>

Glasbena kultura Španije v 20. stoletju. Glasba Španije: kratka ekskurzija. Skozi samostane Katalonije in Galicije

Pogodba o uporabi gradiva spletnega mesta

Prosimo vas, da dela, objavljena na spletnem mestu, uporabljate izključno v osebne namene. Objavljanje materialov na drugih straneh je prepovedano.
To delo (in vsa druga) je na voljo za prenos popolnoma brezplačno. Lahko se mentalno zahvalite njegovemu avtorju in ekipi spletnega mesta.

Predložitev vašega dobrega dela v bazo znanja je preprosta. Uporabite spodnji obrazec

Študenti, podiplomski študenti, mladi znanstveniki, ki bazo znanja uporabljajo pri študiju in delu, vam bodo zelo hvaležni.

Podobni dokumenti

    Izvajalski nastop skladatelja A.N. Scriabin, analiza nekaterih značilnosti njegove klavirske tehnike. Skrjabin skladatelj: periodizacija ustvarjalnosti. Figurativne in čustvene sfere Skrjabinove glasbe in njihove značilnosti, glavne značilnosti njegovega sloga.

    magistrsko delo, dodano 24.08.2013

    goljufija, dodana 13.11.2009

    Otroštvo in mladost Rimskega-Korsakova, poznanstvo z Balakirevom, služba na Almazu. Dela skladatelja: glasbena slika"Sadko", simfonične suite "Antar" in "Šeherezada". Uverture, simfonične suite iz oper in transkripcije opernih prizorov.

    tečajna naloga, dodana 08.05.2012

    Značilnosti ruščine glasbe XVIII stoletja. Barok je obdobje, ko so ideje o tem, kakšna bi morala biti glasba, dobile svojo obliko; te glasbene oblike še danes niso izgubile na pomenu. Veliki predstavniki in glasbena dela baročne dobe.

    povzetek, dodan 14.01.2010

    Kratke informacije o življenju in delu sijajnega poljskega skladatelja in pianista Fryderyka Chopina. Inovativna sinteza kot značilnost njegovega glasbenega jezika. Zvrsti in oblike Chopinovega klavirskega dela, njihove značilnosti.

    povzetek, dodan 21.11.2014

    Preučevanje življenjske poti in dela skladatelja in pianista F. Chopina. Chopinova klavirska izvedba, ki združuje globino in iskrenost čustev z milino in tehnično dovršenostjo. Umetniška dejavnost, glasbena dediščina. Muzej F. Chopina.

    predstavitev, dodana 03.02.2011

    Pesemska kultura Rusije v 19. stoletju. Ruska skladateljska šola: Mihail Ivanovič Glinka; Aleksander Sergejevič Dargomyzhsky; Petra Iljiča Čajkovskega. Partnerstvo " Mogočna druščina"je edinstven pojav ruske glasbe. Ruska glasbena kultura zgodnjega 20. stoletja.

    Na svetu je toliko različnih kultur, vendar se mnogi kulturni strokovnjaki strinjajo, da je španska ena izmed najbolj čudovite države po vsem svetu: od kulinarike do tradicionalnih letnih festivalov, ki jih je mogoče videti samo na ulicah te države. Številne tradicije so skupne po vsej Španiji, obstajajo pa tudi edinstvene, značilne za vsako posamezno provinco ali regijo.

    Na kulturo Španije je nekoč vplivalo več držav in ljudstev - zaradi zanimive geografske lege na stičišču Evrope in Afrike ter nekaterih zgodovinskih dogodkov. Rimljani so pustili velik pečat na jeziku in veri: v obdobju od leta 1000 do 1492 je bila Španija rimskokatoliška država. Veliko besed v španščini je tudi izposojenih od Arabcev. Tudi Judje so vpleteni v mešanje kultur.

    Arhitektura Španije

    Samo zaradi arhitekturnih ansamblov je vredno iti v Španijo.

    To je preplet stilov in časov, hkratni obstoj pompoznega pompa in aristokratske zadržanosti, veličine in skromne preprostosti. Španija ima vodilno mesto po številu znamenitih katedral med vsemi državami na svetu. To so gotski templji Seville,


    in mavrski Nazaret v Granadi,


    in tudi asketski Escorial blizu Madrida,



    Renesančne katedrale v Valencii



    romanska katedrala Santiago de Compostela,

    hiša Terrades (Casa de les Punches) ali "hiša s trnjem" v Barceloni in mnoge druge.


    Nemogoče je ne omeniti velikega španskega arhitekta Antonia Gaudija, ki je postavil temelje za razvoj španskega modernizma.


    Batlo ali "hišo kosti" je arhitekt Gaudí zasnoval iz stare hiše za tekstilnega magnata Josepa Batlla i Casanovasa

    Njegovo delo je v glavnem osredotočeno na Barcelono, kjer je vsaka stavba stvaritev tega katalonskega genija.


    Gaudijevo zadnje delo La Pedrera ali "Kamnolom"

    Art

    Špansko slikarstvo je pustilo neizbrisen pečat v svetovni zgodovini likovne umetnosti. Salvador Dali je slavni španski umetnik 20. stoletja, čigar talent je znan po vsem svetu zaradi njegovih muhastih nadrealističnih slik, ki so pretresle svet.


    Nadarjeni graver in slikar Francisco Goya, ki velja za prvega modernega mojstra romantične dobe, je ustvaril model in utrl pot nadaljnjim delom umetnikov, kot sta Monet in Pablo Picasso. Z gotovostjo lahko sklepamo, da je Španija zibelka talentov.

    Glasba in ples

    Glasba je pomemben del španske kulture. Država ima dolgo zgodovino sprejemanja različnih oblik andaluzijske in zahodne klasične glasbe ter pop glasbe. Španija je bogata z različnimi stili ljudske glasbe. Poleg tega ima sodobna Španija številne umetnike v žanrih rocka, heavy metala, punka in hip-hopa.


    Vendar pa je najbolj priljubljena oblika španščine ljudska glasba- to je flamenko.

    Tudi nekdo, ki nič ne ve o Španiji, vam bo ob besedi flamenko hitro odgovoril, da govorimo o tej državi. Čuten in ognjevit ples flamenka, ki izvira iz Andaluzije. Ta enotnost plesa, igranja kitare in pesmi je za Špance ena najstarejših oblik zabave. Gre za kompleksen vzorec gibov telesa in nog, ki ga spremlja goreč ritem, ki ga določajo ploskanje rok in kastanjete. Pri tem plesu je izjemno pomembna vloga pevca, za katerega je bila leta 1790 ustvarjena posebna kitara.

    Festivali in fešte

    Če pogledate španski koledar počitnic, bodo skoraj vsi želeli ostati tukaj za vedno: njihovi ogromno, natančneje okoli 200. Razlaga za to obilje je zelo preprosta: Španci so veselo in temperamentno ljudstvo. Ljubezen do ognjemetov, grmenja petard, svetlih oblek, hrupne glasbe in ritmičnega flamenka je v njihovi krvi. Najbolj osupljivi festivali so tisti, ki potekajo v novoletnem in velikonočnem tednu. Glavni španski praznik je državni dan Hispanidad, ki ga vsako leto praznujemo 12. oktobra.


    Plesni karnevali z dih jemajočimi kostumi poskrbijo za več zanimanja za ljubitelje španske kulture.


    Siesta

    Siesta je za Slovane zelo lepa in nenavadna tradicija obveznega popoldanskega počitka, ki običajno traja od 14.00 do 15.00. Španci ta čas preživijo doma z družino ali ob popoldanskem spanju.

    Večina trgovin in javnih ustanov se v tem času zapre. Poleti, ko je še posebej vroče, siesto izkoristimo kot priložnost za ohladitev (pod hladno prho ali na morju), da se ob koncu dneva vrnemo v službo bolj vedrega duha.

    Šport

    Nogomet za številne Špance ni le šport, ampak tudi strast. Vrhunska klubska moštva, kot sta Real Madrid in Barcelona, ​​lahko pritegnejo množice več kot 100.000 ljudi.



    Reprezentanca se je uvrstila med svetovno elito, leta 2008 je osvojila tudi evropsko prvenstvo, leta 2010 pa svetovno prvenstvo v nogometu.

    Tradicionalna bikoborba - bikoborba, športni spektakel v Španiji, ki obstaja že več stoletij, še vedno poteka na Plaza de Toros po vsej državi, čeprav se njegova priljubljenost razlikuje od regije do regije.


    Jezik

    Čeprav lahko skoraj celotno prebivalstvo Španije tekoče govori špansko, obstaja več drugih skupnih jezikov, ki delujejo v isti regiji.


    Na primer: "baskijski" v Baskiji in Navari, "katalonski" v Kataloniji, Bolearskih otokih in Valenciji ter "galicijski" v Galiciji. Vsi imajo uradni status drugega jezika in tudi nekateri časopisi izhajajo samo v njih.

    Religija Španije

    Večina prebivalcev Španije so katoličani. Vendar se vere lotevajo na svoj način in ne fanatično.


    In čeprav ima vsak mesec španskega koledarja približno ducat dni v čast svetnikom, je to najverjetneje le dodaten razlog za še en praznik. Prazniki tukaj imajo mešanico duhovnih vrednot s poganskimi častmi.

    Španija je država, kjer so istospolne poroke legalizirane. Takšni pari imajo uradno pravico do posvojitve otrok. Mimogrede, sprejetje zakona o istospolnih porokah je nekoč podpiralo 67% samih katoličanov.


    Vsebina članka

    ZAHODNO EVROPSKA GLASBA. Zahodnoevropska glasba pomeni glasbeno kulturo Evrope – dedinja kultur Stara Grčija , Stari Rim in Rimsko cesarstvo, katerega razpad na zahodni in vzhodni del se je zgodil v 4. stoletju.

    V skladu z zahodnoevropsko kulturo sta se razvijali tudi kulturi vzhodne Evrope in Amerike. Ruska glasbena kultura, ki razkriva številne značilnosti, podobne evropski glasbi, se praviloma obravnava samostojno. Starogrška kultura je oplodila tako Zahod kot Vzhod. Toda tudi stari vzhod ( Egipt , Babilon , školjka , Partija, Sogdiana, Kušani itd.) so opazno vplivali na glasbeni razvoj Evrope. V srednjem veku so se različna glasbila, novi ritmi in plesi razširili z juga Evrope na sever in muslimani Španija je bil dirigent arabskega glasbenega in literarne tradicije. Kasneje so otomanski Turki postali nosilci glasbenega profesionalizma islamske civilizacije, ki je na svoj način pomnožila bogastvo, podedovano iz antike. glasbena kultura narodov Bližnjega in Srednjega vzhoda.

    Njene značilne lastnosti so zahodnoevropske Glasbena kultura se je pojavila v srednjem veku. Takrat so se poklicne glasbene tradicije oblikovale v okviru krščanske cerkve, na gradovih aristokratov in med vitezi ter v praksi mestnih glasbenikov. Dolga stoletja so bile te tradicije enoglasne in šele v zrelem srednjem veku sta se pojavila polifonija in glasbeno pisanje, rojen je bil enoten sistem cerkvenih načinov in ritmov, evropska glasbila (orgle, čembalo, violina) pa so dosegla popolnost. Po Renesansa glasba se je osamosvojila in se ločila od besedil (liturgičnih, literarnih in pesniških). Individualna iznajdljivost je bila visoko cenjena in rojevale so se nove glasbene zvrsti posvetne vsebine ( opera) in oblikah instrumentalne glasbe so se pojavile ideje o posnetem glasbenem »delu« (kompoziciji) in delu skladatelja. Od 17. stoletja. Individualizacija ustvarjalnega procesa se stopnjuje - tako pri skladanju glasbe kot pri obrti izdelovanja glasbil in kasneje v odrski umetnosti. Dvorna in mestna glasbena kultura se razvijata intenzivneje od cerkvene. Cerkveni načini in tehnika polifonije, kot jo je razvila cerkev ( polifonija) umikajo nove načine (dur in mol) ter homofono-harmonski princip združevanja glasov.

    Novi procesi, ki so se razvili po 17. stoletju, so še naprej razkrivali skupen glasbeni »jezik«, ki so ga glasbeniki »govorili«, ne glede na to, v katerem delu evropskega sveta so živeli. Nastala v Italija, nato v Francija, nato v Nemčija glasbena »moda« je širila enake estetske predstave o glasbi in načinih njenega ustvarjanja, ki so določali izvirnost glasbenega sloga (norme, glasbeni jezik) enega ali drugega. zgodovinska doba. Meje teh slogov so kljub pestrosti ustvarjalnih portretov glasbenikov jasno izstopale in tvorile enake stilne temelje (barok, klasicizem , romantika , ekspresionizem , impresionizem itd.), kot v literaturi, arhitektura , likovna umetnost ustrezne dobe.

    Zaradi nenehnega spreminjanja glasbenih stilov kot nekaterih "tehnik" komponiranja glasbe se je spremenila semantika, odprli so se različni vidiki njegove sposobnosti izražanja dinamičnih, vedenjskih, racionalno-matematičnih in psiholoških sposobnosti človeka. Potreba Evropejcev po ustvarjanju nečesa novega na glasbenem področju, za razliko od tistega, kar je bilo prej, je privedla do različnih individualnih stilov skladateljev in od 20. st. – na eni strani h »kompilativnemu« načinu ustvarjanja, z uporabo znanih tehnik ustvarjanja novega glasbenega dela, na drugi strani pa popolnemu zanikanju vseh znanih slogovnih norm na področju ustvarjanja in izvajanja glasbe, do eksperimentalnega. ustvarjalnost (avantgarda), do iskanja novosti v materialih, povezanih s sodobnimi predstavami o glasbi (hrup in specifični zvoki okolja), ter z novimi elektronskimi instrumentalnimi zvoki do tehničnih metod obdelave vseh vrst zvoka (na sintetizatorjih, trakovi, računalniki), do zavračanja metod fiksiranja glasbenega dela na papir z uporabo notnega sistema.

    GLASBA SREDNJEGA VEKA.

    V daljšem obdobju se je v zahodni Evropi oblikoval nov tip kulture, v katerem so razlikovali kultno (cerkveno), viteško (aristokratsko) in meščansko (urbano) izročilo. Njihova specifičnost in interakcija sta prispevala k razvoju edinstvenih značilnosti zahodnoevropske glasbene kulture.

    Glasba katoliške cerkve v zgodnjem srednjem veku (4.–10. stoletje).

    Zahodnoevropska glasba je svoje poklicne značilnosti oblikovala predvsem v nedrju krščanske katoliške cerkvene prakse, ki je svojo posebnost začela razkrivati ​​od 4. stoletja. Samostani so bili središča učenja in glasbenega profesionalizma. Glasbo bogoslužja je odlikovala narava nenavezanosti na vse ničevost, ponižnost in poglobljenost v molitev. Če so v prvih krščanskih skupnostih prepevali vsi zbrani, so po koncilu v Laodiceji (364) v cerkvi začeli peti le poklicni pevci.

    gregorijanski koral.

    Izvor glasbene liturgije krščanskega tipa je viden v starodavnih petjih Egipta, Judeje in Sirije. Za duhovščino je bil avtoriteta na glasbenem področju starojudovski kralj David. V srednjem veku se pojavlja pogosto: bodisi v svetopisemski legendi, ko s svojim igranjem na glasbilo izganja demone iz kralja Savla, bodisi upodobljen z igranjem na različne instrumente (psalterij, harfa, zvonovi). Cerkev pa je oblikovala nove glasbene tradicije, ki temeljijo na petju svetih besedil: »David je pel v psalmih in mi pojemo z Davidom do danes. David je uporabljal citro, katere strune so brez življenja, cerkev pa uporablja citro z živimi strunami; naši jeziki so strune: oznanjajo različne zvoke, a eno ljubezen« (iz cerkvenega interdikta Laodicejskega koncila).

    Petje, ki je postalo osnova krščanskega bogoslužja, je dolgo ostalo enoglasno. V večini cerkva se je izvajala po vrsti psalmodije, ki je bila podobna recitaciji: majhen obseg in praktično nezpevane besede besedila je pela ena oseba, verniki pa so odgovarjali z enako monotono recitacijo. V glasbi je prevladovalo besedilo, ki je sledilo ritmu besed, melodične intonacije pa ne smejo odvrniti od pomena besedila. V 5.–7. Obstajale so različne samostanske tradicije, ki so se razvijale vzporedno z rimsko. V Lyonu, Britaniji in severni Italiji je nastalo galikansko petje, v Španiji (Toledo), ki je bila pod vplivom arabsko-muslimanske kulture, mozarabsko petje. Od 5.–6. V Italiji je postalo običajno izvajanje svetih besedil v maniri petja hvalnic, ki so se odlikovale z vokalnim petjem in melodijo. Ustvarjalec tovrstnega petja je bil škof Ambrož v Milanu, ki je uporabljal poezijo v obliki starorimske poezije (ambrozijanski koral).

    S krepitvijo institucije papeštva je duhovna oblast izbrala obredne melodije in izvedla njihovo kanonizacijo. Od 6. stoletja V Rimu je bila ustanovljena pevska šola (Schola cantorum). Z nastankom gregorijanskega tipa korala je prišlo do poenotenja cerkvenega pevskega izročila, katerega tvorec je bil papež Gregor I. Sestavil je ogromen nabor spevov (antifonarij), ki je vključeval številne domače napeve. Glavni del pesmi je sestavljal »gibljivi« del cerkvenih bogoslužij: začetni psalm, psalm za določen dan v letu, molitev med obhajilom itd. v ritmu besed so bili izbrani za bogoslužje. Besedila (Stare in Nove zaveze) so bila zapeta le v latinščini v obliki monodije – enoglasnega moškega petja, bodisi v zboru (enoglasno) ali enega pevca. Edino glasbilo, ki se je v cerkvi začelo slišati od leta 660 poleg petja, so bile orgle, ki jih je uvedel papež Vitalijan. Orgle, ki so prihajale z Vzhoda, so bile pogoste v vsakdanjem življenju, vendar jim je cerkev dala status »božanskega glasbila« in njihovo zasnovo izboljševala vse do 17. stoletja, ko so ob gradnji cerkve gradili ogromne orgle in razvijali tehniko igranja tega instrumenta.

    Monotono psalmodično petje ni imelo ritma (pelo se je prozaično besedilo). Melodija se je gladko dvignila na višje tone, tam ostala in se spustila na prvotno raven. Besedila in melodije so bile vsebovane v posebnih knjigah in posodobljene. Obseg glavnih načinov-melodij, ki poudarjajo duhovno strukturo molitvenega rituala, je bil omejen na osem. Sestavili so zgradbo oktoeha - sistem osmih cerkvenih načinov, ki je prevladoval v praksi šolanja pevcev in glasbeni teoriji. Srednjeveški teoretiki so vsakemu načinu predpisali svojo čustveno strukturo: 1 – gibljivost, spretnost; 2 – resnost in obžalovanja vredna slovesnost; 3 - vznemirjenost, impetuoznost, jeza in resnost; 4 – umirjenost in prijetnost, zgovornost in laskanje; 5 - veselje, mir in zabava; 6 – žalost, dotik in strast; 7 – lahkotnost mladosti, prijetnost; 8 – senilna resnost, veličastnost.

    V nizu gregorijanskih koralov so bili napevi, ki so se razlikovali od vsakdanjih in so predstavljali posebno vrsto bogoslužja – mašo. To je cikel pesmi ob glavnih bogoslužnih praznikih iz 5–6 razdelkov. Vsak je bil poimenovan glede na začetne besede besedila: Kyrie eleison (Gospod se usmili); Gloria… (Gloria); Credo… (Verjamem v enega Boga); Sanctus… In Benedictus (Svet je Gospod Bog nad vojskami); (Blagor mu, ki prihaja v božjem imenu); Agnus Dei... (Jagnje božje, ki odjemlješ grehe sveta).

    Rojstvo polifonije.

    V 9. stoletju v središčih »glasbenega učenja« (samostan St. Gallen, stolnice v Reimsu, Lüttichu, Chartresu itd.), kjer so bile dobre pevske sile, so nastale nove vrste enoglasnega gregorijanskega korala, ki so privedle do nastanka polifonija v cerkvi. Do 12.–13. Prevladovalo je dvoglasno petje (diafonija). Sama melodija gregorijanskega korala se ni spremenila. Zvenel je kot podporni glas, ki je dobil imena "enakomerna melodija" (cantus planus), "močna melodija" (cantus firmus). V koralih ni bilo glasovnih napevov; toni melodije so se zamenjali na vsakem novem zlogu (zlogovni napev). Sčasoma je bilo izvajanje koralov napolnjeno z novostmi: na mestih, kjer se je zbor izmenjeval s solo petjem, se je začela pojavljati bolj barvita melodija. Pogosteje se je to zgodilo, ko je bila pred vsako kitico besedila nekakšen melodični refren (antifona) in ko so se na koncu besedila pri petju vzklikov (kot je »Aleluja!«) pojavila posebej okrašena melodična sredstva (melizmi) in pojavili so se ornamentirani napevi (jubileji). Tako je nastal stil melizmatičnega petja. V službah so se poleg glavnega korala začela izvajati dodatna besedila z rimami - v posebnih melodijah (sekvence, tropi). Zvenele so ob božiču in veliki noči. Nato se je začela kazati avtorjeva ustvarjalnost (Notker Zaika in Totilon - meniha samostana v St. Galenu) in igralski talent menihov, ki so začeli skladati in uprizarjati epizode iz evangelija v glasbo (češčenje pastirjev , darila otroku Jezusu, žalovanje za dojenčki, ubitimi po ukazu Heroda itd.). Nastala je edinstvena zvrst liturgične drame, ki se bo kasneje razkrila v oratoriju. Vpeljava raznovrstnega glasbenega in pesniškega gradiva je obogatila gregorijanski koral in pritegnila vernike, vendar je še vedno ostala v bistvu enoglasna.

    Prvi korak v oblikovanju polifonije je bilo takšno petje, ko je tone koralne melodije podvajal drug glas, ki je spremljal koral (organum). Vsak ton (nota) je pel samo en zlog, petje s toni zlogov pa je zborovsko melodijo »zgostilo« navpično, sama melodija pa se je gibala v eno smer. Pri tem se je izkazal likovni in akustični učinek, ki ga je v cerkvi ustvarilo zvenenje glasov v različnih registrih. Omogočal je vrednotenje kakovosti kombinacije tonov po vertikali (ne v melodiji, ampak v harmoniji) - kot evfonične (konsonance) in disonantne (disonance). V prostorih katoliške katedrale je bila dosežena posebna resonanca, povečan je bil učinek »odmeva«, k čemur niso prispevali vsi intervali, ki so se pojavili pri skupnem petju, temveč predvsem tisti, ki so bili zaznani kot isti ton (perfekt): oktave, kvinte in kvarte. Sčasoma bo zvok obeh glasov postal manj vzporeden, tj. bolj svobodni v smereh melodičnega gibanja: dva istočasno zveneča glasova se bosta bodisi razšla, nato združila ali križala. Ta zgodnja vrsta polifonije je zajela skoraj vso Evropo, vključno z Anglijo. Organum je vodilna zvrst polifone glasbe srednjega veka.

    Glasba v zrelem srednjem veku.

    V 11.–12. (obdobje Saint-Martiala) se je razširil poseben stil dvoglasnega petja, ki izvira iz južnofrancoskega samostana v Limogesu in severnošpanskega samostana Santiago de Compostela. Tu je cvetela melizmatika - okrasitev glavne melodije korala z neodvisno in bolj mobilno melodijo. Na določenih mestih je solist, medtem ko so drugi pevci izvajali en razvlečen zlog, uvajal svoj napev tega zloga (od treh do desetih tonov). Melizmatični slog je prekinil vzporednost dvoglasnega zvoka »nota za noto« in ustvaril predpogoje za občutek neodvisnosti obeh glasov. Danes je dobila ime »gotska« polifonija, saj je predstavljala vrhunec v razvoju gregorijanstva. Pod vplivom razvite polifonije (polifonije) se bo gregorijanski koral izčrpal v dobi zrelega srednjega veka.

    Glasbena teorija. Notacija.

    Razvoj glasbene teorije v zahodni Evropi je potekal v okviru cerkvene znanosti. Po tradiciji starih Grkov so filozofi glasbo obravnavali v sistemu sedmih »svobodnih umetnosti«, kjer je sobivala z aritmetiko, geometrijo in astronomijo (kot del »kvadriuma«). Po rimskem filozofu Boetiju so obstajale predvsem tri zvrsti glasbe: glasba sveta - gibanje nebesnih sfer, človeška - kombinacija človeških glasov, instrumentalna - manifestacija numeričnih vzorcev. Poznavanje glasbe, ki je temeljilo na razumevanju zakonov lepote števila in razmerij, je bilo cenjeno nad prakso: »Glasbenik je tisti, ki si ni pridobil znanja o petju s suženjstvom praktične poti, temveč z razumom s sklepanjem. ” (Boetij) Vendar pa je praktični razvoj glasbe “popravil” teorijo, ki se je po renesansi razvijala v smeri posameznih glasbenih jezikov, stilov, izvajalskih tehnik in izpopolnjevanja inštrumentov. glasbeni izrazi in avtorske interpretacije glasbenih jezikov.

    Posebnost zahodnoevropske glasbene kulture je povezana s pojavom notnega zapisa, ki svoje rojstvo dolguje cerkveni glasbeni praksi. Ansambelsko izvajanje glasbe se dolgo ni moglo zadovoljiti le z zapisanim besednim besedilom. Preobremenjen je bil spomin pevcev, ki so si zapomnili določene »tone« (modalne melodije), primerne za določena teološka besedila. Uporabljal se je črkovni zapis, poznan tako v stari Grčiji kot v islamskem svetu, vendar je zahteval natančne navedbe poteka melodičnega razvoja in ritma petja.

    Do 11. stoletja pevci so uporabljali posebne ikone (nevme), ki so bile postavljene nad besedami besedila. Neštevilčna pisava ni beležila ritma, temveč le relativno višino tonov in smer melodije.

    Glasbena in teoretična dela Arabcev ( Al-Farabi), preveden v latinščino v muslimanski Španiji, je postal vir številnih inovacij v glasbi zahodne Evrope. Skupaj s prakso igranja "lutnje", ki je prišla od Arabcev (skrajšano, brez člena, arabsko ime "al-ud" - "laud", "lut"), si bodo Evropejci iz vzhodnih traktatov izposodili obliko snemanja glasbe : obris štirih (kasneje - petih) strun ouda, ki označujejo tone z arabskimi črkami, kjer jih pritiskamo s prsti (tablature). Cerkveni glasbeniki so s črtami označevali tudi različne višinske položaje tonov, vendar je število vrstic segalo do 18, kar je prenašalo celoten obseg petja. Osnove sodobnega notnega zapisa je ustvaril vodja pevske kapele Guido iz Arezza (ok. 995–1050), pri čemer je uvedel sistem štirih glasbenih linij (difov) s črkovnimi oznakami tonov. Gvidova reforma je vplivala tudi na glasbeno teorijo, tradicijo pisanja razprav o glasbi je približal »tehniki« glasbenega ustvarjanja in zavračal »filozofiranje« o glasbi (v duhu Boecija). Guido je odgovoren tudi za uvedbo slavnih imen evropskih tonov: do-re-mi-fa-sol-la-si. Po eni različici so povezani s črkami latinske abecede in so se pojavili kot način petja tonov (solmizacija) brez verbalnega besedila v latinski rimi, ki jo je posebej izumil Guido. Po drugi različici so si imena evropskih tonov izposodili od Arabcev in ustrezajo imenom črk v arabski abecedi: dal-ra-mim-fa-sad-lam-sin. ()

    Zgodnja polifonija (polifonija).

    V delu glasbenikov (Leonina, 2. polovica 12. stoletja in Perotina, 12.–13. stoletja), ki so služili v pevski šoli kapele katedrale Notre Dame v Parizu, se oblikuje nova vrsta polifonije. Iz 12. stoletja Slog notredamske šole so odlikovale značilne lastnosti: pojav treh in štirih glasov, melodična gibljivost zgornjega glasu (visoki toni), svoboda in kontrast dodatnih glasov glede na koral, preoblikovanje koralu. melodijo v umerjeno zvenečo podlago - zdržan glas. Harmonija glasbenega zvoka je bila zdaj dosežena ne toliko z besedilnimi cezurami, temveč s ponavljanjem melodičnih napevov in ritmičnih stavkov. V delih Perotina z vzdevkom "Veliki" se oblikuje sistem glasbenih ritmičnih načinov, neodvisnih od besedila (bilo jih je 6, pozneje 8) in se pojavi nova tehnika razvoja (kanon, imitacija), ki temelji na ponavljanju. iste melodije v drugem glasu. Načela polifonije notredamske šole, ki temeljijo ne le na vertikalnem, temveč tudi na linearnem gibanju glasov, se širijo povsod. Počasnost cerkvenega obredja, izražena v zvoku korala, se je začela združevati z barvitostjo melodične fantazije.

    Posvetna glasbena tradicija v srednjem veku.

    Posvetna glasbena ustvarjalnost je dolgo časa ležala zunaj poklicne sfere. Njegovo oblikovanje je olajšalo oblikovanje dvornih (viteških) tradicij v kulturi Evrope, njihova interakcija z glasbeno kulturo meščanov, z ljudsko kulturo srednjeveškega mesta. Nazaj v 9. stol. (karolinška doba) je bila organizirana »palačna akademija« (po vzoru antične), kjer so potekali znanstveni disputi ter tekmovanja pesnikov in glasbenikov. S prihodom novih kulturnih središč (univerz), poleg velikih katedral, kjer so bile šole za urjenje pevcev, se je učenje zgostilo ne le v krogih duhovščine, ampak tudi v krogih prosvetljenega plemstva.

    Trouveres in trubadurji.

    Ideologija viteštva je imela pomembno vlogo pri oblikovanju posvetnih glasbenih tradicij. Križarske vojne na vzhod in spoznavanje arabske (islamske) dvorne kulture - solo petje sestavljenih pesmi ob spremljavi ouda, ki je cvetelo v muslimanski Španiji, je razširilo pogled na svet vitezov, prispevalo k oblikovanju norm "mirnega" ” obnašanje in kodeks časti. Poseben značaj viteškega dialoga z »lepo damo«, predanega služenja njej in idealov dvorne ljubezni, se je razvil v 11.–12. v glasbeni in pesniški ustvarjalnosti trubadurji in trouvères (kot so na severu imenovali trubadurje) – prvi primeri posvetne poezije s pisno posneto glasbo. Razsvetljeno plemstvo je zahtevalo ustvarjanje pesmi s petjem, ki poveličujejo Lepo gospo. V gradovih in na družabnih praznovanjih se je vitez iz »pogumnega barbara« spremenil v »nežnega poznavalca ženskih čarov«. Provansalski trubadurji niso pisali poezije v govorjenem jeziku, ampak v prefinjenem "koine".

    Imena mnogih trubadurjev in trouverjev kažejo, da so izhajali iz različnih družbenih slojev: Guillaume VII., grof Poitiersa, vojvoda Akvitanije; grof Angoulême; revni Gaskonec Marcabrun, ki je služil na katalonskem dvoru, Bernart de Ventadorn; Bertrand de Born. Peire Vidal - ekspanziven in hiter na jezik, je služil na dvoru madžarskega kralja, on in Girouat de Borneil sta bila blizu vladarjem Barcelone; Guiraut Riquier je dolga leta služil na istem dvoru, čigar melodije (48) so se najbolje ohranile; Folke iz Marseilla, iz družine bogatega genovskega trgovca, in Goselm Fedi, ki je izgubil bogastvo in postal žongler. V 12. stoletju Trubadurji so bili uspešni na kastiljskem dvoru v severni Španiji. Večina Trouvères izvira iz Arrasa (severno od Laure). Med Trouvèri je veliko meščanov brez naslova in potepuških vitezov (Jean de Brienne) ter udeležencev križarskih vojn (Guillaume de Ferrieres, Bouchard de Marly). Znani so bili kanonik de Bethune, grofov sin, avtor številnih pesmi o križarskih vojnah; slab žongler, a izobražen in pretanjen pesnik, Colin Muset, pa tudi Thibault, šampanjski grof, navarski kralj (ohranilo se je 59 melodij).

    V umetnosti trubadurjev in trouverjev se oblikujejo značilne zvrsti: alba (pesem zore), servera (pesem iz perspektive viteza), balada, rondo, kancona, dialoške pesmi, koračnice križarjev, žalostinke (na smrt Richarda Levjesrčnega). Besedila pesmi, ki izražajo »nežna« čustva, so strofična, melodija je sestavljena za eno kitico in se ponovi v novi. Forma je bila na splošno raznolika - včasih s ponovitvami odsekov, refrenov, včasih brez njih, fraze so bile jasno razdeljene in jih je odlikovala plesnost. Povezava med melodijo in verzom se je kazala v ritmu, saj melodija se "prilega" enemu od šestih ritmičnih načinov ("vzorcev") - "umetne" ritmične figure.

    V 12.–13. stoletju je delo trubadurjev prišlo v Nemčijo, besedila iz francoščine so bila prevedena v nemščino, njihove pesmi pa so se pojavile na že znane melodije. Tukaj se imenujejo pesniki-pevci Minnesingerji. Minnesang je cvetel na dvorih - cesarskem, vojvodskem (Dunaj), deželnem grofju (Turingija), češkem kraljevem (Praga), kjer so potekala pevska tekmovanja. Največji predstavniki Minnesanga 12.–15. stoletja: Dietmar von Aist, Walter von der Vogelweide, Nidgart von Rowenthal, Oswald von Wolkenstein. Oswald von Wohl, lastnik družinskega gradu, je bil ženin, romar, kuhar in vitez minnesinger. Henrik Meissenski je dobil vzdevek "Frauenlob" ("Hvalilec žensk"). Adam de la Halle je zadnji izmed trouverjev, izobražen pesnik in priznan glasbenik, ki je ustvarjalna načela trubadurjev razširil v Italijo. Pisal je polifonične ronde in balade ter postavil temelje glasbenogledališke zvrsti – prvi je ustvaril dvorno komedijo z glasbo. Igra o Robinu in Marion(o ljubezni viteza do pastirice).

    Mestni muzikanti ( žonglerji, ministranti, špilmani). Iz 9. stoletja pojavljajo se podatki o ljudskih godcih, katerih pesemski in instrumentalni repertoar bosta v 12.–13. stoletju tvorila osnovo posvetne glasbene lirike. Žonglerji, ministranti, špilmani so rokodelski glasbeniki. Večina jih je tavala iz mesta v mesto, nastopali so na festivalih. Nekateri so se ustalili in postali mestni trobentači in bobnarji, pevci, mimiki, igralci, izvajalci različnih glasbil (viele – vrsta violine, harfa, flavta, šal – vrsta oboe, orgle itd.). Pogosto so se zaposlili pri gospodih. Med potujočimi vajenci je zaslovel pevec, pesnik in dramatik Hans Sachs, ki je potoval po nemških mestih in v Nürnbergu vodil Meistersingerjevo gibanje.

    Katoliška cerkev ni priznavala vse glasbe, razvijala je »popolno umetnost« (ars perfectum) - tiste glasbene oblike, ki so ustrezale bogoslužju. Sklepi cerkvenih koncilov in izjave večjih teologov, ki so skrbeli za pobožno vzgojo vernikov, so vsebovali prepovedi vstopa v cerkev ženskam, ki so pele, plesale in izvajale ljudske obrede, potepuške pevce in godce, ki so jih imenovali histrioni. Z negovanjem morale duhovščine in župljanov se je cerkev zaščitila pred življenjem laikov. Glasbena kultura je bila razslojena na dve plasti: kultno in posvetno, cerkveno in posvetno. Vendar pa je od 12. do 13. st. »tavajoči ljudje« začnejo sodelovati v duhovnih predstavah, v tistih epizodah bogoslužja, kjer je bila zahtevana izvedba komičnih vlog ali kjer je bogoslužje potekalo v lokalnih jezikih.

    Kultna in posvetna glasba v 13.–14.

    Značilnosti sekularizacije cerkvene glasbe se začnejo pojavljati v 12.–13. Posvetne podobe prodirajo v duhovno tematiko, oblike liturgije pa postanejo spektakularnejše. Gregorijanski koral ostaja obvezna sestavina cerkvene službe, vendar se možnosti njegove polifonične predstavitve razkrivajo glede na individualnost avtorja. Nastajajo regionalne polifonične šole. Pojavlja se izraz »musica composita«, ki je blizu bodočemu izrazu »kompozicija« (J. de Grogeo, začetek 14. stoletja), kar pomeni po analogiji s tistim, ki ga uporabljajo muslimani od 9. stoletja. izraz "tarkib" (arabsko - "kompozicija") - "komponirana glasba". Obstaja kombinacija tehnike cerkvene umetnosti z značilnostmi posvetne umetnosti.

    Razvijajo se nove oblike sakralne glasbe, v katerih se kaže lirično načelo. V Italiji so se razširile himnične hvalnice (lauda), uvedla se je kratka rimana proza, blizu posvetni liriki. Z razvojem duhovnega krivoverstva (frančiškanski red) so se pojavili duhovni napevi v domačem narečju. V Franciji je nadškof P. Corbeil sestavil danes priljubljeno »oslovsko prozo«, ki je hvalila osla in je bila namenjena prazniku obrezovanja. V Španiji v 13. stol. Na dvoru kastiljskega kralja Alfonsa X. Modrega, pesnika, glasbenika, pokrovitelja znanosti, je cvetela duhovna lirika: pojavila se je zbirka hvalnic (cantigs), posvečenih Devici Mariji (več kot 400 pesmi v galicijskem narečju). Izražajo ljudsko pesemsko osnovo, imajo zbore, izvaja jih instrumentalna zasedba.

    Motet. Gimel.

    Na nastanek in razvoj diskantnega stila petja v cerkveni praksi so vplivala ljudska glasbena izročila, njihove intonacije in elementi ljudskega »nezvočnega« petja. V 12. stoletju duh francoske dvorne kulture tiste dobe Ludvik IX rodi novo zvrst - motet, razvija večplastno polifonijo. Motet je postal vodilni žanr, »gotska miniatura srednjega veka«. Vse večja težnja po izražanju realističnih podob in njihovi individualizaciji se je najbolje pokazala v tej zvrsti, ki se je izkazala za primerno za ustvarjanje sakralne in posvetne glasbe. Poleg nove melodije so v njej začele zveneti tudi nove besede. Koralu, zapetemu v latinščini, je bil dodan še en napev (več napevov) z besedilom v običajnem jeziku, pogosto s šaljivo, igrivo ali erotično vsebino. Značilne so postale ponovitve (ritmične, motivne) in pesemsko-verzna oblika. Motet, ki ga odlikuje miniaturnost, igrivost in liričnost, je dopolnil grandiozna polifonična »platna« z bolj virtuozno tehniko in prispeval k razvoju individualne ustvarjalnosti. Motete so igrali na festivalih, turnirjih, zabavah in slovesnostih. Zunaj cerkve so jih izvajali ob spremljavi kakšnega instrumenta, od druge polovice 13. st. pojavili so se instrumentalni moteti.

    Razcvet polifonije v Franciji je povzročil nastanek zrele polifone pisave, ki ni takoj dosegla tiste kombinacije več samostojnih (tako v ritmu kot melodiji) glasov, ki jih bomo poznali v 16.–18. (l J. Palestrina oz J.S.Bach). Eden od vzgibov, ki je večglasni slog približal njegovim višinam, je bil stil petja, ki se je razširil v Angliji (gimel, kasneje fabourdon). način ljudsko petje Britanci so v cerkveno petje uvedli kombinacije glasov, ki so tvorile navpične intervale terc in spolov, ki v cerkveni teoriji veljajo za nepopolne. Identificirali so »problem« oblikovanja novih (necerkvenih) modusov – dura in mola, v katerih bi prevladoval tretji interval. Zdi se, da je srednjeveška praksa večglasnega petja po eni strani stremela k »oddaljevanju« od kombinacije glasov navpično in začela vse bolj razvijati njihovo linearno (manj odvisno drug od drugega) gibanje - kontrapunkt. Toda po drugi strani se bo nadaljevalo "iskanje" terciarnih prilagoditev, ki zadovoljijo uho (v vertikalni in ne v progresivni melodični kombinaciji - v harmoniji). V zrelem srednjem veku se bo začel kristalizirati dur-mol modalni sistem, ki bo v sodobnem času predstavljal specifiko zahodnoevropskega glasbenega mišljenja, ki temelji na homofono-harmonični tehniki.

    ZNAČILNOSTI RENESANSE V GLASBI

    »Nova umetnost« (ars nova).

    Podoba poklicnega glasbenika, ki se je oblikovala v srednjem veku v cerkvi, na prelomu 13.–14. dopolnjuje podoba razsvetljenega aristokrata, ki sklada glasbo za cerkev in za posvetno družbo. Profesionalec je moral poznati glasbene zakonitosti, erudicijo, ki je navadnemu ljubitelju glasbe ni poznala. Prišlo je do razumevanja samostojnega pomena glasbe, njene sposobnosti, da »gradi« po lastnih zakonih in je vir užitka. Specifičnost interakcije kultnega in posvetnega glasbenega profesionalizma se je pokazala v razmejitvi glasbene in pesniške umetnosti na: »novo umetnost« (ars nova) in »staro umetnost« (ars antiqua). Teoretik ars nove je bil francoski glasbenik, pesnik in filozof Philippe de Vitry (1291–1361), avtor razprave Ars nova(ok. 1320). To delo je določilo nov »vektor« razvoja glasbe, ki se je razlikoval od kultnega, ki se je uveljavil pred tem časom. To se ni izrazilo le v prepoznavanju poltonskih intervalov kot "nelažnih" in terc kot evfoničnih (konsonance), temveč tudi v novih metroritmičnih delitvah. – dvokrilci, ki dopolnjujejo trikrilce, ki so prevladovali v cerkvi. Z nastankom miniaturnih liričnih motetov, rondojev in balad se je spremenila figurativna struktura profesionalne glasbe. V delih skladateljev se pojavlja izoritmična tehnika (ostinatno-variacijski princip): povečanje trajanja tonov spodnjega temeljnega glasu (melodični ostinato ali ponavljanje - "cantus prius firmus") z zgornjimi glasovi, ki tvorijo gibljivo svetlobno nadgradnjo. nad njim. Ponavljajoči koral melodija nima več figurativno-melodične vloge, ampak postane dejavnik harmonske vertikale - ritmično soorganizira vse glasove.

    Zelo znani so postali triglasni moteti pesnika in skladatelja Guillauma de Machauta (okoli 1300–1377), ki je služil kot kantor notredamske katedrale in tajnik češkega kralja Janeza Luksemburškega. Glasba je prenehala biti »božanska veda«, postaja eksponent zemeljskega principa: »Glasba je veda, ki teži k temu, da se zabavamo, pojemo in plešemo« (Machaud). Skladatelji, ki so še naprej delali za cerkev, so si sposodili glasbo ars nova zaradi njenega izrazitega sloga. V 14. stoletju V Italiji se je pojavila vrsta svetlih glasbenih posameznikov, ki so pisali glasbo po navdihu in komponirali svoje melodije za večglasne maše. Prevladovale so maše in cerkveni moteti, pojavili pa so se tudi posvetni žanri - madrigal, caccia, balada. Ustvarjalna pot trubadurjev se je nadaljevala, vendar z drugačno strokovno tehniko - polifonijo, s širšim naborom umetniških podob. Med izjemne glasbenike tiste dobe sodi slepi virtuozni organist Francesco Landini (1325–1347), avtor znamenitih dvo- in triglasnih madrigalov ter dolgočasno liričnih balad.

    nizozemska (francosko-flamska) polifona šola 15.–16.

    Od začetka 15. stol. Severni del je začel igrati aktivno vlogo v glasbeni kulturi Evrope. Po vključitvi Nizozemske v ozemlje burgundskih vojvod se je interakcija francoske, burgundske in angleške glasbene tradicije okrepila, kar je povzročilo novo poklicno šolo mojstrov polifonije, ki je svoj vpliv razširila v Italijo, Španijo in kolonije novega sveta. V 15.–16. Nizozemski glasbeniki so delovali v skoraj vseh večjih urbanih središčih Evrope. Njihova glasba je jasno izražala duhovnost, povezano z vzvišenimi idejami katoliške vere. Z opiranjem na dosežke rimske cerkvene glasbene šole so to tradicijo lahko oplodili z novimi vzgibi dobe ars nova in tako cerkveni glasbi dali izjemno moč umetniške lepote in popolnosti. Matematično racionalno obvladovanje večglasne tehnike se je pokazalo v zvoku večglasnih zborov, ki pojejo brez spremljave (a capella). Nova zborovska polifonija je rezultat številnih pojavov, ki so jih prevzeli Nizozemci: ortodoksni koral, večglasni posvetni moteti, petje »v tercah« angleške pesmi, flamska ljudska pesem in melodična italijanska frotola. To večglasje je v zboru razkrilo tako enodimenzionalen zvok, ki ga je mogoče doseči le na orglah. Ravnovesje 4 ali 5 glasov in širok razpon njihovega zvoka (zaradi vpletenosti nizkih glasov, ki so nadomestili falsete) je ustvarilo neprekinjen tok glasbe, kjer se en glas »plasti« na drugega. To je bil vrhunec zborovske linearne polifonije.

    V cerkvenem bogoslužju maša postane osrednja in pridobi status samostojne glasbene zvrsti. V delu Guillauma Dufaya (1400–1474) se je štiriglasna maša iz raznovrstnih števil spremenila v umetniško delo, ko je združevanje delov bogoslužja in njihova intonacijska enotnost tvorila posebno glasbeno celovitost. Skladatelj, ki se pokloni posvetnim motetom, ljudske melodije »vtke« v glasove maše, jih reliefno izpostavlja, pri čemer se pogosto naslanja na akordsko strukturo. Mojster polifonične tehnike je bil Jan Ockeghem (1428–1495), ki je imel veliko privržencev. Razvil je tehnike za posnemanje (ponavljanje) melodije v različnih glasovih (obračanje, stiskanje, prekrivanje itd.). Z učinkovitim menjavanjem polnega zvoka zbora in njegovih skupin je dosegel kontinuirano fluidnost glasbenega tkiva. Glasba ni izgubila religioznega značaja, vendar je koral izgubil svojo vlogo temelja v polifoniji, saj njegova melodija se je lahko premikala iz glasu v glas in se je pela tako od spodaj kot od zgoraj. Pogosto je namesto korala funkcijo glavnega napeva (cantus firmus) opravljala melodija avtorja ali znana pesem. V tem primeru je masa dobila posebno ime ali pa ga sploh ni imela (Okegem - maša brez naslova, J.Depres – La-Sol-Fa-Re).

    Izjemna mojstra flamske polifonije sta bila tudi Heinrich Isaac (ok. 1450–1517) in Jacob Obrecht (ok. 1430–1505). Toda Josquin Despres je dosegel posebno vlogo v organskem združevanju cerkvenih in ljudsko-posvetnih melodijskih načel v zborovskem večglasju. Pisal je duhovne maše, posvetne madrigale in šansone. Njegovo glasbo so sodobniki prepoznavali kot ideal »popolne umetnosti« cerkve, saj ni kompliciral polifone tehnike, ampak je ustvaril strog »razsvetljeni slog« polifone pisave. To dejstvo je imelo velika vrednost za razvoj cerkvene glasbe, saj samostojnega pomena glasbe niso pozdravljali cerkveni ministranti, ki so ji dodelili funkcijo "vznemirjanja umov s petjem, da bi vznemirjeni bolje razumeli pomen teh pesmi" (Melanchthon).

    Polifonična tehnika v »strogem« slogu kontrapunktskega pisanja doseže vrhunec v ustvarjalnosti O.Lasso in J. Palestrina. Laso je združil tehniko cerkvenega polifonega mojstrstva s posvetnimi podobami, posebno teatralnostjo in čustvenostjo, karnevalsko in duhovitostjo (esej Echo za dva zbora). V posvetna in duhovna dela je združeval polifono in harmonsko načelo zvoka, vnašal ekspresivne kromatizme, melodične okraske in dramske recitacije (podobne opernim). Palestrina, ki je deloval v največjih kapelah v Rimu in sodeloval pri reformah tridentinskega koncila, je bil priznan kot "rešitelj cerkvene glasbe" v dobi "ofenzive" posvetnega profesionalizma. Avtor mnogih maš, motetov, magnifikatov, hvalnic, madrigalov (posvetnih in sakralnih) je postal zgled sloga strogo kontrapunktičnega pisanja, ko sta kontinuiteta in nenehno menjavanje različnih glasov v zboru ter prenos melodične pobude iz glas v glas so bile umetniško pomembne. Tako spretno »tkanje« glasov ni zakrivalo besed in jih je učinkovito poudarjal začetek nove melodične linije ali menjava registrov. Umetniško pomembna so bila glasbena dela drugih renesančnih mojstrov: Italijana G. Allegrija, Angleža T. Tallisa in drugih.

    Instrumentalna glasba renesanse.

    V 15.–16. instrumentalna glasba se začne pojavljati kot samostojna tradicija in se hitro razširi v vsakdanjem življenju, salonih, dvorih in cerkvah. Lutnja postaja vse bolj priljubljena v vsakdanjem življenju. Prve tiskane notne zbirke so poleg duhovnih del ponujale instrumentalne skladbe za lutnjo (tri tabulature za lutnjo je sestavil O. Perucci 1507–1509). Vendar je bilo gradivo instrumentalnega repertoarja predvsem vokalne narave – to so priredbe motetov, šansonov, ljudskih melodij in koralov. Pri igranju orgel, lutnje in zgodnjih klavirjev se oblikujejo načela variantnega izvajanja ene teme-melodije (npr. orgelska in klavirska dela španskega skladatelja F. Antonia Cabezona (1510–1566)). Toda cerkev, ki je dovolila instrumentalne zvoke, je ukazala: »Naj škofje omejijo igranje orgel, da se slišijo besede, ki se pojejo, in da se duše tistih, ki poslušajo, obrnejo k hvalnici Bogu s svetim besedami, in ne z radovednimi, zanimivimi melodijami« (Resolucija koncila v Toledu, 1566).

    Madrigal.

    Pojavil se je v 14. stoletju. Zvrst madrigala je najbolj jasno izrazila nov sekularni vektor razvoja glasbene kulture. Izhajajoč iz ljudske pesmi, se je glasba zlila z delom renesančnih pesnikov. Madrigali so pesmi, pretežno ljubezenske vsebine, namenjene petju v domačem jeziku, zapisane F. Petrarka , G. Boccaccio, P. Bembo, T. Tasso , L.Ariosto itd. Želja po čutnosti je odlikovala ta žanr, ki je postal priljubljen ne le v Italiji, ampak tudi v Franciji, Nemčiji in Angliji. Utrdila je nove homofono-harmonične principe glasbenega jezika, saj so se intenzivno razvijale nove dramske možnosti melodije, njena sposobnost »izražanja« človeških solz, tožb, vzdihov ali piha vetra, toka vode, ptičjega petja. V zgodovinski kontinuiteti z besedili trubadurjev in trouverjev se je madrigal razvijal do začetka 17. stoletja. in spoznal principe polifonije, razvite v posvetnih žanrih: motet, kachce, frotolla. V 16. stoletju posamezne glasove v madrigalu so začeli nadomeščati inštrumenti, kar je pripomoglo k rojstvu homofono-harmonične strukture glasbe - primata melodije z instrumentalno spremljavo. Istočasno se je pojavila gledališka igra z glasbo - madrigalska komedija (O. Vecchi, G. Torelli itd.), Podobna commedia dell'arte, kjer so se pojavile tipične, kot v zgodnjih operah, glasbene značilnosti likov. : veselje, jeza, žalost, ljubosumje, prevara itd. Priznan mojster madrigala je bil Italijan Carlo Gesualdo di Venosa (ok. 1560–1615), ki je dosegel posebno melodično izraznost, saj so ga navdušile nove intonacije, ki niso temeljile na diatoniki. , ampak na kromatskih intervalih. Obstajal je tudi žanr šansona, blizu madrigalu, ki je bil razširjen v Franciji. Prizori mestnega življenja, skice narave ( Ptičje petje, Kriki Pariza, Ženske klepetajo med pranjem perila) so predstavljeni v znamenitih šansonih Clémenta Janequina (ok. 1475 - ok. 1560) - vodje kapel v Bordeauxu, Angersu, Parizu in pevca kraljeve kapele. V mladosti je obiskal Italijo in spremljal svojega gospoda med »italijanskimi vojnami« (1505–1515), kar je prispevalo k širjenju posvetnih aristokratskih tradicij Italije v Francijo in nastanku lastne dvorne glasbene kulture tukaj. Žanr madrigala je prodrl v Anglijo, kjer je izstopalo delo Johna Dowlanda.

    firenška kamera. Drama za glasbo

    (»drama skozi glasbo«)

    Ideje renesanse so glasbenike prevzele kasneje kot na drugih področjih umetnosti. Svet glasbe»razcepljen« v svojih idejah o tem, kako naj se starogrško načelo uteleša v glasbi 16. stoletja. Mnogi znanstveniki so občudovali nizozemsko polifonijo J. Depresa in nasprotovali inovacijam drugih glasbenikov. V dvornih krogih Italije v 2. polovici 15. stol. Nastala so neodvisna združenja znanstvenikov, pesnikov in glasbenikov (akademije), kjer so oznanjali nove ideale, ki so zavračali cerkveno umetnost in se osredotočali na antiko. Skladatelj, lutnjist in matematik Vincenzo Galilei (1520–1591) je navdihnil umetnike in znanstvenike, ki so sestavljali firenško kamerato – aristokratsko skupnost podobno mislečih ljudi, vključno s pesniki, glasbeniki in umetniki. V teku Dialog o starodavni in sodobni glasbi(1581) je nasprotoval polifoniji in se zavzemal za homofoničen stil pisanja, pri čemer je izjavil, da v »popolni umetnosti« cerkve ni nič od antične klasike, Nizozemce pa je označil za »srednjeveške barbare«. Za člane camerata so bile osrednje človeške izkušnje, ki so jih cenili kot »ustvarjalno novost« (inventio). Zbirko enoglasnih madrigalov in arij je Giulio Caccini (1550–1618) poimenoval Nova glasba(1601). Skladatelj je zaslovel kot izumitelj "ekspresivnega" enoglasnega sloga in recitativnega petja, ki je imelo čustven prizvok. Dokončno ločitev cerkvene (polifone) in posvetne (homofone) zvrsti glasbe je razglasil v obliki novega ustvarjalnega kreda glasbenika: komponirati glasbo »po lastni presoji« in dovoliti »izjeme od vseh pravil «, ki so jih določili cerkveni kanoni.

    Razcvet dvorne kulture se je izražal v glasbenih in gledaliških zvrsteh. Ko je podala idejo o oživitvi starogrške tragedije, se aristokracija ni naslanjala na Sofoklejeve ali Evripidove drame, gravitirala je k divertismentnim podobam, k hedonistični interpretaciji mitoloških zapletov. Florentincem je uspelo ustvariti tisto, kar bi iz 18. stoletja. označujejo opero. V svojih prvih gledaliških predstavah - "drame skozi glasbo" ( Daphne, Evridika J. Peri), začela je prevladovati melodija (arija), uresničena je bila sinteza glasbe z besedo v recitativno-deklamatorskem slogu petja. Pastoralni svet, tuj tragediji in duhovnim konfliktom, izražen v glasbenih dramah Florentincev, je dopolnil ustvarjalni genij Claudio Monteverdi. Predstavil je idejo o "novi metodi" v umetnosti "vznemirljivega in militantnega sloga". Njegovo delo ni bilo modno, toda v madrigalih in arijah je znal živo utelesiti tako slike narave kot duševna stanja junakov, zlasti v produkcijah, ki jih je imenoval »zgodbe o glasbi«: Orfej ( Orfej), Seneca in Ottavia ( Kronanje Poppea), Ariadnina pritožba ( Ariadna). Opera izhaja iz Monteverdijevega dela, kjer je prvič dosegla sintezo glasbe, besede in odrskega dejanja v značilnih opernih oblikah: arije, recitativi, dueti, zbori, instrumentalni ritorneli. Opera je veličasten glasbeni vrhunec italijanske renesanse.

    Glasba baročne dobe (17. – začetek 18. stoletja)

    Začetek 17. stoletja - čas, ko so se v umetnosti pokazale značilnosti baročnega sloga. V posvetnih oblikah se glasba približuje literaturi in izgublja stik z matematiko. Glasbena umetnost ni več obravnavana v sistemu kvadriuma, ampak se približuje retoriki in je skupaj s slovnico in logiko vključena v trivium. Razvoj instrumentalnih zvrsti loči glasbo od poezije in plesa. Izšla je razprava v treh zvezkih nemškega organista in skladatelja Michaela Praetoriusa (1571–1621). Syntagma musicum(1615–1619), ki preučuje oblike sakralne in posvetne glasbe, glasbila (granografija) in glasbene izraze, ki opredeljujejo bistvo vokalnih zvrsti, značilnih za svoj čas (motet, madrigal) in instrumentalnih (koncert, preludij, fantazija, fuga). , toccata, sonata , simfonija), popularni plesi (allemande, cime, galliard, volta) itd.

    Posebnosti glasbenega jezika 17. stoletja. se kaže v zmedi različne tehnike, stilov, podob, v kombinaciji »starega« in »novega«. Prevladovala je polifona tehnika, ki jo izpodrivajo recitativno-deklamatorske, teksturno-fantazijske tehnike. Z združevanjem cerkvene službe s služenjem gospodom so se glasbeniki oprli na različne sloge in jih primerjali v eni skladbi: pesemska arija z gregorijanskim koralom, madrigal z duhovnim motetom in koncert. Sposobnost zabavati, razveseliti človeka in hkrati slaviti Boga, dvigniti se nad vsakdanje življenje, je naloga glasbenika te dobe. Ocenjuje se avtorjeva spretnost, profesionalna izdelava glasbene »stvari« (kompozicije), ki ne izgine v hipni izvedbi (improvizacija), ampak se ohrani zapisano v notnih rokopisih in publikacijah (notni tisk – od konec 15. stoletja). Od konca 16. stol. v Italiji se pojavi izraz »skladatelj«.

    Značilnosti baroka v Italiji.

    V Italiji se oblikujejo in krepijo nove posvetne glasbene zvrsti. Opera, ki je nastala v aristokratskih salonih, se demokratizira in se seli po različnih mestih v Italiji in širše. V 17. stoletju razvila se je vrsta opere seria (»resna opera«), ki temelji na mitoloških in zgodovinsko-junaških temah. beneški (M.A. Chesti, F. Cavalli) in neapeljski ( A. Scarlatti) operne šole. Ob vokalni in gledališki glasbi nastajajo nove zvrsti: ansambelsko-instrumentalni koncert, solistični - sonata, obsežen vokalno-instrumentalni cikel - oratorij, male orgelske in klavirske skladbe - fantazije, tokate, preludiji; rojevajo se nove polifone oblike (v tehniki prostega kontrapunkta) - ricercar, fuga; Prednost imajo vsakdanji ritmi in melodije - ples v suitah, pesmi v arijah, kancone, serenade. Baroknost se kaže v strasti do kontrastov (dinamičnih, teksturiranih, instrumentalnih) in figurativnega patosa, ekspresije, junaštva in patetike, primerjave klovnovskega in vzvišenega. Osnovni princip glasbenega mišljenja se začne spreminjati - od polifonega do homofono-harmoničnega, ko glavna stvar postane težnost nestabilnih akordov k stabilnim. Obstaja prehod iz srednjeveškega modalnega sistema (modalni) v nov - dur-mol). Na prelomu 16.–17. modalni zvok je bil drugačen od sodobnega, izbor določenih intervalov, lestvic, akordov je bil šele v teku, vendar se je začela priznavati umetniška izraznost ne samo sozvočja, ampak tudi disonance (terce, sekunde).

    Značilnosti baroka so najjasneje predstavljene v delih italijanskih skladateljev in organistov. Beneška polifonična šola je predlagala Andreo in Giovannija Gabrielija, ki sta primerjala vokalne in instrumentalne zvoke ter predstavila teksturo akordov. G. Gabrieli (1557–1612/13) je začel uporabljati dinamična navodila, uvajati tematske in ritmične ponovitve ter ustvarjati instrumentalna dela, ki so blizu nastajajoči novi posvetni zvrsti koncerta.

    Značilnosti baroka v severni Evropi.

    Glasba severnega dela Evrope je razkrivala iste slogovne značilnosti, a nekoliko drugače. Posvetna glasbena izročila, ki so se v Italiji hitro razvijala z začetkom 17. stoletja, so se pri nas razvijala počasneje in zaradi protestantskega gibanja ostala dolgo omejena v okvire cerkve. Nizozemska polifonična šola je bila pozabljena, njena načela pa so bila uporabljena na avstrijsko-nemških tleh, v glasbi Protestantska cerkev. Duhovna dela so bila napolnjena z opernim slogom, ki je prišel iz Italije, in logiko tonskega in harmonskega razvoja. Indikativno je delo Heinricha Schütza (1585–1672), ki je dajal duhovni koncert in oratorij raje kot cerkvene maše, motete in magnifikate ( Sveto simfonije, Strasti po Mateju itd.). Kot dvorni glasbenik in cerkveni minister na dvorih nemških volilnih in deželnih grofov je prispeval k oblikovanju protestantske liturgije. Na podlagi kombinacije gledališča in madrigala Italijanov s kontrapunktom Nizozemcev je bilo njegovo poveličevanje Boga v glasbi napolnjeno z vitalnostjo, ne da bi pri tem izgubilo vzvišeno čistost. Tako je cerkvena glasba severne Evrope postala nasičena s posvetnimi značilnostmi. Kontinuiteta med Schutzem in mojstri zborovske ustvarjalnosti 18. stoletja je očitna. – J.S.Bach in G. F. Handel, za katerega sta zvrst oratorija in kantate postala osrednja. Ti skladatelji so kot sodobniki razvili glasbene podobe protestantske kulture. In čeprav so ustvarjalne biografije padel v prvo polovico 18. stoletja, je bil slog njihovih del povezan z minulo dobo, ki so jo zaznamovale značilnosti baroka. Ni naključje, da so sodobniki bolj cenili dela ne velikega Bacha, temveč njegovih sinov. Philip Emmanuel Bach, izvrsten igralec na činele, je imel velike uspehe, skladal je modne sonate, za katere je bil odločilen novi glasbeni stil klasicizma. Razsežnosti ustvarjalnosti in mojstrstva J. S. Bacha so ovrednotili šele v 19. stoletju, ko F. Mendelssohn-Bartholdy organiziran javni nastop Pasijon po Mateju(Berlin, 1829). Bachovo mojstrstvo je šokiralo vse: »Ne »Creek« (nemško »der Bach« je skladateljev priimek), ampak »Sea« bi ga moral klicati!« - tako je figurativno ocenil veličino Bachove glasbe L. Beethoven.

    Delo J. S. Bacha je vrhunec svobodnega polifoničnega pisanja, katerega osnova je bila fuga (dobesedno »tek«), ko so glasovi vstopali izmenično z isto kratko, a ekspresivno temo in jo ponavljali (imitacija) v različnih registrih in v različne tone. Glasovi (dva, trije ali štirje) so se razvijali sočasno, kar dokazuje njihovo enakovrednost. Bach je dosegel višino z združevanjem racionalne "konstrukcije" glasbe po zakonih kontrapunkta in umetniške ekspresivnosti podob, harmonskega in tonskega razvoja ter odkritij tembra. Figurativna zgradba njegovih del – zborovska (kantate, oratoriji, maše, magnifikati, ki zavzemajo največji del njegove ustvarjalne dediščine) in instrumentalna (tokate, fuge, preludiji, orgelske priredbe koralov, invencije, fantazije ipd.) je zelo izrazita. dramatičen, poln govorniške patetike. Skladateljeva ustvarjalna prizadevanja so bila usmerjena v reformo krščanskega tipa bogoslužja v protestantski cerkvi. Bil je luteran in protestantski koral je postal osnova njegovega dela. Izjemen virtuozni orgličar, zadnje obdobje V življenju je zasedal ponižujoč položaj kantorja v Tomaževi cerkvi v Leipzigu, kjer je vodil deški zbor. Sčasoma je dosegel želeno mesto "skladatelja kraljeve dvorne kapele", ki mu ga je dodelil volilni knez Avgust III. Ustvarjajoč predvsem glasbo za cerkev, je Bach napisal veliko posvetnih del, v različnih letih pa je opravljal naloge dvornega skladatelja vojvod v Weimarju in Kettenu. Ustvaril je mojstrovine suite za klaviature na podlagi starodavnih plesov (angleške in francoske suite), orkestrskega concerta grossa (6. Brandenburški koncerti) solistična in ansambelska instrumentalna glasba - sonate, koncerti, variacije, polifone skladbe (za orgle, violončelo, violino, violo, flavto itd.).

    Glasbeni jezik nemškega skladatelja Georga Friderica Händla je združeval značilnosti baroka z zgodnjim klasicizmom. Navdušen nad pisanjem italijanske opere seria, se je povezal z Anglijo. A angleška javnost njegovih oper ni prepoznala. Potem je skladatelj lahko "uporabil" operno teatralnost in zabavo v oratorijih ( Mesija, Juda Makabej, Samson). Ta duhovna dela ni napisal za cerkev, ampak za koncertno dvorano (izvajali so jih v operni hiši). Tako je glasba s svetopisemskimi zgodbami in junaki pridobila posvetni status, cerkvene podobe pa obarva z dramatičnimi in herojskimi individualnimi izkušnjami ter drzno interpretacijo duhovnih namenov.

    Klasicizem v glasbi 17.–18.

    V 17.–18. središče glasbenega profesionalizma se je preselilo iz cerkve v palače kraljev in plemičev ter do sredine 18. st. – v javne mestne ustanove: operne hiše (prvi - v Benetkah leta 1637), koncertne dvorane(prvi - v Londonu leta 1690) in zunanje površine, plemiški saloni, glasbena društva, izobraževalne ustanove (akademije, konservatoriji, šole). Zahodnoevropska kultura ima aktiven "dialog" s kulturo antične Grčije, ki se je začel v dobi Italijanska renesansa. Pojavljajo se filozofske in umetniške ideje, ki jih žene vrnitev k estetskim idealom antike, vendar s poudarkom na sposobnosti človeškega uma, da ustvarja harmonijo in lepoto. Oblikuje se nova glasbena estetika glede na antiko, ki velja za vzor vseh umetnosti. Njihovo bistvo je identifikacija lepote ne v Bogu, ampak v naravi, v človeku, avtorstvo in umetniško ročno delo pa sta zdaj predmet vrednotenja. Oblikuje se glasbeni jezik dobe - klasicizem, ki odmeva v jeziku literature in arhitekture. Posebno mesto v zgodovini glasbe so zasedli »dunajski klasiki« ( J. Haydna , W. Mozart, L. Beethoven), ki je nastala kot samostojna glasbena smer.

    Ideje razsvetljenstva so povzročile nove ideje o lastnostih glasbe - njeni sposobnosti posnemanja zvokov narave in narave človeškega govora ter temperamentov ljudi. Poudarjena je zmožnost glasbe, da izrazi zvočne značilnosti različnih ljudstev in ustvarjalne individualnosti: »slogi glasbenikov se razlikujejo toliko kot stili različnih pesnikov.« To je vodilo k dejstvu, da ne bo le glasbeni poznavalec, obrtnik, ampak »glasbeni genij« sposoben »iskati lastne poti« v umetnosti (H. Schubart, razprava Ideje za estetiko glasbene umetnosti, 1784). Za razliko od govora in poezije se glasba obravnava kot samostojna oblika umetnosti - "umetnost zvokov" (M. Chabanon O glasbi v pravem pomenu besede in v povezavi z njenim odnosom do govora, jezikov, poezije in gledališča, 1785); njeni zakoni in namen so dojeti. Glasbeniki se soočajo z nalogo, da se približajo ljudem: da bi »obnovili čudeže starodavnih«, morajo »zbuditi strasti v duši«, v poslušalcih vzbuditi določene »afekte« in jih sami izkusiti (A. Kircher. Traktat Musurgia universalis, 1650). Pod vplivom retorike se pojavi teorija glasbenih afektov - upoštevanje določenih "figur", ki bi jih, "kot v pristnem govoru, morali razdeliti glede na njihov namen in uporabo" (I.N. Forkel). Splošna zgodovina glasbe, 1788). Razvrstili so duševna stanja (plemstvo, ljubezen, ljubosumje, obup, trpljenje itd.) in tiste elemente glasbe (tempo, tember, modus, lastnosti intervalov itd.), ki so bili sposobni izraziti tak ali drugačen afekt (spremenljivi duševni so bile obravnavane. To je veljalo tako za ustvarjanje kot za izvajanje glasbe, saj je bilo popolno, ko »en afekt zamenja drugega, strasti vzplamtijo in pojenjajo v neprekinjenem zaporedju« (C. P. E. Bach Izkusite pravo umetnost igranja na klaviature, 1753–1762). Skladanje glasbe (pisanje tabulatur in not) se je od izvajanja razlikovalo tako, kot sta se razlikovala pisni in ustni govor (deklamacija). Nastane glasbena teorija, ločena od glasbene prakse. Vera v moč uma, dojemanje naravnih zakonov vodi k racionalni razlagi glasbenih zakonov, ki temelji na novem razumevanju harmonije kot osnove modusno-tonalnega mišljenja: »Glasba je veda, ki mora imeti določena pravila. ” (razprave J. F. Rameauja Nov sistem glasbena teorija, 1726; Dokaz načela harmonije, 1750 itd.).

    Klasicizem zavrača polifoni slog in z njim povezano zborovsko kulturo (“ starodavne klasike"). cveti instrumentalna ustvarjalnost in rojevajo se stili: solo violina, klavir, orgle, ansambel, orkestrski, koncertni itd. Zmagajo posvetne oblike, povezane z opero, in homofono-harmonična struktura instrumentalne glasbe. Brezstrastni sistem cerkvenih načinov, ki je temeljil na etosu (posplošeni statični značaj) in brez afektov, je bil zavržen in nadomeščen z novim - dur-mol. In prenos melodije na zgornji glas je pomenil njeno prevlado. Figurativna in tematska ekspresivnost instrumentalnih tem se je začela dosegati kot rezultat združevanja melodične intonacije z besedami, likovnimi podobami in liki likov v operi, madrigalu, arijah, skladbah za čembalo in lutnjo. Melodija je začela določati homofono-harmonično mišljenje, vendar ne sama po sebi. Glasbeni profesionalizem je obvladal izkušnjo cerkvene polifonije in razvil občutek za »razširjen zvočni prostor« - v zapletenih harmoničnih (navpičnih akordih) kompleksih in različnih teksturnih plasteh. Melodija (tema) je začela sloneti na tovrstni harmoniji kot temelju.

    Homofonsko-harmonična struktura se je oblikovala šele sredi 17. stoletja. V procesu prehoda iz starega glasbenega sloga v nov je bila pomembna praksa izvajanja glasbenega dela na podlagi generalbasa, ko delo ni bilo ustvarjeno vnaprej (skladba ni bila posneta), ampak je bila improvizirano, s poudarkom na enem posnetem basu, ki so mu bile podpisane številke. Preostale glasove so predvajali »kot so« v skladu s temi navodili. Ta praksa, običajna pri igranju orgel in klavirja, je prispevala k oblikovanju novega harmoničnega (akordičnega) mišljenja. Znane polifonične tehnike (podglasi, ponovitve, imitacije tem) zdaj niso temeljile na zborovskem glasu, temveč na »zvočnem jedru«, ki je bilo v nekem trenutku »stisnjeno«, na harmoniji akordov. Zato pri homofono-harmonični strukturi ne gre toliko za zmagoslavje monofonije, temveč za večnivojsko kombinacijo tonov, ki so podrejeni enemu glasu in razkrivajo v njem skrite harmonije. Samo harmonijo so začeli razumevati kot sistem novega modalnega mišljenja, ki temelji na psiholoških občutkih »stabilnih« (napetih) in »nestabilnih« (umirjenih) tonov in akordov. Spreminjanje tonalitet v enem delu je služilo kot vir glasbenega razvoja in je zagotavljalo igro afektov, prehode iz enega " stanje duha"drugemu. Kontrast in »dogodkovnost« zvoka, dosežena s spreminjanjem melodičnih intonacij, ritmov, tempov, tekstur, je dopolnjeval kontrast načinov - prenos celotnega zvoka v novo tonsko sfero. Ni naključje, da je ustvarjanje temperiranega glasbenega sistema, "poravnanega" s poltoni, postalo naravni dosežek 18. stoletja. Durova in molova lestvica, sestavljena iz vsakega od 12 poltonov, sta se izkazali za enakovredni in omogočili prenos melodije iz ene v drugo tonaliteto brez popačenja. Temperament je bil osnova zahodnoevropskega zvočnega sistema kot ene od vrst zvočnih (intervalnih) sistemov (lestvic). Cikel 24 preludijev in fug, ki jih je ustvaril J.S Dobro temperiran klavir(1. del – 1722, 2. del – 1744) – briljantno umetniško utelešenje splošnega glasbenega koncepta New Agea.

    Italijanska opera v Evropi.

    Vir posvetnega glasbenega izročila v 17.–18. Italija je ostala. Italijanska opera se je razširila po Evropi (tudi v Rusijo). Italijanske glasbenike so vabili na dvore španskih, francoskih in avstrijskih monarhov ter jih jemali kot služabnike v hiše plemiških aristokratov. Slavni virtuozni čembalist, ki je v Rimu tekmoval s Händlom, Domenico Scarlatti, avtor prvih sonat za klaviature, je služboval na dvoru v Lizboni kot učitelj portugalske kraljice Marije Barbare, skladatelj in violončelist pa je služboval v Madridu. . Luigi Boccherini(1743–1805), mesto dirigenta dunajske operne družbe in dvornega glasbenika pa je imel skladatelj Antonio Salieri (1750–1825). Bogati evropski dvori so si prizadevali ustvariti lastno glasbeno zabavo. Sredi 17. stol. Nemški glasbeniki obvladujejo operne produkcije v Hamburgu (G. F. Telemann, R. Kaiser). Opera buffe, ki je nastala v Italiji, temelji na vsakdanjih, ljudskih in komičnih zgodbah ( Služkinja-gospodarica G. B. Pergolesi, 1733, Cecchina N. Piccini, 1760), se v svojih različicah širi v Francijo (komična opera), v Anglijo (baladna opera), na Dunaj (singspiel).

    Reforma opere seria, namenjena izboljšanju dramskih izkušenj glasbena sredstva, ki ga je izvedel nemški skladatelj Christoph Willibald Gluck. Svoja stališča je izrazil v predgovorih k operam, uprizorjenim na Dunaju ( Orfej in Evridika, 1762, Alceste, 1767): »glasba bi morala okrepiti izražanje čustev in dati veliko zanimanja za scenske situacije.« Gluckove revolucionarne ideje, namenjene "kršenju zakonov" dekorativne in glasbene italijanske in francoske opere, so pozitivno vplivale na nadaljnji razvoj žanra, čeprav so povzročile hud boj med "gluckisti in pikinisti".

    Francija po Italiji ustvarja svoj operni stil. Značilnosti zgodnjega klasicizma so najbolj prišle do izraza v delu francoskega dvornega glasbenika Jeana Baptista Lullyja. Posedovanje umetniških in glasbene sposobnosti, je Lully pritegnil pozornost Ludvika XIV., začel voditi dvorne orkestre in prejel naziva »dvorni skladatelj instrumentalne glasbe« in »mojster glasbe kraljeve družine«. Glasbenik je komponiral balete in divertissemente za dvorne svečanosti, arije za drame J. B. Molièra, sam pa je plesal in nastopal v produkcijah. Kot vodja Kraljeve akademije za glasbo je dobil monopolno pravico do uprizarjanja oper v Franciji. Ustvaril je glasbeno lirično tragedijo in jo prenesel v opero kompozicijske značilnosti tragedije P. Corneilla in J. Racina. Ljubezen do mitoloških zapletov in junaških oseb z vzvišenimi čustvi je v njej jasno razkrila klasicistične poteze: pastoralo in idilo v nasprotju s patosom in junaštvom; v dramaturgiji so se primerjali kontrastni deli in prevladovalo je načelo »glasbene simetrije« - uvod (uvertura) in zaključek; Prevladovale so izrazito povišane intonacije vokalnih partov in raznoliki zbori (od ljudskih do dekorativnih in slikovitih); vključeval številne instrumentalne točke v izvedbi orkestra. To je bil triumf družabne zabave in homofono-harmoničnega stila. Leta 1750 je v Franciji izbruhnila »vojna družine Buffon«, ki jo je vodil J.-J., proti dvornim aristokratskim operam Lullyja in njegovega najbližjega privrženca Rameauja. Rousseau in D. Diderot sta bila privrženca italijanske komične opere buffe, katere demokratične značilnosti so bile dobrodošle na predvečer revolucije.

    Instrumentalna glasba prve polovice 18. stoletja.

    Najsvetlejši predstavniki francoskega klasicizma so bili Francois Couperin in Jean Philippe Rameau. Klaviaturistična dela Couperina, Rameauja, L.-C. Daquina so primer galantnega stila, sorodnega rokokoju v slikarstvu, saj temeljijo na miniaturnih igrah portretne, vizualne in plesne narave ( Kosci, Trači Couperin, Tamburin Ramo, Kukavica Daken), za katero je značilno veliko število melodičnih okraskov in okraskov (melizme). Repertoar, ki ga obožujejo plemiški krogi (skladbe za lutnjo francoskega lutnjista Denisa Gautierja in angleškega lutnjista Dowlanda, sonate za čembalo Scarlattija, F. E. Bacha, številne opere in baleti po divertismentih). Pogumna Indija Rameau in drugi) so gojili čutne, nežne, elegantne, igrivo erotične podobe. Za pridobitev glasbenega užitka je bil potreben poseben način izvajanja: prefinjenost in gracioznost sta bili doseženi z izrazitimi premori, igro ornamentov z "težnjem" (francosko stremljenje), "visenjem" (suspenzom) - vsem, kar glasbo približuje dihanju, poveča svojo deklamacijsko ekspresivnost ( Couperinov traktat Umetnost igranja na čembalo, 1716).

    Razširjena je postala oblika suite, ki je v Evropo prišla v 16. stoletju. z muslimanskega vzhoda (njen analog je nuba pri Arabcih in Perzijcih iz 9. stoletja). Suita je temeljila na menjavanju v enem ključu (načinu) plesnih del, različnih po tempu, ritmu in značaju. Od takrat je postala priljubljena lutnja, izposojena od Arabcev, na kateri je bil repertoar, ki je osnova suite, izveden s pari kontrastnih plesov. V suitah za čembalo in njegovi deviški varieteti postanejo plesi značilne domiselne skladbe (W. Bird, G. Purcell, L. Marchand idr.). Pod vplivom opere se stopnjuje melodična izraznost instrumentalne glasbe in povečuje vloga instrumentalnih variacij - oblike, v kateri prevladuje ena melodično izrazna tema, preoblikovana ob ponavljajočih se pojavitvah. V drugi polovici 18. stol. Pri razvoju ene teme bo pomembna njena tonska sprememba. Primerjava kontrastnih tem in njihovih tonskih gibov je vodilno načelo pri ustvarjanju klasičnih sonat, simfonij in koncertov. Zato je še posebej pomembna »najava« glavnega (izvirnega) tonaliteta, v katerem je sonata ali simfonija napisana.

    Obdobje orgel in lutnje se umakne v ozadje in pusti opazen pečat v oblikovanju nove instrumentalne kulture. Ampak orgelska ustvarjalnost dobi nov močan razvoj (J. Sweelink - v Amsterdamu, I. J. Froberg - na Dunaju, A. Reincken - v Hamburgu, G. Böhm - v Luneburgu, I. Pachelbel v Erfurtu, D. Buxtehude - v Lübecku). Župljanom se približa »učena« polifonija, ki jo dopolnjujejo ljudske melodije, ki temeljijo na nemških, francoskih, angleških, poljskih pesmih in plesih, ustvarja se domači repertoar za domače muziciranje na orgle. Glavni interes glasbenikov je usmerjen v simfonično glasbo in glasbo za klaviature. Najbolj so uresničevali homofono-harmonične principe glasbenega jezika v kombinaciji z obsežnim prostorsko-registrskim zvokom in tonsko-modalnimi prehodi. Lutnjo so Evropejci pregnali nazaj. Inštrument ni zadostil novim estetskim zahtevam - dolgo je lahko ostal le v enem ključu. Tudi obseg lutnje je bil nezadosten - na njej je bilo težko zveneti zapletene harmonije akordov in nemogoča široka razporeditev glasov. Klavirji so nadomestili lutnjo, sami pa so zahtevali tehnično izboljšavo. Pomemben korak je bil izum v začetku 18. stoletja. klavirski klavir (klavir in pokončni klavir), pri udarjanju po tipkah katerega niso bile možne le učinkovite primerjave glasnih (forte) in tihih (klavir) zvokov, temveč tudi dinamični dvigi in padci. Mojstri iz Italije, Nemčije in Francije so ta inštrument izpopolnjevali skozi vse 18. stoletje. in začetek naslednjega. Klavir, ki je postal simbol sodobne evropske kulture, je nadomestil lutnjo in druge klavirje. V drugi polovici 18. stol. prve šole pianistov so se pojavile na Dunaju in v Londonu (W. Mozart, L. Beethoven, J. Hummel, K. Černi ,M. Klementi, J. Field).

    Glasba dunajske klasike (2. polovica 18. stoletja)

    Glasba za orkestre je zvenela v cerkvah, družinskih gradovih in palačah, operne hiše, vrtovi in ​​parki, »na vodi«, maškarade, povorke ( Glasba za ognjemet Handel je leta 1749 v londonskem Green Parku izvajalo 56 glasbenikov). Inštrumenti so bili različni in jih skladatelji pogosto niso natančno zastavili. Cvetenje godal je pripravilo rojstvo simfonični orkester("24 kraljevih violin" na dvoru Ludvika XIV v Parizu, "Kraljeva kapela Karla II" - v Londonu itd.). Orkester je lahko vključeval samo eno pihalo ( Velika serenada Mozartov B-dur za pihala in kontrabas ali igranje s kontrafagotom med sprehodi). V opernih in cerkvenih orkestrih so prevladovala »pevska« godala, lahko tudi orgle in čembalo in pihala (flavte, oboe, fagot) ali baker (trobenta, rog), kot tudi tolkala (timpani – izposojeno od otomanskih Turkov). Z izboljšavo zasnove roga, klarineta, fagota, pozavne Beethoven je končno oblikoval sestavo klasičnega velikega simfoničnega orkestra.

    Značilnosti poznega klasicizma so najbolj prišle do izraza v delih dunajskih klasikov. V avstrijsko-pruskih deželah je prišlo do prehoda iz estetike posnemanja v estetiko čiste glasbe. Na Bavarskem je izstopala Mannheimska orkestrska kapela (vodi J. Stamitz). Način igranja glasbenikov mannheimske šole je imel značilnosti sentimentalizma - ekspresivno povečanje in zmanjšanje zvočnosti, okrasne dekoracije - "vzdihi". Simfonije, ki so jih izvajali, čeprav so imele nekaj skupnega z uvodno uverturo-»simfonijo« v italijanskih operah, so se spremenile v samostojna dela, sestavljena iz 4 različnih delov: hiter (Allegro) – počasen (Andante) – ples (menuet) – hiter (finale). Isti deli so bili osnova simfoničnega cikla Haydna in njegovih privržencev. V 18. stoletju Dunaj je postal največje glasbeno središče v Evropi. Delo dunajskih skladateljev (Haydn, Mozart, Beethoven) odlikujejo racionalizem v gradnji forme, lapidarnost in ekspresivna tematika, sorazmernost elementov glasbene zgradbe, združeni z izdatnim melodičnim bogastvom, inventivnostjo in dramskim patosom. Simfonije, sonate, trii, kvarteti, kvinteti, koncerti dunajskih klasikov so primeri čiste glasbe, ki ni povezana z besedami, gledališčem ali figurativnimi programi. Načela klasicizma so izražena s čisto glasbenimi sredstvi, ki upoštevajo zakone žanra in razkrivajo logiko načrta in popolnost oblike. Slog dunajske klasike inherentna jasnost v konstrukciji celotnega dela in vsakega njegovega dela, ekspresivnost in zaokroženost vsake teme, slikovitost vsakega motiva, bogastvo instrumentalne palete. Glasbena sorazmernost in simetrija se tako kot arhitektura časov klasicizma razkrivata v natančnih ali raznolikih ponovitvah teme, v jasno določenih cezurah, v kadencah - postankih, podobnih globokim priklonom v plesih, v nizanju kontrastov, primerjanju tem in motive, v odmikih (modifikacijah) od znanih intonacij in vračanju k njim itd. Ta načela so strogo zahtevana za prvi in ​​zadnji del sonat in simfonij , zgrajena po pravilih sonatnega alegra, pa tudi za druge oblike, ki jih ljubijo klasicisti: variacije, rondoje, menuete, scherze, adagie.

    Avstrijski skladatelj Joseph Haydn je priznan kot "oče simfonij". Pisal je ne samo instrumentalno glasbo, ampak tudi opere, pesmi in oratorije. Ustvaril je več kot sto simfonij, veselih, s humorjem in ljudskimi melodijami. Simfonije, ki so jih izvajali v dunajskih, pariških in londonskih palačah, so izgubile svojo palačno estetiko, vendar so bile napolnjene s poetiziranimi podobami ljudskega življenja in narave. Posebej pomembna je bila nova plesnost tem (menuet, gavota), ki je pripomogla k krepitvi forme in jasni ločitvi teme od njenih variacij. Ustanovljena je bila klasična (mala) sestava simfoničnega orkestra: godalni kvintet (prva in druga violina, viole, violončela in kontrabasi), timpani in pari pihal (flavte, klarineti, oboe, fagoti, rogovi, trobente). Vzpostavljen je štiridelni cikel z globokim kontrastom med hitro prvo in počasno lirično sekundo, plesno terco in viharnim zaključkom. Haydn je svojim simfonijam inventivno dal figurativno edinstvenost. Poslušalci, ne pa avtor, so jim izmislili imena:

    slovo (№ 45), Žalovanje (№ 49), Vojaški (№ 100), S tremolo timpani (№ 103), Filozof (№ 22), Aleluja! (№ 30), Lov(št. 73) itd.

    Glasbeni genij Wolfanga Amadeusa Mozarta se je pokazal že pri 4 letih. Modna italijanska opera je očarala mladega Mozarta, posvetil ji je del svojega talenta in po njej ustvaril svetle komedije. Figarova poroka), dramatično ( Don Juan), pravljično-filozofsko ( Čarobna piščal) glasbene drame. Glasbena ekspresivnost opernih likov je določala skladateljev slog in vplivala na ustvarjanje gledališko ekspresivnih instrumentalnih melodij (nežna in nežna uvodna tema Simfonije št. 40). g-mol; veličastna simfonija št. 41 C-dur,Jupiter itd.). Ostal je nedosegljiv v bogastvu melodičnosti, v zmožnosti ustvarjanja spevne kantilene, pri čemer je glasbeni razvoj razumel kot naravno »prelivanje« ene teme v drugo. Osupljiva je njegova sposobnost, da s kombiniranjem inštrumentov razkrije polnost harmonske vertikale in z orkestrskimi sredstvi posreduje harmonično obarvanost melodije. V Mozartovi glasbi so vsi glasovi, tudi harmonični, in vsi inštrumentalni »petji« melodizirani. Posebej impresivni so počasni stavki v njegovih divertimentih, simfoničnih in sonatnih ciklih. Vsebujejo neizogibno nežnost, izraženo v glasbi. Svetlost in reliefnost tem, sorazmernost glasbenih struktur, tako majhnih (dueti, trio, kvarteti, kvinteti, serenade, nokturni), in velike (simfonije, koncerti, sonate) Mozart združuje z neizčrpno domišljijo v spremenljivem razvoju ene teme (v rondojih, variacijah, menuetih, adagiih, koračnicah). Postopoma se odmika od spokojnih razpoloženj svojih zgodnjih del (orkestralne serenade, divertissementi) k globoko ekspresivnim - liričnim in dramatičnim, včasih tragičnim ( Sonata Fantazija c-mol, Requiem). Mozart je eden od utemeljiteljev uprizoritvene umetnosti klavirske igre in utemeljitelj klasičnega koncerta za solistični instrument in orkester.

    Ludwig van Beethoven je postal prvi "svobodni umetnik" med skladatelji. Njegovo delo končuje dobo klasicizma, odpira dobo romantike, vendar je skladatelj preveč individualen in njegov slog komaj ustreza standardom klasicizma. Beethoven je razmišljal obsežno in univerzalno v primerjavi s hedonistično-diverzantsko držo klasike. Prefinjenost in okrasje sta izginila v njegovi glasbi, ni bila všeč ušesu in je bila zaznana kot "nezglajena", podobno kot skladatelj, ki je hodil brez lasulje, z "levjo grivo" in mrkim pogledom. Elegantni menuet v 3. stavku njegovih simfonij je zamenjal scherzo. Na splošno je Beethovnovo delo ustrezalo strukturi mišljenja klasicistov in je bilo neločljivo povezano s prejšnjimi nemškimi (Handel, F. E. Bach, Gluck, Haydn, Mozart) in francoskimi (A. Grétry, L. Cherubini, G. Viotti) skladatelji. Beethovnova Heroika (opera Fidelio, simfonične uverture Egmont, Koriolan, Simfonija št. 3) je nastala s francosko revolucijo. Glasbenik v življenju in delu je vsrkal ideale »Deklaracije o pravicah in svoboščinah državljanov«. Poziv k enakosti, svobodi in bratstvu vseh narodov je sijajno utelešen v 4. stavku Simfonije št. 9, kjer se slišijo verzi Schillerjeve ode Na veselje. Glavna tema današnjega finala je postala himna Evropske unije. Volja Beethovna, ki je preziral nasilje in tiranijo, se je pokazala povsod. Dokazal je lasten upor usodi, uprl se gluhoti, ki ga je prevzela, in neodvisnost od aristokracije in oblasti. Posebnost njegovega sloga se je kazala v eroziji klasicističnih načel glasbenega razvoja, v kršitvi proporcev in simetrije. Spokojno tekoči čas je lahko svobodno »ustavil« z vztrajnim ponavljanjem enega rezkega glasnega akorda (kot v 1. stavku Simfonije št. 3). Glasbena oblika njegovih skladb je postala svobodnejša, čustvena moč pa svetlejša: od liričnih intonacij (Klavirska sonata št. 14). Lunarni, Simfonija št. 6 Pastoralno) do uporniškega (Sonata za klavir Passionata, Kreutzerjeva sonata za violino), patetika (Sonata št. 8 Patetično, Simfonije št. 3, št. 5) do tragičnega (pogrebna koračnica v drugih stavkih Sonate št. 12 in Simfonije št. 3).

    ROMANTIZEM V GLASBI 19. STOLETJA

    19. stoletje - stoletje razcveta glasbene kulture zahodne Evrope. Pojavljajo se novi načini glasbenega izražanja, ki razkrivajo globok individualni potencial skladateljev. Bistvo romantike se najbolj izrazi v glasbi. Dela romantičnih skladateljev, ki prenašajo bogastvo sveta človeških čustvenih izkušenj in odtenkov njegovih osebnih občutkov, so osnova sodobnega koncertnega repertoarja. Romantika ni samo besedilo, ampak prevlada občutkov, strasti, duhovnih elementov, ki jih poznamo le v kotičkih lastne duše. Pravi umetnik jih prepozna s pomočjo briljantne intuicije. V 19. stoletju glasba se ne razodeva v statiki, temveč v dinamiki, ne v abstraktnih konceptih in razumskih konstrukcijah, temveč v čustvenem doživljanju človeškega življenja. Ta čustva niso tipizirana, ne posplošena, ampak so subjektizirana v vsakem trenutku glasbenega predvajanja. Za romantike je »mišljenje v zvokih« višje od »mišljenja v pojmih« in »glasba se začne, ko se besede končajo« (G. Heine).

    Glasbeniki poudarjajo svojo povezanost z domovino in črpajo navdih iz ljudskih plasti glasbene kulture. Tako je nacionalno glasbene šole, ki razkriva nacionalnost vsakega romantičnega skladatelja in izvirnost njegovega sloga: Carl Maria Weber je na podlagi nemških ljudskih melodij in pravljic ustvaril nacionalno opero ( Prosti strelec, 1821); Mihail Ivanovič Glinka - ruski ( Življenje za carja, 1836); Instrumentalna in vokalna dela Franza Schuberta so polna avstrijskih melodij in vsakdanjih plesov (Ländler, valček), na področju vokalne glasbe pa je tako kot Robert Schumann tvorec nove zvrsti nemške pesmi Lied; ne samo mazurke in poloneze za klavir, ampak vsa dela Fryderyka Chopina, ki se je ustalil v Parizu, so prežeta z intonacijami njegove domovine - Poljske; kot Madžar je Franz Liszt na nenehnih potovanjih po Evropi ustvarjal Madžarske rapsodije za klavir in prevedel ritme madžarskega plesa kamela mačka; Delo Richarda Wagnerja temelji na nemški mitologiji in filozofiji; Edvard Grieg je črpal navdih iz norveških podob, plesa in pesmi; Johannes Brahms je črpal iz tradicije nemških polifonistov in ustvarjal Nemški rekviem; Bedrich Smetana in Antonin Dvorak - v slovanskem melosu, Isaac Albeniz - v španščini.

    V evropski kulturi pojavil po francoska revolucija Prelomnica je prinesla novo plast glasbenih potrošnikov – meščane. Kultura dvora in plemstva je bila potisnjena v ozadje. Elitno okolje poslušalcev je zamenjalo množično okolje mestnih prebivalcev, proizvajalci, poslovneži in intelektualci so postali potrošniki glasbenih del. Zdaj vključuje skladatelje, katerih ustvarjalna povezava z občinstvom je v rokah podjetnikov. Glasba se je slišala v javnih koncertnih dvoranah, gledališčih, kavarnah, izobraževalne ustanove, glasbena društva. Meščane je vse bolj privlačila zabavna glasba, cvetele so »lažje« dojemljive poklicne zvrsti – opereta. (J. Offenbach - v Franciji), orkestrski plesni valčki (I. Strauss - na Dunaju). Skladatelji so se poleg pokroviteljstva preživljali tudi z lastno dirigentsko, pianistično in pedagoško dejavnostjo. Pomen dobiva publicistična dejavnost samih skladateljev. Tako sta Berlioz in Schumann v svojih člankih napovedala »vojno« vulgarnosti, lahkomiselnosti in rutini, ki je cvetela v osebi nenadarjenih »javnih ljubljencev« okoli njiju. Schumann je ustvaril New Musical Newspaper, ki ga je izdajal v imenu izmišljeni liki- člani »Davidove unije«, ki naj bi združevala njegove podobno misleče prijatelje. Od takrat dalje skladatelji ne le ustvarjajo glasbo, ampak tudi pisno izražajo svoje misli o njej in o umetnosti (knjige Umetnost in revolucija, Opera in drama Wagner).

    Glasba se spet približuje besedi. Izraz "romantika", ki se je pojavil v literarnih krogih (uvedel ga je Novalis), je v celoti ustrezal posebnostim dela skladateljev 19. in začetek 20. stoletja. Literatura in glasba sta »zaročeni« druga drugi: »Svet je le začaran, / v vsaki stvari je speča struna / Zbudi se s čarobno besedo - / glasba se bo slišala.« (J. von Eichendorff). Filozofska misel Herder, Schelling, Schopenhauer so glasbo približali poeziji in obe ločili od drugih vrst umetnosti zaradi njune začasnosti: proces, transformacija, sprememba, neumorno gibanje - osnova glasbe in besedna ustvarjalnost. Pomembno mesto v spisih romantikov zavzema želja po povezovanju glasbe z določenimi subjekti in podobami (literarnimi, pesniškimi, slikovnimi): Margarita pri kolovratu, Gozdni kralj Schubert; Tasso list; Sanje, Hitenje, Karneval Schumanna). Glasbeniki najraje ustvarjajo miniaturne vokalne »drame« na besedila G. Heineja, W. Mullerja, L. Relshtaba, F. G. Klopstocka, I. V. Goetheja, F. Schillerja in drugih: Gozdni kralj, Serenada, Dvojno, cikli pesmi Lepa mlinarjeva žena, 1823, zimsko potovanje, 1827 Schubert; Pesnikova ljubezen, 1840 Schumann). Kljub povezavi z literarno ustvarjalnostjo romantiki razkrivajo nove plati glasbene izraznosti, ki se kažejo v najvišjih oblikah - instrumentalni ("čisti"), ki ni povezana z besedami. Zato globoko čustvene podobe Chopinovih preludijev in nokturnov za klavir ali Brahmsovih sonat, intermezzov in koncertov ne zmanjšajo odsotnost programskih naslovov v njih.

    Glasbena drama se je v Italiji še naprej razvijala in »moda« italijanske operne produkcije se je nadaljevala povsod. Operni idoli so bili: v prvi polovici st Gioachino Antonio Rossini, v drugem – Giuseppe Verdi. V operni umetnosti se pojavi smer, ki je blizu literarni - verizem ( P. Mascagni , R. Leoncavallo , G. Puccini Toda proti severu se opera pojavi v novi obliki, obarvana z nacionalnim epom, pravljico in mitom. Nastaja vrsta romantične opere ( Undine E.T.Hoffman, 1813, Prosti strelec Weber, 1820, tetralogija Nibelungov prstan Wagner, 1852–1874) - v nasprotju z italijanskimi in francoskimi operami realističnih, liričnih, komičnih in zgodovinskih načrtov ( Seviljski brivec Rossini, 1816; Norma V. Bellini, 1831; hugenoti J. Meyerbeer, 1835; Romeo in Julija C. Gounod , 1865; ljubezenski napoj G. Donizetti , 1832; Rigoletto, 1851, Traviata, 1853, Aida, 1870, Falstaff, 1892 Verdi; Karmen J.Bizet , 1875).

    Romantični skladatelji so čutili neskladje z realnostjo in so se pred njim sovražnim svetom skušali »skriti« v fikciji ali lepih sanjah. Glasba začne beležiti subtilna čustvena nihanja, strastne pore in spremenljiva razpoloženja – odsev resničnih skrbi in življenjskih usod glasbenikov, včasih tudi tragičnih. Skladateljem se je približala instrumentalna miniatura, nastale so nove klavirske zvrsti: improvizacija, etuda, nokturno, preludij, cikli programskih del, balade, ki so dobile poseben razvoj v delih izjemnih pianistov (Schumann, Chopin, Liszt, Brahms).

    19. stoletje - stoletje zmagoslavja klavirske »literature«. Izboljšana je ne le zasnova klavirja, ampak tudi tehnika igranja, njegova sposobnost ustvarjanja pevske kantilene, ekspresivnosti melodične linije. Ritem skladateljev se je osvobodil »okov« klasicističnih cezur in stroge pravilnosti plesnih figur. Romantične kompozicije napolnjena z improvizacijsko lahkotnostjo, ko melodija sledi variabilnosti gibov občutkov, kot jih je namenil avtor in jih izvajalec zmore občutiti. Vloga nianse in vloga glasbene izvedbe se povečujeta.

    Dela skladateljev prve polovice 19. stoletja. še vedno ima povezave s tradicijo dunajske klasike, vendar krši zakone klasicističnih žanrov: v Franciji je Hector Berlioz ustvaril avtobiografsko Fantastična simfonija ali epizoda iz življenja umetnika(1830) iz 5 delov, ki vključuje ne samo koračnico (4. del), ampak tudi valček (2. del); Schubert je pisal simfonije za orkester, med katerimi je bila najbolj presenetljiva »nenormativna« simfonija, sestavljena iz dveh delov (simfonija v h-molu Nedokončano, 1822). Glasbenikov ne zanima lepota glasbenih razmerij sonatno-simfoničnega cikla, temveč zvočna briljantnost orkestra, njegova sposobnost "risanja" podob. Tako je orkestralna »podoba« zlih duhov, ki se ponoči zgrnejo na pojedino, impresivna. Fantastična simfonija Berlioz (5. del Coven), kjer violinisti udarjajo po strunah z drogom loka, da posredujejo »zvenketje kosti«. V simfoniji romantike je v ospredju čutnost. Intelektualnost klasične simfonije so nadomestili s simfonično uverturo in pesnitvijo, kjer je samo en stavek, vse pa je podrejeno literarnemu programu: čarobno pravljično vzdušje komedije W. Shakespearja - pri F. Mendelssohn-Bartholdyju. Sen kresne noči(1826), filozofska drama J. V. Goetheja - Liszta v Tasso.Pritožba in Triumph(1856), Shakespearove tragedije - P. I. Čajkovskega v Romeo in Julija(1880). V delih poznih romantikov (Liszt, Wagner) se krepi vloga leitmotiva (»vodilnega motiva«) kot ponovljive, prepoznavne značilnosti podobe. Orkester v Wagnerjevih operah pridobi poseben pomen, ki preseneča ne le s svojo barvitostjo, temveč tudi z dodatno pomensko obremenitvijo, pridobljeno s sistemom leitmotivov, ki jih je razvil avtor (motiv gralovega kraljestva v operi Lohengrin, 1848). Včasih je iz njih »stkano« glasbeno tkivo orkestra in jih poslušalci zavestno ali podzavestno »razvozlajo«, kot v prizoru srečanja Tristana z Izoldo ( Tristan in Izolda, 1865), kjer se zamenjujejo motivi: »žeja po ljubezenskem zmenku«, »upanje«, »zmagoslavje ljubezni«, »slavljenje«, »dvom«, »tesnobna slutnja« itd.). Wagnerjeva tehnika združevanja ne popolnih tem-melodij, temveč majhnih in raznolikih po izraznosti svojih intonacijsko-harmoničnih "segmentov" (melodij-"odrezkov") bo postala vodilna v tematizmu skladateljev zgodnjega 20. stoletja.

    Glasba na prelomu 19.–20.

    V Franciji so romantične poteze dobile novo barvitost, bile nasičene z dekorativnimi elementi, eksotičnimi "motivi" kolonialnega vzhoda (S. Frank, C. Saint-Saens). Ob koncu 19. stol. Tu je nastal slog glasbenega impresionizma in simbolizma. Njegov ustvarjalec je skladatelj Claude Achille Debussy, čigar dela za orkester Preludij k Favnovemu popoldnevu (1894), Nokturno(1899), uprizorjena po prvih razstavah impresionističnih umetnikov, mu je zagotovila slavo impresionističnega glasbenika. Debussy je ostal zvest programskim idejam romantike ( Favnovo popoldne, Dekle z lanenimi lasmi, Koraki v snegu, Ognjemet itd.), vendar ni težil k oprijemljivosti podob, temveč k njihovi vidnosti. Nekaj ​​svojih del je napisal "iz življenja", "na prostem" (simfonične skice morje, 1905). Njegova glasba je brez človeških strasti. Njen simbolni pomen se povečuje (opera Pelias in Melisande, 1902): je samozadostna in »ustvarjena za neizrekljivo« »izhaja iz sence, da bi se občasno vrnila« (Debussy). S tem ustvarja skladatelj nov glasbeni jezik, ki vodi v rušenje norm klasicizma in romantike. Intonacijsko je Debussy blizu francoskemu melosu, vendar se naslanja na kontemplativno lepoto vzhoda, ki ga je imel rad, vtise iz komunikacije z naravo, z literarno boemo Francije, iz igranja javanskega orkestra »gamelan«, v Pariz na svetovno razstavo leta 1889. Debussyjev orkester, leta V nasprotju z nemškimi orkestri je zmanjšan v številu inštrumentov, a nasičen z novimi kombinacijami. Prevladujejo motivi-barve, teksture-barve, harmonije-barve, kot nadomestljive »zvočne točke«, ki izostrijo izrazni pomen principa zvočnosti v glasbi (zvočna ali zvočno-tonska obarvanost, kaloričnost). Zvočna tkanina postane preglednejša (razločno slišne so plasti vsakega glasu) in osvobojena »pritiska« normiranih harmonskih in tonskih struktur (izginejo konci melodij - kadence). Značilnosti impresionizma kot enega vodilnih glasbenih gibanj zgodnjega 20. stoletja so prišle do izraza v delih M.Ravel , F. Poulenc , N.A. Rimsky-Korsakov , O. Respighi.

    GLASBENA KULTURA 20. STOLETJA

    Glasba 20. stoletja odlikuje izredna raznolikost stilov in trendov, vendar je glavni vektor njegovega razvoja odmik od prejšnjih stilov in »razgradnja« glasbenega jezika na njegove sestavne mikrostrukture. Spremembe v družbenih in kulturnih sferah Evrope prispevajo k vključevanju novih neevropskih glasbenih pojavov, potrošnja glasbenih izdelkov na avdio medijih pa spreminja odnos do glasbe. Začenja se razumeti kot globalni fenomen, krepita se njegova potrošniška in razvedrilna funkcija. Vloga se povečuje popularna kultura in popularne glasbene zvrsti, se ločijo od elitne, zahodnoevropske kulture glasbene klasike in strokovno-akademske skladateljske dejavnosti. V 50. in 60. letih 20. stoletja se je pojavila nova mladinska kultura, ki se je pozicionirala kot »kontrakultura«, v kateri je rock glasba igrala vodilno vlogo. Spremembe v glasbenih tehnologijah in estetskih smernicah so časovno stisnjene, pojav vsega novega pa se dojema kot ostro zavračanje prejšnjega (alternativna glasba poznega 20. stoletja).

    Glasba prve polovice 20. stoletja.

    V Franciji se pojavljajo nove smeri, ki zavračajo impresionizem kot preveč "počasen", brez resnično življenje stil. V modi so ekscentričnost, norčavost in nezaslišanost. Subverter prejšnjih slogov Erik Satiešokira z novostjo svojih opusov (balet Parada za skupino S. Diaghilev, 1917 3 kosi v obliki hruške in Posušeni zarodki za klavir). V svoje skladbe vnaša zvoke pisalnega stroja, piske, trkanje, brnenje propelerja in jazz. Pojavi se estetika glasbe, ki igra vlogo »glasbene tapete« – opreme. Navdihnjen z idejami J. Cocteauja (manifest Petelin in Harlekin, 1918), ideologa nove »zdrave in vrišča ulic in parad polne« glasbe, se skladatelji združujejo v različne skupnosti. Izstopa skupnost »Six« (»French Six«), ki vključuje Arthur Honegger, avtor urbane skladbe za orkester, ki slavi moč nove lokomotive Pacifik 231(1913) in vrsto neoklasičnih opusov (oratorij-misterij Ivana Orleanska na grmadi, 1935); avtor ekscentričnih baletov ( Bik na strehi, 1923), ki je črpal navdih iz brazilske folklore Dariusa Milhauda; Francis Poulenc, Debussyjev oboževalec in operni reformator (mono opera Človeški glas, 1958).

    Ekspresionizem v glasbeni kulturi Nemčije.

    Melodični in harmonski jezik nemških in avstrijskih skladateljev poznega 19. in zgodnjega 20. stoletja. (Wagner, Brahms, A. Bruckner, G. Mahler, R. Strauss, G. Wolf, M. Reger) postajala kompleksnejša, orkester se je večal, notni zapis pa je bil prenasičen z avtorjevimi navodili na področju nians. . Zanimanje glasbenikov za notranja doživetja in vzvišene podobe se krepi (opera Salome R. Straussa, 1905), tragičnega in grotesknega (2 Mahlerjeva simfonija v c-molu, 1894). Nemška pozna romantika je »pripravila teren« za nov slog – ekspresionizem . Krepi se vloga umetnikove osebnosti, njegova individualna izkušnja in preroško videnje sveta dobivajo pomen. »Skladatelj odkriva notranje bistvo sveta in izraža najgloblje modrosti v jeziku, ki ga njegov um ne razume; kot somnambulistka sklepa o stvareh, o katerih v budnem stanju nima pojma« (A. Schopenhauer). Začenjajo se uresničevati ideje glasbenega globalizma: »Glasba je sposobna posredovati preroško sporočilo, ki razkriva tisto višjo obliko življenja, h kateri se giblje človeštvo.« Zahvaljujoč temu je "nagovarjala ljudi vseh ras in kultur" (A. Schoenberg, članek Glasbeni kriterij vrednotenja).

    Ozračje kulturnega življenja v Nemčiji in Avstriji na začetku 20. stoletja. je bil prežet s tragičnimi slutnjami prihodnjih svetovnih vojn. Tu je prišlo do zavestnega uničenja tonskega razmišljanja prejšnjih obdobij - osnove glasbenega jezika klasike in romantike.

    Zavrnitev tonskega središča (tonike), ki je opazna v določenem delu dela, in privlačnost drugih tonov in harmonij k njemu je nastala s procesom kromatizacije zvočnega niza, emancipacije vseh dvanajstih poltonov kaljena lestvica. Izogiba se toniki kot stabilni (končni) glasbeno-psihološki podpori, stopnjuje se občutek nenehnega gibanja nestabilnih zvokov, psihološka napetost čakanja na toniko, ki je ni. Stopnjuje se uvodni ton, ki eno neprekinjenost prenaša v drugo – iz novega tonaliteta. Vzpostavljena je pariteta možnih tonikov, od katerih noben ni prednosten. Ta tehnika, značilna že za Wagnerja in postromantične skladatelje (R. Strauss, A. Bruckner), je pripeljala do nastanka dodekafonija(lit. - "dvanajst zvokov") - "sistem dvanajstih zvokov, ki so povezani samo med seboj", kot ga je opredelil njegov ustanovitelj, avstrijski skladatelj Arnold Schoenberg. Zaslužen je tudi za nastanek novega stila »govornega petja« oziroma »govorečega petja« (»Sprachgesang«), kjer ni točne višine intoniranih tonov. Privrženci dodekafonske metode (ali "niške tehnike") so oblikovali novo dunajsko šolo (Schoenberg in njegova učenca Alban Berg (1885–1935) in Anton Webern). Ker je v lestvici vseh dvanajst tonov razglasili za enakovredne, je način ustvarjanja dodekafonske glasbe temeljil na novih »pomenskih enotah«, v katere je postal vsak posamezen zveneč ton. Ton in kombinacije več različnih tonov ( serije), vendar ne melodija, ne melodično-harmonični kompleks je začel opravljati funkcijo "glasbene teme". Izraznost tovrstnih tem je bila dosežena s tehnikami, ki so omejevale ponavljanje tonov in nizov. Glasba je začela izražati čustva izgube, tesnobe, kaosa, razdrobljenosti zavesti – znake ekspresionizma. Vera ekspresionističnih glasbenikov je izražena z besedami Schoenberga: "Umetnost je krik tistih, ki se borijo z usodo." Serijska tehnika je našla visoko umetniško utelešenje v Schoenbergovi povojni kantati Survivor iz Varšave(1947), koncert za violino in orkester ( V spomin na angela, 1935) in Bergova opera ( Wozzeck, 1925). Webernovo delo je razkrilo značilnosti glasbenega pointilizma, ko se "dogodkovnost" v glasbenem razvoju zmanjša le na spremembo samih tonov - spreminjajo se njihovo trajanje, tember in dinamična barva. Dela se odlikujejo po izjemno kratkosti (skupno trajanje vseh 31 Webernovih opusov je tri ure predvajanja) in izjemni nasičenosti glasbenih tonskih (točkovnih) »informacij«. Načela tehnike serijskega pisanja (razširjena metoda dodekafonije) bodo prevladovala v delih mnogih skladateljev.

    V prvi polovici 20. stol. v Evropi nastajajo pojavi, ki ustvarjajo predpogoje za avantgardizem. Skladatelji se obračajo na nenavadne tone, ritme, intonacije (folklor, jazz, eksotični orientalski instrumenti, hrup), širijo obseg samega glasbenega materiala in povečujejo arzenal uporabljenih sredstev. Posebna posodobitev je opazna na področju ritma, ki postane strožji, agresivnejši, bolj raznolikega značaja in je nasičen z elementi eksotike in arhaičnosti. Povečuje se zanimanje za plesne, plastične, scenske in oratorijske zvrsti. Mit, pravljica in pristno (ali stilizirano) glasbena folklora postane material za ustvarjanje novih del, ki temeljijo na sodobnih tehnikah pisanja. Prednost je dobila nova folklorna smer (neofolklora). Igor Stravinski , Bela Bartok, Carl Orff.

    Značilno znamenje časa je, da se številni skladatelji "preizkušajo" v različnih stilih, pri čemer dajejo prednost eni ali drugi tehniki v različnih obdobjih svojega ustvarjanja: od "ruskih folklorizmov" (zgodnji baleti). Pomladno obredje, Firebird, peteršilj, uprizorjena 1910–1913 v Parizu) – do polistilistike (balet Pulcinella, 1920) in neoklasicizem ( Simfonije psalmov, 1948 in Pogrebni napevi, 1966) – to je obseg Igorja Stravinskega. Različni slogi so včasih združeni v enem eseju v obliki posebne ustvarjalne metode - polistilistike. Njen začetnik je bil ameriški skladatelj Charles Ives, ki je v eni skladbi združil psalme, ragtime, jazz, domoljubne in delovne pesmi, vojaške koračnice in zborovske harmonije. Začenjajo se uporabljati vrste polistilistike, kot so citat, aluzija, kolaž.

    Prevladala je moda breztonske (atonalne) glasbe, ki pa ji niso sledili vsi skladatelji. Nekateri so, nasprotno, zagovarjali umetniški pomen tonskih temeljev melodije in kazali zanimanje za neklasicizem. Številna dela nemškega skladatelja Paula Hindemitha, vključno z njegovim učenjem o kompoziciji, so poudarjala pomen, če že ne načina, pa vsaj tonskega središča kot izraznega sredstva glasbe. Ne glede na to, ali je delo napisano v duru ali molu, imenujemo ga glede na glavni ton, s katerim se konča (Simfonija v B za pihala, 1951; cikel skladb za klavir). Ludus tonalis, 1942). Zanašanje na razmišljanje dur-mol je značilno tudi za dela Honeggerja, Poulenca, italijanskega skladatelja Alfreda Caselle (1883–1947) itd.

    Ustvarjanje francoski skladatelj Olivier Messiaen (1908–1992) izstopa po slogovni izvirnosti. Skladatelj je uspel podrediti najdene ritmične in zvočne novosti, ki so bile rezultat študija indijske kulture ( Turangalila, 1948), visoke duhovne misli teološke in panteistične narave. Občinstvu koncertnih dvoran se »pogovarja« o večnih vrednotah v preprosti glasbeni obliki ( Tri male liturgije za božjo navzočnost, 1941, Dvajset pogledov na Jezusa, 1944).

    Glasba druge polovice 20. stoletja.

    Kultura 2. polovice 20. stoletja. zaznamuje ostro zavračanje prejšnjih stilskih trendov. Dvanajsttonska tehnika pisanja je ostala najsodobnejša in osnovna za večino serijskih skladateljev 40. in 50. let 20. stoletja. Za petdeseta leta 20. stoletja je bil pomemben odziv na serije tehnika izražena v članku francoskega skladatelja in dirigenta Pierre Boulez Schoenberg je mrtev!(1952). On, tako kot italijanski skladatelj L. Berio, kritizira ustvarjanje glasbe z uporabo serij, saj ta metoda "nima nobene zveze s pravo glasbo." Glasbena dediščina skladateljev 20. stoletja. vsebuje veliko nasprotujočih si pojavov: neoromantika in sonorizem, serijalizem in aleatorizem, elektronski konstruktivizem in minimalizem. Pojav neoromantike (godalni kvarteti V. Rima; 2. simfonija in 2. koncert za violončelo in orkester). Krzysztof Penderecki, 1980, 1982; koncert za klavir in orkester Sigmunda Krauseja, 1985) je postala zavestna vrnitev nekaterih glasbenikov k romantičnim idealom preteklosti, zavrnitev glasbenega eksperimentiranja in konstruktivizma, ki je postal osnova profesionalne glasbene ustvarjalnosti 20. stoletja.

    Korenit prelom v zahodnoevropski glasbeni tradiciji se je zgodil sredi 20. stoletja, ko se je v srednji Evropi oblikovalo gibanje, imenovano avantgarda. Za predhodnika glasbenega avantgardizma lahko štejemo različne posamezne manifestacije iskanja novega glasbenega jezika, ki jih združuje ideja o odrekanju prejšnjim tradicijam. V rojstnem kraju futurizma, v Italiji, skladatelj in slikar Luigi Russolo Manifest glasbenega futurizma(1913) pozval: »Vodo iz kanalov usmerite v muzejske kripte in jih poplavite! In naj tok odnese platna!«, »Ne moremo več zadržati želje po ustvarjanju nove realnosti, ki izključuje violine, klavirje, kontrabase in otožne orgle. Razbijmo jih! Russolo je naravne ali mehanske zvoke razglasil za ideal nove realnosti (knjiga Umetnost hrupa, 1961): »Veliko mesto bomo prečkali z odprtimi očmi in ušesi in uživali bomo v šumenju žuboreče vode, zraka, plina v kovinskih ceveh, škrtanju vlakov po tirnicah ..., plapolanju zaves in zastav. v vetru." Ta ideja je bila utelešena v delu ameriškega skladatelja Edgarda Varèseja (po rodu Francoza), ki je v delih dvajsetih let prejšnjega stoletja ( Integrali, Hiperprizma, Gostota) je združil zvok in hrup z uporabo livarskih zvokov, zvoka delujoče žage in zvokov, kot so sirene.

    Nova metoda komponiranja glasbe je bila eksperimentalne narave. Glavni cilj ustvarjalnosti je bilo iskanje novih izraznih sredstev z »obvladovanjem« izvornega materiala, iz katerega bi lahko »zgradili« same ideje »glasbe«: središče pozornosti skladateljev ni bil interval ali ritem, temveč zvok, njegov tember, amplituda, frekvenca, trajanje, pa tudi hrup, premor. Ti parametri glasbene strukture nimajo nobene etnične ali nacionalne pripadnosti - »zvoki niso nič bolj ameriški kot egipčanski« (J. Cage). Ker je bilo ugotovljeno, da je jezik glasbe popolnoma izčrpan, je mogoče »začeti od samega začetka, ne da bi se ozirali na ruševine« (Stockhausen). Skladanje glasbe je postalo »raziskovanje možnosti povezovanja materije« (György Ligeti). Pri eksperimentu v glasbi ni šlo za ustvarjanje umetniškega dela, temveč za »dejanje, katerega rezultatov ni mogoče predvideti« (Cage).

    Po eni strani se je trdilo, da je osnova glasbe diskurzivno urejeno mišljenje. Zato je bila dana prednost glasbena tehnologija, in »formalni red«, ki sega »v globino glasbe, do ravni mikrostrukture« (Boulez). Nove racionalne metode glasbenega dela so privabile mnoge, ki so bili povezani z matematično in fizikalno-tehnično izobrazbo (Boulez, Milton Babbitt, Pierre Schaeffer, Yanis Xenakis - izumitelj lastnega računalnika za ustvarjanje elektronskih skladb s skladbenimi programi, ki temeljijo na matematičnih formulah in fizikalnih zakonih). ). Po drugi strani pa je ameriški skladatelj John Cage, navdušen nad filozofijo budizma, postavil estetiko »tišine v glasbi« (knjiga Tišina, 1969), ki dokazuje, da glasba ni ustvarjena na papirju, ampak »se rodi iz praznine, iz tišine«, da je »tudi tišina glasba«. To idejo je prevedel v svoj znameniti tihi opus in glasbeniku naročil, naj »utihne 4 minute in 33 sekund«, preden začne igrati na instrument ( 4"33"" tacet, 1952). "Tiha glasba" je privedla do nastanka nove glasbene zvrsti - instrumentalno gledališče(v delih nemškega skladatelja Maurizia Kagela (r. 1931), Stockhausna, italijanskega skladatelja Luciana Beria, r. 1925 itd.).

    Številni skladatelji se obračajo na dela svojih klasičnih predhodnikov, ne le kot glasbene citate, ampak kot glasbeno referenco na dela Bacha, Debussyja, Berlioza, Beethovna, Musorgskega, Stravinskega, z uporabo tehnike »montaže« (v delih Kagel).

    Zanimanje skladateljev za folkloro dobiva nove poteze. Ne predelujejo le lastne glasbene folklore, temveč se vedno bolj obračajo k avtentičnim glasbenim dokumentom neevropskih kultur – etnični in religiozni glasbi različnih ljudstev, ki so ji širok dostop omogočili dosežki sodobne glasbene etnografije (zlasti ameriške etnomuzikologije) in potovanja skladateljev v afriške in azijske države, njihovo študije »na podlagi« tradicionalnih glasbenih praks (Američani - Philip Glass, Steve Reich, Terry Riley, Francoz Jean-Claude Elois itd.). Pri delu nekaterih glasbenikov se sodobne tehnike pisanja uspešno uporabljajo za izražanje politične ideje ali filozofske, kulturne preference (oratorij Dies irae. V spomin na žrtve Auschwitza, 1967, Penderecki, vokalno-elektronska skladba Ni treba trgovati z Marxom, 1968, italijanski skladatelj Luigi Nono, r. 1924).

    Ena od pomembnih osebnosti zahodnoevropske avantgarde je nemški skladatelj Karlheinz Stockhausen, ki je v svojih delih, knjigah in aktivnem delovanju oblikoval posebno vlogo skladatelja: »moderni umetnik je radijski sprejemnik, katerega sam -zavedanje je v sferi nadzavesti.” Široko uporablja vse sodobne vrste avantgarde in si prizadeva izraziti globoke filozofske ideje, ki jih navdihuje njegovo zanimanje za indijski misticizem ( Mantra, 1970), astrologiji ( Zodiak, 1975–1976), do ezoterične interpretacije njegove ustvarjalne vloge, kot sposobnosti utelešenja zvokov kozmosa oz. svetopisemske zgodbe(opere Četrtek od Svetlobe, 1978–1980, Sobota od Svetlobe, 1981–1983, Ponedeljek od luči, 1985–1988).

    Zanimanje za spektakel glasbeno-koncertnih predstav, kot so »šovi«, se stopnjuje: sodelujejo igralci, mimiki, kostumi, svetlobni in zvočni efekti. Spreminjajo se koncertni pogoji izvajanja glasbe, ko lahko glasbenike spustimo v jamo, da dosežemo krožno resonanco, poslušalce pa postavimo v viseče stole nad breznom. Gradijo se posebne koncertne dvorane (Beethovnova dvorana v Bonnu, 1970, dvorana La Geod, zgradba v predmestju Pariza v obliki krogle iz zrcalno poliranega jekla s premerom 36 m). Odprejo se posebni elektronski studii, opremljeni s sintetizatorji, ki postanejo mednarodni centri za poučevanje nove glasbe (Center Georges Pompidou v Parizu). Eksperimentiranje v glasbi je prepoznano kot glavni cilj skladateljevega ustvarjalnega dejanja. Poteka prvo mednarodno desetletje eksperimentalne glasbe (Pariz, 1958), v Darmstadtu (Nemčija) so odprti in potekajo mednarodni poletni tečaji za novo glasbo, v Darlingtonu (Velika Britanija) pa poletna glasbena šola. Skladatelji ne obvladajo le novih tehnik in metod ustvarjanja glasbe, temveč tudi predavajo, pišejo dela o eksperimentalni glasbi, analizirajo in komentirajo svoja dela. Samo ustvarjanje glasbe in ustvarjanje besedil o tej glasbi (dela Messiaena, Stockhausenove publikacije v več zvezkih, članki Cagea itd.) So značilna lastnost skladateljske ustvarjalnosti 20. stoletja.

    Avantgardni trend v glasbi je ustvaril elektronsko glasbo. V zgodnjih petdesetih letih se je začelo obvladovanje zvokov, šumov in gradnja novih elektronskih instrumentov. Nastajajo studii elektronske glasbe: v Kölnu, kjer Stockhausen piše; v Parizu na francoskem radiu, kjer deluje skupina raziskovalcev - Boulez, Messiaen, Pierre Henri, P. Schaeffer. Utemeljitelj novega elektronskega gibanja, najprej imenovanega konkretna glasba, Schaeffer, avtor publikacije K študiju konkretne glasbe(1952), izvajal njegove skladbe za magnetni trak na koncertih (Pariz, 1948). Ustvaril Schaeffer skupaj s Henrijem Simfonija za eno osebo(1951) dokazal likovna izraznost elektronske glasbe. Na podlagi elektronskih prostorskih zvočnih učinkov Elektronska pesem Varese (1958), nastopil v paviljonu Phillips na svetovni razstavi 425 zvočnikov s po 11 kanali. Cageove skladbe so postale markanten opus na tem področju ( Pohod št. 2 za 12 radiev, 1951) in Stockhausen ( Himne 1966–1967).

    Sonoristika - smer, ki v ospredje postavlja timbre (timbre-texture) zmožnosti glasbene umetnosti. Ekspresivnost intervala (melodično-tematski relief) zbledi v ozadje in se umakne zvočni barvitosti in nasičenosti. Zvočna celota morda nima višine. Področje glasbenih nians in načinov produkcije zvoka se neverjetno širi. Zdaj »zven postane najbolj bistvena kategorija v kompoziciji« (Boulez). Eksperimenti z zvokom vodijo do nenavadnega drsenja, igranja naprej godala na stojalu, na in za stojalom, udarjanje po frajtonarici, udarjanje po trupu klavirja, petje ob izdihu, šepetanje, kričanje, petje brez vibriranja, igranje z lokom na činele ali vibrafon, igranje na en ustnik, zvoki srebrnih pladnjev, straniščne posode za splakovanje itd. ( Atmosfere Ligeti, 1961; Trki G.-M. Guretsky, 1960; De natura sonoris Penderecki, 1970). Pripravljen klavir je prišel v prakso, s katerim je Cage izvajal poskuse ( Knjiga glasbe za 2 preparirana klavirja, 1944). Glasbilo je spremenilo svoj ton v procesu posebne priprave - vpenjanje strun s posebnimi ključi, polaganje različnih predmetov na strune ali vstavljanje mednje različnih predmetov (kovina, guma, les) itd.

    Aleatorika (latinsko: »kocka«, »žreb«) je metoda, ki je bila reakcija na določeno kompozicijo, kjer so za izvajalca regulirana vsa sredstva in parametri. Delo se kaže kot poseben trenutek ali stopnja kompozicijskega procesa, v katerem so »metode pomembnejše od rezultatov« (Carl Dahlhouse). S koncentriranjem zanimanja na glasbeni dogodek se izvajalec in poslušalec vključita v določeno dogajanje, sodelujeta v njem in delita »odgovornost« avtorja za trenutno nastajajoče delo. Aleatorična praksa je pripeljala do ustvarjanja nepopolnih glasbenih zapisov, konvencionalnih, shematskih, grafičnih, skriptno-besedilnih oblik podobe. Mobilno »besedilo« glasbene skladbe, ki ni fiksirano v posnetku, je dobilo priložnost za ustvarjanje novih izvedbenih različic le-tega, izvajanje notranjih preureditev delov itd. (Boulezova klavirska sonata 3 – 1957, Beneške igre Witold Lutosławski, 1962.) Skrajna oblika manifestacije aleatorike je bil hepening.

    Konec petdesetih let 20. stoletja se je rodila tehnika minimalizma (v Franciji - "vadbena" glasba), ki je temeljila na ponavljanju najpreprostejših tematskih struktur, vendar na poseben način, izposojenih iz opazovanj tehničnih "interferenc" v radijski tehniki. , akustičnih neskladij. Zamisel o delu z najpreprostejšimi tematskimi formacijami je predstavil Cage ( Predavanja o Nič, 1959), vendar je bil začetnik novega eksperimenta ameriški skladatelj Steve Reich. V eseju Glasba nihala(1968) se je izkazalo, da je bil glavni »inštrument« viseči mikrofon, povlečen nazaj in kot nihalo nihajoč v prostoru akustičnega sistema. Osnova razvoja v minimalizmu je nesinhrono zvenenje istega tematskega modela v njegovi natančni ali minimalno modificirani ponovitvi. To ustvari učinek "konvergiranja" v sozvočju in "razhajanja" zvoka v zvoku ansambla ( Klavirska faza, 1967). V širšem smislu je minimalizem v glasbi začel definirati tehniko ustvarjanja dela, ki temelji na minimumu izrazna sredstva– ena ali več melodičnih figur, razvitih s pomočjo psihofizioloških učinkov: številna ponavljanja, tehnično-akustični prelivi, dinamične gradnje, kontrasti, pospeški tempa itd. V Ameriki so ta stil imenovali tudi »Newyorška šola hipnoze«. Predstavniki prvega vala minimalizma so bili ameriški skladatelji T. Riley, F. Glass, Morton Feldman idr.

    Do konca 20. stol. Avantgardizem se izčrpa in vpliva na druge zvrsti glasbene kulture - jazz, rock, filmsko glasbo. Njegov rezultat lahko štejemo za novo razumevanje glasbe, ki so ga razvili sodobniki, in nov odnos do materiala, iz katerega je narejena, ki zdaj vključuje najširši spekter vseh znanih zgodovinskih in geografskih stilov ter instrumentalnih in zvočnih tehnologij. Biti kot visok glasbena umetnost Evropa, elitistični fenomen, avantgarda se izgubi v kulturi vsakdanjega življenja, ki zmaguje do danes. Njene inherentne nove glasbene oblike ustvarjanja glasbe s pomočjo računalniških programov in visokih zvočnih tehnologij porajajo nov tip neakademske glasbene dejavnosti, dostopne ljubiteljskemu glasbeniku, ki obvlada zakonitosti gradnje glasbenega dela zunaj zidov tradicionalnega glasbene strokovne ustanove.

    Tamila Jani-Zadeh, Walida Kelle

    Literatura:

    Buchan E. Glasba rokokoja in klasike. 1934
    Druskin M.S. Klaviaturna glasba Španije, Anglije, Nizozemske, Francije, Italije, Nemčije 16.-18.. L., 1960
    Glasbena estetika zahodnoevropskega srednjega veka in renesanse. M., 1966
    Musik der Altertums. Musikgeschichte in Bildern. Bd. 2. Leipzig, 1968
    Salman W. Haus-und Kammermusik/ Privates Musizieren im Gesellschaftlichen Wandel zwischen 1600 und1900. Musikgeschichte in Bildern. Musik der Mittelalters und der Renaissance. Bd.4. Leipzig, 1969
    Schneerson G. Francoska glasba 20. stoletja. 2. izdaja. M., 1970
    Kholopova V.N. Vprašanja ritma v delih skladateljev prve polovice 20. stoletja. M., 1971
    Schwab H.W. Koncert. Musikgeschichte in Bildern. Musik der Neuzeit. Bd. 4. Leipzig, 1971
    Druskin M.S. O zahodnoevropski glasbi 20. stoletja. M., 1973
    Glasbena estetika Francije. M., 1974
    Kholopov Yu.N. Eseji o moderni harmoniji. M., 1974
    Glasba 20. stoletja. Gradivo in dokumenti. M., 1975
    Dubravskaya T.N. Glasba renesanse. 16. stoletje. M., 1976
    Salman W. Musikleben v 16. Jahrhundert. Musikgeschichte in Bildern. Musik der Mittelalters und der Renaissance. Lief. 9. Leipzig, 1976
    Livanova T.N. Zahodnoevropska glasba 17.-18. stoletja med umetnostmi. M., 1977
    Glasbena estetika zahodne Evrope v 17.-18. M., 1977
    Yarocinsky S. Debussy, impresionizem in simbolizem. M., 1978
    Rosenschild K.K. Glasba v Franciji v 17. in zgodnjem 18. stoletju. M., 1979
    Druskin M.S. Zgodovina tuje glasbene kulture. 2. polovica 19. stoletja. M., 1980
    Evdokimova Yu.K., Simakova N.A. Renesančna glasba. M., 1982
    . Zvezek 2. M., 1982
    Glasbena estetika Nemčije v 19. stoletju. Vol.1, 2. M., 1981, 1982
    Evdokimova Yu.K. Polifonija srednjega veka X-XIV stoletja. Zgodovina polifonije. številka 1. M., 1983
    Livanova T.N. Zgodovina zahodnoevropske glasbe do leta 1789. XVIII stoletja. Zvezek 1. 2. izd. M., 1983
    Filenko G.T. Francoska glasba prve polovice 20. stoletja. L., 1983
    Glasba 20. stoletja. Eseji. 2. del: 1917-1945. Knjiga 4. M., 1984
    Bogojavlenski S.N. Italijanska glasba prve polovice 20. stoletja. M., 1986
    Zhitomirsky D.V., Leontyeva O.T., Myalo K.G. Zahodna glasbena avantgarda po drugi svetovni vojni. M., 1989
    Konen V.D. Tretja plast. Nove množične zvrsti v glasbi dvajsetega stoletja. M., "Glasba", 1994
    Lobanova M.N. Zahodnoevropski glasbeni barok. M., 1994
    Barsova I.A. Eseji o zgodovini partiturnega zapisa (XVI - prva polovica XVIII. stoletja). M., 1997
    Konen V.D. Eseji o zgodovini tuja glasba . M., 1997
    Glasbena kultura: XIX-XX. vol. 2. M., 2002
    Saponov M. A. Ministreli. Knjiga o glasbi srednjeveške Evrope. M., 2004
    Fortunatov Yu.A. Predavanja o zgodovini orkestralnih stilov. M., 2004

    

    Tečajna naloga

    "Nacionalni značaj in kultura Španije"


    Uvod

    Poglavje 1. Splošne informacije o Španiji

    1.1 Zgodovina Španije

    1.2 Geografija Španije

    Poglavje 2. Kultura Španije

    2.1 Literatura

    2.2 Arhitektura in likovna umetnost

    2.3 Glasba

    2.5 Izobraževanje

    2.6 Rekreacija in šport

    Poglavje 3. Nacionalni značaj Španije

    3.1 Tradicije Španije

    3.2 Španci

    3.3 Španski jezik. Zgodovina španskega jezika

    3.4 Španske počitnice

    3.5 Španska noša

    3.6 Nacionalna kuhinja Španije

    3.7 Kratek opis mest, regij in krajev v Španiji

    3.8 Znamenitosti Španije

    3.9 Vreme v Španiji

    Zaključek

    Reference

    Uvod


    Vsak narod in njegova kultura obstajata že dolgo in naravno je, da se v tako dolgem časovnem obdobju njegove tradicije ne morejo spremeniti. Obstajajo različne prelomnice, spremembe smernic, vse tisto, zaradi česar je mogoče govoriti o razvoju, evoluciji ali revoluciji nacionalne kulture. V tem ozadju nenehnih sprememb je težko sistematično opisati katero koli nacionalno kulturo. Večina avtorjev v svoje definicije vključuje sistemske elemente nacionalne kulture, kot so jezik, vera in umetnost, vendar nobeden od teh elementov sam po sebi ne more služiti kot značilnost, ki razlikuje eno nacionalno kulturo od druge. Kako se izogniti deskriptivnemu pristopu k nacionalni kulturi, ko je namesto teorije predlagana bodisi kulturna zgodovina bodisi historiozofija (v obliki »nacionalne ideje«)? Stalne in stabilne značilnosti nacionalne kulture je težko izolirati, pristopov k temu problemu pa je veliko. Predlagamo, da kot glavne kategorije analize vzamemo takšne značilnosti, ki so prisotne v kulturi nekega naroda skozi njegovo zgodovino in ki mu po eni strani omogočajo ohranjanje stabilnosti in identitete, po drugi pa določajo specifičen način dinamike in narave zgodovinskih sprememb.

    Posebno mesto v tem kontekstu zavzema aktualnost raziskovalne teme. Ta država, ki se nahaja na obrobju glavnih dogodkov dvajsetega stoletja, zdaj zaseda vodilni položaj skupaj z drugimi evropskimi državami. Poleg tega so zdaj, ko Evropa spet poskuša združiti, razkrite pomembne razlike med njenimi komponentami. Kulturni koncept »Zahodne Evrope« se ob natančnejšem, natančnejšem pregledu sesuje in malo pojasni v primerih, ko je treba ustvariti predstavo o določeni državi, ki je geografsko povezana z Evropo.

    Poglavje 1. Splošne informacije o Španiji


    Španija je evropska država na Iberskem polotoku, katere glavno mesto je Madrid. Vodja Španije je kralj Juan Carlos. Oblika vladavine je ustavna monarhija. Španija meji na Francijo, Portugalsko, Andoro in angleško kolonijo Gibraltar, umivata pa jo Sredozemsko morje in Atlantski ocean.

    Država spada med Balearske, Pitiusove in Kanarske otoke, gore in planote predstavljajo 90% njene površine, na ozemlju te države pa se nahaja gora Mulacén (najjužnejša točka Evrope, kjer sneg ostane tudi poleti).

    Podnebje: Španija zavzema subtropsko območje in je na večini njenega ozemlja značilno sredozemsko podnebje. Naravne razmere te države so blizu evropskim in afriškim, vendar imajo zaradi geografske lege Iberskega polotoka tudi svoje značilnosti.

    Prebivalstvo, jeziki: Španija ima 39,6 milijona prebivalcev. Uradni jezik je španščina, poleg tega se tukaj govori baskovščina, katalonščina in galicijščina.

    Čas: V večini države zaostaja za Moskvo za 2 uri, na otoku Tenerife - za 3.

    Valuta: Valuta države je evro (EUR). V velikih mestih lahko uporabljate kreditne kartice VISA, MASTER CARD, AMERICAN EXPRESS.

    Odpiralni čas ustanov: Trgovine so odprte od 9.00 do 13.30 in od 16.30 do 20.00. Majhne trgovine v letoviških območjih so običajno odprte do 22.00. Veleblagovnice so odprte od 10.00 do 21.00 (od ponedeljka do sobote), brez odmora. V servisnem oddelku lahko izdate brezplačni kupon, ki tujcem omogoča popust. Banke so odprte od 9.00 do 14.00, muzeji - od 10.00 do 14.00, razen osrednjih. Zaposleni počivajo ob sobotah popoldne in nedeljah. Poleti večina restavracij in barov sprejema svoje obiskovalce ves dan.

    Nasveti: V hotelih, restavracijah in barih so napitnine običajno vključene v račun, pri nas pa je običajno znesek zaokrožiti navzgor. Napitnine običajno dobijo vratarji, prodajalci vstopnic za gledališča in tisti, ki vam pomagajo pri ogledih. V drugih primerih napitnine običajno znašajo 5-10 % računa.

    Prevoz: V Španiji kopenske prometne povezave zagotavlja široko razvito omrežje cest in železnic. Med večjimi mesti je dobro vzpostavljen sistem letalskih povezav. Poleg tega je celinski del države s potniškimi ladjami povezan z afriško celino, Balearskimi in Kanarskimi otoki.

    V letoviških območjih je najem avtomobila na voljo za turiste, starejše od 21 let. Za sklenitev pogodbe potrebujete potni list, mednarodno vozniško dovoljenje (z vsaj letom izkušenj) in depozit od 50 do 100 ameriških dolarjev. Najem avtomobila, kot sta Opel Corsa ali Ford Fiesta, bo stal približno 40 USD na dan. Stroški najema avtomobila vključujejo zavarovanje, vendar strošek bencina običajno ni upoštevan v skupnem znesku, to pomeni, da mora stranka, ko je prejela avto s polnim rezervoarjem, vrniti tudi popolnoma napolnjenega. En liter bencina v Španiji stane približno 0,9 dolarja.


    1.1 Zgodovina Španije


    Španija in Iberski polotok, ki se nahajata na stičišču Evrope in Afrike, sta bila podvržena vpadom ras in civilizacij. Rimljani so v Španijo prispeli v 3. stoletju pred našim štetjem, a so potrebovali dve stoletji, da so osvojili polotok. Postopoma so bili sprejeti rimski zakoni, jezik in tradicije. Leta 409 AD so rimsko Španijo preplavila germanska plemena in do leta 419 je bilo ustanovljeno Vizigotsko kraljestvo. Vizigoti so vladali do leta 711, potem pa so muslimani prečkali Gibraltarsko ožino in porazili Roderika, zadnjega gotskega kralja.

    Do leta 714 so muslimanske vojske zavzele celoten polotok razen goratih območij severne Španije. Muslimansko osvajanje južne Španije (ki so jo Španci imenovali Al-Andalus) je trajalo skoraj 800 let. V tem obdobju sta cveteli umetnost in znanost, razvili so se novi pridelki in tehnologije v kmetijstvu, zgradili so palače, mošeje, šole, vrtove in javna kopališča. Leta 722 je pri Covadongi v severni Španiji majhna vojska, ki jo je vodil vizigotski kralj Pelayo, muslimanom zadala prvi poraz. Ta bitka je zaznamovala začetek rekonkviste - vrnitev Španije s strani kristjanov.

    Proti koncu 13. stoletja sta se Kastilja in Aragonija pojavila kot dve glavni središči moči krščanske Španije, leta 1469 pa ju je združila poroka Isabelle, kastiljske princese, in Ferdinanda, naslednika aragonskega prestola. Isabella in Fernando, imenovana katoliška monarha, sta združila vso Španijo in uvedla zlato dobo. Leta 1478 so ustanovili zloglasno neusmiljeno špansko inkvizicijo, med katero so izgnali in usmrtili na tisoče Judov in drugih heretikov. Leta 1478 so oblegali Granado, 10 let pozneje pa se jim je predal še zadnji muslimanski kralj, kar je pomenilo težko pričakovani konec ponovnega osvajanja države.

    Španija je po Kolumbovem prihodu v Ameriko leta 1492 postala ogromen imperij Novega sveta. Ko so konkvistadorji zavzeli zemljo od Kube do Bolivije, sta zlato in srebro stekla v španske blagajne iz Mehike in Peruja. Španija je monopolizirala trgovino v teh novih kolonijah in postala ena najmočnejših držav na svetu. Vendar je ta protekcionizem oviral razvoj kolonij in povzročil vrsto dragih vojn z Anglijo, Francijo in Nizozemsko.

    Ko so leta 1793 Ludvika XVI. giljotinirali, je Španija novi Francoski republiki napovedala vojno, vendar je bila poražena. Leta 1808 so Napoleonove čete vstopile v Španijo in španska krona je začela izgubljati oblast nad kolonijami. Zaradi upora v Madridu so se Španci združili proti Francozom in bojevali petletno vojno za neodvisnost. Francoske sile so bile dokončno potlačene leta 1813 in leto kasneje je Fernando VII ponovno prevzel španski prestol. Fernandova naslednja dvajsetletna vladavina je bila negativen primer monarhije. Med njegovo vladavino je bila obnovljena inkvizicija, liberalci in konstitucionalisti so bili preganjani, svoboda govora je bila prepovedana. Španija je doživela hud gospodarski padec in ameriške kolonije so si priborile neodvisnost.

    Uničujoča špansko-ameriška vojna leta 1898 je zaznamovala konec španskega imperija. Španijo so ZDA premagale v vrsti enostranskih pomorskih bitk, kar je povzročilo izgubo Kube, Portorika, Guama in Filipinov, njenih zadnjih čezmorskih posesti. Težave Španije so se nadaljevale v začetku 20. stoletja. Leta 1923, ko je bila država na robu državljanske vojne, se je Miguel Primo de Riviera razglasil za vojaškega diktatorja in vladal do leta 1930. Leta 1931 je Alfonso XIII. pobegnil iz države in razglašena je bila Druga republika, ki pa je kmalu postala žrtev notranjih spopadov. Volitve leta 1936 so državo razdelile na dva tabora: republikansko vlado in njene zagovornike na eni strani (nemirno zavezništvo komunistov, socialistov in anarhistov, ki se borijo za večjo enakost v družbi in zmanjšanje vloge cerkve) in nacionalistično opozicijo ( desničarsko zavezništvo vojske, cerkve, monarhije in falang – strank fašističnega prepričanja) na drugi strani.

    Atentat na opozicijskega voditelja Joséja Calva Sotela s strani republikanske policije julija 1936 je vojsko spodbudil k strmoglavljenju vlade. V kasnejši državljanski vojni (1936-39) so nacionalisti uživali široko vojaško in finančno podporo nacistične Nemčije in fašistične Italije, medtem ko so njihovi nasprotniki prihajali le iz Rusije in v manjši meri iz interbrigad, sestavljenih iz tujih idealistov. Anglija in Francija sta kljub grožnji fašizma zavrnili podporo republikancem.

    Do leta 1939 so nacionalisti pod vodstvom Franca zmagali v vojni. V boju je umrlo več kot 350.000 Špancev, a prelivanje krvi se s tem ni končalo. Približno 100.000 republikancev je bilo po vojni usmrčenih ali umrlo v zaporu. Med Francovo 35-letno diktaturo je bila Španija izčrpana zaradi blokad, izključena iz Nata in ZN ter trpela zaradi gospodarske recesije. Šele v začetku leta 1950 je država začela okrevati, ko sta ji vzpon turizma in zavezništvo z ZDA zagotovila prepotrebno podporo. Do leta 1970 je imela Španija najhitreje rastoče gospodarstvo v Evropi.

    Franco je umrl leta 1975, pred tem pa je za svojega naslednika imenoval Juana Carlosa, vnuka Alfonsa XIII. Z Juanom Carlosom na prestolu je Španija prešla iz diktature v demokracijo. Prve volitve so bile leta 1977, nova ustava je bila napisana leta 1978, neuspeli vojaški udar leta 1981 pa je bil jalov poskus zavrtenja ure nazaj. Leta 1982 je Španija dokončno prekinila s preteklostjo z izvolitvijo socialistične vlade z večino glasov. Edina resna pomanjkljivost na domači fronti je bila tedanja teroristična akcija separatistične vojaške skupine ETA, katere cilj je bila osamosvojitev baskovske domovine. V tridesetih letih terorističnega delovanja je skupina ETA ubila več kot 800 ljudi.

    Leta 1986 je Španija vstopila v EU, leta 1992 pa se je vrnila na svetovno prizorišče: v Barceloni so bile olimpijske igre, v Sevilli Expo 92, Madrid pa je bil razglašen za evropsko prestolnico kulture. Leta 1996 so Španci volili konservativno stranko, ki jo je vodil José Maria Aznar, oboževalec Eltona Johna in nekdanji davčni inšpektor. Marca 2000 je bil ponovno izvoljen z absolutno večino; njegov uspeh je bil pripisan robustnemu stanju španskega gospodarstva, ki je med Aznarjevo vladavino raslo za 45 % na leto.


    1.2 Geografija Španije


    Španija se nahaja na jugozahodu evropske celine na Iberskem polotoku. Na zahodu meji s Portugalsko (dolžina meje 1214 km), na severu - s Francijo (623 km) in Andoro (65 km), na jugu - z Gibraltarjem (1,2 km). Na vzhodu in jugu jo umiva Sredozemsko morje, na zahodu Atlantski ocean, na severu pa Biskajski zaliv. Španija ima v lasti Balearske in Kanarske otoke ter pet suverenih območij na obali Maroka. Skupna dolžina meje je 1.903,2 km, dolžina obale je 4.964 km. Španija ima dolgoletni ozemeljski spor z Veliko Britanijo zaradi vprašanja Gibraltarja.

    Španija zavzema 85 % Iberskega polotoka. Osrednji del države zavzema prostrana planota Meseta z gorovjem Cordillera Central, ki ga sestavljajo Sierra de Guadarrama, Sierra de Gredos in Sierra de Tata. Na severu so Kantabrijske gore. Pirenejsko gorovje se razprostira ob meji s Francijo (vrh Aneto, 3404 m). Na vzhodu ležijo Ibersko in Katalonsko gorovje. Na jugu so Sierra Morena in Andaluzijske gore. Gora Mulacén, visoka 3.482 m, je najvišja celinska točka v Španiji in se nahaja v Andaluzijskem gorovju. Gora Pico de Teide (3710 m) se nahaja na največjem Kanarskem otoku Tenerife. Glavne reke v državi so Tagus, Duero, Guadalquivir, Guadiana in Ebro.

    Poglavje 2. Kultura Španije


    Španija ima neverjetno umetniško dediščino. Stebri zlate dobe so bili umetniki, ki so sledili Toledu: El Greco in Diego Velazquez. Francisco Goya je bil najplodnejši španski umetnik 18. stoletja in je ustvaril osupljivo resnične portrete kraljeve družine. V začetku 20. stoletja so na svet umetnosti vplivali kontroverzni španski umetniki - Pablo Picasso, Juan Gris, Joan Miró in Salvador Dali. Arhitektura Španije je zelo raznolika: starodavni spomeniki na Menorki na Balearskih otokih, rimske ruševine v Meridi in Tarragoni, okrasna islamska Alhambra v Granadi, zgradbe Mudejar, gotske katedrale, palače in gradovi, osupljivi modernistični spomeniki in muhaste skulpture Gaudija.

    Eden največjih primerov leposlovja na svetu je roman Don Quixote La Manca iz 17. stoletja, ki ga je napisal Španec Miguel Cervantes. Ugledni španski pisci 20. stoletja so Miguel de Unamuno, Federico García Lorca in Camilo José Cela, dobitnik Nobelove nagrade za književnost leta 1989. Znane pisateljice so Adelaide García Morales, Ana Maria Matute in Montserrat Roig. Španske filme so nekoč povezovali z delom nadrealističnega genija Louisa Buñuela, ki je večino svojega življenja preživel v tujini. Trenutno jih predstavljajo ekstravagantne farse Pedra Almodóvarja, ki je dosegel ogromen uspeh na mednarodni ravni.

    V 1790-ih so v Andaluziji izumili kitaro, tako da so arabski lutnji dodali šesto struno. Kitara je svojo moderno obliko dobila v 1870-ih. Španski glasbeniki so umetnost igranja kitare dvignili do vrhov virtuoznosti: Andres Segovia (1893-1997) je klasično kitaro naredil za ločen žanr. Flamenko, glasba, ki je tesno povezana s canto ondo cigani iz Andaluzije, trenutno doživlja preporod. Paco de Lucia je svetovno znani kitarist flamenka. Njegov prijatelj El Camaron de la Isla je bil do svoje smrti leta 1992 vodilni glasbenik v sodobnem Canto Ondo. Leta 1980 se je po zaslugi Pata Negre in Ketame pojavila kombinacija flamenka in rocka, leta 1990 pa se je pojavil Radio Tarifa, ki je predvajal očarljivo kombinacijo flamenka, severnoafriških in srednjeveških melodij. Podjetje Bacalao je španski prispevek v svetu tehnologije, njegov sedež se nahaja v Valencii.

    Španci obožujejo šport, še posebej nogomet; Vredno se je udeležiti nogometne tekme in občutiti napetost v ozračju. Priljubljene so tudi bikoborbe, kljub nenehnemu pritisku mednarodnih borcev za pravice živali.

    Čeprav je katolištvo pognalo globoke korenine na vseh področjih španske družbe, le približno 40 % Špancev redno obiskuje cerkev. Številni Španci so do cerkve zelo skeptični; Med državljansko vojno so požigali cerkve in streljali duhovščino, ker je podpirala represijo, korupcijo in stari red.


    2.1 Literatura


    Začetek španske književnosti v kastiljskem jeziku je zaznamoval veliki spomenik španskega junaškega epa Pesem o mojem Cidu (ok. 1140) o podvigih junaka rekonkviste Rodriga Díaza de Bivarja z vzdevkom Cid. Na podlagi te in drugih junaških pesmi v zgodnji renesansi se je oblikovala španska romanca - najbolj znana zvrst španskega ljudskega pesništva. Pri začetkih španske poezije je bil Gonsalvo de Berceo (ok. 1180 - ok. 1246), avtor nabožnih in poučnih del, za utemeljitelja španske proze pa velja kralj Kastilje in Leona Alfonso X. Modri ​​(vladal 1252–1284), ki je zapustil vrsto zgodovinskih kronik in razprav. V žanru literarne proze je njegova prizadevanja nadaljeval infante Juan Manuel (1282–1348), avtor zbirke novel Grof Lucanor (1328–1335). Največji pesnik začetnega obdobja kastiljske književnosti je bil Juan Ruiz (1283 - ok. 1350), ki je ustvaril Knjigo dobre ljubezni (1343). Vrhunec srednjeveške španske poezije je bilo delo globokega lirika Jorgeja Manriqueja (okoli 1440–1479).

    Zgodnjo renesanso (začetek 16. stoletja) sta zaznamovala italijanski vpliv, ki ga je vodil Garcilaso de la Vega (1503–1536), in razcvet španske viteške romantike. Za »zlato dobo« španske književnosti štejemo obdobje od sredine 16. do konca 17. stoletja, ko sta Lope de Rueda (med 1500–1510 – ok. 1565), Lope de Vega (1562–1635) , Pedro Calderon (1600–1681), Tirso de Molina (1571–1648), Juan Ruiz de Alarcón (1581–1639), Francisco Quevedo (1580–1645), Luis Góngora (1561–1627) in nazadnje Miguel de Cervantes. Saavedra (1547–1616), avtor nesmrtnega Don Kihota (1605–1615).

    Skozi 18. in večji del 19. stol. Španska književnost je bila v globokem zatonu in se je ukvarjala predvsem s posnemanjem francoskih, angleških in nemških literarnih vzorov. Romantiko v Španiji predstavljajo tri velike osebnosti: esejist Mariano José de Larra (1809–1837), pesnik Gustavo Adolfo Becker (1836–1870) in prozaist Benito Pérez Galdós (1843–1920), avtor številnih zgodovinskih romanov. . Vodilni položaji v literaturi 19. stoletja. zaseda t.i Kostumbrizem je prikazovanje vsakdanjega življenja in običajev s poudarkom na lokalnem koloritu. Naturalistične in realistične težnje so se pojavile v delih romanopiscev Emilie Pardo Basan (1852–1921) in Vicenteja Blasca Ibáñeza (1867–1928).

    Španska književnost je v prvi polovici 20. stoletja doživela nov razcvet. (tako imenovana »druga zlata doba«). Preporod nacionalne književnosti se začne s pisci »generacije 1898«, med katere sodijo Miguel de Unamuno (1864–1936), Ramon del Valle Inclan (1869–1936), Pio Baroja (1872–1956), Azorin (1874–1967). ); Nobelov nagrajenec (1922) dramatik Jacinto Benavente (1866–1954); pesniki Antonio Machado (1875–1939) in Nobelov nagrajenec za literaturo iz leta 1956 Juan Ramon Jimenez (1881–1958). Za njimi je v literaturo vstopila sijajna galaksija tako imenovanih pesnikov. »Generacija 1927«: Pedro Salinas (1892–1951), Jorge Guillen (r. 1893), Vicente Aleixandre (1898–1984), ki je leta 1977 prejel Nobelovo nagrado, Rafael Alberti (r. 1902), Miguel Hernandez (1910– 1942) ) in Federico García Lorca (1898–1936). Vzpon frankistov na oblast je tragično prekinil razvoj španske literature. Postopno oživljanje nacionalne literarne tradicije je v petdesetih–šestdesetih letih 20. stoletja začel Camilo José Cela (1916), Nobelov nagrajenec za leto 1989, avtor romanov Družina Pascuala Duarteja (1942), Čebelnjak (1943) itd.; Anna Maria Matute (1926), Juan Goytisolo (1928), Luis Goytisolo (1935), Miguel Delibes (1920), dramatika Alfonso Sastre (1926) in Antonio Buero Vallejo (1916), pesnik Blas de Otero (1916–1979) itd. Po Francovi smrti je literarno življenje močno oživelo: na literarno prizorišče so vstopili novi prozaisti (Jorge Semprun, Carlos Rojas, Juan Marse, Eduardo Mendoza) in pesniki (Antonio Colinas, Francisco Brines, Carlos Sahagun, Julio Lamasares).


    2.2 Arhitektura in likovna umetnost


    Arabci so v špansko umetnost prinesli razvito kulturo ornamentov in zapustili vrsto veličastnih arhitekturnih spomenikov v mavrskem slogu, med drugim mošejo v Cordobi (8. stoletje) in palačo Alhambra v Granadi (13-15. stoletje). V 11.–12. V Španiji se razvija romanski slog v arhitekturi, katerega izjemen spomenik je veličastna katedrala v mestu Santiago de Compostela. V 13. - prvi polovici 15. stol. V Španiji se je, tako kot po vsej zahodni Evropi, oblikoval gotski slog. Španska gotika si pogosto izposoja mavrske značilnosti, kar dokazujejo veličastne katedrale v Sevilli, Burgosu in Toledu (ena največjih v Evropi). Poseben umetniški fenomen je t.i. mudejarski slog, ki se je razvil kot posledica spoja gotskih in kasneje renesančnih elementov v arhitekturi z mavrsko dediščino.

    V 16. stoletju pod vplivom italijanske umetnosti je v Španiji nastajala šola manierizma: njeni vidni predstavniki so bili kipar Alonso Berruguete (1490–1561), slikar Luis de Morales (ok. 1508–1586) in veliki El Greco (1541– 1614). Utemeljitelja umetnosti dvornega portretiranja sta bila slavna slikarja Alonso San ches Coelho (ok. 1531–1588) in njegov učenec Juan Pantoja de la Cruz (1553–1608). V posvetni arhitekturi 16. stol. Uveljavil se je ornamentalni »platereskni« slog, ki ga je ob koncu stoletja nadomestil hladni »herreresco« slog, primer tega je samostan-palača Escorial blizu Madrida, zgrajena v letih 1563–1584 kot rezidenca španskega kralji.

    »Zlato dobo« španskega slikarstva imenujemo 17. stoletje, ko so veliki umetniki Jusepe Ribera (1588–1652), Bartolomé Esteban Murillo (1618–1682), Francisco Zurbaran (1598–1664) in Diego de Silva Velazquez (1599– 1660) je deloval. V arhitekturi je bil v drugi polovici 17. stoletja zadržan slog "herreresco". umika preveč dekorativnemu slogu churriguresco.

    Obdobje 18.–19. stol na splošno značilen zaton španske umetnosti, zaklenjen v imitativni klasicizem in kasneje v površinski kostumbrizem. Na tem ozadju še posebej jasno izstopa delo Francisca Goye (1746–1828).

    Oživitev velike španske tradicije se zgodi v prvi polovici 20. stoletja. Nove poti v svetovni umetnosti so utirali izvirni arhitekt Antonio Gaudi (1852–1926), ki so ga imenovali »genij modernizma«, utemeljitelj in vidni predstavnik nadrealizma v slikarstvu Salvador Dali (1904–1989), eden izmed utemeljitelji kubizma Juan Gris (1887–1921), abstraktni umetnik Joan Miró (1893–1983) in Pablo Picasso (1881–1973), ki so prispevali k razvoju več gibanj moderne umetnosti.

    Diego Velazquez. Največji umetnik Španije je bil Diego Velazquez (1599-1660), mlajši El Grecov sodobnik. Rodil se je v Sevilli kot sin plemiča portugalskega porekla in se je že od otroštva odločil, da se bo posvetil slikarstvu. Študiral je v ateljeju slavnega seviljskega umetnika in znanstvenika F. Pacheca, po čigar priporočilu se je lahko preselil v Madrid. Pri 23 letih je Diego Rodriguez de Silva y Velazquez postal dvorni slikar. Do konca svojega življenja je Velazquez prejel najvišji položaj na madridskem dvoru, postal maršal, vitez in član reda Santiaga. Stalna in visoka kraljeva plača mu je omogočila, da ni slikal za dohodek; risal je samo tisto, kar je hotel. Velazquez skoraj ni delal religioznih motivov (kot je duhovito ugotovil Théophile Gautier, »če ni slikal angelov, je bilo to samo zato, ker mu niso pozirali«); Še več, tiste strasti, ki velja za odločilno lastnost vsega »španskega«, v njem skorajda ni. Hladno opazovanje je tisto, zaradi česar je Velazquez postal znan. »Zanj živeti pomeni ohranjati distanco. To je umetnost distance. Potem ko je od slikarstva ločil vse, kar je bilo povezano s tegobami obrti, mu je uspelo ohraniti svojo umetnost na distanci, jo videti izčiščeno do njenega strogega bistva - sistema čisto slikovnih nalog, ki zahtevajo jasno rešitev ... Njegove figure so neopazne, so čiste vizije, resničnost pa resnično sablasna. Od tod končno popolna brezskrbnost gledalca. Njegova naloga je naslikati sliko in se je osvoboditi ter nas pustiti pred ravnino platna. To je genij brezbrižnosti,« je o Velazquezu rekel filozof X. Ortega y Gasset. Večino Velazquezovih platen predstavljajo portreti: slikal je dvorne škrate, infante in rimske kardinale. V zbirki španskih kraljev, ki je zdaj v lasti muzeja Prado, so ohranjene prave Velázquezove mojstrovine, najprej »Las Meninas«, ki prikazuje malo Infanto Margarito, obkroženo s dvorjankami (v Portu: dame- na čakanju). Italijanski umetnik Luca Giordano je to sliko poimenoval "Teologija slikarstva".

    Španija druge polovice 18. - zgodnjega 19. stoletja. je bila dežela nasprotij. V Rusiji si je Katarina II. dopisovala z Voltairom in zapirala samostane; Medtem ko je Francija pela Marseljezo in ubijala kralje, je španska inkvizicija leta 1778 obsodila grofa Pabla Olavideja, vladarja Seville, graditelja ceste čez Sierro Moreno, reformatorja in pisatelja, na osem let zapora. za kaj? Zaradi organiziranja javnih plesov in nespoštljivih komentarjev o menihih. Francisco Goya, ki se je iz revežev povzpel do dvornega slikarja, je bil prijatelj z razsvetljenci – in je bil prisoten pri auto-da-fé in javnih usmrtitvah.


    2.3 Glasba


    Razcvet španske glasbene kulture, predvsem v zvrsti cerkvene glasbe, se je začel v 16. stoletju. Vodilna skladatelja tega obdobja sta bila mojster vokalne polifonije Cristóbal de Morales (1500–1553) in njegov učenec Tomás Luis de Victoria (ok. 1548–1611), imenovan »španski Palestrina«, pa tudi Antonio de Cabezón (1510). –1566), znan po svojih skladbah za čembalo in orgle. V 19. stoletju Po dolgem obdobju stagnacije je bil začetnik preporoda nacionalne glasbene kulture Felipe Pedrel (1841–1922), začetnik nove španske skladateljske šole in tvorec moderne španske muzikologije. Konec 19. - začetek 20. stol. Španska glasba pridobi evropsko slavo po zaslugi skladateljev, kot so Enrique Granados (1867–1916), Isaac Albéniz (1860–1909) in Manuel de Falla (1876–1946). Moderna Španija je ustvarila tako svetovno znane operne pevce, kot so Placido Domingo, José Carreras in Montserrat Caballe.

    2.4 Kino


    Najslavnejši španski filmski režiser Luis Buñuel (1900–1983) je davnega leta 1928 skupaj s Salvadorjem Dalijem posnel svoj prvi nadrealistični film The Dog of Andalus. Buñuel je bil po državljanski vojni prisiljen zapustiti Španijo in se naselil v Mexico Cityju, kjer je ustvaril znamenite filme The Exterminating Angel (1962), Belle of the Day (1967), The Discreet Charm of the Bourgeoisie (1973) in What Gets in pot (1977). V postfrankovskem obdobju se je v Španiji pojavilo več filmskih režiserjev, ki so zasloveli tako doma kot v tujini. Med njimi so Carlos Saura, Pedro Almodóvar (Ženska na robu živčnega zloma, 1988; Quica, 1994) in Fernando Trueva (Belle Epoque, 1994), ki so pomagali vzpostaviti svetovno slavo španske kinematografije.


    2.5 Izobraževanje


    Šolanje je obvezno in brezplačno od 6. do 16. leta, približno tretjina učencev obiskuje zasebne šole. V Španiji je več kot 40 univerz; največji sta univerzi v Madridu in Barceloni. Leta 1992 je na univerzah študiralo 1,2 milijona študentov, od tega 96 % na državnih univerzah. V Španiji je bilo leta 1995 za izobraževanje porabljenih 4,3 % BDP.


    2.6 Rekreacija in šport


    Ponoči kavarne in bari gostijo španske glasbene in plesne predstave; Pogosto se slišijo andaluzijske pesmi flamenka. Pisani ljudski festivali, sejmi in verski prazniki potekajo v različnih delih države.

    V Španiji so bikoborbe še vedno priljubljene. Najljubši šport je nogomet. Mladi igrajo tudi peloto ali baskovsko žogo. Na jugu države petelinji boji pritegnejo veliko občinstva.

    Poglavje 3. Nacionalni značaj Španije


    3.1 Tradicije Španije


    Španija je povsem posebna država, za razliko od svojih evropskih sosedov, katerih glavni adut so seveda Španci sami. Ti hrupni, temperamentni ljudje ne skrivajo svojega odnosa do drugih, nasprotno, trudijo se ga izraziti, in to na čim bolj čustven način. Seveda so v tako nemirni državi še posebej priljubljene vse vrste praznovanj, sejmov, festivalov in karnevalov. Eden od njih, posvečen sv. Jožefu, zavetniku mizarjev in mizarjev, je v Valencii. Velike lutke - fallas - iz blaga in debelega kartona so dale ime temu veselemu praznovanju. Čez dan jih je običajno nositi po mestnih ulicah, zvečer pa jih, oboroženi s petardami in iskricami, zažgati. Po tem hrup ne preneha vso noč in praznovanje se nadaljuje do jutra.

    Kot v kateri koli drugi državi je novo leto v Španiji eden najpomembnejših in najbolj hrupnih praznikov. Tukaj ga običajno srečamo v veliki družbi na glavni ulici mesta - verjetno mnogi poznajo madridsko navado, da se zberejo na osrednjem trgu in med zvonjenjem pojedo 12 grozdnih jagod, ki jih poplaknejo s šampanjcem. To je pravi obred: tako verjamejo Španci, veliki ljubitelji grozdja

    Zgodovina Labiaua od leta 1258. Lesno-zemeljska trdnjava. Gospodarstvo regije je bilo predstavljeno s poljedelstvom, živinorejo, proizvodnjo ribje moke in ladjedelništvom. Zgradbe in objekti nemške gradnje. Zdaj - Polessk.

    Zgodovina Pereslavl-Zalessky. Znamenitosti Pereslavl-Zalessky. Goritski samostan. Pereslavl ozkotirna železnica. Nikitski samostan. Modri ​​kamen. Muzeji Pereslavl-Zalessky. Zgodovinsko-umetnostni in arhitekturni muzej rezerva.

    Klasifikacija muzejev v regiji Astrakhan. Skupine profilov. Muzeji zbirnega in ansambelskega tipa. Razdelitev na javne in zasebne muzeje ter po upravno-teritorialni osnovi. Muzejsko gradivo, razstavna funkcija muzejev.

    Kratka biografija in vloga arhitekta A.P. Zenkova v življenju Almatija. Zgodovina in faze gradnje katedrale svetega vnebovzetja. Sodobna panorama arhitekturnega in urbanističnega spomenika, njegova uporaba v turizmu in izletniški potencial.

    Arhitekturni spomeniki: Altai Territory, Buryatia, Krasnoyarsk Territory, Irkutsk in Kemerovo, Novosibirsk in Omsk, Tomsk in Chita regije. Kultura in življenje Transbaikalije. Muzeji na prostem, zgodovina in lepota stavb v regiji Irkutsk.

    Geografska lega otoka in značilnosti podnebne razmere. Glavne etnične skupine, ki naseljujejo Ciper, so Grki, Turki, Maroniti in Armenci. Nacionalni ciprski prazniki, tradicije in običaji, znamenitosti in zgodovinski spomeniki.

    Regija Astrahan in mesta Astrahan. Regija Astrakhan z edinstvenim naborom turističnih, rekreacijskih in sanatorijsko-letoviških virov, njenih znamenitosti. Hiša-muzej V. Khlebnikova. Flora in favna rezervata, blato in balneološki sanatorij.

    Nastanek kitajske četrti. Kitaygorodskaya stena. Štiri območja Kitajskega mesta - Nogin, Staraya, Novaya, Dzerzhinsky (Lubyanka), Sverdlov (Teatralnaya), Revolucija. Problemi in možnosti za razvoj Kitajske četrti.

    Kratek opis Republike Indije, njena upravna in teritorialna razdelitev, gospodarstvo, razvoj turizma. Terorizem je grožnja nacionalni varnosti Indije. Indija kot članica "jedrskega kluba". Kultura, zgodovina, običaji, tradicije in vera Indije.

    Geografska lega in prebivalstvo mesta Arhangelsk - veliko znanstveno in industrijsko središče na severozahodu Rusije. Opis glavnih znamenitosti mesta: lokalna zgodovina, umetnost, zgodovinski muzeji, naravni rezervati, samostani.

    Etnična zgodovina Krima. Krim kot večetnično ozemlje. Prispevek etničnih skupin in etničnih skupin h kulturni dediščini Krima. Zgodovina pojava Belorusov na Krimu. Spomeniki grške kulture na Krimu. Stavba Kenassa v Simferopolu kot etnografski objekt.

    Dokumentacija, ki utemeljuje mednarodno zaščito in vpis na seznam svetovne dediščine kulturne dediščine spomenik zgodovine in kulture, "Sankt Peterburg in njegova okolica." Park Šuvalovski in posestvo Šuvalov kot svetovna kulturna dediščina.

    Obstoječi ostanki srednjeveških mest, gradov, samostanov, vasi, kjer so umetne ali naravne jame. Jame kot bivališča, verski, grobni ali pomožni prostori. Krimska jamska mesta Mangup, Chufut-Kale, Bakhchisarai.

    Preučevanje zgodovine nastanka in stopenj razvoja mesta Tyukalinsk, ki se nahaja v Zahodna Sibirija na severozahodu regije Omsk na avtocesti Tyumen-Omsk. Značilnosti kombinacije prvotne starodavne in sodobne arhitekture mesta. Pokrajinski muzeji.

    Zgodovina mesta Dmitrov. Priročna lokacija Dmitrova na severu moskovske regije, ki meji na Sergiev Posad in Klin, bogata z znamenitostmi. Posestva moskovske regije in njihova zgodovina. Dmitrovski templji. Samostani Borisoglebsky in Nikolo-Peshnoshsky.

    Pregled zgodovine krajevne pokrajine po izpostavah pokrajinskega muzeja. Zbirke o arheologiji, paleontologiji, numizmatiki, etnografiji, naravi, zgodovini, gospodarstvu in kulturi regije. Tulski samovar kot nepogrešljiv atribut družinskega miru v starih časih.

    Opis glavnih znamenitosti Krasnodarja, ki mora vključevati predvsem njegovo arhitekturo - ne brez razloga na začetku dvajsetega stoletja. mesto se je imenovalo Mali Pariz. Glavne ulice in bulvarji, gledališča, spomeniki, katedrale Krasnodarja.

    Podnebne razmere in naravne znamenitosti Apeninskega polotoka. Zgodovinske korenine italijanskega jezika. Antropološke in verske značilnosti države, državni prazniki, tradicije, običaji. Italija kot simbol renesanse.