- Glasba renesanse
Oživitev umetnosti in znanosti v XIV-XVI stoletju. je bilo obdobje velikih sprememb, ki je zaznamovalo prehod iz srednjeveškega načina življenja v sodobnost. Poseben pomen je v tem obdobju pridobilo skladanje in izvajanje glasbe. Humanisti, ki so preučevali starodavne kulture Grčije in Rima, so skladanje glasbe razglasili za koristno in plemenito dejavnost. Veljalo je, da se mora vsak otrok naučiti peti in obvladati igranje na glasbila. Zato so ugledne družine na svoje domove sprejemale glasbenike, da so učili svoje otroke in zabavali goste.
Glasbeno estetiko renesanse so skladatelji in teoretiki razvijali enako intenzivno kot druge zvrsti umetnosti. Navsezadnje, tako kot je Giovanni Boccaccio verjel, da je Dante s svojim delom prispeval k vrnitvi muz in vdahnil življenje mrtvi poeziji, tako kot je Giorgio Vasari govoril o oživitvi umetnosti, tako je Josepho Zarlino v svoji razpravi zapisal »Ustanovitve harmonije« (1588):
»Vendar pa naj bo zaradi zahrbtnega časa ali človeške malomarnosti ljudje začeli pripisovati malo vrednosti ne samo glasbi, ampak tudi drugim znanostim. In povzdignjena v največje višave, padla je do skrajne nizkosti; in potem, ko ji je bila izkazana nezaslišana čast, so jo začeli imeti za usmiljenja vredno, nepomembno in tako malo čaščeno, da so jo celo učeni ljudje komaj spoznali in ji niso hoteli izkazati njenega zasluga.«
Na prelomu iz 13. v 14. stoletje je v Parizu izšla razprava »Glasba« mojstra glasbe Johna de Groheja, v kateri je kritično revidiral srednjeveške predstave o glasbi. Zapisal je: »Tisti, ki so nagnjeni k pripovedovanju pravljic, so rekli, da so glasbo izumile muze, ki so živele ob vodi. Drugi so rekli, da so ga izumili svetniki in preroki. Toda Boecij, pomemben in plemenit človek, ima drugačne poglede ... V svoji knjigi pravi, da je začetek glasbe odkril Pitagora. Ljudje so peli tako rekoč že od vsega začetka, saj jim je bila glasba prirojena po naravi, kot trdita Platon in Boecij, vendar so bili temelji petja in glasbe neznani vse do Pitagorovih časov ...«
Vendar se John de Groheo ne strinja z delitvijo glasbe na tri zvrsti Boecija in njegovih privržencev: svetovna glasba, človeška glasba, instrumentalna glasba, ker harmonija, ki jo povzroča gibanje nebesna telesa, nihče niti slišal petja angelov; Na splošno »ni stvar glasbenika, da interpretira angelsko petje, razen če je teolog ali prerok«.
»Recimo torej, da je glasbeni tok med Parižani očitno mogoče skrčiti na tri glavne delitve. En oddelek je preprosta, ali civilna (civilis) glasba, ki jo imenujemo tudi ljudska; druga je kompleksna glasba (komponirana - composita), ali pravilna (učena - regularis), ali kanonična, ki se imenuje menzuralna. In tretji del, ki izhaja iz zgornjih dveh in v katerem sta oba združena v nekaj boljšega, je cerkvena glasba, namenjena hvalitvi stvarnika.«
John de Grohe je bil pred svojim časom in ni imel privržencev. Glasba je tako kot poezija in slikarstvo dobila nove lastnosti šele v 15. in zlasti v 16. stoletju, kar je spremljalo pojavljanje vedno novih glasbenih razprav.
Glarean (1488 - 1563), avtor eseja o glasbi "The Twelve-Stringed Man" (1547), je bil rojen v Švici, študiral je na Univerzi v Kölnu na umetniški fakulteti. Magister svobodnih umetnosti se v Baslu ukvarja s poučevanjem poezije, glasbe, matematike, grščine in latinščine, kar govori o perečih interesih dobe. Tu se je spoprijateljil z Erazmom Rotterdamskim.
Glarean se glasbe, zlasti cerkvene, loteva podobno kot umetniki, ki so še naprej slikali in slikali freske v cerkvah, torej bi morala glasba, tako kot slikarstvo, zunaj religiozne didaktike in refleksije, najprej prinašati užitek, biti »mati užitek.”
Glarean utemeljuje prednosti monodične glasbe pred polifonijo, medtem ko govori o dveh vrstah glasbenikov: fono in simfonikih: prvi imajo naravno nagnjenost k skladanju melodije, drugi - k razvoju melodije za dva, tri ali več glasov.
Glarean poleg razvijanja teorije glasbe obravnava tudi zgodovino glasbe, njen razvoj, kot kaže, v okviru renesanse, pri čemer popolnoma zanemarja glasbo srednjega veka. Utemeljuje idejo o enotnosti glasbe in poezije, instrumentalne izvedbe in besedila. V razvoju glasbene teorije je Glarean z uporabo dvanajstih tonov legitimiral eolski in jonski način ter s tem teoretično utemeljil pojma dur in mol.
Glarean se ne omejuje le na razvoj glasbene teorije, ampak proučuje delo sodobnih skladateljev Josquina Despresa, Obrechta, Pierra de la Rueja. O Josquinu Despresu govori z ljubeznijo in veseljem, kot Vasari o Michelangelu.
Gioseffo Zarlino (1517 - 1590), čigar izjavo že poznamo, se je v Benetkah za 20 let pridružil frančiškanskemu redu z njegovimi glasbenimi koncerti in razcvetom slikarstva, kar je prebudilo njegovo poklicanost glasbenika, skladatelja in glasbenega teoretika. Leta 1565 je vodil kapelo sv. Znamka. Menijo, da je Zarlino v eseju "Vzpostavitev harmonije" izrazil osnovna načela v klasični obliki glasbena estetika Renesansa.
Zarlino, ki je govoril o zatonu glasbe, seveda v srednjem veku, se pri razvijanju svojega nauka o naravi glasbene harmonije naslanja na antično estetiko. »Koliko je bila glasba poveličevana in čaščena kot sveta, nazorno pričajo zapisi filozofov in predvsem pitagorejcev, saj so verjeli, da je svet ustvarjen po glasbenih zakonitostih, da je gibanje krogel vzrok harmonije in da je naš duša je zgrajena po istih zakonih, prebuja se iz pesmi in zvokov in zdi se, da življensko vplivajo na njene lastnosti.«
Zarlino se nagiba k temu, da je glasba glavna med svobodnimi umetnostmi, saj je Leonardo da Vinci povzdigoval slikarstvo. A ta strast do določenih zvrsti umetnosti nas ne sme zmesti, saj govorimo o harmoniji kot celoviti estetski kategoriji.
»In če je duša sveta (kot nekateri mislijo) harmonija, ali ne more biti naša duša vzrok vse harmonije v nas in naše telo ne bo združeno z dušo v harmoniji, zlasti ko je Bog ustvaril človeka po podobi večji svet, ki so ga Grki imenovali kozmos, to je okras ali okrašen, in ko je ustvaril podobo manjšega volumna, v nasprotju s tistim, imenovanim mikrokozmos, tj. majhen svet? Jasno je, da takšna predpostavka ni brez temelja.«
Pri Tsarlinu krščanska teologija prehaja v starinsko estetiko. Ideja o enotnosti mikro- in makrokozmosa v njem poraja drugo idejo - o sorazmernosti objektivne harmonije sveta in subjektivne harmonije, ki je lastna človeški duši. Ob izpostavljanju glasbe kot glavne svobodne umetnosti Zarlino govori o enotnosti glasbe in poezije, enotnosti glasbe in besedila, melodije in besede. Temu je dodana »zgodovina«, ki predvideva ali utemeljuje nastanek opere. In če bo ples, kot se bo zgodilo v Parizu, bomo videli rojstvo baleta.
Domneva se, da je prav Zarlino dal estetske značilnosti duru in molu, pri čemer je durov trizvok opredelil kot radosten in svetel, molov trizvok pa kot žalosten in melanholičen. Kontrapunkt definira tudi kot »harmonično celoto, ki vsebuje različne spremembe zvokov ali pevskih glasov v določenem vzorcu korelacije in z določeno časovno mero, ali da je umetna kombinacija različnih zvokov, pripeljana do konsistentnosti«.
Josephfo Zarlino je tako kot Tizian, s katerim je bil povezan, pridobil široko slavo in bil izvoljen za člana Beneške akademije slavnih. Estetika pojasnjuje stanje v glasbi v času renesanse. Ustanovitelj beneška šola glasbe je bil Adrian Willaert (med 1480/90 - 1568), po rodu Nizozemec. Tsarlino je pri njem študiral glasbo. Beneško glasbo je tako kot slikarstvo odlikovala bogata zvočna paleta, ki je kmalu dobila baročne značilnosti.
Poleg beneške šole sta bili največji in najvplivnejši rimska in florentinska šola. Vodja rimske šole je bil Giovanni Palestrina (1525 - 1594).
Skupnost pesnikov, humanističnih znanstvenikov, glasbenikov in ljubiteljev glasbe v Firencah se imenuje Camerata. Vodil jo je Vincenzo Galilei (1533 - 1591). Z razmišljanjem o enotnosti glasbe in poezije ter hkrati z gledališčem, z dogajanjem na odru, so člani Camerate ustvarili nov žanr - opero.
Prvi operi sta »Dafna« J. Perija (1597) in »Evridika« na besedila Rinuccinija (1600). Tu je bil narejen prehod iz polifonega sloga v homofoničnega. Tu sta bila prvič izvedena oratorij in kantata.
Glasba Nizozemske 15. - 16. stoletja je bogata z imeni velikih skladateljev, med njimi Josquina Despresa (1440 - 1524), o katerem je pisal Zarlino in je služil na francoskem dvoru, kjer se je razvila francosko-flamska šola. Domneva se, da je bil najvišji dosežek nizozemskih glasbenikov a capella zborovska maša, ki je ustrezala navzgor navzgor gotskim katedralam.
V Nemčiji se razvija orgelska umetnost. V Franciji so na dvoru ustanovili kapele in organizirali glasbene festivale. Leta 1581 je Henrik III na dvoru ustanovil položaj "glavnega intendanta glasbe". Prvi »glavni intendant glasbe« je bil italijanski violinist Baltazarini de Belgioso, ki je uprizoril »Kraljičin komedijski balet«, predstavo, v kateri sta bila glasba in ples prvič predstavljena kot odrska akcija. Tako je nastal dvorni balet.
Clément Janequin (ok. 1475 - ok. 1560), izjemen skladatelj francoske renesanse, je eden od ustvarjalcev žanra večglasne pesmi. To so 4-5-glasna dela, kot fantazijske pesmi. Posvetna polifonična pesem - šanson - je postala razširjena zunaj Francije.
V renesansi se je instrumentalna glasba močno razvila. Med glavnimi glasbili so lutnja, harfa, flavta, oboa, trobenta, različne vrste orgel (pozitivne, prenosne), sorte čembala; violina je bila ljudsko glasbilo, vendar z razvojem novih godal lokalna glasbila Tako kot viola tudi violina postane eno vodilnih glasbil.
Če se miselnost nove dobe najprej prebudi v poeziji in dobi sijajen razvoj v arhitekturi in slikarstvu, potem glasba, začenši od ljudska pesem, prežema vsa področja življenja. Tudi cerkvena glasba se zdaj v večji meri dojema, tako kot slike umetnikov na svetopisemske teme, ne kot nekaj svetega, ampak nekaj, kar prinaša veselje in užitek, za kar so skrbeli skladatelji, glasbeniki in zbori sami.
Z eno besedo, tako kot v poeziji, slikarstvu, arhitekturi je prišlo do preobrata v razvoju glasbe, z razvojem glasbene estetike in teorije, z nastankom novih zvrsti, predvsem sintetičnih oblik umetnosti, kot so opera in balet, ki bi ga morali dojemati kot renesanso, prenašal stoletja. Glasba renesanse zveni v arhitekturi kot harmonija delov in celote, vpisana v naravo, pa v notranjščino palač in v slike, v katerih vedno vidimo predstavo, ustavljeno epizodo, ko glasovi utihnejo, in vsi liki so poslušali zbledelo melodijo, ki smo jo slišali, kot da bi jo slišal ...
- Glasbila
Dolgo časa je zvok viole veljal za vzor prefinjenosti glasbe. V družini viol so tri glavne vrste. Viola da gamba je velik instrument, ki ga izvajalec postavi navpično in pritisne s strani z nogami (italijanska beseda gamba pomeni »koleno«). Dve drugi sorti - viola da braccio (iz italijanskega braccio - "podlaket") in viola d'amour (francosko viole d'amour - "viola ljubezni") sta bili usmerjeni vodoravno, pri igranju pa sta bili pritisnjeni na ramo. Viola da gamba je po zvočnem obsegu blizu violončelu, viola da braccio je blizu violini, viola d'amour pa je blizu violi.
Med ubranimi inštrumenti renesanse glavno mesto zavzema lutnja (poljska lutnija, iz arabskega "alud" - "drevo"). V Evropo je prišel z Bližnjega vzhoda ob koncu 14. stoletja, do začetka 16. stoletja pa je obstajal ogromen repertoar za ta inštrument; Najprej so zapeli pesmi ob spremljavi lutnje. Lutnja ima kratko telo; zgornji del je raven, spodnji del pa spominja na poloblo. Na širok vrat je pritrjen vrat, razdeljen s prečkami, glava inštrumenta pa je upognjena nazaj skoraj pod pravim kotom. Če želite, lahko vidite podobnost s skledo v videzu lutnje. Dvanajst strun je združenih v pare, zvok pa se proizvaja tako s prsti kot s posebno ploščico - mediatorjem.
V 15.-16. stoletju so se pojavile različne vrste tipkovnic. Glavne vrste takih instrumentov - čembalo, klavikord, činele, virginel - so se aktivno uporabljale v glasbi renesanse, vendar je njihov pravi razcvet prišel kasneje.
- Priljubljena orodja
Takrat so mnogi radi igrali na flavto, flavte in rogove. Najkompleksnejša glasba je bila napisana za novonastalo čembalo, virginel (angleško čembalo, ki ga odlikuje majhna velikost) in orgle. Ob tem glasbeniki niso pozabili komponirati preprostejše glasbe, ki ne zahteva visokega izvajalskega znanja. Istočasno je prišlo do sprememb v glasbenem pisanju: težke lesene tiskovne bloke so nadomestile premične kovinske črke, ki jih je izumil Italijan Ottaviano Petrucci. Objavljena glasbena dela hitro razprodana, vsa več ljudi začeli ukvarjati z glasbo.
V 16. stoletju pojavila so se nova glasbila. Najbolj priljubljeni so bili tisti, ki jih je ljubiteljem glasbe enostavno in preprosto igrati, ne da bi zahtevali kakršno koli posebno znanje.
Najpogostejše so bile viole in sorodne trgane rože. Viola je bila predhodnica violine in jo je bilo enostavno igrati zahvaljujoč prečkam (lesenim trakom čez vrat), ki so pomagali zadeti prave note. Zvok viole je bil tih, vendar je v majhnih dvoranah dobro zvenela. Ob spremljavi še enega žganega trbalniškega inštrumenta - lutnje - so zapeli, kot to počnejo zdaj ob kitari.
Takrat so mnogi radi igrali na flavto, flavte in rogove. Najkompleksnejša glasba je bila napisana za novonastalo čembalo, virginel (angleško čembalo, ki ga odlikuje majhna velikost) in orgle. Ob tem glasbeniki niso pozabili komponirati preprostejše glasbe, ki ne zahteva visokega izvajalskega znanja. Istočasno je prišlo do sprememb v glasbenem pisanju: težke lesene tiskovne bloke so nadomestile premične kovinske črke, ki jih je izumil Italijan Ottaviano Petrucci. Objavljena glasbena dela so se hitro razprodala in z glasbo se je začelo ukvarjati vse več ljudi.
- Kratek opis dobe po državah
Nizozemska je zgodovinska regija v severozahodni Evropi, ki vključuje območja sodobne Belgije, Nizozemske, Luksemburga in severovzhodne Francije. Do 15. stoletja Nizozemska je dosegla visoko gospodarsko in kulturno raven ter postala uspešna evropska država.
Tu se je pojavila nizozemska polifonična šola - eden največjih pojavov v glasbi renesanse. Za razvoj umetnosti v 15. Komunikacija med glasbeniki iz različne države, medsebojni vpliv ustvarjalnih šol. Nizozemska šola je absorbirala tradicijo Italije, Francije, Anglije in same Nizozemske.
Njeni izjemni predstavniki: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (okoli 1400 - 27.11.1474, Cambrai), francosko-flamski skladatelj, eden od ustanoviteljev nizozemske šole. Temelje polifonične tradicije nizozemske glasbe je postavil Guillaume Dufay (okoli 1400 - 1474). Rodil se je v mestu Cambrai v Flandriji (provinca na jugu Nizozemske) in je že od malih nog pel v cerkvenem zboru. Hkrati je bodoči glasbenik obiskoval zasebne ure kompozicije. V mladosti je Dufay odšel v Italijo, kjer je napisal svoje prve skladbe - balade in motete. Leta 1428-1437 služboval je kot pevec v papeški kapeli v Rimu; V istih letih je potoval v Italijo in Francijo. Leta 1437 je bil skladatelj posvečen. Na dvoru vojvode Savojskega (1437-1439) je skladal glasbo za slovesnosti in praznike. Dufay je užival veliko spoštovanje plemičev - med njegovimi oboževalci sta bila na primer zakonca Medici (vladarji italijanskega mesta Firence). [Delal v Italiji in Franciji. V letih 1428-37 je bil pevec papeških kapel v Rimu in drugih italijanskih mestih, v letih 1437-44 pa je služboval pri vojvodi Savojskem. Od leta 1445 kanonik in vodja glasbenih dejavnosti v katedrali v Cambraiju. Mojster sakralnih (3-, 4-glasne maše, moteti), pa tudi posvetnih (3-, 4-glasni francoski šansoni, Italijanske pesmi, balade, rondos) zvrsti, povezane z ljudsko polifonijo in humanistično kulturo renesanse. Danska umetnost, ki je vsrkala dosežke evropske glasbene umetnosti, je imela velik vpliv na nadaljnji razvoj evropske polifone glasbe. Bil je tudi reformator notnega zapisa (D. je zaslužen za uvedbo not z belimi glavami). Celotna dela D. so izšla v Rimu (6 zv., 1951-66).] Dufay je bil prvi med skladatelji, ki je mašo začel komponirati kot celostno glasbeno skladbo. Za ustvarjanje cerkvene glasbe je potreben izreden talent: sposobnost izražanja abstraktnih, neoprijemljivih konceptov s konkretnimi, materialnimi sredstvi. Težava je v tem, da takšna skladba po eni strani ne pusti poslušalca ravnodušnega, po drugi strani pa ne odvrne pozornosti od službe in pomaga globlje osredotočiti na molitev. Mnoge Dufayeve maše so navdahnjene, polne notranjega življenja; zdi se, da za trenutek pomagajo dvigniti tančico božanskega razodetja.
Pogosto je Dufay pri ustvarjanju maše vzel dobro znano melodijo, ki ji je dodal svojo. Takšna izposoja je značilna za renesanso. Zelo pomembno se je zdelo, da maša temelji na znani melodiji, ki bi jo verniki zlahka prepoznali tudi v večglasnem delu. Pogosto je bil uporabljen fragment gregorijanskega korala; Tudi posvetna dela niso bila izključena.
Poleg cerkvene glasbe je Dufay skladal motete na posvetna besedila. V njih je uporabljal tudi zapletene polifone tehnike.
Josquin Despres (1440-1521). Predstavnik nizozemske polifone šole druge polovice 15. stoletja. Bil je Josquin Despres (okoli 1440-1521 ali 1524), ki je imel velik vpliv na delo skladateljev naslednje generacije. V mladosti je služboval kot cerkveni zborovodja v Cambraiju; vzel glasbene ure pri Okegemu. Pri dvajsetih je mladi glasbenik prišel v Italijo, pel v Milanu pri vojvodah Sforza (pozneje je tu služboval veliki italijanski umetnik Leonardo da Vinci) in v papeški kapeli v Rimu. V Italiji je Despres verjetno začel skladati glasbo. Na samem začetku 16. stol. se je preselil v Pariz. Takrat je Despres že zaslovel, na mesto dvornega glasbenika pa ga je povabil francoski kralj Ludvik XII. Od leta 1503 se je Despres ponovno naselil v Italiji, v mestu Ferrara, na dvoru vojvode d'Esteja. Despres je veliko komponiral, njegova glasba pa je hitro postala prepoznavna v najširših krogih: vzljubili so jo tako plemstvo kot plemstvo. Preprosti ljudje so ustvarjali ne samo cerkvena dela, ampak tudi posvetna, zlasti se je obrnil na žanr italijanske ljudske pesmi - frottola, za katero je značilen plesni ritem. Hiter tempo je vnesel v cerkveno glasbo sveža, živahna intonacija, ki je vzbujala občutek veselja in polnosti, vendar Deprejev občutek za mero ni izneverjen , a prav v tem je skrivnost priljubljenosti njegovih stvaritev.
Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). Mlajša sodobnika Guillauma Dufaya sta bila Johannes (Jean) Okeghem (okoli 1425-1497) in Jacob Obrecht. Tako kot Dufay je bil tudi Okegem iz Flandrije. Vse življenje je trdo delal; Poleg glasbenega komponiranja je deloval kot vodja kapele. Skladatelj je ustvaril petnajst maš, trinajst motetov in več kot dvajset šansonov. Za Okegömova dela so značilni strogost, koncentracija in dolg razvoj gladkih melodičnih linij. Veliko pozornosti je posvečal polifonični tehniki in si prizadeval, da bi vse dele maše dojemali kot eno celoto. Skladateljev ustvarjalni slog je razbrati tudi v njegovih pesmih - so skoraj brez posvetne lahkotnosti, po značaju bolj spominjajo na motete, včasih na fragmente maš. Johannes Okegem je bil spoštovan tako v domovini kot v tujini (imenovan je bil za svetovalca francoskega kralja). Jacob Obrecht je bil zborovodja v katedralah različnih mest na Nizozemskem in je vodil kapele; Več let je služboval na dvoru vojvode d'Este v Ferrari (Italija). Je avtor petindvajsetih maš, dvajsetih motetov, tridesetih šansonov, v katere je vnesel veliko novega večglasno izročilo. Njegova glasba je polna kontrastov, drzna, tudi ko se skladatelj obrača k tradicionalnim cerkvenim žanrom.
Vsestranskost in globina ustvarjalnosti Orlanda Lassa. Zgodovino nizozemske renesančne glasbe dopolnjuje delo Orlanda Lassa (pravo ime Roland de Lasso, okoli 1532-1594), ki so ga njegovi sodobniki imenovali »belgijski Orfej« in »princ glasbe«. Lasso se je rodil v Monsu (Flandrija). Od otroštva je pel v cerkvenem zboru, s svojim čudovitim glasom je presenečal župljane. Gonzaga, vojvoda italijanskega mesta Mantova, je po naključju slišal mladega pevca in ga povabil v svojo kapelo. Po Mantovi je Lasso na kratko delal v Neaplju, nato pa se je preselil v Rim - tam je prejel mesto direktorja kapele ene od katedral. Pri petindvajsetih letih je bil Lasso že znan kot skladatelj, njegova dela pa so bila povpraševana med glasbenimi založniki. Leta 1555 je izšla prva zbirka del, ki je vsebovala motete, madrigale in šansone. Lasso je študiral vse najboljše, kar so ustvarili njegovi predhodniki (nizozemski, francoski, nemški in italijanski skladatelji), in njihove izkušnje uporabil pri svojem delu. Kot izjemna oseba je Lasso skušal preseči abstraktno naravo cerkvene glasbe in ji dati individualnost. Skladatelj je v ta namen včasih uporabljal žanrske in vsakdanje motive (teme ljudskih pesmi, plesov) in tako združeval cerkveno in posvetno izročilo. Lasso je združil kompleksnost polifone tehnike z veliko čustvenostjo. Še posebej uspešen je bil v madrigalih, katerih besedila so razkrivala duševno stanje likov, na primer "Solze svetega Petra" (1593) na podlagi pesmi italijanskega pesnika Luigija Tranzilla. Skladatelj je pogosto pisal za veliko število glasov (pet do sedem), zato so njegova dela zahtevna za izvedbo .
Od leta 1556 je Orlando Lasso živel v Münchnu (Nemčija), kjer je vodil kapelo. Do konca življenja je bila njegova avtoriteta v glasbenih in umetniških krogih zelo visoka, njegova slava pa se je razširila po Evropi. Nizozemska polifonična šola je imela velik vpliv na razvoj evropske glasbene kulture. Načela polifonije, ki so jih razvili nizozemski skladatelji, so postala univerzalna, številne umetniške tehnike pa so skladatelji pri svojem delu uporabljali že v 20. stoletju.
Francija.
Za Francijo je 15.–16. stoletje postalo obdobje pomembnih sprememb: Stoletna vojna(1337-1453) z Anglijo, do konca 15. st. končana je bila združitev države; v 16. stoletju je država doživljala verske vojne med katoličani in protestanti. V močnem stanju z absolutna monarhija Povečala se je vloga dvornih praznovanj in ljudskih praznikov. To je prispevalo k razvoju umetnosti, predvsem glasbe, ki je spremljala tovrstne dogodke. Povečalo se je število vokalnih in instrumentalnih zasedb (kapel in sozvočnikov), ki jih sestavlja precejšnje število izvajalcev. Med vojaškimi pohodi v Italiji so se Francozi seznanili z dosežki italijanske kulture. Globoko so čutili in sprejeli ideje italijanske renesanse - humanizem, željo po harmoniji z okoliškim svetom, po uživanju življenja.
Če je bila v Italiji glasbena renesansa povezana predvsem z mašo, potem francoski skladatelji, skupaj s cerkveno glasbo Posebna pozornost posvečen posvetni večglasni pesmi - šansonu. Zanimanje zanj se je v Franciji pojavilo v prvi polovici 16. stoletja, ko je izšla zbirka glasbenih iger Clémenta Janequina (okoli 1485-1558). Ta skladatelj velja za enega od ustvarjalcev žanra.
Večja zborovska programska dela Clémenta Janequina (1475-1560). Kot otrok je Janequin pel v cerkvenem zboru v svojem rojstnem mestu Chatellerault (osrednja Francija). Kasneje se je, kot namigujejo glasbeni zgodovinarji, izpopolnjeval pri nizozemskem mojstru Josquinu Despresu ali pri skladatelju iz njegovega kroga. Po prejemu duhovništva je Janequin delal kot regent (vodja zbora) in organist; nato ga je v službo povabil vojvoda Guise. Leta 1555 je glasbenik postal pevec kraljeve kapele, v letih 1556-1557. - kraljevi dvorni skladatelj. Clément Janequin je ustvaril dvesto osemdeset šansonov (objavljenih med letoma 1530 in 1572); pisal cerkveno glasbo – maše, motete, psalme. Njegove pesmi so bile pogosto figurativne narave. Pred očmi poslušalca se vrtijo slike bitk ("Bitka pri Marignanu", "Bitka pri Renti", "Bitka pri Metzu"), prizori lova ("Lov"), podobe narave ("Ptičje petje", "Slavček" «, »Škrjanec« ), vsakdanji prizori (»Ženski klepet«). Z neverjetno jasnostjo je skladatelju uspelo prenesti vzdušje pariškega vsakdanjega življenja v šansonu "Joki Pariza": v besedilo je vnesel vzklike prodajalcev ("Mleko!" - "Pite!" - "Artičoke!" - "Ribe!" - "Vžigalice!" - "Golobi") - "Stari čevlji!" - "Vino!"). Janequin skorajda ni uporabljal dolgih in gladkih tem za posamezne glasove in kompleksnih polifoničnih tehnik, raje je imel poimenke, ponavljanja in onomatopejo.
Druga smer francoske glasbe je povezana z vseevropskim gibanjem reformacije.
V cerkvenih službah so francoski protestanti (hugenoti) opustili latinščino in polifonijo. Sakralna glasba je dobila bolj odprt, demokratičen značaj. Eden najsvetlejših predstavnikov te glasbene tradicije je bil Claude Gudimel (med 1514 in 1520-1572), avtor psalmov na svetopisemska besedila in protestantskih koralov.
Šanson. Ena glavnih glasbenih zvrsti francoske renesanse je šanson (francoski šanson - "pesem"). Njegov izvor je v ljudski umetnosti (uglasbili so rimane verze epskih zgodb), v umetnosti srednjeveških trubadurjev in trouverjev. Vsebinsko in razpoloženjsko je bil šanson lahko zelo raznolik - bile so ljubezenske pesmi, vsakdanje pesmi, šaljive pesmi, satirične pesmi itd. Skladatelji so za besedila jemali ljudske pesmi in moderno poezijo.
Italija.
Z nastopom renesanse se je v Italiji razširila vsakdanja glasba na različne instrumente; nastali so krogi ljubiteljev glasbe. Na strokovnem področju sta se pojavili dve najmočnejši šoli: rimska in beneška.
Madrigal. V renesansi se je povečala vloga posvetnih žanrov. V XIV stoletju. madrigal se je pojavil v italijanski glasbi (iz starolat. matricale - »pesem v domačem jeziku«). Nastala je na podlagi ljudskih (pastirskih) pesmi. Madrigali so bile dvo- ali triglasne pesmi, pogosto brez instrumentalne spremljave. Napisane so na pesmi sodobnih italijanskih pesnikov, ki so govorile o ljubezni; pesmi na vsakdanje in mitološke teme.
V 15. stoletju se skladatelji skorajda niso obračali na to zvrst; zanimanje zanjo je oživelo šele v 16. stoletju. Značilnost madrigala iz 16. stoletja je tesna povezava med glasbo in poezijo. Glasba je prožno sledila besedilu in odsevala dogodke, opisane v pesniškem viru. Sčasoma so se razvili edinstveni melodični simboli, ki so označevali nežne vzdihe, solze itd. V delih nekaterih skladateljev je bila simbolika filozofska, na primer v madrigalu Gesualda di Venosa "Umiram, nesrečni" (1611).
Žanr je doživel razcvet na prelomu iz 16. v 17. stoletje. Včasih se je hkrati z izvedbo pesmi odigral njen zaplet. Madrigal je postal osnova madrigalske komedije (zborovske skladbe na besedilo komične igre), ki je pripravila pojav opere.
Rimska polifonična šola. Giovanni de Palestrina (1525-1594). Vodja rimske šole je bil Giovanni Pierluigi da Palestrina, eden največjih skladateljev renesanse. Rodil se je v italijanskem mestu Palestrina, po katerem je dobil tudi priimek. Palestrina je že od otroštva pel v cerkvenem zboru, po polnoletnosti pa je bil povabljen na mesto dirigenta (zborovodje) v baziliki svetega Petra v Rimu; pozneje je služboval v Sikstinski kapeli (papeževa dvorna kapela).
Rim, središče katolištva, je pritegnil številne vodilne glasbenike. IN drugačen čas Tu sta delovala nizozemska mojstra polifonista Guillaume Dufay in Josquin Despres. Njihova razvita kompozicijska tehnika je včasih oteževala dojemanje besedila bogoslužja: to se je izgubilo za imenitnim prepletom glasov in besede pravzaprav niso bile slišne. Zato so bile cerkvene oblasti do tovrstnih del previdne in so se zavzemale za vrnitev enoglasja na podlagi gregorijanskih koralov. O dopustnosti polifonije v cerkveni glasbi se je razpravljalo celo na tridentinskem koncilu katoliške cerkve (1545-1563). Palestrina je blizu papeža prepričeval cerkvene voditelje o možnosti ustvarjanja del, v katerih kompozicijska tehnika ne bi posegala v razumevanje besedila. Kot dokaz je sestavil "Mašo papeža Marcella" (1555), ki združuje kompleksno polifonijo z jasnim in ekspresivnim zvokom vsake besede. Tako je glasbenik "rešil" profesionalno polifonično glasbo pred preganjanjem cerkvenih oblasti. Leta 1577 je bil skladatelj povabljen k razpravi o reformi graduala - zbirke svetih hvalnic katoliške cerkve. V 80. letih Palestrina je sprejel sveti red in leta 1584 postal član Društva mojstrov glasbe, združenja glasbenikov, ki je bilo neposredno podrejeno papežu.
Palestrinino delo je prežeto s svetlim pogledom na svet. Dela, ki jih je ustvaril, so navduševala njegove sodobnike tako z najvišjo spretnostjo kot s količino (več kot sto maš, tristo motetov, sto madrigalov). Kompleksnost glasbe nikoli ni bila ovira za njeno dojemanje. Skladatelj je znal najti srednjo pot med prefinjenostjo svojih skladb in njihovo dostopnostjo poslušalcu. Palestrina je svojo glavno ustvarjalno nalogo videl v razvijanju celovitosti odlično delo. Vsak glas v njegovih spevih se razvija neodvisno, a hkrati z ostalimi tvori enotno celoto, pogosto pa glasovi tvorijo markantne kombinacije akordov. Pogosto se zdi, da melodija najvišjega glasu lebdi nad ostalimi in orisuje »kupolo« polifonije; Vse glasove odlikuje gladkost in razvitost.
Naslednja generacija glasbenikov je imela umetnost Giovannija da Palestrine za zgledno in klasično. Iz njegovih del so se učili številni izjemni skladatelji 19.-8.
Druga smer renesančne glasbe je povezana z delom skladateljev beneške šole, katere ustanovitelj je bil Adrian Willart (okoli 1485-1562). Njegovi učenci so bili organist in skladatelj Andrea Gabrieli (med 1500 in 1520 - po 1586), skladatelj Cyprian de Pope (1515 ali 1516-1565) in drugi glasbeniki. Medtem ko je za Palestrinova dela značilna jasnost in stroga zadržanost, so Willaert in njegovi privrženci razvili bujen zborovski slog. Da bi dosegli prostorski zvok in igro tonov, so v skladbah uporabili več zborov, ki so se nahajali na različnih mestih templja. Uporaba poimenskih klicev med zbori je omogočila napolnitev cerkvenega prostora z učinki brez primere. Ta pristop je odražal humanistične ideale dobe kot celote - s svojo vedrino, svobodo in samo beneško umetniško tradicijo - s svojo željo po vsem svetlem in nenavadnem. V delu beneških mojstrov je postal tudi glasbeni jezik bolj kompleksen: napolnili so ga drzne kombinacije akordov in nepričakovanih harmonij.
Izrazita osebnost renesanse je bil Carlo Gesualdo di Venosa (okoli 1560-1613), knez mesta Venosa, eden največjih mojstrov posvetnega madrigala. Zaslovel je kot filantrop, lutnjist in skladatelj. Princ Gesualdo je prijateljeval z italijanskim pesnikom Torquatom Tassom; Ostalo je nekaj zanimivih pisem, v katerih oba umetnika obravnavata literarna, glasbena in likovna vprašanja. Gesualdo di Venosa je uglasbil številne Tassove pesmi - tako so se pojavili številni visoko umetniški madrigali. Kot predstavnik pozne renesanse se je razvil skladatelj nov tip madrigal, kjer so bila čustva na prvem mestu – viharna in nepredvidljiva. Zato so za njegova dela značilne spremembe v glasnosti, intonacije, podobne vzdihom in celo vpitjem, rezko zveneči akordi in kontrastne spremembe v tempu. Te tehnike so dajale Gesualdovi glasbi izrazit, nekoliko bizaren značaj, navduševale in hkrati privlačile njegove sodobnike. Zapuščina Gesualda di Venosa je sestavljena iz sedmih zbirk polifoničnih madrigalov; Med duhovnimi deli - "Svete himne". Njegova glasba še danes poslušalca ne pusti ravnodušnega.
Razvoj zvrsti in oblik instrumentalne glasbe. Instrumentalno glasbo zaznamuje tudi pojav novih zvrsti, predvsem instrumentalni koncert. Violina, čembalo in orgle so se postopoma spremenile v solistična glasbila. Glasba, napisana za njih, je bila priložnost za prikaz talenta ne le skladatelja, ampak tudi izvajalca. Predvsem je bila cenjena virtuoznost (sposobnost obvladovanja tehničnih težav), ki je sčasoma postala sama sebi namen in umetniška vrednota mnogih glasbenikov. Skladatelji 17.-18. stoletja običajno niso le skladali glasbe, ampak so tudi mojstrsko igrali instrumente in se ukvarjali s poučevanjem. Umetnikovo počutje je bilo v veliki meri odvisno od konkretne stranke. Praviloma si je vsak resen glasbenik prizadeval dobiti mesto na dvoru monarha ali bogatega aristokrata (številni pripadniki plemstva so imeli svoje orkestre ali operne hiše) ali v templju. Poleg tega je večina skladateljev zlahka združila cerkveno glasbo s službo za posvetnega mecena.
Anglija.
Kulturno življenje Anglije v času renesanse je bilo tesno povezano z reformacijo. V 16. stoletju se je v državi razširil protestantizem. Katoliška cerkev je izgubila prevladujoč položaj, anglikanska cerkev je postala državna cerkev, ki ni hotela priznati nekaterih dogem (temeljnih določb) katolicizma; Večina samostanov je prenehala obstajati. Ti dogodki so vplivali na angleško kulturo, vključno z glasbo. Na univerzah Oxford in Cambridge so odprli glasbene oddelke. V plemiških salonih so igrali na inštrumente s tipkami: virginel (vrsta čembala), prenosne (majhne) orgle itd. Priljubljene so bile majhne skladbe, namenjene domačemu muziciranju. Najvidnejši predstavnik glasbene kulture tistega časa je bil William Bird (1543 ali 1544-1623), založnik not, organist in skladatelj. Bird je postal ustanovitelj angleškega madrigala. Njegova dela odlikujejo preprostost (izogibal se je zapletenim večglasnim tehnikam), izvirnost forme, ki sledi besedilu, in harmonska svoboda. Vsa glasbena sredstva so zasnovana tako, da potrjujejo lepoto in veselje do življenja v nasprotju s srednjeveško strogostjo in zadržanostjo. Skladatelj je imel veliko privržencev v žanru madrigala.
Bird je ustvarjal tudi duhovna dela (maše, psalmi) in instrumentalno glasbo. V skladbah za virginal je uporabljal motive ljudskih pesmi in plesov.
Skladatelj je zelo želel, da bi glasba, ki jo je napisal, »z veseljem nosila vsaj malo nežnosti, sprostitve in razvedrila«, kot je v predgovoru ene od svojih glasbenih zbirk zapisal William Byrd.
itd.................
, madrigal, deviško, viola, volt, pavana, galiard, Firentinska kamerata, Gesualdo di Venosa, Jacopo Peri
Predstavitev za lekcijo
Nazaj naprej
Pozor! Predogledi diapozitivov so samo informativni in morda ne predstavljajo vseh funkcij predstavitve. Če vas zanima to delo, prenesite polno različico.
Pouk se izvaja za učence 5. razreda 2. letnika glasbene književnosti.
Namen lekcije: izobraževanje estetska kulturaštudentov skozi izpostavljenost glasbi Renesansa.
Cilji lekcije:
- Dati idejo o vlogi glasbe in glasbenega ustvarjanja v življenju ljudi renesanse;
- Seznanjanje z glasbili, zvrstmi, skladatelji renesanse;
- Uvod v glasbena dela evropske renesanse;
- Razvoj osnovnih zmožnosti analize slušne glasbe;
- Razvijanje razumevanja odnosa različni tipi umetnost;
- Vzgoja čustvenega dojemanja umetniških del;
- Razvoj mišljenja in govora učencev;
- Širite svoja obzorja.
Vrsta lekcije: lekcija o učenju nove teme.
Oprema za pouk: multimedijska predstavitev, računalnik.
Glasbeni material:
- W. Birdova skladba za virginal "Volta";
- F. da Milano »Fantasia« št. 6 za lutnjo;
- Prizor iz filma "Elizabeth": Kraljica pleše volto (video);
- I. Alberti "Pavane in galiard" (video);
- angleška ljudska pesem "Greensleeves";
- J.P. Palestrina "Maša papeža Marcella", del "Agnus Dei";
- O. Lasso "Odmev";
- G. di Venosa madrigal »Moro, lasso, al mio duolo«;
- J. Peri Prizor iz opere “Evridika”.
Med poukom
I. Organizacijski trenutek
II. Posodabljanje znanja
V zadnji lekciji smo govorili o kulturi in slikarstvu renesanse.
– Kakšno je drugo ime za to obdobje (»renesansa« v francoščini)?
– Katera stoletja zajema renesansa? Katero dobo je nadomestil?
– Od kod izvira ime tega obdobja? Kaj so želeli »oživiti«?
– V kateri državi se je renesansa začela prej kot v drugih?
- Katera Italijansko mesto imenujejo "zibelka renesanse"? Zakaj?
– Kateri veliki umetniki so živeli v Firencah? Spomnite se njihovega dela.
– V čem se njihove stvaritve razlikujejo od srednjeveške umetnosti?
III. Učenje nove teme
Danes gremo spet v renesanso. Izvedeli bomo, kakšna je bila glasba v tem času. Spoznajmo renesančna glasbila, si jih oglejmo in slišimo njihov pristen zvok. Imamo tudi srečanje s izjemni skladatelji renesanse in njihovih mojstrovin.
IV. Delo s predstavitvijo
Diapozitiv 1. Naslovna stran.
Diapozitiv 2. Tema naše lekcije je "Glasba renesanse." Časovni okvir: XIV–XVI stoletja.
Diapozitiv 3. Epigraf lekcije. Kako razumete te besede?
... Na zemlji ni živega bitja
Tako močan, kul, peklensko zloben,
Tako, da nisem mogel niti eno uro
V njej glasba naredi revolucijo.
(William Shakespeare)
Diapozitiv 4. V renesansi se je vloga umetnosti v kulturno življenje družbe. Umetniško izobraževanje je priznano kot pomemben vidik razvoja plemenite osebe, pogoj za dobro vzgojo.
Cerkveni nadzor nad družbo je oslabljen, glasbeniki so deležni večje svobode. Avtorjeva osebnost in ustvarjalna individualnost se vse bolj izražata v njegovih delih. V času renesanse je sam koncept " skladatelj».
Postalo je zelo pomembno za razvoj glasbe izum glasbenega tiska ob koncu 15. stoletja. Leta 1501 je italijanski založnik Ottaviano Petrucci izdal prvo zbirko za domače muziciranje. Nova dela so izšla in se zelo hitro razširila. Zdaj lahko vsak prebivalec mesta s srednjim dohodkom kupi note. Posledično se začne hitro razvijati urbano muziciranje, ki dosega vse več ljudi.
Slide 5. Glasbila Renesansa. Pihala, godala, klaviature.
Diapozitiv 6. Lutnja- najbolj priljubljen inštrument renesanse. Nanaša se na strunska glasbila. Sprva so na lutnjo igrali s plektrom, v 15. stoletju pa so začeli igrati s prsti.
Diapozitiv 7. Njegovo telo je videti kot hruška, prerezana na pol. Lutnja ima kratek vrat s prečkami, upognjenimi pod pravim kotom.
Diapozitiv 8. Lutnja je prišla iz arabsko glasbilo imenovano Al-ood (arabsko za »drevo«). V 8. stoletju je oud prišel v Evropo iz Severna afrika med arabskim osvajanjem Španije in se uveljavila na dvorih številnih španskih plemičev. Sčasoma so Evropejci oudu dodali prečke (delitve na frajtonarici) in ga poimenovali »lutnja«.
Diapozitiv 9. Na lutnjo so igrali moški in ženske.
Diapozitiv 10. Lutnja je bila kompaktna, lahka in jo lahko vzamete s seboj povsod.
Diapozitiv 11. Glasba za lutnjo ni bila posneta z notami, ampak s pomočjo tabulature. Poglejte: tabulatura za lutnjo je sestavljena iz 6 vrstic, ki označujejo strune. Številke označujejo prečke, trajanje je na vrhu.
Slide 12. Glasbila z godali. Če so lutnjo igrali ljudje različnih slojev, potem si je le zelo bogata oseba lahko privoščila instrument iz družine violov. Viole so bile drage; izdelane so bile iz dragocenega lesa in okrašene z elegantnimi motivi in nakitom. Viole so bile različne velikosti. Na tej sliki angeli igrajo na najbolj priljubljeni vrsti viol - da gamba in da braccia.
Diapozitiv 13. Viola v italijanščini - "vijolična". Zvok viole je bil zelo prijeten: mehak, nežen in tih.
Diapozitiva 14, 15. Ime viola da braccia je prevedeno iz italijanščine kot "roka, rama". Tako so imenovali majhne viole, ki so jih med igranjem držali za ramo.
Diapozitiv 16. Viola da gamba - "noga". Bil je velik in ga je bilo treba med igranjem držati med koleni ali položiti na stegno. Te viole so običajno igrali moški.
Diapozitiv 17. Ste opazili, katerim klasičnim inštrumentom so viole zelo podobne? Za violine, violončela. Primerjajmo violo da gamba z violončelom.
Zvok viol bomo slišali malo kasneje.
Diapozitiv 18.Virginel. Pravokotno glasbilo s tipkami, običajno brez nog. Po principu naprave je bil eden od predhodnikov klavirja. Po kakovosti zvoka pa je bil bližje harfi in lutnji. Njegov ton je odlikoval mehkoba in nežnost.
Diapozitiv 19. Kdo ve, kaj pomeni angleška beseda? devica? Devica, punca. Uganete, zakaj so ta inštrument imenovali "dekliški"? Najpogosteje so virginel igrala mlada dekleta plemenitega rodu. Znano je, da je imela virginel zelo rada in ga je dobro igrala tudi angleška kraljica Elizabeta I.
Diapozitiv 20. William Bird- Največji angleški skladatelj, organist in čembalist Elizabetinega časa. Rojen leta 1543, umrl leta 1623. Služil je kot dvorni organist. Zložil je številna sakralna dela, madrigale in skladbe za devico.
Poslušajmo: W. Bird komad za virginal "Volta"
Diapozitiv 21-24. Renesančni umetniki so na svojih slikah pogosto upodabljali angele, ki igrajo glasbo. Zakaj? Kaj to pomeni? Zakaj angeli potrebujejo glasbo? Kaj pa ljudje?
Diapozitiv 25. Poglej kaj veliko podjetje glasbeniki. Kaj igrajo? Kako se počutijo? Sta dobra skupaj? Ali besede W. Shakespeara ustrezajo tej sliki? Katera je ključna beseda v teh verzih? Enotnost, dogovor.
Poslušaj, kako prijazne so strune
Stopijo v formacijo in dajo svoj glas, -
Kot mati, oče in mladi fant
Pojejo v veseli enoti.
Soglasje strun v koncertu nam pove,
Da je samotna pot podobna smrti.
Diapozitiv 26. Instrumentalne zvrsti Renesanso so razdelili na 3 vrste: transkripcije vokalnih del, virtuozne igre improvizacijske narave (ricercar, preludij, fantazija), plesne igre (pavana, galiard, volta, moresca, saltarella).
Diapozitiv 27. Francesco da Milano- slavni italijanski lutnjist in skladatelj 16. stoletja, ki so ga njegovi sodobniki imenovali "Božanski". Ima številne skladbe za lutnjo, združene v tri zbirke.
Poslušajmo: F. da Milano »Fantazija« za lutnjo
Diapozitiv 28. Plesi renesanse. V renesansi se je spremenil tudi sam odnos do plesa. Iz grešne, nevredne dejavnosti se ples spremeni v obvezen pripomoček. socialno življenje in postane ena najnujnejših veščin plemenitega človeka. Žoge so se trdno uveljavile v življenju evropske aristokracije. Kakšni plesi so bili v modi?
Diapozitiv 29. Volta– Ljudski ples 16. stoletja italijanskega izvora. Ime volta izhaja iz italijanske besede voltare, kar pomeni "obrat". Tempo volte je hiter, velikost je tritaktna. Glavno gibanje plesa: gospod močno dvigne visoko in obrne damo, ki pleše z njim, v zraku. Poleg tega je treba to gibanje izvajati jasno in graciozno. In le usposobljeni moški so se lahko spopadli s tem plesom.
Poglejmo: fragment video filma "Elizabeth"
Diapozitiv 30. Pavana– slovesno počasen plesšpanskega izvora. Ime pavana izhaja iz latinske besede pavo – pav. Velikost pavane je dvotaktna, tempo počasen. Plesali so jo, da bi drugim pokazali svojo veličino in razkošno obleko. Ljudstvo in meščanstvo tega plesa nista izvajala.
Diapozitiv 31.Galiard(iz italijanščine - veselo, veselo) - aktivni ples. Lik galiarda ohranja spomin na ljudski izvor plesa. Zanjo so značilni skakanje in nenadni gibi.
Pavane in galiard so pogosto izvajali ena za drugo in tvorili nekakšno suito.
Zdaj boste videli delček koncerta ansambla za staro glasbo "Hesperion XXI". Njen vodja je Jordi Savall- španski violončelist, kockar in dirigent, eden najbolj avtoritativnih glasbenikov današnjega časa, ki pristno izvaja staro glasbo (kot je zvenela v času njenega nastanka).
Slide 32. Poglejte: I. Alberti "Pavane in galiard".
Izvaja ansambel starodavne glasbe “Hespèrion XXI”, pod vodstvom. J. Saval.
Diapozitiv 33. Vokalne zvrsti Renesanso delimo na cerkveno in posvetno. Kaj pomeni "sekularno"? V cerkvi je bila maša in motet. Zunaj cerkve - caccia, ballata, frottola, villanelle, šanson, madrigal.
Diapozitiv 34. Cerkveno petje doseže višek svojega razvoja. To je čas polifonije »stroge pisave«.
Najbolj izjemen skladatelj-polifonist renesanse je bil Italijan Giovanni Pierluigi da Palestrina. Vzdevek Palestrina je dobil po imenu mesta, v katerem se je rodil. Delal je v Vatikanu, visoko postavljen glasbeni položaji pod papeškim prestolom.
maša – glasbena kompozicija, sestavljen iz molitev v latinščini, slišanih med bogoslužji v katoliški Cerkvi.
Poslušajmo: J. P. da Palestrina "Maša papeža Marcella", del "Agnus Dei"
Diapozitiv 35. Posvetne pesmi. angleščina balada "Zeleni rokavi"- danes zelo priljubljena. Besede te pesmi pripisujejo angleškemu kralju Henriku VIII. Te verze je naslovil na svojo ljubljeno Anne Boleyn, ki je kasneje postala njegova druga žena. Veste o čem govori ta pesem?
Diapozitiv 36. Besedilo pesmi "Green Sleeves" v prevodu S.Ya.
Poslušajmo: Angleška balada "Greensleeves"
Diapozitiv 37. Orlando Lasso- eden najvidnejših predstavnikov nizozemske polifonične šole. Rojen v Belgiji, živel v Italiji, Angliji in Franciji. Zadnjih 37 let svojega življenja, ko je bilo njegovo ime že znano po vsej Evropi, je vodil dvorno kapelo v Münchnu. Ustvaril je več kot 2000 vokalnih del verskega in posvetnega značaja.
Diapozitiv 38.Šanson Echo je bil napisan za dva štiriglasna zbora. Prvi zbor postavlja vprašanja, drugi zbor mu odgovarja kot odmev.
Poslušajmo: O. Lasso Šanson "Odmev"
Diapozitiv 39. Madrigal(iz italijanske besede madre - "mati") - pesem v domačem, materinem jeziku. Madrigal je večglasna (4- ali 5-glasna) pesem z lirično vsebino in vzvišenim značajem. Razcvet tega vokalni žanr pride v 16. stol.
Diapozitiv 40.Gesualdo di Venosa – italijanski skladatelj XVI. stoletja, eden največjih mojstrov posvetnega madrigala. Bil je skrivnostna oseba. Bogati princ, vladar mesta Venosa. Ko je Gesualdo ujel svojo lepo ženo pri varanju, ji je v navalu ljubosumja vzel življenje. Občasno je padel v melanholijo in se skrival pred vsemi v svojem gradu. Umrl je pri 47 letih, zamegljenega uma...
V svojem življenju je izdal 6 zbirk petglasnih madrigalov. Značilnost sloga G. di Venosa je nasičenost glasbe, edinstvena za njegov čas, s kromatizmi in barvitimi jukstapozicijami disonantnih akordov. Tako je Gesualdo prevedel svoj strašni srčna bolečina in bolečine vesti.
Njegovi sodobniki niso razumeli njegove glasbe; imeli so jo za grozljivo in ostro. Glasbeniki 20. stoletja so ga cenili, o G. di Venosi je bil posnet film, napisane so knjige, skladatelj A. Schnittke mu je posvetil opero "Gesualdo".
Diapozitiv 41. Madrigal »Moro, lasso, al mio duolo« je ena najnovejših stvaritev G. di Venoza. On je lastnik tako glasbe kot besedila:
Oh! Umiram od žalosti
Tisti, ki je obljubljal srečo
Ubija me s svojo močjo!
Oh, hudobni vrtinec žalosti!
Tisti, ki je obljubljal življenje
Smrt mi je dala.
Poslušajmo: G. di Venosa "Moro, lasso, al mio duolo"
Diapozitiv 42. Konec 16. stoletja je nastala v Firencah Firentinska kamerata- krog glasbenikov in pesnikov, ki so želeli oživiti starogrška tragedija z njo značilnim posebnim načinom izgovarjanja besedila (nekaj med govorom in petjem).
Slide 43. Rojstvo opere. Kot rezultat teh poskusov se je rodila opera. 6. oktobra 1600 je bila v Firencah premiera prve opere, ki se je ohranila do danes, Evridika. Njen avtor je skladatelj in pevec Jacopo Peri.
Poslušajmo: J. Peri Prizor iz opere "Evridika"
V. Povzetek lekcije
– Kaj novega ste se danes naučili o renesansi?
– Katero glasbilo vam je bilo všeč? kako
- Kateri? sodobni instrumenti Ali so lutnja, viola in devica podobne?
– Kaj so ljudje peli v renesansi? Kje? kako
– Zakaj so renesančni umetniki tako pogosto upodabljali glasbenike?
– Katera glasba, ki je bila danes v razredu, vam je bila všeč in se je spomnila?
VI. Domača naloga (neobvezno):
- Zapojte pesem "Zeleni rokavi" iz not; kdor želi, lahko izbere spremljavo zanjo;
- Poiščite glasbene slike renesančnih umetnikov in se o njih pogovorite.
V glasbeni kulturi renesanse je mogoče identificirati več opredeljujočih inovativnih značilnosti.
Prvič, hiter razvoj posvetne umetnosti, izražen v širokem širjenju številnih posvetnih pesmi in plesnih žanrov. To so italijanskifrottola (»ljudske pesmi, iz besede frottola - množica), villanelles (»vaške pesmi«),Caccia , kancona (dobesedno - pesmi) in madrigali, španVillancico (iz vile - vasi), francoski šansoni, nemLagal , Angleščina balade in drugi. Vse te zvrsti, ki poveličujejo veselje do bivanja, zanimajo notranji svet ljudje, ki so težili k življenjski resnici, so neposredno odražali čisto renesančni pogled na svet. Za njihova izrazna sredstva je značilna široka uporaba intonacij in ritmov ljudske glasbe.
Vrhunec posvetne linije v umetnosti renesanse -madrigal . Ime žanra pomeni "pesem v maternem (to je italijanskem) jeziku." Poudarja razliko med madrigalom in sakralno glasbo, ki se izvaja v latinščini. Razvoj žanra je šel od preproste enoglasne pastirske pesmi do 5-6-glasne vokalno-instrumentalne skladbe s prefinjenim liričnim besedilom. Med pesniki, ki so se obrnili k žanru madrigala, so Petrarka, Boccaccio, Tasso. Izjemni mojstri madrigala so bili skladatelji A. Willart, J. Arkadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, C. Monteverdi. Madrigal, ki izvira iz Italije, se je hitro razširil v druge zahodne države evropskih državah.
Francoska različica večglasne pesmi se imenuješanson . Od madrigala ga loči večja bližina realnemu, vsakdanjemu življenju, torej žanrska narava. Med ustvarjalci šansona -Clément Jeannequin , enega najbolj znanih francoski skladatelji Renesansa.
Drugič, največji razcvet zborovske polifonije, ki je postala vodilna glasbeni stil era. Veličasten in zveneč se je popolnoma ujemal s slovesnostjo cerkvenega bogoslužja. Hkrati je bila večglasna polifonija prevladujoča oblika izražanja ne le v duhovnih zvrsteh, ampak tudi v posvetnih.
Razvoj zborovske polifonije je bil povezan predvsem z delom skladateljev nizozemske (francosko-flamske) šole: Guillaume Dufay, Johannes Ockeghem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando Lasso.
Orlando Laso (okoli 1532-1594) deloval v številnih evropskih državah. Njegov talent, res fenomenalen, je očaral in navdušil vse. Vsi so predstavljeni v ogromni ustvarjalnosti Orlanda Lassa glasbene zvrsti Renesansa (s prevlado posvetne glasbe nad sakralno). Njegova najbolj priljubljena dela so "Echo", napisana v žanru italijanske vsakdanje pesmi. Delo temelji na barviti jukstapoziciji dveh zborov, kar ustvarja učinek odmeva. Njeno besedilo pripada skladatelju samemu.
Skupaj z Orlando Lasso največji predstavnik Visoka renesansa v glasbi je bil ItalijanPalestrina (polno ime Giovanni Pierlui da Palestrina, okoli 1525-1594). Večino Palestrininega življenja je preživel v Rimu, kjer je bil nenehno povezan z delom v cerkvi, zlasti je vodil kapelo katedrale sv. Petra. Glavnino njegove glasbe predstavljajo sakralna dela, predvsem maše (teh je več kot sto, med katerimi izstopa znamenita »Maša papeža Marcella«) in moteti. Vendar je Palestrina voljno komponiral tudi posvetno glasbo - madrigale, kanconete. Palestrinina dela za zbor a sarrellapostal klasičen primer renesančne polifonije.
Delo polifoničnih skladateljev je imelo vodilno vlogo pri razvoju glavne glasbene zvrsti renesanse -maše . Žanr maše, ki izvira iz srednjega vekaXIV- XVIstoletja se hitro preoblikuje, od vzorcev, predstavljenih v ločenih, ločenih delih, do del harmonične ciklične oblike.
Odvisno od cerkveni koledar v glasbi maše so bili nekateri deli izpuščeni, drugi pa vstavljeni. Obvezni deli, ki so stalno prisotni v cerkveno službo, pet. INjaz in V - « Kyrieeleison» (»Gospod, usmili se«) in« AgnusDei» (« Jagnje božje") - izražena je bila prošnja za odpuščanje in pomilostitev. notriII in IV - « Gloria"("Slava") in " Sanctus» (« Sveti") - pohvala in hvaležnost. V osrednjem delu, "Credo» (« Verujem«), so podana osnovna načela krščanskega nauka.
Tretjič, vse večja vloga instrumentalne glasbe (z jasno prevlado vokalnih žanrov). Če evropski srednji vek strokovnega instrumentalizma skorajda ni poznal, so v renesansi nastala številna dela za lutnjo (najpogostejše glasbilo tistega časa), orgle, violo, vihuelo, virgitudinalne in vzdolžne flavte. Še vedno sledijo vokalnim vzorcem, vendar je njihov interes za inštrumentalno igro že določen.
Četrtič, v renesansi je prišlo do aktivnega oblikovanja nacionalnih glasbenih šol (nizozemski polifonisti, angleški virginalisti, španski vihuelisti in drugi), katerih ustvarjalnost je temeljila na folklori svoje države.
Končno je glasbena teorija stopila daleč naprej in postavila naprej cela linijačudoviti teoretiki. To je francoščinaPhilippe de Vitry , avtor razprave " Arsnova» (« Nova umetnost«, kjer je podana teoretična utemeljitev novega polifonega stila); italijanščinaJosephfo Zarlino , eden od ustvarjalcev znanosti o harmoniji; ŠvicarGlarean , utemeljitelj nauka o melodiji.
Renesansa ali renesansa je obdobje v kulturni zgodovini zahodne in srednje Evrope, ki obsega približno XIV-XVI. To obdobje je dobilo ime v povezavi z oživitvijo zanimanja za starodavno umetnost, ki je postala ideal za kulturne osebnosti sodobnega časa. Skladatelji in glasbeni teoretiki - J. Tinktoris, G. Tsarlino in drugi - so preučevali starogrške glasbene razprave; v delih Josquina Despresa, ki so ga primerjali z Michelangelom, je po mnenju sodobnikov »oživela izgubljena popolnost glasbe starih Grkov«: ki se je pojavila ob koncu 16. in v začetku 17. stoletja. opera je bila vodena po zakonitostih antične dramatike.
Pouk glasbene teorije. Iz gravure iz 16. stoletja.
J. P. Palestrina.
Razvoj renesančne kulture je povezan z vzponom vseh vidikov družbe. Rodil se je nov pogled na svet - humanizem (iz latinskega humanus - "humano"). Emancipacija ustvarjalnih sil je povzročila hiter razvoj znanosti, trgovine, obrti, v gospodarstvu pa so se oblikovali novi, kapitalistični odnosi. K širjenju izobraževanja je prispeval izum tiska. Super geografska odkritja in heliocentrični sistem sveta N. Kopernika je spremenil predstave o Zemlji in vesolju.
Dosegel blaginjo brez primere umetnost, arhitektura, literatura. Nova drža se je odrazila v glasbi in preoblikovala njen videz. Postopoma se odmika od norm srednjeveškega kanona, slog se individualizira, prvič se pojavi sam pojem »skladatelj«. Tekstura del se spreminja, število glasov se poveča na štiri, šest ali več (na primer 36-glasni kanon, pripisan največjemu predstavniku nizozemska šola J. Okegem). V harmoniji prevladujejo sozvočja, uporaba disonanc je strogo omejena s posebnimi pravili (glej Sozvočje in disonanca). Oblikujejo se durove in molove lestvice ter taktni sistem, značilen za poznejšo glasbo.
Z vsemi temi novimi sredstvi so skladatelji prenesli posebno strukturo čustev renesančnega človeka - vzvišeno, harmonično, mirno in veličastno. Povezava med besedilom in glasbo postane tesnejša, glasba začne prenašati razpoloženje ali, kot so takrat rekli, afekte besedila, posamezne besede, kot so »življenje«, »smrt«, »ljubezen« itd pogosto ilustrirana s posebnimi glasbenimi sredstvi.
Glasba renesanse se je razvijala v dveh smereh – cerkveni in posvetni. Glavni zvrsti cerkvene glasbe sta maša in motet - večglasna večglasna dela za zbor, brez spremljave ali ob spremljavi instrumentalne zasedbe (glej Zborovska glasba, Polifonija). Med instrumenti so imele prednost orgle.
Razvoj posvetne glasbe je pospešil porast amaterskega glasbenega ustvarjanja. Glasba je zvenela povsod: na ulicah, v hišah državljanov, v palačah plemenitih plemičev. Pojavili so se prvi koncertni virtuozi na lutnji, čembalu, orglah, violi in različnih vrstah vzdolžnih flavt. V večglasnih pesmih (madrigal v Italiji, šanson v Franciji) so skladatelji govorili o ljubezni in vsem, kar se dogaja v življenju. Tukaj so naslovi nekaterih pesmi: “Stag Hunt”, “Echo”, “Battle of Marignano”.
V XV-XVI stoletju. Pomen plesne umetnosti narašča, pojavljajo se številne razprave in praktični priročniki o koreografiji, zbirke plesne glasbe, ki vključujejo popularni plesi tistega časa - bas ples, branle, pavane, galiard.
V renesansi so se oblikovale nacionalne glasbene šole. Največja med njimi je nizozemska (francosko-flamska) polifona šola. Njeni predstavniki so G. Dufay, C. Janequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Depres, O. Lasso. Druge nacionalne šole so italijanska (J.P. Palestrina), španska (T.L. de Victoria), angleška (W. Bird) in nemška (L. Senfl).
Vprašanje glasbene plati renesanse je precej zapleteno. V glasbi tistega časa je težje prepoznati nove, bistveno drugačne prvine in trende v primerjavi s srednjim vekom kot na drugih področjih umetnosti - v slikarstvu, kiparstvu, arhitekturi, umetnostni obrti ipd. Dejstvo je, da je glasba tako v srednjem veku kot skozi celotno renesanso ohranila svoj raznolik značaj. Obstajala je jasna ločnica med cerkveno-duhovno glasbo in posvetnimi skladbami, pesmimi in plesi. Vendar pa ima renesančna glasba svoj izvirni značaj, čeprav tesno povezan s prejšnjimi dosežki.
Glasbena kultura Renesansa
Značilnost glasbe renesanse, ki vključuje glasbeno dobo 15.-16. stoletja, je kombinacija različnih narodnih šol, ki so imele hkrati skupno razvojno smer. Strokovnjaki identificirajo prve elemente, značilne za razpoloženjsko dobo v italijanskem glasbenem slogu. Še več, v domovini renesanse " nova glasba« se je začela pojavljati konec 14. stoletja. Značilnosti renesančnega sloga so se najbolj jasno pokazale v Nizozemcih glasbena šola, začenši od sredine 15. stoletja. Značilnost nizozemske glasbe je bila povečana pozornost vokalnim skladbam z ustrezno instrumentalno spremljavo. Poleg tega so bile vokalne polifone skladbe značilne tako za cerkveno glasbo nizozemske šole kot za njeno posvetno smer.
Tako se je že v 16. stoletju razširila v Francijo, Nemčijo in Anglijo. Poleg tega so bile izvedene vokalne posvetne skladbe v nizozemskem slogu različnih jezikih: na primer, glasbeni zgodovinarji v teh pesmih vidijo izvor tradicionalnega francoskega šansona. Za vso evropsko glasbo renesanse sta značilni dve na videz večsmerni smeri. Eden od njih je privedel do jasne individualizacije skladb: v posvetnih delih je vse bolj viden avtorski izvor, pojavljajo se bolj osebna besedila, doživetja in čustva posameznega skladatelja.
Drugi trend se je odražal v vse večji sistematizaciji glasbene teorije. Dela, tako cerkvena kot posvetna, so postajala vse bolj kompleksna, glasbena polifonija se je izboljševala in razvijala. Najprej so bila v cerkveni glasbi izdelana jasna pravila oblikovanja, harmonskih zaporedij, glasovnega vodenja in podobno.
Teoretiki ali skladatelji renesanse?
S to zapleteno naravo razvoja glasbe v renesansi je povezano dejstvo, da trenutno poteka razprava o tem, ali naj se vodilne glasbene osebnosti tistega časa štejejo za skladatelje, teoretike ali znanstvenike. Potem ni bilo jasne "delitve dela", zato so se glasbeniki združili različne funkcije. Tako je bil Švicar Glarean, ki je živel in deloval v prvi polovici 16. stoletja, bolj teoretik. Pomembno je prispeval k glasbena teorija, ki ustvarja osnovo za uvedbo pojmov, kot sta glavni in manjši. Hkrati je na glasbo gledal kot na vir užitka, torej je zagovarjal njeno posvetnost, pravzaprav zavračal razvoj glasbe v religioznem vidiku srednjega veka. Poleg tega je Glarean videl glasbo le v neločljivi povezavi s poezijo, torej velika pozornost posvečen pesemskim zvrstem.
Italijan Josephfo Zarlino, katerega ustvarjalna dejavnost se je zgodila v drugi četrtini - konec 16. stoletja, je v veliki meri razvil in dopolnil zgoraj predstavljeni teoretični razvoj. Zlasti je najprej predlagal, da bi že oblikovane koncepte dura in mola povezali s čustvenim razpoloženjem osebe, pri čemer bi mol povezoval z melanholijo in žalostjo, dur pa z veseljem in vzvišeni občutki. Poleg tega je Zarlino nadaljeval starodavno tradicijo interpretacije glasbe: zanj je bila glasba oprijemljiv izraz harmonije, v kateri naj bi obstajalo vesolje. Posledično je bila glasba po njegovem mnenju najvišja manifestacija ustvarjalni genij in najpomembnejša umetnost.
Od kod izvira renesančna glasba?
Teorija je teorija, v praksi pa je glasba nepredstavljiva brez glasbil – seveda je z njihovo pomočjo oživela glasbena umetnost Renesansa. Glavni inštrument, ki se je iz prejšnjega, srednjeveškega glasbenega obdobja »preselil« v renesanso, so bile orgle. To pihalo s tipkami se je aktivno uporabljalo v cerkveni glasbi in glede na najpomembnejše mesto sakralnih skladb v glasbi renesanse je pomen orgel ostal. Čeprav se je na splošno "specifična teža" tega inštrumenta morda zmanjšala - so prevzeli vodilno vlogo godala z loki in trzalniki. Vendar so orgle pomenile začetek ločene smeri glasbil s tipkami, ki so imele višji in bolj posveten zvok. Najpogostejši med njimi je bil čembalo.
Glasbila s strunami so razvila celo ločeno družino - viole. Viole so bile glasbila, ki so bila po obliki in funkciji podobna sodobnim violinskim glasbilom (violina, viola, violončelo). Najverjetneje so med violami in violinsko družino sorodstvene vezi, a viole imajo značilnosti. Imajo veliko bolj izrazit individualni "glas", ki ima žameten odtenek. Viole imajo enako število glavnih in resonančnih strun, zato so zelo izbirčne in jih je težko uglasiti. Zato so viole skoraj vedno solistični inštrument; le redko je mogoče doseči njihovo harmonično uporabo v orkestru.
Kar se tiče ubranih strunskih glasbil, je glavno mesto med njimi v renesansi zasedla lutnja, ki se je v Evropi pojavila okoli 15. stoletja. Lutnja je bila vzhodnega izvora in je imela specifično zgradbo. Instrument, katerega zvoke je bilo mogoče proizvajati s prsti in s pomočjo posebne plošče (analogno sodobnemu mediatorju), je zelo hitro pridobil popularnost v starem svetu.
Aleksander Babitski