1933 μεγάλο θεατρικό άθλημα. Μεγάλο θέατρο. Το BRSM συμβαδίζει με την εποχή και ακούω συνεχώς ότι αναπτύσσετε και εφευρίσκετε εφαρμογές. Γιατί δίνεται τόση έμφαση σε αυτή την κατεύθυνση, ποια είναι η αποτελεσματικότητα; Μου φαίνεται ότι λίγοι πια σκουπίζουν το σώμα τους

Balanchine's Παρίσι, Μόσχα και Νέα Υόρκη "Jwels"

Πράσινος! Το κόκκινο! Ασπρο! Ένα πραγματικά θεαματικό θέαμα ήταν το «Jwels» του Balanchine, με το διεθνές καστ του (παραγωγή του Lincoln Center Festival που άνοιξε το βράδυ της Τρίτης). Στη σκηνή του θεάτρου. Ντέιβιντ Κοχ, όπου οι «Jwels» είδαν για πρώτη φορά το φως της σκηνής πριν από πενήντα χρόνια (τότε το θέατρο ονομαζόταν Κρατικό Θέατρο της Νέας Υόρκης), ένα σύνολο χορευτών από την Όπερα του Παρισιού («Σμαράγδια») και το Μπαλέτο της Νέας Υόρκης («Σμαράγδια» ”) ερμηνεύτηκε σε τρία λαμπρά μέρη του μπαλέτου Rubies”) και το Μπαλέτο Μπολσόι (“Diamonds”).

Τα μεμονωμένα χρώματα των κοσμημάτων συναντήθηκαν μεταξύ τους στη σκηνή για να σχηματίσουν ένα είδος τρίχρωμης σημαίας. Πιο στενά συνδεδεμένες με τον Balanchine (1904 - 1983), αυτές οι τρεις εταιρείες αντιπροσωπεύουν τις τρεις πιο σημαντικές χώρες στην καριέρα του. Έμαθε να χορεύει και να σκηνοθετεί μπαλέτα στη Ρωσία, όπου έζησε μέχρι το 1924. Έφτασε στην πρώιμη δημιουργική ωριμότητα στη Γαλλία, ιδιαίτερα δουλεύοντας υπό την αιγίδα του Ρωσικού Μπαλέτου του Diaghilev. και στη Νέα Υόρκη, μαζί με τον Λίνκολν Κίρσταϊν, ίδρυσε τη Σχολή Αμερικανικού Μπαλέτου το 1933 και το City Ballet το 1948.

Τα «σμαράγδια» στη μουσική του Fauré θεωρούνταν πάντα «γαλλικά». Τα «ρουμπίνια» στη μουσική του Στραβίνσκι είναι η πεμπτουσία της Νέας Υόρκης – η ταχύτητα, η «πυκνότητα» και η τζαζ νεωτερικότητα χαρακτηρίζουν αυτήν την πόλη παρά το ίδιο το έθνος. Και το «Diamonds», μελοποιημένο από τον Τσαϊκόφσκι, φέρνει στο νου για πρώτη φορά τα τεράστια αγροτικά τοπία της Ρωσίας και, στο τέλος, τις μεγαλειώδεις αυτοκρατορικές πόλεις. Στην πραγματικότητα, είναι πιο συνηθισμένο και προτιμότερο να παρακολουθούμε έναν θίασο να επιδεικνύει την ποικιλία των δυνατοτήτων που απαιτούνται για να χορέψουν και τα τρία μέρη. Αυτό κάνουν αυτή τη στιγμή όλοι οι θίασοι από τη ρωσική Αγία Πετρούπολη μέχρι το Σιάτλ. Αλλά οι εορταστικές διακοπές προς τιμή των επετείων αξίζουν να σερβίρονται με ένα ιδιαίτερο «κέρασμα».

Θα είναι δυνατό να αναλογιστούμε πόσο ξεκάθαρα εκδηλώνονται τα μεμονωμένα πλεονεκτήματα κάθε θιάσου στα «Jwels» μέχρι και την Κυριακή, με τα Μπολσόι και το Μπαλέτο της Νέας Υόρκης να αλλάζουν θέσεις στα «Rubies» και «Diamonds», και τους Παριζιάνους και τους Μπολσόι. εκτός από αυτό αλλάζουν και οι συνθέσεις τους. Την Τρίτη, με μια εντυπωσιακή ερμηνεία ως η πρώτη μπαλαρίνα στο Diamonds, η σολίστ των Μπολσόι Όλγα Σμιρνόβα έδειξε ακριβώς το επίπεδο που έπρεπε να είναι στα φεστιβάλ, ενώ οι τρεις κορυφαίοι σολίστ στο Rubies, που εκτέθηκαν από το City Ballet - Megan Fairchild, Joaquin de Luce, Teresa Raichlen - δώστε ένα παράδειγμα υποδειγματική απόδοσητι κάνει καλύτερα η «γηπεδούχος» ομάδα.

Είναι εύκολο να δει κανείς πώς το στυλ των Μπολσόι και το στυλ του City Ballet επικαλύπτονται: το μήκος των «φράσεων», η πολυτελής υφή, η εκπληκτική δύναμη, η ψυχρή τοποθέτηση προφορών με μια μετατοπισμένη ισορροπία. Το παριζιάνικο ύφος, εξαιρετικά κομψό, αποδείχθηκε ότι δεν ήταν πολύ Balanchine, το οποίο αισθάνονται κυρίως οι γυναίκες με τον αιχμηρό τρόπο «προφοράς» του κειμένου και την αντιμουσική δυναμική των κινήσεων (παιχνιδιάρικο πάγωμα σε μεταβατικές στιγμές, «έλλειψη» μέσω σημαντικών γραμμικές κατασκευές). Τα Σμαράγδια, αν και γαλατικά, δεν συνδέονται καθόλου με το Παρίσι, φαίνεται να προέρχονται από τις άκρες των δασών που μοιάζουν με το Φοντενμπλό, παρά το γεγονός ότι οι ερμηνευτές δείχνουν τη στιλπνότητα μιας μεγάλης πόλης.

Η κα Smirnova, νεαρή ακόμα, χόρεψε για πρώτη φορά το «Diamonds» το 2012, στην αρχή της καριέρας της. Οι εξαίσιες καμάρες που σχηματίζουν τα ανασηκωμένα χέρια της, η χάρη με την οποία κρατά και γυρίζει το κεφάλι της, οι τολμηρές, σαφώς τονισμένες κινήσεις των τοξωτών ποδιών της - όλα κάνουν μια εκπληκτική εντύπωση. Εκτελεί το ρόλο της εκπληκτικά - από τον ιπποτικό ρομαντισμό εμποτισμένο με μυστήριο μέχρι τον εκθαμβωτικό θρίαμβο των κλασικών. Ο σύντροφός της, Semyon Chudin, κέρδισε πολύ μεγαλύτερη αυτοπεποίθηση σε σύγκριση με τις εμφανίσεις του πριν από τρία χρόνια, κατά την τελευταία περιοδεία της Νέας Υόρκης στα Μπολσόι.

Η λαμπρή, σκανδαλώδης, αριστοτεχνική ερμηνεία του ρόλου της σολίστ της κυρίας Reichlen στο "Rubies" φαινόταν από καιρό οριστικά καθιερωμένη. Το απολαυστικά γεμάτο αυτοπεποίθηση στυλ χορού του κ. de Luce είναι πολύ αποτελεσματικό. Η έκπληξη ήταν η κυρία Φέρτσιλντ. Όπως συνέβη σε άλλες πρόσφατες παραστάσεις, ξαφνικά η ατομικότητά της αποκαλύφθηκε και άνθισε σε όλη της την πληρότητα και ελευθερία: έδειξε ότι είναι μια ώριμη, αποφασιστική, ελκυστικά δυνατή, γνήσια πνευματώδης χορεύτρια.

Κανείς δεν δούλεψε σκληρότερα από τον Balanchine για να μετατρέψει τον χορό χωρίς πλοκή, «καθαρό» σε συναρπαστικό θεατρική παράσταση. Ήταν, όπως φαίνεται ξεκάθαρα σε μερικά από τα έργα του, και ο μεγαλύτερος θεατρικός συγγραφέας του μπαλέτου: δεν υπάρχει καμία αντίφαση εδώ, γιατί το δράμα διαπερνά τα έργα του χωρίς πλοκή. Το "Jwels", το οποίο συχνά αποκαλείται το πρώτο μεγάλου μήκους αφηρημένο μπαλέτο, είναι πολύ πιο ικανοποιητικό όταν θεωρείται μια συλλογή από διαφορετικές ιστορίες, καταστάσεις και κόσμους. Τα τρία μέρη αυτού του μπαλέτου, αν και διαφορετικά μεταξύ τους, είναι αλληλένδετα. Σε καθεμία, οι χορευτές κινούνται συνεχώς από μια θέση με κλίση προς τα εμπρός - με τα χέρια τους ενωμένα μεταξύ τους και προεξέχοντα προς τα εμπρός, σαν το κέρατο ενός μονόκερου - σε μια ευρεία, ανοιχτή κίνηση που κάμπτεται προς τα πίσω. Και σε κάθε ένα υπάρχει ένα pas de deux, στο οποίο η μπαλαρίνα μοιάζει με κάποιο μαγικό αχαλίνωτο «θηρίο», το οποίο η σύντροφος κρατά σε σεβαστή απόσταση από τον εαυτό της.

Οι ευρωπαϊκοί θίασοι, αν και σέβονται τον αυθεντικό χρωματικό συνδυασμό και την προφορά των «κοσμημάτων», έφεραν τα δικά τους κοστούμια - τον Christian Lacroix (για το «Emeralds») και την Elena Zaitseva (για τα «Diamonds»). Όσο το City Ballet διατηρεί τα αυθεντικά κοστούμια που δημιούργησε η Karinskaya, το τοπικό κοινό πιθανότατα θα έχει προκατάληψη έναντι των εναλλακτικών επιλογών. (Το μπλε κυανό υψηλής ραπτικής του Lacroix φαίνεται ιδιαίτερα ακατάλληλο).

Ωστόσο, οι επισκέπτες είναι πιθανό να δουν με παρόμοια εχθρότητα τα τρία σκηνικά του City Ballet (που δημιουργήθηκαν από τον Peter Harvey το 2004, είναι πιο χοντροκομμένα από τα αρχικά του του 1967, τα οποία φαίνονται τόσο υπέροχα στο θέατρο Mariinsky της Αγίας Πετρούπολης). Υποψιάζομαι ότι με περισσότερα λεπτομερής μελέτηθα ανακαλυφθεί ότι η Όπερα του Παρισιού και Μπαλέτο Μπολσόιερμηνεύουν τα «Σμαράγδια» και τα «Διαμάντια» με κάποιες διαφορές από το κείμενο που είναι πλέον αποδεκτό στο City Ballet.

Το «Jwels» ήταν από καιρό μια εξαιρετική «εισαγωγή» στην ποίηση του μπαλέτου, αλλά μόνο στον αιώνα μας μπήκε –και πολύ γρήγορα– στη διεθνή ρεπερτόριο μπαλέτου. Την Τρίτη, καθώς τα τελευταία τόξα έφτασαν στο αποκορύφωμά τους, οι καλλιτέχνες των τριών εταιρειών ενώθηκαν στη σκηνή από τους καλλιτεχνικούς τους διευθυντές - Aurelie Dupont (Όπερα του Παρισιού), Peter Martins (City Ballet) και Mahar Vaziev (Μπολσόι): ένας πραγματικός «εγκάρδιος συμφωνία» κατέληξε στα μάτια μας.

Alastair Macaulay
New York Times, 21/07/2017

Μετάφραση Natalia Shadrina

Το πλήρες όνομα είναι «Κρατικό Ακαδημαϊκό Θέατρο Μπολσόι της Ρωσίας» (SABT).

Ιστορία της όπερας

Ένα από τα παλαιότερα ρωσικά μουσικά θέατρα, το κορυφαίο ρωσικό θέατρο όπερας και μπαλέτου. Το Θέατρο Μπολσόι έπαιξε εξαιρετικό ρόλο στην καθιέρωση των εθνικών ρεαλιστικών παραδόσεων της όπερας και του μπαλέτου και στη διαμόρφωση της ρωσικής σχολής μουσικής και θεατρικής παράστασης. Το Θέατρο Μπολσόι ανιχνεύει την ιστορία του πίσω στο 1776, όταν ο επαρχιακός εισαγγελέας της Μόσχας Πρίγκιπας Ουρούσοφ έλαβε το κυβερνητικό προνόμιο «να είναι ο ιδιοκτήτης όλων των θεατρικών παραστάσεων στη Μόσχα...». Από το 1776, οι παραστάσεις ανέβηκαν στο σπίτι του κόμη R.I. Vorontsov στο Znamenka. Ο Urusov, μαζί με τον επιχειρηματία M.E. Medox, έχτισαν ένα ειδικό κτίριο θεάτρου (στη γωνία της οδού Petrovka) - το "Petrovsky Theatre" ή "Opera House", όπου πραγματοποιήθηκαν παραστάσεις όπερας, δράματος και μπαλέτου το 1780-1805. Ήταν το πρώτο μόνιμο θέατρο στη Μόσχα (κάηκε το 1805). Το 1812, μια πυρκαγιά κατέστρεψε ένα άλλο κτίριο θεάτρου - στο Arbat (αρχιτέκτων K. I. Rossi) και ο θίασος έπαιξε σε προσωρινούς χώρους. Στις 6 Ιανουαρίου 1825, το Θέατρο Μπολσόι (σχέδιο του A. A. Mikhailov, αρχιτέκτονας O. I. Bove), που χτίστηκε στη θέση του πρώην Petrovsky, άνοιξε με τον πρόλογο «Ο Θρίαμβος των Μουσών» σε μουσική των A. N. Verstovsky και A. A. Alyabyev. Η αίθουσα - η δεύτερη μεγαλύτερη στην Ευρώπη μετά το θέατρο La Scala του Μιλάνου - μετά την πυρκαγιά του 1853, ανακατασκευάστηκε σημαντικά (αρχιτέκτων A.K. Kavos), διορθώθηκαν ακουστικές και οπτικές ελλείψεις, αίθουσαχωρίζεται σε 5 επίπεδα. Τα εγκαίνια έγιναν στις 20 Αυγούστου 1856.

Τα πρώτα ρωσικά λαϊκά έργα ανέβηκαν στο θέατρο. μουσικές κωμωδίες- «The Miller - ένας μάγος, ένας απατεώνας και ένας προξενητής» του Sokolovsky (1779), «The St. Petersburg Gostiny Dvor» του Pashkevich (1783) και άλλων. Το πρώτο μπαλέτο παντομίμας, The Magic Shop, προβλήθηκε το 1780 την ημέρα έναρξης του Θεάτρου Petrovsky. Ανάμεσα στις παραστάσεις μπαλέτου, κυριαρχούσαν οι συμβατικές φανταστικές-μυθολογικές θεαματικές παραστάσεις, αλλά πραγματοποιήθηκαν και παραστάσεις που περιελάμβαναν ρωσικούς λαϊκούς χορούς, οι οποίοι γνώρισαν μεγάλη επιτυχία στο κοινό («Village Holiday», « Ζωγραφική του χωριού», «Η σύλληψη του Οτσάκοφ», κ.λπ.). Το ρεπερτόριο περιελάμβανε επίσης τις σημαντικότερες όπερες ξένους συνθέτες 18ος αιώνας (G. Pergolesi, D. Cimarosa, A. Salieri, A. Grétry, N. Daleirac κ.λπ.).

Στα τέλη του 18ου και στις αρχές του 19ου αιώνα, τραγουδιστές της όπερας έπαιζαν σε δραματικές παραστάσεις και δραματικοί ηθοποιοί έπαιζαν σε όπερες. Ο θίασος του Θεάτρου Petrovsky αναπληρώθηκε συχνά από ταλαντούχους δουλοπάροικους ηθοποιούς και ηθοποιούς, και μερικές φορές από ολόκληρες ομάδες δουλοπάροικων θεάτρων, που η διεύθυνση του θεάτρου αγόραζε από ιδιοκτήτες γης.

Ο θίασος του θεάτρου περιελάμβανε δουλοπάροικους ηθοποιούς από τον Urusov, ηθοποιούς από τους θεατρικούς θιάσους του N. S. Titov και του Πανεπιστημίου της Μόσχας. Μεταξύ των πρώτων ηθοποιών ήταν οι V. P. Pomerantsev, P. V. Zlov, G. V. Bazilevich, A. G. Ozhogin, M. S. Sinyavskaya, I. M. Sokolovskaya, αργότερα ο E. S. Sandunova και άλλοι χορευτές μπαλέτου- μαθητές του Ορφανοτροφείου (όπου ιδρύθηκε σχολή μπαλέτου το 1773 υπό τη διεύθυνση του χορογράφου I. Walberch) και δουλοπάροικοι των θιάσων των Urusov και E. A. Golovkina (συμπεριλαμβανομένων: A. Sobakina, D. Tukmanova, G. Raikov, S. Lopukhin και άλλοι).

Το 1806, πολλοί από τους δουλοπάροικους του θεάτρου έλαβαν την ελευθερία τους ο θίασος τέθηκε στη διάθεση της Διεύθυνσης των Αυτοκρατορικών Θεάτρων της Μόσχας και μετατράπηκε σε αυλικό θέατρο, το οποίο υπαγόταν άμεσα στο Υπουργείο της Αυλής. Αυτό καθόρισε τις δυσκολίες στην ανάπτυξη της προηγμένης ρωσικής μουσικής τέχνης. Στο εγχώριο ρεπερτόριο κυριάρχησαν αρχικά οι βοντβίλ, που ήταν πολύ δημοφιλείς: «The Village Philosopher» του Alyabyev (1823), «Teacher and Student» (1824), «Humpster» και «Fun of the Caliph» (1825) των Alyabyev και Verstovsky, κλπ. Από τα τέλη του 20ου αιώνα Στη δεκαετία του 1980, το Θέατρο Μπολσόι ανέβασε όπερες του A. N. Verstovsky (επιθεωρητής μουσικής για τα θέατρα της Μόσχας από το 1825), χαρακτηρισμένες από εθνικο-ρομαντικές τάσεις: "Pan Tvardovsky" (1828), " Vadim, or the Twelve Sleeping Virgins» (1832), «Askold's Grave» (1835), που παρέμεινε στο ρεπερτόριο του θεάτρου για πολύ καιρό, «Homenickness» (1839), «Churova Dolina» (1841), «Thunderbreaker» (1858). Ο Verstovsky και ο συνθέτης A. E. Varlamov, που εργάστηκε στο θέατρο το 1832-44, συνέβαλαν στην εκπαίδευση των Ρώσων τραγουδιστών (N. V. Repina, A. O. Bantyshev, P. A. Bulakhov, N. V. Lavrov κ.λπ.). Το θέατρο ανέβασε επίσης όπερες Γερμανών, Γάλλων και Ιταλών συνθετών, συμπεριλαμβανομένων των Don Giovanni και The Marriage of Figaro του Μότσαρτ, Fidelio του Beethoven, The Magic Shooter του Weber, Fra Diavolo, Fenella και Χάλκινο άλογο"Ober, "Robert the Devil" του Meyerbeer, " Κουρέας της Σεβίλλης«Rossini, «Anna Boleyn» του Donizetti κλπ. Το 1842 η Διοίκηση του Θεάτρου της Μόσχας υπάγεται στη Διεύθυνση της Αγίας Πετρούπολης. Η όπερα του Γκλίνκα «Μια ζωή για τον Τσάρο» («Ιβάν Σουσάνιν»), που ανέβηκε το 1842, μετατράπηκε σε μια υπέροχη παράσταση που ανέβηκε σε επίσημες δικαστικές αργίες. Χάρη στις προσπάθειες των καλλιτεχνών του Ρωσικού Θιάσου Όπερας της Αγίας Πετρούπολης (μεταφέρθηκε στη Μόσχα το 1845-50), αυτή η όπερα ανέβηκε στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι σε μια ασύγκριτα καλύτερη παραγωγή. Στην ίδια παράσταση, το 1846 ανέβηκε η όπερα Ruslan and Lyudmila του Glinka και η Esmeralda του Dargomyzhsky το 1847. Το 1859, το Θέατρο Μπολσόι ανέβασε τη «Γοργόνα». Η εμφάνιση όπερας των Glinka και Dargomyzhsky στη σκηνή του θεάτρου σημάδεψε νέο στάδιοτην ανάπτυξή του και είχε μεγάλη σημασία στη διαμόρφωση ρεαλιστικών αρχών της φωνητικής και σκηνικής τέχνης.

Το 1861, η Διεύθυνση Αυτοκρατορικών Θεάτρων μίσθωσε το Θέατρο Μπολσόι σε έναν ιταλικό θίασο όπερας, ο οποίος έπαιζε 4-5 ημέρες την εβδομάδα, αφήνοντας ουσιαστικά 1 ημέρα για τη ρωσική όπερα. Ο ανταγωνισμός μεταξύ των δύο ομάδων έφερε κάποιο όφελος στους Ρώσους τραγουδιστές, αναγκάζοντάς τους να βελτιώσουν επίμονα τις δεξιότητές τους και να δανειστούν κάποιες αρχές της ιταλικής φωνητικής σχολής, αλλά η παραμέληση της Διεύθυνσης Αυτοκρατορικών Θεάτρων να εγκρίνει το εθνικό ρεπερτόριο και την προνομιακή θέση του οι Ιταλοί δυσκόλεψαν τη δουλειά του ρωσικού θιάσου και εμπόδισαν τη ρωσική όπερα να αποκτήσει δημόσια αναγνώριση. Η νέα ρωσική όπερα δεν θα μπορούσε παρά να γεννηθεί στον αγώνα ενάντια στην ιταλική μανία και τις τάσεις της ψυχαγωγίας για την καθιέρωση της εθνικής ταυτότητας της τέχνης. Ήδη στη δεκαετία του 60-70, το θέατρο αναγκάστηκε να ακούσει τις φωνές προοδευτικών μορφών της ρωσικής μουσικής κουλτούρας, τις απαιτήσεις του νέου δημοκρατικού κοινού. Οι όπερες «Rusalka» (1863) και «Ruslan and Lyudmila» (1868), που είχαν καθιερωθεί στο ρεπερτόριο του θεάτρου, επαναλήφθηκαν. Το 1869, το Θέατρο Μπολσόι ανέβασε την πρώτη όπερα του P. I. Tchaikovsky, «The Voevoda» και το 1875, «The Oprichnik». Το 1881 ανέβηκε ο «Ευγένιος Ονέγκιν» (η δεύτερη παραγωγή, το 1883, καθιερώθηκε στο ρεπερτόριο του θεάτρου).

Από τα μέσα της δεκαετίας του '80 του 19ου αιώνα, υπήρξε μια καμπή στη στάση της διοίκησης του θεάτρου απέναντι στη ρωσική όπερα. πραγματοποιήθηκαν παραγωγές εξαιρετικών έργων Ρώσων συνθετών: "Mazepa" (1884), "Cherevichki" (1887), " Βασίλισσα των Μπαστούνι"(1891) και "Iolanta" (1893) του Τσαϊκόφσκι, εμφανίστηκαν για πρώτη φορά στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι της όπερας των συνθετών του "Mighty Handful" - "Boris Godunov" του Mussorgsky (1888), "The Snow Maiden " του Rimsky-Korsakov (1893), "Prince Igor" του Borodin (1898).

Αλλά η κύρια προσοχή στο ρεπερτόριο του θεάτρου Μπολσόι αυτά τα χρόνια εξακολουθούσε να δίνεται στις γαλλικές όπερες (J. Meyerbeer, F. Aubert, F. Halévy, A. Thomas, C. Gounod) και στις ιταλικές (G. Rossini, V. Bellini, G. Donizetti, G. Verdi) συνθέτες. Το 1898, η «Κάρμεν» του Μπιζέ ανέβηκε για πρώτη φορά στα ρωσικά και το 1899 ανέβηκε το έργο του Μπερλιόζ «Οι Τρώες στην Καρχηδόνα». Η γερμανική όπερα αντιπροσωπεύεται από τα έργα του F. Flotow, το The Magic Shooter του Weber και μεμονωμένες παραγωγές των Tannhäuser και Lohengrin του Wagner.

Μεταξύ των Ρώσων τραγουδιστών των μέσων και του 2ου μισού του 19ου αιώνα είναι οι E. A. Semyonova (η πρώτη ερμηνεύτρια της Μόσχας των κομματιών Antonida, Lyudmila και Natasha), A. D. Alexandrova-Kochetova, E. A. Lavrovskaya, P. A. Khokhlov (που δημιούργησε εικόνες του Onegin και ο Δαίμονας), B. B. Korsov, M. M. Koryakin, L. D. Donskoy, M. A. Deisha-Sionitskaya, N. V. Salina, N. A. Preobrazhensky, κλπ. Υπάρχει μια στροφή όχι μόνο στο ρεπερτόριο, αλλά και στην ποιότητα των παραγωγών και των μουσικών ερμηνειών των όπερων. Το 1882-1906 ο αρχιμουσικός του θεάτρου Μπολσόι ήταν ο Ι.Κ. Ο P. I. Tchaikovsky και ο A. G. Rubinstein διηύθυναν τις όπερές τους. Πιο σοβαρή προσοχή δίνεται στον διακοσμητικό σχεδιασμό και τη σκηνική κουλτούρα των παραστάσεων. (Το 1861-1929 ο K. F. Waltz εργάστηκε ως διακοσμητής και μηχανικός στο Θέατρο Μπολσόι).

Στα τέλη του 19ου αιώνα, μια μεταρρύθμιση του ρωσικού θεάτρου βρισκόταν σε ετοιμότητα, η αποφασιστική στροφή του προς το βάθος της ζωής και την ιστορική αλήθεια, προς τον ρεαλισμό των εικόνων και των συναισθημάτων. Το Θέατρο Μπολσόι μπαίνει στην ακμή του, κερδίζοντας φήμη ως ένα από τα μεγαλύτερα κέντρα μουσικής και θεατρικής κουλτούρας. Το ρεπερτόριο του θεάτρου περιλαμβάνει τα καλύτερα έργα παγκόσμιας τέχνης, ωστόσο κεντρική θέση στη σκηνή του κατέχει η ρωσική όπερα. Για πρώτη φορά, το Θέατρο Μπολσόι ανέβασε παραγωγές των όπερων του Ρίμσκι-Κόρσακοφ «Η γυναίκα Pskov» (1901), «Pan-voevoda» (1905), «Sadko» (1906), «The Tale of the Invisible City of Kitezh» (1908), «The Golden Cockerel» (1909) , καθώς και «The Stone Guest» του Dargomyzhsky (1906). Ταυτόχρονα, το θέατρο ανεβάζει σημαντικά έργα ξένων συνθετών όπως «Die Walküre», «The Flying Dutchman», «Tannhäuser» του Wagner, «The Trojans in Carthage» του Berlioz, «Pagliacci» του Leoncavallo, «Honor Rusticana». ” του Mascagni, “La Bohème” του Puccini κ.λπ.

Η άνθηση της ερμηνευτικής σχολής της ρωσικής τέχνης ήρθε μετά από έναν μακρύ και έντονο αγώνα για τα κλασικά της ρωσικής όπερας και σχετίζεται άμεσα με τη βαθιά μαεστρία του εγχώριου ρεπερτορίου. Στις αρχές του 20ου αιώνα, ένας αστερισμός μεγάλων τραγουδιστών εμφανίστηκε στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι - F. I. Chaliapin, L. V. Sobinov, A. V. Nezhdanova. Μαζί τους ερμήνευσαν εξαιρετικοί τραγουδιστές: E. G. Azerskaya, L. N. Balanovskaya, M. G. Gukova, K. G. Derzhinskaya, E. N. Zbrueva, E. A. Stepanova, I. A. Alchevsky, A V. Bogdanovich, A. P. Bonachich, G. A. P., V., Φ. Σαβράνσκι. Το 1904-06, ο S. V. Rachmaninov διηύθυνε στο Θέατρο Μπολσόι, δίνοντας μια νέα ρεαλιστική ερμηνεία των κλασικών ρωσικών όπερας. Από το 1906, ο V. I. Suk έγινε ο μαέστρος. Η χορωδία υπό τη διεύθυνση του U. I. Avranek πετυχαίνει καλές δεξιότητες. Στο σχεδιασμό των παραστάσεων συμμετέχουν εξέχοντες καλλιτέχνες - A. M. Vasnetsov, A. Ya Golovin, K. A. Korovin.

Η Μεγάλη Οκτωβριανή Σοσιαλιστική Επανάσταση άνοιξε μια νέα εποχή στην ανάπτυξη του θεάτρου Μπολσόι. Στα δύσκολα χρόνια Εμφύλιος πόλεμοςο θεατρικός θίασος διατηρήθηκε πλήρως. Η πρώτη σεζόν ξεκίνησε στις 21 Νοεμβρίου (4 Δεκεμβρίου) 1917 με την όπερα «Aida». Ένα ειδικό πρόγραμμα ετοιμάστηκε για την πρώτη επέτειο του Οκτωβρίου, το οποίο περιελάμβανε το μπαλέτο "Stepan Razin" σε μουσική συμφωνικού ποιήματος του Glazunov, τη σκηνή "Veche" από την όπερα "Pskovite" του Rimsky-Korsakov και τη χορογραφική εικόνα "Prometheus" στη μουσική του A. N. Scriabin. Κατά τη σεζόν 1917/1918, το θέατρο έδωσε 170 παραστάσεις όπερας και μπαλέτου. Από το 1918, η Ορχήστρα του Θεάτρου Μπολσόι δίνει κύκλους συμφωνικές συναυλίεςμε τη συμμετοχή σολίστ-τραγουδιστών. Παράλληλα πραγματοποιήθηκαν συναυλίες ορχηστρών δωματίου και συναυλίες τραγουδιστών. Το 1919, στο Θέατρο Μπολσόι απονεμήθηκε ο τίτλος του ακαδημαϊκού. Το 1924, ένα παράρτημα του θεάτρου Μπολσόι άνοιξε στις εγκαταστάσεις της πρώην ιδιωτικής όπερας του Zimin. Σε αυτή τη σκηνή παίζονταν παραστάσεις μέχρι το 1959.

Στη δεκαετία του '20, όπερες σοβιετικών συνθετών εμφανίστηκαν στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι - "Trilby" του Yurasovsky (1924, 2η παραγωγή 1929), "Decembrists" του Zolotarev και "Stepan Razin" του Triodin (και τα δύο το 1925), "The Love for Three Orange» Prokofiev (1927), «Ivan the Soldier» του Korchmarev (1927), «Son of the Sun» του Vasilenko (1928), «Zagmuk» του Crane και «Breakthrough» του Pototsky (και τα δύο το 1930), κλπ. Ταυτόχρονα, μεγάλη δουλειάπάνω από την κλασική όπερα. Έγιναν νέες παραγωγές των όπερων του Ρ. Βάγκνερ: «Das Rheingold» (1918), «Lohengrin» (1923), «Die Meistersinger of Nuremberg» (1929). Το 1921 παίχτηκε το ορατόριο του G. Berlioz «The Damnation of Faust». Η παραγωγή της όπερας του M. P. Mussorgsky «Boris Godunov» (1927), που παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στο σύνολό της με σκηνές, έγινε θεμελιώδης σημαντική. Υπό τον ΚρόμιΚαι Στον Άγιο Βασίλειο(το τελευταίο, σε ενορχήστρωση του M. M. Ippolitov-Ivanov, συμπεριλήφθηκε έκτοτε σε όλες τις παραγωγές αυτής της όπερας). Το 1925 πραγματοποιήθηκε η πρεμιέρα της όπερας του Μουσόργκσκι "Sorochinskaya Fair". Μεταξύ των σημαντικών έργων του θεάτρου Μπολσόι αυτής της περιόδου: «Η ιστορία της αόρατης πόλης του Kitezh» (1926). «Ο γάμος του Φίγκαρο» του Μότσαρτ (1926), καθώς και οι όπερες «Σαλώμη» του Ρ. Στράους (1925), «Cio-Cio-san» του Πουτσίνι (1925) κ.λπ., που ανέβηκαν για πρώτη φορά στο Μόσχα.

Σημαντικά γεγονότα στη δημιουργική ιστορία του θεάτρου Μπολσόι της δεκαετίας του '30 συνδέονται με την ανάπτυξη της σοβιετικής όπερας. Το 1935, ανέβηκε η όπερα του D. D. Shostakovich "Katerina Izmailova" (βασισμένη στην ιστορία "Lady Macbeth of Mtsensk" του N. S. Leskov), στη συνέχεια " Ήσυχο Ντον«(1936) και «Virgin Soil Upturned» του Dzerzhinsky (1937), «Θωρηκτό Potemkin» του Chishko (1939), «Mother» του Zhelobinsky (μετά τον M. Gorky, 1939) κ.λπ. Ανεβαίνουν έργα συνθετών. Σοβιετικές δημοκρατίες- «Almast» του Spendiarov (1930), «Abesalom and Eteri» του Z. Paliashvili (1939). Το 1939, το Θέατρο Μπολσόι αναβίωσε την όπερα Ιβάν Σουσάνιν. Νέα παραγωγή(λιμπρέτο του S. M. Gorodetsky) αποκάλυψε τη λαϊκή-ηρωική ουσία αυτού του έργου. Οι σκηνές της μαζικής χορωδίας απέκτησαν ιδιαίτερη σημασία.

Το 1937, στο Θέατρο Μπολσόι απονεμήθηκε το Τάγμα του Λένιν και στους μεγαλύτερους δασκάλους του απονεμήθηκε ο τίτλος Λαϊκός καλλιτέχνηςΗ ΕΣΣΔ.

Στη δεκαετία του 20-30, εξαιρετικοί τραγουδιστές έπαιξαν στη σκηνή του θεάτρου - V. R. Petrov, L. V. Sobinov, A. V. Nezhdanova, N. A. Obukhova, K. G. Derzhinskaya, E. A. Stepanova, E. K. Katulskaya, V. V. Barsova, I. S., S. Pirogov, M. D. Mikhailov, M. O. Reizen, N. S. Khanaev, E. D. Kruglikova, N. D. Shpiller, M. P. Maksakova, V. A. Davydova, A. I. Baturin, S. I. Migai, L. F. Savransky, N. N. Οζέιτερ είναι οι άλλοι διευθυντές του S V. I. Suk, M. M. Ippolitov-Ivanov, N. S. Golovanov, A. M. Pazovsky, S. A. Samosud, Yu F. Fayer, L. P. Steinberg, V.V. Παραστάσεις όπερας και μπαλέτου στο Θέατρο Μπολσόι ανέβηκαν από τους σκηνοθέτες V. A. Lossky, N. V. Smolich; ο χορογράφος R.V. χοράρχες U. O. Avranek, M. G. Shorin; καλλιτέχνης P. W. Williams.

Κατά τη διάρκεια του Μεγάλου Πατριωτικός Πόλεμος(1941-45) μέρος του θιάσου του θεάτρου Μπολσόι εκκενώθηκε στο Kuibyshev, όπου το 1942 έγινε η πρεμιέρα της όπερας του Rossini, William Tell. Στη σκηνή του υποκαταστήματος (το κεντρικό κτίριο του θεάτρου υπέστη ζημιές από βόμβα) το 1943 ανέβηκε η όπερα «On Fire» του Kabalevsky. ΣΕ μεταπολεμικά χρόνιαΟ θίασος της όπερας στράφηκε προς την κλασική κληρονομιά των λαών των σοσιαλιστικών χωρών, ανέβηκαν οι όπερες «The Bartered Bride» του Smetana (1948) και «Pebble» του Moniuszko (1949). Οι παραστάσεις «Boris Godunov» (1948), «Sadko» (1949), «Khovanshchina» (1950) διακρίνονται για το βάθος και την ακεραιότητα του μουσικού και σκηνικού συνόλου. Ζωντανά παραδείγματα κλασικών σοβιετικών μπαλέτων ήταν τα μπαλέτα «Σταχτοπούτα» (1945) και «Ρωμαίος και Ιουλιέτα» (1946) του Προκόφιεφ.

Από τα μέσα της δεκαετίας του '40, ο ρόλος της σκηνοθεσίας στην αποκάλυψη ιδεολογικό περιεχόμενοκαι την ενσάρκωση της πρόθεσης του συγγραφέα για το έργο, στην εκπαίδευση ενός ηθοποιού (τραγουδιστή και χορευτή μπαλέτου) ικανού να δημιουργήσει εικόνες βαθιάς σημασίας, ψυχολογικά αληθινές. Ο ρόλος του συνόλου στην επίλυση των ιδεολογικών και καλλιτεχνικών προβλημάτων της παράστασης γίνεται πιο σημαντικός, κάτι που επιτυγχάνεται χάρη στην υψηλή δεξιοτεχνία της ορχήστρας, της χορωδίας και άλλων θεατρικών ομάδων. Όλα αυτά καθόρισαν το στυλ παράστασης του σύγχρονου θεάτρου Μπολσόι και του έφεραν παγκόσμια φήμη.

Στη δεκαετία του 50-60 εντάθηκε η δουλειά του θεάτρου σε όπερες Σοβιετικών συνθετών. Το 1953 ανέβηκε η μνημειώδης επική όπερα «Decembrists» του Shaporin. Η όπερα Πόλεμος και Ειρήνη του Προκόφιεφ (1959) συμπεριλήφθηκε στο χρυσό ταμείο του σοβιετικού μουσικού θεάτρου. Οι παραγωγές ήταν «Nikita Vershinin» του Kabalevsky (1955), «The Taming of the Shrew» του Shebalin (1957), «Mother» του Khrennikov (1957), «Jalil» του Zhiganov (1959), «The Tale of a Real Άνθρωπος» του Προκόφιεφ (1960), «Πρόσωπο της μοίρας» του Ντζερζίνσκι (1961), «Όχι μόνο αγάπη» του Στσέντριν (1962), «Οκτώβρης» του Μουραντέλι (1964), «Ο άγνωστος στρατιώτης» του Μολτσάνοφ (1967), «Αισιόδοξη τραγωδία» του Kholminov (1967), «Semyon Kotko» του Προκόφιεφ (1970 ).

Από τα μέσα της δεκαετίας του '50, το ρεπερτόριο του θεάτρου Μπολσόι έχει αναπληρωθεί με σύγχρονες ξένες όπερες. Για πρώτη φορά ανέβηκαν έργα των συνθετών L. Janacek (Her Stepdaughter, 1958), F. Erkel (Bank-Ban, 1959), F. Poulenc (The Human Voice, 1965), B. Britten (A Midsummer's Dream). νύχτα», 1965). Το κλασικό ρωσικό και ευρωπαϊκό ρεπερτόριο έχει επεκταθεί. Ανάμεσα στα εξαιρετικά έργα της ομάδας όπερας είναι το Fidelio (1954) του Μπετόβεν. Ανέβηκαν επίσης όπερες: «Falstaff» (1962), «Don Carlos» (1963) του Verdi, «The Flying Dutchman» του Wagner (1963), «The Tale of the Invisible City of Kitezh» (1966), «Tosca» (1971), "Ruslan" and Lyudmila" (1972), "Troubadour" (1972); μπαλέτα - "The Nutcracker" (1966), " Λίμνη των κύκνων"(1970). Ο θίασος της όπερας αυτής της εποχής περιελάμβανε τους τραγουδιστές I. I. και L. I. Maslennikov, E. V. Shumskaya, Z. I. Andzhaparidze, G. P. Bolshakov, A. P. Ivanov, A. F. Krivchenya, P. G. Lisitsian, G. M. Nelepp, I. I. e.Petrov και άλλοι των παραστάσεων - A. Sh Melik-Pashaev, M. N. Zhukov, G. N. Rozhdestvensky, E. F. Svetlanov; σκηνοθέτες - L. B. Baratov, B. A. Pokrovsky; χορογράφος L. M. Lavrovsky; καλλιτέχνες - P. P. Fedorovsky, V. F. Ryndin, S. B. Virsaladze.

Κορυφαίοι μάστορες των θιάσων όπερας και μπαλέτου του θεάτρου Μπολσόι έχουν εμφανιστεί σε πολλές χώρες σε όλο τον κόσμο. Ο θίασος της όπερας περιόδευσε σε Ιταλία (1964), Καναδά, Πολωνία (1967), Ανατολική Γερμανία (1969), Γαλλία (1970), Ιαπωνία (1970), Αυστρία, Ουγγαρία (1971).

Το 1924-59, το Θέατρο Μπολσόι είχε δύο σκηνές - την κύρια σκηνή και μια σκηνή κλάδου. Η κύρια σκηνή του θεάτρου είναι ένα αμφιθέατρο πέντε επιπέδων με 2.155 θέσεις. Το μήκος της αίθουσας, συμπεριλαμβανομένου του κελύφους της ορχήστρας, είναι 29,8 μ., πλάτος - 31 μ., Βάθος σκηνής - 22,8 μ., πλάτος - 39,3 μ., μέγεθος πύλης σκηνής - 21,5 × 17,2 μ Το 1961, το Θέατρο Μπολσόι έλαβε μια νέα σκηνή - το Παλάτι των Συνεδρίων του Κρεμλίνου (ακουστικό για 6000 θέσεις, μέγεθος σκηνής στο σχέδιο - 40 × 23 m και ύψος έως τη σχάρα - 28,8 m, πύλη σκηνής - 32 × 14 m, tablet The το στάδιο είναι εξοπλισμένο με δεκαέξι πλατφόρμες ανύψωσης και κατεβάσματος). Το Θέατρο Μπολσόι και το Παλάτι των Συνεδρίων φιλοξενούν τελετουργικές συναντήσεις, συνέδρια, δεκαετίες τέχνης κ.λπ.

Βιβλιογραφία:Το Θέατρο Μπολσόι της Μόσχας και μια ανασκόπηση των γεγονότων που προηγήθηκαν της ίδρυσης του κατάλληλου ρωσικού θεάτρου, Μ., 1857; Kashkin N.D., Σκηνή Όπερας του Αυτοκρατορικού Θεάτρου της Μόσχας, M., 1897 (στην περιοχή: Dmitriev N., Imperial Opera stage in Moscow, M., 1898). Chayanova O., «Triumph of the Muses», Υπόμνημα ιστορικών αναμνήσεων για την εκατονταετή επέτειο του Θεάτρου Μπολσόι της Μόσχας (1825-1925), M., 1925; δικό της, Medox Theatre in Moscow 1776-1805, M., 1927; Θέατρο Μπολσόι της Μόσχας. 1825-1925, Μ., 1925 (συλλογή άρθρων και υλικών). Borisoglebsky M., Materials on the history of Russian ballet, vol.1, L., 1938; Glushkovsky A.P., Memoirs of a choreographer, M. - L., 1940; Κρατικό Ακαδημαϊκό Θέατρο Μπολσόι της ΕΣΣΔ, Μ., 1947 (συλλογή άρθρων). S. V. Rachmaninov και ρωσική όπερα, συλλογή. άρθρα που επιμελήθηκαν I. F. Belzy, Μ., 1947; «Θέατρο», 1951, Νο. 5 (αφιερωμένο στην 175η επέτειο του Θεάτρου Μπολσόι). Shaverdyan A.I., Θέατρο Μπολσόι της ΕΣΣΔ, Μ., 1952; Polyakova L.V., Youth of the Bolshoi Theatre Opera Stage, M., 1952; Khripunov Yu., Architecture of the Bolshoi Theatre, M., 1955; Θέατρο Μπολσόι της ΕΣΣΔ (συλλογή άρθρων), Μ., 1958; Grosheva E. A., Θέατρο Μπολσόι της ΕΣΣΔ στο παρελθόν και το παρόν, Μ., 1962; Gozenpud A. A., Μουσικό θέατρο στη Ρωσία. From the origins to Glinka, L., 1959; του, Ρωσική Σοβιετική Όπερα (1917-1941), L., 1963; από αυτόν, Ρωσικό Θέατρο Όπερας του 19ου αιώνα, τ. 1-2, Λ., 1969-71.

L. V. Polyakova
Μουσική Εγκυκλοπαίδεια, εκδ. Yu.V.Keldysh, 1973-1982

Ιστορία του μπαλέτου

Κορυφαίο ρωσικό μουσικό θέατρο, το οποίο έπαιξε εξαιρετικό ρόλο στη διαμόρφωση και ανάπτυξη των εθνικών παραδόσεων της τέχνης του μπαλέτου. Η ανάδυσή του συνδέεται με την άνθηση του ρωσικού πολιτισμού στο 2ο μισό του 18ου αιώνα, με την εμφάνιση και ανάπτυξη του επαγγελματικού θεάτρου.

Ο θίασος άρχισε να σχηματίζεται το 1776, όταν ο φιλάνθρωπος της Μόσχας πρίγκιπας P. V. Urusov και ο επιχειρηματίας M. Medox έλαβαν το κυβερνητικό προνόμιο να αναπτύξουν τη θεατρική επιχείρηση. Οι παραστάσεις δόθηκαν στο σπίτι του R.I. Vorontsov στο Znamenka. Το 1780 το Medox έχτισε στη Μόσχα στη γωνία του δρόμου. Το κτίριο του θεάτρου Petrovka, το οποίο έγινε γνωστό ως Θέατρο Petrovsky. Εδώ έγιναν παραστάσεις δράματος, όπερας και μπαλέτου. Ήταν το πρώτο μόνιμο επαγγελματικό θέατρο στη Μόσχα. Ο θίασος μπαλέτου του αναπληρώθηκε σύντομα με μαθητές σχολή μπαλέτουΟρφανοτροφείο της Μόσχας (υπήρχε από το 1773), και στη συνέχεια από δουλοπάροικους ηθοποιούς του θιάσου του E. A. Golovkina. Η πρώτη παράσταση μπαλέτου ήταν το «The Magic Shop» (1780, χορογράφος L. Paradise). Ακολούθησαν: «Ο θρίαμβος των απολαύσεων του γυναικείου φύλου», «Ο προσποιημένος θάνατος του Αρλεκίνου, ή ο εξαπατημένος Πανταλόν», «Η κουφή ερωμένη» και «Ο προσποιημένος θυμός της αγάπης» - όλες παραγωγές του χορογράφου Φ. Morelli (1782); «Χωριάτικη πρωινή ψυχαγωγία όταν ξυπνά ο ήλιος» (1796) και «The Miller» (1797) - χορογράφος P. Pinucci. «Μήδεια και Ιάσονας» (1800, σύμφωνα με τον Τζ. Νόβερ), «Η τουαλέτα της Αφροδίτης» (1802) και «Εκδίκηση για το θάνατο του Αγαμέμνονα» (1805) - χορογράφος Δ. Σολομώνη, κ.λπ. Οι παραστάσεις αυτές βασίστηκαν στο αρχές του κλασικισμού, στα κόμικ μπαλέτα ("The Deceived Miller", 1793; "Cupid's Deceptions", 1795) άρχισαν να εμφανίζονται χαρακτηριστικά του συναισθηματισμού. Από τους χορευτές του θιάσου ξεχώρισαν οι G. I. Raikov, A. M. Sobakina κ.ά.

Το 1805, το κτίριο του Θεάτρου Petrovsky κάηκε. Το 1806 ο θίασος περιήλθε στη δικαιοδοσία της Διεύθυνσης Αυτοκρατορικών Θεάτρων και έπαιξε σε διάφορους χώρους. Η σύνθεσή του αναπληρώθηκε, ανέβηκαν νέα μπαλέτα: "Βράδια Γκισπάν" (1809), "Σχολείο του Πιερό", "Αλγερινοί, ή οι νικημένοι ληστές της θάλασσας", "Ζέφυρος ή η Ανεμώνη, που έγινε μόνιμη" (όλα - 1812), "Semik, or Festivities in Maryina Roshcha" (σε μουσική του S. I. Davydov, 1815) - όλα σκηνοθετημένα από τον I. M. Abletz. «The New Heroine, or the Cossack Woman» (1811), «Γιορτή στο Στρατόπεδο των Συμμαχικών Στρατών στη Μονμάρτρη» (1814) - και τα δύο σε μουσική του Κάβου, χορογράφου I. I. Valberkh. "Festival on the Sparrow Hills" (1815), "Triumph of the Russians, or Bivouac near Krasny" (1816) - και τα δύο σε μουσική του Davydov, του χορογράφου A. P. Glushkovsky. "Cossacks on the Rhine" (1817), "Neva Walk" (1818), "Ancient Games, or Yule Evening" (1823) - όλα στη μουσική του Scholz, ο χορογράφος είναι ο ίδιος. «Ρωσική κούνια στις όχθες του Ρήνου» (1818), «Τσιγγάνικο στρατόπεδο» (1819), «Φεστιβάλ στο Πετρόφσκι» (1824) - όλα σε χορογραφία I. K. Lobanov, κ.λπ. Οι περισσότερες από αυτές τις παραστάσεις ήταν διασκευές με εκτενή χρήση λαϊκές τελετουργίεςΚαι χορός χαρακτήρων. Οι παραστάσεις ήταν ιδιαίτερα σημαντικές αφιερωμένο σε εκδηλώσειςΠατριωτικός Πόλεμος του 1812 - τα πρώτα μπαλέτα σε ένα σύγχρονο θέμα στην ιστορία της σκηνής της Μόσχας. Το 1821, ο Glushkovsky δημιούργησε το πρώτο μπαλέτο βασισμένο στο έργο του A. S. Pushkin ("Ruslan and Lyudmila" σε μουσική του Scholz).

Το 1825, με τον πρόλογο «Ο θρίαμβος των Μουσών», που ανέβηκε από τον Φ. Γκιούλεν-Σορ, ξεκίνησαν οι παραστάσεις στο νέο κτίριο του θεάτρου Μπολσόι (αρχιτέκτονας Ο. Ι. Μπόβε). Ανέβασε επίσης τα μπαλέτα “Fenella” σε μουσική της ομώνυμης όπερας του Ober (1836), “Tom Thumb” (“The Cunning Boy and the Cannibal”) των Varlamov και Guryanov (1837) κ.λπ. ο θίασος μπαλέτου αυτής της εποχής Glushkovskaya, D. S. Lopukhina, A. I. Voronina-Ivanova, T. S. Karpakova, K. F. Bogdanov και άλλοι. Το μπαλέτο του θεάτρου Μπολσόι επηρεάστηκε καθοριστικά από τις αρχές του ρομαντισμού (οι δραστηριότητες των F. Taglioni και J. Perrot στην Αγία Πετρούπολη, οι περιοδείες των M. Taglioni, F. Elsler κ.λπ.). Εξαιρετικοί χορευτές αυτής της κατεύθυνσης είναι οι E. A. Sankovskaya, I. N. Nikitin.

Μεγάλη σημασία για τη διαμόρφωση των ρεαλιστικών αρχών της σκηνικής τέχνης είχαν οι παραγωγές στο Θέατρο Μπολσόι των όπερων «Ivan Susanin» (1842) και «Ruslan and Lyudmila» (1846) της Glinka, οι οποίες περιείχαν λεπτομερείς χορογραφικές σκηνές που έπαιξαν μια σημαντική δραματικό ρόλο. Αυτές οι ιδεολογικές και καλλιτεχνικές αρχές συνεχίστηκαν στη «Rusalka» του Dargomyzhsky (1859, 1865), στην «Judith» του Serov (1865) και στη συνέχεια σε παραγωγές όπερας του P. I. Tchaikovsky και των συνθετών του «The Mighty Handful». Στις περισσότερες περιπτώσεις, οι χοροί στις όπερες ήταν χορογραφημένες από τον F. N. Manokhin.

Το 1853, μια πυρκαγιά κατέστρεψε όλο το εσωτερικό του θεάτρου Μπολσόι. Το κτίριο αναστηλώθηκε το 1856 από τον αρχιτέκτονα A.K.

Στο 2ο μισό του 19ου αιώνα, το μπαλέτο του θεάτρου Μπολσόι ήταν σημαντικά κατώτερο από αυτό της Αγίας Πετρούπολης (δεν υπήρχε ούτε ένας τόσο ταλαντούχος σκηνοθέτης όπως ο Μ. Ι. Πετίπα, ούτε οι ίδιες ευνοϊκές υλικές συνθήκες ανάπτυξης). Το Μικρό Αλογάκι του Πούγκνι, που ανέβηκε από τον A. Saint-Leon στην Αγία Πετρούπολη και μεταφέρθηκε στο Θέατρο Μπολσόι το 1866, γνώρισε τεράστια επιτυχία. Αυτό αποκάλυψε τη μακρόχρονη τάση του μπαλέτου της Μόσχας προς το είδος, την κωμωδία, τα καθημερινά και εθνικά χαρακτηριστικά. Ελάχιστες όμως πρωτότυπες παραστάσεις δημιουργήθηκαν. Μια σειρά από παραγωγές του Κ. Μπλάζη («Πυγμαλίων», «Δυο μέρες στη Βενετία») και του S.P. Sokolov («Φέρνα, ή νύχτα κάτω από τον Ιβάν Κουπάλα», 1867) έδειχναν μια ορισμένη παρακμή στις δημιουργικές αρχές του θεάτρου. Το μόνο σημαντικό γεγονός ήταν το έργο «Δον Κιχώτης» (1869), που ανέβηκε στη σκηνή της Μόσχας από τον M. I. Petipa. Η εμβάθυνση της κρίσης συνδέθηκε με τις δραστηριότητες των χορογράφων V. Reisinger (The Magic Slipper, 1871; Kashchei, 1873; Stella, 1875) και J. Hansen (The Virgin of Hell, 1879) προσκεκλημένοι από το εξωτερικό. Η παραγωγή της «Λίμνης των Κύκνων» από τους Reisinger (1877) και Hansen (1880) ήταν επίσης ανεπιτυχής, καθώς δεν κατάφεραν να κατανοήσουν την καινοτόμο ουσία της μουσικής του Tchaikovsky. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο θίασος είχε δυνατούς ερμηνευτές: P. P. Lebedeva, O. N. Nikolaeva, A. I. Sobeshchanskaya, P. M. Karpakova, S. P. Sokolov, V. F. Geltser, και αργότερα L. N. Gaten, L. A. Roslavleva, A. A. Dzhuri, A., N. Δούλεψαν ταλαντούχοι μιμητές - οι F.A. Reishausen και V. Vanner, οι καλύτερες παραδόσεις μεταδόθηκαν από γενιά σε γενιά στις οικογένειες των Manokhins, Domashovs, Ermolovs. Η μεταρρύθμιση που πραγματοποιήθηκε το 1882 από τη Διεύθυνση Αυτοκρατορικών Θεάτρων οδήγησε σε μείωση του θιάσου μπαλέτου και επιδείνωσε την κρίση (ειδικά που εκδηλώθηκε στις εκλεκτικές παραγωγές του χορογράφου J. Mendes προσκεκλημένος από το εξωτερικό - "Ινδία", 1890; "Daita" , 1896, κ.λπ.).

Η στασιμότητα και η ρουτίνα ξεπεράστηκαν μόνο με την άφιξη του χορογράφου A. A. Gorsky, το έργο του οποίου (1899-1924) σημάδεψε μια ολόκληρη εποχή στην ανάπτυξη του μπαλέτου του θεάτρου Μπολσόι. Ο Γκόρσκι προσπάθησε να ελευθερώσει το μπαλέτο από κακές συμβάσεις και κλισέ. Εμπλουτίζοντας το μπαλέτο με τα επιτεύγματα του σύγχρονου δραματικού θεάτρου και των καλών τεχνών, ανέβασε νέες παραγωγές του Δον Κιχώτη (1900), της Λίμνης των Κύκνων (1901, 1912) και άλλων μπαλέτων του Petipa και δημιούργησε το μιμικό δράμα Gudula's Daughter του Simon (βασισμένο στο Notre). Dame de Paris) V. Hugo, 1902), το μπαλέτο «Salammbô» του Arends (βασισμένο στο ομώνυμο μυθιστόρημα του G. Flaubert, 1910) κ.λπ. Στην αναζήτηση της δραματικής πληρότητας μιας παράστασης μπαλέτου, ο Gorsky άλλοτε υπερέβαλλε το ρόλο του σεναρίου και της παντομίμας, και άλλοτε υποτίμησε τη μουσική και τον αποτελεσματικό συμφωνικό χορό. Ταυτόχρονα, ο Γκόρσκι ήταν ένας από τους πρώτους σκηνοθέτες μπαλέτων με συμφωνική μουσική που δεν προοριζόταν για χορό: "Η αγάπη είναι γρήγορη!" στη μουσική του Grieg, το "Schubertian" στη μουσική του Schubert, η διαφοροποίηση "Carnival" σε μουσική διαφόρων συνθετών - όλα το 1913, "The Fifth Symphony" (1916) και "Stenka Razin" (1918) στη μουσική του Γκλαζούνοφ. Στις παραστάσεις του Γκόρσκι, το ταλέντο των E. V. Geltser, S. V. Fedorova, A. M. Balashova, V. A. Coralli, M. R. Reisen, V. V. Krieger, V. D. Tikhomirova, M. M. Mordkina, V. A. Ryabtseva, A. E. Volinina και άλλων A.Si.dorova L.

Στο τέλος του 19 - αρχή. 20ος αιώνας Παραστάσεις μπαλέτου του θεάτρου Μπολσόι διηύθυναν οι I. K. Altani, V. I. Suk, A. F. Arends, E. A. Cooper, διακοσμητής θεάτρου K. F. Waltz, οι καλλιτέχνες K. A. Korovin, A. έλαβαν μέρος στο σχεδιασμό των παραστάσεων.

Η Μεγάλη Οκτωβριανή Σοσιαλιστική Επανάσταση άνοιξε νέους δρόμους για το Θέατρο Μπολσόι και καθόρισε την άνθησή του ως η κορυφαία εταιρεία όπερας και μπαλέτου στην καλλιτεχνική ζωή της χώρας. Κατά τη διάρκεια του Εμφυλίου, ο θεατρικός θίασος, χάρη στην προσοχή του σοβιετικού κράτους, διατηρήθηκε. Το 1919, το Θέατρο Μπολσόι εντάχθηκε στην ομάδα των ακαδημαϊκών θεάτρων. Το 1921-22 παραστάσεις στο Θέατρο Μπολσόι δίνονταν και στο Νέο Θέατρο. Ένα παράρτημα του θεάτρου Μπολσόι άνοιξε το 1924 (λειτούργησε μέχρι το 1959).

Από τα πρώτα χρόνια της σοβιετικής εξουσίας, ο θίασος μπαλέτου αντιμετώπισε ένα από τα πιο σημαντικά δημιουργικά καθήκοντα - να διατηρήσει την κλασική κληρονομιά και να την φέρει σε ένα νέο κοινό. Το 1919, ο «Καρυοθραύστης» ανέβηκε για πρώτη φορά στη Μόσχα (χορογράφος Γκόρσκι), στη συνέχεια οι νέες παραγωγές της «Λίμνης των Κύκνων» (Gorsky, με τη συμμετοχή του V. I. Nemirovich-Danchenko, 1920), «Giselle» (Gorsky, 1922). ), "Esmeralda" "(V.D. Tikhomirov, 1926), "The Sleeping Beauty" (A.M. Messerer and A.I. Chekrygin, 1936) κ.λπ. Μαζί με αυτό, το Θέατρο Μπολσόι επεδίωξε να δημιουργήσει νέα μπαλέτα - μονόπρακτα ανέβηκαν σε συμφωνική μουσική («Ισπανικό Capriccio» και «Scheherazade», χορογράφος L. A. Zhukov, 1923, κ.λπ.), έγιναν τα πρώτα πειράματα για την εφαρμογή σύγχρονο θέμα(παιδικό μπαλέτο εξωφρενικό «Eternally Living Flowers» σε μουσική του Asafiev και άλλων, χορογράφου Gorsky, 1922· αλληγορικό μπαλέτο «Smerch» του Bera, χορογράφου K. Ya. Goleizovsky, 1927), ανάπτυξη της χορογραφικής γλώσσας («Jose Beautiful» Vasilenko, μπαλέτο Goleizovsky, 1925, «Footballer» του Oransky, μπαλέτο των L. A. Lashchilin και I. A. Moiseev, 1930, κ.λπ.). Σημασία ορόσημο απέκτησε το έργο «The Red Poppy» (χορογράφος Tikhomirov και L.A. Lashchilin, 1927), στο οποίο η ρεαλιστική παρουσίαση ενός σύγχρονου θέματος βασίστηκε στην υλοποίηση και ανανέωση των κλασικών παραδόσεων. Η δημιουργική αναζήτηση για το θέατρο ήταν αδιαχώριστη από τις δραστηριότητες των καλλιτεχνών - E. V. Geltser, M. P. Kandaurova, V. V. Krieger, M. R. Reizen, A. I. Abramova, V. V. Kudryavtseva, N. B. Podgoretskaya , L. M. Bank, E. M Σμόλτσοβα, N. I. Tarasova, V. I. Tsaplina, L. A. Zhukova και άλλοι.

δεκαετία του 1930 στην ανάπτυξη του μπαλέτου του θεάτρου Μπολσόι σημαδεύτηκαν από μεγάλες επιτυχίες στην ενσάρκωση του ιστορικού και επαναστατικού θέματος (Η φλόγα του Παρισιού, μπαλέτο του V. I. Vainonen, 1933) και εικόνες κλασικών λογοτεχνιών (The Bakhchisarai Fountain, μπαλέτο του R. V. Zakharov, 1936) . Μια σκηνοθεσία που το έφερε πιο κοντά στη λογοτεχνία και το δραματικό θέατρο θριάμβευσε στο μπαλέτο. Η σημασία της σκηνοθεσίας και της υποκριτικής έχει αυξηθεί. Οι παραστάσεις διακρίνονταν από τη δραματική ακεραιότητα της ανάπτυξης της δράσης και την ψυχολογική ανάπτυξη των χαρακτήρων. Το 1936-39, ο θίασος μπαλέτου ήταν επικεφαλής του R.V Zakharov, ο οποίος εργάστηκε στο Θέατρο Μπολσόι ως χορογράφος και σκηνοθέτης όπεραςμέχρι το 1956. Δημιουργήθηκαν παραστάσεις σε ένα σύγχρονο θέμα - «The Little Stork» (1937) και «Svetlana» (1939) από την Klebanova (και οι δύο από τον χορευτή μπαλέτου A. I. Radunsky, N. M. Popko και L. A. Pospekhin), καθώς και το «Prisoner of the Καύκασος» του Asafiev (μετά τον A.S. Pushkin, 1938) και «Taras Bulba» του Solovyov-Sedoy (μετά τον N.V. Gogol, 1941, και τα δύο από τον σκηνοθέτη μπαλέτου Zakharov), «Three Fat Men» του Oransky (μετά τον Yu. K Oleshe, 193, 193, μπαλέτο του I. A. Moiseev) και άλλων Κατά τη διάρκεια αυτών των χρόνων, η τέχνη των M. T. Semyonova, O. V. Lepeshinskaya, A. N. Ermolaev, M. M. Gabovich, A. M. Messerer, οι δραστηριότητες των S. N. Golovkina, M. S. Bogolyubskaya, I. V. Yu.V. Ο G. Kondratov, ο S. G. Koren και άλλοι άρχισαν να σχεδιάζουν παραστάσεις μπαλέτου V.V, P.V.

Κατά τη διάρκεια του Μεγάλου Πατριωτικού Πολέμου, το Θέατρο Μπολσόι εκκενώθηκε στο Kuibyshev, αλλά μέρος του θιάσου που παρέμεινε στη Μόσχα (με επικεφαλής τον M. M. Gabovich) σύντομα ξανάρχισε τις παραστάσεις σε έναν κλάδο του θεάτρου. Παράλληλα με την προβολή του παλιού ρεπερτορίου, δημιουργήθηκε μια νέα παράσταση " Scarlet Sails"Yurovsky (χορογράφος μπαλέτου A. I. Radunsky, N. M. Popko, L. A. Pospekhin), ανέβηκε το 1942 στο Kuibyshev, το 1943 μεταφέρθηκε στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι. Ταξιαρχίες καλλιτεχνών πήγαν επανειλημμένα στο μέτωπο.

Το 1944-64 (με διακοπές) του μπαλέτου είχε επικεφαλής τον L. M. Lavrovsky. Ανέβηκαν τα εξής (τα ονόματα των χορογράφων σε παρένθεση): «Σταχτοπούτα» (R.V. Zakharov, 1945), «Romeo and Juliet» (L.M. Lavrovsky, 1946), «Mirandolina» (V.I. Vainonen, 1949), «The Bronze » (Zakharov, 1949), «Red Poppy» (Lavrovsky, 1949), «Shurale» (L. V. Yakobson, 1955), «Laurencia» (V. M. Chabukiani, 1956) κ.λπ. - «Giselle» (1944) και «Raymonda» (1945) που ανέβασε ο Λαβρόφσκι κ.λπ. Στα μεταπολεμικά χρόνια, το καμάρι της σκηνής του θεάτρου Μπολσόι ήταν η τέχνη του G. S. Ulanova, του οποίου οι χορευτικές εικόνες γοήτευαν με τα λυρικά και ψυχολογικά τους εκφραστικότητα. Μια νέα γενιά καλλιτεχνών μεγάλωσε. μεταξύ αυτών M. M. Plisetskaya, R. S. Struchkova, M. V. Kondratyeva, L. I. Bogomolova, R. K. Karelskaya, N. V. Timofeeva, Yu T. Zhdanov, G. K. Farmanyants, V. A. Levashov, N. B. Sekh και άλλοι.

Στα μέσα της δεκαετίας του 1950. Στις παραγωγές του θεάτρου Μπολσόι, άρχισαν να γίνονται αισθητές οι αρνητικές συνέπειες του πάθους των χορογράφων για μονόπλευρη δραματοποίηση μιας παράστασης μπαλέτου (καθημερινότητα, κυριαρχία της παντομίμας, υποτίμηση του ρόλου του αποτελεσματικού χορού), κάτι που αντικατοπτρίστηκε ιδιαίτερα στις παραστάσεις «The Tale of the Stone Flower» του Prokofiev (Lavrovsky, 1954), «Gayane» (Vainonen, 1957), «Spartak» (I. A. Moiseev, 1958).

Μια νέα περίοδος ξεκίνησε στα τέλη της δεκαετίας του '50. Το ρεπερτόριο περιλάμβανε παραστάσεις ορόσημο για το σοβιετικό μπαλέτο από τον Yu N. Grigorovich - "The Stone Flower" (1959) και "The Legend of Love" (1965). Στις παραγωγές του θεάτρου Μπολσόι, το φάσμα των εικόνων και των ιδεολογικών και ηθικών προβλημάτων διευρύνθηκε, ο ρόλος της αρχής του χορού αυξήθηκε, οι μορφές του δράματος έγιναν πιο διαφορετικές, το χορογραφικό λεξιλόγιο εμπλουτίστηκε και άρχισαν να πραγματοποιούνται ενδιαφέρουσες αναζητήσεις στην ενσάρκωση του σύγχρονα θέματα. Αυτό εκδηλώθηκε στις παραγωγές των χορογράφων: N. D. Kasatkina και V. Yu. O. G. Tarasova και A. A. Lapauri - "Second Lieutenant Kizhe" στη μουσική του Prokofiev (1963). K. Ya. Goleizovsky - «Leyli and Majnun» του Balasanyan (1964). Λαβρόφσκι - «Paganini» στη μουσική του Rachmaninov (1960) και «Night City» στη μουσική του Bartok «The Marvelous Mandarin» (1961).

Το 1961, το Θέατρο Μπολσόι έλαβε μια νέα σκηνή - το Παλάτι των Συνεδρίων του Κρεμλίνου, το οποίο συνέβαλε στις ευρύτερες δραστηριότητες του θιάσου μπαλέτου. Μαζί με τους ώριμους δασκάλους - Plisetskaya, Struchkova, Timofeeva, Fadeechev και άλλους - την ηγετική θέση κατέλαβαν ταλαντούχοι νέοι που ήρθαν στο Θέατρο Μπολσόι στις αρχές της δεκαετίας του 50-60: E. S. Maksimova, N. I. Bessmertnova, N. I. Sorokina , E. L. Ryabinkina, S. D. Adyrkhaeva, V. V. Vasiliev, M. E. Liepa, M. L. Lavrovsky, Yu V. Vladimirov, V. P. Tikhonov και άλλοι.

Από το 1964 επικεφαλής χορογράφοςΘέατρο Μπολσόι - Yu N. Grigorovich, ο οποίος εδραίωσε και ανέπτυξε προοδευτικές τάσεις στις δραστηριότητες του μπαλέτου. Σχεδόν κάθε νέα παράσταση στο Θέατρο Μπολσόι χαρακτηρίζεται από ενδιαφέρουσες δημιουργικές εξερευνήσεις. Εμφανίστηκαν στο "The Rite of Spring" (μπαλέτο των Kasatkina και Vasilev, 1965), "Carmen Suite" του Bizet - Shchedrin (Alberto Alonso, 1967), "Aseli" του Vlasov (O. M. Vinogradov, 1967), "Icare" του Slonimsky (V.V. Vasiliev, 1971), «Anna Karenina» του Shchedrin (M.M. Plisetskaya, N.I. Ryzhenko, V.V. Smirnov-Golovanov, 1972), «Love for Love» του Khrennikov (V. Boccadoro, 1976), του «Chippolino»), Khachaturyan (G. Mayorov, 1977), «These enchanting sounds...» σε μουσική των Corelli, Torelli, Rameau, Mozart (V.V. Vasiliev, 1978), «Hussar Ballad» του Khrennikov ( O. M. Vinogradov and D. A. Bryantsev), « Ο Γλάρος» του Shchedrin (M. M. Plisetskaya, 1980), «Macbeth» του Molchanov (V. V. Vasiliev, 1980) κ.λπ. Απέκτησε εξαιρετική σημασία στην ανάπτυξη του σοβιετικού μπαλέτου «Σπάρτακος» (Grigorovich, 1968; Βραβείο Λένιν 1). Ο Γκριγκόροβιτς ανέβασε μπαλέτα με θέματα της ρωσικής ιστορίας («Ιβάν ο τρομερός» σε μουσική του Προκόφιεφ, διασκευή Μ. Ι. Τσουλάκη, 1975) και νεωτερικότητας («Ανγκάρα» του Εσπάι, 1976), που συνέθεσε και γενίκευσε τις δημιουργικές αναζητήσεις προηγούμενων περιόδων. στην ανάπτυξη του σοβιετικού μπαλέτου. Οι παραστάσεις του Γκριγκόροβιτς χαρακτηρίζονται από ιδεολογικό και φιλοσοφικό βάθος, πλούτο χορογραφικών μορφών και λεξιλογίου, δραματική ακεραιότητα και ευρεία ανάπτυξη αποτελεσματικού συμφωνικού χορού. Υπό το φως των νέων δημιουργικών αρχών, ο Γκριγκόροβιτς ανέβασε επίσης παραγωγές της κλασικής κληρονομιάς: «Η Ωραία Κοιμωμένη» (1963 και 1973), «Ο Καρυοθραύστης» (1966), «Λίμνη των Κύκνων» (1969). Πέτυχαν μια βαθύτερη ανάγνωση των ιδεολογικών και εικονιστικών εννοιών της μουσικής του Τσαϊκόφσκι («Ο Καρυοθραύστης» ανέβηκε εντελώς εκ νέου, σε άλλες παραστάσεις διατηρήθηκε η κύρια χορογραφία των M. I. Petipa και L. I. Ivanov και αποφασίστηκε το καλλιτεχνικό σύνολο σύμφωνα με αυτό).

Στο σχεδιασμό συμμετείχαν οι παραστάσεις μπαλέτου του θεάτρου Μπολσόι από τους G. N. Rozhdestvensky, A. M. Zhiuraitis, A Ο σχεδιαστής όλων των παραστάσεων που ανέβασε ο Γκριγκόροβιτς είναι ο S. B. Virsaladze.

Ο θίασος μπαλέτου του Bolshoi Theatre περιόδευσε στη Σοβιετική Ένωση και στο εξωτερικό: στην Αυστραλία (1959, 1970, 1976), Αυστρία (1959. 1973), Αργεντινή (1978), Αίγυπτο (1958, 1961). Μεγάλη Βρετανία (1956, 1960, 1963, 1965, 1969, 1974), Βέλγιο (1958, 1977), Βουλγαρία (1964), Βραζιλία (1978), Ουγγαρία (1961, 1965, 1979), Ανατολική Γερμανία (1955, 1954), , 1958 ), Ελλάδα (1963, 1977, 1979), Δανία (1960), Ιταλία (1970, 1977), Καναδάς (1959, 1972, 1979), Κίνα (1959), Κούβα (1966), Λίβανος (1971), Μεξικό (1961, 1973, 1974, 1976), Μογγολία (1959), Πολωνία (1949, 1960, 1980), Ρουμανία (1964), Συρία (1971), ΗΠΑ (1959, 1962, 1963, 1968, 1967, 1969 1975, 1979), Τυνησία (1976), Τουρκία (1960), Φιλιππίνες (1976), Φινλανδία (1957, 1958), Γαλλία. (1954, 1958, 1971, 1972, 1973, 1977, 1979), Γερμανία (1964, 1973), Τσεχοσλοβακία (1959, 1975), Ελβετία (1964), Γιουγκοσλαβία (1965, 1999), Ιαπωνία (1965, 1971, 19) 1973, 1975, 1978, 1980).

Εγκυκλοπαίδεια «Μπαλέτο» εκδ. Yu.N.Grigorovich, 1981

Στις 29 Νοεμβρίου 2002, η Νέα Σκηνή του Θεάτρου Μπολσόι άνοιξε με την πρεμιέρα της όπερας του Rimsky-Korsakov "The Snow Maiden". Την 1η Ιουλίου 2005, η Κεντρική Σκηνή του Θεάτρου Μπολσόι έκλεισε για ανακατασκευή, η οποία διήρκεσε περισσότερα από έξι χρόνια. 28 Οκτωβρίου 2011 πραγματοποιήθηκε εγκαίνιαΗ ιστορική σκηνή του θεάτρου Μπολσόι.

Δημοσιεύσεις

Στα 82α γενέθλιά του, στις 25 Μαΐου, το Θέατρο Όπερας και Μπαλέτου Μπολσόι άνοιξε τις πόρτες του στους θεατές και τους άφησε να μπουν στα σπλάχνα του: στη σκηνή και ακόμη και κάτω από τη στέγη. Πάνω από δύο χιλιάδες άτομα που δήλωσαν συμμετοχή για εκδρομές είδαν τα Μπολσόι από μέσα και έμαθαν πώς προετοιμάζεται για παραστάσεις, πώς γίνονται οι πρόβες και πώς δημιουργείται το σκηνικό.

"Όταν κάνεις κάτι για πρώτη φορά, όλοι το θεωρούν περιπέτεια. Αυτό συνέβη με το Χριστουγεννιάτικο Φόρουμ της Όπερας, το Big Ball, τις βραδιές του θεάτρου Μπολσόι στο κάστρο Radziwill, ΔΙΕΘΝΗΣ ΔΙΑΓΩΝΙΣΜΟΣτραγουδιστές... Όλα γίνονται για πρώτη φορά και μετά όλα τα καλά γίνονται παράδοση», είπε ο γενικός διευθυντής του θεάτρου Μπολσόι την πανηγυρική ημέρα Βλαντιμίρ Γκριντιούσκοστο γραφείο του.

Τον χειμώνα, ανακοίνωσαν έναν εσωτερικό διαγωνισμό για προτάσεις για το πώς να γιορτάσουν τα γενέθλια του θεάτρου. Μεταξύ άλλων ιδεών, ο επικεφαλής μάρκετινγκ και διαφήμισης Τατιάνα Αλεξάντροβακαι Αναπληρωτής Γενικός Διευθυντής Σβετλάνα Καζιουλίναπροσφέρθηκε να το δείξει εκείνη την ημέρα εσωτερική ζωήΜεγάλο.

"Όταν ένας άνθρωπος έρχεται στο θέατρο, τα βλέπει όλα σε εορταστικό σχήμα. Αλλά δεν μπορούν όλοι να καταλάβουν τι σημαίνει να δημιουργείς μια παράσταση. Είναι σκληρή δουλειά», ο Βλαντιμίρ Γκριντιούσκο εξήγησε γιατί του άρεσε η ιδέα. Αυτή την ιδέα μετέφεραν στους επισκέπτες στις διακοπές 20 ξεναγοί, ειδικά εκπαιδευμένοι υπάλληλοι του θεάτρου.

Στη δεκαετία του '20, ένας θίασος όπερας και μπαλέτου, μια χορωδία και μια ορχήστρα λειτουργούσαν με βάση το BDT-1. Το 1924 δημιουργήθηκε μουσικό κολέγιο, ένα χρόνο αργότερα, εμφανίστηκαν τμήματα όπερας και μπαλέτου στη βάση της τεχνικής σχολής. Στη συνέχεια, το 1930, εμφανίστηκαν στούντιο όπερας και μπαλέτου και στις 25 Μαΐου 1933, πραγματοποιήθηκε η πρεμιέρα της όπερας «Carmen» του τότε Κρατικού Θεάτρου Όπερας και Μπαλέτου της BSSR στη σκηνή του σημερινού θεάτρου Kupala. Το κύριο κόμμαερμηνεύεται από τη Larisa Pompeevna Alexandrovskaya. Αξιοσημείωτο είναι ότι η όπερα ήταν στα Λευκορωσικά, η Κάρμεν ήταν η ηρωίδα του προλεταριάτου και οι λαθρέμποροι πολέμησαν την αδικία. Το 1935, η «Κάρμεν» ανέβηκε ξανά, επίσης στη λευκορωσική γλώσσα, αλλά χωρίς την προλεταριακή αίσθηση.

Το 1939 χτίστηκε το σημερινό κτίριο του θεάτρου Μπολσόι και η πρώτη όπερα ήταν ο Mikhas Padgorny. Μαζί με το «Flower of Happiness» και το μπαλέτο «Nightingale», προβλήθηκε στο δεκαήμερο της λευκορωσικής τέχνης στη Μόσχα το 1940. Παράλληλα, το θέατρο έλαβε τον τίτλο του Μπολσόι. Το 1964, το θέατρο έλαβε τον τίτλο του ακαδημαϊκού και το 1996 - εθνικό.

Στις 14 Ιουνίου, τα Μπολσόι θα φιλοξενήσουν την όγδοη παραγωγή της Κάρμεν στην ιστορία του θεάτρου. Η διοίκηση του θεάτρου αποκάλυψε το μυστικό και είπε ότι οι καλλιτέχνες μάθαιναν φλαμένκο και Σεβιγιάνα.

Στριφογυρίζοντας στους διαδρόμους του θεάτρου, βρισκόμαστε σε μια σκηνή εμβαδού 600 τετραγωνικά μέτραόχι παρασκήνια (το πίσω μέρος της σκηνής, ένα αποθεματικό δωμάτιο για διακοσμήσεις που δημιουργούν την ψευδαίσθηση του βάθους· μαζί του η περιοχή της σκηνής είναι 800 τετραγωνικά μέτρα. – TUT.BY) .

Όταν δεν υπάρχει παράσταση, η σκηνή κλείνει με κουρτίνα φωτιάς. Ο μηχανικός Anatoly σήκωσε ειδικά την αυλαία για λίγο στην ανοιχτή μέρα και το αμφιθέατρο εμφανίστηκε - με την πρώτη ματιά τόσο μικρό από τη σκηνή.

Στην ίδια τη σκηνή υπάρχουν επτά τρίποδα με προβολείς και τέσσερις ακόμη πλαϊνοί πύργοι για φωτισμό. Κάθε προβολέας περιστρέφεται σε οποιοδήποτε επίπεδο ανεξάρτητα από το άλλο. Αυτό σας επιτρέπει να δημιουργήσετε τον απαραίτητο φωτισμό για την απόδοση. Όλοι οι μηχανικοί σταδίου ελέγχονται χρησιμοποιώντας ηλεκτρονικό τηλεχειριστήριο και οθόνη αφής. Υπάρχουν 21 πλατφόρμες κάτω από τη σκηνή, οι οποίες μπορούν να ανυψωθούν ξεχωριστά και να αλλάξουν την κλίση. Η ίδια η σκηνή, σύμφωνα με τους κανόνες, έχει κλίση 4 μοιρών.

Ο πολυέλαιος στο αμφιθέατρο, με διάμετρο 4 μέτρα και βάρος 1200 κιλά, αποτελείται από 30 χιλιάδες μενταγιόν, 500 λαμπτήρες συνδεδεμένους χρησιμοποιώντας σύρματα 1 χλμ. Μετά το κλείσιμο της σεζόν, ο πολυέλαιος κατεβαίνει και μπορείτε να δείτε ότι είναι διπλάσιο από το ύψος ενός ανθρώπου.

Με υψωμένη κουρτίνα φωτιάς

Σκηνή χωρίς κουρτίνα φωτιάς. Μετά την ανακατασκευή του θεάτρου, που έγινε από το 2006 έως το 2009, οι δομές ασφαλίστηκαν. Υπάρχει χρονοδιάγραμμα για τακτική επιθεώρηση των χώρων, όταν μετρώνται οι παραμικρές αλλαγές.

Υπάρχει μια μικρή αίθουσα με στηρίγματα κοντά στη σκηνή, έτσι ώστε κύπελλα, σπαθιά, σπαθιά, μάσκες και μπουκάλια να είναι στη διάθεσή σας για τις γιορτές της σκηνής.

Την ανοιχτή μέρα, το θέατρο ετοιμαζόταν για το βραδινό μπαλέτο «Η Ωραία Κοιμωμένη». Στη σκηνή σηκώθηκε από το πάτωμα χρηματοκιβώτιο, στο οποίο φυλάσσονται απαλά διακοσμητικά. Κάθε ένα από τα τέσσερα επίπεδα περιέχει τρία σετ διακοσμήσεων. Όλα φέρουν ετικέτα, ώστε οι εργαζόμενοι να γνωρίζουν σε ποια δοκό να δέσουν την κουρτίνα.

Το πάνω μέρος της σκηνής του θεάτρου είναι η σχάρα. Βρίσκονται ψηλά πάνω από τη σκηνή και καλύπτονται με μπάρες για να χαμηλώνουν το τοπίο. Ειλικρινά, ακόμη και σε ένα επίπεδο δάπεδο αισθάνεστε άβολα και τα πόδια σας υποχωρούν όταν κοιτάτε κάτω από τις ρωγμές. Οι ράβδοι σχάρας περιέχουν κινητήρες ικανούς να ανυψώσουν έως και 1 κιλό διακοσμητικών.

Μπάρες σχάρας. Το πιο μυστικιστικό δωμάτιο κάτω από τη στέγη των Μπολσόι.

Περισσότερα από 40 χιλιάδες κοστούμια για παραστάσεις αποθηκεύονται κάτω από τη στέγη. Στριφογυρίζοντας στους διαδρόμους με την ενδυματολόγο Νατάλια Χαραμπρόβα,μιλάμε για τους λαβύρινθους του θεάτρου.

Σύμφωνα με αυτήν, τον πρώτο χρόνο εργασίας χάνονται και οι ίδιοι οι εργαζόμενοι. Αλλά ο τζίρος στο θέατρο είναι χαμηλός, οι άνθρωποι εργάζονται για δεκαετίες, επομένως πλοηγούνται σχεδόν διαισθητικά, συμπεριλαμβανομένης της αίθουσας με κοστούμια.

Η ίδια η Ναταλία θυμάται ήδη από καρδιάς πού φυλάσσεται κάθε κοστούμι. Είναι δύσκολο για έναν άπειρο να το πιστέψει αυτό, γιατί χωρίς προετοιμασία σε μια τέτοια μάζα κοστουμιών, ακόμη και με τις υπογραφές κάθε σειράς, θα ήταν δύσκολο να βρεις κάτι. Πήγαμε στη μεγαλύτερη αποθήκη, και υπάρχουν άλλα 11 από αυτά στο θέατρο, αλλά μικρότερα σε μέγεθος.

Μια παράσταση μπορεί να περιλαμβάνει 250-300 κοστούμια, και για τον ενδυματολόγο αυτή είναι μια κουραστική μέρα: όλα τα κοστούμια μεταφέρονται με το χέρι ή με καροτσάκια. " Ο ενδυματολόγος πρέπει να έχει καλή μνήμηγια να θυμάστε ποια κάλτσα ή μαντήλι είναι ποια», λέει η Natalya Kharabrova.

Περιοδικά, ο σταθμός υγιεινής έρχεται στις αποθήκες και τις περιποιείται για την πρόληψη σκόρων και σκόνης. Μετά την παράσταση, μερικά κοστούμια πλένονται, άλλα στεγνό καθάρισμα, μερικά πλένονται στο χέρι σε ειδικό πλυντήριο. Σύμφωνα με την ενδυματολόγο, όλα τα ρούχα της παράστασης είναι μοναδικά, «είναι αδύνατο να τα επαναλάβεις», αυτός είναι ο λόγος που το θέατρο δεν τα νοικιάζει – είναι σαν έργο τέχνης. Και μερικά κοστούμια έχουν διατηρηθεί για δεκαετίες, όπως τα δερμάτινα για το μπαλέτο "Spartacus" - βρίσκονται στα Μπολσόι από τη δεκαετία του '80.

Ωστόσο, το θέατρο δεν θα σταματήσει να ανοίγει τις πόρτες του. Το αγόρι γενεθλίων ετοιμάζει ήδη πιστοποιητικά για παραστάσεις για την επόμενη σεζόν. Σύμφωνα με τον σκηνοθέτη, όταν δίνονται ως δώρο εισιτήρια θεάτρου, ο άνθρωπος δεν έχει πάντα τη δυνατότητα να πάει σε μια συγκεκριμένη παράσταση μια συγκεκριμένη ώρα. Το πιστοποιητικό θα σας επιτρέψει να αγοράσετε οποιοδήποτε εισιτήριο για οποιαδήποτε στιγμή για το καθορισμένο ποσό.

Σημαντική συμβολή στην ερμηνεία του Σαίξπηρ στη σοβιετική σκηνή ήταν το έργο «Δωδέκατη νύχτα» στο 2ο Θέατρο Τέχνης της Μόσχας, το οποίο έκανε πρεμιέρα στις 26 Δεκεμβρίου 1933.
Την παράσταση ανέβασαν οι S. V. Giatsintova και V. V. Gotovtsev. Καλλιτέχνης - V. A. Favorsky, συνθέτης - N. Rakhmanov. Ο A. M. Azarin έπαιξε το ρόλο του Malvolio, ο V. V. Gotovtsev έπαιξε τον ρόλο του Sir Toby.
«Ήταν μια ζωντανή και ζωντανή παράσταση. Ακόμη πιο ζουμερό και πιο χοντρό από ό,τι στην παράσταση του Πρώτου στούντιο το 1917, το θέμα του «πλήρως» Σαίξπηρ μεταφέρθηκε από τον S. V. Giatsintov στον ρόλο της Μαρίας - «σαρκική γήινη Μαρία», όπως την αποκάλεσε ένας από τους κριτικούς. - και ο V. V. Gotovtsev, ο οποίος δημιούργησε μια πραγματικά φαλσταφική εικόνα στον ρόλο του εύθυμου, αδιάφορου και βίαιου Sir Toby Belch. Η Μ. Α. Ντουράσοβα, που έπαιζε τους ρόλους της Βιόλα και του Σεμπάστιαν, είχε πολλή γνήσια ποίηση. Η παράσταση ήταν εμποτισμένη με μια παθιασμένη αγάπη για τη ζωή και αχαλίνωτη διασκέδαση, τόσο χαρακτηριστική για εκείνες τις ηλιόλουστες κωμωδίες που δημιούργησε ο Σαίξπηρ στην πρώτη του περίοδο. δημιουργική διαδρομή. Και όμως αυτή η παράσταση έπασχε από σοβαρά ελαττώματα. Όπως και στην παραγωγή του 1917, όλες οι συζητήσεις για τον «πουριτανισμό» του Μαλβόλιο αφαιρέθηκαν από το κείμενο, για παράδειγμα. Αντί για μια καρικατούρα ενός πουριτανού ή, γενικότερα, ενός «σεβάσμου» ναρκισσιστή Άγγλου κυρίου, εμφανίστηκε στη σκηνή ένα σκιάχτρο με χείλη μαϊμού και μια διαπεραστική φωνή φαλτσέτο, γεμάτο, όπως είπε ένας κριτικός, με «την αλαζονεία του ανόητος." Αν και ο A. M. Azarin έπαιξε το ρόλο του Malvolio με τον δικό του ολοκληρωμένο τρόπο, η πρωτόγονη μάσκα που δημιούργησε είχε μικρή σχέση με την εικόνα του Shakespeare. Ας σημειώσουμε επίσης ότι το Δεύτερο Θέατρο Τέχνης της Μόσχας αντιμετώπισε το κείμενο του Σαίξπηρ πολύ ασυνήθιστα. Ζ.Λ., ο οποίος μελέτησε ειδικά το θέμα αυτό. Ο Τρόιτσκι καταλήγει στο συμπέρασμα ότι αντί να αποκρυπτογραφηθεί το κείμενο, απλώς κόπηκαν σκοτεινά σημεία και ότι «γενικά, το κείμενο ήταν μια χαλαρή και ετερόκλητη σύνθεση που είχε λίγα κοινά με το πρωτότυπο του Σαίξπηρ» ().
Τα λυρικά τραγούδια πήραν από το Fest και δόθηκαν στη Viola-Sebastian. Το θέατρο, προφανώς, δεν υποψιάστηκε καν ότι ο Φήστος είναι μια περίπλοκη και σημαντική εικόνα, παρόμοια με τον Touchstone, «πυροβολώντας βέλη εξυπνάδας από το εξώφυλλό του», καθώς και τον «γλυκό» και ταυτόχρονα «πικρό» γελωτοποιό του King. Ο Ληρ. Στην παράσταση του Δεύτερου Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας, το Fest ήταν απλώς ένα είδος απρόσωπου χαρούμενου συντρόφου, αν και αυτός ο ρόλος έπαιξε ένας τέτοιος δάσκαλος όπως ο S. V. Obraztsov. (M.M Morozov. Επιλεγμένα άρθρα και μεταφράσεις «Ο Σαίξπηρ στη Σοβιετική Σκηνή», Μ., GIHL, 1954)

Από τα απομνημονεύματα της Όλγας Αρόσεβα
Παραδόξως, ο Βλαντιμίρ Βασίλιεβιτς (Γκοτόβτσεφ) θυμόταν την παράσταση του Δεύτερου Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας μέχρι την παραμικρή λεπτομέρεια. Διατήρησε την υπέροχη mise-en-scène με μια κούπα μπύρας, όταν η Μαρία, μια ζεστή καλοκαιρινή μέρα, χαμήλωσε το πρόσωπό της στην κούπα, ήπιε τη μπύρα με ευχαρίστηση και γέλασε δυνατά με τον γυάλινο απόηχο της. γέλασε χαρούμενα, επειδή ήταν νέα, υγιής, γεμάτη δύναμη και επειδή οι φίλοι της ήταν κοντά - χαρούμενοι φίλοι και άτακτοι άνθρωποι, και ο γέρος σερ Τόμπι, ερωτευμένος, έχασε εντελώς το κεφάλι του από πάνω της, και επίσης επειδή η καλοκαιρινή μέρα του νότου άνθιζε και λάμπει ολόγυρα μαγική γηΕλυρία.

Το Θέατρο Μπολσόι της Ρωσίας είναι ένα κρατικό ακαδημαϊκό θέατρο (SABT), ένα από τα παλαιότερα θέατρα της χώρας (Μόσχα). Ακαδημαϊκός από το 1919. Η ιστορία του θεάτρου Μπολσόι χρονολογείται από το 1776, όταν ο πρίγκιπας P. V. Urusov έλαβε το κυβερνητικό προνόμιο «να είναι ο οικοδεσπότης όλων των θεατρικών παραστάσεων στη Μόσχα» με την υποχρέωση να χτίσει ένα πέτρινο θέατρο «ώστε να μπορεί να χρησιμεύσει ως διακόσμηση για την πόλη, και επιπλέον, ένα σπίτι για δημόσιες μεταμφιέσεις, κωμωδίες και κωμικές όπερες». Την ίδια χρονιά, ο Urusov κάλεσε τον M. Medox, με καταγωγή από την Αγγλία, να συμμετάσχει στα έξοδα. Οι παραστάσεις πραγματοποιήθηκαν στην Όπερα της Znamenka, η οποία ήταν στην κατοχή του κόμη R. I. Vorontsov (το καλοκαίρι - στο "voxal" στην κατοχή του κόμη A. S. Stroganov "κοντά στο μοναστήρι Andronikov"). Παραστάσεις όπερας, μπαλέτου και δραματικές παρουσιάστηκαν από ηθοποιούς και μουσικούς από τον θεατρικό θίασο του Πανεπιστημίου της Μόσχας, τους δουλοπαροικιακούς θιάσους των N. S. Titov και P. V. Urusov.

Μετά την πυρκαγιά της Όπερας το 1780, την ίδια χρονιά, στην οδό Petrovka ανεγέρθηκε την ίδια χρονιά ένα κτίριο θεάτρου στο στυλ του κλασικισμού της Αικατερίνης - το θέατρο Petrovsky (αρχιτέκτονας H. Rosberg, βλ. Theatre Medoxa). Από το 1789 υπάγεται στη δικαιοδοσία του Συμβουλίου των Κηδεμόνων. Το 1805, το θέατρο Petrovsky κάηκε. Το 1806, ο θίασος περιήλθε στη δικαιοδοσία της Διεύθυνσης των Αυτοκρατορικών Θεάτρων της Μόσχας και συνέχισε να παίζει σε διαφορετικούς χώρους. Το 1816, εγκρίθηκε ένα έργο για την ανοικοδόμηση της πλατείας Teatralnaya από τον αρχιτέκτονα O. I. Bove. το 1821, ο αυτοκράτορας Αλέξανδρος Α' ενέκρινε το σχέδιο ενός νέου κτηρίου θεάτρου από τον αρχιτέκτονα A. A. Mikhailov. Το λεγόμενο Θέατρο Μπολσόι Πετρόφσκι σε στυλ Αυτοκρατορίας χτίστηκε από τον Μποβέ σύμφωνα με αυτό το έργο (με ορισμένες τροποποιήσεις και χρησιμοποιώντας τα θεμέλια του Θεάτρου Petrovsky). άνοιξε το 1825. Στον ορθογώνιο όγκο του κτιρίου ήταν εγγεγραμμένο ένα πέταλο, ο χώρος της σκηνής ήταν ίσος σε εμβαδόν με την αίθουσα και είχε μεγάλους διαδρόμους. Κύρια πρόσοψητονιζόταν από μια μνημειακή ιωνική στοά 8 κιόνων με τριγωνικό αέτωμα, στην κορυφή της οποίας υπήρχε μια γλυπτική ομάδα από αλάβαστρο «Apollo’s Quadriga» (τοποθετημένη με φόντο μια ημικυκλική κόγχη). Το κτίριο έγινε ο κύριος συνθετικός κυρίαρχος του συνόλου της Πλατείας Θεάτρου.

Μετά την πυρκαγιά του 1853, το Θέατρο Μπολσόι αποκαταστάθηκε σύμφωνα με το σχέδιο του αρχιτέκτονα Α. Κ. Κάβου (με την αντικατάσταση της γλυπτικής ομάδας με ένα έργο σε μπρούτζο από τον Π. Κ. Κλοντ ολοκληρώθηκε το 1856). Η ανακατασκευή άλλαξε σημαντικά την εμφάνισή της, αλλά διατήρησε τη διάταξη. Η αρχιτεκτονική του θεάτρου Μπολσόι απέκτησε χαρακτηριστικά εκλεκτικισμού. Το θέατρο παρέμεινε σε αυτή τη μορφή μέχρι το 2005, με εξαίρεση τις μικρές εσωτερικές και εξωτερικές ανακατασκευές (το αμφιθέατρο χωράει πάνω από 2000 άτομα). Το 1924-59 λειτούργησε το Παράρτημα Θεάτρου Μπολσόι (στις εγκαταστάσεις πρώην Όπερα S.I. Zimina στο Bolshaya Dmitrovka). Το 1920, μια αίθουσα συναυλιών, η λεγόμενη Αίθουσα Μπετόβεν, άνοιξε στο πρώην αυτοκρατορικό φουαγιέ. Κατά τη διάρκεια του Μεγάλου Πατριωτικού Πολέμου, μέρος του προσωπικού του θεάτρου Μπολσόι εκκενώθηκε στο Kuibyshev (1941-42), ορισμένοι έδωσαν παραστάσεις στις εγκαταστάσεις του υποκαταστήματος. Το 1961-89, μερικές παραστάσεις του θεάτρου Μπολσόι πραγματοποιήθηκαν στη σκηνή του Παλατιού των Συνεδρίων του Κρεμλίνου. Κατά τη διάρκεια της ανακατασκευής (από το 2005) του κτηρίου του κεντρικού θεάτρου, οι παραστάσεις ανεβαίνουν στη Νέα Σκηνή σε ένα ειδικά κατασκευασμένο κτίριο (σχεδιασμένο από τον αρχιτέκτονα A.V. Maslov, σε λειτουργία από το 2002). Το Θέατρο Μπολσόι περιλαμβάνεται στον Κρατικό Κώδικα Ιδιαίτερα Πολύτιμων Αντικειμένων πολιτιστικής κληρονομιάςλαών της Ρωσικής Ομοσπονδίας.

N. N. Afanasyeva, A. A. Aronova.

Σημαντικό ρόλο στην ιστορία του θεάτρου Μπολσόι έπαιξαν οι δραστηριότητες των σκηνοθετών των αυτοκρατορικών θεάτρων - I. A. Vsevolozhsky (1881-99), Prince S. M. Volkonsky (1899-1901), V. A. Telyakovsky (1901-1917). Το 1882, πραγματοποιήθηκε αναδιοργάνωση των αυτοκρατορικών θεάτρων, οι θέσεις του αρχιμαέστρου (kapellmeister· έγινε I.K. Altani, 1882-1906), του αρχισκηνοθέτη (A.I. Bartsal, 1882-1903) και του αρχιρχιδάρχη χορωδίας (Avranek-1906, U. I.199). ). Ο σχεδιασμός των παραστάσεων έγινε πιο περίπλοκος και σταδιακά ξεπέρασε την απλή σκηνική διακόσμηση. Ο K. F. Waltz (1861-1910) έγινε διάσημος ως αρχιμηχανολόγος και διακοσμητής. Στη συνέχεια, οι κύριοι μαέστροι του θεάτρου Μπολσόι: V. I. Suk (1906-33), A. F. Arende (αρχι μαέστρος του μπαλέτου, 1900-24), S. A. Samosud (1936-43), A. M. Pazovsky (1943-48), N. S. Golova. (1948-53), A. Sh Melik-Pashaev (1953-63), E. F. Svetlanov (1963-65), G. N. Rozhdestvensky (1965-1970), Yu -95). Βασικοί σκηνοθέτες: V. A. Lossky (1920-28), N. V. Smolich (1930-1936), B. A. Mordvinov (1936-40), L. V. Baratov (1944-49) , I. M. Tumanov (1964-70), B. A. Pok (1964-70), B. A. 1956-63, 1970-82). Βασικοί χορογράφοι: A. N. Bogdanov (1883-89), A. A. Gorsky (1902-24), L. M. Lavrovsky (1944-56, 1959-64), Yu. Κύριοι χοράρχες: V. P. Stepanov (1926-1936), M. A. Cooper (1936-44), M. G. Shorin (1944-58), A. V. Rybnov (1958-88), S. M. Lykov (1988-95, καλλιτεχνικός διευθυντήςχορωδία το 1995-2003). Κύριοι καλλιτέχνες: M. I. Kurilko (1925-27), F. F. Fedorovsky (1927-29, 1947-53), V. V. Dmitriev (1930-41), P. V. Williams (1941 -47 χρόνια), V. F. Ryndin (1953-70), N. Zolo (1971-88), V. Ya. Τη δεκαετία 1995-2000, καλλιτεχνικός διευθυντής του θεάτρου ήταν ο V. V. Vasiliev, καλλιτεχνικός διευθυντής, σκηνογράφος και επικεφαλής καλλιτέχνης ήταν ο S. M. Barkhin, μουσικός διευθυντής- P. Feranets, από το 1998 - M. F. Ermler; καλλιτεχνικός διευθυντής της όπερας B. A. Rudenko. Διευθυντής του θιάσου μπαλέτου - A. Yu. καλλιτεχνικοί διευθυντές του θιάσου μπαλέτου - V. M. Gordeev (1995-97), A. N. Fadeechev (1998-2000), B. B. Akimov (2000-04), από το 2004 - A. O. Ratmansky . Το 2000-01, καλλιτεχνικός διευθυντής ήταν ο G. N. Rozhdestvensky. Από το 2001, ο μουσικός διευθυντής και επικεφαλής μαέστρος είναι ο A. A. Vedernikov.

Όπερα στο θέατρο Μπολσόι. Το 1779, μια από τις πρώτες ρωσικές όπερες ανέβηκε στην Όπερα της Ζναμένκα - "Ο Μύλος - ο Μάγος, ο Απατεώνας και ο Προμηθευτής" (κείμενο του A. O. Ablesimov, μουσική του M. M. Sokolovsky). Το θέατρο Petrovsky ανέβασε τον αλληγορικό πρόλογο «The Wanderers» (κείμενο του Ablesimov, μουσική του E. I. Fomin), που παρουσιάστηκε την ημέρα έναρξης της 30ης Δεκεμβρίου 1780 (10.1.1781), παραστάσεις όπερας «Ατυχία από τον προπονητή» (1780), «The Miser» (1782), «St Petersburg Gostiny Dvor» (1783) του V. A. Pashkevich. Η ανάπτυξη της όπερας επηρεάστηκε από τις περιοδείες των ιταλικών (1780-82) και γαλλικών (1784-1785) θιάσων. Ο θίασος του Θεάτρου Petrovsky αποτελούνταν από ηθοποιούς και τραγουδιστές E. S. Sandunova, M. S. Sinyavskaya, A. G. Ozhogin, P. A. Plavilshchikov, Ya E. Shusherin και άλλους. Muses» των A. A. Alyabyev και A. N. Verstovsky. Από τότε, το ρεπερτόριο της όπερας περιλαμβάνει όλο και περισσότερα έργα εγχώριους συγγραφείς, κυρίως όπερες βοντβίλ. Για περισσότερα από 30 χρόνια, το έργο του θιάσου όπερας συνδέθηκε με τις δραστηριότητες του Verstovsky - επιθεωρητής της Διεύθυνσης Αυτοκρατορικών Θεάτρων και συνθέτης, συγγραφέας των όπερων "Pan Tvardovsky" (1828), "Vadim" (1832), "Askold's Τάφος» (1835), «Λόγος για την πατρίδα» (1839). Στη δεκαετία του 1840 ανέβηκαν οι ρωσικές κλασικές όπερες «Μια ζωή για τον Τσάρο» (1842) και «Ρουσλάν και Λιουντμίλα» (1846) του Μ. Ι. Γκλίνκα. Το 1856, το πρόσφατα ανακαινισμένο Θέατρο Μπολσόι άνοιξε με την όπερα του Β. Μπελίνι «Οι Πουριτανοί» που ερμήνευσε ένας ιταλικός θίασος. Η δεκαετία του 1860 χαρακτηρίστηκε από αύξηση Δυτικοευρωπαϊκή επιρροή(η νέα Διεύθυνση Αυτοκρατορικών Θεάτρων ευνόησε την ιταλική όπερα και τους ξένους μουσικούς). Από τις εγχώριες όπερες, από το 1869 ανέβηκαν οι «Judith» (1865) και «Rogneda» (1868) του A. N. Serov, «Rusalka» του A. S. Dargomyzhsky (1859, 1865), όπερες του P. I. Tchaikovsky. Η άνοδος της ρωσικής μουσικής κουλτούρας στο Θέατρο Μπολσόι συνδέεται με την πρώτη παραγωγή στη μεγάλη σκηνή όπερας του «Ευγένιου Ονέγκιν» (1881), καθώς και με άλλα έργα του Τσαϊκόφσκι, όπερες συνθετών της Αγίας Πετρούπολης - N. A. Rimsky-Korsakov, M. P. Mussorgsky, με τις δραστηριότητες μαέστρου του Tchaikovsky. Ταυτόχρονα, ανέβηκαν τα καλύτερα έργα ξένων συνθετών - W. A. ​​Mozart, G. Verdi, C. Gounod, J. Bizet, R. Wagner. Μεταξύ των τραγουδιστών του τέλους του 19ου και των αρχών του 20ου αιώνα: M. G. Gukova, E. P. Kadmina, N. V. Salina, A. I. Bartsal, I. V. Gryzunov, V. R. Petrov, P. A. Khokhlov . Η διεύθυνση διεύθυνσης του S. V. Rachmaninov (1904-1906) έγινε ορόσημο για το Θέατρο Μπολσόι. Η ακμή του θεάτρου Μπολσόι το 1901-17 συνδέεται σε μεγάλο βαθμό με τα ονόματα των F. I. Chaliapin, L. V. Sobinov και A. V. Nezhdanova, K. S. Stanislavsky και Vl. I. Nemirovich-Danchenko, K. A. Korovin and A. Ya.

Το 1906-33, ο de facto επικεφαλής του θεάτρου Μπολσόι ήταν ο V.I. Suk, ο οποίος συνέχισε να εργάζεται πάνω σε ρωσικά και ξένα κλασικά έργα όπερας μαζί με τους σκηνοθέτες V. A. Lossky («Aida» του G. Verdi, 1922· «Lohengrin» του R. Wagner, 1923· «Boris Godunov» του M. P. Mussorgsky, έτος 1927) και L.V Baratov, καλλιτέχνης F.F. Στη δεκαετία του 1920-1930, οι παραστάσεις διηύθυναν οι N. S. Golovanov, A. Sh Melik-Pashaev, A. M. Pazovsky, S. A. Samosud, B. E. Khaikin, V. V. Barsova, τραγούδησαν στη σκηνή οι K. G. Derzhinskaya, E. D. Kruglikova, E.D.Kruglikova, M. , A. I. Baturin, I. S. Kozlovsky, S. Ya Lemeshev, M. D. Mikhailov, P. M. Nortsov, A. S. Pirogov. Πραγματοποιήθηκαν πρεμιέρες σοβιετικών όπερων: «The Decembrists» του V. A. Zolotarev (1925), «Son of the Sun» του S. N. Vasilenko και «The Stupid Artist» του I. P. Shishov (και τα δύο 1929), «Almast» της A. A. Spendiarova (1930) ; το 1935 ανέβηκε η όπερα «Lady Macbeth of Mtsensk» ​​του D. D. Shostakovich. Στα τέλη του 1940 ανέβηκε το Walküre του Wagner (σκηνοθεσία S. M. Eisenstein). Η τελευταία προπολεμική παραγωγή ήταν η Khovanshchina του Mussorgsky (13 Φεβρουαρίου 1941). Το 1918-22 λειτούργησε στο Θέατρο Μπολσόι το Opera Studio υπό τη διεύθυνση του Κ. Σ. Στανισλάφσκι.

Τον Σεπτέμβριο του 1943, το Θέατρο Μπολσόι άνοιξε τη σεζόν του στη Μόσχα με την όπερα «Ivan Susanin» του M. I. Glinka. Στη δεκαετία του 1940-50 ανέβηκε ρωσικό και ευρωπαϊκό κλασικό ρεπερτόριο, καθώς και όπερες συνθετών από την Ανατολική Ευρώπη - B. Smetana, S. Moniuszko, L. Janacek, F. Erkel. Από το 1943, το όνομα του σκηνοθέτη B. A. Pokrovsky συνδέεται με το Θέατρο Μπολσόι, το οποίο για πάνω από 50 χρόνια καθόριζε το καλλιτεχνικό επίπεδο των παραστάσεων της όπερας. Οι παραγωγές του στις όπερες «War and Peace» (1959), «Semyon Kotko» (1970) και «The Gambler» (1974) του S. S. Prokofiev, «Ruslan and Lyudmila» του Glinka (1972), «Othello» θεωρούνται τυπικές. . » G. Verdi (1978). Γενικά, το ρεπερτόριο της όπερας της δεκαετίας του 1970 - αρχές της δεκαετίας του 1980 χαρακτηρίζεται από στιλιστική ποικιλομορφία: από όπερες του 18ου αιώνα («Julius Caesar» του G. F. Handel, 1979· «Iphigenia in Aulis» του K. V. Gluck, 1983), κλασικές όπερες του 19ου αιώνα («Das Rheingold» του R. Wagner, 1979) έως το Σοβιέτ) όπερα («Dead Souls» του R.K. Shchedrin, 1977· «Betrothal in a Monastery» του Prokofiev, 1982). Στις καλύτερες παραστάσεις της δεκαετίας του 1950-70 τραγούδησαν οι I. K. Arkhipova, G. P. Vishnevskaya, M. F. Kasrashvili, T. A. Milashkina, E. V. Obraztsova, B. A. Rudenko, T. I. Sinyavskaya, V.A.,Atlantov Γ. Λισιτσιάν , Yu. A. Mazurok, E. E. Nesterenko, A. P. Ognivtsev, I. I. Petrov, M. O. Reizen, Z. L. Sotkilava, A. A. Eisen, υπό τη διεύθυνση των E. F. Svetlanov, G. N. Rozhdestvensky, K. A. Simeonov και άλλων 9. και η αποχώρηση του Yu I. Simonov από το θέατρο ξεκίνησε μια περίοδο αστάθειας. Μέχρι το 1988, πραγματοποιήθηκαν μόνο μερικές παραγωγές όπερας: «The Tale of the Invisible City of Kitezh» (σκηνοθεσία R. I. Tikhomirov) και «The Tale of Tsar Saltan» (σκηνοθεσία G. P. Ansimov) του N. A. Rimsky-Korsakov, «Werther» J. Massenet (σκηνοθέτης E. V. Obraztsova), «Mazeppa» του P. I. Tchaikovsky (σκηνοθέτης S. F. Bondarchuk). Από τα τέλη της δεκαετίας του 1980, η πολιτική του ρεπερτορίου της όπερας καθορίζεται από την εστίαση σε έργα που παίζονται σπάνια: «Η υπηρέτρια της Ορλεάνης» του Τσαϊκόφσκι (1990, για πρώτη φορά στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι), «Μλάντα», «Η νύχτα πριν από τα Χριστούγεννα » και «The Golden Cockerel» των Rimsky-Korsakov, «Aleko» και « Τσιγκούνης Ιππότης» S. V. Rachmaninov. Μεταξύ των παραγωγών είναι το κοινό ρωσο-ιταλικό έργο «Prince Igor» του A. P. Borodin (1993). Αυτά τα χρόνια ξεκίνησε μια μαζική έξοδος τραγουδιστών στο εξωτερικό, που (ελλείψει της θέσης του αρχισκηνοθέτη) οδήγησε σε μείωση της ποιότητας των παραστάσεων.

Στη δεκαετία 1995-2000, η ​​βάση του ρεπερτορίου ήταν οι ρωσικές όπερες του 19ου αιώνα, μεταξύ των παραγωγών: «Ivan Susanin» του M. I. Glinka (επαναφορά της παραγωγής του 1945 από τον L. V. Baratov, σκηνοθέτης V. G. Milkov), «Iolanta» του P. . I. Tchaikovsky (σκηνοθέτης G. P. Ansimov, και οι δύο 1997), «Francesca da Rimini» του S. V. Rachmaninov (1998, σκηνοθέτης B. A. Pokrovsky). Με πρωτοβουλία του B. A. Rudenko εκτελέστηκαν ιταλικές όπερες(«Norma» του V. Bellini· «Lucia di Lammermoor» του G. Donizetti). Άλλες παραγωγές: «The Beautiful Miller's Maid» του G. Paisiello; «Nabucco» του G. Verdi (σκηνοθέτης M. S. Kislyarov), «The Marriage of Figaro» του W. A. ​​Mozart (Γερμανός σκηνοθέτης I. Hertz), «La Bohème» του G. Puccini (Αυστριακός σκηνοθέτης F. Mirdita), τα περισσότερα επιτυχημένος από αυτούς - "The Love for Three Orange" του S. S. Prokofiev (Άγγλος σκηνοθέτης P. Ustinov). Το 2001, υπό τη διεύθυνση του G. N. Rozhdestvensky, πραγματοποιήθηκε η πρεμιέρα της 1ης έκδοσης της όπερας του Prokofiev "The Gambler" (σκηνοθεσία A. B. Titel).

Βασικές αρχές του ρεπερτορίου και της πολιτικής προσωπικού (από το 2001): επιχειρηματική αρχή της εργασίας σε μια παράσταση, πρόσκληση ερμηνευτών με σύμβαση (με σταδιακή μείωση του βασικού θιάσου), ενοικίαση ξένων παραστάσεων (“Force of Destiny” και “Falstaff” από τον G. Verdi· «Adrienne Lecouvreur» F. Cilea). Ο αριθμός των νέων παραγωγών όπερας έχει αυξηθεί, μεταξύ των οποίων: «Khovanshchina» του M. P. Mussorgsky, «The Snow Maiden» του N. A. Rimsky-Korsakov, «Turandot» του G. Puccini (όλα το 2002), «Ruslan and Lyudmila» του M. I. Glinka (2003· αυθεντική παράσταση), «The Rake's Progress» του I. F. Stravinsky (2003· για πρώτη φορά στο Θέατρο Μπολσόι), «Fiery Angel» του S. S. Prokofiev (για πρώτη φορά στο θέατρο Μπολσόι) και «The Flying Dutchman ” του R. Wagner (και τα δύο 2004), “Children of Rosenthal” του L. A. Desyatnikov (2005).

N. N. Afanasyeva.

Μπαλέτο Θεάτρου Μπολσόι. Το 1784, ο θίασος του Θεάτρου Petrovsky περιλάμβανε μαθητές της τάξης μπαλέτου που άνοιξε το 1773 στο Ορφανοτροφείο. Οι πρώτοι χορογράφοι ήταν Ιταλοί και Γάλλοι (L. Paradise, F. and C. Morelli, P. Pinucci, G. Solomoni). Το ρεπερτόριο περιελάμβανε δικές τους παραγωγές και μεταφορές παραστάσεων από τον J. J. Noverre. Στην ανάπτυξη της τέχνης του μπαλέτου του θεάτρου Μπολσόι στο 1ο τρίτο του 19ου αιώνα, η δραστηριότητα του A.P. Glushkovsky, ο οποίος ηγήθηκε του θιάσου μπαλέτου το 1812-39, ήταν μεγαλύτερης σημασίας. Ανέβασε παραστάσεις διαφόρων ειδών, συμπεριλαμβανομένων ιστοριών βασισμένες στον A. S. Pushkin ("Ruslan and Lyudmila, or the Rothrow of Chernomor, κακός μάγος"F.E. Scholz, 1821). Ο ρομαντισμός καθιερώθηκε στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι χάρη στον χορογράφο F. Gyullen-Sor, ο οποίος εργάστηκε στο Θέατρο Μπολσόι το 1823-39 και μετέφερε μια σειρά από μπαλέτα από το Παρίσι («La Sylphide» του F. Taglioni, μουσική του J. Schneizhoffer, 1837, κ.λπ.). Μεταξύ των μαθητών της και των πιο διάσημων ερμηνευτών: E. A. Sankovskaya, T. I. Glushkovskaya, D. S. Lopukhina, A. I. Voronina-Ivanova, I. N. Nikitin. Ιδιαίτερο νόημαΥπήρχαν παραστάσεις τη δεκαετία του 1850 από τον Αυστριακό χορευτή F. Elsler, χάρη στον οποίο συμπεριλήφθηκαν στο ρεπερτόριο τα μπαλέτα του J. J. Perrault («Esmeralda» του C. Pugni κ.λπ.).

Από τα μέσα του 19ου αιώνα, τα ρομαντικά μπαλέτα άρχισαν να χάνουν τη σημασία τους, παρά το γεγονός ότι ο θίασος διατήρησε τους καλλιτέχνες που έλκονταν προς το μέρος τους: P. P. Lebedeva, O. N. Nikolaeva και στη δεκαετία του 1870 - A. I. Sobeshchanskaya. Κατά τη διάρκεια των δεκαετιών 1860-90, το Θέατρο Μπολσόι άλλαξε αρκετούς χορογράφους που ηγήθηκαν του θιάσου ή ανέβασαν μεμονωμένες παραστάσεις. Το 1861-63 εργάστηκε ο Κ. Μπλάζης, ο οποίος απέκτησε φήμη μόνο ως δάσκαλος. Τα πιο δημοφιλή στο ρεπερτόριο τη δεκαετία του 1860 ήταν τα μπαλέτα του A. Saint-Leon, ο οποίος μετέφερε το The Little Humpbacked Horse (1866) του Pugny από την Αγία Πετρούπολη. Σημαντικό επίτευγμα ήταν ο «Δον Κιχώτης» του Λ. Μίνκους, που ανέβηκε από τον Μ. Ι. Πετίπα το 1869. Το 1867-69, ο S. P. Sokolov ανέβασε πολλές παραγωγές («Fern, or Night on Ivan Kupala» του Yu. G. Gerber, κ.λπ.). Το 1877, ο διάσημος χορογράφος V. Reisinger, που καταγόταν από τη Γερμανία, έγινε διευθυντής της 1ης (αποτυχημένης) έκδοσης της «Λίμνης των Κύκνων» του P. I. Tchaikovsky. Στη δεκαετία του 1880-90, χορογράφοι στο Θέατρο Μπολσόι ήταν οι J. Hansen, H. Mendes, A. N. Bogdanov, I. N. Khlyustin. Στα τέλη του 19ου αιώνα, παρά την παρουσία δυνατών χορευτών στον θίασο (L. N. Gaten, L. A. Roslavleva, N. F. Manokhin, N. P. Domashev), το μπαλέτο του θεάτρου Μπολσόι βρισκόταν σε κρίση: υπήρχε ακόμη και ζήτημα εκκαθάρισης του θιάσου, μειώθηκε στο μισό το 1882. Ο λόγος για αυτό ήταν εν μέρει η έλλειψη προσοχής που δόθηκε στον θίασο (που τότε θεωρούνταν επαρχιακός) από τη Διεύθυνση Αυτοκρατορικών Θεάτρων, χωρίς ταλέντο ηγέτες που αγνόησαν τις παραδόσεις του μπαλέτου της Μόσχας, η ανανέωση του οποίου έγινε δυνατή στην εποχή των μεταρρυθμίσεων στο Ρωσική τέχνη των αρχών του 20ου αιώνα.

Το 1902, ο θίασος μπαλέτου του θεάτρου Μπολσόι ήταν επικεφαλής του A. A. Gorsky. Οι δραστηριότητές του συνέβαλαν στην αναβίωση και την άνθηση του μπαλέτου του θεάτρου Μπολσόι. Ο χορογράφος προσπάθησε να χορτάσει τις παραστάσεις με δραματικό περιεχόμενο, επιτυγχάνοντας λογική και αρμονία δράσης, ακρίβεια εθνικού χρωματισμού και ιστορική αυθεντικότητα. Οι καλύτερες πρωτότυπες παραγωγές του Γκόρσκι ήταν τα «Gudula's Daughter» του A. Yu (1902), «Salambo» του A. F. Arends (1910), «Love is Fast!» σε μουσική E. Grieg (1913), μεγάλης σημασίαςυπήρξαν και αλλοιώσεις κλασικά μπαλέτα(«Δον Κιχώτης» του Λ. Μίνκους, «Λίμνη των Κύκνων» του Π. Ι. Τσαϊκόφσκι, «Ζιζέλ» του Α. Άνταμ). Οι ομοϊδεάτες του Γκόρσκι ήταν οι κορυφαίοι χορευτές του θεάτρου M. M. Mordkin, V. A. Karalli, A. M. Balashova, S. V. Fedorova, E. V. Geltser και V. D. Tikhomirov, οι χορευτές A. E. δούλεψαν επίσης μαζί του Volinin, L. L. Novikov.

Η δεκαετία του 1920 στη Ρωσία ήταν μια εποχή αναζήτησης νέων μορφών σε όλες τις μορφές τέχνης, συμπεριλαμβανομένου του χορού. Ωστόσο, οι καινοτόμοι χορογράφοι σπάνια επιτρέπονταν στο θέατρο Μπολσόι. Το 1925, ο K. Ya. Έρντμαν. Η παραγωγή του «The Red Poppy» των V. D. Tikhomirov και L. A. Lashilin σε μουσική του R. M. Gliere (1927) θεωρήθηκε επίσημα αναγνωρισμένο επίτευγμα του θεάτρου Μπολσόι, όπου το επίκαιρο περιεχόμενο εκφράστηκε σε παραδοσιακή μορφή (μπαλέτο «όνειρο», κανονικά βήματα -de-de, στοιχεία υπερβολής).

Από τα τέλη της δεκαετίας του 1920, ο ρόλος του θεάτρου Μπολσόι - πλέον του «κεντρικού» θεάτρου της χώρας της πρωτεύουσας - αυξάνεται. Στη δεκαετία του 1930, χορογράφοι, δάσκαλοι και καλλιτέχνες μεταφέρθηκαν εδώ από το Λένινγκραντ. Οι M. T. Semyonova και A. N. Ermolaev έγιναν κορυφαίοι ερμηνευτές μαζί με τους Μοσχοβίτες O. V. Lepeshinskaya, A. M. Messerer, M. M. Gabovich. Το ρεπερτόριο περιλάμβανε τα μπαλέτα «Flames of Paris» του V. I. Vainonen και «The Fountain of Bakhchisarai» του R. V. Zakharov (και τα δύο σε μουσική του B. V. Asafiev), «Romeo and Juliet» του S. S. Prokofiev, που ανέβασε ο L. M. Lavrovsky στη Μόσχα. 1946, όταν ο G. S. Ulanova μετακόμισε στο Θέατρο Μπολσόι. Από τη δεκαετία του 1930 έως τα μέσα της δεκαετίας του 1950, η κύρια τάση στην ανάπτυξη του μπαλέτου ήταν η σύγκλισή του με τη ρεαλιστική δραματικό θέατρο. Στα μέσα της δεκαετίας του 1950, το είδος του δραματικού μπαλέτου είχε ξεπεραστεί. Μια ομάδα νέων χορογράφων έχει εμφανιστεί, που αγωνίζεται για μεταμόρφωση. Στις αρχές της δεκαετίας του 1960, ο Ν. Ντ. Κασάτκινα και ο Β. Γιού ανέβασαν στο θέατρο Μπολσόι μονόπρακτα μπαλέτα(«Γεωλόγοι» του N. N. Karetnikov, 1964· «The Rite of Spring» του I. F. Stravinsky, 1965). Οι παραστάσεις του Yu N. Grigorovich έγιναν νέα λέξη. Μεταξύ των καινοτόμων παραγωγών του, που δημιουργήθηκαν σε συνεργασία με τον S. B. Virsaladze: «The Stone Flower» του Prokofiev (1959), «The Legend of Love» του A. D. Melikov (1965), «The Nutcracker» του Tchaikovsky (1966), «Spartak» του A. I. Khachaturyan (1968), "Ivan the Terrible" σε μουσική του Prokofiev (1975). Αυτές οι μεγάλης κλίμακας, άκρως δραματικές παραστάσεις με μεγάλες σκηνές πλήθουςαπαιτούσε ένα ιδιαίτερο στυλ απόδοσης - εκφραστικό, μερικές φορές πομπώδες. Στη δεκαετία του 1960-1970, κορυφαίοι καλλιτέχνες του θεάτρου Μπολσόι ήταν τακτικοί ερμηνευτές στα μπαλέτα του Γκριγκορόβιτς: M. M. Plisetskaya, R. S. Struchkova, M. V. Kondratyeva, N. V. Timofeeva, E. S. Maksimova, V. V. Vasiliev, N.Itnova, N. Ο M. L. Lavrovsky, ο Yu. Οι επόμενες δύο δεκαετίες ήταν η ακμή του θεάτρου Μπολσόι, πλούσιου σε λαμπερές προσωπικότητες, που επιδεικνύουν την παραγωγή και το ερμηνευτικό του στυλ σε όλο τον κόσμο, που απευθύνεται σε ένα ευρύ και, επιπλέον, διεθνές κοινό. Ωστόσο, η επικράτηση των παραγωγών του Γκριγκόροβιτς οδήγησε στη μονοτονία του ρεπερτορίου. Παλιά μπαλέτα και παραστάσεις από άλλους χορογράφους παίζονταν όλο και λιγότερο συχνά, τα κωμικά μπαλέτα, παραδοσιακά για τη Μόσχα στο παρελθόν, εξαφανίζονταν από τη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι. Ο θίασος δεν χρειαζόταν πλέον χορευτές χαρακτήρων ή μίμους. Το 1982, ο Γκριγκόροβιτς ανέβασε το τελευταίο του πρωτότυπο μπαλέτο στο Θέατρο Μπολσόι - "Η Χρυσή Εποχή" του D. D. Shostakovich. Μεμονωμένες παραστάσεις ανέβασαν οι V.V.Vasiliev, M.M Plisetskaya, V. Boccadoro, R. Petit. Το 1991, το μπαλέτο " Άσωτος γιος«Ο Προκόφιεφ σκηνοθετημένος από τον J. Balanchine. Ωστόσο, μέχρι τα μέσα της δεκαετίας του 1990 το ρεπερτόριο δεν ήταν σχεδόν εμπλουτισμένο. Μεταξύ των παραστάσεων που ανέβηκαν στο γύρισμα του 20ου και του 21ου αιώνα: «Η Λίμνη των Κύκνων» του Τσαϊκόφσκι (1996, σε σκηνοθεσία V.V. Vasilyev· 2001, σε σκηνοθεσία Grigorovich), «Giselle» του A. Adam (1997, σε σκηνοθεσία Vasilyev), “Daughter” pharaoh” του C. Pugni (2000, σκηνοθεσία P. Lacotte με βάση την Petipa), “The Queen of Spades” σε μουσική του Tchaikovsky (2001) και “Cathedral Παναγία των Παρισίων«M. Jarre (2003· και οι δύο από τον χορογράφο Petit), «Romeo and Juliet» του Prokofiev (2003, χορογράφος R. Poklitaru, σκηνοθέτης D. Donnellan), «A Midsummer Night's Dream» σε μουσική των F. Mendelssohn και D. Ligeti (2004, χορογράφος J. Neumeier), «Bright Stream» (2003) και «Bolt» (2005) του Shostakovich (χορογράφος A. O. Ratmansky), καθώς και μονόπρακτα μπαλέτα των J. Balanchine, L. F. Myasin κ.λπ. οι κορυφαίοι χορευτές της δεκαετίας του 1990-2000: N. G. Ananiashvili, M. A. Alexandrova, A. A. Antonicheva, D. V. Belogolovtsev, N. A. Gracheva, S. Yu Zakharova, D. K. Gudanov, Yu. , G. O. Stepanenko, A. I. Uvarov, S. Yu Filin, N. M. Tsiskaridze.

Ε. Για.

Λιτ.: Pogozhev V.P. 100 χρόνια από την οργάνωση των αυτοκρατορικών θεάτρων της Μόσχας: Σε 3 βιβλία. Αγία Πετρούπολη, 1906-1908; Pokrovskaya 3. K. Architect O. I. Bove. Μ., 1964; Θέατρο Zarubin V.I: Οι πρώτες παραγωγές όπερας στη ρωσική σκηνή. 1825-1993. Μ., 1994; aka. Θέατρο Μπολσόι: Τα πρώτα μπαλέτα στη ρωσική σκηνή. 1825-1997. Μ., 1998; "Υπηρέτης των Μουσών..." Πούσκιν και το θέατρο Μπολσόι. Μ., ; Fedorov V.V. Ρεπερτόριο του θεάτρου Μπολσόι της ΕΣΣΔ 1776-1955: Σε 2 τόμους N.Y., 2001. Berezkin V.I. Καλλιτέχνες του θεάτρου Μπολσόι: [Σε 2 τόμους]. Μ., 2001.