyobraźni („Wodospad”, „Leśne bagna”, „Cmentarz żydowski”) . Skrupulatnie szkicując naturę, Ruisdael osiąga jednocześnie monumentalność.
Wiatrak w Wijk bei Dyrsted. 1670. Rijksmuseum. Amsterdam, Jacob van Ruisdael
Można nazwać jednym z najbardziej utalentowanych portrecistów tej epoki Fransa Halsa(ok. 1585-1666). Jest autorem wielu portretów zbiorowych, m.in. wizerunków cechów strzeleckich (stowarzyszenia oficerów ochrony miast i obronności). Mieszczanie chcieli uwiecznić siebie, a artysta musiał pamiętać o szacunku dla każdego modelu. Atrakcyjne w tych obrazach jest ukazanie ideałów młodej republiki, koleżeństwa, równości i poczucia wolności. Ludzie pewni siebie i pełni energii jutro patrzą na widza z płócien („Streltsy Guild of St. George”, „Streltsy Guild of St. Adrian”). Naturalnie są przedstawiani na przyjaznej uczcie. Dzięki indywidualny styl artysta - szeroki, pewny siebie, o bogatych, jasnych kolorach (czerwony, żółty, niebieski itp.) - z tych jednostek powstaje artystyczny dokument epoki.
Portret Stefana Geradsa, 1652, Muzeum Królewskie, Antwerpia
Dużo lekkomyślnego zapału, presji, niepohamowanej energii i w indywidualnych portretach z konturami malarstwo rodzajowe. To znika w późniejszych portretach. Na przykład na portrecie mężczyzny w Ermitażu widać smutek i zmęczenie bohatera Halsa, pomimo całej jego imponacyjności, a nawet dumy. Cechy te uwypuklają jeszcze inny portret (przedstawienie mężczyzny w kapeluszu z szerokim rondem). W tym późnym okresie Hals osiąga najwyższy poziom kunsztu, tonacja w jego pracach staje się monochromatyczna (przeważnie ciemne, czarne ubrania, z białym kołnierzykiem i mankietami, a tło ma kolor ciemnej oliwki). Pomimo lakonizmu palety obrazowej opiera się ona na niezwykle subtelnych gradacjach.
Tworzenie Rembrandta van Rijna(1606-1669) było ostatnim osiągnięciem Holendrów sztuka XVII wieku i szczyt jego realizmu.
Od: Artemenko Alena, -