Symbolisme en sculpture et en peinture. L'histoire de l'image d'un lion en sculpture. Les sculptures de lions les plus célèbres. Les Lions Célestes de Bouddha

20.06.2020

2. Eco U. Travail ouvert. Forme et incertitude dans la poétique moderne. Saint-Pétersbourg : Symposium, 2006.

3. Weawer W. La matematica dell" informazione // Controllo Automatico. Milan : Martello, 1956.

4. Moles A. Théorie de l'information et perception esthétique Paris : Flammarion, 1958.

L'information et le sens du message musical du XXe siècle

On montre la spécificité du processus de communication dans les œuvres des compositeurs du XXe siècle.

Dans l'analyse comparative de deux compositions vocales

(« Une lettre de S. Rakhmaninov à K.S. Stanislavski »

de S. Rakhmaninov" et "Franz Schubert

(à un ami)" D. Argento) c'est prouvé

que l'expansion des significations habituelles

dans les œuvres données à l'aide de la création

les nouveaux codes élargissent la qualité des sens.

Mais l’élargissement de l’information les fait disparaître.

Mots clés : espace médiatique, information à valeur unique et à valeurs multiples, espace d'information, entropie, message artistique, sens musical.

I.V. PORTNOVA (Moscou)

IMAGES-SYMBOLES DANS LA SCULPTURE ANIMALE DU XXe siècle.

Les enjeux du développement de l'art animalier domestique du XXe siècle sont abordés. L'interprétation de l'auteur des images-symboles animaliers en sculpture est donnée.

Mots clés: image-symbole, langage symbolique, sculpture animalière.

A la fin des années 50 du XXe siècle. la relation entre la nature et l'homme commence à être considérée dans les beaux-arts en aspect philosophique. Ce thème se retrouve dans la peinture des années 1960 puis dans la sculpture. Dans sa solution, l'art animalier recourt souvent au langage symbolique, à la métaphore, s'efforce de généraliser et utilise également de nouvelles possibilités plastiques.

Sur tournant du 19ème siècle- XX siècles, à l'ère des grandes découvertes scientifiques, le sens sacré de la nature ne disparaît pas. Les découvertes scientifiques suscitent de nouvelles questions, la nature apparaît sous une nouvelle qualité. L’univers est désormais considéré comme une grande idée plutôt que comme un grand mécanisme. Sous le regard d’un observateur attentif, la nature est toujours spirituelle, indissociable des pensées et des sentiments humains, et elle est aussi source d’inspiration pour les artistes, les écrivains et les philosophes. La plupart des concepts esthétiques considèrent la nature comme une entité précieuse en soi, une source d’images et de symboles artistiques.

Pour comprendre le concept d’image-symbole, il est nécessaire de considérer le point de vue des artistes sur le monde naturel. V. Vatagin, B. Vorobyov, D. Gorlov ont un respect presque religieux envers les animaux. Avec beaucoup de nostalgie, V. Vatagin rappelle le culte des animaux dans l'Antiquité : « L'animal est ici tenu en haute estime, comme dans les icônes, traité comme une divinité... chaque mouvement était rempli de sens intérieur, contenant le "âme" d'un être vivant. L'artiste parle des caractéristiques de la peinture animalière égyptienne : « Dans l'art égyptien, une image d'un animal est apparue devant moi, profondément généralisée et pleine de signification, les mouvements des animaux sont pleins de calme et de dignité, et les poses sont fermées sur elles-mêmes. - immobilité absorbée et solennelle, les silhouettes sont capturées par une ligne exquise et maigre, il n'y a rien de superflu et de hasard, violant l'harmonie de l'ensemble » (cité de :). I. Efimov note la valeur de l'image animale dans l'art oriental ancien : « Les maîtres orientaux regardent le modèle extrêmement longtemps et en extraient toute la valeur. D. Gorlov note les fondements naturels de l'image animalière dans l'art populaire : « La capacité des artistes populaires à transmettre l'essence rythmique de ce qui est représenté, à généraliser conditionnellement l'image, permet à son tour de peindre conditionnellement, augmentant l'intensité de couleur, sans perdre le sens de la vie. La capacité de conserver une image généralisée dans le domaine de l’association complète avec le vivant, sans la transformer en dessin animé ou en caricature.

DANS Art ancien l'animal était au centre de l'attention des artistes, et l'image

Les mots étaient convaincants et remplis d’une grande force intérieure et d’une grande signification. Comme on le sait, dans ces cultures, l’image des animaux avait un caractère et une signification principalement magiques et rituelles. Dans l'art animalier du 20e siècle. le côté divin du culte, qui donnait à la bête une force inébranlable et une certaine « sainteté », transformé en symbole, en hommage au passé. Pour l’artiste, le sens de ce pouvoir diffusé dans la nature est plus important. Ainsi, la stylisation dans l’esprit des cultures anciennes n’est pas seulement un hommage à leur langage expressif, mais aussi une envie de revoir l’animal dans toute sa beauté naturelle. Les sculpteurs se concentrent sur l’art animalier ancien non seulement pour admirer le passé, mais aussi pour confirmer son importance aujourd’hui. scène moderne comme base solide et riche source d’inspiration pour la peinture animalière contemporaine.

Dans l'art animalier ancien, artistes du 20ème siècle. a vu la valeur symbolique particulière de la nature, qui peut être interprétée au stade actuel. Un symbole dans l'art est une idée holistique réalisée dans le cadre de la ligne principale du design. Cette ligne était la généralisation des connaissances humaines sur le monde naturel et les animaux. En fin de compte, le but d’un tel traitement était de résoudre le problème humain universel. problèmes moraux. Au début du XXe siècle, après avoir étayé le principe de relativité, A. Einstein a fait une découverte exprimant une nouvelle conscience d'une personne qui présentait désormais une image différente du monde, qui commençait à être perçue comme holistique, indépendamment de la sphère de connaissance - scientifique, historique ou artistique. Animaliste moderne se donne pour tâche d'identifier l'imagerie holistique d'un symbole dans une variété infinie de textures, faisant de la couleur, de la lumière et de la texture du matériau un élément d'une image expressive unique d'un son philosophique. Ainsi, l'image sculpturale des aigles de A. Belashov porte le cachet de « l'éternité » et de la plénitude de la vie. Le sculpteur répète l'image préférée d'un aigle sur de grandes feuilles de papier, en la dessinant au crayon ou à l'aquarelle. Sa silhouette solide et laconique contraste avec le champ blanc du papier, tout comme elle l'était dans la nature sur le fond. ciel bleu ou sur des corniches rocheuses. Ici, c'est clairement révélé

un lien s'établit entre le type et le prototype antique, l'image avec le prototype. En même temps, il est perçu comme une réalité tirée de la vie.

Dans l'esprit de la sculpture égyptienne antique, exprimant la signification de la bête totémique, les œuvres de M. Fokin sont présentées. La structure artistique des images de L. Gadaev est également épique. Il transmet la valeur de la vie elle-même, en utilisant un symbolisme philosophique et allégorique. « Pendant longtemps, dans notre conscience artistique, le réalisme et la représentation de la vie dans les formes de vie elles-mêmes étaient inextricablement liés. Mais au milieu des années 70, à mesure que l’intérêt pour la philosophie grandissait, compréhension artistique processus de la vie, la critique a commencé à parler d’une approche intellectuelle particulière, de paraboles et de mythologie comme formes légitimes de représentation réaliste de la réalité. Les œuvres de L. Gadaev sont des paraboles. Il y a chez eux un désir palpable de dépasser le caractère illustratif en reflétant les phénomènes profonds de la réalité. Réagissant aux problèmes de l'époque, l'artiste se forme sa propre conception de l'homme, du monde, de la nature, en utilisant formes symboliques, s'efforçant ainsi de créer des images artistiques à un niveau de généralisation plus élevé que dans le réalisme traditionnel. Il y a une sorte d'ajout unique au contenu spécifique de l'œuvre avec des moments d'humanité universelle. En atteignant cet objectif, l'artiste a développé son propre style artistique : « Il n'y a aucune liberté dans son modelage, pas un seul trait super efficace, pas d'excès dans le modelage : l'« écriture » de Gadaev est exempte à la fois de détails minutieux et de jeux de clair-obscur accentués. On peut plutôt parler d’une gravitation vers des formes archaïques, qu’il considère comme l’incarnation de l’esprit de formation, de développement, d’incomplétude.

L'image-symbole est particulièrement organique dans la sculpture monumentale et décorative des artistes animaliers. De par sa nature, ce type d'art plastique est sujet à la généralisation, se concentre sur la perception de la silhouette et le caractère décoratif et est conçu pour résoudre des problèmes artistiques avec un moindre degré d'individualisation de l'image. « Dans la combinaison même de « sculpture monumentale et décorative » réside une subtile interconnexion de significations. Le caractère décoratif est une propriété contenue dans la chose elle-même et la représentant qualitativement (texture, couleur, généralisation de l'image).

pour et son interprétation conventionnelle, son expressivité compositionnelle et plastique, etc.), dans ce tandem s'entend plus largement et se révèle en lien avec les tâches de l'art monumental. Ici, de nombreux paramètres supplémentaires pour résoudre une œuvre entrent en compte : échelle, distance du spectateur, symbolisme idéologique, corrélation. divers matériaux en interaction, leur place dans l'ensemble avec d'autres types d'art et la nature de leur inclusion dans l'environnement spatial. Dans ce cas, le caractère décoratif agit comme le facteur organisateur le plus important dans la synthèse des arts, étant une qualité intégrale de l’équilibre des parties et de la réalisation de l’harmonie globale. Ici, l'image animalière prend le caractère d'un grand monument monumental. idée significative. Dans la synthèse d’autres formes d’art, il semble encore plus majestueux. Dans les sculptures monumentales de P. Balandin, comme dans ses œuvres de chevalet, la force des formes animales est palpable. Grandes tailles et la généralité de la plasticité rendent cette sculpture monumentale au sens plein du terme, l'élevant au rang de symbole naturel. A. Kardashev définit l'essence de l'image animalière dans sa forme naturelle : la belle lisibilité de la silhouette des figures animales, l'expression d'une silhouette stricte, presque classique, un certain ennoblissement de son apparence rendent la sculpture monumentalement significative - un idéal-symbole de la perfection. Ici, A. Kardashev s'est inspiré des traditions du monument animalier, qui ont une longue histoire à l'étranger et dans notre pays.

Selon leur propre principes créatifs V. Vatagin est le plus proche de P. Balandin. D'où la similitude bien connue des manières créatives des sculpteurs travaillant sur de grands plans. L’art du monument est également proche de la vision du monde de Vatagin. Un exemple sont les figures d'animaux qu'il a réalisées à l'entrée du zoo de Moscou : « Ours » (béton, 1932) et la porte d'accompagnement compositions sculpturales"Monkey" et "Wolverine" (béton, 1932). La surface convexe du portail représente deux reliefs : sur l'un, une antilope qui court, sur l'autre, un renne. A l'entrée de l'ancien territoire du zoo, Vatagin a placé deux grandes figures de lions (en béton, 1936, les sculptures n'ont pas survécu). Ces œuvres dégagent une sorte de puissance primordiale, révèlent des

n'importe quelle couche de la vie. Le présent et le passé semblent se rencontrer. L'idée d'intégrité, de « cosmogonie », pertinente pour les anciens, reprend possession de la conscience l'homme moderne. Ce processus se caractérise par la recherche d’un grain rationnel dans la relation « nature-homme ».

Le thème de l’homme et de la nature a intéressé les artistes à différentes étapes du développement de l’art russe. Cet intérêt a déterminé de nombreux concepts créatifs de notre époque. Au tournant des années 1950 et 1960, la formation d'une vision du paysage commence dans la sculpture, ce qui influence son destin futur. Cette tendance apparaît pour la première fois en peinture, où le paysage constitue un genre important tout au long du siècle. Avec son interprétation directe - l'image de la nature dans " forme pure", c'est devenu un domaine important dans lequel se reflétait la conscience spirituelle d'un contemporain. Dans la peinture du « style sévère » (années 1950-1960), le paysage agit comme une sorte d’accompagnement à la confrontation entre l’homme et la dure nature. De nouveaux motifs paysagers qui n'avaient pas été représentés auparavant sont apparus dans les peintures des peintres. La nature a commencé à être interprétée comme quelque chose en corrélation avec les actions d'un nouveau héros-créateur, un ouvrier, dont l'objectif principal était la conquête et la transformation du monde environnant, et non le souci de préserver sa beauté et non le désir d'admiration contemplative. de nature. Cette tendance s'est également développée en sculpture.

Avec cette ligne dans peinture de paysageà la fin des années 1950, la pensée poétique commence à s’établir. Le paysage devient un représentant de l'expression lyrique et nationale des images significatives. Le thème de l’homme et de la nature résonne clairement dans la sculpture. Les artistes ont besoin d'inclure des éléments dans la sculpture environnement naturel, ce qui donnera lieu à certaines associations, et la structure compositionnelle et plastique de la sculpture elle-même deviendra plus spatiale. Il y a eu un déplacement de l'attention vers le monde naturel, une prise de conscience de sa fragilité, reflet de la beauté subtile du monde naturel, de sa variabilité constante. Le romantisme de l'exploit de travail a été remplacé par le lyrisme de la contemplation poétique de l'homme et des animaux sur fond de nature. L'attention des artistes se porte de plus en plus sur le spirituel -

questions morales. Le thème de la relation entre l’homme et la nature est devenu encore plus pertinent dans les années 1970-1980. Ce thème est associé à l'avenir de l'humanité, à la prise de conscience du fait que les animaux sont de plus en plus victimes de la civilisation, et non des habitants libres. environnement. L'idée de préserver la nature vivante, condition de l'existence humaine, est affirmée avec persistance. Si dans les années 1950-1960 un lien efficace, quoique unidimensionnel, entre l'homme et la nature a été affirmé et que l'unité a été soulignée dans le contexte d'efforts créatifs, alors dans la seconde moitié du XXe siècle. la question de la relation entre l'homme et la nature est devenue profondément caractère philosophique. Dans les années 1980 et 1990, la nature et les animaux sont devenus le sujet d’une réflexion humaine sérieuse. Sur cette base, dans les tentatives de comprendre les modèles de la vie humaine, les liens entre le passé, le présent et le futur, naissent des généralisations philosophiques que les artistes expriment symboliquement dans la sculpture.

Littérature

1. Vataguine V.A. Image d'un animal. M., 1957. P. 247.

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3. Efimov I.S. À propos de l'art et des artistes. M., 1977. P. 97.

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6. Lazar Gadaev. Sculpture. Catalogue d'exposition / entrée. Art. S.B. Bazaziants. M., 1989. P. 6.

7. Nurmanbekova D.N. Problèmes du réalisme comme méthode créative dans l'esthétique soviétique (histoire et modernité). M., 1990. P. 102.

8. Lettre de Gorlov à D. Babenchikov. 1956 // RGALI. F. 2094. Op.1. Unité heure. 24.

Images-symboles dans la sculpture animalière du XXe siècle

On examine les questions

du développement de l'animalité russe

art du XXe siècle. On y donne également le nom de l'auteur

vue sur les images-symboles animaliers en sculpture.

Mots clés : image-symbole, langage symbolique, sculpture animalière.

O.P. MALKOVA (Volgograd)

SPÉCIFICITÉ DE LA RÉUNION DE I.I. MACHKOV AU MUSÉE DES BEAUX-ARTS DE VOLGOGRAD *

Donné une brève description de collections de peintures et d'œuvres graphiques de I.I. Machkov dans la collection du Musée des Beaux-Arts de Volgograd. L'histoire, la composition, aspects théoriquesétudier la collection.

Mots-clés : russe peinture soviétique, avant-garde, primitivisme, réalisme socialiste, « Valet de carreau », I.I. Machkov.

Le nom d'Ilya Ivanovitch Machkov (1881 -1944) ne peut cependant pas être considéré comme oublié. conscience de masse il est le plus souvent perçu comme un peintre des années 1910, l'un des chefs de file du « Valet de Carreau ». De nombreux aspects de ses activités restent mal compris, notamment créativité ultérieure, ainsi que des œuvres situées dans des musées provinciaux. Le Musée des Beaux-Arts de Volgograd (VMIF) possède l'une des collections régionales les plus riches et les plus originales d'œuvres de I.I. Machkova. L'éventail de la littérature consacrée aux œuvres de Machkov du musée de Volgograd est très limité. Attention particulière Le lien du musée avec son œuvre était initialement dû au fait que l'artiste est né le 29 juillet 1881. dans le village de Mikhailovskaya (qui fait maintenant partie du district d'Uryupinsky de la région de Volgograd).

Grande importance Il y a le fait que toutes les œuvres sont arrivées au VMII depuis l’atelier de l’artiste, ce qui a éliminé les doutes sur leur authenticité. La collection a débuté en 1964, lorsque, lors de l'organisation du musée, deux petites natures mortes, « Cerisier » (1939) et « Nature morte sur fond bleu » (années 1930), ont été transférées par la Direction des Fonds d'Art. Toutes les autres œuvres ont été reçues à des époques différentes des héritiers de l’artiste.

* L'article a été préparé avec aide financière RGNF et l'Administration de la région de Volgograd. 09-04-20404 a/v « Etude approfondie de la personnalité créatrice de I.I. Mashkov (basé sur les œuvres du Musée des Beaux-Arts de Volgograd, des documents d'archives et d'expédition).

Signes et symboles Depuis les temps primitifs différentes sortes les images (sculpturales, picturales, graphiques) étaient des codes iconiques et symboliques utilisés par les peuples anciens pour accomplir des rituels, préserver et transmettre des informations. Tout son, geste, chose, événement significatif peut être soit un signe, soit un symbole.

Signes et symboles Les signes sont des symboles généralement acceptés pour des objets, des phénomènes et des actions. Des exemples de signes incluent panneaux routiers ou des symboles sur cartes géographiques, des sons SOS ou des sirènes d'ambulance, des gestes variés, etc.

Signes et symboles Un symbole peut être désigné par un nombre, une propriété ou une forme. Par exemple, le chiffre 7 est un symbole de perfection et de complétude (sept jours dans chaque phase de la lune, sept couleurs de l'arc-en-ciel, sept notes, sept jours de la semaine, sept vertus, sept péchés capitaux, sept sacrements). Jérôme Bosch(ok) Sept péchés capitaux

Signes et symboles L'art parle aux gens dans le langage des symboles. Un symbole dans l’art est une image artistique qui incarne une idée. Un symbole, comme une énigme, a des significations multiples ; ses significations peuvent se révéler indéfiniment, contrairement à un signe, qui est compris par tous de la même manière. La profondeur de la compréhension d’un symbole dépend de la capacité d’interprétation d’une personne, de son érudition et de son intuition. Jérôme Bosch (à proximité) Triptyque Jardin des Délices terrestres.

Signes et symboles de S. Botticelli « L'Annonciation » Il y a eu des époques de l'histoire où les gens se tournaient particulièrement souvent vers les symboles de l'art. Au Moyen Âge, l'aspiration de l'homme à Dieu présentait un intérêt particulier. Par conséquent, les choses qui entouraient une personne n'intéressaient l'artiste que dans la mesure où elles étaient liées au sens des Saintes Écritures. De nombreuses peintures médiévales représentent une coupe, des raisins (du vin) et du pain, symboles du sacrement de communion ; Les fleurs de lys ou d'iris sont un symbole de la Mère de Dieu.

Signes et symboles Le choix de la couleur et de la couleur est aussi symbolique : le rouge-marron était un symbole de tout ce qui est terrestre (argile, terre) ; la couleur rouge du sang sacrificiel versé, le feu de la foi ; le bleu ou le bleu symbolisait tout ce qui était céleste et saint ; UN couleur verte l'espoir, la couleur de la vie, symbole de consolation, de renaissance à une nouvelle vie. Trinité. Andreï Roublev.

Signes et symboles du XVe siècle. Les choses représentées sur l’image sont dotées d’un double sens à la fois religieux et quotidien. Le symbolisme divin traditionnel du Moyen Âge se poursuit dans le religieux. Dans la vie quotidienne, la signification habituelle d’une chose dans la vie quotidienne d’une personne se manifeste.

Giusappe Recchi. Nature morte avec cinq sens. Giuseppe Recchi, maître des natures mortes, a résolu ce problème en véritable adepte du laconisme en un seul tableau. Sur une petite table, il disposa plusieurs objets qui personnifiaient les cinq sens de l'homme : un luth - ouïe, un cahier de notes - vision, un plat d'izheyu - goût, une longue-vue et des verres - un autre rappel de vision, des fleurs - odeur . Pour personnifier le sens du toucher, une petite boîte a été laissée. Dans l'art de Naples, les peintures sur les thèmes des cinq sens humains - l'ouïe, la vue, le goût, l'odorat, le toucher - occupaient leur place. De célèbres tableaux José de Ribera sur le même sujet. Pour Ribera, le sens du toucher était personnifié par un sculpteur aveugle, l'odorat par un paysan à l'ail et l'ouïe par une jeune fille joyeuse avec un tambourin. Il y avait une image distincte pour chacun des sentiments.

Y. Van Streck. Vanité des Vanités De nombreuses œuvres du XVIIème siècle. sont de nature symbolique, qui est souvent véhiculée par les objets qui y sont présentés : verres de vin, pain, poisson, fleurs fanées, montres, etc. Parfois des objets ordinaires, inhabituellement combinés dans une même composition, représentent des codes figuratifs difficiles à démêler. Ceci est particulièrement caractéristique de la diffusion au XVIIe siècle. une nature morte appelée vanitas (vanitas vanité des vanités) et rappelant à une personne la fragilité de son existence.

Le crâne rappelle le caractère inévitable de la mort. Le crâne rappelle le caractère inévitable de la mort. Bulles de savon - la brièveté de la vie et la soudaineté de la mort ; une référence à l’expression homo bulla « un homme est une bulle de savon ». Bulles de savon - la brièveté de la vie et la soudaineté de la mort ; une référence à l’expression homo bulla « un homme est une bulle de savon ». des tasses, jouer aux cartes ou des dés, les échecs (rarement) sont le signe d'une erreur le but de la vie, la recherche du plaisir et d'une vie pécheresse. Les tasses, les cartes à jouer ou les dés, les échecs (rarement) sont le signe d'un objectif de vie erroné, d'une recherche de plaisir et d'une vie pécheresse. Les montres sabliers et mécaniques représentent la fugacité du temps. Les montres sabliers et mécaniques représentent la fugacité du temps. Instruments de musique, notes, brièveté et caractère éphémère de la vie, symbole des arts. Instruments de musique, notes, brièveté et caractère éphémère de la vie, symbole des arts. Les armes et les armures sont un symbole de pouvoir et de puissance, une désignation de ce qui ne peut pas être emporté avec vous dans la tombe. Les armes et les armures sont un symbole de pouvoir et de puissance, une désignation de ce qui ne peut pas être emporté avec vous dans la tombe. Couronnes et diadèmes papaux, sceptres et orbes, couronnes de feuilles sont des signes d'une domination terrestre passagère, opposée à l'ordre mondial céleste. Couronnes et diadèmes papaux, sceptres et orbes, couronnes de feuilles sont des signes d'une domination terrestre passagère, opposée à l'ordre mondial céleste.

Balthasar van der Ast « Corbeille de fruits » Si nous supposons que les pommes symbolisent ici la victoire sur le péché et que les insectes et les lézards étaient souvent associés au mal, alors cette peinture habituelle a beaucoup de symbolisme déguisé. La présence de défauts et de trous de ver, de papillons, de libellules et de mouches est très inhabituelle pour les natures mortes. L'intrigue - un lézard rongeant une pomme tombée d'un panier se transforme en une scène de lutte entre le bien et le mal.

Kiprensky Orest Adamovich - Portrait d'Ekaterina Sergeevna Avdulina. Avdulina porte un collier de perles. Les perles dans le symbolisme chrétien signifient à la fois richesse spirituelle, chagrin et tristesse. Et si Avdulina elle-même est l'incarnation de la jeune beauté et de la spiritualité fragiles, alors les nuages d'orage sombres et la route, à peine visible au crépuscule, s'élevant doucement vers le haut de la colline, symbolisent le chemin difficile de la vie et évoquent l'idée de la fragilité et l'absence de défense de la beauté spiritualisée dans notre monde difficile. En travaillant sur le portrait, l'artiste a été envahi par des pensées tristes, qui peuvent être brièvement exprimées dans les mots de Friedrich Schiller : Tout ce qui est beau périt dans meilleure couleur, Tel est le lot de beauté du monde. Un éventail enroulé et descendu dans la main symbolise la disparition.

Symboles en architecture. Par exemple, le symbolisme des églises orthodoxes est très expressif. Le nombre de chapitres sur le temple est également symbolique. Si un temple a un dôme, cela signifie qu'il est dédié au Seigneur Jésus-Christ. Deux chapitres nous rappellent la double nature du Christ : Dieu et Homme. Les trois têtes du temple indiquent les trois faces de la Sainte Trinité ; Les cinq chapitres signifient Jésus-Christ et les quatre évangélistes ; sept chapitres de sept saints sacrements et sept conciles œcuméniques ; treize Jésus-Christ et 12 apôtres.

Autoportrait au chapeau de feutre. Van Gogh Vincent.. Portraits, paysages, natures mortes, scènes de genre de Vincent van Gogh () reflètent son âme rebelle, indépendante des canons et des normes, solitaire.

V.Van Gogh. Nuit étoilée. Ses œuvres sont empreintes d’un sentiment aigu d’anxiété et de confusion. Le monde intérieur complexe de l’artiste est souvent révélé à travers des symboles. Van Gogh a cherché à refléter le contenu à l'aide de couleurs expressives et psychologiquement riches.

Symboles en peinture. "J'ai essayé d'exprimer les terribles passions de l'homme en rouge et vert", a déclaré l'artiste. L'intensité émotionnelle a été intensifiée à plusieurs reprises grâce à la technique utilisée par le maître de l'application de la peinture avec de petites lignes pointillées et au rythme ondulatoire de leur mouvement. V.Van Gogh. Nature morte au laurier-rose V. Van Gogh. Église d'Auvers

Symboles en peinture. P.Picasso. Instruments de musique. P.Picasso. Violon. Pablo Picasso a également utilisé le symbolisme dans ses œuvres (). Les personnages de ses natures mortes étaient souvent des instruments de musique. Peut-être est-ce dû à la sophistication de leurs formes, ou peut-être au désir de synthétiser la peinture et la musique.

Symboles dans la musique de N. Paganini « Mouvement perpétuel » Le symbole de l'incarnation de l'image du « mouvement perpétuel » est devenu les pièces instrumentales « Perpetuum mobile » (« Mouvement perpétuel ») de divers compositeurs : N. Paganini, F. Mendelssohn , N. Rimsky-Korsakov et autres. L'art musical nous parle dans le langage des sons et est rempli de secrets. Avec une variété et une profondeur étonnantes, à travers un système de signes et de symboles, la musique exprime le monde le plus riche des sentiments humains. Même un seul son, prenant en compte tous ses aspects de hauteur, de durée, de timbre et de volume, est une intonation de signe. Cela peut indiquer de la timidité ou de la confiance, de la contrainte ou de la liberté, de la tendresse ou de l'impolitesse.

Symphonie 5 de L. Beethoven Symphonie 5 de L. Beethoven. Un signe musical qui devient un symbole peut être appelé le motif du destin, l'intonation du grain à partir de laquelle naît toute la Symphonie 5 de L. Beethoven. Et de tels exemples dans art musical un tas de. Symphonie 5 de L. Beethoven Les hymnes nationaux sont des symboles musicaux qui incarnent l'unité du peuple, sa culture et la fierté de son pays.

Devoirs Sélectionnez des œuvres musicales, poétiques ou artistiques qui, à travers le langage des signes et des symboles, raconteraient un événement de votre vie, quelque chose qui a marqué votre mémoire et votre âme. Sélectionnez des œuvres musicales, poétiques ou artistiques qui, à travers le langage des signes et des symboles, raconteraient un événement de votre vie, quelque chose qui a marqué votre mémoire et votre âme.

Histoire de l'épée.

Dans l’histoire du monde, l’origine de l’épée est cachée sous l’épaisseur impénétrable des siècles. Une épée est un type d'arme blanche à lame droite, destinée à trancher ou à trancher et poignarder, dans le plus dans un sens large- un nom collectif pour toutes les armes blanches à lame droite.

Depuis l'Antiquité, des épées de formes diverses sont connues : courtes et longues, larges et étroites, droites et courbées, légères et lourdes, à deux mains. À l'âge du bronze, les épées étaient en bronze, à l'âge du fer, respectivement, en fer.

L'épée se compose des parties suivantes : lame, poignée, pommeau et garde. La combinaison du manche, de la garde et du pommeau s'appelle la poignée. (Fig. 1)

Une garde est une pièce qui protège la main d’un combattant. Dans la plupart des lames médiévales, il a la forme d'un réticule, mais il existe également des gardes en forme de coupe (comme les rapières), en forme de bloc (comme le glaive) ou même en forme de filet.

Le pommeau (également appelé tête) est un poids placé à l'extrémité de l'épée opposée à la lame. A généralement une forme plus ou moins sphérique. Il est nécessaire d'équilibrer l'arme : de déplacer le centre de gravité de l'épée de son milieu plus près de la main.

De quoi est faite une épée ?

Image 1

Il n’est probablement pas nécessaire d’expliquer ce que sont une lame et une poignée. Je remarque que les lames diffèrent principalement par leur forme, leur longueur et leur méthode d'affûtage. Par exemple, la plupart des lames européennes du Moyen Âge étaient à double tranchant et affûtées à la fin, mais ce n'est pas du tout nécessaire. Le bord tranchant latéral de la lame est appelé la lame et l'extrémité perçante est appelée la pointe.

Pendant de nombreux siècles, l’épée est restée le type d’arme le plus redoutable et le plus vénéré. L’extraordinaire popularité de l’épée a ses raisons. Même si un coup d'épée ne peut être comparé à une hache en termes de force pénétrante et mortelle, et que le rayon de menace ne peut être comparé à une lance ou à une hache, l'épée présente plusieurs avantages sérieux.

Un guerrier avec une épée se fatigue beaucoup moins qu'un guerrier avec une arme déséquilibrée. Un coup consomme une petite fraction de l’énergie nécessaire pour balancer une hache.

Il est pratique de parer les coups avec une épée - en tout cas plus pratique qu'avec une arme d'hast, qui a tendance à se briser. L'épée aide son propriétaire à se défendre. L'épée est une arme rapide. Même en coupant, il reste assez maniable. Conséquence importante de tout cela : une épée est meilleure que de nombreux types d'armes pour vous permettre de prendre un avantage en matière de technologie de combat.

Les guerriers de l'Antiquité et du Moyen Âge romantique voyaient dans l'épée non seulement une bande de métal aiguisé qui apporte la mort, mais quelque chose de plus - un ami fidèle, souvent doté propriétés magiques, et le traitait avec respect, comme un être vivant.

Au début du Moyen Âge, le forgeron était considéré comme une créature extraordinaire, proche du sorcier, sans doute en raison de sa capacité à fabriquer des armes et à forger des épées.

Symbolisme de l'épée.

En tant qu'arme principale, l'épée était un symbole de guerre, de force et de puissance, et en tant qu'instrument principal du « jugement de Dieu » - la plus haute justice et justice. Et ce ne sont que les significations symboliques les plus importantes et généralement acceptées de l'épée. Pour de nombreux peuples qui adoraient son pouvoir magique, l’épée signifiait également l’intelligence divine, la perspicacité, le pouvoir, le feu, la lumière, la division ou la mort. Perdre une épée au combat équivalait à perdre de la force, donc une épée brisée symbolisait la défaite.

DANS mythologie de nombreuses divinités sont armées de redoutables épées punitives. L'hindou Vishnu, par exemple, était représenté avec une épée flamboyante à la main. Mais Ruevit, le dieu de la guerre parmi les Slaves baltes, a surpassé tout le monde à cet égard : jusqu'à sept épées sont accrochées à sa ceinture, et la huitième est levée dans sa main droite.

L'une des anciennes légendes grecques a donné naissance à une nouvelle signification symboliqueépée. Un certain Damoclès, favori du tyran syracusain Denys, enviait autrefois ouvertement la richesse, le pouvoir et le bonheur de son patron. Pour donner à Damoclès une véritable idée de la position et du sort des monarques, Denys a échangé sa place avec lui pendant une journée. Damoclès était assis à la place royale pendant la fête, mais une épée était suspendue au-dessus de sa tête à un crin de cheval. C’est alors que l’envieux se rendit compte du caractère illusoire du bonheur des porteurs de couronne. Depuis lors, l’expression « épée de Damoclès » est devenue le symbole d’un danger imminent et menaçant.

DANS épopée héroïque les épées sont nécessairement dotées d'un pouvoir magique. Une place particulière dans le folklore est occupée par l'épée du trésor, le samoseek - une arme merveilleuse qui assure la victoire sur les ennemis. Mais il est très difficile d’obtenir une telle épée : il faut d’abord la trouver quelque part au loin, dans un tumulus, puis mener une bataille difficile avec le fantôme de l’ancien propriétaire de l’épée. Ilya Muromets a dû vaincre le héros Sviatogor, un gigantesque géant qui soutenait le ciel avec sa tête, afin de prendre possession de son épée au trésor. Le héros allemand Beowulf s'est précipité dans une piscine profonde, où l'attendait un terrible monstre féminin, et dans un antre sous-marin, il a trouvé une épée géante rougeoyante de l'intérieur, avec l'aide de laquelle le héros courageux a vaincu un ennemi monstrueux, invulnérable aux attaques conventionnelles. armes. Siegfried tua 700 Nibelungs, deux géants, et vainquit le méchant nain Albrich dans un duel difficile avant que la merveilleuse épée Balmung ne soit entre ses mains.

Les épées enchantées ne sont remises entre les mains de personne sauf celles à qui elles sont destinées. Seul Arthur, héritier du roi Uther Pendragon de Grande-Bretagne, parvient à retirer l'épée enchantée de l'enclume. L'épée du chevalier tragiquement décédé Balin, le sorcier Merlin, par le pouvoir de la magie, l'enferma dans un morceau de marbre, et personne, à l'exception du chevalier sans péché Galahad, à qui elle était destinée, ne put, par quelque effort que ce soit, l'enlever du pierre.

Parfois, les épées magiques étaient un cadeau des dieux ou d’esprits puissants. Le roi Arthur reçut Excalibur directement des mains de la Dame du Lac. Non seulement l'épée elle-même, mais aussi son fourreau étaient dotés de propriétés miraculeuses : ceux qui les portaient au combat ne pouvaient pas perdre une goutte de sang.

Les épées, animées par le pouvoir de la magie, se comportaient comme des êtres vivants intelligents. Incitant le propriétaire à se battre ou à se venger, ils sonnèrent et sortirent eux-mêmes de leur fourreau, n'acceptant pas de revenir en arrière avant d'avoir goûté le sang de l'ennemi. Anticipant la mort du propriétaire, l’épée s’est estompée et s’est couverte de sueur sanglante. Si un chevalier commettait un acte qui entachait son honneur, l'épée, refusant de servir les indignes, rouillait, se cassait ou tombait simplement de ses mains.

L'épée servait généralement son propriétaire jusqu'à sa mort. Un chevalier mourant et ensanglanté cassait son épée pour qu'elle « meure » avec lui et n'aille pas vers l'ennemi. Mortellement blessé, Arthur ordonne à son camarade de jeter Excalibur dans les eaux d'un lac magique. Roland, sentant l'approche de la mort, tente de briser Durandal sur les pierres, mais sa magnifique épée ne s'émousse même pas, rebondissant sur les blocs de granit avec un bruit de sonnerie, puis le chevalier frénétique tombe sur l'épée et, la recouvrant de son propre corps, meurt. Cependant, parfois l'épée légendaire, anticipant une rencontre avec un nouveau héros et de nouveaux exploits étonnants, refuse obstinément de mourir et attend dans les coulisses dans un tumulus ou dans une grotte sombre et profonde.

DANS religion, notamment dans le christianisme, l'épée reçoit parfois les interprétations symboliques les plus inattendues. Ainsi, dans l’Apocalypse, une épée à double tranchant, symbole de la sagesse et de la vérité divine, sort… de la bouche du Christ lui-même. Dans le livre de la Genèse, l’épée ardente du chérubin biblique, gardant le chemin de l’Éden, est un symbole de purification. L'épée est tenue dans la main d'un des cavaliers de l'Apocalypse, personnifiant la guerre.

Dans le bouddhisme, l’épée est considérée comme une arme symbolique de sagesse, coupant l’ignorance. En Chine, une épée entre les mains de dieux gardiens est considérée comme un talisman pour toute la famille : le soir du Nouvel An, les Chinois accrochent des affiches avec des images de ces dieux sur les portes de leurs maisons.

Dans l’iconographie d’Europe occidentale, où l’épée apparaît avant tout comme un instrument du martyre, elle est un attribut de nombreux saints. L'épée transperce la poitrine de St. Justine, Euphémie et Pierre le Martyr, le cou de Lucie et d'Agnès, la tête de Thomas Becket et un livre entre les mains de Sainte. Boniface, qui tomba également par l'épée. Cette triste rangée est clôturée par l'image de la Vierge Marie, dont la poitrine est transpercée de sept épées à la fois - les sept douleurs de la Mère de Dieu.

Peut-être que dans les mains d'un seul saint catholique, Martin de Tours, l'épée a une signification sémantique complètement différente. Selon la tradition de l'Église, Martin, qui rencontra sur la route un voyageur mouillé et glacé, coupa son manteau en deux avec une épée pour protéger le pauvre homme des intempéries. Dans ce cas, l’épée est un symbole de division, de participation et de bonté.

Dans l'orthodoxie byzantine, les guerriers-martyrs romains, défenseurs de la foi chrétienne, sont particulièrement vénérés : Artémius d'Antioche, Dmitri de Thessalonique, Mercure, Théodore Tiron, Jean le Guerrier. Tous étaient représentés avec une épée à la main ou à la ceinture. Armé d'une épée et le plus guerrier de la suite divine est l'Archange Gabriel.

Dans l'Église orthodoxe russe, les princes - défenseurs de la terre russe peuvent être représentés avec une épée, symbolisant la défense, la défense : Georgy (Yuri) Vsevolodovich, tombé dans la bataille avec les Tatars sur la rivière de la ville (1238), Mstislav le Brave , Alexandre Nevski, Dmitri Donskoï et d'autres, ainsi que les princes martyrs tués par l'épée : Boris et Gleb.

DANS beaux-Arts Selon la Renaissance, l'épée en tant qu'attribut est caractéristique d'un certain nombre de figures qui représentent allégoriquement les sentiments humains : le courage, la fermeté, la colère, la justice, la tempérance et le désespoir. Dans les deux derniers, elle est représentée d'une manière particulière : l'épée de tempérance est rengainée, qui est étroitement liée à la poignée pour la rendre difficile à retirer ; et pour le Désespoir, représenté comme une femme se jetant sur sa propre épée, il sert d'instrument de suicide.

DANS héraldique l'emblème de l'épée peut symboliser une autorité militaire supérieure ou la justice. Une épée héraldique militaire est généralement représentée nue, la lame vers le haut, sauf dans les cas où elle est placée dans des armoiries à la mémoire des morts - l'épée est alors dirigée vers le sol.

Dans notre pays, « l’épée punitive de la révolution », placée entre les mains des employés de la Tchéka, est ensuite passée au GPU et au NKVD. À l’époque stalinienne, cette épée, ayant perdu tout lien avec le principe de légalité socialiste, s’est transformée en une arme de terreur de masse. Avant la Grande Guerre patriotique, l'emblème d'une épée coupant un serpent ornait le chevron des officiers du contre-espionnage militaire « Smersh » (« Mort aux espions ! »). Dans l’après-guerre, l’emblème représentant un bouclier avec deux épées croisées est devenu le signe distinctif des employés du ministère de la Justice.

Au moyen Âge Europe de l'Ouest et au Japon il existait un véritable culte de l'épée. L'arme principale du chevalier et du samouraï a progressivement acquis une signification rituelle et cérémoniale. La naissance symbolique d’un chevalier était accompagnée lors de l’initiation par l’épée touchant trois fois l’épaule du candidat. Toute la vie ultérieure du chevalier était inextricablement liée à l'épée : au combat, l'épée lui servait d'arme en chemin, le manche en forme de croix de l'épée enfoncé dans le sol devenait un crucifix symbolique ; L'épée était un instrument de justice lors du « jugement divin » et un instrument de rétribution lors de l'exécution des condamnations à mort. À partir des XIIIe et XIVe siècles, l'épée, symbole du pouvoir militaire suprême des monarques, devient l'un des insignes royaux, impériaux et princiers.

Épée de victoire.

Peu de gens savent que l'un des plus célèbres et des plus élevés Sculptures soviétiques- "La patrie appelle!", installée à Volgograd sur le Mamayev Kurgan, n'est que la deuxième partie de la composition, composée de trois éléments à la fois. Ce triptyque (une œuvre d'art composée de trois parties et unies par une idée commune) comprend également les monuments : « Rear to Front », installé à Magnitogorsk et « Warrior-Liberator », situé dans le parc Treptower à Berlin. Les trois sculptures ont un élément commun : l’épée de la victoire.

Deux des trois monuments du triptyque - "Guerrier-Libérateur" et "Appels de la Patrie!" - appartiennent à la main d'un maître, le sculpteur monumental Evgeniy Viktorovich Vuchetich, qui a abordé à trois reprises le thème de l'épée dans son œuvre.

Le sculpteur lui-même a commenté son attachement à l'image de l'épée : « Je ne me suis tourné vers l'épée que trois fois - la Patrie a levé une épée vers le ciel sur le Mamayev Kurgan, appelant ses fils à expulser les barbares fascistes qui piétinent la terre soviétique. La deuxième épée est tenue avec la pointe vers le bas par notre guerrier victorieux dans le parc de Treptower à Berlin, qui a coupé la croix gammée et libéré les peuples d'Europe. L'homme forge la troisième épée sur la charrue, exprimant le désir du peuple Bonne volonté lutter pour le désarmement au nom de la paix sur la planète.

La séquence historique était différente. Premièrement, le Guerrier Victorieux a été érigé (1946-1949, avec l'architecte Ya.B. Belopolsky), la Patrie a été érigée sur le Mamayev Kurgan en 1963-1967 avec le même Belopolsky et le même groupe), et le troisième monument de Vuchetich, qui n'a aucun lien avec cette série, a été installée à New York devant le siège de l'ONU en 1957. La composition, intitulée « Battons des épées pour en faire des socs de charrue », nous montre un ouvrier enfonçant une épée dans une charrue. La sculpture elle-même était censée symboliser le désir de tous les peuples du monde de lutter pour le désarmement et le triomphe de la paix sur Terre.

Monument « D’arrière en avant »

Figure 2

Le premier volet de la trilogie « De l’arrière au front », situé à Magnitogorsk, symbolise l’arrière soviétique, qui a assuré la victoire du pays dans la Grande Guerre patriotique. Guerre patriotique. Les raisons pour lesquelles Magnitogorsk a reçu un tel honneur - devenir la première ville russe dans laquelle un monument aux travailleurs du front intérieur a été érigé - ne devraient surprendre personne. Selon les statistiques, un char sur deux et un obus sur trois pendant la guerre ont été tirés avec de l'acier de Magnitogorsk

Les auteurs de ce monument étaient le sculpteur Lev Golovnitsky et l'architecte Yakov Belopolsky. Pour créer le monument, deux matériaux principaux ont été utilisés : le granit et le bronze. La hauteur du monument est de 15 mètres, alors qu'extérieurement, il semble beaucoup plus impressionnant. Cet effet est créé par le fait que le monument est situé sur une haute colline. La partie centrale du monument est une composition composée de deux personnages : un ouvrier et un soldat. Dans la sculpture, un ouvrier passe une épée à un soldat soviétique. Il est sous-entendu qu'il s'agit de l'épée de la victoire, qui a été forgée et levée dans l'Oural. L'ouvrier est orienté vers l'est (dans la direction où se trouvait l'usine sidérurgique de Magnitogorsk) et le guerrier regarde vers l'ouest. C'est là que se sont déroulés les principaux combats de la Grande Guerre Patriotique. Le reste du monument de Magnitogorsk est constitué d'une flamme éternelle, réalisée sous la forme d'une étoile-fleur en granit.

Au bord de la rivière, pour installer le monument, une colline artificielle a été érigée dont la hauteur était de 18 mètres (la base de la colline a été spécialement renforcée par des pieux en béton armé afin qu'elle puisse supporter le poids du monument installé et ne s'effondrerait pas avec le temps). Le monument a été réalisé à Leningrad et installé sur place en 1979. Le monument était également complété par deux trapèzes grands comme un homme, sur lesquels étaient inscrits les noms des habitants de Magnitogorsk qui ont reçu le titre de Héros pendant la guerre. Union soviétique. En 2005, une autre partie du monument a été inaugurée. Cette fois, la composition a été complétée par deux triangles, sur lesquels on peut lire les noms de tous les habitants de Magnitogorsk morts lors des combats de 1941-1945 (au total, un peu plus de 14 000 noms sont répertoriés

Dans la sculpture, un ouvrier tend une épée à un soldat soviétique. Il est sous-entendu qu'il s'agit de l'épée de la victoire, qui a été forgée et levée dans l'Oural, puis levée par la « Patrie » à Volgograd. La ville dans laquelle s'est produit un tournant radical dans la guerre, et L'Allemagne hitlérienne a subi l'une de ses défaites les plus significatives. Le troisième monument de la série "Guerrier-Libérateur" abaisse l'épée de la victoire dans l'antre même de l'ennemi - à Berlin.

Monument « La patrie appelle ! »

figure 3

Plus tard, cette épée forgée à l'arrière se lèvera à Volgograd sur la « Patrie » du Mamayev Kurgan. À l'endroit où a eu lieu le tournant de la Grande Guerre patriotique. Cette sculpture a été créée selon les plans du sculpteur E. V. Vuchetich et de l'ingénieur N. V. Nikitin. La sculpture du Mamayev Kurgan représente la figure d'une femme debout avec une épée levée. Ce monument est une image allégorique collective de la Patrie, qui appelle chacun à s'unir pour vaincre l'ennemi.

Monument « La patrie appelle ! » est le centre de composition du monument-ensemble « Aux Héros Bataille de Stalingrad», qui est situé sur Mamayev Kurgan. N.-É. Khrouchtchev, approuvant le projet du monument-ensemble, a exigé que la sculpture de la Patrie soit plus haute que la Statue américaine de la Liberté. En conséquence, Vuchetich a dû abandonner la conception originale de la sculpture - une figure relativement courte de la Patrie avec une bannière pliée à la main. En conséquence, la hauteur de la sculpture est de 52 mètres et la longueur de l'épée est de 33 mètres.

Initialement, l'épée de 33 mètres, qui pesait 14 tonnes, était en acier inoxydable dans une gaine en titane. Mais la taille énorme de la statue entraînait un fort balancement de l'épée, particulièrement visible par temps venteux. À la suite de tels impacts, la structure s'est progressivement déformée, les feuilles de placage en titane ont commencé à se déplacer et, lorsque la structure a basculé, un bruit de grincement métallique désagréable est apparu. Pour éliminer ce phénomène, une reconstruction du monument fut organisée en 1972. Au cours des travaux, la lame de l'épée a été remplacée par une autre, en acier fluoré, avec des trous pratiqués dans la partie supérieure, censés réduire l'effet de dérive de la structure.

La Patrie couronne une immense colline au-dessus de la place du chagrin à Volgograd. Le monticule est un monticule massif, d'environ 14 mètres de haut, et les restes de 34 505 soldats - défenseurs de Stalingrad - y sont enterrés. Un chemin sinueux mène au sommet de la colline menant à la Patrie, le long de laquelle se trouvent 35 pierres tombales en granit des héros de l'Union soviétique, participants à la bataille de Stalingrad. Du pied du tertre jusqu'à son sommet, la serpentine se compose d'exactement 200 marches en granit de 15 cm de haut et 35 cm de large - selon le nombre de jours de la bataille de Stalingrad. En plus de la figure de la Patrie, près du monticule se trouve un complexe de compositions sculpturales commémoratives, ainsi qu'une salle de mémoire.

A la fin de l'œuvre grandiose, E.V. Vuchetich a admis : « L’ensemble est désormais terminé. Derrière cela se cachent quinze années de recherche et de doute, de tristesse et de joie, de solutions rejetées et trouvées. Que voulions-nous dire aux gens avec ce monument sur le Kourgan historique de Mamaïev, lieu de batailles sanglantes et d'exploits immortels ? Nous avons cherché à transmettre avant tout l'esprit moral indestructible des soldats soviétiques, leur dévouement désintéressé envers la patrie.

Le monument aux héros de la bataille de Stalingrad est un monument au plus grand événement historique. C'est un monument à une masse de héros. Et c'est pourquoi nous recherchions des solutions et des formes à grande échelle, notamment monumentales, qui, à notre avis, nous permettraient de transmettre le plus pleinement possible l'ampleur de l'héroïsme de masse.

Monument « Guerrier-Libérateur »

Figure 4

Et à la fin de la composition, le « Guerrier-Libérateur » baissera son épée sur la croix gammée en plein centre de l'Allemagne, à Berlin, achevant ainsi la défaite du régime fasciste. Une belle composition laconique et très logique qui réunit les trois monuments soviétiques les plus célèbres dédiés à la Grande Guerre patriotique.

La figure en bronze d'un soldat de treize mètres représente Armée soviétique, qui a pris les armes dans le but sacré de libérer sa patrie des envahisseurs, de détruire le fascisme qui menaçait l'humanité d'esclavage et de protéger le travail pacifique des peuples de la terre entière. La figure du jeune guerrier respire une force indestructible. Le petit enfant s'accrochait avec confiance à la poitrine du gentil géant. L'épée ancienne avec laquelle le guerrier a coupé la croix gammée est un symbole de la défense d'une cause juste et noble, un symbole de la lutte pour que les gens vivent heureux, afin qu'ils travaillent sereinement, sans craindre que la rafale enflammée de la guerre ne balaye à nouveau sur la terre. La statue du guerrier-libérateur est parfaitement perçue de tous les côtés, ce qui est facilité par son retournement facile. Les lignes verticales de l'imperméable drapé confèrent à la silhouette la stabilité nécessaire. La base du monument est un tumulus vert, rappelant les anciens tumulus. Cela ajoute une autre note à la mélodie nationale de l'ensemble. Sur le monticule se trouve un piédestal léger représentant une figure, à l'intérieur duquel est construit un mausolée - l'achèvement solennel de l'ensemble.

Le 8 mai 1949, à la veille du quatrième anniversaire de la victoire sur l'Allemagne nazie, a eu lieu à Berlin l'inauguration officielle d'un monument aux soldats soviétiques morts lors de l'assaut de la capitale allemande. Le monument « Guerrier-Libérateur » a été érigé dans le parc Treptow à Berlin. Son sculpteur était E. V. Vuchetich et son architecte était Ya B. Belopolsky. La hauteur de la sculpture du guerrier elle-même était de 12 mètres et son poids était de 70 tonnes. Ce monument est devenu un symbole de la victoire du peuple soviétique dans la Grande Guerre patriotique ; il personnifie également la libération de tous les peuples européens du fascisme.

La sculpture du soldat a été réalisée au printemps 1949 à Leningrad dans l'usine Monumental Sculpture ; elle se composait de 6 parties, qui ont ensuite été transportées en Allemagne. Travail de création complexe commémoratifà Berlin furent achevés en mai 1949. Le 8 mai 1949, le mémorial a été solennellement inauguré par le commandant soviétique de Berlin, le général de division A.G. Kotikov.

Le monument aux soldats soviétiques au centre de l'Europe rappellera toujours aux gens le devoir sacré de chacun : lutter sans relâche pour la paix sur terre.

CONCLUSION

DANS la société moderne une épée est à la fois une arme et un symbole culturel, qui se reflète dans une variété de formes et d'apparences sémantiques.

L'étude est consacrée à élucider la raison et la nécessité d'une telle présence invariable du symbole de l'épée, dont l'objectif principal est exprimé dans la question : « qu'est-ce qu'un objet aussi archaïque donne à une personne dans la société de l'information moderne et pourquoi est-il sa présence dans la culture est incontournable, non seulement comme une arme.

L’appartenance de l’épée à la culture est due à sa présence dans tous les genres culturels et dans les référentiels de mémoire culturelle. La perte de la signification utilitaire de l’épée n’a pas mis fin à sa présence dans les formes culturelles, mais a déterminé son existence en tant que symbole.

L'épée est l'un des symboles les plus complexes et les plus courants. D’une part, l’épée est une arme redoutable, porteur de vie ou la mort, d'autre part, une force ancienne et puissante qui surgissait simultanément avec l'équilibre cosmique et était son opposé. L’épée est aussi un puissant symbole magique, un emblème de la sorcellerie. De plus, l'épée est un symbole de pouvoir, de justice, de justice suprême, d'intelligence omniprésente, de perspicacité, de force phallique et de lumière. L'épée de Damoclès est un symbole du destin. Une épée brisée signifie la défaite. Ainsi, l'épée, ayant quitté la réalité pratique, vit néanmoins dans la réalité d'un assez grand nombre de personnes en tant que symbole et artefact. Sa signification et son rôle au niveau symbolique restent pratiquement inchangés.

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