Los estudiantes, estudiantes de posgrado y jóvenes científicos que utilicen la base de conocimientos en sus estudios y trabajos le estarán muy agradecidos.
INTRODUCCIÓN
1. TIPOS DE PINTURA
2. LA PINTURA Y SUS GÉNEROS
CONCLUSIÓN
BIBLIOGRAFÍA
INTRODUCCIÓN
La palabra "pintar" se deriva de las palabras "vívidamente" y "escribir". “Pintar”, explica Dahl, “representar fiel y vívidamente con un pincel o con palabras, con un bolígrafo”. Para el pintor, representar correctamente significa transmitir con precisión la apariencia externa de lo que vio y sus características más importantes. Fue posible transmitirlos correctamente utilizando medios gráficos: línea y tono. Pero es imposible transmitir vívidamente con estos medios limitados el multicolor del mundo circundante, la pulsación de la vida en cada centímetro de la superficie coloreada de un objeto, el encanto de esta vida y el constante movimiento y cambio. La pintura, uno de los tipos de bellas artes, ayuda a reflejar fielmente el color del mundo real.
El color, principal medio visual y expresivo en la pintura, tiene tono, saturación y ligereza; parece fusionar en un todo todo lo característico de un objeto: tanto lo que puede ser representado por una línea como lo que le es inaccesible.
La pintura, al igual que los gráficos, utiliza líneas, trazos y manchas claras y oscuras, pero a diferencia de ella, estas líneas, trazos y manchas están coloreadas. Transmiten el color de una fuente de luz a través del resplandor y superficies brillantemente iluminadas, esculpen una forma tridimensional con el color del sujeto (local) y el color reflejado por el entorno, establecen relaciones espaciales y profundidad, y representan la textura y materialidad de los objetos.
La tarea de la pintura no es sólo mostrar algo, sino también revelar la esencia interna de lo representado, reproducir "personajes típicos en circunstancias típicas". Por tanto, una generalización artística veraz de los fenómenos de la vida es la base de los fundamentos de la pintura realista.
1. TIPOS DE PINTURA
Pintura monumental- este es un tipo especial de pintura Gran escala, decorando las paredes y techos de estructuras arquitectónicas. Revela el contenido de las principales Fenómeno social, quien proporcionó influencia positiva para el desarrollo de la sociedad, los glorifica y los perpetúa, ayudando a educar a las personas en el espíritu de patriotismo, progreso y humanidad. La sublimidad del contenido de la pintura monumental, el tamaño significativo de sus obras y la conexión con la arquitectura requieren grandes masas de color, estricta simplicidad y laconismo de composición, claridad de contornos y generalidad de forma plástica.
pintura decorativa Se utilizan para decorar edificios e interiores en forma de paneles de colores, que con imágenes realistas crean la ilusión de atravesar la pared, aumentando visualmente el tamaño de la habitación o, por el contrario, utilizando formas deliberadamente aplanadas, afirman la planitud de la pared y el cerramiento del espacio. Los patrones, coronas, guirnaldas y otros tipos de decoración que decoran obras de pintura y escultura monumentales unen todos los elementos del interior, enfatizando su belleza y coherencia con la arquitectura.
Pintura teatral y decorativa.(escenografía, vestuario, maquillaje, utilería, realizados según los bocetos del artista) ayuda a revelar aún más el contenido de la actuación. Las especiales condiciones teatrales para percibir la escenografía exigen tener en cuenta los múltiples puntos de vista del público, su gran distancia, la influencia de la iluminación artificial y los contraluces de colores. La escenografía da una idea del lugar y el momento de la acción, y activa la percepción del espectador de lo que sucede en el escenario. El artista teatral se esfuerza por expresar claramente en bocetos de vestuario y maquillaje el carácter individual de los personajes, su estatus social, el estilo de la época y mucho más.
pintura en miniatura recibió gran desarrollo en la Edad Media, antes de la invención de la imprenta. Los libros escritos a mano estaban decorados con los mejores tocados, terminaciones e ilustraciones detalladas en miniatura. Los artistas rusos de la primera mitad del siglo XIX utilizaron hábilmente la técnica de la pintura en miniatura para crear pequeños retratos (principalmente acuarelas). Colores puros y profundos de acuarela, sus combinaciones exquisitas, la exquisita finura de la escritura distingue estos retratos, llenos de gracia y nobleza.
pintura de caballete, realizado en una máquina: un caballete, utiliza madera, cartón, papel, pero la mayoría de las veces lienzo estirado sobre una camilla como base material. Una pintura de caballete, al ser una obra independiente, puede representar absolutamente todo: real y ficticio del artista, objetos y personas inanimados, modernidad e historia; en una palabra, la vida en todas sus manifestaciones. A diferencia de los gráficos, la pintura de caballete tiene una riqueza de color que ayuda a transmitir emocional, psicológica, multifacética y sutil la belleza del mundo que nos rodea.
Según la técnica y los medios de ejecución, la pintura se divide en óleo, tempera, fresco, cera, mosaico, vidrieras, acuarela, gouache y pastel. Estos nombres se derivaron del aglutinante o del método de utilización de medios materiales y técnicos.
Pintura al óleo hecho con pintura frotada aceites vegetales. pintura espesa Cuando se le añade aceite o diluyentes y barnices especiales, se licua. Pintura de aceite Puedes trabajar sobre lienzo, madera, cartón, papel, metal.
Pintura al temple la pintura se realiza con pintura preparada con yema de huevo o caseína. La pintura al temple se disuelve con agua y se aplica pasta o líquido a la pared, lienzo, papel, madera. En Rusia, la témpera se utilizaba para crear pinturas murales, iconos y patrones en objetos cotidianos. Hoy en día, la témpera se utiliza en pintura y gráfica, en artes decorativas y aplicadas y en diseño artístico.
pintura al fresco decora interiores en forma de composiciones monumentales y decorativas aplicadas sobre yeso húmedo con pinturas al agua. El fresco tiene una agradable superficie mate y es duradero en interiores.
pintura de cera(encáustica) también fue utilizada por artistas del Antiguo Egipto, como lo demuestran los famosos “retratos de Fayum” (siglo I d.C.). El aglutinante de la pintura encáustica es la cera blanqueada. Las pinturas de cera se aplican en estado fundido sobre una base calentada y luego se queman.
pintura mosaico, o mosaico, se ensambla a partir de piezas individuales de piedras pequeñas o de colores y se fija sobre una imprimación de cemento especial. El esmalte transparente, insertado en el suelo en diferentes ángulos, refleja o refracta la luz, provocando que el color brille y parpadee. Los paneles de mosaico se pueden encontrar en el metro, en los interiores de teatros y museos, etc. La pintura de vidrieras es una obra de arte decorativa destinada a decorar las aberturas de las ventanas en cualquier estructura arquitectónica. Las vidrieras están hechas de piezas de vidrio coloreado unidas por un marco de metal resistente. El flujo luminoso, que atraviesa la superficie coloreada de la vidriera, dibuja patrones multicolores decorativamente espectaculares en el suelo y las paredes del interior.
2. LA PINTURA Y SUS GÉNEROS
Los géneros de pintura (género francés - género, tipo) son una división históricamente establecida de obras de pintura de acuerdo con los temas y objetos de la imagen. En la pintura moderna existen los siguientes géneros: retrato, histórico, mitológico, batalla, cotidiano, paisaje, naturaleza muerta, género animal.
Aunque el concepto de “género” apareció en la pintura hace relativamente poco tiempo, desde la antigüedad existen ciertas diferencias de género: imágenes de animales en cuevas del Paleolítico, retratos del Antiguo Egipto y Mesopotamia del año 3 mil a.C., paisajes y naturalezas muertas en mosaicos helenísticos y romanos y frescos. La formación del género como sistema en la pintura de caballete comenzó en Europa en los siglos XV-XV. y terminó principalmente en el siglo XVII, cuando, además de la división de las bellas artes en géneros, apareció el concepto de géneros “altos” y “bajos”, según el tema de la imagen, el tema y la trama.
El género "alto" incluía géneros históricos y mitológicos, y el género "bajo", retrato, paisaje y naturaleza muerta. Esta gradación de géneros existió hasta el siglo XIX. Así, en el siglo XVII en Holanda, fueron precisamente los géneros “bajos” los que se convirtieron en protagonistas de la pintura (paisaje, género cotidiano, naturaleza muerta), y el retrato ceremonial, que formalmente pertenecía al género del retrato “bajo”, no pertenecía a ese.
Convertidos en una forma de mostrar la vida, los géneros de la pintura, con toda su estabilidad, características comunes no son inmutables, se desarrollan junto con la vida y cambian a medida que se desarrolla el arte. Algunos géneros se extinguen o adquieren un nuevo significado (por ejemplo, el género mitológico), surgen otros nuevos, generalmente dentro de los previamente existentes (por ejemplo, dentro del género del paisaje). paisaje arquitectónico y Marina). Aparecen obras que combinan varios generos(por ejemplo, una combinación de un género cotidiano con un paisaje, un retrato de grupo con un género histórico).
Un género de bellas artes que refleja la apariencia externa e interna de una persona o grupo de personas se llama retrato. Este género está muy extendido no sólo en la pintura, sino también en la escultura, la gráfica, etc. Los principales requisitos para un retrato son el renderizado. parecido externo y la revelación del mundo interior, la esencia del carácter de una persona. Según la naturaleza de la imagen, se distinguen dos grupos principales: retratos ceremoniales y de cámara. retrato ceremonial muestra a una persona en pleno crecimiento (a caballo, de pie o sentada), sobre un fondo arquitectónico o paisajístico. Un retrato de cámara utiliza una imagen de medio cuerpo o hasta el pecho sobre un fondo neutro. En un grupo especial destaca el autorretrato: la representación que el artista hace de sí mismo.
El retrato es uno de los géneros artísticos más antiguos; inicialmente tenía un propósito de culto y se identificaba con el alma del difunto. En el mundo antiguo, el retrato se desarrolló más en la escultura, así como en la pintura de retratos: retratos de Fayyum de los siglos I-III. En la Edad Media, el concepto de retrato fue reemplazado por imágenes generalizadas, aunque en los frescos, mosaicos, iconos y miniaturas había algunas características individuales en la representación de personajes históricos. El gótico tardío y el Renacimiento es un período rápido de desarrollo del retrato, cuando se produce la formación del género del retrato, alcanzando las alturas de la fe humanista en el hombre y la comprensión de su vida espiritual.
Un género de bellas artes dedicado a acontecimientos y personajes históricos se llama genero historico. El género histórico, que se caracteriza por la monumentalidad, se ha desarrollado durante mucho tiempo en la pintura mural. Del Renacimiento al siglo XIX. artistas utilizaron temas mitología antigua, leyendas cristianas. A menudo real eventos históricos Los personajes representados en la pintura estaban llenos de personajes alegóricos mitológicos o bíblicos.
El género histórico se entrelaza con otros: el género cotidiano (escenas históricas y cotidianas), el retrato (representaciones de personajes históricos del pasado, retratos-composiciones históricas), el paisaje ("paisaje histórico") y se fusiona con el género de batalla.
El género histórico se materializa en formas monumentales y de caballete, miniaturas e ilustraciones. Originario de la antigüedad, el género histórico combinaba acontecimientos históricos reales con mitos. En los países del Antiguo Oriente, existían incluso tipos de composiciones simbólicas (la apoteosis de las victorias militares del monarca, la transferencia del poder por parte de una deidad) y ciclos narrativos de pinturas y relieves. En la Antigua Grecia había esculturas. héroes históricos, en la Antigua Roma se crearon relieves con escenas de campañas militares y triunfos.
En la Edad Media en Europa, los acontecimientos históricos se reflejaban en crónicas e iconos en miniatura. El género histórico de la pintura de caballete comenzó a tomar forma en Europa durante el Renacimiento, en los siglos XVII y XVIII. fue considerado como un género “alto”, destacando (temas religiosos, mitológicos, alegóricos, históricos).
Las pinturas del género histórico estaban llenas de contenido dramático, altos ideales estéticos y la profundidad de las relaciones humanas.
Género de bellas artes, dedicado a los héroes y los acontecimientos sobre los que cuentan los mitos de los pueblos antiguos se llaman género mitológico(del griego mitos - leyenda). El género mitológico entra en contacto con lo histórico y toma forma durante el Renacimiento, cuando las leyendas antiguas brindaban ricas oportunidades para la encarnación de historias y personajes con connotaciones éticas complejas, a menudo alegóricas. En el siglo 17 -- comienzo En el siglo XIX, en las obras del género mitológico se amplió el espectro de problemas morales y estéticos, que se plasmaron en altos ideales artísticos y se acercaron a la vida o crearon un espectáculo festivo. De los siglos XIX al XX. Se popularizaron temas de mitos germánicos, celtas, indios y eslavos.
Género de batalla(del francés bataille - batalla) es un género de pintura que forma parte del género histórico, mitológico y se especializa en representar batallas, hazañas militares, operaciones militares, glorificar el valor militar, la furia de la batalla y el triunfo de la victoria. El género de batalla puede incluir elementos de otros géneros: doméstico, retrato, paisaje, animal, naturaleza muerta.
Un género de bellas artes que muestra escenas de la vida cotidiana, personal de una persona, la vida cotidiana de la vida campesina y urbana se llama género cotidiano. Los llamamientos a la vida y la moral de las personas ya se encuentran en las pinturas y relieves del Antiguo Oriente, en las pinturas y esculturas de vasijas antiguas, en los iconos medievales y en los libros de horas. Pero el género cotidiano se destacó y adquirió formas características sólo como fenómeno del arte de caballete secular. Sus principales características comenzaron a tomar forma en los siglos XIV-XV. en pinturas de altar, relieves, tapices y miniaturas en los Países Bajos, Alemania y Francia. En el siglo XVI en los Países Bajos, el género cotidiano comenzó a desarrollarse rápidamente y quedó aislado. Uno de sus fundadores fue Jerónimo Bosch.
El desarrollo del género cotidiano en Europa estuvo muy influenciado por la obra de Pieter Bruegel: pasa a un género cotidiano puro, muestra que la vida cotidiana puede ser un objeto de estudio y una fuente de belleza. El siglo XVII puede considerarse el siglo del género cotidiano en todas las escuelas de pintura de Europa.
En el siglo 18 en Francia pintura de género asociado con la representación de escenas galantes, “pastorales”, se vuelve refinado y elegante, irónico. Las obras del género cotidiano eran variadas: mostraban la calidez de la vida hogareña y el exotismo de países lejanos, experiencias sentimentales y pasiones románticas. El género cotidiano, centrado en mostrar la vida campesina y la vida de un habitante de la ciudad, se desarrolló vívidamente en ruso. pinturas del siglo 19 c.: por ejemplo, en las obras de A.G. Venetsianov, P.A Fedotov, V.G.
Un género de bellas artes, donde lo principal es la representación de la naturaleza, el medio ambiente y las vistas. zonas rurales, ciudades, monumentos historicos, llamado paisaje(pago francés). Hay paisajes rurales, urbanos, arquitectónicos, industriales, marítimos (puerto deportivo) y fluviales.
En la antigüedad y la Edad Media, los paisajes aparecen en pinturas de templos, palacios, iconos y miniaturas. En el arte europeo, los pintores venecianos del Renacimiento fueron los primeros en recurrir a la representación de la naturaleza. Del siglo XVI El paisaje se convierte en un género independiente, se forman sus variedades y direcciones: paisaje lírico, heroico, documental. En el siglo 19 descubrimientos creativos de los maestros del paisaje, saturación del mismo con cuestiones sociales, desarrollo del plein air (representación de la naturaleza) entorno natural) culminó con los logros del impresionismo, que brindó nuevas oportunidades en la transmisión pictórica de la profundidad espacial, la variabilidad del entorno de luz y aire y la complejidad de la combinación de colores.
Se llama un género de bellas artes que muestra objetos de uso cotidiano, trabajo, creatividad, flores, frutas, caza sacrificada, peces capturados, colocados en un entorno cotidiano real. naturaleza muerta(Naturaleza morte francesa - naturaleza muerta). La naturaleza muerta puede estar dotada de complejos. significado simbolico, desempeña el papel de un panel decorativo, sea el llamado. “truco”, que da una reproducción ilusoria de objetos o figuras reales que evocan el efecto de la presencia de una naturaleza genuina.
La representación de objetos es conocida en el arte de la antigüedad y la Edad Media. Pero se considera que la primera naturaleza muerta en pintura de caballete es la pintura del artista veneciano Jacopo de Barbari "Perdiz con flecha y guantes". Ya en el siglo XVI, la naturaleza muerta se dividía en muchos tipos: el interior de una cocina con o sin gente, una mesa puesta en un ambiente rural, “vanitas” con objetos simbólicos (un jarrón con flores, una vela apagada, instrumentos musicales). era especialmente rico Naturaleza muerta holandesa, modesto en el color y en las cosas representadas, pero exquisito en la textura expresiva de los objetos, en el juego de colores y luces.
Un género de bellas artes que muestra animales se llama genero animal(del lat. animal - animal). El artista animal presta atención a las características artísticas y figurativas del animal, sus hábitos, la expresividad decorativa de la figura y la silueta. A menudo, los animales están dotados de rasgos, acciones y experiencias inherentes a los humanos. Las imágenes de animales se encuentran a menudo en esculturas antiguas y pinturas de jarrones.
CONCLUSIÓN
En conclusión, resumamos lo anterior:
La pintura se divide en monumental, decorativa, teatral y decorativa, miniatura y de caballete.
Según la técnica y los medios de ejecución, la pintura se divide en óleo, témpera, fresco, cera, mosaico, vidrieras, acuarela, gouache y pastel.
En la pintura moderna existen los siguientes géneros: retrato, histórico, mitológico, batalla, cotidiano, paisaje, naturaleza muerta, género animal.
La pintura histórica son imágenes de determinados momentos históricos, así como de figuras públicas del pasado.
La pintura de batalla tiene como objetivo capturar batallas, batallas y guerras. pintura mitologica Representa eventos descritos en mitos, epopeyas y leyendas.
La pintura cotidiana (de género) es una representación de escenas de la vida real, sus realidades y atributos.
La pintura de paisaje (paisaje) es una imagen de la naturaleza natural o de cualquier área.
pintura de retratos - imagen artística persona. Un tipo específico de retrato es el autorretrato.
Una naturaleza muerta es una imagen de varios objetos inanimados, por ejemplo, frutas, flores, artículos para el hogar, utensilios, colocados en un entorno cotidiano real y organizados compositivamente en un solo grupo.
BIBLIOGRAFÍA
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). Sin embargo, a los efectos de este artículo sólo consideraremos el objeto art.
Históricamente, todos los géneros se dividieron en altos y bajos. A genero alto o la pintura histórica incluía obras de carácter monumental, que conllevaban algún tipo de moralidad, idea significativa, demostrando eventos históricos, militares relacionados con la religión, la mitología o la ficción.
A genero bajo incluía todo lo relacionado con la vida cotidiana. Se trata de naturalezas muertas, retratos, cuadros domésticos, paisajes, animalismo, imágenes de personas desnudas, etc.
Animalismo (lat. animal - animal)
El género animal surgió en la antigüedad, cuando los primeros pueblos pintaban animales depredadores en las rocas. Poco a poco, esta dirección se convirtió en un género independiente, que implica una representación expresiva de cualquier animal. Los animalistas suelen tener un gran interés por el mundo animal, por ejemplo, pueden ser excelentes jinetes, tener mascotas o simplemente estudiar sus hábitos durante mucho tiempo. Como resultado de las intenciones del artista, los animales pueden aparecer realistas o en forma de imágenes artísticas.
Entre los artistas rusos, muchos conocían bien los caballos, por ejemplo, y. Si en pintura famosa Los "Bogatyrs", caballos heroicos de Vasnetsov, están representados con la mayor habilidad: los colores, el comportamiento de los animales, las bridas y su conexión con los jinetes están cuidadosamente pensados. A Serov no le gustaba la gente y consideraba al caballo de muchas maneras. mejor que el hombre, razón por la cual la retrató a menudo en diversas escenas. aunque pintaba animales, no se consideraba animalista, por lo que los osos eran su pintura famosa"Mañana en bosque de pinos”fue creado por el animalista K. Savitsky.
En la época zarista, los retratos con mascotas, queridas por el hombre, se hicieron especialmente populares. Por ejemplo, en el cuadro aparecía la emperatriz Catalina II con su amado perro. Los animales también estuvieron presentes en los retratos de otros artistas rusos.
Ejemplos de pinturas de artistas rusos famosos del género cotidiano.
pintura de historia
Este género involucra pinturas monumentales que están diseñadas para transmitir a la sociedad un plan grandioso, alguna verdad, moralidad o demostrar eventos importantes. Incluye obras sobre temas históricos, mitológicos, religiosos, folclore y escenas militares.
En los estados antiguos, los mitos y leyendas se consideraban durante mucho tiempo acontecimientos del pasado, por lo que a menudo se representaban en frescos o jarrones. Posteriormente, los artistas comenzaron a separar los hechos ocurridos de la ficción, que se expresaba principalmente en la imagen. escenas de batalla. En la antigua Roma, Egipto y Grecia, a menudo se representaban escenas de batallas heroicas en los escudos de los guerreros victoriosos para demostrar su triunfo sobre el enemigo.
En la Edad Media, debido al predominio de los dogmas de la iglesia, prevalecieron los temas religiosos; en el Renacimiento, la sociedad volvió al pasado principalmente con el propósito de glorificar a sus estados y gobernantes, y desde el siglo XVIII se ha recurrido a menudo a este género. con el propósito de educar a los jóvenes. En Rusia el género recibió. distribución masiva en el siglo XIX, cuando los artistas a menudo intentaban analizar la vida de la sociedad rusa.
En las obras de artistas rusos. pintura de batalla se presentó, por ejemplo, y. Tocó temas mitológicos y religiosos en sus pinturas. Entre ellos predominaba la pintura histórica, entre el folclore.
Ejemplos de pinturas de artistas rusos famosos en el género de la pintura histórica.
Naturaleza muerta (naturaleza francesa - naturaleza y muerte - muertos)
Este género de pintura está asociado con la representación de objetos inanimados. Pueden ser flores, frutas, platos, juegos, utensilios de cocina y otros objetos, a partir de los cuales el artista suele crear una composición según su plan.
Las primeras naturalezas muertas aparecieron en países antiguos. EN Antiguo Egipto Era costumbre representar ofrendas a los dioses en forma de diversos platos. Al mismo tiempo, el reconocimiento del objeto era lo primero, por lo que a los artistas antiguos no les importaba especialmente el claroscuro o la textura de los objetos de naturaleza muerta. En la antigua Grecia y Roma, se encontraban flores y frutas en pinturas y en casas para la decoración de interiores, por lo que se representaban de manera más auténtica y pintoresca. La formación y florecimiento de este género se produjo en los siglos XVI y XVII, cuando las naturalezas muertas comenzaron a contener significados religiosos y de otro tipo ocultos. Al mismo tiempo, aparecieron muchas variedades de ellos, según el tema de la imagen (floral, frutal, científico, etc.).
En Rusia, la pintura de naturalezas muertas floreció recién en el siglo XX, ya que antes se usaba principalmente con fines educativos. Pero este desarrollo fue rápido y capturado, incluido el arte abstracto en todas sus direcciones. Por ejemplo, creó hermosas composiciones florales, prefirió, trabajó y, a menudo, “revitalizó” sus naturalezas muertas, dando al espectador la impresión de que los platos estaban a punto de caerse de la mesa o que todos los objetos estaban a punto de empezar a girar.
Los objetos representados por los artistas ciertamente fueron influenciados por sus puntos de vista teóricos o su cosmovisión, estado mental. Se trataba, pues, de objetos representados según el principio de perspectiva esférica descubierto por él, y de naturalezas muertas expresionistas que asombraban por su dramatismo.
Muchos artistas rusos utilizaron la naturaleza muerta principalmente con fines educativos. Así, no sólo perfeccionó sus habilidades artísticas, sino que también realizó muchos experimentos, disponiendo objetos de diferentes maneras, trabajando con luz y color. Experimentó con la forma y el color de la línea, a veces alejándose del realismo hacia el puro primitivismo, a veces mezclando ambos estilos.
Otros artistas combinaron en naturalezas muertas lo que habían representado previamente con sus cosas favoritas. Por ejemplo, en las pinturas se puede encontrar su jarrón favorito, partituras y un retrato de su esposa que él mismo había creado previamente, y representó sus flores favoritas de la infancia.
En el mismo género trabajaron muchos otros artistas rusos, por ejemplo, y otros.
Ejemplos de pinturas de artistas rusos famosos del género de naturalezas muertas.
Desnudo (nudite francés - desnudez, abreviado como nu)
Este género pretende representar la belleza del cuerpo desnudo y apareció antes de nuestra era. EN mundo antiguo prestó gran atención al desarrollo físico, ya que de ello dependía la supervivencia de todo raza humana. Así, en la Antigua Grecia, los deportistas tradicionalmente competían desnudos para que los niños y jóvenes pudieran ver sus cuerpos bien desarrollados y luchar por la misma perfección física. Alrededor de los siglos VII-VI. antes de Cristo mi. También aparecieron estatuas masculinas desnudas, personificando el poder físico de un hombre. Las figuras femeninas, por el contrario, siempre se presentaban al público con túnicas, ya que no era costumbre exponer el cuerpo femenino.
En épocas posteriores, las actitudes hacia la desnudez cambiaron. Así, durante el helenismo (desde finales del siglo VI a. C.), la resistencia pasó a un segundo plano, dando paso a la admiración por la figura masculina. Al mismo tiempo comenzaron a aparecer las primeras figuras femeninas desnudas. En la época barroca, las mujeres con figuras curvilíneas se consideraban ideales; en la época rococó, la sensualidad se volvió primordial y, en los siglos XIX y XX, las pinturas o esculturas con cuerpos desnudos (especialmente los masculinos) a menudo estaban prohibidas.
Los artistas rusos han recurrido repetidamente al género del desnudo en sus obras. Entonces, se trata de bailarinas con atributos teatrales, son niñas o mujeres que posan en el centro de escenas monumentales. Tiene muchas mujeres sensuales, incluso en parejas, tiene toda una serie de pinturas que representan mujeres desnudas en diversas actividades, y tiene chicas llenas de inocencia. Algunas, por ejemplo, representaban a hombres completamente desnudos, aunque este tipo de pinturas no fueron bien recibidas por la sociedad de su época.
Ejemplos de pinturas de famosos artistas rusos del género del desnudo.
Paisaje (paisaje francés, de pays - terreno)
En este género, la prioridad es la representación del entorno natural o creado por el hombre: espacios naturales, vistas de ciudades, pueblos, monumentos, etc. Dependiendo del objeto elegido se distinguen paisajes naturales, industriales, marinos, rurales, líricos y otros.
Los primeros paisajes de artistas antiguos fueron descubiertos en arte roquero Era neolítica y eran imágenes de árboles, ríos o lagos. Posteriormente, el motivo natural se utilizó para decorar el hogar. En la Edad Media, el paisaje fue reemplazado casi por completo por temas religiosos, mientras que en el Renacimiento, por el contrario, pasó a primer plano la relación armoniosa entre el hombre y la naturaleza.
En Rusia, la pintura de paisajes se desarrolló a partir del siglo XVIII e inicialmente fue limitada (los paisajes, por ejemplo, se crearon en este estilo), pero más tarde toda una galaxia de talentosos artistas rusos enriqueció este género con técnicas de diferentes estilos y direcciones. Creó el llamado paisaje discreto, es decir, en lugar de perseguir vistas espectaculares, representó los momentos más íntimos de la naturaleza rusa. y llegó a un paisaje lírico que asombró al público por su estado de ánimo sutilmente transmitido.
Y este es un paisaje épico, cuando al espectador se le muestra toda la grandeza del mundo circundante. Volviendo sin cesar a la antigüedad, E. Volkov supo convertir cualquier paisaje discreto en una imagen poética, asombró al espectador con su maravillosa luz en los paisajes y pudo admirar sin cesar los rincones del bosque, los parques, las puestas de sol y transmitir este amor al espectador.
Cada uno de los paisajistas centró su atención en el paisaje que le fascinaba especialmente. Muchos artistas no pudieron ignorar los proyectos de construcción a gran escala y pintaron muchos paisajes industriales y urbanos. Entre ellos se encuentran obras,
En el siglo XVII se introdujo una división de los géneros pictóricos en “alto” y “bajo”. El primero incluía géneros históricos, bélicos y mitológicos. El segundo incluía géneros pictóricos mundanos de La vida cotidiana, por ejemplo, género cotidiano, naturaleza muerta, pintura de animales, retrato, desnudo, paisaje.
Género histórico
El género histórico en la pintura no representa un objeto o persona específica, sino un momento o evento específico que tuvo lugar en la historia de épocas pasadas. Está incluido en el principal. géneros de pintura En arte. Los géneros de retratos, batallas, cotidianos y mitológicos a menudo están estrechamente entrelazados con los históricos.
"La conquista de Siberia por Ermak" (1891-1895)
Vasili Súrikov
Los artistas Nicolas Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Vasily Ivanovich Surikov, Boris Mikhailovich Kustodiev y muchos otros pintaron sus cuadros en el género histórico.
Género mitológico
Cuentos, leyendas y mitos antiguos, folklore- La representación de estos temas, héroes y acontecimientos encontró su lugar en el género mitológico de la pintura. Quizás se pueda distinguir en las pinturas de cualquier pueblo, porque la historia de cada etnia está llena de leyendas y tradiciones. Por ejemplo, una trama de la mitología griega como el romance secreto del dios de la guerra Ares y la diosa de la belleza Afrodita se representa en la pintura "Parnassus" del artista italiano llamado Andrea Mantegna.
"Parnaso" (1497)
Andrea Mantegna
La mitología en la pintura finalmente se formó durante el Renacimiento. Los representantes de este género, además de Andrea Mantegna, son Rafael Santi, Giorgione, Lucas Cranach, Sandro Botticelli, Viktor Mikhailovich Vasnetsov y otros.
Género de batalla
La pintura de batalla describe escenas de la vida militar. La mayoría de las veces se ilustran varias campañas militares, así como batallas marítimas y terrestres. Y dado que estas peleas a menudo se toman de historia real, entonces la batalla y los géneros históricos encuentran aquí su punto de intersección.
Fragmento del panorama “Batalla de Borodino” (1912)
Franz Roubaud
La pintura de batalla tomó forma durante el Renacimiento italiano en las obras de los artistas Miguel Ángel Buonarroti, Leonardo da Vinci y luego Theodore Gericault, Francisco Goya, Franz Alekseevich Roubaud, Mitrofan Borisovich Grekov y muchos otros pintores.
género cotidiano
Escenas de la vida cotidiana, pública o privada de la gente corriente, ya sea urbana o campesina, se representan en el género cotidiano de la pintura. Como muchos otros géneros de pintura, las pinturas cotidianas rara vez se encuentran en su propia forma, pasando a formar parte del género del retrato o del paisaje.
"Vendedor de instrumentos musicales" (1652)
Karel Fabricio
El origen de la pintura cotidiana se produjo en el siglo X en Oriente, y no se trasladó a Europa y Rusia hasta los siglos XVII-XVIII. Jan Vermeer, Karel Fabricius y Gabriel Metsu, Mikhail Shibanov e Ivan Alekseevich Ermenev son los artistas más famosos de la pintura cotidiana de ese período.
género animal
Los principales objetos del género animal son los animales y aves, tanto salvajes como domésticos, y en general todos los representantes del mundo animal. Inicialmente, el arte animal se incluyó en los géneros. pintura china, desde que apareció por primera vez en China en el siglo VIII. En Europa, la pintura de animales se formó solo durante el Renacimiento; en ese momento los animales eran representados como la encarnación de los vicios y virtudes humanos.
"Caballos en la pradera" (1649)
Paulus Potter
Antonio Pisanello, Paulus Potter, Alberto Durero, Frans Snyders, Albert Cuyp son los principales representantes de la pintura animal en Bellas Artes.
Naturaleza muerta
El género de la naturaleza muerta representa objetos que rodean a una persona en vida. Estos son objetos inanimados combinados en un grupo. Dichos objetos pueden pertenecer al mismo género (por ejemplo, en la imagen solo se representan frutas) o pueden ser diferentes (frutas, utensilios, instrumentos musicales, flores, etc.).
"Flores en una cesta, mariposa y libélula" (1614)
Ambrosio Bosshart el Viejo
La naturaleza muerta como género independiente tomó forma en el siglo XVII. Particularmente distinguidos son los flamencos y escuela holandesa naturaleza muerta. Representantes de una amplia variedad de estilos pintaron sus cuadros en este género, desde el realismo hasta el cubismo. Algunos de los más bodegones famosos pintado por los pintores Ambrosius Bosschaert el Viejo, Albertus Jonah Brandt, Paul Cezanne, Vincent Van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Willem Claes Heda.
Retrato
El retrato es un género de pintura, uno de los más comunes en las bellas artes. El propósito de un retrato en pintura es representar a una persona, pero no solo su apariencia, sino también transmitir sentimientos internos y el estado de ánimo de la persona retratada.
Los retratos pueden ser individuales, en pareja, grupales y también un autorretrato, que a veces se distingue como un género separado. y la mayoría retrato famoso De todos los tiempos, quizás, sea el cuadro de Leonardo da Vinci titulado “Retrato de Madame Lisa del Giocondo”, conocido por todos como la “Mona Lisa”.
"Mona Lisa" (1503-1506)
leonardo da vinci
Los primeros retratos aparecieron hace miles de años en el Antiguo Egipto: eran imágenes de faraones. Desde entonces, la mayoría de los artistas de todos los tiempos se han probado a sí mismos en este género de una forma u otra. El retrato y los géneros históricos de la pintura también pueden cruzarse: la representación de un gran Figura histórica será considerada una obra de género histórico, aunque al mismo tiempo transmitirá la apariencia y el carácter de esta persona a modo de retrato.
Desnudo
El propósito del género del desnudo es representar el cuerpo humano desnudo. El período del Renacimiento se considera el momento del surgimiento y desarrollo de este tipo de pintura, y el objeto principal de la pintura se convirtió con mayor frecuencia en el cuerpo femenino, que encarnaba la belleza de la época.
"Concierto rural" (1510)
Tiziano
Tiziano, Amedeo Modigliani, Antonio da Correggio, Giorgione, Pablo Picasso son los artistas más famosos que pintaron desnudos.
Escenario
El tema principal del género paisajístico es la naturaleza, el medio ambiente: ciudad, campo o naturaleza. Los primeros paisajes aparecieron en la antigüedad, al pintar palacios y templos, creando miniaturas e iconos. El paisaje comenzó a surgir como género independiente en el siglo XVI y desde entonces se ha convertido en uno de los géneros más populares. géneros de pintura.
Está presente en las obras de muchos pintores, empezando por Peter Rubens, Alexei Kondratyevich Savrasov, Edouard Manet, siguiendo con Isaac Ilyich Levitan, Piet Mondrian, Pablo Picasso, Georges Braque y terminando con muchos artistas contemporáneos del siglo XXI.
« otoño de oro"(1895)
Isaac Levitán
Entre las pinturas de paisajes se pueden distinguir géneros como los paisajes marinos y urbanos.
veduta
Veduta es un paisaje cuyo objetivo es representar la apariencia de una zona urbana y transmitir su belleza y sabor. Posteriormente, con el desarrollo de la industria, el paisaje urbano se convierte en un paisaje industrial.
"Plaza de San Marcos" (1730)
Canaletto
Puede apreciar los paisajes de la ciudad conociendo las obras de Canaletto, Pieter Bruegel, Fyodor Yakovlevich Alekseev, Sylvester Feodosievich Shchedrin.
Puerto pequeño
Un paisaje marino o puerto deportivo representa la naturaleza del elemento marino, su grandeza. El pintor marino más famoso del mundo es quizás Ivan Konstantinovich Aivazovsky, cuyo cuadro "La novena ola" puede considerarse una obra maestra de la pintura rusa. El apogeo del puerto deportivo se produjo simultáneamente con el desarrollo del paisaje como tal.
"Velero en una tormenta" (1886)
James Butterworth
con los suyos paisajes marinos también son conocidos Katsushika Hokusai, James Edward Buttersworth, Alexey Petrovich Bogolyubov, Lev Felixovich Lagorio y Rafael Monleon Torres.
Si quieres aprender aún más sobre cómo surgieron y se desarrollaron los géneros pictóricos en el arte, mira el siguiente vídeo:
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Los estilos de pintura son un tema muy amplio, se podría decir eterno. Las personas suelen utilizar términos que no comprenden del todo, lo que provoca confusión y confusión. Por eso quiero contaros de forma breve y clara todo lo que sé sobre las tendencias en pintura. Para no convertir el artículo en una aburrida lección de historia, hablaré sucintamente sobre las áreas más populares y relevantes en la actualidad. Estilos de pintura con ilustraciones: convenientes y de manera rápida familiarizarse con las tendencias más importantes de las bellas artes.
gótico
"Altar de la familia Merode". Roberto Campín. Década de 1430.
gótico Es un movimiento artístico que ha abarcado todos los países de Europa occidental y central. Entonces el gótico estaba en todo: en escultura, pintura, vidrieras, etc. se utilizó en todas partes posible, se produjo un “boom cultural”. Esta popularidad se debe al último paso en la evolución del arte medieval. Centro y figura principal. estilo gótico Había arquitectura: arcos altos, vidrieras, muchos detalles. La época romana no pudo resistir tal ataque y permaneció al margen de la historia.
Años: 1150 - 1450.
Bartolo di Fredi, Giotto, Jan Polak, Jan van Eyck.
Renacimiento (Renacimiento)
"La Penitente María Magdalena". Tiziano. Década de 1560.
Renacimiento Surgió a partir de la caída del Imperio Bizantino y del trastorno cultural ocurrido en esta ocasión en Europa. Los bizantinos, que se vieron obligados a huir, junto con los vínculos culturales, trajeron obras de arte y bibliotecas a tierras de Europa. Así, hubo una especie de resurgimiento de las opiniones antiguas, pero en una forma moderna. A lo largo de los años, muchos puntos han sido revisados y cuestionados. En general, reinaban el humanismo secular y las ideas de prosperidad.
Años: 1400 - 1600.
Hieronymus Bosch, Leonardo da Vinci, Tiziano.
Barroco
"Judit y Holofernes". Caravaggio. 1599
Barroco— europeo patrimonio cultural Originario de Italia. Caracteriza la belleza viciosa irónica, el elitismo antinatural y la pretensión. Los rasgos característicos de estas pinturas son el alto contraste, la tensión de la trama y la dinámica de los personajes llevada al límite. Se considera que la quintaesencia del barroco es la iglesia de Santa Maria della Vittoria, ubicada en Roma.
Años: 1600-1740.
Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Jan Vermeer.
Clasicismo
"La misericordia de Escipión el Africano". Pompeo Batoni. 1772
Clasicismo Jugó un papel muy importante en el arte, como movimiento fundamental en la pintura del siglo XVIII. Todo queda claro por el nombre mismo (en latín classicus significa ejemplar, ejemplar).
Los artistas se propusieron el objetivo de presentar al espectador lo elevado y sus pinturas fueron una estrella guía. La alta moralidad, la cultura sobria y los valores antiguos tradicionales se convirtieron en la base del clasicismo. Durante la era del clasicismo en Europa hubo un crecimiento cultural y una revalorización de valores, el arte alcanzó un nivel completamente diferente.
Años: 1700 - 1800.
Karl Bryullov, Jean-Baptiste Greuze, Poussin Nicolas.
Realismo
"Acróbatas itinerantes" Gustave Doré. 1874
Realismo intenta transmitir con la mayor autenticidad el estado de ánimo del momento, un momento de realidad en el lienzo. Pero, a su vez, no está limitado por límites claros; las únicas reglas son que no debe haber lugar en la imagen para cosas que excluyan el realismo. Durante los experimentos de finales del siglo XVIII, este estilo se dividió en naturalismo e impresionismo. Pero el realismo logró sobrevivir y es popular incluso en la pintura moderna.
Años: 1800 - 1880.
William Bouguereau, Gustave Courbet, Jean-François Millet.
Impresionismo
"Impresión. Sol naciente". Claude Monet. 1872
Impresionismo Originado en Francia, este concepto fue introducido por Louis Leroy. Los impresionistas que trabajaron en este estilo querían capturar una segunda impresión de cada objeto o momento que pintaban aquí y ahora, independientemente de su forma y significado. Las pinturas mostraban momentos y momentos exclusivamente positivos y brillantes. Pero más tarde, sobre esta base, comenzaron los desacuerdos entre los impresionistas; con el tiempo, aparecieron maestros que podían dejarse impresionar por los problemas sociales, el hambre y las enfermedades. Sin embargo, el impresionismo es amable y estilo positivo Cuadro que muestra los momentos buenos y brillantes.
Años: 1860 - 1920.
Claude Monet, Édouard Manet, Edgar Degas.
Post impresionismo
"Autorretrato con sombrero de fieltro gris III". Vincent Van Gogh. 1887
Post impresionismo ha absorbido muchos varios estilos y técnico. Los maestros europeos con nuevas opiniones sobre la pintura dieron origen a nuevas tendencias y trataron activamente de alejarse del entonces aburrido impresionismo y realismo.
Años: 1880 - 1920.
Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Roderick O'Conor.
Puntillismo
"Río San Trovaso. Venecia". Cruz de Henri Edmond. 1904
Puntillismo(punto - punto): una dirección estilística en la pintura, que es el mismo impresionismo, solo que en un caparazón diferente. En lugar de trazos irregulares, se utilizaron formas punteadas o rectangulares. Además, los artistas abandonaron la mezcla de colores en la paleta; en cambio, se aplicaron colores puros al lienzo y se mezclaron directamente sobre el lienzo sin tocarse entre sí.
Años: 1885 - 1930.
Henri Edmond Cross, Georges Seurat, Paul Signac.
Modernismo
"Mariposas de cerca". Odilón Redón. 1910
Modernismo - características generales todos los géneros y estilos en la pintura desde 1850 hasta 1950. Incluye direcciones de la pintura como el impresionismo, el expresionismo, el neoimpresionismo y el postimpresionismo, el fauvismo, el cubismo, el futurismo, el arte abstracto, el dadaísmo, el surrealismo y muchos otros. La existencia de estos estilos marca el alejamiento total de las bellas artes del academicismo. Después de dejar el academicismo, se volvió casi imposible realizar un seguimiento de todas las tendencias y estilos que se han formado y se siguen formando.
Años: 1850 - 1950.
Salvador Dalí, Kazimir Malevich, Auguste Renoir y muchos otros.
Academicismo
Academicismo- una dirección en el arte que sigue las reglas y costumbres de la antigüedad y el Renacimiento. El academicismo busca imponer bases y límites claros y excluye la fantasía y el vuelo creativo. Más bien, el énfasis está en mejorar las deficiencias, las “asperezas” de la naturaleza, escondiéndolas o eliminándolas. Mejorar la realidad hacia una percepción bella es la esencia del academicismo. Las tramas suelen estar tomadas de la mitología antigua y también se utilizan motivos bíblicos e históricos.
Años: 1500 - hoy.
Karl Bryullov, William Bouguereau, Fyodor Bruni.
Primitivismo
“En la cocina” Epifaniy Drovnyak. 1940~
Primitivismo– simplificar deliberadamente una pintura hasta tal punto que parezca obra de un niño. Al primitivismo se pueden atribuir varios dibujos e ilustraciones populares. Sólo a primera vista las pinturas parecen simples y absurdas. Pero si miras de cerca, puedes ver las proporciones correctas y el cumplimiento de las reglas de horizonte y composición. La mayoría de los famosos maestros del primitivismo y el arte ingenuo eran grandes admiradores de la historia de su pueblo y su cultura. Por eso todas sus pinturas son ricas en el color de la zona en la que vivieron. Hoy este género se ha transformado en arte ingenuo, a menudo mezclado con simbolismo. Esto se debe al hecho de que el espectador moderno no está preparado para percibir el primitivismo en su forma pura.
Años: 1900 - hoy.
Epifanía Drovnyak, Henri Rousseau, Niko Pirosmanishvili.
Cubismo
"Mujer sentada con un vestido azul ." Pablo Picasso. 1939
Cubismo Es un movimiento del modernismo, utilizado a menudo en relación con la pintura y las bellas artes. Los maestros dividieron sus temas en formas geométricas, dando a cada elemento único su propio sector denso.
Años: 1906 - 1925.
Pablo Picasso, Fernand Léger, Robert Delaunay.
Surrealismo
"La persistencia de la memoria". Salvador Dalí. 1931
El surrealismo es mezclar sueños con realidad. En este estilo, los artistas liberaron sus sueños, mezclando imágenes de la vida real entre sí, combinando cosas incompatibles. Además, se abordaron temas personales de los sueños: miedos, deseos secretos, fantasías inconscientes, complejos. Todo lo que una persona puede ver en sus sueños. Hoy en día, los surrealistas copian la capa exterior, utilizando solo formas hermosas, sin inculcarles el significado característico de los maestros del pasado.
Años: 1920 - hoy.
Salvador Dalí, Max Ernst, René Magritte.
abstraccionismo
"Amarillo rojo azul." Wassily Kandinsky. 1925
abstraccionismo- una dirección en el arte donde se negaba a representar la realidad y la corrección de las formas. El objetivo principal es representar muchas formas coloridas que juntas puedan contar la historia de la pintura. Rusia y Estados Unidos son consideradas la cuna del arte abstracto.
Años: 1910 - hoy.
Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Mondrian.
Expresionismo
"Gritar." Edvard Munch. 1893
Expresionismo se propone una única tarea: transmitir lo que sintió el autor de la imagen en el momento de escribirla. Los artistas de este estilo quieren expresarse a sí mismos y sus sentimientos, por eso el expresionismo es la antípoda del impresionismo, en el que el énfasis está en la expresión de una capa puramente externa. Los expresionistas se caracterizan por una tendencia al misticismo, el pesimismo y el desaliento.
Años: 1890 - hoy.
Egon Schiele, Karl Eugen Kehl, Jerzy Hulewicz.
Arte pop
"Botellas verdes de Coca-Cola". Andy Warhol. 1962
Arte pop — Estilo moderno en el arte, usando símbolos cultura popular y productos de consumo. Ayudó a manipular y combinar objetos. tecnologías modernas Debido a esto, el arte pop fue a menudo criticado por los guardianes de la vieja escuela. Con el tiempo, el arte pop absorbió muchas tendencias en la pintura.
Años: 1950 - 1980.
Andy Warhol, David Hockney, Robert Rauschenberg.
Minimalismo
Gran Cairo. Frank Estela. 1962
Minimalismo Debe minimizar la interferencia del autor con el medio ambiente. El minimalismo significa sólo lo más. puntos importantes. Sus orígenes se encuentran en el constructivismo, el suprematismo y el dadaísmo. Es un género de pintura muy controvertido, debido a las opiniones demasiado minimalistas de algunos autores de este estilo. Hoy en día, las tendencias minimalistas en la pintura se están transformando extremadamente rápido.
Años: 1960 - hoy.
Frank Stella, Carl André, Sol LeWitt.
Hiperrealismo
"Frutas". Jacques Bodin. 2016
Hiperrealismo apareció en relación con la popularización de la fotografía; los artistas estaban interesados en competir con los fotógrafos. Los hiperrealistas crean una realidad alternativa, una ilusión realista.
Años: 1970 - hoy.
Gnoli, Gerhard Richter, Delkol.
Esas son todas las direcciones en la pintura.
Eso es todo lo que podía y quería decir sobre este tema 😉 De hecho, hay muchas más direcciones en la pintura y, sin querer, se desarrollan literalmente todos los días. En este artículo quería hablar de los más populares e influyentes. Si te gustó el material compártelo en las redes sociales, desarrollemos el arte juntos. ¡Gracias por todo tu apoyo!
La pintura es un tipo de bellas artes que consiste en crear pinturas y lienzos que reflejen la realidad de la manera más completa y realista.
Una obra de arte realizada con pinturas (óleo, temple, acuarela, gouache, etc.) aplicadas a cualquier superficie dura, se llama pintura. El principal medio expresivo de la pintura es el color, su capacidad para evocar diversos sentimientos y asociaciones realza la emotividad de la imagen. El artista generalmente dibuja el color necesario para pintar en una paleta y luego convierte la pintura en color en el plano de pintura, creando un orden de color: la coloración. Según la naturaleza de las combinaciones de colores, puede ser cálido y frío, alegre y triste, tranquilo y tenso, claro y oscuro.
Las imágenes del cuadro son muy visuales y convincentes. La pintura es capaz de transmitir volumen y espacio, naturaleza en un plano, revelar el complejo mundo de los sentimientos y personajes humanos, encarnar ideas universales, acontecimientos del pasado histórico, imágenes mitológicas y vuelos de fantasía.
A diferencia de la pintura como una forma independiente de bellas artes, el enfoque (método) pictórico se puede utilizar en sus otros tipos: en dibujo, gráfica e incluso en escultura. La esencia del enfoque pictórico radica en representar un objeto en relación con el entorno espacial de luz y aire que lo rodea, en una sutil gradación de transiciones tonales.
La variedad de objetos y eventos del mundo circundante, cerca.
El interés de los artistas por ellos propició el surgimiento durante el siglo XVII.
Siglos XX Géneros de pintura: retrato, naturaleza muerta, paisaje, animal, cotidiano (pintura de género), mitológico, histórico, géneros de batalla. En las obras de arte puede haber una combinación de géneros o de sus elementos. Por ejemplo, una naturaleza muerta o un paisaje pueden complementar con éxito una imagen de retrato.
Según las técnicas y materiales utilizados, la pintura se puede dividir en los siguientes tipos: óleo, temple, cera (encáustica), esmalte, cola, pinturas al agua sobre yeso húmedo (fresco), etc. En algunos casos, resulta difícil Separe la pintura de los gráficos. Las obras realizadas en acuarelas, gouache y pasteles pueden relacionarse tanto con la pintura como con la gráfica.
La pintura puede ser de una sola capa, de inmediato o de varias capas, incluida la pintura de base y el vidriado, capas de pintura transparentes y translúcidas aplicadas a la capa de pintura seca. De esta forma se consiguen los matices y matices de color más finos.
Medios importantes de expresividad artística en la pintura son, además del color (color), la mancha y el carácter del trazo, el tratamiento de la superficie de la pintura (textura), valores que muestran sutiles cambios de tono según la iluminación, reflejos que Aparecen de la interacción de colores adyacentes.
La construcción de volumen y espacio en la pintura está asociada con la perspectiva lineal y aireada, las propiedades espaciales de los colores cálidos y fríos, el modelado de formas con luces y sombras y la transferencia del tono de color general del lienzo. Para crear una imagen, además del color, necesitas buen dibujo y composición expresiva. El artista, por regla general, comienza a trabajar en el lienzo buscando la solución más exitosa en los bocetos. Luego, en numerosos bocetos pintorescos del natural,
elabora los elementos necesarios de la composición. El trabajo en un cuadro puede comenzar dibujando la composición con un pincel, pintando de base y
pintar directamente el lienzo con uno u otro medio pictórico. Además, incluso los bocetos y bocetos preparatorios a veces tienen un significado artístico independiente, especialmente si pertenecen al pincel. pintor famoso. La pintura es un arte muy antiguo, que ha sufrido una evolución a lo largo de muchos siglos desde las pinturas rupestres del Paleolítico hasta las últimas tendencias pictóricas del siglo XX. La pintura tiene una amplia gama de posibilidades para hacer realidad ideas desde el realismo hasta el abstraccionismo. En el transcurso de su desarrollo se han acumulado enormes tesoros espirituales. En la antigüedad, surgió el deseo de reproducir el mundo real tal como lo ve una persona. Esto provocó el surgimiento de los principios del claroscuro, elementos de perspectiva y el surgimiento de imágenes pictóricas volumétrico-espaciales. Se han abierto nuevas posibilidades temáticas para representar la realidad a través de medios pictóricos. La pintura sirvió para decorar templos, viviendas, tumbas y otras estructuras, y estaba en unidad artística con la arquitectura y la escultura.
La pintura medieval tenía predominantemente un contenido religioso. Se distinguió por la expresión de colores sonoros, principalmente locales, y la expresividad de los contornos.
El fondo de los frescos y pinturas, por regla general, era convencional, abstracto o dorado, encarnando la idea divina en su misterioso parpadeo. El simbolismo del color jugó un papel importante.
Durante el Renacimiento, el sentimiento de armonía del universo, el antropocentrismo (el hombre en el centro del universo) se reflejó en composiciones pictóricas sobre temas religiosos y mitológicos, en retratos, escenas cotidianas e históricas. El papel de la pintura ha aumentado, desarrollándose un sistema de perspectiva lineal y aérea con base científica, el claroscuro.
Apareció la pintura abstracta, que marcó el abandono de la figuratividad y la expresión activa de la actitud personal del artista hacia el mundo, la emotividad y convencionalidad del color, la exageración y la geometrización.
Formas, decoratividad y asociatividad de soluciones compositivas.
En el siglo 20 Continúa la búsqueda de nuevos colores y medios técnicos para la creación de pinturas, lo que sin duda conducirá al surgimiento de nuevos estilos en la pintura, pero la pintura al óleo sigue siendo una de las técnicas favoritas de los artistas.